Guitarristas y Bajistas Magazine #60

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DiSCOS COMPACtOS - Página 06 LA OtRA MiRADA DE DiEgO SERRA - Página 07 ENtREViStA A MAyCOwN REiChEMbACh - Página 08 FOCuSRitE CLAREtt 2PRE uSb - Página 10 ENtREViStA A LuCiO bALDuiNi - Página 12 yAMAhA tRbX 505 - Página 15 ENtREViStA A EMANuEL SáEz - Página 16 NAMM ShOw 2018 - Página 20 ENtREViStA A PAbLO MOtyCzAk - Página 22 AMPEg PORtAFLEX - Página 28 ESP guitARS - Página 30 ENtREViStA A NiCOLáS CAPPELEtti - Página 32 SAitO S622 guitARS & DELAEt MR SERiES - Página 34 JOhN PAuL JONES - Página 44 wARwiCk hiStORy - Página 45

SuPLEMENtO tÉCNiCO DANiEL CORzO - Página 35 igOR SAAVEDRA - Página 36 JuLiO ELORzA - Página 37 MAyCOwM REiChEMbACh - Página 38 MARiANO SíVORi - Página 39 MiChEL LEME - Página 40 ARtuRO MAwCiNitt - Página 41 bRuNO LADiSLAu - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Daniel Corzo Igor Saavedra Julio Elorza Michel Leme Arturo Mawcinitt Bruno Ladislau Mariano Sívori

04 | Editorial

Año 12º - Nº 60 | Abril 2018 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.b.A y gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

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MARSHALL AMpS La marca de amplificadores Marshall que acompaña a todas partes a las estrellas de rock ya está disponible en Smallable. La mítica marca tan famosa por sus característicos bafles sigue diseñando productos, como los cascos y amplificadores pensados para el público en general. Si quieres ser como Jimi Hendrix, más vale que tengas tu propio equipo de música Marshall.

FOCUSRITe CLAReTT Focusrite es una de las más importantes marcas de audio profesional del mercado. Fue fundada por Rupert Neve en 1985, y su base está localizada en High Wycombe, una ciudad del sudeste de Inglaterra de unos 120.000 habitantes. Comenzó facturando grandes mesas de mezclas para estudios, pero hoy en día está más centrada en otro tipo de aparatos, destacando sus interfaces de audio y sus pre-amplificadores de micrófono. su filosofía parece ser la de obtener un sonido limpio y silencioso, acercándose cada vez más a este objetivo con el paso del tiempo, gracias a fuentes de alimentación mejor filtradas, mayores niveles de feedback en los amplificadores y un menor uso de transformadores de acoplamiento. Focusrite ha empezado a comercializar la gama Clarett, una serie de interfaces basados en el puerto de alta prestaciones Thunderbolt. Es sin duda, una apuesta a futuro y una declaración de unas intenciones que parece que van a ir muy ligadas a la manzana de Cupertino. Importa y distribuye Tevelam SRL

JUAMpY JUÁReZ “Estate” de Bruno Martino, es un adelanto del álbum “Solstitium”, primer CD del guitarrista y compositor Juampy Juárez tocando Solo Guitar, donde se puede escuchar la libertad y originalidad con la que el músico aborda famosas composiciones de Jazz y Bossa Nova, temas originales e improvisaciones. Juampy ha estado investigando las tecnicas extendidas de los armónicos por muchos años, estas se pueden ver y escuchar en el video (https://youtu.be/byvqHxnQ-6E). El álbum es parte de una obra conceptual que contiene un libro con estas técnicas , ocho videos evidenciando la parte más experimental de su búsqueda artística, además de algunos dibujos del propio Juampy que están en la portada del CD. El album estara a la venta muy pronto, interesados enviar un correo a juampyjuarez@hotmail.com. Juampy usa guitarras Aprile, DiMarzio Pickups, Greger Amplificacion, Apolo efectos y Fundas Argon.

WASHBURN ACOUSTIC GUITAR HD 100SWK Las guitarrs Washburn son conocidas por su sonido y su calidad de construcción que por cierto son increibles!. Pasa a probar la línea de acústicas Washburn por las mejores casas de música del pais. Importa y distribuye Tevelam SRL.

eSp GUITARS En 1975, Hisatake Shibuya abrió en Tokio (Japón) una tienda llamada “Electric Sound Products” (ESP). Inicialmente reparaba guitarras y comercializaba piezas para estas.

En 1976, ESP ya se había ganado una buena fama debido a la alta calidad de sus piezas, a la vez que empezó a comercializar instrumentos en el mercado japonés bajo las marcas ESP y Navigator. ESP se ganó la fama al proveer guitarras a guitarristas que llegaron a ser grandes exponentes del thrash metal a través de los años 80, junto con la marca de guitarras Jackson Guitars, incluyendo Metallica, Slayer y Megadeth. Como resultado de estos “fichajes”, ESP se ha convertido en una de las marcas de guitarras más populares dentro del género musical del heavy metal. Sin embargo, también han provisto guitarras Signature para otros muchos guitarristas, como Ron Wood (The Rolling Stones) y Dan Jacobs (guitarrista principal de la banda Atreyu). La marca LTD acerca las guitarras ESP a bolsillos más ajustados, manteniendo la calidad y sonido característicos. En 1996, debido a la buena marcha de la compañía, ESP comenzó a comercializar instrumentos bajo una nueva marca: LTD (by ESP). Los instrumentos de LTD son similares a los de ESP, pero a un precio más barato y accesible. Importa y distribuye Hendrix Music SRL.

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Novedades | 05

discos compactos

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográficos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición.

JORGe ReTAMOZA - SeIS eSTUDIOS TANGUíSTICOS El destacado saxofonista Jorge Retamoza lanza y presenta Seis Estudios Tanguísticos (Club del Disco), su octavo álbum solista, grabado en Alemania y Argentina entre enero y septiembre de 2017. Jorge Retamoza es uno de los saxofonistas que más ha desarrollado la inclusión de su instrumento en el lenguaje del tango. En sus composiciones desarrolla una música basada en el tango, los gestos del jazz y los procedimientos académicos. El disco incluye los Seis Estudios Tanguísticos de Astor Piazzolla; Síntesis, Un amigo en Berlín, Plaza Miserere, y Bailate Esta, de Retamoza, y Al Invitado, de Eduardo Rovira. Como bonus tracks: Veinte Años Después, de Piazzolla y Aire de Buenos Aires, de Gerry Mulligan. Seis Estudios Tanguísticos es una obra de Astor Piazzolla que, originalmente escrita para flauta, ingresó al mundo del saxo en todos los continentes. Es esta la primera versión completa registrada por un saxofonista argentino y la primera a nivel mundial en formato de cámara. El disco será presentado el jueves 17 de mayo a las 21hs. en Café Vinilo en formato de cuarteto, con Matías Rubino en bandoneón, Gastón Harisquiry en piano, Roberto Seitz en contrabajo y Jorge Retamoza en saxo alto y baritono, composición y arreglos.

Dice Jorge Retamoza: “Este ambicioso proyecto de grabar los Seis Estudios de Piazzolla, contó con la sociedad del maestro Manfred Neumann, director de la formación de cámara de la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrucken, Alemania. La radio pública de Saarbrücken se sumó además como coproductora de la grabación y filmación llevada a cabo en la sala principal de conciertos de la Philharmonie. Eduardo Rovira, el otro bandoneonista vanguardista del tango de los sesenta, es una gran influencia en mi forma de escribir: pocos colores pastel y un enfoque muy angular con menos romanticismo, en el que la tradición del tango abreva. La Orquesta del Congreso dirigida por el maestro Sebastiano de Filippi continúa en Plaza Miserere una composición que hace referencia a mi infancia en el popular barrio de Balvanera, y que junto a Síntesis , Un amigo en Berlín y Bailate Esta, fueron escritas especialmente para la sesión de grabación. Esta música continúa el camino sobre el que trabajo desde hace años: reflejar la ciudad, sus colores y su música, con espacio para improvisaciones -individuales o colectivas- dominadas por el vocabulario del tango.

Por último, durante 2014 celebramos el 40 aniversario de Reunión Cumbre, álbum seminal de Astor Piazzolla y Gerry Mulligan. Las versiones de Veinte Años Después y Aire de Buenos Aires, fueron rescatadas de una actuación en vivo para la realización de un video. He vivido con gran expectativa todo el proceso de concreción de este proyecto discográfico con un material -los Seis Estudios- que me ha acompañado durante tantos años y que me permite profundizar la huella en el desarrollo del saxo dentro del vocabulario del tango”.

MAYCOWN ReICHeMBACH - WAY FROM HOMe “Way From Home” es el nuevo álbum del Guitarrista y compositor Maycown Reichembach. Han participado algunos de los mejores músicos más consagrados a nivel internacional como también nacional: Simon Phillips (baterista de Toto, Jeff Beck, The Who), Oscar Feldman (Saxofonista de Paquito D'Rivera; George Benson), Igor Saavedra (Pionero del bajo eléctrico a nivel mundial), Felipe Andreoli (bajista de Angra), Jota Morelli (Baterista de Al Jarreau), entre otros. El álbum fue grabado en Los Angeles-California, Sao Paulo- Brasil y Buenos Aires. Un álbum de jazz/rock con toques de world music y un poco de música experimental, convierten a “Way From Home” en un material de escucha obligatoria para todos los melómanos y amantes de la buena música.

06 | Discos Compactos

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La otRa miRada

Diego Serra es un joven baterista, con una vasta experiencia como sesionista y músico, también es cantante y guitarrista. toco con grandes músicos como Steve Rothery (Marillon), Airbag, tristemente Célebres, entre otros. Aquí nos cuenta sus experiencias con los guitarristas y bajistas con los cuales ha tocado. Por Diego Serra

innumerables shows en la Capital Federal, y también taloneando a artistas como Gilby Clarke, Motorhead.

GUITARRISTAS El primer guitarrista que destaco es Fernando pareta, un gran amigo y excelente músico, con el cual tuve el gusto de tocar por 3 años consecutivos. Junto a él y su padre, Oscar Pareta, realizamos gran cantidad de shows por todo el país. Fernando es un guitarrista muy versátil, muy profesional, si bien toca diferentes estilos con facilidad, lo que más lo representa es el Rock y el Blues. El trio tocaba música instrumental, con una fuerte influencia de Jimmy Hendryx, Jeff Beck, Michael Landau, Joe Bonamassa, entre otros guitarristas. En el 2010, fuimos convocados para tocar en el Festival JemFest que organiza Steve Vai en Orlando, Florida, y eso fue increíble para nosotros porque pudimos conocer gran cantidad y variedad de músicos talentosos. Hoy en día Fernando es endorser de gran cantidad de marcas internacionales de pedales y guitarras, y todos los años es convocado por las mismas para tocar en el Namm Show.

El segundo guitarrista que destaco es Claudio Iuliano, guitarrista de sesión que trabajo con gran cantidad de artistas, tales como Roxana Amed, Leon Gieco, Proyecto Verona, etc. Su labor como guitarrista es más abarcada a la sesión en estudio, donde se destaca notablemente, ya que es un gran ejecutante de su instrumento. Con el empezé a tocar a los 19 años en la banda Aeropiano, donde grabamos dos discos de estudio y giramos por algunas provincias de la Argentina. Luego continuamos tocando juntos en un proyecto de música propia, donde mezclábamos diferentes estilos, pero siempre con conceptos de Jazz. Claudio se dedica a la docencia, dando clases en su estudio de Villa Urquiza, donde realiza también labores de productor.

Tuve el honor de tocar con el gran Steve Rothery, guitarrista de Marillion, con el cual tuve no solo el honor sino el placer de haber sido su baterista en sus shows solistas en Capital Federal en el año 2015. Increíblemente profesional y prolijo a la hora de tocar, se destacaba por su so-

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nido cálido y exquisito. Se aprende mucho de músicos internacionales con semejante carrera como la de Steve.

Un recuerdo que voy a tener siempre presente.

Otro gran guitarrista con el que toque fue Niko Takara.

Increíblemente virtuoso a la hora de tocar, se destacaba por su técnica y por su persona, era un ser amigable, honesto y gran compañero. Con el compartí también gran cantidad de shows y ensayos, cuando tuvo su paso por la banda Aeropiano en la cual forme parte.

El último que destaco es Ivan Caballero, que fue mi compañero durante dos años en la banda Tristemente Célebres. Con la misma giramos en varias provincias, como Córdoba, Santa Fe, Mendoza, San Luis, entre otras, y en

BAJISTAS Leandro Kejval, bajista de La Carga, con el cual toque en la banda Aeropiano. Un increíble bajista, que se destaca por su prolijidad y sonido. Siempre fue un gran gusto tocar con él, porque ya venía de años de experiencia con su banda, y yo daba mis primeros pasos en el mundo profesional, y encontrarme con un bajista de ese calibre fue un gran aprendizaje para mí como baterista. Actualmente continúa con banda La Carga, abriendo shows de bandas internacionales y girando por Capital Federal.

Otro bajista con el que compartí muchos escenarios es Germán Winter, ex bajista de Jaff, actualmente bajista de Tristemente Célebres. De el destaco su técnica y musicalidad. Es un bajista muy original a la hora de tocar, y destaco también su audio propio. Un gran recuerdo que tengo con él fue cuando terminamos un show, y se sube Chizzo de La Renga a tocar con nosotros, fueron 15 minutos a puro power trio que se disfrutaron muchísimo.

Oscar pareta, fue mi gran compañero en el trio de Fernando Pareta. Un excelente bajista de Rock, pero con gran técnica que abarcaba varios estilos. Con el giramos en Estados Unidos en el 2010, como ya comente antes, en el Festival JemFest. También fue endorser de marcas internaciones de bajos y pedales.

El ultimo que voy a destacar es Leandro emanuelle, un increíble bajista de Groove, con el cual tengo el honor de tocar hasta el día de hoy. Actualmente está tocando en la banda SER, y ya tienen algunos hits sonando en las radios más conocidas de la Argentina, y girando por todo el país. Con el compartí varios trabajos de sesión, como giras al interior tocando en Casinos, grabaciones para artistas de diversa índole y presentaciones en televisión.

Un gran bajista, pero sobre todo, un gran amigo, que para mí, es una parte muy importante en la música.

La otra mirada de Diego Serra | 07

maYcoWN REicHEmBacH

Qué fue lo que te inspiró a sacar un nuevo disco?

Primeramente gracias por invitarme a mostrar mi nuevo trabajo. Como artista siempre busque la evolución, en todos los sentidos. Tanto compositiva, armónica y técnicamente, es una búsqueda infinita, pero siempre hay “saltos evolutivos” luego de mucho estudio. Mi nuevo álbum “Way from Home” lo empecé a escribir en 2015.

Luego que perdí físicamente a mi abuela que fue muy importante en mi vida. Saque el single “Gloria” y eso me llevo a componer todos los temas del álbum. Fue la primera vez que lo hice sin apuro, y cada detalles fue tomado con mucha seriedad; desde el audio, pasando por

los arreglos e instrumentación de cada tema. Algunos temas fueron arreglados pensando en el músico que lo interpretaría, así pude sacar lo mejor de cada uno. Y realmente estoy teniendo excelentes comentarios en todo el mundo sobre “Way from Home”. en dónde fue grabado?

El álbum fue grabado en Los Angeles, California, San Paulo, Brasil y Buenos Aires, Argentina. Dependió mucho de los músicos que participaron del álbum, Y debido al avance tecnológico que vivimos pude hacer esto que hace no muchos años solo era posible con muchísimo di-

guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. ha compartido escenarios y álbumes con respetados músicos como: Simon Phillips, kiko Loureiro, greg howe, entre otros. Por Sergio Resar

nero. Cabe recalcar que todos los artistas que participaron tuvieron las agallas de tocar las partituras super difíciles que les envíe y aun así aportar otras cosas a la misma.

Cuál es el estilo de mismo?

Mi música es instrumental, por mis influencias siempre estuve entre el rock y el jazz, pero siempre me gustó y estudie de todo, entonces de apoco fui incorporando todo tipo de música en mi “background” artístico. Este álbum tiene un poco de jazz, rock, funk y experimental, pero lo que más me gusta es que conseguí desarrollar un concepto, es decir, todo tiene un mismo sentido artístico y eso lleva a que no sea un popurrí de temas, sino que voy contando una historia, como si fuera un libro.

Me llevo mucho tiempo aprender todas esas cosas sutiles que engrandecen a una obra.

Cuál es tu método de composición?

La composición es un ejercicio, cuando más lo hago mejor me sale. Puede venir de una idea del bajo, teclado o con lápiz y una pentagrama. Tengo conceptos avanzados que aprendí en la época de la Universidad Souza Lima, pero muchas veces esas cosas no las uso, porque el arte va más allá de las técnicas. Últimamente me interesa mucho sonoridades poco utilizadas (que ya es difícil de encontrarlas) es decir, cosas difíciles, pero que suenan a algo simples.Si una melodía o parte de un tema es buena me quedará en la cabeza por varios días sino al rato ya me lo olvidare. Por suerte en “Way from Home” me tome todo el tiempo del mundo para hacer cada cosa que mi mente y corazón pedían.

Sabemos que hay muchos artistas de renombre que han grabado en él, contanos de cada uno de ellos.

Soy muy afortunado por tener a algunos de los músicos más importantes del mundo en este álbum y encima ar-

08 | Entrevista a Maycown Reichembach

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tistas que yo escuchaba en otros discos y hoy están ahí, haciendo sonar esas cosas que escribí. Al primero que invite fue a Simon Phillips, el ya ha grabado con Toto, The Who, Jeff Beck, Joe Satriani y muchísimos artistas universales. Él grabó en dos temas “Lluvia de Verano” que es más jazz/fusión y “Atonal Funk Rules” un funk latinoso donde tiene una parte atonal en el medio del tema, algo tipo Frank Zappa, donde todos los instrumentos van al unisono con células rítmicas impares y polirritmias, generando así un caos conciente e intencional. También Igor Saavedra, pionero del bajo de 8 cuerdas mundial-mente, él puso unas líneas de bajo en “lluvia de Verano” que esta Phillips y en otros dos temas, como “Limbo” que tiene una onda Allan Holdsworth y Igor supo interpretar y tocar mejor que nadie. Oscar Feldman que ha compartido giras con Paquito D´Rivera y George Benson se grabo unas líneas de saxofón mortales donde nos sacamos chispas, jajaja.

Felipe Andreoli de Angra grabo en el tema folclórico/jazero “Gloria” y Jota Morelli que toco con el flaco Spinetta y Al Jarreau también tocó en un par de temas, dejando su marca registrada y un audio infernal. Me parece importante resaltar la participación de Mariano Cabral en dos temas del disco, él es un baterísta argentino de un gusto musical muy elevado y una técnica descomunal. Es muy importante darle lugar a los nuevos artistas porque de ellos es el presente y depende el futuro.

Dónde se puede conseguir esta placa?

El álbum fue editado digitalmente por el sello Norteamericano Neworld Records, disponible en todas las plataformas digitales. También en formato físico/Digipack y lo pueden pedir en management@reichembach.com. Visita mi website: www.reichembach.com allí está toda la información sobre mi carrera.

cibí varias invitaciones y estamos en negociaciones. Al mismo tiempo sigo creando, produciendo artistas en mi estudio y formando alumnos, con un método propio que ya me ha dado excelentes resultados y a muchos de mis alumnos el reconocimiento de su trabajo con sus bandas, algunos a nivel nacional. También estoy grabando el primer álbum de Malopa Quasar, que es mi banda de rock/funk, que tiene una sonoridad más “yankie” tanto en los arreglos como en las composiciones, es un producto para el mercado internacional. Le tengo mucha fe a ese álbum.

Qué sigue en tu carrera?

Estoy preparando el show de lanzamiento en Buenos Aires, mientras voy presentando el álbum en varias ciudades de Argentina. También se vendrán shows en el exterior, ya re-

Vas a presentarlo en vivo? en dónde?

Es muy probable que sea en “Santos 4040” de Capital Federal en el mes de Mayo, será un show eléctrico y acústico, donde tocare mi obra “Tangomorfosis” estrenada

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en 2016 junto a la violonchelista Austríaca Ana Topalovic.

Este año será en cuarteto de cuerdas y guitarra clásica.

Y el show eléctrico haré “Way from Home” con algunos de los artistas que participaron en el álbum.

Dejanos unas palabras para nuestros lectores.

Yo creo que el respeto es la palabra más importante en este momento de la historia, y engloba a todo. Cuando uno es respetuoso con su arte, el arte te devuelve eso multiplicado. Cuando somos respetuosos con el amor y con el prójimo, eso vuelve de otra forma. No tienen nada que ver con religiones o creencias. Sino que todo lo que damos vuelve de una u otra manera. Hay que ser consciente de este fenómeno y tratar de dar lo mejor de cada uno. A la larga todo se realiza por más increíble que pueda parecer.

Entrevista a Maycown Reichembach | 09

FocusRitE cLaREtt 2pRE usB

Focusrite diseña y comercializa interfaces de audio, preamplificadores de micrófono, consolas, ecualizadores analógicos y canales, hardware y software de procesamiento de audio digital. Muchos, pero no todos, los productos Focusrite se fabrican para la compañía en China. Fundada en 1985 por Rupert Neve, los primeros contratos de de negocios de Focusrite incluyeron una pedido de Sir George Martin (productor de The Beatles entre muchos otros) para construir extensiones para las consolas Neve Custom de Air Studios, inicialmente para la consola de grabación vintage en el estudio Martin's Air Montserrat en el Caribe, específicamente un preamp de micrófono y ecualizador. El módulo resultante, denominado amplificador de señal de entrada (ISA) 110, consistía en un preamplificador de micrófono acoplado a un transformador, ecualizador de 4 bandas y filtros de paso alto y bajo. Los módulos iniciales se entregaron a Air Montserrat en 1987 y fueron muy bien recibidos; como resultado, Air London ordenó varios al año

10 | Focusrite Clarett 2Pre uSb

siguiente. El ISA 110 se vendió posteriormente como un sistema externo. El ISA130 se agregó a la gama en 1988, un Comp / Limiter de un solo canal y fue desarrollado por Rupert Neve y Trevor Stride. Después de un poco de historia sobre la marca, esta ha introducido una nueva gama de interfaces de audio USB: superando las interfaces del doble del precio o más. La línea Clarett USB presenta un micrófono de alto rendimiento y un bajo nivel de ruido (128dB EIN) especialmente diseñado con un diseño ultra lineal de baja distorsión que garantiza un sonido limpio, abierto y transparente, brindando una representación precisa del rendimiento original. Aparecen tres interfaces en la serie: Clarett 2Pre USB (10 entradas y 4 salidas), Claret 4Pre USB (18 entradas y 8 salidas) y Clarett 8Pre USB (entradas y salidas de 18 entradas). Con un rango dinámico de hasta 119dB, Clarett ahora pueden tener una experiencia con cualquier Mac® o PC compatible con USB 2.0 y superior. Los cables estándar USB y USB Type-C in-

Focusrite plc (anteriormente Focusrite Audio Engineering Ltd.) es un fabricante inglés de equipos de audio. Por gyb.ar

cluidos se conectan a Mac o PC, y podrás puede grabar con latencia súper baja a través de simuladores de amplificador y plug-ins de efectos. Décadas de experiencia en el diseño de circuitos analógicos, aplicados a la conversión A-D y D-A a 24 bits / 192 kHz, ofrece una ruta de señal superior. Además, los preamplificadores de micrófono habilitados con aire pueden reproducir la impedancia de entrada, la claridad y la curva de respuesta de frecuencia de nuestro preamplificador de micrófono ISA original. El software incluido es de XLN Audio, Focusrite, Softube, Ableton y Loopmasters. La más compacta de las tres interfaces, Clarett 2Pre USB proporciona dos entradas de micrófono / línea / instrumento, cuatro salidas de línea, E / S MIDI y una entrada ADAT. El Claret 4Pre USB y Clarett 8Pre USB agregan entradas de micrófono / línea, E / S S / PDIF y dos salidas de auriculares con controles de volumen. Vea las páginas del producto para más características que separan el rango.

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Lucio BaLduiNi

Contanos un poco de tu infancia y cuándo empezaste con la guitarra y por qué?

A los ocho años empecé a jugar con la guitarra de mi papá que estaba en la habitación de mis padres. La sacaba de la funda, me subía a la cama y rasgaba las cuerdas. Me encantaba hacerlo, y ni se me ocurría que podía poner mis dedos en los trastes. Rasgaba con mucha intensidad las cuerdas al aire. Con el tiempo empecé a probar tocar melodías usando las dos manos y a los doce años empecé a tomar clases formalmente.

Lucio balduini ha integrado diversas agrupaciones de jazz argentino. ha tocado junto a músicos como el Mono Fontana, Juan Cruz de urquiza, guillermo klein, hernán Merlo, Enrique Norris, Mariano Sivori, Mariana baraj, Pipi Piazzolla, Escalandrum, Melina Moguilevsky, Esteban Sehinkman, Fer isella, Lucio Mantel. Por Sergio Resar

darina. Ariel Naón toca el contrabajo y Pedro Aeths Etcheverry toca la batería.

Cuál es el disco que le siguió?

Se llama Viento Divino y se editó en 2012. En este disco la banda está formada por Jesús Fernández en Fender Rhodes, Mariano Sívori en contrabajo y Piazzolla en batería.

el año pasado editaste tu último trabajo, de qué trata y con quienes lo grabaste?

El año pasado edite El bosque brillante. Siento que es una continuación natural de Viento Divino. La instrumentación es la misma pero en este disco está Esteban Sehinkman en Fender Rhodes. Podría definir El bosque brillante como un viaje climático y espiritual, que atraviesa

Con quiénes estudiaste?

Yo nací y crecí en General Roca (Río Negro). Allí vive un grandísimo músico y docente que se llama Andrés Fuhr.

Tome clases semanales con él entre los 12 y los 17 años.

A los 17 años me vine a Buenos Aires y me inscribí en la EMBA, donde tuve la suerte de tomar clases de guitarra con Diego Otaño. Al mismo tiempo comencé clases particulares con Pino Marrone. Iba una vez por mes o más espaciado. Lo hice durante dos años. Aprendí mucho en esos años con Andrés, Diego y Pino. Ellos me marcaron para siempre.

Qué música escuchabas cuando eras adolescente?

Muchísimo rock nacional. Escuchaba Spinetta en todas sus formas. Escuchaba su música casi exclusivamente.

Quiénes eran tus ídolos en tu instrumento?

Además de Spinetta, también escuchaba blues. Hendrix y Steve Ray Vaughan eran mis ídolos y lo siguen siendo.

Hablanos de tu primer disco solista, Lucecita, en qué año se editó, dónde lo grabaste y con quiénes?

Lucecita se editó en 2007, lo grabamos en el estudio Man-

12 | Entrevista a Lucio balduini

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bién. El disco de Juan Cruz de Urquiza “Indómita luz”. El disco de Mariano Sívori “No Dogma”.

Qué cosas son las que te inspiran?

Me inspira la naturaleza, el amor, mis amigos, mi familia, el sonido y todos aquellos que se enfrentan a lo desconocido para abrir nuevas puertas.

Contanos que cómo está compuesto tu set?

En este momento estoy tocando con una guitarra Collings i35LC y un amplificador Fender Hot Rod Deluxe. Mi set de pedales actual incluye un Strymon Flint, un Strymon El capistan, otro Strymon Timeline, un Boss Loop Station RC3, un Electro Harmonix Hog2, un Analog Man King of tone y un Plus pedal.

diferentes atmósferas, evocando paisajes sonoros, a veces cercanos a la canción y otras, buscando sintonía con galaxias lejanas. estás presentando este disco en vivo? en dónde?

Ahora tenemos fechas en el interior. El 11 de mayo en El festival de jazz de Neuquén.

Cuál es tu sistema de composición?

No tengo un sistema para componer. Es un proceso muy intuitivo y misterioso para mí. No práctico la composición todos los días. Hay veces que me encuentro con alguna

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idea que me gusta, y dedicó tiempo a explorar esa idea.

La llevo en diferentes direcciones y experimento todo lo que puedo. De ese proceso obtengo conclusiones que luego se transforman en composiciones. Otras veces siento el impuso de hacer una canción, y entonces me siento e intento interpretar ese impulso.

Querés mencionar con quienes grabaste?

He tenido la suerte de participar en muchos proyectos que me han marcado profundamente. Los dos discos que hemos grabado con el Pipi Piazzolla trío son muy importantes para mí. El disco de Jorge Armani “Infancia” tam-

Qué sigue en el futuro en tu carrera?

En el futuro espero seguir presentando El bosque brillante.

Voy a estar viajando mucho por el interior del país. En abril estaremos en Rosario con el trío de Pipi Piazzolla, con el cual vamos a grabar nuestro tercer disco este año.

También en abril voy a estar en Córdoba. En mayo voy a Neuquén y también voy a estar en Bariloche, General Roca y Neuquén con el gran Ernesto Snajer en dúo. También tenemos un proyecto con otro gran referente de la guitarra que se llama Jorge Armani y seguramente grabemos un disco juntos este año.

Dejanos unas palabras para los lectores de la revista.

El mundo va a toda velocidad y generalmente todo lo que vemos en las redes y los medios, es efímero y superficial.

Nosotros, como artesanos de nuestro instrumento, debemos aprender a ir en contra del mundo que nos rodea.

Necesitamos darnos el tiempo para aislar aquellas cosas que deseamos aprender y convivir con ellas todos los días durante un buen tiempo. Así las veremos florecer frente a nosotros. Ver el fruto nos da estímulo para seguir aprendiendo y mejorando. El camino es infinito. No te apures.

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YamaHa tRBX 505

Por es razón, Yamaha tiene una reputación de entregarnos de instrumentos de calidad a precios razonables, y su nuevo bajo, el bajo Yamaha TRBX505 de 5 cuerdas de precio económico es un ejemplo perfecto.

El bajo Yamaha TRBX505 construido Indonesia sigue la forma de muchos instrumentos de estilo boutique con su diseño ergonómico, diapasón de 24 trastes y el mástil de láminas múltiples. Los dos humbuckers alnico V emiten una vibración de alta gama y están posicionados para una toma más agresiva en el tono de J-Bass.

En el bajo Yamaha TRBX505 el ecualizador de 3 bandas le da las herramientas para una amplia gama de estilos, y el interruptor de derivación pasiva le da acceso al tono crudo de los micrófonos cuando sea necesario.

En el puente, espacio para la cuerda de 18 mm que es un término medio para la mayoría de los bajistas, con suficiente espacio para slappers.

Desde1966, con su primer bajo Sb2 que lanzó al mercado simultáneamente con la guitarra Sg2, yamaha, una marca reconocida mundialmente ha construido muy buenos bajos eléctricos acorde al presupuesto de cada músico. La línea tRbX que hoy propone yamaha no ha sido la excepción. Por gyb.ar

esculpir el tono perfecto para conciertos en vivo y sesiones de estudio. No importa qué tipo de sonido necesites, el bajo de 5 cuerdas Yamaha TRBX505 puede llegar hasta allí en cuestión de segundos.

CARACTeRíSTiCAS Largo de escala de 34”' (836.6mm) Mástil de Maple y Mahogany de 5 piezas Diapasón de Rosewood

Radio de 23-5 / 8'' (600 mm) Ancho de Tuerca de 43mm Cuerpo de Mahogany (macizo) Clavijas Die-cast Puente Die-cast (18mm) Micrófonos HHB5n (Alnico V), HHB5b (Alnico V) Controles: Master Volume, Balancer Pickup, graves, medios, agudos y el interruptor de activo-pasivo Con Alerta de batería LED en la parte posterior

Con respecto al cuerpo de este bajo Yamaha TRBX505 es cómodo con un estilo progresivo. Con sólo pegarle un vistazo a este bajo eléctrico, ya sabés que es un buen negocio tenerlo. Un corte pronunciado en la parte inferior de su cuerpo te da un acceso limpio a los registros más altos del instrumento para los solos, mientras que el cutaway superior proporciona equilibrio (y se ve bien). El mástil de 5 piezas de maple y mahogany tiene un perfil cómodo y rápido de tocar. Los micrófonos humbucking entregan tono bien grave. Yamaha ha puesto en el bajo Yamaha TRBX505 un par de micrófonos H5 humbucking de diseño personalizado. Estos imanes de alnico proporcionan un tono abierto y grande sin ningún zumbido. Comienza con un interruptor activo / pasivo seguido de un ecualizador de 3 bandas, un control de balance y volumen. El ecualizador te permite

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EmaNuEL sáEz

Nació en el seno de una familia de artistas y desde muy temprana edad se inclinó hacia el dibujo, pasando interminables horas de su infancia con solo una lapicera biC y un papel. Con el paso del tiempo y el devenir de la adolescencia comenzó a comprender el poder de la música y finalmente a los 13 años, descubrió la guitarra. Por Sergio Resar

foto: ale casamayou

Cuándo empezaste a interesarte por la guitarra?

Me interesé en el instrumento cuando algunos compañeros de la escuela empezaron a armar una banda. Recuerdo el día que hice por primera vez el riff de “Smoke on The Water” y el de “Come as you are” (los dos riffs que todos aprenden el primer día que uno agarra una viola).

En ese momento cambió mi vida para siempre. A los pocos días, mi viejo (Julio Sáez) me enseño los acordes mayores y arranqué con una guitarra criolla zurda que él me había regalado hacía unos años.

beza) con todo tipo de música de todas las épocas y estilos. Eso fue un poco el comienzo y a partir de allí mi curiosidad hizo el resto. Era una esponja, una hoja en blanco y cualquier cosa que me llegara la incorporaba Contanos cómo se llamaba tu primera banda y quienes la integraban?

Luego de años y años de experiencias y maduración, formamos con mis amigos del colegio (Pablo Passano y Juan Carlos Ruíz) la banda Buenos Aires Karma. Con la llegada de Gregorio Martínez en el 2001 la agrupación quedó completa y salimos a tocar. B.A.K. fue crucial en

foto: ale casamayou

Con quiénes estudiaste?

No estudié con nadie en particular, solo sé que una vez que aprendí los acordes mayores ya estaba tratando de componer algo. Mi viejo siempre fue un referente y constantemente me tiraba consejos que me habrían mucho la cabeza, pero no me jodía mucho, dejaba que yo investigara solo. Aprendí mucho junto con mis amigos (con los de la banda que armamos), nos íbamos tirando data todo el tiempo. Si aparecía un acorde nuevo lo compartíamos y lo practicábamos. Recuerdo que llegó a mis manos un libro con todos los temas, los acordes y letras de The Beatles. Eso fue fundamental para sentar las bases de mi estilo. Son hasta hoy en día mi banda de cabecera. La siguiente etapa llegó cuando aprendí la escala pentatónica y me animé a empezar a solear. Mi máximo referente en ese aspecto fue Slash. Después descubrí a Tom Morello y me explotó la cabeza. Empecé a tocar riffs de ese estilo todo el tiempo. El momento bisagra fue cuando tuve que elegir entre ponerme 6 horas por día y ser un violero virtuoso o ponerme a componer y crecer en ese aspecto.

Como me aburría practicar tanta digitación y esas cosas decidí apuntar hacía lo segundo, a tratar de hacer buenas canciones, buenas melodías y buenos riffs.

coparme conscientemente con la música yo ya había ido a ver conciertos de Soda Stereo, Tears For Fears, Guns ‘N Roses, Rolling Stones y Paul McCartney por ejemplo.

Mis primeras influencias ya cuando arranqué con la guitarra fueron The Beatles, Noel Gallagher, Billy Joe, Slash y Tom Morello. Recuerdo que en el año 1997, a los 15 años fui a ver a Oasis al Luna Park y flasheé groso. El audio atronador de Gallagher combinado con esas canciones épicas me marcó para siempre. Yo quería eso, poder y melodías. Mi hermano también me tiró muchísima data, recuerdo que me grababa compilados en cassettes TDK que se llamaban Blow Your Head Off (Volate la ca-

Quiénes eran tus influencias?

Lo bueno de tener padres melómanos fue que antes de

16 | Entrevista a Emanuel Sáez

guitarristas y bajistas.ar

mi vida, todo lo que soy hoy como músico y artista se lo debo en gran parte a esa banda. Dimos centenares de shows y compartimos escenario con grandes bandas de la escena local e internacional. Muchos aciertos y muchos errores de los cuales aprendimos enormemente.

Luego de 15 años, a finales del 2015, decidimos poner un freno al proyecto por tiempo indefinido.

pezó a rondar la idea en mi cabeza de grabar y de armar un nuevo proyecto. A su vez, el nuevo fuego, el mar purificante y fuertes vivencias dieron lugar a que nuevas composiciones y letras surgieran. Esto me motivó más, porque comenzó a aparecer un concepto general de disco. Finalmente, cuando ya hubo suficiente material, arranqué un arduo y meticuloso proceso de pre producción.

Llegaste a grabar con esta banda?

Grabamos 3 discos. Terrícolas (2009) producido por Martín Carrizo, Limo (2012) producido por Damián Torrisi y El Gran Ruido (2015) producido por Leo García.

Quiénes la integran?

Convoqué a la base de Bs. As. Karma (Juan Carlos Ruíz en batería y Gregorio Martínez en el bajo) y a Gabriel Gasloli como guitarrista. Hoy en día, para los shows en vivo, también se sumó Alan July en guitarras.

Cómo fue que llegaste a trabajar con Leo García?

A Leo García lo conocí en un show de B.A.K en La Trastienda. Recuerdo que su manager era amigo nuestro y lo invitamos a cantar “En la ciudad de la furia”. Leo se copó con mi forma de tocar y me propuso tocar con él. Pegamos onda al toque y salieron unos temazos muy rápido Cuál era tu participación en esta banda?

El fruto de esta relación musical dio como resultado el disco “Algo Real” (2013) nominado a Mejor Álbum Artista Masculino Pop para los Premios Gardel 2014. En este material aporté composición de letra y música en 5 tracks y en el disco en general grabé, coros y teclados. Grabar con Leo y presentar en vivo el disco por todo el país fueron experiencias muy enriquecedoras para mí. Es un cantante impresionante y me hizo crecer mucho en ese aspecto Cuándo y por qué nace Tamboor?

Tamboor fue concebido a partir de las cenizas a comienzos del 2016. Me fui a pasar unos días a la costa y canciones que tiempo atrás no les encontraba un lugar, comenzaron a tomar forma y fuerza. A partir de allí em-

Cómo está compuesto tu set?

Tengo varias guitarras: Una Gibson Les Paul Traditional, una Fender Stratocaster, una Godin Seagull S6 y una Godin Multiac Nylon. En lo que a pedales se refiere tengo: Un reverb y un chorus Strymon, un Pahser MXR, un Big Muff, Delay y Pog Nano de Electro Harmonix y finalmente un Wah Wah Dunlop. Uso un amp Marshall JCM 2000.

Cuándo empezaste en la banda del Indio Solari?

Eso fue el ejemplo claro de estar en el momento y lugar indicados. En Febrero de 2016, yo iba mucho a presenciar los ensayos de Los Fundamentalistas. Y cuando faltaban un par de semanas para el show, Pablo Sbaraglia tuvo un problema familiar y se bajó. Como el Indio sabía que yo era guitarrista me ofreció probarme para tocar acústicas en la banda. Esa noche no dormí y me quedé sacando los temas. Al día siguiente fui al ensayo y funcionó lo que había armado, asique al final el Indio me dio el pulgar hacia arriba Qué sentiste arriba del escenario al ver la cantidad de gente que convoca el Indio?

El participar de este histórico evento (Marzo 2016 en Tandil) fue la culminación de muchos años de esfuerzo y dedicación a la música. Un momento bisagra en mi vida.

Tocar en el escenario del Indio es como estar en un barco frente a un mar tormentoso. El ruido que genera el público es como una turbina de avión. Y uno tiene la sensación de estar en un cohete, pero con la tranquilidad de que el que maneja la batuta es el 1. Otra imagen que me quedó tatuada es la del mar interminable de gente, miles de luces de celulares que forman una especial de cielo estrellado y los pogos inolvidables que hacen temblar todo.

Contanos un poco de que trata tu nuevo disco El disco cuenta con la producción artística de Guillermo Porro y presenta diez canciones que van desde el Rock más crudo, fuerte y agresivo hasta las melodías más simples y sensibles. La dualidad (Luz y oscuridad) reina a lo largo del disco, pero siempre manteniendo una clara unidad lírica, conceptual y sonora. Hay guiños a la electrónica, pasajes shoegaze, momentos progresivos y algunos destellos psicodélicos. Innumerables capas de arreglos conviven con los finos detalles de producción y el sonido potente y moderno del productor Porro. Lo grabé en MCL y Romaphonic de una manera increíblemente rápida. Literalmente en 6 días se grabó la totalidad del material y tomó otros 15 días más mezclarlo. A partir del mes de abril vamos a estar presentandolo. podrías dejarle unas palabras a nuestros lectores?

A los lectores melómanos los invito a que escuchen el disco y que saquen sus propias conclusiones. Y a los lectores músicos les dejo una frase que me dijo un amigo y es una frase que me gusta mucho. “Hay que buscar siempre la excelencia, tocar bonito, con buen espíritu y esperar que nos toque el viento a favor”.

foto: ale casamayou

18 | Entrevista a Emanuel Sáez

guitarristas y bajistas.ar

Namm 2018 - aNaHEim, Los aNGELEs, caLiFoRNia Como cada año, Guitarristas y Bajistas.ar concurrió a la mayor feria de instrumentos y accesorios musicales del mundo. Una vez más realizada en Anaheim, en Los Ángeles, donde siempre nos cruzamos con muchísimos amigos y colegas de todo el

D’Angelico Guitars y su excelente calidad

Imponentes bajos Yamaha

20 | Namm Show 2018

mundo, para poder participar de todos los eventos en esta afamada feria, donde cada una de las marcas presentan nuevos productos. Estuvimos ahí para en esta ocasión presentarles las principales novedades de la Namm 2018. Por gP

No pudimos resistir probar este ampli Line6

EMG Pickups con una fuerte presencia en feria

Un tradición entre nosotros... parar en el stand de Rickenbacker y quedarnos allí por horas!

guitarristas y bajistas.ar

Siempre contundente la presencia de Ibanez Guitars en Namm Show

Siempre al tanto de las nuevas marcas

Variadas propuestas de ukeleles en cada stand

En el Stand de Duesenberg Guitars con algunas joyitas imperdibles de probar

Hay guitarras para todos los gustos

guitarristas y bajistas.ar

Ibanez y las propuestas de Paul Stanley Model

Le ponen la banderita que vos quieras

Namm Show 2018 | 21

foto: daiana torraco

paBLo motYczak

El nuevo bajista de Rata blanca nos cuenta su historia. Pablo ha tocado con los más grandes de nuestro país como Oscar Moro (Serú giran, Los gatos, Riff), Javier Martínez (Manal), JAF (Riff), Viviana Vigil (Mariano Mores), María graña, Aquiles Roggero, gabriel Senanes, entre muchos otros. Por Sergio Resar

Contanos un poco de tu infancia, dónde naciste?

Qué hacías de pequeño?

Soy porteño pero crecí en Avellaneda, Buenos Aires. De chico me gustaba mucho dibujar, lo heredé de mi papá, él era arquitecto y un dibujante muy groso. Creo que todas las fichas estaban puestas ahí pero al final salí músico.

Aún me gusta el dibujo y la pintura pero ya casi no lo hago.

Cuando empezó tu inclinación por la música?

No tenía músicos en mi familia pero sí había gusto por la buena música, en casa se escuchaba de todo, rock, tango, música clásica, jazz. También me llegaba mucha música por el lado de mi hermano mayor y mis primos.

En casa había una guitarra criolla que siempre le faltaba alguna cuerda, yo no sabía afinarla, a veces la agarraba pero no le pescaba la onda. Cuando tenía seis años mas o menos mis viejos compraron un Fun Machine, era un órgano electrónico con el teclado dividido, tenía ritmos, etc. Ahí empecé a engancharme con el teclado así que me mandaron a estudiar piano con una profesora de barrio. Tomé clases unos seis meses, habré llenado cuatro cuadernos con claves de sol y fa, notas y figuras, pero casi no pude tocar el piano así que abandoné. Por suerte mi inclinación por la música parece que ya estaba dada y esa desafortunada experiencia no me desanimó, seguí tocando el teclado en casa.

Cómo fue que elegiste el bajo como tu instrumento?

22 | Entrevista a Pablo Motyczak

Aparentemente yo iba a ser pianista! A los doce años mi mejor amigo Carlos Issa tocaba la guitarra y mi hermano Mariano estaba arrancando con la batería. Para ese momento en casa había un órgano Yamaha doble teclado, esos teclados no tenían sensibilidad, sonaba todo igual y los sonidos eran bastante feos, así que yo quería un sintetizador para armar una banda con mi amigo y mi hermano. Lo volví loco a mi viejo para que me compre un sinte, pero eran muy caros, no lo logré. La idea de la banda seguía viva y yo estaba cada vez más copado con la música así que pensé… que otro instrumento hace falta para armar una banda? Entonces empecé a mirar con cariño el bajo. Compré un bajo usado Kuc modelo violín pero con mango tipo jazz bass, le habían arrancado los trastes y tenía las cuerdas horriblemente altas… un espanto. Pero fue suficiente para enamorarme del instrumento.

Con quiénes estudiaste?

Tuve varios profesores. Uno de los primeros fue Gustavo Gregorio, autor del famoso método Cuatro Cuerdas. Luego estudié un tiempo con Adalberto Cevasco y más tarde con César Franov, a quien considero mi maestro. César es un músico increíble, aún el año pasado estuve tomando algunas clases con él. También tuve algunos intentos fallidos de seguir estudiando piano pero el piano huye de mí!.

Cuándo formaste tu primera banda?

Mi primer banda la formé en el año 1988 aproximadamente. De todos modos mis primeros shows fueron en 1986 en mi escuela secundaria ENSPA de Avellaneda.

El profe de música Osvaldo Rabuñal reunió una banda convocando alumnos de la escuela, estaba buenísimo porque la formación era variada, batería, guitarras, bajo, flauta traversa, percusión, violín y un coro de 50 chicos.

Fue tremenda experiencia porque de la nada estaba tocando en los actos del colegio frente a una audiencia de 200 o 300 personas. Un par de años después formé mi primer banda.

Cómo se llamaba y quiénes la integraban?

La banda se llamó Rana Malacca, hacíamos algo así como Funk-Metal-Rap, algo muy osado para una época en que prácticamente el único referente del Rap para el público local era Jazzy Mel. La banda la formé con mi hermano Mariano en bateria, Martín Crocci en guitarra y Ernesto Rodríguez y Cristian Ventoso en voces. Estábamos al mango con bandas como Living Colour, Primus, RHCP y los cantantes traían otras como Public Enemy y Beastie Boys. Intentábamos plasmar todo eso en nuestra música. Tocamos bastante por Capital y Gran Buenos Aires durante un par de años. para ese entonces, quiénes eran tus influencias en el instrumento?

Una de mis principales influencias en el bajo y en la mú-

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foto: claudia nemeth

sica es Sting, The Police es una banda que escuché desde muy pequeño. En 1987 compré un cassette del primer álbum de la Chick Corea Elektric Band y me voló la cabeza, luego los fui a ver en el estadio Obras, John Patitucci fue una gran inspiración. Así también descubrí al gran Jaco Pastorius, lamentablemente al poco tiempo murió pero Jaco se transformó en un pilar fundamental en mi formación. Marcus Miller fue otra gran inspiración.

Y en la música? por qué?

Mis influencias en la música son muy variadas, desde muy chico escuchaba a Queen, The Police, Genesis, Pink Floyd, The Beatles, Led Zeppelin. En casa había vinilos de rock, jazz, soul, tango y clásica. También por parte de mis primos mayores me llegaban cassettes enganchados de la música que se pasaba en las discos, Kool & the Gang, Chic, Bee Gees, Donna Summer, The Jacksons, etc. A partir del instrumento fui descubriendo otros estilos y fui descartando todo tipo de prejuicios y etiquetas en la música.

Contanos cuándo y con quién grabaste tu primer disco? en qué estudio?

Aunque tengo muchísimas grabaciones encima, muy pocas han sido de álbumes editados. Mi primer grabación fue con mi banda Rana Malacca en el estudio B de Panda, si mal no recuerdo año 1988.

Como conociste a Walter Giardino?

En 2010 Walter Giardino convocó al vocalista Graham Bonnet y al bajista Greg Smith para un show en Buenos Aires. Bonnet y Smith llegaban 4 o 5 días antes del concierto y Walter necesitaba un bajista para ensamblar las canciones antes que ellos llegaran. Fernando (Scarcella) con quien somos amigos desde hace más de 20 años le propuso llamarme y así fue. Me aprendí y ensayé un repertorio completo para un concierto en el que no iba a tocar. Pero fue una tremenda experiencia y eso me abrió la puerta para entrar en Temple.

gira de 2017 fue con Ronnie Romero en voz.

Hablanos un poco sobre tu participación en el disco solista de Adrian Barilari Con Adrián Barilari sólo participé en conciertos, en el disco Canciones Doradas, los bajos los grabó Mariano Hospital.

La experiencia con Adrián Barilari estuvo buenísima, to-

cando canciones que siempre nos gustaron a todos y pasándola bien, yo me siento muy cómodo. Además en la banda de Adrián Barilari en ese momento estábamos Fernando Scarcella, Danilo Moschen, Ariel Vergara, Mario Gonzalez, Max Ditamo y yo, que ya éramos la banda Miste Hi que luego se llamó 0KM. Entre todos ya nos conocíamos todos y somos buenos amigos.

Cómo fue la experiencia de tocar con él en Temple?

Genial, me dejó y aún me deja muchas enseñanzas.

Walter Giardinoes un músico muy exigente, lo es con él mismo y con la gente con la que trabaja.

Cómo se armaron esas giras con Joe Lynn Turner?

No sabría decir cómo se gestó la relación con Joe Lynn Turner pero los hechos en la banda sucedieron bastante rápido! Para la primer gira, en la misma semana ensayamos, se audicionaron cantantes, quedó Javier Barrozo para hacer el set de Temple, ensayamos con Joe y comenzamos la gira. Fue un placer tocar con Joe Lynn Turner, Joe es un gran músico y la relación humana fue excelente y muy divertida, la pasamos muy bien.

Quiénes integraban esa banda?

Fernando Scarcella y yo estuvimos en las dos giras. En la primera estaban Danilo Moschen en teclados y Javier Barrozo en voz. La segunda fue con Javier Retamozo en teclados y Joe Lynn Turner fue el único cantante. La

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foto: claudia nemeth

en dónde tocaron con Joe Lynn Turner?

En Argentina tocamos en Capital, Buenos Aires, Córdoba, Rosario, La Plata, Cipolletti, Mar del Plata, Comodoro Rivadavia. También en Uruguay, Bolivia y Chile.

Entrevista a Pablo Motyczak | 23

foto: daiana torraco

Qué música estás escuchando ahora?

Entre los conciertos, las grabaciones en mi estudio, clases, etc me queda poco tiempo para escuchar música y a veces necesito un poco de silencio! Igualmente es difícil para mí decir qué estoy escuchando, por cuestiones de trabajo soy un tipo que realmente escucho de todo...

hasta lo que no quiero escuchar!. Escucho todo tipo de música y creeme que siempre aparecen cosas buenas para poder sumarle al estilo personal que uno tiene.

Cómo llegaste a Black Side?

Luiyi de Black Side nos llamó a Fernando Scarcella y a

mí para grabar en los dos discos. Grabamos en mi estudio Tercera Estación y trabajamos junto con Luiyi el desarrollo de las bases. El primer disco se mezcló en La Nave de Oseberg y el segundo lo mezclé yo en mi estudio.

Seguís tocando con esa banda?

No, nunca toqué en vivo con ellos, pero ya se dará la ocasión. Somos grandes amigos y muy pronto se dará.

Después dela lamentable desaparición del Negro Sanchez, era como natural que vos lo reemplazaras, qué sentiste cuando te pidieron hacerlo?

Fueron muchos sentimientos. Lo conocía a Guillermo Sánchez y fue muy triste lo que sucedió. El Negro Sánchez es el bajista original de una banda que hoy cumple 30 años, era su banda de toda la vida. Para mí todo fue una gran sorpresa, no fue natural porque jamás me imaginé la posibilidad de ocupar su lugar. Es una gran responsabilidad y tuve que adaptarme muy rápidamente.

foto: daiana torraco

Cuál es la diferencia que ves entre Rata Blanca y las demás bandas que participaste?

Trabajé con artistas de todo tipo en toda clase de situaciones y condiciones pero Rata Blanca es una banda legendaria, con una trayectoria inmensa y alcance internacional. Además es una banda muy activa, se hacen muchos conciertos al año. Es una gran experiencia.

26 | Entrevista a Pablo Motyczak

Qué es lo que te pide Walter Giardino?

Que haga bien mi trabajo! En realidad no hay mucho que pedir, hay que tocar lo que hay que tocar, en realidad la música habla por sí sola. A veces Walter me puede marcar algunas cosas puntuales o yo consultarle sobre algún arreglo o riff. Cuando cada uno está en su instrumento no hace falta hablar mucho.

guitarristas y bajistas.ar

foto: daiana torraco

instrumento hermoso y no cuesta una fortuna. Uso amplificadores Aguilar. Estoy usando dos cabezales, un Tone Hammer 500 y un AG-700, cada uno alimentando un gabinete Aguilar SL410x. Según el tamaño del escenario puedo sumar más gabinetes a cada cabezal. Son tremendos amplificadores, sonido puro, definido y con una potencia increíble. También estoy usando el compresor Aguilar TLC para emparejar y contener un poco la señal. Uso cuerdas Rotosound Swing Bass, generalmente uso calibre .045 pero en Rata y Temple uso .050 porque afinamos medio tono abajo y no quiero perder tensión en las cuerdas. También estoy usando cables Klotz y correas Mono.

Cuáles son los proyectos a futuro?

Por supuesto seguir con Rata Blanca, las producciones que hacemos con Fernando Scarcella y Ariel Vergara en el estudio, seguir haciendo música. Espero poder hacerme el tiempo para grabar algunas canciones propias que siempre terminan al final de la fila. estás dando clases? Cómo pueden contactarte?

Pueden contactarme por alguna de las redes sociales.

Facebook: https://www.facebook.com/motyx Instagram: @motyxgram Twitter: @motyx

están por salir de gira, hacia a dónde van?

Si, ya comenzamos la gira de los 30 Años. Hicimos algunos shows en Buenos Aires y estamos todo el mes de Abril en Colombia y México. En Mayo haremos algunos shows más en Argentina y Perú.

Como está compuesto tu set para Rata Blanca Estoy usando los bajos Sire, el modelo V7 de 4 cuerdas.

Sire es una marca que desarrolló estos bajos junto a Marcus Miller. El V7 es una serie tipo Jazz Bass. Es muy cómodo, buen peso, y realmente suena increíble. Es un

por último, dejales unas palabras a los lectores de nuestra revista Si llegaron hasta aquí les agradezco la lectura. Está buenísimo que este tipo de medio se mantenga vivo, creo que ayuda a fortalecer el vínculo entre los músicos. Todo lo que puedo decirles es que escuchen a su corazón y que se dediquen a hacer lo que realmente aman poniendo todo lo que tengan… y que tengan muchos éxitos!

foto: josé waker

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Entrevista a Pablo Motyczak | 27

ampEG poRtaFLEX

En 1949, Hull se convirtió en el único propietario y cambió el nombre a Ampeg Bass Amp Company. Desde entonces, ha producido los productos más innovadores y memorables de la industria musical. Muchos de estos productos cuentan con características únicas como el Ampeg Portaflex. En 1960 Oliver Jesperson creó para Ampeg un amp en el que su chasis se podía girar e insertarse dentro de la caja del parlante para proteger sus válvulas. Este combo se llamó “Portaflex” y fue uno de los amps más populares de los años ‘60s. Estos pequeños amps fueron mejorando con los años. Los modelos más conocidos de de las décadas de los ‘60s y ‘70s son los SB12, B15N, B15S, y B18. La reedición del Portaflex se ha hecho con la idea de mantener la premisa de ser un amp portátil, potente y accesible para los músicos. Combina el estilo vintage en su diseño con unos cabezales modernos, el PF350, el PF500 y el PF800.

En cuanto a las cajas, se han creado varios modelos según el número y tamaño de los parlantes, desde 1x15, 2x10 y 4x10. Todas ellas con el acabado en tolex “Black Diamond”

Ampeg se inició en 1946 como Michaels-hull Electronic Labs, tras su fundación por parte de Stanley Michaels y Everetthull, pianista y contrabajista, con el objetivo de ofrecer a los contrabajistas un modo para amplificar sus instrumentos, al modo de la recién aparecida guitarra eléctrica. Por gyb.ar

y con parlantes Eminence. El Ampeg Portaflex PF350 ofrece legendario tono Ampeg en un diseño ultracompacto que empuja unos 350W en 4 Ohms. También el pre es Mosfet y el amp es Cales D. Posee además herramientas

de ganancia de entrada de 15db y dos botones, uno para realzar las frecuencias agudas y otro para realzar las graves y recortar las medias. En el panel posterior encontramos una salida directa balanceada (D.I.) para pasar directamente por consola, con las opciones de pre/post eq, ground/lift y una reducción de 40db en el nivel de salida.

Salida directa para el afinador y para el Loop de efectos.

Además de las conexiones de entrada de etapa de potencia y salida de pre. El PF800 es el más potente de la línea y como lo indica el nombre del modelo, tira unos 800W en 4 Ohms. Como los anteriores, el pre es Mosfet y la potencia de Clase D. Entre sus comandos se encuentran controles de tono: graves, medios, agudos. Control de tono medio: de 5 posiciones. Compresor. Salida directa Balanceada.

Opción EQ/ postPre. Un -40DBpad. Loops de efectos con control de mezcla (conmutable con un footswitch). Entrada de amplificador de potencia y salida del preamplificador. Salida de auriculares de 1/8” . -15 DB pad de entrada. Mute (conmutable desde un footswitch).

como un limitador incorporado, loop de efectos y salida directa balanceada como para ir directamente a consola. El cabezal PF500 nos ofrece una potencia de 500W a 4 Ohms. Cuenta con un pre-amp Mosfet y una etapa de potencia clase D. En su parte delantera existen los siguientes controles, compresor, ganancia de entrada, los tres potenciómetros de ecualización, graves, medios y agudos, en el rango de medios incluye un potenciómetro con el que elegimos la frecuencia a realzar entre 5 posiciones pre determinadas. Un potenciómetro de control para el loop de efectos (con la opción de ser conmutable por pedal con la conexión que se encuentra en el panel posterior) y el volumen general. Hay varios switchs en el frente, el primero es un mute (conmutable también desde pedal), un reductor

28 | Ampeg PortaFlex

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Esp GuitaRs

LTD eC10 La guitarra ESP LTD EC-10 es elegante, que está fuertemente influenciada por el modelo Eclipse de gama alta de

ESP. Esta guitarra cuenta con la forma del cuerpo de estilo Les Paul, es delgada y bien perfilada, lo que la hace cómoda de usar y estéticamente muy agradable. El cuerpo de escala de 24.75" está hecho de madera de tilo sólida y un acabado en un brillante negro. Una cosa que es rápidamente evidente es que la LTD EC10 está diseñada para la velocidad, ya que posee un mástil de maple atornillado con un perfil fino en forma de U, mientras que los 24 trastes extra-jumbo en el diapasón de palisandro flexionan las cuerdas sencillamente. Esta guitarra viene con dos humbuckers pasivos LH-100 de bobina abierta diseñados por ESP en las posiciones de cuello y puente, que ofrecen una buena salida por el precio y sin duda atraerán al guitarrista más inclinado hacia el rock.

LTD eC256 Al igual que la anterior, la LTD EC10, conserva su tradicional forma en su cuerpo. Y a diferencia de aquella, encontramos características que tienen todos los demás

30 | ESP guitars

kirk hammett, george Lynch y el difunto Jeff hanneman de Slayer son solo algunos de los legendarios nombres de metal que usan guitarras ESP. Si bien no todos nosotros podemos permitirnos una ESP súper premium, como la James hetfield Signature Snakebyte, la fábrica ofrece versiones accesibles de sus clásicos que no comprometen el estilo, la calidad o el sonido. Por gyb.ar

modelos de gama más alta que se siguen construyendo (LTD EC401, LTD EC1000 y ESP Eclipse). Tiene un aspecto envejecido, lo que comúnmente llaman Distressed o Aged, y algunas zonas tienen la pintura gastada dejando ver la madera para simular años de uso. Tanto el cuerpo como el mástil son de Mahogany. El mástil, que va encolado, es tipo Thin U, que es el que llevan todas las LTD EC y Eclipse. No es tan fino como un Ultra Thin U que llevan algunos de los modelos ESP y LTD, pero es bastante cómodo. El diapasón es de Rosewood, una madera densa y sin demasiadas porosidades. Con una longitud de escala de 24,75", este cuello de tres piezas es súper delgado con una forma de U rápida, mientras que el diapasón ofrece 22 trastes extragrandes.

LTD eC401 La LTD EC401 está hecha de Mahogany con excepción del diapasón, que es de Rosewood. Tiene herrajes de níquel negro, 24 trastes jumbo y una articulación de cuello incorporada, que es la mejor unión para sostenerlo. El cuello tiene un perfil en U delgado, que enfatiza la velocidad.

El cuerpo tiene un solo corte en la parte exterior del cuello.

La escala es de 24 y tres cuartos de pulgada, que es aproximadamente la media o ligeramente más pequeña que la media. Las clavijas son el diseño habitual de Grover y el puente es tune-o-matic. La clave del sonido de la LTD EC401 son los micrófonos activos EMG. El del puente es un humbucker EMG81 y el de cuello es un humbucker EMG60. Ofrecen un excelente tono y variedad, y cada uno

tiene su propio interruptor de volumen. Hay un interruptor de tres vías para elegir entre uno o ambos encendidos. La unión del cuello permite un excelente sustain, lo que contribuye al sonido cálido y rico. Estas son micrófonos activos por lo que necesitan baterías.

LTD eC1000 A pesar de que la forma de Les Paul generalmente no se asocia con el heavy metal y la fuerte distorsión, ESP ha logrado cerrar esa brecha con bastante éxito con modelos como la LTD EC1000 Deluxe. Como cualquier guitarra de metal adecuada, esta viene con un cuerpo hecho de Mahogany. Esta madera puede ser un poco más pesada, pero es una de las maderas de tono más duras que se usan, lo que la hace buena con poderosos riffs. El mástil es un diseño de Maple delgado en U, con un bonito diapasón de Rosewood. Esta guitarra viene en tres opciones de acabado, cada una de ellas con el mismo aspecto exclusivo. Entre las cosas que realmente ponen a la LTD EC1000 Deluxe en la esfera de metal de interés son los micrófonos. ESP eligió un conjunto de micrófonos activos EMG para esta ocasión en particular, lo que garantiza que obtenga una salida y el alcance que necesita cuando es hora de manipular algunos riffs pesados. En el puente, verás un EMG81 mientras que la tapa del mástil viene en forma de EMG60. Honestamente, esta es probablemente una de las combinaciones más populares y probadas que puedes obtener en este momento.

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NicoLás cappELEtti

Como surgió la idea de tocar guitarra, como fueron tus comienzos?

Cuando comencé el secundario, en el Normal N° 1, me encontré con muchos compañeros, y alumnos más grandes, que tenían la misma inquietud que yo. Todos querí-

Nicolás Cappeletti tenía la idea de tocar la guitarra y eso de pronto le surgió como un juego. Era la posibilidad de acercarse, un poco más, a todo aquello que estaba escuchando y descubriendo. Conozcamos un poco más sobre su historia. Por Sergio Masciotra

amos compartirnos música, ir a ver bandas, tirarnos en algún cuarto a escuchar horas de música. Rápidamente, todo ese ida y vuelta hizo que varios empecemos a buscar la manera de poder materializar toda esa escucha, novedosa para nosotros, y así nos encontramos juntán-

donos y agarrando diferentes instrumentos cada uno.

Contanos si empezaste tocando con amigos del colegio o en jams?

Lo primero que hice fue juntarme con un amigo que vivía cerca de casa. Sacábamos temas y nos grabábamos con un micrófono conectado a su equipo de sonido, en el living de su casa. Después empecé a juntarme con un grupo de compañeros del secundario, y otros que había conocido de ir a recitales y ponernos a conversar, o mismo del club al que iba. Así, formamos la primera banda en la que participé. Duró todo el secundario y fue una experiencia muy enriquecedora. Nos lo tomábamos seriamente, más allá de disfrutarlo muchísimo. Así aprendimos, entre amigos, a componer a los tumbos, producir fechas, hacer la logística, difusión, etc.

Cuál fue tu primera guitarra eléctrica y equipamiento?

Mi primer guitarra fue una Washburn X50, una pedalera Digitech y un Marshall de 10W. Yo no tenía mucha idea, asique acepté las recomendaciones de, en ese momento mi profesora, Carina Alfie. La guitarra la seguí usando durante mucho tiempo. Le modifiqué los micrófonos por unos PAF de Di Marzio y el puente por un Schaller (era mi opción para acercarme al blues sin tener que comprarme otra guitarra). Con el equipo Marshall de 10W aún doy clases y hasta grabé algún solo para un disco de Blues!

Que músicos te influenciaron y por qué?

Las dos primeras influencias, que me marcaron muchísimo, fueron Ricardo Mollo y John Frusciante. Empecé a escuchar sus respectivas bandas antes de terminar el primario, y me volaron la cabeza. Frusciante sin dudas

32 | Entrevista a Nicolás Cappeletti

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Cuál fue el primer trabajo importante que tuviste como guitarrista profesional?

Empezar a dar clases y realizar trabajos de producción o grabación de guitarras fueron mi primer acercamiento al trabajo como músico, y sin dudas fueron un puntapié clave para entender la música como mi profesión. Un día muy especial e importante, que también me marcó, fue cuando a un mes de entrar en La Carga, tocamos en el Estadio Único de La Plata, haciendo de soporte de Aerosmith. Primero de muchos shows junto a importantes bandas internacionales y en lugares emblemáticos de nuestro país.

Como llegaste a integrar el grupo La Carga?

Conocí a Darío en otro proyecto en el cual ambos participamos (Eu! Energía Universal). Luego de varias fechas compartidas y charlas de ensayo, me comentó que estaban buscando guitarrista en La Carga. Saqué algunos temas de la banda y fui a dos ensayos consecutivos, en los cuales se dio todo de manera muy natural. Cuando me di cuenta, ya estábamos tocando en vivo juntos.

Sabemos que están por sacar su primer disco en vivo, como viviste esa experiencia?

Sí, estamos por sacar un disco en vivo, producto de dos

experiencias muy fuertes, como fueron tocar junto a La Renga en Huracán, y a Def Leppard en el Luna Park. La experiencia con La Renga fue impresionante. Fue un día en el cuál todo se dio de manera excelente. Desde el trato y lo profesional de la producción del show, pasando por la buena onda de los músicos de La Renga, hasta la escucha atenta, activa y respetuosa del público, que estaba esperando por ver a la banda de su vida, luego de diez años sin tocar en Capital Federal. La Carga, como en todos lados, sale siempre a dar un show contundente.

Y ese día, con todos los condimentos que tenía, no fue la excepción.

foto: agistina ginanni

es el ejemplo de versatilidad y buen gusto. Y Mollo me sedujo con su potencia (el primer disco que escuché de Divididos fue “Gol de mujer”). Después descubrí a Hendrix y me di cuenta porque me gustaba tanto Mollo. Con el tiempo aparecieron muchas influencias, no solo de guitarristas. Entre los guitarristas están Scofield, Jimmy Page, Lebón, Hendrix, Tavo Kupinski,, Robben Ford, George Harrison, Peter Tosh, Nels Cline, y la lista sigue. También aprendo mucho de guitarristas con los que tengo la suerte de compartir el camino. Como Darío Chiazzaro, Tomás Brugués, Agustín Zannoli, Lele Gonzalez, etc.

en que otros proyectos participaste?

Participé en varios proyectos. Tanto bandas, como obras de teatro. En este momento estoy participando de NIPA, Seres Perdidos, Eu!, Simio Despierto, La Carga y en la obra de teatro “Echan fuego las paredes”.

Tengo entendido que aparte de la música, tenes otras ocupaciones, como hacer cerveza artesanalmente, como surgió la idea de hacerla?

Surgió junto a dos amigos, amantes de la cerveza y de ser siempre parte activa de los procesos para ver de qué se tratan. Luego de varios viajes al Sur, decidimos investigar en la producción de la cerveza y sus diferentes estilos. Hoy en día, el crecimiento de panza y felicidad, es directamente proporcional.

Cuál es tu equipamiento, que guitarras y equipos usas generalmente podrías detallarlo?

Las guitarras que más estoy usando hoy en día son dos Telecaster de Fender. Una es una Standard, reedición del 52’, que desde que la tengo no la puedo soltar. Y una Deluxe japonesa de los 90’s. Uso equipos Fender también. Un Deluxe Reverb y un Blues Deluxe.

Que pedales usas actualmente?

Creo que los pedales son un elemento más de la cadena, y ayudan mucho a la hora de materializar una idea sonora. Actualmente los que más uso son: Wah Wah Vox, MojoMojo de T.C., OCD de Fulltone, BB preamp de Xotic, Triple Delay de T.C. y un clon del Bit Commander (realizado por Andrés De Luce) que está buenísimo!

Que sueños te quedan por cumplir?

NC: Soy feliz viviendo de lo que me gusta hacer y con gente a la que quiero y admiro. Sin dudas, me gustaría poder viajar por el mundo con la música.

foto: pablo aráoz

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Entrevista a Nicolás Cappeletti | 33

saito s622 GuitaRs & dELaEt mR sERiEs

¿Te imaginaste tener dos guitarras del más alto nivel para probar todas sus posibilidades?. Voy a contarles mi experiencia con estas dos guitarras que son increíbles y quizás poco conocidas en Argentina.

La primera que voy a comentar es de la guitarra Japonesa Saito S-622. Lo primero que llama la atención de esta guitarra es su además de su belleza, su precio alrededor de U$3.500 en Japón, por lo que en Argentina saldría por lo menos un 50% más. El cuerpo es de Ash de pantano, por lo que es muy liviana, mástil y trastera de Maple seleccionado y estacionado (eso suma considerablemente su valor, según la marca). Toda su electrónica es Gotoh, como también su puente tremolo con sistema de dos “pivots”.

Los micrófonos son hechos a mano por Mr. Saito con una configuración de humbucker en el puente y dos single-coils en el mástil y medio respectivamente. La sonoridad de esta guitarra con el audio “clean” es impresionante sonido muy “strato” pero al mismo tiempo se puede notar la cierta personalidad debido al tipo de micrófonos. Hasta sonidos tipo country he conseguido con este instrumento. Con distorsión esta guitarra respondió muy bien a efectos de poca ganancia, la definición es precisa. Con mucha distorsión la guitarra sonó menos precisa pero definitivamente esta guitarra no es para tocar metal y si cosas donde uno quiera que se escuche cada detalles. Otra característica importante es el radio de 10”, me sorprendió porque no es común y pensé que sería incómodo, pero comparando con una Stratocaster Deluxe por ejemplo, me sentí más cómodo con la Saito. Resumiendo, es una guitarra de colección, para músicos adinerados que busquen la perfección sonora y sonidos no tan distorsionados.

primera cosa que me encantó de esta guitarra fue su color satinado, realmente el satinado hace que la pintura en el cuerpo del instrumento sea menor y al mismo tiempo tiene una suavidad que no encontré con otros tipos de pintura. El cuerpo es de Cedro y el mástil de una madera brasileña llamada Cabreuva, es porosa, eso ayuda a que la mano no se resbale cuando esté transpirada. La trastera es de Ebano, bien oscuro, y a gusto particular pega muy bien con el Cedro. Radio de 14”. Los micrófonos son P-Rails Seymour Duncan Custom, hechos por Duncan para la marca DeLaet, bajo sus especificaciones. Los P-Rails son micrófonos de simple bobina pero agrupados como humbucker, es decir, tenemos un micrófono tipo P90 y uno tipo single coil en el mismo mic, ambos mics son defasados por dos perillas push-pull teniendo una infinidad de posibilidades sono-

ras. El puente es Gotoh/Wilkinson de excelente precisión, como también sus clavijas. Lo más importante en este modelo custom es el estudio realizado por Miguel DeLaet de “compensación” lo que hace es compensar los lugares donde falta afinación. No te paso que la tercer cuerda nunca afina?. Bueno este sistema hizo que se mejorara considerablemente la afinación, obteniendo así una guitarra muy estable. Teniendo en cuenta que es un instrumento económicamente más accesible que la Saito y con una robustez sonora y calidad de audio muy alto nivel, es una excelente opción para aquellos músicos exigentes que buscan un instrumentos con muchas calidades a casi la mitad de precio de una guitarra del mismo nivel. por Maycown Reichembach

La otra guitarra es la brasileña DeLaet MR series, y la

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GuitaRRa

Por Daniel Corzo

FRASES ChORD-MELODy (PARtE Vii) En esta ocasión seguimos explorando frases de resolución, en versión chord-melody. En esta ocasión aprenderemos 3 frases, las dos primeras son resolución V-i en modo mayor y la tercera es un ejemplo de frases ii-V-i pero en modo menor.

Hemos escogido las tonalidades de Do Mayor y La Menor respectivamente, para facilitar la lectura, pero como siempre podemos y debemos transportar estas frases a todas las tonalidades (o a otras al menos). En los ejemplos 1 y 2 (V-I en Do Mayor) vemos variaciones de las frases del artículo anterior, acá también utilizamos el carácter simétrico del acorde disminuido y lo movemos en el diapasón de la guitarra por terceras menores. La diferencia con las frases de resolución anteriores radica en que estas dos, la línea melódica se mueve más rápidamente que los acordes (corcheas para la melodía, negras para los acordes). El ejemplo 3 muestra una frase corta (llamada así porque dura sólo 2 compases, en vez de 4) de IIm7/b5 – V7 – Im. Cualquier semejanza con el gran Joe Pass… NO es pura coincidencia. Como siempre, prueba de tocar estos ejemplos con dedos y con púa.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Suplemento técnico | 35

Bajo

iMPROViSACiÓN E iNtERPREtACiÓN... ENtRE EL FONDO y LA FORMA La estructura es fundamental en cualquier música de carácter improvisacional, como puede ser el caso del Jazz, ya que proporciona contexto y referencia. Por igor Saavedra

Si ésta no existiese, habría un caos total en el cual no se identificaría qué es lo que está siendo improvisado y recreado respecto de aquella referencia.

En música entendemos por esa “referencia” a aquella estructura compuesta de los tres ingredientes fundamentales de la música, cuales son El Ritmo, La Armonía y La Melodía, los que conformarán, de acuerdo a como se combinen y definan, un “todo contextual”, un edificio que tendrá completamente definida sus medidas, espacios, luz, temperatura, humedad y todas las condiciones que nos sean posibles de imaginar; en el cual la improvisación habitará, como lo harían las personas que vivirían en aquel edificio, y se someterá a todas las “variables y variaciones” dentro del contexto de dicho edificio.

Respecto del momento exacto en que la interpretación misma ofrece la capacidad de “invención”, estimo que ésta es un catalizador positivo o negativo de cualquier improvisación. Dialécticamente, La Interpretación es La Forma, que se entrelaza a El Fondo, que estaría conformado por los elementos musicales de los que hablé en el párrafo anterior. Siempre suelo decir en mis Master Class de Bajo eléctrico que en la música hay estilos que se centran incluso mucho más en “La Interpretación” que El Jazz, como por ejemplo El Blues, en el cual, sin ser muy técnico en el análisis, con sólo 5 notas y una rítmica muy básica y sostenida hay que tocar prácticamente todos los temas, por ende, la precariedad de elementos y de "materiales" hace que el músico deba centrarse en la interpretación como vía fundamental de expresión.

El Jazz, en cambio, es un estilo musical que en general consta de una infinita variedad de elementos y variaciones musicales en el contexto armónico, rítmico y melódico, por lo que muchas veces la abundancia de éstos ejerce una especie de “tapón” respecto de La Interpretación y a menudo nos encontramos con una música abarrotada de elementos, pero quizás por esa misma razón, fría y exageradamente intelectualizada. La gracia, en mi opinión, radica en el logro de aquel mágico equilibrio entre La Forma y El Fondo.

Suelo resumir este concepto en una frase, y ésta es que El Jazz es el arte del “Qué”, y El Blues es el arte del “Cómo”. Las excepciones a esta definición siempre aluden a los más grandes músicos en cualquiera de los géneros.

ambas facetas dentro de sí para producir de esa manera una apertura bidireccional de los canales de expresión, de manera tal que La Interpretación influya sobre La Improvisación y La Improvisación influya sobre La Interpretación. Se puede establecer con bastante claridad un análisis semiótico a este respecto, en el cual El Significante pasa a ser El Fondo y por ende La Estructura Musical y el significado pasa a ser La Forma y por ende La Interpretación misma. Cada músico le asignará un significado distinto a cada pieza musical. La Improvisación se encuentra en un limbo, de manera tal que, a mi juicio, se comparte indistintamente entre La Forma y El Fondo.

Para evitar cualquier confusión con los conceptos, La Interpretación dentro del contexto musical se entiende como la manera en la que el intérprete le da “Carácter” a aquello que está tocando, y para esto se valdrá de recursos expresivos como el desplante escénico, el carisma, la empatía, la dinámica (volumen) y la agógica (velocidad), además de recursos técnicos específicos del instrumento. Por otro lado, La Improvisación se entiende por consenso dentro del contexto musical (aunque se puede discutir mucho al respecto), como la alteración (inclusión o supresión) de notas y de ritmos, vale decir la alteración de elementos estructurales, pero ojo, la estructura siempre permanece tácita o explícitamente, ya sea en lo tácito como un referente que navega por el plano mental consiente del Interprete mientras éste improvisa, o por la ejecución de dicho referente por parte de los músicos que acompañan a aquel que se encuentre improvisando.

Finalmente, recomiendo al improvisador no olvidar jamás cuál debiese ser el genuino eje de su improvisación y de la interpretación contenida en ella, es decir el contexto improvisacional e interpretativo y el punto de referencia respecto del cual se está improvisando, y más allá de los miles de acordes que pueda o no contener la progresión sobre la cual se improvisa, ese eje o punto de referencia será siempre…., La Melodía.., la reina absoluta de cualquier pieza musical. Si la improvisación y la interpretación, por mucho que reúnan todos los elementos técnico-teóricos necesarios, no refieren ni aluden a la melodía, estarán siempre en mi opinión completamente extraviados, divagando y regurgitando información inconexa, descontextualizada, amorfa y sin sentido de legitimidad alguno…, cuántas veces ya lo hemos visto y escuchado.

Es por esto entonces que aquel momento exacto en el que La Interpretación se retroalimenta y pasa efectivamente, en los hechos, a ser un elemento coadyuvante de La Improvisación, se produce cuando uno consciente o inconscientemente logra conectar

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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pRoducciÓN

tiPS DEL PRODuCtOR En esta ocasión les contaré sobre la importancia y la trasendencia de hacer una buena difusión de prensa y publicidad para tu concierto. Por Julio Elorza

Independientemente de la fama y la popularidad de un artista o de una banda, se han dado casos históricos donde la venta de boletos y la asistencia de público ha resultado un verdadero fracaso. Generando esto no solo importantes pérdidas a los productores, Sino que han hecho que estos artistas deban aplicar estrategias de comunicación urgentes para tapar la situación y no verse afectados en términos de imagen.

Para mencionar solo un par de ejemplos de que esto sucede “Hasta en las mejores familias” como dice el refrán echemos un vistazo: Todos recordamos la famosa escena de la película “El Cantante” en homenaje al inolvidable Hector Lavoe en la cual se recrea su reaparición en un concierto que hubo de ser suspendido en 1988 en la ciudad de San Juan de Puerto Rico luego de múltiples tratamientos para controlar su lamentable adicción a las drogas. Convirtiéndose este hecho según sus familiares y amigos el detonante para que junto a otras trágicas razones, el artista intentara quitarse la vida lanzándose del noveno piso del Hotel donde se hospedaba en el momento de la gira.

Como otro ejemplo menos patético pero igual de importante, En 2012 La cantante Lady Gaga dijo en Twitter que estaba muy feliz porque la habían visto 50.000 personas en un show desarrollado en el estadio de San Marcos. Lima, Perú. Cuando la realidad es que apenas colocó entradas. De hecho a última hora, se vendieron a precio de ganga y aún así, el estadio estaba prácticamente vacío. Ocurrido esto, La artista y sus promotores no solo tuvieron que soportar las pérdidas sino que tuvieron que invertir mucho tiempo y dinero fuera del presupuesto para que no se repitiera el resultado en la venta de entradas para el resto de la gira. Estos casos, como muchos otros ocurrieron por falta de una buena campaña de prensa y publicidad solo por pretender ahorrar costos y sacar mayor provecho de los ingresos en base a la errada confianza en que el artista por sí mismo daría un éxito de taquilla solo con por su fama. No puede ocurrir nada más frustrante y difícil de manejar para un artista que encontrarse un auditorio vacío a la hora de salir al escenario e iniciar su show. Sin embargo considero como productor que por ética y por respeto al público el show debe llevarse a cabo. Ya sea que el auditorio esté lleno a su capacidad o tenga una audiencia escasa. Para unos pocos espectadores o para un sold out, el artista debe hacer su espectáculo y entregar lo mejor de sus talentos y energías. Dando el 100 por ciento y más para que los asistentes la pasen tan bien como esperaban al momento de adquirir sus boletos. Es inadmisible la idea suspender un concierto a menos que verdaderamente exista una causa mayor que no sea el fracaso en la venta de entradas a causa deficiencias en el plan de comunicaciones y publicidad.

Considero que todo proyecto de producción se debe prever la negociación de ingresos alternos generados por el espectáculo y que nada tengan que ver con la venta de entradas y que permitan manejar más holgadamente el presupuesto de gastos destinando gran parte de estos recursos en una campaña adecuada de publicidad y medios. Evitando a toda costa una indeseada y peligrosa suspensión. Buscar obtener respaldo económico a través del mecenazgo proporcionado por instituciones culturales o de algún sponsor comercial, permite obtener un flujo económico que cubrrirá de manera adecuada los costos de una campaña a la altura de tu evento. Tomando siempre en cuenta el principio de mercadeo que dice: “Lo que no se informa no se sabe y lo que no se anuncia no se vende” es sabio comprender la importancia invertir dinero en establecer una estrategia de comunicaciones que te permita llegar a la mayor cantidad de personas que sea posible, y así garantizarte que gran parte de esa masa de personas alcanzadas se interesen en asistir a tu evento.

La contratación de un agente de medios que esté debidamente relacionado es muy importante ya que la prensa, la radio y la televisión así como los medios electrónicos y las publicaciones especializadas son los canales por donde el potencial asistente a tus conciertos se va enterar e interesar en tu actividad. El agente de medios se encargará de difundir el material entre los diversos sus contactos y podrá brindarte la oportunidad de hacer entrevistas que podrás aprovechar para interesar a tu público y darte a conocer. ¿Porque un agente de medios además? Porque la publicidad es muy costosa y teniendo la oportunidad de estar en los medios tu inversión publicitaria será más liviana ya que ellos harán el trabajo de hacer llegar la información de tu evento a sus audiencias que al fin de cuentas es tu público. Así ahorrarás mucho dinero en publicidad.

Cuida de preparar un buen Press Kit. Para los que no estén familiarizados con el término les explico que el Press Kit es un conjunto de material y documentos sobre tu arte y tu carrera preparado especialmente para promocionarte a ti como artista y a tu música. El Press Kit te sirve para presentarte y promocionarte con personas clave en el negocio de la música: Medios de comunicación, agentes, managers y venues, entre otros. También te hace ver profesional y le confiere seriedad a tu trabajo. También debes aprovechar el enorme poder de difusión que tienen las redes sociales. Creando una red donde cada participante del proyecto sea un nodo que amplifique la distribución de la convocatoria.

Debes lograr que todos se unan a distribuir tus posts entre sus seguidores en las diversas redes. La banda, Los amigos, El teatro, los medios de comunicación, Los proveedores, y todo aquel que tenga alguna participación a lo largo del desarrollo de tu concierto debe distribuir la información como objetivo.) Y cuando des cuenta tendrás un espectro enorme de gente que sabrá de ti y de tu concierto con el consecuente incremento en la venta de tickets. Para lo anterior será recomendable la inclusión en tu presupuesto de una partida para contratar a un comunity manager que dirija tu campaña, cree buenos contenidos y logre los objetivos que buscas.

En relación a la publicidad gráfica debes cuidar mucho la imagen que usarás para promocionar tu concierto. La misma debe ser uniforme. No usando diferentes logotipos, Slongans y fuentes de escritura. Esta última debes cuidar que sea perfectamente legible cuando la elijas. Usa la menor cantidad de texto posible sin sacrificar la información de interés y evita usar fondos que contaminen o hagan ruido que impidan la lectura de la información que vas a imprimir y usa mayor espacio para el lugar, la fecha y la hora del concierto. También evita que los textos se superpongan a las imágenes. Debes ser muy cuidadoso de donde fijarás o distribuirás tu publicidad impresa para que no violes ninguna normativa legal y te veas envuelto en inconvenientes legales que te acarreen multas o suspensiones. Estas son parte de las recomendaciones que hoy deseo compartir para que tu convocatoria tenga mucho éxito. Recuerda que si en algo no debes escatimar dentro del presupuesto de producción en la partida que inviertas en una correcta difusión de prensa y publicidad.

Te deseo todo el éxito posible y que tengas un gran Sold out que celebrar.

Pueden escribirme a elorza.jazz@gmail.com para compartir conmigo sus experiencias y hacerme sus consultas. También me pongo a sus órdenes si desean llamarme telefónicamente para presentarme sus propuestas las cuales con mucho gusto conversaré con ustedes. Pueden hacerlo a través de los contactos de Avila Entertainment Group que se decriben en nuestra publicación dentro del contenido de la revista.

Julio Elorza es productor ejecutivo de Ávila Entertainment Group. Creador del Caracas Jazz Festival y manager /productor de artistas de gran trayectoria como Maycown Reichembach, Quantum Orquestra, Eros Ramazzotti´s Cover Band, entre otros.

Contacto: AEG.argentina@gmail.com

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GuitaRRa

LEgAtO + SwEEP PiCkiNg Les mostraré como desarrollo fraseos simétricos con técnicas mixtas. En este caso con el Legato + el Sweep Picking. El resultado es un técnica híbrida con una sonoridad muy original. Por Maycown Reichembach

El ejemplo #1 esta sobre la pentatónica de Am, con el agregado de la 6ta, 9na y la “blue note” (#4). Es muy importante memorizarse el recorrido y sentido de la púa, para no preocuparse mucho en la mano de la púa y más en la mano del mástil. Estudiar el ejercicio muy lentamente con metrónomo. El ejemplo #2 es simétrico y podes subir la misma frase una cuerda para abajo para obtener una sonoridad cromática. El ejemplo #3 sigue con la idea simétrica pero de mayor expansión, requiriendo un esfuerzo físico mayor, pero la sonoridad será más original aún, y podemos usar el mismo patrón bajando una y otra cuerda. El último ejemplo #4 es el más difícil, pero si ya tienes estandarizado el patrón anterior, solo tendrás que concentrarte en la tercer nota, ya que “rompe” con el esquema visto en las frases anteriores, pero al mismo tiempo genera una opción de fraseo menos convencional. Es fundamental (una vez aprendidos y memorizados) practicar con un backing track/pista porque allí tú estudio estará enfocado en hacer música con esas frases. Cualquier consulta me escriben a: maycown@gmail.com

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

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Bajo

DigitACiONES Para esta oportunidad me gustaría pasarles unas digitaciones de los arpegios Maj7, 7 y m7 comenzando desde los dedos 1, 2 y 4. Por Mariano Sívori

Muchas veces sabemos muy bien un solo esquema (generalmente desde el dedo 1 o 2 ). Definitivamente desde esta otra forma, estaremos contemplando las tres orientaciones posibles “para adelante”, “para abajo” y “para atrás”. Están los esquemas en 1 octava y un poco más (para aprovechar las notas del arpegio que me quedan adentro del rango/esquema) y 2 octavas (solo dedos 1 y 2, ya que desde el dedo 4 no tiene mucho sentido). Estos últimos: los ejemplos van desde la nota sol (G) para no tener que poner muchas lineas adicionales y que sea más fácil la lectura. Los corchetes debajo de los números están para determinar el cambio de cuerda. Internalizar muy bien el de 1 octava “y pico” antes de pasar a los siguientes. Practicarlos en negras, corcheas,

corcheas swing, tresillos y semicorcheas. Tal vez lo mejor sea pasarlos por cuartas (C - F - Bb - Eb - Ab - Db - Gb - B - E - A - D - G ). Aunque también pueden probarlos por terceras (C - Eb - Gb - A - B - D - F - Ab - Bb - Db - E - G) y (C - E - G# - B - D# - G - Bb - D - F# - A - C# - F). Recuerden que la idea es llegar a tocarlo fluido, pero no lo lograremos si la velocidad de la práctica está por encima de nuestras posibilidades. Darse tiempo para ¨pensar¨ las notas, los intervalos, adonde tienen que ir nuestros dedos, etc. Incorporar los esquemas, relacionarlos y reutilizarlos. Entrenemos nuestra parte motriz, pero nunca dejemos de pensar lo que estamos haciendo.

El bajista y compositor Mariano Sivori egresó del Conservatorio Nacional y del Bass Collective of New York. Grabó y tocó con Esteban Sehinkman, Ligia Piro, Juan Cruz de Urquiza, Ernesto Snajer, Mariano Loiácono, Pablo Rodríguez, Manolo Juárez, Les Amateurs, Alejandro Demogli y Diego Schissi, Escalandrum y el Ensamble Real Book Argentina. Mariano Sivori recibió un subsidio del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias, para grabar su primer disco solista, No dogma (BAU). Completan su sexteto Ramiro Flores y Gustavo Musso (saxos), Lucio Balduini (guitarra), Cirilo Fernández (piano) y Daniel Piazzolla (batería).

Miembro de la multipremiada banda Fernández 4.

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GuitaRRa

Por Michel Leme

CAMPOS ARMÓNiCOS hablaremos de la importancia de tocar más de un arpegio en una sola frase. un recurso tanto para rápidos cambios de acordes y para improvisar sobre armonías modales. hay que saber qué arpegios caben en cada tipo de acorde y el conocimiento de los llamados "Campos armónicos" es esencial.

A partir de ahí, hay que experimentar cada superposición para saber el efecto que ella genera sobre el acorde en cuestión. Esta técnica abre muchas posibilidades y las combinaciones no tienen fin. Es bastante trabajoso, pero muy compensador, porque explorar las extensiones (novenas, décimas primeras y décimas terceras) trae una riqueza armónica mucho mayor a los solos. En esta ocasión trataré de una perspectiva del asunto, que será cambiar de arpegio sin cambiar la dirección (ascendente o descendente) de la melodía y, como usted va a darse cuenta al final de las frases, cambiar la dirección cuando sea necesario romper la monotonía. Después de tocar estos ejemplos sobre cada acorde indicado arriba de la frase, toque los mismos arpegios con otras combinaciones de notas, en otras regiones del mástil o cambiando el orden de los arpegios utilizados. En ese momento verás que las combinaciones realmente no tienen fin. Observe que debajo de cada frase anoté cada arpegio que fue utilizado en cada tramo. En el ejemplo 1, tenemos el arpegio de C mayor (indicado como Cmaj) tríada seguido del arpegio Am7 sobre el acorde de C6 o C7M. Esta es una superposición simple, de resultado sonoro discreto, sólo añadiendo la extensión 6M/13M al acorde.

En el ejemplo 2, he utilizado una tríada de F# mayor sobre Em, característica que se puede describir como Em dórico 4 # o como una manera diferente de añadir la "blue note" 4 #/11 # al acorde, y sin recurrir a los clichés venidos del. blues - que son muy buenos, importantes, pero es importante abrir nuevos caminos. En el ejemplo 3, he utilizado el arpegio B7 después de iniciar la frase con el propio arpegio de C mayor sobre el acorde C7M. El efecto es hacer el C7M en C ° (C diminuto), superposición común, pero muy bonita y profunda. En el ejemplo 4, junté tres tríadas sobre el acorde A7M: La mayor (obvia, ya que es la tríada del propio acorde), C# mayor (que resulta en A5 #, 7M - modo Lidio 5#, IIIºb de la menor melódica) y G# (que da el mismo efecto del ejemplo 3, pero en otro tono: G# mayor sobre A mayor, resultando en A ° o A disminuido). En el ejemplo 5, utilicé 3 arpegios sobre el acorde G7 alt (“alt” resume las extensiones posibles para el acorde dominante: 9b, 9 #, 5b y 5 #): G7 (el propio arpegio del acorde), Db (que es la (G5) o G + o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, o G, aparece como Eb).

Michel Leme es uno de los guitarristas más destacados de Brasil, con virtuosismo y musicalidad fuera de lo común, Michel da clases en las mejores escuelas de música de San Pablo, además de tocar tocar con su trio de jazz. Para más información: www.michelleme.com

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GuitaRRa

ARPEgiOS PARA tODOS (PARtE i) En esta ocasión quiero entregarles una lección dirigida para los guitarrístas intermedios y avanzados, y en este caso se trata de “Shred Arpegios”. Por Arturo Mawcinitt

Empezamos en el Ejemplo 1. Con una forma simple y tal vez ya conocida por algunos de ustedes; en este ejercicio quiero que busques la manera en la que la plumilla te quede mas cómoda, ya sea haciendo el barrido hacia abajo, tal vez ligando notas por la primera cuerda, o… ¿Que tal si lo haces todo con los dedos? Echa a volar tu imaginación, solo cumple con la forma del arpegio, lo interesante de esta lección es la secuencia de tonos que se presenta a continuación. En Ejemplo 2 la secuencia te lleva de la mano por diferentes tonalidades A, E, G, D, F, G, A. Practica lo mas que puedas y trata de que cada nota se escuche clara, no pierdas la calma y memoriza toda la secuencia.

Hasta aquí esta entrega, te invito a seguirme en redes sociales, búscame como Mawcinitt, y nos leemos en la próxima.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

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Suplemento técnico | 41

Bajo

PizziCAtO ALtERNADO Pt1: EStANDARizANDO LOS MOViMiENtOS Comienzo en esta edición una serie de columnas abordando unas de las técnicas que más utilizo: el pizzicato. El "finger style" a pesar de ser muy utilizado, no posee una metodología clara dentro del estudio del instrumento. Por bruno Ladislau

Cada bajista fue creando su propia forma de tocar, generando muchas vertientes y dudas, principalmente para los que están iniciando los estudios. En más de 15 años de carrera, desarrollé mi manera de entender el pizzicato, alcanzando el rendimiento que necesito para ejecutar la música que está en mi mente. La intención de estas columnas es pasar un poco de mi manera de estudiar esta técnica. Veremos a continuación cuatro ejercicios esenciales para desarrollar la fluencia usando el pizzicato alternado. Para mantener el foco sólo en la mano derecha (o izquierda a los zurdos) y “mutear” las cuerdas con la otra mano. El objetivo es encontrar la secuencia de dedos más natural para vos y mantenerla en los cambios de cuerdas. Los ejercicios están escritos en corcheas, pero ustedes pueden estudiarlos hasta semicorcheas. Comience lentamente, prestando mucha atención en mantener la secuencia de los dedos. El uso del metrónomo es esencial!

Bruno Ladislau realiza clínicas, es sesionista y Profesor. Actualmente es bajista de André Matos y Aquiles Priester, además de trabajar con grabaciones y producciones.

Contacto: aulas.brunoladislau@gmail.com

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joHN pauL joNEs

John Paul Jones es quizás uno de los bajistas más influyentes del rock y la base desde donde todos los que nos dedicamos a ese estilo nos reflejamos para el estudio del instrumento y sus secretos. Con tan solo catorce años, empezó a formar parte del grupo de danza de su padre, Joe Baldwin y un año más tarde formó su primera banda.

En los años ‘60s comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, The Mindbenders, The Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros. En 1968, convocado por Jimmy Page (que ya había sido un prestigioso músico de sesión antes de incorporarse a los Yardbirds para sus-

44 | John Paul Jones

John Paul Jones es nacido en la ciudad de Sidcup, en inglaterra, el 3 de enero de 1946 bajo el nombre de John baldwin, pero es conocido en todo el mundo por haber sido integrante de una de las bandas más influyentes del rock y de la historia, como lo es el legendario grupo Led zeppelin. Por gyb.ar

tituir a Paul Samwell-Smith, participando en discos de numerosos grupos y solistas, entre ellos los Who, Dave Berry, los Herman’s Hermits, Donovan o los Kinks), a quien había conocido en grabaciones donde participó como arreglador. Dejó su trabajo como arreglador de estudio para unirse a la banda. En su época como integrante de Led Zeppelin tocaba el bajo y el teclado, además de varios instrumentos en las sesiones de grabación, mandolina, flauta, etc. Se encargaba de los arreglos de las canciones junto con Jimmy Page. Jones también fue el responsable de varias canciones de Led Zeppelin, como por ejemplo “Black Dog” o “What Is and What Should Never Be”. También se nota su influencia

musical en “No Quarter” o en “Trampled Underfoot” canciones en las que solamente usa teclados. Después de actuar con éxito en varios clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo editó en Atlantic “Led Zeppelin” , un extraordinario LP debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda. Led Zeppelin II” superó en ventas a su primer LP, alcanzando el puesto número uno en los Estados Unidos y en Gran Bretaña con grandes temas como “Whole lotta love”, “Heartbreaker” o “Ramble on”. Con la desaparición de Bonham, se provocó la disolución definitiva de la banda, que publicaría de forma póstuma “Coda” (1982), un álbum que contenía material de archivo. Jones comenzó su carrera solista con las bandas sonoras Scream for Help y The Secret Adventures of Tom Thumb y grabó su primer trabajo en solitario titulado Zooma en 1999, al que siguió The Thunderthief en 2001. Tampoco se debe olvidar su colaboración con músicos de estilos tan aparentemente alejados de Led Zeppelin como Diamanda Galás, con quien compone y graba el álbum The Sporting Life en 1994. De reconocido prestigio, grupos como REM le pidieron que les produjese uno de sus últimos trabajos con sorprendentes resultados. Los instrumentos que ha usado este talentoso bajista con Led Zeppelin y luego de ellos podemos encontrar los siguientes: Bajo Fretless Fender Precision Bass, Bajo 1961 Fender Jazz Bass (usado en vivo), Bajo 1951 Fender Precision Bass, Mandolina Gibson, Mandolina acústica Andy Manson de tres cuellos , 12 cuerdas & 6 cuerdas (también usada en vivo), Alembic Triple Omega, Alembic Series II, Bajo Custom Made Pedulla Rapture, Acoustic 360 Bass Amp, Órgano Hammond, Clavinet Hohner, Hohner Electra-Piano, Fender Rhodes, Mellotron, Piano Steinway, Piano Yamaha CP-80.

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WaRWick HistoRY

La compañía también produce amplificadores de válvulas y FET, gabinetes acústicos, cuerdas de guitarra, y es propietaria de la marca de guitarras Framus. Además posee dos líneas de bajos eléctricos de costos más reducido, la Pro Series manufacturada en Corea del Sur, y la marca (también demás bajo costo) RockBass fabricados en China. La compañía fue fundada en el año 1982 por Hans Peter Wilfer en la localidad de Pretzfeld, cerca de Nuremberg. Wilfer había empezado a trabajar en el ramo con 17 años de edad, puesto que su padre era el propietario de Framus, una de las fábricas clave en la elaboración de guitarras en Europa desde mediados de los ‘60s, entre cuyos clientes más ilustres se en-

warwick es una fábrica alemana de bajos eléctricos y fué fundada en 1982 por hans-Peter wilfer. Los bajos warwick eran originalmente una marca de primera calidad que ofrecía una pequeña gama de modelos, construidos a partir de maderas de calidad con diseño Neck-through (mástil a través del cuerpo). Por gyb.ar

contraba Bill Wyman, bajista de Rolling Stones. Cuando Wilfer se decidió a establecer su propia firma no tenía del todo claro si iba a dedicarse a fabricar guitarras o bajos, pero cuando en la feria de Fránkfurt vendió 25

comunes los acabados plásticos y el uso de materiales sintéticos. La marca Warwick juega un papel importante en Europa y es una de las compañías europeas mejor consideradas en el mercado estadounidense. Debe este prestigio, además de a la calidad de sus instrumentos, a su temprana asociación con endorsers de renombre, como Stuart Zender, Jack Bruce o John Entwistle, con quien la compañía desarrolló su modelo Buzzard. Actualmente, además de sus talleres en Europa, Warwick mantiene una línea económica de instrumentos fabricados en China, la línea Rockbass by Warwick, pero Wilfer planea restituir la totalidad de la producción a tierras alemanas en pocos años.

ejemplares de su Nobby Meidel Bass (una copia del modelo L1 de Steinberger) y ni una sola de sus guitarras, descubriría que el bajo eléctrico ofrecía un mercado más masivo. En 1984 Warwick presentó su modelo Streamer y un año más tarde su Thumb Bass, que definían ya con claridad el estilo de la marca. Construídos con maderas exóticas, de mástil laminado a través del cuerpo (Neckthrough), micrófonos activos y de cuerpo pequeño y curvado imitando, como el propio Hans-Peter admite, el diseño del NS de Spector. El uso de maderas exóticas terminadas generalmente a la cera, daba a los instrumentos de la empresa un tacto muy especial, muy original para la época y un tanto retro, pues entonces eran

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RoBERt tRujiLLo

En su adolescencia Robert Trujillo escuchaba música variada, desde Led Zeppelin hasta Motown con un poco de funk. Rocky George guitarrista de Suicidal Tendencies, es el que le presenta a Mike Muir, líder y vocalista de la misma.

Así en 1989 entrará a formar parte del grupo sustituyendo a Bob Heathcote. Con esta banda llegó a grabar seis discos. Hacia finales de los ‘70s, Robert Trujillo ingresa a la banda del “El príncipe de las tinieblas”, Ozzy Osbourne.

Junto con el baterista Mike Bordin, Robert Trujillo formó una

46 | Robert trujillo

Roberto Agustín trujillo Veracruz, más conocido por todos nosotros como Robert trujillo, nació el 23 de octubre de 1964 en California, Estados unidos. Músico estadounidense de ascendencia mexicana, que actualmente es el bajista de Metallica, una de las bandas más poderosas del planeta. Por gyb.ar

de las secciones rítmicas más sólida de la escena del metal de esa época. Con Ozzy grabaría Down to Earth (2001) y Live at Budokan (2002), así como las reediciones de Blizzard of Ozz y Diary Of A Madman, ambos en el 2002. Lo cual generaría cierta polémica con el bajista Bob Daisley que originalmente grabó las canciones. De su paso con Ozzy Osbourne, vuelve a surgirle la oportunidad de otro proyecto, el participar con Zakk Wylde, también músico de Ozzy, en Black Label Society. Con Zakk grabará 1919 Eter-

nal y el DVD en vivo Boozed, Broozed, and Broken-Boned, los dos en 2002. En junio de 2002, Jerry Cantrell edita su segundo disco, Degradation Trip con la sección rítmica de Ozzy Osbourne, Mike Bordin a la batería y el propio Robert Trujillo al bajo. Ese mismo año en noviembre reeditará el disco, anunciando que es la reedición definitiva con 11 temas adicionales. El bajista Jason Newsted, abandonó Metallica en 2001. Tras meses de audiciones en busca de sustituto, como puede verse en el documental Some Kind of Monster 2004, entre las que cabe destacar las de Mike Inez, el actual bajista de Marilyn Manson, Twiggy Ramírez, y el bajista de Kyuss, Scott Reeder, entre otros, le llegó el turno a Robert Trujillo. Después de su prueba el grupo quedó impresionado por su forma de tocar, por su facilidad para tocar las canciones así como para seguirlos a ellos, en definitiva fue el elegido para formar parte del grupo como nuevo miembro permanente. El grupo le ofreció 1 millón de dólares por unírseles en referencia al porcentaje que él podría ganar siendo de la banda, así como el asegurarse la dedicación absoluta y plena al grupo. Robert Trujillo no creía que fuera el elegido, y la noticia le sorprendió a la vez que le encantó. Pertenecer a un grupo como Metallica, es una proposición muy atractiva. Trujillo usa amps Ampeg SVTII y gabinetes Ampeg 8x10, también utiliza Mesa Boogie Rectifier con cajas 4x12, en cuanto a los efectos que utiliza podemos encontrar un Morley Power Wah y varios efectos de Dunlop. Robert Trujillo tiene varios bajos a su disposición como lo son un Fernandes; Zon; ESP; Warwick; Music Man; Tobias; Fender Precission y un Fender Jazz Bass “Bass Of Doom” (Antiguo bajo de Jaco Pastorius). Utiliza cuerdas Dean Markley y Micrófonos EMG.

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