Guitarristas y Bajistas Magazine #54 by Sebastian Perego

s a t s i r r a t r i a . Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DISCOS COMPACTOS - Página 06 ENTREVISTA A LYNDON LANEY - Página 08 LA OTRA MIRADA SILVANA COLAgIOVANNI - Página 10 TC hELICON VOICELIVE 3 - Página 11 ENTREVISTA A LA NARANjA - Página 12 FENDER BASSBREAkER - Página 16 NAMM ShOw 2017 - Página 18 ENTREVISTA A NICOLáS SORíN - Página 20 ENTREVISTA A DANIEL MAzA - Página 22 EL REgRESO DEL CAMPEóN - Página 28 VOY A SER BAjISTA! - Página 31 ENTREVISTA A MARCELO CáCERES - Página 32 MujERES BAjISTAS - Página 44 hOhNER M666 - Página 46 SuPLEMENTO TÉCNICO DANIEL CORzO - Página 35 IgOR SAAVEDRA - Página 36 MAYCOwN REIChEMBACh - Página 38 NICOLáS VILChEz - Página 39 juAMPY juáREz - Página 40 ARTuRO MAwCINITT - Página 41 MILTON ARIAS - Página 42

Editor Responsable Florencia Pérez del Valle

Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Diseño Editorial Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Igor Saavedra Maycown Reichembach Arturo Mawcinitt Nicolás Vilchez Daniel Corzo Juampy Juárez Milton Arias

04 | Editorial

Año 11º - Nº 54 | Marzo 2017 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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clínicas WarWick GratUitas orGanizadas por tevelam Ya arrancan las clínicas de bajo a cargo del maestro del bajo, nuestro gran amigo Daniel Castro (Artista Warwick y bajista de Vicentico, Richard Coleman, Los Guarros). Para reservar vacante para éstas clinicas, todos los interesados deben inscribirse por mensaje privado enviando los siguientes datos: Apellido, Nombre, DNI y un email al Facebook de Warwick Basses Argentina. En breve les confirmaremos lugar, fecha y horarios. Arrancamos por CABA y luego irán recorriendo todo el interior. Las vacantes son limitadas, anótate rápido y disfrutar de la data que un artistas como Daniel nos puede dar.

Fender paramoUnt Las guitarras acústicas de la serie Paramount de Fender están listas para desbloquear tu creatividad con características inspiradoras, materiales de primera calidad y diseño superior, están llenas de nuevas innovaciones y siguen siendo fieles a las raíces acústicas de Fender y su vasto aporte a la música country y folk americana. Con su madera sólida de palosanto o caoba en aros y fondo, y una sólida tapa de abeto Sitka o caoba, las guitarras de la serie Fender Paramount están cuidadosamente diseñadas para un tono y rendimiento superior que los va a sorprender gratamente. Estas guitarras Fender Paramount están equipadas con un preamplificador Fishman diseñado por Fender específicamente para cada forma de instrumento, las guitarras Fender Paramount Series Limited, Deluxe y Standard están listas para el escenario y el estudio. El estilo “vintage” incluye elementos de los clásicos modelos de los años 60, incluyendo el ribete y la roseta de tablero de ajedrez, junto con las incrustaciones del diapasón y la pala.

Gibson estrena Gama económica made in Usa y presenta los modelos de 2017 En los días previos al NAMM de este año, en la que pudimos ver las nuevas guitarras de cada una de las principales marcas del mercado, no podía faltar Gibson que estrenará el 2017 unas nuevas series. Los nuevos modelos están clasificados dentro de las gamas Traditional y High Performance, pero también se presenta una nueva gama, la serie S, pensada para ser más económica, aún con construcción en Estados Unidos. La nueva serie S consta de cinco modelos por el momento: M2, Firebird Zero, SG Fusion, Les Paul Custom Special y Les Paul Custom Studio, siendo este última la de mayor precio.

pm-1 dreadnoUGHt La forma de cuerpo más grande proyecta bajos profundos, siendo el modelo perfecto para flatpicking. pm-2 parlor Con un diseño compacto y un mástil que se junta con el cuerpo en el traste 12, los instrumentos de tamaño Parlor son ideales para fingerstyle y guitarristas con manos de menor tamaño. pm-3 triple-0 Lo mejor de ambos mundos- volumen y respuesta, con el equilibrio necesario para fingerpicking-la Triple-0 es la más versátil.

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Novedades | 05

discos compactos

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográﬁcos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición. Por g&B.ar

octaFonic - mini bUda Octafonic se formó en 2013, en Buenos Aires, integrado con músicos activos en la escena y el circuito de jazz poco ortodoxo. El mérito artístico de la banda radica en el talento y la simbiosis de sus miembros y la amplia gama de sutilezas en la composición. Sus raíces son principalmente del rock y del jazz, aunque también mencionan a la música clásica, la música electrónica y el punk como grandes influencias. En 2016 se presentó Mini Buda, segundo material discográfico, alcanzando el top 5 en plataformas digitales y Nro. 1 en iTunes. El trabajo fue producido por la banda, mezclado por Héctor Castillo (Björk, Roger Waters, Gustavo Cerati y Lou Reed, entre otros) y masterizado en Estados Unidos por Dave McNair (Bob Dylan, David Bowie, Prince, Miles Davis). Contó con la especial participación de Tito Fuentes de Molotov (“What?”) y Lula Bertoldi de Eruca Sativa (“Slow down”). nicolÁs sorin: Voz, Coros, Sintetizadores, Wurlitzer, Piano y Kazoo. cirilo “cHibi” FernÁndez: Bajo, Contrabajo, Farfisa, Coros. ezeQUiel piazza: Batería. jUan manUel “trUli” alFaro: Saxo alto, tenor, soprano y clarinete. Francisco HUici: Saxo barítono, banjo. leonardo paGanini: Saxo Tenor. mariano “tano” bonadío: Drum Pad, Percusión, Coros. HernÁn rUpolo: Guitarra Eléctrica, Guitarra Acústica, Coros.

ernesto snajer y matías arriazU - de dos arGentinos El álbum está conformado por siete dúos para guitarra compuestos por Snajer, que incluye valses, tangos, milongas y canciones. Contiene dos temas interpretados en formato solista: “Pal bailetín” de Germán Arriazu, por Matías Arriazu y “El estaño de los peces” de Snajer. Los temas tienen raíces argentinas y sudamericanas, incorporan elementos de otros estilos. El resultado sonoro es la combinación de dos formas muy distintas de tocar: Arriazu con la guitarra de 8 cuerdas y un color netamente argentino, Snajer con un sonido más jazzero. Dice Arriazu: “Este disco significa un montón de cosas, pero sobre todo, poder plasmar vivencias, muchas horas de viajes y de música. Significó para mí volver a mi país después de vivir afuera. Dejar este registro de música argentina es un gusto que me doy al lado de mi compañero. En este momento, y desde agosto de 2016, estamos llevando a cabo un ciclo llamado “Guitarras en Vinilo” todos los jueves, por el que pasaron grandes guitarristas argentinos y extranjeros. Dice Snajer: “Nuestro dúo nació de casualidad. Conozco a Matías de la época de “Igual a mi corazón”, de Liliana Herrero. Él era el guitarrista y yo el productor del disco. Matías me sorpendió cuando me dijo que sabía tocar unos dúos de guitarra que yo había compuesto para tocar con Palle Windfeldt. Me llamó la atención porque no había partituras de esa música y él se tomó la molestia de transcribir y aprender los temas, ¡Incluso los sabía mejor que yo! Desde esa época estuvo flotando la idea de tocar juntos, pero no se concretaba. Luego él se mudó a Río de Janeiro, pero cuando volvió me llamó enseguida para reflotar la idea del dúo. El material fue registrado prácticamente sin ediciones ni sobregrabaciones, en dos sesiones grabadas y mezcladas por Juan Belvis en el estudio de Lito Vitale. El masterizado estuvo a cargo de Gustavo Fourcade.

escalandrUm - sesiones ion obras de mozart y Ginastera Este disco está integrado por obras de estos dos excepcionales compositores que fueron grabadas en el mítico estudio argentino a única toma, utilizando la técnica del inventor de la estereofonía en los años '30. La idea de esta grabación surgió a partir de una invitación de Osvaldo Acedo (manager de Estudios ION) para conmemorar los sesenta años de la legendaria sala, mientras que el repertorio nació de la sumatoria de comisiones especiales encargadas al grupo durante el año 2016: una por parte de la Fundación Konex para que Escalandrum interprete música de Mozart en su Festival de Música Clásica, y otra a pedido del Ministerio de Cultura de la Nación para que realice un homenaje al gran compositor Alberto Ginastera en el año del centenario de su nacimiento. Los arreglos, a cargo del pianista Nicolás Guerschberg, potencian la calidad de estos seis instrumentistas de excepción. Cuando todo comienza, se escucha el ride de Pipi Piazzolla y al entrar los vientos, uno debe rendirse ante tanta belleza: como si Mozart se hubiera juntado con Benny Goodman o Dave Brubeck. Luego, la entrada del piano y el contrabajo nos acercan aún más a un sonido con mucho de cool jazz, y en este punto influye poderosamente el audio, que es un protagonista central de este disco el cual, no por nada, se llama Sesiones Ion. Escalandrum lleva dieciocho años de trayectoria con su formación original, más de cuarenta países recorridos y diez discos editados. Verdaderos embajadores de la música argentina en el mundo, poseen un gran reconocimiento de prensa y público, tanto por su original sonoridad como por su poderosa actitud en el vivo. Sus integrantes son aclamados músicos con importantes carreras en su haber: Daniel “Pipi” Piazzolla en batería, Nicolás Guerschberg en piano, Mariano Sívori en contrabajo, Gustavo Musso en saxo alto y soprano, Damián Fogiel en saxo tenor y Martín Pantyrer en clarinete bajo y saxo barítono.

06 | Discos Compactos

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LYNdoN LaNEY - dE iNgLatErra para EL muNdo Quien no conoce el nombre Laney, no debe ser músico obviamente. El famoso LA 100 BL y su reedición 2017 fueron expuestos en la pasada NAMM 2017 de enero, para conmemorar una fecha especial. Laney es una marca de ampliﬁcadores para guitarras, bajos, tanto eléctricos como acústicos, sistemas de sonido y para dispositivos uSB, de fama mundial y en esta nueva edición del NAMM, cuando Laney cumple su 50 aniversario(1967-2017), tuvimos la suerte de estar con su creador, joven bajista en los efervescentes 60’s (tocó nada menos que con The Band of joy junto a john Bonham y Robert Plant entre otros) y es el hombre que 50 años atrás se vio forzado a fabricarse su propio ampliﬁcador y vaya que lo logró, con ustedes Lyndon Laney. Por gP

¿cómo surgió la idea de construir amplificadores? Yo crecí a dos horas de Londres en West Midland, y ya estaba tocando el bajo en bandas de la zona de Birmingham y era una época muy interesante con muchas bandas y músicos que luego fueron grandes del rock. Yo necesitaba un amplificador mejor, estaba Vox muy fuerte en esa época de fines de los 60’s, pero no tenía el dinero

como para comprar uno así que decidí hacerme uno yo mismo. Yo necesitaba más tono del amplificador recuerdo, así que comencé a investigar y en el garaje de mis padres fue que me hice mi primer equipo. Luego un amigo mío a quien le gustó mi amplificador me pidió si yo podía hacerle uno y accedí y luego otro y luego otro. La voz se empezó a correr rápidamente en la zona.

En 1970 el guitarrista de Black Sabbath, Tony Iommi es quien da con Lyndon buscando un sonido particular del cual se enamoró al instante y es ahí con la salida del álbum Paranoid que los equipos Laney toman vuelo internacional y su nombre se extiende por todos lados. De esta manera la lista de endorsers fue creciendo y Laney supo captar a muchos de los más populares y prestigio-

¿cómo aprendiste a hacerlos? A medida que los iba armando también probaba un capacitor por acá, otro por allá según lo que buscaba y así con prueba y error iba consiguiendo lo que deseaba. Cuando me dicen Laney enseguida viene a mi cabeza, amplificadores de guitarras. ¿cómo siguió todo después del primero? Los primeros dos amplificadores fueron de bajo y el tercero fue de guitarra así que empecé a hacer amplificadores a pedido en el garaje de la casa de mis padres. Así que hacemos para ambos instrumentos desde el comienzo. Lo siguiente fue que una tienda de Birmingham quería vender mis amplificadores así que todas eran cosas buenas. El primer problema con el que me topé fue que yo ya estaba por comenzar la Universidad pero estaba tocando y haciendo amplificadores así que decidí posponer lo de ir a estudiar para más adelante y probar como me iba con la vida que estaba haciendo que me divertía y 50 años después aquí estoy con esta empresa. Nunca fui a la Universidad (risas).

08 | Entrevista a Lyndon Laney

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atraído a grandes músicos con sus productos. La lista de endorsers se lee como un “quién es quién” en el mundo de los guitarristas. Nombres como Randy Rhoads, Vinnie Moore, Warren Di Martini, Ace Frehley, Vinnie Vincent, Robert Plant, George Lynch, Paul Gilbert, Joe Satriani, Steve Vai, Andy Timmons, Frank Gambale, Francesco Artusato, Mattias "IA" Eklundh, Christophe Godin, The Commander in Chief, Kill Switch Engage, Neon Trees, Martin Miller, Tom Quayle y la lista continúa. ¿cual diría que fue su gol, su acierto en esta industria tan competitiva? Por suerte he podido acertar y customizar los requerimientos de artistas muy importantes y aún lo hago, pero creo que mi gol es que amo la música, amo a los músicos y amo a la gente, de hecho yo fui músico y no se trata de tener el dinero sino de dar todo el tiempo, con lo que los artistas necesitan de un equipo, ahí está la clave y saber cambiar con los tiempos, adaptarse.

sos músicos del momento. La conducción de la empresa siempre fue muy hábilmente manejada por Lyndon que con humildad y trabajo dejó que sus productos y los artistas sean las vedettes de la escena y él manteniéndose siempre con un perfil bajo. De hecho fue Tony Iommi quien inauguró las nuevas instalaciones, siempre en West Midland, instalaciones que significaron una gran inversión para Lyndon pero que han dado sus frutos consiguiendo hoy estar en más de 60 paises, habiendo conseguido premios y galardones con productos muy bien vistos por la crítica. Dichos productos se han mantenido arriba con los avances en la tecnología de la guitarra y los distintos estilos de música. Laney siempre ha

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¿Qué motivaciones y expectativas tiene para el futuro de la marca? Seguir trabajando duro, con los músicos es lo que amamos y los músicos con nosotros, soy una persona muy afortunada en poder hacer esto, amo lo que hago incluso después de 50 años y tengo la suerte de tener a mi hijo trabajando conmigo. Lo bueno es que nunca presioné a James para que trabaje conmigo, jamás, él solo lo pidió, estudió y hace poco comenzó a trabajar conmigo y estoy muy orgulloso. ¡Tengo un hijo y una hija y tres nietos!. La Empresa fue galardonada en esta pasada edición del NAMM Show por su Presidente, Joe Lamond, quien se encargó de darle a Mr Laney la placa correspondiente a 50 años aportandos al servicio de la Industria de la Mú-

sica. Si bien hoy uno esperaba ver en Lyndon Laney a un hombre maduro de empresa, exitoso y parado desde otro lugar más importante y con una muy bien merecida reputación ganada, lo que uno realmente ve es a ese adolecente, ahora entrado en años, apasionado, que empezó haciendo un amplificador en el garaje de la casa de sus padres. Lyndon conserva esa misma pasión, ese amor por la música y por los músicos, que lo han llevado al éxito y a conseguir construir lo que hoy es una de las más importantes fabricas de amplificadores del mundo. FAMA MUSIC es distribuidor oficial de Laney en Argentina, para más info entrar en www.famamusic.com.ar

Entrevista a Lyndon Laney | 09

La otra mirada

Además Silvana Colagiovanni, estudió en la Escuela de Música Contemporánea Berklee Internacional Network, obteniendo el título de Músico Profesional. Integró la banda del guitarrista de blues Miguel Botafogo. En ese marco participó como músico estable de Botafogo TV, donde tocó junto a Charly García, Pedro Aznar, Fito Paez y Luis Salinas, entre otros. Formó parte de la banda de rock Decenadores, Led Ladies y la banda de Baltazar Comotto, entre otras. GUitarristas jimmy rip: Lo conocí cuando vino a ver a Led Ladies, la banda en la que yo tocaba con Luli Bass, que también era su bajista. Después del show, Jimmy vino a saludarnos y me dijo que le hacía acordar mucho a Bonzo, por la fuerza y la pasión que tenía al tocar. Me encanta el groove que tiene y disfruto mucho compartiendo escena con él. Es muy pasional

Silvana Colagiovanni actualmente integra la banda del legendario guitarrista jimmy Rip (Mick jagger, jerry Lee Lewis). grabó junto a Carajo un disco en vivo, Electrorroto. Es endorser de gretsch Drums, Istanbul Agop Cymbals, Vater Drumsticks, hecos Accesorios, Aquarian Drumheads, humes & Berg, INCA y Db Drums. Por g&B.ar

y generoso con todos los músicos. Nos da total libertad. Es un tipo con una sensibilidad especial y transmite mucho cuando toca. La conexión surge sola. Abajo del escenario es increíblemente humilde, sobre todo teniendo en cuenta su increíble trayectoria internacional. Es muy inteligente, divertido y siempre tiene alguna anécdota increíble para contar. botafogo: Sencillamente lo adoro! Fue mi debut como baterista profesional. Siempre compartió conmigo todo lo que sabe. Imposible olvidar aquellas charlas que me hicieron crecer mucho, como músico y como persona. Hoy por hoy, en nuestro país, Botafogo es el blues! baltazar comotto: De Baltazar siempre me llamó la atención su sonido. Es único y personal. Un violero súper virtuoso, tiene un tempo perfecto y es muy pro-

lijo sin dejar de ser pasional. Disfruta mucho de zapar en vivo y se preocupa por el lucimiento de sus músicos. Me siento muy cómoda tocando con él. Gonzalo Gallo: rockero y productor por naturaleza. Crecimos juntos tocando y fue una época maravillosa de mi vida. Pasamos 9 años creciendo y llevando adelante nuestro proyecto que fue Decenadores, banda con la que viví mil experiencias que me marcaron. Es un guitarrista muy musical y me encanta. aldana arguen: Ttiene todo el Groove del funk. Súper talentosa, prolija y a la vez visceral. Tiene la capacidad de sorprenderte con sus solos y llegarte a corazón. bajistas luli bass: Es mi compañera musical de la vida. Con una sola mirada ya sabemos todo lo que está pasando y lo que hace falta. Tiene todo lo que un bajista necesita: contundencia, groove y solidez. Más allá de una memoria envidiable y un gran oficio. Puede cambiar de tonalidad en un segundo y seguir tocando naturalmente. esteban tereschuk: Es un músico súper sólido, es muy fácil tocar con Esteban. Un músico como hay pocos. Además Esteban es muy versátil porque domina varios estilos y va de una métrica a otra sin despeinarse. Nos divertimos mucho. camil Holms: Es muy parecida a mí, en la relación que Camil tiene con su instrumento. Lo que más me llamo la atención de ella es la actitud sobre el escenario. Tiene un sonido muy power y compacto. Con Camil compartimos los mismos gustos musicales y también es muy buena compositora.

10 | La otra mirada Silvana Colagiovanni

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tc HELicoN VoicELiVE 3

En esta oportunidad nos vamos a referir exclusivamente a su división TC Helicon, que se dedica a armonizadores y procesadores vocales, más precisamente al VoiceLive 3. El nuevo TC Helicon VoiceLive 3 es una unidad de efectos vocales y de guitarra todo en uno, que ofrece efectos vocales de última generación y vintage, junto con la capacidad de generar armonías y controlarlas usando una guitarra o un teclado. Al igual que su predecesor, el VoiceLive 2, esta versión está diseñada con énfasis en la generación de armonía en tiempo real para una voz en solitario. ¿Qué hay de nuevo en VoiceLive 3? Más ofertas de presets, un vocoder y nuevos modos de armonía que son intrigantes, pero puede o no ser suficiente para hacer que insista en el modelo más nuevo. Pero, ¿qué pasaría si te dijéramos que, junto con las mejoras en la tecnología de generación de armonía, el TC Helicon VoiceLive 3 ahora ofrece algunas de las mejores tecnologías de loops para los vocalistas? La conexión de VoiceLive 3 es bastante fácil, y la documentación de configuración es clara y fácil de seguir.

TC Electronic produce efectos de guitarra, ampliﬁcación, interfaces de audio para pc, software de plug-in de audio, equipos de estudio y postproducción y procesadores de estudio. Por gyB.ar

Cualquier persona que desee comenzar a usar VoiceLive 3 inmediatamente después de la instalación, puede. Aún así, si uno desea sacarle el máximo habrá que invertir tiempo. Como los propios fabricantes señalan, tendrás que dirigirte a su sitio web y leer el manual completo (disponible como una descarga gratuita de PDF) para poder utilizar la unidad a su capacidad máxima. El VoiceLive 3 es casi un instrumento por derecho propio, y como cualquier instrumento, requiere una inversión de tiempo. Eso

guitarra, mientras que mantenerlo pulsado lo llevará a la capa de looper. Antes de ahondar en estas potentes y complejas capas, echemos un vistazo a lo que está disponible a través de los otros pedales. Teniendo en cuenta que hay más de 250 efectos en el VoiceLive 3, y que cada efecto puede ajustarse a gusto, TC Helicon ha hecho un buen trabajo al decidir cómo deben organizarse. Los interruptores de pie le permiten realizar cambios de amplio alcance, por lo que tanto el Reverb, el

no significa que no haya una sencillez inteligente en cómo se diseña. El VoiceLive 3 funciona en tres "capas" y se accede a cada una a través del pedal llamado Looper, que tiene una guitarra y un icono de micrófono encima. Si lo tocás, cambiará entre las capas vocales y de

Delay, el Harmony / Drive, Doble / la Compresión y la Modulación tienen conmutadores de pie especiales en la placa principal. Cuando selecciona un efecto preestablecido, estos pedales se iluminarán si el efecto asociado con ellos si forma parte de la mezcla. Por ejemplo, el preset 148, 'Oct Dn GRP', tiene una armonía de octava abajo, delay y reverb como parte de la mezcla, por lo que los interruptores de pedal para Harmony, Reverb y Delay estarán encendidos. Se puede tocar cada uno individualmente para apagarlo, si se desea. El desplazamiento a través de los preajustes se hace con los pedales en el extremo izquierdo. Los cambios más finos en los sonidos predefinidos se realizan a través de la pantalla táctil y la interfaz LCD, donde se pueden modificar los detalles más profundos de los presets, incluyendo la mezcla y el equilibrio real de los diversos componentes de los cuales se compone el mismo. Es imposible cubrir todas las características que se ofrecen en el VoiceLive 3, esto realmente más allá del alcance de este artículo. Basta con decir que el VoiceLive 3 está lleno de complementos inteligentes que han sido claramente diseñados por ingenieros que saben lo que es cantar y tocar en vivo.

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La NaraNJa

La banda formada por gabriel De Lucca (voz), David Polonsky (bajo), Boﬀ Seraﬁne (guitarras), hugo Fuentes (guitarras) y Mariano Di Taranto (batería). En diciembre de 2016 se presentaron en el Teatro Flores junto a Viticus donde se produce el reencuentro de VITICO con BOFF después de la muerte de PAPPO, una noche histórica para el rock nacional. Por gyB.ar

foto: fernanda fotos

cómo surgió la idea de juntarse con boff, como parte de la naranja para la actual gira? Hugo julián Fuentes (suco): Lo conocemos a Boff de hace muchos años, el guitarrista que estaba antes sufrió un accidente y había que seguir adelante, el primero en

12 | Entrevista a La Naranja

la lista para sustituirlo era Boff y por suerte acepto nuestra propuesta de sumarse a La Naranja. david polonsky (polo): El acople musical fue inmediato y la onda que armamos, fue desde el primer día. boff serafine: Esta banda es muy convincente jajaja,

me considero un producto dentro de otro producto, algo así como el Fernet con Coca. ya habían trabajado juntos anteriormente, como fue esa experiencia? Hugo julián Fuentes (suco): Si, Boff realizo la producción artística del Ojo en la cerradura (2007), nuestro tercer disco de estudio. david polonsky (polo): contar con su experiencia fue una gran ventaja y se nota la diferencia en el sonido de los discos de allí en adelante. boff serafine: Haber trabajado en la producción del disco “el ojo en la cerradura”, fue un experimento muy interesante, que resultó muy bueno. sumaron en algunos shows también a vitico, otro miembro de riff, contanos un poco cómo fue? Hugo julián Fuentes (suco): Con Vitico hay una amistad de 20 años, cuando arrancó con Viticus se llamaba Vitico y La Sangre, tocaban de soporte nuestro y luego Víctor se sumaba para hacer algunos temas de Riff con La Naranja. Siempre hacemos shows juntos y cuando se da la situación se sube a tocar. La Naranja es una de las pocas bandas que tuvo el honor de tocar de soporte de Riff y Pappos blues en varias oportunidades. Pappo toco una vez con La Naranja en el 2002 en una rockeria que se llamaba La Rocka, un jueves de zapadas que duro hasta la madrugada, otra noche inolvidable.

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foto: fernanda fotos

david polonsky (polo): En esa época compartíamos el escenario y tocábamos a dos bajos los temas de Riff, aprendí muchísimo. boff serafine: Vitico a través de miles de años, aprendió mucho de los humanos y es por eso que ahora nos llevamos taaaan bien. boff, como es tu relación con los otros integrantes de riff, hay posibilidades de que se junten y realizar algunos proyectos junto a luciano el hijo de pappo? boff serafine: Mi relación en la actualidad es excelente. Michael Peyronel, es como el hombre del bicentenario, pasan los años y está igual y con Vitico tenemos una gran afinidad, ya que hemos tenido unos encuentros en el escenario, como el del 9 de diciembre pasado en el teatro de flores y en el Cosquin rock 2017. Y lo último fue junto a Luciano napolitano en el Vorterix, este 10 de marzo. Demoledor. Y el futuro nunca se sabe. alguna anécdota, de la época de riff? boff serafine: Bueno Riff, era una banda de ciencia ficción, nunca se sabía si lo que pasaba era real o era una pesadilla. Todo era muy divertido… como fue tocar en méxico en el 2011? Hugo julián Fuentes (suco): Tuvimos el honor de tocar junto a EL TRI, la banda que lidera Alex Lora, hicimos 4 shows, 3 en DF y el ultimo en San Miguel de Allende para 20.000 personas. david polonsky (polo): Fue una experiencia enrique-

14 | Entrevista a La Naranja

cedora por todos lados, nos sirvió para aprender mucho en cuanto a la forma de trabajar en grupo y la manera de encarar los proyectos Que guitarristas y que bajistas los influenciaron a lo largo de su carrera? Hugo julián Fuentes (suco): Hay varios, pero si tuviera que nombrar dos, te diría Pappo y Ace Frehley. Te podría agregar a Julio Morano, uno de los mejores guitarristas de la argentina, guitarrista de la legendaria banda WC por la que pasaron un montón de músicos reconocidos como Gustavo Rowek y Beto Zamarbide antes de formar V8. david polonsky (polo): Vitíco sin duda, Roger Glover y también un montón de los cuales he sacado cosas sin proponérmelo. boff serafine: Para mí Jeff Beck, unió el pasado, el presente y el futuro y John Petrucci. están por hacer nuevamente un teatro vorterix, qué expectativas tienen? Hugo julián Fuentes (suco): Este año La Naranja cumple 25 años y lo vamos a festejar allí, la fecha exacta es el sábado 2 de septiembre, estamos preparando un show con muchos invitados y también vamos a aprovechar la ocasión para adelantar temas del nuevo disco. david polonsky (polo): Queremos una fiesta que este a la altura de una banda que cumple 25 años, estamos trabajando para ello. boff serafine: Si bien falta mucho aun para el 2 de sep-

tiembre, lo bueno es que hay tiempo para ver los pasos a dar. En materia discográfica hoy cambiaron las reglas de juego, si bien grabar todo un CD, es lo ideal, ya no se pierde tiempo en grabar, editar, mezclar y todo lo que eso implica, para hacer un disco, hoy todo es más ágil. cuáles son los próximos pasos? Hugo julián Fuentes (suco): Seguir girando y terminar de redondear el próximo disco de estudio. Es probable que estrenemos un video también. boff serafine: Seguir ensayando, trabajar en el material nuevo, sonar con potencia y tocar en vivo. Que equipamiento usan actualmente? Hugo julián Fuentes (suco): Guitarra Gibson Les Paul Standart (1997), Guitarra Gibson Les Paul Traditional (2010). Cabezal Marshall JCM 900 High Gain Dual Reverb, Caja Marshall 1960 de 300W. david polonsky (polo): Bajo Fender Prescision, Bajo Epiphone Firebird. Cabezal Ampeg SVTIII, Caja Ampeg Clasic 4x10 y 1x15. boff serafine: Guitarra Gibson Fly V, Guitarra Hammer Strato. Rack Rivera Power Hammer 320, Marshall JMP1, Fx Roland. Dos gabinetes Rivera de 4x12 con Celestion by Rivera. Queremos aprovechar y agradecer por este medio a nuestros amigos de Casa Libertella, Heavy Cases, Martin Blust Strings y Magmapro por el apoyo incondicional que le brindan a La Naranja. Gracias!

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FENdEr BassBrEakEr

No hay nada como la pureza de sonido y la potencia de un amp Fender. Durante décadas, la riqueza de sonido y la sensible dinámica de las válvulas reales han aportado un sonido deﬁnitorio e inconfundible a los ampliﬁcadores Fender. Por Sergio Resar

único chasis. Su circuito modificado ofrece unos limpios cristalinos y un sustain ideal para los solos. Los potentes sonidos Brownface y Blackface coexisten en armonía en este amplificador de alta calidad a válvulas. Un práctico modelo diseñado para la flexibilidad de sonido. Dos canales - Cuatro válvulas de potencia EL84 y dos válvulas 12AX7 de pre ofrecen limpios cristalinos y sonidos crujientes de hard rock - 2x12” Celestion V-Type de 8 Ohms - Combinan con la caja acústica externa BB212 en un potente mini-conjunto de cabezal y caja acústica. bassbreaker 45 Head La flexibilidad es la característica principal del Bassbreaker 45 Head, el cabezal buque insignia y la última evolución del “abuelo” de todos los amplificadores, el ’59 Bassman. Este amplificador ofrece un sonido orgánico, crujiente y ronco con estilo propio, combinado con un rango dinámico formidable y unos sonidos a válvulas de timbre saturado redefinido. Esta potente bestia ofrece un formidable sonido Fender con un toque moderno. Amplificador de 45W - Tres válvulas de pre 12AX7 y dos válvulas EL34 de potencia para un sonido de hard rock Tres entradas para “salto de canal” - Conmutador de salida regulable de 1 a 45W.

Los amplificadores de guitarra de la serie Bassbreaker continúan el linaje de Fender con una especie de "evolución paralela" que evoca el amanecer del hard rock. Bassbreaker rompe con la tradición con características que se suman a la grandeza de la válvula pura. bassbreaker 007 Head Diseñado para los entusiastas de Fender que buscan el sonido overdrive del otro lado del Atlántico, el Bassbreaker 007 es un robusto cabezal de sonido flexible con gran potencia por su tamaño. Innegablemente Fender, el cabezal Bassbreaker 007 está equipado con sonidos de gran autenticidad que van desde limpios cristalinos hasta saturación crujiente de gran riqueza armónica. Amplificador de 7W - Dos válvulas 12AX7 y una EL84 para overdrive estilo británico - Potenciador de frecuencias agudas de estilo vintage integrado - Compatible con las cajas acústicas externas BB112 o BB212 - Pedal de control y funda protectora opcionales. bassbreaker 007 combo Como su versión en cabezal posee los mismos componentes de amplificación. Este amplificador cuenta además con el potente y cálido parlante de 8 ohms Ten 30 combina la calidez de las frecuencias graves con unos medios expresivos y unos agudos crujientes, además de sonidos limpios de gran apertura tonal y un elegante sonido de overdrive cuando se lleva al límite. Combo de 7W - Dos válvulas 12AX7 y una EL84 para overdrive estilo británico - Potenciador de frecuencias agudas de estilo vintage integrado conmutable - 1x10” Celestion Ten de 8 Ohms - Pedal de control y funda protectora opcionales.

16 | Fender Bassbreaker

bassbreaker 15 Head Sobrealimentado y con una gran variedad de flexibles características, el cabezal Bassbreaker 15 Head es la última evolución del clásico sonido Fender Bassman. El circuito ha sido rediseñado y ahora incorpora tres modos de distintos de saturación de válvulas. El fascinante sonido de las válvulas llevadas al límite de saturación que anunciaba el amanecer del hard rock. En el escenario o en el estudio, el Bassbreaker 15 es un cabezal de primer nivel, rebosante del sonido de rock más crudo. Amplificador de 15W - Selector Structure permite tres tipos de sonido distintos - Preparado grabación con silenciador de etapa de potencia, salida de línea XLR conmutable con simulador de parlantes emulado, y separador de toma de tierra - Fácilmente conectable con las cajas acústicas externas BB112 o BB212. bassbreaker 15 combo Con los mismos componentes de amplificación que el Bassbreaker 15 head, además posee en su interior un parlante Celestion V-Type de 12" y 8 ohms. Este amplificador está equipado con el selector Structure que ofrece tres configuraciones distintas de sonido: un sonido comprimido; un sonido de canal limpio tipo boutique; y un sonido de saturación overdrive. Combo de 15W - 1x12” Celestion V-Type de 8 Ohms Selector Structure permite tres tipos de sonido distintos Preparado grabación con silenciador de etapa de potencia, salida de línea XLR conmutable con simulador de parlantes emulado, y separador de toma de tierra. bassbreaker 18/30 combo El Combo Bassbreaker 18/30 cuenta con dos amps en un

bassbreaker 45 combo Misma tecnología que el cabezal que lleva el mismo nombre, incorpora dos parlantes Celestion V-Type de 12” y 8 ohms para mayor potencia de frecuencias medias. Combo de 45W - Salida de 1 a 45W - 2x12” Celestion VType de 8 Ohms para mayor potencia de frecuencias medias - Tres válvulas de pre 12AX7 y dos válvulas EL34 de potencia para un sonido hard rock - Tres entradas para “salto de canal”. bassbreaker bb212 Gabinete La respuesta a las demandas de los guitarristas que tocan en vivo, la Bassbreaker BB212 es un gabinete accesible, fácil de transportar, de gran resistencia y con un sonido sensacional. Complemento perfecto para los amplificadores Bassbreaker 45 y 18/30, la Bassbreaker BB212 va equipada con los formidables parlantes Celestion que reproducen el sonido limpio cristalino y la saturación overdrive más cruda con facilidad, sin que tengas que partirte la espalda descargándolos después del concierto. Gabinete de 140W - 2x12” Celestion V-Type de 8 Ohms - Construcción con parte posterior semicerrada de alta durabilidad - Compacto - Transportartable - Compatible con Bassbreaker 45 y Bassbreaker 18/30. bassbreaker bb112 Gabinete Al igual que la BB212, este modelo de caja para cabezal de guitarra Fender es una caja acústica accesible, fácil de transportar, de gran resistencia y con un sonido sensacional. Complemento perfecto para los amplificadores Bassbreaker 15 y 007, la Bassbreaker BB112 va equipada con los formidables parlantes Celestion Gabinete de 70W - 2x12” Celestion V-Type de 8 ohms Construcción con parte posterior semicerrada de alta durabilidad - Compacto - Transportable - Compatible con Bassbreaker 15 y Bassbreaker 007.

guitarristas y Bajistas.ar

Namm 2017 - aNaHEim, Los aNgELEs, caLiForNia Como cada año, Guitarristas y Bajistas.ar concurrió a la mayor feria de instrumentos y accesorios musicales del mundo. Una vez más realizada en Anaheim, en Los Ángeles, donde siempre nos cruzamos con muchísimos amigos y colegas de todo el

Stand de Gibson y todas sus guitarras acústicas

mundo, para poder participar de todos los eventos en esta afamada feria, donde cada una de las marcas presentan nuevos productos. Estuvimos ahí para en esta ocasión presentarles las principales novedades de la Namm 2017. Por gP

El paraíso en la tierra para cualquier guitarrista

Poderoso amplificador Orange

En el stand de Mooer con mil pedales a nuestra disposición para ser probados y disfrutados

Ashdawon y sus caballitos de batalla

18 | Namm Show 2017

Fender BassBraker y todos los clásicos de Fender

Stand de Fender, donde no dejamos nada sin probar

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NicoLás soríN

Nicolás Sorín también ha trabajado en Europa con artistas como Shakira, Alejandro Sanz, Juanes, y Jovanotti y ha dirigido orquestas de prestigio como la “London Session Orchestra”, la orquesta sinfónica de México y la “Henry Mancin Orchestra” entre otras. Ha compuesto música de

Estudió en el Berklee College of Music, donde estudió con Bob Brookmeyer, Maria Schneider y Vuk kulenovic. A los 21 años recibió el “Premio Clarín” y dos “Premios Cóndor” para la banda sonora de la película “historias mínimas” y “El gato Desaparece”, así como cuatro nominaciones para el “Latin grammy 2007, 2010 y 2013” como productor. Por Sergio Resar

cine para decenas de peliculas y en el 2016 ha sido el director musical del MTV Unplugged de Miguel Bose. cómo empezó tu relación con la música? Comenzó con la compra de un piano vertical, yo tenía 4 años y me la pasaba sentado en el aporreándolo.

David Calahan , quien fue profesor de Leonard Bernstein y me metió dentro del mundo de la dirección orquestal y Phil Wilson, una leyenda del trombón quien me dio la primera oportunidad para escribir para Big Band e irme de gira con su orquesta.

Qué se escuchaba en tu casa? Siempre se escuchó música clásica en casa desde que tengo recuerdo. Mi abuelo y sus hermanos solían juntarse todos los domingos a tocar cuartetos de Brahms. a qué edad empezaste a estudiar? Fui bastante poco disciplinado con el estudio pero a la vez era muy curioso e intentaba agarrar todos los instrumentos que pudiera. Tuve muchas clases particulares de guitarra, composición, batería, etc. , pero creo que la formación formal comenzó en Berklee. cuándo te fuiste a eeUU a la famosa berklee college of music? Fue allá por el año 97, tenía unos 17 años. y ahí, con quiénes estudiaste? Tuve tres grandes profesores allá que fueron muy generosos conmigo. Vuk Kulenovic, un compositor serbio que me enseñaba música polifónica y bebíamos Jagermesiter.

20 | Entrevista a Nicolás Sorín

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Qué es lo que rescatás de esa época? Las amistades y el hecho de que se respiraba música 24 horas por día. asististe a muchas clínicas dictadas por gente muy grosa, por ejemplo quiénes? Tome clases con Maria Schneider, una compositora a la cual respeto muchísimo. Vince Mendoza y Bob Brookmeyer fueron otros que me impactaron con su sabiduría. en qué momento fuiste a europa a trabajar? A eso de los 20 , luego de dos años de lucha en NY tocando con mi grupo salió una oportunidad para grabar con la London Session Orchestra para otro proyecto y me fui para allá y termine quedándome. con qué artistas lo hiciste? Miguel Bosé, Chris Cameron, Juanes, Shakira y otros artistas ligados al Pop. cómo es tu sistema de composición? La verdad que hasta el día no tengo un sistema. Trato de que las ideas sucedan imprevisiblemente y de ahí agarro la caja de herramientas y trato de volcar lo que aprendí para darle una cohesión a todo. también has compuesto música para películas, como es el sistema de trabajo en ese caso? Uno está mucho más restringido con las películas y por más de que uno siempre quiere hacer una música que le resulte atractiva no siempre tiene que ser el caso en este rubro Hay que equilibrar esas ansias con cumplir una función en la narración de una historia. cómo es eso de dirigir orquestas? Es una sensación increíble. Hay mucha presión y tenés cientos de ojos mirándote y esperando a que les expliques lo que tienen en sus atriles. La dirección orquestal es una

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arte aparte que lleva mucho tiempo para masterizar. cómo nace octafonic? Te diría que Octafonic nace como una especie de accidente, la idea era tener dos bandas con el Sorín Octeto por si algunos se iban de gira. Al final la personalidad de los músicos llevo a la banda a otro lugar de una manera muy natural. cuándo vuelven a tocar y en dónde? Tenemos el próximo show en Niceto el 8 de abril. La primera de las presentaciones del 2017.

en qué te ha cambiado la vida haber tenido un hijo? Creo que es el comienzo de un cambio que se extiende a lo largo de toda la vida. Lo veo como un renacer, la posibilidad de vivir el mundo a través de la persona que uno más ama en el mundo. Es puro aprendizaje. cuáles son tus hobbies? Voy variando mis hobbies. En este momento estoy apasionado por los drones. Qué sigue en la vida de nicolás sorín? Espero que mucha más música

Entrevista a Nicolás Sorín | 21

foto: laura tenenbaum

daNiEL maZa

En su infancia en Montevideo, vivía en una casa muy musical. Su barrio también estaba lleno de música. Todo comenzó cuando su amigo, el Mono Castillo, que estaba estudiando electrónica, se armó un ampliﬁcador para escuchar música y Daniel llevó un parlante de un equipo que tenía y así armaron un baﬂe que pusieron en la esquina. una infancia feliz y llena buenas anécdotas. Por Sergio Resar

Daniel Maza nació en el año 1959 en la ciudad de Montevideo, Uruguay. Se crió en una familia de músicos y desde pequeño empiezó a tocar la guitarra y otros instrumentos. Se radicó en Argentina a principios de los ´80 donde comienzó una carrera artística que lo relacionó con las figuras más importantes de la música de la escena nacional e internacional. Músico, cantante y extraordinario bajista, compartió “Jam Sessions” con Ray Barreto, Simon Phillips, Djavan, Steve Lukather (Toto), Jeff Andrews y Richie Morales. Acompañó en distintas giras a Willie Chirino, Hugo Fattoruso y a los percusionistas cubanos Changuito y Tata Güines. Fue convocado por Celia Cruz para realizar diversas presentaciones en Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Argentina. Compartió escenario con Arismar Do Spiritu Santo y Toninho Horta. Realizó sesiones de grabación y presentaciones con Valeria Lynch, integró el grupo de Horacio Fontova, la banda de Luis Salinas y del Edelmiro Molinari Trío junto a Sebastián Peyceré. Participó en los dos últimos discos de Mercedes Sosa, “Cantora 1” y “Cantora 2”. También grabo con Jairo en “Ferroviario”,

22 | Entrevista a Daniel Maza

Guillermo Fernández en “De gitanos y tangueros”, Raúl Carnota en “Espejos II”, con Kevin Johansen y Julia Zenko, entre muchos otros. Cuenta con ocho producciones discográficas con sus propios proyectos: Música Destilada (Daniel Maza Trio, 2004), Vamo´Arriba (Daniel Maza Trío 2005), Al Contado (Daniel Maza Grupo 2007), De Feria (Daniel Maza Grupo 2010), Solo los Dos (Daniel Maza y Lorena Astudillo 2011), Tango del Este (Trío Hugo Fattoruso, Daniel Maza y Osvaldo Fattoruso 2011), Cuarteto Oriental (Osvaldo Fattoruso, Daniel Maza, Hugo Fattoruso y Leonardo Amuedo 2012) y Vo!! (Daniel Maza Grupo 2015), nominado a los Premios Gardel 2016.

grabó en uno de mis discos que se llama “De feria”. Y después tenia los tíos que tenían un dúo llamado los Zorzalitos. Cantaban tangos y valses. Y con mis primos, el Tito y el Rudi, teníamos un trío con el que hacíamos boleros estilo Los Panchos; con ellos tocábamos bastante, siempre gratis.

Actualmente cumple una importante agenda de presentaciones a nivel nacional e internacional tanto con su grupo como junto a Cuarteto Oriental, con quienes este año presenta un nuevo disco.

cómo fue tu introducción al inquietante mundo de la música y los instrumentos? La música siempre estuvo presente en mi casa, era inevitable que yo fuera a ser músico. Todavía no sabía cómo. Me sentaba al lado del pasadisco y con una panera que tenía mamá, imaginaba que era un acordeón, o a veces una escoba, e imaginaba que era una guitarra. Así que una navidad mi papá me preguntó qué quería que me trajera Papa Noel: un acordeón, una guitarra o una panera más grande. Y elegí la guitarra. Empecé a tomar clases con Aterio Sosa, Método Práctico.

en tu familia habían músicos? Quiénes? Mi mamá era una cantante muy buena que siempre cantó en casa, por lo cual yo siempre dije que era una “cantante doméstica”. Si la quieren escuchar, ella

contános por qué elegiste el bajo? Yo creo que el bajo me eligió a mí, y fue así: armamos un grupo en el barrio y le pusimos “Stone Group”. Como tocábamos candombe, el nombre no pegaba y le pusi-

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foto: laura tenenbaum

mos el ”Grupo Piedra”. Los tres que lo armamos, tocábamos guitarra eléctrica. Ninguno quería tocar el bajo, así que hicimos un sorteo. El que perdía tocaba el bajo y perdí. Así empezó mi relación con el bajo. con quiénes estudiaste? Soy un músico básicamente autodidacta. Nunca fui a estudiar, salvo hace un par de años en que tomé unas clases de improvisación con el Maestro Ricardo Lew. cuándo venís a buenos aires? La primera vez fue en el año 1978, pero volví a Montevideo. Y después en el año 1980 volví y ya me instalé definitivamente. Qué fue lo primero que hiciste acá? Mi primer trabajo era tocar con unos amigos en los boliches. Los días sábados, después que salía de trabajar en un taller mecánico. Y mi primer trabajo profesional fue con un grupo que se llamó “SanBatuke”, de música brasilera, que tocábamos en fiestas de la colectividad judía, casamientos, cumpleaños. cuándo te incorporaste a la banda de Fontova? No recuerdo el año exacto, pero empecé a trabajar con Fontova cuando estaba en el auge el programa “Peor es Nada” con Jorge Guinzburg. Tocábamos en el programa en vivo, y a partir de ahí nos hicimos grandes amigos, y hoy en día somos compadres. Gran músico. Qué recordás de esos tiempos? Mucho trabajo, una gran banda. Una gran felicidad estar tocando al lado de tipos tan grosos, como Pablo Rodríguez en saxo, Ricky Olarte en percusión, Quintino Cinalli en batería y Ricardo Nolé en piano. después qué siguió? Después siguió Valeria Lynch, Luis Salinas, Raúl Carnota, más una lista grande de artistas, nacionales e internacionales. con qué artista empezaste a grabar? Empezamos a bocetear músicas con Luis Salinas, y ahí comencé a conocer estudios acá en Argentina. De ahí en más grabé también con muchos artistas. tuviste el honor de ser convocado por celia cruz para una gira, cómo fue esa experiencia? Increíble! Viajé por casi todo el mundo. Pero siempre el azar hace lo suyo. Realmente empecé a tocar ahí porque el bajista que estaba en su banda, un peruano, se fue a comer ceviche y se intoxicó, por suerte fue pasajero, claro. Y me llamaron de cambio, de apuro. Así que a partir de ese momento me empezaron a llamar para las giras. Un recuerdo maravilloso. también con los auténticos decadentes hiciste una gira, cómo fue eso? Una noche que estaba en casa, suena el teléfono y era Cucho, que habían tenido un problema con la documentación de Pablo Armesto, su bajista, y no podía entrar a EEUU; me preguntó si yo podía ir y le contesté: “¿cuándo?”, y él me respondió: “mañana”. Fue una experiencia buenísima.Súper profesionales, y con ellos estuve en Los Ángeles, México, Nueva York, y Miami.

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con qué otros artistas compartiste escenario y que rescataste de ellos? La lista es muy grande y me voy a olvidar de varios, así que te cuento que aprendí mucho de todos , aprendí musical y humanamente. cuando empezaste con tu carrera solista? En el año 2005 saqué mi primer disco en trío con Osvaldo Fattoruso y Abel Rogantini, un disco que se llama “Música destilada”, grabado en los estudios Moma, con Fernando Martínez de operador, un crack . Qué discos grabaste como solista? Bueno, como dije antes, el primero fue “Música destilada”, el segundo “Vamoarriba”, en los estudios Ion, el tercero “Al contado”, el cuarto, “De feria” y el quinto: “Vo!!!”. Estos tres últimos, grabados en los es-

tudios El Hornero, con el capo César Silva y las voces en el estudio El yeite, con otro maestro que se llama Néstor Basurto. estuviste más de veinte años en la banda del maestro luis salinas, cómo fue compartir tanto tiempo con él? Aprendí casi todo, yo tocaba en el quinteto, en el cuarteto, en trío con Osvaldo Fattoruso y muchas veces viajábamos los dos solos a Europa. Hablanos un poco de tu último disco Cada disco mío está hecho en una época, con una determinada necesidad musical. Siempre el disco que quise. Por lo tanto, cuando hice el "VO!!!" quería que fuera un álbum que tuviera un poco más de fusión. Con lo cual estoy muy contento con el resul-

Entrevista a Daniel Maza | 23

foto: laura tenenbaum

tado. Fue nominado a los Gardel y actualmente me sigue dando grandes satisfacciones. Estamos trabajando mucho presentándolo. cómo está compuesto tu set? Tengo un bajo Sadowski Metroline, uno de los mejores instrumentos que toqué en mi vida. Un cabezal Eden WTX500 y una caja Eden de 2x10 con Twitter para 300W. Uso una pedalera en la cual tengo pedal de volumen, un octavador Pog, un chorus Boss, una cámara de Reverb Behringer. Uso cuerdas Martin Blust.

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Qué músicos te influenciaron en tus comienzos?

26 | Entrevista a Daniel Maza

Lo primero que me influenció fueron los grupos uruguayos El Tótem, El Quinto, un Power Trío que se llamaba Días de Blues. También los Fattoruso y el gran Eduardo Mateo. Y cuando empecé a escuchar más fusión de Jazz, en mi instrumento mi ídolo es Abraham Laboriel, un bajista mexicano. Qué música estás escuchando ahora? Últimamente estoy escuchando mucho a Chet Baker, un trío argentino que se llama La Cangola Trunca, Snarky Puppy... en realidad es muy variado todo lo que escucho en este momento. Qué sigue en la vida de daniel maza?

Próximamente saldrá un disco del Cuarteto Oriental que grabamos el año pasado, con Leonardo Amuedo, Hugo Fattoruso y Fabián Miodownik. Tengo en carpeta preproducir mi próximo disco. Y seguir de gira presentando "VO!!!" cuáles son tus hobbies? Mirar fútbol, soy un acérrimo hincha de independiente. Y me gustan los autos. cuál es tu sistema para componer? Leí por ahí que alguien dijo que las músicas lo encuentran a uno; comparto totalmente esta idea. Yo no soy un tipo que se pueda sentar a componer, envidio a las personas que se sientan a componer. Yo me encuentro las músicas que aparecen por alguna situación y solamente ordeno esas ideas. A veces aparece algo muy pequeño y me lo grabo con mi celular, y lo guardo hasta que aparece la otra parte y se redondea el tema; a veces aparece todo el tema completo de principio a fin. En definitiva, para mí es un misterio!. Qué le dirías a los chicos que recién están empezando en esto de la música? Lo que les digo a mis alumnos: que la música no es complicada, que hay que tocar para la que la música suene, hay que estudiar lo más que se pueda, escuchar mucho (se aprende mucho escuchando) y dedicarle mucho tiempo. La música es lo que más feliz me hace en la vida, creo que si uno se compromete, a la larga tiene su recompensa, así que a estudiar a full. Un abrazo grande para todo el mundo y vamoarriba!!, nos estamos viendo si Dios quiere!!!

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EL rEgrEso dEL campEóN

Mientras cierta prensa lo da por muerto, él saca su mejor disco en años. Mientras esa prensa lo muestra caminando con fragilidad, él da un concierto increíble. Por Sergio Resar

28 | El Regreso del Campeón

entiendo el afán de ese tipo de prensa en mostrar a Charly García asi. Quizás porque la trituradora de noticias sólo se alimenta de carne, grasa y sangre. Quizás es así como las cosas funcionan. Un viejo amigo periodísta una vez me dijo que si se publicaran solo noticias buenas no se venderia diarios. Y realmante no estoy de acuerdo con aquello, porque muchos se perdieron de este show al creer que el campeón había caído y jamás se levantaría. Pasaron más de siete años desde la salida de “Kill Gil” que había sido su último disco en estudio y casi tres de su última presentación en vivo. Pero “El Campeón” demostró y nos mostró que está en forma para retener su título. El jueves 16 de marzo en el pequeño pero coqueto teatro Caras y Caretas del barrio de Congreso en esta capital, el señor Say No More dio un concierto para 385 personas que se fueron avisadas sólo tres horas antes de dicho show mediante una carta manuscrita que se filtró a través de las redes sociales.

los teclados y Rosario Ortega en los coros, Charly García presentó su último disco “Random” completo y en el orden que está dispuesto.

foto: sandra calandrino

En términos futboleros podria decirse que esto fue un Prensa 0 – Charly García 2. Y quienes tuvimos el privilegio de estar presentes pudimos disfrutarlo. No

Con su banda habitual, los chilenos Kuige Hayashida en guitarras, Carlos González en el bajo y Toño Silva en la batería, junto a Fabián “El Zorrito” Quintiero en

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ciertos, sólo el tiempo y Charly García lo dirán. Porque solo los grandes dibujan su propio destino y la mano de Charly García esta más firme que nunca, dibujando nuevos trazos en el papel de nuestra vida para dejarnos a todos satisfechos de tanto talento derrochado en un show memorable. El regreso del Campeón, un verdadero campeón de la vida.

foto: sandra calandrino foto: sandra calandrino

Después de todos los temas de “Random”, el bigote bicolor se dedicó a repasar temas de su extensa trayectoria, hits inolvidables como “Yendo de la cama al living”, “No llores por mí Argentina”, “El aguante” o “Asesíname” sonaron para deleite de los presentes. Y aun hoy, después de varios días, sigo conmovido por el show que disfruté. Inmenso Campeón!. Además como si fuera poco, hubo algunos chistes muy inteligentes para sus talentosísimos músicos o para Mauro Rogatti (hijo del recordado guitarrista Eduardo Rogatti), su asistente, el gran Charly García demostró que está más lúcido que muchos de los que suenan actualmente en la radio. La presentación de “Random” podría ser el inicio de una serie de con-

foto: sandra calandrino

Mostrándose de muy buen humor, Charly García ingresó al escenario escoltado por Rosario Ortega y Fabián “El Zorrito” Quintiero y se dispuso a hacernos pasar una noche inolvidable. Una nohe que quedará marcada para siempre en nuestros recuerdos. Al comando de sus teclados (un Wurlitzer junto a un Roland SH201 y Korg SP250) o acompañándose con

sus guitarras o su bajo Danelectro, demostró que puede estar en muy buenas condiciones para hacer un show completo. Más allá que nos quieran mostrar un artistas frágil y decadente, nos encontramos con la verdadera y dominante realidad, Charly García esta más fuerte que nunca y más creativo que en otras épocas. Sumado a que su vasta experiancia y talento le indican donde disparar su arte. Directo al corazón de quienes somos fans desde siempre y le hacemos de alguna manera el aguante en cada ocasión. Dándole sus tiempos para gestar este tipo de material que formará parte esencial de nuestra discografía, como todo lo que Charly García nos ha regalado de algún modo.

30 | El Regreso del Campeón

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VoY a sEr BaJista! En el medio de pensamientos acerca de los lugares donde estudiar, como ir armando rutinas, como relacionarse e ir conociendo a nuestros potenciales colegas y compañeros de trabajo (y, en definitiva, de una muy importante parte de nuestra vida), se mencionó bastante la importancia de transcribir, o al menos sacar de oreja bases y frases (lo suficientemente bien y con-

sistentemente como para tocarlo “arriba” o “con” el disco/tema original). Bien! Para esta oportunidad se me ocurrió darles algunas puntas, para que puedan comenzar a chequear, y no caer en opciones obvias del plan: “Sacá cosas de Jaco”. Todos sabemos que el bajo eléctrico arrancó en los ‘50, gracias a nuestro querido Leo Fender. Por ende,

Este es el primer artículo del año 2017! Espero sinceramente que todos ustedes estén razonablemente bien. El año pasado, nos enfocamos en pensar alternativas para aﬁanzar nuestra vocación y transformar nuestra incipiente pasión, en nuestra forma de vida. Por Mariano Sívori

es bastante razonable, que pasados unos primeros “añitos de adaptación” y porque no: reconfiguración de la música con la llegada de este nuevo instrumento, tengamos que pasar a la década siguiente para ir encontrando líneas de bajo que nos ayuden a ser creativos, y de paso, divertirnos. Aparecen los primeros bajistas con oficio, verdaderos referentes e influencias directas o indirectas de muchos. Bajistas que recomiendo chequear. (Ojo que como toda lista, siempre es imperfecta, incompleta, arbitraria, limitada, y un largo etc). Alguna vez escucharon algo de: James Jemerson, Donald “Duck” Dunn, Jerry Jemot, Paul Jackson, Chuck Rainey?. Prestaron atención al riff de “Taxman”, “Come Together” o la línea de “Dear Prudence” entre tantas otras de Sir Mc Cartney? O “My generation” de John Entwistle de “The Who”. Stevie Wonder en sus discos tiene mil ejemplos como “Uptight” o “Sir Duke”. Si sacan “Mr. Postman” de The Marvelettes o “You Make me feel like a natural woman” de Aretha Franklin, o “Ain't no mountain high enough” de Marvin Gaye, rápidamente se darán cuenta porque hay tantas bases que después se tocaron así. Y “I want you back” de Jackson Five?. O directamente “Billy Jean” de Michael Jackson ya solista, ya entrando en los ‘80. De los ‘70 conocen a: Parliament, The Commodores, Sly and the Family

Stone, Graham Central Station o a Chic?. La base de “Got to be a real” de la cantante Cheryl Lynn, debe ser una de las más irónicas de esa época. Poniéndonos más rockers: Led Zeppellin y “The Ocean” . En fin hay mil. Las más obvias que las reconocen hasta la tía más despistada: “Money” de Pink Floyd

o “Another one bites the dust” de Queen. Pero otra menos obvia, y que la escucharon mil veces, sin seguro prestar atención “bajística” es: “I shot the sheriff “ en la versión de Bob Marley, no la de Eric Clapton. Bueno, está bien: pueden ser en las dos versiones. Muy bien amigos y queridos colegas, espero que algunas cosas sirvan de inspiración.

marcELo cácErEs

marcelo, contanos un poco de tu infancia Nací en Córdoba, y desde siempre en mi casa hubo una guitarra porque mi papá había sido integrante de un grupo de folklore. Bicicleta, pelota, bolitas y trompo fueron mis principales actividades, hasta que a la edad de 9 años, inspirado en un amigo que había aprendido a tocar, comencé a aprender guitarra, un poco con mi padre y después en la casa de Pancho, un vecino que enseñaba. Así aprendí mis primeros acordes y caí profundamente enamorado del instrumento y de lo que sentía al tocar. con quiénes estudiaste? A los 13 años estudié en La Colmena Escuela de Músicos en Córdoba, tomé clases durante muchos años con Daniel Corzo y cursé 5 años en el Conservatorio Feliz T. Garzón de Córdoba. En Buenos Aires estudie con Lito Epumer y en Los Ángeles muchos años con Ron Eschette, Ted Greene y Mike Miller. También tomé clases con Sid Jacobs, Barry Zweig y John Pisano. Qué músicos o música te influenció? Mis influencias son Joe Pass, Pat Metheny, Mike Stern, John Scofield, Chick Corea, Bill Evans, Mike Miller, Ubaldo de Lio, Falú, Grela, Robben Ford, Jeff Beck, Hendrix, Jimmy Page, Angus Young, BB King, John Mayer. Los géneros, principalmente el jazz, pero el tango, el folklore, el pop y el rock me han impactado. cuál fue tu primer trabajo como profesional?

32 | Entrevista a Marcelo Cáceres

En realidad Marcelo Cáceres no elegió a la guitarra como instrumento musical, realmente se la cruzó en su camino y al comienzo la tomó como un juego, quizás. Después fue creciendo la relación entre él y su guitarra y se convirtió en una forma de vivir. Por Sergio Resar

Mi primer trabajo fue en un quinteto de jazz, cuando tenía 20 años, teníamos pocos shows pero ahí empecé a recibir dinero por tocar y me parecía un milagro. Después comencé a tocar en La Barra, grupo de cuarteto, donde tuve mi primer trabajo con grabaciones y shows continuos. Fue ahí donde, aparte de divertirme, pude convertir esta pasión en una profesión. cuándo y por qué fuiste a los Ángeles? Me fui a Los Ángeles en el año 1997 motivado por el deseo de estudiar con grandes guitarristas que están allá. No fui a trabajar, ni tampoco con la intención de quedarme 15 años. Tuve la suerte que, mi novia en ese momento y actual esposa, Claudia, me acompañó y decidió transitar toda esa aventura conmigo. Al comienzo hicimos todo tipo de trabajos mientras estudiaba. Con el tiempo comenzaron a salir oportunidades con la música, que me fueron afianzando en el medio y comencé a trabajar cada vez más. Pude incursionar en muchos géneros, jazz, tango, pop, R&B, y más. Gracias a eso, pude compartir el escenario con gigantes de la música como Richi Gajate Garcia, Pedro Eustache, Larry Williams, John Pisano, Alex Acuna, Ron Eschette, Ramon Stagnaro, Secou Bunch, Grecco Burato, Enzo Todesco, Raul Pineda entre otros. Fue una hermosa experiencia y sin duda contribuyó al músico que soy ahora. cómo fue tu estadía allá? Viajé bastante con diferentes artistas...Recuerdo un show,

Tango Dreams, con el que fuimos a Japón, Tokio, en dos oportunidades y tocamos cerca de 100 shows cada vez que fuimos, fue increíble. También toqué con Googoosh (una estrella del género pop-persa) y con ella hicimos estadios y arenas gigantes en Dubai, Malasia, Turquía, Suecia, Inglaterra, Australia, Alemania y teatros en Estados Unidos, como Madison Square Garden o Kodak Theater. Es muy fuerte tocar para alguien tan grande que viene de otra cultura. Nunca entendí la letra de las canciones pero ver la pasión en la gente era maravilloso. Para mí como guitarrista, fue muy importante participar del ciclo de guitarras de John Pisano y también tocar “María de Buenos Aires” en los festivales de Aspen y Veil. Hubo cantantes cristianos, bandas de rock (Vilma Palma, por ejemplo) y formaciones chicas, como dúos de guitarra y bandoneón, con Coco Trivissonno, con los que hemos hecho giras en Sudamérica, visitando muchas ciudades. Hace cuánto que estás tocando con jorge rojas? Me convocó a trabajar en Agosto del 2011, yo tenía unos meses de regresar de Los Ángeles y para nosotros fue una hermosa bienvenida a este país. Jorge Rojas es un gran artista, más allá de ser un excelente persona e intérprete de su música. Sabe bien lo que quiere y participa activamente de la producción de sus discos y shows. Él me cuenta por dónde quiere que vaya la música, pero me da mucha libertad para tocar y también deja sugerir arreglos o cambios en los temas, lo que para mí, como guitarrista, es muy gratificante. Toco nylon

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Duo twelve, Evans Custom Jazz, Fender Acoustasonic y para vivo en Jorge Rojas estoy usando un LHC Smolljump Reverb, un hermoso amp valvular argentino. Guitarras tengo una CB Hill Pacific Clipper (un luthier de LA), Fender Stratocaster 57 Reissue, Fender Stratocaster American Standard reformada con micrófonos John Shur, Gibson Les Paul Standard, Córdoba Nylon, Alpujarra Alpumidi, Alpujarra K85, Nylon Morando, Alpujarra frettless nylon, Loriente Nylon, charango, guitarlele, Yamaha cpx steel 6 cuerdas, Yamaha APX steel 12 cuerdas. Pedales uso Cry Baby Wah reformado por Analogman, Pedal de volumen Boss, Ibanez Tube Screamer TS8 Analogman, Soul Drive de AEfects (tremendo overdrive cruch de Córdoba), Xotic Booster, Rat Distortion, Tremolo Vodoolab, Aria Chorus, Bi compresor de Analogman, T-Rex delay, También uso un pre amp valvular de dos canales más un booster de Wharmy, también argentino y una pedalera digital Vox Valvtronix. cuáles son tus hobbies? Sí, me gusta salir a pescar con mi familia. Me gusta eso... me gusta el agua. y eléctrica y es una fusión hermosa entre el pop y el folklore. Los músicos son increíbles y así es fácil tocar... eso también hay que decirlo. estás dando clases? en dónde? Si, doy clases en La Colmena Escuela de Músicos y en mi casa tengo muchos alumnos particulares.

cuáles son los proyectos que tenés para el futuro? Seguir tocando y aprendiendo, hacer sesiones y sentirme útil en la musica. Tenemos un trió de jazz-rock con José Gómez (bajo) y Palin Sosa (batería) que estamos planeando grabar un disco y un video de las sesiones de los temas en el estudio. También estoy escribiendo un libro de técnica e independencia que avanza lento.

cómo está compuesto tu set? Tengo diferentes sets, según las ocasiones: Uso varios amps, como un Mesa Bogie Mark IV, Rivera Hundred

siendo un músico sesionista, cómo te preparás para tocar en los diversos estilos para los que te convocan a trabajar?

34 | Entrevista a Marcelo Cáceres

Soy un amante de todos los géneros musicales, y cuando me piden que grabe algo en particular, les pido referencias de lo que han escuchado y creen que es lo que están buscando para el proyecto y hago todo lo posible por acercarme. Hago en mi cabeza una lista de recursos del estilo y también de los audios. Mi teoría es que un músico que pretende trabajar en el estudio necesita tener separado el conocimiento, de la interpretación y del estilo, de esa forma puede rescatar y poner todo lo que tiene al servicio de la sesión, ya sea en vivo o en estudio. sabemos que es interminable la lista de artistas que acompañaste o grabaste, pero podrías nombrarnos a algunos de ellos? Tuve la oportunidad de trabajar con muchos cantantes y músicos como John Pisano, Ray Brown Jr., Sinfónica de Oregon, Long Beach, Alburquerque, Coco Trivissonnno, Guillermo Galve, Googoosh, Ron Eschette, Jorge Rojas, Joan Sebastian, Diego Torres, Gloria Trevi, Vilma Palma, Jota Morelli, Guillermo Vadalá y muchos músicos que me ayudaron a crecer. Qué le dirías a los chicos que recién están empezando en esto de la música? Lo primero que les diría es que la clave es estudiar mucho, tocar en todas las posiciones, usar el metrónomo, ser ordenados y escuchar mucha musica sin ser prejuiciosos. Pero lo más importante es tocar bien y formar parte de la música. No es el escenario, ni viajar, ni las luces, ni nada que este alrededor de la música. lo más importante es aprender y eso es algo que se puede hacer con pocos recursos económicos, muchos recursos humanos y amor a la música.

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guitarra

Por Daniel Corzo

FRASES ChORD-MELODY PARTE 1 Vamos a revisar algunas frases Chord Melody, típicas del estilo de grandes guitarristas como joe Pass, Barney kesell y muchos otros. Son 4 ejemplos de frases sobre acorde Cmaj7. Revisa la digitación, si quieres cambiarla por otra que te resulta más cómoda o más accesible, hazlo libremente.

Verán algunos voicings de acordes idénticos a Em7 o Am7. Son sustitutos naturales del Cmaj7 cuando este es I (primer grado) de tonalidad mayor. La línea melódica, en este caso la voz superior, está escrita con plica hacia arriba y debe destacarse sobre el resto. Sugiero lo toques con dedos pero se pueden tocar con púa pero cuidando de apagar o “mutear” con la mano izquierda aquellas cuerdas intermedias que no deban ser tocadas.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler. Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Suplemento Técnico | 35

BaJo

CONSTRuYENDO uNA SóLIDA BASE IMPROVISACIONAL PARTE III Esta tercera y última parte de esta trilogía acerca de la improvisación, de hecho por mi parte he estado aprendiendo varias cosas nuevas a este respecto ya que al igual que todos tengo mucho que aprender!. Por Igor Saavedra

En las dos primeras partes nos aproximamos a los aspectos Filosóficos, “Físico Cuánticos”, Poéticos y Líricos de la improvisación. En esta tercera y última parte nos dedicaremos a abordar los aspectos Estéticos y Psicológicos, aspectos que de hecho no tienen nada que ver con temas como escalas, ritmos, técnica, acordes, licks, chops, etc.

con el contexto improvisacional y terminarán por encontrar muchas conexiones. Para resumir les sugeriré algunos tips respecto de qué hacer y qué no hacer cuando estén improvisando para que puedan siempre estar moviéndose dentro de los rangos aceptables de Proporción y Equilibrio.

¿cómo operan los aspectos estéticos en la improvisación? Me gustaría introducirlos someramente en “La Estética” como materia de estudio. En primer lugar puntualizar que “El Objeto Estético” es la idea de aquello que desean hacer o crear. Luego tenemos “El Resultado Estético”, que no es necesariamente propiedad de su creador, perteneciendo principalmente a su audiencia. A raíz de lo anterior podemos establecer que en La Estética estamos en presencia de una “Realidad Dual”. Desde el punto de vista de su creador, en la medida en la que el Resultado Estético refleje de mejor forma al Objeto Estético, dicho creador incrementará su sensación de belleza respecto de su propia creación. Esta sensación específica puede única y exclusivamente ser experimentada por cada creador. Finalmente y a este mismo respecto, sugiero que consideren no olvidar nunca lo siguiente: “Todo aquello que ha sido creado o simplemente hecho por el Ser Humano, posee belleza intrínseca, es decir belleza en sí mismo”. Lo bello y lo feo son conceptos muy subjetivos, y cuando se trata de música esto se torna aún más crítico, pero podemos encontrar aspectos objetivos en La Estética que sugiero tener siempre en cuenta. Si acaso ya habían estudiado un poco La Estética como materia, es posible que todos estén de acuerdo conmigo en que este concepto va de la mano con otro conocido concepto llamado Proporción. El concepto de proporción a la vez está relacionado con las matemáticas y con otro concepto relevante llamado “Equilibrio”, o como se le suele también decir “Balance”, aún cuando no son precisamente lo mismo. Piensen un poco acerca del cómo estos conceptos se relacionan a sí mismos

1 - Siempre tengan en cuenta la duración de sus solos: Nunca exageren, cuántas veces han escuchado una pieza musical que dura 3 minutos y uno de los solos llega a tener 20 minutos de duración, no todos son Charlie Parker o Keith Jarret, así que esos no son buenos referentes para validar la ejecución de solos extremadamente largos, las excepciones no harán más que confirmar la regla. Si atraviesan esa fina línea corren el riesgo de transformar aquello que pudo haber sido un hermoso solo en un feo, pesado, aburrido y desagradable “discurso de auto gratificación”.

36 | Suplemento Técnico

2 - No exageren con la cantidad y el largo de sus chops y licks: Todos tenemos nuestras “súper frases favoritas”, pero no lleguen y las toquen en cualquier momento “porque sí”, sepan cuándo y cómo tocarlas de manera tal que se relacionen apropiadamente con el climax o los sub-climax del sólo que están tocando, usualmente esos son los momentos ideales para todo aquello, la palabra clave es Contexto. 3 - Lo mismo con las dinámicas: Construyan la dinámica de forma cuidadosa, incrementen el volumen sólo cuando es necesario para la música. Lo que menos queremos es tocar “plano”, que es la tendencia inequívoca de estos tiempos en los que generalmente se toca a un alto volumen todo el tiempo, algo que impide dejar un “espacio dinámico” para hacer crecer dichas dinámicas en la medida que el solo comienza a crecer en intensidad. Obviamente siempre podrá haber alguna excepción a esta así llamada “regla”.

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4 - Balanceen la velocidad de su ejecución: Sepan cuándo tocar rápido y no intenten hacerlo todo el tiempo, no utilicen este fantástico recurso técnico-musical para mostrar cuan hábiles y rápidos son, esa sería la actitud menos musical posible, aceleren sólo cuando las tensiones de la música que están tocando así lo estén pidiendo, sigan a su oído y sobre todo a sus sentimientos. 5 - No toquen tan dentro de la armonía ni tan fuera de ella: Sepan cuando ir hacia cada diferente textura, en términos generales recomendaría comenzar a agregar “notas idiatónicas” (que están fuera de la armonía) cuando la tensión musical se incrementa o con el propósito de incrementarla. Como pueden ver, una combinación de notas “idiatónicas”, aceleraciones, frases complicadas y alto volumen contiene con toda seguridad una alta proporción de energía y sobre todo tensión, por lo cual ustedes pueden obviamente imaginar qué pasaría en la situación opuesta. Pueden hacer uso de todos estos maravillosas herramientas para los diferentes estados de tensión musical que estén buscando.., finalmente recuerden que la totalidad del discurso musical depende exactamente de estos parámetros estéticos. Qué hay de los aspectos psicológicos relacionados con la improvisación? Quiero señalar que este específico aspecto está vinculado con el escenario y la audiencia, lo primero es siempre tener en cuenta que cuando ustedes están estudiando en su casa, o en su estudio, la realidad psicológica es diametralmente distinta. 1 - Atraigan la atención de la audiencia: ¿Han visto aquellos shows de TV en los que los directores de televisión no tienen idea de música y mientras el tecladista está tocando un solo increíble el director está mostrando al saxofonista o al guitarrista?. El director está de hecho en otra realidad, su realidad televisiva, y por eso está mostrando al tipo que está llamando la atención en términos de atractivo, y muchas veces la actitud y la presencia escénica de músicos que de hecho no están improvisando es tan atractiva que llama la atención de todo el mundo, y eso es exactamente lo que sugiero hacer. Incrementen su “Rating Escénico” o muy poca gente va a poner suficiente atención a sus solos y lo que sea que hagan en el escenario. No quiero decir con esto que se pongan a saltar de cabeza en el escenario como lo hacían esas bandas de Glam Rock de los 80’s, no me refiero a hacer ninguna locura o excentricidad. estamos hablando solamente de formas sutiles de mantener a la audiencia sintonizada con ustedes. 2 - La timidez escénica es algo que deben evitar: Dejarla en la casa. “En el escenario pueden quizás expresar ternura, pero no timidez”. Toquen con absoluta Confianza, de manera tal que la audiencia termine por creer que ustedes saben y confían en lo que están haciendo, esto es algo que se suele denominar como “Magia Escénica”. 3 - Ya que hablamos de timidéz: Mientras improvisan tienen además que desarrollar una personalidad lo suficientemente fuerte como para ser capaces de decirles, enérgica pero respetuosamente, a cualquiera de sus colegas que estén sobre el escenario, que deben bajar el volumen si acaso están tocando muy fuerte o para pedirles que toquen menos notas si con ello están haciendo peligrar la entrega del solo que ustedes están en ese momento desarrollando, en resumen ¡¡Tomen siempre control de vuestros Solos!. 4 - Conéctense y “Jueguen” con sus compañeros todo el tiempo sobre el escenario: ¡Se trata de poner en práctica el término inglés “Play” en todo el amplio sentido de su real significado. Por ejemplo escuchen lo que sus compañeros están tocando mientras ustedes están improvisando y copien o contesten sus ideas.., de hecho

ellos pueden hacer lo mismo con ustedes para así colaborar a impulsar vuestra improvisación (escuchen por ejemplo a Chick Corea cuando cualquiera de los miembros de su banda esté improvisando). Esto también aplica a la audiencia…, entonces diviértanse y jueguen con ellos también..!!..., escojan personas específicas y establezcan contacto visual con ellos.., usualmente diríjanse a aquel que parezca estar más interesado en lo que ustedes están haciendo.., esta persona incrementará su interés en el momento en que hagan contacto con ella y formarán un circulo virtuoso que producirá que esta persona actúe como una antena, enviando, transmitiendo y diseminando hacia el resto de la audiencia toda esa bella energía que han construido. 5 - Muéstrenle a la banda y a la audiencia que ustedes están felices de estar ahí: Este aspecto es sumamente importante ya que muchas veces los músicos parecen esmerarse en hacer todo lo contrario, la alegría es contagiosa y actúa a la vez como imán y antena de las energías más positivas que existen entre ustedes, sus compañeros y el público. Bueno mis amigos, como habrán podido ver a lo largo de esta trilogía hay muchos aspectos improvisacionales que son realmente importantes por mucho que no tengan ninguna relación directa con aspectos teóricos como escalas, arpegios, rítmica, técnica, acordes, licks, chops, etc., de hecho considérenlos definitivamente como elementos igualmente importantes. Baso este consejo en casi 30 años de tocar música e improvisar sobre los escenarios y en el aprendizaje que he obtenido y sigo obteniendo a raíz de ello.., a veces de formas muy fluidas, agradables y directas y a veces, sobre todo en mis comienzos, de formas muy duras y crudas y poco amistosas, por así decirlo. Mientras leen estas líneas me encontraré realizando un Tour por el Reino Unido y luego por Israel y les aseguro que en cada una de mis presentaciones intentaré tener en cuenta yo mismo todo lo que aquí les he ido compartiendo pues definitivamente ¡hay que predicar siempre con el ejemplo!.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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guitarra

Por Maycown Reichembach

REFLExIONES SOBRE IMPROVISACIóN E INTERPRETACIóN En este edición me gustaría mostrarles algunas reﬂexiones sobre la improvisación y interpretación, dicho por grandes maestros de la música de todos los tiempos.

Sabemos que además de todas las técnicas y recursos que puedas utilizar, es importante ver el lado menos racional, muchas veces allí estará tu personalidad, tú voz interior y porque no el camino a seguir. En la música no hay reglas, pero si podemos aprender de los que ya caminaron mucho en nuestra amado arte. Espero que les guste.

“No me gusta grabar los solos en el estudio de grabación todos mis discos desde el comienzo de los ‘80s tienen solos grabados en conciertos en vivo. En vivo no tienes tiempo de pensar en escalas y todas esas cosas, solo te preocupas en crear música con esas notas”. Frank zappa “Yo no toco escalas ni nada de eso... cuando hago una nota que no me gusta solo tengo que bajar o subir 1/2 tono, o simplemente resalto esa nota y la transformo en algo que si me guste”. miles davis

“Improvisación no es tocar sobre un armonía y tocar sobre esos acordes. La verdadera improvisación surge de la nada cuando dos o más músicos tocan algo sin pre-establecer nada y generan algo único”. shawn lane

“Errar una nota es aceptable, tocar sin pasión es imperdonable”. ludwin van beethoven

“Nunca estudié técnica con la intención de mostrarme virtuoso, dentro mío sonaban todas esas notas, solo las estudié y practiqué para que yo pudiera ejecutarlas con mis manos”. ingwie j. malmsteen

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, productor en Malopa Quasar y Quantum Orchestra. Compartó escenario con Greg Howe, Kiko Loureiro, Guinga, Orquesta Estable del Colón, entre otros. Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

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ACORDES BAjO ELÉCTRICO hola amigos bajistas, en esta oportunidad les quiero compartir algunas digitaciones de acordes en bajo eléctrico. Por Nicolás Vilchez

Como ya sabemos en nuestro instrumento con una digitación de acorde podemos realizar todos los demás acordes, es decir; teniendo la digitación del acorde de Cm7 si lo movemos un semi tono hacia arriba, con esa misma digitación podemos obtener C#m7 o Dbm7 . Dependiendo de donde posicionemos la tónica para armar la digitación del acorde, quedara establecido su nombre. Este ejercicio esta armado sobre C, solo quedaría armar los 11 sonidos restantes. Mucha suerte espero y sea útil para su música.

Nicolás Vilchez es el actual bajista de Malopa Quasar, oriundo de la provincia de Entre Ríos donde comenzó sus primeros paso en la música. A los 10 años comenzó tocando guitarra, a los 16 con el bajos eléctrico y a las 18 escucho a Jaco Pastorius y Victor Wooten quienes lo inspiraron en su decisión de formarse como bajista. Actualmente da clases y se encuentra en varios proyectos musicales de diversos géneros lo cual lo lleva todo el tiempo a seguir formándose y perfeccionando su desempeño musical.

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guitarra

ALguNAS IDEAS PARA TOCAR SOBRE BBMAj7 Aqui tienen acordes cuartales, bicordios quintales, tan poco usados en el jazz y tanto por el rock, acordes con sextas y algunas "gemas" es decir acordes que no son transportables, son únicos. Por juampy juárez

Mi objetivo como guitarrista es cada dia volverme mas polifonico, poder pensar escuchar y tocar varios sonidos a la vez.Para ello hay q tener un extenso conicimiento armonico aplicado al instrumento y no solo teoricamente.Hay mucho para explorar en este campo. Estas ideas se veran aplicadas en mi 5° libro "Invenciones armonicas". Pueden usar estos ejemplos tanto para componer intros, finales, chord melody, para acompañar o simplemente como base de ideas futuras.Recomiendo escuchar pianistas y guitarristas cordales como mi amigo John Stowell , grabe tres CDs con el, tambien Ted Greene, Lenny Breau, George Van Eps Ron Eschete y otro amigo, Vic Juris.Ser creativos a la hora de escuchar musica nos llevara por un mejor camino, original y mas placentero en el final.No tengan ninguna duda.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar. Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros. Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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6TA. EN LA PENTATóNICA, uN INgREDIENTE DELICIOSO Quiero traerles una receta pentatónica más, que estoy seguro ayudará a su crecimiento musical además de ser muy divertido y refrescante tocar con esta escala.Por Arturo Mawcinitt

Esta ocasión nos vamos a enfocar en un ingrediente delicioso a la hora de hacer una improvisación funk o tal vez un blues y este ingrediente es la 6ta que en esta ocasión vamos a charlar. Repasemos rápidamente un poco de teoría básica, en la tonalidad de C el orden es el siguiente; como puedes observar la 6ta de C es A.

ejemplo 1 - Esta es la escala pura, es casi la misma forma que la pentatonica que todos conocemos, solo que movemos la posición un poco en la 4ta y la 2da cuerda; ¿Fácil no? ejemplo 2 - Aquí vemos como un patrón repetitivo en la 1ra y 2da cuerda suena bien en grupos de 6, llévalo al extremo haciéndolos en 6 notas por golpe con el metrónomo en 120, te van a encantar.(obvio empezando lento si eres principiante)

cdeFGab 1 234 5 67 En siguientes ejemplos decidí hacerlos en la tonalidad de A quedando el orden así: a b c# d e F# G# 1 2 3 4 5 6 7 Ahora la 6ta de A es F# que es justo la nota que sustituiremos por G que es la 7b en la escala pentatonica) en los primeros 3 ejemplos que veremos a continuación. La regla numérica para construir la pentatonica menor es: 1 3b 4 5 7b (A, C, D, E, G) La regla de la pentatonica menor con 6ta queda así: 1 3B 4 5 6. (A, C, D, E, F#)

ejemplo 3 - Como siempre en mi columna, invito al estiramiento muscular táctil, fíjate bien en la posición de los dedos en la TAB. ¿Hay que estirarse un poco no? ejemplo 4 - Para este ultimo ejemplo, si vamos a incluir la 7b que es G, por supuesto le quise poner un poco de pimienta al asado, tapping, esta marcado en la parte inferior de la TAB, hazlo poco a poco estoy seguro que con disciplina y paciencia lo vas a dominar pronto.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

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BaJo Por Milton Arias

uNA PIEDRA Y DOS FIERRITOS Cuando hablamos de improvisar, normalmente nos imaginamos un tipo pelando un solazo, desparramando semicorcheas por escalas rarísimas, deslumbrando al público y enamorando las muchachas (!?). Bueno es un gran mito a desmitiﬁcar.

Improvisamos todo el tiempo: cuando hablamos, caminamos por la ciudad, o cuando tocamos una canción que ya conocemos, a veces improvisamos la rítmica, inspirados en lo que toca nuestro baterista, por ejemplo. En nuestro primer encuentro experimentamos tocar la pentatónica a través de todo el instrumento , y a pesar de ser una escala simple, y muy reconocible para nuestro oído, podemos generar un hermoso y complejo discurso sonoro. No se olviden que con una piedra y dos fierritos, el genio de Michelangelo (el escultor, no la tortuga ninja) talló La Pietà. En este encuentro, les voy a mostrar de qué manera podemos usar la pentatónica para cada uno de los acordes básicos de la armonía funcional.

acorde mayor con 7ma mayor: pentatónica menor de la 6ta mayor, la 3ra mayor o la 7ma mayor. (fig. 1) acorde dominante: pentatónica menor de la 6ta mayor, la 5ta justa o la tónica (blues). (fig. 2) acorde menor con 7ma menor: pentatónica menor de la tónica, la 5ta justa o la 2da mayor. (fig. 3) acorde semidismínuido: pentatónica menor de la 3ra menor o la 4ta justa. (fig.4) En la figura 5 hay un pequeño ejemplo de una progresión armónica utilizando las frases anteriores. Júntense a tocar con amigos y prueben un rato las posibilidades sobre cada acorde.

Milton Arias es bajista, compositor y docente. Trabaja como sesionista, y además tiene su proyecto solista con el que lleva editados 2 discos/dvds, que pueden ser descargados libremente en www.miltonarias.com.ar

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muJErEs BaJistas

Aldana Aguirre, Luli Bass y Paula Bianchi, tres mujeres bajistas, tres profesionales de primer nivel de este tan importante e indispensable instrumento musical, esta entrevista nos van a demostrar porque el bajo no es solo una cosa de hombres. Por g&B.ar

Aldana Aguirre

como surge la pasión por el bajo y con quienes estudiastes? aldana aguirre: La pasión por el bajo surge más o menos a los 14 años. Ya venía tocando otros instrumentos, como la flauta traversa y la guitarra pero siempre me sentí atraída por las frecuencias graves del instrumento, incluso cuando no sabía de dónde venían. Un día escuchando la música que ponía mi viejo, me llamó poderosamente la atención la intro que tenía

ese tema y cuando inmediatamente le pregunté qué era lo que estaba sonando me mostró el cassette de YES. El tema por supuesto era “Roundabout”, ahí quedé completamente enamorada. Mis estudios con el bajo fueron mayormente con Machi Rufino, a quien admiro y aprecio profundamente. Estudié varios años con él y luego seguí en la búsqueda estudiando otras técnicas y perfeccionándome hasta el día de hoy con el maestro Daniel Maza.

foto: leonardo majluf

Luli Bass

44 | Mujeres Bajistas

luli bass: Desde muy chiquita supe que quería dedicarme al arte. Me encantaba pintar, actuar, bailar. Por las tardes, cuando volvía del jardín, me sentaba con el teclado, ponía un Cd de música clásica y hacía como que tocaba el teclado. Lo actuaba como si fuera una concertista. Cuando tenía 8 años, me encantaba mirar en la tele a Vanessa Mae. Violinista clásica, pero lo que yo entendía en esa época es que eso era “Rock”. Quería comprarme un violín, así que empecé a hacer pulseras y las vendía en la escuela. Ahorré durante un año y cuando fui a comprarme el violín, salía el doble de lo que yo había juntado. Así que pensé en tocar el bajo, porque también tenía cuatro cuerdas. Primero, cuando tenía 9 años, vino un profesor a mi casa a enseñarme. Y sólo aguanté tres clases. Me resultaba muy aburrido. Así que empecé a sacar temas de oído, como podía. Después empecé a tocar con mis amigos de la primaria y también con mis hermanos. A los 14 años empecé a tocar en la banda de Black Amaya Quinteto y ese fue mi primer trabajo pago. Así que desde esa época, empecé a trabajar como músico. Desde los 13 a los 18 años, fui prácticamente tres veces por semana a las zapadas y ahí aprendí de todo. Si prestas atención, cada músico con el que tocas, puede ser un maestro. De más grande estudié un tiempo con Juan Pablo Rufino, Diego Bergara y Marcelo Giacardi. paula bianchi: Empecé tocando percusión... me gusta mucho lo rítmico, siento especial onda con eso. De chica siempre sentía mucho el contrabajo en toda la música que se escuchaba en casa, sobre todo bossa y jazz. Un día apareció Pepo Pérez Celis, charlando me dijo voy a estar 6 meses acá y no voy a tocar mi bajo... te lo dejo y proba... y así fue. Ahí empecé con Norbi Córdoba, luego fui con Machi Rufino, Pablo Santos, Pandolfo, Maza, Franov, Santi Greco, en fin... he ido consultando, nunca he sido metódica. con que estilo musical te sentís más cómoda tocando y por qué? aldana aguirre: El rock y el funk son los estilos con los que más cómoda me siento a la hora de tocar ya que es el tipo de música que más me gusta y es muy potente para tocar en vivo. luli bass: Al principio me sentía más cómoda tocando blues y shuffle, porque fue con lo que empecé. Pero hace años que lo que más me gusta tocar es Rock. Me divierte mucho más. paula bianchi: Estilos... me gusta la música en general, me gusta mucho el groove, lo siento en el alma. Funk, soul, smoth jazz, bossa, calipso, nuestro folclore tiene su onda (la música)... cuáles fueron los trabajos importantes que realizaste hasta ahora y cuales te hicieron crecer más como músico? aldana aguirre: Sin duda uno de los trabajos más importantes fue el de haber tenido el inmenso privilegio de tocar con un Tower Of Power. Cuando Larry Braggs (cantante de T.O.P) vino a Argentina en su gira como solista formé parte de su banda y eso me hizo crecer muchísimo como músico, ya que fue una semana in-

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foto: damián pantaleone

Paula Bianchi

tensa de ensayos en los que casi te diría que más que ensayos eran workshops avanzados, a un ritmo muy exigente en los que prácticamente no había descanso y estábamos desde la mañana hasta la noche tocando y ensayando sin parar. Haberme ido de gira por Rusia con la banda de Facundo Arana también fue otra gran experiencia (en general siempre en las giras aprendo mucho) pero nunca había imaginado llegar a Rusia y tocar en uno de los teatros más importantes que hay en Moscú. Por último realizar la música de la película Cemento el Documental es una de las experiencias más importantes en mi vida porque me abrió las puertas en un aspecto que yo nunca habría imaginado, que es la de componer música incidental para cine. La propuesta de Lisandro Carcavallo (director de la película) fue que compusiera la música únicamente desde el bajo, sin utilizar ningún otro instrumento. Así que fue un gran desafío para mi componer y también interpretar esta música, además tuve el gusto de tener como productor musical a Ale Taranto que supo guiarme de la mejor manera. Esta experiencia me aportó mucho en el aspecto compositivo y también en agudizar más mi oído escuchando músicas y sonidos desde otro lugar, dándome cuenta de lo apasionante que es componer música incidental para películas. luli bass: Como músico, me hicieron crecer absolutamente todas las personas con las que toqué. Porque de cada uno de ellos aprendí algo. Y para mí, eso es lo más importante. Me encantó tocar en las bandas de: Black Amaya Quinteto, Daniel Raffo, Juanse Roll Band, Led Ladies y Jimmy Rip. De todos ellos soy amiga y los quiero muchísimo. Aprendí y sigo aprendiendo mucho. Con Jimmy toco hace 8 años, y siempre aprendo algo nuevo. Cada ensayo, cada show, cada viaje, siempre hay algo nuevo. También me gustó mucho participar de una gira por Brasil, en un Tributo a Abba. Fue algo que salió de una semana para la otra, en la que me tuve que aprender

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como treinta canciones (la mayoría nunca las había escuchado). Dos ensayos y a salir de viaje. Son temas en donde el bajo cumple un papel fundamental y tenés que lograr que la canción te haga bailar. Nunca había tocado ese tipo de música y fue una experiencia maravillosa. Tocábamos en teatros muy grandes y a sala llena. Este tipo de trabajos en donde te ves obligado a sacar tantas canciones en tan corto tiempo y salir a tocarlas en vivo, terminan siendo una especie de curso acelerado. paula bianchi: Todo lo que hice fue importante. Siempre las formaciones en las que uno está te enseñan cosas a nivel musical y humano, bueno y malo. Hay que prestar atención para capitalizar lo bueno y no repetir lo negativo que pueda suceder. Es la vida misma. el hecho de ser mujer, beneficia, perjudica o es indistinto para trabajar como bajista? aldana aguirre: A veces ha sido un beneficio y en otras me ha perjudicado. Pero hoy en día con los trabajos en donde estoy y lo que fui viviendo los últimos años siento que el ser mujer hoy me es indistinto para trabajar. luli bass: Es indistinto. Pienso que si alguien te contrata es porque le gusta como tocás. Si a la hora de subir al escenario, no tocas los temas como corresponde, quedas afuera, seas hombre o mujer. Tal vez esta pregunta te la podría responder mejor Jimmy Rip. paula bianchi: Ser mujer en un país tan machista como el nuestro siempre es un tema. Creo que fundamentalmente tiene que ver con la educación y calidad humana de las personas con las que te toque trabajar en ese momento. Siento instalado un prejuicio del hombre hacia la mujer que ojalá vaya decantando. Pero no debería ni perjudicar, ni beneficiar, somos todos seres humanos. Que bajistas te influencian? aldana aguirre: Las influencias en mi carrera han sido

muy útiles para los diferentes estilos que fui tocando, entre ellos te podría nombrar a Rocco Prestia, Steve Swallow, Esperanza Spalding, Diego Arnedo, Paul Mc Cartney, entre muchos otros. luli bass: Admiro muchísimo a John Paul Jones y John Deacon y obviamente, soy fanática de Zeppelin y Queen. También me gusta mucho escuchar a bajistas como: Geezer Butler, Flea, Tim Lefevre, Jason Newsted, David Ellefson, John Stirratt, Leo Arrube, Diego Bergara, Diego Arnedo, y podría nombrarte cien más. paula bianchi: Bajistas puf, miles te nombro algunos clásicos Meshell Ndegeocello, Gail Ann Dorsey, Carol Kaye, Pino Palladino, Jaco, Víctor Wooten, Richard Bona, Freddy Valerian gran bajista argentino, Francisco Fattoruso. Simplemente te nombro algunos/as de los q me gustan, que me hayan influenciado no lo sé. cuáles son tus próximos proyectos? aldana aguirre: Tengo muchos proyectos por delante, por un lado estamos por sacar el nuevo disco de Ciro Fogliatta y Las Blusettes, producido por Alfredo Toth y Pablo Guyot. También estoy con el lanzamiento de la película Cemento para la cual compuse la música y se estrena a fines de Abril en el BAFICI. Este año en el mes de agosto tenemos una gira por México con el solista Javier Zuppi. Y algunos proyectos más, muy interesantes que están a confirmarse y los iré anunciando en mi sitio web www.aldanaaguirre.com luli bass: Arrancamos el año con Jimmy Rip & The Trip, presentando nuestro reciente disco en el festival Rock n’ Drive y también estaremos en el Cosquín Rock. Este será un gran año y con muchas giras y también trabajaremos en lo que será el próximo álbum de la banda. Estoy con la cabeza puesta en eso. paula bianchi: Mi proyecto para este año es mirar para adentro y hacer lo mío. Es mi asignatura pendiente.

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HoHNEr m666

Desarrollada en estrecha colaboración con Ozzy Osbourne, esta armónica única se basa en una pieza gótica de la leyenda del rock y presenta un diseño llamativo y distintivo. Ozzy Osbourne se hizo famoso como el vocalista de la banda británica de hard rock Black Sabbath, una fuerza formativa y esencial en el heavy metal. Como artista fué premiado con platino varias veces desde los años ‘80s hasta mediados de los ‘90s. Ozzy Osbourne tambien es conocido como el “Padrino de metal” y “Prince of Darkness”. Esta armónica reúne obras de arte de estilo gótico con temas míticos, mórbidos

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Como casi siempre, las armónicas están relacionadas con los grandes guitarristas o grandes ﬁguras del mundo de la música, esto se visto a lo largo de la historia contemporánea y esta no es la excepción. Para dar seguimiento a sus modelos Bob Dylan y john Lennon, hohner presenta la “armónica rockera más dura” del mercado. Por g&B.ar

y románticos, perfecto para cualquier persona con una inclinación por looscuro. Desde sus primeros pasos de su carrera en una banda de blues, a través de los días con Sabbath hasta su prolífica y asombrosa carrera como solista, la armónica siempre ha sido compañera de Ozzy Osbourne y siempre ha sido una armónica de la marca HOHNER. En esta ocasión Ozzy Osbourne y HOHNER se han unido para entregar la armónica más rockera y extrema del mundo. Esta armónica de Ozzy Osbourne Signature de grado profesional se aloja en una caja de estaño en forma de ataúd, ustedes pensaron que ven-

drái en otra cosa que no sea un ataúd?. Bueno, no solo viene en un ataúd sino que emite sonidos profundos e infernales, desde lo profundo del caldero del diablo hasta tu manos. La armónica Ozzy Osbourne Signature es un instrumento único y asombroso, diseñado en colaboración con una de las personalidades más locas y desquiciadas del mundo de la música, Ozzy Osbourne. Un producto muy especialmente dirigido a los fans de Ozzy Osbourne y de Black Sabbath en todo el mundo. caracteristicas Hohner Serie MS armónica Negro con el logotipo de oro Ozzy Osbourne Tipo Diatónica Clave en C Número de agujeros: 10 Incluye caja metálica en forma de ataúd Incluye código de acceso para 30 días de clases gratis en línea en bluesharmonica.com Hecha en Alemania

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