Guitarristas y Bajistas Magazine #57

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DISCOS COMPACTOS - Página 06 ENTREVISTA A jOSé MARíA RíOS - Página 08 MI ExPERIENCIA CON FRANk zAPPA - Página 12 ENTREVISTA A DENISON FERNANDES - Página 14 gRETSCh g2220 juNIOR jET BASS II - Página 18 MASTER ClASS guITARRAS wAShBuRN - Página 20 ENTREVISTA A kIkO lOuREIRO - Página 22 ENTREVISTA A TIAgO DE MOuRA - Página 28 ENTREVISTA A IVANNA RuD - Página 30 VOy A SER BAjISTA! - Página 33 lA hISTORIA DE lA gIBSON Sg - Página 34 gIBSON hISTORy - Página 44 PRS SE 245 SOAPBAR - Página 46

SuPlEMENTO TéCNICO DANIEl CORzO - Página 35 IgOR SAAVEDRA - Página 36 jORgE ElORzA - Página 37 MIChEl lEME - Página 38 NICOláS VIlChEz - Página 39 juAMPy juáREz - Página 40 ARTuRO MAwCINITT - Página 41 MAyCOwM REIChEMBACh - Página 42

08

12

14

18

20

22

28

30

33

34

44

46

Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Igor Saavedra Michel Leme Arturo Mawcinitt Nicolás Vilchez Daniel Corzo Juampy Juárez Jorge Elorza

04 | Editorial

Año 11º - Nº 57 | Octubre 2017 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

guitarristas y Bajistas.ar

NOVEDADES WASHBURN Washburn, cuya distribución en La Argentina les pertenece a Tevelam SRL, diseño la serie Festival para responder a las necesidades de los músicos de nivel avanzado. La serie Festival fue el estándar de las guitarras electroacústicas en las series de shows emitidos por MTV “Unplugged” y desde ese entonces se ha convertido en una de las mejor vendidas del mercado. Un cuerpo grande con electrónica de calidad, hardware y maderas finas permiten a los altos prístinos y cristalinos mezclarse perfectamente con los rangos bajos completos y bien redondeados. Podremos encontra opciones como la Washburn EA15 ITB o la Washburn AD5CE.

NOVEDADES YAMAHA Esta importante empresa japonesa nos trae novedades para este año: Guitarra electroacústica Yamaha FGX820C NT. Diseñada a partir del modelo FG820, con tapa de Abeto macizo y tapa posterior y laterales de Caoba, que tiene cuerpo cutaway e incorpora un sistema de preamp y piezo. El preamp analógico System 66 y el piezoeléctrico situado bajo la selleta aseguran un sonido sólido. Además podemos encontra la guitarra eléctrica Yamaha Revstar RS502. Que encarna el estilo minimalista japonés, tiene todo lo necesario y es maravillosamente sencilla. Sus dos pastillas P90 de Alnico, especialmente bobinadas y diseñadas por YGD, ofrecen una amplia paleta de sonidos vintage con pegada, definición y cremosidad. La guitarra presenta cuerpo de Caoba con tapa de Arce y mástil encolado, trastes tipo jumbo y acabado mate “Steel Wool”, que acelera el desgaste estético de la tapa del instrumento. El control Dry Switch aporta un extra de versatilidad sonora con su recorte estratégico de graves. Incluye funda acolchada de gama alta. Por otro lado tenemos el bajo Yamaha BB424. La serie BB400 hereda el sonido y el diseño de la legendaria serie BB2000, pero en su versión más asequible. Los bajistas de Rock de nivel principiante o medio encontrarán en este BB424 de prestaciones clásicas un feroz instrumento de batalla, capaz de entregar decibelios con personalidad, con un confort y unos acabados propios de series superiores. Por último tenemos la guitarra española Yamaha CG122. Este modelo, el más accesible de la serie, cuenta con tapa maciza de cedro y es el único con acabado mate. Pese a ser el modelo básico de la Serie CG, su sonido sorprende por su calidad, propio de instrumentos más caros.

guitarristas y Bajistas.ar

NOVEDADES FENDER Uno de los lanzamientos más destacados del año pasado: las guitarras eléctricas Fender American Elite. Con esta nueva serie, la marca americana quiso lanzar al mercado un producto que respondiese a las exigencias de los músicos de hoy en día, sin renunciar a su estilo tradicional y clásico. Versátiles, innovadoras y de estética impecable. Acompañanos en un recorrido por sus características.

La serie American Elite trae innovaciones para varios de sus modelos de guitarras eléctricas y bajos (Stratocaster, Telecaster, Jazz Bass, Precision Bass y Bass Dimensión); sin embargo, es en la guitarra Fender American Elite Stratocaster donde más se aprecia este nuevo compromiso de la marca estadounidense con la innovación: un icono que ahora se reinventa para ofrecer un sonido más versátil y una nueva construcción que, además de ser impecable y llamativa, pretende ofrecer la mayor comodidad. En definitiva, una guitarra para músicos exigentes que buscan las mejores prestaciones. Las guitarras eléctricas Fender American Elite traen una nueva generación de micrófonos (sólo disponible en esta serie), desarrolladas con una tecnología que permite eliminar el molesto ruido de fondo, pero sin dejar de ofrecer el sonido clásico de las pastillas simples. Nos encontramos así con un sonido vintage, pero a la vez nítido y limpio. La zona de la electrónica también presenta innovaciones en las guitarras eléctricas Fender American Elite para facilitar su uso. Por ejemplo, los potenciómetros de control Soft Touch, que permiten mayor agarre y menor freno para poder variar el tono y volumen de forma cómoda y rápida; o el interruptor Switch S-1, que activa y desactiva diferentes conexiones con un simple toque. Es una de las principales innovaciones de esta gama de guitarras eléctricas Fender: el nuevo mástil, diseñado para ser lo más cómodo posible. Así, la American Elite presenta un mástil de radio y forma compuestos, que empieza con un perfil de “C”. Sin duda, el broche de oro perfecto para estas guitarras eléctricas que nos ofrece esta mítica marca es su aspecto exterior: siguiendo la línea icónica de la marca (donde la artesanía y la calidad destacan por encima de lo demás), pero con nuevos y relucientes acabados que hacen ver que no estamos ante un instrumento normal y corriente. Además, el cuerpo de esta asombrosa y muy versátil Fender American Elite Stratocaster se ha rediseñado de manera ergonómica, con contornos más esculpidos y pronunciados que restan peso, proporcionan mayor confort y dan lugar a una estética más llamativa.

Novedades | 05

discos compactos

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográficos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición.

pEDRO Y pABlO pRESENtAN SU cD “UNiDOS pOR El cANtAR” Pedro y Pablo, el dúo conformado por Miguel Cantilo y Jorge Durietz desde hace 48 años, lanza “Unidos por el cantar” (Che Discos). Se trata del primer disco juntos luego de 30 años sin grabar en estudio y será presentado el viernes 3 de noviembre a las 20hs. en el CCK, con entrada gratuita. En este concierto participarán Sufián Cantilo en teclados, Anael Cantilo en bajo, Facundo Guevara en percusión y Rodrigo Genni en batería. “Unidos por el cantar” contiene 12 canciones compuestas en su mayoría por Miguel Cantilo (excepto “La tibia música”, de Jorge Durietz), que reviven su estilo inconfundible en el tratamiento del dúo vocal-guitarrístico y el abordaje de letras explícitas que encaran temas desde lo social hasta lo íntimo con naturalidad y fluidez; un disco claramente identificado con el canto popular de nuestra cultura sudamericana. Además de un intenso trabajo de composición e interpretación, en esta oportunidad el dúo cuenta con el aporte de Facundo Guevara en percusión, arreglos de viento dirigidos por Juan “Pollo” Raffo, ideados por Sufián Cantilo y realizados por Martín Rur, Rodrigo Genni en batería y Anael Cantilo en bajo (también productor artístico del disco).Dice Miguel Cantilo: “La grabación de “Unidos por el Cantar” representa una experiencia de reencuentro con Jorge Durietz después de largos años de no trabajar en estudio, de dedicarnos esporádicamente a dar conciertos y grabarlos en vivo, pero sin internarnos en un estudio. Aquí lo hemos hecho bajo la esmerada producción de Anael Cantilo y la asistencia de un grupo de excelentes músicos que han reforzado la tarea del dúo. Nuestra ambición es poder volver a dar conciertos con el clima original que nos vio nacer en los cafés concert, la amalgama de dos voces y dos guitarras dedicadas a transmitir el poder de la canción. Mantenemos intacta la vocación de músicos itinerantes, juglares, trovadores de nuestro tiempo que cantan la realidad de su tiempo”.

Dice Jorge Durietz: “Todo lo relacionado con este disco me conduce a sentirme agradecido. Gracias a las energías que nos mantienen con vida para seguir en este camino de la música, sembrando nuevas canciones, de sentirlas germinar en el corazón de todos los que a lo largo de casi 50 años nos han apoyado con sus demostraciones de cariño ante nuestra obra. Gracias por la posibilidad de trabajar junto a Miguel con la misma pasión, claridad y respeto mutuo que teníamos a los 18 años cuando nos encerrábamos con un pequeño grabador Geloso de cinta abierta en el baño de la casa de mis padres para cantar y registrar esa “cámara” o reverb natural. “Unidos por el cantar” lleva el sello esencial de Pedro y Pablo, como en el primer LP “Yo vivo en una ciudad” (grabado en1969): la poesía abundante pero siempre exacta, profunda y llena de significado de Miguel y mi amorosa y fascinada colaboración en los arreglos de las voces y las guitarras. Espero que una vez más, podamos recorrer caminos y paisajes geográficos y humanos, ofreciendo este puñado de canciones reflexivas y honestas, y en ese cantar, vibrando a la par, fortalezcamos esa armoniosa unión con nuestro querido público”.

SEBAStiáN MAccHi pRESENtA SU DiScO “piANO SOlitO” El pianista y compositor Sebastián Macchi presenta su disco “Piano solito” (Shagrada Medra), que incluye 7 composiciones propias: Huella de Arena (aire de huella), Alma Matinal (festejo), Chaya de los Vientos (chaya), Con forma de carta (vals), Camalote nocturno (canción del litoral), El oro del mediodía, Verdad e Invierno (forma compositiva libre) y dos arreglos propios a partir de El arriero (aire de Zamba) de Atahualpa Yupanqui y Canten señores cantores (canavalito de recopilación anónima).

A modo de bonus track “Piano solito” ofrece una versión improvisada (y posteriormente intervenida digitalmente) del preludio 20 trajes verdes de Charly García, que apareciera en el disco “Peperina” de Seru Giran y más tarde en Pubis Angelical con el nombre de “Sereno fantástico”.

Dice Sebastián Macchi: “Son muchos años de búsqueda, te diría que desde el año 2000, volcados en este disco, atravesado y abonado por la experiencia de haber vivido en tres ciudades a donde fue creciendo y tomando forma: Paraná (semillita), Buenos Aires (nacimiento), Rio de Janeiro (crecimiento) y Paraná otra vez (floración). Macerado lentamente y entre medio de otros procesos creativos muy intensos como Luz de Agua (junto a Fernando Silva y Claudio Bolzani, donde musicalicé poesía de Juan L Ortiz) o la construcción del repertorio de la cantante Silvia Iriondo (proyecto que integré durante 4 años). En cada oportunidad que tuve de tocar en vivo en este formato solista fui dándome la oportunidad de modelar el repertorio, poner, sacar, dar espacio a la improvisación, precisar en cuanto a la escritura, a las dinámicas y al abordaje rítmico de las formas del folclore argentino (del cual el piano fue una incorporación no tan temprana). En cierto modo este disco fue para mí la oportunidad de aprender, experimentar e intentar llevar adelante lo que vislumbraba desde una libertad nacida del corazón y me motivaba a andar ciertos caminos. Por eso compartir este proceso y cristalizarlo en un disco, tiene que ver con la necesidad de, como diría Don Juan en sus enseñanzas: hacerse responsable. Hacerse responsable de todo el tiempo, el trabajo y el amor que volqué en estas músicas y hacerse responsable de las limitaciones propias, de todo lo que tengo por seguir aprendiendo. Hacerse responsable y compartir”. El disco fue seleccionado por el Fondo Económico de Incentivo a la Cultura, las Artes y la Ciencia (FEICAC) de la Municipalidad de Paraná (Entre Ríos) en el año 2015. Fue grabado en el teatro independencia de Mendoza (con un piano de concierto Steinway) en febrero de 2016, por el técnico Matías Jodar. La mezcla y masterizacíon fue realizada en Cabrera Estudio (Bs AS) por el destacado pianista de la escena jazzística argentina e internacional Hernán Jacinto. El diseño gráfico a cargo de Roxana Rainoldi. La ilustración de tapa y el prólogo fueron realizados por Sebastián Macchi.”

06 | Discos Compactos

guitarristas y Bajistas.ar

JosE maria rios

cuál fue tu primer instrumento?

Tuve una corta incursión con la guitarra tocando en mi primera banda, pero rápidamente y creo que por propia incapacidad en ese instrumento pasé al bajo. con quiénes estudiaste?

Salvo un breve paso por el conservatorio “Manuel de Falla”

Nació en Caballito accidentalmente, pero su infancia la pasó en una casa de dos plantas en el barrio de gerli. Su incursión en la música comienza en el coro en la escuela primaria y a los 16 años su amigo josé María Núñez le enseñó a tocar “My sweet lord” de george harrison en la guitarra. De ahí en adelante no paró más. Por Sergio Resar

siempre fui un múico autodidacta, pero uno se va nutriendo de la gente que pasa a nuestro lado y asi va madurando. por qué elegiste el bajo?

Es difícil explicar eso, te diría que el cuerpo es una caja de resonancia y cada uno es más o menos sensible a distintas frecuencias. En mi caso me gusta la función de nexo entre

lo melódico y lo rítmico que tiene el bajo como instrumento.

En qué momento te convertiste en profesional?

Creo que con Fontova y sus Sobrinos, ya había trabajado para esa altura con distintas formaciones y en diversos géneros musicales pero con el Negro fue la primera vez que pude vivir de esta profesión. La responsabilidad, la importancia de una dirección, musical, mantener el instrumento en condiciones, que los cables no hagan ruido, el matiz, la atención, la puntualidad, el respeto, la buena disposición, llevarse bien con los sonidistas y el oído siempre abierto. cómo fue tocar con un prócer como Jorge Duriertz?

Jorge es un tipazo, muy querido por mí. Es un gran compositor, con esto no descubro la pólvora, disfruté mucho tocar con él, se aprende constantemente. cómo llegaste a Fontova y sus Sobrinos ?

Por casualidad, estar en el momento justo en el lugar justo.

Unos meses antes había decidido dedicarme a la música exclusivamente, trabajaba en el hipódromo de Palermo y tenía suficiente tiempo libre para estudiar y ensayar. Tocaba en una banda de rock latino que estaba en la misma agencia que Fontova y para la presentación de la banda, el Negro vino de invitado a tocar un tema de él, “Que mañana rara”, justo ese tema tenía un solo de bajo. Al terminar el show vino a saludarnos a los camarines y ahí me apodó “Laurel” por Stan Laurel del Gordo y el Flaco. A los pocos días el bajista de la banda del Negro decide irse a USA y queda el puesto vacante, en 15 días estaba grabando en Poligram el disco “Me siento bien” y ya era un Sobrino más. cómo fue tu primera vez en un estudio de grabación ?

Fugaz, con un grupo de amigos nos convocaron para

08 | Entrevista a josé María Ríos

guitarristas y Bajistas.ar

era un maxi single, “Fontova Presidente” en vivo en Obras, “Brotes del Olimpo” y con el dúo “Negro” con el que ganamos el premio “Gardel”. por qué decidiste viajar a italia?

Me invitó un pianista argentino radicado allá, Alejandro Ducatenzeiler. Toqué en una banda multinacional (dos argentinos, dos jamaiquinos y una cantante de Ghana) se llamaba “Jamaica Age” y tocábamos en boliches y fiestas Reggae y algo de funk y latino. Allá me sorprendió mucho la infraestructura que existe en los lugares donde se trabaja. Fue una experiencia inolvidable.

Formaste un dúo con el Negro, cómo sucedió eso?

Nos reencontramos para el cambio de siglo, al poco tiempo de mi vuelta de Italia. Hice una fiesta en casa por eso del fin del mundo, te acordás? y la pasamos encerrados en mi habitación tocando boludeses toda la noche. Temas viejos, zapadas, cualquier cosa. _Che, por qué no armamos algo? me dijo y si el Negro me dice que vayamos a tomar mate a Afganistan en pleno bombardeo de la OTAN le digo que sí, acepté por supuesto. Le saqué los trastes al Fender y salimos por las rutas con un espectáculo súper bizarro en el que yo hacía de bajista sordomudo que solo oía por su mano derecha. El repertorio era bastante ecléctico y empezó a aparecer el folklore. Volvimos a recorrer todo el país como con los Sobrinos, pero con más años y otra experiencia.

acompañar a un dúo que se llamaba “Flash” creo. Grabamos un demo en los estudios de Polygram en la avenida Belgrano y al poco tiempo grabamos como sesionistas en un disco de varios cantantes. Lo de pinchar, grabar por separado fue bastante raro. En esa época no existían los home studio y había pocas posibilidades de grabar. Se es-

guitarristas y Bajistas.ar

cuchaban todas las imperfecciones, ruidos de dedos, problemas de digitación, era terrible. Creo que ahí entendí bien la importancia de estudiar, de la técnica, del sonido. cuántos y cuáles discos grabaste con Fontova?

Con el Negro grabé “Me siento bien”, “El Fontoman” que

Ganaron un premio Gardel, qué sentiste con eso?

Siempre un premio es algo raro, pero en este caso pienso que el Negro lo merecía con creces. Fue una producción totalmente independiente con unos invitados de lujo como León Giecco, Liliana Herrero, Peteco Carabajal, Skay Beilinson, Richard Nant, Gerardo Gardelin, Lito Vitale, Daniel Melingo, Liliana Vitale. Con mucho respeto por las versiones

Entrevista a josé María Ríos | 09

yecto que se llama “El Quarto”, sacamos un disco hace 2 años y estamos trabajando en otro, son temas propios y en general música que nos gusta escuchar, nuestra tercera pata es Alejandro Ducatenzeiler (pero desde Italia) y participaron con nosotros Leandro Savelón y Sergio Fresco. El disco se llama “Hoja de ruta”, está muy bueno.

En qué bandas estás actualmente?

Estoy tocando con Coco Romero en sus dos proyectos, el de “Murga de este lado del rio” y un espectáculo infantil con textos de Javier Villafañe. Con “El Desvio”, una banda de rock, blues y funk que suena fenómeno. Con Alquimia, un proyecto de Claudio Diaz Colodrero. Y con Lili Forchetti, una cantante muy pero muy talentosa. cómo está compuesto tu set?

Tengo un Fernández japones de 5 cuerdas del 94 y un Fender Jazz Bass del 73 freetless. Soy un poco reacio a los efectos y prefiero el sonido natural de los instrumentos y como se los pulsa. Uso un Gallien Kruger MB 112 y tengo un Ashdown Tourbus 25 para estudiar.

que se grabaron y aprovechando cada invitado al máximo, además el Negro se cantó todo.

ahora. Compuse y produje también la música de varias obras de teatro, laburo que me gusta mucho.

Qué sigue en la vida de José María Ríos?

Mantenerme tocando, todo el tiempo que pueda. Estoy empezando a producir la música de otra obra de teatro, eso me gusta mucho, ver la música en función de determinadas acciones y climas, es fantástico.

cumplís el rol de productor, con quiénes lo hiciste?

Empecé produciendo un disco con poemas de Javier Villafañe que musicalizó Coco Romero “Los caminos del Gallo Pinto”. Después “Carta de Momo” también para Coco Romero y el año pasado terminé de producir el disco de un joven músico muy talentoso “Canciones que pasaron de moda” de Martín Silva y los artefactos de

contanos un poco de tu proyecto solista No me veo en el rol de front man, prefiero asociarme con otros músicos y laburar desde lo colectivo. Ojo que a la hora de arreglar o producir una idea siempre es más clara que una tormenta de opiniones. Hace más de 20 años que todos los domingos, salvo obligaciones familiares nos juntamos con Juan Dobón para llevar adelante un pro-

Qué le dirías a los pibes que recién están empezando?

Lo que me digo a mi mismo todos los días, seguir escuchando y tocando, ensayando y estudiando. Conocer otros músicos y tocar con ellos, otros estilos, siempre con los oídos bien abiertos. Grabando el disco “Negro” con Horacio Fontova en el estudio de Martin Bianchedi, un dia Martin me dijo “No hay que apagar la radio, nunca”.

10 | Entrevista a josé María Ríos

guitarristas y Bajistas.ar

mi ExpEriEncia con Frank zappa

Estimados lectores, voy a empezar a contarles las experiencias que he tenido a lo largo de mis 20 años de carrera. Una historia gratificante que quedó marcada en mi conciencia y experiencia fue la ocurrida con la obra del genial, asombroso compositor y guitarrista Frank Zappa.

Todo comenzó hace no más de 4 años cuando resolví orquestar mi obra sinfónica y realizar orquestaciones de

compositores que me gustaban. Después de mucho pensar elegí la obra “Peaches en Regalia” de Frank Zappa, ya que la obra tenía todos los elementos que me parecían fundamentales en la orquestación y al mismo tiempo identificaban en su totalidad la genialidad de Zappa. Luego de terminar y armar la orquesta para poder ejecutar las obras, me faltaba lo más importante, la autorización del compositor y/o editorial. Después de hacer

alguna averiguaciones con un amigo llamado Marcelo Gasió (fanático de Zappa), me he contactado con la responsable por la obra del maestro. Esta persona era la viuda, Sra Gail Zappa. Le he escrito un e-mail muy bonito explicando quien yo era y si podría ejecutar dicha obra con mi orquesta. A los pocos días recibo una respuesta corta y clara: “Hola, envíame un audio y o video y te diré si puedes hacerlo o no”. A todo esto, justo habíamos empezado a ensayar con la Quantum Orquestra y grabe un ensayo con toma de aire, pero se podía apreciar claramente los arreglos e intenciones que había propuesto para dicha obra. Al otro día envié el tan preciado mp3, y se pasaron más algunos días. Como no obteníamos respuesta, junto al el director de la Orquesta el maestro Lucio Bruno Videla, habíamos pensado en la posibilidad de descartar la obra ya que no teníamos la autorización.

Por suerte antes del último ensayo recibí una respuesta contundente de Gail Zappa. La cual decía más o menos así: “La orquestación estaba muy bien, puedes utilizarla y me gustaría tener una grabación en video de este concierto, mucha suerte con eso”. Así que por supuesto el concierto fue realizado y de hecho fue registrado en un DVD llamado “Awakening the Spirit Suite” sin la obra de Zappa, pero pueden ver y oír “Peaches en regalia” en un video de youtube, llamado “Historias: Maycown Reichembach & Frank Zappa”. Espero que les haya gustado esta historia iré contando más en otras ediciones de la revista. Paz y amor. por Maycowm Reichembach

12 | Mi experiencia con Frank zappa

guitarristas y Bajistas.ar

dEnison FErnandEs

En su última visita a la Argentina, nuestro amigo el asombroso guitarrista brasileño Denison Fernandes mostró muchísimo virtuosismo tocando heavy Metal y un poco de música brasileña y tuvimos la oportunidad de entrevistarlo. Por Franco D'Capri cómo te has convertido en columnista de la revista Guitar player?

Fui por muchos años columnista de la revista Guitar Player Brasil. Fue un gran desafío, porque trabajar en una revista tan importante conlleva mucha responsabilidad. Aprendí mucho haciendo ese trabajo, porque tenía que transcribir muchas temas y entender cómo era la música, para poder explicarlas en la revista, o sea, hizo que yo crezca musicalmente y entendí cómo funcionaba el mercado de revistas, que es muy diferente al mercado de la música, por ejemplo. Trabajar con tiempos de entrega y otras responsabilidades, además de compartir con grandes maestros que admiraba y luego se convirtieron en colegas. cómo fue tu experiencia de dar clases en una de las Universidades más respetadas del Brasil, como es el Souza lima?

Mirá, yo soy del Rio Grande del Sur, al Sur de Brasil y fui a vivir a San Pablo justamente para estudiar y profesionalizarme en el Souza Lima, Solo lo conocía a través de internet y/o revistas y ví que había grandes profesores como Kiko Loureiro, Ciro Visconti, Edu Ardanuy, Michel Lema, Mozart Melo. Además había muchas clínicas y workshops internacionales como los de Mike Stern, Steve Morse, Scott Henderson, entonces era un incentivo muy grande estar poder estar allí. Luego me recibí en el Souza Lima y recibí una invitación del Director para dar clases en el establecimiento. Y obvio, fue un gran honor. Hasta el día de hoy doy clases allí y siempre es un desafío, porque por allí pasan grande músicos. Hay alumnos que salen de ahí y entran directamente al mercado de la música, o sea, el músico sale preparado en todo sentido. Y lo mejor de todo es que los mejores músicos de Brasil pasan por allá y terminas haciendo ese cambio de experiencia que comenté anteriormente. tienes varios discos grabados, cuéntanos un poco sobre esos álbumes.

Yo tengo dos discos solistas y un demo. También grabe con una banda de Metal llamada “Aqua”. En mi primer disco participaron Kiko Loureiro, Edu Ardanuy, Joe Mograbhi y del gran vocalista brasileño Leandro Caçoilo, también Bruno Ladislau (bajista de André Matos) y el baterista Luciano Mello. Ya en mi segundo disco participaron otros colegas como el excepcional baterista Eloy Casagrande (baterista de Sepultura), a Eloy lo conocí por Ladislau y lo invitamos a que se sume a la banda, a partir de ese momento nos empezamos a hacer más amigos y desde ese entonces hasta ahora él toca conmigo, es un gran honor poder tocar con uno de los mejores baterista del mundo. Pueden buscar en todos mis álbumes en las plataformas digitales.

tocaste en Argentina hace muy poco tiempo. podés contarnos un poco de esa experiencia?

He tocado en Argentina desde el año 2010, cuando mi gran amigo y músico Maycown Reichembach, me invitó para participar del primer festival Guitar Experience, quedé muy contento de participar, porque además de mí, había muchos otros guitarristas con mucho talento. Algunos participantes Brasileños fueron: Jon Neto, Tiago de Moura, entro otros

14 | Entrevista a Denison Fernandes

músicos. Fue la primera vez que tocaba fuera de Brasil. Así pude aprender el valor cultural que hubo, y el cambio de información que puede ocurrir con tantos músicos llenos de conocimiento. Eso también me ayudo a que me interesara por la cultura de otros países, y entender como la música funciona en esos países. Así que desde esa fecha vengo participando activamente en casi todas las ediciones. Y espero poder seguir haciéndolo.

tú música además de tener mucho de rock y metal tiene influencia de la música brasileña. cómo has llegado a esos resultados?

Mi música es básicamente rock y heavy metal, pero me gusta hacer fusiones, principalmente con ritmos brasileños.

Eso viene de mis influencias, de lo que yo escuchaba en mi adolescencia. Escuchaba Angra, Sepultura y música Brasileña como Edu Lobo, Raphael Rabello, Tom Jobim.

guitarristas y Bajistas.ar

El Carnaval y las escuelas de Samba siempre me impresionaron mucho, principalmente la parte rítmica. Entonces porque no mezclar toda la música lo que me gusta y hacer una sola música, no sería muy bueno hacerlo? la guitarra latinoamericana ha tenido mucho más especio en los últimos tiempos. ¿crees que la guitarra latina tiene chance de competir con el mercado Europeo, por ejemplo?

No tengo ninguna duda. Creo que los Latinoamericanos se ha destacado en el medio ya hace tiempo. Tenemos el caso de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempo que es Carlos Santana, no solo en la venta de discos, sino en giras, grabaciones. Recientemente Kiko tiene destaque mundial tocando con Megadeth. Tenemos grandes músicos con mucho conocimiento y que están teniendo éxito.

La única desventaja que veo es con respecto a la economía de nuestros países. Realmente no es igual a la economía de Estados Unidos o Europa por ejemplo, y eso termine reflejándose en la estructura que el músico Latino tiene acceso. Por ejemplo tener buenos equipamientos para un Latinoamericano muchas veces es casi imposible.

Por eso creo que si los países latinos sacaran la corrupción y se transformaran en países serios, y trataran la cultura con su debido valor, Seguramente tendremos muchos más íconos mundiales que salgan de aquí para el mundo. cómo fue tocar en el Guitar Experience 2017?

Fue muy bueno reencontrar con amigos y grandes músicos. Tocar con el genial Maycown Reichembach que es un gran amigo, inclusive nos recibimos juntos en el Souza Lima. También al maestro Fernando Pareta, que es como el Scott Henderson de estos lados, soy fan de este tipo. Y también con que tuve el placer de Conocer a Mario Freiria que es un youtuber famoso mundialmente, me gusto sus composiciones y para mí siempre es un placer y una gran alegría poder mostrar un poco de mi música, y por supuesto a prender con la cultura de ellos. No puedo olvidarme del público que siempre fue muy amable conmigo.

Déjanos algún mensaje para los lectores.

Bueno, mi mensaje para todos aquellos que esten en esto de la música, es que crean un poco más en los músicos latinoamericanos, que vayan a sus shows, a sus conciertos, todos ellos necesitan de algún modo de nuestro apoyo. El músico que está en tú ciudad muchas veces toca tan bien o tiene una música tan rica como la de un músico de fama mundial que vos admiras. Entonces habría que valorizar más a ese artista, porque esos artistas realmente necesitan ese reconocimiento, para que también la escena local crezca. Eso podría pasarle

a cualquiera de nosotros y estoy seguro que nos gustaria que en otros lados nos apoyen. Hay que dejar de mirar solo para Estados Unidos y Europa, que no son los únicos países que producen música de calidad, hay muchísima música en un monton de rincones de este vasto mundo. Desde lugares que jamás imaginaríamos, hay algo para disfrutar y aprender. Además si me permites, me gustaria agradecerle a la revista Guitarristas y Bajistas.ar por todo el ezfuerzo que hace en ayudarnos a entregar nuestro mensaje y principalmente a mi amigo Maycown Reichembach por la oportunidad.

Qué instrumentos usas actualmente?

Actualmente toco mucho bajo y batería, pero mi instrumento principal es la guitarra. Actualmente soy endorser de una de las marcas más conocidas y respetadas de Brasil, llamada Music Maker. Es una marca que tiene como slogan su calidad, ya que es su mayor virtud. Son instrumentos comparados únicamente por empresas “custom” como Suhr y/o Tom Anderson. Es todo hecho a mano con mucho cariño y dedicación. La mía es el modelo Custom Pro, con materiales muy nobles y tiene dos pickups DS fabricado en Argentina. Además tengo una banda de Blues donde toco un bajo de 5 cuerdas de Musik Maker. ¿cuáles son los planes para 2018?

Ampliar mi actuación en internet, ya que aún es poco. Yo pretendo crear un curso online donde pueda compartir mi conocimiento con quien quiera aprender guitarra en todo el mundo. Espero tener esa plataforma activa ya en 2018 y mejorar mi canal de youtube con videos explicativos de músicas y entrevistas, perfectamente pueden acceder a mi canal en www.youtube.com/denisonfernandes donde podrán ver todas las entrevista que hice a artistas de renombre. También estoy por editar un nuevo EP con cuatro temas, todas con voz. Y ya en 2018 saldrá un disco mix, con temas instrumentales y otros con voces.

16 | Entrevista a Denison Fernandes

guitarristas y Bajistas.ar

GrEtsch bass

gretsch es una marca que no se suele asociar a la fabricación de bajos. Después de todo, sus guitarras eléctricas semi huecas y huecas están en el tope de dicha área. Con eso dicho, nunca se nos ocurrió que no saben cómo hacer un buen bajo. lo que viene como una sorpresa es el nivel de calidad y rendimiento que han logrado en este modelo. Por Sergio Resar

El Gretsch G2220 JUNIOR JET BASS II se presenta como uno de los mejores bajos que se pueden obtener en este rango de precios, y por una buena razón. Es por eso que decidimos llamar a nuestros amigos de Todomúsica SA, representantes de Gretsch Guitar en Argentina y pedirles darnos una vuelta por su maravilloso showroom y probar estos dos maravillosos bajos que ofrece Gretsch.

relativamente buena. A diferencia de las guitarras Gretsch que estamos acostumbrados a ver, el hardware de este bajo no es exótico ni llamativo. Sin embargo, es muy eficiente funciona y eso es lo que realmente importa a todos nosotros.

cUERpO Y cUEllO El Gretsch G2220 JUNIOR JET BASS II está construido con una forma conocida, el cuerpo de las guitarras Jet. Su cuerpo está fabricado con Basswood. También vale la pena mencionar el pickguard, que es un detalle más para decirle a todo el mundo que es un bajo Gretsch. El cuello es una pieza de maple de escala más corta que cuenta con un diapasón de palo de rosa y un cabezal también estilo Jet. ElEctRóNicA En términos de micrófonos, estaremos viendo un conjunto de poderosos mini humbuckers Gretsch en la posición de puente y cuello. Éstos micrófonos vienen con una cubierta del cromo, que fija el tono del bajo. Los controles son rudimentarios pero más que suficientes.

Tiene un volumen maestro y un mando de tono maestro para trabajar.

HARDWARE Este modelo Gretsch G2220 JUNIOR JET BASS II viene de serie con un puente ya familiar.

Al igual que muchos otros, este puente tiene un conjunto de cuatro silletas totalmente ajustables. En el otro lado del cuello, encontrarás cuatro máquinas de afinación fundidas. Todo el hardware está cromado y funciona muy bien. Las clavijas son precisas donde se puede establecer de manera fiable la afinación, mientras que el puente conserva la entonación

18 | gretsch g2220 juNIOR jET BASS II

SONiDO En cuanto al sonido que propone este bajo Gretsch G2220 JUNIOR JET BASS II ofrece un rendimiento muy equilibrado que lo convierte en una de los bajos más versátiles del mercado y eso realmente nos dejo muy sorprendidos, ya que llegamos al testeo despues de escuchar mcuho sobre él y ver varios viedos. El tono de este bajo Gretsch G2220 JUNIOR JET BASS II que sale de la caja ofrece suficiente definición y un tono con mucha presencia. Haste te diría que podés tocar una variedad infinita de géneros musicales en este bajo. En general, esta claro que estos micrófonos Gretsch mini humbuckers que estan en este bajo, están entre los mejores disponibles en este rango de precios.

guitarristas y Bajistas.ar

WashbUrn

En su evento más importante del año, el representante en Argentina de guitarras washburn, Tevelam SRl, organizó una Master Class de su línea de guitarras acústicas. Dicho evento estuvo a cargo de su directora de marketing, Mercedes Onorato quien apenas pasadas las 20 horas, tomó el micrófono de la sala Argentina del Centro Cultural Néstor kirchner de la capital de nuestro país. Por gyB.ar

foto: federico echeverría

20 | Master Class de guitarras washburn

quín Sabina y Dyango entre muchos más, se hizo cargo del auditorio. Sus palabras fueron “No soy locutor ni presentador, soy músico, así que vamos a empezar a tocar algo”. Ahí mismo invitó al extraordinario pianista y arreglador de Joan Manuel Serrat desde hace ya muchos años, Josep Mas Poet, más conocido como “Kitflus” y a la corista Ondina Maldonado. Ellos tres comenzaron una maravillosa noche con un tema de Alan Parsons. Una vez concluido, quedó a cargo de las explicaciones el mismo David Palau, que nos contó sus experiencias con la guitarra acústica. Como David Palau es representante de Washburn Guitars a nivel mundial, al mando de una acústica de esa famosa marca, explicó a la audiencia como fue su acercamiento a dicha guitarra.

Nos dijo a los presentes que empezó como todos, con acordes básicos y que el problema se le presentó cuando tuvo que tocar con pianistas, que ya los acordes y arpegios que él sabía no le servían. Entonces inicia su etapa de investigación sobre la acústica. Pensó cómo podría evolucionar en dicho instrumento y su idea fue algo extraordinaria, dividió la guitarra en dos, usando las tres primeras cuerdas como si fuesen la mano derecha del pianista y las últimas tres o dos, según venga el caso, como si fueran la mano derecha.

En sus propias palabras “Se me abrió un infinito abanico de posibilidades para desarrollar sobre la guitarra acústica”. También nos comentó sobre las distintas in-

tensidades para tocar el instrumento, dependiendo de lo que pide la canción. Otra de las cosas importantes que nos dijo fue que cómo encaraba un tema nuevo.

Eligió un ejemplo claro para que todos comprendamos, escuchar el ritmo de la batería, como conjugaban el bombo y el tambor y de ahí saber de cómo va la cosa.

Una vez dicha esta explicación, llamo nuevamente al

foto: federico echeverría

foto: federico echeverría

Mercedes Onorato presentó a quien sería el gran anfitrión de la noche, David Palau, quien es músico desde hace 15 años del cantautor catalán Joan Manuel Serrat.

Una vez en el escenario, el eximio guitarrista que ha trabajado, producido y grabado con otros grandes de la música como Alejandro Sanz, Miguel Bosé, David Bisbal, Ana Belén, al mismo Joan Manuel Serrat, Joa-

guitarristas y Bajistas.ar

Luego, el propio David Palau invitó a subir a la ya famosa Tevelam Band, compuesta por los maestros Daniel Castro con su flamante bajo acústico Warwick (Vicentico, Fricción, David Lebón, Skay), el asombroso Cristian Judurcha al mando de su batería Legend (Claudia Puyó, Pedro Aznar, Lito Vitale Cuarteto, Mono Fontana, Antonio Birabent, Luis Alberto Spinetta), Rubén Goldin en guitarra acústica Washburn y voz (Fito Paez, Raúl Porchetto, Juan Carlos Baglietto) y Fabián Prado en teclado Nord Electro 5 (Memphis La Blusera).

Los tres guitarristas mencionados antes, la Tevelam Band sumado a Kitflus en piano, tocaron para todos los asistentes versiones de temas altamente conocidos por el público como “Asilo en tu corazón” de Spinetta, “Mundo agradable” de Lebón y el excelente blues “Sweet home Chicago” quien popularizó los Blues Brothers, en el cual se destacó Daniel Castro un magistral solo de bajo que asombro a todos los participantes.

foto: federico echeverría

maestro Kitflus para tocar una nueva canción. Esta vez fue una hermosa versión, “Mediterráneo” de Joan Manuel Serrat, con quienes están trabajando en la gira por Argentina en el show “El gusto es nuestro” con Ana Belén, Víctor Manuel, Miguel Ríos y el propio catalán.

A continuación, David Palau nos mostró algunos ejemplos de sus aportes en discos de famosos cantautores como Alejandro Sanz. Como las sorpresas no terminaban ahí, llamó al escenario a dos guitarristas compañeros de ruta, Osvy Grecco y José Nortes. Ellos tres conformaron un trío de guitarras acústicas Washburn y nos deleitaron con versiones de los temas “Blackbird” de The Beatles y “I shot the sheriff” de Bob Marley.

Para cerrar esta maravillosa noche, volvió al centro de la escena nuestra amiga Mercedes Onorato para agradecer a los presentes, a los músicos y en especial a Tevelam SRL quien hizo posible que todos disfrutemos de esta magnífica Master Class. Nosotros encantadisi-

mos desde ya de haber pasado una jornada entre amigos, donde además de disfrutar del talento inmenso e irreprochable de un tipo de la talla de David Palau, pudimos aprender, intercambiar conceptos y ponernos al dia con diferentes tips a la hora de hacer música.

foto: federico echeverría

guitarristas y Bajistas.ar

Master Class de guitarras washburn | 21

kiko LoUrEiro

hace casi 20 años conocí a un músico buen humorado, un músico fuera de serie. ya en esa época él ya era destacado en Brasil. hoy en día, considerado como uno de los mejores guitarristas de Rock del mundo. kiko loureiro, guitarrista líder de Megadeth, me respondió todas las preguntas en una charla muy interesante. Por Maycowm Reichembach

foto: annalisa russo

¿cómo fue desarrollada tu carrera en el exterior?

En realidad mi carrera en el exterior es atípica. Porque con Angra empezamos con un tipo que era nuestro manager y él tenía contacto con gente de Alemania, y esa gente de Alemania tenía contacto con gente de Japón. Eran otras épocas. Era todo por correo (físico, no e-mail), enviábamos los cassette demo para algunas personas por el mundo.

Hoy en día podes mandar adjunto al e-mail un press kit con toda la información de tu banda a personas importantes y ver quien está interesado en apoyar tu trabajo. Entonces en esa época conseguimos que la gente (de la productora) de Japón les gustara nuestro demo, y editaron nuestro disco allá y terminó siendo disco de oro, en realidad es una historia un poco más larga, pero mi carrera en el exterior empezó con ese disco de Angra, y a ellos les gustaba ese tipo de discos con guitarras virtuosas y duetos de guitarra, porque en Estados Unidos ya estaban Nirvana, Pantera y otras bandas. Era una cosa menos guitarrística técnicamente hablando, pero en Japón todavía estaba la época de los años ‘80s... de Steve Vai, Malmsteen, Iron Maiden, entonces Angra entró muy bien en ese comienzo. Luego Angra siguió a full, dedicación total componiendo, trabajando, haciendo shows, intentando llevar la carrera lo más profesional posible. Recuerdo que en esa época aún había el mercado de las discográficas, y managers que podían hacer cosas para vos, pero de 10 años hasta ahora todo cambió, la banda tiene que hacer por si mismo todo el trabajo, hasta un cierto punto y ahí sí puede aparecer alguien que si pueda agarrar a la banda e invertir en ella. Por eso

22 | Entrevista a kiko loureiro

siempre cuando me preguntan, digo que el artista tiene que preocuparse con su carrera, entender del negocio de la música, de marketing, del music business, entender todo. Sino lo que pasará es que el músico va a saber tocar muy bien pero no sabrá que hacer, ni para donde ir. Yo solo grabé mi primer disco solista en 2004, ahí tienes una idea. El primer disco de Angra salió en 1993, o sea, 11 años después fui a grabar mi disco solista, yo ya era un guitarrista en cierta manera conocido y ya tenía una video clínica grabada en portugués en 1991, yo tenía 19 años, y eso me ayudó a ser conocido en Brasil. También hacia clínicas. Recuerdo que en esa época empecé a usar Washburn, También una marca de Japón que me buscó. Todo eso ayudó a que mi nombre se diseminara entre los guitarristas. ¿cómo fue tu aprendizaje musical?

Mi aprendizaje musical empezó en la guitarra clásica, al comienzo, sin apuro, aprendí los primeros acordes. Luego pasé a la guitarra eléctrica en una escuela del barrio. Luego tuve clases con Mozart Melo (referente de la enseñanza de la guitarra eléctrica en Brasil) cuando tenía 16 o 17 años, y aprendía muchas cosas por mi propia cuenta, en esa época el material era escaso y con algunos amigos conseguía las video clínicas y revistas. Recuerdo que a veces iba al centro de San Pablo y conseguía algunas revista importadas, pero eran caras, entonces, era rara vez las compraba. También iba al barrio japonés y conseguía las revistas Young Guitar. Después ya de grande, a los 28 años tuve clase de piano con Silvia Goes.

cuando yo pienso en Kiko loureiro, me viene a la mente tres cosas: realización, innovación y vanguardia. En tú visión, ¿cuál es la importancia de conocer el mercado de la música y qué tan importante es estar un paso adelante de las oportunidades?

Muchas gracias por tu pregunta. Hablando sobre realización, a mí me gusta realizar. Tengo una idea y hago todo lo posible para que eso suceda. Tenía la idea de que Angra despegue y hacer todo es busca de eso en el comienzo de la banda. Siempre fue el “rompe bolas” en realidad, entender aquello que está sucediendo y estudiar de todo un poco. Conocer el mercado musical, intentar conversar con ese tipo de gente, de las discográficas, con gente que hace festivales y shows. Es decir, no quedarme sólo con tocando la guitarra y esperar que alguien haga algo por mí. Entonces en esa búsqueda ocurría eso de la “innovación” que mencionas antes, porque en ese momento estás entendiendo que está sucediendo en el mercado (musical) ese momento. Y principalmente por yo tener este tipo de contactos con el mundo internacional de la música con Angra y haber ido a Europa en 1995, quiero decirte... yo tenía 23 años y tener toda esa información y ser parte de lo que pasaba en el mundo musical me ponía en un lugar de privilegio, porque yo traía esa información para Brasil y eso todavía no estaba sucediendo allí, Entonces era fácil para mí llegar a una marca de instrumentos musicales o una escuela de música y darles ideas, porque yo estaba aprendiendo afuera cosas de vanguardia y como no había internet entonces yo estaba

guitarristas y Bajistas.ar

foto: henrique grandi

un paso adelante y eso me favoreció. Por eso ahora poco desarrollé un curso de “show bussines” porque cuanto más sepas del mercado musical, menos errores cometerás en tu carrera, y más oportunidades van aparecer. la mayoría de los guitarristas latinos de rock se sienten identificado con vos. ¿cómo fue el proceso de creación de la marca “Kiko loureiro”?

En realidad nunca pensé mucho en ese en el comienzo de mi carrera, porque estaba todo el tiempo pensando en Angra. Como yo era un tipo muy activo, cuando no estaba haciendo algo con Angra, me ponía estudiar algunas cosas nuevas en la guitarra, ver que podía hacer con mis auspiciantes, pero demoré mucho hasta que hice mi disco solista. Quiero decir que yo ya tocaba bien, pero no estaba listo para tener un disco solista, con mis composiciones.

Yo hacia los workshops, viajaba mucho como “Kiko”, tenía esa video clínica que te comenté antes que me ayudó a tener una cierta popularidad. Yo tenía esa preocupación de como presentarme y como hablar con las personas.

Después cuando empezó internet, siempre estaba preocupado en cómo tenía que verse mi web, es decir, miraba las tendencias mundiales, pero no con los guitarristas, sino en otros mercado, otros productos, siempre estuve adelantado por lo menos en Brasil y eso básicamente terminaba siendo referencia para los guitarristas.

Megadeth actualmente es más fuerte que nunca, y en gran parte para su nueva formación. ¿Saldrán nuevos álbumes con Megadeth? tendrás más participación en la composición?

Megadeth está muy activo, el álbum “Dystopia” ganó el Grammy por primera vez en 30 años. Quedamos en tercer lugar en la Billboard cuando sacamos el disco, después de Justin Bieber, o sea, entre los más populares.

Realmente la banda está muy fuerte y activa. Tenemos ideas de hacer nuevos álbumes y mi participación para componer sucede en el momento. No tengo como saber de antemano. Pero ya pude colaborar en este álbum con varias ideas de tres canciones de “Dystopia” justo cuando entré en Megadeth. ¿Qué tiene que tener un guitarrista que desea ser profesional conforme tú curso de carrera musical?

Principalmente ser un buen músico. Y ser un buen músico no significa que sea virtuoso. Si hay que entregar tu arte bien hecho, y tu arte puede ser una estética Punk, por ejemplo. Que no es tocar perfecto, me entiendes? pero el mensaje tiene que ser muy claro. Por ejemplo “Nosotros somos los Ramones y tocamos tres acordes”. Lo que quiero decir es que no es tienes que ser un profesional en todos los sentidos dependiendo de la estética, concepto y sonido del proyecto que vas a llevar a cabo. Eso si la persona quiere ser un artista. Ahora si el tipo quiere ser músico profesional que acompaña al artista y/o graba, ahí ya tiene que ser una persona preparada musicalmente. Cada camino es diferente para los músicos. Hay un curso que yo hice que se llama “profesión músico” (en portugués) y muestra esos caminos para que la persona tenga por lo menos una noción del mercado donde desarrollarse. A veces están perdidos, Tocan y tocan, estudian todo el día y no saben qué hacer.

Es muy común encontrarse con guitarristas que tocan pero no saben qué hacer con eso. ¿Qué instrumentos usas actualmente?

guitarristas y Bajistas.ar

Uso mi guitarra Ibanez Signature, justamente acá en mi mano tengo una Kiko100, pero también está la Kiko10P que sería más una guitarra premium y la SP2 que es una guitarra más “entry level”, ahora salió mi nueva guitarra premium de color negra, en Argentina seguro habrá la SP2 ya que es la más accesible en cuanto al precio. Es una guitarra mezcla de la JEM con una Strat, para tener ambos mundos ahí. Tiene unos Di Marzios que puedo usar en Megadeth y en mis proyectos más fusión. En Megadeth ya está todo el “gear” preparado, yo uso el Multiamp de DV Mark y usamos Marshall, pedales NIG de Brasil, pedales Suhr Signature, Pedaleras Zoom, Cuerdas D´Addario 0.10 y 0.11.

Hay mucha especulación de que tal vez en un futuro próximo podrías ser parte del G3 junto a Joe Satriani. ¿Qué hay de verdad en todo esto?

No, nunca hable con nadie, ni pregunte sobre eso. Creo que hay un montón de guitarristas Norteamericanos en la fila de espera. Pero obviamente sería fantástico estar en el G3, ya que soy muy fan de Joe Satriani, y sería un honor estar en ese espectáculo junto a él.

Yo personalmente creo que tocas jazz tan fluidamente como el rock. ¿cómo los diferentes los estilos influenciaron su forma de componer, arreglar y tocar?

Te agradezco tu consideración pero actualmente estoy

Entrevista a kiko loureiro | 23

foto: annalisa russo

foto: annalisa russo

menos fluente en el jazz, porque no estoy tocando ese estilo ni escuchando mucho, ya tuve una época mucho más activa de esos estilos. Una cosa que me gusta tocar siempre es la guitarra clásica. Que aún mantengo esa cosa de la guitarra brasileña. Pero me ha influenciado mucho. Las melodías del jazz, la forma de pensar, los acordes, como improvisar, las ideas de escalas, eso sí, la libertad de salir de esas cosas que el rock por lo general te deja atado, entonces el jazz me dio un mejor vocabulario. De tanto escuchar música erudita, y otros estilos de música siempre te hace ser mejor. Cuando yo hable de

jazz hablo de la música de improvisación en general, o sea incluyo la música brasileña que es muy rica que yo escuché y toque bastante. ¿cual es tú opinión sobre el guitarrista Shawn lane?

Shawn Lane era una “cosa” fantástica, cuando yo lo vi por primera vez, fue cómo que “él era tan bueno que te daba miedo” pero hablo miedo en serio. Nunca lo conocí personalmente, pero si conocía a personas que si lo conocían a él. Yo a veces hacia algunas clínicas en escuelas de música en Europa y él también hacía clínicas en esas

escuelas, entonces las personas ya lo tenían como un grande, principalmente en Francia. Y se hablaba de la inteligencia de Shawn, entre otras cosas, entonces imagínate, nos quedábamos aún más miedo del tipo, en el buen sentido, claro. Yo recuerdo de haber escuchado mucho un disco de Shawn llamado “Power of ten”. También había una video clínica que vi un poco, y era una cosa muy “bizarra” en el sentido de dificultad, ya que era sobrehumano lo que tocaba. Resumiendo, es fantástico, una lástima que se haya ido.

Has ganado el mayor premio de la música junto al Megadeth. como fue a recibir un Grammy, junto con tus compañeros de banda?

Fue fantástico. Y para ellos entonces mucho más, ya que fueron nominados 12 veces y nunca ganaron, entonces fue una cosa sin precedentes, muy bueno. Además estar en la fiesta y participar de todo ese glamour ahí en una ciudad como Los Ángeles. Yo me fui a Estados Unidos queriendo darle un cambio en mi carrera, para saber cómo era el tema allá y realmente fue un cambio importantísimo, de tocar con Megadeth, de ganar un Grammy, de ganar el premio de mejor guitarrista con Dave Mustaine en la votación de la revista Revolver.

Nos conocemos hace más de 17 años, y siempre has sido un artista destacado y admirado. Además de todo tu duro trabajo, ¿crees que la suerte jugó a tu favor , o la oportunidad encontró la preparación?

En serio que ¿hace 17 años ya? wow, como pasa el tiempo. Mirá, el tema de “Suerte” yo siempre fui un tipo en contra de pensar en la suerte. Y dicen que algunas personas subestiman la suerte y otras personas superestiman la suerte. Al tipo que no le pasa nada en su vida, él siempre superestima la suerte, dice que aquel que está haciendo algo, consiguiendo sus objetivos y/o sueños, lo ha conseguido por tener suerte. El tipo que llega a sus objetivos y lo está realizando, él subestima la suerte por-

26 | Entrevista a kiko loureiro

guitarristas y Bajistas.ar

no sé cómo será mi futuro. Te cuento que por ejemplo en Megadeth ellos encontraron la forma de que la familia siempre esté y todo se volvió normal, es decir, la familia siempre está presente, siempre hay una forma de que este ahi contigo. Solamente hay que buscarla.

foto: henrique grandi

¿Sigues en contacto con tus ex-compañeros de Angra y estas al tanto de lo que hacen?

Si, sigo de cerca lo que están haciendo mis amigos de Angra. Siempre nos mantenemos en contacto por Whatsapp, vía internet, o por e-mails. Sigue la misma buena relación que siempre hemos tenido. Sólo que no viajo y toco con ellos porque es realmente imposible por mis compromisos con Megadeth y mi familia. Quizás si no estuviese mi familia quizás estaría con Angra y Megadeth.

que sabe él sabe lo que ha trabajado para poder conseguir ese objetivo. Yo no estoy ganando el Grammy porque empecé ahora. Yo estoy hace 25 años viajando en colectivos, aviones, tocando y pasando mil y una situaciones, o sea. El resultado viene con el tiempo. Yo no creo en suerte, si en el trabajo y en el esfuerzo en llegar a eso.

¿contanos cómo es viajar alrededor del mundo y tener a la familia tan lejos?

Bueno es todo un tema, yo tengo 3 hijos, hasta me parece extraño decir esto, porque nunca me imagine que iría a ser padre en mi vida. Hace 6 años no tenía hijos, y hoy en día eso es diferente. Intento adaptarte en el día a día,

¿cuáles son los sueños y proyectos que tenes en mente para los próximos años?

Este año ha sido un año muy movido. Tenemos con Megadeth una súper gira con la banda Scorpions y mi curso que hago online, y respondo y asesoro personalmente a los alumnos, con los cuales hablo diariamente para ayudarles en su carrera musical. También tengo el curso de “Music Bussines” que hago una vez por año. Y a veces me llaman para hacer cosas para las empresas de instrumentos que me apoyan y me esponsorean, por ejemplo ahora estoy de gira con Megadeth en Asia y hago unas clínicas para Ibanez Guitars. Hace muchos años deje de dar clases y quiero volver a hacer algunos cursos más guitarrísticos pero por internet, para que de algún modo vuelva ese Kiko “profesor”. Claro que estoy esperando para empezar a producir un nuevo disco solo, no es mi prioridad pero está en mis planes.

foto: annalisa russo

guitarristas y Bajistas.ar

Entrevista a kiko loureiro | 27

tiaGo dE moUra

El guitarrista Tiago de Moura, miembro de la banda “Armored Dawn”, que es una de las nuevas bandas de rock/metal internacional, se prepara para tocar en Argentina junto a “De la Tierra” en el teatro Colegiales en el mes de Septiembre.

Tiago de Moura nos contó un poco de todo. Por Maycowm Reichembach La verdad que muy poco espacio, principalmente en el rock instrumental. Ya la música brasileña es más aceptada en festivales y espacios culturales, pero la realidad no hay espacios para nuevos artistas.

Actualmente sos guitarrista de Armored Dawn, como fue la gira por USA y Europa?

Entre en Armored Dawn en el año 2012, y tuve la oportunidad de tocar fuera del país (Brasil) en algunas oportunidades, destaco el año 2014, cuando tocamos en el Motorhead Motorboat, que fue un crucero que salió de Miami-USA y fue hasta las Bahamas, fueron 5 días de mucho Rock y Metal y una gran oportunidad, en la vuelta tocamos en Miami. En 2017 hicimos la gira por Europea abriendo los shows de la banda Fates Warning, fueron 11 show en un ritmo frenético con apenas 2 días de descanso pero mucho aprendizaje. En este momento estamos grabando un nuevo álbum, producido por el Norte Americano Kato Khandwala y Bruno Agra.

cuéntame sobre tus discos, cuantos grabaste?

Desde que empecé a tocar la guitarra siempre preferí componer y tocar mis canciones que tocar y/o producir canciones de los demás, y creo que fue por eso que terminé grabando seis discos instrumentales, ellos siguen una línea de rock pero con mucha mezcla de ritmos y frases jazzy , pueden encontrar algunos de ellos en las plataformas digitales como Spotify, Deezer, Google play entre otras. cuéntanos sobre tus influencias y cómo esto influenció tú forma de tocar la guitarra.

28 | Entrevista a Tiago de Moura

Tengo muchas influencias, pero lo que interfiere en mi forma de tocar son los temas que estoy estudiando en el momento, o sea, siempre termino utilizando esas nuevas ideas de los últimos estudios. contarnos sobre los guitarristas brasileños?

Tenemos excelentes guitarristas de diversos estilos, Brasil es muy plural y tiene una diversidad de ritmos y culturas muy grande ya que es un país continental.

En Brasil hay lugar lugar para la música instrumental?

tenés una guitarra muy particular, podes hablarnos al respecto y contarnos un poco de que se trata?

En este momento utilizo dos guitarras modelos stratocaster de Music Maker (una marca brasileña) con configuraciones diferentes para performances o situaciones diferentes, una tiene pickups EMG con puente Gotoh, la otra tiene pickups Seymour Duncan y también Gotoh, las cuales se han convertido en una de las más grandes de la historia. Las maderas con las cuales fueron fabricadas son Arce, Jacarandá, Ash y frejó.

Deja un mensaje para los músicos latinos.

Me encanta mucho toca América Latina, no tuve la oportunidad aún de conocer todos los países pero conozco a varios músicos latinos que transmiten alma y garra en lo que hacen. Abrazo grande, saludos desde Brasil!

guitarristas y Bajistas.ar

iVanna rUd

Como es habitual en nuestra revista, le brindamos un espacio a las nuevas generaciones de músicos. En este caso les presentamos a Ivanna Rud, una joven guitarrista que a pesar de su corta edad, tiene muchísima experiencia en estudios de grabación y escenarios. Aquí nos cuenta su rica historia. Por Sergio Resar Mi formación más constante fue con Ale Malenky, un músico que me abrió la puerta al mundo profesional, me enseñó como ampliar los horizontes y a desarrollar una personalidad concreta a la hora de tocar… gracias a él aprendí a tocar lap steel y banjo, teniendo otra perspectiva sobre la guitarra. Hace dos años estuve en Nueva York y fui a ver a Mike Stern en vivo. Cuando termina de tocar me acerco para ver los pedales que estaba usando, era en un bar que se llama Iridium, bastante chico… Levanto la cabeza y estaba Mike saludándome, muy buena onda, sonriendo. Me puse a hablar y quedamos en encontrarnos para una clase en su departamento. Fue una experiencia increíble, yo había comprado una Strat hacía dos días y la estrené tocando con él, que es para mí un músico alucinante. No me olvido más de ese día.

foto: anto parlatore

cuál fue tu primera banda y quiénes la integraban?

Uffff, mi primer banda si mal no recuerdo, fue Watson Gum Boots o algo así, no me acuerdo bien el nombre porque lo cambiamos mucho… tenía 15 años y hacíamos covers. Lo más hermoso es que casi todos los que formamos esa banda nos terminamos dedicando a hacer música. Mi primera banda en serio (no por desmerecer a Watson pero era bastante púber) es The Pelos.

contanos con quiénes estudiaste?

Estudié con mucha gente. Siempre me gusto tomar clases y conocer a las personas a través de la música. Empecé a estudiar en serio a los 15 años con Hugo Fumero, después tuve el honor de estudiar con Carlos Campos, un guitarrista increíble de jazz. Tuve una adolescencia muy inquieta y para ampliar la búsqueda, terminé tomando clases y conociendo a músicos como Martín Garcia Reynoso, Coqui Rodriguez, Miguel Tarzia, Ramon de la Vega, Abel Patrone (en armonía), Diego González (en composición). A los 17 años me llama el Negro García Lopez desde el celular de mi

30 | Entrevista a Ivanna Rud

viejo, él estaba en San Juan porque había ido a tocar con Charly al Festival del Sol y mi viejo se lo encontró y me llamó: “estoy acá con alguien que te quiere saludar…” me acuerdo como me latía el corazón. Al poco tiempo empecé a estudiar con él y eso me cambio la vida, el Negro fue para mí un maestro de la vida, me enseñó mucho sobre cómo ser una buena persona, y después buen músico. Recuerdo que durante los ensayos de Amas de Casa (banda en la que comencé a tocar gracias al Negro, liderada por Daniela Doffo) salíamos del ensayo y el Negro me ayudaba a cargar las cosas… Realmente era una persona admirable.

cómo fue que entraste a the pelos?

Estaba en un aeropuerto en Polonia, tocando la guitarra entre vuelo y vuelo… y viene un pibe a decirme: che, tocas la viola? escucha esto. Me pone los auriculares y empieza a sonar un demo que estaba bastante bien. Ese era el batero, Lucas Biren. Al poco tiempo volví a Buenos Aires y arreglamos para ensayar un sábado a la mañana. Me acuerdo que era viernes a la noche, estábamos en el cumpleaños de una amiga, yo tenía 17 años y no sabía cuando era la última copa. En fin, terminé con demasiada resaca y no pude ir al ensayo. Así arranqué tocando con ellos.

guitarristas y Bajistas.ar

foto: anto parlatore

Qué rol cumplías dentro de la banda?

La banda era muy muy divertida. Empezamos muy de pibes, y obviamente los roles fueron cambiando un poco.

Al principio era guitarrista y ese era mi rol. Iba al ensayo, tocaba, arreglaba algún que otro tema pero no mucho más.

Después empecé a componer y en el primer disco “Mente Multicolor” había un par de temas míos. A partir de eso hubo un quiebre, empecé a escribir temas y temas y temas y junto al Chacal, cantante de la banda, compartimos ese rol de la composición. Empecé a componer mucho para la banda. Descubrí que me encanta, que era como liberarme, dejar mi alma desnuda y vestirla con melodías. Así pasaron los años y se empezó a consolidar más la banda y logramos una dinámica muy linda. Aprendí mucho, me curtí a más no poder. Hoy en día es más común ver a una mujer tocando, cuando arranqué a tocar en el escenario plantaba una energía demoledora, entonces llamaba la atención al ser mujer y me parece importante que hoy eso esté cambiando. Muchas veces el hecho de ser mujer tuvo influencia, a veces para bien y a veces no tanto… me veían llegar a la prueba de sonido y quizá alguien del lugar preguntaba: y vos cantas? y yo respondía que no, que tocaba la viola. Me miraban raro. Ahora ya no pasa, al menos, no a mí. Tuve que defender mi lugar, y creo que eso es algo que me hizo tener una actitud muy al frente. En todo el tiempo que tocamos juntos, los chicos de la banda siempre me bancaron, con mucho respeto y amor, son como hermanos para mí.

Qué discos grabaste con ellos?

Grabamos “Mente Multicolor” (2013), producido por Gutty Gutierrez, un EP “Instinto Animal” (2015) producido por Gastón Baremberg y Diego Olivero y por último “Cosas Simples” (2016) con Nico Cotton como productor. por qué te alejaste?

Fue algo natural, empezamos desde muy chicos y después de casi ocho años nos dimos cuenta de que cada uno necesitaba tomar caminos distintos. Son como una familia para mí, siempre van a serlo. Tengo el último disco tatuado en mi brazo derecho porque así lo siento. The Pelos es una puerta abierta en mi vida, no creo que se haya terminado, simplemente estamos tomándonos un descanso indefinido. cómo fue tu experiencia en los estudios de grabación?

Nunca me gustó demasiado el estudio, siempre fui mucho más del vivo. Amo los escenarios. Hoy en día me gusta grabar, ya le encontré el gusto. Pero las primeras experiencias fueron de muchos nervios, y no podía evitar pensar que eso que estaba grabando iba a quedar así. Siempre tuve la sensación de que la búsqueda es constante, y todos los días se aprende algo, se mejora, se desarrolla más y más. Entonces al principio me era muy difícil disfrutarlo.

Ahora ya es un placer, me conozco más y puedo enfocarme en hacerlo más simple, más real dentro del caos que implica entrar al estudio. Todo el movimiento, la preparación y las expectativas, hoy en día tengo muy claro que lo que importa es la energía que se genera. Eso va más allá de que tan bien está tocado o grabado o qué equipos usaste. La energía es lo que más me importa transmitir en el estudio, y de esa forma logro acortar la brecha entre el vivo y el estudio. cómo está compuesto tu set?

Soy adicta a los pedales. Tengo muchos, los que más me gustan ahora son los Strymon (BigSky y Mobius), Eventide TimeFactor, Mosfet 2 de Fulltone y Ep Booster son fijos en

32 | Entrevista a Ivanna Rud

mi pedalboard. Hace poco volví a usar el POG 2 y voy variando bastante, sobre todo porque creo que el audio está en los dedos, todo lo demás es decoración. Nunca dejo de cambiar mi forma de tocar, mi esencia se queda pero todo lo demás va fluyendo. Últimamente estoy usando mucho a mi Strato Bill Nash (luthier de USA que recomiendo) desde que tengo esa viola estoy enamorada (probé como 50 stratocasters y me lleve esa). Desde entonces siento que es mutuo el cariño que nos tenemos. Para mí es importante tomarse el tiempo necesario para generar un vínculo con el instrumento. También tengo una tele Fender que me acompaña hace muchos años y una Gibson 339 que modifiqué hasta encontrarle el punto justo. tocaste de invitada en muchas bandas, con quiénes?

Disfruto mucho de tocar de invitada, de aportarle mi toque a la canción y conectar con el artista de una forma muy espontánea. Este año toqué con Tomás Amante, Kevin Borensztein, Julio Franchi, Juan Archoni, Forja Espíritus, Sebastián Guerschuny, Dolores Cobach, Moses Murphy, Annie Goodwood, El Chacal & los alpes floreados (actual proyecto del cantante de The Pelos). por qué creés que te llaman?

No creo que todos me llamen por la misma razón, pero tengo una personalidad muy marcada a la hora de tocar, que obviamente puede gustar o no, pero está y es clarísima.

También creo que es porque le entrego todo a la canción.

Fue un año movido, contanos qué estuviste haciendo?

Este año viene movido, tuve el placer de tocar en escenarios

increíbles junto a artistas internacionales. Estuve en el Gran Rex junto a Sofía Reyes, acompañé a Malú en su gira por Buenos Aires (Luna Park), Córdoba (Espacio Quality) y Chile (Movistar Arena). Además, sigo componiendo, estoy en proceso de grabación de mis temas junto a Vinchi Fernandez, Maga Gutesman y un equipo de gente que además de ser increíbles músicos, son mis amigos. Eso es invaluable para mí. Todavía no hay material en las redes pero pronto estarán las canciones para que las escuchen, le tengo muchas ganas y mucha fe porque es algo muy genuino, muy de adentro.

Ahora estoy tocando junto a Jimena Barón que acaba de lanzar su primer disco, La Tonta, en donde tengo el placer de seguir tocando y trabajando con Lucas (compañero en The Pelos), que en este caso es productor, director musical y baterista. Siempre estoy tocando, ahora estoy con muchos proyectos, una banda que se llama Noventas que me gusta mucho, tiene mucho potencial.

Qué les dirías a los chicos que recién están empezando con la música?

Que la música es inmensa y eterna. Que está en todos lados, que es movimiento y que hay que asumir la responsabilidad de que es una búsqueda constante. Que la única forma de hacerlo es desarrollando personalidad, hay un montón de gente que es muy virtuosa pero al menos a mí no me transmite nada. El que tiene personalidad a la hora de tocar y hace del instrumento una extensión más de su cuerpo es el que logra transmitir un mensaje a través de la música. También que escuchen música, que no se cierren, que es un camino de ida, que hay que darle todo de uno todos los días y que hay que ir para adelante.

guitarristas y Bajistas.ar

Voy a sEr baJista!

Un punto que me parece súper importante a tener en cuenta, para prestar atención y poner el foco de nuestras energías en estudiar y mejorar es el de ser muy consistente en nuestro tempo, la manera que tocamos (y hacemos tocar en consecuencia al resto de la banda), nuestro “Time feel” (dirían en gringolandia). Por lo general, tamaña responsabilidad (y habilidad), no es muy tenida en cuenta en nuestras prácticas y están mas bien ligadas al azar de “tener buen tempo y groove” y ya está.

Está claro que todos tenemos debilidades y fortalezas, cosas que nos salen más naturalmente, o por el contrario cosas que nos cuesta entender. Pero si tuviera que reunir en muy pocas palabras un atributo innegociable para ser un bajista profesional, es precisamente ese: nuestro tempo y la habilidad de “hacer tocar” a todos, de que se dejen conducir (seducir?), que la “base está” y brindar la sensación general que es más fácil tocar cuando uno esta haciendo la base. Por supuesto que leer, afinar (en el caso del contrabajo), ser creativo, saber las escalas y arpegios con respecto a los acordes, saber armonía, llegar a horario, tener un equipamiento decente (y saber usarlo), improvisar, etc. También es importante, una cosa no va en detrimento de la otra.

Como practicamos? Ahí recomeindo metrónomo (tal vez cuando estamos aprendiendo un pasaje dificil o una digitación de una escala por ejemplo, el metrónomo hasta que los dedos no sepan para donde ir, puede ser de no

Esta será la última nota “hablando” de consejos, ideas y conceptos de manera más bien abstracta. Me gustaría a partir de la próxima entrega, encarar algunos ejercicios y herramientas más específicas que me parecen piolas compartir con ustedes, para que puedan ir probando en sus instrumentos. Por Mariano Sívori

mucha ayuda, pero acá si. También recomiendo grabarse y escucharse después, obvio, se sorprenderán muchísimo de los resultados si lo hacen con conciencia y “oído crítico”. A partir de eso se pueden sacar muchas conclusiones. Transcriban bases, después toquen arriba del disco. Si encuentran versiones en youtube de temas sin bajo (isolated base tracks), practiquen con eso también. Una idea muy buena es juntarse siempre con el batero de tu banda y practicar lo más que puedan, con-

versar acerca de que sensación o de seguridad o de inseguridad le brindamos cuando tocamos con él. También pueden llamar a muy buenos baterístas profesionales que conozcan y proponerles tomar algunas clases, tocando bases junto con ellos y escuchar los consejos que podrían darnos. Nunca olviden tomar todas las clases de ensamble que puedan, siempre guiados por profesionales y músicos que admiremos y que nos puedan “empapar” de algún modo con su sabiduría.

La historia dE La Gibson sG

Cuenta la historia que el primer modelo de Gibson SG salió a la venta en el año 1961 y conservaba el nombre de Les Paul, siendo su cuerpo más delgado, tenía doble cutaway, conservando los dos micrófonos doble bobina. Estas modificaciones abarataban los costos de construcción de la guitarra y con eso pensaban que podían recuperar el liderazgo perdido. Una vez que se enteró el músico Lester William Polfuss, conocido artísticamente como Les Paul, puso

34 | la historia de la gibson Sg

el grito en el cielo por dos motivos fundamentales, la empresa nunca le avisó las modificaciones realizadas y la otra fue que esa no era la guitarra que él había diseñado. Igualmente Gibson, siguió llamando Les Paul a lo que hoy conocemos como SG por un par de años más, el motivo?

Es que tenía demasiadas chapitas identificadoras con el nombre ya impreso. Una vez acabadas esas chapas, Gibson decidió ponerle un nombre a su nuevo producto y usó

uno muy simple “SG” las iniciales de guitarra sólida (solid guitar). Una media de 2.120 unidades anuales se distribuyeron entre 1961 y 1970 y en cada uno de sus tres primeros años de vida, la cifra alcanzaba las 6.000 unidades anuales. En el ‘66 se rediseñó ligeramente el mástil, haciéndolo más robusto, ya que resultaba demasiado frágil ante contratiempos demasiado habituales como pequeñas caídas (aunque guitarristas como Townsend sacaban un partido tremendo de dicha fragilidad, aprovechándola para realizar vibrato sin necesidad de palancas); y en 67 se agrandó el golpeador hasta el formato estandarizado actualmente. En la década de los ’70, la SG fue utilizada por héroes del rock pesado tales como Tony Iommi de Black Sabath o Angus Young de AC/DC. Entre los guitarristas que usaron y usan esta guitarra se encuentra principalmente: Pete Townshend de The Who, Eric Clapton en Cream, Tom Fletcher de McFly, George Harrison de The Beatles, Chino Moreno de Deftones, Marilyn Manson, Gustavo Nápoli, Brian Molko de Placebo, Nicola Sirkis de Indochine, Duane Allman de The Allman Brothers Band, Robbie Krieger de The Doors (aunque en ocasiones usaba una Les Paul en las grabaciones), el gran Jimmy Page de Led Zeppelin, Daron Malakian de System of a Down, Gary Rossington de Lynyrd Skynyrd, Patrick Stump, Heaven and Hell, Frank Zappa, Jimmy McCulloch de Wings, Carlos Santana en Woodstock. Adrian Smith de Iron Maiden. El hombre quemás representa la Gibson SG es sin dudas Angus Young, guitarrista de AC/DC, al igual que el inigualable Tony Iommi de Black Sabbath. Con más de cincuenta años en el mercado, el modelo SG sigue siendo uno de los modelos más populares de Gibson.

guitarristas y Bajistas.ar

GUitarra

Por Daniel Corzo

FRASES ChORD-MElODy (PARTE IV) En esta ocasión les mostraré 3 las frases chord-melody pero en Am7, una tonalidad diferente a la que vimos el mes pasado. las digitaciones son sólo sugerencias y puedes probar otras que te resulten más cómodas.

En este caso el proceso de construcción de estas frases se basa en licks idiomáticos (como el material melódico ya conocido sobre el cual trabajar la armonización). Si tocas la nota superior en cada acorde (aplica hacia arriba) únicamente, podrás reconocer el lick idiomático que hemos tocado como punto de partida. En el tercer ejemplo se tocan las mismas líneas del segundo, pero en orden inverso (la digitación es idéntica). Prueba de tocarlos con dedos y con púa.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

guitarristas y Bajistas.ar

Suplemento Técnico | 35

baJo

lEER PARA TOCAR.., O TOCAR PARA lEER la motivación para escribir este artículo se fue acumulando con los años, y de manera muy copiosa hasta que llegó un día en el cual sentí decir lo que pensaba a este respecto y compartirlo con mis lectores. Por Igor Saavedra

Pienso que es preciso y necesario colocar el tema de la lectura musical en el lugar que debiera ocupar, al menos en mi opinión. Esto lo digo porque pienso que con el correr del tiempo, la lectura musical llegó a tener una calidad de mito y un lugar de preponderancia que a mi juicio no le corresponde. Paso entonces a diferenciar este enunciado dialéctico que se me ha ocurrido como forma de hacer más visible el dilema..... “Leer para tocar.., o tocar para leer”. lEER pARA tOcAR Esta primera mitad del enunciado, es decir este enfoque, es el que personalmente utilizo y también comparto con mis estudiantes. Leer para tocar es, pienso yo, la justa medida y lugar en el cual se debiera colocar esta herramienta, habilidad o destreza.

Leer para tocar significa en síntesis que si aprendemos a leer música, esta habilidad nos permitirá tocar con mayor facilidad y con más seguridad cualquiera pieza musical con la que nos enfrentemos. El aprendizaje intelectual e imagenológico de estas representaciones gráficas de los sonidos y de los silencios y sus duraciones, que son en síntesis las notas musicales y las figuras rítmicas, nos permitirán finalmente racionalizar dichos conceptos aparentemente tan abstractos, por lo que entonces leer para tocar es una herramienta invaluable. tOcAR pARA lEER Es en esta parte en la que pretendo extenderme bastante más, ya que es aquí donde siento que muchos músicos (como dicen en mi país en el campo) “Colocan la carreta delante de los bueyes”. Son muchísimos los músicos que tocan en el escenario con una partitura frente a sus ojos, y que además en muchos de los casos les sirve de perfecto biombo para esconderse detrás de ella y sentirse así más seguros. Soy de aquellos que piensa que un músico no debería “nunca jamás” tocar en un escenario con una partitura enfrente si pretende transmitir de manera sublime su arte a un público.

En mi opinión sólo hay contadas excepciones en las que la presencia de una partitura se hará imprescindible e inevitable, y por lo mismo entendible y aceptable, pero se debe tener presente entonces que la entrega artística en lo concerniente a esa música pasará a ser una acción mucho más mecánica y mucho menos conectada con las sensibilidades más profundas de quien está tocando y de su audiencia en vez de una entrega sublime y plena. Estas excepciones tienen que ver más que nada con el “oficio del músico”, vale decir, cuando no hay tiempo físico para aprenderse un tema o una pieza musical y lo único que resta es leerla a primera vista para “Salvar la situación”.

Este frío proceso de decodificación en tiempo real, simplemente mecánico y casi meramente intelectual, es el que generalmente llevan a cabo (ya mucho menos que antes) diligentes músicos de orquestas de diversa índole, ya sean sinfónicas, filarmónicas o de televisión, etc., lo que no implica por cierto que estos músicos no estén calificados o capacitados para saberse las piezas o temas de memoria. Si se fijan, en cualquier concierto de música clásica en el que un solista connotado dé un concierto, de piano o violín por ejemplo, será muy rara la vez en la que este concertista tendrá una partitura frente a sus ojos. El 99% de las veces se lo va a aprender de memoria, porque él sabe que esa es la mejor, y prácticamente la única forma de entregar su arte “Como debe ser”. Por supuesto los demás músicos de la orquesta tendrán sus atriles llenos de partituras ya que obviamente al otro día tendrán que acompañar a otro solista o tocar otro tipo de concierto. Es obvio que su participación es antes que todo funcional, aun cuando puede ser de excelente factura y muy profesional, pero si me lo permiten.., no alcanzará la sublimación y el pleno contacto con la audiencia. Prueba de esto, es que ya hace

bastante tiempo se viene trabajando y promoviendo en Europa, en el contexto clásico, la habilidad de dar conciertos “de memoria”, y los resultados han sido óptimos. Si por el contrario, alguna vez llegan a ver a un solista con un atril de partituras enfrente, no habrá duda alguna que éste no tuvo el suficiente tiempo para aprenderse el concierto, o que no tiene tan buena memoria, o bien la partitura lo hace sentir más seguro; todos los anteriores, motivos que lamentablemente irán en desmedro de su entrega. Muchos estudiantes me preguntan que para qué les voy a enseñar a leer las líneas de Bajo si es que pueden sacar los temas de oído con un álbum o desde Youtube, y de manera mucho más efectiva y fidedigna, además que nunca pondrían una partitura en un escenario tocando Rock ya que sería, por decir lo menos ¡¡ridículo!! Es ahí cuando yo les explico que jamás les pediré que coloquen una partitura frente a sus ojos cuando tengan que tocar, ya que para mí “La lectura no es un fin, sino que es sólo un medio”. Es en este momento en el que les explico que la hoja, en condiciones ideales, debe estar ideal y solamente asociada al estudio o al ensayo y nunca a la ejecución musical escénica, a menos que también deseen dedicarse a la música como un oficio y no sólo como un arte, lo que es igualmente válido, pero completamente distinto.

UN MAl ENtENDiDO “tOQUE DE clASE” A modo de anécdota, siempre les pido a mis estudiantes que observen a algunos músicos de televisión tocando cortinas de escuálidos 8 compases, antes y después de los comerciales, que se saben absolutamente de memoria ya que las tocan todos los días, pero que siempre leen desde la hoja, o más bien dicho “Hacen que la leen”, ya que no me cabe la menor duda que están capacitados para memorizarla. Esta pésima costumbre, se debe en mi opinión simplemente a que ellos saben que mostrarse leyendo frente a las cámaras o audiencias es sinónimo de status musical, ya que en el inconsciente colectivo musical “Músico que lee música tiene un nivel superior”…, esto lo sé a ciencia cierta ya que he escuchado este tipo de comentarios varias veces por parte de algunos colegas para así fundamentar el uso de partituras sobre el escenario.

A este espurio acto las viejas generaciones de músicos le llaman “Tocar por música”, cuando si acaso hay una manera más alejada de tocar “Musicalmente”, esa sería en mi opinión la de hacerlo con una hoja enfrente. No quisiera que se piense que entrego aquí mi opinión a modo de excusa barata debido a que mi nivel de lectura es deficiente.

Debo agregar entonces que la lectura musical no es precisamente un problema para mí, y de eso pueden dar fe mis estudiantes y la infinidad de músicos con lo que he trabajado, quienes además pueden corroborar que siempre he hecho todo lo posible por no llegar con un atril de partituras al escenario, y si así fue alguna vez, se trató de mis absolutos comienzos profesionales, o de una total excepción enmarcada dentro del contexto del “Oficio musical”. Además, es aquí cuando hay que agregar que recuerdo que no lo pasé lo bien que lo pude haber pasado si acaso hubiera tenido en ese entonces el tiempo o la habilidad de memorizar esa música. A mi entender (y si me echo unos cuantos dinosaurios encima podré de igual forma dormir tranquilo ya que quienes me interesan son los jóvenes que vienen estudiando y progresando), “Tocar por música”, como mal se suele decir, es “Tocar de oído” y teniendo la hoja más cercana por lo menos a unos cien metros de distancia. Finalmente, no nos confundamos con no asignarle la importancia debida al aprendizaje de la lectura musical, ya que quiero ser enfático en decir que “La considero una herramienta indispensable en la formación musical de cualquier estudiante” por las razones que ya mencioné al principio de este artículo. Otra cosa, como ya les dije sería “Dejar de leer para tocar y sin darse cuenta, pasar a tocar para leer”.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

36 | Suplemento Técnico

guitarristas y Bajistas.ar

prodUcciÓn

TIPS DEl PRODuCTOR les daré algunos tips interesantes y en esta oportunidad les haré una sencilla pregunta ¿Creen que su banda esta completa?. Pongan mucha atención Por julio Elorza

Han sido varias las oportunidades en las que he visitado locales en Buenos Aires para disfrutar de presentaciones en vivo de bandas que están trabajando de forma muy activa y con la mirada puesta en integrarse profesionalmente al competido mercado musical de la Argentina.

El resultado fue un desastre total. Por el simple hecho de no contar con un técnico de sonido no solo se le hizo pasar un mal rato al público asistente, sino que se perdió la oportunidad de presentar un trabajo interesantísimo que habría sido un golazo para la banda ya que todos los temas sonaron estridentes y sin color.

Como Manager y como Productor he aprovechado algunas invitaciones para conectarme con nuevos talentos de este país y estudiar la posibilidad de desarrollar nuevos proyectos de trabajo con ellos. Debo decir que me ha resultado muy grato encontrar que en muchos casos estas bandas nuevas ofrecen estilos novedosos y particulares, repertorios originales y muy buen material musical al público. Sin embargo y tomando en consideración que la mayoría de las bandas que se presentan en estos lugares son formaciones nuevas de músicos y que necesitan de manera urgente encontrar vitrinas para dar a conocer sus propuestas al público y generar seguidores, Quizás sin querer y por falta de experiencia profesional dejan por fuera detalles fundamentales que afectan de manera importante el resultado final de sus performances. En la ciudad hay pocos bares que cuentan con la infraestructura necesaria para que una banda o artista pueda trabajar al cien por ciento. De hecho he visto que en su gran mayoría solo ceden sus locales a las bandas por la conveniencia de tener un atractivo con que atraer clientes y no les invierten dinero en equipos de sonido e iluminación para dotarlo de un Rider técnico. Casi ninguno de estos lugares gastan plata en preparar acústicamente los espacios y otros de ellos ni siquiera tienen una tarima decente. Mucho menos cuentan con un Técnico de sonido para ponerlo a la disposición de los artistas en el momento de sus presentaciones. Sencillamente no les importa nada y le dejan toda la responsabilidad a los artistas.

El ingeniero de sonido es una figura fundamental en la industria de la música. Es el profesional que entiende tu música y que hará del sonido de la banda una verdadera marca personal. Especialmente en los shows en vivo. Me atrevo a decir que el ingeniero de sonido se ha vuelto indispensable y que toda banda ya conformada que tenga intenciones de hacer un trabajo serio y verdaderamente profesional debe integrar uno a su Staff como un miembro activo tanto en las presentaciones como en tus ensayos por lo que te recomiendo que no escatimes en tener a uno como un miembro más de tu banda. Cuando lo hayas hecho verás los resultados.

Quiero agregar al pie de esta columna que compartiremos de aquí en adelante que he sabido de casos en los que los músicos y bandas son obligados a pagar tarifas para poder presentarse en los locales y bares cuando debería ser todo lo contrario.

El músico es un profesional y tiene el derecho a cobrar por su trabajo. (Pero este es un tema muy polémico que abordaré en próximas publicaciones y compartiré fórmulas e ideas que podrían acabar con este abuso si se ponen en práctica de manera concertada colectivamente entre los músicos).

Pueden escribirme a mi correo elorza.jazz@gmail.com para compartir conmigo sus experiencias y hacerme sus consultas que con gusto les responderé de vuelta.

Recientemente asistí al performance de una banda de Rock Argentino con gran propuesta musical que se presentó en un afamado local de la calle Corrientes en condiciones muy precarias e improvisadas. Con suerte contaron solo con una consola para hacer sus mezclas de sonido y la acústica del lugar era fatal. Era notorio no había un técnico sonidista y que se había hecho apenas un “Presset” de la consola durante la prueba de sonido anterior al show el cual fue usado para todos los temas ya que nadie operó la consola durante todo el concierto.

Julio Elorza es productor ejecutivo de Ávila Entertainment Group. Creador del Caracas Jazz Festival y manager /productor de artistas de gran trayectoria como Maycown Reichembach, Quantum Orquestra, Eros Ramazzotti´s Cover Band, entre otros.

Contacto: AEG.argentina@gmail.com

guitarristas y Bajistas.ar

Suplemento Técnico | 37

GUitarra

Por Michel leme

POSIBIlIDADES DE uN Bb7 En esta edición quiero mostrarles ocho acordes sobre Bb7. El contexto es el acorde Bb7 como 1er. grado de un Blues Mayor, o sea, con la tónica o acorde de resolución de blues.

Los intervalos que forman este acorde son: T 2# 3 4# 5 6 7. Fijate que esta secuencia es nada más que una tétrada que forma el acorde de 7 (T 3 5 7) sumada a las tradicionales “blue notes” ( 9# y 11#). Cuando ejecutamos una pentatónica menor con la 4# adicionada sobre un acorde 7 es algo muy común a nuestro oídos, correcto? solo que, al combinar estos intervalos en un acorde, la sonoridad puede traer algunas sorpresas. Repare que casi todos los acordes que elegí tienen cuerdas al aire, que es una técnica muy interesante para nosotros guitarristas, ya que puede generar acordes más ricos y menos obvios. Mi intención con esta pequeña lección no es traer acordes “locos” que sonarían apenas como “experimentación”, pero si dar más posibilidades al acorde Bb7 “Blues” o Bb7 (9#,11#,13).

Observaciones: El ejemplo 5 está con la terera mayor do acorde en el bajo.

El ejemplo 8 es el único que no tiene cuerdas al aire; repare que tiene la séptima menor en el bajo; Este es el púnico acorde que agregue la 9M (hice de esta manera para que veas el efecto cromático de los intervalos 9M, 9# e 3M tocados en un mismo acorde).

X: Significa la cuerda que la cuerda no debe ser tocada; O: Significa que la cuerda debe ser tocada suelta o al aire.

Michel Leme es uno de los guitarristas más destacados de Brasil, con virtuosismo y musicalidad fuera de lo común, Michel da clases en las mejores escuelas de música de San Pablo, además de tocar tocar con su trio de jazz. Para más información: www.michelleme.com

38 | Suplemento Técnico

guitarristas y Bajistas.ar

baJo

SlAP DAMPINg En esta oportunidad veremos un ejercicio de slap damping o amortiguación. Como ya sabemos, en la técnica de slap existen infinidad de recursos que con el tiempo se van perfeccionando y a la vez sumando nuevos. Por Nicolás Vilchez

El slap damping es una técnica que consiste en percutir las cuerdas con la mano izquierda (en caso de ser diestro), provocando un sonido apagado (símil kik) o nota muerta. Lo que nos permitirá desarrollar más velocidad al poder usas las dos manos para producir sonidos.

Referencias T = Slap thumb (pulgar mano derecha) D = Slap damping (mano izquierda) P = Pluck (índice mano derecha)

Nicolás Vilchez es el actual bajista de Malopa Quasar, oriundo de la provincia de Entre Ríos donde comenzó sus primeros paso en la música. A los 10 años comenzó tocando guitarra, a los 16 con el bajos eléctrico y a las 18 escucho a Jaco Pastorius y Victor Wooten quienes lo inspiraron en su decisión de formarse como bajista. Actualmente da clases y se encuentra en varios proyectos musicales de diversos géneros lo cual lo lleva todo el tiempo a seguir formándose y perfeccionando su desempeño musical.

guitarristas y Bajistas.ar

Suplemento Técnico | 39

GUitarra

AuTO COMPINg CON ACORDES MODAlES les dejo una nueva leccion retomando la anterior, nuevamente sobre auto comping o self comping, o sea el arte de auto acompañarse. Por juampy juárez

En esta oportunidad lo hago con acordes modales, que son aquellos acordes que en conllevan el modo correspondiente, usualmente por tener notas caracteristicas del modo que ningun otro tiene. Por ejemplo: C-maj7/6 esta solo en la escala menor melodica( primer modo), y Cmaj7/11#/5# esta solo en A-melódica como tercer modo(llamado lidio aumentado). Estas ideas ideas son útiles para tocar en trio, solo o dúo con un bajista, para hacer intros, y para componer obviamente. Además la exploración polifónica del instrumento es siempre fructifera.Recomiendo usar púa y dedos(técnica hibrida)o dedos derechos en lugar de solo púa.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

40 | Suplemento Técnico

guitarristas y Bajistas.ar

GUitarra

DESMENuzANDO El ESTIlO DE ERIC jOhNSON (PARTE I) Quisiera compartir con ustedes mi muy personal análisis de la técnica de uno de los más grandes guitarristas de la historia (en mi más humilde opinión) el Sr. Eric johnson. Por Arturo Mawcinitt

Dos anécdotas personales tengo de Eric. Una vez estando en el Custom Shop de Seymour Duncan en Santa Bárbara C.A. Maricela Juarez (M.J) Me mostró la carta que de forma muy respetuosa y amable (escrita a mano) le envío Eric a M.J. Para pedirle que “Clonara” un set de mics de una de sus guitarras Fender Strat, al parecer del año 59. Sin duda un caballero. La segunda fue en el NAMM de invierno, en el 2009 Fender organizo un concierto VIP al cual tuve la suerte de estar invitado, y en donde por primera vez tuve la oportunidad de ver de cerca como trabaja la mano derecha del maestro, lo comento por es en esto en lo que nos vamos a concentrar hoy. Con un músico que desarrolla un idioma musical tan vasto, arpegios, armónicos, progresiones de acordes. Debemos ir con calma. En este caso especifico les quiero mostrar como tocar los grupos de 5 notas al estilo de Eric Johnson. ¿Y por que es tan importante la mano derecha para desarrollar esta técnica?

Ejemplo 1 - Ubiquemos la 1ra. Posición de la escala pentatonica en A. Aquí esta la

clave, debes practicar con mucha atención la manera en que la pua se mueve, siempre empieza hacia abajo y termina hacia abajo. Recuerda apoyarte en el video que hice para ti.

Ejemplo 2 - Ahora es momento de aplicar lo que aprendiste en el ejemplo pasado, debes moverte por toda la escala, recuerda hacerlo una y otra vez, de lento a rápido, si ya lo dominas lento debes ir subiendo de velocidad poco a poco.

Ejemplo 3 - Para este ejercicio vamos a mezclar 2 valores diferentes, corcheas y grupos de 5 notas, Eric lo hace muy a menudo.

Ejemplo 4 - Llego el momento de cambiar de posición, este ejemplo empieza en el triste 15 de la 1ra cuerda, estamos ubicados en 4ta posición, de ahí cada grupo va descendiendo hasta llegar a la 2da.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

guitarristas y Bajistas.ar

Suplemento Técnico | 41

GUitarra

TéCNICA CONTEMPORáNEAS hola estimados amigos, en esta edición vamos a hacer varias técnicas contemporáneas para ponernos un poco al día. Por Maycown Reichembach

Para empezar haremos arpegios con dos manos menores y disminuidos, recuerden que el signo + indica que la hay que usar la mano de la púa en el diapasón de la guitarra. Luego los arpegios abiertos de Eric Johnson, donde la segunda nota del arpegio sube una octava consiguiendo así una sonoridad muy interesante. La Pentatónica no puede faltar y preparé dos ejercicios al estilo Shawn Lane. Recuerden de hacerlo siempre con metrónomo. Solo la práctica te llevará a la perfección.

Cualquier duda pueden seguirme en mis redes sociales donde constantemente estoy haciendo videos y sesiones en vivo mostrando todo lo que enseño en estas columnas. En los dos primeros ejemplos podremos ver arpegios menores con dos manos. Luego en el tercer ejemplo veremos acordes abiertos de Eric Johnson a lo que continuamos con una técnica de Shawn Lane y por último una pentatónica Lane/Johnson donde deberemos acentuar la primer nota del grupo de seis y una pentatónica con Sweep Extreme donde el secreto de esta técnica consiste en tocar con sweep cuando hay cambio de cuerdas.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

42 | Suplemento Técnico

guitarristas y Bajistas.ar

Gibson history

1894 Aparece el primer instrumento documentado bajo el nombre Gibson. Es el fruto del trabajo de un modesto luthier, Orville Gibson, que desde su taller en Kalamazoo, Michigan, comienza a producir unas novedosas mandolinas. Luego llegarían las guitarras acústicas.

1898 Orville Gibson obtiene la patente de su innovador diseño de acústicas y mandolinas, basado en las tapas arqueadas de un violín (arch-top), que cada vez gozan de mayor reputación entre músicos.

1902 La demanda de los instrumentos fabricados a mano de Orville Gibson sobrepasa la capacidad de producción de un solo hombre. Tras un acuerdo con cinco empresarios de Kalamazoo, se forma la Gibson Mandolin-Guitar Manufacturing Company. Orville recibió una cuantiosa suma por su patente y derecho a usar su nombre, y permaneció en nómina de la nueva empresa como consultor hasta su muerte.

1918 Cierto misterio rodea al estado de un excéntrico Orville Gibson en sus últimos años. Tras varias estancias en diferentes hospitales, finalmente fallece un 21 de agosto de 1918, precisamente el día de su 62 cumpleaños, en un hospital psiquiátrico de Ogdensburg, Nueva York.

44 | gibson history

gibson guitars es una empresa que este año cumplió 123 años fabricando instrumentos musicales. Fué fundada en 1894 por Orville gibson en la ciudad de kalamazoo, en el estado de Michigan, en Estados unidos. Aquí le mostramos una breve cronología de la evolución de esta fabulosa empresa. Por g&B.ar

1921 Gibson desarrolla dos de sus aportes más importantes al mundo de los instrumentos musicales: el alma del diapasón ajustable (truss-rod) y el puente ajustable en altura. La idea provino de uno de los empleados de la época, Ted McHugh, y hoy en día todos los instrumentos Gibson siguen incorporando truss rods basados en su diseño.

1922 Otro año de innovaciones: el ingeniero de sonido de la casa Lloyd Loar diseña la mandolina F-5, y se lanza también la guitarra acústica L-5, considerada por muchos la primera acústica moderna. Hacia el final de la década Gibson ya produce diferentes modelos flat-top, y una serie económica llamada Kalamazoo.

1935 Aparece el primer instrumento eléctrico de Gibson: la guitarra de estilo hawaiana EH-150.

1936 Gibson lanza una de sus guitarras legendarias: la eléctricaespañola ES-150, que grandes guitarristas como Charlie Christian adoptarán como su principal instrumento. Al día de hoy, aún muchos músicos consideran los micrófonos Charlie Christian de la ES-150 como los mejores del jazz jamás producidos.

1937-45 La producción de Gibson se ralentiza debido a las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial (escasez de madera y metales, entre otras). Gibson, además, produce algunos materiales para el ejército durante estos años. Lo que no quita para que aparezcan más instrumentos icónicos: la J-200, a raíz de un pedido de la estrella de cine Ray Whitley, o la J-45.

guitarristas y Bajistas.ar

1944-1949 Chicago Musical Instrument Company compra Gibson. En 1948 Gibson contrata a Ted McCarty, que se convertirá en presidente de la compañía en 1950 y que fue el impulsor de muchas de las innovaciones que introducirá la empresa en los años posteriores. McCarty permanecerá al frente de Gibson hasta 1966. En 1949 s e lanza la ES-175.

nes y operaciones financieras dejan la división musical de Gibson en venta.

1986 En su peor momento desde casi un siglo antes, dos entusiastas de las guitarras, Henry Juszkievicz y David Berryman compran Gibson con la intención de revitalizarla en todos los sentidos, tanto económicamente como en su reputación como el fabricante de algunos de los mejores instrumentos de cuerda del mundo. Se abren nuevas plantas de producción en Memphis, Tennessee (semi-huecas y custom shop), y Bozeman, Montana (acústicas), y comienza un nuevo período de crecimiento e innovación.

1952 Fruto de la colaboración con el legendario guitarrista Les Paul, se lanza el modelo que lleva su nombre, y que si no es un icono del rock más de 60 años más tarde.

1954 McCarty diseña personalmente el puente Tune-O-Matic, con silletas ajustables para cada cuerda. Y que sigue tan vigente hoy en día como la mismísima Les Paul.

1957-1958 Seth Lover, ingeniero en Gibson durante esos años, perfecciona el micrófono humbucker, que se convertirá rápidamente en todo un estándar de la industria. En 1958 aparece una guitarra semi-hueca que se convertirá en uno de los diseños más exitosos de la historia: la Gibson ES-335.

Por si fuera poco, éste es también el año en el que debutan dos diseños adelantados a su época: la Flying V, y la Explorer.

No será hasta una década después que estos modelos triunfen realmente entre el público y los profesionales.

1961-1963 Un intento de revitalizar la línea Les Paul acabará por cristalizar en otro de los modelos más representativos de Gibson: la SG. La Les Paul como la conocemos no volverá al catálogo de la compañía hasta 1968. Otro modelo histórico: la Gibson Firebird hace su aparición.

guitarristas y Bajistas.ar

1966-84 Tras la ida de Ted McCarty de la empresa, deriva en una época un tanto problemática para Gibson, en la que tiene lugar, además, la fusión de Chicago Musical Instrument con un conglomerado sudamericano, E.C.L. En 1974, cuando abrió sus puertas la fábrica de Nashville, Gibson se incorpora a Norlin Musical Instruments. La producción se divide entre la fábrica de Kalamazoo y la de Nashville, y en esta época se introducen algunos de los primeros modelos “reissue”: la F-SL en 1978, o la Les Paul Heritage en 1980. Los primeros modelos B.B. King aparecen también en 1980, y las acústicas de cuerpo sólido Chet Atkins en 1982. Y1984 fue el año en que cerró sus puertas la planta de Kalamazoo. Un año antes, nuevas fusio-

1993-2013 Los últimos 20 años en Gibson se han caracterizado por una mirada constante al futuro y un respeto y homenaje por su pasado. Son los años en que aparecen algunas de las réplicas de modelos míticos más fieles, como las Les Paul del 59 ó el 60, mientras que nuevas guitarras como la Nighthawk de 1994 son calificadas como algunas de las más innovadoras del momento. En 2002 (tan solo un año antes de que se abra el lado más humano de la casa con la Gibson Foundation), para conmemorar el 50 aniversario de la Les Paul, se lanza la primera guitarra digital del mundo. Y más recientemente, el Min-Etune ha hecho su aparición, convirtiéndose en uno de los avances en cuestión de afinación e integración con la propia guitarra más excitantes de los últimos años.

2014 Para conmemorar el 120º aniversario de Gibson, este año se lanzan nuevos modelos de guitarras y bajos, incorporando las últimas innovaciones sin perder de vista la importante tradición de la compañía.

gibson history | 45

prs sE 245 soapbar

Este modelo PRS SE245 Soapbar incluye todo lo necesario para obtener un rendimiento desde el principio y creanme, esta asombrosa e inigualble PRS los va a dejar pasmados como a nosotros, que tuvimos la posibilidad de pasar un buen rato testeando a la chica más bonita del barrio, como me dijo un viejo amigo violero, sabio él, que cuando le conte que ibamos a testear una PRS, acoto sin dudar... La PRS es la chica más bonita del barrio. La PRS SE245 Soapbar tiene dos pastillas Soapbar y controles de tono y volumen dual, montados en un instrumento PRS de calidad en extremo sorprendente. ¿qué más se puede necesitar

Desempeño excepcional para los músicos más exigentes. Para aquellos que buscan el gran sonido de PRS en el formato clásico de un solo corte, le presentamos lo excelente y lo nuevo para este año 2017, la asombrosa PRS SE 245. Por gyB.ar

en una tarde de sábado?. Si sabés un poco acerca de la gama PRS SE, también sabés que PRS tiene una gran fórmula para la construcción de sus guitarras. Este instrumento no es diferente a las demás, con un cuerpo de Mahogany (caoba) y un diapasón de Rosewood (palisandro), te darás cuenta que estás recibiendo un instrumento de calidad tan pronto como abras la caja. Mediante el uso de esta combinación de maderas puede descansar sabiendo que esta guitarra ofrecerá una increíble gama de tonos. Estos micrófonos P90 estilo Soapbar han estado por algunos años ahora en diferentes modelos de guitarras PRS.

Ahora están de vuelta una vez más en la fantástica PRS SE245 Soapbar para entregar maravillosos sonidos de guitarra, similares a algunos clásicos de principios a mediados de los 50´s. Ideal para blues, rock, jazz y pop, estos micrófonos Soapbar son sorprendentemente versátiles e incluso pueden manejar una cantidad decente de ganancia. Con una voz que ya es clásica, eminentemente grabable y para tocar en vivo, la PRS SE245 Soapbar es perfecta para los guitarristas tradicionales que prefieren un solo cutway.

La longitud de la escala es de 24.5” y hace que este instrumento sea cómodo para los intérpretes que crecieron usando guitarras de escala corta. Los controles de volumen y tono para cada micrófono, un cambio de 3 vías e incrustaciones de pájaros.

Como hacer para abandonar una mina tan linda? o mejor dicho, como hacer para dejarla en su estuche y caminar sin mirar atrás? Les seré sincero, me dio ganas de casarme con ella. Ustedes sabrán entenderme, no es cierto?

ESpEciFicAciONES SE245 SOApBAR Cuerpo de Mahogany (Caoba) Tapa biselada de Arce y Flame Maple Veneer Mango de Mahogany (Caoba) Diapasón de Rosewood (Palisandro) 22 Trastes y escala de 24,5” Inlays de diapasón con pájaros incrustados Hardware / Electrónica Puente PRS Designed Stoptail Clavijas PRS Designed Tuners Hardware Níquelado SE Soapbar Treble Pickup SE Soapbar Bass Pickup

46 | PRS SE 245 Soapbar

guitarristas y Bajistas.ar