Guitarristas y Bajistas Magazine #59

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DiSCOS COMPACtOS - Página 06 LAS NOtAS MÁS iMPORtANtES DE 2017 - Página 08 40° ANiVERSARiO DE BLuE´S - Página 12 FENDER PRECiSiON AMERiCAN StANDARD - Página 18 ENtREViStA A FERNÁNDEz 4 - Página 20 ENtREViStA A LitO EPuMER - Página 22 MuEStRA MúSiCA 2017 - Página 28 NuEVA LíNEA DE PEDALES FuhRMANN - Página 33 tC ELECtRONiC DittO LOOPER - Página 34 Mi ExPERiENCiA CON guiNgA - Página 44 PABLO CARVALhO y Su PAVAguitARRA - Página 45 PAuL REED SMith 513 - Página 46

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SuPLEMENtO tÉCNiCO DANiEL CORzO - Página 35 igOR SAAVEDRA - Página 36 JORgE ELORzA - Página 37 MAyCOwM REiChEMBACh - Página 38 JuAMPy JuÁREz - Página 40 ARtuRO MAwCiNitt - Página 41 NiCOLÁS MigLiAVACCA - Página 42

Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Daniel Corzo Igor Saavedra Jorge Elorza Juampy Juárez Arturo Mawcinitt Nicolás Migliavacca

04 | Editorial

Año 11º - Nº 59 | Diciembre 2017 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A interior del país: D.i.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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LANEY NEXUS SLS SACUDE A LOS GRAVES!

GIBSON SG Y SU LEGADO

Laney presentó una versión de 500W del clásico amplificador de bajo Laney Nexus SL. Literalmente es un pequeño SL, el SLS tiene todas las características que han llegado a conocer y amar con el SL pero en un tamaño más pequeño, más ligero, más apretado y compacto. La conocida serie NEXUS y su reducido tamaño y peso lo transforman en amplificador ultra portátil.

Cuenta la historia que el primer modelo de Gibson SG salió a la venta en el año 1961 y conservaba el nombre de Les Paul, siendo su cuerpo más delgado, tenía doble cutaway, conservando los dos micrófonos doble bobina. Estas modificaciones abarataban los costos de construcción de la guitarra y con eso pensaban que podían recuperar el liderazgo perdido. Una vez que se enteró el músico Lester William Polfuss, conocido artísticamente como Les Paul, puso el grito en el cielo por dos motivos fundamentales, la empresa nunca le avisó

MAYCOWN REICHEMBACH Maycown Reichembach edita el 29 de Enero su nuevo álbum “Way From Home” con algunos de los músicos más destacados del mundo como Simon Phillips (Toto, Jaff Beck, Asia) en Batería, Oscar Feldman (Paquito D´Rivera, George Benson) en Saxofón, Jota Morelli (Al Jarrau) en batería, e Igor Saavedra en bajo de ocho cuerdas. Más información en: www.reichembach.com

las modificaciones realizadas y la otra fue que esa no era la guitarra que él había diseñado. Igualmente Gibson, siguió llamando Les Paul a lo que hoy conocemos como SG por un par de años más, el motivo? Es que tenía demasiadas chapitas identificadoras con el nombre ya impreso. Una vez acabadas esas chapas, Gibson decidió ponerle un nombre a su nuevo producto y usó uno muy simple “SG” las iniciales de guitarra sólida (solid guitar). Una media de 2.120 unidades anuales se distribuyeron entre 1961 y 1970 y en cada uno de sus tres primeros años de vida, la cifra alcanzaba las 6.000 unidades anuales. En el ‘66 se rediseñó ligeramente el mástil, haciéndolo más robusto, ya que resultaba demasiado frágil ante contratiempos demasiado habituales como pequeñas caídas (aunque guitarristas como Townsend sacaban un partido tremendo de dicha fragilidad, aprovechándola para realizar vibrato sin necesidad de palancas); y en 67 se agrandó el golpeador hasta el formato estandarizado actualmente. El hombre quemás representa la Gibson SG es sin dudas Angus Young, guitarrista de AC/DC, al igual que el inigualable Tony Iommi de Black Sabbath. Con más de cincuenta años en el mercado, el modelo SG sigue siendo uno de los modelos más populares de Gibson.

discos compactos

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográficos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición.

CARLOS “NEGRO” AGUIRRE El pianista y compositor Carlos “Negro” Aguirre vuelve a encontrarse con el público de Buenos Aires para presentar “Calma” (Shagrada Medra), su nuevo disco. Se trata de la primera producción discográfica del Carlos Aguirre Trío, formación que el artista entrerriano comparte con el santafesino Fernando Silva en contrabajo y el cordobés Luciano Cuviello en batería. Dice Carlos Aguirre: "las de Calma son músicas que compuse imaginando el universo de un trío y que de un momento a otro quisieron salir a la luz. Ensayos con dos queridos amigos, cuya inspiración dio vuelo a aquellos bocetos. Temas nuevos que fueron viniendo mientras seguíamos explorando la química del sonar juntos. Y así, casi sin darnos cuenta, se delineaba un repertorio y una forma de expresarnos, una posible estética con eje en la austeridad''. De tu lado del mar, dedicado al pianista portugués Mario Laginha, Las flores de Rosalía; Hiroshi, Kalimba, Dentro mío, Palabras para nombrarte y Voces de otra vida y de otro lugar, son los temas que integran este disco, todos de autoría propia. Con un recorrido de tres décadas en el camino de la música argentina, el artista entrerriano transita esta experiencia grupal con la que grabó el disco en el Teatro Independencia, de la ciudad de Mendoza. El Carlos Aguirre Trío se gestó en los últimos meses de 2013 y se presentó por primera vez en enero de 2014 en el Escenario Fattoruso del club de jazz Medio y Medio, en Punta Ballena, Punta del Este. Tiempo después formó parte de la exquisita programación del Mestiza Música Festival -en abril de 2015- donde compartió el escenario del Teatro Coliseo en Buenos Aires con el brasileño Egberto Gismonti y el uruguayo Hugo Fattoruso. En octubre de ese mismo año, la formación debutó ante el público rosarino en el Teatro Príncipe de Asturias, del Centro Cultural Parque de España, y desde entonces ha recorrido varios escenarios argentinos con su propuesta. Acaban de regresar de una gira por la Patagonia argentina, donde anticiparon parte del repertorio incluido en “Calma”. Con este trío, Aguirre explora nuevas sonoridades dentro de sus habituales búsquedas y se despega, en cierta medida, de la raíz folclórica para dar lugar a un concepto más abierto, de músicas que no aluden directamente a ritmos conocidos y que abrevan en diversas influencias tales como el jazz, la música brasileña y la música académica. "La idea es acercarnos a melodías que cualquier persona pueda cantar al escucharlas, simples y emotivas. Estoy sumamente contento con este proyecto que nace gracias al encuentro y la exploración compartida con amigos y músicos de una enorme sensibilidad, como son Fernando y Luciano'', explica el compositor. "Allí vamos, entonces, viajando hacia la calma y dejándonos atravesar por esa trama de la amistad y los sonidos'', concluye en el prólogo de este disco.

RAMIRO GALLO pRESENtA LO qUE MUERE RENACE (EpSA MUSIC, 2017), GRABADO CON SU qUINtEtO Y LA VOz INIGUALABLE DE ROMA RAMíREz. Dice Ramiro Gallo: “Este es un proyecto soñado y finalmente concretado. Hacía años que quería grabar un disco de canciones, luego de muchos discos de música instrumental en los cuales, si bien aparecían temas cantados, en nuestro repertorio estaban relegados en número. Pero sobre todo, quería que tuviera un concepto, que funcionara como un verdadero álbum que contara algo. La música siempre dice algo acerca del tiempo en que fue escrita, y los hechos, vivencias o emociones con ellos ligados, hay momentos en que pareciera que la vida confluye en un todo orgánico de manera más evidente, y las voces interiores dan la impresión de florecer con fuerza inusitada. Desde su composición hasta la preparación minuciosa de los arreglos e interpretaciones, todo tuvo una marcha incesante, que nutrió el proceso con una fuerza singular. Hasta las composiciones más antiguas tuvieron de pronto su lugar y sentido, y fluyeron en conjunto. El círculo se cerró definitivamente cuando conocimos a Roma Ramírez, ya que encontramos en ella una cantante fina, exquisita, con una sensibilidad afín a nuestros gustos.

Roma sumó una cuota de trabajo riguroso y entrega incondicional. Nos emociona cantando estos textos; verlos nacer en su voz fue un hermoso acto de belleza que nos regaló la vida y la experiencia compartida”. El quinteto está conformado por Ramiro Gallo en violín y dirección musical, Federico Santisteban en bandoneón, Santiago Vera Candioti en guitarra eléctrica, Adrián Enriquez en piano y Lautaro Muñoz en contrabajo, más Roma Ramírez en voz. Músicos invitados en “Otoño” y “¡Fantasmas!”: Julia Winokour y Lucila Priotti en flautas, Federico Randazzo en clarinete y Matías Keller Sarmiento, Andrés Jubert y Juan Pablo Castrillo en percusión. Concluye Ramiro Gallo: “El concepto del disco gira alrededor de los ciclos naturales. Mi hijo Lorenzo me preguntó un día sobre la muerte, y conversamos mucho sobre ello. Las reflexiones tocaron el tema de Dios, la eternidad, el después. Como a un niño no hay que mentirle, la única respuesta posible fue siempre la falta de certezas. En medio de todo eso, pareció existir una sola verdad comprobable: ‘lo que muere renace’. El otoño, esa agonía nostálgica que conduce al letargo invernal, es seguida por el despertar de la primavera y la explosión del verano. Todo se sucede en un continuo donde las transformaciones derrotan a la muerte. El amor es parte de todo esto y en medio de los ciclos, su energía se libera generando encuentros y desencuentros, angustias o esperanzas. Los textos viajan en estos universos. Deseo profundamente que el oyente pueda sumergirse en el relato del disco y encontrar las empatías que calcen con sus propias experiencias”.

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Las Notas mÁs impoRtaNtEs dE 2017 ches. Los días sábados, después que salía de trabajar en un taller mecánico. Y mi primer trabajo profesional fue con un grupo que se llamó “SanBatuke”, de música brasilera, que tocábamos en fiestas de la colectividad judía, casamientos, cumpleaños.

Después qué siguió?

Después siguió Valeria Lynch, Salinas, Raúl Carnota, más una lista grande de artistas, nacionales e internacionales. tuviste el honor de ser convocado por Celia Cruz para una gira, cómo fue esa experiencia?

Increíble! Viajé por casi todo el mundo. Pero siempre el azar hace lo suyo. Realmente empecé a tocar ahí porque el bajista que estaba en su banda, un peruano, se fue a comer ceviche y se intoxicó, por suerte fue pasajero, claro.

Y me llamaron de cambio, de apuro. Así que a partir de ese momento me empezaron a llamar para las giras. Un recuerdo maravilloso.

DANIEL MAzA Cómo fue tu introducción al inquietante mundo de la música y los instrumentos?

La música siempre estuvo presente en mi casa, era inevitable que yo fuera a ser músico. Me sentaba al lado del pasadisco y con una panera que tenía mamá, imaginaba que era un acordeón, o imaginaba que era una guitarra. Así que una navidad mi papá me preguntó qué quería que me trajera Papa Noel: un acordeón, una guitarra o una panera más grande. Y elegí la guitarra. Empecé a tomar clases con Aterio Sosa, Método Práctico.

Con quiénes estudiaste?

Soy autodidacta. Nunca fui a estudiar, salvo unas clases de improvisación con el maestro Ricardo Lew. Cuándo venís a Buenos Aires?

La primera vez fue en el año 1978, pero volví a Montevideo. Y después en el año 1980 volví y ya me instalé definitivamente. qué fue lo primero que hiciste acá?

Mi primer trabajo era tocar con unos amigos en los boli-

también con los auténticos decadentes hiciste una gira, cómo fue eso?

Una noche que estaba en casa, suena el teléfono y era Cucho, que habían tenido un problema con la documentación de Pablo Armesto, su bajista, y no podía entrar a EEUU; me preguntó si yo podía ir y le contesté: “¿cuándo?”, y él me respondió: “mañana”. Fue una experiencia buenísima. Súper profesionales, y con ellos estuve en Los Ángeles, México, Nueva York, y Miami.

Cómo está compuesto tu set?

Tengo un bajo Sadowski Metroline, uno de los mejores instrumentos que toqué en mi vida. Un cabezal Eden WTX500 y una caja Eden de 2x10 con Twitter para 300W. Uso una pedalera en la cual tengo pedal de volumen, un octavador Pog, un chorus Boss, una cámara de Reverb Behringer. Uso cuerdas Martin Blust.

LUIS SALINAS “Mirá, yo nací en Monte Grande y a los dos años de edad nos mudamos a Villa Diamante, pasamos un tiempo ahí con mi familia pero pasaron unos pocos años y hubo una gran inundación, así que mi madre, a quien admiro y quiero mucho, decidió que no podíamos vivir ahí, así que nos mudamos de vuelta a Monte Grande a mis once años”. “No recuerdo bien cuando empecé con la guitarra pero cuenta el verdadero Salinas, mi padre, que yo a los dos años revoleaba todos los juguetes menos una guitarrita de plástico que siempre acomodaba en un rincón, como cuidándola”. “Luego, ya a los cuatro años, que es el primer recuerdo que tengo con un instrumento. Mi padre cuenta siempre que él y un amigo jugaban conmigo de la siguiente forma, era tarde y yo con sueño pero con la guitarra encima, mi padre tocaba y yo rasgueaba esa guitarra de juguete como si tocara con él. Luego paraba de tocar y me dormía. Al rato empezaba de nuevo a tocar su instrumento y me despertaba haciendo que tocaba.

Así se pasaban días enteros”. “Mi papá se llama Luis. A sus 11 años, en el Chaco, tocaba con un pie el bombo, un pie de hi-hat, una armónica y una guitarra. Era una especie de hombre orquesta. Siendo pequeño ganó un concurso organizado por el gran armoniquista Hugo Díaz y a

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los ganadores los llevaba de gira por los pueblos, mi viejo ganó pero su madre no lo dejó ir, al estar triste por esta situación, Hugo le regaló una de sus armónicas, con esa misma, muchos años después, grabó en un disco mío” “Estando en la casa de Benson, me pidió que tocara. Que un ídolo mío te diga “tocate algo”, en su espacio, es más complicado que en el escenario. Estás solo ante su atenta mirada. Recuerdo que toqué algo de él, y sólo me dijo OK, pero cuando toqué algo que me salió de adentro me dijo “Ahí va, eso es”. Después le toqué unos tangos y milongas y le encantaron. Fue en ese momento en que comprendí que era sacar la música de adentro. De ahí en más siempre trato de ser yo y no ser una copia de ellos. El mismo Benson me dijo Vos estas acá porque creo que tenés algo para decir”. “El público no tiene porqué entender de armonía y esas cosas, pero sabe cuándo sos sincero o no. Nunca me gustó la especulación. Menos en la música. Nunca jodí con eso, nunca miré la hora para dejar de tocar y eso es lo que trato de enseñarle a mis hijos”. “Mis instrumentos actualmente son básicamente guitarras españolas, tengo una Esteve y una Antigua Casa Núñez, en eléctricas uso Gibson, soy amante de esa marca. También tengo una Godin, de las viejas, ese es el sonido que me gusta. Ahora estoy con un guitarrón eléctrico que me encanta, no puedo dejar de tocarlo”.

LOS pERICOS por qué eligieron el bajo y la guitarra?

Juanchi Baleiron: Mis hermanos habían comprado una guitarra, después la agarré yo, a los 9 años. Cuando nos fuimos a vivir al sur, a Comodoro, en una navidad, mis padres me regalaron una eléctrica, una FAIM modelo Rickenbaker modelo 4001, un modelo muy poco común. De hecho Rickenbaker tampoco hizo muchas, es como el bajo 4001 pero en guitarra. La enchufaba a un grabador por la entrada auxiliar, ponía Rec y Play y eso me daba una cierta distorsión con un volumen hogareño. Con eso empecé a sacar mis primeros riffs a oído. Con amigos de mis hermanos como Claudio Justo, que tenía una Fender divina, empecé a copiar y a aprender, observando.

Gastón Gonclavez: En realidad empecé como guitarrista. Pero en las bandas que estábamos armando no había bajista y pensé que era sólo un momento y me encontré en un lugar genial.

Willy Valentinis: La guitarra siempre me llamaba la atención, toda la música que escuchaba, la tenía como protagonista, Queen, Kiss, Zeppelin, U2, Police. Un día me prestaron una criolla y ahí empecé.

con Dany, que fue el primer cantante de Los Pericos. En Los Antonios también cantó Maby Diaz. Hasta que Gastón, años después, se incorporó a Los Pericos. A Willy lo conocí porque fue alumno mío de guitarra. Yo puse un anuncio en la revista Pelo. LosPericos, en ese momento era una especie de banda secundaria, le poníamos más interés a Los Antonios. Cómo Willy había sido alumno mío y conocíamos a gente en común, él conoce a Ale y a Marto que eran como los motores de Los Pericos. En una de esas ellos me dicen “Lo invitamos a Willy, ese que toma clases con vos” y yo dije “Ah, bueno, fenómeno, vamos”. Era una formación abierta, divertida, aún no proyectábamos lo que después fue.

Gastón Gonclavez: Nos conocimos e n una fiesta de cumple de una compañera en común del Topo, baterista de Pericos y Mía. Ahí tocaba un trío que era Juanchi.

Topo y Ale Zárate, el bajista original de Los Pericos Willy valentinis: En marzo del ‘86 conocí a Juanchi, por un anuncio de la Revista Pelo y empecé a tomar clases con él. Después me hice amigo en un veraneo de Marto (el ex tecladista) y me contó que tenía una banda de Reggae y que estaría bueno que se sumara otro guitarrista…

Después me enteré que Juanchi, era el otro guitarrista!

Cómo está compuesto el set de cada uno?

Juanchi Baleiron: Mi set es muy simple, salgo de mi guitarra a un pedal que tiene dos overdrives y de ahí a un Crate. Ahora estoy usando también un ampli que hizo un amigo mío que es una copia al Bad Cat. En estudio tal vez uso algún plug-in si pinta, pero en vivo, como además tengo que cantar, necesito cosas simples, no soy como era Cerati que podía tener un montón de pedales. En gui-

Cómo se conocieron?

Juanchi Baleiron: Con el Topo nos conocimos en la puerta del colegio Roca en el ‘82. Estaba esperando a unos amigos, que nunca vinieron, sentado en la vereda, le contaba a otra amiga que estaba buscando baterista, yo tenía 16, y de un auto, un tipo grande, de unos 45 años, me dice “Mi hijo toca la batería, está buscando una banda, qué te parece” a lo que respondo “ah, qué bueno, qué edad tiene?” y me dice “12 años, cumple 13 ahora”. Yo que estaba por cumplirlos 17 me parecía una eternidad esa diferencia, imposible que tocara con un pibito tan chico. El señor me dice “No, mirá que toca muy bien y con gente grande”. Lo esperé, nos pasamos los teléfonos y desde ese momento y ya se están cumpliendo 35años, tocamos juntos. Con Gastón nos conocimos en una banda que se llamaba Los Antonios, junto con el Topo y

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tarra uso una 335. Ahora Gibson me está enviando una 335 Menphis y estoy ansioso por tenerla, uso cuerdas Magma apoyando a la industria nacional también.

GastónGonclavez: BajoSteinberger.BajoRick-1 Lanzi.

Cabezal Ampeg Classic y Ampeg 8x10. También utilizo un Compresor y una distorsión Dedalo.

Willy Valentinis: Tengo 2 sets. El set A tiene afinador Korg, Xotic EP booster, JHS Double barrel, Xotic BBplus, Wah wah Fulltone Clyde, Strymon Timeline y Mobius los dos disparados por un Disaster Area DMC 8 y un pedal de expresión. El set B es un afinador, Zvex Super Duper y Sonar, un Keeley Phaser y Blues DriverMod, Wampler Velvet Fuzz, Wah wah Dunlop y Delay Line 6 DL4 con pedal de expression. Las guitarras que uso en vivo son Gibson SGy Les Paul Goldtop y una Fender Strato Custom Shop NOS. En los acústicos uso la Gibson SJ 200 y

los equipos son Bogner Shiva, Crate Vintage y Peavey 5150 con un bafle Soldano.

KIKO LOUDEIRO ¿Cómo fue desarrollada tu carrera en el exterior?

En realidad mi carrera en el exterior es atípica. Porque con Angra empezamos con un tipo que era nuestro manager y él tenía contacto con gente de Alemania, y esa gente de Alemania tenía contacto con gente de Japón.

Eran otras épocas. Era todo por correo (físico, no email), enviábamos los cassette demo para algunas personas por el mundo. Hoy en día podes mandar adjunto al e-mail un press kit con toda la información de tu banda a personas importantes y ver quien está interesado en apoyar tu trabajo. Entonces en esa época conseguimos que la gente (de la productora) de Japón les

gustara nuestro demo, y editaron nuestro disco allá y terminó siendo disco de oro, en realidad es una historia un poco más larga, pero mi carrera en el exterior empezó con ese disco de Angra, y a ellos les gustaba ese tipo de discos con guitarras virtuosas y duetos de guitarra, porque en Estados Unidos ya estaban Nirvana, Pantera y otras bandas. Era una cosa menos guitarrística técnicamente hablando, pero en Japón todavía estaba la época de los años ‘80s... de Steve Vai, Malmsteen, Iron Maiden, entonces Angra entró muy bien en ese comienzo. Luego Angra siguió a full, dedicación total componiendo, trabajando, haciendo shows, intentando llevar la carrera lo más profesional posible.

Recuerdo que en esa época aún había el mercado de las discográficas, y managers que podían hacer cosas para vos, pero de 10 años hasta ahora todo cambió, la banda tiene que hacer por si mismo todo el trabajo, hasta un cierto punto y ahí sí puede aparecer alguien que si pueda agarrar a la banda e invertir en ella. Por eso siempre cuando me preguntan, digo que el artista tiene que preocuparse con su carrera, entender del negocio de la mú sica, de marketing, del music business, entender todo. Sino lo que pasará es que el músico va a saber tocar muy bien pero no sabrá que hacer, ni para donde ir. Yo solo grabé mi primer disco solista en 2004, ahí tienes una idea. El primer disco de Angra salió en 1993, o sea, 11 años después fui a grabar mi disco solista, yo ya era un guitarrista en cierta manera conocido y ya tenía una video clínica grabada en portugués en 1991, yo tenía 19 años, y eso me ayudó a ser conocido en Brasil. También hacia clínicas. Recuerdo que en esa época empecé a usar Washburn, También una marca de Japón que me buscó. Todo eso ayudó a que mi nombre se diseminara entre los guitarristas. pEDRO Y pABLO Cómo se conocieron?

Jorge Durietz: Nos conocimos en un festival de una parroquia del barrio donde tocaba su banda que se llamaba de Bad Boys y como yo en mi colegio tenía mi banda nos pusimos a conversar y nos juntamos con otro compañero de colegio mío y formamos un trío qué llamamos los Cronopios donde hacíamos todos los temas deThe Beatles.

Miguel Cantilo: Habíamos sido compañeritos en primer grado pero no nos habíamos dado cuenta. Luego el mismo barrio, Belgrano, nos unió a partir del descubrimiento de una pasión compartida: la música de los Beatles.

Cuál fue su debut profesional?

Miguel Cantilo: A los 15años como vocalista del grupo Wild Beats que formé junto a mi hermano Francisco.

Jorge Durietz: Nuestro Debut profesional ya como el dúo Pedro y Pablo si mal no me acuerdo ocurrió en el Festirama Beat 70 en Río Ceballos Córdoba.

Cómo manejaron el tema de la censura de esa época?

Miguel Cantilo: Hasta donde pudimos, pero al final logró dejarnos fuera de los circuitos de trabajo, una de las razones por las que nos auto exiliamos en El Bolsón.

Jorge Durietz: La censura se insinuaba con fuerza a partir de los años ‘68 con Onganía que era muy moralista y te perseguían para cortarte el pelo. Para nosotros el problema consistió en que hubiera listas de temas que no se podían difundir, tan es así que a falta de trabajo, Miguel emigró a España en el año 75.

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40° aniversario de Blue´s Cumplir 40 años no es poca cosa, cumplir 40 años en un rubro tampoco es poco, pero es casi imposible cumplir 40 años al frente de una casa de música.

Esto lo ha logrado Carlos Onorato, más conocido en el ambiente como “Carlitos Blues”, quien se ha mantenido al frente de su casa de música situada en la calle Rodríguez Peña 379 de Buenos Aires, donde ha visto desfilar miles y miles de músicos y aspirantes a músicos. Después de esta extensa trayectoria, Carlitos ha decidido tomarse un merecido descanso, cediéndole la posta a dos de sus muchos amigos, Ricardo Mendoza y Bernardo Arias. Para festejar esta fecha, Carlos, Ricardo y Bernardo organizaron una tremenda fiesta en el local, donde concurrieron nada más ni nada menos que la historia del Rock Nacional o como escuché por ahí esa noche, estos no son parte de la historia del Rock, ellos son la historia del Rock. Apenas llegamos, junto a nuestra amiga y fotógrafa, Sandra Calandrino, pudimos divisar en el interior del local a Jota Morelli, baterista de muchos, entre los más renombrados, Luis Alberto Spinetta, Riff, Lito Vitale y que actualmente toca con Los Enanitos Verdes. Al ingresar, vimos a un ídolo del Rock, al señor Willy Quiroga de la legendaria banda Vox Dei. Estaba conversando con El Tano Marciello (antiguo colaborador de nuestra revista) y con Gady Pampillón. Todos estábamos citados a las 20 horas, pero

Fernando Ruíz Diaz junto a Carlitos Blues

Rodolfo García junto a Jota Morelli y Héctor Starc

12 | 40° aniversario de Blue´s instrumentos Musicales

ese día, el 12 de diciembre, el centro de nuestra capital era un pandemónium.

Marchas y contramarchas políticas, mucha policía y represión, era casi imposible llegar al lugar indicado. Aún así, los amigos de Carlitos Blues hicieron lo imposible por concurrir. Fueron llegando David Lebón, Pedro Aznar, Ricardo Soulé (Vox Dei), Alambre González, Andrea Álvarez, Coqui Rodríguez (Pedro Aznar), Cristian Judurcha (Spinetta), Richard Coleman, Fernando Ruiz Díaz (Catupecu Machu), Rodolfo García (Almendra), Machi Rufino (Pappo’s Blues, Spinetta), el histórico stage de Serú Giran Carlos “Quebracho” Rodríguez, Héctor Starc (Aquelarre), Fabián Prado (Memphis), Mercedes Onorato (Tevelam SRL), Ignacio Chichizzola (KWC), Leo Salas, Dani Castro (Los Guarros, Vicentico), Miguel Angel Onorato, Gerardo Prícolo (editor de la revista Bateristas al Sur) y muchos otros artistas. Para terminar tan gloriosa noche, los músicos hicieron lo que mejor hacen, tocar. Se armó un pequeño escenario donde participaron casi todos los presentes. Todo el staff de nuestra revista, Guitarristas y Bajistas.ar, les desea tanto a Bernardo como a Ricardo, la mejor suerte del mundo en este nuevo emprendimiento. Y qué decirle a nuestro amigo Carlos Onorato? Que disfrute de este momento, su descanso, nosotros hemos disfrutado de su amistad por 40 años. (Fotos por Sandra Calandrino)

Gady Pampillón en plena zapada junto a Alambre González

Claudi Puyó y Alambre junto a Carlitos Blues

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Mercedes Onorato y Richard Coleman

Ricardo Soulé

Carlitos Blues se funde en un abrazo con David Lebón

14 | 40° aniversario de Blue´s instrumentos Musicales

Una invitacion al brindis con Willy Quiroga

Pedro Aznar con Mercedes Onorato y Jota Morelli

Lebón junto a Carlitos Blues y Andrea Alvarez y Daniel Castro

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Luís Salinas, Carlitos Blues junto a Morelli y Gerardo Pricolo

Jota Morelli, Alambre y Cristian Judurcha

Machi Rufino y Rodolfo García

Momento selfie de Coqui Rodríguez y Judurcha

Gracias Carlitos Blues por 40 años junto a todos los músicos!

16 | 40° aniversario de Blue´s instrumentos Musicales

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FENdER pREcisioN amERicaN staNdaRd

Cuenta la historia que, si bien no es el primer bajo eléctrico, es el primero que se hizo en forma masiva. Diseñado por Leo Fender como un prototipo en 1950 y lanzado al mercado en 1951, el Precision fue el primer bajo eléctrico en ganar la atención general. un instrumento revolucionario para la época, este instrumento ha tenido un impacto inconmensurable en el sonido de la música popular desde entonces. Si querés un sonido clásico, el Fender Precision Bass es el mejor instrumento a utilizar. Uno puede tocar copias y otros instrumentos con micrófonos P-Bass y, sin embargo, todavía

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no suenan igual que el original. Tiene ese rugido tan especial que uno lo identifica cuando lo toca. Sus controles son bastante básicos, es agradable la sencillez de los mismos. Si podés tocar el bajo, podés tocar este instrumento, aunque, si tenés las manos más pequeñas, es posible que desees considerar un Jazz Bass, ya que el cuello es más delgado en ellos. Si lo hacés, no tendrás ese sonido P-Bass, a pesar de la calidad.

Su sonido fuerte y construcción indestructible le cambió la cara a la música popular. Los nuevos bajos American Standard Fender Precision son las versiones actuales de los grandes instrumentos de los héroes del bajo del pasado y presente. El Precission Bass original de 1951 compartía básicamente el mismo diseño de la guitarra Telecaster, que había sido presentada por Fender muy poco tiempo atrás, con la diferencia del doble cutaway.

En 1953 el cuerpo del Precision era ya contorneado, para facilitar la comodidad del ejecutante. En 1957 el modelo sufrió una serie de modificaciones importantes que lo aproximaban a la guitarra Stratocaster recién lanzada por la marca; se rediseñaron el cuerpo y el pickguard y, sobre todo, se reemplazaron los micrófonos de bobina simple del modelo original por el actual, de bobina doble. Dos años más tarde, se agregó un diapasón de palo de rosa al mástil de maple, reemplazando el mástil de una sola pieza que había sido empleado hasta entonces, y que, también desde entonces, pasó a ser una posibilidad opcional. Este modelo básico ya no cambiaría sustancialmente hasta nuestros días.

El nuevo American Precision Bass Standard cuenta con el nuevo puente high-mass vintage, un acabado de primera mano más fino, que permite al cuerpo respirar y mejora la resonancia, nuevas clavijas Fender mejoradas que mantienen el look clásico pero son un 30 por ciento más livianas, un diapasón de excelente aspecto de maple o palo de rosa.

CARACtERíStICAS Cuerpo de Alder y cuello de Maple Diapasón: Palo de Rosa (Rosewood) o Maple Trastes: 20 Medium-Jumbo Micròfonos: 1 Precission Bass Standard dividido Controles: Volumen, tono Puente: Estándar de estilo vintage Clavijas: Estándar Hardware: Chrome Longitud de la escala: 34" (864 mm) Ancho Cejuela: 1-5/8" (41,3 mm)

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foto: sandra calandrino

FERNÁNdEz 4

El pasado 21 de diciembre tuvimos la oportunidad de presenciar uno de los dos asombrosos shows que dio esta excelente banda llamada Fernández 4 en La tangente, una banda que esta en boca de todos y cada día crece más y más. Luego del show hablamos con algunos de sus integrantes, aquí está el resultado de esa charla. Por Sergio Resar

Cirilo Fernández (teclados) Cómo nace Fernández 4?

Parte de una necesidad musical/creativa. Mi música empezó a virar de lo exclusivamente instrumental hacia la canción. La banda nace más precisamente en una fecha que

hicimos en Thelonious allá por el 2011 donde lo invitamos a Nico Sorin a cantar unos temas , donde de hecho quedo un lindo registro (busquen Fernandez 4 Slater en Youtube!).

Cómo conocés a los demás integrantes?

Con Nico nos conocimos en Boston. Después de las clases de orquestación y composición clásica contemporánea nos juntábamos en casa con una gran urgencia de tocar punk. Ya de vuelta en Buenos Aires conozco a Mariano Sívori y a Pipi Piazzolla con quienes hubo química instantánea y formamos un trío con el que grabamos el disco Triathlon. A Sebas lo conocí una vez que vino de cambio a Octafonic. Luego me hice fan de Huevo, su banda. por qué entró Sebastián y que fue lo que aportó?

Sebastián tiene el balance justo entre lo groovero, lo roquero y lo jazzero que hay en la música de Fernández 4. Entró para cubrir el rol de la viola que empezó a aparecer en la composición y tomó fuerza propia convirtiéndose en pieza fundamental del equipo. tenés algún método para componer?

Las ideas surgen desde el piano, los embriones musicales digamos. Luego suelo laburar mucho en la compu para después terminar de darle forma en los ensayos.

foto: sandra calandrino

Contanos un poco tu experiencia en Francia En Francia se respira historia y música. Es un lugar súper inspirador. Tuve la suerte de conocer músicos increíbles.

20 | Entrevista a Fernández 4

qué sentiste al ganar el Gardel?

Mucha alegría, orgulloso de haber logrado de alguna manera que trasciendan estas músicas difíciles de catalogar. qué sigue para Fernández 4?

Estamos planeando una gira en Argentina para mayo de este año, veremos. Mi sueño sería poder grabar el nuevo disco en Paris. Vamos a ver si da el presupuesto.

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Daniel pipi piazzolla (batería) Cómo conociste a los demás?

A Mariano Sívori lo conocí a mediados de los ‘90s tocando en diferentes agrupaciones y luego en el año 2000 se incorporó a Escalandrum y nunca más nos separamos, Mariano luego me presentó a Cirilo Fernández y armamos el trío, y simultáneamente me convoca el negro Sorin para tocar en el Sorin octeto. A Lans lo conocí por Cirilo cuando lo invito a venir a tocar con nosotros (creo que antes Lans había estado de invitado en Pájaro de fuego) se me mezclan las épocas. qué creés que le aportó Sebastián a la banda?

Mucho power y creatividad y además creo que liberó a Cirilo y Nicolás ya que piensan mucho y componen desde la viola. Entonces esto le permitió tocar otros ritmos o capas dentro del mismo tema. Además Lans es un tipo fenómeno y gran compañero de grupo.

Compartís otros grupos, con Mariano, cuáles son?

Balduini cuarteto, Escalandrum, Pájaro de fuego+Bianchini, Nicolás Guerschberg trío. que sigue en la vida de pipi piazzolla?

Sacar el CD nuevo de Escalandrum grabado en los estudios Abbey Road de Londres y grabar el CD nuevo de mi trío. Y además tengo muchísimas giras con Escalandrum por Brasil, Centro América, África y Oceanía.

Sebastián Lans (guitarra) Fuiste el último en entrar a la banda, que creés que le aportaste?

Creo que le aporte un sonido más rockero. Siempre me gustó mucho el grupo y sentía que había lugar para una guitarra eléctrica. Hay riffs muy potentes, solos y uso muchos efectos, que suman muchísimo color a la música.

te permiten hacer arreglos o ya te dan todo cocinado?

Cada uno tiene su función en la banda y Cirilo nos da directivas o pautas bastante claras, pero a la hora del vivo hay mucha libertad para la improvisación, creo que ese es el fuerte del grupo. tenés otras dos bandas aparte de F4, cuáles son?

Huevo y Roman.

Cuáles son los proyectos para el año que está por venir?

Con Huevo vamos a sacar un tercer disco y la idea es seguir mostrando nuestra música por todo el país y en países vecinos. Luego con Roman también se viene un disco nuevo y vamos a seguir con un ciclo que hacemos en Santos4040, un lugar tremendo en Colegiales y a aparte tengo ganas de hacer grabar un disco mío en algún momento del año.

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Entrevista a Fernández 4 | 21

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Lito EpumER

Nacido en abril de 1954, Lito Epumer es un conocido músico, compositor y guitarrista argentino de rock, jazz y folclore argentino. De joven formó Madre Atómica con el Mono Fontana y Pedro Aznar, y años después formó Sr. zutano, con Pomo Lorenzo y Juan del Barrio. integró bandas como Spinetta Jade, así como las bandas de Raúl Porchetto, Dino Saluzzi y Rubén Rada. Por Sergio Resar

Contanos un poco qué hacía cuando eras chico?

Mirá, nací en Capital y lo que más recuerdo de chico es que jugaba al fútbol todo el día. Aprendí a decir gol antes que mamá y papá. El fútbol es mi otra pasión. Siempre por acá por el barrio, Villa del Parque, Paternal, Devoto.

Esos son los recuerdos más fuertes que tengo. También se mezclan recuerdos de mi abuelo que era músico, él también era guitarrista. Murió cuando yo tenía 15 años.

Lo recuerdo tocando en las fiestas, para la familia. Él siempre insistía para que yo toque pero yo estaba en mi locura del fútbol. Lo que fue muy loco es que muere mi abuelo y empiezo a tocar la guitarra. Igual me arrepentí no haberle dado bola, porque él era un gran guitarrista de tango y es un género que yo no lo tengo mucho, me hubiese gustado preguntarle cosas.

Cuándo empezó a interesarte la música?

Te diría que a los 12 años, por ahí. En casa había por ahí un disco de Wes Montgomery. Yo lo escuchaba, me encantaba pero no entendía nada. Luego me enganché con Hendrix y los Rolling Stone, no tanto con The Beatles. Con ellos el enamoramiento fue de más grande. por qué elegiste la guitarra como tu instrumento?

Creo que es una herencia. Primero mi abuelo, después mi viejo que fue guitarrista también pero a él le pasó al revés de lo mío. A mi viejo le gustaba el fútbol pero mi abuelo lo obligaba a tocar. Mi viejo terminó dando conciertos de música clásica en Antigua Casa Núñez.

22 | Entrevista a Lito Epumer

Cuando mi abuelo se va con otra mujer de la cual se había enamorado, abandonó a su familia y fue ahí cuando mi viejo pudo dedicarse a lo que realmente le gustaba. Igual se tuvo que poner a trabajar como un loco, más o menos tenía unos 16 o 17 años.

Al principio y sin entender mucho fueron Hendrix y Montgomery pero después, el impacto más fuerte fue John McLaughlin. El sacudón más fuerte en la guitarra fue ese, después vinieron Pat Metheny, John Scofield, etc. Lo que nos pasaba a nuestra generación.

Con quiénes estudiaste?

Con nadie, soy autodidacta. Tocaba arriba de discos. Tuve un solo profesor, que lo recuerdo con mucho cariño. Era profe de música clásica. También era compositor de música contemporánea. Era un personaje total, se llama Jorge y escribió muchas obras. Pero él no ganaba dinero con eso.

Imaginate, le estrenaban una obra en el teatro Colón y el tipo no ganaba un peso. Por eso daba clases a pibes como yo. Ahí también se enganchó María Gabriela, mi hermana que era muy chiquita, tendría unos 6 o 7 años. Con Jorge aprendimos las primeras cosas. En 6 meses ya tocaba Asturias de Isaac Albéniz. Cuando entré a estudiar, no sabía tocar. Pero en realidad me aburría porque yo quería inventar cosas pero el estudio era muy estricto. Pero haberlo hecho me sirvió mucho en el futuro, aprender la técnica.

Formás parte de Madre Atómica, cómo conociste a pedro Aznar y al Mono Fontana?

Al Mono, recuerdo que lo vi sentado en la plaza de Devoto. Yo tocaba siempre con un bajista que creo que ahora falleció, que pertenecía al primer grupo o pseudo grupo que había armado, tanto es así que él me enseñó algunas cosas, en esa época yo tocaba muy poco. Hacía meses que tocaba. Con este muchacho formamos eso pero no teníamos baterista. Justo pasó un chico que yo conocía de vista y le pregunté “No conocés a un baterista?” y me responde, “Si, el Monito, pero es muy chico, creo que tiene unos 12 años”. El Mono en esa época vivía en San Martín y General Paz. Ese chico me pasó el teléfono del Mono. Lo llamé y luego se presentó. Tocaba que era una cosa increíble. Para ese entonces yo ya había dejado el secundario, primero por el fútbol porque no podía entrenar y después dejé el fútbol por la música. Mi viejo me tuvo una paciencia infinita. La historia con Pedro es así. Cuando dejo el fútbol, retomo el secundario en un colegio medio particular, casi era una truchada. Todos los alumnos tenían el pelo largo. Yo en ese momento tenía el pelo por la cintura y no me aceptaban en ningún colegio por eso. Se dio la casualidad que el

Cuál fue tu primera guitarra?

Una de mi abuelo, una guitarra de concierto. Estaba un poco destruida pero la arreglamos. Con esa toqué mucho tiempo. Después una FAIM que me compró mi viejo, no era muy buena pero era lo que había. qué guitarristas te inspiraron a tocar?

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esto siga siendo así en tu grupo”. Así que el Mono no quedó al final. Pedro se va al poco tiempo de la banda de Raúl a tocar con Alas y lo reemplaza Eduardo Criscuolo, amigo mío. Con Eduardo grabamos el disco de Raúl llamado “Porchetto” es en donde está Sentado en el umbral de Dios. Criscuolo engancha con Rodolfo Mederos y estaba de moda eso del guitarrista de rock con el tango, qué sé yo? Y Mederos me llama a mí y yo no

me enganché mucho con lo que hacía Rodoflo en ese momento, así que no fui. Al poco tiempo tocan el timbre en mi casa, cuando se separa Invisible, el grupo del Flaco. Eran Pomo y Machi y me dicen “Nos separamos de Invisible”. Jorge Álvarez, que era un productor de esa época les habló de mí. Y querían hacer una banda. Te la hago corta, Machi vuelve con Luis y yo armo con Pomo Sr. Zutano. Ahí, se incorpora como bajista Frank Ojsterfoto: sandra calandrino

Cuánto duró Madre Atómica?

Con Pedro? Un año y pico. Imaginate el lío que hicimos en ese período. Tengo cada anécdota de esa época. Me toca el servicio militar y yo me hice el loco, me mandan a psiquiatría. En la cola de psiquiatría me encuentro con uno que tenía una pinta… Estaba hecho pomada. Ismael. Ismael organizaba recitales de Invisible (grupo de Luis Alberto Spinetta) en el Teatro Regio en Chacarita.

En esa cola le conté que tenía un grupo. Nos hicimos amigos de la nada, imaginate que estábamos en la cola de psiquiatría en la Colimba y mucho no podíamos hablar ahí. Ese día zafamos los dos de hacer el servicio militar y nos fuimos a tomar cerveza hasta las 12 de la noche.

Yo tenía unos nervios, no quería entrar a hacer la colimba ni loco, yo ya estaba tocando. Un día Ismael me llama y me dice, “Quiero ver el grupo ese que tenés. Como yo hago recitales, me acordé de vos” Y nos vino a ver, sólo escuchó un tema y nos dijo “Paren, paren, ustedes están totalmente locos, qué es esto? Ya hay que organizar algo para que toquen. En esa época había un trío similar, mucho más conocido que nosotros, también instrumental, entonces Ismael nos puso de teloneros de este trío y se armó un lí que ni te cuento. A partir de ahí, el boca en boca en ese momento era terrible, y todos iban a todos lados, todos iban a ver bandas. Todo esto fue en enero de 1975. Al mes o antes, hicimos un Teatro Regio y lo llenamos nosotros solos, unas 800 personas y de ahí no paramos más. Venían a vernos David Lebon, Spinetta, Pomo, los de Alas. Nos conocían todos. Los de Alas después se llevaron a Pedro. Moretto venía siempre a vernos, también Alex Zucker. También nos juntábamos mucho a zapar con ellos.

foto: sandra calandrino

compañero de banco fue Jorge Lencina, que ahora tiene un grupo y canta Blues. Nos empezamos a hacer amigos. Nosotros, con el Mono, nos estábamos quedando sin bajista y Jorge me dice, “Conozco a un chico, el hijo de Pedro, el fiambrero que toca todos los temas de Genesis, de Yes, de Zeppelin, tenés que conocerlo, es un animal tocando. No es bajista, pero bueno, tenés que verlo”. Entonces armamos una cita, nos conocemos y él se copa con nosotros, tenía la misma edad que el Mono, yo era un poco más grande. De tanto reunirnos, Pedro nos dice “yo por tocar con ustedes, toco el bajo”. Es ahí cuando se hace bajista. Igual podría haber tocado cualquier instrumento y bien. Imaginate que la primera vez que vino a la casa del Mono, Pedro vino con una guitarra hecha pomada, la sexta cuerda era una cuerda de bajo y un micrófono. Tocó todo Zeppelin de una manera que no te puedo explicar, tocaba el bajo, hacía los acordes y cantaba. Pero nosotros con el Mono estábamos en una onda más sinfónica, nos parecía como berreta eso, así que lo gastábamos a Pedro. Mirá que estúpidos éramos porque ahora escucho más Zeppelin que antes.

qué siguió después?

Después vino el desmembramiento del grupo. Para ese entonces yo había empezado a tocar con Raúl Porchetto. Éramos muy amigos con Gustavo Bazterrica, que era el guitarrista de Raúl en ese entonces pero lo llama Charly García para La Máquina de hacer Pájaros, entonces me propuso a mí como guitarrista de Porchetto. Después también se engancha Pedro y al poco tiempo viene a probarse el Mono. Fue ahí cuando le dije a Porcheto “Los 3 de nuevo no, ya nos peleamos mucho y no quiero que

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Entrevista a Lito Epumer | 23

foto: sandra calandrino foto: sandra calandrino

sek, un vecino mío, al que yo conocía porque tocaba en Reino de Munt, junto a Raúl Porchetto. Más tarde, llamé a Juan Del Barrio, tecladista del grupo M.I.A., y así quedó conformada esta banda a la que llamamos Sr. Zutano.

Este grupo fue la primera semilla de Spinetta Jade. Luis venía siempre a ver a Sr Zutano. Sabés lo que hacía?

Había vuelto Aquelarre de España y Héctor Starc se

26 | Entrevista a Lito Epumer

había comprado un equipo de sonido y Luis iba de ayudante de Héctor. De paso miraba a todos los grupos. De a poco Luis se fue llevando a todos los músicos de la banda. Pegado a eso me llama Dino Saluzzi.

Cómo fue que llegás a tocar con Spinetta?

En el ’80 me fui a Brasil por un tiempo, unos seis meses,

en el ’81 me fui a Estados Unidos y volví en el ’82. Pedro Aznar ya había sacado su primer disco y forma una banda para presentarlo en el estadio Obras. El grupo era, el Mono en batería, Pedro en bajo, yo la viola, Diego Rapaport y Leo Sujatovich en teclados. Ahí estaba invitado Luis que tocó un par de canciones. Ahí hubo mucho de compartir en los ensayos con él. Ese mismo año armamos un grupo con Oscar Moro y Beto Satragni y grabamos un disco que tocaron todos. Charly, Leo Sujatovich, Lebon, todos. Durante ese disco nos acercamos bastante. En el medio de todo esto, yo empiezo a tocar con Celeste Carballo un año y pico. Paralelo a eso con el Mono y Lucio Mazaira teníamos un trío y tocábamos todos los miércoles en La Trastienda. En un momento Lucio se va y nos quedamos tocando el Mono y yo y empezó a caer todos los miércoles Luis a vernos, a veces se subía a cantar algún tema y un día en los camarines nos encara y nos dice si queríamos ir a tocar con él. Tocar en Jade era como estar en la colimba, ensayábamos unas 8 horas por día de lunes a viernes, así sonaba también. Éramos Pomo, César Franov, el Mono y yo. Luis nos dejaba ser libres a la hora de tocar. Grabamos un disco, Madre en años luz.

Cuando empieza tu etapa solista?

Arranca cuando nos separamos de la segunda formación de Madre Atómica. Ya en esa época de Madre Atómica, ya componía la mitad de los temas, junto al Mono. Y solista empecé a tocar en trío, Jota Morelli, Guillermo Vadalá y yo. Lo que me pasó fue que no había un tecladista que pudiera igualar al Mono, estaba muy mal acostumbrado al Monito. Entonces contacté a un amigo mío de la infancia que toca re bien, que se había ido a tocar tango a Japón, se había comprado una viola MIDI. Y estaba buenísima. Al toque le dije, “No te animás a tocar

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año justo yo estaba tocando en su quinteto. El primero se llamó “Lito Epumer”. Después grabé en 1995: Pasaje La Blanqueada, en el 2002 Nehuen, Dos zorros en el 2004 y en el 2005 Sinfín. qué música escuchás ahora?

Salpicado, no hay un género o un autor que esté siguiendo, me gusta todo pero escucho un poco de cada cosa. De las últimas cosas que fui escuchando y me encanta es el Negro Aguirre, La Fernández Fierro.

Cómo está conformado tu set?

Ahora estoy usando una guitarra PRS 513, que es una guitarra que tiene 13 sonidos diferentes, muy versátil, de 5 micrófonos. Después tengo una guitarra Fender Telecaster del ‘69 que era de María Gabriela, mi hermana, es la guitarra que usaba ella con Charly García, también tengo una guitarra Gibson 345 que es la que usé en las Bandas Eternas que la tengo desde el año 1970. En cuanto a los amplificadores estoy usando un amplificador Mesa Boogie Lonestar Special que es el que estoy usando actualmente en vivo. En caunto a pedales uso pocos, infaltable el pedal RAT, un afinador de TC Electronics y un pedal chorus de Voodoo Lab que era de mi hermana, estaba destruido y lo hice arreglar.

con nosotros?” Y me dijo que sí. Así que la formación era Juan Benítez, el de la viola MIDI, Guille Vadalá, Marcelo Gueblón, un baterista que había estudiado en Berklee, y yo. En ese ínterin, entra Quintino Cinalli, que lo conocía por Jota, que también es de Venado Tuerto como él. El primer grupo donde tocó Quintino, fue conmigo. Guillermo fue un motor de la banda, todos los bajistas lo iban

a ver, además la música estaba buena. Un día me llama Guillermo y me dice “Me llamó Fito Páez” y le dije “Qué le vas a decir que no a Fito? Andá, te felicito”. Pegado a eso entra Javier Malossetti de bajista mío.

Cuándo salió tu primer disco solista?

Salió en 1992, lo saca Ciclo Tres de Lito Vitale. En ese

qué vas a hacer en el 2018?

Tengo proyectado para el 2018 muy intenso, la idea sería la de grabar con las tres agrupaciones que tengo en este momento, por una lado Jaguar, por el otro el trío con Machi y Judurcha y con el cuarteto. También tengo proyectado realizar algunas presentaciones en vivo. Con Juagar ya empezamos. El 23 de enero tocamos en el Konex, que es el día del cumpleaños de Spinetta y también el día del músico argentino.

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Entrevista a Lito Epumer | 27

muEstRa música 2017 Esta muestra reúne a los principales fabricantes relacionados con la producción de equipamiento musical de todo Sudamérica. Luthiers de instrumentos eléctricos y acústicos, fabricantes de amplificadores, micrófonos, efectos, estuches, fundas, correas, soportes, baterías acústicas y electrónicas, percusión, vientos, estudios de grabación, discos, escuelas de música, y accesorios varios.

Con más de 150 expositores, se ha convertido en la exposición de música más importante de Sudamérica. Este proyecto surge a finales del año 2008. Muestra música! es un evento anual que nació en la ciudad de La plata, cuando un grupo de músicos muy inquietos se reunieron con la finalidad de conseguir un salón para así poder generar un espacio donde pudieran poner el equipamiento musical personal a disposición de la gente, y que ésta pueda probarlos, tocarlos y experimentarlos. Más de 50000 personas concurrieron este año y hubo eventos en vivo y charlas y clínicas para los presentes. Se armaron dos escenarios, uno al aire libre, en el cual tocaron el día 9 Deborah Dixon & La Fundación De Funk, Octafonic, Celeste Carballo, Lo' pibitos. En el escenario Café Concert: pablo porcelli Ensamble, támesis, pájaro de Fuego, Club de Blues Local (La plata) y

El stand de LM Luthier

28 | Muestra Música 2017

En los días 9 y 10 de diciembre del corriente, el predio ferial de La Rural en el barrio de palermo, de la ciudad de Buenos Aires, se preparó para recibir a “Muestra Música” en su octava edición. Por Sergio Resar - Fotos por gerardo pricolo

Gillespie. El día 10, al aire libre tocaron: Colectivo Bateristas, Araujo & Alambre, Mustafunk, La Mississippi para cerrar con una gran zapada. El el Café Concert: El espejo que tiembla, Jaime torres, Marilina Bertoldi y Malosetti 4tet. Las clínicas dictadas en el Auditorio CAFIM estuvieron a cargo de Clínica Cincinnati Washboard de la Escuela de Blues, por Luciano pellegrini. Electrónica aplicada a guitarra eléctrica por Galasso. 15 claves fundamentales para difundir tu música en youtube por Mario Freiria. Herle: presentación de Bajos eléctricos. Willy Luthier con la presentación del picollo Bass Juan pablo Rufino Signature (Juan pablo Rufino (Rufa) y Brenda Martin (Eruca Sativa)). Clinica Jorge Araujo. Frugoni Guitars y Amplificadores LHC con la Clinica sobre Amplificadores y Guitarras para sonidos de Blues (Rafael Nasta).

Algunos de los expositores que mostraron sus productos fueron: Magma Music SA, Memphis Guitars, Medina Artigas SA, Solidrums, Legend Drums, DB Drums, KW Cables, zz percusion, DS pickups, Nigrelli Guitars, Rackear, El peñon Hardware, Hecos Accesorios, Maese Luthier.

En el stand de Diliberto Pickups

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Imposible no detenerse en el stand de Versace Guitars

Stand de Pirate Black Amps

Stand de GM Luthier y todas sus propuestas

Stand de Pérez Martinez Luthier

Probando pedales en Vitrolux

30 | Muestra Música 2017

Stand de Yaeltex

En el stand de Lojo Guitars

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Asombroso stand de Medina Artigas

En el stand de los Amplificadores LHC

Coloridas propuestas de Correas Magma

Interesantes bajos de Daniel Fernandez Luthier

32 | Muestra Música 2017

En el estan de Efectos Cluster

DS Pickups con una fuerte presencia en feria

Pedales Estrella Roja y un sinfin de posibilidades sonoras

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NuEva LíNEa dE pEdaLEs FuhRmaNN

Probamos los nuevos pedales Fuhrman. Con un nuevo diseño mucho más compacto y una nueva tecnología la marca Fuhrmann presentó tres nuevos modelos “Myth of Tones”, “Echoes” y “Reverb”. El pedal dorado “Myth of Tones” es un doble overdrive con muchas posibilidades, desde sonidos crunch hasta high gain. Lo interesante es su similitud al sonido valvular, principalmente el sonido “ingles”. El canal uno, tiene tres perillas: “Level” regula la cantidad de volumen, “Tone” la cantidad de tono y “Gain” regula la cantidad de ganancia que ofrece el canal. Además tiene un swith llamado “Mode” que le otorga una frecuencia media/aguda ideal para obtener un sonido diferente, principalmente cuando usamos ambos canales.

El segundo canal es igual al antes mencionado pero independiente, es decir tenemos dos overdrives en un mismo pedal y pueden sumarse. Usar el canal uno para bases y el canal dos para solos, por ejemplo. Usando solamente un canal, ajustando al “gain” casi al máximo conseguimos el “ronquido” de amplificador valvular; lo que ya hace este pedal muy interesante. Particularmente me gusta mucho este pedal por el simples hecho de sonar muy “orgánico”. ¡El modelo Echoes es visualmente hermoso (azul marino brilloso) y sonoramente fantástico! Es un delay con tap tempo (podes elegir el tiempo de las repeticiones, tanto en negras como corcheas con puntillo).

Cuenta con las perillas: “Level” para ajustar el nivel de efecto, “Time” ajusta el tiempo del delay, “Filter” ajusta el filtro del efecto, “Feedback” ajusta la cantidad de repeticiones. Lo genial de este pedal es la opción de 3 tipos de delays: Digital, Modulado y analógico. Obteniendo así sonidos desde vintage hasta los más actuales y algunos futuristas. Es un pedal muy necesario para el guitarrista contemporáneo que quiere tener un sonido moderno con nuevas posibilidades sonoras. El tercer modelo “Reverb”

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es de color plateado verdoso, posee cuatro perillas “Level” sirve para ajustar el nivel de la reverb deseado, “filter” para ajustar el filtro del efecto, “time” para ajustar el tiempo y “mode” para ajustar el modo del reverb, que son tres: Spring, Modulated y Shimmer. Este pedal es uno de los más completo reverbs que he probado, principalmente por la opción “shimmer”, ya que en el mercado solo existen dos pedales Norteamericanos que tienen ese tipo de

reverb tan particular. Otro atributo que tienen los pedales Fuhrmann son su construcción rígida de metal, lo que hace de estos pedales ideales para los músicos que usan para sus giras y necesitan transportarlos seguidamente.

Conclusión: Es una muy buena inversión en tu “gear” tener alguno de estos pedales, ya que te ofrecerá un sonido profesional y original para sumar a tu audio.

Nueva línea de pedales Fuhrmann | 33

tc ELEctRoNic ditto LoopER Con todos los pedales de looper complicados, ¿no sería bueno volver a lo básico? Con TC Electronic seguro que es así. Por lo tanto, hicieron lo que podría ser el pedal de bucle de guitarra más simple y fácil de usar.

Los pedales de looper de guitarra, aunque aparentemente bastante simples en concepto, tienen una sorprendente gama de usos. Cuando estás componiendo riffs y canciones, son geniales para trabajar con partes nuevas, armonías y solos de guitarra. En situaciones reales, podes superponer algunas armonías. Debes tratar de hacer un ciclo rápido de una progresión de ritmo repetitivo en una canción y lanzar algunos deliciosos licks sobre ella antes de pasar a la siguiente sección. Cosas divertidas.

En serio, no es mucho más simple que esto. Simplemente conectá tu guitarra. Conectá el TC Electronic Ditto Looper a un amplificador y estarás listo para comenzar a hacer loops. Comenzá con algunos ritmos simples y obtené un poco de ritmo. Una simple presión del conmutador del pedal, y el TC Electronic Ditto Looper comienza a grabar. Al presionar el interruptor nuevamente, se reproduce el ciclo. Así de fácil. Este sorprendente TC Electronic Ditto Looper te permitirá crear paisajes sonoros enormemente grandes. Bastante sorprendente por su tamaño diminuto. Experimentar con diferentes tonos en todo el espectro de frecuencia te permite sumergir a tu audiencia en un mundo de sonido. Con un poco de práctica, crearás obras maestras de sonido sobre sonido. Ningún otro pedal de loop lo hace tan fácil como este. A pesar de que este pedal es solo mono, no estéreo, es perfectamente adecuado para usarlo frente a efectos estéreo como chorus, delay y reverb. Gracias al procesamiento de audio sin comprimir de 24 bits, podés superponer 23 loops sin pérdida discernible de calidad de reproducción. El TC Electronic Ditto Looper está construido con los mismos altos estándares de calidad que el más costoso pedal de TC Electronic. Tiene un bello ajuste y acabado, y cuenta con componentes de primera calidad y conmutación suave al tacto. La integridad de la señal se mantiene gracias a la tecnología DAC de 24 bits. Las conexiones incluyen un conector mini USB para recibir actualizaciones de software del sitio web de TC Electronic, y un conector para una fuente de alimentación de nueve volts, no incluido. El TC Electronic Ditto Looper no funciona con baterías, pero los adaptadores de nueve voltios de Dunlop, Boss y otros funcionarán perfectamente.

CARACtERIStICAS País de origen: Tailandia Dimensiones: 41.9 x 30.5 x 92mm Salidas disponibles: Jack de 1/4 pulgada Entradas disponibles: Jack de 1/4 pulgada Caracteristicas: 5 minutos de tiempo de loop Conexión USB para actualizaciones de firmware Tipo de batería / adaptador: Adaptador DC Velocidad de bits de muestra / loop: 24 bits

34 | tC Electronic Ditto Looper

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guitaRRa

Por Daniel Corzo

FRASES ChORD-MELODy (PARtE Vi) Cerramos el año 2017 con este artículo en el que les presento 3 nuevas frases chord-melody (de resolución). En los ejemplos 1 y 2 la progresión es V-i en Do mayor y he utilizado el acorde disminuido como sustituto del dominante.

El carácter simétrico del acorde dim7 nos permite moverlo por terceras menores como en estos casos lo cual es muy útil en este tipo de concepto. Si observas la línea melódica (plica hacia arriba), estas notas conforman la escala disminuida. En el ejemplo 3 presenta la progresión II-V-I en modo menor. Observa las inversiones, posición melódica y sustituciones usadas y si algo no entiendes o necesitas ampliar la cuestión teórica, házmelo saber para que lo desarrollemos en artículos futuros. ¡Que todos terminemos el año de la mejor manera y que el comienzo del 2018 sea todo lo bueno que estás esperando!

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Suplemento técnico | 35

Bajo

CÓMO ELEgiR uN BuEN BAJO ELÉCtRiCO Basados en criterios y prioridades que están “patas para arriba” a la hora de decidir qué bajo comprar, quiero darles una lista desde los aspectos más y menos importantes a la hora de elegir un bajo eléctrico. Por igor Saavedra

1) precio: Lo primero definitivamente es el precio, y lo digo en el sentido más práctico de todos. “Uno sólo puede adquirir algo para lo cual tiene el dinero”, por lo que toda la búsqueda de un instrumento debiera circunscribirse a las posibilidades económicas del comprador. No sacamos nada con mirar como gato en la carnicería algo que aún no vamos a poder comprar, y este criterio no sólo incluye una compra al contado, sino que también hasta dónde uno va a decidir endeudarse.

2) Sonido: Una vez establecidos nuestros límites adquisitivos lo que sigue es una búsqueda realista de nuestro instrumento soñado en la que deberemos probar todo lo que pase por nuestras manos y elegir los instrumentos que suenen mejor de acuerdo a nuestros gustos y expectativas.

3) Comodidad: Ya sabemos cuáles Bajos suenan según nuestro gusto y preferencias sonoras, entonces es el momento de ver cuáles de ellos son “ergonómicamente aceptables”. Dentro de esta categoría es bueno mencionar algunas subcategorías, como son el balance, el peso, la forma del dorso del cuerpo del instrumento que es la zona que hará contacto con nuestro abdomen, el grosor del mástil, el calado del mástil para la zona alta o “aguda”, la separación de las cuerdas, la escala (33 1/2”, 34”, 35”, etc...).

4) Construcción: Una vez teniendo ya claro cuáles Bajos podremos comprar suenan bien y nos acomodan, tenemos que verificar que el instrumento esté bien construido.

Para esto deberemos poner atención “antes que todo” en el mástil y la entrastadura (obviamente en un fretless ese no sería un punto de atención). La entrastadura debe ser uniforme y precisa, y lo positivo es que con las máquinas CNC que se utilizan para hacer los instrumentos en la actualidad la mayoría de los instrumentos vienen de bueno para arriba, por muy baratos que sean. Otro punto importante es la calidad de los accesorios (ojalá no tenga piezas clave de plástico, como por ejemplo la nuez o cejilla). También es mejor que en los bajos que no son headless el acceso al alma (truss rod) esté en el cuerpo y no en el clavijero ya que de esa forma es mucho más fácil acceder a ella sin tener que apartar las cuerdas o tener que estar sacando tornillos y tapitas. Es debido a esto que inventé el sistema RTA en mis primeros Bajos de 8 cuerdas (que no son headless) y se acabó el problema.

5) terminaciones: Este aspecto se relaciona con la estética y la construcción, ya que puede haber un hermoso y bien construido Bajo que a la vez esté muy mal terminado, y un Bajo feo bien construido y con terminaciones impecables. Vean si todos los tornillos están bien instalados (puente, clavijas, micrófonos) ya que a veces vienen sueltos o desalineados. La pintura y el lacado deben ser uniformes en color y textura, los bordes de los trastes deben ser suaves, ya he visto bastantes amigos cortarse los dedos con los bordes filosos de la entrastadura. Si la madera tiene una terminación natural, ojalá no haya nudos grandes y poco estéticos en lugares muy visibles o que estén sujetos a soportar fuerzas específicas. Los carros de los puentes también tienen tendencia a ser filosos, por lo que hay que fijarse en ese aspecto. Finalmente, es importante ver que no tenga ningún golpe, raspadura, rasguño o hendidura.

6) Madera: Aunque este factor incide mucho en el peso y en todos los criterios ya mencionados y por mencionar más adelante, también incide enormemente en la durabilidad de un instrumento. Una madera de buena calidad como el Arce (Mapple), el Fresno (Ash), el Nogal (Walnut), el Palo de Rosa (Rosewood), el Ébano (Ebony), la Caoba (Mahogany) y algunas maderas africanas como el Wenge y la Bubinga, tendrán la tendencia a ser más durables y estables. Con estables me refiero a su rigidez y su menor tendencia a hincharse, humedecerse, resquebrajarse, torcerse (sobre todo el mástil que debe ser ajustado cada vez que esto pase). Con durables, obviamente me refiero a su resistencia al uso y a cualquier tipo de accidentes y a su capacidad de mantenerse en su lugar a

pesar de los cambios climáticos, sobre todo en el caso de los músicos que viajan mucho.

7) Electrónica: Habiéndoles ya gustado cómo suena el instrumento, lo primero en lo que deben fijarse es que el Bajo no tenga ruidos extraños, como por ejemplo ruido de tierra, que se escucha al sacar las manos de las cuerdas o cualquier objeto metálico del instrumento aun cuando se esté en un lugar que tiene las conexiones a tierra bien hechas. Otro ruido molesto y poco auspicioso es el de Hum (Zumbido), que es generalmente producido por el poco delimitado campo magnético de las cápsulas, ya sea debido a un mal blindaje o a un mal cálculo eléctrico, este ruido también es llamado ruido de retroalimentación y se acentúa cuando acercamos los micrófonos del instrumento a un transductor activo o de salida (vale decir el parlante por el cual están sonando). Hay algunos ruidos que son difíciles de verificar al momento de la compra, como por ejemplo el blindaje para frecuencias de radio AM-FM, (siempre recuerdo por allá por el año 1989 en el que un par de veces se metió por mi Bajo la radio más popular de la ciudad). La ganancia es también importante, un Bajo que suene muy despacio no es recomendable.

Revisen bien los potenciómetros girándolos para ver si funcionan y si presentan ruidos extraños. Finalmente es bien típico ver en los instrumentos de este tipo (sobre todo los más baratos) problemas con los conectores, así que introduzcan un buen cable y muevan el conector que entra al instrumento y observen si ese movimiento genera un golpeteo o cualquier tipo de ruido.

8) Diseño: Para qué estamos con cosas, este criterio es también importante y ahí cada quien verá, pero en mi opinión jamás debiera anteponerse a ninguna de las variables anteriores. Habiendo ya considerado los aspectos más importantes, obviamente deberemos elegir el Bajo más lindo que podamos, pero quien elija su instrumento fijándose primero en este aspecto, estará haciendo lo mismo que hacen algunas personas al elegir un automóvil, y quien no lo ha visto. ¡¡Qué Km/Lt, HP, Torque, Radio de giro, Centímetros cúbicos, Cubicaje del maletero, sistema de frenos ni que ocho cuartos, lo más importante es que sea bonito y de un color agradable.., con un instrumento musical muchos caen fácil y seguidamente en ese mismo patrón superficial de comportamiento.

9) Marca: En alguna medida la marca será sinónimo de garantía, en el sentido que será mucho menos probable que ocurra algún tipo de falla en un Bajo de una marca de mayor prestigio, aunque la excepción siempre justificará la regla. También, y en otro sentido, una buena marca tiene mayor tecnología asociada, lo que generalmente propende a una mayor calidad (aunque no siempre). Nótese que recién vengo a fijarme en la marca prácticamente al último.

10) Reventa: Este punto está directamente ligado al aspecto de la marca, aunque no siempre, y es por esa razón que lo he colocado por separado. Hay buenas marcas que tienen mala reventa porque la gente no las conoce, y marcas de inferior calidad que tienen una mejor reventa por el hecho de ser conocidas, así que ojo con este punto. En resumen consideren qué tan bien se puede revender la marca que están adquiriendo.

Un consejo final es el de fijarse en todos los detalles y tomarse todo el tiempo necesario a la hora de ir a comprar un instrumento. Sean acuciosos y no dejen que el vendedor los apure. No pierdan su tiempo en la tienda poniéndose a tocar los trucos que se aprendieron en la semana para tratar de impresionar a los de la tienda o a alguien que vaya caminando por ahí, y mejor utilícenlo en el análisis de todos los detalles que les he mencionado para efectuar una buena elección, antes de que el vendedor llegue y les diga: “Ya amigo, estás listo supongo, veo que estás tocando muy fuerte y hace mucho rato y tengo otros clientes que atender”. Este “detallito” puede ocasionar que se terminen comprando cualquier porquería para salir del paso.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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pRoducciÓN

tiPS DEL PRODuCtOR La importancia de generar Branding en torno a tu imagen como músico.

Esta es una historia que se repite una y otra vez... Por Julio Elorza

Te levantás con la prisa cotidiana y mirás la viola, el bajo o la Bata junto al atril que ya tiene sus hojas manchadas y con arrugas, mientras se mezclan en tu cabeza los recuerdos y sonidos de otro ensayo junto a los ruidos callejeros que se cuelan en tu pieza, (anoche convertida en un estudio para la banda). Tomás un par de sorbos de mate y decides robarle dos minutos a tu salida apresurada hacia el laburo para recordar “Da capo al fine” lo bien que se la pasaron ayer. Y apostándote perder el primer tren decides darle un par de vueltas más a esa frase que improvisaste y que se quedó atrapada en tu cabeza Justo al momento en el que pisaste a fondo el pedal de volumen y te adueñaste de la Coda solo para vos. Vaya extasis.. Que perfección. Parece que finalmente después de tantas horas de trabajo sentís que ha llegado el momento de sacar tu música de allí de la habitación donde duermes tus sueños de arte para que otros escuchen lo que eres capaz de hacer. Sentís que ha llegado la hora de cambiar esas paredes por unas buenas tablas debajo de los pies y que quizás es el momento de cambiar aquel velador de 40 watts por el seguidor del teatro y los colores de los Cue que el luminista ha diseñado para vos. Ha llegado el momento.. Si Ha llegado.. ¿Pero que hacer?

Muchos piensan que el siguiente paso es lanzarse a la calle desesperados a ofrecer su trabajo al primer bar donde los dejen tocar, corriendo el riesgo de que los resultados sean muy frustrantes e inconvenientes, y que terminen lanzando al traste cientos de horas de dedicación y esfuerzo. En mi columna de la edición número 58 de la revista Guitarristas y Bajistas.ar hago una exposición de lo que lamentablemente ocurre en buena parte de los locales donde se presenta música en vivo en la ciudad de Buenos Aires. Y donde entablo una polémica denuncia de los abusos y malos tratos que reciben los artistas emergentes por parte de los propietarios y/ò programadores de estos lugares que se aprovechan del entusiasmo y el afán que razonablemente tienen por hacerse populares. Particularmente pienso como profesional del Management de artistas y como productor de espectáculos, que el músico tiene fases de su carrera que tomar en consideración como requisitos previos para calificar al éxito y las cuales se pueden desarrollar desde el primer momento en que acaricia la intención de ser profesional. Aunque resulte un poco rudo como definición no deja de ser una realidad que un artista musical profesional es un producto que va a entrar a competir por un lugar en el mercado.

Tan solo hace cuatro años atrás, en el año 2013 un estudio reveló que la ciudad de Buenos Aires ocupó uno de los primeros lugares en el Ranking de las ciudades con el mayor consumo de contenidos culturales a nivel mundial. Este dato si bien resulta muy interesante y halagador para los argentinos, representa un verdadero reto para los artistas y sus promotores. Ya que expresa lo complicado y complejo que puede ser la batalla para lograr el ingreso y posicionamiento de sus trabajos entre esta colosal competencia. Y que esta tarea necesariamente debe confiarse a las manos de un Manager profesional. ¿Cómo puede contribuir el artista con esta demoledora y titánica tarea?

Lo primero que yo recomendaría es entender que la labor profesional de un Manager es muy compleja y que no se limita a la actividad del Booking. La responsabilidad de un Manager profesional es la de construir una imagen en torno al artista y mercadearla. Por lo que considerar su selección y contratación es imprescindible. Es importante también mencionar que el artista a quien representará un Manager debe contar con un grado de madurez personal y profesional que le permita entender que en oportunidades este personaje podría tocar su sensibilidad. Ya que su visión y sus estrategias de negocios podrían contrastar con algunos criterios de imagen preconcebidos por su representado sin

que signifique necesariamente que en algún caso se trate de una actitud invasiva o de algo personal. Una vez que el artista o la agrupación definen su género musical y su estilo, debe aprovechar cada actividad que realice a diario para generar elementos que faciliten el desarrollo de contenidos gráficos y audiovisuales para que llegado el momento, el Productor o el Manager que se contrate se haga cargo de construir su Branding y pueda llevar a cabo con éxito la misión e darlo a conocer. Es muy importante que se comprenda también que como en todo negocio donde se aspira a ganar dinero, debe invertirse dinero. Es por ello que necesariamente hay que disponer de recursos económicos para ser invertidos en vestuarios, fotografía, videos y sonido los cuales deben ser extremados en términos de calidad cuidando muy celosamente los aspectos de locación, vestuario, imagen personal, etc. Es imperativo suprimir el uso inadecuado de las redes sociales del artista con asuntos personales y de temas que no tengan que ver con su carrera. Como por ejemplo contenidos con tendencias de inclinación política, fanatismos deportivos o religiosos. Y es imprescindible disponer el manejo de estas redes manos de profesionales llamados Comunity Managers. También debe evitarse subir videos a las redes sociales tomados a partir de celulares y con deficiencias de audio. (Esta es una pésima práctica que resulta muy contraproducente).

El Artista debe comprender además: Que dependiendo del estilo musical que elija para su carrera sus resultados serán diferentes. Ya que los géneros musicales más populares son aquellos que llegan al público a través de la radio y otros medios de comunicación.

Por lo que mal podría pretender que si elige ser músico de Jazz o de Funk tendrá la misma cantidad de seguidores que un artista POP aunque invierta millones. Y esto no es imputable a la pericia profesional del Manager que contrate. El otro tema importantísimo es definir un nombre artístico adecuado. Como Manager me ha tocado que afrontar este tema con algunas agrupaciones ya que eligen dar nombres que no son tomados en serio por nadie. Hay que ser muy estratégico en este punto ya que esto podría ser definitorio del éxito o no de la introducción de la banda en el mercado dependiendo del target al que desean llegar. De la misma forma el artista puede contribuir con su representante invirtiendo en la contratación de un diseñador profesional para desarrollar un logotipo que facilite la gestión de contenidos gráficos. Utilizando elementos que no carguen ruidosamente las composiciones y que sean fáciles de leer e identificar. Esto influirá de manera contundente a desarrollar una alta recordación del artista ante su público.

Por ultimo desearía mencionar lo siguiente: Existen hoy día muchas facilidades para que un artista o una agrupación graben sus discos y los publiquen en plataformas de comercialización On line. Esta práctica se está viralizando entre los músicos sin tener en cuenta que al no tener una corriente de seguidores previamente construida este dinero invertido no llegará a ningún beneficio excepto la satisfacción personal de haber grabado un CD. En este caso yo recomendaría dejar esta actividad para luego e invertir ese dinero prioritariamente en construir contenido audiovisual de alta calidad para desarrollar un Branding efectivo lo cual será siempre la mejor inversión. Los Cd´s siempre se grabarán a su hora. Recuerden que no por mucho madrugar amanece más temprano.

Pueden escribirme a mi correo elorza.jazz@gmail.com para compartir sus experiencias y hacer sus consultas. También me pongo a sus órdenes si desean llamarme telefónicamente para presentarme sus propuestas las cuales con mucho gusto conversaré con ustedes. Pueden hacerlo a través de los contactos de Avila Entertainment Group que se decriben en nuestra publicación dentro del contenido de la revista.

Julio Elorza es productor ejecutivo de Ávila Entertainment Group. Creador del Caracas Jazz Festival y manager /productor de artistas de gran trayectoria como Maycown Reichembach, Quantum Orquestra, Eros Ramazzotti´s Cover Band, entre otros.

Contacto: AEG.argentina@gmail.com

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AtONAL FuNk RuLES En esta columna voy a mostrarles la estructura del tema llamado “Atonal Funk Rules” que pertenece a mi nuevo álbum “way From home”. Por Maycown Reichembach

Contiene básicamente tres partes, la primera bien Funk/rock, luego una parte más latina y por último la parte atonal. Atonal se refiere porque esa parte no tiene eje tonal, es decir, las notas se mueven por una serie armónica indefinida, ninguna nota ejercerá atracción sobre cualquier otro sonido de esa serie, no confundir con Dodecafonismo que si tiene una serie armónica. El resultado es una sonoridad muy particular, y muy poco usada en la música popular divido a su complejidad, más aún si pensamos en la parte rítmica fue escrita para causar la misma expresión. Si quieren escuchar la música ingresen a mi canal www.youtube.com/maycown donde encontraran el video de la obra mencionada. Éxitos y bendiciones para este nuevo año. La batería de esta obra musical fue grabada por el multipremiado baterista Simon Phillips.

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Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

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2 LiNE y ARMÓNiCOS OCtAVADOS En esta nueva lección me gustaría proponerles una técnica innovadora que se me ocurrió hace poco tiempo y que conjuga 2 line (una idea de Jimmy wyble) y armónicos octavados. Por Juampy Juárez

Se pueden combinar armónicos en las cuerdas graves mientras tocamos notas comunes en las cuerdas agudas, o viceversa. Yo elijo tocar con púa y dedos, es decir técnica hibrida, pero también se pueden usar solo dedos de la mano derecha. Para hacer armónicos octavados lean la columna del número anterior de la revista, básicamente usan índice y anular de la mano derecha mientras las notas comunes van con la púa, o el anular para notas comunes y armónicos en las cuerdas graves con el pulgar y el anular derecho. Con estas ideas pueden hacer intros, finales, chord melodies, melodías armonizadas, y solos.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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ESCALAS PENtAtÓNiCAS SOBRE EL iNtERCAMBiO MODAL Me gustaría abordar el tema de “intercambio Modal” pero hoy les propongo verlo desde un punto de vista más “guitarrístico”. Por Arturo Mawcinitt

Empecemos por definir el Intercambio modal, que no es otra cosa mas que el intercambio de acordes y sus usos, entre los diferentes modos griegos. Para este ejemplo usaremos el modo jónico y el modo Aeolian.

Ejemplo 3 - Misma situación, substituyendo el 4to grado de la escala mayor, ahora por el 6to grado mayor séptimo de la escala Aeolian, por supuesto debes cambiar de escala mayor a menor cuando usas este modo.

Ejemplo 1 - Esta es una progresión básica, tenemos una linea de acordes muy sencilla Imaj7,IVmaj7,V7. Como puedes observar en la partitura, la línea melódica es muy simple y se desarrolla completamente tonal empatando perfecto con el jónico, (1ra pos.Penta en Am 8 que es el 6to relativo de C mayor).

Ejemplo 4 - No solo usaremos una substitución, si no una adición de acordes que son: Bb7 y sumando ahora el Abmaj7 , ambos acordes del Aeolian, por supuesto deberás también en este ejemplo, cambiar de escala.

Ejemplo 2 - Podrás observar como el 4to grado es menor 7, el cual tomamos del 4to grado del Aeolian, que en este caso tiene la calidad de menor. podrás notar como la escala cambia de mayor a menor y ese es el toque mágico que le da el Intercambio Modal.

Amigos, hasta aquí mi columna, para cualquier duda o simplemente saludarnos busquenme en Facebook como: www.facebook.com/Gtr.Mawcinitt/ y en Instagram como Arturo Mawcinitt, nos leemos en la próxima.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

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Bajo

VARiABLES SiNCOPADAS en esta oportunidad les voy a compartir una variable que hice del groove principal del tema kuru/speak like a child de Jaco Pastorius. Por Nicolás Migliavacca

Mi consejo es que si bien lo escribí en negras 190 puedan marcar con el pie en blancas, de esta manera tendrán más aire y el toque va hacer más flexible y articulado.

Luego de esto intenten encontrar sus propias variables manteniendo una constancia en la ejecución y si se graban mejor aun !

Nicolás Migliavacca es bajista, docente, sesionista.

Se inicio sesionando para David "Pitufo" Ros (Ex abuelo de la nada), trabajo junto a Edu Giardina, German Damianich, Sebastian Persini, Mariano Vega, entre otros. Actualmente trabaja junto a su novia en "Anto Francesca" y en Maycown Reichembach Group.

Mas info: Fanpage/Youtube

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mi ExpERiENcia coN guiNga

Siguiendo las columnas anteriores, donde conté un poco mi experiencia de tocar, compartir escenario y/o tener algún contacto con algunos de los artistas más respetados del planeta como Frank Zappa y Alain Caron; en esta edición voy a contar como fue compartir un concierto con el guitarrista y compositor Guinga. Guinga es actualmente considerado por la crítica especializada internacional uno de los compositores más prolíficos de Brasil. Un guitarrista único, con más de 15 álbumes grabados en el exterior, después de haber girado por todo el mundo y haber influenciado a algunos de los guitarristas ( guitarra de nylon) más importantes de la actualidad, como Yamandú Costa y Marcus Tardelli. Todo comenzó cuando me llamaron para orquestar una obra sinfónica del compositor Entrerriano Guillermo Zarba, donde fue creada una orquesta con músicos de la Sinfónica Nacional y miembros de la Orquesta Estable del Teatro Colón, la misma tuvo su estreno en el Teatro Coliseo de la Capital Federal. Dicho concierto resulto en la invitación de la embajada del Brasil en Argentina, para realizar un concierto junto al renombrado artista Brasileño Guinga. Yo lo conocía a Guinga por las revistas Guitar Player ya que siempre fui un coleccionador y él siempre era noticia ya como además de su obra, muchos artistas de renombre hablaban de él. La música de Guinga es una mezcla entre ritmos brasileños y armonías complejas que llevan desde Debussy, Ravel hasta el atonalisto de Schönberg y la música de Guillermo Zarba (artista al cual yo acompañaba) era de similares sonoridades pero con el folclore Argentino muy presente.

Realizamos el concierto en el teatro "25 de Mayo" de Villa Urquiza-C.A.B.A. a sala llena. Pero lo más gratificante que me llevo, fue el aprendizaje en el backstage, donde entre

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conversaciones que tuvimos (y ser el único que dominaba el idioma Portugués), conocí a un ser totalmente enamorado del arte, con un lenguaje corporal y lingüístico fuera de lo común. Él no podía dejar de emocionarse cuando tocaba, realmente inspirador, e imposible no sentir un poco de lo que él transmitía en ese momento. además

claro de toda la información técnica del instrumento que solo un artista de ese nivel, es capaz de ceder a este simples loco apasionado de la música. Espero que les haya gustado, nos vemos en la próxima edición donde contaré otras historias interesantes. ¡Namaste! por Maycown Reichembach

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paBLo caRvaLho y su pavaguitaRRa

La Pavaguitarra surge como un juego sonoro lúdico. Es una especie de guitarra de una sola cuerda, que combina características de construcción y ejecución de la Cigarbox Guitar (Usa)el Birimbao (Brasil) y la caja Chayera (Argentina). Al ser un instrumento sin divisiones de tono y semitonos establecidos, permite al músico que la interpreta conectar directamente con el sonido de sus entrañas, sin ornamentaciones de la música académica formal, logrando un viaje a la vibración cósmica del sonido y el ritmo ancestral. Su caja de resonancia está construida con una “Pava” para lograr un sonido y estética exótica, además de ser un objeto relacionado directamente con nuestra tradición argentina. Su técnica de ejecución está basada en la pulsación de la cuerda con un Shaker (reemplazando a la púa), logrando un acompañamiento de percusión en simultáneo con las líneas melódicas tocadas. Las diferentes notas se digitan con técnica de “Slide” en mano izquierda.

Al ser un instrumento rítmico/melódico nos permite ejecutar una gran variedad de ritmos (rock, funk, chacarera, buleria, bahion, capoeira, bagualas, etc) y en su versión electroacústica se la puede conectar a diferentes pedales, amplificadores, como una guitarra eléctrica normal, ampliando ilimitadamente las posibilidades sónicas. Actualmente tengo dos modelos de Pavaguitarra, la acústica y la electro acústica, esta última viene con un mic. de bobina simple y pote de volumen. El modelo puede tener una o dos cuerdas. La idea de este instrumento es que el músico se encuentre consigo mismo en la vibración más íntima y primitiva de su ser tan solo con una cuerda sonando. En la última visita de Steve Vai a la Argentina pude construir y regalarle una Pavaguitarra con la que toco brevemente en el saludo final del show en el Luna Park. Pavaguitarra también es el nombre del microprograma de radio que conduzco los jueves a las 11:50 hs. por Radio Caput,

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siendo la improvisación con el instrumento y la comunicación a través del sonido con la audiencia el eje principal del programa. Lo rustico en la construcción del instrumento invita a que cualquier persona pueda construirla y sentir el sonido que vive en su interior.

Videos - Steve Vai y su pavaguitarra https://youtu.be/3QtlCBHuapc

Videos - que es la pavaguitarra? https://youtu.be/sD9JNzn5ZWs

Contacto: pablocarvalhoguitarra@gmail.com Cel. 15 6173 8805

Videos - En el programa de Diego Mizrahi https://youtube/RT0hcmHunM8

Pablo Carvalho y su Pavaguitarra | 45

pauL REEd smith 513

Originalmente es un instrumento que salió a la luz en el 2007, y actualmente sigue siendo muy fuerte hoy en día, y es un buen ejemplo del cableado experimental de PRS. La guitarra es extremadamente versátil y querida por muchos artistas. Como siempre, el hardware PRS está bien hecho, y la parte superior tallada es excepcionalmente cómoda. La escala es en realidad una longitud muy extraña de 25.25" en esta guitarra. No se puede decir que haya muchas guitarras con esa longitud de escala, pero está justo entre una PRS normal y una Strat, así que no puedo imaginar que a nadie le guste. Con solo mirar la guitarra, se ve que va a ser muy versátil, y se sabe que está basada en la clásica plataforma de caoba / caoba.

Realmente no hay mucho que decir sobre PRS en este

La Paul Reed Smith PRS 513 es una de esas guitarras que tanto nos gusta y que no son tan fáciles de encontrar en una casa de música como otras de la línea de esta prestigiosa marca. Esto es bastante desafortunado porque es una guitarra muy especial. Por gyB.ar

momento, ya que su producción es muy consistente. Sus grandes trastes y fácil acceso a la parte superior del diapasón, combinado con todas las posibilidades tonales de los micrófonos single boil sparkle a los tonos humbucker más oscuros, esta es una guitarra para el guitarrista que necesita todo. Hará todo y, desde un punto de vista personal, es el tipo de instrumento que puede usar para las fechas de estudio, grabación o cualquier situación en la que se le llame para producir una gran variedad de sonidos. Con una de estas, nunca te quedarás sin sonidos.

Entonces, ahora vamos a explicar la nomenclatura numérica. 513 significa que la guitarra está equipada con 5 micrófonos de bobina simple y tiene 13 combinaciones diferentes de captación. Estos se seleccionan usando los

dos interruptores de tipo de hoja. El primero, ubicado justo debajo / frente al Control de volumen, es un 5 vías normal y funciona exactamente como lo esperás.

Posición 1 : Puente Posición 2 : Puente + Medio Posición 3 : Medio Posición 4 : Medio + Cuello Posición 5 : Cuello Ahora viene el cambio adicional del 3 vías ubicado justo arriba y detrás del control de tono. Este se llama el interruptor 'Modo' y tiene 3 configuraciones muy diferentes.

Posición 1 : Bobina simple Posición 2 : Clear Humbucker Posición 3 : Humbucker heavy En el modo Clear Humbucker podés obtener un sonido más completo, con las configuraciones Bridge y Neck añadiendo sus atributos de cancelación de ruido a la mezcla. Como Humbuckers, funcionan muy bien, aunque son un poco más delgados de lo que cabría esperar. En el modo Heavy Humbucker, funciona como lo indica su nombre, produciendo una textura gruesa y armónicamente rica, ¡especialmente al aumentar el nivel de ganancia de los Amps.

CARACtERíStICAS Cuerpo de Caoba con una tapa de arce flameado Mástil de Caoba con diapasón de Palisandro Inlays especiales “Bird” Hardware Vintage Trem y clavijas PRS Terminación cromada Micrófonos: 5 de bobinas individuales Controles: 1 volumen, 1 tono y 2 x selectores

46 | Paul Reed Smith 513

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