Guitarristas y Bajistas Magazine #58

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 FENDER AMERiCAN ElitE StRAtOCAStER - Página 06 ENtREViStA A luiyi BlACk SiDE - Página 08 lA OtRA MiRADA DE juAN RODRíguEz - Página 12 ENtREViStA A MAtEuS StARliNg - Página 14 ENtREViStA A DNEy BitENCOuRt - Página 20 ENtREViStA A PEDRO y PABlO - Página 22 DRAgóN MOgliA DESDE lOS ANgElES - Página 32 ExPOMuSiC 2017 - Página 44 MARShAll AS 100D - Página 46

SuPlEMENtO tÉCNiCO MARiANO SíVORi - Página 34 DANiEl CORzO - Página 35 igOR SAAVEDRA - Página 36 jORgE ElORzA - Página 37 NiCOlÁS MigliAVACCA - Página 38 NiCOlÁS VilChEz - Página 39 juAMPy juÁREz - Página 40 ARtuRO MAwCiNitt - Página 41 MAyCOwM REiChEMBACh - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Igor Saavedra Nicolás Migliavacca Arturo Mawcinitt Nicolás Vilchez Daniel Corzo Juampy Juárez Jorge Elorza Mariano Sívori

04 | Editorial

Año 11º - Nº 58 | Noviembre 2017 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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Novedades TevelaM sRl La empresa Tevelam SRL, representante de Marshall, nos presenta un amp para acústica, el AS 50D. Cuando la gente habla de los amps Marshall, la discusión se centra en cualquiera de sus modelos para eléctrica. Sin embargo, Marshall también tiene sus usuarios acústicos cubiertos con una línea de amps muy buenos. El panel de control en AS50D se ve más o menos similar a cualquier otro amplificador Marshall. De hecho, si no fuera por la obvia entrada XLR, probablemente ni siquiera sabrías que es un amplificador de guitarra acústica. Hay dos canales, cada uno con un conjunto idéntico de controles. Estos son: Volumen, graves y agudos. A continuación viene la sección FX donde encontrará un Chorus y dos tipos de Reverb. Posee dos parlantes de 8” especialmente diseñados por Celestion de 25W cada uno. Podrás ver más info en www.marshallamps.com.

Novedades ds PickuP Nuestra publicación, siempre atenta a las novedades y apoyando a la industria nacional, presenta en esta oportunidad un novedoso producto de los fabricantes de micrófonos para guitarra eléctrica DS Pickup. En este caso es el Tóxico DS 98-T. Un Humbucker de alta salida equipado con una barra de ALNICO 8, lo que permite obtener la definición y el ataque de un modelo cerámico con la mayor calidez y sustain de un micrófono de ALNICO.

descRiPcioN Este humbucker Tóxico ofrece lo mejor de ambos mundos: una barra en ALNICO 8 que ofrece una salida con agresivo ataque al estilo de un micrófono cerámico y, al mismo tiempo, una más cálida respuesta focalizada en los rangos medios como un modelo de ALNICO 5. El diseño de seis tornillos Allem hexagonales por cada una de sus bobinas, le aportan un más focalizado flujo magnético. Está equipado con un cobertor de auténtico nickel-silver y terminación vintage. Tiene un F-Spaced de 51mm. Está manualmente ensamblado y equipado con conector rápido Easy-connector system. Tiene un circuito impreso + base de fibra de vidrio con insertos de bronce + tornillos 3/32” ranurados. Además este micrófono esta parafinado al vacío para eliminar retroalimentaciones y acoples indeseados e incluye todos los accesorios de instalación y manual de instrucciones.

Este asombroso productod de DS Pickups se combina tanto en guitarras de caoba o maple y diapasones de palisandro. Los modelos disponibles son el DS98-TN para mástil y el DS98-TB para el puente que tiene bobinas compensadas para obtener balance tonal en ambas posiciones de mástil y puente, con cable de 4 conductores más la malla para una amplia variedad de conexionados.

Para más info sobre este producto, dirigirse a www.dspickups.com.ar

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Mi exPeRieNcia coN alaiN caRoN Siguiendo la columna anterior contando mis experiencias con los maestros de la música mundial, en esta edición les contaré como fue tocar y convivir con Alain Caron por una semana. Para los que no conocen o conocen poco sobre Alain Caron, él es considerado por la crítica especializada como uno de los mejores bajistas de todos los tiempos. Todo comenzó muchos años atrás cuando yo era parte del selecto grupo de artistas auspiciados por DV

Mark/Mark Bass marca Italiana de amplificadores. Alain también era parte de la marca (aún es) y me anime a escribirle para entablar una conversación ya que me gustaba su música. En realidad ya tuve acercamiento por amigos en común, pero como soy muy respetuoso, muchas veces no me animaba a encarar una conversación con un artista tan especial para mí. La cosa es que me respondió y quedamos con la buena onda de hacer algo juntos. Se pasaron un par de años y un productor local me ofrece producir algunos conciertos con un artista internacional del jazz. Entonces recuerdo que había hablado con Alain Caron y le propongo tanto al productor como a Alain de hacer los conciertos pero con músicos profesionales locales. Cuando hablo con Alain, él muy positivamente me dijo que sí y confió al 100% en mis capacidades. El ya sabía que había hecho cosas con Greg Howe y Stu Hamm, o sea, por lo menos él las tenía buenas referencia de mí. Me envío los mp3 y las partituras casi 2 meses antes y fue una sorpresa, ya que su música es extremadamente difícil, tanto rítmicamente como melódicamente. Todo ese

tiempo lo estudié casi 3 horas diarias, y las últimas dos semanas solo tocaba su repertorio, porque mi idea era tocar sin partitura tanto en los ensayos como en el show. Así fue, ya con Alain en Argentina, además de pasear por toda Buenos Aires y contarle un poco de la cultura de la Argentina, fuimos a los más importante: nuestro concierto. En solo un ensayo con Alain y la banda, que no duró más que dos horas. Hemos pasamos todo el repertorio, música extremadamente exigente porque además de la dificultad técnica, se le suma la sensibilidad de su música. Alain salió contento y me dijo “buen trabajo, mañana haremos un gran show”. Y así fue. Hicimos un gran concierto con muchos aciertos y poquitas fallas. Pero con una sensación de misión cumplida y con las puertas abiertas para hacer futuros proyectos juntos.

Por Maycown Reichembach - Fotografía por Matias carpio

Novedades | 05

Fender AmericAn elite StrAtocASter

Las empresas modernas no sólo deben crecer y evolucionar para permanecer actualizadas, sino también solventes.

Imagínen, entonces, ser parte de la búsqueda interminable de versiones nuevas y mejoradas de lo que son ampliamente considerados como diseños perfectos: Stratocaster y Telecaster de Leo Fender. Cabe decir que la cosecha de diseñadores y expertos que actualmente ejercen su oficio en Fender rara vez fracasan en inventar una o dos inno-

vaciones que posteriormente se incorporan en nuevos instrumentos, pero no puede ser una tarea fácil. Dejando a un lado el nombre, la gama se reduce a solo cuatro guitarras: Stratocaster y Tele, HSS Shawbucker Strat y Tele Thinline. ¿Qué hay de nuevo?. Junto con las novedades cosméticas en forma de nuevos colores, un logotipo renovado en el cabezal y mandos de control de goma “suave al tacto”, hay una nueva forma de cuello, un nuevo ajuste

de barra de refuerzo estilo rueda (perdemos el ajuste Micro-Tilt) y ligeramente geometría del talón de forma alterada. Luego tenemos la última (cuarta) generación de micrófonos Noiseless controlados, como antes, por la conmutación S-1, activada por un interruptor de push /pull dentro de la parte superior del mando del control de volumen que expande los sonidos de cinco vías o tres conmutaciones del selector. En la Fender Elite Stratocaster, hay un contorno un poco más profundo, notablemente en el contorno de la caja de la plataforma trasera, y como antes tenemos un diapasón de radio compuesto con trastes jumbo. La madera del cuerpo depende del color, pero hay disponible una selección de mástiles de Rosewood o de Maple. El hardware sigue siendo el mismo: el excelente vibrato de doble poste, con sus seis monturas de bloque y su brazo de inserción, y los clavijeros de cierre trasero cromados y sellados. caTacTeRísTicas Cuerpo de Aliso y mástil de Maple o Rosewood Forma del mástil compuesto moderno en C a D Diapasón de Arce con radio compuesto (241 - 355,6mm) 22 trastes Medium Jumbo Escala de 648mm (25.5") Cejilla de hueso sintético de 42,8mm 3 micrófonos simples Noiseless de 4ª generación Control de volumen master (push-pull: Interruptor S1) 2 controles de tono y Selector de 5 posiciones Trémolo Sincronizado Hardware cromado Cuerdas: 009-042

06 | Fender American Elite Stratocaster

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luiyi blAck Side

cuál fue tu incursión en la música?

Con los útiles escolares jugaba a que tenía una batería como la de Neil Peart, mi madre siempre me preguntaba como hacía para romper la punta de los lápices jajaja, la cartuchera de 2 pisos era un gran pad de percusión para mi, recuerdo que un día vi en la TV un capitulo de Los Muppets donde The Animal competía con Buddy Rich...

De chico la música y lo movilizó de inmediato, miraba los videos de la MtV y le llamaba más la atención eso que los dibujos animados, el video de thriller o algo de los Ramones le resultaba más interesante que los Picapiedras, en un mundo donde no existía youtube y donde la imaginación de un niño era mucho más intensa que hoy en dia. Por Sergio Resar

Imaginate que son cosas que marcan a un niño.

Por qué elegiste la guitarra como tu instrumento?

En mi escuela para las clases de música había dos opciones, tocar la guitarra o la flauta, imagínate que la segunda opción se alejaba del rock, mi sueño era ser como Johnny Ramone, cuando mi madre me regalo mi primera criolla,

recuerdo que practicaba la pose de mi guitarrista preferido en frente al espejo, me vestía como él y usaba su mismo corte de pelo, y las All Star gastadas, era un pequeño Punk jajaja... Actualmente algunas personas me dicen que tengo ese aire a Johnny, lo cual para mí es un gran halago y cada día me convenzo más de que la primera escuela no se borra jamás, es una marca que se graba en el alma. con quiénes y dónde estudiaste?

Estudie con muchos, creo que ya perdí la cuenta, mis padres pudieron gracias a Dios enviarme con los mejores de este país e incluso en el exterior, pero recuerdo y destaco a mis primeros maestros de la guitarra... personas que nunca veía en giras o escenarios pero con una guitarra criolla eran capaces de interpretar el himno nacional completo o la marcha de San Lorenzo o cualquier pieza musical en partitura, como mi primer maestra “Silvia” de la calle “Monteagudo” en Morón... cosas que me fueron conquistando el corazón de a poco... pero puedo nombrarte instituciones por las que pase, como por ejemplo el conservatorio Thibaud Piazzini o la escuela Berklee en Boston donde tuve la suerte de poder estudiar un período corto dado a la crisis económica que hubo en nuestro país en 2001, donde la realidad de mucho de nosotros se vio afectada. cuándo nace Black side? Quiénes te acompañaron en tus inicios con la banda?

Black Side es como un hijo al que lo vi nacer y crecer, lo vi reír y llorar... recuerdo que esta banda comenzó con amigos de barrio donde compartíamos las ganas de hacer lo que nos gustaba... como toda banda que arranca lo primero que hicimos fueron covers y era una mezcla loca porque pasábamos de tocar canciones de Los Ramones a tocar Deep Purple o tocar Metallica y luego un tema de Pearl Jam

08 | Entrevista a luiyi Black Side

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estos disco en vivo, como los que actualmente me acompañan (Javier Dular en voces, Juan Fabián Koprivica en bajo, Max Drummer en batería). cuántos discos grabaste?

Con Black Side grabe 6 discos de los cuales 4 son de estudio y 2 de ellos en vivo con DVDs incluidos... uno en el Teatro Vorterix celebrando los 10 años de la banda y otro en el mítico Hard Rock Café de Buenos Aires. Actualmente me encuentro preparando temas para grabar el Séptimo disco de la banda que saldrá en 2019.

o Red Hot Chili Peppers, de ahí vino la curiosidad y el deseo de hacer temas propios, ya que nunca compartí la idea de dedicarme al Tributo, algo que esta tan de moda hoy en día, pero como ya se sabe las modas pasan rápido y las canciones o creaciones propias nos dan identidad propia y nos hacen crecer como músicos.

Quiénes son los integrantes? Quiénes te acompañaron en los últimos discos Take Me away y atlantis?

Por Black Side pasaron muchísimos músicos, de todos los niveles, estilos e ideologías, los cuales fueron todos una

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cuota de buenas y malas experiencias que siempre contribuyo a que la banda crezca, donde aprendí a trabajar y a adaptarme a muchas situaciones, esa es una de las causas por el cual Black Side lleva tantos años de actividad. Entre los músicos destacados que pasaron por la banda puedo nombrarte a Fernando Scarcella y Pablo Motyczak (actuales Rata Blanca) que grabaron 2 discos completos como lo fueron “Take Me Away” con la dupla en voces de Javier Barrozo / Adrian Barilari y el actual “Atlantis” con la voz del gran “Casti”. Dada a la gran agenda de estos excelentes músicos encontré siempre buenas opciones para interpretar

contanos un poco de las gira que hiciste el año pasado por México y eeuu?

Tuve la suerte de visitar México en mi última gira y fue la primera vez que visite ese país, puedo contarte que en los 3 shows que realicé en D.F tengo una experiencia totalmente positiva, la gente es muy servicial, los valores de la amistad y la familia están muy forjados y lo más importante, les gusta mucho el rock!!... es un lugar mágico, me llevaron a recorrer la ciudad y los monumentos históricos...siempre estoy planeando volver pero por ahora no logro concretar mi regreso a la tierra azteca, hice muchos amigos y fans en ese país, los llevo siempre presentes. Luego visite Estados Unidos como todos los años, los que me conocen saben, es como mi hogar, pude realizar una serie de presentaciones en California para algunas marcas a las que represento en la feria Namm de Anaheim, luego realicé un show en mítico Whisky a Go Go de Hollywood y cerré mi gira como todos los años en Vamp’s de Las Vegas que es un lugar lleno de amigos que conozco de hace muchos años... la verdad no me puego quejar, tengo muchas amistades fuera de Argentina que siempre esperan que vuelva y me invitan casi todos los meses, tengo una comunicación diaria con ellos... tengo la propuesta de realizar algunos shows en Michigan junto a músicos amigos, también me invitaron a tocar en España e Inglaterra y hasta tengo propuestas de ir a China, pero bueno, soy joven y tengo una

Entrevista a luiyi Black Side | 09

vida por delante para visitar muchos lugares... por ahora casi siempre que tengo la oportunidad de viajar termino yendo al Estados Unidos jajajaja, es más fuerte que yo.

Por qué elegiste el Heavy Metal para expresarte?

Primero porque era chico, siempre el heavy metal esta asociado a historias de dragones, calaveras, monstruos, tierras mágicas y esas cosas temáticas donde un niño se ve más vulnerable, con guitarras muy virtuosas y melodías pegadizas, en la época de mis comienzos se escuchaba mucho heavy metal en nuestro país y pude ver grandes recitales con excelentes formaciones como Andre Matos en Angra, o Timo Tolkki en Stratovarius... yo quería hacer eso, quería tocar en un Monster of Rock. Pero debo confesarte algo, comencé siendo un guitarrista Punk, mis primeras bandas eran de Punk Rock... pero el heavy metal tiene más recursos musicales sin dejar la distorsión de lado... hoy en día me llama más la atención el Fusión, creo que a medida que van pasando los años voy cambiando mis preferencias... aparte el heavy metal nacional está agonizando, ya todos los vemos... debo migrar a otros mundos, por suerte Black Side me da la libertad de hacer lo que quiera, puedo armar y desarmar, adaptarme a las épocas y a mis antojos musicales... no soy solo un músico de heavy metal, considero que puedo tocar cualquier estilo, me gusta mucho la música, escucho cualquier cosa que tenga una linda melodía o un buen ritmo, la música me estimula, me hace viajar en el tiempo y me lleva a lugares específicos... siempre las canciones me hacer recordar algún momento o lugar. cuál es tu set actual?

Uso 4 guitarras en mis shows dependiendo el set list. Una Ibanez JS1600, una Fender Stratocaster Elite HSS Shawbucker, también una Ibanez RG7621 y una Mars Custom EBM. Voy a sumar la marca inglesa Chapman para lo que se viene. En cuanto a los amps y dependiendo el lugar, utilzo un Laney Ironheart 120W y un Laney LionHeart L20H. Uso pedales AMT, Mad Professor, Morley y un Joyo.

10 | Entrevista a luiyi Black Side

Qué recordás de la gira Bolivia 2016 junto a Joe lynn Turner y Walter Giardino?

Una muy linda gira a un país que considero exótico, es muy lindo Bolivia y su gente me trato excelente... con Joe recuerdo que apenas nos subimos al avión él se sentó detrás mío y pegamos onda al toque, tenemos mucho en común, me contó sobre su colección de guitarras, yo de las mías y hablamos tanto de guitarras que incluso minutos antes de sus shows nos quedábamos hablando de lo mismo, sabe cada detalle de una guitarra, un tipo súper moderno y canchero... con Walter tengo un lindo recuerdo en el aeropuerto cuando estábamos buscándole la vuelta a cómo usar el asiento masajeador jajaja, poníamos la moneda y no funcionaba, hay fotos de eso y fue muy gracioso!!. Con todo el equipo y el resto de la banda, que te puedo decir?. Era como un mini viaje de egresados, soy muy amigo de ellos y nos conocemos muchísimo, grabamos discos juntos, nos reímos absolutamente de todo, hasta de cuando nos faltaba el aire en La Paz... Y nuestro pánico al avión con Fer Scarcella, mirándonos a cada rato si el avión hacia algún movimiento extraño, a él lo considero mi hermano mayor en la música, me enseño mucho y lo admiro como persona y profesional. Fue todo muy lindo, era una mezcla Black Side/Temple/Turner... lo recuerdo como un viaje con amigos, porque asi lo vivimos, habia muy buena onda entre todos... cuando fue el ultimo show de Temple en Vorterix no te voy a negar que sentí nostalgia.

Que cuerdas representás y qué modelo usas?

Tengo el honor de representar a Ernie Ball, las cuerdas que siempre de chico considere las mejores y hoy en día mantengo ese pensamiento, ahora ya conociendo la empresa me doy cuenta de porque son los número 1 en el mercado, en las ferias NAMM todo ocurre alrededor de Ernie Ball, los stands más llamativos son los de ellos y las figuras más importantes del evento las convocan ellos, tuve la suerte de conocer por medio de esta gente a tipos como Steve Lukather, John Petrucci, Steve Vai, Steve Morse, Paul Gil-

bert, entre otros... gente súper sencilla que te habla de igual a igual y se muestran interesados cuando les hablas de algo, una gran familia. Ver mi nombre y foto en su página web oficial junto a estos artistas a mi me llena el Alma, ellos valoran mucho el trabajo duro y eso motiva a seguir haciéndolo. Actualmente estoy usando su modelo Cobalt y algunas veces utilizo Steel cuando voy a grabar en estudio.

Qué otras marcas representás?

Atualmente represento a muchas marcas nacionales e internacionales donde siempre soy un gran agradecido por abrirme sus puertas. Marcas nacionales como Correas Antitodo, Skull Percutions, Wenstone, Mars Custom, Fucking Clothes. Marcas internacionales como Laney Amps, Ernie Ball, Joyo Pedals, Kirlin Cable, Morley Pedals, Mad Professor, AMT Electronics, Gruvgear y Audio Technica. cuáles son tus próximos proyectos?

Soy muy inquieto con mi carrera y siempre necesito estar haciendo algo nuevo, actualmente luego de cerrar la gira Atlantis en The Roxy Live me voy a tomar unos meses de descanso ya que viene en camino mi primer hijo, al cual espero con ansiedad y quiero dedicarle cada segundo en sus primeros meses. L próximo que tengo pensado es grabar otro disco, ya hay maquetas echas que debo desarrollar... tengo planeadas giras al exterior pero experimentando nuevos lugares que tengo pendientes...estoy planeando shows en nuestro país también para 2018 y una banda paralela a Black Side donde voy a estar más alejado del heavy metal ya que tengo otros gustos musicales donde me gustaría comenzar a trabajar. algo que le quieras decir a tus seguidores?

Les digo que van a ver un gran 2018 de Black Side y un 2019 con disco nuevo, hace 1 semana que deje los ensayos y ya quiero volver jajaja, eso demuestra que la energía está intacta. Que tengan un gran fin de año junto a sus familias y amigos. Nos vemos en un par de meses.

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lA otrA mirAdA

Cuando me encomendaron mis amigos de la revista a realizar un raconto de los músicos con lo cuáles he tocado a lo largo de toda mi carrera, lo primero que se me vino a la cabeza fué una fila inmensa de gente que tuve la suerte de conocer y disfrutar miles de anécdotas. De esa larga fila, seleccione algunos para ustedes. Por juan Rodríguez

ensayar con ellos, era un gusto realmente. Era muy fanático de Larry Carlton, sacaba todos sus solos exactos.

Es muy versátil, tiene las dos cosas, puede hacer un solo sublime, al mango, bien rockero a lo Hendrix y otro totalmente melodioso y conmovedor. Muy gaucho como tipo.

Botafogo: estuve tocando con Botafogo como 10 años, es un señor guitarrista. Botafogo es blusero, a él le hubiera gustado nacer en Estados Unidos y ser negro, jajaja. Lo de él es el blues, lo toca impresionantemente bien y canta muy bien en inglés, con mucho sentimiento ya que entiende lo que dice, no sanatea. Sabe mucho y sigue estudiando, estudia con Pino Marrone actualmente creo. Excelente violero y persona. foto: rosana carballo

Pappo: con Pappo toque en Pappo Blues, con Alejandro medina. El decía, si no sabes la tarantela no podes tocar, jajaja. El era él, tocaba blues maravillosamente. Tenía su personalidad, era impulsivo, es el creador de los riffs en argentina. Cuando tocaba, tocaba; vos pensa que para tocar con B.B. King tenes que tocar; así y todo, era un violero de barrio, básicamente.

GuiTaRRisTas david lebon: es un guitarrista tipo Santana, muy melodioso, te quedan los solos en la memoria, no es solo el virtuosismo; muchos violeros tocan todo el tiempo muy rápido y la mayoría de las veces no queda nada de todo eso.

David deja impregnado en lo que toca, todo el sentimiento de él. Es muy completo, es muy respetuoso como músico, es uno de los que más me gusta, siempre me gusto lo que toca, me hubiera gustado seguir tocando con él. claudio Gabis: es un violero con el cual sigo tocando, un estudioso del instrumento, actualmente sigue estudiando. Siempre toca con su Gibson 335. El mete las notas justas, el dirige, te dice lo que quiere y lo que necesita. Posee un sonido raro, único, es un señor guitarrista.

Gady Pampillon: Gady es un rockero por naturaleza, él va para adelante, no le importa nada, jajaja. Le gusta el rock tipo Deep Purple, le gusta mucho esa onda. Él es puro sentimiento, es muy sentimental tocando. Le gusta tocar al mango, un flor de tipo y flor de violero.

12 | la otra mirada de juan Rodríguez

cubero díaz: también estoy tocando actualmente con él, es un personaje. Es de usar sonidos muy raros. No se parece a nadie, es él. Tiene todo en la cabeza, tiene una forma rara y versátil de tocar, toca un blues, candombe o lo que sea, diferente a los demás. alambre González: es otro de los que me gusta mucho, lo conozco de chiquito a Alambre, él me decía, Juancito, llévame a conocer a David Lebon, a Cubero Díaz y yo lo llevaba de plomo. Mira como son las cosas, con el tiempo David Lebon dijo que Alambre es el violero que más le gusta actualmente, como son las cosas de la vida. Es un loco por la guitarra, es especial, es único, toca de primera lo que le sale en el momento, no lo practica antes. Es un tipo de violero como Jeff Beck, Steve Luckater, impresionante violero, junta todo, buen gusto y virtuosismo.

Ricardo Mollo: después de Sui Generis, me fui a tocar con los hermanos Mollo, en Mam. Era una época en la que me convencieron para que vaya, ya que éramos amigos, me tomaba el tren todos los días hasta Palomar, para

BaJisTas alejandro Medina: digamos que yo empecé a tocar con Alejandro Medina en la época de La Pesada del Rock, no había muchos bajistas en esa época, solo él y Raffanelli, así que mira si lo conoceré. Alejandro medina cantaba y tocaba el bajo, era un animal, un tipo al que no le importaba nada, si sonaba bien o si sonaba mal, Medina iba siempre para adelante, absolutamente una bestia de rock. Era un tipo de puro sentimiento. diego arnedo: a Diego lo conocí en Mam, es un señor bajista, un bajista nato, un virtuoso que no pierde la esencia del bajista. Hace base, un bajista base, no solista, como Medina o Raffanelli, no se olvida de hacer base, no pierde el bombo, no pierde al baterista, la sostiene él solo. diego Zaralegui: con Diego Zaralegui toco actualmente, es un bajista que viene del conservatorio de Avellaneda, tocó con todo el mundo, un tipo muy profesional. Toca conmigo y Cubero Díaz, tiene muy buen sonido, es muy respetuoso del espacio de los otros músicos.

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mAteuS StArling

cuéntame un poco sobre tú música, cuantos discos tienes grabados?

En primer lugar muchas gracias por la oportunidad de compartir mi trabajo con el su público. Por otro lado te

guitarrista Carioca que luego de graduarse en la Berklee, vuelve a Rio de janeiro y revoluciona la enseñanza con su escuela Starling Academy, y como si no fuera poco, grabó discos instrumentales con un nivel muy alto además de tocar con algunas personalidades de la música brasileña. Por Maycown Reichembach

cuento que nací en una pequeña ciudad del interior de Rio de Janeiro, empecé a tocar con 12 años y con 16 años ya tocaba profesionalmente, y fue cuando hice mi primer EP instrumental. Siempre fui entusiasta de la mú-

sica instrumental, primero el rock, después la fusión, y más tarde el jazz e y la música brasileña. En el año 2000 edite otro álbum instrumental destinado a ser banda sonora de un canal de TV (Red Globo) de mi ciudad, pero fue en 2008, en el año que me recibí en Berklee que edite mi primer álbum oficial, se llama Kairos y contiene 8 temas. En 2011 saque el disco “Free Fusion” y en 2015 el “Free Form”. Mis trabajos siempre fueron hechos en formato de cuarteto, guitarra, bajo, batería y saxo tenor y todas las composiciones y arreglos son míos. Mi música es una mezcla de jazz-rock con música brasileña y elementos de la vanguardia. cómo fue tú experiencia en la Berklee de Boston?

Fue el gran cambio en mi carrera, porque ya tocaba profesionalmente hacia 8 años y me sentía perdido y muchas veces paralizado musicalmente, entonces, tuve la oportunidad de quedar 4 años inmerso en la práctica y la experimentación las 24 horas del día. Pude convivir con profesores y alumnos increíbles en un ambiente que fomenta música todo el tiempo. Salí de allí con mi primer disco grabado, y eso me ha ayudado a seguir mi carrera como solista. Ya has tocado en el mismo escenario con algunos de los músicos más prestigiosos de Brasil. cual fue la experiencia más inspiradora?

Tocar con músicos que estaban distantes de mi cuando yo era un adolescente, tal como Pascoal Meirelles, Nelson Faría, Mauro Senise entre otros es una realización, es una confirmación de que la carrera está en el camino correcto, pero soy bendecido por tener siempre a mi lado

14 | Entrevista a Mateus Starling

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grandes músicos que me acompañan en mi trabajo. En mi primer álbum Kairos, músicos extranjeros y despúés músicos brasileños de mí generación, tal como Lucio Vieira, baterista de Frank Gambale, Berval y Julio Merlino, Caio Slonzon e Edu Nali. Para mí lo más importante es estar junto a personas que quieran experimentar y romper con el status quo.

Gracias. Mi visión siempre fui seguir una carrera solista, asi que, no veo el propósito de tener una carrera solista para simplemente mostrar que un músico es bueno, es necesario entregar alguna novedad, así que, siempre tuve la preocupación en desarrollar una identidad musical. A pesar de tener una canal con muchos seguidores

en youtube, con más de 24 mil inscriptos, no me veo como un youtuber, yo solo una la plataforma como un vehículo de propagación de mi música, de mis ideas y de mi metodología.

Piensas que la tecnología y libre acceso a la infor-

cuéntame un poco sobre la starling academy.

Desde que volví a Brasil estuve preparando a alumnos para estudiar en Berklee, en función de eso inauguramos una escuela con la cultura musical de Berklee, una escuela que esté enfocada en el mercado, en la profesionalización del músico. La escuela es presencial en Rio de Janeiro y virtual para todo el mundo, a través de este link: www.StarlingAcademyofMusic.com.br.

Nuestro Lema es la música como estilo de vida, por lo tanto, nuestro enfoque principal es el alumno que quiere ser profesional o que ya es profesional y quiere ir para otro nuevo nivel, diferentemente como la mayor parte de las escuelas de música do Brasil que poseen el e enfoque en alumnos principiantes. el mercado musical de Rio de Janeiro es diferente al de são Paulo?

Si, Comparamos Rio con Los Ángeles y São Paulo con Nueva York. La música hecha en Rio de Janeiro tiene más swing y con mucha influencia del samba, además de tambíén tener el lado jazzero, el rock, blues y de la música brasileña como un todo, pero São Paulo aún concentra la mayor parte de los trabajos y una escena musical mucho más constante, sin quedarse atrás, Rio de Janeiro es la segunda principal ciudad de Brasil en el sentido “gigs”.

Tú estilo de tocar guitarra es personal y original, diferente de lo que vemos casi siempre en youtube.

16 | Entrevista a Mateus Starling

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mación sin un profesor de guía puede entorpecer el aprendizaje del alumno?

Sí, mucha información si una dirección solo perjudica, las personas están menos enfocadas, están menos pacientes, piensan que si tienen mucha información al mismo tiempo aprenderán más rápido, pero la verdad es que el aprender con profundidad sigue requiriendo dedicación y continuidad. Tengo mi material virtual, Incluso tengo alumnos de Argentina y de otros países de América del Sur americanos, pero siempre doy suporte online, porque que el material se organizado de forma cronológica, por más que tenga videos, libros y playbacks, en algún punto es importante tener un mentor que pueda dar pequeños indicaciones, porque, creo que es necesario tener un equilibrio, es posible si tener grandes avances con la tecnología, pero eso no te aleja de la interacción con otras personas y principalmente del tutor musical.

Que te espera en 2018?

Estaré enfocado con más fuerza en mi carrera solista, porque la escuela me consumió casi 2 años, donde necesite preparar más de centenares de hojas para los libros y preparar al equipo de profesores. La escuela ahora a ganado fuerza y ha crecido por sí sola, de esta manera voy a poder tocar mucho más por esta país. dejale un mensaje o quizás algún consejo al guitarrista que quiere ser profesional.

Yo les diría a todos aquellos guitarristas que sueñan con llegar a ser profesionales que nadie será el responsable para que tú carrera despegue. “Si algún día un fulano escucha mi música, hable de mí, o me indique, en el día que yo aparezca en la revista, o haga el show X, gane el premio Y, ahí si las cosas van a suceder.” No, no va a pasar eso. Solamente será más bien un ladrillo en la construcción que uno va haciendo en la vida misma. Van a haber

18 | Entrevista a Mateus Starling

muchas cosas antes y después de ese evento. La carrera tiene eso. Suceden un montón de esas cositas pequeñas, algunas cosas grandes y vos siempre percibís que hay un largo camino por perseguir. A veces te das cuenta que algo insignificante para vos, te dio un resultado mayor de que aquel otro proyecto, pero es así no más. Es siempre mucho trabajo, es siempre cansador, por eso realmente

te tiene que encantar hacerlo, porque o sino tarde o temprano tiras la toalla, principalmente si el resultado es más importante que el proceso. Hay que tener paciencia y ser perseverante. Cada cosa que hagamos, por más pequeña que sea, sirve, y mucho. Siempre hay que poner el corazon, en cada nota que toquemos, puro corazón y las cosas tarde otemprano sucederán.

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dney bitencourt

contanos un poco sobre tu carrera musical Básicamente divido mi carrera profesional entre la enseñanza musical y mi carrera artística como guitarrista solista. En la educación musical, dedico parte de mí tiempo dando clases de Guitarra, armonía también en improvisación en la Escuela de Música Diadema SP por la Secretaria de Cultura de la ciudad, además de desarrollar un método de guitarra eléctrica y clásica que ha sido utilizada en varias escuelas de Brasil. Durante 6 años escribí la metodología utilizada por la mayor franquicia de música da América Latina “Bateras Beat by Music Beat”. Recientemente saque el primer Songbook com PlayAlong que hace parte e mi álbum "Simplemente Alma". Ahora en relación a mí carrera como guitarrista y compositor, sigo desarrollando performances en trabajos de varias formaciones enfocado en la música brasileña, jazz y el funk. Es un trabajo constante que exige mucha disciplina en el día a día, pero, amo viajar, hacer shows y workshops tocando con grandes músicos por el mundo. Hace 4 años fui invitado a ser parte del equipo de artistas de Ibanez y Laney , soy muy honrado y feliz por saber que mi trabajo abrió caminos y llamo la atención de esa prestigiosas marcas. Puedo decir que fue un gran placer y un gran incentivo me ha mostrado que estaba en el camino correcto.

En el comienzo de su carrera trabajó acompañando artistas y bandas de varios estilos, pero no estaba contento con esos trabajos, eso motivó que en el año 2013 tomara la decisión que cambiaría la vida, en lo personal y profesional, que fue darle prioridad a su música. Por Maycown Reichembach

en shows, workshops, clínicas, festivales, televisión, CD, DVD, Jam sessions, algunos son: Bocato, Danny Morres, Mike Tucker, Hércules Gomes, Dom Moio, Michael Manring, Alejandro Demogli, Thomas Arey, Jim Stinnet, Thiago Espírito Santo, Vinicius Dorin, Hércules Gómes, Celso Pixinga, Ney Neto, Dino Verdade, Douglas Las Casas, Jorge Marciano, Wesley Riternour, Eddie

Gómes, Richard Bonna, Arthur Maia, Arismar do Espírito Santo, Mestrinho, Ricardinho Paraíso, Leo Gandelman, Marina Lima, Filo Machado, Detentos do Rap, Yzalu, Groove Soul, Mara Nascimento, Michele Wankene, Helena Elis, además de otros grandes maestros.

Que instrumentos usas?

con que artistas has tocado?

Un sin fin de artistas que tuve la oportunidad de tocar en el mismo escenario en diversas situaciones, como

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Actualmente utilizo una guitarra Ibanez AFJ95 Acústica y también una Ibanez AR325, además una guitarra Takamine TH90N de cuerdas de Nylon. Por otro lado utilizo un amplificador valvular Laney LionHeart L5 y cables Santo Angelo Standard Samurai. Además tengo un pedal Roland GR20 Sintetizador, un pedal Pitch Octave Waldman y un pedal Boss DD3 Delay. contame sobre tu álbum, quien participo ?

Yo ya había grabado en muchos disco como sesionista, posteriormente grabe un cd y dvd en proyectos paralelos cono Brisa Trío, entonces, decidí que era el momento de registrar mis composiciones con mi identidad musical. En 2013 empecé a grabar mi primer disco “Simplesmente Alma” son 8 composiciones que incluyen que baladas, sambas e grooves, ejecutadas con improvisaciones emocionantes, mucho swing, melodías simples, de fácil entendimiento. En cada track traigo a los oyentes referencias del smooth jazz, jazz contemporáneo, fusión y música brasileira, creando una música agradable y al mismo tiempo desafiante. El álbum tiene participaciones de músicos importantes da la escena jazzera de San Pablo, como el bajista Thiago Espírito Santo, Ney Neto y Nino Nascimento, los bateristas Dino Verdade, Jônatas Sansão y Douglas Las Casas, el percusionista Kadu Fernandes y los pianistas Bruno Alves, Davi Sansão y Daniel Pereira. El disco fue destacado en la radio CBN, tuvo una excelente receptividad del público, sonó por radios de USA y Japón, además de mis presentaciones en Boston, Chicago, New Hampshire, New York y en la Namm Show de Los Angeles. cuales son los proyectos para el futuro?

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Estuve trabajando en un proyecto “Dney Bitencourt toca João Donato”, a sido muy gratificante hacer el homenaje a este gran compositor brasileño con mi guitarra. Estoy en el estudio preparando mi próximo álbum autoral que tendrá el nombre de “Intensity” que trae elementos del Funk, Rock y de la música brasileña, participarán grandes músicos de la escena instrumental internacional, además de grabarlo en vivo en el estudio. además quiero grabar este año un EP enfocado en la música gospel , sacadas del Arpa Cristiana, que fueron mis pri-

meras influencias musicales y es un deseo que tengo de volver a mis orígenes. dejanos un mensaje para los lectores de la revista Quisiera decirles a todos que estoy muy honrado y me siento muy feliz de compartir mi música con todos los lectores de la revista y que ustedes tienen músicos que son realmente artistas maravillosos y que no dejan de sorprenderme. Si Dios quiere, muy pronto estaré haciendo música con ustedes, hermanos.

Entrevista a Dney Bitencourt | 21

Pedro y PAblo

Pedro y Pablo es la conjunción exacta entre el maravilloso ambiente generado por la música acústica y la poesía más sentida de la mano de Miguel Cantilo y jorge Durietz, quienes crearon en 1968 este mítico dúo de folk rock y canción protesta, considerados por todos como unos de los pioneros del rock argentino. Por Sergio Resar

foto: laura tenenbaum

cuéntenos cómo fue su infancia Mc: Noveno hijo de una familia en la que se escuchaba mucha música. Ésta y el fútbol fueron mis pasiones desde muy chico. No tuve carencias ni materiales ni afectivas, aunque tampoco viví en la abundancia. Una familia unida, un padre muy trabajador, en fin, nada del otro mundo, pero tener tantos hermanos y ser de los menores implica muchas ventajas a la hora de formarse.

Jd: Mi infancia fue muy feliz. Vivía con mis padres y un hermano y pasaba los inviernos estudiando en el colegio y los veranos generalmente en Pinamar. Tengo muy buenos recuerdos de esa época. cómo se conocieron?

Jd: Con Miguel nos conocimos en un festival de una parroquia del barrio donde tocaba su banda que se llamaba de Bad Boys y como yo en mi colegio tenía mi banda nos pusimos a conversar y nos juntamos con otro compañero de colegio mío y formamos un trío qué llamamos los Cronopios donde hacíamos todos los temas deThe Beatles.

Mc: Por el barrio. Habíamos sido compañeritos en primer grado pero no nos habíamos dado cuenta. Luego el mismo barrio, Belgrano, nos unió a partir del descubrimiento de una pasión compartida: la música de los Beatles.

Quiénes eran y son sus influencias musicales?

Mc: En ese entonces Beatles y Rolling Stones, Simon y Garfunkel, Los Shakers, Los Gatos, Bob Dylan. Hoy el abanico es tan amplio que sería anodino ponerme a mencionar

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influencias. Soy muy permeable a ellas. Me gustan los buenos “Songwriters” (lo que aquí se llamaría cantautores). De los últimos que descubrí están Charly Winston, Andrew Bird y antes Dave Mathews. De habla hispana Drexler, Ruibal, pero son apenas gustos, no influencias. Indudablemente la gran influencia en mi vida fue y es la obra de los Beatles.

Jd: Mis influencias musicales se remontan a las primeras escuchas de la música que escuchaban mis padres por ejemplo Louis Amstrong, Bing crosby, Frank Sinatra, los hermanos Ábalos, los Plateros, el trío Irakitan. Luego en un momento posterior escuchaba a Paul Anka, Neil Sedaka, los Teen Tops, Charles Aznavour, el Dúo Salteño y fundamentalmente los Beatles, también Simon and Garfunkel. cuál fue su debut profesional?

Mc:A los 15 años como vocalista del grupo Wild Beats que formé junto a mi hermano Francisco.

Jd: Nuestro Debut profesional ya como el dúo Pedro y Pablo si mal no me acuerdo ocurrió en el Festirama Beat 70 en Río Ceballos Córdoba.

Por qué eligieron el nombre de dos apóstoles?

Jd: No elegimos el nombre Pedro y Pablo por pertenecer a Pedro y Pablo Apóstoles o Pedro y Pablo Picapiedra, sino porque era un nombre fácil de recordar y humano, en aquel entonces estaba de moda usar nombres de alimentos como Lechuga o La barra de Chocolate o ponerte nombres en latín como por ejemplo Vox Dei. Mc: Porque Miguel y Jorge nos sonaban a nombres de

coiffeurs. Escuchábamos a Peter, Paul and Mary, oíamos hablar de San Pedro y San Pablo, y como todo el mundo, mirábamos los dibujitos de los Picapiedras.

Por qué abordaron la temática de la protesta en sus canciones?

Jd: El tema de la protesta surgió del acercamiento que tenía Miguel con literatura que abordaba el tema.

Mc: Personalmente me sentí seducido por la poesía de Bob Dylan, por las letras de Daniel Viglietti y por la corriente pensamiento crítica dela literatura de los ‘70s. A los dieciocho años descubrí “La Mentira Organizada” que aún hoy impera en todo el mundo y a partir de ese descubrimiento creí que sería útil el denunciarla con canciones populares. cuál fue su debut en discos y cómo se sintieron en el estudio de grabación?

Mc: Nos tomaron una prueba y luego el productor, Francis Smith, consideró que sería adecuado contratar un arreglador y llamó a Jorge Calandrelli, quien a mi modo de ver enriqueció considerablemente las composiciones y le dio al dúo una primera impronta de identidad que todavía perdura.

Creo que nos sentimos hasta inclusive halagados de que nos acompañaran músicos de la talla de Cacho Tirao, Marito Cosentino, Carlos Cirigliano, el marinero Montes en bandoneón y aún así nosotros tocamos nuestras guitarras en los registros. Jorge una acústica brasilera marca “Tonante” que compramos en el Chui (frontera de Uruguay y Brasil) y yo una Renzi de luthier nacional, de doce cuerdas.

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foto: laura tenenbaum

Jd: El primer disco qué hicimos fue “Yo vivo en esta ciudad” y lo grabamos en el estudio de CBS Columbia era el estudio más grande de la Argentina en ese momento Y nos sentimos como perro con dos colas en ese inmenso estudio con el valor agregado de que en esa compañía grababa el Dúo Simon and Garfunkel y fue muy emocionante escucharnos en esos parlantes tan impresionantes es decir creo que sentimos que tocábamos el cielo con las manos.

Miguel, por qué decidiste formar “Miguel cantilo y Grupo sur”?

Mc: Porque desde un principio mis apetencias musicales excedieron el marco de un dúo acústico. Quería tocar rock and roll y entablé una relación paralela con Kubero Díaz quien fué a la vez la persona de la que más aprendí a tocar la guitarra, ya que nunca tuve profesor, ni siquiera orientación académica de ningún tipo. Varias de sus alucinantes composiciones forman la esencia de ese álbum, a pesar de que él no intervino directamente. en qué año decidieron irse a el Bolsón y por qué?

Jd: Las experiencias en El Bolsón a nivel vivir en el lugar fueron protagonizadas por Miguel y los chicos de La Cofradía de la Flor Solar. Yo iba por temporadas de visita quedándome algunos días pero no me a afinqué allí.

Mc: En el ‘71 yo fui por primera vez a conocer la casa de un pintor, Horacio Cruz, que ya había fallecido pero había sido abuelo de mi pareja. Fue tal el entusiasmo que nos provocó el lugar que comenzamos a visitarlo con frecuencia y en unos años directamente a instalarnos con parte de la Cofradía de la Flor Solar, quienes ya tenían bastante experiencia previa en la vida comunitaria. Recomiendo para más información mi libro “¡Chau loco! Historias de hippies en la Argentina de los setenta” de Editorial Galerna, año 2000. cómo manejaron el tema de la censura de esa época?

Mc: Hasta donde pudimos lidiamos con ella, pero al final logró dejarnos fuera de los circuitos de trabajo, una de las razones por las que nos auto exiliamos en El Bolsón.

Jd: El tema de la censura no podíamos manejarlo porque era una fuerza externa a nosotros que se insinuaba creciendo con mayor fuerza a partir de los años ‘68 y ‘70 con el gobierno de Onganía que era muy moralista y te perseguían para cortarte el pelo o te miraban mal si te vestía raro o sospechaban cualquier barbaridad si en un boliche bailable había poca luz y te hacían poner bombitas más fuertes. Para nosotros el problema consistió en que hubiera listas de temas que no se podían difundir en la radio con lo que nos restaban posibilidades de trabajo, tan es así que a falta de este último, Miguel emigró a España en el año 75.

Miguel, por qué decidiste radicarte en españa?

Mc: La falta de trabajo provocada por la censura me llevó a probar fortuna fuera del país, peregriné por Bolivia, Perú, Ecuador, Brasil, recalé en Colombia donde viví año y medio y finalmente conseguí que los cofrades me llamaran desde Ibiza para volver a vivir y cantar con ellos. La experiencia musical duró un verano pero yo me quedé tres años. cuándo nace Punch?

Mc:A mitad de esa estadía, Morci Requena e Isa Portugheis me llaman desde Mallorca para integrar un grupo, en principio de covers de rock and roll y, ya con familia, me traslado allí y me integro a ese proyecto que un año después tomaría el nombre de Punch.

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Por qué decidieron volver a reunirse en 1982?

Mc: Porque la coyuntura cultural lo pedía a gritos. Esos gritos decían “Se va a acabar, se va a acabar la dictadura militar” y nosotros con el proyecto Punch no teníamos laburo y éramos malentedidos. Las canciones de Pedro y Pablo, anteriores, sumadas a algunas de Punch como La Jungla o La gente del futuro, armaban un combo que era mucho más propicio para trabajar en una época en que ya éramos padres de familia y no podíamos andar jodiendo. Además compusimos material nuevo para el álbum “Contracrisis” que fue bien recibido.

Jd: En 1980 Miguel vuelve de España con el grupo armado allá y comienza a tocar en algunos lugares pero creo que

su música era un poco adelantada para la época y el estilo New Wave todavía no había pegado en este continente.

Paralelamente comenzamos a tocar con el dúo en lugares chiquitos pero ante la demanda inusitada de un público que nos añoraba tuvimos que buscar lugares más grandes Qué músicos los acompañaron en esos recitales?

Jd: Nos acompañaban algunos de los músicos de la Cofradía como Quique Gornatti en la guitarra eléctrica, el baterista era Rodolfo García, Robi Pesino el bajista y había una sección de vientos que no recuerdo quiénes la integraban. La percusión a cargo de Carlos Casalla. Aunque tal vez la información la sepa mejor Miguel.

Entrevista a Pedro y Pablo | 23

foto: laura tenenbaum

Mc: Quique Gornatti en guitarra, que había surgido de la Cofradía y de Punch, Isa Portugheis en batería, luego reemplazado por Rodolfo García, Robi Pesino en bajo, Carlos Casalla en percusión y Claudia Puyó en coros.

foto: laura tenenbaum

Qué recuerdan de esos memorables presentaciones en el estadio obras?

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Jd: Yo recuerdo la ovación con que las 5000 personas que había nos recibieron, que me hizo temblar las rodillas y casi me caigo ahí mismo de emoción y tenía mucho miedo de que no me saliera la voz. También recuerdo la efervescencia que había en ese entonces a nivel político y el coro que constantemente cantaba el público, “Se va a acabar, se va a acabar... la dictadura militar”.

Mc: Ese clamor: “Se va a acabar, se va a acabar la dictadura militar” gritado desde los cuatro costados del estadio y conciertos que duraban casi tres horas que después se reprodujeron en gran parte de las provincias del interior. En Obras tuvimos invitados de lujo como Piero, María José Cantilo, Luis Millán en armónica y una sección de vientos con Bernardo Baraj y Beni Izaguirre. Fueron inolvidables.

Jorge, mientras Miguel se fue a vivir a españa vos formaste dos agrupaciones, cuáles eran y cuál era la temática de estos grupos?

Jd: En el ‘76 formamos con Eduardo Figueroa, Daniel Russo, Fernando González y un par de amigos más el grupo Melimelum con el que grabamos el LP homónimo en los estudios de CBS. Tuvimos algunas actuaciones pero debido al viaje del flautista y el baterista tuvimos que separarnos y cada uno siguió su camino pero el disco quedó como un elemento de culto para los entendidos. El disco reflejaba un clima bucólico y tranquilo con canciones en ritmos folk y algunos experimentos eléctricos con trabajos interesantes en las guitarras. Un poco más adelante grabé otro LP en vinilo qué se llama Celofán con el grupo del mismo nombre junto a Ricardo Nieva, Freechi Müller, Omar Piñeiro y otro tecladista que en este momento no recuerdo su nombre. Este disco contenía muchas canciones de Ricardo Nieva, alguna de Müller y solamente una mía (Lujuriando). Con el grupo Celofán incursionamos en ritmos pop con la curiosidad de que no teníamos baterista y usábamos una máquina de ritmo, además la formación se componía de dos guitarras, un bajo y dos teclados. Llegamos a tocar en el programa de Juan Alberto Badía.

Y cuándo decidiste convertirte en solista?

Jd: Lo decidí desde el primer viaje que realizó Miguel a España, por unos cinco años realicé mi solista. Qué seguí

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desarrollando en aquellos momentos en los que no trabajaba con el proyecto de Pedro y Pablo. después del ’82 se volvieron a separar y encarar otros proyectos, cuándo se juntaron nuevamente y por qué?

Mc: Nos juntamos primero en el ‘84 para grabar “Corazón Sudamericano”, luego en el ‘89 para festejar nuestros 20

años, en el Teatro Astros, junto al grupo peruano “Motonave Diógenes”, luego en el ‘90 grabamos un álbum en vivo con temas nuevos que se llamó “Pedro y Pablo No-Venta” y sólo se editó en cassette con una tirada limitada. La siguiente reunión fue en el teatro La Capilla en el ‘95 y luego en una serie de presentaciones en el Paseo La Plaza en el ‘97. También por ese entonces, en el ‘99 participamos juntos

en un musical llamado “Once Corazones” jugando los papeles de “los Palomitas Blancas” un dúo de antiguos tangueros. La Opera Tango Rock tenía música del Pollo Raffo, letra mía y argumento de Quique Morales. Oficié de director musical ante la ausencia del país de Raffo. En los 2000 estuvimos mucho tiempo separados hasta el 2008 en que nos volvimos a juntar para celebrar los cuarenta años de la salida de nuestro primer long play con un proyecto de ciclo en el Maipo que comenzó muy bien, con dos funciones a lleno y excelentes críticas, pero que se frustró por la famosa epidemia de Gripe A que llevó a los público a abandonar las salas por un tiempo. Luego en el 2012 comenzamos nuevamente a hacer giras y presentaciones grupales y fuimos llamados desde Israel para ofrecer allí un par de conciertos y en el 2015 grabamos en vivo “Pedro y Pablo en concierto” desde el Auditorio Belgrano, CD que fue editado por Che Discos y Fonocal con la inclusión del video de la actuación del Maipo 2009. La intermitencia de nuestro trabajo obedeció siempre a que yo me dediqué intensamente a trabajar con mi grupo como solista, grupo que después pasó a ser soporte de actuaciones y grabaciones del dúo.

Jd: En realidad desde el año ‘81 al ‘85 estuvimos trabajando intensamente creo que fue la época más importante de trabajo a nivel giras y producciones. Del ‘85 al ‘88 estuvimos inactivos o trabajando separadamente y en el año ‘88 nos reunimos con el motivo del festejo de los 20 años de la grabación de nuestro primer disco. Así realizamos un concierto en el teatro Astros y después volvimos a juntarnos en el año ‘90 donde grabamos “Pedro y Pablo No-Venta”.

Nuevamente en el año ‘95 o ‘96 estuvimos trabajando realizando giras en formato bastante underground. También realizamos algunas presentaciones en la primera parte del Siglo 21. Por ejemplo en el 2009 hicimos tres presentaciones en el teatro Maipo conmemorando los 40 años de la grabación de nuestro primer LP “Yo vivo en esta ciudad”

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reproduciendo fielmente los arreglos de ese primer trabajo con músicos en vivo, incluida la sección de vientos y la de cuerdas. Posteriormente en 2015 nos presentamos en el Auditorio de Belgrano.

foto: sandra calandrino

Y qué los llevó a juntarse nuevamente ahora?

Jd: La reunión actual obedece a la propuesta de Miguel de hacer un disco de Pedro y Pablo con un grupo de canciones que había compuesto y que le sonaban a PyP. Mc: Mi costumbre y dedicación a componer me puso en

cierto momento, hace tres de años, a descubrir que buena parte de mis composiciones tenían una rara aptitud para convertirse más en temas de Pedro y Pablo que en canciones del Miguel Cantilo. A pesar de haber grabado media docena de álbumes como solista en los últimos años, había cierta tendencia en algunas composiciones a inclinarme por retornar al formato dúo. En varias oportunidades previas le presenté a Jorge materiales que no le convencieron y sucedió lo mismo viceversa. Hace varios años que sabíamos que queríamos grabar temas nuevos pero no

dábamos en el clavo. Finalmente hace un año y algo más le presenté a Jorge un proyecto concreto: Le mostré una docena de temas especialmente compuestos en mis viajes por Latinoamérica y Europa para el dúo y le propuse trabajar en los arreglos vocales y complementos guitarrísticos, le pedí un tema suyo y me hice cargo de financiar la producción y el lanzamiento de forma independiente. La cosa funcionó gracias al aporte de Anael Cantilo en la producción y como técnico de sala. Él nos conoce bien porque es mi hijo y se crió escuchando al dúo, además por supuesto hace años que es un productor experimentado, tiene su propio estudio y comprendió lo que queríamos. cuáles son los proyectos para el futuro de ambos?

Mc: Yo tengo paralelamente varios proyectos, algunos aquí y otros en España. Aquí un musical que estoy escribiendo junto a Leo González, un excelente músico de Paraná, sobre un cuento tradicional oriental. También el plan de grabar con Kubero Díaz y Rubén Izarrualde un repertorio de trío acústico y vocal llamado “Tribu Sur” en base a canciones patagónicas creadas hace muchos años con música de Kubero y letras mías. En España tengo otro proyecto junto a Mariano Díaz, un talentoso pianista argentino radicado hace años allí, con la participación de Gustavo Gregorio en bajo, José San Martín, baterista uruguayo y Suilma Aalí, vocalista española. Tenemos una tercera parte del álbum ya grabada.

Jd: Seguir trabajando con el nudo en la medida que la demanda del público así nos lo permita.

Jorge, explicanos por qué creaste tu propio sitio web “Música a la gorra.com” y en qué consiste?

Jd: El sitio web musicaalagorra.com.ar, lo armé personalmente junto a un par de músicos amigos para ubicar allí nuestra obra musical y ponerla a disposición del público en general para que puedan bajar el material en formato MP3 o de alta calidad con la posibilidad de donar algún dinero si

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es de su agrado el material con la salvedad de que no hay obligación de hacer la donación. Se puede bajar todo gratuitamente incluido en algunos casos el material gráfico de los discos. Yo creo que en esta época el tema de vender en formato físico de la música ha caído en desuso y me parece que es interesante considerar a todo el planeta como una gran plaza donde vos estás cantando y los que pasan y escuchan si les gusta pueden tirarte una moneda. cómo está conformado el set de ambos?

Mc: Lo mío es algo muy sencillo: utilizo una guitarra Taylor acústica de seis cuerdas de acero y otra guitarra Yamaha Silent también de seis cuerdas de acero, un inear Senheisser y dos armónicas, una de Blues “Marine Band” en Sol y otra armónica Honner Cromática en Do. Jd: De acuerdo a la capacidad de producción del evento tenemos una formación con una banda completa y otro formato de trío donde nos presentamos Miguel y yo cada uno con sus respectivas guitarras y el agregado de un percusionista y/o un bajista.

Hay proyecto de disco nuevo?

Mc: No, más nuevo que este proyecto que estamos presentanto, esimposible. Recién sale del horno.

Jd: No, pero siempre está la posibilidad.

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Qué músicos los acompañan en este vuelta?

Mc: Sufián Cantilo en teclados, Federico Pernigotti en guitarra eléctrica, Anael Cantilo en bajo, Facundo Guevara en percusión, Rodrigo Genni en batería.También una sección de vientos con Martín Rur en clarinete y saxo y el Niño Andrés en trompeta y trombón. En algunas presentaciones vamos en un módulo reducido Pedro y Pablo con sus guitarras y voces y Patricio Prado, poli instrumentista, en percusión,flauta, charango, guitarra y voces.

Qué les dirían a los chicos que recién están comenzando en la música?

Mc: Les diría a todos esos chicos, que se preparen bien y que si no aman la música la dejen en paz. Pero si realmente la aman, que le hagan el amor todos los días.

Jd: Yo por mi parte, les diría que aprovechan las nuevas tecnologías de grabación que hay disponibles actualmente y utilicen todos los recursos en difusión por las redes y no abandonen su proyecto personal guiados por lo que su corazón y emoción musical les dicte.

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drAgÓn mogliA

Hace muchos años, cuando me dije “Voy a ser guitarrista, tocar rock y vivir como un músico”, encerré en toda esa afirmacion la esencia de lo queria ser el resto de mi vida, algunos fuimos muy afortunados de estar rodeado de la gente necesaria para poder recorrer nuestros caminos con acierto, no por ser “extraordinarios” sino por ser “insistentes” en nuestro foco. En aquel momento, casi por intuición, me imagine que trabajar de “plomo” sería una buena forma de acceder a los grandes shows y tener contacto con los musicos para aprender más cosas y tuve la suerte (después de “plomear” con muchos buenos musicos y bandas durante varios años en pubs, boliches, teatritos, clubs, etc… sin dejar de tocar la viola donde podía y con quién se dejara) a principios de los 80’s de entrar a trabajar de plomo en la banda de Juan Carlos Baglietto y ahí me explotó la cabeza… por la calidad de los shows, porque Juan te obliga a aprender y se compromete el a enseñarte a laburar, porque la banda que tocaba con el era de primerísima, porque el violero era Eduardo Rogatti y lo atendía yo (que lujo), porque ahí me trataron siempre como músico, o sea, me incentivaron directa o indirectamente a seguir siendo músico y porque a partir de ahí las cosas se encadenaron y se fueron dando en forma positiva para mi y finalmente laburar de plomo, me ayudó a realizar lo que buscaba. Luego de trabajar con Juan, fuí y vine como guitarrista de artistas increíbles, me fui a vivir a México y eso duró unos 15 años, de nuevo empecé trabajando de plomo y enseguida me ubiqué como músico… toqué con Tania Libertad, Armando Manzanero,

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“lo que bien se aprende, bien se lleva”. Para mi, uno es la mezcla de lo que se imagino que quería ser, lo que pudo hacer, lo que está haciendo y lo que planea hacer… por eso uno nunca empieza de nuevo… simplemente arranca una vez más. Por Dragón Moglia

Aureo Baqueiro, Willie Colón, Phil Manzanera, Pablo Milanés y un montón de artistas increíbles, grabé con tantos otros y viaje por USA, Sudamérica, Centroamérica, Caribe, Europa… luego toqué en Venzuela con una banda de merengue y salsa por más de un año y un día casi sin darme cuenta, volví a Argentina a trabajar con la empresa de Juan Baglietto nuevamente a hacer una producción de un evento gigantesco que el estaba haciendo en cancha de Vélez. Era por 3 meses y me quedé en Buenos Aires, otra vez “plomeando” y enseguida Eduardo Rogatti me da un empujón para entrar a la banda de León Gieco como guitarrista y me quedé otros 15 años tocando con él, viajando, compartiendo con una cantidad de musicos, infinidad de shows, grabando, componiendo, y disfrutando la vida de músico con la suerte de tocar con gente que admiro. Después de más de 35 años de dar las vueltas que fueran necesarias, me puse una nueva meta, la de venirme a vivir a Estados Unidos, instalarme en Los Angeles y seguir persiguiendo mi foco... Desde Buenos Aires inicié un largo proceso de trámites legales, trámites consulares, obtuve mis papeles de trabajo para Estados Unidos, saqué pecho, tomamos carrera y me vine con mi esposa y mi hijo a seguir nuestras ambiciones. Llegué a Los Angeles, me instale, me acomodé y la gran pregunta “por donde empiezo.?” y la respuesta fue inmediata…”por donde lo hice siempre.. de plomo”. Un amigo de siempre, Ernesto Corti (El Menor), que vive acá hace un montón y es un Iluminador, diseñador y hace producción con artistas enormes, me hizo una lista de lugares dónde podía ir

a dejar un curriculum, tanto de plomo como de músico.

Tomé eso y lo que encontré en internet y sali a la calle … ”hola que tal?... te puedo dejar esto?... hola buen día, mi nombre es tal... puedo ver al manager.?”…y asi.. todos los días con la motivación de siempre, con mucho entusiasmo y convicción. California, sol, todo muy lindo y todo nuevo… y un día sono el celular y me llamaron para una entrevista en una empresa muy buena, On Stage Rentals, que esta creciendo cada vez más, que empezó alquilando Backline y hoy también tiene mucho audio, hardware, mucho video y muuuuucho Backline… y desde que llegué que estoy trabajando con ellos ocupándome basicamente del Backline. Con On Stage Rentals lo que me pasó fue primero que me pusieron en contacto inmediato con instrumentos de primera línea, me tuve que poner a estudiar que eran estas cosas, como se usaban, como se armaban. En Estados Unidos tenes acceso a todo el material, es de primera línea, pero no para verlo en la vidriera, a lo que yo estaba acostumbrado en Buenos Aires, ahora lo tengo todo disponible, esta todo impecable, violas que no toqué nunca o las vi en fotos, todo tipo de acusticas Taylor, Gibson, Guild, Martin, Yamaha,… eléctricas de todos los modelos, los teclados que nunca ví, de nuevo armar los Hammond… impecables, pianos de cola, amplis de viola de todos los modelos y formas, equipos de bajo soñados,…las baterías más finas que vi, 50 modelos de redoblantes, sets y sets de platos y fierros... pedales, efectos, bajos de todos los modelos, anvils y estuches de cada cosa… en fin… me volví loco… Para mi fue arrancar otra

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vez, primero porque es tener acceso a todo, cada cosa con su respectivo estuche y accesorio como se debe, todo estaba impecable, todo probado, todo seteado… y así empecé de nuevo, poniendome al día. Con On Stage Rentals hago shows increíbles, seteo el backline de músicos tremendos, me dieron toda la confianza de encarar esta nueva etapa y lo mejor es que siempre teniendo en cuenta que soy músico,… cada show que hago el artista me da el lugar necesario para hacer mi trabajo sobre el stage como Guitar Tech, calibrar, encordar, afinar, setear, probar los instrumentos, ayudarlos en el show, etc… Y yo sigo aprendiendo, hice shows con artistas de Country Music que me volvieron loco… Los violeros son increibles... los asisto a ellos y aprendo un montón. Laburé en forma directa con sus seteos con Clay Walker, Kenny G, Alphaville, Jimi Cravity, Ty Dolla $ign, Mac Powell, Grammys Latino y varios otros. Casi de inmediato pude grabar las violas de un video y una producción de Andrea Vicich , una gran cantante compositora y productora que conocí hace mucho tiempo de gira con Tania Libertad y que trabaja en muchos proyectos desde Los Angeles. Ese proyecto “Abrázame levanta tus manos” se difundió en todo América y obtuvo reconocimientos de todo tipo. Gracias a eso obtuve un reconocimiento del Alcalde de Los Angeles, Eric Garcetti, por mi participación y en este momento estamos preparando con Andrea su nuevo disco de música para niños. También estoy en contacto fluido con proyectos en desarrollo con una empresa de San Francisco, 3 Lopez Production, que diseña audio y video para emprendimientos multimedia y en breve empiezo a trabajar en la música de “Can Move Vol.II”, música chillout para un programa de entrenamiento y ejercicios de rehabilitación física.

En el 2018 voy estar en el stand de Magma (MedinaMusic) ,apoyando a Carlitos Medina en el NAMM, el cuál ya me extendió su invitación.

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Leon Gieco va a garabar su proximo disco aca en Los Angeles en el 2018 y me pidió que le mande algún tema mío para ese momento y ya estoy trabajndo en eso también . Y seguramente seguiré armando backline para buenos shows con On Stage Rentals, lo cual de nuevo me motiva y me pone en contacto con lo que siempre quise hacer … “voy a ser guitarrista, tocar rock y vivir como musico”. Cuento todo esto porque el titulo de esta nota que les propongo leer es “Lo que bien se aprende… bien se

lleva”…y es así de cierto, como se los digo… cada vez que empiezo algo nuevo, por esas cosas del destino, porque la hoja del destino siempre esta latente y la inercia misma de las cosas, lo que aprendí a hacer bien, me acompaña siempre a todos lados y todo el tiempo…t odo suma en nuestro camino, cada laburo y cada experiencia que me toca es como sacarle punta al bocho, o sea, no se para jamás de aprender, aunque se empiece igual… se continúa en un camino nuevo.

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bAJo

ESCAlAS DESDE lA NOtA MAS gRAVE POSiBlE En esta primera oportunidad en la cual les escribo esta nota quisiera que comencemos a ver las Variables sincopadas sobre ii V i de do mayor usando el concepto del “walking bass” del jazz. Por Mariano Sívori

El siguiente ejercicio parte de la premisa de, evitar memorizar esquemas, como así también comenzar siempre desde la tónica en nuestras rutinas y/o prácticas.

La idea es tocar escalas desde la nota “más grave posible” de nuestro instrumento. Esta bueno circunscribir a una “zona” del bajo, al menos en un principio, para practicar. Después se puede tocar por todo el rango del instrumento. Vamos a identificar dichas zonas, a por ejemplo: Los primeros 5 trastes, los primeros 7 trastes, los segundos 5 trastes, etc. Ordenes propuestos para la práctica: (Por cuartas) C - F- Bb - Eb- Ab- Db- Gb- B - E - A - D -G (Por Terceras) C- Eb- Gb- A - B - D - F - Ab - Bb - Db - E - G Y tambien está C - E - G#- B - D# - G - Bb - D - F# -A- C# - F

En el ejemplo 1 encontrarán las escalas mayores en los primeros 5 trastes (la idea es tocar todas las notas “pisadas”, evitando las cuerdas al aire). Salvo obviamente: E o B (en un 5 cuerdas) y en el ejemplo 2 encontrarán las escalas menores melódicas en los primeros 5 trastes.

De esta forma pueden practicar escalas mayores, memores armónicas, melódicas, los modos dentro de la escala Mayor, los modos de la menor melódica, etc.

Practicarlas en negras, corcheas, corcheas swing, tresillos y semis! Recuerden que la idea es llegar a tocarlo fluido, no ir en búsqueda de velocidad alocadamente, darse tiempo para pensar las notas, relaciones interválicas, etc. La búsqueda es entrenar tanto nuestros dedos como nuestro cerebro.

El bajista y compositor Mariano Sivori egresó del Conservatorio Nacional y del Bass Collective of New York. Grabó y tocó con Esteban Sehinkman, Ligia Piro, Juan Cruz de Urquiza, Ernesto Snajer, Mariano Loiácono, Pablo Rodríguez, Manolo Juárez, Les Amateurs, Alejandro Demogli y Diego Schissi, Escalandrum y el Ensamble Real Book Argentina. Mariano Sivori recibió un subsidio del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias, para grabar su primer disco solista, No dogma (BAU). Completan su sexteto Ramiro Flores y Gustavo Musso (saxos), Lucio Balduini (guitarra), Cirilo Fernández (piano) y Daniel Piazzolla (batería).

Miembro de la multipremiada banda Fernández 4.

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guitArrA

Por Daniel Corzo

FRASES ChORD-MElODy (PARtE V) En esta ocasión les mostraré 3 las frases chord-melody pero en Am7, una tonalidad diferente a la que vimos el mes pasado. las digitaciones son sólo sugerencias y puedes probar otras que te resulten más cómodas.

Seguimos en esta ocasión explorando la improvisación chord-melody. Esta vez vamos a trabajar frases de resolución, armonizadas para ser utilizadas en este estilo que nos resulta tan atractivo a los guitarristas de jazz. Los 4 ejemplos del presente artículo están escritos en la tonalidad de Do Mayor, así que la resolución se da cuando aparece la siguiente progresión: V-I, entonces en esta escala esos acordes son G7 – Cmaj7. En las cuatro frases encontrarás sustituciones, tensiones y alteraciones típicas de Dominantes Resolutivos en el acorde G7. Observa, analiza, experimenta con ellas y si necesitas, haz tu consulta al respecto (a través de la revistas, el canal de Youtube, o mi página de músico en Facebook) para ser evacuadas esas dudas en futuros artículos. Como siempre, prueba de tocar estos ejemplos con dedos y con púa.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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BASES CONCEPtuAlES DEl BAjO Este es un terreno muy interesante para el debate, ya que aún persisten discrepancias, que por un lado tienden a confundir al aprendiz y por el otro enriquecen el debate aportando distintos puntos de vista. Por igor Saavedra

Entendiendo una base conceptual como “El concepto en sí mismo”, y a la vez definiendo semánticamente la palabra “concepto” como la esencialidad funcional de algo, ya que esta palabra tiene una diversidad de significados, plantearé entonces mis ideas y mi análisis. La base conceptual de una pelota es que fue hecha para rodar, la de un avión es que fue hecho para volar, la de un cañón es que fue hecho para disparar, y por supuesto, la base conceptual de un instrumento musical es que fue hecho para “sonar”.

Es por esta razón entonces que partimos de esta base para adentrarnos en la especificidad de nuestro instrumento. Siendo obviamente el Bajo eléctrico un instrumento musical, fue entonces “hecho para sonar”, pero habiendo ya definido a qué instrumento musical nos referimos en particular, entonces habrá mucho más que decir. Lo mismo podríamos hacer con una pelota, ya que puede ser de Fútbol, de Basquetbol, de Tenis, etc., o con un avión ya que podría ser de pasajeros, de carga o de guerra.

mento ni del instrumentista a plenitud. Mi opción sin duda alguna es la segunda, y mi fundamento es simple y a la vez claro, ya que un bajista puede perfectamente tocar miles de canciones eficientemente sin tener la menor idea o noción de lo que es un acorde o una escala y sin tener la más mínima habilidad auditiva en lo que respecta al reconocimiento de intervalos melódicos o armónicos, para eso basta con que se aprenda de memoria la cuerda y el espacio donde va a tener que tocar las fundamentales de cada acorde, aun cuando ni siquiera sepa qué significa eso, pero ineludiblemente y aunque sea en forma completamente intuitiva, deberá tener las habilidades rítmicas mínimas que le permitan por lo menos tocar esa simple nota sin apurarse o atrasarse y en el lugar del continuo témporo-espacial que corresponda. Bastará sólo con esta habilidad para que se pueda decir con propiedad “Aquí hay un bajista con el que se puede tocar”.

El Bajo eléctrico fue sin duda propuesto en su origen para sonar con frecuencias bajas, de lo cual surge una de las preguntas fundamentales de la filosofía…, ¿Para qué?, o planteado de forma más extensa, ¿Para qué se necesitaba que aportara predominantemente ese rango de frecuencias? Las respuestas pueden ser muchas, como por ejemplo: Para que se diferenciara de los demás sonidos o quizás para solazar el gusto de su creador (Paul Tutmarc) y aportar así con un nuevo timbre al espectro sonoro de la época, etc. Estas conclusiones se me hacen un tanto idealistas, ya que la realidad es menos romántica, debido a que el Bajo eléctrico fue específicamente creado como una solución a un problema práctico de mediados del siglo veinte, cual era el del enorme tamaño de los contrabajos y la necesidad de suplirlos, su dificultad para amplificarlos (con la consiguiente desventaja sonora en las mezclas finales), y la dificultad de sonar precisamente afinados respecto de instrumentos como el piano y las guitarras. De hecho, de esta imprecisión de afinación del contrabajo es que surgió el nombre del ya bien conocido “Fender Precision Bass” pequeño y liviano (comparado con el contrabajo), fácil de transportar, perfectamente afinado ya que tenía entrastadura, mucho más económico, y lo más importante de todo, con un sonido fácilmente audible, aun por el oído más lego en la materia. En este momento considero de vital importancia acotar que en ningún caso el Fender Precision fue el primer Bajo eléctrico entrastado de la historia, pues su importancia fue más bien la de popularizar nuestro instrumento 15 años después del verdadero primer Bajo eléctrico de la historia, el Audiovox Model 736 Bass Fiddle creado por Paul Tutmarc.

La opción inversa no hace más que reafirmar mi posición al respecto, ya que si tenemos un individuo que se sabe todos los acordes y escalas del mundo, que maneja todas las técnicas habidas y por haber, pero que no es capaz de sostener un pulso o de tocar en los lugares del continuo témporo-espacial correspondientes, nunca podremos decir que estamos en presencia de un bajista con el que podemos tocar. De hecho siempre suelo decirles a mis estudiantes que este instrumento se puede tocar perfectamente bien con sólo una o dos cuerdas, de preferencia el E y el A, y con un dedo en cada mano, mientras cada nota y cada línea esté llena de “groove”, que no es más que la puesta en acción del sentido rítmico en su máxima expresión y por supuesto les ejemplifico la situación tocando de esa manera. La obvia antítesis que surge aquí es la de preguntarse “¿Acaso eso que dices no aplicaría a cualquier instrumento?, y de hecho se podría decir que es así, pero en la práctica no lo es, pues con una gran convicción que proviene de haber visto y escuchado mucho y por muchos años, puedo asegurarles que una fragilidad y/o inconsistencia rítmica proveniente del Bajista o del Baterista no tiene relación alguna en términos de magnitud, importancia, consecuencias y “afectación del todo sonoro” que una fragilidad rítmica proveniente del saxofonista o de cualquier otro instrumento que tenga por función primordial la de proveer acordes y melodías.

Hemos establecido entonces “La base conceptual del instrumento propiamente tal”, pero aún nos falta lo más importante…, “La base conceptual de su función”, la que no podemos apartar del bajista propiamente tal. Esto quiere decir que “La base conceptual de la función del Bajo eléctrico” en alguna manera define “La base conceptual de la ejecución bajística y del bajista como tal”. El debate es grande a este respecto, ya que una corriente postula que el instrumento en términos funcionales es eminentemente armónico y la otra corriente postula que el Bajo eléctrico es preponderantemente rítmico.

La primera opción se apoya en el hecho que el Bajo eléctrico toca las tónicas o fundamentales de cada acorde, por lo tanto define cada acorde y el curso de las progresiones en un grupo musical, lo que lo transformaría en un instrumento conceptualmente armónico. En lo personal esta corriente de análisis me parece sumamente simplista ya que establece el obvio rol que tendrá el Bajo dentro cuando se asocia a otros instrumentos, que por supuesto será el de tocar notas de baja frecuencia, lo que le da su nombre, argumento no menor, pero que a mí parecer no refleja el carácter del instru-

Pienso que en estas líneas, que sólo son el reflejo de la opinión de quien aquí escribe, ha quedado meridianamente clara cuál es la base conceptual de nuestro instrumento y de su función y por ende de un bajista. Es por esto que considero una aberración enseñarle por ejemplo a un estudiante en su primera clase de Bajo eléctrico la escala de C mayor, o peor aún, tenerlo estudiando un libro de solfeo por más de un año, sin que él siquiera pueda seguir con exactitud y/o con “groove” un simple pattern de cumbia.

Como en todo edificio, hay que comenzar por los cimientos, por los sótanos y estacionamientos, para luego ir construyendo y agregando los pisos siguientes, el lugar por el cual comencemos será un condicionamiento “a fuego” en el subconsciente del futuro bajista, quien tendrá en todo momento presente cuáles son sus cimientos y dónde no se puede permitir flaquear.

Como en El Cosmos.., es el tiempo el que contiene al todo.., no a la inversa…

Eso es todo, mis amigos.., nos vemos en la próxima..!!!

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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ProducciÓn

tiPS DEl PRODuCtOR “tocar gratis vs. No tocar” he allí la cuestión. El deseo que siente un artista de tener éxito los lleva a tomar malas decisiones que no resultan ser lo más adecuado para alcanzarlo. Por julio Elorza

Tomando en consideración que la oferta profesional es extremadamente competida y que posicionarse de manera destacada en la industria de la música es un tema complejo, no es ningún secreto que es necesario contar con recursos económicos extraordinarios para poder costear un efectivo mercadeo de los artistas nuevos y sus producciones musicales. Históricamente esto hace que muy pocos lleguen a alcanzar el tan anhelado “Estrellato”. La frustración de los músicos, sumada a la ansiedad que les produce el hecho de sentir que se les dificulta lograr el éxito es aprovechada de forma maliciosa como toda circunstancia adversa por terceros que se sirven de sus talentos para ganar grandes sumas de dinero de manera injusta y disfrutar de un prestigio que en realidad no les corresponde. Son muchos los beneficiados en esta distorsionada y abusiva conducta. Sin embargo quiero referirme de manera explícita a ciertos lugares nocturnos que condicionan exageradamente a los artistas y hasta los obligan a pagar tarifas absurdas para presentarse en sus comercios y también pretendo aludir a algunas empresas e instituciones que demoran groseramente las cancelaciones de sus honorarios pactados por los trabajos contratados.

Desde mi llegada a Buenos Aires he leído con frecuencia publicaciones en las redes sociales donde músicos de mucha trayectoria profesional se quejan por el atraso o la falta de cancelación de sus honorarios profesionales tras haber desarrollado sus presentaciones en eventos públicos y en centros culturales. También mencionaré que he visto con preocupación y desagrado que en los lugares nocturnos que presentan bandas generalmente integradas por músicos jóvenes que se están iniciando como profesionales o que desean hacer conocer sus trabajos, abusan abiertamente de las condiciones que les imponen para su presentación. Voy a poner un ejemplo: En estos días pude leer la siguiente atrocidad en una red social. Lo que voy a transcribir corresponde a la respuesta que le envió el programador de un local nocturno de la ciudad de Buenos Aires a un chico que junto a su banda le hicieron una solicitud vía mail para presentar su trabajo musical al público. (Cito Textualmente): “El alquiler por 1 hora de show te sale en $ 1.500.

Para que recuperes esa Guita (dinero), te doy 100 entradas para que las vendas al precio que tú quieras y el resultado es para la banda. (En puerta el lugar cobra $ 40 por consumición obligatoria). El costo mencionado te incluye: Escenario montado, Telón, 1 Sistema por lado, 2 Mezclas de monitoreo, Mesa de 24 canales, Backline completo (2 Amplis de Viola, 1 de Bajo y Bata de 5 cuerpos), Operadores de sonido, Camarines, Seguridad, Publicidad por Facebook, SADAIC cubierto, Local habilitado para shows, Capacidad 100 personas. Cualquier detalle llamame, etc, etc.” (Fin de la cita).

Tratemos este asunto en contexto mis queridos lectores porque cuando leí esto Confieso que me sangraron los ojos: Es lamentable que sean tan frecuentes, estas imposiciones, al punto que hoy día se consideren como normales. Sin embargo particularmente como profesional de la industria musical opino que esto es un verdadero atropello en perjuicio de los músicos que tienen aspiraciones y talento suficiente para convertirse en grandes artistas. Dicho esto saquemos unas cuentas muy sencillas: El comercio cobra previamente a los músicos $ 1500 para usar sus instalaciones a los cuales sumaremos $ 4.000 por concepto de la consumición obligatoria que se le exige pagar a cada una de las 100 personas que permite el aforo del local. Esto dará como resultante a las claras que el local no solo NO pagará por los servicios profesionales de los músicos para amenizar su negocio, sino que sino que percibirá $ 1.500 solo por ceder el espacio a la banda, aumentará su prestigio a costa de su trabajo gratuito atrayendo clientes con una oferta de amenities de música en vivo que solo por concepto de consumición mínima que le

asegurarà $ 4.000 màs para un total de $ 5.000 solo por responder un e-mail. Habría que destacar que consumo mínimo descrito es ridículo. Ya que con $ 40 no se paga el costo de una Coca en un Maxi Kiosco. Creo que el consumo normal en teoría al visitar un lugar nocturno con música en vivo en Buenos Aires no debería bajar de $ 200 pesos por persona. Lo que hace que la facturación total de este establecimiento se incremente de manera exponencial a $ 20.000 ( Cifra muy atractiva considerando el alto profit de comerciar bebidas y alimentos). Respecto a los equipamientos ofrecidos en esa oferta engañosa no hay nada que discutir. Un local que pretenda albergar espectáculos musicales en vivo debe contar con todos esos elementos para hacerlo posible. Nadie puede alquilar un Telón. (Por favor). Cobrar a los músicos por el equipamiento de iluminación y sonido en lugar de pagarles por hacer su trabajo como un derecho, es como cobrarle al chef el uso de la cocina y sus equipos para hacer la comida de un restaurant. Cobrarle a una banda por usar los equipamientos con que debe contar según su objetivo es absurdo y reprobatorio bajo todo punto de vista.

Ahora bien. Voy a meter el dedo muy profundo en la llaga y me perdonan lo soez de mi expresión. Y lo haré porque considero que si una persona plantea un problema, está obligado al menos a aportar una posible solución. Hay un refrán que dice: “El ciego no siempre tiene la culpa. La culpa es de quién le da el palo”. Con esto quiero referirme a que el músico es un profesional como lo es un médico, un arquitecto, un Comunity Manager o cualquier otro que se dedica a desarrollar una habilidad a través de interminables horas de estudio y pràctica. Y que además posee un don especial que es la alta sensibilidad con la que nace y lo hace un ser extraordinario y poco común. Hacer música es una de las profesiones más difíciles y sacrificadas pero también una de las más gratificantes que puedan existir y vos tenés la suerte de haberla elegido. Bien o para mal y me parece que esto ocurre es porque el propio músico no se da su lugar ante sus necesidades o aspiraciones y lo permite que lo abusen de esa manera. La gran solución de este asunto es muy polémica pero a la vez es simple, taxativa y determinante: “No cobras, No trabajas”. Y punto. Como lo hace el Medico, como lo hace el Ingeniero, como lo deberías hacer vos. Todo este abuso que se ha instaurado en torno al tema que tratamos hoy en esta columna no habría sido posible si tantos músicos por cubrir sus necesidades no admitieran trabajar sin cobrar, cobrando meses después o peor aún, teniendo que pagarle a un establecimiento comercial que muchas veces se encuentra en condiciones precarias para tocar como pasò por ejemplo hace unas semanas y cuya experiencia les comentè en la edición anterior de la revista GBAR. Les sugiero que sean fuertes ante sus necesidades aunque entiendo que no es fácil.

Pero que por lo menos lo intenten y se den su valor. También que se organicen en un gremio sòlido para oponerse a ser contratados en condiciones precarias. Que busquen el apoyo de otros profesionales de la industria y que si no se sienten aptos para negociar sus actividades busquen y les sugiero que contraten quienes lo hagan por ustedes. Si así lo hacen todos los músicos profesionales ¿porque no hacerlo ustedes si pretenden también ser profesionales algún dìa?. Estoy seguro que si estos lugares se ven sin la posibilidad de tener música en vivo gratuita van a tener que pagar lo que por derecho le corresponde como profesionales.

Pueden escribirme a mi correo elorza.jazz@gmail.com para compartir conmigo sus experiencias y hacerme sus consultas que con gusto les responderé de vuelta.

Julio Elorza es productor ejecutivo de Ávila Entertainment Group. Creador del Caracas Jazz Festival y manager /productor de artistas de gran trayectoria como Maycown Reichembach, Quantum Orquestra, Eros Ramazzotti´s Cover Band, entre otros.

Contacto: AEG.argentina@gmail.com

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VARiABlES SiNCOPADAS En esta primera oportunidad en la cual les escribo esta nota quisiera que comencemos a ver las Variables sincopadas sobre ii V i de do mayor usando el concepto del “walking bass” del jazz. Por Nicolás Migliavacca

Siempre digo lo mismo, la información armónica esta en el jazz, la armonía es una sola, si uno la comprende luego es ejecutar ciertos recursos modificando la rítmica dependiendo el genero musical. En este ejemplo utilizo patrones como el “Pattern Coltrane” (T 2 3 5 ), nota de paso en el 4to. pulso o Y del 4.

Nicolás Migliavacca es bajista, docente, sesionista.

Se inicio sesionando para David "Pitufo" Ros (Ex abuelo de la nada), trabajo junto a Edu Giardina, German Damianich, Sebastian Persini, Mariano Vega, entre otros. Actualmente trabaja junto a su novia en "Anto Francesca" y en Maycown Reichembach Group.

Mas info: Fanpage/Youtube

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SlAP CON CuERDAS Al AiRE ligADAS En esta oportunidad veremos un ejercicio de Slap con cuerdas al aire ligadas a notas ascendentes. Por Nicolás Vilchez

Como ya sabemos, el en la técnica de Slap existen infinidad de recursos que con el tiempo se van perfeccionando y a la vez sumando nuevos.

Referencias: T = slap thumb (pulgar mano derecha) P = Pluck (índice mano derecha)

Nicolás Vilchez es el actual bajista de Malopa Quasar, oriundo de la provincia de Entre Ríos donde comenzó sus primeros paso en la música. A los 10 años comenzó tocando guitarra, a los 16 con el bajos eléctrico y a las 18 escucho a Jaco Pastorius y Victor Wooten quienes lo inspiraron en su decisión de formarse como bajista. Actualmente da clases y se encuentra en varios proyectos musicales de diversos géneros lo cual lo lleva todo el tiempo a seguir formándose y perfeccionando su desempeño musical.

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ARMóNiCOS DE ARPA inspirado por Chet Atkins, lenny Breau (guitarrista estadounidense pero criado en Canada) invento unos nuevos armónicos llamados en ingles “harp harmonics” o armónicos de arpa. Por juampy juárez

Estos son una combinación entre notas naturales y armónicos octavados. Tienen que tocar en el casillero doce con todas las cuerdas al aire, así que es fácil. Tocan la cuarta cuerda al aire con el dedo meñique o el anular derecho (esta es una nota natural, no un armónico) y entonces hacen un armonico octavado (el índice derecho extendido sobre la cuerda, apenas apoyado y percuten esta misma con el dedo pulgar derecho) en la cuerda sexta también en el casillero doce. De esta forma van hacen lo mismo en las tercera y quinta cuerdas, en las segunda y cuarta, y en la primera y tercera. Una vez practicado este loop o patrón lo trasladan a los acordes de la lección. Tienen que tocar lo mismo que tocan en el acorde pero doce trastes mas arriba, siguiendo la forma del acorde. Si el acorde esta en el casillero cinco uds tocan el casillero diecisiete para los armónicos. Las notas naturales seguirán en el casillero cinco. Esto puede ser tocado también siete casilleros más arriba y cinco mas en vez de doce. Espero que puedan sacar provecho de esta técnica maravillosa ideal para intros y finales.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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FiguRAS PRÁCtiCAS Quiero mostrarles una figura que ha sido usada a través de los años por guitarristas como: BB king, Steve Ray y muchos otros, que han sido “usuarios” de este fantástico lick. Por Arturo Mawcinitt

Todo se desarrolla en la tonalidad de A. El objetivo es, tener una herramienta que suene muy blues, y que además se pueda tocar sin restricciones mayor-menor sobre un acorde de Dominante 7. Esta lección está dirigida a intermedios y avanzados. En el ejemplo 1. Tenemos la figura básica de la escala pentatónica mayor, y son las notas de: F#, A y B. En el ejemplo 2. Agregaremos la nota de C (que es la 3b de la escala) y ya ahí, en esa posición se siente el ambiente mayor-menor del que hablamos anteriormente. En el ejemplo 3. Transportamos la figura a la 3ra cuerda, esto es para disminuir el impacto de tensión que se siente en la yema de

los dedos en la 1ra cuerda, al hacer el bend. El ejemplo 4. Ya estamos haciendo un bend de un tono completo, un sonido muy blues. En el ejemplo 5. Ya el bend puede ser de 2 tonos y para el ejemplo 6. Te puedes ir a Full, eso sí; en las yemas de los dedos se puede sentir la cuerda, mas para los valientes que usan calibres del .013 en adelante.

Hasta aquí mi entrega, no dejen de seguirme en mis redes sociales, busquen Mawcinitt y seguro aparezco, espero saludarlos en la próxima.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

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SuBStituCiONES MElóDiCAS CON CuARtAS y SExtAS una técnica común para los pianistas y poco usada por los guitarristas es la substitución de la 5ta. nota del acorde por una 4ta. y/o una 6ta. dando así acordes de una sonoridad diferente. Por Maycown Reichembach

El en ejemplo 1 escribí el campo armónico mayor (tónica, tercera, quinta y séptima) de la manera estándar (guitarristicamente). En el ejemplo 2, substituí la quinta del acorde por la cuarta, respetando los intervalos; todos tendrán cuarta justa menos el “Lidio” que tendrá #4. Y en el ejemplo 3 substituí la quinta nota del acorde por la sexta, obteniendo una sonoridad más “abierta” y menos guitarristica, por consecuencia diferente. En todos los acordes mayores la sexta es mayor, y en los acordes menores salvo el dórico, todas las sextas son menores. Vean el video en youtube para mayor entendimiento de la técnica. Cualquier duda escríbanme a: maycown@gmail.com ¡A estudiar!

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

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exPomuSic 2017

Aprovechando mi gira por el país vecino, fui invitado a participar de la feria y les traigo todas las novedades. ExpoMusic es una de las mayores ferias musicales de latino América el centro de atención en el mes de Octubre. Realizada en la ciudad de San Pablo, Brasil. Por Maycown Reichembach - Fotografía por Fernando Pareta

la primera impresión que tuve, después de ya haber ido muchas veces a la expomusic es que su tamaño ha disminuido, es decir las economías han afectado al mercado musical. Pero por suerte el nivel de equipamiento seguía siendo muy interesante, similar a las ferias internacionales de Namm (usa) y Frankfurt (alemania). los primeros dos días de la feria son para empresarios del sector, es decir para hacer negocios, y desde el viernes a domingo para el público en general, que realmente colmó el lugar, al tal punto de no poder caminar en ciertos sectores. una de las empresas que tuvo un gran stand es sGT Guitars, guitarras de precios accesibles y visualmente muy llamativas, teniendo modelos telecaster, stratocaster y les Paul. la monstruosa marca Tagima mostró sus nuevos modelos (ver foto) donde presentó su nueva pala de sus guitarras, más al estilo de las guitarras Tom anderson (por decirlo así), con un stand muy vistoso y muchas promotoras bonitas “custodiando” los instrumentos. uno de los destaques de la feria son las guitarra Premium de la marca delaet. Guitarras con un aire a “vintage” pero una construcción diferente, maderas seleccionadas, totalmente brasileñas. con un hardware Gotoh y/o schaller y pinturas sa-

El stand de Guitarras Delaet, una de las atracciones

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tinadas. el ceo de la marca, Miguel delaet, me explico los beneficios y cualidades únicas de sus instrumentos. Por ejemplo la técnica de "compensación" que ayuda a la afinación, para que la tercer cuerda (que casi siempre no afina) sin tener que usar el sistema de trastes “torcidos” u otro mecanismo, tener un afinación casi perfecta. además la marca tiene su propia línea de cervezas artesanales. otro punto importante de la feria fueron los instrumentos para orquesta, marcas brasileñas que diseñas dichos instrumentos, en lugar de importarlos, eso indirectamente resulta en un mayor acceso en el sentido precio.

Muy interesante el corno en color blanco (ver foto). Marcas como Zildjian, elexir, Yamaha, d´addario, evans, Roland, Pedrone tuvieron sus stands colmados de gente. los amigos de Fuhrmann fueron otra atracción, presentaron nueva línea de pedales, con otra tecnología de procesadores, y su stand fue uno de los más concurridos, donde hubo pequeños shows y demostración de todos sus pedales. siempre las ferias musicales son un lugar donde podes encontrar lo mejor en equipamiento, cruzarte con algunos de los músicos más reconocidos y sobre todo estar en la vanguardia de las novedades de la industria internacional.

Muy grosso el corno blanco de Orchestral Instrumentas

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Imposible no pasar por el fabuloso stand de Tagima Guitars

Stand de SGT Guitars

Cual SGT Guitars iremos a probar?

En medio de un mar de gente ansiosa por probar los pedales Boss en el impresionante stand de Roland

Stand de Rozzini Guitars

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Stand de Amplificadores Pedrone

Probando pedales Fuhrmann en su stand

Expomusic 2017 | 45

mArShAll AS 100d

Las guitarras acústicas son, como sabemos, criaturas educadas. Hablan en tonos civilizados, no molestan a los vecinos, y no despertarán a tu bebé dormido. A veces, sin embargo, es posible que desee que su acústica grite como un borracho, y para esos momentos, está el AS100D. Tiene un aspecto Marshall típico, pero en el cuero marrón que distingue el rango acústico de los amplificadores para eléctrica eléctricos siempre negros. El panel frontal inclinado está equipado con una amplia gama de controles, y eso es porque el amplificador está equipado con no menos de cuatro canales, y

Para todos aquellos que no lo saben o que no han apoyado la nariz en la vidriera de una tienda de instrumentos en años, les contamos que existe un amplificador acústico con 100 watts, con cuatro canales, efectos digitales y dos parlantes! Conozcamos al Marshall AS100D. Por gyB.ar

forma, esencialmente, un mini sistema de amplificación de sonido. El canal uno, destinado a ser el canal de la guitarra principal, tiene una entrada de conector estéreo y un ecualizador de tres bandas con una parte central que se puede arrastrar, por lo que puede cortar e impulsar justo donde lo desee.

Además de ser adecuado para una segunda guitarra o un micrófono, el canal dos se puede utilizar para vincular al canal 1 en modo estéreo. Con el botón Link Ch1 presionado, el volumen y el ecualizador de dos bandas controlan la señal del conector estéreo conectado al canal uno. El canal tres es un

canal XLR único, destinado a micrófonos, y es el único canal con control independiente sobre los niveles de efectos internos y externos, sugiriendo que está destinado a ser el canal principal para voces.

El canal cuatro es un canal auxiliar. Todo lo que tenés es una entrada estéreo RCA y un control de volumen, por lo que es ideal para conectar un reproductor de MP3 o algo similar.También hay una variedad de controles que afectan a varios canales o a todos; un filtro de muesca con, inusualmente, dos controles separados, lo que significa que podés minimizar dos frecuencias problemáticas en caso de retroalimentación, y una sección de efectos digitales. En este último se puede conectar y desconectar con un botón del panel frontal, al igual que el loops de efectos externos, pero ambos pueden al parecer cambiarse con el interruptor de pedal suministrado. La buena noticia es que este amplificador Marshall AS 100d tiene un excelente sonido para guitarras acústicas. caRacTeRísTicas 50+50 Watts de Potencia 4 canales Entradas: 4 + AUX & XLR Chorus y Hall digitales Reverb Digital Volumen x 3, Sweep x 2, Aux Volume, Master Controles FX: FX min x 2, FX Adjust x2, FX Level Ecualizador: Bass/Treble x 2, Mid, Mid freq Efectos: Chorus, Reverberación, Flanger, Delay, Modulation, Anti feedback.

2 parlantes Celestion de 8” y 2 twetters.

Dimensiones: 605 x 530 x 270 mm.

Peso: 21 Kgs

46 | Marshall AS 100D

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