Guitarristas y Bajistas Magazine #62

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DiSCOS COMPACtOS - Página 06 LA OtRA MiRADA DE JOtA MORELLi - Página 07 ENtREViStA A FLOR GiAMMARCHE - Página 08 GREtSCH GuitARS - Página 10 ENtREViStA A JOHN StOwELL - Página 12 SHAwN LANE - Página 15 ENtREViStA A VitiCO - Página 22 VOy A SER bAJiStA! - Página 28 bE wAtER My FRiEND - Página 30 MARSHALL LiFE StyLE - Página 34 EPiPHONE HiStORy - Página 44 yAMAHA tRbX 174 - Página 45 CóRDObA GuitARS - Página 46

SuPLEMENtO tÉCNiCO DANiEL CORZO - Página 35 iGOR SAAVEDRA - Página 36 NiCOLáS MiGLiAVACCA - Página 37 MAyCOwM REiCHEMbACH - Página 38 JuAMPy JuáREZ - Página 40 SiLViO GáZQuEZ - Página 41 bRuNO LADiSLAu - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Daniel Corzo Igor Saavedra Silvio Gázquez Juampy Juárez Bruno Ladislau Mariano Sívori

04 | Editorial

Año 12º - Nº 62 | Septiembre 2018 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.b.A y Gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

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909 BEAtlE BAND Tomado del nombre del tren que pasa en uno de los temas del álbum Let it be, 909, es uno de esos trenes que no hay que dejar pasar. Otto Gross en la guitarra y en la voz principal, Juan Martin Ledesma en guitarra líder y en segunda voz, Fabián Palermo en bajo y coros y Eduardo Kiss en batería y coros, nos llevan a recorrer en tiempo y espacio por los bares de Liverpool, pasando por todos los álbumes y simples y alguna que otra canción inédita que nos devuelven a la gran década del ‘60, donde empezó todo. 909 toma forma cuando dos proyectos musicales se juntan, Otto y Juan por un lado y Eduardo y Fabián por el otro. Estos últimos provienen de un proyecto llamado Polythene Band donde venían trabajando en los bares de zona norte. Polythene Band a fin de año se separa y las vueltas de la vida, o de la calle, un día se cruzan con un dúo callejero que acustizaban los temas de los Beatles llamado “zapado a la antigua”. No dudaron en juntarse y así comenzó todo.

“Para mí Los Beatles plantean un estilo de vida, una forma de ver el mundo y una herramienta para poner el amor por delante de todas las cosas, son una puerta a los secretos de la felicidad” dice Otto, el cantante de la banda.

“Tratamos de ser lo más simple posible, hay muchas bandas tributo y muy buenas por si acaso... que se visten y copian desde la forma de pararse en el escenario hasta usar los instrumentos más parecidos a los originales. Nosotros tratamos de sonar prolijos, ser en cierta forma informales y trasmitir alegría, euforia, pienso que a veces podes estar muy equipado, pero si no trasmitir, no sirve..” opina Fabian, el bajista.

909 se presentaran el martes 25 de octubre 21hs en The Cavern, cuna Beatle de Buenos Aires. Más info en www.facebook.com/909beatleband/

FINAlIStA ArgENtINO EN El CONCUrSO DElAEt gUItAr ShOw DE BrASIl Se realizó el pasado 18 de Agosto la final del concurso Delaet Guitar Show en Sao Paulo, Brasil. El guitarrista Marcelo Bel fue el único Argentino que clasificó en la final. Junto a otros eximios instrumentistas de todas partes de Sudamérica hicieron una final emocionante en el EM&T Escola de Música e Tecnologia (una de las escuelas de música más prestigiosas de Brasil). Cada participante defendió su obra musical delante de un auditorio lleno de espectadores y de un jurado muy exigente. Si bien Marcelo no obtuvo el primer premio, el jurado eligió su composición como la mejor del concurso.

NOVEDADES FAMA MUSIC Nuestros amigos de Fama Music, nos complacen en informarnos que ha llegado l país las guitarras PRS Multi-foil. El mítico modelo que usaba Gustavo Cerati. Diseñada con un acabado ofrecido por PRS a finales de los ‘80s, esta Multi-Foil es un guiño al pasado, pero manteniendo un look muy actual. Para más info dirigirse a la web del importador en www.famamusicgroup.com

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Novedades | 05

discos compactos

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográficos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición.

FlOr gIAMMArChE PrESENtA tAllO VOlAr La compositora y guitarrista Flor Giammarche lanza “TalloVolar” (independiente), su primer disco solista, en el que conviven temas de raíz folclórica y el género canción. Dice Flor Giammarche: “El nombre del disco es una amalgama de tierra y aire donde conviven pasado, presente y futuro. Porque el tallo es un eje que emerge de las raíces y hace de puente para lo que luego serán flores, hojas o frutos. Este trabajo se nutre de los orígenes, mira al mañana y sobre todo habita un hoy que elige volar en libertad”. El repertorio de “TalloVolar” está centrado en siete temas propios, más cuatro versiones de composiciones de Raúl Carnota, Fernando Cabrera, Nano Stern y Luis A. Spinetta. Participaron de la grabación del disco: : Julieta Lizzoli, piano y coros; Colo Belmonte, batería y percusión; Pablo Giménez, bajo, contrabajo y bajo Fretless; Nora Sarmoria, piano; Pedro Rossi, guitarra y voz; Susy Shock, voz, Irene Cadario, violín; Victor Carrión, vientos; Bruno D’ Ambrosio, cello; Damian Verdún, charango y ronroco; Fernando Banchio, clarinete; Jerónimo Peña, cuerda de tambores, Seba Sae, cornos, Natalia Cabello, segundo violín, Alba Mariela Meza, viola y Paula Pomeraniec, cello. Agrega Flor: “Formé parte del grupo Aymama durante 9 años y fue una experiencia hermosa en la que grabamos tres discos, tuve la posibilidad de compartir escenario con artistas que admiro y llevar nuestra música a todo el país e incluso varios lugares del mundo. Fue un gran aprendizaje y siempre lo voy a recordar con muchísimo cariño. Hace dos años comencé un nuevo camino presentando mis canciones y haciendo otras de artistas de diferentes características, con los que por distintas razones me siento identificada. ‘TalloVolar’ conserva la raíz folclórica y suma esos nuevos paisajes. El disco está dedicado a los músicos independientes porque día a día me motivan e inspiran. Realmente siento que ésta música transita un momento maravilloso y es un privilegio sentirme contemporánea de una generación con un alto contenido artístico y una búsqueda que nos acerca, nos expande y nos interpela. Estoy muy contenta con el resultado final y lo estoy transitando con mucha plenitud”. TalloVolar fue grabado entre los meses de noviembre de 2017 y enero de 2018 en Estudio Doctor F y Estudio Sale la Luna y cuenta con la producción musical de Juan Ignacio Serrano. La mezcla estuvo a cargo de César Silva y la masterización de Andrés Mayo.

SANDrA PErAltA Y lEANDrO CACIONI PrESENtAN AMOr VIAJErO Amor viajero, homenaje a Chabuca Granda (independiente), es el nombre del primer disco como dupla de la cantante y compositora peruano-argentina Sandra Peralta y el guitarrista y compositor argentino, Leandro Cacioni. Se trata de un álbum tributo a la gran compositora y cantante peruana, y cuenta con la participación de talentosos artistas que brindaron un nuevo giro a cada canción de la querida Chabuca.

El repertorio de Amor viajero, homenaje a Chabuca Granda, está conformado por Cardo o ceniza, El surco, Gracia, La novia tierra, Gallo camarón, Una larga noche, María sueños, Un barco ciego, Ese arar en el mar, José Antonio y Río de vino. Los artistas invitados fueron Teresa Fuller en Cardo o ceniza, Carlos “Negro” Aguirre en Gracia y Charo Bogarín en María sueños. Participaron también de esta grabación: Abre, Juan Pablo Navarro, Juan Cruz de Urquiza, Juan Pablo Di Leone, Mario Gusso, Facundo Guevara, Carolina Cohen, más una orquesta de cuerdas conformada por Ramiro Gallo, Irene Cadario, Diego Tejedor, Guillermo Rubino, Paula Garcia Presas, Myrian Gandarillas, Rafael Delgado, Paula Pomeraniec, Pablo Hopenhayn, Mariela Meza y Ricardo Cánepa. Este disco despliega un abanico de colores y matices que se expresan en diferentes formaciones, desde orquesta sinfónica hasta dúo. Con los arreglos orquestales y producción artística de Mariano Agustín Fernández, Sandra y Leandro fueron bordando para cada canción una historia diferente. Dice Sandra Peralta: “Hace ya mucho tiempo que nos rondaba la idea y el deseo inmenso de homenajear con un disco a quien fuera y es nuestra musa inspiradora: Chabuca Granda. Teníamos en claro que para abordar este nuevo trabajo teníamos que romper con nuestros límites, romper con lo que estábamos acostumbrados a escuchar, a cantar y a tocar. Dejamos que la poesía y la música de Chabuca nos interviniera de una manera diferente. Nos permitimos soñar, volar, soltar arreglos poco tradicionales, melodías... Sentimos que ese es el mensaje que ella como artista, como compositora, nos transmitió. Dejarse ser... Queríamos que ese “dejarse ser”, “ser libre” se pudiera percibir en este disco. Pues así lo sentimos nosotros en el proceso de interpretarla.

Hoy, después de esta concreción, nos sentimos más cerca de Chabuca y sentimos otra familiaridad con su obra”. Sandra Peralta y Leandro Cacioni conforman uno de los dúos más exquisitos y atractivos de la música latinoamericana contemporánea. Comparten vida y música desde el año 2011. Sandra, como cantante de la costa del Perú, y Leandro como intérprete de la guitarra en la música latinoamericana. Desde el canto y el cajón peruano Sandra y desde la música instrumental Leandro, congregaron fuerzas e intereses. En la tarea de difundir nuevos/as poetas y poetizas de la canción peruana y de Latinoamérica han editado los discos Desde aquí (2004), Aromas (2010) y Sudamericano (2011). Su primer disco como dúo, Amor viajero, homenaje a Chabuca Granda, fue Declarado de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. En 2012 fueron invitados para participar en un concierto en el Memorial de América Latina en San Pablo Brasil, junto a la artista Zezé Motta y al guitarrista y productor brasileño Swami Jr. Ese fue el puntapié inicial para su presentación en formato dúo en diversos escenarios del exterior y del interior del país.

06 | Discos Compactos

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La otRa miRada

CArlOS gArCíA lóPEz Al Negro lo conocí cuando yo estaba en la colimba y él trabajaba en Promúsica como vendedor. Todo esto es antes de La Torre. Cuando me dejaban salir del servicio militar, más o menos una vez por mes, me iba a verlo donde trabajaba y flasheaba verlo tocar, era un animal,una bestia, tocaba como Jimi Hendrix. Yo le decía “Loco, vos tocás como Hendrix” esto es más o menos en el año 1980. En ese local había unas batas y cuando no había gente, nos poníamos a zapar. Desde ese momento empezamos una amistad muy copada con muy buena onda. Él siempre me decís “Cuando salgas de la colimba, vení que algo va a salir y me encanta tocar con vos, yo te voy a ayudar”. É sabía que yo era de Venado Tuerto y estaba haciendo el servicio militar en Buenos Aires. Y efectivamente, cuando salgo de la colimba, lo voy a ver y me lleva a una audición. El Negro ya estaba metido en el grupo que todavía era Nomady Soul y en el futuro se convertiría en La Torre. Me fui a probar y quedé. El Negro era algo increíble, grabé tres discos con él, tocamos muchísimo en vivo, también ensayábamos muchísimo. Era un placer tocar con esta bestia, era el espíritu de Hendrix.

En más de 30 años de carrera, Jota Morelli las hizo todas con la música. En nuestro país compartió banda con músicos de la talla de Luis Alberto Spinetta, Fito Páez y Pappo, quienes pueden ubicarse a la cabeza de una extensísima lista que también componen otros notables como Luis Salinas, Lito Vitale y Pedro Aznar. Por Jota Morelli

JOSé lUIS ASArESI Tengo recuerdos increíbles de “Sartén”. Cuando nos fimos de acá de Venado Tuerto, a la gran ciudad, nos fuimos a vivir a Lanús. Le hacíamos sacar solos de Steve Lucater y Larry Carlton y los sacaba rapidísimo. Un violero grossisísmo. Tengo una anécdota con él y Spinetta. A veces Luis, lo llamaba a Suiza, donde se radicó Sartén, para que le recordara que acordes de temas suyos porque el Flaco no se acordaba. Y Sartén le decía “son estos”.

Temas de Invisible que hacía mucho tiempo que Luis Alberto no los tocaba. Sartén sabía todo lo de Spinetta. lItO EPUMEr A Lito lo conocí en la época de Madre Atómica, en 1984.

Tuve el placer de tocar con él y grabar un disco que se llama “Madre Atómica” que lo grabamos con Lito, el Mono Fontana y Guille Vadalá. Es uno de los mejores violeros

de fusión de los cuales yo que toqué. Como acompaña y como solea. Con ellos toqué un par de años, una experiencia alucinante. En ese momento, Lito y el Mono tocaban con Spinetta. A veces Luis venía a vernos y siempre me decía “En algún momento te voy a llamar”. lUIS AlBErtO SPINEttA Para esa época, Luis, estaba tocando con una máquina de ritmo porque decía que Pomo era irremplazable para su música. Ahí fue cuando sucedió lo máximo para mí.

Sonó el teléfono y era Luis Alberto para que me integre a su banda. Con él tocaban Machi, Guille Arrom, Mono Fontana, Chofi y yo. Fueron cinco años de amistad y aprendizaje. Una época increíble. Entre Luis y Guille hacían magia, como se complementaban. Todo esto con el apoyo de Machi y el Mono. Es una de las bandas más lindas que toqué en mi vida.

UlISES BUtróN Después de García López, tuve el inmenso placer de tocar con Ulises en su grupo Metrópolis. Tremendo talento el de Ulises como violero de acompañamiento, tocando solos. Para mí se destacaba mucho tocando los ostinatos que hacía. Le encantaba tocar en rimas irregulares, así que antes de los ensayos de Metrópolis, siempre nos juntábamos a zapar ritmos irregulares tipo 5/4, 7/8, 9/8. Era un crack con eso. Recuerdo que nos juntábamos tres violas y yo, ellos eran Ulises, Gustavo Cerati y José Luis “Sartén” Asaresi que lamentablemente también falleció.

Uno de los violeros más grosos del mundo para mi gusto.

Esa fue una experiencia increíble. Hubo momentos donde estábamos ellos tres y yo, sin bajista. Espectacular.

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La Otra Mirada de Jota Morelli (Primera Parte) | 07

foto: Anabela Gilardone

FLoR GiammaRcHE

Esta guitarrista y compositora se formó en el Conservatorio de Música Alberto Ginastera y el Conservatorio Manuel de Falla. Dentro de sus estudios musicales se encuentran grandes maestros como Juan Falú, Carlos Moscardini, Diego Rolón, Nora Sarmoria, Edgardo Cardozo y Nora Faiman (canto). Por Sergio Resar

Contanos de tu infancia, qué hacías?

Nací, crecí y aún vivo en Haedo. Si bien desde luego fui cambiando de lugares siempre me quedé en la zona. Soy “fan” del Oeste. Así que mi infancia transcurrió allí. Y hacia las cosas naturales de los chicos de esa época, donde increíblemente nos entreteníamos sin internet. Lo particular siempre fue mi interés por la música desde muy chica.

Cómo empezó tu inclinación por la música?

Mi papá tocaba la guitarra y cantaba, no profesionalmente pero lo hacía muy bien y a mí me fascinaba escucharlo. Sin dudas esa fue la semilla de mi amor por la música.

Quiénes fueron tus influencias y por qué?

Las influencias fueron muchas. Mi papá me hacía escuchar música clásica, Los Beatles, Serrat. Desde luego rápidamente llegó el rock nacional y escuchaba sin parar a Charly, Spinetta, Fito. El primer disco que me compré sola fue El amor después del amor. Y luego lentamente comenzó a llegar el folclore de la mano de Mercedes Sosa, Juan Falú, Liliana Herrero y el gran Raúl Carnota que reunía un poco de todo lo que mencioné.

Con quiénes estudiaste?

Comencé los estudios formales de guitarra en el Conser-

vatorio de Música Alberto Ginastera y luego en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla. Tuve grandes maestros como Carlos Moscardini, Juan Falú, Diego Rolón, Juan Quintero, entre otros.

Cómo fueron tus comienzos como profesional?

En el Falla conocí a Andrea Bazán, una gran música y amiga con quien formamos el dúo Yerba Buena. llegó el momento de grabar el primer disco, con quién lo hiciste y en dónde?

El primer disco fue justamente con Yerba Buena, lo grabamos en forma independiente en el Estudio El Yeite. Lo disfrutamos muchísimo, tengo un cariño muy especial por ese disco. La anécdota es que semanas después de grabarlo Andrea se fue de viaje a Brasil, se enamoró y se quedó a vivir allá. Hace dos años aprovechando una visita suya hicimos una presentación juntas y fue hermoso.

foto: Anabela Gilardone

luego de Yerba Buena, qué siguió?

Lo que siguió a Yerba Buena fue Aymama, un trio que conformamos junto a Mora Martínez y Paula Suarez. Una etapa que duró 9 años y fue una experiencia sumamente importante y enriquecedora en mi carrera. Grabamos tres discos, tuve la posibilidad de recorrer todo el país, varios lugares del mundo y compartir escenario con músicos que admiro muchísimo. Fue un gran aprendizaje.

08 | Entrevista a Flor Giammarche

Cómo decidiste convertirte en solista?

Se dio naturalmente, tenía ganas y te diría que la necesidad de hacer mis propias canciones. Sumar nuevos colores, otros matices, ampliar el paisaje.

Fuiste galardonada con numerosos premios, cuáles fueron y qué sentiste con cada uno de ellos?

Con Aymama fuimos nominadas al premio Clarín como revelación de Folclore; el primer disco ganó el premio Gar-

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Qué es lo que estás haciendo actualmente?

Entre noviembre del año pasado y febrero de este estuvimos grabando Tallovolar, que es el primer disco de esta nueva etapa. Salió a la luz en agosto, así que ahora estoy plenamente abocada a la presentación. Estamos muy contentos con el resultado porque es un trabajo que amalgama con naturalidad la raíz folclórica de los proyectos anteriores y esos nuevos matices y paisajes que mencionaba recién.

Hay más canción, sin rótulos. Tiene siete temas míos y versiones de composiciones de Raúl Carnota, el flaco Spinetta, Fernando Cabrera y Nano Stern. Y pude rodearme de una banda tremenda; Julieta Lizzoli en piano, Colo Belmonte en batería y percusión, Pablo Giménez en bajo y contrabajo. Y además participaron Nora Sarmoria, Pedro Rossi, Susy Shock, Irene Cadario entre varios otros. El disco tiene la producción musical de Juan Ignacio Serrano, fue mezclado por Cesar Silva, masterizado por Andrés Mayo y me acompañó en la producción general mi compañero Javier Canosa.

foto: Anabela Gilardone

del en el mismo rubro; recibimos dos premios Atahualpa que es una distinción que ya no existe pero fue muy importante en al ámbito del folclore; el segundo disco ganó un Gardel y el tercero también fue nominado. Siempre es lindo que te premien por el trabajo que uno realiza, por el que se esfuerza y que en mi caso amo hacer. Y es valioso si actúa como un incentivo para seguir o que la obra llegue a más personas. Pero sinceramente nunca consideré los premios como el reconocimiento más importante que un artista puede tener. Hay muchísimos músicos y proyectos de calidad que no han sido premiados. No reniego y estoy muy agradecida pero no creo que lo fundamental pase por ahí. Si recuerdo que nos sorprendió gratamente ganar el Atahualpa en el rubro mejor grupo vocal e instrumental porque estábamos nominadas con Aca Seca y Arbolito que eran grupos que admirábamos y bastante más conocidos.

Y también fue especial el Gardel como Mejor álbum conceptual ya que fue un disco dedicado a la obra de María Elena Walsh y en lo personal sentí que de algún modo lo compartíamos con ella.

Con qué marca de guitarra estás tocando?

Comencé con una Alhambra 6p, después incorporé un hermoso modelo de Luhtier Clusellas Bragán G 143 y la última fue una electroacústica Taylor 114 Ce. Y las utilizo a las tres de acuerdo a la búsqueda.

Cómo es tu sistema de composición?

Variado y en constante movimiento. Hay canciones donde primero sale la música, algunas que comenzaron con la letra y otras (la mayoría) que van juntas. A veces todo parece fluir “mágicamente” y otras donde hay que trabajar más. En todos los casos es un proceso que siempre trato que gane el disfrute.

En qué te fijás cuando elegís grabar temas de otros?

Esencialmente me tiene que conmover. Y puede ser por la

letra, la música, la obra en general y sentir que puedo darle mi propia impronta sin desvirtuar su esencia, que desde luego es algo subjetivo, pero en tal caso es lo que yo considero que es su esencia.

Vas a presentar nuevo disco, tallovolar?

Vamos a presentar el disco con la banda y la mayoría de los invitados que grabaron, el 20 de septiembre a las 21 hs en Hasta Trilce, Maza 177 CABA. Qué les podés decir a nuestros lectores que recién se están iniciando en el mundo de la música?

Que de algún modo los envidio! Porque no hay nada más hermoso que comenzar algo que te gusta. Que se preparen, se esfuercen, que escuchen mucho pero que también confíen en sí mismos, en su instinto y disfruten plenamente.

foto: Anabela Gilardone

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Entrevista a Flor Giammarche | 09

GREtscH GuitaRs

Todo comenzó en 1883, cuando Friedrich Gretsch, un inmigrante alemán de 27 años, fundó su negocio en Brooklyn, Nueva York, y comenzó a hacer banjos, tambores y panderetas. Solo 12 años después, Friedrich murió, dejando a la incipiente compañía en manos de su hijo adolescente Fred. El joven Fred no era el típico adolescente. En 1916 había convertido a la compañía en uno de los principales importadores y fabricantes de instrumentos musicales de los Estados Unidos, y las operaciones se trasladaron a un edificio de 10 pisos en 60 Broadway en Brooklyn. Fred sabía que escuchar lo que el público quería era la clave del crecimiento, y el público quería guitarras. Entonces, Gretsch comenzó a hacer guitarras. Inicialmente, Gretsch ofreció archtops acústicos dirigidos a músicos de jazz y un puñado de tapas planas para artistas de country-western. Mientras tanto, 1935 marcó un año importante para Gretsch: Charles “Duke” Kramer se unió al equipo. Kramer se convirtió en un pilar de la Compañía Gretsch, y siguió siendo un valioso consejero y embajador hasta su fallecimiento en 2005. Fred Gretsch, Sr. se retiró de la compañía en 1942, dejando las operaciones diarias a sus hijos Fred Jr. y William. Fred Gretsch, Jr. dirigió la compañía brevemente, luego dejó la compañía para servir con distinción como comandante en la Marina, y Bill Gretsch se convirtió en presidente, sirviendo a la compañía hasta su muerte en 1948. El comando fue pasado otra vez a Fred Gretsch, Jr. y el veterano de la Marina llevó a la compañía a una nueva era de prosperidad en la década de 1950. Gretsch, que fue el primero en usar colores personalizados, y que ofrece una gran variedad de artilugios y artilugios de la era espacial, se posicionó de

10 | Gretsch Guitars

A lo largo de 135 años, Gretsch ha sido pionero en diseños y técnicas de fabricación, ganando el respaldo de los artistas más respetados de la industria musical, incluidos Chet Atkins, Eddie Cochran y billy Duffy. George Harrison, brian Setzer, Stephen Stills, Neil young y Malcolm young. Por Gyb.ar

manera única para tener éxito en esta era de la “Era Atómica”. Durante los años 50s, incluso vendieron más que las maravillosas creaciones nuevas de Leo Fender, con

un aumento en las ventas también acreditado a artistas de alto perfil y patrocinadores como Chet Atkins, Eddie Cochran y Duane Eddy. La década de 1960 trajo un impulso adicional a Gretsch cuando el gran George Harrison de los Beatles jugó una sucesión de modelos de Gretsch. A fines de los '60, Fred Gretsch se retiró y vendió la compañía a Baldwin Manufacturing. Baldwin tuvo dificultades para entender la posición de Gretsch en el mercado y no pudo hacer una transición a través de los psicodélicos años 60 y hard-rock '70. Para empeorar las cosas, Baldwin trasladó la producción a Arkansas, y Gretsch sufrió dos incendios desastrosos. El matrimonio de Baldwin siempre fue infeliz, y finalmente resultó en un cierre de la producción a principios de los 80. Pero desde que la compañía abandonó a la familia, Fred W. Gretsch, el bisnieto del fundador Friedrich Gretsch, había prometido que volvería. En el año 1984, Fred W. Gretsch, junto con su esposa, Dinah, compraron Gretsch a Baldwin y lo devolvieron a la familia después de una ausencia de 17 años. A lo largo de la década de 1990, Fred y Dinah llevaron a Gretsch de nuevo al centro de atención con una serie de reediciones y nuevos modelos exitosos. A fines de 2002 se firmó un acuerdo para que Fender Musical Instruments Corp. manejara la fabricación y distribución de Gretsch Guitars, permitiendo que “That Great Gretsch Sound” fuera escuchado en incluso más lugares del mundo. Un increíble legado que nos ha brindado Fred Gretsch y su familia y una línea de tiempo que destaca la rica historia de Gretsch Company, una de las historias más interesantes y particulares que hay en la industria, entre los fabricantes de guitarras y baterías desde 1883.

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JoHn stowELL

Es en esta revista donde el legendario guitarrista de Jazz Larry Corryel dice de John “Toca como un príncipe”. A lo largo de su extensa carrera John ha tocado con nada más y nada menos que Elvin Jones, (legendario baterista de John Coltrane), Jim Hall, Lionel Hampton, Gilad Hekselman, y ha grabado tres álbumes en dúo con David Liebman. Además John ha girado 9 meses por año desde hace 45 años por más de 20 países. Stowell es dueño de un estilo propio, un approach pianístico que lo distingue del resto. En lo personal, creo que tocando solo guitar y como acompañante, John es uno de los MUY mejores del mundo. Aquí la nota.

John Stowell, tiene 68 años, es nacido en la ciudad de Nueva york y actualmente reside en Portland, Oregon. Es probablemente uno de los mejores y más originales guitarristas del mundo, pero también uno de los menos conocidos. Así lo planteo la prestigiosa revista estadounidense Guitar Player en el año 1989. Por Juampy Juárez

uno de los primeros libros de armonía y teoría del Jazz que existieron. John me ayudo mucho en términos de entender progresiones de acordes, también en como aprender standards y tener la experiencia de tocar con un

pianista. John Mohegan me invitó a tocar en vivo con él varias veces. Lo cual fue una experiencia muy útil para mí. Después de esta importante vivencia, comencé a explorar voicings de pianistas pero en la guitarra.

A qué edad comenzaste a tocar y porque razón, perteneces a una familia musical?

Soy el único músico profesional de mi familia, pero mi hermano y una de mis hermanas son talentosos músicos amateurs. Había algo de música ejecutada cuando yo era joven en mi casa.

Quién fue tu primer profesor de guitarra, y podes hablar un poco de tus lecciones musicales?

Mi primer y único profesor de guitarra fue Lincoln Chamberland, estudié con el por dos o tres años, donde yo crecí, en Conecticut, cerca de New York City. Yo aún uso muchas ideas que aprendí de él para enseñar, sobre todo cuando doy clínicas y workshops. Lincoln fue un gran maestro que fue capaz de convertir armonías complejas en formulas simples que fueron muy fáciles de entender y memorizar.

Estudiaste con un pianista, que significa el piano para vos dado que tenés un approach muy pianístico?

Si, yo estudie con el pianista John Mohegan, que escribió

12 | Entrevista a John Stowell

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Podrías contarnos cuáles son tus influencias, sea guitarristas u otros instrumentistas?

Mi influencia más fuerte es Jim Hall. Yo amo su uso de espacio, su cualidad melódica en sus solos, y sus acordes. También me gustan Ted Greene, John Scofield, Wes Montgomery y Jimmy Wyble. Ellos son muy diferentes, pero cada uno tiene bellos elementos que admiro a la hora de escuchar su música. También me han marcado pianistas como Bill Evans y Herbie Hancock, saxofonistas Wayne Shorter , Sony Rollins y Cannonball adderley.

John, has tocado rock u otros estilos en tu juventud? si es así, aun lo haces?

He tocado Rock durante seis o siete años de mi vida. Pero ahora llevo cuarenta y cinco años tocando Jazz. También me gusta tocar música de Brasil, Argentina, y otros países, pero sobre todo, me gusta tocar Jazz. hablemos un poco de tu equipamiento. Qué guitarras, micrófonos, amplificadores y pedales usas?

Más que nada uso guitarras que hacen para mi, “Custom Guitars”. Tengo tres Soloette, dos son “Headless” una tiene cuerdas de nylon, otra cuerdas de acero y otra es barítona. Tengo otra con cuerdas de acero tipo “headless” hecha por Soulezza, y una con cuerdas de nylon semiacústica hecha por Mike Doolin, y otra baíitona fretless hecha por Bobby Warren. Uso dos amplificadores en stereo: Un Acoustic Image 10/2 transistorizado y un VSA valvular, con un pedal Hardwire RV-7 para la reverb.

También uso cables y parlantes Evidence.

Sos un músico muy ocupado. Cuándo empezaste a girar llevando tu maravillosa música por el mundo y cuántos meses por año te lleva esta forma de vida?

Comencé haciendo giras cortas con el contrabajista David Friesen allá por los años '70s.Usualmente giro nueve meses por año. He tocado en veinte diferentes países de Asia, Europa, y América del Sur y del Norte, y mucho por los Estados Unidos.

Creo que tienes lo que todo queremos tener: Un estilo propio, muy original y complejo. Podés contarnos como lo desarrollaste?

Pienso que sí, que tengo un estilo original, producto de no copiar a nadie y seguir mi propia iniciativa, desarrolle un vocabulario propio a lo largo de mi vida. Lincoln Chamberland, mi único maestro de guitarra, me alentó para esto durante nuestras clases. Trato de hacer lo mismo con mis alumnos, alentarlos para que sean originales. Pienso que es posible encontrar tu propia voz escuchando músicos de otros estilos y que toquen otros instrumentos, incluyendo cantantes, esto es muy importante. Otra cosa fundamental, es escuchar muy bien la tradición de la música que te gusta, no quedarte solo con la actualidad de la música que te agrada. Nuestro objetivo debería consistir en ser originales si es que podes escucharlo dentro tuyo.

Qué significa el Jazz para vos? Y nos puedes comentar acerca de tus acordes “imposibles”?

Jazz para mí significa swing, melodías y desarrollo melódico en los solos, conversación e interacción con los músicos de la banda con la cual tocamos. Dinámica y variedad en el repertorio. Un hermoso sonido “legato” que haga cantar tu instrumento. Esto es lo que me gusta escuchar en un artista o grupo de Jazz.

14 | Entrevista a John Stowell

has visitado Argentina nada más y nada menos que trece veces. Qué opinas de la calidad de los músicos argentinos? Qué proyectos tenés con ellos?

Estoy muy feliz de conocer muy buenos músicos en al menos diez ciudades diferentes de la Argentina. El nivel musical es muy alto, no sólo en Buenos Aires, sino también en Córdoba, Rosario, Villa Mercedes San Luis, Catamarca, Tucumán, Santa Rosa La Pampa, y otras ciudades más pequeñas. Disfruté mucho aprender a tocar la mezcla de Jazz y Tango que se toca aquí. Me gusta tocar el ritmo de Chacarera y otros ritmos folclóricos. Tengo proyectos y shows con muchos guitarristas argentinos: Ale Demogli, Esteban Ramos,

Julio Goytia, Federico Rivas y vos. También disfruto mucho de tocar con Sergio Wagner, Oscar Giunta, Barbie Martinez, Juan Canosa, Abel Rogantini, Pablo Motta, Carlos Michelini, Jeronimo Carmona y muchos otros. Todos estos últimos pertenecen al staff de profesores del Córdoba Jazz Camp dirigido por Germán Siman donde he dado clases por nueve años consecutivos. Espero conocer muchos más músicos argentinos en mis próximas visitas.

John Stowell y Juampy Juárez han grabado juntos varios álbumes. Dos de ellos, “Interplay” y “Games and Gems” se encuentran en Spotify.

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sHawn LanE

A los 4 años acompañaba a su madre y hermanas a las clases de vocalización, para luego hacer clases de violonchelo y piano, llegando a ser muy virtuoso en este último. “Empuño una guitarra por primera vez a los 10 años y se dio cuenta que podría ser muy bueno en este instrumento” (cuenta su hermana Mitzi). Sus avances fueron muy rápidos y con autorización de sus padres comenzó a tocar en los clubes de Menphis a la edad de 12 años. En el año de 1978 la comunidad musical de Memphis estaba sorprendida por el guitarrista prodigio que tenía solamente 15 años. Para luego ser contratado por la banda “Southern Oak, Arkansas”. A mediados del año 1982, comenzó a formar sus primeras bandas instrumentales que sonaban en la línea fusión, al estilo “Return to Forever”. Ya en esa época cansado de las giras, Shawn se concentra en refinar más su músicalidad, y se sumerge en discos, películas y principalmente libros, “Shawn era capaz de leer 7 libros por semana, podía hablar de cualquier cosa, era muy inteligente” (contó Mitzi Lane). Rápidamente Shawn Lane se fue convirtiendo en un dios de la guitarra en el medio under, sus demos "no oficiales" se viralizaban sin haber sacado aún su álbum. Uno de esos registros captados por Mike Varney, llamado Stratosphere II del 4 ° volumen de US Metal de Shrapnel (1985). Ya en esa época seguía sorprendiendo a Memphis con su banda “The Willys”, famosos por sus covers de Jimi Hendrix y ZZ Top (¡ver en la youtube los videos!). Estrellas de rock como Kirk Hammett (Metallica) y George Lynch (Lynch Mood) que pasaban por Memphis, rápidamente hicieron ecos de las alucinantes cualidades de Shawn. Cierta vez Billy Gibbons escucho a Shawn, y literalmente se cayó de la

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“El Mayor Guitarrista Desconocido del mundo” era la portada de la revista Norteamericana Guitar Player donde resumía lo que un guitarrista con mucho trabajo y capacidades anormales puede lograr.

Shawn fue un genial multi-instrumentista, nacido el 21 de Marzo de 1963 en Memphis, Estados unidos. Desde muy pequeño mostró sus aptitudes por la música. Por Maycown Reichembach

silla! (cuenta Mitzi) .... y lo llevo a Shawn a tocar en un duelo con Ted Nugent uno de los guitarristas más famosos de la época. Cuenta la historía que en un momento cuando Shawn se puso a tocar en serio, Ted ya no pudo

acompañarlo y simplemente se dedico a aplaudirlo en pleno escenario hasta que Shawn dejo de tocar. Durante esos años fue invitado a unirse a la banda de Alice Cooper pero él se negó. En 1987 tuvo una oportunidad

Shawn Lane | 15

y fue invitado a grabar en el disco solo de Ringo Starr, que lo hizo con mucho entusiasmo, pero ese álbum nunca fue lanzado, cuenta su hermana. Su amigo de banda, el guitarrista de sesión de Memphis Reggie Young, llevo el demo de Shawn al director de Warner Bross y la discográfica llegó a un acuerdo con el artista, y firmo por la edición de su primer álbum “Power Of Ten”.

Luego Mike Varney, invito a Shawn para unirse al proyecto llamado Centrifugal Funk, junto a los guitarristas Frank Gambale y Brett Garsed, siendo este uno de los discos más shred de todos los tiempos. Shawn pasó los siguientes dos años componiendo y arreglando “Power of Ten” en el estudio de su casa. El álbum fue lanzado en 1992, e inmediatamente lo condujo a recibir el premio al Mejor nuevo talento de la revista Guitar Player Norteamericana y un segundo lugar en la categoría de mejor tecladista en la revista Keyboard Player. Para difundir su álbum debut, Shawn recorrió los Estados Unidos con su banda y tocó en vivo todo “Power Of Ten” con Barry Bays en el bajo y Sean Rickman en la batería. Este grupo fue grabado en vivo en el disco: Powers Of Ten: Live , editado en 2001. Luego empezó su faceta como productor, trabajando para David Ormonde Thomas y para un álbum de Steve Harris (Iron Maiden). También en esa época participó en la enseñanza y desarrollo de currículos para conservatorios en Europa y editó dos videos clínicas de guitarra (donde realmente se puede ver el nivel el nivel musical altamente elevado). Más adelante Shawn se unió al bajista Sueco Jonas Hellborg para grabar Abstract Logic con el baterista Kofi Baker.

Ambos también estuvieron en el álbum Two Doors del baterista Michael Shrieve, al año siguiente. Durante el año 1995 al1997, Lane recorrió extensamente los Estados Unidos y Europa con el baterista Jeff Sipe, tocando un estilo de música altamente sofisticada con mucha improvisación. Hicieron cuatro álbumes, Tempo-

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ral Analogues Of Paradise (1996), Time Is The Enemy (1997), el totalmente acústico Zenhouse (1999) y Personae (2002), evidencian la intensa química musical dentro de este trío. En septiembre de 1995, Lane y el baterista sueco Anders Johansson se unieron a la banda de la cantante pop china Wei-Wei para realizar una gira por los principales lugares de China Continen-

tal. Hasta que en 1997, Shawn grabó en el álbum “Fisión” de Jens Johansson. El esperado segundo álbum solo de Shawn, “The Tri-Tone Fascination”, finalmente se lanzó en 1999 a través del sello indie que recientemente se creaba. No muy contento con el primer master, Shawn decidió remasterizar el álbum y lanzar una segunda versión de “The Tri-Tone Fascination”. Esto con-

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virtió instantáneamente la primera versión, con dos pistas adicionales, en un elemento de colección que supera por mucho a ambas versiones de “Power of Ten”. Después de separarse de Sipe en el otoño de 1997, Shawn se aventuró más y más en los reinos de la música oriental. A finales de 1999, se les unió el percusionista / vocalista indio V. Selvaganesh para una gira europea. El último disco de este trío, Good People in Times Of Evil (2000), presenta las dimensiones más etéreas de la obra de Shawn. También lanzado en 2000 fue el álbum en solitario de Doug Scarborough Mood Du Jour, con Shawn en tres pistas. Un trabajo realmente impresionante. El año 2001 sacó su sitio web oficial ShawnLane.com. y tuvo varios lanzamientos planeados, incluyendo el tributo de Shawn David Lynch, Inside A Dream, un álbum en vivo de Lane/ DDT, y el tan esperado relanzamiento de Power Of Ten, fue archivado.

Shawn también sufrió graves problemas de salud durante este período, el estaba en el hospital cuando los dos aviones se estrellaron contra las Torres Gemelas.

Por suerte se recuperó rápidamente y pronto comenzó a tocar con Time Bandits, una banda de bares de Memphis, para obtener algo de dinero para cigarrillos. Ya para el 2002, las cosas volvían a ser buenas para el Monstruo de Memphis: él y el sueco (Hellborg) se reunieron con Jeff Sipe para realizar giras por clubes en el sudeste de Estados Unidos y Europa, tocando una mezcla de sus materiales solistas con elementos orientales. El último lanzamiento fue la primera grabación en estudio de Hellborg, Lane y Vinayakram Brothers (también conocida como SULUH) y captura la hermosa música que llegó a los escenarios europeos en 2001. En febrero de 2003, se hizo realidad uno de los sueños más preciados de Shawn: él, acompañado para la ocasión por el baterista italiano Andrea Marchesini, viajó al subcontinente indio

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para realizar una breve gira. En cada ciudad que tocaron, incluyendo Nueva Delhi, Calcuta y Shillong, fueron aclamadas como verdaderas estrellas del rock. Después de la exitosa aventura por india, siguió una corta gira por Europa. Todo iba perfecto hasta que a principios de septiembre de 2003, Shawn tuvo graves problemas

respiratorios y fue sometido a varios exámenes médicos, mientras se preparaba para un nuevo álbum junto a Ginger Baker. Los médicos dijeron que tendría que permanecer con maquina de oxígeno por el resto de su vida, pero falleció el viernes 26 de septiembre de 2003.

Dejando así el legado a fanáticos de todo el mundo que

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proclaman el arte de uno de los músicos más geniales, originales y virtuoso que el mundo ya haya engendrado.

Algunos de los guitarristas más destacados de todas partes del mundo han dado su opinión al respecto del legado de Shawn Lane.

“Lo que hacia Shawn Lane técnicamente sonada como si lo hiciera con dos manos, pero él lo hacía solo con una. ¡Él hizo cosas completamente locas!” Paul Gilbert.

“Una de mis influencias es Shawn Lane, increible guitarrista, de mente brillante, de un corazón gigante y una música maravillosa”. Guthrie Govan.

“Para mi Shawn Lane presenta lo que un músico con genialidad y mucho estudio puede llegar. Él es una de mis inspiraciones”. Maycown Reichembach.

“Tuve la fortuna de tocar con él en un evento de Ibanez en el año 1993, donde también estaban Steve Vai, Joe Satriani, Paul Gilbert y otros colegas. Cuando Shawn tocó realmente no quedo nada, se los comió crudos a todos. Él fue la persona más brillante que yo he conocido. Cuando pienso en un genio, el primero que me viene a la mente es Shawn Lane”. Andy Timmons.

“Shawn era un guitarrista de otro planeta, no puedo ni describirlo, para mí es el músico más increíble que yo haya visto.” Buckethead.

“Shawn Lane era fantástico, cuando yo lo escuche por primera vez, fue como que me dio miedo, y hablo miedo de enserio, de tan bueno que él era.” Kiko Loureiro.

“Shawn Lane fue un guitarrista muy virtouso, con mucho gusto y buena composición. En lo personal, su disco Powers of ten me ha influenciado mucho. Su uso de teclados y sonidos fusioneros ochentosos es lo que más me gusta de su estilo.” Silvio Gázquez.. “¡Shawn Lane era realmente un verdadero genio! Me gusta más su material indú. Me gustaría haber tomado lecciones con él.” Jason Becker.

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ShAwn LAne en ARGenTinA En Octubre del año 2000 Shawn Lane junto a al bajista Jonas Hellborg realizaron una clínica y show en Argentina, en el club “La Colorada” de la ciudad de Buenos Aires. Los memoriosos que asisitimos recordaremos que el show si bien estuvo bueno, no fue una de sus grandes performances como los videos que están en

youtube, dice el guitarrista Juámpy Juarez, que estuvo presente. Juampy resaltó que se lo veía a una persona muy nerviosa y fumaba muchísimo, hasta para mover las brazos lo hacía a una velocidad “rara”, nunca vi una cosa igual, difícil de explicarlo, comenta Juampy. En esa oportunidad tocaron músicas de rock, fusión y temas de su álbum “Power Of Ten”.

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foto: guido adler

Vitico

Víctor bereciartúa, más conocido como “Vitico” fue bajista de una de las bandas más importantes del rock de nuestro país, RiFF junto a Pappo, boff y Peyronel. Con más de cincuenta años de trayectoria, este hombre de mil batallas y escenarios, que ha tocado en infinidad de lugares y con una variedad de músicos increíbles, entre ellos Pete towshend y Keith Moon de los wHO, en esta oportunidad, nos cuenta una parte de su historia musical. Por Sergio Resar

Cómo fueron tus inicios en la música?

Empecé en esto de la música tocando en una banda que se llamaba “Los Mods” y tocábamos en fiestas de 15, también en casamientos y alguna vez en boliches.

Hacíamos únicamente covers.

Por qué elegiste el bajo como tu instrumento?

Siempre sentí que el bajo era el corazón de la música.

Con quiénes estudiaste?

Estudié con los Yardbirds y algunos otras bandas más, tocando siemrpe sobre sus discos en mi cuarto.

Cuál fue tu primer bajo?

Mi primer bajo fue un FAIM, y tan es así, que hace unos años me llamó el hijo del dueño de esta fábrica y me hicieron dos bajos a mi elección. Casualmente uno de ellos sale en el video “Sucio y desprolijo”. Fue una alegría porque mi primer bajo fue de esa mítica marca.

Cuando y con quién fue la primera vez que grabaste en un estudio?

La primera vez que grabé en un estudio fue con Alta Tensión, para un jingle de casas pre-fabricadas, jajaja. grabaste el disco Alta tensión y fuiste parte de la

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Joven guardia, no daba miedo que te tildaran de comercial en esa época?

Por supuesto que me tildaron de comercial. Por eso me pusieron en la página negra de la revista Pelo.

acuerdo bien porque esa tarde le habían llegado los Gongs a Keith. Él estaba tan contento que después de media hora de zapar, me tiró sus palillos por la cabeza con la mejor onda, muy cariñosamente.

Cómo fue la experiencia de tocar en la Pesada del rock and roll?

La experiencia de haber tocado con La Pesada del Rock and Roll fue muy buena, recuerdo que la grabación fue un total éxito. Luego de eso y pese a que ensayábamos en mi casa del Tigre, no toqué en ningún show, creo que esto no lo sabían.

Volviste a país, por qué?

A raíz de eso, me probé con Paul Rodgers, que estaba haciendo en ese momento Bad Company, pero yo no tenía permiso de trabajo y no podía quedarme, por eso me tuve que volver. Me contó Carlos Canosa, que leyó una de estas revistas serias de música, de esas que sacan los rankings y todo eso, que Paul Rodgers comentaba que había probado a un bajista sudamericano.

En definitiva me volví a la Argentina, porque me dijeron que me fuera, si bien había comenzado una apelación, me volví antes porque iba a nacer mi primera hija, Anita.

Además llegué a la conclusión que era muy difícil incrustarse en una sociedad que no sólo habla distinto, sino que piensa distinto. Mi hermana sabiamente me dijo, mejor ser cabeza de ratón que cola de león.

Viene tu viaje a Europa, por qué te fuiste?

Me fui del país porque acá estaba Onganía y además pensaba que podía llegar a tocar allá y laburar. Error.

Iba a las “auditions” y tocábamos y salía bárbaro pero después me hablaban en inglés y no les entendía nada.

A quienes conociste y con quiénes tocaste allá?

Llegué a conocer a los The Who, porque conocí a un director de cine, Vic Fontaine, que había hecho un corto y la música era de Pete Towshend y llegué a tocar, justo cuando ellos estaban grabando Quadrophenia, con Keith Moon y obviamente también con Pete y con Chris Staiton, que estaba tocando el pino en una cabina. Me

Cuando volvés, te juntás con Pablo guyot y willy Iturri, qué fue lo que hicieron juntos?

Con Pablo Guyot y Willy Iturri, formamos una banda que se llamaba Los Criss Cross. También estaba Juan García Haymes en voz, a quien después llevé para Riff.

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Después Pablo y Willy hicieron GIT. foto: guido adler

Cómo conocés a Pappo?

A Pappo lo conocí en una boite que se llamaba Frisco y recuerdo que nos empezamos a reír al minuto y medio que nos habían presentado. Aún recuerdo esa noche.

Y llegó riff y la popularidad, como manejaban ese tema dentro de la banda?

Las relaciones internas en una banda como Riff las llevábamos como podíamos, realmente. Y cuando no nos aguantábamos más, dejábamos de tocar y listo.

Después grabás tu primer disco, cómo se llamó y en qué año se editó?

Se llamó “Ha llegado la hora” y se editó en 1985.

En octubre del ’85 volvés con todo con riff, pero con otros integrantes, fue lo mismo?

Riff VII no fue lo mismo que el Riff original, pero fue una muy buena formación que me dió muchas satisfacciones, y más aún con alguien que canta muy bien como un tipo como JAF y recordemos que en ese Riff también tocaba un tipo tan grosso como Oscar Moro en la batería. O sea, evidentemente fue un paso adelante. luego de esta formación de riff grabás tu segundo disco solista, “Nacido para ser así”, dónde lo graban y que recordás de esas sesiones?

Creo que estaban el BB Peña en batería, Botafogo en la guitarra, Luis Millán en armónica y alguna que otra guitarra y mi amigo Boff Serafine, el maravilloso Boff, también en guitarra. luego formas Vitiken, quiénes lo integraban? recuerdo que en esta formación estaban, el BB Peña

en batería, Rano Serbach en guitarras y Botafogo en la otra guitarra. Así fue como grabamos aquel disco. Y además cantaba Mario Curcio.

En 1994 llega tu tercer disco solista, con quienes lo grabaste y como se llama?

Después, si mal no recuerdo grabé otro disco solista,

“No sé si voy a volver”, en el cual yo toqué las dos guitarras rítmicas, para los solos lo llamé a Botafogo y estaba el BB Peña en batería. El problema es que nunca pude encontrar a nadie que tocara las guitarras como yo las había grabado, que se le va a hacer.

Colaborás con las grabaciones tarzen, de Michael

foto: labourdette

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Peyronel, llegaste a tocar en vivo con esa banda?

Llegó el momento de grabar con la banda selvática.Y bueno, yo grabé pero no fui a la sesión de fotos porque me dije a mi mismo, la cara para esto no la pongo.

equipo y le dije, “Come on, come on and join us” y saltó con su guitarra y se sumó a tocar con nosotros. Que te puedo decir de los Rolling Stone y de AC/DC, fue lo mejor. Tocar en el lugar donde después iban a tocar Keith Richards y Angus Young, me dije, valió la pena.

Todo lo que hice por la música por un rato de felicidad.

foto: labourdette

Y vuelve riff, con los miembros originales, fueron

el grupo soporte de the rolling Stone y Motorhead, que sentiste al tocar ante tanta gente?

Si mi memoria no me engaña, con Motorhead hicimos el Hipódromo de La Plata y creo que nos fue mejor a nosotros que a ellos, con lo buenos que eran esos monos. Me acuerdo que el guitarrista vino atrás de mi

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foto: guido adler

luego llegamos a Viticus, en qué año lo formás y quienes te acompañan?

En paralelo a tocar con Riff, llega Viticus. Originalmente me fui de viaje con mi sobrino a Bolivia, a un pueblo que se llama Copacabana y empezamos a hacer algunos experimentos musicales. Después nos volvimos y se sumó Nicolás, mi hijo y finalmente el “Vasco” Urionagüena. Así, de una manera natural, fue como salimos a tocar, en un principio en festivales de motos y realmente me pareció que sonaba tan bien pero tan bien la cosa, que quise grabar el primer disco de la banda y todavía estamos acá. Cuando las cosas se tienen que dar, se dan. Viticus es un pulso natural que fluye. hay algo asi como seis discos de tu proyecto de Viticus, cuáles son los nombres de ellos?

Me haces ejercitar la memoria a cada rato. En 2003 grabamos “Viticus”, luego en 2006 fué “Super”. Ya en el año 2008 grabamos “Viticus III”, en 2012 fué “Rock Local”, y “V10 Clásico”, y en el año 2017 hicimos “Equilibrio”.

Con qué instrumentos, amplificadores y pedales estás tocando actualmente?

Utilizo un bajo Fender Precision del año 66, el mismo bajo con el que todo el mundo me conoce. El único efecto soy yo. Uso un sistema inalámbrico para los shows. No utilizo ningún pedal entre el equipo y yo. Uso un amplificador Ampeg con un gabinete de 4x10” y otro gabinete de subwoofer.

Qué podrás aconsejarle a los pibes que recién empiezan a transitar el camino de la música?

Yo le digo a los pibes que recién empiezan en este camino de la música, que en los ensayos cuando se junten, que pongan todo para que haya buena onda y que

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siempre la pasen bien. Yo soy de los tipos que piensan que es mucho más importante un pibe que no sea un virtuoso pero que sea buen tipo y tenga buena onda. O sea, los virtuosos no son necesarios, lo más importante es que haya buena onda y allí reside el secreto, no se trata de virtuosismo sino de onda. De hacer lo que tenes

que hacer, y hacerlo bien. Y la otra cosa que les puedo recomendar a todos esos pibes que se lanzan a esto, es que no toquen fuerte. Lo más importante y maravilloso que les puede llegar a pasar es oírse los unos a los otros, todos juntos. De esa forma, oyéndose entre todos, es como van a lograr una armonía.

Entrevista a Vitico | 27

Voy a sER baJista!

Para esta ocasión en la que nos encontramos nuevamente voy a compartirles algo muy piola y muy importante para tener en cuenta, una suerte de sugerencias o podríamos llamarlas “reglas amables” para tener en cuenta a la hora de pensar qué y cómo tocar y crear una base de bajo. Más que nada enfocada a la música popular, por supuesto. tOCAr A FAVOr DE lA MúSICA / PIEzA / CANCIóN (es una regla de oro) A - Conocer la melodía.

B - También los acordes.

C - Acerca de qué es la canción? Conocemos la letra?.

D - Entender la “forma”.

E - Saber lo que tocan los demás .

Aquí va un nuevo artículo que les podrá interesar, después de unos cuantos meses de estar ausente por causas profesionales. una alegría inmensa volver a “reconectar” con ustedes, colegas músicos, estudiantes, o seguidores entusiastas de la música en general. Por Mariano Sívori

F - Qué sonido usar? Podemos manipularlo de manera más obvia (pedales y efectos, eq. del equipo), pero también podemos pensar en tocar con la mano derecha más cerca del puente o usar el micrófono de adelante solamente (considerando un Jazz Bass, por ejemplo), etc.

G - Qué registro del instrumento voy a utilizar?.

H - Tocar escalas tónicas? Inversiones de los acordes?

Nota pedal?

I - No olvidar la elegancia y simplicidad. La mayoría de las veces, menos es más.

El grOOVE A - El “feel” es el rey.

B - Que está haciendo la batería?.

C - Cual es la subdivisión más pequeña?.

D - Todo el mundo se siente confortable?.

E - El “click” es tu amigo pero no es Dios.

F - Estamos tocando “straight”? Un poco para atrás o súper ajustado en el medio, más bien rígido? Empujando para adelante? Tirando para atrás? Etc. ArtICUlACIONES A - Largo/corto B - Legato/staccato C - Sliding D - Vibrato/shakes E - Acentos

FrASEO A - Motivos, frases, oraciones B - Pregunta y respuesta C - Ritard, Rubato DINáMICAS pp a ff!!!! crescendo decrescendo o diminuendo sfz Sforzando fp forte piano subito piano Convengamos que darle forma a la canción, para nosotros es darle forma a la base que estamos tocando.

bE watER my FRiEnd

“I said empty your mind. Be shapeless, formless, like water. When you pour water in a cup, it becomes the cup.

When you pour water in a bottle, it becomes the bottle.

When you pour water in a teapot, it becomes the teapot.

Water can flow and it can crash. Be water my friend.”

“Debes ser sin forma, como el agua. Cuando viertes agua en una taza, se convierte en la taza. Cuando viertes agua en una botella, se convierte en la botella.

Cuando viertes agua en una tetera, se convierte en la tetera. El agua puede fluir y puede romper. Conviértete en agua, amigo mío”.

En la Edicion de esta Revista N° 62, les contaba de mis primeras impresiones y experiencias viviendo en Los ángeles trabajando como músico y backline & Guitar tech. y me aferro a un texto de bruce Lee para hacer alguna analogía con mi realidad. Por Claudio Dragón Moglia

si o si. No quiero generalizar todo en un todo, pero si al menos describir algunas cosas que he vivido en este tiempo que me lo confirman. En primer lugar, hay aquí un sitio web espectacular creado por un antiguo Tour Manager llamado www.bobnet.com el cual funciona como una plataforma de busqueda y solicitud de personal técnico para shows de todo tipo, en todo el pais, de giras y shows. Este es un sitio real, que es casi un requisito para los que laburamos en esto, estar inscriptos en él. Uno manda primero un CV de su carrera, Bob lo lee, lo revisa y si le parece idóneo, te da la autorización con un código, abonás una cuota muy baja por un año y a partir de ahí recibis a diario solicitudes de personal para un sinfin de laburos, a los que te son útiles, les mandas tu CV y te contestan y te relacionás directamente con el solicitante, los cuales cuentan con otro código que les permite saber si estas suscripto a www.bobnet.com o no. Si no lo estás,

no te contestan. En este website por ejemplo, un Guitar o Backline Tech A-Level, debe poder: resolver temas de luthería, saber de electrónica lo suficiente para solucionar problemas en cabezales valvulares, arreglo de pedales, calibrar, afinar, etc. Además poder ser fluido en el manejo de Kemper Profiler Modeling , Avalon Preamplifier Fractal Audio Axe Fx, poder disparar y editar al menos las principales funciones de un show en Ableton Live y Pro Tool.

Como para dar una idea de lo que al menos debe poder hacer un A-Level Tech, hay que ser todo un “Problem Solver” aparte de todo lo demas, tenés que hablar ingles, ser musico, llegar a horario, portarse bien, ayudar, colaborar, cargar, descargar, armar, desarmar, escuchar, estar dispuesto a recibir indicaciones, ser más puntual que los puntuales, team player, papeles en regla, gestión de call-times, manejo de personal. Estos últimos meses he hecho algunos shows de artistas grandes en lugares

Esta famosa afirmación de el maravilloso Bruce Lee, ha servido de inspiracion para infinidad de cosas, entre ellas versiones musicales utilizando el audio original de su voz extraidas en el programa de televisión canadiense de Pierre Berton, la que se convirtio en su ultima entrevista en TV, el 9 de diciembre de 1971, como la jazzeada versión del batero Kendrick Scott, en el álbum Conviction o el Remix rapeado de Melodysheep. Con el paso de los meses voy ampliando el abanico de shows y de gente con la que voy laburando y mes a mes se va afirmando la idea de “Actualizarse y adaptarse”, es casi una norma que hay que aplicar si o si acá en Los Ángeles. Insisto,

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muy grossos que fueron de muchisima utilidad para empezar a situarme en este escenario. Me encantan las bandas de Country Music y los violeros que tocan en estos grupos son todos espectaculares,en sonido en tecnica en gusto en calidad y tecnología. Hace poco hice un show con Lee Brice, que escucho desde hace muchos años y tiene un violero que me encanta, Travis Bettis, de Nashville y su Guitar Tech es justamente todo eso que describo, me pegue con loctite a él y laburamos juntos en un show de primera, lo cual de entrada me dejó estar de igual a igual en un set que hoy por hoy aquí es un requisito. Armamos un set completo más otro de spare exactamente igual, Kempers y Avalons con sus Remote Pedalboards correspondientes, pero por si falla uno y falla el otro, aparte montamos dos combos Fender Hot Rod Deville 212 IV con unos pedales por las dudas,Volumen, Tuner, Vibrato, Overdribe y Echo. Hasta aquí, en esta nota, un contacto directo con “Actualizarse”.

También hice el backline de Chris Martin de Coldplay, atendiéndolo a él y sus músicos en forma directa, donde más que nada hice el laburo que hice siempre como Tech, era todo bastante acústico y nada fuera de lo común,pero en ese show el Foh Engineer fue Connor, a quien habia visto operar monitors en otros laburos, y el Monitors Engineer fue Shawn, otro gran operador de audio de multiples laburos. Otro trabajo importante fue un ensayo/evento/zapada en privado en SIR Hollywood (Studio Intrument Rental) una de las salas de ensayo y empresa de Backline más importantes de USA, ellos se dedican a eso pero me contrataron a mi por fuera para ese trabajo, lo que me parecio raro porque ellos hacen eso con su personal. Llego, me dan el stage-plot y armo, se abre la puerta y entran Paul McCartney y Matt Bellamy de The Muse, con mas musicos amigos. Viene un productor y me dice “Estas dos personas van a trabajar con vos y te van a asistir en lo que necesites”, uno de ellos era Eddie Stephens, un multi-instrumentista que tiene 5 bandas tributo y una mini empresa de backline y de

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audio. Por que cuento esto?. Bueno, en el show que hice de Lee Brice, me citan en el Groove de Anaheim para el set-up del Backline y llega el camión y el chofer era Shawn, el mismo que hizo monitores con Chris Martin, voy a laburar a SIR con Paul y los asistentes que me ponen son Connor (el mismo que hizo sala a Chris) y Eddie el dueño de 5 grupos y dos empresas. Que hace que gente que esta super colocada en grandes bandas y tareas haga tambien otras cosas y sobre todo con ese grado de respeto y humildad?. No lo sé, pero la cultura del laburo, en Los Ángeles al menos es muy pero muy fuerte en este palo, sumar horas, mantenerse activo, seguir adelante y no dejar pasar nada ($$$) de trabajo, es un item que hasta ahora me produce tanta admiración que sigo sus pasos en la misma dirección. Eliminé practicamente eso de “Pego un par de laburitos y la hago de

goma por un tiempo” por decir algo. O “Yo eso no hago más” No hay menos, no hay más, peor ni mejor a este nivel, lo que hay es laburo. No digo que todo sea así en todos lados, lo que intento decir es que esto es lo que veo hoy aquí haciendo lo que hago, actualizarse y adaptarse y seguir adelante. Si ellos, que son norteamericanos, reconocidos y tienen mucho laburo en bandas grandes lo hacen y son exitosos y valorados, por qué no lo haría yo?. Acabo de volver de gira de armarle el backline a Pitbull, donde fuimos dos personas, Mark (que trabaja acomodando el depósito de On Stage Rentals) como chofer, y yo que laburo por mi cuenta. Mark fue el Main de Backline de la empresa en esta gira, yo segui sus indicaciones, y nos fue muy bien, primer paso. Acá completo la idea de esta nota “Adaptarse” o nunca mejor dicho, que sea “Be water, my friend”.

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GuitaRRa

SiNGLE NOtE SOLOS (PARtE i) Hoy inauguramos una nueva serie o mejor dicho, un nuevo tópico en nuestra columna de guitarra jazz: la improvisación single note. Por Daniel Corzo

Va como ejemplo este solo construido con frases idiomáticas, basado en la sección A de un reconocido standard de jazz (ese que tiene que ver con una estación del año y las hojas que se caen). Como siempre las digitaciones son sugerencias. Se puede tocar con púa o dedos, pero debes darle con corchea “swing”.

Daniel Corzo es endorser de guitarras Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler y Acoustic Image. Enseña Guitarra Jazz, Armonía e Improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Suplemento técnico | 35

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QuÉ SiGNiFiCA REALMENtE SER uN MÚSiCO PROFESiONAL A pedido de un asiduo colega visitante de El Salvador, he querido dedicar estas líneas a intentar trazar una línea suficientemente clara entre lo que es ser un músico profesional y aquello que no correspondería a esta descripción. Por igor Saavedra

Para tal efecto, he intentado hacer un ejercicio de semántica que espero que les pueda ser de utilidad a la hora del debate acerca de este tan delicado punto con sus amigos, padres, colegas y gente relacionada con otras actividades, esas típicas personas que los músicos “queremos tanto” y que tienden a preguntarnos siempre y hasta la exasperación “Ya ok, pero cuál es tu profesión? o ¿Ya ok, pero de qué vives?.

Según La Real Academia de la Lengua Española, un “Profesional” es aquel que ejerce una actividad como profesión con relevante capacidad y aplicación. A su vez dice que “Profesión” es la acción y efecto de profesar, además agrega en un segundo significado que dicha acción de profesar debe tener derecho a retribución, por lo que finalmente debemos dilucidar qué es “Profesar”. Profesar, según este mismo diccionario, es ejercer un arte u oficio. Existen por cierto otras definiciones que tienen que ver con el ámbito religioso que no tienen relación directa con el punto que nos convoca.

Ya tenemos entonces un esquema semántico establecido, por lo que podemos ordenar estas ideas e intentar definir de una manera objetiva y creíble qué sería en la realidad un músico profesional. Un músico profesional entonces, es aquel que ejerce su arte con relevante capacidad y aplicación y que es remunerado por ello. Eso es todo y nada más. Es importantísimo aclarar que cuando nos referimos a una “relevante capacidad y aplicación”, no sólo estamos abarcando la ejecución misma, si no todos los aspectos que rodean al individuo en el ejercicio de su profesión, como son la puntualidad, el respeto por los colegas, la pulcritud general (sonido, equipamiento), la solidaridad, etc...

Aquí entonces comienza un viaje de desmitificaciones con respecto a lo que se suele entender por un músico profesional, y como en estos artículos mi intención es fundamentalmente didáctica, procederé a enumerarlas en una tabla.

Mito número uno: Para ser un músico profesional se debe tener un título universitario o de alguna institución académica.

Desmitificación: Como pueden ver, en realidad no hace falta un título de ninguna institución académica para ser un músico profesional, aunque por cierto podría ser de utilidad.

Mito número dos: Un músico con un título de cualquier institución académica es necesariamente un músico profesional.

Desmitificación: Un músico con un título académico podría ser en realidad un “músico amateur titulado” si acaso su desempeño no fuese idóneo, o bien si no cobrara por sus servicios, ya que son específicamente estos dos requisitos los ineludibles para realmente hacer de éste un profesional.

Sí lo es si su desempeño es relevante y además es remunerado por ello, aunque esta entrada de dinero sea superada por otra (ej. aparte de ser músico es arquitecto).

Mito número cuatro: Un músico pasa a ser profesional con sólo el hecho de cobrar por su arte.

Desmitificación: Si su desempeño es pobre, no es un músico profesional.

Mito número cinco: Un músico pasa a ser profesional con sólo el hecho de ser relevante en el desempeño de su arte.

Desmitificación: Si no es remunerado por ello, no lo es…, pero por supuesto no deja por esto de ser un excelente músico.

Mito número seis: Un músico amateur no puede tocar mejor que uno profesional.

Desmitificación: Si puede, ya que la única diferencia radicará en el hecho que el músico amateur no es remunerado, pero si puede ser destacadísimo en su ejecución.

Mito número siete: Un músico puede ser profesional y tocar pésimo.

Desmitificación: Si nos atenemos a un rigor semántico entonces no podría ser profesional si su desempeño no es sobresaliente.

Mito número ocho: Un músico es completamente profesional si toca, compone, o dirige fabulosamente y además es remunerado por ello.

Desmitificación: Si es impuntual, poco solidario, si su equipamiento está en mal estado, si su sonido es pobre, y si su presentación personal es paupérrima, no es en ningún caso un músico profesional.

Finalmente, y es solamente mi opinión, “El músico más profesional de los profesionales”, sería aquel que logre llevar su arte a un grado de máxima excelencia y pulcritud en lo técnico, lo teórico, lo ético y lo humano, pudiendo además debido a esto vivir completamente de su actividad, y por sobre todas las cosas.., siendo plenamente feliz.

Teniendo claro cuáles son los requisitos para ser un músico profesional, ya saben qué es lo que deben hacer entonces para poder hacerse acreedores de éste “título social” si acaso esto les importa…, así que finalmente todo queda en vuestras manos, pues por lo que han podido ver en este contexto carecer de un título académico no es impedimento alguno para erigirse en un músico profesional de tomo y lomo. ¡¡A trabajar!!

“Un título profesional, aunque ayuda, no hace necesariamente de ti un profesional”.

Mito número tres: Un músico es profesional sólo si vive de la música.

Desmitificación: No lo es si su desempeño general (musical, personal) es mediocre.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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GENERANDO MODOS CON LA tRiáDAS F G A bb C SObRE Dm7 Les voy a mostrar cómo generar diferentes colores modales utilizando solo triadas mayores. Es habitual que se piense a los modos griegos como la extensión de la escala mayor siempre en un contexto “tonal”. Por Nicolás Migliavacca

Solemos pensar siempre en que tonalidad estamos, para luego desplegar por todo el mango esa escala. No es que este mal, pero pensando solo de esta manera, nos estructuramos y no aprovechamos tantas otras cosas que podríamos utilizar no solo para solear sino también para componer, arreglar, re armonizar etc. Si en vez de guiarnos por la tonalidad nos guiásemos por los diferentes campos armónicos, podríamos descubrir en cuántos de ellos se encuentran una misma progresión o acorde y de esta forma poder intercalarlos entre si. En este caso tome como ejemplo un Dm7 y aplique las triadas mayores de su III grado como del IV, V, VI y VII. Si a este Dm7 lo tomamos como Dórico, ósea II de una escala mayor tendríamos la triadas mayor de C ósea de su VII grado, si lo tomásemos como III al Dm7 ósea Frigio, tendríamos la triada mayor de Bb, si lo tomásemos como VI ósea Eólico (Im), tendríamos la triadas mayor de su relativa F, pero si no solo lo intercambio dentro de los grados menores del campo armónico de una escala mayor, sino también lo ubico como un Dm melódico estaría obteniendo las triadas mayores de su IV y V grado ósea G y A. Estas son algunas de las combinaciones que podríamos experimentar sobre este acorde, simplemente usando triadas mayores.

Nicolás Migliavacca es bajista, docente, sesionista.

Se inicio sesionando para David "Pitufo" Ros (Ex abuelo de la nada), trabajo junto a Edu Giardina, German Damianich, Sebastian Persini, Mariano Vega, entre otros. Actualmente trabaja junto a su novia en "Anto Francesca" y en Maycown Reichembach Group.

Mas info: Fanpage/Youtube

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Por Maycown Reichembach

FORtALECiMiENtO MuSCuLAR En esta edición les pasaré cuatro súper ejercicios para fortalecer la parte muscular de los dedos de la mano que agarra la púa, que utilizamos sobre la trastera del instrumento cuando utilizamos la técnica de “Dos Manos” y “una Mano”.

El ejercicio #1 consiste en tocar cromáticamente las mismas con ambas manos, como si fuera un espejo. El ejercicio #2 es similar pero utilizo un dedo por cuerda, aumentando la dificultad.

El ejercicio #3 utilizo la técnica de “One Hand” = una mano, consiste en que la mano de la púa es la que ejerce fuerza sobre el mástil, la otra mano no hace “Hammer-on”, sino que luego de tocar el tapping y soltar dicha cuerda sonará la otra que ya está presionando la nota con dicha mano. El último ejercicio es similar al tercero pero con un grado de dificultad mayor.

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Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

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MENOR MELóDiCA #5 En esta nueva lección les dejo los patrones o patterns de una escala que es uno de los mejores secretos guardados de Occidente: La escala menor melodica #5, tambien llamada Jonica b3#5. Por Juampy Juárez

Con tónica en Do esta escala tiene las siguientes notas: C D Eb F G# A B, sus intervalos son :T 2M 3m 4J 5# 6M 7M. Esta escala es sugerida por el teorico Ron Miller en su libro Modal Harmony Vol.1. Es un subset o subconjunto de la escala de C disminuida, es decir 7 de sus 8 notas.Cdisminuida tiene 8 notas,e s octatonica, C D Eb F F# G# A B, o sea que la unica nota que no esta es F# comparandola con C menor melodica #5 que es la escala que nos interesa aqui. Esta escala nos brinda un sonido pertenciente a la tonalidad disminudia, asociada con musicos como Wayne Shorter, Herbie Hancock, Allan Holdsworth, Igor Stavinsky, Bela Bartok , y Marc Copland, entre otros. En futuras lecciones vermos sus modos, triadas y acordes.Por ahora practiquen estos patterns y apliquenlos sobre los acordes de C-, C-maj7, B7, G7, D-7b5 F7 y G#7, A- y B°7. Componer pequeñas ideas es muy recomendable.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar. Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros. Su ultimo album en trio Hiperborea esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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ARPEGiOS CON PENtAtóNiCAS Les voy a enseñar otra forma de tocar las conocidas escalas pentatónicas. A aquellos guitarristas que estén cansados de tocar siempre los mismos “licks” bluseros, seguro les va a interesar. Por Silvio Gazquez

La idea es tocar arpegios pero agregando notas que pertenecen a la escala pentatónica. Arpegios es una forma de decirle por el hecho de que vamos a tener grandes intervalos como cuartas, por ejemplo. Y también porque van a tener algunas notas del acorde, más algunas extensiones, como por ejemplo, oncenas (11) o trecenas (13).

A esta técnica también se la conoce como pentatónicas abiertas, pero no necesariamente para referirse solo a tocar arpegios, sino más bien a tocar 3 notas por cuerda.

Esto se emplea como para salir un poco de la forma tradicional de tocar una pentatónica con 2 notas por cuerda. Entonces vamos a ver 3 ejemplos: Ej1: Como ya mencioné antes, la técnica consiste básicamente en tocar tres notas por cuerda y es muy común emplear saltos de cuerdas, ligados, berridos, etc… En este ejemplo vamos a tocar una idea en A menor en 5 cuerdas, usando barridos y ligados. Y combinaremos 1 y 3 notas por cuerda. Las notas que vamos a tocar son La, Mi, Sol, las cuales pertenecen al acorde de La menor 7ma (Am7), más Re, que sería una 4ta u 11na. Entonces vamos a crear un sonido menor 7ma con 11na (m7add11). Ej2: Esta idea es una variación del primer ejemplo. La diferencia, aparte de la digitación, es que agrega otra nota, la 3ra. Entonces vamos a tener las notas: La, Do, Mi, Sol y Re. Osea que tiene todas las notas de La menor 7ma (Am7), más una 4ta u 11na. Otra diferencia, con respecto al anterior, es que aquí utilizaremos las 6 cuerdas. Ej3: En el tercer y último ejemplo, vamos a tocar un arpegio sobre 3 cuerdas. De nuevo tocaremos las notas de La menor 7ma con 11na.

Silvio Gázquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, Pcia de Bs. As. Sacó dos discos solistas bajo el nombre Silvio Gázquez Project. El primero se llama “Night Sky” del 2015 y el segundo, “Coming Home” del 2018. Ambos se pueden encontrar en todas las plataformas digitales por el sello Neworld Records, de EEUU. También fue finalista del Guitar Idol 2009, en Londres, Inglaterra.

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PiZZiCAtO ALtERNADO Pt3: FORtALECER EL DEDO ANuLAR Espero que estos consejos te ayuden a evolucionar en los estudios del bajo. Hoy veremos cómo aplicar los ejercicios vistos en la primera columna para fortalecer el dedo anular. Por bruno Ladislau

Cuando empezamos a tocar usando los 3 dedos, el primer desafío es igualar la fuerza del dedo anular con los dedos índice y medio. Para lograr esto de de manera sólida, adapté estos ejercicios trabajando las siguientes combinaciones: anular y medio; anular e indicador; anular y medio, anular e indicador. Cuando estén estudiando de esta manera, presten mucha atención a tocar con la misma fuerza todos los dedos. Busquen tocar dejando el brazo y los dedos bien relajados, para evitar cualquier tipo de lesión.

Comenzar bien despacio junto con el metrónomo, prestando atención a mantener el orden de los dedos propuesto, manteniendo la sonoridad homogénea.

Bruno Ladislau realiza clínicas, es sesionista y Profesor. Actualmente es bajista de André Matos y Aquiles Priester, además de trabajar con grabaciones y producciones.

Contacto: aulas.brunoladislau@gmail.com

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EpipHonE HistoRy

En 1863, Anastasios Stathopoulos nace en Esparta, Grecia.

Su padre Nicolas Stathopoulos es un comerciante de maderas en la ciudad. En 1873 Anastasios construye sus primeros instrumentos (según los documentos de Epiphone de los años 1930). En 1877 la familia Stathopoulos se traslada a Esmirna en la Turquía asiática. Ya en 1893 nace Epimanondas (Epi), al que sus padres, Anastasios y su esposa Marianthe, llaman así en honor a un héroe de guerra en la historia antigua de Grecia. Para entonces Anastasios ha establecido una fábrica de instrumentos en Esmirna donde se fabrican violines, mandolinas, laúdes y liutos tradicionales griegos. Comienza el siglo y en 1903, perseguido por los turcos, Anastasios se traslada con su familia, que ahora incluye a sus hijos Alex y Orpheus (Orphie) y su hija Alkminie (Minnie), a la ciudad de Nueva York. En el proceso de inmigración el apellido familiar pierde la s final. En los instrumentos de Anastasios se lee A. Stathopoulo. Otro hijo, Frixo, y una hija, Elly, nacen en NuevaYork. En 1915, Anastasios muere dejando a Epi al cargo. Aunque al nombre comercial Epiphone le quedan aún unos años para materializarse, la moderna compañía Epiphone comienza en 1915 cuando Epi se encarga del negocio familiar. Su hermano Orphie ocupa el segundo puesto en mando. Frixo y Minnie acabarán también por desempeñar un papel activo en la empresa. En1917 Epi empieza a etiquetar los instrumentos bajo la marca House of Stathopoulo (Casa de Stathopoulo). Se está iniciando la era del banjo tenor y Epi consigue su primera patente para la construcción de banjos. En1923 Epi combina su nombre con “phone”, la palabra griega para “sonido”, y comienza a usar Epiphone como nombre comercial para los banjos. En 1924 registra la marca comercial Epiphone. En 1925, la House of Stathopoulo compra la empresa de banjos Favoran en Long Island City (en Queens, justo al otro lado del East River desde Manhattan) y comienza a fabricar la línea Epiphone Recording de banjos.

44 | Epiphone History

La historia de Epiphone Guitars comienza en Grecia y continúa en la ciudad de Nashville, en el estado de tennessee en Estados unidos, como una división de Gibson Musical instruments. La secuencia histórica de la compañía se presenta a continuación y la expresaremos de manera cronológica. Por Gyb.ar

En 1928 la House of Stathopoulo se convierte oficialmente en la Epiphone Banjo Co. Para entonces los vistosos banjos Epiphone Recording ocupan uno de los lugares más respetados entre los de los demás fabricantes. Epiphone introduce además una línea Recording de guitarras, la mayor parte de ellas con tapas talladas. En1931, Epiphone introduce una línea completa de guitarras archtop (de tapa arqueada) con agujero en f, 12 modelos en total, incluyendo tenores. Los modelos principales De Luxe, Broadway y Triumph serán conocidos nombres de modelos Epiphone durante los siguientes 40 años. A lo largo de los años1930 Epiphone se convierte en una de las más importantes compañías de guitarras, y el nombre se cambia en 1935 por Epiphone Inc. Epiphone y su rival Gibson se enzarzan en fieras batallas por la supremacía, momentos estelares son la guitarra Emperor super-ancha de Epiphone en 1935 y la Epiphone con pastilla de pieza ajustable en 1937. Entre los notables músicos Epiphone se encuentran Tony Mottola con la George Hall Band, Dick McDonough con Benny Goodman, Allan Reuss con Benny Goodman y Jack Teagardens y George Van Eps con Ray Noble. En 1943 Epi Stathopoulo muere de leucemia dejando al cargo a Orphie como presidente y a Frixo como vice-presidente. Los hermanos se enemistan y Frixo vende sus acciones en 1948. La compañía atraviesa malos tiempos en los años de post-guerra, y para mediados de los 50 presenta una producción de instrumentos baja, principalmente bajos verticales y el modelo de guitarra estudiante Harry Volpe. En 1957, la compañía madre de Gibson, Chicago Musical Instrument, compra Epiphone por $20.000. El propósito es adquirir el equipo de producción de bajos de Epiphone, pero la CMI convierte a Epiphone en una división de Gibson y revive el nombre Epiphone para guitarras. Una línea completa de eléctricas y acústicas de nuevo diseño sale a la luz en 1958. La producción de Epiphone se traslada a la fábrica Gibson en Kalamazoo, Michi-

gan en 1960. En 1961 Epi llega a la música country cuando Ernest Tubb equipa a toda su banda, Texas Troubadours, con Epiphones. Marshall Grant toca su bajo vertical Epiphone en el grupo de Johnny Cash, y Grady Martin toca su Broadway en numerosas sesiones en Nashville. En 1964, Los Beatles se convierten a Epiphone cuando George Harrison, John Lennon y Paul McCartney compran Casinos.

Paul usa la suya para los solos de guitarra en “Ticket To Ride”. La Casino de George, la única de las tres equipada con un vibrato Bigsby, hace el recorrido de escala mayor en “Hello Goodbye”. Las tres Casino se utilizan en “All You Need Is Love”. Paul también usa una Epiphone Texan que toca en “Yesterday”. En 1970 en vista de la fuerte competencia por parte de los fabricantes japoneses, la producción Epiphone se traslada a Japón. A lo largo de los años ‘70 y principios de los ‘80, la línea Epiphone tiene poca continuidad aunque sigue siendo respetada como marca de importación de calidad. En 1986, Epiphone y Gibson, con oficina principal en Nashville desde 1984, son adquiridos por Henry Juszkiewicz, David Berryman y Gary Zebrowski. La línea Epiphone pronto se extiende para adquirir modelos Epiphone tradicionales como el Sheraton, Emperor y Howard Roberts además de versiones Epiphone de clásicos Gibson tales como Les Paul, Flying V y Explorer. En 1992 Jim “Epi” Rosenberg llega a dirigir la línea Epiphone y la desarrolla hasta llegar a ofrecer prácticamente todos los estilos de guitarras al músico consciente de su valor. En 1993 la reputación de Epi se realza con la Colección Nashville USA, modelos de edición limitada que serán las primeras Epiphones hechas en América en 20 años. La división Montana de Gibson prosigue en 1994 con ediciones limitadas de los modelos Epiphone de tapa plana Excellente, Frontier y Texan.

En 1995 Epiphone celebra el 80 aniversario del ascenso de Epi Stathopoulo hasta liderar el negocio familiar, el comienzo de la era moderna en la historia de Epiphone.

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yamaHa tRbX 174

Y lo que es aún mejor, lo mismo ocurre con su línea económica de bajo eléctrico. El que estamos viendo hoy es el bajo Yamaha TRBX174. Este modelo básico trae todo lo que se conoce por los bajos de Yamaha: calidad, consistencia y rendimiento. Con eso en mente, no es de extrañar que muchos digan que está entre los mejores bajos económicos en este momento. El cuerpo de este bajo Yamaha TRBX174 es el mismo que podés encontrar en el resto de la línea TRBX. El diseño en sí es bastante equilibrado y cómodo de usar. La madera elegida para este modelo es Alder, que sería el mismo tipo de madera que Fender usa para la mayoría de sus guitarras. En cierto modo, esto también juega un papel en el sonido de este bajo Yamaha TRBX 174. El mástil es de arce estándar con un diapasón de palisandro que estamos acostumbrados a ver en este segmento del mercado. En general, este bajo Yamaha TRBX174 se ve bastante bien considerando todo. En términos de hardware, la situación es más o menos como uno esperaría.

Tenemos ese puente de estilo vintage que viene con cuatro silletas completamente ajustables, y un conjunto de clavijas fundidas a presión. En su mayor parte, la configuración completa funciona sin problemas. Las clavijas son lo suficientemente decentes y mantienen la afinación muy bien bajo circunstancias normales, aunque cuando se trata de bajos en este rango de precio. Tal como está, el hardware es lo suficientemente bueno para casi cualquier cosa que se te ocurra. El bajo Yamaha TRBX174 es otro modelo que trae la configuración de bajo Jazz Bass/Precision. Los micrófonos en este bajo en particular tienen una buena cantidad de definición y rango. Están controlados por sus comandos estándar, que incluyen el Tone y dos mandos de volumen para cada micrófono. El sonido es, lo mejor de este bajo Yamaha. Esos micrófonos ofrecen una gran variedad de medios agudos y fuertes con agudos nítidos cuando necesitas ese golpe. Por otro lado, mové la perilla de tono en la otra dirección y obtendrá un tono suave y profundo perfecto para ritmos de conducción. No tendrás problemas para reproducir ningún género de música con esta bajo Yamaha TRBX174. Simplemente encaja en todos lados. Yamaha ha demostrado una vez más por qué sus bajos tienen tanta consideración. Este

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yamaha es conocido por sus teclados. Cuando se trata de instrumentos de cuerda, sus guitarras acústicas son por lejos sus mejores representantes. Sin embargo, sus bajos son algo serio para tener en cuenta. Si bien no son llamativos, se sabe que hacen el trabajo y ofrecen el mejor rendimiento posible cuando más lo necesita. Por Gyb.ar

bajo Yamaha TRBX174 supera a la mayoría de los modelos en su rango de precio. Teniendo en cuenta todo, no se van a equivocar a la hora de elegir este bajo. Porque siempre recuerden que hay que tener en cuenta

cuando uno invierte en un instrumento, esta comprando un bien ganancial y que ese bien sea un bajo Yamaha ya es un crédito extra a futuro que seguramente hará la diferencia cuando quieran subir de categoría.

yamaha tRbX 174 | 45

cóRdoba GuitaRs

En esta nota, intentaremos darles un panorama más claro sobre estas excelentes guitarras españolas que fabrica esta marca asentada en California, quienes también son dueños de la marca Guild de guitarras acústicas y eléctricas, pero en este caso haremos una pequeña descripción de la serie Iberia comentando los puntos fuertes de alguno de sus modelos.

CórDOBA C3M La Córdoba C3M es una de sus guitarras de cuerdas de nylon de nivel básico más populares. Liviana y cómoda de usar, la Córdoba C3M presenta una tapa de cedro macizo, parte trasera y laterales de caoba y un acabado mate. Hecha a mano en el estilo tradicional español, su refuerzo de abanico da como resultado un tono hermoso, cálido y equilibrado. La Córdoba C3M está hecho a mano y presenta una roseta de madera con incrustaciones a mano, diapasón y puente de palisandro, cuerdas Savarez y clavijeros niquelados.

CórDOBA C5 La Córdoba C5 es uno de los modelos insignia de Córdoba y uno de los más vendidos en todo el mundo. Per-

46 | Córdoba Guitars

Córdoba busca guiar la evolución de la guitarra de cuerdas de nylon, combinando la artesanía tradicional de los primeros maestros luthiers con desarrollos modernos. Cada guitarra Córdoba es liviana, receptiva y descendiente directa de la tradición española en la fabricación de guitarras. Por Gyb.ar

fecta como una primera guitarra, este modelo liviano está construído con una sólida tapa de cedro canadiense y parte trasera y laterales de caoba para producir un tono cálido y redondo con un hermoso sustain. Hecha a mano en el estilo tradicional español, el clavijero tallado, la roseta de madera con incrustaciones de madera, el encuadernado de palisandro indio, las cuerdas Savarez y el acabado brillante dan como resultado una guitarra que destaca realmente de todas las otras opciones.

de nylon y lista para tocar, esta guitarra liviana está construida con una sólida tapa de cedro canadiense y parte trasera y lados de caoba para producir un tono cálido y redondo con un hermoso sustain tanto acústico como amplificado. El clavijero tallado, la roseta de madera con incrustaciones a mano, la encuadernación de palisandro indio, las cuerdas Savarez y el acabado brillante dan como resultado una guitarra que sorprenderá.

CórDOBA C7 La Córdoba C7 es una elección maravillosa para guitarristas intermedios o altos. Esta sorprendente guitarra es un paso adelante de la C5, la Córdoba C7 ofrece laterales y parte trasera de palisandro indio con la opción de una

CórDOBA C5-CE Basada en el modelo más vendido, la C5, la Córdoba C5CE agrega un corte suave para proporcionar un fácil acceso al registro superior, así como el preamplificador Fishman Isys Plus que amplifica su señal para escenario y estudio. Perfecta como una primera guitarra de cuerdas

tapa de cedro macizo para lograr un cálido sonido clásico de cuerdas de nylon, o una sólida tapa de pícea europea para un tono más brillante. Los refuerzos tradicionales de la Córdoba C7 permiten resonancia máxima y un característico sustain y seguramente si se toman algo de tiempo y prueban estas guitarras que hoy les mostramos, van a cerciorarse que las guitarras Córdoba son una opción inteligente a la hora de elegir un guitarra.

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