Guitarristas y Bajistas Magazine #61

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 DiSCOS COMPACtOS - Página 06 LA OtRA MiRADA DE MARCELO NOVAti - Página 07 ENtREViStA A iNStiNtO SALVAjE - Página 08 GREtSCh RANChER SERiES - Página 10 ENtREViStA A NiCOLáS MiGLiAVACCA - Página 12 YAMAhA NtX 500 - Página 15 ENtREViStA A EL ChiNO ASENCiO - Página 16 ENtREViStA A LULA BERtOLDi - Página 22 GUiLD GUitARS hiStORY - Página 28 ENtREViStA A SiLViO GázqUEz - Página 32 tC ELECtRONiC - Página 34 SiRE BASS MARCUS MiLLER - Página 44 ViCtOR WOOtEN - Página 46

SUPLEMENtO tÉCNiCO DANiEL CORzO - Página 35 iGOR SAAVEDRA - Página 36 NiCOLáS MiGLiAVACCA - Página 37 MAYCOWM REiChEMBACh - Página 38 jUAMPY jUáREz - Página 39 jULiO ELORzA - Página 40 BRUNO LADiSLAU - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Daniel Corzo Igor Saavedra Julio Elorza Juampy Juárez Bruno Ladislau

04 | Editorial

Año 12º - Nº 61 | julio 2018 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Richard Carr - www.richardcarr.com.ar todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A interior del país: D.i.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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GRETScH GuITARS

EFEMERIDES - DEBBIE HARRy

Todomúsica SA, representante e importador en La Argentina de Gretsch Guitars, nos trae en esta oportunidad una línea de guitarras acústicas de esta prestigiosa e histórica empresa, las Rancher. Esta serie de guitarras aparecieron inicialmente a principios de los años ‘50s y Gretsch Guitars vuelve a mostrarnos como eran esos magníficos sonidos inicales.

El 1 de julio de 1945, nace Deborah Harry, en Miami (Estados Unidos). Cantante de la banda de la new wave neoyorquina Blondie. Tras la disolución del grupo, grabó como solista. A finales de los años noventa participó en el renacimiento de Blondie, que dura hasta la actualidad. Siempre le molestó que la prensa la llamara, cariñosamente, Debbie; con el tiempo se ha resignado.

SIRE BASS MARcuS MILLER Hendrix Music SRL, representante en el país de marcas como Gibraltar Hardware, Gretsch Drums, PDP Drums y muchas marcas más, incorpora toda la línea de bajos eléctricos SIRE. Cómo salida de un cuento, la historia de esta compañía es algo que muy pocas veces ocurre. Tres amigos que deciden empezar a hacer música pero con sus escasos recursos no pueden comprarse instrumentos de calidad, deciden que era tiempo de construir sus propios instrumentos y así lo hicieron. Cabe destacar que SIRE fabrica todos los materiales que usa en sus construcciones, logrando así un instrumento de alta calidad a bajo precio. Y cuentan con la ayuda del gran Marcus Miller.

EFEMERIDES - THE BEATLES En el año 1963, los cuatro muchachos de Liverpool, The Beatles graban el single con las canciones “She loves you” y “I’ll get you”. El disco se lanzaría en agosto y fue el más vendido del grupo en el Reino Unido.

MARSHALL ORIGIN SERIES Marshall estrena la serie Origin de amplificadores. Esta serie está formada por 5 modelos que van de los 5 a los 50W, la nueva linea Marshall Origin combina tradición con funcionalidades modernas. Según nuestros amigos de Marshall estos amplificadores están dirigidos a los guitarrístas nostálgicos de los antiguos combos y cabezales monocanal, que sin embargo quieren la opción de poder manejar sonidos y prestaciones más actuales y adecuadas a la época. Entre ellas todos los modelos cuentan con dos voces en el preamplificador (Sonido Británico o Americano) con un control Tilt que permite combinarlas a nuestro gusto. Además incluyen loop de efectos y Gain Boost ambos conmutables, EQ de 3 bandas, y varios modos de reducción de potencia.

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Novedades | 05

discos compactos

Esta era la sección más esperada por muchos hace un tiempo atrás y hoy está de regreso para todos ustedes, donde los pondremos al tanto de los últimos lanzamientos discográficos editados por nuestros amigos y lectores para que tengan un raconto de cada edición.

FERNáNDEz FIERRO pRESENTA Su NuEvO DIScO AHORA y SIEMpRE La orquesta Fernández Fierro lanza Ahora y siempre, su nuevo disco y el primero de estudio con Julieta Laso en la voz. El álbum está integrado por nueve temas de autoría propia y de compositores de la nueva generación del tango. Con el contundente sonido que caracteriza a la Fernández Fierro y que renovó la escena contemporánea, esta orquesta de formación típica (cuatro bandoneones, cuatro violines, viola y violoncello, contrabajo, piano y voz) de casi veinte años de trayectoria, presenta este cd de sonido trabajado desde la composición hasta el corte final.

Ahora y siempre fue grabado y mezclado en los Estudios ION por Walter Chacón, masterizado por Mario Breuer y producido artísticamente por el director, Yuri Venturin. El diseño de tapa estuvo a cargo de Alejandro Ros, y la artista Gisela Faure diseñó las visuales que acompañarán las presentaciones en vivo del disco en el Club Atlético Fernández Fierro. Dice Yuri Venturin, director de la Fernández Fierro, sobre este disco: “Ahora y siempre, primer álbum en estudio con Julieta Laso en la voz, es un disco de sonido moderno y áspero: nueve tangos contemporáneos hasta la médula en forma y contenido. Ahora y siempre comienza con el tango “Subrealidad”, última de las obras compuestas para este álbum. Trabajamos juntos con Leandro Angeli, amigo de muchos años. La letra es un retrato de la degradación social que estamos viviendo. Musicalmente tiene una línea melódica minimalista en permanente tensión. Un riff potente, obsesivo y algo de agresiva belleza. “Otoño” es el siguiente tango, en este caso íntegramente compuesto por Angeli. En cuanto escuchamos este hermoso tema supimos que teníamos una versión para la Fierro. Bella melodía y las palabras exactas en cada momento hacen de “Otoño” un temazo.

“Ahora y siempre” es el tango que da título al disco. Grito de afirmación, de presencia e identidad.

Si algo falta ser dicho en el texto de la canción, está el título para completar la idea. Una atmósfera agobiante y claustrofóbica. Opresiva. Nuevo trabajo en dupla con El Ministro. “Infierno porteño” es un tango instrumental inspirado en los grandes in crescendos de la historia del Rock.

Una sólida construcción musical de tres minutos y medio a puro groove. “Astiya” abre el lado dos. Gran tango de Lucas Ferrara. Y una lograda versión de la Fierro. Uno de los favoritos del público. Y mío también. “6:25” se impuso en nuestro repertorio en tiempo record. Bastó una escucha en vivo interpretado por Barsut para que el tema compuesto por Cintia Trigo no pudiera no ser parte de nuestra lista y del álbum. “6:25” es el horario fatídico del despertador a la rutina.

“Comezón” se plantea como una idea obsesiva que paulatinamente va cediendo su lugar a los comentarios. Esto crea una estructura que siempre me hace pensar en el relato de Rodolfo Walsh “Nota al pie”. Tango de Santiago Bottiroli, siempre queriendo ir más allá. “Demolición”, también trabajado con El Ministro. Está inspirado en la construcción del tema “Construcción” de Chico Buarque. Repito la palabra adrede para resaltar que lo más influyente en este caso es la estructura. Solemos presentar este tango como una canción de amor. El público ríe... “Brujos y científicos” cierra el álbum. Hermoso tango de Tabaré Cardozo. Rebeldía ante la normalidad.

Nadar contra la corriente. Convencidos. Sin dejar las convicciones en la puerta”.

Silvio Gazquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, provincia de Buenos Aires. Desde el año 2008, trabaja en la compañía norteamericana Guitarcontrol.com.Ha ganado varios concursos de guitarra en Youtube y también cabe destacar que fue 2 veces finalista consecutivo del concurso internacional Guitar Idol (2008-2009), participando de la final en el año 2009, en Londres, Inglaterra. Aunque en el 2008 no pudo asistir a la final en Londres, igualmente participó del disco Guitar Idol 2008, con un tema de su autoría. En la ciudad de la La Plata, ha tocado en varias bandas, propias y como sesionista, llegando a tocar en las mejores salas, tales como el Teatro Argentino, el teatro Coliseo Podestá, etc.En enero del 2012 asistió a la Namm (National Association of Music Merchants) en Anaheim, California, EEUU, representando a las guitarras SPEAR, marca de la cual es representante. En Julio del 2015 publicó su primer trabajo discográfico llamado “Night Sky”. El disco contiene estilos variados, predominando el smooth jazz, la fusión y el rock. Actualmente, acaba de publicar su 2do álbum, llamado Coming home, el cual se puede escuchar y comprar en https://silviogazquezproject.bandcamp.com/releases. En breve, estará disponible en todas las plataformas digitales bajo el sello Neworld Records. El mismo, cuenta con invitados internacionales, como el virtuoso guitarrista Brasilero, Andre Nieri (Virgil Donati) y Carlo Peluso (Italia) en teclados. Tambien participan los argentinos Chowy Fernandez y Dimas Devit. El tema que abre el disco, Summer Nights, fue con el que participé en el Guitar Idol 2009 y fue elegido para tocar en la final en Londres, Inglaterra. La banda que grabó este material esta integrada por Silvio Gázquez en guitarra eléctrica y teclados, Tulio Gázquez en batería, Damián Righi y Joaquín Pérez en bajo, Guillermo Catena en saxo, Diego Di Bartolo y David Catena en percusión. Los músicos invitados son Carlo Peluso en Piano y teclado, Andre Nieri y Chowy Fernández en guitarras, Dimas Devit en batería. Todos los temas fueron compuestos y arreglados por Silvio Gázquez y mezclado y masterizado en estudios www.soundbaires.com por David Catena. Arte de tapa de Betina Colombo y producido por Silvio Gázquez

06 | Discos Compactos

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La otRa miRada

Siempre fui un fanático de los guitarristas. Es un instrumento que amo con todo mi corazón. Soy un afortunado de haber tenido la suerte de tocar con grandes guitarristas a lo largo de mi vida.

Mi primera banda del colegio la tuve con Gaby Telerman que ahora vive en Escocia y fue él quien me recomendó para tocar en la banda que estaban armando Silvio Furmanski y Marcelo Wengrovski, dos grandes guitarristas de Argentina y amigos de toda la vida.

Con Silvio giramos juntos más tarde con Rubén Goldín, Sandra y Celeste y Coti Sorokín entre otros. En el ‘90 empecé a tocar todos los domingos en Oliverio con Luis Salinas, un genio del instrumento con el cual aprendí muchas cosas y tengo los mejores recuerdos. Hace unos años volvimos a tocar juntos en Madrid y conocí a su hijo Juan Salinas que es otra bestia de la guitarra!. Luego entré en la banda de Luis Alberto Spinetta (un sueño hecho realidad), donde tuve la suerte de disfrutar de Luis y del gran Guillermo Arrom. Después compartí escenario en la banda de Sandra Mihanovich con Rano Sarbach, otro capo total!. Luego de eso entré en la banda de Juan Carlos Baglietto y estaba el gran Eduardo Rogatti que lamentablemente se nos fué. Un grande como músico y persona!. En mis dos etapas con Lito Vitale tuve el honor de tocar con un ídolo de siempre como es el genio de Lito Epumer y más tarde con mi amigazo Ernesto Snajer.

Ya en el ‘97 me fui a España y allí compartí escenario con grandes guitarristas de allá como Freddy Marugan, David palau, Juan Luis Giménez, Juanjo Melero, José Nortes, Toni Brunet, Osvi Grecco, Ricardo Marín, Borja Montenegro, Gustavo Fantino, José A. Romero, Javi pedreira, Frankie Fuzz, Ovidio López, Josu Gar-

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Este genial baterista ha trabajado con grandes artistas como Ketama, Mecano, Miguel Bosé, Ana Belén, Amaral, Armando Manzanero, Milton Nascimento, Paulina Rubio, julieta Venegas, Coti, tommy torres, joan Manuel Serrat o juanes, entre otros. Aquí nos cuenta sus experiencias con algunos guitarristas. Por Marcelo Novati

cía, Juan cerro, Diego García (el twanguero) con los Ketama Juan, Antonio y Josemi carmona. También con los flamencos Melón Jiménez y carlitos carmona.

De mis muchas giras con Coti Sorokin también hubo muchos guitarristas increíbles como Matias Sorokin, Nico Nieto, Julián Kanevsky, Santiago Guillén, palmo Addario, Javier calequi, Alex Olmedo, Indio Márquez y

coti Sokorin mismo. Por último los guitarristas con los que estoy tocando ahora son Juanes y Juan pablo Daza. Excelentes cada uno en su estilo y de ellos aprendo muchas cosas de la música colombiana que me encanta!

Y por último tengo que mencionar a mi hijo, Tomás Novati, que con sólo diecisiete años tiene un brillante como guitarrista y compositor.

La Otra Mirada de Marcelo Novati | 07

iNstiNto saLvaje

Como es habitual en nuestra revista, siempre que podemos, le damos oportunidad a nuevas y no tan nuevas bandas. En este caso “instinto Salvaje”, una banda que se las trae. Agustin Delucchi, guitarrista y Eduardo Ludueña, bajista, nos cuenta la historia de esta banda formada en el 2010. Por Sergio Resar

Qué tipo de música hacen?

Agustín: Con Instinto Salvaje nos abocamos más que nada en el Hard Rock, tratando de lograr diferentes climas dentro del mismo, pero siempre manteniendo el género bien definido.

Roth, Steve Ray Vaughan.

Eduardo: En mi caso las influencias que me marcaron fueron con respecto a bandas no tanto a solistas. Puedo citarte algunos como Andy Freaser (free), Glenn Hughes, John Paul Jones, entre otros tantos.

cuales son sus influencias?

Agustín: Te diría que mis influencias más directas son Paul Gilbert, Van Halen, Paco de Lucia, John Skyes, Neil Rogers, George Benson, Richie Kotzen, Uli John

con quiénes estudiaron?

Agustín: En mi caso en particular, no tuve una extensa formación académica debido a que no tenía mucho acceso a la misma durante mi adolescencia, te diría que

más por cuestiones económicas, pero miraba muchísimo a los músicos que más me gustaban y trataba de entender sus técnicas y después de eso, incorporarlas y hacerlas propias mediante mis canciones o solos… esto es algo que sigo haciendo y sigo descubriendo técnicas y matices increíbles en la música.

Eduardo: Estudié guitarra y canto con profesores particulares y el bajo en forma autodidacta. Hoy en día estoy incursionando en el piano también. Creo que una vez que te familiarizas con la música, todos los instrumentos son apasionantes.

Agustín, contános por qué elegiste la guitarra como tu instrumento?

Fue amor a primera vista realmente, recuerdo que tenía 12 años y agarre la guitarra de un amigo y en ese momento mi vida cambio para siempre. Creo que me sentí y me siento identificado con la forma de expresión de mi instrumento con respecto a mi personalidad y forma de sentir, entonces eso genera en mí una dependencia casi física con mi guitarra.

Eduardo, contános por qué elegiste el bajo?

En realidad como conté anteriormente me dedique a tocar varios instrumentos, aunque debo decir que el bajo fue como un amor a primera vista. Me encanta el sonido y el peso que tiene en la música en genera marca mucho la onda que va a tener una melodía. Eso me encanta.

Agustín, desde cuando comenzaron con la banda?

Instinto Salvaje ya lleva 8 años, con diferentes formaciones que la han conformado, pero en si, hace 8 años comenzó todo con el primer demo y show.

foto: ignacio cangelo

Agustín, con qué bandas han tocado?

08 | Entrevista a instinto Salvaje

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Tuvimos la suerte de compartir escenarios con bandas como Rhapsody of Fire, Michael Schenker (Scorpions), Dragonforce, Trivium, Accept, Angra, Tarja Turunen.

Cada una de esas experiencias nos dejó mucho aprendizaje como personas y musicalmente.

Agustín, recordás cuando grabaron su primer disco y en dónde fué realizado?

Recuerdo que aquél primer disco fue editado en el 2014, lo produjimos de forma independiente, y fué grabado en Master Estudio de Ezequiel Napoli.

Agustin, como conociste al resto de la banda?

El mismo ámbito musical te va acercando a músicos, al conocernos y conocer la capacidad musical individual de cada uno, entre todos llegamos a un acuerdo en común en cuanto a la idea de cómo tenemos que sonar y trabajar en conjunto. Instinto Salvaje está conformada por Daniel Tesoreiro en voces (también cantante de Imperio y Destino), Eduardo Ludueña en bajo y coros, Albis Albarracín Batería y yo en guitarra y coros.

Eduardo, que siguió después aquél primer disco?

En realidad tengo que contarte que yo soy un nuevo integrante en la banda, así que no te puedo responder eso. Más allá que tuve la suerte de conocerlos y verlos en algunos shows... ahora se viene lo mejor, jajajaja. como está compuesto el set que usan en vivo?

Agustin: En mi caso, utilizo una guitarra Fender Stratocaster, consta de 4 micrófonos, un doble bobina y dos simples DiMarzio y además uso un cabezal Peavey 5150 con un gabinete 4x12 Marshall. No uso pedales.

Eduardo: Utilizo un Peavey de 350w y un gabinete de 6x10, lo que le da un sonido poderoso pero sutil a la vez.

También utilizo un bajo Fender Jazz Bass.

Agustín, como pueden enterarse los lectores de las novedades de la banda?

Podrán estár en contacto permanente con la banda por

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medio de nuestras redes sociales como por ejemplo en Facebook: Instinto Salvaje (Oficial) o en Twitter: Salvaje y los videos los podrán visualizar en Youtube: InstintoSalvajeOficial, donde podrán ver novedades y actualidad de la banda practicamente en tiempo real.

Agustín y Eduardo: Qué pueden decirle a los lectores que recién están empezando en este difícil camino de la música?

Agustín: La música es algo realmente increíble que roza lo mágico y hace, que de alguna manera muy particular, que los sentimientos sean corpóreos y tangibles ante el que lo ejecuta y ante el que lo recibe. La constancia en la práctica es fundamental, pero también es

muy fundamental escuchar muchísima música y incorporar sonidos, melodías, expresiones y técnicas de diferentes músicos, así podremos generar un idioma más versátil a la hora de crear nuestra propia música.

En resumen, hay que tocar y escuchar mucho!

Eduardo: Les diría que el principio en la música es difícil, pero con disciplina y mucho esfuerzo, con mucha voluntad y dedicación se lográn las cosas de la vida.

En mi caso me toco comprarme mi primer guitarra con la guita de mis primeros empleos, en la adolescencia, lo que lo hizo un toque más difícil aun, pero si lep onés pasión se llega lejos. Así que hay que darle con todo a pesar de cualquier realidad que se viva. Si se elige este camino, tarde o temprano tiene sus frutos.

Entrevista a instinto Salvaje | 09

GRetsch RaNcheR seRies

Todomúsica SA, representante en nuestro país de Gretsch Guitars, nos trae esta serie de guitarras acústicas que innegablemente forma parte de la historia con su tono característico. A continuación haremos un breve repaso de algunos de los modelos de esta serie de guitarras acústicas.

GRETScH G5034TFT - RANcHER BIGSBy La guitarra Gretsch G5034TFT Rancher es uno de los modelos Rancher de Gretsch más distintivos de la historia, con un micrófono Fideli'Tron que está montado en una cámara isocuática para un gran tono y rendimiento am-

plificados y un puentel Bigsby B70G con un brazo trem “wire”. Otras características premium incluyen una tapa de abeto laminado, respaldo de mahogany laminado, y sus laterales también de mahogany, agujero de sonido triangular Rancher clásico, mástil de mahogany con, diapasón de rosewood y 16 trastes con incrustaciones.

GRETScH G5013 - RANcHER JuNIOR Gretsch presenta a esta guitarra con una apariencia oscura y muy seductora, su modelo acústico clásico, la Gretsch G5013CE Rancher Jr. Black. Con sus elegantes

La combinación de maderas hacen que las guitarras Gretsch sean únicas. Fabricadas con materiales selectos y artesanía de calidad, producen un sonido innegablemente Gretsch. Por GyB.ar

y refinadas curvas y su electrónica, esta genial y clásica guitarra, mantiene la personalidad única de Gretsch. La Gretsch G5013CE tiene un cuerpo Rancher Jr. de 4.5" de profundidad y un solo corte, con una tapa de pícea, fondo de mahogany arqueado y laterales también de mahogany para un excelente sonido, proyección y equilibrio.

El mástil de mahogany está coronado por un diapasón de rosewood de 21 trastes con incrustaciones.

GRETScH G5022cWFE-12 RANcHER FALcON La G5022CWFE-12 Rancher Falcon Jumbo de 12 cuerdas le ofrece un sonido, típico de las guitarras Gretsch Falcon de 12 cuerdas. Su cuerpo jumbo cutaway incluye deslumbrantes adornos dorados en la parte superior.

Otras características de esta preciosa guitarra es que incluyen una tapa de abeto macizo y un agujero triangular clásico, lados de arce y espalda arqueada, mástil de caoba, diapasón de palisandro de 21 trastes con incrustaciones. El micrófono es un Fishman Sonicore y el sistema de preamplificador Isys + proporcionan un gran rendimiento amplificado y control sónico flexible, con controles de volumen, tono y fase.

GRETScH G5022cE RANcHER JuMBO La Gretsch Rancher más grande es la G5022CE Rancher Jumbo Cutaway Electric, que produce un gran volumen y un amplio tono complementado por su elegante corte veneciano para acceder fácilmente a los trastes superiores y con su electrónica a bordo que la hace oír aún más fuerte y claramente . Las características de este clásico incluyen una tapa de abeto macizo y el tradicional agujero triangular Gretsch Rancher, aros y fondo de arce flameado, mástil de mahogany y diapasón de rosewwod de 21 trastes con incrustaciones.

10 | Gretsch Rancher Series

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NicoLás miGLiavacca

como fueron tus comienzos en la música?

Empecé tocando la harmónica a los 8 años aproximadamente, por mi papa que tocaba de hobbie y siempre fue amante del blues. La primera canción que toque fue Love me do de los beatles y recuerdo que en la primaria siempre llevaba la harmónica encima para tocar en los recreos y cuando no podía me quedaba en las aulas tocando el piano. Fue así que mi maestra de música me ayudo con los estudios para ingresar al conservatorio Juan Pedro Esnaola. En el magisterio estudié un tiempo y decidí continuar con piano de manera particular ya que no era realmente la búsqueda que tenía. A lo largo de los años empecé a hacer mis primeros trabajos como tecladista y dando mis primeras clases. Recuerdo que uno de los primeros lugares en donde realicé un trabajo en vivo fue en el Teatro El Globo. A los 17 años toquepor primera vez un bajo y sentí algo que nunca había sentido con ningún otro instrumento, sobre todo la vibración de las notas como del instrumento mismo. Desde ese día sentí que iba a vivir pura y exclusivamente del bajo, sea como sea.

Uno de los bajistas más destacados que compartió escenario con juan Pablo Rufino, Cielo Razzo, David Pitufo Ros, Eduardo Giardina, Mario Parmisano, Daniel Maza, juani Mendez y Maycown Reichembach. Por Pedro G. Feisak

cual es tu equipo en vivo y en estudio?

En general suelo tocar en vivo con un bajo Carvin SB5000 custom de 5 cuerdas y un equipo Markbass, cabezal Littletube 800 y gabinete 1x12 NY. En ciertas ocasiones he

salido con algunos pedales como octavador, envelope, pre amp, pero realmente para lo que generalmente toco me resulta esencial solo el afinador. En estudio he trabajado mucho con un Fender Jazz Bass ya que es un audio

cuales fueron las primeras influencias y las actuales?

De chico recuerdo que escuchaba mucho The Beatles, The Doors, Queen, Red Hot, Stevie Ray Vaughan, Hendrix, Deep Purple, Joe Satriani, Steve Vai, AC/DC hasta Motley Crue, The Cult, Mr. Big, Pantera, Whitesnake, Extreme, Racer X, Van Halen, David Lee Roth, Living Colour.

Podria decir que mis influencias actuales son Jaco Pastorius, Victor Wooten, Marcus Miller, James Brown, Maceo Parker, Richie Kotzen, Michael Jackson, Stevie Wonder, Scott Henderson, Greg Howe, Jon Reshard, Pat Metheny, Jhon Patitucci, Gary Willis, Toto, Tom Kennedy, Jeff Andrew, Oteil Burdbridge, Janek Gwizdala, Hadrien Feraud.

12 | Entrevista a Nicolás Migliavacca

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más vintage y tradicional, un sonido el cual la gente estámás acostumbrada a escuchar. En caso de grabar con el Fender, al ser pasivo veo si paso o no por un pre, para colorearlo o modernizarlo o simplemente uso una caja directa. En el caso de grabar con el Carvin tengo la versatilidad de tener un pre y poder ecualizar de varias formas sin necesidad de pedales. Por supuesto también tengo la opción de grabar con la salida balanceada del mismo Markbass. Siempre depende del trabajo solicitado, el contexto en el que este y el criterio que deba usar.

Que le dirías a un bajista que quiere dedicarse en serio en la música?

Que el enfoque siempre lo tenga en el y no en los otros.

No hay que perder energías ni tiempo en cosas que no nos llevan a nada. Hay gente muy agresiva e hiriente con nosotros por sus propias frustraciones, pero si el enfoque esta en lo que hacemos, nada puede detenernos. Si te-

nemos una escala de prioridades y nuestro enfoque claro, no hay nada que te frene, solo tu propia mente. Tocar bien no es lomás importante. Hay muchos bajistas que instrumentalmente hablando son increíbles, pero eso no lo es todo. Uno debe valor su trabajo y su tiempo invertido. Si no tomamos consciencia real de lo que esto significa, difícil será que respeten nuestra labor.

Te vas de gira a Japon, contame mas al respecto.

Si, nos vamos junto a Maycown Reichembach y Mariano Cabral, tocando temas del disco Way From Home y algunos covers fusioneros que siempre nos encanta tocar en los shows. Venimos de tocar por el mecenazgo cultural y recientemente volvimos de tocar en La feria del Libro y la Cultura de la frontera en Paso de los Libres (Corrientes).

Me siento muy agradecido con esta gira y con todas las cosas que se vienen dando en tan poco tiempo. Realmente es muy fuerte saber que podrían haber estado en esta gira Felipe Andreoli, Igor Saavedra y o Tetsuo Sakurai. Estaremos tocando por Osaka y Tokio, 12 de octubre en el Hard Rock Café de Osaka, el 13 en Goith y el 14 en Mona Records de Tokyo.

Que proyectos tenes para 2018/2019?

En breve estará online mi website en donde podrán encontrar material sobre mis trabajos, sesiones en vivo, en estudio y docencia. También habrá una sección en donde podrán comprar paquetes de mini clínicas en HD. Podrán encontrar material audiovisual sobre el proyecto que tengo hace tiempo junto a mi pareja Anto Francesca. Tenemos un EP en todas las plataformas virtuales, Spotify, Cd baby.

Recientemente subimos dos videosclips y tenemos ganas de seguir girando por el interior del país y Europa.

14 | Entrevista a Nicolás Migliavacca

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Yamaha NtX 500

La Serie NX se conforma de dos líneas: las guitarras NCX, con trasteras, formas de mango y ancho de cuerpo de estilo clásico, y la línea NTX con un cuerpo más angosto, un mango más fino y la junta en el traste 14. El sistema de electrónica ART captura perfectamente el resonante y cálido tono, permitiéndote traer el inconfundible sonido de las cuerdas de nylon a un diverso rango de géneros, desde el latino al jazz, y del pop al rock. La guitarra Yamaha NTX500 es de un diseño moderno de guitarra electroacústica con cuerdas de nylon con una profundidad de caja fina y un perfil de mango angosto para una mejor facilidad al tocar, lo que la hace perfecta para tocar música latina, jazz, pop o rock. La electrónica exclusiva de Yamaha, de probada calidad le provee un sonido sólido y con muchísimo cuerpo.

Combinando un diseño contemporáneo con una meticulosa atención al detalle, donde Yamaha siempre nos deja asombrados, en esta oportunidad la serie NX ofrece el increíble toque y la sensación de una autentica guitarra clásica en un instrumento moderno que esta a la altura de toda performance profesional. Por GyB.ar

cuerpo delgado, de unos 80-90 mm y una boca elíptica ofrecen una respuesta nítida y de alta calidad.

Sistema de Pickup / preamp ART (Transductor de Resonancia Acústica). cARAcTERíSTIcAS Diapasón de Rosewood (palisandro) Fondo de Nato Tapa de Abeto

Laterales de Nato 22 Trastes 6 Cuerdas Cuerpo laminado Con Cutaway Piezo Eléctrico No incluye funda ni estuche Electrónica integrada Control de tono, afinador, amplificador

Las cuerdas de nylon de la Yamaha NTX500 tienen algo especial que no reemplazan las cuerdas metálicas. Yamaha, conocido fabricante de guitarras, nos ofrece esta española NTX500, que mezcla la tradición de este tipo de guitarras con la modernidad, sobre todo en lo que se refiere al cuerpo. Más pequeño y redondeado y por ello también más ergonómico. Perfecta para cualquier situación. Su timbre se ha modernizado también.

La tapa acústica de esta guitarra Yamaha NTX500 está fabricada de abeto, esta madera produce un timbre cristalino al que el palisandro del diapasón le añade un toque de calidez. De la amplificación de esta Yamaha se encarga el micrófono piezoeléctrico y el preamplificador, que dispone de afinador integrado. Una guitarra de siempre con los adelantos de hoy en día. Esta guitarra Yamaha NTX500 tiene un

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Yamaha NtX 500 | 15

chiNo aseNcio

A que edad empezaste con la guitarra?

Empecé a tocar la guitarra a los 8 años.

El Chino Asencio, tal como lo conocen todos, es un gran guitarrista de sesión que realmente ha tocado con todos y cada vez que escuchamos una canción en la radio, seguramente está su guitarra allí. En este reportaje el Chino Asencio nos cuenta sus actividades pasadas, su rol como productor, compositor y arreglador. Por Sergio Resar

como Emmanuel Ortega, Natalia Oreiro, patricia Sosa, Roque Narvaja, podés hacerme un resumen sobre ellos y que te pedían?

Siempre el trabajo de sesionista me encanto, ya que me vi enfrentado con distintos desafíos y todos muy interesantes, como por ejemplo tocar mucha guitarra de nylon

Había algún músico en tu familia?

No, no recuerdo que haya ningún musico en mi familia. con quienes estudiaste?

Por aquellos años estudié con un profesor que había en mi barrio, no recuerdo su nombre y luego me largué como autodidacta, debido a mi curiosidad como me pasó leyendo algunos libros como “Paul Hindemith”. por qué elegiste este instrumento?

Porque cuando era chiquito veía películas argentinas y veía a Palito Ortega y a Sandro con la guitarra colgada y me llamaba mucho la atención y también descubrí a los Beatles de muy niño y ese sonido me llevo directamente a elegir a la guitarra.

Quiénes eran tus influencias cuando eras más joven?

Siempre nombraré primero a los Beatles, desde siempre y en mi adolescencia descubrí bandas como lo erán Almendra, desde ahí toda la obra de Spinetta, Sui Generis, Vox Dei y en el plano internacional bandas como Deep Purple, Led Zeppelin, Yes y Genesis. cuál fue tu primer trabajo como profesional?

Creo que fue a los 18 años con un grupo de covers que habiamos armado llamado Laser, que giraba muchísimo por toda la Argentina.

Trabajaste como músico con artistas populares

16 | Entrevista a Oscar “Chino” Asencio

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con Marcela Morelo, en algunos casos tener que investigar nuevo sonidos, ya que algunos artistas grababan sus discos en el exterior. Esos desafios te llevan a mantenerte atento a todas las tendencias y con una mente abierta a todo tipo de música.

Llega Marcela Morelo y con ella recorriste el mundo, qué se siente viajar tanto y que países conociste?

Es muy lindo viajar, tuve la suerte de viajar por toda América y con Marcela recorrer Europa también y parte de África. Es parte de esa magia que te ropone la música, que cuando formas parte de algo que trasciende, comenzás a viajar a lugares inimaginables.

No sólo sos músico, también sos compositor, qué cosas te inspiran para componer?

Como autor y compositor, lo que me sale más fácil es la música, me cuesta mucho más cuando tengo que encarar una letra, más allá que la inspiración llega en distintos momentos y de distintos lugares. cuál es tu método de composición?

No hay un método pre establecido, te diría que mezclo inspiración con mucho tiempo de dedicación probando cosas, como dicen algunos, 10 % de inspiración, 90% de transpiración. cuáles son tus actuales influencias?

Me gusta muchísimo la música de Brasil, de artistas tan maravillosos como lo son Djavan o Caetano Veloso, estoy muy metido con eso, me encanta y también me gustan artistas de distintos estilos de rock y blues como lo son John Mayer, Bruno Mars o cantautores nuevos como Mac DeMarco, por mi trabajo tengo una cabeza muy abierta, cada vez más.

18 | Entrevista a Oscar “Chino” Asencio

Trabajaste con el grupo cómico MIDAcHI, cuál era tu rol con ellos?

Mi rol con Midachi fue llevar a cabo la producción musical del show y la verdad que fue muy divertido y un lindo trabajo. Son tipos que realmente tienen mucha experiencia en el espectáculo y eso te deja una marca.

Sos productor y arreglador, a quiénes produjiste?

Produje varios artistas entre ellos, Axel, Emanuel Ortega, Facundo Arana, Los Rancheros, Kyosko, actualmente estoy trabajando en una producción junto a Destino San Javier, además compuse una canción con el Papa Francisco, etc.

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En qué tipo de cosas te fijás y son importantes para tomar a una banda o solista para producirla?

Además de ver el talento de un artista o de una banda en sus canciones, básicamente presto mucha atención y es muy importante para mí y lo que más me interesa mucho son sus ganas de trabajar y de formar un equipo para poder sacar lo mejor de cada canción. cómo encarás a los artistas cuando lo producís para decirles por dónde va la cosa?

Son cosas que encaro con mucha sinceridad, creo que es el mejor camino para aunar filosofías sin romper la esencia de la banda o sin despersonalizar al artista.

Para lograr un resultado verdadero y auténtico como producto, hay que ser sincero y avanzar sobre el sendero que nos lleve a ese destino como objetivo También tenés un estudio de grabación, quiénes han pasado por tu estudio?

Es cierto, por mi estudio paso mucha gente, que recuerde ahora como para nombrarte alguno sería a Pedro Aznar, Luis Salinas, Palito Ortega, Los Tipitos, La Sole, Ricardo Tapia, Moris, Juanse y tambien artistas internacionales como Alberto Plaza, Carlos Vives, etc.

También hacés música para películas, para cuáles?

Hice una canción para la película Hipersomnia, también hice varias canciones para tiras de televisión como Costumbres Argentinas, Los Roldán, Amor en custodia, Se dice Amor, Don Juan y su bella dama, etc. contanos cuál es el objetivo que tiene tu sello grabador y cómo se llama?

Se llama Valu Music, y el objetivo es poder llevar la música independiente adelante y poder llegar bien lejos.

20 | Entrevista a Oscar “Chino” Asencio

Desde cuándo tenés este proyecto?

Lo tengo desde hace varios años.

De qué forma se puede contactarte?

Por redes sociales, o en mi página web.

En la actualidad con qué instrumento, amplificadores y pedales estás tocando?

Actualmente soy endorser de Bogner, pedales Mooer.

Qué le dirías a los chicos que recién empiezan?

Que estudien, que escuchen todo tipo de música y que no cierren su cabeza y que sigan sus sueños.

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foto: alicia urbaneja

LULa BeRtoLdi

Siempre estuvo en nuestros planes poner en la tapa de nuestra revista a una mujer, pero no nos resultaba fácil encontrar una referente de la guitarra. Y estamos seguros de encontrar que Luisina “Lula” Bertoldi sin dudas es uno de esos referentes tan buscados. Una chica que tiene claro tanto su pasado como su presente y futuro. Por Sergio Resar

Lula, contanos un poco de tu infancia, dónde naciste y como fue esa etapa de tu vida?

Nací en la ciudad de Sunchales, en la provincia de Santa Fe. Esta es una ciudad muy chiquita del interior y la verdad que es muy tranquila, una vida de ciudad pequeña, muy de andar bicicleta en la vereda. cuándo y por qué empezaste a tocar la guitarra?

Empecé a los 12 o 13 años. Cuando mi abuela materna que era directora de coros y que tocaba el piano, obviamente, resignada ya por enseñarme a tocar el piano, porque soy bastante vaga para estudiar, dijo “listo”. Entonces en una navidad me regalaron una guitarra criolla.

En ese momento recuerdo que me dijo “esta va a ser tu compañera para toda la vida”. Así que empecé a tocar, nunca ni se me había ocurrido tocar la guitarra y ahora cada vez tengo menos de estar sin una guitarra, una gran parte o mejor dicho, la mayor parte de mi vida me acompaña. Empecé a tocar la criolla en casa, en asados familiares, en juntadas, con mis cancioneros. Empecé a estudiar muy básico con una profesora de barrio que me enseñó los primeros acordes.

Quiénes eran tus influencias y por qué?

En esa época escuchaba mucho lo que se escuchaba en mi casa. Mi papá escuchaba Los Redondos, Pink Floyd. Él es un coleccionista de discos, hay como un

22 | Entrevista a Lula Bertoldi

millón de discos en casa, entonces escuchaba de todo, mucho rock pero de todo, muy variado, Aerosmith, Green Day, La Renga. Las primeras cosas que toqué eran de Fabiana Cantilo, me encantaba. cuál fue tu primera banda y quienes la componían?

La primera fue L-Mental. Una banda muy de garaje la cual nunca tocó en vivo, jamás. Siempre ensayábamos pero nunca tocamos en vivo. Yo en esa banda tocaba la guitarra acústica porque aún no tenía una eléctrica.

Tal vez me colgaba un bajo o tocaba la batería, era todo muy de primera banda. No teníamos temas propios, tocábamos un par de covers. Todos éramos amigos de barrio. Yo era la única mujer y éramos cuatro en total y a veces cinco porque venía alguno que se sumaba. cuál fue tu experiencia en ella?

Y la verdad como experiencia fue como muy inicial, algo muy precario, de aventura y busqueda, como todos hemos empezado. cómo fue tu primera experiencia en un estudio de grabación, como te sentiste al entrar en ese lugar?

La primera vez que grabé un disco no fue justamente en un estudio de grabación. Fue en una sala, no con LMental sino con la que siguió, La Morrison, también en Sunchales. Los chicos eran un poco más grandes que

yo y ellos ya habían grabado un disco con una banda que tenían anteriormente y formaron La Morrison porque se habían cansado de la anterior y el primer disco de esta banda que grabamos se llamó “Tangópolis”, lo grabamos en la sala de ensayo. Teníamos una computadora y como si fuese hoy, nosotros grabamos así en esa época pero mucho más rudimentario obviamente porque no nos daba para contratar un estudio. Teníamos un miembro de la banda que era muy nerd y la verdad que la re manejaba la compu y todo lo grabamos ahí.

Después de La Morrison, qué siguió?

Durante La Morrison en realidad, me fui a estudiar a Córdoba y cada fin de semana o cada quince días volvía a Sunchales para ensayar y estar con mi familia, era muy chica, me fui a estudiar lejos con sólo 17 años, no era que extrañaba ni nada pero como era cerca mi ciudad de Córdoba, iba y venía todo el tiempo. Tuve varias bandas luego de La Morrison por ejemplo Power Pampa, Proyecto Apostol, también toqué en otros proyectos, no fija pero en varios más, hasta que conocí a Lucila Cueva que es la banda que conocí a Brenda que estaban a full en Córdoba. Justo se había ido una de las chicas que tocaba y me encontraron a mí. por qué te mudas a córdoba y qué hacés ahí?

Como te dije antes, me fui a estudiar Relaciones Públi-

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cas, soy licenciada en Relaciones Públicas Institucionales. Me fui a estudiar eso porque no pensaba en ser músico, eso simplemente era un hobbie para mí. Nunca pensé en ser profesional de la música hasta que conocí a Brenda y a Gaby muchos años después. Una vez recibida decidí dedicarme a esto.

Qué siguió luego de córdoba?

De Córdoba me fui a vivir directamente a Buenos Aires porque mi hermana ya estaba ahí y me dieron ganas de ver qué onda.

cómo conocés a tu baterista, Gabriel pedernera?

A Gaby me lo presentan en uno de esos antros que tocábamos con Lucila Cueva. La cantante y guitarrista de Lucila me dice “Él es el mejor baterista de la Argentina” Así me lo presentó. La verdad que tenía razón. cuándo nace Eruca Sativa?

Eruca nace en el 2007. Los tres ya habíamos compartido cosas antes del nacimiento de la banda. Torax, que era la banda de Brenda, Gaby y Titi Rivarola, que era tecladista, me invitaban siempre, hacían música instrumental pero tenían un par de temas cantados. Fue ahí que empezamos a ver que había mucha onda musical y mucha energía. Fue ahí que dijimos “Bueno che, por qué no nos juntamos a tocar?” Surgió justo que Florencia Villalba estaba armando sus temas, que es una artista alucinante y además la quiero muchísimo, nos convocó a los tres para hacer su banda y al final terminamos nosotros siendo la banda sin Flor. Así empezó Eruca. Resulta que nos juntábamos a ensayar solos y nos dimos cuenta que había mucha energía y me dije “Hay que darle manija a esto”.

Qué recordás de esas grabaciones?

Recuerdo esas pequeñas cosas, que no nos conocíamos tanto a nivel estudio, entonces cada uno tuvo que

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pilotearla pero la verdad que los temas son hermosos.

Quién fue el productor del primer disco y qué creés que aportó al mismo?

Nadie, nosotros tres produjimos los tres primeros discos.

Después vino el disco “Huellas Digitales” que si bien no hubo un productor, vino Nicolás Sorín con los arreglos

de las cuerdas y los vientos y con productor ya laburamos recién en nuestro quinto disco “Barro y Fauna”. cuándo te mudás a Buenos Aires?

Me mudé a fines del 2008, principios del 2009 cómo conocés a Nicolás Sorín?

foto: alicia urbaneja

cuando graban su primer disco y cómo se llamaba?

El primero lo grabamos en el 2008 y se llama “La Carne”. Es el principio de una trilogía que siguió cada dos años con los discos “Es” en el 2010 y “Blanco” en el 2012. La verdad que el primer disco fue clave, entre otras cosas porque era la primera vez que entraba a grabar un disco a un estudio. Grabar como guitarrista y como cantante, con mis temas fue un flash. Yo estaba re verde, la banda también estaba verde. Recién nos conocíamos. No nos conocíamos mucho musical ni humanamente. Salió lo que salió. Era como la grabación de los primeros temas y ensayos porque necesitábamos un disco para girar y fue esto. Ahí está, es “La Carne”

foto: alicia urbaneja

cómo nace tu amistad con Brenda Martin?

Como te conté anteriormente la conocí en Lucila Cueva, la banda que compartíamos. Ahí empezamos a conocernos y yo flasheaba por su forma de tocar. Siempre fue una bajista tremenda, como la vez ahora, siempre fue muy destacada con su instrumento. Pegamos buena onda. Hace cinco años que somos realmente íntimas amigas porque el hecho de compartir una banda no hace que te sientas hermano del otro. Con ella fuimos construyendo la amistad a lo largo de los años e inclusive durante Eruca Sativa. No éramos intimas amigas cuando hicimos la banda.

Entrevista a Lula Bertoldi | 23

foto: alicia urbaneja

Lo conocí donde grabamos nuestros primeros tres discos, en un estudio que se llama MCL Records y ahí mismo también ensayábamos en una época. Recuerdo habérmelo cruzado ahí porque él estaba grabando en ese lugar “Monster” de Octafonic. Nos lo presentó el dueño del estudio, el Tano Bonadío. Me dice él es Nico-

lás Sorín de Octafonic y me hace escuchar “Monster” y realmente no pude creer lo que estaba escuchando, me dije “Qué es esto? Esto es el futuro de la música” Me sonó tan pero tan revolucionario e interesante que me enamoré de su música y tiempo después me enamoré de él. Eso fue algo como inevitable, jaja.

cuáles son tus influencias actualmente?

Uff, de todo. Todo lo que escucho me influye. Soy muy abierta y escucho de todo. Me gusta mucho escuchar todo lo nuevo que sale. Obvio que tengo mis clásicos pero escucho todo lo nuevo que sale. No sé bien que es lo que me influencia ahora porque es tanto. cómo está compuesto tu set para tocar en vivo?

Ahora estoy usando un sistema digital que se llama Fractal. Estoy usando el Fractal II Plus. Estoy ansiosa por tener el III que acaba de salir. Esto lo manejo con un controlador de piso. Uso cinco guitarras que son claves para el vivo. Obviamente puedo prescindir de ellas y puedo tocar con una sola o dos. Ellas son Gibson Midtown, Gibson Bucketheath, PRS 408, Gibson SG Standard, Godin Summit y Fender Starcaster. También uso alguna que otra acústica.

foto: alicia urbaneja

cómo fue haber tocado con Abel pintos?

Abel Pintos es un groso. Un tipo dedicado y que ama la música y eso se nota en todo lo que hace. Es muy humilde y dedicado a la canción. La verdad que es una persona muy pero muy especial. No lo conozco muy íntimamente, lo conozco trabajando y me fascinó eso, su amor por la música.

26 | Entrevista a Lula Bertoldi

cómo fue la experiencia de ir a tocar a cuba?

La invitación surgió de un festival que se llama Patria Grande, festival que involucra a distintas bandas de Latinoamérica. Tiene que ver con la liberación y los pueblos latinos unidos contra el imperialismo. Es una movida intensa y muy fuerte y en Cuba se vive como más fuerte aún. Vos lo podés hablar fuera de Cuba pero cuando llegás, ves que es real y palpable. Fue un flash tocar en ese país porque es una cultura totalmente dis-

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foto: laura tenenbaum

tinta, diferente situación económica, la gente. Fue muy loco ver que toda la gente entendia y se movilizaba con nuestras canciones, de lo que habla cada una de ellas .

Qué sigue en la vida de Lula?

Estoy con un montón de cosas. Estamos pensando ya

el disco nuevo de Eruca. También estoy trabajando con la música de una película de la directora Victoria Miranda que calculo que saldrá este año. Estamos preparando un show con mi marido, Nicolás Sorín para julio. El 17 y 24 de julio vamos a hacer un homenaje a María Elena Walsh con versiones para adultos.

cuáles son los proyectos a futuro de Eruca Sativa?

El proyecto siempre es Girar... Girar muchísimo, como banda expandirnos en todo Latinoamérica. Girar por esos países donde realmente nos fue bien. Sacar un disco nuevo y estar en movimiento todo el tiempo.

Nunca parar de girar la rueda.

foto: laura tenenbaum

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Entrevista a Lula Bertoldi | 27

GUiLd GUitaRs histoRY

El primer taller de Guild Guitars se ubicó en Manhattan, en laa ciudad de Nueva York, donde Alfred Dronge se centró en las guitarras de jazz archtop eléctricas y acústicas. Gran parte de la fuerza de trabajo inicial consistía en ex trabajadores de Epiphone Guitars que perdieron sus trabajos después de su huelga de 1951 y la posterior reubicación de la compañía de Queens a Filadelfia. La

28 | Guild Guitars history

expansión rápida de la compañía los obligó a mudarse a un barrio mucho más grande, en Newark St. en Hoboken, Nueva Jersey, en el antiguo edificio R. Neumann Leathers. La primera oferta de productos se dio en 1954, con Guild Guitars ofreciendo los instrumentos como “el Stradivarius de las guitarras”. Los modelos incluían guitarras eléctricas con la parte superior arqueada y acústi-

Guild Guitar Company fué fundado en 1952 en Estados Unidos, por Alfred Dronge, propietario de una casa de música, y George Mann, ex ejecutivo de Epiphone Guitar Company. Por GyB.ar

cas con la parte superior plana, y en 1955 se agregaron acústicas con la parte superior arqueada. George Mann dejó la compañía poco después del anuncio de las primeras líneas de productos, dejando a Alfred Dronge al mando. Guild Guitars luego agregó amplificadores y accesorios algunos años después, estableciendo la marca como de alta calidad. Las ventas continuaron en aumento, ayudadas en gran parte por los guitarristas de alto perfil que tocaban y proclamaban los beneficios de los instrumentos que fabricaba Guild. Como lo erán Roy Orbison, John Lee Hooker, Paul Simon, Keith Richards, Buddy Guy, Howlin’ Wolf, Eric Clapton, Muddy Waters o George Strait que tocaban con Guild en sus shows. La compañía continuó expandiéndose y fue vendida a Avnet Corporation, que trasladó su producción a Westerly, en Rhode Island, en 1966. A medida que la escena popular se calmaba, una nueva generación de rockeros empezaron a tocar con estas guitarras. La actuación más notable de esa época la de Richie Havens, que tocó una Guild cuando abrió el Festival de Woodstock en 1969.

Durante la década de 1960, Guild Guitars se movió agresivamente en el mercado de las guitarras eléctricas, promocionando con éxito la línea Starfire de guitarras y bajos semiacústicos (Starfire I, II y III) y semisólidos (Starfire IV, V y VI). Varias de las primeras bandas psicodélicas de la Costa Oeste de Estdos Unido utilizaron estos instrumentos, en particular los guitarristas Bob Weir y Jerry García y el bajista Phil Lesh de la banda Grateful Dead , así como el bajista de Jefferson Airplane, Jack Casady.

Guild Guitars también fabricó con éxito la primera guitarra acústica con un “corte” en su parte inferior para permitir un mejor acceso a los trastes más bajos, la guitarra modelo D40-C. En el año 1972, bajo el nuevo presidente de Guild Guitars Leon Tell, el guitarrista / diseñador Richard

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“Rick” Excellente se le ocurrió el diseño. Este diseño es copiado por prácticamente todos los fabricantes de guitarras. Alfred Dronge mantuvo las oficinas de la compañía en Hoboken, haciendo viajes regulares a Westerley, piloteando su avión privado. En mayo de 1972 murió cuando su avión se estrelló a las afueras de la ciudad de Conneticut. A pesar de la pérdida, Guild Guitars continuó creciendo en popularidad y reputación, manteniendo su calidad e innovación. Fender Musical Instruments compró Guild Guitars en 1995, retirando progresivamente la producción de la planta de Westerley y moviendo la base de operaciones a California. El CEO de Fender, Bill Schultz, reconoció y asimiló las guías principales de Alfred Dronge para Guild Guitars, comprometiéndose a continuar las operaciones como el fundador de Guild Guitars hubiese deseado. A finales de 2001, Fender Musical Instruments decidió cerrar la fábrica de Westerly (citando la dificultad en el control del clima y el flujo de trabajo de producción en fábrica como motivos primarios) y movió toda la producción de Guild Guitars a su fábrica en Corona, California. Sin embargo, la producción en Corona duró muy poco, ya que Fender Musical Instruments adquirió los activos de Tacoma Guitar Company, con sede en Washington, en 2004, y trasladó toda la producción de guitarra acústica de American Guild a Tacoma, Washington, y suspendió por completo la producción de guitarras eléctricas Guild fabricadas en Estados Unidos. A fines de la primavera y principios del verano del años 2014, las instalaciones de Fender en New Hartford donde se fabricaban las guitarras Guild cerraron sus puertas a medida que Fender Musical Instruments se preparaba para vender la marca Guild Guitars. Hasta que la empresa Cordoba Music Group (CMG), con sede en Santa Mónica, en California, adquirió los derechos de la marca Guild Guitars y comenzó a instalar una nueva planta de fabricación en Oxnard, California, dirigida por Ren Ferguson. A partir de entonces Guild Guitars a comenzado un insesante y agresivo regreso al mercado americano,

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que esperaba ansioso la vlueta de uno de los valuartes de la historia americana en cuanto a los instrumentos musicales, estando sus productos disponibles en cada una de las tiendas de aquel país. Hasta por fin “pegar” el salto hacia el resto del mundo, como es el hecho de haber llegado a través de Hendrix Music a la Argentina, donde los productos de Guild Guitars fueron avanzando en cada una de las provincias argentinas en un mercado como en nuestro que es un mercado ávido de instrumentos vintages y amante de las marcas clásicas, dónde hoy por hoy las guitarras Guild Archbacks o las Westerly o

como la reciente entrada de Guild´s americanas estan haciendo las delicias de todos y cada uno de los guitarristas argentinos que están redescubriendo de donde viene una parte importante del sonido de aquellas canciones que todos escuchamos y que en sus guitarras eléctricas como la serie Starfire para el blues o las Polaras para un estilo más rocker o la serie Capri o la serie Manhattan para un estillo más jazzero, reside su secreto, donde una vez más Guild Guitars ha vuelto a reinar, entre las mejores guitarras. En un mundo competitivo y altamente tecnológico, el sonido del alma, regresó.

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siLvio GázqUez

Comenzó tocando la batería, allá por el 93'. En ese tiempo Silvio era fan de Guns N´Roses, quería tocar como Matt Sorum. Después de un par de clases se dió cuenta que no era lo suyo. Un amigo estaba por empezar un taller de guitarra y se enganchó. Por supuesto, también era fan de Slash, para Silvio era el mejor guitarrista del mundo. Por GyB.ar

foto: betina colombo

Hablanos un poco de tu infancia.

Mi infancia fue muy feliz. Nací en el año ‘78, o sea que no existían los celulares ni los juegos modernos, así que nos la pasábamos en la calle jugando a la pelota, a las escondidas, etc. También había muchos espacios verdes para jugar al fútbol.

32 | Entrevista a Silvio Gázquez

Qué te decidiste por la guitarra como tu instrumento?

Ya en la pubertad me hice muy fanático de los Guns & Roses y Slash, por supuesto, quien fue la razón por la que decidí aprender guitarra. con quiénes estudiaste?

Empecé yendo a un taller de guitarra eléctrica en el conservatorio de mi ciudad. Luego seguí con la carrera de guitarra unos años más, hasta que me fui a La Plata a Bellas Artes. Ahí continué con guitarra clásica, pero hice solo 3 años aproximadamente. En realidad yo quería tocar la guitarra eléctrica y música popular. Así que con la eléctrica, básicamente, soy autodidacta. Aprendí con libros, VHS, y lo poco que se conseguía en ese entonces.

Cuando fui a La Plata tomé una clase con un guitarrista platense y otra con Gaby Soulé, hijo de Ricardo. Pero mis verdaderos maestros fueron los VHS y los discos. cuál fue tu primer trabajo como profesional?

En mi ciudad, en algún bar perdido por ahí supongo, si eso cuenta como un trabajo profesional, digamos jaja.

Ya en La Plata, hice algunas sesiones en vivo con algunas bandas con las cuales estaba trabajando. Y con una de ellas, tocamos en el Teatro Argentino y un par de veces en el teatro Coliseo Podestá.

cómo llegaste a ser integrante de Guitarcontrol.com?

En el año 2006 empecé a subir videos a Youtube, un día recibo un mensaje de los que hoy son mis jefes diciendo que habían visto un par de videos míos y que querían filmar un DVD. Así que a los pocos meses vinieron al país y lo hicimos. Luego de unos seis meses me invitaron a trabajar con ellos.

Grabaste un DvD con lecciones para guitarra, cómo se llama y dónde lo podemos conseguir?

Si, se llama “Virtuoso Guitar Secrets” pero creo que no se consigue más. De todas formas, quedé muy desilusionado con el resultado final. No me gustó el sonido, ni como estuvo armada. Una lástima.

Ganaste concursos de youtube, como fue eso?

foto: betina colombo

foto: betina colombo

A qué edad te empezó a interesar la música?

Cuando era chico me gustaban mucho algunas cosas que escuchaban mis viejos, como Dyango, Nino Bravo.

Luego conocí a unos amigos y me hicieron escuchar Soda Stereo, Charly García, Depeche Mode y varias bandas más. Pero aún no se me había dado por la guitarra. Aunque como a los 10 años, en la casa de mi abuela había una guitarra criolla y me llamaba mucho la atención. Así que cuando iba la agarraba y me ponía a

“tocar”. Siempre me gustó la música. Desde muy chico me gustaba escuchar la radio, los cassettes de mis viejos, e incluso grababa cassettes de la radio o de otros que me pasaban mis amigos.

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Empecé a mandar videos a diferentes concursos, los cuales eran muy común por ese entonces. Yo lo hacía para que la gente viera mis videos, pero gané un par, quedé tercero en otro, dentro de los primeros 10, 15, etc.

También fuiste finalista del Guitar Idol un par de veces y tuviste la oportunidad de viajar a la final en Londres, En qué año fue y cómo fue esa experiencia?

La primera vez que fui finalista fue en el 2008, pero justo coincidía con la fecha que venían a filmarme los de Guitarcontrol.com así que no pude ir. Luego, al año siguiente también fui elegido y pude ir. La experiencia fue muy interesante, además, pude conocer personalmente a varios guitarristas que por aquel entonces eran tendencia en Youtube, como Daniele Gottardo, Muris Varajic, Jack Thammarat, entre otros. Y también coincidió que estaba el London Music Show, que es una onda Namm, pero en Inglaterra. Ahí estuve con Guthrie Govan, el mítico

Qué marca de guitarras estás representado y qué nos podés decir sobre ellas?

La marca se llama Spear y es de Korea. En realidad el dueño de Guitarcontrol, importaba y veníia estas guitarras en EEUU. Y en el 2012, fueron a la NAMM y me llevaron para que toque en el stand de la marca. Entonces me regalaron una guitarra para que la use en los videos de la página web. Pero ya no la están vendiendo más.

Son guitarras que van de un nivel para principiantes hasta intermedio. El modelo que tengo yo se llama Tomcat y es uno de los modelos top. Tiene una calidad similar al modelos top de una Epiphone, ponele.

Grabaste tu primer disco, con quiénes lo grabaste?

Mi primer disco se llama “Night Sky”. Lo grabé con músicos locales, excepto por el tecladista Carlo Peluso, de Italia. El resto de los músicos son: Tulio Gázquez (mi hermano) en batería, Damián Righi en bajo y Guillermo Catena en saxo. Y recientemente terminamos de grabar mi segundo disco, “Coming Home” con los mismos integrantes del primero. Más la participación de Joaquín Pérez en el bajo, Dimas Devit en batería, Diego Dibartolo en Percusión y los extraordinarios guitarristas Andre Nieri (Virgil Donati Band) de Brasil, y el argentino Chowy Fernández. Los dos discos están disponibles en Bandcamp y en todas las plataformas digitales bajo el sello Neworld Records de E.E.U.U. contanos como está compuesto tu set?

Hace varios años que uso una pedalera Boss GT8. Sé

foto: betina colombo

foto: betina colombo

batero de Journey, Steve Smith, Alex Hutching, etc.

que no hay como el sonido de un buen ampli valvular, pero cuestan una fortuna y cuando tocás seguido es un fastidio andar acarréandolo. Yo voy con mi pedalera y la conecto directamente a la consola y suena muy bien.

Después tengo una guitarra Peavey Ltd ST, una Fender Telecaster Custom y la Spear.

Estás dando clases? cómo pueden contactarte?

Por el momento no estoy dando clases. Mi trabajo es a tiempo completo pero solía hacerlo a través de Skype y también clases presenciales.

Qué le dirías a los chicos que recién están empezando con la guitarra?

Les diría que sean abiertos a escuchar distintos tipos de música y a la hora de aprender, que no quieran tocar solo escalas a mil, sino que encuentren siempre una manera más musical de aprender.

foto: betina colombo

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Entrevista a Silvio Gázquez | 33

tc eLectRoNic

TC Electronics fué fundada por dos hermanos músicos, Kim y John Rishøj. Su SCF (Stereo Chorus + Pitch Modulator & Flanger) fue un producto con un tempranero éxito.

Después del éxito inicial de TC Eectronics con pedales de efecto para guitarra, desarrollaron procesadores montados en rack de 19”, incluyendo el mítico delay TC2290 lanzado en 1985. La compañía fue comprada por Music Group (empresa matriz de Behringer) en 2015. Pasaremos a ver algunos de sus más importantes pedales para guitarra.

DARK MATTER DISTORTION Exclusivo circuito de distorsión con características clásicas de un amp a válvulas: alto nivel de margen o headroom, baja compresión y súper graves. Sensible al tacto, se puede controlar el tono y la saturación por medio del ataque y del

34 | tC Electronics

tC Electronic es una compañía danesa de equipos de audio que diseña e importa efectos de guitarra, amplificadores de bajos, interfaces de audio para computadora, software de plug-in de audio, ecualizadores de sonido en vivo, equipos de estudio y postproducción, procesadores de efectos de estudio y procesadores y medidores de sonoridad. Por G&B.ar

mando de volumen de tu guitarra. EQ activo de dos bandas con controles independientes de agudos y graves.

DITTO LOOpER Combina todas las funciones esenciales de un looper con un intuitiva interface de usuario de un único botón, un diseño “analog-dry-through”, un perfil muy bajo y la máxima calidad de audio a 24 bits. True Bypass. Con un tiempo de loop de 5 minutos, opciones de regrabación ilimitadas y capacidad de undo/redo, el Ditto Looper es la mezcla perfecta de calidad, creatividad y simplicidad.

SKySuRFER REvERB Skysurfer Reverb es la solución de una sola parada para todas sus necesidades básicas de reverberación. Ya sea

que desee bucear en profundos océanos o navegar por las ondas ambientales anteriores, Skysurfer le permite hacerlo a través de sus tres algoritmos de reverberación de alta calidad, todos alojados en un pedal robusto y compacto que no rompe el banco. Tres versátiles modos de reverberación Spring, Plate y Hall.

TAILSpIN vIBRATO ANOLOGO TailSpin Vibrato ofrece una gran cantidad de tonos de vibrato vintage impresionante, todo servido en un paquete tan accesible que hará que tu cabeza gire. Su diseño de cubo, analógico, trae de todo, desde oscilaciones orgánicas sutiles hasta tonos de vinilo deformados y hasta los sonidos parecidos a lo Leslie. Estos hermosos tonos están alojados en un recinto compacto y robusto, listo para salir a tocar.

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GUitaRRa

Por Daniel Corzo

FRASES ChORD-MELODY (PARtE Viii) Este será el último artículo de esta columna sobre frases chord melody. Así que a partir del próximo les propondré desarrollar algún otro tópico interesante para trabajar sobre este maravilloso mundo de la Guitarra jazz.

En esta ocasión les muestro como transformar una frase melódica (otra vez de Charlie Parker) en una frase chord melody. En el ejemplo 1 tenemos la frase II-V-I original tocada melódicamente. En el ejemplo 2 la tenemos armonizada, notarás que la subimos una octava y la línea original es la que tiene plica hacia arriba.

Daniel Corzo es endorser de guitarras Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler y Acoustic Image. Enseña Guitarra Jazz, Armonía e Improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Suplemento técnico | 35

Bajo

PiENSA CUANDO EStUDiES... SiENtE CUANDO tOCAS Cuando se trata de llegar a las bases mismas de la improvisación surgen una cantidad de interrogantes y abordaré las más significativas. En mi opinión una de las más frecuentes es la que propone el título de este artículo. Por igor Saavedra

¿Hay que pensar mientras se improvisa?

Esta interrogante se me hizo cada vez más frecuente hace un par de décadas atrás, ya que veía que tenía una enorme información acumulada que debería haberme estado permitiendo enriquecer y conducir mis improvisaciones de mejor forma, pero ¿se podrá improvisar sin pensar?. ¿Será que improvisar implica verter toneladas de información sobre los dedos y conectar este arpegio con este otro arpegio, esta triada con esta otra triada, esta escala con esta otra escala, este pattern con este otro pattern, este lick con este otro lick, este chop con este otro chop, esta extensión con esta otra extensión, esta semicorchea con esta corchea, esta trecena con esta novena, pero a nivel cortical o consciente?. Si es así entonces ¿En qué fenómeno específico se basa la improvisación?. Para los efectos de la interrogante que aquí planteo, he definido “pensar” como aquello que se expresa como un acto plenamente “consciente”.

En mi vida musical he estudiado muchísimo (lo cual no es garantía para improvisar bien jeje), pero paulatinamente me he ido dando cuenta que cada vez he ido tendiendo a “pensar” menos lo que toco, lo que ahora les confieso, me hacía sentir bastante culpable cuando comencé a poner en práctica este necesario proceso muchísimos años atrás. Mi actitud culposa se basaba en que sentía que no estaba justificando tanto estudio si al final en un Solo “llegaba y lanzaba los dedos como viniera y sin pensar”, sin saber conscientemente, a veces, ni siquiera en qué acorde o en qué tonalidad me encontraba funcionando. Otra razón que me hacía sentir culpable era que siendo un profesor del instrumento, se me hacía extraño, contradictorio y hasta vergonzoso enseñarles tanta información a mis estudiantes si es que yo mismo no la estaba utilizando al momento de “los hechos”, o al menos eso era lo que yo creía. Cuando estas interrogantes ya se hacían bastante molestas, por decir lo menos, un buen día tomé la decisión de analizar algunos de aquellos Solos en los que ni siquiera me había dado cuenta de lo que estaba tocando, y para mi sorpresa pude ver que en ellos había una enorme cantidad de información concreta, como escalas, arpegios, sustituciones, reemplazos, frases que conocía, rítmicas de la más variada complejidad, técnicas de la más variada complejidad, que se expresaban a través de sus líneas. ¿pero cómo entonces sucedió esto, si no me di cuenta?

Este análisis, debo confesar, me calmó bastante, ya que pude confirmar que tantos años de estudio estaban siendo finalmente justificados y manifestados a través de mis solos, pero de una manera “inconsciente” y he aquí el punto. Cuando un futbolista de categoría mundial como Maradona, Pelé, Baggio o Messi, debe ejecutar un Penalty. ¡¡Jamás debe pensar! ya que años de entrenamiento y de funcionamiento con el balón en los pies harán que cualquier relación que se establezca entre ellos y el balón sea “automática”, y si nos queremos poner un poco más técnicos, esta relación pasa a ser conducida a nivel de Tronco Encefálico o “Cerebelosamente” y no “Corticalmente”

(conducido por la corteza cerebral), pero ¡¡Sí se esta “pensando”!!, más no a un nivel consciente, y la única manera de llegar a dominar esta habilidad es luego de muchísimos años de práctica o estudio e incansables repeticiones, situación para la cual estos futbolistas son un excelente ejemplo. Entonces, ¿Qué es lo que ha pasado cuando esta “Elite” del fútbol mundial ha desperdiciado aquellos famosos penales que podrían haber convertido en gol hasta con los ojos cerrados?. Habiendo estudiado la carrera de Educación Física antes de ser músico, tuve que leer muchos trabajos de Psicólogos deportivos que condujeron variados estudios al respecto y una de las conclusiones que más se sustenta, es que todos ellos han perdido estos lanzamientos en momentos de suma importancia y sometidos a una gran presión, lo que los ha hecho pensar, sí, pero en la acepción con la que predefinimos este artículo, vale decir, han pensado inconsientemente lo que van a hacer, y esto los ha liquidado. Lo mismo pasa con la música y más en específico con la improvisación. No les ha sucedido que cuando están haciendo un Solo y se les ocurre la mala idea de “Pensar” pierden el hilo de la improvisación, o dicho de otra forma “pierden la inspiración”.

Bueno, entonces creo que un buen consejo, basado en mi propia experiencia eso sí, es llamarlos a no pensar conscientemente mientras improvisan, sino que a dejar fluir automáticamente o “cerebelosamente” la información. Como conclusión, y aunque aparente ser contradictorio, debo entonces reivindicar como nunca el estudio y la asimilación de tanta información como sea posible por parte de cada uno de ustedes, porque no es lo mismo llegar y tocar de manera inconsciente sin tener ninguna información que procesar a ese nivel, lo que se traduciría en un Solo pobrísimo, a hacerlo con toneladas de información en sus cerebros que no tratarán de concientizar al momento de verterla, sino que dejarán fluir libremente a través de sus dedos, o que redundará en conexiones mucho más aleatorias que los sorprenderán y en las cuales engañaran, por así decirlo, a vuestro plano consciente, haciéndole creer que cada una de sus notas ha sido directamente entregada por el Mago Merlín o por los extraterrestres.

Finalmente, los insto a estudiar y practicar todo lo que puedan, ese es el momento de pensar concientemente todo pero luego, a la hora de actuar déjense llevar, que la información que está dentro de ustedes estará obrando por cuenta propia. Eso sí, todo lo que les pueda haber dicho en este artículo quizás no bastará, ya que es posible que ineludiblemente los años sean los que se encarguen de demostrarles lo que les estoy planteando, por más que se lo propongan en estados tempranos del aprendizaje. Pero hay una posibilidad de que alguno lo pueda asimilar aún en ese estado y se ahorre algo de tiempo, lo que dará aún mayor sentido a este artículo. No lo olviden: Piensen sólo al estudiar y cuando toquen... dedíquense sólo a sentir.!!

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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Bajo

CONCEPtO BáSiCO DE ENLACES SOBRE EL StANDARD DE jAzz tUNE UP En esta ocasión les voy a compartir un concepto básico de enlaces sobre el standard de jazz tune Up Por Nicolás Migliavacca

La lógica del ejercicio consiste en ejecutar siempre corcheas swing marcando con el pie en 2 y 4, (como marca el hi hat de la batería), y la ultima corchea del compás o ante ultima y ultima queden a un semi tono de distancia de la próxima tónica o 3era del acorde caminando por la escala mayor que naturalmente podríamos ejecutar sobre un II V I.

Nicolás Migliavacca es bajista, docente, sesionista.

Se inicio sesionando para David "Pitufo" Ros (Ex abuelo de la nada), trabajo junto a Edu Giardina, German Damianich, Sebastian Persini, Mariano Vega, entre otros. Actualmente trabaja junto a su novia en "Anto Francesca" y en Maycown Reichembach Group.

Mas info: Fanpage/Youtube

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GUitaRRa

LLUViA DE VERANO En esta edición quiero mostrarles el track número uno de mi nuevo álbum “Way From home” el tema se llama “Lluvia de Verano” y me interesa mostrarles la armonía de esta obra. Por Maycown Reichembach

Lo hago principalmente por el uso de extensiones melódicas en los acordes, que genera una conducción en los acordes, que al mismo tiempo ayuda en la melodía del tema principal.

Si bien hay un eje tonal, tales extensiones y acordes que no pertenecen a la tonalidad generan un efecto de alejamiento de tal eje, y así una dirección de la "no obviedad", tanto armónica como melódica. Otro recurso utilizado son los acordes simétricos, que consiste en elegir dos acordes con sus extensiones melódicas y repetirlos consecutivamente en otras tonalidades, para así generar nuevas progresiones armónicas. El resultado es muy satisfactorio. Pueden ver el video en mi canal: www.youtube.com/maycown

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y orquestador. Director de la Quantum Orchestra. Ya ha compartido escenarios y álbunes con algunos de los más respetados músicos del mundo como: Simon Phillips, Alain Caron, Kiko Loureiro, Greg Howe, Guinga, entre otros.

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GUitaRRa

POLitONALiDAD: BitONALiDAD Y tRitONALiDAD Politonalidad significa muchas tonalidades, bitonalidad dos tonalidades, tritonalidad tres tonalidades, esto es a la vez, o al mismo tiempo utilizar más de una tonalidad. Por juampy juárez

Compositores contemporaneos como Charles Ives, Igor Stravinsky, e incluso Mozart (la llamada “Broma de Mozart”) han incursionado o experimentado con estas sonoridades. En el Jazz tenemos a Ornette Coleman y su doble cuarteto, asi como de tambien a Sun Ra y sus experimentos. Otros ejemplos mas modernos serian los arreglos para el standard “All the things your are” del piansta Richie Beirach, asi como algunas improvisaciones del grupo Bad Plus. En el Jazz existen algunas composiciones de Frank Zappa que tal vez naveguen con estas ideas por el mar de la politonalidad. Algunos teóricos piensan que la politonalidad, sea bitonalidad o tritonalidad no son posibles. Por ejemplo, si usamos dos triadas superpuestas, digamos, E mayor y C-, si bien el sonido es “disonante” o outside, solo estamos replicando el sonido de la tonalidad aumentada de la escala simétrica aumentada o escala mágica. Para poder componer o improvisar musica politonal, necesitamos al menos tres triadas, con dos, no hay manera de que “seamos” politonales. Si usamos tres triádas, vale decir, las triádas mayores de C,F#, y A, aun estamos dentro de la escala de Bb disminuida, o sea que no es tan sencillo como parece, solo por el hecho de superponer tres triádas no estariamos siendo bitonales.Pero si utlizamos las triádas de C A y Db, Cy A, estarian en Bb disminuida, y Db no, o C y Db estarian en F menor armónica y A no.Ahora si tenemos algo. En cuanto a las escalas, al intervenir mas notas, es mas sencillo. Si utilizamos una escala de nueve notas la cual llamaremos escala nonatonica, formada por las notas C, D Eb,E, F, G,Ab,A y B, tendremos las notas de la Escala de Do Mayor, y dos notas, Eb y Ab, de la escala de C menor natural. Las triádas, cuatriádas, modos, pentatónicas y demás recursos , pensados como subconjuntos o “subsets” de la escala nonatónica, serviran para que nuestra música sea bitonal. Es posible tambien llamar a esta escala de nueve notas, y su música, Bi Modal.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar. Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros. Su ultimo album en trio Hiperborea esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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pRodUcciÓN

tiPS DEL PRODUCtOR Como lograr la financiación de los costos para la realización de un concierto a gran escala Por julio Elorza

El desarrollo de un proyecto de producción musical en vivo a gran escala contiene una serie muy importante de elementos que en su conjunto representan cargas muy pesadas en términos económicos para sus realizadores. En general es muy difícil encontrar algún artista o productor que cuente con todos los recursos monetarios para cubrir toda la demanda en metálico que se requiere costear para llegar al objetivo de poner en escena su proyecto. Por lo que se hace necesario establecer asociaciones estratégicas donde algunos de los beneficios son ofertados a terceros como incentivos para lograr las obtener de ellos financiación de las metas presupuestarias. Existen varias formas mediante las cuales el o los productores pueden lograr aliar a terceros y sumar fuerza económica para financiar sus proyectos, o por lo menos disminuir el impacto que la diversidad de elementos a costear ocasionan. Acá les hago una breve mención de algunas: Los Sponsors Ya con anterioridad hemos hablado de que “Un Sponsor es una marca comercial o empresa que paga los gastos de un acontecimiento público cultural o deportivo mediante una alianza con fines publicitarios”. Llevando esto al tablero encontramos que los sponsors son una de las principales y más comunes formas de lograr financiar un proyecto.

Por lo cual esta representa una de las primeras alternativas que debemos explorar. Sin embargo es muy importante que tomemos en cuenta que dado los tiempos complicados que estamos viviendo en nuestras economías y con la consecuente disminución de los presupuestos de publicidad que usualmente aplican las empresas ante esta realidad, el conseguir el patrocinio de una marca podría resultar hoy día una tarea muy difícil y complicada. A continuación revisemos algunos pasos para realizar esta búsqueda de manera ordenada y hacerla lo más efectiva posible: 1 - Busca compañías que patrocinen otros eventos o actividades similares a las tuyas, considerando especialmente las estaciones de radio locales, publicaciones musicales, escuelas de música, distribuidores de instrumentos musicales y otras empresas del género.

2 - Elabora una lista de patrocinadores posibles, es decir, personas o compañías que verdaderamente podrían patrocinarte. (Incluye compañías que te hayan patrocinado en otros momentos, compañías que hayan patrocinado otras ideas similares a las tuyas, y compañías con las que tengas algún tipo de contacto personal mediante el cual puedas conseguir el patrocinio).

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3 - Estudia detalladamente a cada uno de tus potenciales sponsors para que luego y usando tu conocimiento sobre su modelo de negocios, audiencia y objetivos les expliques en forma detallada y convincente que ventajas obtendrán de su inversión en tu proyecto y cómo se beneficiarán por patrocinarte. Podrías incluir argumentos acerca de la cobertura de prensa y otras oportunidades promocionales.

4 - No elabores ni envíes una sola presentación o propuesta en general para todos. Elabora una presentación adecuada según el caso y personaliza cada correo electrónico, así como toda correspondencia que envías. Si tomas la salida perezosa tu proyecto nunca obtendrá los patrocinadores que requieres. Escribe una nota individualizada para que el patrocinador potencial sienta que te tomaste el tiempo necesario para aprender acerca de él y su compañía.

5 - Incluye en tus comunicaciones una “llamada de acción” Tu llamada a la acción puede ser una solicitud que ellos llenen y te envíen, o tu información de contacto solicitándoles una reunión para acordar el patrocinio.

6 - Espera unos días y luego llama a las personas a las cuales les enviaste los paquetes de patrocinio. Pregúntales si recibieron tu solicitud. Averigua si tienen alguna pregunta.

Asegúrate de que sepan dónde localizarte cuando hayan tomado su decisión.

7 - Trabaja en la búsqueda con anticipación. Es posible que tengas una fecha límite para conseguir patrocinadores. Mientras más tiempo pases buscando patrocinadores, mejor.

Lo ideal es trabajar durante unos tres o cuatro meses para conseguir patrocinadores.

El intercambio comercial Es una asociación estratégica derivada del patrocinio donde el sponsor aporta sus bienes o servicios a través de un intercambio por beneficios publicitarios que proyecten su imagen comercial. Esta actividad tiende a disminuir costos de producción, resultando muy interesante y beneficioso para ambos. Ya que el productor del evento cubre la necesidad del bien o servicio en su proyecto sin costo, a la vez que el sponsor disminuye sus gastos de publicidad beneficiándose de la imagen del proyecto y de los artistas en las campañas de promoción. Las asociaciones estratégicas por sistemas de intercambio comercial más comunes se generan en los sectores de alimentos y bebidas para cubrir los gastos de catering y hospitality para los artistas y técnicos. También puedes considerar asociar empresas que te ayuden a disminuir gastos de transportación y hospedaje en hoteles si el proyecto se desarrollará en otra localidad.

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La tercerización de actividades de producción La tercerización de actividades dentro del proyecto consiste en generar asociaciones estratégicas con especialistas, técnicos y empresas del sector de espectáculos que distribuyen la tarea de producción y alivian de alguna forma los costos de algunos módulos de la operación. En realidad no es común que esta asociación se efectúe por intercambio publicitario por lo que las propuestas del productor usualmente están orientadas que el tercero reciba un porcentaje de los profits del proyecto dentro del balance de la operación ya finalizada.

El Mecenazgo Es un acuerdo que establecen algunos entes culturales del gobierno con las empresas privadas para que estos apadrinen aportes con el objeto de financiar la realización de los proyectos propuestos por el artista. El incentivo para los patrocinadores es que los aportes les sean considerados como deducibles en sus correspondientes declaraciones de impuestos como contribuyentes. Investiga en tu localidad cuales son estos organismos e infórmate bien sobre cuáles son los requisitos y trámites para presentar tus solicitudes. Cuidando que al presentarlas se cumplan al pie de la letra para que puedan ser cursadas. No olvidando darles posteriormente el seguimiento necesario para monitorear su evolución.

El crowd Founding La financiación colectiva o Crowd funding nace de los primeros proyectos de Open Source donde los desarrolladores inicialmente ofrecían su trabajo de forma desinteresada. Posteriormente, frente al éxito de sus creaciones y también al trabajo que eso conllevaba, empezaron a pedir donaciones y la respuesta fue de nuevo mayor de la esperada. En ese momento, entre los creadores (que requerían de financiación) y los usuarios (que demandaban proyectos creativos y pagaban por ellos), nacía el Crowd funding o financiación colectiva, como una nueva opción para financiar, en un primer momento,

proyectos creativos. ¿Cómo funciona el Crowd funding en general?. El emprendedor envía el proyecto a la plataforma de Crowd funding. Indicando descripción, cantidad necesaria, cuenta para efectuar la donación, garantías, tiempo de recaudación, recompensa. Se publica el proyecto por un tiempo determinado, 30, 60, 90, 120 días, Este esquema puede verse alterado en gran medida en función del tipo de Crowd funding del que estemos hablado: recompensas, donaciones, inversión o préstamos. Hoy en día existen muchas plataformas para el Crowd Founding. Sin embargo existen fórmulas a través de las cuales, comprendiendo correctamente su funcionamiento de esta estrategia, el artista o el productor puede generar recursos para llevar a cabo sus proyectos de manera individual. Te invito a investigar sobre esta posibilidad.

Lograr que uno o varios sponsors para tu concierto te apoyen con sus recursos puede ser la diferencia entre el éxito y el fracaso. Aprendiendo a identificar patrocinadores potenciales sólidos, redactar resúmenes ejecutivos y enviar paquetes personalizados a los patrocinadores potenciales, aumentarás considerablemente las posibilidades de conseguir un patrocinador. Te deseo todo el éxito posible y que tengas un gran Sold out que celebrar. Pueden escribirme a mi correo elorza.jazz@gmail.com para compartir conmigo sus experiencias y hacerme sus consultas que con gusto les responderé de vuelta. También me pongo a sus órdenes si desean escribirme para presentarme sus propuestas las cuales con mucho gusto conversaré con ustedes. Pueden hacerlo a través de los contactos de Avila Entertainment Group en las redes sociales y a través de las coordenadas que se describen en nuestra publicación dentro del contenido de la revista.

Julio Elorza es productor ejecutivo de Ávila Entertainment Group. Creador del Caracas Jazz Festival y manager /productor de artistas de gran trayectoria como Maycown Reichembach, Quantum Orquestra, Eros Ramazzotti´s Cover Band, entre otros.

Contacto: AEG.argentina@gmail.com

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Bajo

PizziCAtO ALtERNADO Pt2: tRABAjANDO EL SALtO DE CUERDAS Siguiendo lo que vimos anteriormente en la edición pasada, veremos algunas variaciones con saltos de cuerdas. Por Bruno Ladislau

A partir del momento que encuentren la secuencia de dedos más natural tendrás que crear un patrón de tus movimientos, o sea, vas a comenzar todas las digitaciones de la mano derecha con el mismo dedo. Esto optimizará mucho tiempo cuando quieras aprender un nuevo tema, además de dejar tu ejecución mucho más precisa y limpia.

Cuando trabajamos con saltos de cuerdas, tenemos que poner mucha atención en el orden de los dedos, porque es muy común perdernos en la secuencia cuando saltamos de cuerda. Empiecen estudiando despacio, siempre con la ayuda del metrónomo. En la próxima edición veremos cómo aplicar estos ejercicios usando el dedo anular.

Bruno Ladislau realiza clínicas, es sesionista y Profesor. Actualmente es bajista de André Matos y Aquiles Priester, además de trabajar con grabaciones y producciones.

Contacto: aulas.brunoladislau@gmail.com

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siRe Bass

Nuestros amigos de hendrix Music SRL (www.hendrixmusic.com.ar), importador de instrumentos musicales y accesorios musicales de marcas tales como PDP Drums, Gretsch Drums, Gibraltar hardware, Aguilar Bass Amplifiers, Radial, ESP LtD Guitars, StudioLogic Keyboards, istambul Agop Cymbals, Guild Guitars y Córdoba Guitars entre muchas marcas más, nos vuelven a sorprender con una línea de bajos. Los bajos Sire del genial Marcus Miller. Por GyB.ar

Pero antes de hacer una breve reseña de ellos, pasamos a contarles un poco la historia de esta fábrica de instrumentos musicales. En 1995, tres amigos comenzaron una banda juntos y se presentaron en diferentes escuelas e iglesias. Joe tocaba la batería, David tocaba la guitarra y Kyle, tocaba el bajo. Después de veinte años, los tres siguen trabajando juntos para la empresa. Así se convirtieron en una banda que hace sus propios instrumentos. Tocando juntos, siempre les faltaba dinero para comprar instrumentos de buena calidad así que después de comprar algunos

micrófonos para guitarra, hardware y algunos libros sobre construcción de instrumentos y luego de estudiar noche tras noche sobre el tema, comenzaron a fabricar sus propias guitarras. Poco después, otros músicos comenzaron a comprar las guitarras que habían construido y utilizado.

A medida que creció la demanda, su capacidad para construir instrumentos mejoró y comenzamos a vender sus guitarras online. Continuaron creciendo, y después de diez años, se convertimos en la compañía de construcción de guitarras más codiciada de Corea. Cuando se convirtieron

en la empresa número uno en construcción de guitarras, decidieron que ya era momento de lanzarse al mercado mundial pero se enfrentaron a una dura realidad. Las compañías y distribuidores de USA estaban un poco reticentes a firmar un acuerdo con una empresa joven que nadie conocía. Fue ahí que comenzaron con un plan que consistía en en tres claros pasos. Lanzar una nueva marca en ese país. Construir un instrumento de calidad profesional a un costo realmente bajo y trabajar y asociarse con músicos de renombre que entendieran de que se trataba Sire Bass. Intentaron reunirse con varios músicos de ese país, pero muchos de ellos sólo estaban levemente interesados en nuestra visión e ideas revolucionarias. Pero todo cambió cuando conocieron a Marcus Miller, él fue diferente.

Marcus estaba realmente interesado en sus ideas y visión. Sin embargo, tomó dos años y medio de investigación y desarrollo y muchas mejoras para obtener un instrumento que obtuvo su aprobación final.

En 2015, la empresa Sire se lanzó oficialmente en Corona, California. En un año, el nombre Sire Bass se extendió rápidamente en Youtube, Facebook y otras redes sociales. Dos años y medio después, Sire Bass recibió atención de bajistas de todo el mundo. Marcus Miller y Sire Bass quieren ver a todos disfrutando y tocando música. Para hacer que esto suceda, ellos han estado en una misión durante los últimos años para construir la mejor calidad de bajo a un precio que es inaudito y ponerla a disposición de todos. El resultado es una nueva línea de bajos Marcus Miller que son asombrosos, fantásticos y de alta calidad a precios extraordinariamente bajos.

SIRE MARcuS MILLER v3 MAHOGANy El cuerpo de la serie V3 se construye con Mahogany de Indonesia, lo que logra un sonido denso y con mucho

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cuerpo. El mango es de Hard Maple de Canadá con tapa de Rosewood en lugar de un material de bajo costo de otros bajos similares en otras marcas. Tiene una escala de 34” con 20 trastes y una ancho de cejuela de 38mm o 45mm en el caso de los bajos de 5 cuerdas. Los micrófonos de este modelo es un set de Jazz Bass Marcus Miller Standard y posee un eq de 3 bandas especialmente diseñado por Sire bajo especificaciones de Marcus Miller con el fin de cubrir las necesidades de la versatilidad en este extraordinario bao con el fin cubrir varios estilos de música. El puente es un MM Standard. Clavijas clásicas abiertas y un pickguard de tres capas negro, blanco y negro y todo su hardware cromado. También posee una llave desfazadora que nos da la posibilidad de seleccionar entre utilizar este bajo en modalidad pasiva o activa.

Modelos disponibles: V3 4 BK (BLACK) V3 4 TS (TOBACCO SUNBURST) V3 4 MA (MAHOGANY) V3 4 AWH (ANTIQUE WHITE) V3 5 BK (BLACK) V3 5 TS (TOBACCO SUNBURST) V3 5 MA (MAHOGANY) V3 5 AWH (ANTIQUE WHITE) SIRE MARcuS MILLER v7 ASH/ALDER La madera para el cuerpo del Sire V7 es Alder Norteamericano o Swamp Ash. El mango es de una pieza de Maple de Canadá con tapa de Rosewood. Tiene una escala de 34” con 20 trastes y un ancho de cejuela de 38mm o 46mm en el caso de los bajos de 5 cuerdas. Los micrófonos de este modelo V7 es un set de Jazz Bass Marcus Miller Super Jazz y posee un eq de 3 bandas Marcus Miller Heritage. El puente de este bajo es un Marcus Miller Big Mass. Clavijas Premiun que son abiertas y un pickguard nacarado en tonalidad rojiza o blanco y todo su hardware es cromado. Este bajo también posee una llave desfazadora que nos da la posibilidad de seleccionar entre utilizar este bajo en modalidad pasiva o activa como en todas las series de bajos Sire. Además incluye un funda deluxe original bordada con el logo de la marca.

aquellos amantes del funk de los 70s y creanme que este bajo tiene todo el condimento necesario para dejarlos atónitos. La madera del Sire V7 Vintage es Alder Norteamericano o Swamp Ash. El mango de este bajo es de una sola pieza de Maple de Canadá con un look a los clásicos mangos de los bajos de los años 70s. Tiene una escala de 34” con 20 trastes y un ancho de cejuela de 38mm o 46mm en el caso de los bajos de 5 cuerdas. Los micrófonos de este modelo V7 Vintage es un set de Jazz Bass Marcus Miller Super Jazz y posee un eq de 3 bandas Marcus Miller Heritage. El puente e este bajo es un Marcus Miller Big Mass. Las clavijas Premiun son abiertas y tiene un pickguard negro y su hardware es cromado. Posee una llave desfazadora que nos da la posibilidad de seleccionar entre utilizar este bajo en modalidad pasiva o activa

como en todas las series de bajos Sire. Además incluye un funda deluxe original bordada con el logo de la marca.

Modelos disponibles: V7 VINTAGE ASH 4 NT (NATURAL) V7 VINTAGE ASH 4 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 VINTAGE ASH 4 WB (WHITE BLONDE) V7 VINTAGE ASH 5 NT (NATURAL) V7 VINTAGE ASH 5 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 VINTAGE ALDER 4 BK (BLACK) V7 VINTAGE ALDER 4 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 VINTAGE ALDER 4 AWH (ANTIQUE WHITE) V7 VINTAGE ALDER 5 BK (BLACK) V7 VINTAGE ALDER 5 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 VINTAGE ALDER 5 AWH (ANTIQUE WHITE)

Modelos disponibles: V7 ASH 4 NT (NATURAL) V7 ASH 4 NT (NATURAL) *ZURDO V7 ASH 4 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 ASH 4 WB (WHITE BLONDE) V7 ASH 5 NT (NATURAL) V7 ASH 5 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 ASH 5 WB (WHITE BLONDE) V7 ALDER 4 BK (BLACK) V7 ALDER 4 BK (BLACK) *ZURDO V7 ALDER 4 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 ALDER 4 TS (TOBACCO SUNBURST) *ZURDO V7 ALDER 4 TS (TOBACCO SUNBURST) *FRETLESS V7 ALDER 4 AWH (ANTIQUE WHITE) V7 ALDER 5 BK (BLACK) V7 ALDER 5 TS (TOBACCO SUNBURST) V7 ALDER 5 TS (TOBACCO SUNBURST) *ZURDO V7 ALDER 5 TS (TOBACCO SUNBURST) *FRETLESS V7 ALDER 5 AWH (ANTIQUE WHITE) SIRE MARcuS MILLER v7 vINTAGE ASH/ALDER Quizás la serie V7 Vintage es la más adecuada para todos

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Sire Bass Marcus Miller | 45

victoR WooteN

Victor Wooten comenzó a actuar en clubes nocturnos y teatros como bajista de la banda familiar a los cinco años, ya la edad de seis, estaba de gira con sus hermanos presentando espectáculos para el legendario artista soul Curtis Mayfield. Poco después, a los 8, fue conocido cariñosamente como Bass Ace, y antes de graduarse de la escuela secundaria, él y sus hermanos habían compartido escenario con artistas como Stephanie Mills, War, Ramsey Lewis, Frankie Beverly y Maze, Dexter Wansel y The Temptations Pero esto, es sólo para contar la extensa historia de este

46 | Victor Wooten

“El mundo necesita más que buenos músicos. Diría que necesitamos gente buena.”

(Mama Wooten). Victor Lemonte Wooten es un ser humano único e inigualable. Nació siendo el más joven de cinco niños y aprendió a tocar música a la tierna edad de dos años, llevando una carrera en la música como pocos. Por GyB.ar

titán de Tennessee. Victor Wooten, cinco veces ganador del Grammy, llegó a la escena mundial en 1990 como miembro fundador del supergrupo Bela Fleck y los Flecktones. Continuando con su carrera musical con la banda, Victor también se hizo ampliamente conocido por sus propias grabaciones y giras solistas. Entre otras cosas, es un amoroso esposo y padre de cuatro hijos, hábil naturalista y profesor, autor, mago y acróbata, y ha ganado todos los galardones importantes que se le han otorgado a un bajista, incluido el de ser elegido bajista del año en la Bass Player Magazine's, (siendo la única

persona que lo gana más de una vez). En 2011, la revista Rolling Stone votó a Victor como uno de los diez mejores bajistas de todos los tiempos. Victor Wooten nació el 11 de septiembre de 1964. De padres militares, viviendo en una base aérea afuera de Boise, Idaho. Poco después, la familia hizo las valijas y se fue como hacen las familias militares a menudo. Fue durante los años quese establecieron en Hawaii que los hermanos comenzaron a actuar como una banda de cinco integrantes. Con Regi en la guitarra, Roy en la batería, Rudy en el saxo, Joseph en las teclas, y Victor en el bajo. Fue ahí donde nació la banda de Wooten Brothers.

Actuando en el patio delantero, la banda inmediatamente comenzó a perfeccionar sus habilidades. Victor atribuye la capacidad temprana de los hermanos a tocar una variedad de géneros musicales a la experiencia de mudarse con frecuencia, y el apoyo inquebrantable de sus padres, que les ofrecieron muchas oportunidades. “Mis hermanos, que ya estaban tocando música, sabían que necesitaban un bajista para completar la banda familiar. Regi comenzó a enseñarme tan pronto como pude sentarme derecho, y mis padres lo dejaron hacerlo”. Victor ha sido proclamado como “el Michael Jordan del bajo” y “uno de los músicos más intrépidos del planeta”. Estas cualidades fueron evidentes cuando, en 1981, su hermano mayor, Roy, lo recomendó como un violinista bluegrass para un trabajo en un parque de diversiones cercano. Víctor, que nunca había tocado el violín en su vida, estaba encantado de enfrentar el desafío. Tomó prestado un instrumento de su maestro de orquesta de la escuela secundaria e inmediatamente comenzó a practicar.

Aprendiendo rápidamente las melodías y técnicas de violín más populares, tomó el trabajo en The Old Country de Busch Gardens en Williamsburg, tocando violín y bajo en el programa Good Time Country Show.

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