Guitarristas y Bajistas Magazine #53

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENtREViStA A CESAR SilVA - Página 08 lA OtRA MiRADA DE JORGE ARAUJO - Página 10 BUGERA V22 - Página 11 ENtREViStA A ClAUDiO iUliANO - Página 12 VOy A SER BAJiStA! - Página 14 FENDER AMERiCAN SPECiAl BASSES - Página 16 FAMUSiC FESt 2016 - Página 18 ClíNiCA PRS - Página 20 ENtREViStA A JAViER CAlAMARO - Página 22 ENtREViStA A AlAiN CARON - Página 27 ENtREViStA A GUStAVO GilES - Página 32 JOE SAtRiANi EN ARGENtiNA - Página 35 ENtREViStA A MiChEl lEME - Página 44

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SUPlEMENtO tÉCNiCO iGOR SAAVEDRA - Página 36 DANiEl CORZO - Página 37 CRiStiAN tiSSElli - Página 38 NiCOláS VilChEZ - Página 39 JUAMPy JUáREZ - Página 40 ARtURO MAwCiNitt - Página 41 MiltON ARiAS - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Igor Saavedra Maycown Reichembach Arturo Mawcinitt Nicolás Vilchez Cristian Tiselli Daniel Corzo Juampy Juárez Milton Arias

04 | Editorial

Año 10º - Nº 52 | Noviembre 2016 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.B.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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EfEMERIDES I

BUGERA AMPLIfIERS

En diciembre de 1994 Aerosmith finaliza su gira Get a grip. La banda cerraba, en su ciudad, Boston, la gira bautizada igual que el álbum que presentaron en ese tour y en el que se incluían temas como Eat the rich, Livin’ on the edge y Crazy , entre otras. Un álbum producido por Bruce Fairburn. Con Get a grip, Aerosmith recuperó el éxito y volvió a poner a sus miembros en el lugar que merecían.

La banda se fundó en Boston, en 1970. Tyler era el vocalista y Joe Perry el guitarrista. Entonces triunfaron gracias a discos como Toys in the attic (1975).

Bugera, líder en cuanto a la fabricación de amplificadores, presenta sus nuevos modelos V22 (del cual podrás leer una interesante revisión de este amplificador en este número de Guitarristas y Bajistas.ar) y V55. Estos amplificadores a válvulas tratan de conservar el estilo Vintage, no sólo en su exterior, sino que también en su interior. Los amplificadores antiguos que definían el tono de la guitarra eléctrica eran a menudo amplificadores de un solo canal. Estos nuevos amplificadores ofrecen ese mismo tono limpio, pero añaden un segundo canal para los sonidos modernos de alta ganancia. Para empezar, tome su selección de las entradas Bright o Normal, luego gire el EQ de tres bandas (Bass, Mid, Treble) y Presence para poder crear tu sonido. Dependiendo del canal que elijas, las tres válvulas de preamplificación 12AX7 pueden hacer que suenes como vos quieras, pudiendo tocar desde un blues hasta metal.

MARSHALL CODE 25 El Code 25 combina los sonidos clásicos de Marshall con los más contemporáneos. Totalmente programable incluye una gran variedad de efectos y pressets que podrás ajustar a tu gusto. Una gran herramienta de trabajo que se puede conectar vía bluetooth o USB. Tiene 24 FX incluyendo: Compresor, Distorsiones de pedales clásicos, Auto Wah, cambio de tono, chorus, phaser, flanger y trémolo. Incluye retrasos con la marcación del tempo, y reverberaciones calidad de estudio. Preamplificadores de MST CODE producen algunos de los tonos Marshall más aclamados y queridos: JTM45 2245, 1962 Bluesbreaker, 1959SLP Plexi, JCM800 2203, JCM2555 Silver Jubilee, JCM2000 DSL100, JVM410H y más. 25W, parlante de 10", 100 presets ajustables, 14 modelos de preamplificador, 4 modelos de amplificador, 8 modelos de parlantes, 24 efectos profesionales, hasta 5 efectos simultáneos, conexión Bluetooth y USB, compatible con la App Marshall Gateway, salida de auriculares, entrada de línea, afinador. fERnánDEz 4 Salió a la venta el nuevo disco de Fernández 4, “MUTE”, grupo conformado por su líder y pianista Cirilo Fernández (bajista en el ascendente Octafonic) y acompañado por excelentes músicos como Nicolás Sorín (Octafonic) en teclados y voz, Daniel “Pipi” Piazzola (Escalandrum) en batería, Sebastián Lanz (Huevo, Roman) en guitarras eléctricas y nuestro columnista estrella Mariano Sívori (Escalandrum) en bajo eléctrico y contrabajo. Este nuevo trabajo fue presentado el viernes 16 de diciembre del 2016 en Boris, con dos funciones con el total de la capacidad vendida en ambas.

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Novedades | 05

EfEMÉRIDES II

EfEMÉRIDES III

En diciembre del 2000 muere Robert Buck (10.000 Maniacs). Era el guitarrista y compositor de 10.000 Maniacs. Murió en Pittsburgh (EE UU) a consecuencia de las complicaciones de una insuficiencia hepática. Tenía 42 años. Fue coautor, junto a Natalie Merchant, vocalista del grupo de temas de la banda como Hey Jack Kerouac, What’s the matter here? y These are days, entre otras. The earth pressed flat (1999), fue el último álbum de la banda en el que participó Buck, pero para entonces la líder del grupo ya había abandonado el grupo para emprender una carrera en solitario.

El 18 de diciembre cumplió 73 años el músico y compositor británico Keith Richards, guitarrista del grupo de rock Rolling Stones desde su fundación en 1962 hasta la fecha. Keith forma junto con Charlie Watts y Mick Jagger (únicos miembros originales desde 1962) la asociación más larga en la historia del rock. Su reputación como 'chico malo' del rock and roll y sus numerosos devaneos con las drogas han ensombrecido frecuentemente su seriedad como músico. Inspirado en diversas fuentes musicales enraizadas principalmente en el blues, ayudó a que los Stones permanecieran durante medio siglo como una unidad creativa. Richards nació en Dartford (Inglaterra), como hijo único del matrimonio formado por Bert Richards, obrero herido durante la Segunda Guerra Mundial, y Doris Dupree Richards. Fue su madre quien le introdujo en la música de Billie Holiday, Louis Armstrong y Duke Ellington, y le compró la que fue su primera guitarra -una Rosetti acústica- por siete libras. En 1960 conoció a Mick Jagger, que asistía a la London School of Economics. Ambos compartían la pasión por el R&B y no tardaron mucho en comenzar a tocar juntos y con otros músicos, formando los Rolling Stones, nombre sacado de una canción de Muddy Waters.

fEnDER USB GUITAR La música y la tecnología van de la mano con esta nueva herramienta que sofisticadamente se ha incluido en un modelo de una guitarra Fender y que con ayuda de Apple brinda múltiples facilidades para hacer arreglos musicales. Fender, la compañía de fabricación de instrumentos eléctricos presenta el modelo de una guitarra que se conecta por medio de puerto USB a un computador Mac o a través de un iPad, iPhone, iPod Touch, instrumentos de Apple. Esto brinda un abanico de posibilidades para grabar, componer e inclusive compartir pistas. Con esto se demuestra que la industria musical a través de smartphones y tablets está siendo revolucionada por el mundo tecnológico. Además, esta nueva técnica permite solucionar problemas de convivencia porque con este mecanismo la guitarra eléctrica serviría sin hacer tanto ruido aunque cuando el usuario necesite que suene de verdad, es cuestión de conectarla sólo en el amplificador.

06 | Novedades

MADE In BRASIL Nuestro amigo y guitarrista Brasileño Denison Fernandes, editó su nuevo single. Una producción con invitados de lujo y una súper producción, Denison nos muestra porque es uno de los mejores guitarristas de Brasil. Grabado en los estudios Creative en São Paulo y mezclado por Lucas Gatti. Masterizado por Tommy Hansen en Jailhouse studio de Dinamarca. Los músicos que participan en esta grabación son: Eloy Casagrande (baterista de Sepultura), Bruno Ladislau (bajista de Andre Matos), Leandro Caçoilo en voz y Tiago de Moura (guitarrista da banda Armored Dawn).

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Cesar silva

Empezaste tocando con amigos del colegio o jams?

En la época que empecé con la guitarra eléctrica no había Jams, como se conoce ahora, es más, no había profesores, así que sacaba todo por los discos, hasta que averiguando encontré un profesor que podía enseñarme lo que buscaba, este era Walter Malosetti y como valor agregado me empezó a interesar el jazz, así que

Este talentoso guitarrísta empezó estudiando música clásica desde muy chico, a la edad de 7 años, no fué hasta recién ingresado en el secundario que descubrió la guitarra eléctrica y ya no hubo vuelta atrás. trabajó muchisimos años junto a Victor heredia o con Nito Mestre, como asi también participando de innumerablees grabaciones para los artistas más importantes del país. Por GyB.ar

Walter influyo de una manera impensada. Empecé con un compañero del secundario con un grupo, no recuerdo que repertorio hacíamos pero me parece que cosas de Creedence, lo que si recuerdo que había descubierto a Jimi Hendrix y estaba fascinado con él.

Cuál fue tu primera guitarra y equipamiento?

Mi primera guitarra fue una Faim modelo Jaguar y un equipo Calsel de 12W, ambos regalo de mi abuela Pilar.

Contanos en que discos participantes y cuáles fueron los que más te gustan y por qué?

Estoy grabando desde fines de los ´70, así que son muchos, me acuerdo del disco “Escondo mis ojos al sol” de Nito Mestre (1983) en ese momento pude tocar como yo tocaba sin emular a nadie. Y otro que me gusta, es un disco mío “Extrapolación” (2005), entraba al estudio y no

Que músicos te influenciaron y por qué?

Son variados y por épocas, de atrás para adelante Beatles (McCartney y Harrison) Jimi Hendrix, Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Pappo, Keith Emerson, Walter Malosetti, Django Reinhardt, Wha Wha Watson, Jeff Beck, David Guilmour, Jaco Pastorius, Larry Carlton, Robben Ford y Miles Davies. Grupos como Led Zeppelín, Deep Purple, Return to forever, Steely Dan, Wheater Report y Brecker Brothers. Estos fueron fundamentales mientras me estaba formando pero en realidad amo la música y siento que me influencia cualquier músico que se exprese con el Corazón, desde Acá seca a Bill Frisell.

Cuál fue el primer trabajo que tuviste como músico?

El primer trabajo fue acompañando a un dúo que cantaba en televisión de ese entonces (tenían la cortina de un programa) con ellos fui a Salta, Jujuy, Tucumán, Mendoza, San Juan y Uruguay. Los producía Francis Smith, era en 1972 y tenía 15 años.

08 | Entrevista a Cesar Silva

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tenía ni el tema, así que lo componía y grababa al mismo tiempo fue una experiencia que no pude volver a repetir.

Trabajaste mucho tiempo con Víctor Heredia, que recordar de esa experiencia?

Fueron cinco años intensos, tocaba prácticamente todos los días. Grabe cuatro discos, las presentaciones las hacíamos en el Luna Park y hacíamos muchas giras al exterior, esos años, me dejaron unas experiencias de vida increíble y un puñado de grandes amigos que aún conservo y disfruto de estar con ellos.

Como conociste a nito Mestre y como fue ser parte de su banda con “Los desconocidos de siempre”?

A Nito lo conocí a través del Mono Fontana ya que estaba tocando con él en un grupo (también estaban Twetty González y Lucio Mazaira) tocábamos en el antiguo Jazz & pop , fue el Mono, quien me recomendó para el puesto de guitarrista, la banda sonaba increíble y creo que me adapte al instante, yo me sentía como pez en el agua.

Entre tantos proyectos, formaste parte de grandes bandas de jazz/fusión como “El Ghetto” que es lo que rescatas de esos proyectos?

A mí siempre me intereso la música instrumental y mi primera banda con esas características fue “El Guevo”, este grupo data de principios de los ‘80s y tocaban “Pollo” Raffo, Daniel Volpini, Pablo Rodríguez y Marcelo Torres con esta agrupación hay un regreso en el 2011 con un Vinilo de por medio (grabado en vivo en el estudio El Pie) y una Trastienda. Con “El Ghetto” fue una experiencia fantástica (un poco menos de 15 años) y tuve la suerte de tocar con grandes músicos, compartí el grupo con el capo de Víctor Skorupski, Claudio Cicerchia (desde siempre) Richard Nant, Juan Cruz de Urquiza, Gustavo

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Rivero Boschi con mis amigos Sebastián Peyceré y Jorge Araujo, Dany Ávila y Christian Colaizzo. Con esas bandas rescato mi esencia como músico, la posibilidad de interrelacionar con músicos de ese calibre y la sensación de haber hecho la mejor música que podía.

Tenés gran experiencia en estudio, ya que aparte de un gran guitarrista, también sos técnico de grabación desde hace muchos años, como comenzaste?

A principios de los ‘80s iba a grabar a un estudio de jingles y a veces tenía que cubrir el papel de técnico, una labor que me apasiona, los mismos dueños pusieron un estudio grande y yo quede como técnico fijo, recuerdo que mi compañero era Mario Breuer. Con mucho sacrificio pude montar un estudio propio con un amigo de socio alrededor de 1983, teníamos mucho trabajo pero lamentablemente coincidió con mi época de más trabajo como guitarrista y tuve que elegir, a partir de 1988 grábo freelance en varios estudios teniendo como base el mío “El hornero”. La lista de grabaciones y músicos con que trabajé es interminable, Juan Falú, Aquelarre, Pollo Raffo, Daniel Maza, Raúl Carnota, Lorena Astudillo, Diego Urcola, Sebastián Monk, Beto Caletti, Luna Monti y Juan Quintero, Kevin Johansen, Lito Epumer, Marcelo Torres, Nora Sarmoria, Luis Borda, Luis D'agostino, Patricia Barone, Artistry Big band, Francisco Rivero, Jue'Mandinga, Monos con Navajas, La Carga, Silvio Furmanski, Armando Alonso, Diego Alejandro, Gran Martell. Generalmente grábo muchos músicos increíbles, amo la ingeniería de grabación, me considero afortunado de poder hacerla.

Cuál es tu equipamiento, podrías detallarlo?

Gibson SG 50 aniversario, Gibson ES 347 (1978), Fender Telecaster, Fender Stratocaster, Tokai Les Paul, acústica Ephipone, Lap steel Grestch. Equipos Fender Súper

60, Pre Marshall JMP1, GT Amps, Parlantes Celestion (ingleses). Hermida Zendrive Overdrive, Tsunami9, Blues Driver (tuneado por Cluster), MXR Carbon Copy , Chorus Arion SCH 1, Line 6 FM4 , Ibanez TS9 Tube Screamer, BB Preamp Xotic, Wampler Ecstasy, EP Booster Xotic, Wha Fulltone Line 6 DL4 Hace poco editaste digitalmente un disco solista ¿de qué se trata?

Es un producción de estudio que realizé entre 2006 /2008 se llama “Días Eléctricos” en la producción pude contar con músicos como Mariano Sanci, Abel Rogantini, Matias Méndez, Guillermo Vadalá y Juan Cruz de Urquiza son todos temas instrumentales de mi autoría. SI les interea lo pueden escuchar en Spotify en el link: #Spotify: http://spoti.fi/2gsEKmH Actualmente estás con tu nuevo proyecto “Caseros Hollywood”, quienes lo forman y que están haciendo en este momento?

Este proyecto “Caseros Hollywood” nació en el 2010 y fue una idea de Javier García y mía, en este proyecto conviven estilos diferentes que tienen muchos puntos de contacto, si bien se empezó como una especie de dúo, esto en la práctica y con el tiempo, se transformó en un cuarteto. El formato musical de “Caseros Hollywood” sería como una canción instrumental con mucha improvisación, donde está presente el funk o el jazz y el rock (sobre todo el argentino). Los miembros que conforman “Caseros Hollywood” son Javier García en la guitarra, Andrés Pellican en el bajo, Tomas Babjaczuk en la batería y yo tocando la guitarra. Estamos presentando nuestra última producción “Código de Barrio” y en estos momentos estamos preproduciendo lo que va a ser nuestro cuarto CD.

Entrevista a Cesar Silva | 09

la OTra MiraDa

GUITARRISTAS Ricardo Mollo: Fueron 9 años de shows y creatividad, quedaron 5 discos como testigos de eso por suerte. Ricardo es un guitarrista de esos que no hay manera de imaginarlo sin una guitarra colgada tocando o armando una con diferentes partes de instrumentos, una especie de buscador o inventor. Sus solos emocionan primero a los que tocamos con él, y a parte tiene la característica de componer sus canciones, lo que lo hace un artista muy completo y encima a eso hay que sumarle el canto. Todo lo que nombro es porque creo que cada una de esas cosas lo hacen finalmente un gran artista.

Pappo: Compartí escenarios con Pappo como invitado, en alguno de sus conciertos y también como invitado de Divididos. Grabamos una versión de su tema “Sucio y desprolijo” en la cual tuve oportunidad de tener una charla con él, en la que nunca dejo de tocar la guitarra desenchufada mientras hablábamos y no se podía creer lo que estaba tocando!!!

Scott Henderson: En el año ‘93 vino Scott a dar unos conciertos a la Argentina y nos convocaron de un instituto de música a ser su banda (Monos con navajas) Fueron 2 conciertos en un teatro y una presentación en TV. Después de los eventos me quede sin voz, y recuerdo que fue porque la intensidad con la que toca no disminuye nunca y eran solos que no terminaban de subir de intensidad, así que de ahí en más, aprendí a sostener de manera más intensa el acompañamientos de artistas como Scott Henderson.

Alambre González: Un día me llama el querido Jorge Negro González y me dice: quiero armar un grupo con vos

10 | la otra mirada Jorge Araujo

he compartido un montón de grabaciones, varios escenarios y varios grupos con grandes guitarristas, en esta oportunidad quisiera hacer un rápido repaso por algunos de estos talentosos músicos y los que no nombro aquí es por una cuestión de espacio, sino seguiría y seguiría!!! Por Jorge Araujo

y Alambre!. Obviamente que le dije que sí, pero la idea de él era versionar temas de rock nacional (Ni Fu ni Fa). Ese trio duro unos años y lo que descubrí es que Alambre es un guitarrista único en el universo, con características de una musicalidad y virtuosismo pocas veces vista. Cualquier guitarrista que lo conozca en cualquier parte del mundo, va a quedar como quedamos los que lo conocemos cuando lo escuchamos tocar.

BAjISTAS Diego Arnedo: Diego es el bajista de rock y un artista increíble, tocó el bombo legüero como primer instrumento acompañando a su padre, gran folclorista Mario Arnedo Gallo y con esa base rítmica después eligió como instrumento el bajo, así que tocar con un bajista con ese sentido rítmico es muy enriquecedor. Todos esos años que tocamos juntos construimos bases de temas inolvidables para mí como “Basta fuerte”, “Tomando mate en La Paz”, “Vientito del Tucumán”, en cada una de ellas el sentido rítmico y melódico es algo muy característico de Diego. Su sonido es demoledor y reconocido como una pared sonora, no hay duda alguna que ha puesto el bajo en un roll protagónico en nuestra música.

Willy González: En mis comienzos como músico hay varios etapas, una es a los 19 años cuando comienzo a tocar con Willy, bajista del que escuchaba hablar desde que tenía 15 años siendo el menor que yo inclusive. Su admiración por Weather Report (Jaco Pastorius) hizo que yo empezara a descubrir de manera más profunda cierta música, volcándome así por completo a la música instrumental. Tocamos varios años en bandas como: La Banda Latina, El Termo, Monos con navajas. Una característica a resaltar es que desde muy joven tuvo claro que quería

hacer su música y hasta el día de hoy lo sigue haciendo. jorge negro González: Contrabajista. Pese a los cambios que hicieron que el bajo acústico se transformara en eléctrico, El Negro nunca tocó otro instrumento que no fuera el contrabajo. Toque con él en varios grupos, Pan Negro junto a Martin Porto, Ni Fu ni Fa junto a Alambre, y abrí varias veces la jam de Jazz y pop. Fué un maestro en todos los aspectos, musical, humano, siempre íbamos a comer y dejaba alguna enseñanza. Gracias al empecé a tocar en unas dinámicas muy pequeñas (pp), lo que me puso nuevamente en el instrumento varias horas para poder tocar con él. La sensibilidad que tenía y la claridad de concepto con respecto a la libertad en la música es lo que recuerdo como algo bien característico. Él nos decía siempre que tocar en vivo es un momento único e irrepetible y que en cambio los discos repiten siempre lo mismo.

Gustavo jamardo: Gustavo es el bajista de rock que genero en mí una desinformación muy grande. Cuando empezamos a tocar con Gran Martell yo creía que tenía las cosas bastante claras con respecto a grabar un disco. En los ensayos empecé a querer llevar las cosas hacia un lado porque sino me cambiaba todo, ya que Gustavo no toca patrones, entonces me cambiaban todo el tiempo las cosas y eso hacía que yo no pudiera repetir los ritmos o apoyos. Nos conocimos de verdad en la grabaron del primer disco, donde al momento de escuchar, Gustavo no iba a escuchar las tomas, entonces explote y creí que estaba delegando en mí su performance, cosa que me aclaro “si llego a sentir que toque algo mal, paro y listo”. Eso hizo que el disco quede todo grabado de una toma. Después de esas palabras mis grabaciones con el significan contar cuatro y tocar, y así queda nomas, sin pinchar.

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Bugera v22

Digamos que Bugera es una empresa relativamente nueva en el negocio de los amplificadores pero sin embargo han logrado producir un amplificador de estilo vintage muy valorado y popular y relativamente accesible de amplificadores de 15 a 120 watts a través de los años y el Bugera V22 no es una excepción y sabrán porque. Por GyB.ar

Lo siguiente es una revisión en profundidad de los pros y los contras del Bugera V22. Primero, el Bugera V22 está construido a mano y tiene una apariencia vintage realmente impresionante, mientras que el parlante 12" Bugera de 22 watts también cumple el sonido vintage igualmente auténtico. El amplificador viene con un diseño de preamplificador de 2 canales (Lead y Clean) y reverb de buena calidad integrado con un control de reverberación. La sección de ecualizador de 3 bandas también cuenta con controles dedicados a Mid, Treble, Presence y Bass, mientras que en términos de modo puede cambiar si se selecciona Pentode o Triode.

les y brillantes hacen que el carácter del sonido coincida con tu guitarra. El interruptor de impedancia (que ofrece 4, 8 ó 16 ohms) también permite que coincida con prácticamente cualquier caja externa que uno le quiera agregar. Lo que es característico del Bugera V22 es que tanto el canal limpio como el overdrive son realmente geniales, mientras que tal vez la reverberación digital no coincida exactamente con ellos. En general, las tres válvulas 12AX7 rebosan calor y te dan suficiente suciedad cuando lo necesitas. Mientras que el sonido limpio es muy cristalino. Esto hace que el amplificador adecuado para blues rock, rock psych, rock indie o rock clásico.

El Bugera V22 también viene con un canal multi-gain Lead junto con el aumento de los controles de pre, postganancia y maestros, mientras que las entradas norma-

Realmente se puede obtener mucho de este amplificador si conectar algunos pedales. Los 22W del Bugera V22 son suficientes para una sala de ensayo o para una grabación, pero no es suficiente para cualquier concierto. Si es así entonces algunos conciertos pequeños.

Los amplificadores Bugera de estilo vintage son conocidos por su calidad de construcción altamente duradera, y el Bugera V22 no es una excepción a esta regla, ya que es extremadamente sólido. Si está buscando un pequeño amp para grabación o de práctica y duradera longevidad entonces el Bugera V22 es esencialmente el camino a seguir. A pesar de que obviamente no es el más liviano de los amplificadores, no pesa mucho.

• La tecnología Infinium Tube Life Multiplier, que prolonga la vida útil de las válvulas de potencia de tu amp hasta 20 veces y ofrece una confiabilidad increíble y un tono consistente durante toda la vida útil de estás.

• Parlante Turbosound de 12” de ingeniería británica.

• Auténtico diseño de preamplificador de dos canales de los años sesenta con tres válvulas 12AX7 • Reverberación de alta definición integrada.

• Sección Vintage Equalizer con control de Bass, Mid, Treble y Presence.

• Controles de Ganancia, Volumen y Master.

• Selector Triode o Pentode.

• Interruptor para función de canal y reverberación.

• Conectores de impedancia (4, 8 y 16 Ohms) para adaptarse a prácticamente cualquier caja externa.

• Diseñado y diseñado por Bugera Alemania.

ESPECIfICACIOnES • Combo de guitarra de 22W construido a mano, impulsado por dos válvulas EL84.

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ClauDiO iulianO

Como fueron tus comienzos?

En la casa de mis viejos siempre hubo música e instrumentos, todo empezó como un juego con lo que tenía a mano. Mi relación más directa fue con el piano, en principio. Mientras estudiaba Piano experimentaba con el

Claudio iuliano es un guitarrista y productor que ha participado en innumerables festivales de jazz y rock, y ha realizado giras por Argentina, Chile, Uruguay y España. trabajó con artistas como Roxana Amed, león Gieco, Marcela Morelo, Proyecto Verona, Pedro Aznar, Vayone, entre otros. Por GyB.ar

bajo, hasta finalmente desembocar en la guitarra.

Con quienes estudiaste y que sacaste de cada uno de tus maestros?

Estudié en el Conservatorio “Juan José Castro” y el

“Scordamaglia” hasta terminar el Colegio Secundario.

A partir de ahí dejé lo institucional y me mandé a estudiar con particulares. Mis preciados profesores fueron Guillermo Arrom, Gustavo Sadofschi, Julián Graciano, Francisco Rivero, Pino Marrone y Pablo Bobrowicky.

Cada uno de ellos fue muy generoso conmigo; me brindaron acceso a sus universos musicales con entrega y sabiduría. Estoy profundamente agradecido.

Como guitarrista de Roxana Amed, tuviste la suerte de participar de una producción, que contaba con Pedro Aznar como productor artístico?

Sí, en este momento Roxana Amed vive en EE.UU., así que tocamos cuando se hace alguna escapada hacia estos pagos y nos reunimos. Con Roxana toco desde el 2002, si no recuerdo mal. Tocamos mucho.

En ese camino tuve la suerte de conocer a un gran músico como Pedro Aznar. Fue productor de dos de los tres discos de Roxana Amed como solista. Participó no sólo produciendo, sino también tocando; y eso nos llevó a compartir escenarios. Fue una experiencia muy enriquecedora que asimile inmediatamente.

Danos una reseña de lo que fue tu pasaje por lo que todos conocemos como Proyecto Verona?

Proyecto Verona fue bisagra. Empecé a tocar de muy chico recomendado por Gustavo Sadofschi (quien me dejaba como reemplazo porque emprendía una Gira).

Era un espacio experimental, donde se abría el juego

12 | Entrevista a Claudio iuliano

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formado por Quique Condomí en Violín, Guillermo Delgado en Contrabajo, Lucas Zalazar en Percusión, Sebastián Espósito en Guitarra criolla y acústica, y yo en Guitarra Eléctrica. Disfrutando de “Capitan Sanata”; un proyecto de canciones, humor e historias para chicos, y no tanto. Comandado por Pablo Miguel Herrero (“Los Cazurros”), y con la participación de músicos como Federico Meier en Bajo, Mario Gusso en Batería y Percusión, Lucas Nikotian, Bruno Delucchi y Exequiel Mantega en Teclados; Laura Alonso y Melina Moguilevsky en Coros, Eliana Liuni en Vientos, Percusión y Efectos Especiales, entre otros. Y dando clases Guitarra y Música.

sonoro más allá de lo estilístico. Fue un hermoso viaje tocando y girando; compartiendo músicas y experiencias. Los recuerdo con mucho cariño.

Contanos tu experiencia de trabajar con alguien de la talla de León Gieco?

A León Gieco lo conocí trabajando con Roxana. Grabó la voz en una preciosa versión de “Georgia Lee” de Tom Waits, incluida en el segundo disco de Roxana titulado “Entremundos”. A partir de ahí participó en presentaciones en vivo y en la grabación de un DVD “La voz más allá”. Un tiempo después recibí un mensaje en el fijo de casa... era el mismísimo Gieco convocándome para grabar guitarras en la música original de “Mundo Alas” (Película Documental). Una experiencia inolvidable.

Cuál es el equipamiento que estas usando actual-

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mente en cuanto a guitarras y equipos?

Mi guitarra de cabecera es una Gibson 347 de 1979, una pieza de arte. Uso además una Les Paul, una Takamine Nylon y una Fender Acústica. Utilizo un Mesa Boogie 5:25 Express Combo. Los pedales que conforman mi set hoy son: un pedal de volumen Evolution de MBS, Freeze de Electro Harmonix que uso como pedal de sustain, un Carl Martin Hot Drive MK3, Tremolo Pulsar de Electro Harmonix, un Space Echo RE20 de Boss y el DL4 de Line 6.

Como es tu presente?

Hoy estoy produciendo dos discos, el de Mariano Cukierman y el de Löbela (con la participación de Sergio Masciotra como baterista de lujo); grabando guitarras para producciones externas; tocando con P.O.M.A.C (Pequeña Orquesta de Música Argentina Contemporánea),

Cuáles son tus influencias y que música escuchás?

Mis influencias son lo que me impactó a lo largo del tiempo; quiero decir que no sólo tiene que ver con la música. Mis Maestros, creo que son la principal influencia y fuente de inspiración. También lo que me rodea, mis afectos. En términos generales podría decir que lo Anárquico del Punk, lo Lúdico del Jazz, y lo Espontáneo de Rock son la base para mí. Hoy trato de escuchar música nueva todo el tiempo, especialmente proveniente del Jazz y sus derivados. Lo último que me fascinó es una pieza de Exequiel Mantenga Trío titulada “Conversación”.

A que artista te gustaría acompañar y por qué?

Me gustaría acompañar a cualquier artista que proponga originalidad y libertad. Creo que frente al mundo en el nos encontramos viviendo, el hecho artístico tiene que presentarse como resistencia al orden y a la sujeción.

Y tus próximos proyectos?

Lo próximo que tengo por delante tiene que ver con continuar lo emprendido y generar nuevos proyectos.

Siempre abierto a hacer más y mejor música.

Entrevista a Claudio iuliano | 13

vOy a ser BajisTa! Cuarta entrega y última del año! Se vienen los calores, se vienen … Época de balances y análisis varios.

A no desesperar! Muy bien! Ya hemos decidido que vamos a ser bajistas como medio de vida y de expresión de nuestro arte y nuestros sentimientos. Mientras esperamos que las escuelas abran y ahora que los ensayos con la banda de suspendieron porque el baterista y el guitarrista se fueron a la playa: que hacemos? Transcribir !! Y tocar arriba de los discos.

Los músicos llamados clásicos, siempre (o casi siempre) tuvieron y tendrán el conservatorio. Hasta la proliferación y sistematización de la educación y enseñanza de la ¨música popular¨ en también conservatorios y/o escuelas, como creen que aprendieron los primeros referentes ? Tocando arriba de los discos !

En los anteriores artículos, pasamos de envalentonarnos y afianzar nuestra vocación, a tratar de entender que es necesario una muy buena educación y entrenamiento. Por último consideramos diferentes opciones para estudiar en la ciudad y alrededores. Muchas de ellas gratuitas y de calidad. Por Mariano Sívori

Otra buena práctica que podemos hacer solos y sin necesitar al baterista y el guitarrista se fueron a la playa, es tocar un groove con el sonido que estamos acostumbrados. Por ejemplo si tenemos un bajo tipo Jazz Bass: con los dos micrófonos y el tono al máximo. Y si probamos bajar todo el tono?. Y que pasa si habilitamos sólo el mic de adelante, el cercano al mango?. No te dan ganas de modificar alguna nota o articulación al groove que estabas tocando?.

Y ahora (ahí denoto mi edad) que se puede ver casi todo por youtube: más todavía! Se pueden chequear las versiones en vivo o estudio, diferentes digitaciones, en qué lugar del mango, fue tocado, etc. Aunque en este último punto, también yo soy un poco hincha e insisto con escuchar bien y tratar “de ver” la digitación sólo con la referencia de audio. Una de las características más salientes de los instrumentos de cuerda, es la posibilidad de tocar en diferentes configuraciones de cuerdas y lugares del mástil o trastiera. Esta bueno sacarle el jugo !!! Querés sonar como Mccartney?. No es solamente el bajo chiquitito con forma de violín, ni las cuerdas. Te fijaste como toca y donde, las líneas de Dear Prudence y Getting Better? y los glissandos, acentos, ligaduras?... Todo eso es un mundo.

Muchas veces la elección de lo que tocamos, esta sugerido o relacionado (por decirlo de alguna manera) por el sonido que nos dicta el instrumento que tenemos. Lo dejamos ahí, les parece?. Hasta la próxima y un gran 2017 para todos ustedes!

FenDer aMeriCan speCial preCissiOn y jazz Bass

Dos nuevos bajos American Special de Fender ofrece esta prestigiosa marca. Lo último en calidad de fabricación estadounidense, con características especiales que incluyen un perfil delgado del mástil, acabado de alto brillo y el circuito de sonido Fender Greasebucket.

El American Special Precision Bass también cuenta con un cuerpo de Aliso y cuello de Maple en forma de C, diapasón también de Maple (en colores Negro y Candy Apple Red) o diapasón de Rosewood (en colores Olympic White y Sunburst) con trastes Jumbo medianos, pickup de Alnico, perillas cromadas, pickguard de tres pliegos, puente estilo vintage y botones de correa y una funda de lujo.

El American Special Jazz Bass también cuenta con un cuerpo de Aliso y mástil de Maple en forma de C, diapasón de Maple (en colores Negro y Candy Apple Red) o diapasón de Rosewood (en colores Olympic White y Sunburst) con trastes medianos Jumbo, micrófonos Single-Coil de Jazz de Alnico, botones de Jazz Bass de plástico negro de estilo vintage, pickguard de tres capas, puente vintage y botones de correa y la tradicional funde deluxe. Con el diseño original del Jazz Bass ligeramente más robusto y delineado este cuerpo es de Aliso selecto de dos piezas con colores muy clásicos y atractivos con una mica de tres capas, el acabado de Uretano determina una de las muchas diferencias de este bajo, ya que al igual

que en los instrumentos acústicos, el acabado juega un papel importantísimo en el resultado sonoro, al ser este de Uretano (resina más delgada que el Poliuretano y más gruesa que la laca Nitrocelulosa) permite que la madera respire adecuadamente y tenga un sustain increíble y aparte que visualmente le da un exagerado brillo al color.

Si lo que buscas es un bajo hecho en USA pero tu presupuesto no llega al Standard definitivamente estos modelos son tu opción.

El mástil en diseño en C es de Maple con un radio de 9,5” con el mismo acabado que el cuerpo solo que satinado, lo que nos permite deslizar el pulgar cómodamente, es más delgado de la parte de la cabeza y se hace más grueso en la parte del cuerpo, el diapasón es de Maple (en colores Black y Candy Apple Red) y de Rosewood (en colores Olympic White y Sunburst) con 20 trastes medium Jumbo y escala de 34” las clavijas de afinación son de Níquel cromado con diseño vintage al igual que el puente que mantiene el anclaje de las cuerdas tradicional dándonos un muy buen sustain, las pastillas son dos Single-Coil Alnico Jazz Bass. En cuanto al Precission Bass American Special, Fender nos brindada un cuerpo de Aliso de alta calidad, cuello de Maple con una moderna forma C que viene con la escala estándar de 34”. Con acceso completo a los 20 trastes jumbo mediano que se colocan en un diapasón de Rosewood o Maple. El bajo presenta el clásico cabezal Fender con las famosas clavijas de ajuste Open-Gear.

16 | Fender American Special Precission y Jazz Bass

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FaMusiC FesT 2016

Las puertas se abrieron a las 19 horas y los primeros en ingresar recibieron un pequeño presente (biromes de shure-zildjian; posa vasos; posters; púas; tarjeta de descuentos y una consumición). A las 19:15hs. puntual comenzó el show de El Extranjero, rock crudo y directo de guitarras distorsionadas, base sólida y buenas melodías provenientes de una voz llena de delays a cargo de Luciano Facio, que a diferencia de Massacre (su otra banda en la cual es bajista), aquí lleva adelante el rol de cantante y guitarrista. A las 20hs. puntual salieron al escenario los chicos de Error Positivo, con los frontmanes Maxi Martina en la voz (megáfono y “Manifiesto

El 8 de Noviembre y con motivo del 22 aniversario de Famusic, se realizó la 3ra. edición del evento que reúne a músicos, clientes, proveedores, colegas y amigos del mundo de la música denominado FAMUSiC FESt, con bandas en vivo, regalos e importantes sorteos en the Roxy de Palermo. Por GyB.ar

Errorista” en mano) y Fabián “Resakka” (sintetizador y pandereta en manos también) como socio en el desquicio tocando un temazo tras otro, entre ellos una versión de “Primary” de The Cure. A las 21hs. como todos los años se presentaron los Proyecto Esencial, despidiendo el año con una lista que repasó lo mejor de sus tres discos y un adelanto de lo que será su cuarto álbum. Cada vez que se cerraba el telón sonaba la música que pasaba Javier Ñañez (que se puede escuchar todo el día linkeando Famusic Radio en la web de Famusic) mientras se realizaban sorteos de remeras de las marcas auspiciantes (Samson; Casio; Remo; Pearl; Zildjian; Mapex; Fender y Shure) y la última vez que se abrió fue a las 22hs. para recibir a los queridos Vetamadre. Interpretando “Enjoy the silence”; “It´s no good” de Depeche Mode y despidiéndose con “Túnel”, una hermosa canción y nuevo corte de difusión de “Igual Distinto” su último álbum-dvd. Con sólo tres canciones y con el karisma de siempre de Julio Breshnev al frente, los Veta dejaron su marca en el Famusic fest 2016. Finalmente, el team Famusic (Alejandro, Juan Pablo y Fernando Adamo; Juan Manuel Galafassi) cerraron el evento continuando la temática, con sus interpretaciones de “Strange Love”; “Personal Jesus” y “Never Let Me Down Again” para terminar bailando y dando paso al sorteo final de una guitarra eléctrica!!!!. El ganador fué Walter Andrade.

El FAMUSIC FEST No hubiera sido posible sin el apoyo de las marcas auspiciantes: Samson; Casio; Remo; Pearl; Zildjian; Mapex; Fender y Shure.

Famusic agradece la participación del público, los músicos invitados y las marcas auspiciantes, todos ayudaron con su presencia para que el Famusic Fest 2016 sea increíble. Nuestro deseo es que se pueda seguir llevando a cabo cada año, para que todos nuestros amigos puedan tener su espacio... para interactuar, divertirse, conocerse y festejar un aniversario más juntos, en este hermoso camino que es la música...

El evento (totalmente gratuito) se destacó por el enorme dinamismo, puntualidad y calidad de los músicos, sonido y luces de primerísimo nivel como nos tiene acostumbrado The Roxy Live; bebidas y pizza libre; regalos; sorteos y la cordialidad de toda la gente que participó.

18 | Famusic Fest 2016

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ClíniCa prs

El 15 de diciembre de 2016, en Espacio 37 del barrio de Palermo de la capital de nuestro país, se llevó a cabo una charla/clínica sobre las famosas guitarras Paul Reed Smith o más conocidas simplemente como PRS. la misma estuvo a cargo del international Sales Manager de la marca para latinoamérica y México, José luis Chaure Bueno. Por Sergio Resar

juntos tocaron un Blues para el deleite y disfrute de los concurrentes.

Un poco pasadas las 21 horas, con un público expectante y con mucha ansiedad, José Luis tomó una PRS McCarty 594 y nos empezó a explicar sobre este magnífico instrumento. Nos contó que el año pasado se produjo la reintroducción de la venerable guitarra modelo McCarty en la línea PRS. Originalmente fabricada en 1994, este instrumento fue un homenaje al legendario Ted McCarty, quien presidió la Gibson Guitar Corporation entre 1950 y 1966, y fue responsable de numerosas innovaciones fundamentales que siguen dando forma al diseño de la guitarra eléctrica hasta nuestros

días. McCarty fue mentor de Paul Smith, y los dos también se convirtieron en amigos cercanos. (McCarty falleció en 2001) La nueva McCarty 594 difiere en varios aspectos claves del modelo estándar. Para empezar, el “594” al nombre de la guitarra se refiere a su longitud de escala de 24.594", que es sólo un poco más corta que el estándar de McCarty de 25" de longitud de escala, pero igual que el de la 1959 Les Paul Standard.

Los micrófonos 58/15 LT de esta 594 también son algo diferentes. Son básicamente humbuckers PAFstyle 58/15 fabricados por la propia fábrica. Ellos hacen casi todos los micrófonos que usan sus guitarras.

Para finalizar tan refinada noche, subió al escenario uno de los músicos más virtuosos que hay en nuestro país, el Indio Márquez nació en el año 1966, en la ciudad de Buenos Aires. Músico y productor artístico, a los 9 años comenzó sus estudios en el Conservatorio Provincial Julián Aguirre de Banfield. Perfeccionó sus conocimientos de armonía, composición y guitarra autodidácticamente. Dicta clases, clínicas y seminarios de su instrumento, desde hace 20 años. Es autor de “Técnicas e interpretación” libro editado por editorial Ricordi. Por su intensa actividad como docente fue convocado como jurado de la categoría “Rock” en 7 ediciones de los Torneos Juveniles Bonarenses. También participó del festival “Guitarras del mundo” en las ediciones 2002 y 2006. Ha compartido escenarios y grabaciones con León Gieco, Charly García, Pappo, Andrés y Javier Calamaro, Juanse, Blacanblus, Coty Sorokin, Willy Croock, Gaby Carambula, Oscar Moro, Negro García Lopez, Botafogo, Turf, Auténticos Decadentes, Manuel Wirzt, Debora Dixon, Omar Mollo, Virus, Hilda Lizarazu, Raíces, La Mancha de Rolando, por citar algunos. Compuso canciones con Javier Calamaro para su disco “Kimica”; con Cuino Skornicksie, siendo letrista de Andres Calamaro). Produjo el nuevo disco de Javier Calamaro,que incluye varias canciones de su autoria, y asiste artisticamente al renombrado productor Mario Breuer en varios proyectos.

Luego de esta brillante exhibición, José Luis contestó muchas preguntas del público sobre las guitarras PRS, explicando cada cosa al detalle para que no quedaran dudas. Sin dudas, otra noche más para recordar organizada por Fama Music.

A continuación, este virtuoso gerente de ventas, nos mostró una nueva reedición PRS C24 Bolt-On. Primeramente producida en 1988 como el “Classic Electric” las CE ofrecía cuerpos de Aliso, mástil de Maple bolt-on Arce, y, en algunas, incluso un cabezal también de Maple. Después de algunas mejoras en el diseño y evoluciones a lo largo de los años, la línea CE fue descontinuada en 2008. Ahora, PRS ha traído de vuelta la CE 24 con algunas actualizaciones importantes. El cuerpo es más delgado y los nuevos micrófonos Treble and Bass de 85/15 son versiones modernizadas de los Standard Treble and Bass de 1985, que obtuvieron el reconocimiento para extraer los tonos de una sola bobina de alta calidad de un humbucker. Nuevamente José Luis cambió de guitarra para mostrarnos una PRS S2 Custom 24 y nos dio una breve charla sobre ella, la S2 Custom 24 tiene un cuerpo sólido de Mahogany (Caoba) con una parte superior de Maple Flameado de dos piezas asimétricas biselada. El biselado da a la tapa un perfil más agudo. José Luis invitó a tocar con él a Silvio, un vendedor de la firma representante de PRS en Argentina,

20 | Clínica PRS

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foto: celeste urreaga / estudio 390

javier CalaMarO

Que podríamos decir de Javier Calamaro que no se haya dicho en infinitas notas que se le hicieran a este asombroso personaje. Un músico con una vasta e interesante trayectoria, llena de grandes canciones y muchisimos éxitos, a quien la vida lo vuelve a juntar su banda favorita. Por Sergio Resar

Contanos un poco de tu infancia, qué música se escuchaba en tu casa cuando eras niño?

Se escuchaba mucha música! Clásica, folclore de varias latitudes, bossa nova, tango y rock! De hecho el primer concierto al que nos llevó mi viejo fue Santana en el Luna Park, en 1970.

A qué edad empezaste a inclinarte por la música?

Desde que tengo memoria empecé a crear melodías, al principio cosas muy básicas y rítmicas, estilo beat.

Ya a los 9 cantaba Garufa (el tango, en la voz de Alberto Castillo) y la zamba El Corralero.

Qué relación tenías con tu hermano Andrés? Él tenía más discos que yo, en ese sentido era una buena influencia, y por la diferencia de edad él ya tocaba y componía, cuando yo era muy chiquito. Viéndolo a mi hermano descubrí eso del poder de la composicion, que está latente en todas las personas, aunque no siempre sale a la luz.

Cuándo empezaste a tocar la guitarra?

En mi casa había varios instrumentos disponibles, una guitarra, piano, batería y otras cosas. No recuerdo el momento preciso en que empecé a jugar

22 | Entrevista a Javier Calamaro

con los instrumentos, pero fue a edad muy temprana y en forma combinada.

Con quiénes estudiaste?

De muy chiquito fui al Colegium Musicum, una academia para nenes de pedagogía muy libre. Después empecé clases de piano aunque no recuerdo el nombre de mi primera maestra. Después estudie con Pichona (la madre de Leo Sujatovich) aunque tuve la libertad de elegir tomé clases de batería con Carlos Riganti, y más tarde de saxo, con Montilla.

Quiénes fueron tus influencias? ufff!!! Demasiadas!! Como me gustaba cantar algo de tango y folclore mamé un poco de todo eso ya muy de chiquito. Después, los Beatles y con el tiempo una lista interminable de cosas que me apasionaban, incluida la salsa!!

Cuál fue tu primer grupo y quienes lo integraban?

Recuerdo que la primera sociedad musical que tuve fue con un compañerito de grado, llamado Fernando aunque ni recuerdo qué hacíamos con las guitarras.

Un poco después empecé a tocar con Julián, otro compañero de escuela. Juntos empezamos a com-

poner y a grabar...y se abrió un universo de posibilidades musicales que me asombró. Nuestra primera grabación fue en el mismo estudio donde Los Redondos hicieron su primer demo a pocos días una de la otra. Yo tenía 11 años.

Contanos un poco de frappé Mientras cursaba el colegio tocaba con Hernán Reyna, un pibe súper talentoso y gran amigo. De esa época salieron las canciones que luego grabamos para el disco, donde cada uno cantaba las suyas y los otros músicos eran casi de acompañamiento.

Duro poco porque justo era una época de crecer de golpe, antes del año disolvimos la banda pop y seguimos juntos en algo acorde con nuestras cabezas.

Después llega El Corte, con quiénes estabas ahí?

Al disolver Frappé, porque ya no estaba a la altura de nuestras necesidades artísticas, seguimos juntos con Hernán haciendo música experimental. Fue una época de abrir mucho las cabezas a todo tipo de experiencias y música. Estuvimos varios meses encerrados grabando horas de música en portastudio. Un día llamamos a Fede Oldemburg a quien habíamos conocido por una nota con la revista Pelo, donde era

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redactor. Lo sumamos al viaje. Más adelante conocimos a Leo Ramella y a Pablo Martin. Así quedo la formación de El Corte...una experiencia musical y de vida alucinante, visceral, intensa, dura, psicodélica.

Cómo conociste al “Gitano” Herrera?

No lo recuerdo exactamente aunque el otro día me contó que fue en la casa de Miguel Zabaleta. Él estaba viviendo ahí y aparentemente yo fui a jugar al poker. De esa noche no recuerdo nada. Años más tarde, después del segundo disco de El Corte y en un momento muy intenso, Hernán se fue de viaje interminable y mientras vivía en Alemania y sólo nos comunicábamos por carta, una noche iba caminando por Cabildo y me crucé con el Gitano. Charlamos un poco y quedamos en vernos.

Cómo se forman Los Guarros?

Como te contaba, quedamos en vernos. Así que, con Hernán en Alemania (después pasaría a España donde falleció) nos juntamos en la casita de mis viejos y con la misma portastudio donde habíamos hecho tantas grabaciones de El Corte, grabamos un par de temas los dos solos: “Vamos a rezar” y “Note metas en mi vida”. Con eso arrancó Los Guarros. Y seguimos componiendo y grabando solos hasta que el demo le llego a Gustavo Gauvry (del Cielito Records). Ante la perspectiva de editar un disco convocamos a los músicos.

Quiénes lo integraban?

Al principio tuvimos que probar de todo, incluso cantantes porque yo estaba empeñado en hacer teclados, programaciones y sampleos. Era el año ‘88 y todo eso era un mundo nuevo para íi. Probamos a Juanse e incluso hablamos con Luca Prodan!!!

Cuando me convenció que yo tenía que cantar, llamamos a Daniel Ávila en batería, a Karina Brosio en teclados, a Andrea Álvarez en percusión. Fijate quien toca el bajo en Prostitución y Vagancia porque no recuerdo. Que memoria de mierda que tengo!!!

Fue Dani Castro? (N de R: fue Dani Castro). Andrea y Karina duraron una temporada pero recuerdo que después de la grabación ya estábamos cambiando de músicos todo el tiempo. Había tanta onda entre nosotros que nadie estaba a la altura!! Hasta que al toque conocimos a Dani, a Marcelo Mira y después al Zurdo Alaguibe. Ahí fue cuando Los Guarros empezamos a ser LOS GUARROS con mayúsculas.

Con ellos grabamos casi todos los discos. fueron teloneros de grupos muy importantes internacionales, de quiénes y en qué años?

Entre el ‘91 y’ 93 tocamos antes de Prince, Joe Cocker, The Cult, Brian May y los Guns.

Qué aprendiste de ellos?

Nada. Aunque Prince era un genio y Brian, uno de los tipos más buena onda que conocimos.

Cuántos discos grabaste con Los Guarros?

A ver si los recuerdo todos, ya que son muchisimos discos... Prostitución y Vagancia; Rosas en tu pecho; Los Guarros; Veneno; Acústico y Rock and roll, y Pampas Lisérgicas.

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Llega la etapa solista, en qué año y por qué?

Con Los Guarros ya habíamos tenido un impasse antes de Pampas Lisérgicas, durante el cual el Gitano se fue de viaje a USA y yo hice varias cosas importantes: publique un libro de relatos, hice un disco a beneficio y re descubrí el tango haciendo algunas grabaciones sólo con bandoneón y debutando con Mariano Mores en una noche mágica. También conocí a músicos de otros estilos con los cuales empecé a tocar todo lo que no encajaba con Los Guarros. El regreso del Gitano del 96 tuvo como resultado a Pampas Lisérgicas, un disco buenísimo que lamentablemente nos encontró con muchas cosas en la cabeza: un cambio de radicación en el caso del Gitano, y un montón de música que yo estaba experimentando. Después de Pampas y la se-

gunda partida del Gitano grabamos un montón de canciones, entre las cuales estaban las de mi primer disco, del año ‘98.

Cuál fue tu relación con Charly García?

A Charly lo conocí cuando Andrés entro a su banda.

Yo estaba con El Corte, pero cuando vino al teatro a vernos no le dimos ni bola. En esa época yo estaba tan experimental que la música de Charly no me emocionaba. Pero lo volvimos a ver cuando vino de invitado a Los Guarros y ahí hubo onda, poca pero linda. Al punto que antes de grabar mi primer disco con Sony, uno de los demos era esa versión de Sweet Home Alabama (de hecho era un out take de Pampas que terminé para arrancar las grabaciones

Entrevista a Javier Calamaro | 23

foto: celeste urreaga / estudio 390

solistas) y como mi versión argenta lo mencionaba en la segunda estrofa se la deje en el buzón de la casa. Parece que le encanto porque empezó a hacerla el con su banda. Y varias veces aparecí de invitado en sus conciertos.

Cuántos discos grabaste solista? Cuáles?

10 de Corazones, Quitapenas, Iluminado, Lo Mejor, Kimika, Este Minuto, Proxima Vida. E intercalados hice Villavicio y La vida es afano, de tango, con la Orquesta Pirata y mi cara fea en la portada.

Incursionaste en el tango, por qué?

La verdad, para entender el tango hay que haber vivido... cuando re descubrí el tango de la mano de grandes autores como Catulo y Manzi, compositores como Troilo, intérpretes como el Polaco y la propia orquesta de Pichuco... Cuando empecé a cantar solo y a capella La última curda, Los Mareados... Me volví loco porque me parecía que eso me pegaba más que todo el resto de la música junta. Se entiende? Cantar tango es una experiencia increíble, profunda, terapéutica, metafísica.

Aunque no cualquier tango!! Por eso cuando se me empezó a acabar el repertorio tuvimos que componer (con el Chapa, mi socio eterno en el tango) y ahí se abrió otro mundo! No puedo evitar hablar del tango con este entusiasmo y todavía siento lo mismo que cuando

26 | Entrevista a Javier Calamaro

canté la Ultima Curda por primera vez: emoción visceral, a veces desgarradora. El tango puede ser súper rockero, muy elevado, incluso como el punk.

Qué música estás escuchando ahora?

Muy poca. Me pasa cuando estamos componiendo, un periodo de buscar inspiración y no escuchar nada.

El regreso de Los Guarros fue natural y muy lindo y cuando hago algo lo hago muy en serio. Eso incluye seguir un método... No escuchar a la hora de componer y escribir canciones es un método.

Con quiénes estás tocando ahora?

Desde mi primer disco solista de rock siempre salí con percusión (el Hueso Molina), en batería (el Zurdo), en el bajo (Gula), en guitarra (el Indio Márquez) y en los teclados (el Chapa). La formación de tango es bien clásica y practica: contrabajo, violín, bandoneón y piano.

Qué guitarras estás usando y por qué?

Mirá, uso la misma guitarra acústica Ibanez que me compré en el ’90 para usar con Los Guarros, en vivo sólo uso esa guitarra. En el estudio, cuando grábo uso dos guitarras Yamaha, una de seis cuerdas y otra de doce muy buenas que tengo, una de del año ’88 y la otra Yamaha es del ’92. El por qué, bueno, la Iba-

nez por una cuestión de cariño y de cábala, las Yamahas porque son tremendas.

Ahora vuelven Los Guarros, cómo fue que se produjo esa reunión?

A principios de marzo volvíamos de hacer un concierto en Ingeniero White, donde habíamos tocado Vamos a la ruta, porque justo apareció Chizo entre el público y es el único tema mío que conoce. Al volver en el micro el Zurdo me pregunta: Hace cuanto que no hablas con el Gitano? Como 20 años, le respondí. Entonces me paso el teléfono y le mande un mensaje. Desde ese día nos venimos mandando unos 30 mensajes por día. Y ya vino a Argentina como 7 veces y yo viaje una. Lo que pasó desde marzo fue parecido a cuando armamos la banda en el ‘88, pero a la distancia: mucha emoción, buena onda y música. Arrancamos grabando los temas viejos en versiones muchísimo mejores, mas sintéticas, directas, potentes. Además ahora tocamos y cantamos mejor. Básicamente somos mejores.

Cuáles son los planes para el futuro?

Vamos a guarrear!!

Qué le dirías a los chicos que recién empiezan?

Que se vayan a guarrear!!

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alain CarOn

Alain Caron uno de los 10 bajistas más destacados del mundo, realizó un concierto en Argentina junto a Maycown Reichembach en guitarra, Bruno Malinverni en teclados y Ezequiel Chino Piazza en batería. tocando temas de sus últimos álbumes. En el hall del hotel Dazzler habló sobre su grandiosa carrera en el mundo del jazz fusión. Por Maycown Reichembach

foto: mathieu rivard

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mado Gerry Etkins. El segundo álbum se llama "Rhythm'n Jazz" y lo hizo con los mismos músico pero también tuvo la participación de Dennis Chambers en casi la mitad del álbum. Después de eso hice otro álbum titulado “Play”, enfocado en Trío, he tenido muchos invitados como saxofonistas, pero no puse guitarra en este álbum, quería cambiar mi sonido, es un disco más fusión. Invite a Armando Ruiz en teclados y piano acústico y yo toqué el bajo fretless y contrabajo. Y tuve varios saxofonistas invitados para que yo pueda elegir y tener más opciones.

Este álbum, “Play”, fue considerado como unos de los diez mejores de la década, es decir, de esos diez años, y me hizo muy felíz. Eso me llevo a ser tapa de la revista Bass Player Magazine y he viajado por todo el mundo, es decir, fue un paso muy importante en mi carrera, un antes y un después. Después de eso hice otro álbum llamado “Call me Al”, lo puse así porque todos en New York me llamaban de Al, porque pronunciar “Alain” era difícil para ellos, ya que es un nombre de origen francés.

En ese álbum también casi no tiene guitarra, pero si una sección de vientos, seis instrumentistas para ser más exacto. Fue realmente una experiencia increíble, porque conseguí diferentes sonidos y también diferentes caminos para tocar. Después hice esos arreglos para una “Big Band” y lo toqué con la WDR Big Band en Colón, Alemania. Fue una experiencia realmente asombrosa.

Después de eso hice un disco diferente llamado “Five” con muchos elementos electrónicos. Con muchos loops/secuencias y el sonido de mi bajo era sinth. Fué

loco porque tuve dos bateristas tocando arriba, fue muy interesante y diferente para mí. Después de eso realice un álbum en vivo y también un DVD en vivo. Éramos cinco músicos. Entre ellos dos tecladistas y uno de ellos tocaba un vibráfono eléctrico. Ellos eran increíbles, po-

foto: jean-françois bérubé

foto: jean-françois bérubé

Contame sobre tus álbumes, cuantos tenés?

Tengo muchos, creo que diez. El primer disco solo fué en los ‘90s. Un proyecto solista llamado “Le Band” con un guitarrista de Montreal llamado Jerry De Villiers Jr., Magella Cormier en batería y un tecladista de New York lla-

Entrevista a Alain Caron | 27

dían tocar cualquier cosa. También había un Saxofón Tenor, un baterista y yo. Hemos girado mucho con ese quinteto. Después de eso quise cambiar otra vez mi sonido, hacer algo más minimalista. E hice un disco llamado “Conversation” solamente en dúo. Toqué un contrabajo acústico de seis cuerdas, realmente me encantó. En ese disco tuve dos pianistas, el gran Oliver Jones, un alucinante pianista, Armando Ruiz toque en dos temas y dos pianistas muy buenos de Montreal que tocaron dos piezas en un vibráfono acústico. Como te he dicho solo duetos.

Y nuevamente hice algo diferente, muy jazzero. Después de eso hice la música que he tocado aquí en Argentina, del disco “Sep7entrion”. Este disco fue el comienzo de mi mirada hacia el norte, tiene muchas cosas canadienses. En este disco volví a poner guitarras. Podría decirte que el sonido es un poco más Jazz/Fusión/Rock, pero la música es diferente, no es Jazz/Rock, tiene otras influencias, como los ritmos de Cuba, y cosas de Sudamérica, tuve influencia de todo eso, pero especialmente Cuba. Y también influencias Europeas, como la música clásica de Italia, es un mezcla de un nuevo género musical que podríamos llamarlo Fusión. Y después de eso hace dos años hice el álbum llamado “Multiple Faces”. Con este álbum giramos un montón con el mismo equipo. Pierre Cote en Guitarras, John Roney en teclados y Damien Schmitt en batería. Con ellos hice un DVD en vivo este último año. Los mismos temas de los últimos dos álbum pero diferentes interpretaciones.

Con Mike Stern cómo fue?

Hice mi último disco con UZEB en 1992, y luego de eso me fui a New York a tener otro tipo de experiencias. Hice muchos amigos allá, pero difícilmente tocaba por no tener contactos. Pero me contacte con un amigo de Montreal que había tocado en mi banda muchas veces como invitado y él estaba en New York. Le dije estoy aquí en New York, y me dijo: “Ok, sé que eres un buen bajista, hay una chica que está buscando bajista y se llama Leny Stern (la Esposa de Mike Stern)”, y luego Leny me llamo y me dijo que lo recomendaron para su banda. Entonces acepté y toqué con ellas por mucho tiempo hice un disco y luego volví a Montreal para hacer un álbum a dúo. En mi regreso a New York, Mike Stern me llama diciendo que le gusto el disco que grabe con Leny y que me quería en su banda y por supuesto

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foto: mathieu rivard

Contame un poco tu experiencia de trabajar junto con Michael Brecker.

Oh si, fue genial. Yo tuve un grupo muchos años atrás llamado UZEB. Empezamos siendo un cuarteto: guitarra, bajo, teclados y batería. Y fuimos a Inglaterra para hacer nuestro primer álbum. Fue un disco en vivo. Entonces el sello discográfico nos ofreció hacerlo en un estudio. Y todos los miembros del grupo eran fanáticos de Michael Brecker, entonces dijimos vamos a preguntarle si el quiere tocar y grabar en nuestro disco, entonces nuestro manager lo llamo y él aceptó. Grabó en nuestro disco y realmente le gusto como sonábamos, nuestro groove... después de eso nos tocamos en el Festival de Jazz de Montreal (ver video en youtube.com) y lo invitamos a que toque con nosotros y él vino y hicimos un gran concierto. Luego de eso me fui a New York y tocamos muchas veces juntos, en la banda de Mike Stern y también en muchas giras por Europa. Él fue uno de mis músicos preferidos y siempre lo será.

acepté y toque con él por más de diez años. Viajamos muchísimo con el Mike Stern Group, hicimos largas giras por Europa y en todo lugar que puedas imaginarte.

Fue una experiencia inolvidable. Después de ese tiempo con Mike, yo decidí mudarme a Paris por un tiempo donde también tuve un trío. Después por la búsqueda de mi música y mi camino, decidí volver a Montreal, porque Montreal es un lindo lugar para vivir, hay buenos músicos. Allí tengo la posibilidad de tener una hermosa casa, mi propio estudio. Pero a veces coincidimos con Mike Stern para hacer algunas cosas juntos.

Eres contemporáneo a jaco Pastorius y viviste en new York justo en la época revolucionaria, que podes contarme a cerca de jaco, bajo tu experiencia?

En esa época yo tocaba en un Club de Jazz con Mike Stern y siempre nos cruzábamos. Él siempre tenía esa personalidad avasalladora. Pero tú sabes que Jaco era

“maníaco depresivo” o sea un día estaba bien y el otro no, podías verlo contento de mañana y de tarde totalmente agresivo. Es de público conocimiento que tomaba mucho y se drogaba, pero los recuerdos que tengo de él en esa época son muy buenos. Un par de veces nos vimos en Montreal, pero no éramos amigos, por lo tanto solo cruzamos un par de palabras.

Que equipamiento estas usando?

Uso los F Bass, hechos por George Furlanetto, él es Italiano pero vive en Canadá. Yo uso sus bajos desde el ‘86, probablemente desde antes. Yo he trabajado con diferentes luthieres en Montreal porque yo estaba buscando un sonido diferente, yo quería tocar fretless, pero no tener el sonido de Jaco, yo quería desenvolver y encontrar un sonido diferente, entonces empecé a desarrollar con un luthier un bajo de cuatro cuerdas que tenía una escala larga pero era muy difícil llegar a las

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estuve en Europa conocí a un tipo llamado Marco De Virgilles, dueño de Mark Bass, y me pregunto si tenía interesen desarrollar un amplificador con ellos, que yo le podía decir exactamente lo que yo quería en el sonido y ellos desarrollarían el amplificador con mi firma. Lo acepté y empezamos a desarrollar. Me encantó el concepto de Mark Bass, el sonido muy claro y empezamos a hacer el amplificador más "flat" que toque en mi vida, es pequeño y tiene 1000 watts, está disponible desde hace 5 años. En este momento estamos diseñando la segunda versión, que será mejor. un poco más chico y más potencia, será como tocar en un estudio, muy pero muy flat, especialmente para el fretless. Es la máxima tecnología y estoy muy feliz por eso.

últimas notas, no era lo que buscaba. En ese tiempo George Furlanetto me llamó y me dijo “Sé que estás desarrollando un bajo diferente, yo tengo algunos instrumentos para mostrarte”, eran pequeños bajos de cuatro cuerdas, pero las cuerdas iban a través del cuerpo y suena muy bien acústicamente y no sonaba a Jaco, lo probé y dije !Sí! es exactamente lo que estaba buscando, empezamos a hablar y le dije que de cinco cuerdas sería mejor, entonces me lo hizo. Sonaba muy bien, pero me faltaba algo... te recuerdas a Gino Vanelli? él fue el primer músico a usar los sintetizadores como bajo, y yo empecé a escuchar notas más graves de las habituales, y me encantaba eso, entonces empezamos a desarrollar el de seis cuerdas y tuve que llamar a la gente de La Bella Strings para que diseñaran unas cuerdas especiales para este nuevo bajo. Me hicieron dos,

uno con trastes y el otro sin trastes, luego vino el instrumento con mi firma llamado "AC". En equipos es un tema aparte siempre quise escuchar el sonido de mi bajo como si fuera en un estudio, es decir flat, y me decidí a tener un amplificador así, pero en esa época no había. Empecé a trabajar con algunos ingenieros en Montreal, una marca llamada “The Transparency2, yo no soy ingeniero pero sé muy bien el sonido que quiero, ellos me ayudaron a encontrarlo, hicimos diferentes modelos y comenzamos a encontrar el sonido que tanto quería, estuve con ellos por más de diez años, aprendí a como comunicarme con los ingenieros. Después de eso empecé a trabajar con la compañía Roland, porque Frank Gambale es amigo de Roland en Japón. Entonces hicimos las mismas cosas que con la marca anterior, desarrollamos tres modelos diferentes. Luego cuando

Cuáles son los planes futuros?

Tengo una larga gira por realizarse por todo los Estados Unidos en Enero del 2017 con el asombroso y buen amigo Horacio “El Negro” Hernández en batería y un talentosísimo pianista turco, Fahir Atakoğlu, donde tocaremos su música, hermosísima música del disco que hicimos hace unos 2 años. También estaré abocado a promocionar mi nuevo amplificador en NAMM Show y Musikmesse. Luego haré una increíble gira, llena de sentimientos encontrados por Canadá y Europa por la vuelta del grupo UZEB, luego de 25 años. Y luego seguramente trabajaremos en un nuevo disco. Por otro lado desde Septiembre de este año empecé a trabajar en la Universidad de Montreal, enseñando bajo. El próximo año también dictaré clases de improvisación y seré el director de “Master Program”, esto realmente es muy especial para mí, estoy muy interesando y comprometido en este proyecto y tenemos alumnos de todo el mundo.

foto: mathieu rivard

30 | Entrevista a Alain Caron

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gusTavO giles

Cuando empezaste con la música?

Empecé con la música desde muy chico, tenía como 11 o 12 años. Escuchaba siempre música en mi casa y que yo me acuerde el primer instrumento que me llamo la atención inmediatamente fué el bajo, me encantaban las líneas del bajo, entonces con la guitarra de mi hermano aprendí las primeras notas y escalas que me las enseñaba él, y después sacaba todo de los discos que llegaban a mis manos.

Gustavo Giles es uno de los “titanes” del bajo eléctrico en Argentina, todos y cada uno de sus colegas y amigos diría que Gustavo es un músico completo y un ser humano formidable. tuvimos la oportunidad de charlar con este estupendo personaje quien nos contó algunas de sus anécdotas y experiencias en el mundo de las cuerdas. Por Maycown Reichembach

Angeles, Nueva York y Las Vegas, eran pocos show salvo en Miami, 2 o 3 días y luego nos volvíamos. Recuerdo también haber viajado y tocado en paises como Uruguay y Paraguay y quizás algún otro país que me este olvidando. Fué una buena época.

Los shows que hacias junto con Valeria Lynch eran grandes o chicos?

Había de todo, en México íbamos a tocar quizás en algunos lugares privados, también tocábamos en lugares llamados “palenque”, donde también se hacen

Con cuales bandas compartiste giras?

Cuando tenía a los 14 años empecé de asistente de la banda Nomady Soul, en esa banda estaba Patricia Sosa y Oscar Mediavilla, yo siempre estaba en todos los ensayos “orejeando” los temas. Un día el bajista decidió irse y como yo ya conocía todos los temas quedé en la banda. Con ellos hicimos giras por el interior y una gira muy larga por Bolivia que fueron como 3 meses, si mal no recuerdo. En esa época tenía solamente 15 años y mi papá tuvo que firmar la “Patria potestad”, todo un tema aparte. Después con La Torre grabé el primer y segundo disco en el año 81 y 83 respectivamente. Luego me fuí yo y al poquito tiempo, mirá como son las cosas, empezaron a ser famosos (risas). Pero giras realmente hice con Valeria Lynch desde el año 86 hasta el año 91. Todos los años viajabamos con Valeria y el resto de la banda a México, Puerto Rico, República Dominicana y Estados Unidos, más específicamente conocí Miami, Los

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nardo Fabio hice una gira de 15 días por Ecuador.

Su exigencia era que seamos creativos. Una vez estábamos en un hotel y yo estaba tocando cuando él entra a la habitación me agarra de la cara y me dice “eso es lo que quiero que toques pibe”.

Cuáles son tus influencias?

Mis influencias son por épocas. El primer grupo que me hice fanático fue Vox Dei, y me sacaba todas las líneas de Willy Quiroga que me gustaba mucho, todos los discos de ellos básicamente. El grupo que para mí fue un antes y un después es: Earth, wind and fire. Era algo inexplicable lo que sentía cuando los escuchaba.

Marcaron mi vida. Luego cuando vi tocar en vivo a Stanley Clark y me pareció demoledor, o sea, a partir de ese momento salí con la cabeza cambiada, alias, fue tan especial, porque yo estudiaba con Carlos Madariaga y cuando hablábamos de bajista a él le gustaba Steve Swallow, Jaco Pastorius y no le gustaba Stanley, pero después de ese show que vimos me dijo que le encantó Clark. Por eso tanto Clark con Pastorius fueron grandes pilares. las riñas de gallo. Hay mucho dinero allí y era muy raro ver a los gallos peleándose y luego decia ahora viene el grupo tal.... tocan 15 minutos y luego sigue la riña de gallos. Pero tengo entendido que muchos artistas como Verónica Castro, o el mismísimo Julio Iglesias también pasaron por los palenques.En Nueva York estuvimos en el Carnegie hall solamente una vez, un sábado a las 6 de la tarde... pero fue muy bueno. También recuerdo cuendo toqué con Leo-

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Cuantos discos grabaste?

Tóco en 3 discos de Gillespi, Valeria Lynch, Tony 70, con Javier Calamaro grabe algunos discos también. Hay músicos que son más de sesión como el Guille Vadalá, a mi me hubiese gustado, pero no me llamaban mucho.

También grabé con un baterista increíble llamado Pepi Taveira. También con el hicimos unos separadores para “Futbol de primera” había mucho bajo ahí!. Me olvidaba que grabé también en el disco de Mariano Otero.

Que bajos usas?

Bueno tengo mi bajo Alembic, pero resulta ser que hay un tipo llamado Julian Alvarez, y a ese bajo le puse el nombre de bajo bastardo, porque no quedó nada original o casi nada de lo que el luthier hizo. Quedo solo el cuerpo y pusimos unos Bartollini, pre Bartollini, a su vez esos mics fueron modificados por Mariano Maese, también cambie la trastera de Ebano que lo hizo Pablo Massa, y también me achico un poco la empuñadura.

En otra oportunidad cambie puente, trastes y quedo como el “bastardo” y es el bajo que más utilizo. Mi Alembic también lo uso desde el 81´que me lo regaló mi papá, y yay en aquella época eran caros. Este me lo mandé a hacer y me llego en el 93´.

Contanos sobre tus discos solistas y lo que se viene de aquí en adelante en tu carrera.

En un momento hice un disco llamado “Gustavo Giles” con una formación diferente: dos bajos, guitarra y batería, que es algo de lo cuál ya no quedó nada. En esa época yo tocaba muchas melodías con el bajo por eso necesitaba a otro bajista que mantenga la base. En mi nuevo disco que saldrá muy pronto, la guitarra y el teclado serán más protagonistas. Actualmente estoy muy cómodo y satisfecho con el trio que conformamos con Diego Serrano y Gonzálo Pérez y tengo ganas de grabar con ellos, en esa formación. Así que veremos como sigue esto, por lo pronto tengo que terminar el disco que ya vengo haciendo con Leandro, el tecladista de Javier Calamaro, él tiene una formación clásica y le da un color diferente a lo que yo quiero decir, y creo que será un excelente disco.

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jOe saTriani

Antes del show de Joe Satriani, la banda encargada de abrir una espectacular noche fue La Carga. Pasadas las 20hs aparecieron sobre el escenario, haciendo un show

muy compacto, entretenido, con buenas canciones y recibiendo un gran aplauso y aprobación por parte del público presente. Sus integrantes son Leandro Kejval (bajo), Fernando Scavone (voz), Sergio Masciotra (batería), Nicolás Capelletti (guitarra) y Darío Chiazzaro (guitarra). Volviendo al show de Satriani, el tema “Shockwave supernova”, fue el encargado de abrir su show,

Después de las 21hs. del 16 de diciembre, en el luna Park, subió al escenario, la banda de Joe Satriani, recibiendo una gran ovación por parte de público. la banda está integrada por grandes músicos, como Marco Minnemann (batería), Bryan Beller (bajo) y Mike Keneally (teclados y guitarra), recibiendo la ovación del público que colmo el estadio luna Park. Por GyB.ar

que perteneciente a su última producción; siguiendo con sus grandes éxitos como “Surfing in the aliens”, “Flying in a blue dream”, “Butterfly and zebra”, “Cataclysmic”, “Crazy Joe”, “Luminous flesh giants” y el clasico “Summer song”, entre otros. Marco Minnemann, realizo un solo de batería, impresiónate, muy entretenido, donde jugo e hizo participar al público presente. También los deleito con los malabares que suele hacer en sus presentaciones (homenajeando al gran Buddy Rich). También hubo un gran solo de guitarra entre Joe Satriani y Mike Keneally, donde mostraron su gran dominio del instrumento; se los veía disfrutar, haciendo una especie de duelo entre ellos, como solían hacerlos Blackmore/ Gillian en Deep Purple. El show duro 2 horas, y dejo a la gente totalmente satisfecha, fue una gran noche para los que asistieron a Luna Park.

EQUIPAMIEnTO Ibanez Joe Satriani Artist Series JS2410 Orange Ibanez Joe Satriani Artist Series JS2450 Purple Ibanez Joe Satriani Artist Series JS25ART

Voodoo Lab Pedal Power 2 Plus / Power supply Marshall PEDL-10048 JMD1 Foot Controller / Marshall Fractal Audio MFC-101 Midi Foot Controller

Shure SM57 Microphone / Cabinet D'Addario EXL110 010 -046 Strings / Electric guitar Planet Waves Joe Satriani Guitar Strap / Electric guitar Planet Waves Joe Satriani Guitar Picks / Electric guitar Straptight Joe Satriani Straplocks / Electric guitar Fractal Audio EV-1 Expression Pedal DiMarzio Mo'Joe & Satch Track Pickup Set /E. guitar

AMPLIfIERS Marshall JVM-410H Joe Satriani Head Marshall 1960AJSB Joe Satriani 4x12 Cabinet PEDALS & EffECTS Fractal Audio Axe-Fx II XL+ Fulltone Octafuzz OF-2 / Fuzz effect MXR EVH117 Flanger / Flanger effect DigiTech Whammyv-01 / Pitch effect Vox Joe Satriani Big Bad Dual Wah / Wah effect ACCESSORIES

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Joe Satriani en Argentina | 35

BajO

CONStRUyENDO UNA SÓliDA BASE iMPROViSACiONAl PARtE ii Entonces.., ¿Qué hay de los aspectos líricos y poéticos de la improvisación y cuán importantes pueden llegar a ser dentro del contexto improvisacional?. Por igor Saavedra

Ya he mencionado en la primera parte de esta trilogía que en mi opinión “Improvisar es componer en tiempo real”, por lo cual ¿qué es lo que sucede con “El Contenido” de esta composición en tiempo real?... ¿Qué hay de la “Historia” que querrán contar?...

Existe la realista posibilidad de que aún no se hayan percatado de que la única historia que tienden a querer contar cuando improvisan es esa que habla de cuán habilidosos y talentosos son…, si ese es el caso mi humilde consejo es que por favor remuevan ese específico aspecto de vuestra declaración de principios como artistas.

En mi opinión, aun cuando las escalas, licks, chops, técnicas, etc., son importantes aspectos que un músico debe manejar, el lirismo es un aspecto infinitamente más relevante, sobre todo porque aunque puedan ser capaces de manejar con eficiencia todas las técnicas y la información disponible si no saben qué hacer con todo eso “Nada más que notas vacías saldrán de vuestro instrumento…”. He encontrado una enorme cantidad de aspectos improvisacionales de índole “Lírico y Poético” pero no quisiera extenderme mucho en cada uno de ellos sino más bien señalarles los que yo considero los más relevantes, así que aquí les van: Expresen algo a vuestra audiencia: Si desean sólo tocar para ustedes mismos es recomendable hacerlo solitos en casa, por lo demás no hay nada de malo u objetable en ello…, pero sí sería objetable hacerlo frente a una audiencia y vaya que he visto cosas en mi vida.

Consideren siempre el contexto…, el contexto es la clave: Siempre existe el momento apropiado para toda circunstancia, por lo cual sería igualmente correcto construir gradual y lentamente un solo a través de motivos, dinámica, etc., como por el contrario llegar y entrar a un solo como estampida de elefantes. La clave para saber qué hacer no está sólo dentro de ustedes, sino que también a vuestro alrededor, perciban el entorno, tásenlo, interprétenlo, utilícenlo en vuestro favor, no se desentiendan en ningún momento de él.

Pregunta y Respuesta: Generen motivos rítmicos y/o melódicos tomando el primer motivo como “la pregunta” para luego “responderla” con otro motivo rítmico y/o melódico…, permitan que sean mayormente vuestros sentimientos y sensaciones quienes determinen cuál será esa respuesta…, éstos casi nunca se equivocan…, la razón sólo ordenará un poco las cosas.

Amplificar/Simplificar: Tomen cualquier motivo rítmico y/o melódico e intenten expandirlo o comprimirlo. El mejor ejemplo que les puedo dar en este sentido (tomando como referencia el tiempo de negras), es tocar un motivo melódico hecho de tresillos, para luego tocar nuevamente “el mismo motivo” y con las mismas notas pero ahora utilizando solo corcheas binarias de manera tal de “Expandirlo”.., en caso contrario pueden por ejemplo tocar ahora el motivo original con seisillos con lo cual éste ahora quedará “Comprimido”…. El cielo es el límite para esto, y cuando comiencen a explorar las posibilidades verán que muchas situaciones polirítmicas y polimétricas se producirán casi por si solas, para esto es altamente recomendable ahondar en el estudio

de estas materias para así poder ordenar y desarrollar estos conceptos más allá de lo intuitivo, es ideal llevarlos también al plano consciente y racional, los sentimientos y la razón deben estar siempre en una especie de “Armonía colaborativa”.

Agregar/Sacar: Tomen cualquier motivo rítmico y/o melódico y agréguenle o sáquenle algunas notas, sin por cierto variar la métrica de la idea…, si por ejemplo deciden remover algunas notas dejen “Respirar” ese maravilloso espacio vacío que se producirá…, dicho espacio servirá como un útero melódico y a la vez como una fenomenal plataforma de lanzamiento para la próxima idea que quieran expresar.

Interpolación de los contextos Melódicos y Rítmicos: Podrá sonar un tanto complicado, pero el concepto es de verdad realmente simple.

A) Cuando estén improvisando tomen cualquier motivo rítmico reconocible en alguna de las melodías primarias o secundarias de la pieza musical que estén tocando (Leitmotiv Rítmico) y empiecen a tocarlo con otras notas y con diferentes aproximaciones melódicas (es ideal que al principio esas “Nuevas notas” estén dentro de la misma tonalidad de la pieza musical). Les sugiero “One note Samba” que es un muy buen tema para que comiencen a intentarlo.

B) Cuando estén improvisando tomen cualquier motivo melódico reconocible en la pieza musical que estén tocando (Leitmotiv Melódico) y empiecen a tocarlo con una rítmica distinta (Me refiero a la rítmica específica de la melodía, no al ritmo del tema que en este caso debe seguir siendo siempre una Samba). Les sugiero líneas melódicas breves para comenzar, por ejemplo la línea de bajo de “Footprints” sería un muy buen punto de partida.

Variar o Modificar: Antes que todo nunca olviden que variar o modificar no significa necesariamente “agregar” (que es la tendencia natural de la mayoría de los estudiantes de instrumento al momento de uno decirles “haz una variación aquí”)..., entonces establezcamos que “variar” también puede significar “remover”.

Es importante que no confundan este punto con el anteriormente nombrado “Agregar/Sacar” ya que en este caso no nos estamos refiriendo a notas, sino que específicamente a pequeñas sutilezas como variaciones de dinámica (volumen), agógica (tempo), vibratos, glissandos (sliding), bendings, etc., Estas “sutilezas” son capaces de provocar una enorme diferencia en vuestro discurso, son generalmente las que tendrán la potestad de robarle una lagrima a una que otra persona en vuestra audiencia.., o quizás…, a ustedes mismos.

El próximo mes, en la última parte de esta trilogía, me dedicaré a los aspectos “Estéticos y Psicológicos” de la improvisación para cerrar este círculo que ha tenido por propósito colaborar en vuestra formación para que así puedan ir construyendo un sólido concepto improvisacional.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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guiTarra

Por Daniel Corzo

iMPROViSACiÓN Continuaremos en nuestra columna de guitarra jazz de este mes explorando esta hermosa frase de Charlie Parker. Recordemos que la extrajimos de la melodía del tema “Donna lee”, compases 15 y 16, resolviendo en el primer tiempo del compás 17. Una frase idiomática sobre ii-V-i.

En el artículo anterior la tocamos en las posiciones II y V de la guitarra. En esta ocasión les muestro las digitaciones respectivas para las posiciones VII, IX y XII (Ejemplos 1 al 3). Para ampliar un poco el tema, si te sirve, poder ver un video en mi de YouTube o en mi perfil de Facebook donde muestro todas las digitaciones de esta frase. www.facebook.com/dancorzo Pero el ejemplo 4 nos muestra otra posibilidad, otra manera de seguir obteniendo kilometraje de esta frase del gran Bird, y transformamos nuestra frase melódica en una frase chord-melody. ¡Se abre una puerta a otro vasto campo de investigación (y diversión) en nuestro mundo de la guitarra jazz!. No te olvides de memorizar, tocar en las 12 tonalidades y usarla rápidamente en progresiones, temas etc. ¡Deseándoles lo mejor para el 2017, queridos lectores me despido hasta cualquier momento! No sin antes agradecer una vez más a la revista, a ustedes y especialmente a Maycown Reichembach por la confianza dispensada.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Suplemento técnico | 37

BajO Por Cristian tisselli

REFlExiONES PARA EStUDiANtES iNiCiAlES EN lA MúSiCA (PARtE 2) En el siguiente artículo voy a reflexionar sobre algunos “desatinos” o elecciones menos convenientes, algunas situaciones comunes o hechos que se dan a la hora de iniciarse en el aprendizaje de un instrumento musical sea cual fuere (la Voz, el Bajo, la Flauta, etc.) en este caso utilizo como referencia el bajo, ya que es con el cual me desempeño como músico.

TOCAR MUCHO Y MUY RáPIDO Algunos iniciados creen que para ser grandes músicos hay que poder tocar muchas notas a grandes velocidades. Esto, en algunos casos, se da al ver que sus ídolos lo hacen todo el tiempo. Por ello llegan a la conclusión de que deben empezar tocando rápido. Es muy importante el hecho de ir despacio, tomar este camino de aprendizaje con suma calma, lo cual comprendo que no es nada sencillo en tiempos donde la información crece a niveles exorbitantes por segundo, generando en nosotros grandes lagunas de ansiedad al querer cumplir con grandes objetivos o metas complejas, en lapsos de tiempo cuasi quánticos. Esto nos hace pisar el acelerador constantemente, prácticamente todos los aspectos de nuestra vida y en consecuencia en la forma de aprender o de ejecutar un instrumento. Creo que es necesario ser pacientes, no tocar demasiadas notas ni muy rápido, ya que esta es la principal causa por la cual se generan los malos hábitos o mañas e incluso lesiones. Es bueno comenzar tocando una menor cantidad de notas a baja velocidad para poder absorber de manera correcta el sonido, apreciar los detalles en el aspecto teórico, en el técnico y luego en el resultado total sonoro de la música en ejercicio.

El metrónomo puede ser un buen pacificador si se usa de manera adecuada, pero concuerdo en este caso con el maestro Jeff Berlin que como muchos otros considera que la música puede ser mejor comprendida en primera instancia sin este tipo de secuenciadores. Esto sugiere que para poder entender con detenimiento donde va cada una de las notas en el compás, no es necesario contar con un metrónomo, pero una vez comprendido el ejercicio puede ser usado para practicar en diferentes pulsos, entre otras cosas. nO ESCUCHAR Uno de los “errores” que he notado en algunos alumnos es el hecho de no escuchar que es lo que están tocando. Muchas veces llegan a clase diciendo “¡ya saque este tema perfectamente!” entonces ubican los dedos en los trastes correctos y con buena digitación tocan precisamente el ritmo exacto de la canción, ¡pero completamente en otra tonalidad! Esto a menudo facilita los pifies o errores en las notas al tocar de memoria, ya que resulta distinto no solo a la parte visual del instrumento, sino también a lo que tenemos escuchado de la versión original de la canción. Por ello es que hay que pensar más con el oído y menos con los dedos (por decirlo de alguna manera). El oído es nuestra herramienta más importante como músicos y hay que entrenarlo a diario. Esta reflexión me lleva a definir qué tal vez Escuchar sea lo más importante a la hora de hacernos intérpretes de la música. Para ahondar algo más en el tema; me refiero a Escuchar con total atención y concentración, no solo la música, sino a las personas, los sonidos o ruidos, ya que todo es información en sus distintas frecuencias y sea cual sea esta nos puede nutrir de algo nuevo o desconocido. Esta atención o concentración también nos dará, con el tiempo, la posibilidad de entender con profundidad que hay detrás de las notas, los sonidos o las palabras más allá de lo estrictamente técnico/teórico, me refiero a interpretar en profundidad lo que los músicos quieren decir a través de las frecuencias de la música, escuchar las intenciones provocadas por los sentimientos de quienes usan el lenguaje musical como una forma de expresión.

AUn nO HABER TOCADO COn OTRA GEnTE ¡Salir a tocar con otra gente es urgente!... En más de diez años de experiencia con alumnos, y en mi propia experiencia como músico y estudiante, me di cuenta que los alumnos que primero se desarrollan son los que salen a tocar. No hay nada mejor que equivocarse para motivarse a practicar, y esto se da mucho en la interacción con otros músicos, ya

que uno está constantemente consciente de las fallas mientras toca o al menos sería bueno estarlo. Esto te va a ayudar a priorizar que campos debes estudiar más o fortalecer. De esta forma vas a pensar cosas como: “No se si necesito hacer tanto énfasis en mi técnica de Slap, a lo mejor lo que necesito es trabajar en tocar negras conscientemente a tempo”. El hecho de tocar no tiene que ser necesariamente un acontecimiento público, sino que puede ser con un amigo en tu propia casa, o con el profesor.

SUBESTIMAR Y SOBREESTIMAR HABILIDADES Entre muchas, existen dos tipos de expresiones de nuestra personalidad sobre las cuales, humildemente, me gustaría reflexionar: la tipología de quien subestima sus habilidades, y la de quien sobreestima sus habilidades, sea como músicos o lo que fuere. Los que subestiman sus habilidades son los que dicen, por ejemplo: “no… a mí me falta mucho para salir a tocar, no está lo suficientemente bien”; pensamiento que puede resultar en una condición de aislamiento tan eterna como el aprendizaje o como a la “perfección” a la que se pretende llegar, ya que ésta, como todos sabemos, NO existe. Por otro lado se encuentra la personalidad que sobreestima sus habilidades y dicen, por ejemplo: “Que bien que toco, soy el mejor!”; a mi manera de ver las cosas, como esta han sonado chistosas hasta en la famosa anécdota de Jaco Pastorius y el maestro Joe Zawinull. Creo que basta con profundizar en la historia de la música para entender que no existe -el mejor- de nada. Todos afrontamos estas etapas o cambios en nuestra personalidad, más para un lado o para el otro. No pretendo sonar a libro de auto-ayuda (los cuales son detestables), pero me permito el cliché – Es bueno ir en busca del balance. Los que tienen el síndrome de “no está lo suficientemente bien”, nunca salen de su cuarto para tocar con los demás, siempre están esperando la perfección absoluta, lo cual se podría catalogar como neurosis según aquel viejo y grandioso discurso de Henry Miller. Y como dije antes, esta “perfección” nunca va a llegar. Es primordial sentirse bien con uno mismo para que los otros se sientan bien con nosotros al momento de compartir la música, al contrario de lo que este tipo de personas piensa; salir a tocar con otras personas puede ser un punto a favor para nuestro autoestima, ya que al ponerse a prueba, aceptando el desafío con respeto y siendo consciente de los “errores” en el momento, uno puede motivarse a seguir aprendiendo cosas nuevas o mejorar lo aprendido y dar un paso adelante. Por otro lado, los de tipología contraria; creen ser geniales y se pierden de todos los “errores” que comenten mientras tocan. Este tipo de personalidades que muchas veces evolucionan a “Personajes”, pierden consciencia de que lo importante es tocar para la Música y sonar en conjunto con las demás personas. Esta mala manera de encarar la musica sigue notándose, sobre todo para el ojo de quien sabe, aun si esta persona se para sola en un escenario. Por lo tanto nada de esto les permite mejorar, ya que no son conscientes de sus fallas para poder solucionarlas. En simples palabras, despido este tema con el cliché por el cual también fui nominado para el premio nobel de literatura junto al “excelentísimo” Pablo Coelho (?) - No nos debemos dejar cegar por nuestro ego -. nO APREnDER LA HISTORIA DE LA MúSICA Una gran parte de aprender música está en estudiar sus orígenes. Muchos estudiantes solo están al tanto de lo que pasa en el presente. Pero hay que tener en cuenta que lo que pasa ahora es producto de lo que ha sucedido antes. Es importante investigar la historia así sea solo la de nuestro estilo o grupo musical preferido, porque al indagar en ella esta nos puede derivar en nuevos caminos.

Cristian Tisselli es un artista nacido en la ciudad de La Plata, y se desarrolla como músico, compositor y bajista en diferentes estilos. Ha compartido escenarios y grabaciones con numerosos músicos de Sudamérica, Europa y Estados Unidos, entre los que se destacan: Doug Webb (Stanley Clarke, Jeff Berlin, Horace Silver, George Duke), Jamie Kime (Dweezil Zappa), Ronal Bruner Sr. (The Temptations), Glen Sobel (Alice Cooper), Mordy Ferber (Bob Mintzer, Jack Dejohnette, Eddie Gomez), Ed Roth (Steve Lukather, Chad Smith, Lelan Skalar), por nombrar algunos. Es bajista y fundador de “Contusion”, grupo de renombre internacional que ha lanzado su primer álbum homónimo en el cual participan músicos de la talla de: Juan Cortés, Álvaro Torres y Eduardo Giardina.

Actualmente se desempeña como docente de la compañía de clases online LessonFace radicada en Brooklyn, NY. También da clases vía Skype para Latinoamérica y presenciales en la localidad de Caballito, Buenos Aires. www.youtube.com/crisbassist

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BajO Por Nicolás Vilchez

iMPROViSACiÓN les mostraré un manera sencilla de agregar las tensiones a la progresión ii V a la hora de improvisar. Para lograr estas tensiones solo utilizaremos arpegios de acordes mayores con séptimas menores y arpegios de acordes menores con séptimas menores y quintas bemoles. Si bien la progresión esta sobre la tonalidad de Am7, la idea es poder llevarlo a todas las tonalidades.

Nicolás Vilchez es el actual bajista de Malopa Quasar, oriundo de la provincia de Entre Ríos donde comenzó sus primeros paso en la música. A los 10 años comenzó tocando guitarra, a los 16 con el bajos eléctrico y a las 18 escucho a Jaco Pastorius y Victor Wooten quienes lo inspiraron en su decisión de formarse como bajista. Actualmente da clases y se encuentra en varios proyectos musicales de diversos géneros lo cual lo lleva todo el tiempo a seguir formándose y perfeccionando su desempeño musical.

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PAtRONES liDiOS les muestro unas ideas sobre patrones lidios, basados en el modo más usado de todos los tiempos: El modo lidio, iV modo de la tonalidad mayor. Por Juampy Juárez

Según Platón, el gran filósofo griego que vivió 4 siglos antes de Cristo, dijera en el libro “El Banquete” que hay que tener cuidado con el modo lidio porque es embriagador como el vino y las mujeres, jajaja. En definitiva, es un modo en el cual uno se quisiera quedar a vivir, lo pueden oir en el tema “Flying in a blue dream” de Joe Satriani.Estos patterns o patrones, son mis ideas derivadas de otras que me mostró mi amigo Byron Sánchez de Colombia a su vez basadas en el gran guitarrista Tim Miller (USA).Estas ideas sirven para cualquier estilo, con o sin distorsion, y se pueden usar sobre acordes como Cmaj7, C6, C6/9 y Cmaj7/11#. Me pueden escuchar tocando estas ideas en la sección de videos de mi perfil de Facebook. Practiquen con metrónomo, y sobre temas reales, y compongan todo lo que puedan.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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PENtA-SEiSillOS, 5 PAtRONES QUE DEBES CONOCER hoy quiero entregarles estos 5 patrones que seguro ayudaran a su desarrollo musical. Esta lección esta dedicada a principiantes e intermedios, así que vamos al grano. Por Arturo Mawcinitt

En el ejemplo uno, podrás observar la primera posición penta en A, aquí sonaremos grupos de 6 notas, ve de a poco con el metrónomo recuerda esto: De lento a rápido es la forma correcta e ir subiendo 3 o 5 puntos al tiempo cada vez ¿este va fácil no? Regla numerica: 1, 3b, 4, 5 y 7b.

Para el ejemplo numero dos vamos con otro efecto descendente igual con 6 notas por tiempo y seguro te sonará bien si lo acompañas con algún acorde Dominante 7 o menor 7, inténtalo, por cierto es la misma regla numérica que el anterior.

En el tercer ejemplo nos vamos a salir un poco de lo convencional y a la escala pentatonica le vamos quitar para despues añadir algunos intervalos extras, las 5b y la 6ta. Esta escala te puede ayudar a sonar un poco al estilo “outside” intén-

tala con un acorde como Am6. Regla numerica: 1, 3b, 5b, 5 y 6.

Y en el cuarto ejemplo es un ejercicio ascendente en el cual nos vamos desde la 6ta cuerda en el 3er traste (G) y al terminar este recorrido llegaras por los rumbos de los trastes 12-15, recomiendo observar los ligados y glisos que presenta la partitura-tablatura. ¿No hay 5to malo ehh? En mi columna del mes anterior vimos algunas posiciones para extender el alcance de los intervalos separando mas los dedos en el diapasón, de tal suerte que para este ejemplo usaremos este recurso un poco. Misma regla que en el primer ejemplo.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

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BajO Por Milton Arias

CONÓCEtE A tí MiSMO COMO A tU MáStil Una de las cosas que necesitamos resolver lo antes posible cuando empezamos a estudiar el bajo, es tener un conocimiento solvente y conciso sobre el mástil. y no me refiero a simplemente saber cómo encontrar las notas, si no a llegar al punto de no tener que pensar donde esta un Mib, por ejemplo, si no simplemente tocarlo sin tener que buscarlo.

De la misma manera en la que recurrimos a las palabras sin cuestionarnos su significado, o como se deben pronunciar: Pensamos la idea, y la decimos en un solo acto.

Así también tenemos que entender el lenguaje de la música, en tiempo real, sin ningún margen de dudas. Con las palabras, corremos con las ventajas de la edad. Las vamos aprendiendo desde que nacemos. Con los códigos de la música, y su aplicación sobre un instrumento en particular, tenemos que ejercitarnos un poco más, para lograr una fluidez en el discurso similar a la del habla. Esto no es ninguna idea original, lo escuchamos desde siempre. Victor Wooten supo sintetizar muy claramente estas ideas en algún video que anda por Youtube sobre la música como lenguaje.

Ahora bien: ¿cómo hacemos? Bueno, la respuesta es simple (pero no fácil): Recorrer el mástil con las distintas estructuras melódico-armónicas que necesitamos para construir un discurso musical. En este primer encuentro lo vamos a hacer con la pentatónica menor. La pentatónica menor es una estructura de 5 notas dispuestas con esta relación: Tónica - 3ra menor - 4ta justa - 5ta justa y 7ma menor. Por ejemplo, la pentatónica de A menor estaría formada por las notas: LA - DO - RE -MI - SOL (Fig 1). Ahora bien, estas 5 notas se encuentran en muchos lugares sobre el mástil, por lo tanto no es de la única forma que se puede tocar esta escala. De hecho, podemos tocarla desde cada una de las notas de la escala, y eso nos dará como resultado 5 posiciones distintas, cada una con su propia digitación. Y ya que estamos, una cosa muy importante: traten

de mantener un dedo por cada traste, siempre que se pueda. En la figura 2 se muestran las 5 posiciones: en la primera vamos desde la tónica hasta la 4ta, en la segunda desde la 3ra hasta la 5ta, etc. Los bajistas de 5 y 6 cuerdas, van a tener que adaptarlas a sus instrumentos, agregando las notas que faltan en cada una de las posiciones. Piensen que siempre van a ser 2 notas por cuerda, no mas, no menos.

El primer ejercicio consiste en ubicar cada una de las posiciones a lo largo del mástil, desde la más grave que se pueda tocar (incluyendo las cuerdas al aire) hasta la más aguda. No importa que no empecemos por la primera posición la cuestión es que vayamos recorriendo el mástil de punta a punta. Las pueden tocar en negras primero (una nota por tiempo, y luego en corcheas, subiendo el pulso muy gradualmente, buscando que siempre las podamos seguir tocando, pero siempre con metrónomo!!!.

Luego de eso, podemos tocar ascendiendo por una, y descendiendo por la otra, como muestra la figura 2.y 3. Y cuando lleguemos al extremo más agudo del mástil, hacemos el camino inverso. No den por sentado que les va a salir de una!! Es un error común pensar que si nos salió una escala ascendiendo, nos va a salir igual de bien descendiendo. De esa manera, vamos a tener menos tiempo para pensar en la posición que sigue, y eso es muy bueno. No se olviden que todas estas cosas, antes que nada, son un ejercicio mental... después vienen las manos. Si quieren saber las 5 posiciones de la pentatònica pueden mandame un email.

Milton Arias es bajista, compositor y docente.

Trabaja como sesionista, y además tiene su proyecto solista con el que lleva editados 2 discos/dvds, que pueden ser descargados libremente en www.miltonarias.com.ar

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MiChel leMe

Dueño de una asombrosa técnica y grandiosa musicalidad, Michel leme ha tocado todos los estilos, desde rock hasta jazz. Es considerado por mucho, como uno de los mejores guitarristas de Brasil.

Michel leme es un músico de vasta trayectoria y en mayo de 2016 editó su décimo álbum “Alma”, un interesante trabajo que recomendamos escuchar. Por Maycown Reichembach

foto: flávio tsutsumi

El álbum tiene mucha melodía e inventiva, contame como fue el proceso de creación de las composiciones.

Las composiciones surgen básicamente de dos maneras: cuando estoy estudiando o cuando estoy lejos del instrumento. Estoy siempre pendiente y atento de registrar rápidamente mis ideas, puede ser grabando en mi celular o escribiendo en partitura. Para este disco, yo me inspire en el grupo, imaginando la combinación perfecta, intente variar los ritmos, tiempos y estructuras, para obtener un álbum dinámico. Te cuento brevemente cada tema: “Nave” es un blues menor con un tema bastante activo. Sirve para “embarcarmos”, para comenzar el viaje. “Joaquim” es un

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¾ que compuse y después la dedique a mi hijo Felipe, que recién había nacido. “Os biltres” es un tema que sirve para tocar cosas más sucias y complejas, más bluseras. “Alma” es el cuarto tema, la balada del disco, es el última tema que mostré al grupo antes de definir el repertorio. La introducción es del 2010, quede muy feliz porque se ha unido perfectamente con el tema principal. “Celso Childs Jr” es la continuación del tema “Celso Childs Blues” del DVD “Na Montanha” de 2012.

Es un tema en forma de AABA que fue compuesto en vivo, durante el 2013.

¿Cuál es tu setup actual? ¿Seguís usando la guitarra Gibson 175?

Vendí la Gibson 175 en el año 2011. Uso actualmente una guitarra china, y es muy buena como una Gibson.

Te explico: siempre tengo el mismo sonido, no depende del instrumento, por eso prefiero tener una guitarra barata, ya que tendré el mismo resultado sonoro. La única modificación que he realizado a esta guitarra fue cambiar el puente tune-o-matic por uno de madera. Muy pronto tendré novedades de una nueva guitarra que me están diseñando, estoy esperando el primer prototipo. foto: taty catelan

¿Como fue grabado este álbum "Alma"?

Estoy tocando en cuarteto desde 2014, desde el álbum “9”, con esta formación: Felipe Silveira (piano), Michel Leme (guitarra), Bruno Migotto (bajo) y Bruno Tessele (batería). Antes de sacar el álbum ya empezamos algunos temas. Entonces, antes de grabar “Alma”, hicimos algunos shows con el repertorio nuevo, esto nos ayudó mucho para conocer más profundamente los temas y tener más libertad. Las sesiones de grabación fueron en diciembre del 2015 y grabamos todo el disco en una tarde, todos los temas salieron en el "take 1". A veces es necesario grabar más de una toma, como ya he hecho en discos anteriores, pero en “Alma” fue todo muy natural y quedamos felices con la primer toma.

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Mi amplificador es un valvular fabricado en Brasil, marca Rotstage, es un modelo Signature, llamado LIBRA. Tiene 100W, tengo usado dos cabezales desde el 2007.

En el disco “Alma”, como grabamos en una sala pequeña, (llamada “Táta Estúdio” de Bruno Tessele) yo lleve un Rotstage menor, de 50W, que sonó un poco crunch, pero se mimetizó con el sonido del grupo. Las cuerdas son D’Addario Chromes,.012 yo modifico la cuerda G por una .022 e la primera E por una .013.

¿Cómo fue tu método para combinar musicalidad con técnica? ¿Cuantos años te ha llevado dominar el instrumento?

Estoy muy lejos de dominar el instrumento. Necesito estudiar y dedicarme más. Lo que hago es escuchar

mis grabaciones y aprender con ellas, Es la forma donde veo más claramente donde tengo que mejorar.

Tocar frecuentemente ayuda también, por supuesto. Lo que intento hacer es no molestar a la música, o sea, intento estar preparado para tocar aquello que siento que debe ser tocado en ese momento. Es algo muy complejo, con muchos factores involucrados. Por eso hay que tener mucha paciencia y perseverar, insistir, porque cuando hay música y todo vale la pena. Sigo muy agradecido, aprendiendo y trabajando. ¿Dónde podemos escuchar tú música y descargar algunas de tus partituras?

En https://soundcloud.com/michellememusic Mi discografía está en Spotify, Deezer y en iTunes en https://itunes.apple.com/br/album/alma/id1114252462 Las partituras de “ALMA” están en facebook en /michellememusic/posts/1047197732033090 También visiten mi página: www.michelleme.com Deja unas palabras para los guitarristas de habla hispana.

Es siempre un gran placer para mí, hablar con los hermanos de toda América Latina. En primer lugar, pienso que todos nosotros juntos, si nos unimos somos más fuertes que cualquier cosa que se nos enfrente. Hagan la música que está en su corazón, porque ya hay demasiada gente matándose para entrar en el mercado.

Usen su breve tiempo que tienen en la tierra para buscar aquello que te haga feliz. Saludos, paz de espíritu y mucha música para todos!

foto: alexandre chagas

¿Cómo está el mercado musical brasileño? Cómo es vivir siendo un "jazzero" en Brasil?

No puedo reclamar, tengo una agenda razonablemente buena, por otra parte, todavía hay mucho para hacer en el sentido de educar a las personas para que ellas vuelvan a dar valor para la música con contenido y hecha para quien realmente ama (y se dedica) a tocar.

El cambio de valores es un tema mundial y en Brasil se ve de una forma muy dramática, porque el control del contenido musical sobre la música más" pobre" es fuertísima, doctrinando a las personas para consumir la basura de la Industria Cultural, en lugar de cultivar aquello que haría bien a las personas. No me considero un “jazzero”. Entiendo que para mostrarme a un nuevo público esta sería una forma de explicar un poco lo que hago, pero cuando alguien me pregunta sobre qué tipo de música yo toco, lo que respondo es “música instrumental”. Si la persona insiste, yo respondo “anda a escuchar, por favor”. Digo esto porque no tengo interés en encasillarme, y de esta manera, estar solamente de un lado del mostrador. Prefiero que las personas escuchen

la música y tengan la experiencia directa. El espíritu y el legado del jazz son maravillosos, tiene que ver con la búsqueda por la excelencia, la verdad, el autoconocimiento y la profundización de la experiencia humana, sin dudas. Lo que yo hago es utilizar la libertad y el espíritu de la música viva que está en varios artistas del jazz que me influencian y me enseñan siempre, mas cada uno trae su proprio modo de ver al mundo y de hacer las cosas. Es importante escuchar la verdad, aquello que cada artista tiene a decir. Etiquetarnos con algo solo nos confunde. Estoy tocando en lugares alternativos, además de los tres o cuatro bares de “jazz” que hay en São Paulo, que es una escena viciada, cuyos criterios de contratación son oscuros, tal vez más enfocado de que manera vos sonreís y alabas al contratante (irónico). Por eso toco en lugares raros, como en el salón de belleza de mi esposa, proyecto llamado Sagrada Música, desde 2010, se realiza dos domingos por mes, una escuela de música en la zona oeste llamada “Virtuose” donde se hace un sábado por mes, desde 2008, en el atelier de un luthier entre otras cosas. Ésta es la agenda fija, y junto con esa agenda surgen nuevos espacios para tocar, algunos más tradicionales tipo bar y otros con propuestas más alternativas con shows por la tarde.

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