Guitarristas y Bajistas Magazine #52

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENtREViStA A MARtíN PORtO - Página 08 lA OtRA MiRADA DE guStAVO ROwEk - Página 10 EDEN PACk EgRw264 - Página 11 YAMAhA RgX A2 - Página 12 ENtREViStA A StEFANO SEbO XOttA - Página 14 VOY A SER bAjiStA! - Página 18 PAul REED SMith ZACh MYERS SigNAtuRE - Página 20 ENtREViStA A RiChARD COlEMAN - Página 22 FENDER AMERiCAN SPECiAl - Página 28 ENtREViStA A RAFAEl bittENCOuRt - Página 30 ERNEStO SNAjER - Página 44 ViVA ROCk lAtiNO 2016 - Página 46

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SuPlEMENtO tÉCNiCO MAYCOwN REiChEMbACh - Página 35 igOR SAAVEDRA - Página 36 DANiEl CORZO - Página 37 CRiStiAN tiSSElli - Página 38 NiCOláS VilChEZ - Página 39 VANDRÉ NASCiMENtO - Página 40 ARtuRO MAwCiNitt - Página 41 MARCElO ROSA - Página 42

Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Igor Saavedra Maycown Reichembach Arturo Mawcinitt Nicolás Vilchez Cristian Tiselli Daniel Corzo Marcelo Rosa Vandré Nascimento

04 | Editorial

Año 10º - Nº 52 | Noviembre 2016 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.b.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.b.A y gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

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eden PACk egrW264

nUÉZ

Eden a través de su representante en Argentina, Tevelam SRL, nos presenta el Eden Pack EGRW264, que esta compuesto de un mini cabezal de bajo, pero no por mini deja de ser potente dado que puede brindar hasta 260W de potencia y un gabinete con un parlante de 10” diseñado por esta prestigiosa empresa y construido por Eminence.

Fiel a nuestra costumbre, damos espacio a la las bandas nuevas, en este caso a Nuez. Nuez es una banda formada a mediados de 2014, cuarteto oriundo de zona sur de la provincia de Buenos Aires, precisamente Avellaneda, una fusión nueva y original repleta de movimiento y psicodelia, son algunos de los factores que decoran y protagonizan las canciones de estos jóvenes músicos argentinos. Su primer material discográfico se titula 45 grados fue grabado y mezclado en los estudios Romaphonic durante el año 2015.

Su recorrido es corto pero intenso, participando de diferentes shows en zona sur, Bemba Club, Mutar Bar, Paseo San Martín, y en Capital Federal en lugares como Mamerta Espacio Cultural, Ladran Sancho en tres oportunidades, El Emergente Bar, en Hard Rock Café, tocando y llegando a la instancia final en el marco del Ciclo Rock Latino 2016.

5 BAjos de Fender destACAdos en nAMM En el stand de Fender de la NAMM 2016 Fender aprovechó, como es su costumbre, presentar nuevos productos. Para aquellos que no pudieron llegar al Centro de Convenciones de Anaheim para el evento anual, detallamos estas novedades de este gigante de la música. La línea Fender American Elite Series de guitarras y bajos eléctricos más potentes de Fender, y los bajos de esta colección recibieron mucha atención. Los bajos Precission American Elite, Jazz Bass y Jazz Bass V cuentan con un cuello de perfil compuesto y un preamplificador robusto rediseñado de 18v. En cuanto a la American Elite Dimension Bass y Dimension Bass V, incluyen los micrófonos humbucking Dimension Bass que son alimentados por el potente preamplificador de 18 volts con EQ de tres bandas. Seguramente en breve los tendremos en nuestro país.

AlAin CAron en ArgentinA Alain Caron es un instrumentista que es considerado por los medios especializados de todo el mundo como uno de los más prestigiosos bajistas de la actualidad, y tenemos el privilegio de que se presentará por primera vez en Argentina. Este músico canadiense es dueño de un estilo particular. Alain Caron ha trabajado con Gino Vanelli, Mike Stern, Leni Stern, Michael Brecker, Don Alias, Didier Lockwood o Tiger Okosh. Alain Caron es reconocido como uno de los mayores virtuosos de su instrumento, y uno de los intérpretes más distintivos del bajo fretless de 6 cuerdas. Además, Alain Caron es uno de los pocos profesionales con un dominio técnico casi absoluto del instrumento. El concierto de Alain Caron se realizará el sábado 3 de Diciembre a las 20:30hs. en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, en Av. Corrientes 1660.

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Novedades | 05

eFeMÉrides i

shUre sM58 CUMPle 50 Años

Kirk Hammett cumple años el 18 de noviembre .Kirk es un guitarrista estadounidense, actualmente miembro de la banda de thrash metal, Metallica. Sustituyó al anterior guitarrista Dave Mustaine, después de que éste tuviera problemas con la banda y fuera expulsado de Metallica.

Está considerado como el noveno mejor guitarrista del momento según la revista Total Guitar y número 11 según una lista de la revista Rolling Stone seleccionada en 2003 por David Fricke, colaborador de la misma. Kirk es uno de los discípulos más conocidos del legendario guitarrista y maestro Joe Satriani. En 2011 la revista Rolling Stone elaboró una nueva lista basándose en las votaciones de reconocidos guitarristas, entre los que se encontraba el propio Kirk Hammett.

Considerado uno de los micrófonos más icónicos del mundo, Shure SM58 celebra sus cincuenta años formando parte fundamental de las actuaciones en vivo; 50 años de reconocido sonido,

diseño y durabilidad. Para esta celebración, Shure, marca cuyos productos comercializa en La Argentina Todomúsica SA, ha anunciado el lanzamiento de una edición especial ‘50 Aniversario’ de este micrófono, junto con una serie de iniciativas para atraer e inspirar a los fans del SM58 de todas las edades y de cualquier parte del mundo. Muy felíz cumpleaños Shure SM58. eFeMÉrides ii Moris, leyenda del rock argentino, celebra su 73º cumpleaños el 19 de noviembre. Moris junto con Lito Nebbia, Javier Martínez, Miguel Abuelo, Pajarito Zaguri y Tanguito (todos frecuentadores del bar La Cueva), es considerado uno de los pioneros. Moris, más que una figura del rock argentino, es una figura del rock en español, habiendo generado puentes culturales entre el Rock de Argentina y el de España merced a sus trabajos en ambos países. Su legado es tan influyente que, a día de hoy, es una de las pocas figuras de culto común a las escenas de ambos países. Ante esto, la Fundación Konex le otorgó la Mención Especial a la Trayectoria en 2015 por su invaluable aporte a la música popular.

ConCUrso Prs Fama Music, representante de PRS, presenta un concurso cuyo premio es un amp ARCHON 25, para participar tenes que ir a las casas de músicas adheridas al concurso y probar el amp, en la tienda te filmarán tocando y enviarán el video a la página del evento, al cierre del concurso, endorsers de PRS eligirán al participante de mejor desempeño que ganara el amp, también hay premios para el 2do. y 3ero., más info en www. famamusic.com.ar

06 | Novedades

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MARTÍN PORTO

Qué música se escuchaba en tu casa de pequeño?

Recuerdo las melodías españolas que cantaban mis abuelos, luego mis viejos hacían sonar música de lo más variada, me parece que la idea era que hubiera música adornando la casa más allá del género, porque recuerdo sacar un disco de Bee Gees y poner Stockhausen como si nada, como pasar de una novela a una película de terror. Papá era fan del folclore pero trajo una hermosa colección de música clásica del siglo XV al XX que fue una gran clase de historia de la música.

Nació en buenos Aires el 27 de febrero de 1965. A la edad de 5 años tuvo su primera guitarra que era completamente imaginaria, sin embargo pronto actualizó a una raqueta de tenis que al menos estaba hecha de madera y tenía cuerdas. una vez que su familia se dio cuenta de que lo que ocurria con el chico era serio, le compraron una guitarra clásica. Por Sergio Resar

Cuándo fue tu primera aproximación a la guitarra?

Mi mamá me llevaba a un profe que atendía como 8 alumnos al mismo tiempo, ahí aprendí cosas básicas del instrumento, como afinar, algunos acordes, el Romance Anónimo, Para Elisa, creo que abandoné cuando me quiso enseñar acordes con cejilla.

Con quiénes estudiaste?

Tomaba clases con Eduardo Negrin Andrade, y en el conservatorio, guitarra clásica con Lucio Núñez, ya en la secundaria y estaba en contacto con gente que tocaba y me pasaba data, discos, libros de teoría etc... mucho más adelante tomé clases con Ricardo Pellican, Guillermo Arrom, Enrique Andreola, Carlos Campos, Jon Damian, Mono Fontana, y Charlie Banacos.

idea musical y la armonía que la guitarra en sí misma, particularmente en el caso de la guitarra eléctrica que puede adoptar tan diversos sonidos y funciones dentro de un grupo, y según el estilo de música. Muchos de mis grupos favoritos ni siquiera tienen guitarra.

Qué estás escuchando ahora?

Tengo una lista inmensa de lo que considero clásico y revisito siempre, estos últimos días Brad Mehldau, Stravinsky, Adam Rogers, Donald Fagen, Chris Potter Un-

Qué música escuchabas en la adolescencia?

Un licuado de mucho rock y pop en todas sus formas y procedencias, de Beatles en adelante, con funk y blues, y toques de música clásica. Había un noticiero que tenía una música que me encantaba y me enteré que era Return To Forever, así empecé a revisar otras bateas más jazzeras y a ver de dónde había salido eso.

Qué guitarristas te influenciaron?

Por supuesto pasé muchas épocas y una dieta de guitarristas de rock, blues y jazz de todo tipo, pero me cuesta nombrar algunos en particular. Sería una lista interminable. En todo caso siempre me atrajo más la

08 | Entrevista a Martín Porto

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Qué buscás cuando vas a elegir una guitarra?

Tuve guitarras de todo tipo, con el tiempo me fui concentrando en los modelos más clásicos, busco un buen exponente en cada caso y con la configuración correcta a mi gusto, ya que hay variantes dentro del mismo modelo, tipo de trastes, medidas de mango, etc... es posible vivir en la Argentina siendo músico?

Por momentos puede parecer como poner una heladería en Antártida, una cadena de supermercados en la selva, o algo así. Creo la dificultad es proporcionalmente similar en la mayoría de países.

derground, EW&F, Tigran Hamasyan, Massive Attack, John Scofield, Miles Davis, Hendrix, David Binney, The Meters, Radiohead, y McCoy Tyner, pero podría tocarle a cualquier otro. Soy de escuchar discos completos que repito mil veces y cada tanto me gusta hacer la discografía de alguien. en los ‘90s te fuiste a eeUU, qué fuiste a hacer allá?

Estaba en contacto con músicos que vivían allí con los que había compartido giras y hacía rato tenía idea de instalarme y ver que pudiera surgir, venía de algunos años de trabajo intenso y parecía el momento de hacerlo. Finalmente fueron casi 7 años donde hice todo gig que pude, así como trabajos de arreglador y producciones onda latin pop.

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Cómo está compuesto tu set actual?

Uso un Fender Deluxe Reverb. En la pedalera la línea comienza en un CAE Boost/Line Driver siempre prendido, de ahí a un viejo Barber Burn Unit, y eventualmente un Tube Screamer o un Rat, pedal de volumen, Arion Stereo Chorus (a modo de Leslie) y TC Electronics Flashback Delay. Es un set relativamente simple, la señal permanece analógica en todo el trayecto, y responde orgánicamente con una variedad de guitarras que aportan su sonoridad, según el caso pueden ser Telecaster, Stratocaster, Les Paul, ES335, o ES175. has tocado y grabado con mucha gente, podrás nombrarnos a algunos?

En cuanto a artistas popularmente conocidos Eddie Sierra, Alejandro Lerner, Patricia Sosa, El Puma Rodriguez, Armando Manzanero, Air Supply, por citar algunos, Luis Alberto Spinetta, y recientemente hice unos shows con Pedro Aznar en reemplazo de su guitarrista.

Por otro lado, una gran lista de músicos queridos con los que compartí proyectos no tan populares.

Qué es lo que estás haciendo actualmente?

Toco en la Boris Big Band que se presenta todos los domingos en Boris Club, algunos proyectos que circulan como mi cuarteto junto a Esteban Freytes, Tomas Babjaczuk y Leo Duck, un trío con Mariano Sivori y Pipi Piazzola al que suele sumarse Cirilo Fernandez, el grupo de Gustavo Musso, ocasionales formaciones que surgen en el ámbito del jazz, y me dedico a la enseñanza.

Cómo puede la gente contactarse contigo si quiere tomar clases?

Si. Pueden contactarse a través de mi perfil de Facebook https://www.facebook.com/martinporto para arreglar un llamado telefónico, o en los shows, que mayormente salen posteados allí mismo.

Entrevista a Martín Porto | 09

LA OTRA MIRADA

Creo que a la hora de tocar y hacer música, tuve el agrado y porque no la suerte, de tocar con excelentes guitarristas y talentosos bajistas, tipos con los cuales compartí muchas horas y vivencias, y que de una manera u otra ayudaron a mi formación musical, acá hago un repaso de ellos. Por gustavo Rowek

foto: romina sagardoy

gUitArristAs El primero que voy a recordar es julio Morano, guitarrista de WC, una mítica banda de rock, que es un músico genial, el no pudo trascender masivamente pero dejo un importante legado en mí y en varios músicos, un virtuoso del instrumento que ya trabajaba bases irregulares hace mucho tiempo, yo era muy chico cuando empecé a tocar con él, y ayudo mucho a mi formación musical, siempre le voy a estar agradecido. Posteriormente trabaje con una leyenda que es osvaldo Civile, él fue el guitarrista de V8 y creo que no hace ni falta que diga que Osvaldo CIvile fue un músico revolucionario y que fue uno de los que sentó las bases de lo que vendría, él era un guitarrista zeppeliano y adapto su técnica al heavy metal, logrando un sonido único y unos matices muy personales. Hoy ya no está físicamente pero queda toda su obra para que lo disfrutemos. Luego de Civile me toco hacer Rata Blanca y compartir con otro monstruo de la guitarra, Walter giardino, tal vez el más talentoso de los guitarristas con los cuales toqué, puede tocar con la misma genialidad y buen gusto, heavy, hard rock, chacarera, tango, folclore, música clásica... todo con igual dosis de talento y buen gusto. De Giardino aprendí mucho y sobre todo lo que atañe a la producción y como llevar una banda adelante de manera profesional, un iluminado, sin dudas. A la par de Walter Giardino empecé a trabajar con el que sin dudas es el que más me gusta, mi hermano sergio Berdichevsky, un músico que reúne todo lo que tiene que tener un violero, imagen, sonido, despliegue en el escenario, talento, un violero rockero por donde lo

10 | la otra mirada de gustavo Rowek

mires, un guitar hero jajaja... además de ser muy dúctil y un gran compositor con quien nos conocemos de memoria y venimos haciendo una base juntos hace mucho tiempo. Otro gran guitarrísta es sergio Ch, violero de Natas, con quién también compartimos e hicimos un disco juntos y es un violero muy interesante, bastante oscuro en su forma de tocar y muy personal. El tano romano es otro violero increíble con quien compartí 3 años el tributo a V8 y es un guitarrista con una mano derecha terrible y dueño de un machaque de excelencia y muy moderno a pesar de que viene tocando hace mucho. josé Velocet es otro violero con quien compartí años en Ian y también es un violero bien rockero y una segunda viola muy efectiva, una base bien incisiva y rockera, y sabe pegarse muy bien a la base; con todos además tuve una muy buena relación en el tiempo que nos tocó compartir.

BAjistAs El primero que voy a nombrar es a ricardo iorio, si amigos, por si no lo sabían Ricardo toco una vez el bajo y de verdad era bastante interesante su forma de tocar, cuando uno empieza a escuchar las bases de los discos de V8 se da cuenta enseguida que las bases tenía su complejidad y formaba una buena dupla conmigo.

Cuando grabamos el primer demo de Rata Blanca, el bajista que lo grabo fue Yulie ruth, un bajista sencillamente genial, otro talentoso que también lo que toca lo hace con total y absoluto buen gusto, y además es un gran amigo, luego fue por mucho tiempo el bajista de Pappo y es el autor de “Juntos a la par”. Posteriormente

a Yulie Ruth, trabaje muchos años con otro gran bajista, guillermo sánchez, Guillermo es el típico bajista de heavy de palo y a la bolsa, bien pesado, poseedor de un tempo y groove únicos, el tipo es un metrónomo viviente. Luego empecé a trabajar con uno de los músicos más talentosos que recuerde, javier tumini, con el compartí Nativo y era otro talentoso increíble, también con el podías tocar desde los Beatles hasta Corrosion Conformity, es una enciclopedia musical y toca de manera realmente genial, lo coloco en el plano de Walter. Y cuando pensé que no podía encontrar un bajista igual, apareció ezequiel Palleiro que es el bajista con quien vengo tocando los últimos diez años y es otro demonio del bajo, groovero, pesado y con un sonido moderno y pesadez contundente. y ambos tenemos una telepatía que nos hace tocar juntos todo el tiempo, parece que el ya supiera lo que voy a hacer y va conmigo jajaj, además de ser una persona increíble que hace todavía más placentero compartir banda con él.

Billy Anderson es un bajista yanqui con quien también toque en la aventura junto a Sergio Ch y es un bajista también del palo rockero, mucho sudor y derecho, pero muy efectivo. Por último en IAN trabaje junto a hernán Cotelo, un gran bajista muy dúctil con su instrumento y muy efectivo y otro talentoso bajista es germán garcía, que también es un bajista del palo rockero, el tipo de bajistas que va derecho, pero que son una pared irrompible de efectividad y nada puede detenerlos.

Como dije con los guitarristas, con todos la pasamos muy bien mientras tocamos y de todos saque un poquito para ser mejor músico.

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EDEN PAck EGRW264

El pack está constituido por el mini cabezal de bajo WTX264, cuyas dimensiones son de 8"x9" con un peso 2 kilogramos. Este es verdaderamente portable con un tono ultra limpio y musical. Posee 260W de potencia de estado sólido de alta calidad, incluyendo

Eden siempre se ha caracterizado por ofrecer lo último en tecnología, calidad y funcionalidad. En esta oportunidad, nos presenta a través de su representante en Argentina, tevelam SRl, este pequeño gigante, el Eden Pack EgRw264. Por gyb.ar

un EQ comprensivo con cambio de frecuencia media y aumento de graves. Además, tiene conexiones jack para un loop de efectos, un dispositivo externo / entrada de medios (pistas, celulares, etc.) y una entrada de pedal. Para las salidas existe una opción para los auriculares para la práctica silenciosa, o la opción de tres salidas para el gabinete; un enchufe de speakon y dos conectadores de ¼” en paralelo de modo que se pueda utilizar uno o más gabinetes mientras no vayas debajo de la impedancia el 4 Ohms. Este mini stack Eden viene con el gabinete EX110, un parlante frontal de 10" diseñado por Eden y fabricado por Eminence, relativamente ligero y muy durable, el EX110 utiliza una capa densa especialmente seleccionada y cuenta con una sola toma de 1/4".

gABinete Parlante diseñado Eden de 1x10" de gama completa Manija de transporte resistente Esquineros resistentes para alto impacto Manejo de potencia RMS de 300 vatios

CABeZAl El control exclusivo de Eden EQ de 3 bandas con funciones dinámicas de aumento de graves y Mid-shift DI de calidad de estudio con nivel, toma de tierra y loop FX Entradas Aux Estéreo Salidas de afinador y auriculares Dos salidas para cajas de 1/4" y una NL-4 (Speakon) Viene con bolsa de transporte acolchada

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Eden Pack EgRw264 | 11

YAMAhA RGX A2

Esta es la guitarra que usa Rafael bittancourt. Con un diseño de cuerpo revolucionario, es quizás la guitarra más cómoda en que existe hoy. Es tan liviana que es mucho más fácil tenerla en el hombro que una campera. tiene una resonancia increíble que se traduce en un sustain sin fin, y con algunas mejoras cosméticas y funcionales muy futuristas. Por gybar

foto: roany correia

Yamaha llama a su nuevo diseño un cuerpo Alternative Internal Resonance, A.I.R. (Resonancia Interna Alternativa). Aunque es secreto los detalles de este cuerpo, es aparentemente un diseño muy fuertemente encaminado, esencialmente es un cuerpo semi-hueco que utiliza una madera con un tono súper resonante con una tapa sintética de alta tecnología. Tanto la parte superior como la trasera están redondeadas, por lo que no hay bordes duros clavándose en nuestras costillas o antebrazo. En la parte posterior de la RGX A2, hay un compartimiento para una batería de 9V y si pensaste en un principio que tiene la electrónica activa, te equivocás. La batería sólo alimenta los LED verdes y azules a ambos lados del envolvente translúcido empotrado de la perilla de volumen, un toque cosmético muy fresco. Lo que parece la perilla de tono es, de hecho, un selector de micrófonos de tres posiciones.

Cuando se selecciona el micrófono del puente, un LED azul ilumina el lado del puente en la periferia de la perilla. Cuando se seleccionan los dos micrófonos, la luz azul se une con una verde en el lado del mástil. La luz verde se ilumina sólo cuando se selecciona el micró-

12 | Yamaha RgX A2

fono del cuello. Esto hace que transforme en una luz misteriosa en un escenario oscuro y también es útil para saber de un vistazo que micrófonos están activados. La ausencia de una perilla de tonos puede compensarse fácilmente utilizando los controles de tono de tu amplificador. En definitiva es una guitarra moderna de poco peso que te permitirá tocar durante horas sin cansarte y lo más importante, sin causarte dolores en el hombro.

CArACterístiCAs Cuerpo de Resonancia Interna Alternativa (AIR) Bolt-on mástil de Maple Diapasón de Rosewood Dual Yamaha Soapbar Humbuckers de Alnico Clavijas cilíndricas de fundición a presión LEDs en la perilla del volumen Acabado en gris blanco / avión Escala de 25 1/2 "

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STEfANO SEbO XOTTA

Cómo y cuándo empezaste con la música?

Comencé a tocar a los 14 años, fue exactamente en mi cumpleaños, yo les pregunte a mis padres si podrían darme una guitarra eléctrica. Ellos fueron un

Nació en 1970 cerca de Milán, italia. Empezó a tocar a los 14 años cuando le regalaron su primera guitarra eléctrica. Sus padres estaban sorprendidos por su solicitud, ya que lo había intentado varias veces con la guitarra clásica de su hermana. Por Maycown Reichembach

poco escépticos sobre darme o no la guitarra eléctrica ya que algunos años antes había empezado a tocar guitarra clásica pero lo dejé porque me parecía muy aburrida la teoría. Tocar la guitarra eléctrica me hizo dedicar el 100% a la música. Luego empecé a tocar con bandas locales. Inmediatamente me involucre en el ambiente musical. Por supuesto todos aquellos años que me aburría en el estudio de la música clásica y no le di mucha atención, lo tuve que hacer años después.

Así que el estudio de teoría, armonía, técnicas y todo para transformarme en un mejor músico y entender el lenguaje para interactuar con otros.

Bueno, nosotros tenemos geniales músicos clásicos y también tenemos muchos talentosos músicos de rock y jazz. El problema radica en que esos géneros no están en el mainstream, entonces ellos (los músi-

Como es la escena musical en italia?

Hasta el momento, los músicos más famosos en Italia son representados por los artistas pops, gente como Eros Ramazzotti, Laura Pausini y otros más (nombre de gente conocida mundialmente) pero nosotros también tenemos un montón de estrellas que vienen de los "Talent shows". Quizás duren un par de temporadas, pero es esto lo que ellos escuchan en la radio todo el tiempo. Italia no es lo que podríamos llamar un país del Rock, aún así tenemos conciertos gigantes de artistas internacionales con todas la entradas vendidas en estadios para 80.000 personas. italia fue un gran exportador de músicos clásicos.

Actualmente sucede con músicos de jazz y rock?

14 | Entrevista a Stefano Sebo Xotta

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cos) viven tocando en los "nichos" (pequeños bares), y no teniendo la posibilidad de sobrevivir dignamente con la música. Ser músico en Italia no es tarea fácil.

Si tú quieres ser profesional tienes que pagar un montón de impuestos y lo que te queda del cache es menos del 50%. Entonces tienes impuesto de los clubs hacia las bandas, entre otras cosas. Por lo que sólo contratan bandas más populares. Eso mata cualquier tipo de creatividad en la música. Yo siempre digo, si te dedicas 100% a componer o arreglar tú música, muy pocos clubs te darán lugar para que toques en vivo. Pero si tú haces Vasco Rossi Tribute Band, por ejemplo, es muy seguro que puedas vivir económicamente haciendo esa música.

Contame sobre tus trabajos musicales, tus discos y giras...

Hablando de mis proyectos musicales, mencionando las bandas activas, yo tengo hecho dos álbum con 3 proyectos de guitarras llamado Strings24. Esta es una banda que hice con with Frank Caruso and Gianluca Ferro en 2008 y lo editamos al primer álbum en 2009. Luego Gianluca Ferro fue reemplazado por Gianni Rojatti y sacamos el segundo disco en 2011.

Era un proyecto instrumental. No fue fácil girar con este proyecto, pero tocamos un montón de veces en festivales por Italia y Europa. trabajás haciendo videos y clínicas. lo haces para marcas específicas?

Yo trabajo haciendo clínicas desde hace 20 años y he trabajo con algunas marcas como Ibanez, Gibson, Mesa Boogie, Line6, ENGL, Zoom y muchas otras.

Al principio mi carrera no había youtube, las redes sociales y eso y la única manera que escuchen el instrumento era yendo a la clínicas de guitarra, y estas eran un éxito. Ahora es totalmente diferente, la gente vive online y no se mueven de su casa. Aún cuando hay grandes personalidades de la música tocando en una clínica. Esa es la razón porque muchas de las marcas invierten en videos para promocionar sus productos, y están totalmente ciertos. Aunque a los músicos les encante tocar en vivo más que en frente de una cámara, pero por supuesto se puede llegar a muchas personas si el video es bueno. Actualmente trabajo con amplificadores DV Mark.

Como empezó tu relación comercial con dV MArk? y cual es tú misión en la marca?

Yo conozco a Marco Virgiliis, dueño de Markbass y DV Mark hace muchos años, aún antes de que el creara las marcas, ya que esto es un pequeño negocio y todos nos conocemos. Yo quería colaborar con la marca más que como distribuidor, y fue realmente estimulador adentrarme en muchas cosas de la creación dentro de la marca, no tienes que saber solamente vender los amps. Con Marco hablamos mucho sobre que podríamos hacer para mejorar y empezamos a trabajar juntos. Por lo que ahora me ocupo de las relaciones con los artistas de DV Mark y cuido de muchos aspectos de la promoción de la marca, al igual que hacer videos míos o de otros artistas DV Mark.

Cuáles son los planes musicales para 2017?

Como ya he dicho, quiero editar mi primer disco solista

16 | Entrevista a Stefano Sebo Xotta

llamado “Sebo and the Bitches”. Intentar poner mi música en toda Italia. Es un género muy confortable para mí, como el proyecto “Strings24” es algo más técnico, pero yo soy más “sangre” rockera, me mueve rock.

Que le dirías a los músicos latinoamericanos?

La música Latina es una muy fuerte influencia y muy conocida en todo el mundo. Todo el tiempo escucho artistas latinos, No importa qué tipo de música toquen.

Tú esperas escuchar algo de esas raíces y piensas “esto es genial”. Ser capaz de llevar un carácter fuerte que viene de nuestras raíces es algo para estar orgullosos. Tengo que decir que en Italia se ha perdido

esto. Siempre estamos expectantes de la música internacional, pero lo que representa nuestro estilo de música italiana está desapareciendo y nuestros músicos no sienten la misión de salvar este legado. Eso es muy malo, sobre todo teniendo en cuenta el pasado de oro de la música italiana, pero todo lo que fue grande debe ser mantenida como tal y alimentar todos los días, de lo contrario se perderá lo que ha creado.

Así que, al final, lo que puedo decir a los músicos latinos es que sigan siendo inspirados por la música y los músicos que encuentran en todo el mundo, pero siempre respetando sus raíces, su legado, porque esto es algo muy importante.

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vOY A SER bAjISTA! Si luego continuamos estudiando y conseguimos graduarnos y obtener títulos, Cuánto mejor! No es para nada mi intención utilizar este espacio “para bajar línea”, pero no está de más saber y repetir en este caso que en estos tiempos, y con éstas reglas de juego, la cantidad de gente que se puede dedicar a lo mismo, es alta y tal vez un título o papel que diga que logramos algo, marca una diferencia con el resto de los colégas y puede ser la llave para conseguir dar clases, que nos paguen más en el caso de tocar en alguna orquesta, no les parece?

En fin, nuestro pensamiento esbozado en el anterior artículo, partía de la base de que la escuela nos daba la posibilidad de conocer gente (potenciales colegas), de escuchar y estudiar música desde diferentes ángulos (no solo desde nuestro instrumento), hacer Ensambles y prácticas grupales, tener clases de Audio, Armonía, Lenguaje Musical (que funcionan mejor y son más llevaderas en grupo) y así… Muy bien! Creo que ya los estoy escuchando… Y hacia a dónde voy?

Creo, que si mal no recuerdo, que allá por el año ‘85, junto con el advenimiento de la democracia, se convocó a los Maestros: Horacio Salgán, Manolo Juárez (con quien tuve el gustazo de estudiar algu-

18 | Voy a ser bajista!

En el anterior número comentábamos lo importante que es, a mi humilde criterio, de que un músico en ciernes, deba pasar una buena temporada en (por lo menos) una escuela, conservatorio o universidad de música. Porque eso sería una carga de data muy importante para el desarrollo de un músico. Por Mariano Sívori

nas clases y tocar durante un tiempo en su quinteto) Hugo Pierre (con quien también toqué, pero muy poquito), y algunas personalidades más, para diseñar las bases del plan de estudios de lo que fue, creo y espero no equivocarme, la primer escuela de música popular de Latinoamérica, La “Escuela de Música Popular de Avellaneda” (o EMPA), que es absolutamente gratuita y que hace prácticamente dos años está en un edificio cómodo, nuevo y muy lindo!. Otra opción que podemos encontrar es la Escuela de Arte “Leopoldo Marechal”, en el barrio de Ramos Mejía, en zona oeste. Casi una prima hermana de la EMPA. Esta escuela tiene un montón de profesores y programas en común. También está el Conservatorio Superior “Manuel de Falla”. Hay un montón de anexos (o sucursales, podríamos llamarlas) Inclusive hay un muy buen plan de niños (mi hijo mayor va hace dos años y la más chiquita, arranca el año que viene, por ejemplo). Esta la tecnicatura en Jazz, que diseño el talentoso Ernesto Jodos y que gracias a él y a los excelentes docentes que están ahí, debe ser probablemente (y por lejos) una de los lugares más ambicionados por los estudiantes de música a mi entender.

Las escuelas de música, públicas y gratuitas de la

Ciudad de Buenos Aires, que están en los barrios desde La Boca, a Caballito. Pasando por el barrio de Soldati, Mataderos, Recoleta o Villa Urquiza. Ahí sólo se puede estudiar contrabajo (entre otros instrumentos) y está más enfocado a niños y adolescentes.

La Escuela de Arte de Florencio Varela “República de Italia”, es bastante más chica que las de Avellaneda y Ramos Mejía, pero en crecimiento y si vivimos por la zona es un golazo. Y seguramente se me escapan un montón más. A partir de estas opciones, sigan investigando por internet, o consultando con compañeros, tal vez conozcan a alguien que tiene o tuvo experiencia con estas escuelas.

Dejé de lado, todas las escuelas privadas, que hay en cantidad, en la ciudad y alrededores. Algunas tienen grandes maestros, músicos súper profesionales y con mucha experiencia. Como toda lista, es arbitraria (en este caso por mi memoria), y no quiero caer en omisiones que puedan ser malinterpretadas. Esto es solo una guía! Es un comienzo de guía. Mi consejo es que analicen, hay que fijarse si lo pueden costear (si optamos por un privada: preguntar si hay becas o ayudas), quienes son los profesores, cuales son los horarios, planes de estudio y demás.

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PAuL REED SMITh ZAch MYERS SIGNATuRE

La guitarra eléctrica PRS SE Zach Myers tiene suficientes características para satisfacer incluso de los músicos más exigentes. La resonancia de esta guitarra semi-hueca se combina con la suavidad del mástil que tiene un acabado satinado hará que sientas una muy buena impresión apenas la tengas en las manos. Una cita textual del propio músico que dijo lo siguiente, “He estado con PRS durante 12 años esta es la mejor guitarra que he tocado”. Zach Myers (Michael Myers Zachery) nació en 1983 en Memphis, Tennessee. Fundó y es actualmente el cantante y guitarrista de la banda El Fairwel. Es también el ex bajista y guitarrista actual de la banda de hard rock Shinedown. Zach Myers, empezó con una PRS Custom 22 a la edad de quince años y anunció su primer modelo signature en 2010.

La SE Zach Myers cuenta con un cuerpo de caoba con tapa de maple y una única f lo cual proporciona tonos suaves de gama media con una reverberación natural interna importante.

la guitarra. Si bien la primera versión de una guitarra PRS Zach Myers Signature era un cuerpo sólido con tres humbuckers, esta nueva versión es una Semi Hollow Body con micrófonos dobles. Otras de las cosas llamativas de esta guitarra es su mástil, este tiene veintidós trastes con una escala de 24,5, tal como es el gusto de Zach, es un poco grueso y cuenta con un acabado satinado que da a la guitarra una sensación muy cómoda, como si fue gastado. También sus micrófonos son para destacar, estos son dos PRS SE 245 con dos controles de volumen y dos tonos y una llave de conmutación de 3 vías.

CArACterístiCAs Tipo de Cuerpo: Semi sólido Forma del cuerpo: Singlecut

Número de cuerdas: 6 Material del cuerpo: Mahogany Material superior: Maple Color: Trampas Green Material del cuello: Mahogany Forma del cuello: Wide Fat Longitud de la escala: 24.5 " Material del diapasón: Rosewood Incrustación de diapasón: Birds Número de trastes: 22 Puente / Tailpiece: PRS ajustable Stoptail Clavijas: Vintage Style Número de micrófonos: 2 Micrófono del cuello: PRS SE 245 Micrófono de puente: PRS SE 245 Controles: 2 x volumen, 2 x tono y Selector de 3 vías

Si sos un fanático del estilo PRS, es difícil no quedar sorprendido por la belleza de este instrumento. La tapa de arce, su único agujero con forma de F, clavijeros con inspiración vintage con pasadores de afinación en forma de tulipán, micrófonos de cebra, cuello de caoba y diapasón de palisandro con incrustaciones de pájaros, hacen que este instrumento sea único, incluso antes de enchufarla, me impresiona la resonancia de

20 | Paul Reed Smith Zach Myers Signature

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RIchARD cOLEMAN

Pocos días antes de presentarse en el Personal Fest, Richard nos contó una gran parte de su historia en su casa de Villa urquiza, espero que disfruten tanto este reportaje como lo hice yo. Descubrí a una persona muy humilde y cálida a la vez. Por Sergio Resar

foto: germán sáez

Cómo empezó tu relación con la guitarra?

Empezó desde muy chiquito, yo tenía un tío muy querido, mi tío Beto, que era folclorista, y lo veía siempre con su guitarra. Me regaló una guitarrita cuando era muy pequeño, guitarra de juguete y él la hacía sonar, yo no podía sacarles un sonido y él las hacía sonar, era maravilloso eso. Y resulta que una de las cosas más copadas y que a mí me despertaba intriga, era que a la hora de la siesta se encerraba y se ponía a tocar la guitarra. Nadie podía entrar, practicaba, escribía, además era compositor, escribía canciones.

Yo quería pasar y la abuela me decía “No, el tío está trabajando”. Cuando mi tío se enferma y fallece, la abuela me manda la guitarra que usaba él. Fue maravilloso y una roca al mismo tiempo porque era la viola de mi tío. Así que yo estaba en quinto grado y empecé a estudiar con la profesora del barrio pero no me llevé bien con el instrumento. No podía, no quería, era chico y quería jugar. No me gustaban las canciones que me enseñaban, zamba, folclore en su gran mayoría y alguna canción moderna como El Jacarandá y me torturaba el solfeo, eso me mataba. Estuve un invierno haciendo eso y les dije a mis viejos “Miren, yo en realidad no la paso bien ahí”. Además me mandaban a tocar en los actos escolares y no llegaba a tocar bien todavía, era una presión. Así que dejé eso y lo que sucedió fue que cuando estaba en

22 | Entrevista a Richard Coleman

séptimo grado, ya a mí se me había dado por la electrónica, armaba radios, telégrafos inalámbricos, osciladores, etc. Esas cosas me encantaban, y un día vi una guitarra eléctrica en una vidriera en un local de instrumentos de Belgrano y entonces empecé a pasar todos los días por delante de esa vidriera, iba a tomar el bondi y la parada me quedaba justo ahí.

Me fascinaba, eran como unos juguetes alucinantes, después vi otras guitarras eléctricas que tenían cuatro cuerdas y más grandes y me preguntaba cómo se tocarían esas? No sabía que eran bajos, ni idea.

Empecé la secundaria con un compañero de ahí, que recién nos conocíamos, empezamos a hablar de música porque música ya escuchaba y ya escribía algunas letras. Ahí empecé a tocar con un chico que tocaba el piano y consigo un micrófono de contacto y se lo pongo a la criolla y me empiezo amplificar con eso a través de un tocadisco y más o menos algo se hacía. Ahí hablo con mis viejos y les digo “Che, me gustaría tener una guitarra eléctrica” a lo que ellos contestaron “Sí querés tener una guitarra eléctrica de acá a fin de año no te tenés que llevar ninguna materia, pero tenés que estudiar el instrumento”. Así que de nuevo empecé a estudiar el fucking solfeo, todo con el objetivo de la eléctrica. Ahora tenía un plan. A partir de ahí tuve la eléctrica a fin de primer año y ahí empecé a ser guitarrista, porque a mí la criolla no me

alcanzaba, no me gustaba como objeto. Mi primera guitarra eléctrica fue una Fabrison que tenía un botón para un fuzz y me dije “Guau” y esto era el demonio.

Con quiénes estudiaste?

Estudié primero con un profe de Munro que no recuerdo el nombre, lo usé hasta que tuve la eléctrica.

Después estudié con un muchacho que se llamaba Eduardo Muller que no sé qué habrá sido de él, que me enseñó a tocar sin leer, todo por cifrado americano y digitación. Estuvo bien para ese momento, con el tiempo me di cuenta que no estaba del todo bien. Luego el profesor más serio fue Eduardo Rogatti, un tipo con un corazón enorme, ya estaba en tercer año del secundario, la anécdota es que una vez lo vi tocando en la banda Bubu y pela un sonido tipo Fripp y me dije “Yo tengo que aprender con este tipo” no me importaba nada, yo quería ese sonido, mirá, yo ya estaba con eso. Me gustaba el sonido de Hackett, el sonido de Fripp, el sonido del fuzz, eso era como un viaje para mí. Entonces lo fui a ver a Eduardo y le dije “Mirá, yo vine a acá porque quiero tocar con ese sonido, eso que vos hacés” Y yo no sabía tocar aún pero yo quería eso. Eduardo me sienta y me dice “Pero para llegar a eso tenés que saber que tocar” Empecé a estudiar con él, me contó cómo era el sonido que era con un Big Muff y un com-

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foto: facundo nuble

Qué música se escuchaba en tu casa cuando eras niño?

A mi viejo le gustaba Nat “King”Cole, los boleros, entonces escuchaba un poco de esas canciones melódicas, también Matt Monroe, cantantes, canciones de jazz pop. Eso y mi tío escuchaba folclore y Julio Sosa, tango no, Julio Sosa (risas). También escuchaba lo que había en la tele, Música en Libertad, Alta Tensión, las canciones pop de la radio de esa época. Todo eso hasta que me di cuenta que la música en inglés sonaba mejor, a mí el audio me influyó mucho. Empecé a escucha cada vez más música en inglés y un día otro tío, estando en su casa y para que no molestara, me dio unos auriculares y el tocadisco y me puso el álbum marrón de The Carpenters y fue un viaje, todo por el audio, no sabía bien que era, después descubrí que eran las reverbs, la claridad de los arreglos, la voz de la mina, era todo muy bello, nada que ver con lo que venía escuchando ni con los discos de moda desea época saliendo del Winco. No había nada en castellano que sonara ni cerca, de ahí en más empecé a escuchar todo en inglés y a coleccionar discos. Me compré todos

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foto: germán sáez

presor y al tiempo a él se le empezó a complicar porque tenía mucho laburo y me tenía que suspender cada dos por tres las clases y me recomendó con Luis Borda y Luis fue mi profesor, mi maestro. Con él aprendí a querer al instrumento y a pensar una vida en función de la guitarra. Yo entraba al estudio de Luis y lo veía escribir sus canciones y me gustaba.

Ya en esa época ya hacía el método de Joe Pass y algo de Berklee. Un poco, no profundicé en nada, iba haciendo parte, lo que el profesor me pedía e indudablemente yo tenía que ir para otro lado pero no sabía bien cual era, hasta que descubrí la batería electrónica, descubrí a Andy Summer y a Adrian Belew y en ese momento se me armó toda una estructura distinta. Desde ahí empecé a practicar en casa con la batería electrónica. Luis me decía “ Para qué tenés una batería electrónica? Eso es una porquería” a lo que le respondí “No no, a mí me gusta, me hace bien” y sin darme cuenta, solo, empecé a tocar rítmicas que eso con el profe no lo podía hacer, estaba bien lo que estudiaba pero yo necesitaba un approach más moderno, ya había sacado el sonido de Summer, ya tenía un delay y un flanger, te estoy hablando del año 1979, 1980. Era un pendejo y muy contemporáneo a eso que estaba pasando. Me empezaron a salir el sonido de Summer, Gilmore y de ahí en más no paré. Con respecto a Bellew, con él aprendí a tocar los solos sin que fueran melódicos, Adrian tiene un enfoque a partir del ruido, de cómo ser expresivo fuera de escala y eso me gustó mucho, lo entendí y me ayudó a no bajar los brazos. Tanto Andy Summer como Adrian Belew me ayudaron a reforzar mi necesidad de ser guitarrista porque nunca toqué rápido y en mi juventud, mi adolescencia apareció el Jazz/Rock y yo no era virtuoso, no podía tocar eso, la escuchaba, me gustaba pero no la podía tocar, me era imposible, para tocar eso lo tenés o no lo tenés, por más que te ejercites, llegás a un techo y la verdad que eso me sacaba de quicio porque me desalentaba. Cuando entendí todo me dije “Esto está buenísimo y me gusta” y a partir de ahí hice una combinación de eso.

los discos de los Carpenters hasta que empecé la secundaria. Desde ese entonces me compré Burn de Deep Purple y el primero de Lynyrd Skynyrd, esos dos discos en el mismo día. Ahí entré al infierno, jaja, pasé un poquito por el rock sinfónico, todos pasamos por ahí.

Me gustaban Crimson y Fripp y por Crimson y Brian Eno descubrí a David Bowie. Ahí de vuelta cambió todo bastante, ya tenía 15 años y fue una cosa muy rara, que me sedujo mucho pero lo que más me gustaba era todo eso de experimental que tenían Eno y Bowie. Fui pasando por ahí hasta que llegué a escuchar solamente discos de Jazz tipo Gary Burton y un montón de violeros hasta que llegué a Andy Summer. Todo eso que había escuchado me sirvió para entender el sonido y el approach de Summer.

Cuál fue tu primera banda y te acordás quiénes la integraban?

Se llamaba Euterpe con Fernando Saidon que era mi compañero de secundario, éramos nosotros dos. En

ese momento era cuando tocaba con la criolla amplificada. Después él se compró el bajo y yo la eléctrica. Después hicimos otra banda en el colegio que se llamaba El Golem; ahí tocaba Diego Blanco que después terminó en Los Pericos. Era más chico que yo pero tocábamos juntos porque era amigo del hermano y porque tocaba muy bien el piano y también estaba quien fue mi mentor, Leo Heras que era saxofonista y clarinetista que a mí me apoyó mucho y me hizo muy bien porque él era un tipo de conservatorio, del Conservatorio de La Lucila, inclusive daba clases ahí. Él me decía que estaba bueno lo que yo hacía, que siguiera, que le gustaban las formas de mis temas, como usaba los acordes, siempre me estimulaba y eso es tan importante cuando uno es chico… Más cuando uno considera que el que te lo dice sabe más que uno. Después de eso lo conocí a Ulises Butrón y a Daniel Melero. Ahí hicimos Siam con Ulises y con Daniel de invitado, con Ricky Saenz Paz. Después llega Metrópolis pero fue un proyecto

Entrevista a Richard Coleman | 23

foto: germán sáez

sos para salir en una gira inminente. Lo pensé un poco y fuimos. Así toqué un año y medio con Charly y fue increíble de verdad, fue una gran experiencia.

que al poco tiempo me abrí, cambió el concepto por el cual se había creado. Además ya tenía 18 años y era idealista y quería hacer lo que tenía ganas, no tenía por qué hacer algo que no me gustaba, jaja.

También en esa época lo conocí a Gustavo Cerati.

Cómo nace la relación con gustavo Cerati?

Me llamó Charly Alberti a mediados de 1982, antes que salieran a tocar y me dice, Tengo una banda que está buenísima, que eran re modernos, que tenían al mejor guitarrista de New Wave y entonces le digo “Para qué me necesitás?” “Cómo te puedo ayudar sin son tan buenos?” ahí bajó un cambio y me dijo que les gustaría tener un guitarrista más, que le hacía falta un integrante más, porque al trío le parecía que tenían que agregarle algo de color y que mi referencia se las había dado Eduardo Rogatti por un lado y Daniel Melero por el otro, es decir que tenían dos referencia y yo sin saberlo. Fui a verlos a la sala de ensayo que era a quince minutos de casa, con la viola y el bolso con los pedales, ahí lo conocí a Gustavo.

Estuve tocando con ellos unos tres meses, ensayando unas tres veces por semana, fuerte. Pero con Ulises ensayábamos todos los días, para mí el ensayo era situación diaria, no entendía ensayar menos. Ellos querían ampliar el repertorio entonces Gustavo me preguntó si yo tenía más temas de los que les había mostrado, les llevé otros, como siete.

Ellos ya tenían diez y es como que se armó un show.

Gustavo era mayor que yo, yo tenía 19 años y él tenía 23, era una diferencia que a esa edad se notaba. En cambio Charly tiene mi misma edad, así que tenía más afinidad con él aunque no teníamos la cualidad para ser amigos pero teníamos un firme intercambio. Gustavo y Zeta eran más grandes entonces era como que a veces no entendía de que hablaban ellos, además Gustavo en la sala era el que más laburaba, era muy obsesivo y me gustaba eso. Después de un tiempo vi que lo que pasaba era que yo

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Y spinetta? Él fue un ídolo de toda la vida mío, con Charly empecé a conocer a los músicos. Fui a tocar al estudio para un disco de Fabiana Cantilo que estaba produciendo Charly. Recuerdo que estaba grabando “El monstruo en la laguna” y los tenía a Charly y a Spinetta en el control y eso para mí fue un momento muy fuerte y un momento clave. Tiempo después me llamó Luis para tocar “Tester de violencia” en la presentación del disco y luego con el tiempo, fuimos vecinos y nos juntábamos a tomar mate. Una gran pérdida.

tocaba con ellos sus temas y cuando eran mis temas ellos tocaban conmigo, ellos ya eran un grupo y cuando me di cuenta de esto me dije “Yo no puedo fusionarme acá” no iba a andar, tarde o temprano se iba a romper. Ya estábamos para salir a tocar y les dije “Hay algo que quiero decirles, acá me pasa esto, esto y esto y me parece que si lo dejamos pasar, esto se va a romper dentro de unos meses cuando ya sea demasiado tarde y me da la impresión que ustedes son un trío y que tienen que salir así, por eso no encuentran el cuarto integrante” Quedamos en tan buenos términos que les dije también “Cuando me necesiten me dicen y yo toco donde les haga falta” y salí más liviano de esa reunión, sentí que no iba a perder el tiempo ni hacérselo perder a ellos. después vino Fricción, cómo fue eso?

Luego de la experiencia de Soda, empezó mi amistad con Gustavo, nos empezamos a llamar y a mostrarnos música, cuando ya no estábamos en la banda fue como Gustavo se abrió y nació la amistad. A raíz de eso él un día me dice “Che, no querés salir a tocar tus temas?” le contesté que era un quilombo, estaba con la facultad y mil cosas más. “Vos estás con tu banda” ya estaba con Soda presentando su primer disco grabado y me contestó “Hagámoslo, yo me arreglo, estoy medio cansado de tocar mis temas y quiero probar cosas nuevas y a mí me gustan los tuyos, por qué no armamos algo?” Me convenció y lo llamé a Samalea, quien a su vez trajo a Christian Basso y formamos Fricción completándolo con Gustavo y yo. después aparece Charly garcía …

Lo conocí a Charly en 1985 mientras estaba grabando el primer disco de Andrés Calamaro “Vida cruel” él viene a una sesión y le gusta lo que escucha, entonces me llama y me dice sino tenía interés en formar parte de su banda con mi banda porque él se había quedado sin banda y tenía unos compromi-

después vienen los 7 delfines Después de lo de Fricción, me tomé un año sabático porque no sabía muy bien para dónde ir. En ese tiempo lo conocí a Gamexane porque nuestras respectivas novias eran compañeras de la facultad, empezamos a charlar y vimos que aparentemente éramos diferentes pero teníamos mucho en común en la música que nos gustaba, por ahí había una actitud diferente pero teníamos muchas afinidades y él estaba en una crisis con Todos Tus Muertos y yo estaba fuera de Fricción así que las chicas decían “Ustedes tienen que tocar juntos” jajaja. Empezamos nosotros dos con Los 7 Delfines y la misma batería electrónica que te hablaba antes (risas), después sumamos a Braulio Aguirre en batería y vino Ramiro Busto Fierro en bajo que estuvo un año laburando y después se fue, lo reemplazamos por Ricky Saenz Paz que ya lo conocía, un tipo que a mí me gustaba mucho y además tenía un stick que era un instrumento que me interesaba para el sonido de la banda.

Cuántos discos grabaste con l7d?

Creo que grabamos siete discos de estudio y cinco en vivo y rarezas, no los tengo contados. El último salió en el 2008 y el primero en 1992, así que fue bastante tiempo. Tuvimos un parate en el medio. Estuve viviendo en Los Ángeles. Entre “Aventura” y “Carnavales fantasma” pasaron como siete años, no es poco. Ahora estoy muy contento con haber cerrado la película porque para mí, el primer disco y el último son los mejores, es como que la historia está ahí.

Cuándo empezó el rol de productor?

En el primer disco de Fricción, ya me metí porque a mí la historia de grabar me fascinaba. Conectar las cosas, grabar, sobregrabar, siempre trataba de hacerlo con dos cassetteras, inventaba cosas hasta que me conseguí una portaestudio de casstette, una grabadora de cuatro canales y empecé a hacer todos los demos de Fricción para el primer disco. Cerati iba a producir el primer disco de la banda pero justo le sale una gira, entonces me quedé yo con la gorra junto con Mario Breuer, tengo que reconocer que él es como el productor fantasma, por más que yo era el productor, el que sabía era Mario. Yo tenía la idea y él era el que la llevaba a cabo. Él me interpretaba y me facilitaba mucho las cosas. También cuando trabajé con Charly García mientras él producía el disco de Fabiana, lo vi trabajar y empecé a entender. También aprendí de Cachorro López. Creo que lo primero

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que produje fuera de mis bandas fue una que se llamaba Resortes Antagónicos en los ‘90s y después de eso me fui para Miami, me llamaron para producir una banda americana pero que cantaban en español porque eran todos hijos de latinos. Y hasta el día de hoy lo sigo haciendo. El último que produje fue el de Piro, que si bien él está medio encasillado en el tango, quería salirse un poco de eso y hacer sus propias canciones, me gustó la propuesta y lo hicimos.

Cómo hacés para decirle a los músicos que la cosa va para otro lado sin que se ofendan?

No es tan difícil, porque si ya me eligieron y están comprometidos se tienen que someter a mi dictadura, jajaja. Cuando yo trabajo con un productor, yo hablo, hablo y hablo, les digo que quiero hacer y después el que manda es él, cuando yo produzco uso el mismo sistema. No me ha salido mal. Me preguntaste cómo lo hago? Así, yendo de frente.

Antes nos comentaste que te fuiste a vivir un tiempo a eeUU, por qué?

Porque no me sentía bien contenido acá en el rock, no encontraba mi lugar. Sentía que había perdido un tren y creo que me agarró un poco la crisis de los cuarenta un poco antes de tiempo y me dije me voy ahora porque si no después no me voy más, para probar, para aprender, para conocer otro estilo de vida, otra sociedad, otra maneta de trabajar, otros músicos. Básicamente fue eso. Fue una buena experiencia y volví bien. Cuando volví me di cuenta de un montón de cosas, de cuanto me quería la gente, con un público nuevo, con que tenía mucho para hacer. Hay una cosa que no es poco, volví sobrio de

EEUU, que fue un cambio bastante radical. Esto chocó un poco entre mis amigos. Entonces desde ese plano encaré todo distinto. Después de la rehabilitación siento que gané un montón de terreno.

Cómo es tu proceso para componer?

Es un laburo bárbaro, nunca sé bien cómo va a pasar, pero lo que sí sé es que ya empiezo a sentir la necesidad. Sale por necesidad primero, creo fundamentalmente que por la necesidad de nuevo repertorio para tocar en vivo. Me encanta tocar en vivo, es lo que más me gusta. Si bien me gusta grabar, más me gusta tocar. Antes no valoraba tanto el vivo como ahora, eran diferentes momentos de mi vida.

Y creo que para mantener eso bien, hay que refrescar el repertorio. Me fui dando cuenta que cada par de años la lista de temas ya no sé bien como armarla y entonces me doy cuenta que hay que grabar. El proceso es tan gratificante que es difícil de explicarle a alguien la satisfacción que uno siente cuando se termina de componer la canción.

Cómo está compuesto tu set actualmente?

Estoy probando estas dos bellísmas guitarras que me han hecho, una me la hizo Sergio Negrelli, que es una guitarra en la que estamos trabajando hace un par de años quien me propuso hacerme un modelo para mí.

La primera fue algo más o menos parecida a esta, el cuerpo es parecido pero a esta le desarrollé yo la parte electrónica, esta es la versión 4, así que esta ya está.

Es una Negrelli RCM Alchimia. La otra la diseñó Alejandro Brusco con Maximiliano Salcedo, la llamamos Cameliard. Ale hizo el dibujo, él tuvo la idea. Un día, antes de diseñarme la viola, vino Maxi y le mostré las

violas que yo tenía para que tuviera una idea de lo que me gustaba, las violas que yo uso que son una SG Special con dos P90 y una Gibson L6 que es de 1974.

Es una guitarra muy rara pero que a mí me gusta mucho. Sergio copió el mango de la L6, el resto se fue dando en conversaciones que hemos tenido. Con Maxi fue algo así como hacé lo que vos quieras, en un punto sentí que era yo el que se tenía que adaptar a la guitarra. Sólo le di los micrófonos y el Bisgby. También uso una Godin 5th Avenue que es una viola que uso y me gusta muchísimo, que se banca las distorsiones, ésta la tengo hace ya un año. Al principio yo no quería más guitarras pero la gente de Godin en Argentina me insistió en que vaya a verlas y les dije que lo único que no tenía y me gustaría tener era una Hollow, una de caja, así que encontraron esta y me la dieron. Amplificadores tengo un Musicmann de 65 watts que es de 1976 que tiene un audio que a mí me gusta mucho. Es un híbrido pero a diferencia de los otros el pre es transistorizado y la potencia es valvular, al revés de los otros híbridos. En vivo uso ese combinado con un Singletone, que me lo hicieron especialmente para mí. De 30 watts valvular con el circuito Fender viejo. A veces también toco con un Acoustic de estado sólido, modelo 117 que es del ’77.

Que sigue en tu vida?

Ya empezamos a ensayar los temas para el próximo disco que si todo está en orden, ya en febrero empezamos a grabar.

Que le dirías a los chicos que están empezando?

Que hay que transpirar, no es fácil. Desconfiá cuando la cosa es fácil.

foto: germán sáez

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Entrevista a Richard Coleman | 27

fENDER STRATOcASTER Y TELEcASTER AMERIcAN SPEcIAL

La nueva serie American Special representa los esfuerzos de Fender para "que puedas sentir una completa experiencia Fender de una guitarra de esta marca, de fabricación estadounidense, sólida, de interpretación suave, sin vaciar tu cuenta bancaria". Le empresa Fender ha sido muy exitosa en su estrategia de ofrecer cada vez más variaciones en sus dos guitarras eléctricas icónicas en existencia, a saber, el modelo Telecaster y la Stratocaster, y hay casi tantas alteraciones de estos instrumentos como hay tipos de guitarristas. La serie American Special, como la serie Highway One y Classic Player antes, son guitarras que están pensadas para aquellos músicos que no pueden llegar a comprar las American Standard sin que esto perjudique la calidad.

Cuando se piensa en la compra de una guitarra eléctrica clásica en su diseño y de una muy buena calidad sin tener tanto dinero, la línea Fender American Special estadounidense podría ser la primera en cruzar tu mente, y con razón. La mayor parte del mundo que conoce de guitarras eléctricas ya es consciente de la calidad que Fender aporta. strAtoCAster AMeriCAn sPeCiAl El cuerpo de estos magníficos instrumentos está hecho de Alder y su mástil de Maple satinado con un radio de 9.5". Este último tiene una escala de 25,5", y alberga su diapasón de Maple equipado con 22 trastes jumbo con incrustaciones de punto negro. Esta Strato ofrece una flexión de cuerda importante y una sensación de rapidez

increíble. El hardware de esta guitarra se remata con el clásico cabezal de los años 70´s con 6 clavijas de cromo. Su puente está equipado con un sistema de trémolo sincronizado de estilo vintage. Todo esto es de una superlativa calidad como nos tiene acostumbrado este fabricante. Los componentes electrónicos no son diferentes al hardware, todos de excelente calidad, con una configuración de micrófonos con todas las bobinas individuales, más específicamente tres mics Texas Special, ofreciendo tonos familiares perfectamente ajustados para algunas dulces melodías Country, Blues y Rock.

Las perillas de control ofrecen un control de volumen y dos para la modificación del tono. Por último, una inclusión natural, es el interruptor de 5 vías que complementa los micrófonos.

CArACteristiCAs Cuello de Maple con perfil en "C" y cabezal "grande" Diapasón de Maple de 9,5 "con 22 trastes jumbo Tres micrófonos Stratocaster de una sola bobina de Texas Special ™ Interruptor de captación de cinco direcciones Circuito de tono Greasebucket ™ Puente trémolo sincronizado estilo vintage

28 | Fender Stratocaster y telecaster American Special

teleCAster AMeriCAn sPeCiAl Alguna vez te preguntaste cuál es la diferencia entre una Telecaster y un Stratocaster?. En alguna otra época eran instrumentos muy diferentes, hoy en día sólo los separa alguna delgada línea. El cuerpo de esta Fender es de Alder ligero, tal como la Stratocaster American Special.

Su mástil es de Maple macizo con forma de C y diapasón del mismo material con 22 trastes jumbo. Los micrófonos de bobina simple Texas Special son magníficos. Son geniales si planeas tocar country, blues, pop o rock en esta gran guitarra. La Telecaster tiene sólo un volumen y un solo control de tono, pero si no ha oído hablar del circuito de tono Greasebucket Master antes, se sorprenderá de la versatilidad que puede ofrecerle.

CArACteristiCAs Cuello de Maple con perfil "C" Diapasón de Maple de 9,5" con 22 trastes jumbo Micrófonos Dual Telecaster de una sola bobina Texas Special ™ Interruptor de captación de tres vías Circuito de tono Greasebucket ™ Puente de telecaster de estilo vintage con tres sillines

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RAfAEL bITTENcOuRT

Rafael bittencourt es un talentoso guitarrista brasileño, con un reconocimiento internacional, sensibilidad, técnica y un estilo pocas veces visto, que en 1991, funda la banda Angra. una de las primeras bandas en el metal sinfónico mundo. Por Maycown Reichembach

foto: roany correia

A qué edad empezaste con la música?

Yo empecé con la música con seis años. Era sólo una musicalización para niños en piano y flauta. Siempre me gustó mucho escuchar música y tenía como un sueño saber tocar un instrumento. Más fue con 11

años que yo empecé con la guitarra acústica y después con 14 con la eléctrica.

foto: roany correia

sos uno de los fundadores de la banda Angra, cómo surgió la banda?

Angra empezó en la Universidad de música cuando otros amigos y yo quisimos hacer un conjunto de metal que pueda combinarse con la música erudita y también con la música brasileña. La universidad queda en San Pablo, Brasil, y se llama Facultad de Artes Santa Marcelina.

30 | Entrevista a Rafael bittencourt

foto: roany correia

Cual fue tu primera banda? y cómo surgió?

La primera banda empezó en la escuela, con los amigos. Nos gustaba tocar covers de bandas punk brasileñas. Se llamaba Lixo Atómico. Yo tenía 15 años.

el mundo haciendo heavy Metal?

Es un honor representar a Sudamérica por el mundo.

Apoyo y ayudo a fortalecer la escena sudamericana por el mundo. Hay bandas y también muchos talentos que necesiten ser más reconocidos mundialmente.

tu papel en Angra es fundamental, siendo uno de los compositores más activos en la banda, como surgen ideas compositivas?

Muchas gracias. Las ideas empiezan de las observaciones que tengo en la vida, a mi vuelta. Me gusta mucho observar el movimiento, las tensiones y la energía de los momentos. Estoy siempre pensando en cómo transformar en música las emociones y las acciones mías y de los otros.

Cual es la sensación de pertenecer a una banda que rompió barreras en sudamérica y llegó a todo

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Contanos un poco del último álbum de Angra, cómo fue grabado y la aceptación que tuvo en el mercado internacional?

El último álbum de Angra documenta más una transformación en la banda. Tenemos dos nuevos integrantes en el álbum. Que son Bruno Valverde y Fabio Lione. Tenemos por un lado, una nueva banda con nuevas ideas y nuevas intenciones, pero también por otro lado la misma carga de sentimientos de ganas y los conceptos originales. Fue un álbum producido en Suecia y con muy buena aceptación en Japón, en Francia, en Alemania, en Brasil y muchos otros países.

Angra hoy en día es un clásico del metal y para una banda de 25 años es siempre difícil convencer al público a escuchar las nuevas canciones. Pero lo hemos tenido muchos fans jóvenes en los conciertos. y esto muestra un reciclaje de público. sos un guitarrista muy musical, tus melodías y solos en Angra tienen mucha identidad. Contanos cómo fue la evolución de las primeras canciones de Angra hasta llegar a las actuales.

Mí gran admiración en la música son las estructuras, las combinaciones de elementos. Por qué una idea queda buena, otras ni tanto? O qué exactamente haces mover en el cerebro y corazones? Lo vengo estudiando hace mucho. Yo procuro mezclar con equilibrio mi intuición y mi razón. La gran diferencia es que cuando era más joven, yo tenía menos experiencia. Y la experiencia hace que piense un poco más. Todavía aún tengo muchas ganas y pasión por hacer música, entonces intento que sean estos sentimientos los propulsores de las ideas y estructuras. tener en la banda a kiko loureiro que en la actualidad es uno de los mejores guitarristas del mundo, influenció tu manera de tocar y de ver la guitarra?

Sí, mucho. Kiko fue siempre un profesor. Él me ha enseñado mucho sobre la guitarra y sobre cómo encontrar mi propia identidad en el instrumento. Conozco Kiko desde muy niño. Somos amigos y hermanos. Él siempre fue un genio y cambiamos muchas informaciones sobre los diferentes pensamientos musicales.

sabemos que ustedes apoyaron al 100% la entrada de kiko en Megadeth, como reaccionó el público de Angra la entrada del guitarrista substituto?

Muy bien. Marcelo es muy carismático y un gran guitarrista virtuosísimo. El público lo acepta muy bien en los conciertos. Fue una gran suerte tenerlo ahora, porque no es fácil encontrar un músico con la capacidad de tocar los temas y solos de Kiko.

Contamos sobre tu proyecto solista Mi proyecto nació de la intención de grabar algunas canciones especiales que yo tenía guardadas y quería

32 | Entrevista a Rafael bittencourt

foto: roany correia

Como siente Angra la ausencia de kiko loureiro en el momento actual, tiene pensado volver a la banda luego de la gira con Megadeth?

Kiko esta siempre cerca de Angra, pero no más como músico. Es difícil que él vuelva a tocar oficialmente con nosotros. Será siempre de la familia. Se siente su falta en nuestros conciertos, pero ha alcanzado una reputación más grande que el propio Angra.

mucho compartirlas con los fans. Con tiempo fue tomando una forma y dirección particular. Con violines y percusión la sonoridad es bien distinta de ANGRA. Cual es la visión de este proyecto?

La idea es hacer un World-rock. Mezclar de todas las culturas, pero menos pesado y más accesible a todos.

Es diferente. Los temas no son tan rápidos ni tan virtuosos, pero las estructuras son bien sofisticadas. Mi desafío es siempre hacer melodías que no se olvidan después de escuchar una sóla vez.

tienen giras programas para este 2016?

Sí. Hicimos 10 conciertos con apoyo de la Secretaria de Cultura de Sao Paulo. Y ahora, después de la gira de Angra, volveremos con todo.

Contanos un poco cual es el setup que usas actualmente?

Utilizo una guitarra Yamaha Custom Shop, hecha especialmente para mí, con mis especificaciones técnicas. Tengo también otros instrumentos de Yamaha.

Tenemos una buena relación con la gente de Yamaha

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foto: roany correia

Contanos un poco del mercado musical brasileño.

El mercado de la música en Brasil no está bien y eso es por culpa de la economía. Están retomando el optimismo y la circulación de dinero. Hay muchos niños que quieren aprender un instrumento, pero eso fue mucho más fuerte pocos años atrás.

Como es vivir de la música en Brasil?

Difícil. Los brasileños no dan el debido valor a la escena cultural brasileña. Sólo a lo que es gringo. Están los artistas grandes de la TV y todos los otros son como hormigas intentando la suerte. Pero también están los que trabajan con música es hecha con el amor y esto camino es siempre hecho con sufrimiento.

desde hace más de diez años. Los instrumentos son buenos y versátiles. Tengo también un Kemper Profiler que controlo con una Boss GT100. Cables y accesorios de Planet Waves. Cuerdas Gianini, una marca brasileña. Estoy siempre cambiando y testando. todos estos equipos son endorsers?

Con Kemper no soy endorser. Pero es una marca muy amiga desde siempre.

Cuales son las novedades de Angra y tu proyecto solista para este año y el próximo?

El nuevo DVD de Bittencourt Project está listo y será distribuido en noviembre. Live Brainworms in Brazil.

Fue una gran satisfacción poder hacer algo tan personal y precioso. Es mucho más difícil hacer algo tomando todas las decisiones. En el año próximo Angra completa 25 años y queremos hacer un concierto con

foto: roany correia

haz sido tapa de varias revistas del mundo, una de las más sorprendentes es la revista Young guitar de japón, cual es la sensación de ser tan respetado en ese país?

Es un trabajo de día en día. Hay que poner todo el día una piedra y otra piedra para construir un castillo. Me quedé muy contento en saber que en países con grande tradición cultural como en Japón, Francia y otros les gustan y respetan mi música.

todos los que estuvieron en la banda por todo este tiempo. También estaremos componiendo nuevas canciones para Angra y Bittencourt Project. deja un comentario a los seguidores de Angra de habla hispana.

Muchas gracias a todos los fans que nos siguen. Amo Sudamérica y hacer conciertos por acá. Yo espero que en el 2017 nos podremos ver nuevamente.

foto: roany correia

34 | Entrevista a Rafael bittencourt

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GuITARRA

Por Maycown Reichembach

ESCAlAS SiMÉtRiCAS En esta edición me gustaría mostrarles algunas de las escalas simétricas más usadas. Como el nombre ya lo dice, se llaman así, porque la repetición de los intervalos genera dicha escala.

Por ejemplo la escala Dominante disminuida tiene los siguientes intervalos: T, 2b, 3b, 3M, #4, 5j, 6M y 7M. la siguiente escala Disminuida: T, 2M, 3m, 4J, 5b, 6m y 7m. y la Exáfona: T, 2M, 3M, #4, 6m y 7m. Estas escalas se pueden usar sobre acordes dominantes, generando así tensiones diferentes muy características del jazz moderno y la música erudita de Igor Stravinsky para adelante. Para familiarizarse es muy importante escuchar a artistas que usan estas escalas en sus músicas.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, productor en Malopa Quasar y Quantum Orchestra. Compartó escenario con Greg Howe, Kiko Loureiro, Guinga, Orquesta Estable del Colón, entre otros.

Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

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Suplemento técnico | 35

bAjO Por igor Saavedra

CONStRuYENDO uNA SÓliDA bASE iMPROViSACiONAl PARtE 1 Con el correr de los años me fui dando cuenta de que cuando los músicos hablan de improvisación la mayor parte de la energía de estas conversaciones tiende a derivar hacia las escalas, técnicas, acordes, licks, chops, y ese tipo de variables.

En mi opinión, la realidad nos dice que hay muchísimos otros aspectos en el contexto improvisacional que son bastante más importantes que los arriba mencionados…, aspectos que tienen relación mayormente con conceptos poéticos, líricos, filosóficos, estéticos y psicológicos. improvisar es componer en tiempo real…

Cuando componemos, o bien lo hacemos a raíz de que una vaga idea o sentimiento es la fuente primaria de inspiración y por ende la necesitamos representar en forma de música.., o por otra parte lo hacemos porque le hemos venido dando vueltas en la cabeza a un grupo de notas y/o acordes específicos que comenzaron a gustarnos más de lo habitual con lo cual entonces procedemos a escribirlas o a grabarlas para luego componer una pieza musical basada en ellas. De cualquier forma en ambos casos lo primero que tenderemos a hacer es tocar algunas primeras y generalmente tímidas notas en nuestros instrumentos, haciendo algunos ajustes en el proceso para luego escribir o grabar el resultado para así evitar que esa incipiente composición caiga en el olvido…, pero el punto más importante a destacar aquí es que uno tiene en este caso la oportunidad de analizar, borrar lo que no nos guste para luego reescribirlo o regrabarlo, o simplemente detenernos un rato ir al refrigerador a prepararnos un sándwich, sentirnos mejor y continuar con el proceso…

Como decía en el enunciado, cuando improvisamos estamos en realidad componiendo, pero “el problema” es que esto lo estamos haciendo en tiempo real, es decir aquí no hay ni tiempo ni oportunidad para borrar una nota que hayamos tocado y no nos haya gustado, por lo cual sólo nos queda dejarla pasar y enfocarnos en la próxima nota que tocaremos. Aquí es cuando en el contexto de la improvisación se llega incluso a generar proposiciones que podrían quizás tener más relación con aspectos “físicocuánticos” que con aspectos filosóficos, y sé que ciertamente con esta proposición estoy arriesgándome a que comiencen a pensar que estoy completamente loco pero sinceramente creo que aunque sí de hecho acepto un grado alto de locura, estoy bastante convencido de que este no es precisamente el caso.

Dentro del ámbito de la improvisación aquello que haya estado mal o bien dependerá literalmente de lo que tú decidas hacer.., pues aunque no lo creas tienes aquí el increíble poder de cambiar el pasado por la vía de cambiar el futuro…, ¿cómo?. Antes que nada nunca olviden este humilde consejo que este hermano músico les da. “La única nota que realmente importa es la que van a tocar a continuación, no la que acaban de tocar.” En primer lugar considero de crucial importancia señalar que cuando menciono la palabra “nota” no me estoy refiriendo solamente a su altura, sino que también me estoy refiriendo a su aspecto rítmico y a todos los detalles y sutilezas in-

volucradas en su exposición, como la dinámica, los recursos expresivos, las texturas de sonido, etc., por lo tanto al considerar y emplear de manera apropiada y beneficiosa todas estas variables en esa “futura nota” tendremos el magnánimo poder de hacer que la nota que acabamos de tocar y que ya no podemos “borrar” pase a ser una reina de belleza o una bruja.., ¡¡Así que como pueden ver tienen en efecto en sus manos el poder poético de viajar en el tiempo y ese porque no decirlo pasa a ser la parte “físico-cuántica” de este análisis…

Cuando improvisamos, una de las primeras cosas que tenemos que aprender es a amar cada nota que vamos tocando como si fuera un hijo o una hija, sin importar cuán “bien” o “mal” haya sonado. Si consideramos que una nota nos sonó “bien” entonces enviémosle más hermanos para que no esté sola y pueda jugar y sobre todo interactuar con ellos y generar así cosas nuevas, mientras mejores sean los hermanos mejor será la familia.

Por otra parte, si consideramos que una nota nos ha sonado “mal” entonces enviémosle a esa nota aún más hermanos, o quizás sólo uno pero ultra apoyador, para que reciba ayuda y apoyo, embellecimiento y para que así pueda lucir increíble..., pero como les decía, cuando estén improvisando nunca se arrepientan de una nota que hayan tocado, sencillamente ámenla y apóyenla a lo largo de todo su camino, no podrían creer la increíble capacidad que tiene “la próxima nota” de cambiar la percepción de un público.., ¡¡incluyendo la de ustedes mismos..!! ¡¡Toquen con seguridad y confianza, no toquen en forma “asegurada”.., tomen riesgos..!! En mi opinión una improvisación “a la segura” no tiene alma.., no tiene propósito en sí misma…

Probablemente, la más importante habilidad improvisacional que tendrán que desarrollar a través de los años será la de caminar tan cerca del abismo como les sea posible y lidiar con los errores en una forma tan elegante y natural que aquello haga que nunca realmente terminen por caer en él. Pueden por cierto elegir en cambio caminar por llanos y seguros valles, pero si en realidad es eso lo que más les gusta les sugiero entonces dedicar su vida musical a componer grandiosas piezas musicales al alero de sus seguros hogares y/o estudios, algo que también es una respetable y maravillosa manera de vivir y desarrollar una actividad musical, pero la improvisación es harina de otro costal….

En la próxima edición se encontrarán con la Parte II de este artículo, en la que desarrollaré los aspectos poéticos, líricos, estéticos y psicológicos que estimo pueden ayudarles junto a esta primera parte a construir un sólido concepto improvisacional.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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GuITARRA

Por Daniel Corzo

iMPROViSACiÓN En este cuarto artículo de guitarra jazz cambiaremos el tópico, dejando por ahora de lado la técnica de bajo caminante para enfocarnos en el aspecto melódico. la improvisación ocupa un papel preponderante en la música de jazz.

El conocimiento de las escalas y arpegios no te garantiza sonar “jazzero” a la hora de improvisar. Alan de Mause, uno de mis maestros decía: “para tocar jazz, debes tener jazz en la sangre...y obtenerla por transfusión es bueno”. Para tener tu transfusión de jazz debes tomar un arquetipo del estilo por ejemplo Charlie Parker, y estudiar sus solos, sus composiciones, transcribir todo lo que puedas etc. O estudiar transcripciones de sus solos hechas por otros. Si no tienes experiencia transcribiendo y sientes que tu oído necesita mayor preparación, entonces te ofrezco esta alternativa: tomar fragmentos más cortos de sus solos y estudiarlos a fondo. Bird (el apodo de Parker) improvisaba lo que luego se transformaría en la melodía de cualquiera de sus temas. Por eso sus melodías originales suenan fielmente dentro del lenguaje de jazz que creó junto a Dizzi Gillespie: el Bebop. Esta frase se encuentra en la melodía de Donna Lee, compases 15, 16 y última nota (la resolución) en el primer tiempo del compás 17. La tonalidad original es Ab pero yo te la presento transportada a C Mayor en el ejemplo 1. La trasladamos a todo el diapasón así que en el ejemplo 2 la frase está tocada una octava abajo, todavía en la posición II de la guitarra. Los ejemplos 3 y 4 muestran la digitación de la misma frase en posición V. Memorizar, tocarla en las 12 tonalidades y usarla rápidamente en progresiones, temas etc.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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bAjO Por Cristian tisselli

REFlEXiONES PARA EStuDiANtES iNiCiAlES EN lA MúSiCA (PARtE i) En el siguiente artículo voy a reflexionar sobre algunos “desatinos” o elecciones menos convenientes, algunas situaciones comunes o hechos que se dan a la hora de iniciarse en el aprendizaje de un instrumento musical sea cual fuere (la Voz, el bajo, la Flauta, etc.) en este caso utilizo como referencia el bajo, ya que es con el cual me desempeño como músico.

La siguiente lista proviene del intento de atender humildemente, no solo a situaciones dadas con numerosos alumnos a lo largo de mi carrera como docente, sino también a aquellas a las que yo mismo me he enfrentado y me enfrento como estudiante día a día en este camino del eterno aprendizaje. Así que tal vez, algunas de las sugerencias propuestas, reflexiones o situaciones citadas, podrán darse o sentirse presentes a lo largo de nuestra vida, ya sea al momento de estudiar, buscar con quien estudiar o como abordar el estudio, y también al momento de intentar transmitir nuestras experiencias a otra persona.

Aquí va la primera parte de mi lista… hacer el esfuerzo de encontrar un buen maestro Muchas veces un buen maestro, así sea en una sola lección, nos puede enfocar en lo que es el buen aprendizaje de un instrumento. Hay que tomarse el tiempo de buscar uno bueno y escuchar recomendaciones. No podemos tomar clases con un profesor solo porque este vive a cinco cuadras de nuestra casa. Si para conseguir un buen docente debes tomar un tren, dos micros y luego caminar 10 cuadras, entonces es lo que tenés que hacer, por supuesto en la medida de lo posible. Tampoco hay que tener miedo en probar varios maestros y ver cual se apega más al estilo que más te gusta. Asegurarnos de que la persona que elegimos está realmente abocada a su instrumento y haya pasado mucho tiempo estudiándolo. Por ejemplo, existen muchos guitarristas que se sienten orgullosos creyendo que te pueden enseñar a tocar el bajo debido a las grandes similitudes, pero esto no es así. Por más que existan estas similitudes, la forma de encarar el instrumento no es la misma ya que el rol y la manera de encarar el mismo son diferentes. solo aprender de tablaturas (tabs) y Canciones Aprender canciones, bases y solos, es una parte importante a tener en cuenta a la hora de desarrollarnos como instrumentistas. Uno de los desatinos que comenten algunas personas en sus inicios es el de solo aprender canciones, a menos que tu objetivo sea ser una radio de frecuencia modulada. Aprender canciones debe ser solo una de las partes a tener en cuenta en tu lista de estudio (esto no quiere decir que sea menos importante). Pero sucede que la trampa está en que algunos estudiantes sienten que pueden aprender físicamente a tocar, pero esto solo es una fracción de aprender a tocar un instrumento. Porque cuando aprendemos una canción debemos quedarnos con algo más que con solo la habilidad física de tocarla. Si realmente queremos desarrollar nuestra creatividad, debemos aprender sobre los conceptos usados para crear canciones, como los distintos ritmos, como se usan las notas, y otros conceptos musicales. Esto es esencial si queremos crear nuestras propias líneas de bajo o componer música. Para entender cuál es el trabajo que cumplen las líneas de bajo y la música en sí, es necesario estudiar los bloques de construcción de la música o sus fundaciones – melodía, armonía y ritmo – tanto como la técnica para producir estos con el sonido deseado.

disfrutar del estudio Otro punto en contra que nos da el hecho de aprender solamente canciones, es que luego no encontramos divertido el entender en profundidad nuestro instrumento, lo cual significa algunas horas diarias dedicadas a estudiar ejercicios que no suenen musicales o que resulte difícil hacerlos sonar musicales. Hay partes muy fastidiosas y aburridas cuando de aprender a tocar un instrumento se trata. Hay que intentar encontrar el balance justo entre lo fastidioso y lo divertido. Si lo fastidioso o aburrido, en tu caso es lo que te trae un problema, tenés que estar seguro que el hecho de encontrar la solución y resolverlo viene acompañado de una gran satisfacción y un gran avance. Por ello es bueno empezar por las cosas que nos ponen en una situación de incomodidad, porque esto es lo que nos hace trabajar, pensar y así progresar. encasillarse en un estilo Es muy común escuchar a algunas personas decir, “a mí solo me gusta el metal” o “a mí solo me gusta el jazz”. Hay que entender que todos los estilos son música, como toda la música son frecuencias. Y que si uno quiere ser músico debe aprender de la música. En mi opinión, no creo que sea bueno definirnos como músicos de determinado estilo; esto no quita de que en algún momento decidamos a tocar el estilo que más nos guste o en el cual nos sentimos más seguros.

Uno puede preferir el punk como estilo de música y no obstante aprender una gran variedad de conceptos útiles que nos puede dar el reggae para ser aplicados en el punk. La música es música. Algunos estilos nos hacen ver mejor ciertos conceptos que luego nos sirven para ser aplicados en otros. Por ello es bueno explorar la mayor cantidad posible. Existen muchos músicos o grupos excelentes que en sus composiciones, versiones o mismo en la elección de su repertorio reflejan lo antes dicho, por nombrar algunos: The Police, Aca Seca Trio, Weather Report, Pedro Aznar, Led Zeppelin… impaciencia Muchos de los errores que cometen los estudiantes iniciales son por ser impacientes. Muchas veces me preguntan “¿Cuánto me va a llevar tocar bien?” o “En un mes o dos ya lo tengo resuelto y pasamos a otra cosa ¿cierto?”. Si realmente queremos aprender, es bueno descubrir que este proceso nunca termina, y sobre todo que no hay edades. El tiempo que te tome aprender algo, es el tiempo que toma aprender algo. No hay una tabla de tiempo para aprender. Hay que intentar proponerse metas realizables, mantener la constancia, y perseverar. Es importante aprender a disfrutar de cada momento del aprendizaje y sentir que siempre podemos tocar mejor. La forma en la que te relacionas con tu manera de tocar, es seguramente la forma en la que sentís tu vida en general o viceversa. Eso es ser uno mismo.

Continúo con la segunda parte del artículo en la siguiente edición de la revista.

Cristian Tisselli es un artista nacido en la ciudad de La Plata, y se desarrolla como músico, compositor y bajista en diferentes estilos. Ha compartido escenarios y grabaciones con numerosos músicos de Sudamérica, Europa y Estados Unidos, entre los que se destacan: Doug Webb (Stanley Clarke, Jeff Berlin, Horace Silver, George Duke), Jamie Kime (Dweezil Zappa), Ronal Bruner Sr. (The Temptations), Glen Sobel (Alice Cooper), Mordy Ferber (Bob Mintzer, Jack Dejohnette, Eddie Gomez), Ed Roth (Steve Lukather, Chad Smith, Lelan Skalar), por nombrar algunos. Es bajista y fundador de “Contusion”, grupo de renombre internacional que ha lanzado su primer álbum homónimo en el cual participan músicos de la talla de: Juan Cortés, Álvaro Torres y Eduardo Giardina.

Actualmente se desempeña como docente de la compañía de clases online LessonFace radicada en Brooklyn, NY. También da clases vía Skype para Latinoamérica y presenciales en la localidad de Caballito, Buenos Aires. www.youtube.com/crisbassist

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bAjO Por Nicolás Vilchez

SlAP PARA bAjO ElÉCtRiCO En esta oportunidad quiero dejarles un ejercicios de Slap para bajo eléctrico que consiste en tocar el mismo patrón rítmico y de notas de dos compases, arrancando de diferentes lugares del compas. De esta manera con un solo ejercicio lograremos combinar la técnica en diferente orden con las mismas herramientas para lograr un mayor dominio de ellas.

Nicolás Vilchez es el actual bajista de Malopa Quasar, oriundo de la provincia de Entre Ríos donde comenzó sus primeros paso en la música. A los 10 años comenzó tocando guitarra, a los 16 con el bajos eléctrico y a las 18 escucho a Jaco Pastorius y Victor Wooten quienes lo inspiraron en su decisión de formarse como bajista. Actualmente da clases y se encuentra en varios proyectos musicales de diversos géneros lo cual lo lleva todo el tiempo a seguir formándose y perfeccionando su desempeño musical.

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Suplemento técnico | 39

GuITARRA

Por Vandré Nascimento

twO hANDS Vamos a hacer una melodía, cambiando la forma de tocar. los 4 primeros compases pueden ser usando púa alternada o ligando algunas notas, pasando a los últimos 4 compases, donde usaremos la técnica de two hands, como en las lecciones de los números anteriores.

Presten atención a la repetición de las notas, tocadas en cuerdas diferentes, en la primer parte es exactamente ese movimiento que trasforma esta melodía en un desafío. comience muy lentamente, aumentando gradualmente la velocidad, siempre usando el metrónomo, para que consigas precisión y con esto una excelente ejecución.

Músico y Compositor, nació el 12/06/75 en Embu das Artes, São Paulo, Brasil. Inicio sus estudios en Música en 1995 en el Conservatório Musical Souza Lima, donde además enseño desde el 1997 hasta 2013. Em 2013, fundó la escuela de música "Vanna Rock-Centro de Aprendizagem Musical".

Integra las bandas: MADGATOR, MAESTRA, Sete Rock Band y O TRIO. Es Endorser de Rox Stage, Music Kolor, Aditivo Music, Injecta.net, K&WS Cases, Power Play e Solez Strings. http://vandrenascimento.com/ contato@vandrenascimento.com

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GuITARRA

EXtiENDE tu hORiZONtES te ayudaré a tener un desempeño más extremo con las escalas pentatónicas. Este articulo está dirigido a principiantes e intermedios que estén familiarizados con estas escalas. Por Arturo Mawcinitt

Esta lección suena muy bien en Em7 o en E7. La nota Mi (E) es la raíz o primera.

La escala se compone de una regla básica para formar una pentatónica (1ra, 3rab, 4ta, 5ta, 7mab.) E,G,A,B,D.

En las figuras 3 y 4 puedes ver las mismas formas que en las figuras 1 y 2, pero ahora en 3 octavas diferentes; también agregué un patrón ligando las primeras 3 notas y después alternando las 3 restantes. (no pierdas la concentración en esta parte)

La figura 1 empieza en la 4ta de la escala que es A, para esta forma nos vamos directo al lado extremo, ya que tendrías que separar los dedos de la mano izquierda así: 1,2,4. Muy a la Allan Holsdworth. La mano derecha va con el alternado con la plumilla/espiga igual que en la figura 2. Para la figura 2 podemos ver otra posición extendida que te ayudara a tener más alcance en con los intervalos, usa los dedos 1,3,4. Esta figura empieza en la 5ta de la escala.

Mezclando ambos conceptos Haremos toda la lección en conjunto, ambas posiciones, empieza por memorizarlo haciéndolo realmente lento con el metrónomo en 50 bpm. Después agrega adrenalina a los ejemplos subiendo la velocidad hasta legar a 120 bpm.

Arturo Mawcinitt es un guitarrista y compositor con 25 años de experiencia 3 discos como solista director de redes sociales para Latino America y España por Seymour Duncan Español www.facebook.com/amawcinitt www.mawcinitt.com.mx

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Suplemento técnico | 41

GuITARRA

guitARRA MEtAl - PENtAtÓNiCA CON SwEEP PiCkiNg una forma muy interesante para lograr un sonido diferente cuando tocas con la escala pentatónica es tocarla con la técnica de Sweep Picking. Por Marcelo Rosa

El guitarrista de fusión Frank Gambale utiliza mucho este concepto en sus melodias y escribió muchos libros y grabo videos sobre este tema. En el ejemplo 1 presento la escala pentatónica de Am con una digitación de 1 nota en una cuerda y 3 notas en la cuerda siguinte, así podemos aplicar la técnica de Sweep Picking. En el ejemplo 2 aplico la misma escala Pentatónica de Am, pero ahora con una digitación de 3 notas en una cuerda y despues 1 nota en la cuerda siguiente, así también es posible aplicar la técnica de Sweep Picking. En los ejemplos 3 y 4 presento Licks con la idea de tocar la Pentatónica con la técnica de Sweep Picking. Trate de aplicar este concepto para crear sus melodías y descubrir nuevas posibilidades sonoras.

Marcelo Rosa es guitarrista, compositor y tiene un proyecto instrumental solista, donde mezcla el Metal con la Música Brasileña, y ha estado presentando conciertos y clínicas de guitarra en Brasil, ya se presentó en Portugal y Uruguay.

Marcelo Rosa utiliza Ibanez, Peavey, Mooer, PowerPlay, Lyco, Kartakou, Be A and Estúdio Urbano. www.marcelorosa.net marcelorosamr@gmail.com

42 | Suplemento técnico

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ERNESTO SNAjER

Snajer ha combinado su carrera como intérprete, con una intensa labor docente, brindando workshops y cursos de guitarra a lo largo de toda Argentina. El rango de sus intereses sonoros es muy amplio, y se desenvuelve con comodidad en proyectos acústicos y en otros con sonoridades experimentales. Por Sergio Resar foto: s. pappalardo

ernesto, cómo fue que llegaron a tocar con tu dúo en el luna Park?

Fue una propuesta de Martín Alfiz, productor al que conocí hace un largo tiempo atrás. Él, en general se dedica a producir shows grandes, y siempre me decía que iba a tratar de meternos como apertura de alguno.

Esta vez se dio la oportunidad.

Cuáles fueron tus sensaciones?

Fueron bastante buenas, porque en general es raro tocar como soporte, la gente está ingresando, no te vienen a escuchar a vos sino a otro artista, y eso puede predisponer mal al público. Pero sentimos que la gente por momentos escuchó con onda, y hasta me pareció que con algunas músicas se engancharon.

En general el balance para nosotros fue positivo. Es raro que una propuesta instrumental como la nuestra toque en un Luna lleno, y pienso que pudimos aprovechar el desafío.

un sonido hermoso, maderas de selección, un trabajo artesanal importantísimo. El mango, a pesar de ser de ocho cuerdas, es super tocable, comodísimo. El instrumento es muy balanceado. Con corte, especial para un tipo como Matías, que toca hasta donde no hay trastes... Mi guitarra, la Camarada Midi, tiene menos volumen, pero fue pensada a desde de esa forma, ya que viene instalada con sistema MIDI, y el menor volumen juega a favor de que el sitema no identifique a alguna nota como doble. Es un instrumento finíismo también, super estable, cómodo, y suena hermoso.

Cómo sigue tu carrera?

Este fin de semana tocando en Santiago del Estero y

Tucumán junto a Tiki Cantero. Como te decía, en unos días sale el cd con Matías, con lo que vamos a movernos lo más posible para su difusión. Por otra parte sigo grabando capítulos de “Notas de Paso”, el programa de música que desde hace unos años sale por Canal A. Y por último, el ciclo “Guitarras en Vinilo”, ciclo de música y charlas abiertas con invitados especiales, todos los jueves a las 21 en el restaurant del Café Vinilo. estás dándo clases?

NO doy clases particulares, lo que hago es dar cursos grupales. EN general doy uno o dos por año, depende de la cantidad de interesados que haya. Me pueden contactar a esnajer@yahoo.com.ar

Cómo eligieron el repertorio?

No hubo ninguna estrategia específica, solamente pasamos de arriba a abajo la música del disco que está por salir en unos días.

Qué nos podés decir de ellas?

La guitarra de Matías, es un instrumento finísimo, con

44 | Entrevista a Ernesto Snajer

foto: s. pappalardo

Con qué guitarras tocaste?

Tanto Matías Arriazu, como yo, somos endorsers de un gran luthier argentino, Esteban González. Matías usó el modelo Clásico de 8 cuerdas, y yo uso la Camarada Midi de seis cuerdas.

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vIvA ROck LATINO 2016

Estuvimos presentes en este interesante concurso que se realizó en el hard Rock Café en el barrio de Recoleta, de la capital del país. invitados por nuestros amigos de la empresa todomusica SA. Por Sergio Resar

La banda ganadora del concurso finalmente fue Satélites y se hizo acreedora del primer premio que consistía en Ciclo de shows en Hard Rock Café Buenos Aires, grabación de Cd del show en vivo en Hard Rock, Esta misma empresa dará en vouchers la suma de $2500

para la banda ganadora, una reportaje especial en radio, un importante kit de regalos para cada integrante del grupo, un sensacional micrófono Shure SM58, que cumple 50 años como empresa líder, también obtuvieron remeras Fender y otros premios de los sponsors.

El4 de octubre de este año, tanto la marca de guitarras, bajos y amplificadores Fender como micrófonos Shure, a través de su representante en Argentina, Todomusica SA, entre otras marcas de renombre, auspiciaron este interesante concurso que se realizó en el Hard Rock Café en el barrio de Recoleta, de la capital del país.

La gran final comenzó puntual, tal como estaba anunciado, entraron al escenario del Hard Rock, Satélites (ganadora del día 13/9), comandada por Ezequiel Levinton y secundados por Germán Simcovch en guitarra, Mark Cancian en bajo, Feda Scorzo en batería y Chapu Aldave en teclados.

Luego siguió Nuez, (Nicolás Cerrella en bateria, Lucas irigoyen bajo y voces, Martín Estigarribia guitarra y voz, Carlos Gulotta guitarra y voces) ésta muy buena banda fue ganadora de la semifinal del 20/9 es bastante particular, juegan entre lo alternativo y el funk, donde se destacan por su nivel de ejecución, especialmente el bajista.

Siguió Ave Trueno (ganadora de la semifinal del27/9) una banda con claras influencias de Led Zeppelin, Pearl Jam y Soundgarden. Sus integrantes son Agustina Perrotta (voz), José Sánchez (guitarra), Guido Kerpel (guitarra), Daniel Sánchez (bajo), Hernán Benedetti (batería) Cada banda realizó tres covers o canciones originales.

La final latinoamericana del concurso será filmada para poder participar con los demás Hard Rock de Latinoamérica. Solo seis bandas pasarán a la final continental.

46 | Viva Rock latino 2016

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