Guitarristas y Bajistas Magazine #49

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENtREViStA A ClAVitO ACtiS - Página 08 lA OtRA MiRADA DE gERARDO PRiCOlO - Página 10 WAShbuRN PARAllAxE - Página 11 hOMENAjE A EDuARDO ROgAtti - Página 12 PAul REED SMith SERiE S2 - Página 16 MARShAll AStORiA - Página 18 lA bAtAllA DEl SiglO: FENDER VS. gibSON - Página 20 ENtREViStA A MANuEl quiEtO - Página 22 ENtREViStA A ANibAl FORCADA - Página 28 POP DARk hEChO EN buENOS AiRES - Página 30 t-REx REPliCAtOR - Página 32 juNtOS x lOS iNuNDADOS - Página 34 jOhN AlEC ENtWiStlE - Página 44 PRiNCE - Página 46

SuPlEMENtO tÉCNiCO ERiC jACObS - Página 35 igOR SAAVEDRA - Página 36 DANiEl CORZO - Página 37 DOuglAS PADiAl - Página 38 DENiSON FERNANDES - Página 39 VANDRÉ NASCiMENtO - Página 40 juAMPY juÁREZ - Página 41 MARCElO ROSA - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Eric Jacobs Igor Saavedra Maycown Reichembach Douglas Padial Deninson Fernandes Juampy Juárez Daniel Corzo Marcelo Rosa Vandré Nascimento

04 | Editorial

Año 10º - Nº 49 | Mayo 2016 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.b.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.b.A y gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

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tONEY RICHARDS toney Richards es un cantante oriundo de la ciudad de Los Angeles, USA que viene a la Argentina a presentar su CD "Collision Course", y anticipando su show junto a otro consagrado cantante, Jeff Scott Soto del día Martes 24 de Mayo a las 21 hs. en Glamnation Party en el conocido the Roxy Live.

Toney Richards comenzó como cantante en la banda TORN IMAGE en 1986, en la ciudad de Los Angeles, California. Su primer show fue en Gazzari's en el año 1987. Luego estuvo en las bandas FIRE STARR (1987-1989), BRIGADE (1989-1991), PISTOL WHIP (1991-1992), SLAMMER (1993-1994) y ROAD ANGEL (1994-1995). En 1995 integra la banda de Glam Metal D-ZIRE y debutan el 16 de Diciembre en el Whisky A Go Go. En Enero del 1996 tocaron en el Troubadour junto a Anna Black. Y el 10 de Febrero (Día del Cumpleaños de Toney) en The Roxy Theatre.

D-ZIRE fue nominada “Mejor Banda de Metal” dos años consecutivos (2000 y 2001) por Rock City News en Hollywood, CA. Su primer CD "The Awakening" vendió más de 10.000 copias en todo el mundo sin ningún tipo de promoción importante. Ellos compartieron escenario con muchos artistas de renombre como: Pretty Boy Floyd, Lizzy Borden, Babylon AD, Saxon, Gilby Clarke, L.A. Guns, Phil Lewis (solista), Rik Emmett (Triumph), entre otros. La banda se disuelve en el 2003. Además Toney Richards audicionó para Rough Cutt (luego de la partida de Paul Shortino a Quiet Riot) y para Michael Wilton (guitarrista de Queensrÿche).

También trabajó en canciones con Darren Householder (guitarrista de Love/Hate) y con Derek Frigo (guitarrista de Enuff Z'Nuff). En el 2007 Toney Richards se une al guitarrista Ashlyn Childs (Suicide Alley) para formar WIKKID STARR, proyecto con el cual entran a estudios y graban “Collision Course” en 2015. Estos dos experimentados músicos hollywoodenses crean un álbum que reivindica ese viejo sabor del Hair Metal de Los Angeles. Como hecho destacado durante la producción del disco el experimentado ingeniero y productor Bill Krodel (Dokken, Bullet Boys, Great White, Gilby Clarke) es quien ha estado detrás de todo lo que se ha hecho en el estudio South Bay. Bill ha logrado sacar lo mejor de Richards y Childs. Ha creado una química mágica que provocará una irresistible adicción en los oyentes, cuando escuchen el álbum "Collision Course": canciones bien gancheras, con mucha energía sin perder el lado melódico, y con la electricidad sonora en cada riff.

A mediados de 2015, Toney Richards estuvo en Buenos Aires con fines promocionales de la mano de Lucas Gordon (periodista argentino que vive en Los Ángeles), y ha sido entrevistado en Vorterix Radio, Rock & Pop, Canal de la Música, y en diferentes radios y canales de televisión zonales de Capital Federal y Provincia de Buenos Aires. También fue invitado por la banda argentina SPANISH FLY (Tributo a Van Halen) a cantar los clásicos “You Really Got Me” y “Jump”. La banda que acompañará a Toney Richards en Buenos Aires está integrada por Marcelo Viera (guitarra), Riny Di (bajo) y Gustavo Wiry (Batería)..

NOVEDADES FAMA MUSIC LANEY AUDIOHUB VENUE La serie AUDIOHUB VENUE de LANEY que nos proponen nuestros amigos de la empresa Fama Music, fue diseñada para ofrecer una alta performance en una amplia variedad de usos del audio. Apto para un salón de clases, estudio de danza, bares, fiestas, DJ, presentaciones y seminarios.

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NOVEDADES MARSHALL Tevelam SRL, actual distribuidor de amplificadores Marshall nos informa que ya se encuentran en sus depósitos los Marshall MS-4, los Full Stack Mini de 1 watt y dos parlantes. Control de volumen, ganancia y tono.

Tiene diferentes canales de sonido para elegir y con una entrada de ¼” para conectar tu guitarra. Cuenta además con salida para auriculares y de puede inclinar.

Novedades | 05

EFEMÉRIDES

NOVEDADES StADIO

Bob Alan Deal, más conocido como Mick Mars, nació en Terre Haute (Indiana) el 4 de mayo de 1951. Mick es el segundo de los cinco hijos que tuvieron Tina y Frank Deal. Mick Mars dedicó gran parte de su vida a convertirse en el gran guitarrista que es, pasando por varias

El cabezal Ampeg Portaflex PF-500 ofrece un diseño ultra-compacto en un paquete extremadamente portátil, medidas de 35,5 x 27,2 x 8 cm y tan solo 5 kg de peso. Con una potencia de salida de 500W a 4Ω y 300W a 8Ω, amplificador clase D de estado sólido y preamplificador MOSFET. La principal ventaja de este tipo de amplificadores es que los transistores MOSFET de salida trabajan solo en corte y saturación por lo que teóricamente no se disipa potencia en forma de calor y la eficiencia general puede ser muy alta, es por esto por lo que permiten diseños de reducido tamaño como en este caso. https://stadio.com.ar

PC Midi Center comunica al público que el ganador del sorteo de la You Rock Guitar fue Luciano Caselli. Felicitaciones al afortunado ganador. Más info en www.pcmidicenter.com

bandas hasta encontrar finalmente a los Mötley Crüe.

Mars conoció a Nikki Sixx en un bar un tiempo antes de que la banda se formara. Nikki y Mars no acabaron de conectar así que perdieron el contacto, hasta que unos años más tarde Nikki respondió a un anuncio de “guitarrista busca grupo” que Mick publicó en el periódico.

Cuando Mars y Nikki se reunieron se reconocieron y Tommy dio su aprobación para que Mars entrara a formar parte de los Crüe. Más tarde, al no estar Mick contento con su cantante, propuso a Vince Neil (cantante de Rock Candy por aquel entonces) para ocupar el puesto. Feliz cumpleaños Mick!!.

06 | Novedades

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Clavito aCtis

Clavito Actis es un músico, autor, compositor y cantante además de ser productor artístico de Warner Chappell. Armó su banda en 1992, debutando en la Rock and Pop con los triciclos Clos en vivo. luego, del ‘93 al ‘94 tocó en Capital y gran bs. As. En rockerías como hermano john, el taller, betty blue's, Si bemol, Exclusivo y un montón de lugares más. Por Sergio Resar

foto: isabel olascuaga

quería tocar el bajo y bueno me toco a mí. Allí me anote en el teatro Roma, en el conservatorio, donde estudie contrabajo junto con el eléctrico.

Qué música escuchaste luego?

Después trate de escuchar mucha música como

Stanley Clarke y Jaco, Chic Corea , y me fui empapando de otras cosas, a los 17 empecé a vivir de la música y acompañar a muchos cantantes como Yuyú da Silva, Altemar Dutra y a trabajar en muchos Cabarets, que esa fue la mejor escuela hasta llegar al un lugar llamado El papagayo donde conocí a foto: isabel olascuaga

Clavito Actis comenzó su carrera como sesionista con apenas 17 años. Un año después ingresó como bajista en la banda del legendario guitarrista de jazz Oscar Alemán. Desde ese momento participó en infinidad de grupos y con artistas de nivel internacional, figuras como Altemar Dutra y Yuyú Da Silva.

Durante cuatro años tocó junto a Luis Salinas integrando su banda. Junto al cineasta argentino Jorge Polaco (“Kindergarten”, “La dama regresa”) musicalizó la obra teatral “El tutor”. También lo hizo con la obra “Los colores de Niní” de Ana María Giunta.

Como sesionista y productor trabajó con importantes músicos tales como Juanjo Hermida, Kenny Kirkland (tecladista de Sting y Brandford Marsalis), Hugo Méndez y Deacon Jones (legendario organista de blues), entre muchos otros.

Por qué elegiste el bajo?

En realidad empecé tocando la guitarra española y estudie con Osvaldo Tarantino, pianista de Astor Piazzola y Norberto Tarantino, grandes músicos. En esa época todos escuchaban Zapatos rotos, jaja.

Pero yo escuchaba Los Beatles y jazz de los ‘50s, Oscar Aleman, que el destino me llevo a tocar con él, tres meses de cambio de un compañero de conservatorio, y después como todo, arme mi banda del barrio pero paso que éramos 3 guitarras y nadie

08 | Entrevista a Clavito Actis

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Los integrantes al principio antes de grabar fueron Gabriel Núñez y Roberto Núñez y después vino José María Núñez en guitarra y Ricardo Báez en batería.

Cuántos discos grabaste con esta banda?

Hasta el momento fueron 6 discos. Un compilado con varias bandas de Warner Chappell y un Cd llamado El poder del Bajo, dado que en ese momento representaba un amplificador GK Gallien Kruger.

foto: isabel olascuaga

Cómo fue que conociste a Pappo?

A Pappo lo conocí de la mano del del Bolsa Gonzalez y Alambre en un ensayo que él me invitó a que le de una mano para probar los temas que después fueron grabados en la Doble Nelson. Zapamos toda una tarde, se presentó en la sala y pidió para tocar, obvio que fue mágico.

Luis Salinas y a otros grande como Paulinho Dopinho junto a Yeye Lopez , Carlos Guanair en batería un cuarteto muy bueno, donde tuve la oportunidad de aprender mucho la mano de la bossa nova, el samba y la salsa que yo no tenía para nada ese palo y Luis tampoco pero tuvimos la suerte de conocer a Juan Gularte, gran bajista de palo del candombe y la salsa y él no fue pasando un motón de fatos.

Cómo eran las noches en Papagayo?

Las noches del Papagayo eran mágicas. Se tocaba todos los días desde las 00.30 a las 5 de la mañana, acompañando cinco cantantes por día, más una hora que tocábamos Luis y yo de zapada, después, al final venían varios cantantes como Dany Martin,

Jones, uno que para mí fue el mejor cantante de boleros, Daniel Riolobos, un capo total.

Quiénes fueron tus influencias?

Mis influencias fueron como te dije antes, Beatles, el jazz de los ‘50s, después la Bossa Nova, Antonio Carlos Jobin, Vinicius de Moraes.

Cuándo nació La Clavo’s Band?

Clavos Band se formo por el ’92. Grabé mi primer CD en 1995 y después vinieron los demás CDs hasta llegar a este último registro, Mutando, que estoy promocionado ahora.

Quiénes eran sus integrantes?

Cómo nace tu relación con Javier Martínez?

A Javier lo conocí en la época del Papagayo, me venía a ver y allí empezamos a compartir ideas y hasta una novia ja ja ja. Y después empezamos a tocar juntos, donde con el tiempo en una segunda vuelta empezamos a componer algo junto y donde él participa en unos de mis CDs junto a otro amigo Ricardo Iorio que tuve la alegría de producir y tocar en su último CD. Cuáles son tus proyectos a futuro?

Mis proyectos futuros seguir haciendo música y grabar todo lo que pueda.

Quiénes integran actualmente la banda?

Los que integran la banda hoy son, Leo Pin González en Guitarra y Pablo Cuenco Cinicola en batería.

foto: isabel olascuaga

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Entrevista a Clavito Actis | 09

la otRa MiRaDa

Tuve la suerte de tocar muchos años con Gustavo Giles (La Torre, Lapo Guessaghi, Gillespi, Javier Calamaro) uno de los bajistas más impresionantes que he escuchado ¡y hablo del mundo! Gustavo, además de gran tempo, gran técnica de slaping y de dedos o fingerstyle como dicen los norteamericanos, posee algo muy difícil de conseguir que es SU SONIDO, en sus manos. Es capaz de hacer sonar cualquier bajo como un Alembic…pero “no es la flecha, es el indio”, más que nunca con Gustavo.

Otro gran bajista es José Rios (Fontova, Coco Romero) con quien he tocado muchos años también, otro bajista con sonido propio que nunca toca de más. Un bajista con excelente tempo y buen gusto y mucho “swing”. Bajista de mucha experiencia de quien se puede aprender mucho sobre todo en los estilos latinoamericanos que conoce y toca con autoridad.

Otros grandes bajistas que quisiera nombrar con los que he compartido escenario tocando con el trompetista Gillespi son; Javier Malosetti de una capacidad musical superior, un talento que todo lo puede, Daniel Maza otro gran bajista de increíble swing y sonido “gordo” pero definido. Otro bajista con el que he tocado es Alejandro Herrera, un virtuoso del instrumento, todos estos con mucha creatividad a la hora de improvisar. Y hablando de improvisar es hora de pasar a los guitarristas. Más de 10 años tocando con el Gran Lapo Gessaghi, su Gibson 335 y su Chet Atkins de cuerdas

10 | la otra mirada de gerardo Pricolo

Escribir sobre los bajistas y guitarristas con los que he tocado es todo un reto y un honor a la vez ya que tuve la suerte de compartir lindos y maravillosos momentos con músicos muy buenos. Para empezar prefiero referirme a los mejores amigos del baterista, los bajistas. Por gerardo Pricolo

de nylon, y cualquiera que lo haya tenido como maestro sabe de qué hablo cuando digo “Gran”. Lapo era todo lo que uno desea de su guitarrista, nunca se conformaba con tocar solo algo que estuviese en la escala correcta. Lapo era un obsesionado por no caer en el lugar común, en los yeites conocidos que muchos tocan unos tras otro para hacer creer que eso, es un solo. Lapo luchaba por crear lindas melodías todo el

tiempo sin nada preestablecido y desarrollar ideas cuando improvisaba. Tocar con ese “nervio” de estar haciendo algo único era su meta una de sus grandes cualidades era la de hacer que los demás tengan confianza en sí mismos y se soltasen para dar siempre el 100 %. Esto es algo que pocos pueden lograr. Era increíble también acompañando canciones, esto quizás por su amor hacia Los Beatles o los años tocando junto a Nito Mestre.

De Luis Alberto Spinetta con quien sólo y gracias a Diós pude zapar algunas veces en su casa y tocar percusión en un tema en el Estadio de Obras Sanitarias junto a su banda, puedo opinar más como fan y amigo que como músico. Luis era un guitarrista único, uno escuchaba un solo y era fácil saber que era él y sus riffs quien no los ha tratado de tocar alguna vez. Sus armonías se estudiaran por años. Siempre pensé que él fue el mejor guitarrista que él tuvo, a pesar de haber tenido muy buenos guitarristas.

Para terminar quiero nombrar a otro grandes guitarristas con quienes he tenido la suerte de tocar como Luis Salinas, talento puro, Pablo Robotti (Miguel Zabaleta), Pablo Plebs (Gillespi), Marcelo Vaccaro (Lerner, Paez), Charly Moreno (La Banda Anónima), Flavio Etcheto (Cerati, Resonantes), Alambre González, Paul Dourge (Spinetta, Gillespi) y muchos más de quienes he aprendido mucho y disfrutado este hermoso arte que es la música.

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WashbuRn PaRallaxe

Washburn fue uno de los primeros en usar Floyd Rose y un defensor acérrimo de la llamada super-Strat con dos micrófonos simples y uno doble. Sin embargo, el compromiso de la empresa con el mundo del rock y el metal los hizo dar cuenta que se necesitaba una actualización desde hace un tiempo. La nueva serie Parallaxe podría proporcionar eso. La serie Parallaxe de Washburn ha sido diseñada con la mejor tecnología y apunta en un 100% al guitarrista moderno sin olvidar las tradiciones. En este espacio comentaremos alguna de las características de unos modelos de esta marca.

PARALLAxE PxM 20 Específicamente diseñada para sacar el mayor partido de cualquier guitarrista de metal moderno, Con micrófonos EMG activos, te permitirán explorar a fondo en los sonidos del rock y el metal, todo esto montado en un cuerpo de Mahogany que proporcionará la máxima transferencia de sustain y tono.

CARACtERÍStICAS Cuerpo de Mahogany con tapa de Maple Flameado y mango de Maple. Tiene 24 trastes Super Jumbo con diapasón de Ebony y micrófonos EMG 85 y EMG 81

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Washburn ha producido una enorme gama de guitarras pero es probable que la asocien con las guitarras acústicas, que han estado en producción desde 1883, o los instrumentos de rock que surgieron a finales de la década de ‘70. Por gyb.ar

y puente Tune-o-matic. Con una escala 25.5” y clavijas Grover. Un sistema de a finación Buzz Feiten System y Cuerdas D'Addario.

metal poderosa que suenan excelente. Las increíbles habilidades de diseño de esta Washburn hacen que coincidan perfectamente la belleza y el sonido, pero esta guitarra no se romperá tu cuenta bancaria.

CARACtERÍStICAS Cuerpo de Basswood y mango de Maple con diapasón de Ebony con 24 trastes y una escala de 25.5” y micrófonos Humbucker activos Duncan Designed. Tiene puente fijo y cuerdas D'Addario

PARALLAxE PxM 100C Como la anterior, esta guitarra también fue diseñada para tocar metal, con la diferencia de contar en su cuerpo de Basswood, unos micrófonos diseñados por Seymour Duncan.

CARACtERÍStICAS Cuerpo de Basswood y mango de Maple. Esta estupenda guitarra tiene 24 trastes con diapasón de Ebony y micrófonos diseñados por Seymour Duncan. Esta guitarra tiene puente fijo y una escala de 25.5. Posee clavijas Grover y cuerdas D'Addario.

PARALLAxE PxM 200 La Washburn Parallaxe PXM200 es una máquina de

PARALLAxE PxL 20B Como todos bien sabemos las guitarras con cuerpo de Mahogany han sido durante mucho tiempo un estándar en la guitarra del hard rock. La Washburn PXL20B lo lleva un paso más allá con un diapasón de Ebony, que le da una mayor claridad y definición en su ataque.

CARACtERÍStICAS Cuerpo y mango de Mahogany con diapasón de Ebony y 22 trastes. Su escala es de 24.75” y tiene micrófonos Duncan SH2 y SH4 con un puente Babicz Full Contact y cuerdas D'Addario.

Washburn Parallaxe | 11

hoMenaje a eDuaRDo Rogatti No me gustan mucho los homenajes cuando las personas no están, prefiero brindarlos en su presencia. Pero Eduardo Rogatti para mi fue especial, marcó a fuego una etapa en mi vida. gracias a él aprendí a calibrar una viola, algún que otro yeite en la guitarra e infinidades de canciones de the beatles. Pero prefiero recordarlo como hombre y no como músico, recordar esas largas charlas por las tardes en el negocio que yo trabajaba. Nunca una bajeza, nunca un mal entendido, un tipo con códigos. hace pocos días, el 4 de abril hubiera cumplido años y recordar esa fecha me hizo pensar que Eduardo se merecía un homenaje en esta revista. Y qué mejor que lo cuenten sus amigos y principalmente su hijo. gracias a todos los que participaron y los que no pudieron de esta nota. Pasan los años y sigo sin encontrar a alguien que no hable bien de mí querido “gordo”. te extrañamos mucho. Por Sergio Resar

CONVIVIENDO ENtRE AMPLIFICADORES Y GUItARRAS - MAURO ROGAttI (HIJO) Con mi viejo compartíamos la pasión por la música y por el fútbol. Recuerdo los domingos viendo a River mientras tocábamos la guitarra o me pasaba un yeite.

Mi viejo sabía una bocha de violas, amplis y le encantaba tunearse las guitarras que usaba en el escenario.

12 | homenaje a Eduardo Rogatti

Tenía Gibson, Fender pero a él le gustaba modificarlas a su gusto. Por los años 80 usaba una Telecaster Rosa fabricada por Horacio Lista y Jorge Ash. A mediados de esa década que estaban de moda las superstratos con Floyd, el usaba una strato RAM modificada con puente flotante “Paul F. Stroth”, con dos micrófonos Gibson PAF. Ya en los `90s fue endorser de Hamer Argentina, de Crate, de Danelectro, de Aria, de Morley y D`andrea pero luego volvió a sus orígenes con los modelos clásicos vintage. Amaba la Telecaster. A fines de la década formó el Club de Guitarras Callejeras donde tocaban un repertorio de canciones clásicas de Blues y de Rock. Con esta formación se saco las ganas de tocar las canciones y usar los instrumentos y equipos que más le gustaban. Entre su set up no podía faltar un Ibanez TS9, un Wah Wah Shaller original Alemán modificado por el muchas veces, Boss Super Chorus, Boss Digital Sampler Delay, Pedal de Volumen Morley y Afinador Boss TU12. Los amplis eran Fender Bassman Ten, Marshall JCM800, Sovtek MIG50 y un Crate Vintage Club 20. En Violas usó Telecaster 62, Stratocaster ESP, Shecter, Fender y una Gibson Les Paul De Luxe Gold Top modificada por él con trés Humbucker. En su arsenal tenia más de 30 violas y más de 10 amplificadores. Recuerdo un Super Reverb y un Marshall JTM45, ambos originales (no reedición) que ahora son parte de la colección de Héctor Starc, amigo de mi viejo. Mi casa era como la de cualquiera pero con muchos estuches y amplificadores en el paso. Cada vez que entrabas, te ibas a encontrar con mi viejo con

una herramienta en la mano y una guitarra en la otra.

Si no estaba calibrando una viola, la estaba tocando en el sillón. Cuando nos íbamos de vacaciones nunca faltaba la viola en el auto. Era un apasionado de este maravilloso instrumento y me quedo como legado esa misma pasión por las guitarras y los amplificadores.

Fue un gran Músico, sesionista, compositor y guita-

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de Beatles. Hacíamos unas versiones terribles con sonido de trío. Además sentía que éramos una banda de tres amigos. Fueron momentos maravillosos. Recuerdo que el primer show que tocamos así fue en un bar de San Isidro. Fue tremendo, tuvimos que regular la potencia porque el trío arrasaba. Después recuerdo otra jornada que toqué durante todo el día en Roxy de los Arcos. A la tarde con Los Violadores con Fernando de Catupecu para una fiesta del programa de radio “El 5to Jinete” (que conducía mi amigo Pablo Valente), porque Stuka estaba en USA. A la noche tenía en el mismo lugar fecha con Los Durabeat, que volvíamos a ser cuatro porque se había agregado a la banda José María Nuñez, un gran guitarra y tipazo. Como había quedado armado el backline y el sonido de la tarde hice doblete a la noche con Violadores con Fernando Catupecu (y Gabi Ruiz Días de operador), y Durabeat. Para mí una noche inolvidable. Por lo exótico de tocar con Fer y Gabi operando a Los Viola y porque luego tocamos con Durabeat (recuerdo que subió Fabiana Cantilo a hacer “Oh Darling”). Luego hubo zapada entre las dos bandas, tremendo. Hoy cada tanto cruzo palabras con Olga, su esposa, persona que veo poco pero quiero mucho, y a veces me lo cruzo a Mauro, su hijo y les comento lo que es Edu para mí.

Pura emoción.Eduardo vive en nuestro corazón para siempre. Sí, para siempre. Estoy agradecido de haberlo conocido y compartido esos maravilloso e inolvidables momentos. Edu mi cariño siempre para vos amigo mío. Gracias, gracias, gracias.

rrista pero por sobre todas las cosas fue una gran persona y excelente padre.

SERGIO VALL (Ex BAtERIStA DE DURABEAt) La verdad que cuando hablo de Edu no tengo demasiado para decir porque todo es más sentimiento, sensación y emoción que palabras. Pero como describir esto? No es fácil de explicar, ni de transmitir. A Edu lo conocí cuando Mariano Leiva me pidió desesperadamente si lo podía ayudar con su banda de covers de The Beatles, Los Durabeat, porque el baterista Alejandro Soto, se había ido a tocar con Gabriel Carámbula y Durabeat tenía siete show que cumplir. A Mariano le dije que me gustaban The Beatles, pero que no tenía mucho los temas como para tocarlos ya. Fui a ensayar y ahí lo conocí a Eduardo. Esto habrá sido en el 2000.

Para mí ahí comenzó una corta pero fuerte relación con un tipo que terminé adorando. Tuve la suerte de tocar con él en una banda como Los Durabeat, pero también de hacer algunas clínicas en Capital e interior.

Una vez viajamos a Ushuaia para hacer una clínica y recuerdo largas charlas que tuvimos que forjaron nuestra amistad. Fue un viaje alucinante y recuerdo que

14 | homenaje a Eduardo Rogatti

toqué en la clínica arriba de un tema de Led Zeppelin y le voló la cabeza. Me decía “Vamos a hacer un par de temas de Zepp”. Creo que por allí tengo guardada alguna foto de ese viaje. Respecto a lo musical recuerdo que él me contaba que León Gieco le ponía un panel en el amplificador porque le decía que tocaba muy fuerte. A mí me pasaba lo mismo en algunas bandas, por lo que musicalmente nos entendimos a la perfección, si bien yo era un simple y potente baterista de rock y él un grande de la guitarra. Recuerdo que de corazón en algunos shows me acercaba al micrófono y lo presentaba como el mejor guitarrista que yo había conocido, y no le gustaba nada. Pero yo le decía que era lo que sentía. Lo que me terminaba de cerrar era que detrás de ese grande en lo musical había un tipo adorable, sensible, sin maldad. Un ícono de buena gente. Y como siempre digo, yo soy fan de la buena gente y por eso me siento privilegiado de haberlo conocido y compartido mucho en poco tiempo en lo musical y humano. También recuerdo que cuando comencé a tocar con él, Los Durabeat eran un cuarteto, pero al poco tiempo quedamos Edu, Mariano Leiva y yo. Un trío power. Me fascinaba tocar así temas

CLAUDIO “DRAGON” MOGLIA (GUItARRIStA LEóN GIECO) Recordar a Eduardo, es francamente una bocanada de aire fresco para mí, lo disfruto mucho. Entre muchas cosas porque compartí con él y su familia, un montonazo de momentos cristalinos, difíciles, divertidos, de mucho aprendizaje, con una gran pasión…lo que nos sucedía era que vivíamos con mucha pasión las cosas que más nos gustaban, tocar, escuchar música, River Plate y sobre todo, nos encantaba comer juntos. Nos dábamos todos los gustos. Yo no tenía un peso así que garpaba él o en su casa, Olga cocinaba para el campeonato. Yo cuando pienso en Eduardo, pienso en todo eso, en lo poco que teníamos y lo mucho que lo disfrutamos, pero lo más llamativo de esto era que para mí, él fue el violero más intenso y de mayor emoción que yo alguna vez haya conocido, el fue un músico de esos que no son comunes, de esos que manejan la intuición con un enorme gusto, y que se tunean a sí mismo para involucrarse con el tema que en ese momento estaban tocando. Era tremendo, yo veía que los otros músicos lo admiraban, pero para mí era todo eso más lo que viví con su compañía. Salíamos de gira, le armaba sus cosas, le preparaba sus equipos y mientras eso pasaba nos cagamos de risa de un montón de cosas, planeábamos lo que íbamos a morfar después, soñábamos con ir a Estados Unidos y ver a Van Halen, y arrancaba el show y yo decía “Este es un hijo de putaaa…!!!...como puede tocar así???” y había un gesto que hacia cuando le daban el pie para un solo o un obligado, un gesto tan de él, que nunca repetía lo mismo, hacia lo mismo pero de forma diferente y me miraba de costado y se reía como un nene. El sabía que metía los garfios como un Dios,

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el cuándo metía esas cosas te la dejaba ahí, servida.

Cómo tocaba Eduardo, cómo sonaba, cómo afinaba y como remontaba cualquier cosa… Pero eso, era su cualidad de músico, de violero, del tipo que tenía un road increíble y había recorrido todos los shows que te imagines. Un gran músico al que yo admiraba y realmente, no vi nunca más un guitarrista que pueda pelar de esa forma. Pero eso era tocando la viola, lo que yo más disfruto de él es recordarlo como amigo, porque nos divertíamos y disfrutábamos mucho todo lo que hacíamos, entre esas cosas tocar juntos.

Cuando yo era chico, me cole en un show de Sandro, porque me dijeron que el hacia un intervalo para cambiarse y los músicos hacían un popurrí de rock and roll, y que se tocaban todo. Me acuerdo perfecto que me fui diciendo “el violero es lo más…cómo toca ese chabón!!!”. Algunos años después yo entre a laburar de plomo con Baglietto, y me toco atenderlo a Eduardo, lo cual para mí era un lujo, y él se encargo de enseñarme a calibrar, cambiar cuerdas, ecualizar, yeites de todo tipo, conectar y desarmar pedales, violas y como se dio cuenta que era músico me invito a tocar en una banda que armo que se llamo Rock Royce, yo tocaba el bajo y me enseño a ser músico.

Me ayudo a no achicarme, y a encarar las cosas, no era mezquino en lo más mínimo, si vos tocabas en una banda con él, él se achicaba para que suenes vos cuando te tocaba el turno, y te incentivaba todo el tiempo…ese era Eduardo Rogatti como músico, pero lo que quiero decir, es que en la vida él era mejor, mucho mejor que eso, por eso recordarlo como músico es de un gran valor y respeto, pero él fue siempre mucho mejor, había que tener la suerte de encontrarlo, y yo la tuve plenamente, mi relación con el fue plena,d e punta a punta, no nos mentimos ni cagamos nunca,

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me puteaba porque tenía un humor tremendo, se calentaba y rompía todo, como cuando tocaba, así de intenso era. Anécdotas?...que se yo? saben las cosas que viví junto a él? La mejor anécdota creo que va a ser cuando me toque el turno de encontrarlo y nos pongamos a hablar de comida, seguramente en ese lugar también toquemos, pero lo mejor va ser volver a encontrarse, si ese lugar existe, seguro lo veo. Dicen que uno sólo se cruza con los que más quiso en vida, así que seguro un día lo vuelvo a ver y si a alguien le paso lo mismo que a mí…ahí nos vemos.

MARCELO GARCÍA (BAtERIStA LEóN GIECO) Prefiero recordar, a las personas que ya no están entre nosotros, con los mejores momentos y situaciones vividas. Tuve la oportunidad de tocar con Eduardo Rogatti en la Banda de León Gieco durante muchos años, además acompañando a Tania Libertad, Edelmiro Molinari y compartiendo muy buenos momentos con el “Club de guitarras callejeras”. Banda que el lideraba de alguna manera junto a Aníbal Forcada, (Mariano Leiva un tiempo) Dragón Moglia y quien les escribe Marcelo García. Capo total Eduardo, grabo y toco con personajes de todos los palos. Un placer tocar con él, realmente tenía un swing de un guitarrista Afroamericano, cuando tocaba rock o blues. Capo total nuevamente por que lo escuche tocar otras músicas, folklore, latín, etc. En todo se movía con resto, leía y sobre todo tenía mucho oficio, del músico que no le hace asco a nada y sale con todo a dejarlo en la cancha. Soy un agradecido de La Vida, por haber tenido de compañero y amigo a un grande como fue el “Gordo” Rogatti.

ANIBAL FORCADA (BAJIStA LEóN GIECO)

Caminando por Londres en el 2001, en una gira que fuimos a hacer por allí, con Heredia y Gieco, Eduardo y yo compartimos habitación, como lo hicimos durante muchos, años. Días después del concierto que fue parte de la Semana Argentina en Londres, donde participaron también, Divididos, Illia Kuryaky ATV, Soledad entre otros, en el Barbicam de Londres, una sala maravillosa. Bueno, una mañana lluviosa, por supuesto, caminábamos juntos, buscando casas de "rare guitars", a Edu le fascinaban las guitarras, raras, viejas, nuevas. En fin todas y la verdad que encontramos tugurios en donde había instrumentos increíbles. En un golpe de vista veo que cruzábamos una calle llamada Saville Road. Me detengo aquí, porque necesariamente tengo que contar un episodio que me ocurrió de chico y es que lógicamente como amante ferviente de The Beatles, cuando salía un disco nuevo me lo leía TODO...hasta Impreso en.... Bueno así, descubrí que su club de fans estaba en Saville Road 3, en mi temprana edad les escribí a los Beatles esperando ansioso una respuesta que NUNCA llegó por supuesto...pero me quedó la dirección para siempre.

Vuelvo al paseo con Eduardo. Cuando detecto la calle Saville, estábamos en el número 130 y le digo, “Eduardo, ahora vos seguime a mí”... “A dónde vamos?” me preguntó, y yo le dije “Shhhhh... vos seguime” y despacito fuimos llegando al número 3 de dicha calle. Cuando llegamos al edificio le dije “Mirá esto fue Apple en donde los quías tocaron en la terraza por última vez”. Nos abrazamos emocionados y cuando le íbamos a preguntar a la señor que estaba en la puerta si era ahí, que... habían tocado, nos contestó antes de terminar, “Si, ahI tocaron The Beatles por última vez”. Me lo agradeció siempre Eduardo.

Gran Compañero y amigo.

homenaje a Eduardo Rogatti | 15

PRs seRie s2

La introducción de las recientes guitarras S2 SERIE de PRS revela el deseo de la compañía de ofrecer alternativas más accesibles para los guitarristas. Estas nuevas S2 son los resultados de algunos esfuerzos muy dedicados por parte de PRS para encontrar maneras de reducir los costos de producción sin comprometer la calidad, el sonido o el rendimiento.

S2 CUStOM 24 El formato de la S2 Custom 24 será muy familiar para los fans de la ERP, ya que cuenta con la clásica combinación de una tapa de Maple y cuerpo de Mahogany, por lo que es visualmente como la guitarra PRS original, pero en una forma despojada. A diferencia de la original, sin embargo, la S2 tiene una parte superior biselada asimétrica, que tal vez no se ve tan elegante como el de su inspiración, pero sin duda constituye una alternativa moderna. La forma del cuerpo ya clásico de la original permanece por lo demás igual, sin embargo. El mástil de la S2 está hecho también de Mahogany, pero de nuevo se diferencia del original en que cuenta con una construcción de cuello de tres piezas. El cuello también tiene un estilo PRS de los ‘80s.

CARACtERÍStICAS Cuerpo de Mahogany con tapa de Maple Mango de Mahogany Diapasón de Rosewood

16 | Paul Reed Smith Serie S2

la S2 Series de Paul Reed Smith actualmente se compone de tres modelos: el S2 Custom 24, el S2 Mira, y el S2 Starla. los tres modelos se hacen en la fábrica de PRS en Maryland en Estados unidos, donde también se construyen sus homólogos del mismo nombre, pero hay que tener en cuenta que los materiales y técnicas de fabricación difieren ligeramente. Por gyb.ar

Anchura de la cejilla 1 21/32 " Escala 25" 24 trastes Clavijas PRS S2 Trémolo PRS Controles de volumen, tono con división de la bobina Push/Pull, selector de 3 vías.

Cuerdas PRS (010/046) Hecha en EE.UU.

S2 MIRA Con una sobria, cuidada estética, confort y rendimiento instantáneo, y un sonido que es familiar y cautivador, la S2 Mira es una guitarra que no querrás dejar. Su cuerpo es todo de Mahogany, su forma asimétrica, la parte superior biselado dan a la S2 Mira gran parte de su tono de explosivo. La versatilidad impresionante de esta guitarra que está a disposición de las masas actualmente, con un precio más que accesible para una guitarra fabricada en Estados Unidos. Con un cuerpo y mástil de mahoganny y diapasón de Rosewood, harán que disfrutes al máximo tus ejecuciones.

CARACtERÍStICAS Cuerpo de Mahogany Mango de Mahogany Diapasón de Rosewood Anchura de la cejilla 1 21/32 "

Escala 25" 22 trastes Clavijas PRS S2 Puente PRS Stoptail Controles de volumen, tono con división de la bobina Push/Pull, selector de 3 vías.

Cuerdas PRS (010/046)

S2 StARLA La PRS S2 Starla cuenta con una construcción completamente de Mahogany y como la original de hace veinticuatro años, tal vez se vea un poco más deportiva y en la parte superior con un borde biselado asimétrico.

También comparte una construcción del mástil de tres piezas, lo que PRS ha hecho para ayudar a ahorrar en costos de residuos y de control.

CARACtERÍStICAS Cuerpo de Mahogany y mango de Mahogany Diapasón de Rosewood Anchura de la cejilla 1 21/32 " Escala 25" 22 trastes Clavijas PRS S2 Puente tune-o-matic con vibrato Bigsby B50 Controles de volumen y tono Push/Pull Interruptor de 3 vías.

Cuerdas PRS (010/046)

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MaRshall astoRia

Astoria es la nueva gama de la marca Marshall que representa un cambio significativo de la dirección del gigante de amplificador. En los últimos años, Marshall el fabricante de amplificadores británico parece estar produciendo equipos que realmente pueden estar compitiendo tranquilamente contra algunos de los mejores rivales de amps boutique y parece estar haciéndolo muy bien, tanto en su asombrosa calidad como en sus precios. Estos nuevos amplificadores Marshall están siendo construidos en el Reino Unido y se están ganando un lugar en el mercado rápidamente. Vamos a ir contandote las tres opciones que la Serie Astoria tiene para ofrecerte.

Por un lado podemos encontrar el Marshall Astoria Classic, de color verde y crema, es un amplificador de un solo canal, ideado para aquellos que van directos de los pedales al amplificador. Por otro lado encontraremos el Marshall Astoria Custom, de color rojo y crema, es un amplificador también de un solo canal, pero al que le han agregado un loop de efectos de válvulas activable mediante footswitch, modificadores de tono mediante switching y booster también activable desde pedal. Y por último, el Marshall Astoria Dual, que es de color azul y crema y es un amplificador de dos canales que van desde limpios crujientes, a overdrives potentes y dispone de las mismas características del Astoria Custom.

Excluyendo reediciones y modelos Signatures, Astoria es la nueva gama de amplificadores Marshall de esta tradicional de la compañía. Dirigidos directamente al mercado boutique. los Astoria llevan este nombre por el lugar emblemático de la música londinense que fue demolido por desgracia en 2009. Por gyb.ar

Los tres modelos son cableados a mano mediante la técnica de soldadura punto a punto y tienen válvulas ECC83 (12AX7) en el pre, recificadora GZ34 y válvulas KT66 en la etapa de potencia, con biasing de cátodo sin retroalimentación negativa -una característica de los amplificadores vintage. También, los tres modelos llevan parlantes Celestion y cuentan con una potencia de 30 watts.

AStORIA CLASSIC Características 30 Watts, amplificador a válvulas (o 5 cuando se activa la Reducción de Potencia). Válvulas 3 x ECC83, 1 x GZ34 (rectificador) y 2 x KT66 (amplificador de potencia). El diseño contemporáneo handwired. El interruptor de reducción de potencia (30W o 5W).

Volumen principal. El control de contorno. Bass, Middle y Treble. Control de sensibilidad y Lo & Hi entradas de sensibilidad. Panel de aluminio.

AStORIA CUStOM Características 30 Watts, amplificador a válvulas (o 5 watts cuando se activa la Reducción de Potencia). Válvulas: 4 x ECC83, 1 x GZ34 (rectificador) y 2 x KT66 (amplifi-

18 | Marshall Astoria

cador de potencia). Diseño contemporáneo Handwired. El interruptor de reducción de potencia (30W o 5W). Volumen principal y Control de contorno.

Bass, Middle, Controles de agudos. Interruptor de brillo y interruptor de impulso (conmutables por pedal). Control de ganancia y Loop de efectos (conmutables por pedal) con control de nivel. Interruptor de pedal incluido (para Boost y FX Loop). El panel de aluminio.

AStORIA DUAL Características 30 watts, amplificador a válvulas (o 5 watts cuando se activa la Reducción de Potencia). Válvulas: 4 x ECC83, 1 x GZ34 (rectificador) y 2 x KT66 (amplificador de potencia). Dos canales conmutables por pedal - Limpio y OD (pedal incluido). Diseño contemporáneo Handwired. El interruptor de reducción de potencia (30W o 5W). Volumen principal y Control de contorno. Bass, Middle y Controles de agudos. Volumen OD. Ganancia OD. Volumen Limpio.

Conmutador de canal y Loop de efectos(conmutables por pedal) con control de nivel. Interruptor de pedal incluido (para cambio de canal y FX Loop).

Panel de aluminio.

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la batalla Del siglo: fenDeR vs. gibson Si bien en la década del ‘30 es cuando aparecen las primeras guitarras eléctricas, éstas no eran más que instrumentos acústicos con el agregado de un micrófono. Es en la década del ‘50 cuando aparecen las primeras guitarras eléctricas tal como las conocemos hoy en día, teniendo como principal característica la construcción del instrumento sobre un bloque de madera sólido, es decir, sin caja acústica. las fábricas Fender y gibson han sido las principales impulsoras de este desarrollo y, curiosamente, instrumentos con más de 50 años de existencia siguen siendo hasta el día de hoy los más copiados e influyentes tomados como modelo y punto de partida de la mayoría de las guitarras eléctricas del mercado actual. Nos referimos, por supuesto, a la Fender Stratocaster y gibson les Paul. Por Facundo lópez burgos

Un dato importante a tener en cuenta es que en el año 1950 Gibson era una prestigiosa empresa que llevaba ya 70 años, desde su fundación en 1880, construyendo instrumentos de cuerda (mandolinas en principio, y luego guitarras). Contrariamente a esto, Leo Fender, técnico electrónico que trabajaba reparando radios, amplificadores hogareños y demás equipos electrónicos, fue acercándose al mundo de la guitarra con la construcción y diseño de amplificadores de guitarra en un comienzo, para terminar construyendo laps y guitarras luego. Seguramente fue esta carencia de tradición lutherística lo que le permitió acercarse de una manera absolutamente desprejuiciada a la construcción de instrumentos, y aportar muchas de las que serían las más grandes innovaciones en lo que a construcción de guitarras eléctricas se refiere.

CUERPO SóLIDO La idea de colocar micrófonos en las guitarras surge dado el poco volumen natural del instrumento. Las posibilidades de escuchar una guitarra en el ámbito de una banda de jazz junto a una trompeta, piano o batería son casi nulas, relegando el papel de la guitarra a sólo un acompañamiento armónico-rítmico. Si bien al colocarles un micrófono esto se solucionó en parte, el volumen seguía siendo pobre, ya que al subir mucho el amplificador aparecían los molestos acoples. Por consecuente, el volumen seguía siendo escaso para que la guitarra pudiera desempeñar el rol solista que muchos guitarristas buscaban. La idea de experimentar con un cuerpo sólido surge debido a que, al carecer de caja de resonancia, las guitarras ya no producen acoples (en realidad, las guitarras siguen acoplando, sólo que a volúmenes muy superiores, absolutamente impensables en esa época).

20 | la batalla del siglo: Fender vs. gibson

Según cuenta la historia, la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo fue construida en 1948 por Paul Bigsby para el músico Merle Travis; sin embargo, el primer modelo comercial fue desarrollado por Leo Fender y lanzado al mercado en el año 1950. Se trata de la Fender Telecaster (los primeros modelos se llamaron Esquire y Broadcaster, hasta quedar finalmente con el nombre que hoy en día conocemos). Desde mediados de la década del 40 el guitarrista Lester William Polsfuss, conocido como Les Paul, venía trabajando en un prototipo de guitarra con un centro macizo y dos pedazos de caja a los costados (algo así como lo que terminaría siendo la famosa Gibson ES335), pero sencillamente no lograba interesar a Gibson, que no veía a quién podría interesarle un instrumento de tales características. Tras el suceso de ventas de Fender la compañía convocó al guitarrista, y junto a Ted McCarty diseñaron la Gibson Les Paul, que es lanzada al mercado poco tiempo después.

entre otras cosas, habla de un árbol de larga edad), y la manera en que éste entra en el cuerpo y es encolado con un pequeño ángulo (entre 4 y 5 grados); y en el diseño y construcción de su puente (tune-omatic) con pernos que penetran en el cuerpo para transmitir mejor las vibraciones de las cuerdas a la madera. Contrariamente a esto, Leo Fender basa sus diseños en practicidad, facilidad de construcción y economía, utilizando, por ejemplo, maderas de las que puede disponer fácilmente, por ser las que se cultivan localmente, como fresno, aliso, arce. El mástil está construido a partir de un solo pedazo de madera con la pala recta, y se atornilla al cuerpo (cosa que permitiría cambiarlo para posibles reparaciones). En los primeros diseños no posee diapasón, clavando los trastes directamente sobre el mástil. Sus diseños no se basan en absoluto en las formas tradicionales, proponiendo formas, pinturas y colores que se inspiran en la tradición automovilística norteamericana.

DISEÑO Y CONStRUCCIóN La Gibson Les Paul es sin duda alguna un instrumento lujoso que resume años de tradición lutherística y experiencia, en lo que a construcción se refiere. Esto podemos apreciarlo en sus detalles de terminación (guías de diapasón con formas trapezoidales en nácar o madreperla, contorno de la guitarra con ribetes, pintura dorada en un comienzo para ser reemplazada por madera de bellísima veta, con pinturas translúcidas posteriormente, tapa tallada, etc.); en la elección de sus maderas: caoba, con una tapa de arce (utilizadas desde siglos atrás para la construcción de instrumentos de cuerda); en la construcción del mástil con la inclinación de su pala tallada a partir de un gran bloque de madera (lo que,

MICRóFONOS Las primeras guitarras eléctricas sólo poseían un micrófono con control de volumen, pensando en amplificar el sonido y tener un mínimo control de su volumen. Es Leo Fender el primer fabricante que incursiona en el mundo tímbrico de la guitarra eléctrica, al introducir dos micrófonos en el diseño de su primera guitarra (Telecaster), para agregar un tercero en la afamada Stratocaster. De esta forma, las guitarras no sólo son amplificadas, sino que con sólo cambiar de uno a otro micrófono nos entregaba distintas opciones en cuanto al color del sonido.

Por su parte, Gibson, luego de utilizar durante sus primeros años micrófonos P90 (bobina simple), introduce en el año 1957 los Humbuckers (micrófonos de doble

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bobina), que se convertirían con el transcurso de los años en sinónimo de Gibson, en cuanto a sonoridad se refiere.

Los micrófonos de doble bobina son básicamente 2 bobinas simples conectadas en serie a contrafase y con la polaridad invertida. Esto buscaba remediar el problema del zumbido y las interferencias características de los micrófonos de bobina simple, que en el caso de los P90, por ser mics de alta ganancia, era aún mayor que los típicos micrófonos usados por Fender. Pero ésta no fue la única consecuencia que tuvieron estos micrófonos en el sonido, ya que, debido a su construcción, los doble bobina son micrófonos de mayor ganancia, con más sustain, y poseen un sonido más coloreado y con más cuerpo que los de bobina simple.

LARGO DE ESCALA El largo de escala es la distancia que hay entre los dos puntos de apoyo fijos que tiene la cuerda, es decir, el puente y la cejuela. Si bien ambas marcas han variado levemente esta distancia, años y modelos de por medio, Fender se ha caracterizado siempre por el uso de una escala más larga que Gibson (el largo de escala de una Telecaster-Stratocaster es de 648mm contra los 629mm de una Les Paul o SG). El uso de una escala más larga hace que, partiendo de una cuerda del mismo calibre, se necesite una mayor tensión para alcanzar una misma nota. Una cuerda más tensa nos entregará un sonido más nítido y brillante. Por otro lado, la acción general de un instrumento con menor tensión nos hará la guitarra más “blanda”, resultando más fácil el uso de recursos, como estirar cuerdas (aunque guitarristas como Stevie Ray Vaughan pueden hacernos dudar de esto último).

CONtROLES La Fender Stratocaster posee una llave selectora de 5 posiciones, que nos permite elegir el uso individual de

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cada uno de sus 3 micrófonos, o la combinación de a pares del micrófono central con el del mástil, o el central con el del puente. Además de esto, posee un volumen general del instrumento y 2 controles de tono (uno para el mic del mástil y otro para el central). Por su parte, la Gibson Les Paul posee un selector de 3 posiciones, que nos permite elegir entre cualquiera de sus 2 micrófonos o el uso de ambos a la vez. Ambos micrófonos poseen control de tono y volumen. Esto nos permite, al utilizar ambos micrófonos, tener un control sobre su mezcla.

Otro uso interesante de poseer controles individuales de cada micrófono, es la posibilidad de tener uno al mínimo de su volumen y el otro al máximo para alternar rápidamente, y sin necesidad de ningún control externo entre un sonido solista y uno de acompañamiento. ¿Y EStO CON QUÉ SE COME? Hasta aquí vimos una descripción teórico-técnica acerca de las diferencias entre ambas guitarras. Yendo a un terreno algo más práctico, sigo con las diferencias que encuentro en ellas. Partiendo de guitarras bien calibradas y con una misma acción del mástil, las Gibson son guitarras más “blandas” que las Fender. Hay quienes las prefieren por este motivo. En mi caso, siempre uso en Gibson un calibre superior que en Fender (por ejemplo, si en Fender uso .010, en Gibson utilizo .011) para tener una tensión similar. Por otro lado, el usar cuerdas más gruesas me entrega un sonido con mayor cuerpo. Las Gibson son guitarras que poseen mayor sustain y un sonido con más cuerpo que las Fender. Es especialmente notable la intensidad del sonido en sus cuerdas agudas en los trastes elevados (digamos por arriba del 10º traste). Las Fender poseen un sonido más nítido y cristalino. Por otra parte, quienes gusten de un sonido pulcro y muy limpio, encontrarán en ellas una gran herramienta.

La expresividad alcanzada de la Stratocaster por músi-

cos como Jeff Beck o David Gilmour, por citar sólo dos ejemplos, rara vez se ha encontrado en una Gibson. Las Gibson son guitarras más silenciosas (en cuanto a ruidos parásitos) que las Fender. Por otra parte, el poseer controles de volumen independientes por cada micrófono nos permite algunas funcionalidades como las ya citadas, o la de tener un mic cerrado y otro abierto, y cambiar de uno a otro mientras hacemos acoplar la guitarra. Esto nos permite utilizar el acople para generar patrones rítmicos. La ubicación del pote de volumen de Fender nos permite moverlo con el dedo meñique mientras tocamos las cuerdas. Si escuchamos guitarristas tan disímiles como Jeff Beck o Yngwie Malmsteen, han hecho del uso de este recurso, parte de su sello. Para quienes la estética sea algo importante, la Les Paul, a mi entender, se lleva todos los premios (aunque esto, reconozco, es algo muy personal).

CONCLUSIóN El motivo de comparar Fender y Gibson se debe a que la gran mayoría de las guitarras de hoy en día toma como punto de partida alguno de estos dos mundos. En la década del 80, muchas fábricas comenzaron a mezclar el mundo microfónico fabricando guitarras que incorporaban micrófonos de bobina simple y doble. Ya en la década del 90 aparecieron guitarras con forma Stratocaster, pero maderas y construcción tipo Gibson (mango encolado y tapa en caoba y arce). Como verán, el sonido de la guitarra depende de muchas más cosas que su forma, aspecto, o el tipo de micrófonos que utilice. Esta nota pretende motivarlos a investigar, para conocer mejor el instrumento y poder encontrar aquel que mejor se ajuste a sus necesidades como músicos.

PD: Y entonces, ¿cuál es mejor? ¡Desconfíen de aquel que se sienta capacitado para dar la respuesta!

la batalla del siglo: Fender vs. gibson | 21

Manuel Quieto

De pequeño un privilegiado por haber crecido en contacto con la música y los shows en vivo; obsesionado y decidido a llegar a tener una banda de rock. hoy, líder de la Mancha de Rolando, y a punto de presentar su nuevo disco ¨Venceremos¨, nos cuenta un poco sobre su historia y sobre su amor por los instrumentos de cuerda. Por Day Rose foto: facundo nuble

De donde nace tu amor por la música?

Mis padres no son músicos, pero mi viejo es amante de la música clásica, teníamos muchos discos en casa, de por ejemplo Almendra, Serrat, The Beatles y paralelamente mi viejo también tenía el teatro de la Cova en Martínez, en ese lugar han tocado artistas como Serú Giran, Sumo, entre otros. En ese momento yo tenía 6 años, e iba los domingos que era el día que no tenía colegio. Esa fue la primera conexión cara a cara que tuve con los shows en vivo. Por otro lado mi mamá trabajaba en una agencia de publicidad junto con Roberto Jacobi que es el letrista de Virus, mi mamá me llevaba muchas veces para que la acompañara, los veía a los Virus y ellos me regalaban sus discos. Había otro chico que trabaja en el mismo lugar que se dedicaba a grabarme cassettes con música de, por decirte Charly García, Tears for fears... Todo lo que te cuento era entonces antes de mis 10 años. Y más adelante cayó mi mamá con Nada Personal de Soda Stereo, Los Abuelos de la Nada en el teatro Ópera, Rocas Vivas de Miguel Mateos/ZAS, y El amor después del amor de Fito Paez. Imaginate que toda esa información me hizo explotar la cabeza a muy corta edad!!

22 | Entrevista a Manuel quieto

tu primer instrumento fue una guitarra?

Si. A los 12 tuve mi primer guitarra. Le dije a mi viejo que mi hermano y yo queríamos una guitarra cada uno, para convencerlo mas fácil, y en realidad mi hermano tenía 9 años y ni le importaba las guitarras ¿viste? Era todo un invento mío. Cuestión que fuimos con mi papá a un local por Avellaneda y en ese momento las encargabas, no era que las tenías exhibidas para elegirlas. Y, encargamos dos. Cuando llegaron eran dos FAIM (Fabrica Argentina de instrumentos musicales) una Stratocaster roja y una Telecaster blanca.

Claramente mi hermano nunca las toco así que a los 12 años yo tenía dos guitarras a mi disposición. Me había salido bien la jugada (risas). Al tiempo las vendí y me compré una Washburn con Floyd Rose que es con la que tocaba Nuno Bettencourt de Extreme, y después pase a una Strato Fender.

Estudiaste guitarra en algún momento?

Si, tuve dos profesores pero solo fui un mes con cada uno, no tengo paciencia para estar sentado practicando, para serte sincero. Empecé con eso que me enseñaron, y me largué solo, algo así como un autodidacta. Uno era el profe de música del colegio, que

enseñaba particular también y el otro estaba orientado a lo que se escuchaba en ese momento, por ejemplo Satriani, muy buen profesor, pero yo tampoco quería ser Satriani, de eso estaba seguro.

Además de guitarra y piano tocas algún otro instrumento?

Guitarra, piano y bajo. Tengo varios bajos, un D.O.H, un Musicman de 5 cuerdas. Tengo también un Kala U-BASS o ukelele bajo que es básicamente un ukelele barítono con un diapasón más grueso, cuerdas de poliuretano, con el cual apenas me lo compre, ya grabe 6 temas, en un día!!!. A los bajos muchas veces los uso para completar una maqueta por ejemplo. Y después tengo una banda paralela para tocar en eventos, para divertirme, ahí toco el bajo justamente y canto.

Discos que te hayan influenciado ¡Bang! ¡Bang! estás liquidado de los Redondos, Canción Animal de Soda, son dos discos que me marcaron. De hecho siempre estuve muy en contra de esa discusión Soda vs los Redondos, es como decir asado vs pastas, que tiene que ver ¿no?. Bueno y también toda la discografía de Serú Giran, ahí real-

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foto: facundo nuble

mente no te puedo elegir un solo disco. Esos son los álbumes que me inspiran, cuando los escucho se para el reloj, no hay edad, no hay tiempo, no hay obligaciones, no tengo que llegar a ningún lado.

Como es para vos el trabajo de componer?

Bueno por lo general, surge como algo natural, en un momento se me ocurre agarrar la guitarra o el piano y nacen melodías solas, sin buscarlas, y en consecuencia nacen las letras.

En vivo, acústica o eléctrica?

Tengo una acústica Taylor para tocar en vivo, no tiene boca, no acopla, es finita, cómoda, tiene muy buen sonido para sacarla por línea. Pero como preferir, prefiero las eléctricas, si las tocás suave pueden inclusive hasta hacer las veces de acústica. Para los shows, dependiendo de que show es, donde, que temas hacemos y demás elijo la que me parece que se adecua mejor. Por ahí hay algunas que las dejo siempre en el estudio, otras que las puedo llevar en la bodega del avión, otras que prefiero que viajen conmigo, y así.

Que set utilizas en el en vivo?

Tengo un pedal de distorsión, tengo un afinador BOSS, una caja de división Morley, tengo dos equipos Peavey valvular Classic , un equipo Top hat y un Marshall, los uso depende de los lugares donde toquemos, depende del tamaño del lugar. Igual me adapto la verdad, es decir, la guitarra si, por supuesto siempre llevo las mías, pero puedo inclusive tocar sin pedal y amplis puedo utilizar el o los que haya en el lugar.

Sos endorser?

Si, de cuerdas Magma by Medina Music (Carlos Medina). Yo en particular uso 011 en todas las guitarras, el primer guitarrista nuestro utiliza 009. Y trabajo con dos luthiers: Guitarras LOJO (Pablo Lojo) y guitarras D.O.H (Daniel Hunko) de él tengo 7 guitarras y dos bajos, me hizo varios modelos, semi huecos, strato, telecaster, fly V, entre otros. Son tres marcas de amigos a quienes quiero mucho y a quienes por sobre todas las cosas apoyo, porque son de verdad productos de primera calidad.

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Guitarristas actuales que digas… me saco el sombrero con estos tipos.

Sin dudas los reyes del rock, Baltazar Comotto y Gaspar Benegas, ambos son versátiles, prolijos, con grandes capacidades técnicas, y emocionan como nadie.

Otro grande para mí; Ricardo Mollo. No quiero dejar de nombrar a Franchi nuestro guitarrista, es muy muy bueno. El toca y compone todos los solos, los riff, confío en él, sabe siempre lo que tiene que hacer. Lo que le nace es inmejorable. Con él tenemos esa química perfecta inexplicable, de cuando vos querés escuchar algo pero no sabes cómo pedirlo, y el tipo ya lo sabe, pero encima de eso, cuando lo toca suena perfecto, y vos no lo podes creer ¿viste? Una comunicación inconsciente, una telepatía, una conexión.

Podes definir a la Mancha dentro de un estilo?

La verdad es que no, es una banda de rock que ocasionalmente puede incursionar en un reagge o en un punk, o inclusive en folk-rock. En los primeros diez años cambio mucho igual, era un rock un poco más pesado, la distorsión más pisada, la batería era más frenética, y más gritos la cantar. Todo era más. Y a partir del 2003, nos volvimos más tradicionales, es

foto: facundo nuble

foto: facundo nuble

Más allá de las guitarras estas con las que sos endorser podrías nombrarnos alguna otra marca que te guste?

Me gustan mucho las Stratocaster de Fender y las

Duesenberg (Alemanas), las conocí a través de Ron Wood y no son fácil de conseguir pero me las consigo a través de un importador, quien de hecho es nuestro guitar-tech Daniel Bagaleiro. Y después me gustan varias guitarras, me gusta probar, tengo guitarras de los ‘70s, ‘80s, ‘90s, 2000, guitarras y bajos por supuesto.

Entrevista a Manuel quieto | 23

mos¨, el cual cuenta con 13 canciones producido de manera independiente bajo nuestro propio sello ¨La mancha discos¨. La cita es en La Trastienda el día 29 de abril a las 21hs.

Sobre tu deseo de ser músico…

Y ya desde chico como te contaba antes, tuve la suerte de estar en contacto con los shows en vivo, yo creo que ese fue mi bautismo digamos, y tuve la confirmación a mis aproximadamente 15 cuando empecé a ir solo a recitales, siendo más consciente de todo lo que un show genera ¿no? Ahí es cuando dije quiero que esta sea mi vida. Ese amor de a poco se convirtió en obsesión, me propuse tener una banda y dedicarme entonces profesionalmente. Con mucho esfuerzo y dedicación fui aprendiendo yeites, fui aprendiendo en general. Año siguiente a mis 16 armamos la banda con 4 amigos, con lo poco que sabíamos pero con muchas ganas. Y nunca paramos, nunca paré. Es un sueño cumplido, o que se va cumpliendo mejor dicho. Es como dice Ricardo Iorio: ¨Ayer deseo, hoy realidad¨

rock canción, hay distorsión pero emocional ¿entendés?, nada al palo, nada que sobre. Preferimos hacer énfasis en las letras y en lo que queremos contar.

Que es lo que hace que la banda este tan unida durante tanto tiempo?

Son 25 años de convivir, ya somos como hermanos, no somos de discutir, cuando hay diferencias se habla, obvio que hay periodos de enamoramiento y desenamoramientos pero somos pocos y es funda-

mental para nosotros llevarnos bien. Hemos tenido deserciones de integrantes, e incorporaciones, pero siempre mantenemos una armonía que está buenísima. Ahora el más nuevo es Huevo Copeland, un joven de 24 años, muy buen baterista, que ser el nuevo es el blanco de todas las cargadas (risas).

Están grabando actualmente?

Actualmente terminamos de grabar y estamos a días de sacar nuestro nuevo álbum llamado ¨vencere-

Si le tuvieses que dar un consejo a los chicos que hoy quieren comenzar con la música, iniciarse en este mundo, vivir de esto, que les dirías?

Es difícil dar un consejo, pero yo digo que estudiar siempre es bueno, sé que es difícil sentarse a hacer una actividad que implique tener paciencia, pero la paciencia es una virtud, así que quien la tenga que la aproveche. Divertirse también es importante. No hay que estresarse, hay que equilibrar todo en ese proceso de querer llegar al objetivo. Y también hay que ser consciente de que sin fuerza de voluntad, no hay recompensa. Y sin lugar a dudas…nada es imposible.

foto: facundo nuble

26 | Entrevista a Manuel quieto

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anibal foRCaDa

Con quién estudiaste?

La primera persona que me mostró un Histonio (antiguo cuadernillo pentagramado) y me enseñó a hacer una clave de Sol (que nacía desde la segunda línea del pentagrama) fue mi amigo del alma Miguel Ángel Erausquín, integrante del dúo Pastoral, para quienes trabajé y debuté como plomo entre los años ‘75 y ‘77. Él fue mi primer maestro. En esa época, no había, no existían, todos los métodos que hay hoy en día, había que ser muy artesano. Yo lo iba a ver a Luis Alberto y trataba de afanarle acordes, que después, trataba de traducir para mí.

Cómo surge eso de ser plomo de bandas?

A ser plomo me invita Jorge Alfano, increíble bajista, músico de Alejandro Lerner, radicado en EEUU hace muchos años. Él vino un día y me dijo, “Anibal... querés ser plomo de Pastoral?” Lo que provocó dos preguntas en mí. Que es ser plomo? Y quiénes son los Pastoral? Era el año ’74 y Sui Generis era el dúo que conocía y me encantaba, pero sinceramente a Pastoral... mmm... no, no tenía el gusto, che... “Tenés que cambiar cuerdas y afinar. Son dos voces y dos guitarras acústicas....” Justo para mí. Yo ya tocaba desde el ‘72 con Claudia Puyó, mi hermana de la vida, teníamos nuestro dúo, Ana Gris, así que ya sabía cambiar cuerdas y afinar, eso me valió de mucho porque no solamente podía cargar y descargar instrumentos, sino que inmediatamente me preferían en el escenario y a mí me gustaba mucho.

Qué música escuchabas cuando eras chico?

The Beatles, primera influencia definitiva para marcar mi camino, hacían todo lo que me gustaba, tocaban bien, los temas eran increíbles y cantaban muy bien

28 | Entrevista a Anibal Forcada

El primer instrumento que pudo comprar fue un bajo rojo en el año ‘71, no era de marca y tenía las cuerdas lisas. Siempre le gustó tocar el bajo y Paul McCartney era el norte a seguir, hasta que conoció a jaco Pastorius. No sabía que algunos años después sería el bajista de león gieco por más de 30 años. Por Sergio Resar

(algo que me gustó desde siempre)... Luego descubrí a Crosby, Stills, Nash and Young, James Taylor y Joni Mitchel, una mujer que amo hasta el día de hoy y la siento como una fuerte influencia. Hoy mi oído musical me lleva a diferentes lugares, no soy prejuicioso, me gusta mucho el folclore. Conocí junto a mis años (muchos) junto a León, músicos increíbles. No puedo perderme la poesía del tango que la descubrís de grande, cuando ya caminaste un poco.

En qué año fundaste Oveja Negra?

Oveja Negra como tal, quedó instituido en el año ‘81, casi finalizando ese año, en el medio de la Mega Gira De Ushuaia a la Quiaca. El nombre lo propuse yo y el nombre del primer disco "Orsai" también.

Cómo fue la gira que hicieron con Nito Mestre, Juan Carlos Baglietto y Celeste Carballo?

La gira “Porque Cantamos”, fue una idea que le llevé a Daniel Grinbank, para contrarrestar la embestida metalera de entonces, en 1984. A Daniel le pareció interesante y comenzó siendo una gira de seis conciertos y terminó siendo de treinta y seis, con un disco doble en vivo como broche de oro Qué sentiste cuando “El blues de los plomos” se hizo popular?

Con el Blues de los Plomos, me pasó algo muy particular. Ya los músicos más grandes que yo y a quienes admiraba, les gustaba la canción, que había compuesto en el ’78 siendo plomo de Nito Mestre y los Desconocidos de siempre. La cantábamos con la Puyó en Ana Gris, era parte del repertorio. Con León la veníamos cantando en asados y a él le gustaba mucho. Para la filmación de BA Rock ‘82, le proponen

cantar un tema y él me pide permiso para grabarla, para mi fue tocar el cielo con las manos. Fue darme cuenta de la importancia de las canciones, fue un montón de cosas todas juntas.

Cuál fue el primer disco que grabaste?

El primer disco en el que participé, fue en “Humanos”, cuando Alejandro De Michele, me invita a hacer voces en "Me desprendo de tu vientre", sentí vértigo, alegría, la música es mi pasión...

Cómo está compuesto tu set actualmente?

Mi set es Ovation Sunburst año ‘80 cutaway, Goya de Martin, Breyer criolla año ‘70, Takamine cutaway, Bajo Fender Jazz Bass ‘78, bajo MusicMan Stingray año ’84. Equipos de bajo: Gallien-Krueger, Fahey, Ampeg SVT 150, charango y Ronroco.

Qué otra pasión tenés aparte de la música?

Soy Cheff del Gato Dumas, comprendí que la cocina es, para mí, tan creativa como la música... Quería estudiar y terminé siendo Cheff, después estudié cocina japonesa y hoy soy Sushiman. tocás algún otro instrumento?

Me encantaría tocar el Cello o algún viento, tipo clarinete o saxo soprano.

Qué le dirías a los chicos que empiezan en esto de intentar ganarse la vida a través de la música?

Lo que les diría a los chicos que recién empiezan que apoyen su deseo, si creen en él... INMÓLENSE...!!!

El deseo y la convicción son fundamentales y ponerlos en acción obviamente. No dejen que todo suceda en la cabeza...HÁGANLO!

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PoP DaRK heCho en buenos aiRes

Proyecto Esencial es la banda de los hermanos Adamo y juan Manuel galafassi que nace en febrero de 2004 en la zona norte del conurbano bonaerense. la primera formación incluía a los tres Adamo (Fernando, Alejandro y juan Pablo; baterista, bajista y cantante respectivamente), provenientes de bandas con mucho ruedo en el under local como lo fueron El huésped y Fastidio, que incluyeron discos editados, giras y shows nacionales e internacionales. Esta vez se unieron para acompañar a juan Pablo en un proyecto personal que emprendería alejándose de su rol de baterista y abocado a la guitarra y la voz, en canciones de su autoría. Por Sergio Resar

Los hermanos que además trabajaban juntos (son socios en FAMUSIC S.A), compartían salidas, el fútbol de los lunes por la noche y su amor por Boca Juniors, se juntaron por primera vez en una sala de ensayo sin saber que el proyecto musical llegaría a cumplir 12 años, tres discos editados y uno por venir. Con el entusiasmo de aquellos primeros pasos se presentaron en vivo por primera vez y no pararon más. A mediados de 2006 editaron su primer disco homónimo (Proyecto Esencial) producido por Daniel Leonetti. Con una búsqueda musical que podía situarse en el pop, electrorock e inevitables reminiscencias dark de la ola británica de principio de los 80s, el disco cosechó buenas críticas entre sus seguidores y continuaron presentándolo en vivo por los escenarios más importantes del circuito porteño.

En 2008 entraron a estudios nuevamente y con la producción de Martín Carrizo (A.N.i.M.A.L; Gustavo Cerati; INDIO entre otros) grabaron "Arderás", un álbum repleto de canciones con destino de hit como "Tiempo al tiempo"; "Versos infinitos"; "Mar de lava" y "Mil veces". Éste último, fue el corte de difusión del disco, con el cual filmaron un video clip dirigido por Gabriel Nesci (Días de Vinilo - Todos Contra Juan) y filmado por el norteamericano Thomas Trail. El álbum obtuvo mucha repercusión entre sus seguidores y hasta despertó gran controversia entre periodistas militantes feministas por sus letras de temática "amor-odio".

Llegando incluso a ser mencionados por el diario Clarín, con la canción "Arderás" como un ejemplo de apo-

30 | Pop Dark hecho en buenos Aires

logía de violencia en el actual rock argentino. Muy lejos de aceptar las exageradas críticas, dos años después de su salida, "Arderás" fue relanzado digitalmente con la remasterización a cargo del inglés James Loughray (Depeche Mode; Manic Street Preachers; Bjork; Page & Plant). Para la nueva etapa que comenzaría en 2012, Alejandro Adamo se alejó de la banda e ingresó el bajista y productor del primer álbum, Daniel Leonetti, quien junto a Luz Yalj en sintetizadores, formaron parte de la grabación del nuevo disco de estudio llamado: "Melatonina". Un álbum mucho más oscuro que su antecesor. Y que tuvo la particularidad de ser registrado

por ellos mismos en un sótano de San Isidro donde la banda habitualmente ensaya. "Melatonina" fue mezclado y masterizado en Sutton, Inglaterra nuevamente por James Loughray, quien no reparó en elogios para esta producción independiente realizada en Buenos Aires. El disco fue editado en 2014 en formato físico y digital. Y logró consolidar el sonido de la banda. Con canciones plagadas de bellas melodías, letras inspiradas, una base poderosa y el trabajo de sintetizadores, ebows y guitarras, que le dieron una atmósfera de melancolía y un vuelo muy particular, que caracterizan al sonido de Proyecto Esencial hasta el día de hoy.

En mayo de 2016, Proyecto Esencial acaba de lanzar un adelanto de lo que será su cuarto disco de estudio y es nada más y nada menos que una versión oscura de "Penumbras", el clásico de Roberto Sánchez, a.k.a.

Sandro. Esta sorprendente interpretación fue grabada en El Pié Recording Studios y mezclado en Santa Cecilia Sound por el ingeniero Brian Iele. ..."Penumbras es una canción oscura, dramática y tiene el romanticismo empedernido que tanto nos identifica en las letras de Proyecto Esencial"...Dice JP. Con la flamante incorporación de Pablo Di Giorgio (Ex Halógena) en bajo. La banda se presenta el 3 de Junio en Kirie Music Club de San Telmo, previo a la filmación del video clip de "Penumbras" y mientras continúan componiendo y produciendo el resto del nuevo disco que será registrado a lo largo de este 2016.

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t-Rex RePliCatoR

En la era de los sonidos digitales, cuando casi todas las compañías efectos del pedal están tratando de recrear el sonido de eco de cinta digital, estos cerebritos ingeniosos de T-Rex han hecho realmente una cosa increíble en un diseño completamente nuevo. El Replicator toma el modelo electromecánico clásico de la cinta analógica de grabación y reproducción junto con algunas características modernas y pone todo esto en una unidad de pedal con cierto estilo. Este pedal no es mucho más grande que, por ejemplo, algunos de la competencia, por lo que puede ser usado tranquilamente en una pedalera, si no directamente en el escenario, a pesar de que le quizá haya que ser un poco más cuidadosos con el que la mayoría de los pedales, ya que contiene (la verdad está bien protegido) piezas en movimiento.

T-Rex ha diseñado el Replicator de alrededor de un cartucho de cinta de plástico transparente con un circuito corto de la cinta BASF cromo de 1/8”, claramente visible a medida que pasa de una manera tortuosa alrededor de un sistema de poleas.

Cuando se trata de los tan buscados efectos de retardo analógico para guitarra eléctrica, hay que tener muy en cuenta que no hay nada más auténtico que el asombroso pedal de delay t-Rex Replicator que tuvimos la suerte y la dicha de testear para esta nota. Por Sergio Resar

La cinta, por supuesto, se deteriora por el uso, por lo que el cartucho tendrá que ser sustituido de vez en cuando, pero el reemplazo es fácil, toma menos de un minuto.

Este pedal T-Rex entrega el vibrante sonido de delay de cinta analógica real, con más flexibilidad y fiabilidad que las unidades de efecto de cinta vintage que lo que el mercado habitualmente ofrece. Las dos cabezas de la cinta permiten tres modos de delay. T-Rex Replicator de cinta analógicas efectos de retardo del pedal.

CARACtERÍStICAS: Dos cabezales de reproducción permiten tres modos de funcionamiento.

El camino de la señal es analógica 100%, con verdadera conmutación de bypass.

El motor de cinta se detiene cuando el pedal se pasa por alto para minimizar el ruido no deseado.

Interruptor de apagado en seco elimina la señal seca por completo, para un efecto creativo o para la calibración efecto.

Proporciona el sonido de delay de cinta clásico con saturación.

Incluye dos cassettes de cinta.

Control de tap tempo.

Interruptor que permite efectos de Chorus.

Entradas de pedal de expresión dual por el control de tiempo de retardo y la cantidad de realimentación.

Incluye fuente de alimentación de 24V.

32 | t-Rex Replicator

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“juntos x los inunDaDos” evento soliDaRio en RosaRio

El pasado 5 de mayo, en la ciudad de Rosario, Santa Fe y gracias a la colaboración encomiable de Tevelam SRL y particularmente a la energía de su directora de Marketing & Comunicacion, Mercedes Onorato, junto a la gran colaboración y convocatoria de los grandes músicos rosarinos Fabián Gallardo y Rubén Goldin en la organización de dicho evento, se llevó a cabo un recital a beneficio por los inundados en Santa Fe y Entre Ríos. El lugar fué el Teatro Plataforma Lavarden y la entrada fué una donación ya sea alimentos no perecederos, artículos de limpieza o de higiene personal. Los músicos fueron Rubén Goldín, Fabián Gallardo, Patagonia Revelde, Vudú, Bonzo Morelli, y la presentacion oficial de “La Tevelam Band” banda integrada por tremendos musicos como: Cristian Judurcha (L.A. Spinetta; Pedro Aznar; Baglietto), Oscar Giunta (Herbie Hancock; Hermeto Pascoal Group), Daniel Castro (Vicentico; Richard Coleman), Coqui Rodriguez (Pedro Aznar), Fabián Prado (Memphis) y más artistas rosarinos que lo dieron todo arriba del escenario. Entre ellos: Popono, Larva y Kutu de Los Vandalos. Vudú, Nahuel Antuña, Willy Echarte, Ike Parodi, Mario Laurino Patagonia ReVelde, Franz Funes Pablo Pino, Los Vándalos, Diegote Romero, Kutu Olivan, Cristian Bruscia, Pancho Chevez. Se juntaron más de cuatrocientas bolsas con los elementos antes mencionados. Todo lo recaudado fue distribuido gracias al apoyo de Movimiento Solidario Rosario en La Paz (Entre Ríos) y Esperanza (Santa Fe). Después de unas palabras de agradecimiento a todo el público solidario que se congregó en el Lavarden por parte de Mercedes Onorato, el encargado de abrir el show que duró más de tres horas seguidas, fue Fabián Gallardo y luego se fueron agregando Bonzo Morelli, Pablo Pino y Flor Croci. Ellos dejaron su lugar para que subieran Popono, Larva y Kutu de Los Vándalos, Ike con Vudú.

Luego de ellos, dieron su apoyo solidario Patagonia Revelde, quienes hicieron subir al escenario a Panchito Chevez y ellos dejaron paso al gran músico que es Rubén Goldin, que subió acompañado por músicos de excepción ya que todos ellos forman parte de “La Tevelam Band”. Un lujo que esta banda este integrada por seis músicos de excelencia como lo son Coqui Rodríguez (Guitarra), Dani Castro (Bajo), Fabián Prado (Teclados) y Cristian Judurcha y Oscar Giunta (Baterias). Este sexteto… me-

34 | “juntos x los inundados” Evento solidario en Rosario

rece un párrafo aparte. El público presente,a demás de disfrutar de la música, se llevó también remeras que fueron sorteadas durante todo el show y ya sobre el final una batería LEGEND, aporte de TEVELAM SRL. La noche culminó con todos los músicos sobre el escenario tocando un tema de Gustavo Cerati (Zona de Promesas, Soda Stereo) Y momento cúlmine cuando todos los artistas nos emocionaron a todos con “Mundo Agradable” (David Lebon). El último tema, y a pedido de los presentes, fue el clásico de Luis Alberto Spinetta “Rutas Argentinas”. Muchas gracias Mercedes Onorato por tu desinteresada ayuda y también el agradecimiento especial para esas maravillosas personas que son Rubén Goldín y Fabián Gallardo. Felicitaciones Tevelam S.A. por apoyar y auspiciar eventos solidarios de este excelente nivel. Sin duda alguna LA SOLIDARIDAD + LOS MUSICOS + LAS EMPRESAS pueden unir esfuerzos y lograr resultados como este.

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Por Eric jacobs

RuiDO (PARtE 1) El ruido es la sensación auditiva generalmente desagradable. En el medio ambiente, se define como todo lo molesto para el oído o, más exactamente, como todo sonido no deseado que interfiere en la comunicación entre las personas o en sus actividades.

LOOP DE MASAS El "ground ring" o "loop de masas" se producen cuando se cierra un anillo con las conexiones entre equipos y sus propias conexiones de masa. Ese anillo funciona como una espira secundaria de un transformador. Es una espira de sección importante y además está en corto (circuito cerrado de baja resistencia eléctrica) por lo que cualquier campo magnético variable (los 50 Hz de la red eléctrica) que ande cerca va a inducir una fuerte corriente en esa espira, lo que se traduce en ruido en los amplificadores. Por eso las tierras tienen que ser unidas en un solo punto para no cerrar loops (incluso dentro de las guitarras y equipos). La descarga a tierra tiene que estar bien hecha y próxima al equipo. Si está lejana no va a reducir los ruidos eficientemente. Si tenés varias conexiones a tierra en un mismo gear y se cierra el circuito por las conexiones entre equipos, se forma un loop de masa, al abrir la masa a alguno de los equipos el loop se abre y se termina el hum. Basta con una sola conexión a masa para no tener hum. Poner más lo acentúa debido al loop. Algunos equipos incluyen el "ground lift" justamente para eso.

Cuando se usan dos amplificadores juntos en el mismo setup es necesario hacer el Ground Lift-up a uno de ellos. En todo pedalboard con varios pedales, se producen loops de masa debido a que los cables interpedales unen todas las masas por un lado, pero además las conexiones a la fuente común también las unen.

Eso hace que haya muchos loops de masa. Pero si esos loops no tienen área gracias a que se acomodaron apropiadamente los cables o se los blindó, y además se alejaron del pedalboard todas las fuentes de flujo magnético disperso, entonces no debería haber problema. Muchos circuitos impresos que llevan un plano de tierra, producen un loop de masa con ése plano de tierra y es un loop que bordea toda la placa. Eso es malo porque es el de mayor superficie. Funciona como una espira en corto, por lo que cualquier campo magnético cercano va a inducir altas corrientes de hum en la masa y eso se va a escuchar en los parlantes. Para solucionarlo, basta con abrirlo en un punto, no es necesario eliminar el plano de masa, sólo abrir el loop.

RUIDO EN LA GUItARRA Al bajar el volumen en la viola aumenta la impedancia de la guitarra, llegando al máximo cuando está más o menos a la mitad. Si el hum desaparece cuando bajas del todo, pueden ser dos cosas: un loop de masa dentro de la guitarra o un campo magnético que se te mete por el micrófono. Proba primero con un cable de alta calidad y fijate que no haya un transformador saturado cerca. En las fuentes que se rectifica con diodos, muchos piensan que cuanto mayor es el capacitor electrolítico del filtro va a haber menor ruido, pero si bien baja el ripple, aumentan los pulsos de corriente y eso aumenta la dispersión de campo magnético, haciendo que suba el ruido por otros lados. Es decir que el electrolítico tiene que ser el que determine el cálculo para un ripple razonable. El ripple luego se elimina con un regulador. Ayuda bastante hacer un blindaje de los micrófonos en su cavidad en la guitarra, esto puede hacerse con papel de aluminio como el que se usa para cocinar, sin embargo brinda mejor blindaje usar una lámina de cobre o latón, cuanto más gruesa, mejor. Existe una pintura conductora que permite facilitar la tarea. En todos los casos ese blindaje debe conectarse a masa. Debe incluir la parte posterior del pick-guard para blindar así a los potenciómetros también. Es común blindar en las Stratos usando un papel de aluminio, pero en mis experiencias descubrí, tal como se ve en el video (está en mi canal de youtube), que un blindaje más grueso es mejor. El problema es darle la forma que requiere el cuerpo de la strato. Lo que se puede hacer es darle varias capas de blindaje.

Primero una pintura metalizada o con mezcla de grafito en el hueco de los micrófonos, que ya vienen preparadas para eso, y luego dos o tres capas de papel de aluminio incluyendo la parte trasera del pickguard. Todo eso debe ser unido en un sólo punto al puente de la guitarra y a la masa del jack de salida. Hay un ruido que curiosamente se hace más fuerte al bajar el volumen a la mitad y luego vuelve a bajar. Eso ocurre porque en ese punto la impedancia de la guitarra es mucho más alta. Es decir, un Single Coil con el volumen al máximo está en el orden de 8Kohms de impedancia, pero al bajar el volumen toma relevancia el potenciómetro y aumenta al orden de 60Kohms. Eso hace que puedan entrar ruidos por el cable de la guitarra o por un blindaje pobre en la cavidad de los potenciómetros. Dentro de la guitarra muchas veces se cablea mal y hay loops de masa también, esos son bastante ruidosos. Si al subir el volumen de la guitarra, sube el hum, puede ser porque lo capta el micrófono o por un loop de masa interno o falta de conexión a masa del puente. Hay varias cosas que colaboran a inducir ruido en los pickups, una de ellas son los loops de masa y otras son un cableado mal distribuido sin mallado, la falta de masa en el puente, falta de apantallado en el pickguard y en la cavidad. Ahora bien, aún cuando se hagan todas esas cosas bien, la técnica del clavo es simplemente para evitar los loops de masa. Consiste en cablear todas las masas a un punto central de forma que no se cierren en otro lado que ese. Eso se conoce como cableado en estrella y se usa también en la circuitería de los valvulares (no con un clavo obvio) el tema es elegir un punto sólo de unión de masas.

Eric Jacobs es Ingeniero en Telecomunicaciones de la UNLP con mas de 35 años de experiencia en la industria. Desde 2009 lleva adelante el emprendimiento Jake Amps dedicado exclusivamente a soluciones para el equipamiento musical. Todos los productos son originales y diseños personales. Lleva entre sus mejores logros el ya legendario amplificador de 7W Blues Mojo y actualmente el premiado amplificador The Riffer, asi como los switchers de pedales Small Foot y Big Foot.

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Suplemento técnico | 35

bajo Por igor Saavedra

10 tiPS PARA lOgRAR uN MEjOR SONiDO DE bAjO EN El ESCENARiO “En mi opinión, si queremos modificar el sonido de nuestro bajo en el escenario, la última cosa que debemos hacer es mover las perillas del amplificador, lo que (seamos honestos) es lo primero que los músicos y los bajistas en particular suelen hacer…”

5) Altura y angulación de las cajas acústicas.

Esta es la primera forma que debieran elegir para ecualizar su sonido. Recuerden siempre que una caja a ras de piso creará un “Coupling effect”, con lo que ganará frecuencias bajas y les llegarán menos frecuencias agudas debido a su unidireccionalidad y a la omnidireccionalidad de las frecuencias bajas. Lo mismo acontece si acaso giran su caja hacia un lado o en cambio son ustedes quienes se reposicionan lateralmente respecto de ella. En síntesis, la altura de la caja acústica y el ángulo lateral que establezcan respecto de ella, son formas muy efectivas de variar virtualmente la ecualización y el volumen sin mover perilla alguna.

6) Gain Volume vs Master Volume.

Luego de encender su amplificador SIEMPRE regulen el “Gain Volume” primero y deténganse justo antes de que la luz de clípeo titile…, luego van al “Master Volume” para determinar el volumen final que desean. Esto evitará que distorsionen la etapa de entrada y sacará el mejor provecho a la etapa de preamplificación de su amplificador.

La lista va en un orden propuesto y preciso, así que en este caso “El orden de los factores podría alterar el producto”.

1) Conozcan su sonido.

Esto lo dije una vez en un artículo que escribí en mi sitio web llamado “La Cadena del sonido”. Conocer el propio sonido a un nivel mental, abstracto y conceptual es algo crucial.., deben saber lo que quieren y cuál es el sonido que andan buscando, ya que si no lo tienen bien resuelto los siguientes 9 tips no tendrán propósito alguno para ustedes.

2) Infórmense de dónde tendrás que tocar.

Esto significa que se deben ocupar de recabar la mayor cantidad de información que puedan respecto del lugar donde van a tocar si se trata de la primera vez que tocarán ahí. Si es posible, vayan al lugar un día antes del show, párense en el escenario y griten, silven, aplaudan y escuchen qué sucede. Observen las paredes y el techo, los ángulos que presentan, los materiales de los que está hecha la sala y consideren “el efecto audiencia”, ya que el público va a “secar” la sala y le agregará más bajos. “El lugar donde tocarán afectará y determinará enormemente su sonido” 3) Elijan la configuración correcta de amplificador.

Una vez que ya entiendan el lugar donde estarán tocando consideren luego la configuración correcta de parlantes y la potencia adecuada del amplificador en función del lugar.

A modo de ejemplo, en cajas acústicas de calidad promedio una caja de 2x10” suele tener una respuesta de frecuencias bajas un poco menor en comparación a una de 1x15 y un amplificador a tubo tiene un sonido más cálido pero con menos “attack” (transiente) que uno de transistores o un clase D, etc,.

4) tapones de oídos.

El consejo es realmente muy simple. Si están tocando en un escenario grande, antes de encender su amplificador para la prueba de sonido PÓNGANSE LOS TAPONES DE OÍDOS..!! Si dejan pasar muchos años sin hacerlo van a lamentarlo ya que su audición será afectada seriamente. Hagan toda la prueba de sonido con los tapones puestos ya que ese será el sonido real que estará en sus oídos durante el concierto, y está demás decir que deberán usar los tapones con mayor razón durante el concierto mismo..

7) Distancia de su amplificador.

Consideren que sólo les será posible escuchar las frecuencias más graves de su amplificador ubicándose a una mayor distancia del mismo. Si se paran demasiado cerca de los parlantes la onda de baja frecuencia no se alcanzará a completar respecto de ustedes y por ende no será percibida en forma efectiva por sus oídos. Esto se debe a que las frecuencias bajas son mucho más largas que las frecuencias agudas, por lo cual necesitan más distancia desde la fuente para “expresarse completamente a sí mismas en sus oídos”.., por así decirlo..

8) El sonido de su Bajo varía dependiendo del volumen.

Es sumamente importante que hagan toda su prueba de sonido al mismo volumen al que van a tocar en el concierto. Nunca olviden que mientras más altos sean los volúmenes, mayor será el contenido proporcional de frecuencias bajas en su sonido final, siempre consideren aquello..!

9) Perillas de ecualización de su amplificador.

Si NINGUNO de estos consejos fueron suficientes…, bueno.., entonces recién ahora intenten ajustar SUTÍLMENTE las perillas de ecualización de su amplificador para incrementar o atenuar alguna frecuencia o rango de frecuencia específico.

10) Monitores de escenario.

Una vez que hayan concluido con todo este proceso secuencial destinado a obtener el mejor sonido posible en su Bajo, podrán evaluar si acaso es necesario pedir que les envíen una señal de su propio instrumento a su monitor de escenario. Eviten llegar a esto tanto como les sea posible.., consideren que los monitores de escenario son genéricos y no hechos especialmente para un Bajo eléctrico, están diseñados para arreglárselas de la mejor manera posible con las diferentes texturas y frecuencias que van a pasar a través de ellos, lo que significa que tendrán que tener la capacidad de reproducir la voz humana, batería, saxo, trompeta, Bajo, teclado, trombón, etc., y peor aún muchas veces todas al mismo tiempo además de la señal de su Bajo. Además, tengan cuidado con los tweeters y/o horns de los monitores de escenario ya que la mayoría de las veces son sumamente poco cálidos y tienen el potencial de dañar seriamente la esencia misma de su sonido.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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Por Daniel Corzo

CONStRuCCióN DE líNEA DE bAjOS (PARtE 1) Con mucho placer les presento hoy la primera lección de esta nueva columna de guitarristas y bajistas.ar, agradeciendo desde ya la invitación y la confianza a todo el staff y en especial a Maycown Reichembach.

Uno de los recursos más interesantes a la hora de acompañar a otros o al tocar guitarra sola, es la línea de bajo caminante con acordes. El bajo debe aportar la armonía y es el aspecto más importante al utilizar este recurso. Una regla fundamental al construir una línea de bajos es que la fundamental del acorde aparezca SIEMPRE en el primer tiempo de cada compás. El ejemplo 1 nos muestra los acordes que utilizaremos en todos los ejercicios, serán siempre los mismos voicings (Imaj7-VI7-IIm7-V7 en Do Mayor) para que nos podamos concentrar en el bajo. En los ejemplos siguientes cada acorde es desplazado medio tiempo hacia atrás, produciendo la síncopa tan característica del jazz. Nuevamente, el hecho de sostener los mismos voicings y el mismo patrón rítmico de comping nos permite enfocar toda nuestra atención en el bajo. En el ejemplo 2 el bajo sigue el tempo armónico (2 tiempos por acorde), esto se conoce como “2/2 Feel” y el concepto del bajo es movimiento de tónicas. El ejemplo 3 nos muestra el bajo con movimiento de tónicas-nota repetida, ahora en negras. Ejemplo 4: tónica y quinta en el bajo. En el ejemplo 5 el bajo se mueve en un walking diatónico, es decir que llegamos a cada tónica por grado conjunto y con notas pertenecientes a la escala. El ejemplo 6 muestra el walking cromático, con semitono ascendente. El ejemplo 7 es el mismo concepto pero la aproximación a cada tónica o fundamental se produce por semitono descendente. Y por último, el ejemplo 8 utiliza walking cromático pero mezcla ambas aproximaciones, ascendente y descendente. Una vez incorporadas estas ideas, se pueden aplicar a otros voicings, otras tonalidades, otros esquemas armónicos, progresiones de temas, formas de Blues, etc.

Daniel Corzo es endorsee de guitarras D’Angelico, Malarino, Michelutti y amplificadores Schertler.

Enseña guitarra jazz, armonía e improvisación en Collegium CEIM (Córdoba) y dicta clases presenciales y online en su estudio privado. Ha tocado en numerosas situaciones con músicos como Walter Malosetti, Sid Jacobs, John Stowell, Richard Smith, David Becker, Mike Tracy, Thomas Brendgens-Mönkemeyer entre muchos otros.

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Por Douglas Padial

MúSiCA bRASilEñA: PARtE 2 Siguiendo mis lecciones de música brasileña, paraesta edición escribí un arreglo del tema "Meditation" de tom jobim, uno de los grandes temas de este genial compositor.

En este breve análisis, puedo decir que en la primer parte, el arreglo sigue sin ritmo escrito (podes agregarlo si lo queres), escribí de esa manera pensando en tocar los acordes y melodias de forma en que vos puedas escuchar realmente la armonización. En la segunda parte, hice una armonización en bloque, técnica que me encanta utilizar en mis arreglos, sonando como guitarra jazz, la armonización en bloque genera una sonoridad muy interesante. El arreglo está en un nivel intermedio, similar a la lección que escribí en la edición pasada. Pero está con una sonoridad agradable, principalmente en la segunda parte, donde se generó una sonoridad mas jazera al arreglo.

Músico paulista que comenzó sus estudios de guitarra a los 14 años. Cuatro años más tarde (1998) ingresó en el curso de guitarra en el Conservatorio Souza Lima en Sao Paulo, permaneciendo hasta 2005. Durante este período estudió con grandes músicos como Pollaco Lupa Santiago, Walter Nery, Marcio Alves y Michel Leme, los maestros que le mostró el estilo de música y jazz instrumental. Tocó con renombrados músicos brasileños como Pollaco Lupa Santiago, Michel Leme, Marcio Alves, Adriano Carvalho, Geraldo Vieira, Guilherme Franco, Toni Nogueira, Aldo Landi, Sizão Machado Carlos Ezequiel, Fabio Leandro, Bruno Tessele, Alexandre Ribeiro, Alessandro Penezzi, Sidiel Vieira, Vieira Sidmar, Ubaldo Versolato, Alexandre Ribeiro, Mazin Silva, Maycown Reichembach (Argentina), André Paganelli, entre muchos otros.

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MEZClA DE ARPEgiOS CON ESCAlAS EN uN SOlO En “unfinished thought” hay una mezcla de arpegio y escala en cada compas, la secuencia es: Em, g, Dm, F, C, Em, b. la tonalidad Em tiene dos acordes de préstamo modal: Dm y F. Por Denison Fernandes

Guitarrista Brasileño, estudió en la Universidad Souza Lima.

Escribió para la revista Guitar Player, además de ser uno de los referentes en guitarra rock-metal de Brasil.

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Por Vandré Nascimento

tWO hANDS & tOuCh tEChNiquE (PARtE 2) Escribí estos ejercicios basados en triadas y tetradas, mayores y menores, tocadas usando la técnica de two hands. Este estudio es el complemento del tema pasado en la columna de la edición pasada.

Mucha atención en la ejecución de cada nota, debe ser tocada lentamente, hasta que tengas seguridad, recién en ese momento subir la velocidad. Practique solamente con metrónomo. "Cuando haces lo que te gusta, el éxito es inavitable"

Músico y Compositor, nació el 12/06/75 en Embu das Artes, São Paulo, Brasil. Inicio sus estudios en Música en 1995 en el Conservatório Musical Souza Lima, donde además enseño desde el 1997 hasta 2013. Em 2013, fundó la escuela de música "Vanna Rock-Centro de Aprendizagem Musical".

Integra las bandas: MADGATOR, MAESTRA, Sete Rock Band y O TRIO. Es Endorser de Rox Stage, Music Kolor, Aditivo Music, Injecta.net, K&WS Cases, Power Play e Solez Strings. http://vandrenascimento.com/ contato@vandrenascimento.com

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El ARtE DE ACOMPAñAR El arte de acompañar bien es un arte perdido y hay que recuperarlo, no todo es improvisar y hacer solos en la vida. les dejo un ejemplo de como hacer walking bass lines en un blues en C. Por juampy juárez

El walking es basicamente una improvisacion en negras, donde son usadas notas del acorde, y notas de paso. Algunas notas de la escala tambien se usan, para hacer mas melodica la linea de bajo. Los walking en la guitarra son muy útiles para acompañar cantantes, tambien para duos con piano y guitarra. Advertencia: Si hay bajista, no usarlo! jajaja... Practiquen con metrónomo con el pie en 2y4.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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guitARRA MEtAl - FuSióN DE ESCAlAS SiMÉtRiCAS Es muy común el uso de escalas mayores, menores, pentatónicas y menores armónicas en el Metal. Pero se pueden utilizar otras posibilidades de llegar a nuevos sonidos en tú composición. Por Marcelo Rosa

En este ejemplo traigo el solo de mi canción "Síntese", donde apliqué una fusión de escalas simétricas sobre un Riff. Para aplicar este concepto, temes que saber acerca de la teoría de los intervalos para que puedas ver las posibilidades entre acordes y escalas. El riff fué construido com notas de la tríada de D mayor y com algunas notas de pasaje. Comienzo el solo con un Lick Bluesy. Sigo con una melodía en la escala D Hexatónica. La última parte de el solo apliqué la escala de D Disminuida Dominante.

Si buscas nuevos sonidos en tus composiciones o improvisaciones de Metal, lo recomiendo para poner a prueba este concepto de mezclar diferentes escalas para llegar a posibilidades de nuevos sonidos. Espero que esta idea puede ayudarte e inspirarte para alcanzar y crear nuevos sonidos en tus composiciones. Podes escuchar este solo en mi canal oficial de Youtube: www.youtube.com/MarceloRosaMR

Marcelo Rosa es guitarrista, compositor y tiene un proyecto instrumental solista, donde mezcla el Metal con la Música Brasileña, y ha estado presentando conciertos y clínicas de guitarra en Brasil, ya se presentó en Portugal y Uruguay.

Marcelo Rosa utiliza Ibanez, Peavey, Mooer, PowerPlay, Lyco, Kartakou, Be A and Estúdio Urbano. www.marcelorosa.net marcelorosamr@gmail.com

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john aleC entWistle

Como el divorcio no estaba bien visto en la década del ’40, este motivo contribuyó a que Entwistle forjara una personalidad más bien reservada y poco sociable. A la edad de siete años empezó con sus primeras clases de piano y no siendo de su agrado este instrumento, a los once empezó a tocar la trompeta y pocotiempo después al corno francés, para luego unirse al Middlesex School's Symphony Orchestra. En esa época, en el segundo año en la escuela, Acton County Grammar School, conoció a Pete Townshend y juntos formaron una banda de Jazz tradicional llamada The Confederates. Ellos se presentaron una sola vez en público y decidieron que tocar rock era mucho más divertido. Como tenía dificultades para escuchar su trompeta dentro del grupo, John decidió empezar a tocar la guitarra pero luego, empezó a tocar el bajo.

Fabricó su propio instrumento en casa, y al poco tiempo atrajo la atención de Roger Daltrey, que había estado en Acton County pero había abandonado la escuela para trabajar. Daltrey era consciente de la reputación de Entwistle y le pidió que se uniera como bajista a su banda, The Detours.

Después de entrar en la banda de Daltrey, hizo todo lo posible para que integrase la misma su amigo Pete, el cual entró enseguida. Daltrey, echó a todos los miembros de su banda excepto a Townshend, Entwistle y a Doug Sandom, baterista

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Nació el 9 de octubre de 1944 en Chiswick, un suburbio de londres, hijo de herbert y queenie Maud. El matrimonio se disolvió poco después del nacimiento del pequeño john y fue enviado a vivir con sus abuelos en South Acton. Por gyb.ar

de The Detours porque no había encontrado a nadie mejor para reemplazarlo. Tras la entrada de Keith Moon en el grupo, Daltrey cedió el papel de guitarrista a Townshend y se convirtió en el líder y vocalista. El grupo sufrió varios cambios en su nombre, y temporalmente tocó como The High Numbers, antes de llamarse The Who. Siendo John el único integrante de The Who que tenía estudios formales de música, fue el que se encargó de los

arreglos de los instrumentos de viento dentro del grupo, además de tocar la trompeta, el corno francés y el arpa de boca en más de una canción. También fue el encargado de doblar las grabaciones creando una sección de metales para temas como «5.15». También él fue el que hizo los arreglos de los vientos para cuando el grupo tocaba en vivo.

Por diferencias con Daltrey en cuanto a quién tenía que cantar sus temas (John quería hacerlo él mismo) fue el primer integrante de la banda en sacar un disco solista. En 1971 lanzó al mercado “Smash Your Head Against the Wall“, poco después de la publicación de Who's Next.

A pesar de no tener un gran éxito comercial, este gran bajista sacó varios discos solistas, paralelamente a The Who. Entwistle publicó Whistle Rymes (1972), Rigor Mortis Sets In (1973), Mad Dog (1975), Too Late the Hero (1981) y The Rock (1996). En 1974, recopiló Odds & Sods, una colección de material inédito de The Who, y con el grupo en descanso, salió de gira con su propia banda, Ox, como medio de promoción de Mad Dog. Lamentablemente, John fue encontrado muerto en Las Vegas el 27 de junio del 2002 por exceso con drogas, El forense de Clark County determinó que la muerte se debió a un ataque al corazón inducido por el consumo de cocaína.

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PRinCe

El pasado 21 de abril, en Chanhassen, Minnesota, falleció el multinstrumentista Prince Rogers Nelson, más conocido como Prince.

Nacido en Minneapolis, Minnesota el7 de junio de 1958, Prince fue durante la década del ’80 uno de los músicos más influyentes de su generación. una noticia que golpeo el corazón de millones de fanáticos en todo el mundo. En todos los rincones del planeta sus canciones sonaron siendo homenajeado por todos sus amigos y colegas. Por Sergio Resar

Cuando él tenía siete años, sus padres se divorciaron y si bien su padre abandonó la casa, dejó el piano que solía usar. En el, Prince empezó a aprender a tocar solo este instrumento, sacando de oído las melodías que sonaban en la televisión como el caso de la serie Batman. A la edad de trece años, su madre le regala una guitarra eléctrica, la cual aprendió a ejecutar rápidamente y con gran facilidad. Ya en la secundaria forma varios grupos con su amigo André Cymone, entre los cuales se destacan Champagne y Grand Central. Estos se presentaban en vivo en fiestas del colegio y cumpleaños. Para esta época, Prince no cantaba pues consideraba que su voz no era apta para tal cometido. Cuando tenía 17 años conoció a un músico llamado Pepe Willie, marido de una prima suya, que le introdujo en el mundo profesional y con el que hizo sus primeras grabaciones.

Su debut fue con el disco 'For You', en 1978, en el que tocaba 23 instrumentos diferentes, y llegó a compaginar las tareas de artista con las de productor, lo que le daba gran libertad a la hora de realizar su trabajo. Su estilo era propio del R & B, con fuertes componentes revolucionarias de la música negra. Derrochaba misticismo y sexualidad. En 1980 graba "Dirty Mind", disco de funk con melodías pegadizas. Un año después sale "Controversy" que vendió más de tres millones de copias. En 1984 realiza la banda sonora de la película Purple Rain y llegó a vender más de 13 millones de copias en todo el mundo y obtuvo el Óscar a la mejor canción y un premio Grammy por el álbum, que incluía canciones como "When Doves Cry" y "Let's Go Crazy",

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que llegaron a ser éxitos mundiales. Su siguiente trabajo "Around The World In A Day" (1985), vendió dos millones. En 1986 lanzó "Parade" y en 1987 aparece "Sign O' the Times", al que siguió "Lovesexy". En 1992 tuvo problemas con su sello discográfico, Warner, que ejercía los derechos para usufructuar su nombre y al dejar la compañía debió pasar a denominarse con un impronunciable signo. En 1994, lanzó "Come Under The Name of Prince" y en 1995 aparece "Black Álbum". Después lanzó un último disco para la Warner titulado "Chaos and Disorder". Desde 1996 tiene su propia compañía NPG, el álbum "Emancipation" es amor, sexo y libertad, así lo definió. En 1998 sale "New Power Soul", y una colección de material inédito con el título de "Crystal Ball". En 1999 lanzó una colección de remixes "1999, The New Master" y "Rave Un2 the Joy Fantastic". En el 2000, logró recuperar su nombre al caducar su contrato con la discográfica.

DISCOGRAFIA For You (1978) Prince (1979) Dirty Mind (1980) Controversy (1981) 1999 (1982) Purple Rain (1984) Around the World in a Day (1985) Parade (1986) Sign o' the Times (1987) Lovesexy (1988) Batman (1989) Graffiti Bridge (1990)

Diamonds and Pearls (1991) Love Symbol Album (1992) 1-800 New Funk (1994) Come (1994) The Black Album (1994) The Gold Experience (1995) Girl 6 (1996) Chaos and Disorder (1996) Emancipation (1996) Crystal Ball / The Truth (1998) Newpower Soul (1998) The Vault: Old Friends 4 Sale (1999) Rave In2 the Joy Fantastic (1999) Rave In2 the Joy Fantastic (2001) The Rainbow Children (2001) One Nite Alone... (2002) One Nite Alone... Live! (2002) Xpectation (2003) C-Note (2003) N.E.W.S (2003) The Chocolate Invasion (2004) The Slaughterhouse (2004) Musicology (2004) 3121 (2006) Planet Earth (2007) Indigo Nights (2008) Lotusflow3r / MPLSound (2009) 20Ten (2010) Plectrumelectrum (2014) Art Official Age (2014) HITnRUN Phase One (2015) HITnRUN Phase Two (2015)

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