Guitarristas y Bajistas Magazine #48

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENtREViStA A SilViO gázquEz - Página 08 NOkREO ExPERiMENtO - Página 10 MáS CAlAVERAS - Página 11 lA OtRA MiRADA - Página 12 NAMM 2016 - Página 14 WARWiCk lWA 1000 - Página 16 MARSHAll CODE - Página 18 YOu ROCk guitAR gEN 2 - Página 20 ENtREViStA A AlAMbRE gONzálEz - Página 22 ENtREViStA A álVARO VillAgRA - Página 28 CORt JEFF bERliN SigNAtuRE bASS - Página 30 AMPEg SCR Di - Página 32 uNA DE guitARRAS - Página 34 JEFF bERliN - Página 44 ANguS YOuNg - Página 46

SuPlEMENtO tÉCNiCO ERiC JACObS - Página 35 igOR SAAVEDRA - Página 36 MAYCOWN REiCHEMbACH - Página 37 DOuglAS PADiAl - Página 38 DENiSON FERNANDES - Página 39 VANDRÉ NASCiMENtO - Página 40 JuAMPY JuáREz - Página 41 SilViO gAzquEz - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Productor Ejecutivo Daniel Pérez Director del Suplemento Técnico Maycown Reichembach Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Eric Jacobs Igor Saavedra Maycown Reichembach Douglas Padial Deninson Fernandes Juampy Juárez Silvio Gazquez Vandré Nascimento

04 | Editorial

Año 10º - Nº 48 | Abril 2016 Soler 4759 4º b (1425) C.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.b.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.b.A y gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.b.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.b.A

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Audio en 2 Minutos

Audio en 2 Minutos es un proyecto dividido entre español-ingles (audioen2minutos y audioin2minutes), sin fines de lucro y apuntado a músicos de todos los niveles que deseen desarrollarse y aprender a grabar y producir su propio material. El proyecto fue lanzado en 2014 por Román Méndez, un músico, técnico en sonido y productor musical con más de 12 años de experiencia en el rubro y cuenta en su canal en español con 11.000 suscriptores (40% de ellos de Argentina), y 1500 en recientemente lanzando canal en ingles. En sencillos tutoriales de 2 minutos, enseñamos útiles técnicas para ayudar a mejorar tus grabaciones, mezclas y masterizaciones (muchos de nuestros videos están orientados hacia el sonido de guitaras, bajos, voces, baterías). Como parte de nuestro proyecto educativo, buscamos siempre revistas especializadas (como la suya) para generar alguna nota o entrevista, también podemos tomar algún intercambio publicitario, por ejemplo, regalar y promover sus ejemplares en alguno de nuestros talleres y workshops (EMBA, Tamaba, Academia Santander).

Ver videos en español (que es donde apuntamos localmente): http://www.youtube.com/audioen2minutos Ver videos en inglés (pero siempre subtitulados al español también): http://www.youtube.com/audioin2minutes Los talleres muchas veces son gratuitos, y para estar informado sobre próximas fechas basta con enviar nombre, ciudad y DNI a: contact@audioin2minutes.com Contacto vía celular por whatsapp a +54 9 1169278815

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Novedades | 05

novedAdes tevelAM MARsHAll AMPliFiCAtion lA seRie AstoRiA

novedAdes FAMA MusiC lA innovACiÓn es nuestRo leGAdo – lAneY neXus sl Diseñado con el objetivo de fabricar el mejor amplificador para bajos del mercado. El Nexus Studio Live brinda sonidos claros y poderosos graves con efectos que van directo a tu unidad digital de trabajo. Los productos Laney equipados con puerto T-USB son la solución. Tono valvular con conectividad digital. Próximamente en Argentina.

Distribuye Fama Music www.famamusicgroup.com

Marshall nos propone una nueva serie de amplificadores vintage, que esta pensando en la demanda el guitarrista de hoy y su preferencia por lo clásico. La marca ha presentado tres modelos con características diferentes entre ellos. El Marshall Astoria Classic es un amplificador de un solo canal pensado para aquellos guitarristas que van directo de los pedales al amplificador. novedAdes stAdio.lA AMPeG seRies BA 110 Si lo que estas buscando es el clásico sonido del Rock, Ampeg te propone probar el combo amplificador BA110 de con un parlante de 10" que provee el verdadero sonido Ampeg en un poderoso diseño de 40W con características perfectas para tocar con una banda completa.

Importa y distribuye http://stadio.com.ar/ El Marshall Astoria Custom de un solo canal, pero con loop de efectos de válvulas que se activan mediante un footswitch, se pude modificar el tono mediante un switching y un booster también desde pedal. Y el Marshall Astoria Dual de dos canales que van desde Clean, a poderosos overdrives, con característas similares al Marshall Astoria Custom. Esta serie de amplificadores Marshall ha sido cableada a mano mediante y viene con válvulas ECC83 (12AX7) y KT66. Con un potencia de 30W y parlantes Celestion Creamback.

Importa y distribuye Tevelam SRL

06 | Novedades

novedAdes PCMidi CenteR You RoCk GuitAR En PC Midi Center, ya cuentan con la famosa You Rock Guitar. Se puede definir a esta comoun sintetizado y además como un controlador poderoso con un diseño sumamente compacto. La flexibilidad de esta guitarra midi digital es asombrosa, permite combinar su uso con software diverso como Sonar, Reason, Pro Tools, Cubase, GarageBand, y más.

Su interfase USB es compatible con MAC, PC, Ipads, etc.

Importa y distribuye http://www.pcmidicenter.com/

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Silvio GÁzquez

Comenzó tocando la batería, allá por el año 93'. En ese tiempo Silvio era fan de guns N´Roses, quería tocar como Matt Sorum. Después de un par de clases se dió cuenta que no era lo suyo. un amigo estaba por empezar un taller de guitarra y se enganchó. Por supuesto, también era fan de Slash, para Silvio era el mejor guitarrista del mundo. Por Maycown Reichembach

foto: betina colombo

Quienes eran los músicos/bandas que escuchabas en aquel entonces?

Como dije anteriormente, Guns & Roses era mi banda preferida. Paralelamente, me deslumbraba con Yngwie. Después de algunos meses de clases mi profesor nos pasó un cassette con el primer disco de Yngwie Malmsteen (aún lo tengo en el stereo de mi auto, jaja), y bueno, no entendía nada, cómo alguien pudiera tocar así. Creo que ahí empezó mi pasión por la guitarra. Después fui fan de varias bandas, como Pantera, Kiss, Aerosmith, Iron Maiden, etc.

08 | Entrevista a Silvio gázquez

Contanos la experiencia en tocar en el Guitar idol y en el Guitar experience.

Guitar Idol fue una experiencia muy linda. Fui convocado a la final en Londres, Inglaterra, dos veces consecutivas. Primero, en el 2008, que no pude ir porque la fecha coincidía con la filmación de un DVD didáctico que estaba haciendo para mi trabajo. Y luego, en el 2009, que afortunadamente pude asistir. El concurso se llevó a cabo en el London Music Show, que es algo parecido al Namm en EEUU. Así que fue como un conjunto de cosas realmente muy piolas. Ver a Guthrie Govan tocar para 4 tipos, o zapando junto a Alex Hutchings es algo que no se ve todos los dias. O ir a un bar y encontrarse a Steve Smith, el mítico batero de Journey, etc. O sea, una experiencia inolvidable. Con todo ese tipo de condimentos lo del concurso pasó a un segundo plano. El Guitar

Experience fue otra gran experiencia. Pude conocer o ver personalmente a varios de los mejores guitarristas de rock del país. Ojalá se pueda hacer este tipo de festivales mucho más seguido. Pero sé que no es fácil.

Contanos a cerca de tu primer disco solista.

Luego de hacer varios demos, desde el año 99´, recién tuve la oportunidad de grabar algo decente el año pasado. Han pasado muchos años desde mis comienzos y los gustos tambien van cambiando. Es asi que los temas que componen este disco, son canciones bastante diferentes a lo que venía componiendo. En los últimos años estuve

foto: betina colombo

foto: betina colombo

Cuando decidiste que querias llevar adelante la guitarra como instrumento solista?

Luego de un par de años tocando la guitarra un amigo me pasó varios discos instrumentales, como Meltdown de Vinnie Moore, de Satriani, Vai, etc. Fue algo inspirador; desde ese momento quise hacer música instrumental. Mi principal influencia en este estilo siempre ha sido Vinnie Moore. Sus discos me han sido de mucha utilidad, tanto para estudiar técnica, como para inspirarme musicalmente.

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foto: betina colombo

Fue editado por algún sello? donde se puede conseguir tu álbum?

Reciéntemente , Maycown Reichenbach, me pasó un contacto del sello Neworld Records y afortunadamente, el disco gustó. Es así que a mediados de febrero salió la edición digital del mismo. Se puede conseguir en todas las plataformas digitales, como Itunes, Bandcamp, Spotify, Amazon, etc.

Con cuales músicos compartiste escenario y con cuales te gustaría compartir?

Compartí escenario con varios músicos de mi ciudad, Lincoln. Algunos de ellos muy buenos y reconocidos. Y, con varios guitarristas en distintos festivales o shows como invitado, tales como Hugo Méndez, Javier Viñas, Chowy Fernandez, Juan Cortes, Maycown, entre otros. Y algún día me gustaría compartir escenario o zapar con algunos de mis ídolos , como Vinnie Moore, Yngwie Malmsteen, Luis Salinas, entre muchos otros.

Cual fue tu gear en la grabación y que músicos participaron.

Las guitarras y teclados fueron grabados en mi “estudio”. Básicamente, usé mi Fender Telecaster Cus-

Cuáles son los planes futuros?

La idea que tengo en este momento es la de empezar a ensayar con mi proyecto instrumental, así podemos presentar el disco este año. También, en

foto: betina colombo

escuchando mucho bandas como The Rippingtons, Russ Freeman, etc. Asi que naturalmente, los temas tienen un poco de smooth jazz. Obviamente combinado con rock, fusion, etc.

tom HH, una Spear Tomcat GT, marca de la cual soy representante, y también, una guitarra electro acústica, con cuerdas de nylon, marca Asbitt. Es una guitarra bastante económica, pero creo que el sonido que le sacamos no está mal. Y aunque, posiblemente no parezca, no usé ningún amplificador.

Todas las guitarras fueron grabadas con una pedalera Boss GT8, enchufada directamente a una placa “onboard” marca Juli@. El bajo y la bateria fueron registrados en un estudio de Lincoln (Pcia. de Bs. As.) llamado “Sound Baires”. Los músicos son, mi hermano Tulio en batería, Damián Righi en bajo, William Catena en saxo, Carlo Peluso (Italia) solos de teclado y piano. Y David Catena en programación de percusión, mezcla y mastering.

el 2011 grabé las guitarras de unos temas viejos, los cuales quiero mezclar y sacar otro disco. Esos temas son mucho más rockeros que el álbum reciente y me gustaria sacarlos a la calle. Sería una pena dejarlos por ahí tirados, ya que algunos realmente me gustan mucho. Como “Summer Nights” y “Fight Training”, por ejemplo, que fueron los temas con los cuales fui elegido finalista las dos veces para el Guitar Idol. deja un mensaje para los lectores de la revista.

Agradezco desde ya a la gente de la revista por el interés en mandarme esta nota y bueno, espero que la gente se entere de lo que hago y que puedan escuchar el disco. Creo que lo puede disfrutar cualquiera, no solo músicos y guitarristas. Mi interés siempre fue, humildemente, el de hacer música y creo que lo he logrado.

foto: betina colombo

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Entrevista a Silvio gázquez | 09

Nokreo experimeNto

una banda de rock que se las trae. tuvimos la posibilidad de ver su performance en vivo y queriamos de algún modo hacer una breve entrevista con los miembros de esta interesante banda para que todos ustedes los tengan en cuenta. Por gyb.ar

foto: rodrigo alonso

Que pueden contarnos de nokreo experimento?

Facundo Cassettari: Nokreo Experimento es una Banda de Rock, lo remarco porque el concepto se está perdiendo en estos tiempos. La diversidad de opiniones, puntos de vista, preferencias sonoras, estíticas y estéticas conviven hacen justamente que la banda tenga la personalidad que tiene.

Francisco Pintabona: Por momentos Nokreo es un proyecto ideológico, una especie de militancia para sus integrantes. En un mismo show podes encontrarte con ritmos que oscilan del reggae al hardcore más brutal, pero a la vez, hay una firme coherencia en esta pluralidad. Del mismo modo, podes encontrarnos participando en festivales masivos un día y en una fábrica tomada el otro. en qué momento se encuentran?

FC: Venimos de un 2015 muy intenso con más de 70 shows, recorrimos la costa atlántica de punta a punta y visitamos muchos pueblos del interior de Buenos Aires, también fuimos para Santa Fe y Rosario. El 2016 lo arrancamos grabando el nuevo disco en Panda. Actualmente estamos en la etapa final de fabricación del disco que presentaremos en Beatflow el 13 de mayo en un gran Experimento.

FP: El haber sido ganadores de Rock BA y finalistas en Camino a Abbey Road nos dio mucha visibilidad, eso nos facilitó viajar.

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FC: Este año va a ser aun mejor, queremos duplicar la cantidad de shows y tenemos la mira puesta en salir del país a mostrar nuestro nuevo trabajo, estamos muy sorprendidos por la cantidad de gente que nos escribe pidiendo nuestra visita desde países vecinos como Uruguay y chile, mas sorpresivo aun los mensajes que llegaron desde México, donde hay propuestas de hacer una edición mexicana de "La Buena Vida".

Como fue grabar en Panda?

FC: Fue un experiencia muy positiva, el disco anterior lo grabamos habíamos grabado en ION que es una los míticos estudios de Buenos Aires, Panda también entra en esa lista de estudios, muchas veces oí hablar de la intimidación que producen esa clase de estudios cargados de historia, pero nos sentimos muy cómodos, llegamos con toda la familia y nos adueñamos del recinto al instante. Nos gusta mucho poder grabar en vivo batería, bajo y bases de las violas en el room del estudio para poder atrapar el calor y la intensidad de la banda al máximo, y panda nos dio esa posibilidad.

FP: Para la mayoría nosotros, Ion había sido la primera y única experiencia de grabación seria. En Panda, teníamos un mayor dominio del proceso de grabación, proceso tan distinto del show en vivo. ¿Cómo describir sin embargo lo que uno siente en una grabación? Las 14 canciones que hasta el momento habían permitido vislumbrar su alma, tomaron cuerpo y forma en el pro-

ceso de encarnación que se vive en un estudio. Por momentos es una labor técnica, y por momentos es una experiencia mística. Sin embargo, como todo Artista sabe, es solo a través de la primera que la segunda es permitida. en cuanto a equipamiento que estuvieron usando para la grabación?

FC: Nuestro productor y violero (Facundo López Burgos) nos dice mitad en broma mitad en serio que los discos deben sonar clásicos y modernos a la vez y es un poco siguiendo ese criterio que se elijen los instrumentos y equipos. En cuanto a violas se usaron Gibson Firebird, Gibson SG, un par de Les Paul, Gibson L6S original del 70, Fender Telecaster, Rickembacker 330/12, Equipos Fender Deluxe Reverb (1967), Messa Boggie Mark IV, Marshall DSL100. En cuanto a efectos pocas cosas, Flanger Electric Mistress (el Único flanger), Poly Chorus, ZVex Lofi, Wah Wah Morley, MXR Carbon Copy, TC Flashback. Y un par de acústicas Yamaha.

FP: por mi lado el trabajo se encaró desde un lugar bien simple Fender Precission, lo bueno del Precission es que no te da opciones suena a Precission. Después en la mezcla se sumó a la señal el sonido procesándolo por algunas locuras como ser un flanger, sintetizador polifónico tipo POG y también se paso la señal a través de un viejo sinte análogo Korg.

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mÁS CalaveraS

Este es el proyecto actual de Adrián César Vera mejor conocido como el “Chino” Vera, quien es un músico y compositor argentino y que formara parte de distintas y reconocidas bandas de la escena punk rock como: Conmoción Cerebral, Attaque 77, Comando Suicida, Mal Momento, quien es quien?, 24hs o De Romanticistas Shaolin’s por nombrar solo algunas. Por gyb.ar

“Desde el Sol Ardiente” es el título de su álbum debut de esta interesante banda que cuenta con 10 canciones de carismático punk rock, condimentado de gran variado Rock and Roll y algunos toques de Country, Alternativo, Pop y hasta una pizca de Reggae, con letras que relatan un poco acerca de la condición humana, el amor, la desesperanza, el hartazgo de la no dignidad en la vida moderna, el dinero, el adiós a los seres queridos, y la fe necesaria para poder seguir bajo cualquier circunstancia que nos toque vivir.

country & Western, y no podía cerrar de otra manera el disco que con la participación de un invitado especial en las voces y coros como lo es: Ciro Pertusi (Jauria) en el tema “El Faro” un tema que ya había grabado antes con 24hs, uno de sus tantos proyectos efímeros anteriores; el Disco fue grabado durante el verano de 2015 en Satured Estudios con Federíco Pertusi y Martin Locarini (Bõas Teitas) como productores artísticos y editado a través de Other History Records OHR.

El primer corte de difusión es el tema que lleva por nombre: “Esa Clase de Paz” y es también el primer videoclip oficial producido por Hydra Producciones, otros temas que también destacan en el disco son “Esfera So cialista” un tema que ya habíamos podido escuchar con anterioridad en el Compilado “Punk rock Collection Vol.1″ editado en el año 2012, el “Rey de la Velocidad” es otro tema a destacar con un ritmo muy pegadizo y guiños “clasheros” que nos hacen remontarnos a 1982 con el “Combat Rock” deStrummer y cia; “Un requiem para Sheyla” es un tema rock pop/alternativo con un sonido fresco y moderno, “Dios Dinero” es otro excelente tema al estilo del viejo oeste con una bien lograda mezcla de sonidos

Una reseña personal que publico Ciro Pertusi respecto al Chino Vera y al disco de MAS CALAVERAS, en la página oficial de su banda Jauria. “Reseña personal: El Chino no defrauda, es como Woody Allen, cuyas películas son algunas mejores que otras más nunca bajan de un nivel. Con el pasa algo parecido y eso no es poco, pero en el caso de este disco la cosa se pone particularmente “arriba”.

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Serán los años, la experiencia, la madurez de su propio estilo… que por cierto es inconfundible ya que en las canciones de este disco en particular se puede advertir su sello “marca registrada” que ha dejado rastros indelebles, (a veces con más o menos prota-

gonismo) en algunas de las bandas más emblemáticas o representativas del genero en las cuales tuvo incidencia, a saber: Attaque, Conmoción Cerebral, Comando Suicida, Mal Momento, Katarro Vandaliko, Romanticistas Shaolins etc.

Son muchos años de permanencia y se nota, encima se junta con otro viejo Lobo (intencionalmente con mayúsculas) como Federico Pertusi y a su vez Federico convoca como co productor a otro “diamante” como lo es Martín Locarnini de Boas Teitas (grupazo) quien sabe hacer las cosas muy bien desde hace largo rato y entonces la “posion mágica” se hace realidad, se potencian todos los ingredientes antedichos… y vuelven aquellos “buenos viejos tiempos” .

Hermoso trabajo Chino, el mundo es mas lindo con tu música! “.

Actuelmente MÁS CALAVERAS esta integrado por Lagarto Rodríguez en guitarra y voz; Diego Arona en batería; Nicolás Acosta en contrabajo y El Chino Vera en guitarra y voz. Y realmente es una banda altamente recomendable para disfrutar de un show en cualquier bar perdido de la ciudad. Y combo muy interesante para cualquier amante del estilo.

Más Calaveras | 11

la otra miraDa

Tengo gratos recuerdos de todos los guitarristas y bajistas con los que me ha tocado compartir la música y la vida. Es una de las bendiciones que me dio esta profesión y puedo asegurar que tengo, al día de hoy una excelente relación con todos, más allá de que con algunos no tengamos la posibilidad de encontrarnos. De hecho actualmente toco en Pulsónica con el guitarrista Marcelo Tubio, a quien conocí en el año ‘93 trabajando con el cantante Claudio Ledda, y además de la música nos une una gran amistad.

Mi primer recuerdo imborrable data de los comienzos de los 80´s, cuando yo era un adolescente y entusiasta proyecto de baterista. Había comenzado mis estudios con el Oso Piccardi, un gran maestro que trataba de contenerme para que no le demoliera el instrumento en cada clase. Apasionado por el rock, solía volantear para una banda de aquella época llamada Plus, a cambio de poder entrar gratis a sus shows. Plus tenía editados 3 álbumes y se enrolaba en una línea de hard rock, emparentada con Led Zeppelin o Deep Purple, sonaban increíblemente bien y yo los admiraba. Casualmente en uno de sus álbumes participó Celeste Carballo en los coros, a quien en aquel entonces yo no conocía, pero con quien tuve el placer de trabajar años más tarde.

Después del tercer disco Plus se disuelve y al poco tiempo su bajista Hugo Racca edita un disco solista llamado “Vienen por vos”, asumiendo el rol de com-

12 | la Otra Mirada por Jorge Adrián gonzález

quiero agradecer desde ya a la revista guitarristas y bajistas.ar por brindarme este espacio para contarles algún momento importante de mi carrera junto a alguno de los grandes músicos con los que me tocó compartir maravillosos e imperdibles buenos momentos. Por Jorge Adrián gonzález

positor, cantante y guitarrista. Un día viene mi vieja y me dice: Te busca Hugo Racca en la puerta. No lo podía creer, traía su Gibson Les Paul, pero yo simplemente pensé que venía de ensayar y estaría cerca de mi casa. Pasamos a una piecita donde yo tenía mi batería Colombo y el equipo de viola de un amigo y después de una breve charla, Hugo me pregunta

si podríamos tocar algo. Si bien él me había visto tocar con mi primera banda de heavy metal que se llamaba Lied, el hecho de tocar con él me hacía temblar las piernas. Hugo empezó a tocar una de las canciones de su disco (que yo ya me sabía de memoria) y lo seguí. Como buen pendejo que era, intenté sorprenderlo metiendo todas las lecciones que venían a mi mente y fills a discreción. A los 2 minutos me paró en seco y me dijo: Escuchá la música y tocá sólo lo que necesita, tocá con resto. Me hizo una seña poniéndose la mano a la altura de la cabeza y me dijo: Si tu máximo nivel es este, (bajó su mano hasta la altura del pecho) tocá acá, disfrutalo y conectate conmigo.

Volvió a comenzar y después de semejante sacudón, me dediqué a hacer la base tratando de escucharlo, tratando de ser uno con su guitarra que sonaba maravillosa y acompañar los cambios con pequeñas modificaciones en el groove. Empecé a sentir el placer de tocar con un músico con tanto feeling y oficio. Habremos estado así 20 minutos (una eternidad para mi) pero podía ver como su cara mostraba conformidad. En algún momento evidentemente sintió que la cosa estaba sonando, comenzó a cantar e hicimos su canción completa. Cuando terminamos me preguntó si quería ser su baterista. Hugo Racca sin dudas me dio mi primer inolvidable momento musical, me mostró el camino y me guió. Lamentablemente nos dejó muy pronto, en 1998.

guitarristas y bajistas.ar

Namm 2016 - aNaHeim, loS aNGeleS, CaliForNia Como cada año, Guitarristas y Bajistas.ar concurrió a la mayor feria de instrumentos y accesorios musicales del mundo. Una vez más realizada en Anaheim, en Los Ángeles, donde siempre nos cruzamos con muchísimos amigos y colegas de todo el

Doug Aldrich (Whitesnake/Glenn Hughes)

mundo, para poder participar de todos los eventos en esta afamada feria, donde cada una de las marcas presentan nuevos productos. Estuvimos ahí para en esta ocasión presentarles las principales novedades de la Namm 2016. Por Daiana bejarano

Joe Walsh (The Eagles)

Jesse Hughes (Eagles of Death Metal)

Dj Ashba, James Michael y Nikki Sixx (Sixx AM)

Victor Wooten

14 | NAMM 2016

Show en vivo de Graham Nash

Rick Nielsen (Cheap Trick)

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Gregg Bissonette (David lee roth) y Carmine Appice (Rod Steward) junto a Chris Frazier (Foreigner)

Billy Corgan (Smashing Pumpkins)

Tom Abella

Dave Mustaine (Megadeth)

Brad Wilk, Tal Wilkenfeld y Vinnie Colaiuta junto a Daru Jones

Lala Hathaway

Stevie Wonder

Steward Copeland (The Police) y Larry Mitchel (Tracy Chapman) junto a Brian Hardgroove (Public Enemy)

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NAMM 2016 | 15

WarWiCk lWa 1000

Esta vez, nos ocupamos del Warwick LWA 1000.

Cuenta con dos entradas para bajos activos y pasivos, un ecualizador de cuatro bandas, un compresor en cada canal y volumen maestro. Ofrece hasta 500 watts en 8 ohms y 1000 watts en 4 ohms, esto hace que sea posible tener la potencia necesaria para un concierto con independencia del tamaño de la sala.

Los controles están muy bien diseñados y son muy fáciles de usar, de forma intuitiva. Con un preamplificador clase A y la etapa de potencia de clase D, el LWA 1000 tiene dos canales idénticos con pads individuales, lo cual te posibilitará tener dos instrumentos conectados al cabezal, ecualizadores de 4 bandas, una función de compresores y controles de ganancia.

Warwick es conocida por sus bajos eléctricos, representando una alternativa única. la compañía que fue pionera en la adopción de maderas exóticas y electrónica activa. En esta oportunidad, esta prestigiosa factoría nos presenta su nueva línea de sistemas de amplificación para bajo. Por gyb.ar

Conectividad en el amplificador incluye una entrada auxiliar, un DI XLR, una línea de 1/4, un loop de efectos y una salida de auriculares. El sonido es cálido, libre de distorsión y sin ningún ruido inquietante y con una respuesta de graves más estricta que cualquier amplificador que se ha ido antes en esta clase.

CARACteRistiCAs Potencia: 1.000 W (500W + 500W) 2 entradas para bajos activos y pasivos Salida de auriculares Loop de efectos Entrada auxiliar Salida balanceada Peso: 2.8 kilos WARWiCk WCA Esta nueva línea de cajas para bajo de Warwick están diseñadas para usarse con cualquier clase de cabezal para bajo. De peso liviano y con una fidelidad increíble, son ideales para transportar por su peso.

Frecuencia de resonancia: 78 Hz Rango de frecuencia: 70 Hz - 20 kHz Dimensiones 520mm x 540mm x 400mm Peso: 25.6 kilos WARWiCk WCA 208lW 2 parlantes Warwick de 8'' Impedancia: 8 ohms 2 entradas de 1/4 '' y jack coaxial, conectores bloqueables Control de atenuación de alta frecuencia Rejilla de metal resistente 200 Watts Sensibilidad: 97 dB Frecuencia de resonancia: 59 Hz Rango de frecuencia: 100 Hz - 20 kHz Dimensiones 520mm x 400mm x 370mm Peso: 17 kilos

WARWiCk WCA 408l 4 parlantes Warwick de 8'' Impedancia: 8 ohms 2 entradas de 1/4 '' y jack coaxial, conectores bloqueables Control de atenuación de alta frecuencia Rejilla de metal resistente 400 Watts Sensibilidad: 94 dB

16 | Warwick lWA 1000

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marSHall CoDe

Los guitarristas que quieren aprovechar los sonidos legendarios de los amplificadores Marshall ya no tienen que llenar sus casas con numerosos cabezales y cajas. Gracias a una colaboración con los desarrolladores de software de audio sueco Softube, se ha creado una serie de preamplificadores, amplificadores clásicos y cajas y todo esto ya es posible con estos nuevos amplificadores.

Code 100 Este amplificador de 100 watts es totalmente programable, el CODE combina el auténtico tono de sonidos clásicos y contemporáneos de forma profesional. Este modelo tiene simulador de 14 preamplificadores, 4 etapas de potencia y 8 cajas. Tiene 24 efectos inclu-

Marshall nunca se queda quieto, esta tremenda fábrica nos presenta una nueva línea de amplificadores CODE. Esta nueva generación de amplificadores para guitarra ofrece su exclusiva tecnología Marshall Softube con conectividad bluetooth y uSb. Esta será una nueva y poderosa herramienta para que puedas crear tu música. Por gyb.ar

yendo: Compresor, Distorsiones de pedales clásicos, Auto Wah, cambio de tono, chorus, phaser, flanger y trémolo. Incluye Delay con la marcación del tiempo, y reverbs varias de calidad de estudio. Los preamplificadores del CODE producen algunos de los sonidos Marshall más aclamados y queridos: JTM45 2245, 1962 Bluesbreaker, 1959SLP Plexi, JCM800 2203, JCM2555 Silver Jubilee, JCM2000 DSL100, JVM410H y más. CODE cuenta con simuladores de las siguientes válvulas: EL34, 5881, EL84 y 6L6 y simulador de cajas de parlantes: 1960, 1960V, 1960AX, 1960HW, 1936, 1936V de 1912 y 1974X. Code 50 Este modelo de CODE es similar al CODE 100 pero de 50 watts. Además de contar con simuladores de preamp, etapas de potencia y cajas, posee 100 presets de usuario editables. Cuenta con un parlante de 12”. Como hemos de esperar, el amplificador Marshall CODE 50 está sólidamente construido, mientras que todos los controles funcionan correctamente. Optando por un look minimalista, el panel frontal es todo negro con el logotipo reconocible al instante "Marshall". Una manija robusta hace que este sea liviano (13 kg) y muy fácil de transportar.

pero no por ello deja de ser un gran amplificador. De potencia (25 watts) y tamaño ideal para usar en nuestra casa, como sus antecesores, también tiene 14 emuladores de preamplificadores clásicos de la marca y la misma cantidad de efectos que los otros.

Equipado con un parlante de 10", este pequeño combo puede empujar hacia afuera un poco de volumen en serio y con gran calidad.

Code 100H Marshall ha creado el asombroso CODE 100H, una poderosa cabeza de 100 watts con 14 emulaciones de preamplificadores, 4 amplificadores de potencia y 8 cajas de parlantes y 24 efectos, cuenta con un peso de 11 kilos.

Code 25 Este modelo es el más pequeño de la familia CODE

18 | Marshall CODE

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You roCk Guitar GeN 2

Es bastante increíble que este tipo de tecnología esté disponible a un precio tan bajo. El diapasón es sensible a la presión y lo suficientemente preciso para detectar cosas como el tapping a dos manos, etc. Si estás buscando una manera de revolucionar tu sonido, no deberías buscar otro instrumento. La YRG GEN2 es un controlador MIDI polifónico con forma de guitarra especialmente diseñado para guitarristas que quieran secuenciar o escribir música en su computadora conservando la técnica de su instrumento. Además es ideal para tocar en vivo y usar los sonidos que quieras vía MIDI. En resumen, con You Rock Guitar tus posibilidades son infinitas. Cabe destacar que este producto es el más versátil en relación al precio/calidad.

la música ejecutando la You Rock Guitar conectada a la computadora en todos los softwares de escritura musical, tanto acordes como melodías. Los guitarristas ya no precisaran adecuarse a un teclado para realizar esta tarea.

seGundA GeneRACiÓn (Gen2) Dicen que segundas partes nunca son buenas, este no es el caso. El nuevo diseño de You Rock Guitar te permite un control más dinámico al tocar. La plataforma Gen2 tiene nuevos controladores de sonido, lo que aumenta considerablemente el valor del sintetizador. También se han incluido funciones que aumentan la cantidad de control que el usuario tiene sobre el sintetizador, la composición y el software de notación. Cantidad de sonidos infinita. Conectando la You Rock Guitar a la computadora podemos acceder absolutamente a cualquier sonido del mismo modo que con un teclado MIDI. Podemos utilizar cualquier pluggin VSTi, Dxi, sound fonts de cualquier tipo y sobre absolutamente todos los softwares musicales del mercado como Nuendo, Cubase, Sonar, Live, Logic, Protools, etc.

Escritura de partituras. Podemos escribir directamente

PAnel de ContRol El panel de control de software nos permite un control preciso en más de 40 parámetros, como sensibilidad, afinación, habilitar para zurdos, etc. y además simplifica la descarga de actualizaciones de software.

20 | You Rock guitar gEN 2

CARACteRístiCAs Midi Increíblemente rápida y precisa respuesta a través de todos los trastes y cuerdas (Superior a los sistemas de micrófono en guitarras tradicionales).

Diapasón sensitivo, soporta múltiples formas de toque, incluyendo tapping y sliding.

Palanca para funciones de Pitch Bend.

Control de modulación.

64 afinaciones abiertas y Transposición.

sAlidAs Midi Salida USB 2.0 de alta velocidad.

Salida MIDI estándar de 5 pines. sintetizAdoR inteRno La You Rock Guitar cuenta con un sintetizador interno de excelente calidad, mediante el cual podemos obtener diversos sonidos simplemente conectando la You Rock Guitar a nuestro equipo como una guitarra convencional.

CARACteRístiCAs del sintetizAdoR 75 sonidos de alta calidad que pueden utilizarse en si-

Esta guitarra MiDi viene con sonidos de sintetizador dentro, las salidas uSb y de audio además de su salida MiDi para controlar sintetizadores externos, hacen de este instrumento algo especial. Por gyb.ar

multáneo y 25 samples de guitarra de alta calidad.

50 samples de piano, sintetizadores, cuerdas, etc.

25 loops de canciones + 10 loops de ritmos.

99 presets programables. Nuevos samples y sonidos pueden ser descargados. entRAdAs Y sAlidAs de Audio Salida estandar ¼" para el amplificador de guitarra.

Mini jack para auriculares.

Mini jack stereo para reproductor MP3 o iPod. Qué Podés HACeR Con lA YRG Controlar softwares como GarageBand, Cubase, Sonar, Reason, Pro Toools, etc. Conectarla vía USB en una PC, MAC, Ipads, etc. Combinar performances en vivo con pistas grabadas.

Controlar teclados MIDI. Grabar tus propios temas y escribir tus propias partituras en la computadora sin necesidad de un teclado extra.

CABle usB Esta guitarra viene con el cable USB estándar para conectarlo a cualquier computadora. Incluye correa, cable de audio y 3 púas PoliFÓniCA La You Rock Guitar es un controlador MIDI polifónico, esto significa que además de poder hacer líneas melódicas y punteos, tenés la posibilidad de tocar acordes como en una guitarra convencional.

CARACteRístiCAs Medidas: 73,5 x 35,5 x 7,5 cm.

Peso sin envoltorio: 2.3 kg. importa, distribuye y garantiza: www.pcmidi.com.ar

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alamBre GoNzÁlez

Alambre gonzález es uno de los mejores exponentes argentinos de la guitarra. un personaje sin igual, querido y respetado por sus pares y con un estilo único y un sonido maravilloso que brota desde su alma hacia el universo inmenso de un viejo bar de blues. Por Sergio Resar foto: sonia resar

22 | Entrevista a Alambre gonzález

Qué era lo que escuchabas de adolescente?

En los ‘60s se escuchaba mucho folclore y tango... En casa, en los cumpleaños o fiestas se armaban tremendos bailongos y zapadas, chacareras, zambas, etc.

y me escribió las pentatónicas con unos puntitos en una hoja que me acompaño hasta hoy. Empezaba a practicarlas arriba de los discos de Almendra, Manal, Pappo, etc. sobre en un viejo Winco.

Cuál fue el primer guitarrista que te partió la cabeza y por qué?

El primero que veo en vivo es a Claudio Gabis con Manal tocando en un club de mi barrio. Ahí, cuando pegue la vuelta a casa, dije “La puta, quiero ser como este tipo y subirme a un escenario”. En esos días me regalan un disco de Jimi Hendrix, Isle of Wight, y ahí se me arma terrible quilombo en el bocho. Luego La Pesada en un teatro del centro y yo con mis mocasines y mi camisa blanca, veo unos desprolijos bárbaros que me volaron la cabeza. El rock y toda su filosofía me empiezó a entrar por la sangre.

Quiénes fueron tus influencias?

Mis influencias fueron muchas. Escuchaba de todo,

Cuáles fueron tus estudios del instrumento?

Mis estudios fueron pocos en la época folclórica, solfeo y todo ese embole, hasta que conozco a un flaco del barrio que estudiaba con Gabis, Oscar Aleman,

foto: sonia resar

foto: sonia resar

A qué edad empezó tu pasión por la guitarra?

En la primaria, desde el jardín de casa escuchaba tocar un dúo onda los indios Tacunau, que no sabía quiénes eran. Después los descubrí, pero esos dos se tocaban todo y desde la terraza de la pensión me invitaron a subir y a escuchar. Ahí empezó mi relación con la viola.

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foto: sonia resar

Yes, Johnny Winter, Wes Montgomery, Jeff Beck, Pappo y todo lo nacional.

Y qué estás escuchando ahora?

Hoy sigo escuchando casi los mismos, Larry Carlton, Chris Cain, Robben Ford, etc. Y con el blues rural me pasa lo mismo que con el jazz, me fascina pero no puedo interpretarlos como tal, le pego por ahí, soy muy vago, jajaja.

Cómo se llamaba tu primera banda?

Mi primer banda se llamaba “La Magnífica rock and blues”. Éramos malísimos.

Cuándo fue la primera vez que entraste a un estudio a grabar y cómo fue esa experiencia?

La primera vez que entre en un estudio fue en uno muy bizarro. El dueño, Cacho, dormía debajo del piano Rhodes con bolsa de arpillera en el techo. Yo les llevaba facturas para escuchar y un día me hicieron meter un solo en un tema de un disco de Edda Bustamante por línea, en una máquina a cinta Tascam. Ahí empezaron a crecer con mi compadre Sirso.

La cosa se puso más profesional y me mandaba en donde podía. Así fui aprendiendo.

Cómo surge la amistad con los divididos?

No eran Divididos, eran MAM (grupo de Omar y Ricardo Mollo, al que después se le suma Diego Arnedo). El que me lleva es Juan Rodríguez, batero de La Pesada, Sui Generis, etc. Ensayábamos en el sótano de El Palomar con Ricardo y Omar Mollo y con Diego Arnedo. Ese fue un buen caldo de cultivo, se zapaba mucho, componíamos, venían muchos músicos históricos. Una época muy rica para mí. Ensayábamos entre cinco y seis horas por día. Ricardo, en esos tiempos ya se tocaba todo.

foto: sonia resar

Cómo era tu relación con Pappo?

A Pappo lo conozco por esos años del sótano, habíamos armado un trío con Alejandro Medina y Juan Rodríguez, tocábamos por Palermo en un boliche por Las Heras, y el loco se apareció un día y me quedé frío, por que lo tenía en un lugar inalcanzable.. cómo ídolo violero y personaje, empezó a ir los fines de semana, y ni bien llegaba, yo le daba la viola y me sentaba al lado a escucharlo hasta que un día me invitó a salir de gira con Ale y Juan. Les dijo a ellos “Tráiganlo a ese alambre que toca con ustedes”. No lo podía creer. Hacía apenas un par de años era un

sueño apenas conseguir los discos de vinilo suyos.

Nos los pasábamos entre amigos, luego empecé a ir a la casa seguido y comenzó una amistad hasta los últimos dias.

Contanos de tus discos solista Mis discos solista, bah, uno solo no hace nada, jajajaja. Fue en los ‘90s que me empecé a animar a cantar... nunca aprendí no sé porque sigo insistiendo, jajaaa. Grabé con mi hermano, el Bolsa González, “La doble Nelson”, luego “Sopa caliente”, “Casino”, “Yo invito”, “Doble faz”, “Malambo” y este último “Alambre & amigos”, la banda que más duró, con Silvio Marzolini, Hugo Méndez, Mauro Ceriello, Pato Raffo. Muchos de estos cds producidos con Sirso Iseas.

Cómo fue que te relacionaste con luca Prodan?

A Luca Prodan lo conozco por medio de Diego Ar-

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foto: sonia resar

Cuál fue el primer recital que viste?

El primer recital que vi fue Manal. El ultimo Divididos, en el medio miles de bandas.

nedo, un noche me quede a dormir en la casa de Hurlingam y a la mañana me dijo - Acompañame que vamos a ver a un chabón - El tipo era Luca en la casa de Timmy. Yo no les cazaba mucho la onda, tenía mucho prejuicios de la música que no fuera súper ensayada, a la gomina, jajajaja. Luego entendí que nos patearon el culo para que todo fuera m espontaneo más fresco, más provocador.

Entrevista a Alambre gonzález | 23

Cuáles son los planes a futuro?

Pienso seguir tocando y componiendo música hasta donde me den las ganas, siempre con la gente que aprecio y me gusta estar.

Con quiénes trabajaste como sesionista?

Con un montón de artistas de géneros diferentes, de grandes trayectorias y otros no tan conocidos.

foto: sonia resar

Qué otra pasión tenés aparte de la música?

Mi otra pasión son las motos. Soy un corredor de motos frustrado pero de cuando en cuando me saco el gusto con amigos y salimos a girar por ahí. También me apasiona la pesca, qué sé yo?. Soy un tipo por demás inquieto.

Por qué creés que sos un tipo tan querido y admirado por tus pares?

Creo que porque quiero de la misma manera y admiro de la misma forma también.

Cómo está conformado tu set actualmente?

Toco con dos equipos Argie que son lo más, realmente son lo mejor que he escuchado. No podría tocar con otra cosa. Argie lee a la perfección lo que necesito reproducir desde mi cabeza. Entre las guitarras que utilizo tengo una guitarra Telecaster Houd Dog que es un instrumento increíble de Albani y Charlin, una guitarra Les Paul R8 y una guitarra American Vintage Strato.

Cómo es tu proceso para componer?

Mirá, te diría que el proceso de componer casi siempre lo empiezo por la música. Canturreo cualquier melodía encima y luego trabajo con la letra. Es la parte más creativa de la música, una de las que más disfruto, darle forma, ensayarla, versionarla, y ver cómo reacciona la gente. Primero me tiene que llegar de la manera más honesta, poder decir lo que en ese momento estoy sintiendo, si logro emocionar a alguien, tarea cumplida.

foto: sonia resar

Cómo fue la experiencia en Abbey Road?

Yo no grabé en Londres, esa fue una invitación de Ricardo Mollo y de Diego Arnedo, no lo podía creer ya que era la primera vez que salía del país. Recuerdo el momento que Ricardo tocó “Voodoo Child” y tomé conciencia que el negro caminaba por ahí, por ese maravillos ámbito. Encima una versión

mortal, se me hizo una película y explotó lagrimón.

Muy movilizador.

Quién te puso el sobrenombre “Alambre” y por qué lo hicieron?

Bueno, la historia del sobrenombre un poco ya te la conté antes, el loco de Pappo, les dijo a Alejandro Medina y a Juan “traigan a ese Alambre que toca con ustedes”. Igual el sobrenombre ya me lo venía diciendo José Rodríguez, el hermano de Juan también, pasó el tiempo y así quedé, jajajaa... con este sobrenombre al cual ya me acostumbré.

26 | Entrevista a Alambre gonzález

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Álvaro villaGra

Contanos cómo empezaste con esto de ser ingeniero de sonido y productor de las grabaciones de las bandas y solistas más importantes del país?

Mi papá, Nelo Villagra, tenía un grupo de folklore q se llamaba “Los 7 colores”. Cuando tenía 19 años, ganaron un concurso de todo el país, le ganaron la final a Jaime Torres y el premio fue grabar un disco en CBS producido por Waldo de los Ríos que fue uno de los más grandes y admirados músicos q tuvo La Argentina. “Los 7 colores” eran tan buenos que Waldo decidió grabar temas de él en ese disco, muchos opinan q “Los 7 colores” es una de las mejores cosas y más originales q se han hecho en el folklore de este país. Ahí papá empezó a interesarse por los estudios de grabación, se hizo intimo amigo de Pelusa Suero, el de las voces de Larguirucho, Neurus, Clemente, etc. y juntos pusieron su primer estudio de grabación, Audion, donde grababan con Chico Novarro, Jairo y muchos más músicos que recién empezaban. Ahí nací yo, que me crié adentro de ese estudio con Baby López Furst, Cardozo Ocampo, Nacha Guevara, Les Luthiers, Edmundo Rivero, etc.

álvaro Villagra es para muchos artistas unos de los mejores productores artísticos e ingeniero de sonido que el mercado musical en estos últimos tiempos ha generado. Su talento y profesionalidad es requerida para trabajar todo tipo de estilos musicales. Es en la actualidad el productor que todo artista quiere en los controles. Por Sergio Resar

Más o menos con los mismos músicos con los que se crió Javier Malosetti. Después de eso, Pelusa siguió con su carrera de voces y papá con el estudio como ingeniero, músico y productor.

Aparte todos los cumpleaños o fiestas de cualquier tipo terminaban en guitarreada. Y siempre había una parte en que yo con la guitarra acompañaba a mi papa que tocaba el charango, por eso se tocar muchos ritmos de folklore bastante difíciles, igual después mi papá agarraba la guitarra y la rompía. tu padre ha grabado a edmundo Rivero, a Citarrosa, la pesada, hacía el mismo trabajo que vos, qué aprendiste de él?

Sobre todo aprendí música. Mi padre era un músico increíble, pero también aprendí mucho de la construcción y acústica de estudios y a apreciar y distinguir las cosas que sonaban bien de las que no, y también el fanatismo por el audio y la electrónica, pero nunca me enseño a grabar. Aparte mucho de su increíble personalidad, que también está en el resto de mi familia, en mi hermano Gonza, bajista de los natas, mi mamá y mi hermana. Una vida de locos en una familia muy singular realmente.

Cuál es el rol del productor en una grabación?

Qué escuchaban en tu casa cuándo veras chico?

Mucho folklore y bossa nova, Simon & Garfunkel y un poco los Beatles. Luego Queen, pero muchisíma música muy variada.

Qué instrumentos estudiaste?

Mi papá me enseñó a tocar guitarra y charango a los 5 años y lo acompañe a él toda la vida, sobre todo folklore y luego yo de grande aprendí solo a tocar el piano y otros estilos de música en piano y guitarra.

28 | Entrevista a álvaro Villagra

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tidad de músicos que se tocan todo, sobre todo guitarristas y pianistas. Como artistas solo por nombrar algunos nombro a los dos que son los más admirados hoy por casi todos los músicos que yo grabo: Nekro y Iorio. También a Vudu de Rosario que es muy impresionante y un par de bandas nuevas desconocidas que grabé: Tick Topper y Grumis.

Contanos cómo surgió esa rara amistad entre Ricardo iorio y Ante Garmaz de la cual has sido partícipe necesario.

Cuando yo hice el Abasto en el año ’92, lo hice en una casa donde también se filmaba el mundo de Ante Garmaz, al mismo tiempo yo grababa Blues Local de pappo y Víctimas del vaciamiento de Hermética, entonces ahí en los pasillos surgió esta amistad entre Pappo, Iorio y Ante. Ahí Iorio me convenció, cosa que él también creía, que Ante había sido numero 9 de Boca, cosa que yo repetí durante años e incluso en libros, y ahora Iorio me dice que se confundió con Beto Márcico.

El rol es lograr que el resultado final del disco sea excelente o lo mejor posible con lo que se tiene.

Cuánto puede modificar el productor el sonido de una banda? ese es su rol?

El productor es como el técnico de un equipo, igual, organiza, da un rumbo que puede ser correcto o no, enseña, hace arreglos, y si claro puede cambiar por completo el sonido de una banda para bien o para mal. Y como en todo, lo único que importa es el resultado final.

Grabaste con Pappo, los Piojos, divididos, los Fabulosos Cadillacs, Boom Boom kid, Joan Manuel serrat, entre otros, cómo se trabaja con artistas tan disímiles?

Grabo desde que tengo 20 años, empecé grabando cumbia, chamamé, folklore, tango, jazz, jingles y luego rock. Aprendí a grabar todo tipo de música, aparte puedo tocar muchos tipos de música en muchos instrumentos, no me toco todo pero toco bien, algunas cosas mejor que otras.

Cómo trabajás las guitarras y los bajos, y qué buscás de cada uno de esos instrumentos al momento de grabarlos?

Sólo busco que suenen bien, lo mejor posible, aunque últimamente muy pocos graban guitarras y bajos en los estudios grandes, se graban sólo bases y todo el resto se graba en estudios más pequeños por una cuestión de costos, entonces, las guitarras sobre todo, me llegan grabadas de otro lado a la hora de mezclar, y es raro que suenen demasiado bien, cuando las grabo yo en el estudio me doy cuenta cuanto mejor podrían sonar. vos sos músico, tocás en los discos, por qué no tenés tu propia banda?

No me gusta tocar con nadie, nunca me gusto, creo que porque no me gusta la música de otros para tocarla yo, si participar en los discos, componer algu-

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nas cosas que salen en disco de otros, eso sí. Y quizás la música que me gusta mucho y en la q me gustaría tocar, jamás me llamarían a mí para tocarla.

Por eso toco y estudio solo en mi casa, nunca con un profesor, yo invento mi propio método de tocar cada instrumento y también de grabar y obviamente los músicos con los q grabo me han enseñado muchísima música también.

Cuál es la ventaja de ser músico a la hora de la producción?

De la producción y de la ingenieria, el que es un buen músico afana. No hay forma de que alguien que no es un buen músico haga algo mejor de alguien que si lo es (quizás si en el pasado pero no ahora). Al que no es un buen músico no le queda otra que tratar de copiar arreglos o sonidos que inventaron otros.

Qué guitarristas y bajistas de los que has grabado te ha llamado la atención, ya sea por su profesionalidad o por su virtuosismo o sonido?

Muchos, sólo por nombrar algunos, Javier Malosetti en ambos instrumentos, Arnedo, Pappo, el tano Marciello, Carámbula, Vitico por el sonido y el groove, y aparte grabé con muchísimos otros músicos increíblemente virtuosos, es una lista larguísima, Alambre González, Zurdo Herrera, Nahuel Antuña de Vudu, y muchísimos más.

Cómo fue trabajar con Carlos santana y en qué disco participaste con él?

Fue una casualidad, cuestión de suerte. Grabando el disco La marcha del golazo, de los Cadillacs con el productor KC Porter, que venía de terminar de producir el disco de Santana, y Santana le dice que el tema primavera que lo había cantado el cantante de Maná no le gustaba con esa voz. Entonces mando a Buenos Aires las cintas y tuvimos q grabar la voz de nuevo y remezclar el tema. Así fue que mi nombre quedo en el disco, luego Supernatural ganó 9 Grammys incluido álbum del año que entrega Grammys a todos los músicos, productores e ingenieros del disco.

Por eso es que recibí un Grammy americano por álbum del año que es el más importante de todos los Grammys que existen y que entregó Bob Dylan.

Luego en la fiesta posterior en Los Ángeles, rodeado de Santana, Bob Dylan, Lauren Hill, Sting y Phil Collins, KC Porter me pregunta si valió la pena quedarse despierto una noche?. Yo parecía Peter Sellers en la fiesta inolvidable, fue suerte.

Cuál es la banda que te ha sorprendido últimamente?

Yo creo que habiendo existido Queen, The Beatles, Pink Floyd, Zeppelin, The Who, Deep Purple, los Stones, Bee Gees , ELO, The Police, Genesis , Yes, los Beach Boys, Dylan, Simon & Garfunkel, Carpenters, y tantos más, y acá Manal, Vox Dei, Charly, Pappo, Spinetta, Sumo, Los Abuelos y también muchísimos más, y aparte todos al mismo tiempo, nadie se puede sorprender de absolutamente nada que lo que suceda hoy. Lo que si me sorprende es la can-

Entrevista a álvaro Villagra | 29

Cort JeFF BerliN SiGNature BaSS

Modelo firmado por el increíble bajista Jeff Berlin, ha sido creado para ofrecer a cualquier bajista un instrumento cómodo, liviano y con un sonido profesional.

Pese a ser uno de los bajistas míticos de la historia, Jeff Berlin nunca usó bajos caros, y de hecho de que en los últimos años haya estado usando bajos de gama media, demuestra lo que se ha avanzado con respecto a la calidad en estos instrumentos.

Este es su nuevo bajo y está hecho por Cort en colaboración estrecha con este gran músico. Este bajo Cort Jeff Berlin Signature es un bajo de cuerpo de Alder, mástil atornillado de maple con 21 trates y diapasón de rosewood, además de un puente con un diseño especial (Babicz) y micrófonos Bartolini USA Custom. El balance del instrumento es un punto vital

para Berlin, y en este caso se ha optado por clavijas Hipshot Ultralight que reducen el peso. El resultado es un bajo muy fácil de tocar y muy fácil de ajustar (Jeff insiste mucho en este punto, porque quiere que sea un bajo "de batalla", muy sencillo de ajustar).

Con una respuesta muy viva y tres sonidos totalmente diferenciados. El micrófono del puente de este bajo Cort Jeff Berlin Signature es incisivo pero no estridente. Tiene más dulzura que la mayoría de los micrófonos de puente, sin perder nada de ataque y respuesta. El micrófono del mástil suena casi totalmente opuesto, muy cálido y lleno, con un cierto matiz a un contrabajo.

La mezcla de ambos micrófonos produce un sonido único en este bajo Cort Jeff Berlin Signature que no se parece a ningún otro instrumento. La separación entre los dos micrófonos es responsable de ese sonido un tanto hueco y liviano, que funciona de maravilla para cantidad de estilos musicales.

El detalle de la tapa de walnut añade un toque exótico a este bajo que tiene un

30 | Cort Jeff berlin Signature

sonido y prestaciones por encima de su precio.

La quinta cuerda es especialmente buena (muy buena definición y el mismo volumen que las otras cuatro, algo que no siempre ocurre), lo cual es especialmente notable teniendo en cuenta que la escala es la tradicional de 34". Comodidad garantizada.

CARACteRístiCAs Cuerpo: Alder Tapa: Walnut Mástil: Maple Diapasón: Rosewood Construcción: Bolt-on Trastes: 21 Mics:Bartolini Jeff Berlin Custom Soapbar x2 Electrónica: Pasiva Controles: Volumen, Balance, Tono Peso: 4kg Escala (pulgadas): 34 Este asombroso bajo Cort Jeff Berlin Signature que nos propone la marca Cort esta equipado de fábrica con cuerdas DR DDT 040/120; con Clavijero Hipshot Ultralight y Puente Babicz FCH4 Full Contact.

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ampeG SCr Di

una caja directa bien construida hace que sea mucho más fácil controlar la señal de graves en la mezcla. la eliminación de ruido de línea proporciona un mejor manejo de gama baja-frecuencia del instrumento. Ahora se puede acceder al tono Ampeg mediante un pedal preamplificador conveniente, el Ampeg SCR-Di. Por Sergio Resar

Los ingenieros de Ampeg subieron recientemente la apuesta ofreciendo algo más que una simple caja directa. Su nuevo pedal SCR-DI es esencialmente un preamplificador que combina una DI con un sonido inspirado en un SVT. Este producto fue presentado por Ampeg en la ciudad de Anaheim durante la edición del 2015 de la famosa feria de instrumentos y accesorios musicales NAMM.. Construida en fundición de zinc, la SCR-DI está por encima de cualquier otro pedal del mercado en cuanto a su robustez. Los circuitos de saturación de la ecualización de los graves, los medios y los agudos, así como el Scrambler, tienen interruptores independientes.

El ecualizador cuenta con una cobertura total de volumen, graves, medios y agudos, junto con un control de volumen de entrada auxiliar y los interruptores para acoplar a circuitos de saturación de la frecuencia ultra-LO y ultra-hi del pedal. Conectando tu bajo eléctrico y utilizando el ecualizador de Ampeg, los controles de tono, y el Scrambler Overdrive, podés llegar a encontrar tu sonido ideal. En sus laterales, encontramos una salida XLR balanceada como para ir directamente a consola, salida para auriculares, line out, el input, el thru y una entrada auxiliar. En resumen, el Ampeg SCR-DI Bass DI con Scrambler Overdrive es un verdadero preamplificador,

la entrega de una amplia gama de tono Ampeg es perfecta para usar en el escenario. El clásico EQ Ampeg ofrece un control tonal adicional, incluyendo Ultra-Hi y Lo-Ultra en la conformación del sonido.. El SCR-DI tiene todas las conexiones para conseguir el tono Ampeg fuera de cualquier plataforma y enviarlo todo a una consola y estar seguros que el público escucha los mismo que nosotros. Con un sistema incorporado en la salida de auriculares y AUX IN para practicar junto con pistas de acompañamiento, el SCR-DI es también una herramienta práctica fantástica que puede encajar perfectamente en su funda.

esPeCiFiCACiones téCniCAs Tipo: preamplificador Factor de forma: Pedal Entradas: 2 x 1/4 ", 1 x 1/8" Salidas: 1 x XLR, 1 x 1/4 " (Línea), 1 x 1/4" (Por), 1 x 1/8 "(Auriculares) Baterías: 1 x 9V Altura: 56 mm Anchura: 193 mm Profundidad: 109 mm Peso:1.2 kilos

32 | Ampeg SCR Di

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uNa De GuitarraS

Muchas veces he escuchado decir frases como: “te compras una viola barata y les pones unos Di Marzio y te queda un violón”. Obviamente esto no es así pero analicemos un poco.

Por Facundo lópez burgos

mayor (Fender) también aporta mayor nitidez al sonido que una escala corta (Gibson). La combinación de todos estos elementos genera la personalidad del instrumento. Luego esta por supuesto la calidad. Calidad de la madera, pero también calidad en la construcción. En el mundo de la lutheria los detalles hacen un mundo. Algo importante es entender que la producción económica de instrumentos no hace un gran hincapié en el control de calidad. Esto quiere decir que de una misma partida de instrumentos yo puedo probar 10 distintos (por decir un número) y encontrar grandes diferencias entre ellos. Resultando algunos económicos en su relación calidad/precio y otros carísimos. Lo importante entonces, si decidimos tomar el camino de invertir dinero para mejorar la calidad de un instrumento, es asegurarnos de que tenemos un buen mueble. El mueble es lo único que no podremos cambiar. Todo lo demás es plausible de cambio, clavijas, micrófonos, electrónica, hasta los trastes pueden cambiarse! Pero el mueble no.

Mi consejo entonces si van a comprar una guitarra económica con miras a ir mejorándola poco a poco es que elijan un buen mueble. Para esto es fundamental que la prueben desenchufada! Escuchen el timbre, la intensidad del sonido, el sustain, prueben varias guitarras aun de la misma marca y modelo para que puedan captar las diferencias y reconocer una viola que suena de una que no. Caminen todo lo necesario y no se apuren.

El micrófono no hace al cantante: A nadie se le ocurriría averiguar con que micrófono canta un cantante (ya sea Barry White, Bono, Robert Plant o Luis Miguel) comprarlo y pretender cantar como él. ¿Por qué no? Pues porque el micrófono sólo transforma en un impulso eléctrico una señal acústica que recibe para que luego pueda ser amplificada. Transforma no inventa. Aportará su particular color.

Pero no inventará un cantante donde no lo haya. De la misma forma una pastilla de guitarra (o bajo) solo captará el sonido el instrumento le provea.

Otra cosa importante en esta franja de precios es que no se casen con las marcas. Muchas veces en instrumentos económicos encontramos marcas desconocidas que son muy superiores que el modelo económico de una marca conocida (donde solo abonamos la marca en cuestión). Si buscan con paciencia y dedicación muy probablemente encuentren un instrumento que inversión mediante pueda crecer y convertirse en otra cosa. Pero esto no es algo mágico ni que vaya a pasar con cualquier viola que se crucen.

¿Pero y entonces de donde sale el sonido?, en los instrumentos acústicos es sabido que de la caja de resonancia pero en los eléctricos ¿no depende esto del factor eléctrico?. Pues no, las dos afirmaciones anteriores son erróneas. En los instrumentos acústicos la caja de resonancia aporta timbre y color al sonido pero su principal función es la de amplificar el volumen de las cuerdas. En los instrumentos eléctricos el proceso de amplificación se realiza mediante electricidad, pero en cuanto al aporté tímbrico el mueble cumple la misma función que uno acústico. Por otra parte no hay que confundir eléctrico con electrónico.

Hay varios factores que aportan al sonido de una guitarra. Maderas como la caoba aportan siempre medios, sustain y cierta intensidad al sonido. Las maderas duras como el maple o el ébano aportan brillo. El largo de escala al ser

34 | Calibrando mi guitarra

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Guitarra

Por Eric Jacobs

AFiNACióN CON AFiNADOR ElECtRóNiCO A veces pasa que el afinador "lee" mejor alguno de los micrófonos, compara afinando con uno o con otro. la diferencia entre pulsar con púa o dedo, o pulsar cerca del puente o cerca del traste 12 es la cantidad de armónicos que se producen.

Cuando se toca con distorsión es preferible afinar por quintas buscando minimizar los batidos, eso da un mejor sonido a los power chords (4tas y 5tas), ya que la intermodulación de la distorsión produce frecuencias que coinciden con la tónica y la quinta pero desparramadas a lo largo de todo el espectro. Eso es lo que produce esa sensación de acorde poderoso. Otros intervalos producen notas fuera de la escala y eso los hace muy disonantes.

ARMÓniCos de lA CueRdA Cuando pulsamos una cuerda, la forma de onda no es senoidal pura porque aparecen armónicos superiores como 2º, 3º, 4º, 5º, 6º, 7º.

Lo razonable sería tratar de producir una buena tónica, que es lo que tiene que medir el afinador, por lo que yo trataría de usar el mic del mango y pulsar con el dedo cerca del traste 12 para minimizar los armónicos. Igualmente los afinadores también filtran los armónicos.

Cuando se pulsa fuerte cerca del puente, se produce otra cosa que es una onda estacionaria que se propaga longitudinalmente por la cuerda rebotando en la cejilla y en el puente, esa onda confunde al afinador y hay que evitarla. Se forma porque al pulsar se propagan dos ondas a igual velocidad e igual frecuencia pero en direcciones opuestas. Como se pulsa más cerca del puente que de la cejilla, la onda que se dirige al puente llega primero y colisiona con la que reboto en la cejilla produciendo cancelaciones a lo largo de la cuerda. Como es un transitorio sólo ocurre al principio del pulsado, y es más notorio en las cuerdas gruesas o entorchadas.

La 1º es la tónica o fundamental La 2º es la tónica una octava más arriba La 3º corresponde a una quinta perfecta La 4º es la tónica dos octavas arriba La 5º corresponde a una tercera mayor La 6º corresponde a una octava arriba de la quinta La 7º corresponde a una séptima menor Como se ve con sólo pulsar una cuerda, con los primeros 5 armónicos que son los más fuertes y audibles se arma un acorde mayor: 1ra, 3ra y 5ta. No se lo escucha como acorde sino como timbre ya que los armónicos son consonantes con la tónica.

Cuando se hace un acorde con varias cuerdas, es imposible que sean consonantes y se producen pequeños batidos que hacen el efecto de un coro y se escucha como acorde. Esto se pronuncia aún más debido a la escala temperada.

Como sabemos la afinación no es perfecta, si no que es una solución de compromiso para lograr la escala temperada, la cual permite transportar las piezas musicales a otras claves o tonalidades sin que se alteren.

Eric Jacobs es Ingeniero en Telecomunicaciones de la UNLP con mas de 35 años de experiencia en la industria. Desde 2009 lleva adelante el emprendimiento Jake Amps dedicado exclusivamente a soluciones para el equipamiento musical. Todos los productos son originales y diseños personales. Lleva entre sus mejores logros el ya legendario amplificador de 7W Blues Mojo y actualmente el premiado amplificador The Riffer, asi como los switchers de pedales Small Foot y Big Foot.

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Suplemento técnico | 35

BaJo Por igor Saavedra

DiNáMiCA Y SONiDO… PERillAS VS MANOS He querido plantearles una alternativa poco convencional para la ejecución de vuestro instrumento, esto debido a que me toca ser uno de esos pocos tipos que (para bien o para mal) hace ya casi 17 años (1998) optó por no tener ningún tipo de potenciómetros en sus bajos… debo decir que en parte influenciado por el gran Anthony Jackson. manos. Una de las ventajas más importantes de acostumbrarse a realizar todos los ajustes de dinámica y timbre con las manos es el hecho de que pueden seleccionar “nota por nota” sin importar la velocidad a la que se encuentren, algo que es absolutamente imposible de hacer de forma apropiada con un potenciómetro. Una muy buena recomendación para ayudarse en el desarrollo de esta habilidad es la de preestablecer valores un poco más altos en el Master del amplificador, de manera de tocar siempre con un “soft-touch” y así tener más espacio de tolerancia para trabajar las dinámicas.., esto lo aprendí muchos años atrás del gran Gary Willis y funciona de forma fantástica…!!

En atención a mi Trastorno Obsesivo Compulsivo fui un poco más radical, así que a diferencia de Anthony dejé de incluir el pedal de volumen como parte de mi sistema, siendo además mis bajos completamente pasivos, y utilizando siempre cables de la más alta calidad posible, cables que llegan a tener un costo de 150 a 1.000 dólares por metro. ¿entonces por qué y para qué deshacerse de los potenciómetros?

Como todo bajista, comencé a tocar bajos normales con todas sus perillas y circuitos activos, pero algo siempre me molestaba y por años no pude dar con la exacta razón.

Concluí que una de las cosas que más me incomodaba era el hecho de que mientras tocaba tenía que hacer ajustes y modificaciones de mi sonido por la vía de mover perillas en mi instrumento. Por decirlo de alguna forma lo encontré poco orgánico y una forma “indirecta” de efectuar variaciones dinámicas y timbrísticas. Pero la razón más importante de todas no era precisamente esa, pues había además una razón sustancial, ya que al comenzar a profundizar en el perfeccionamiento y el desarrollo de mi sonido por la vía de la técnica instrumental (como lo hacen los músicos clásicos) y restarle protagonismo a la tecnología que tiene una mucha mayor incidencia en la música popular, comencé a distinguir diferencias cualitativas fundamentales entre ambos sistemas que me convencieron de que debían ser sólo mis manos las que de ahora en adelante se encargarían de todas las variaciones dinámicas y timbrísticas en mi ejecución musical.

Mi fundamento es que un decrecimiento en el volumen debe y tiene en mi opinión que ir acompañado de un sutil cambio de “attack” en los dedos, de manera tal que estos suavicen un poco el contacto con la cuerda y completen la naturaleza e intención de esa variación. Si esto se hace sólo con un potenciómetro manteniendo idéntico el “touch” de los dedos (que es lo que se suele hacer) el volumen sin duda va a decrecer, pero al mismo tiempo si ponen atención algo no estará haciendo completo sentido en el resultado final. Si hacen lo mismo, pero ahora por la vía de suavizar el “touch” y el “attack” de los dedos verán que luego de un tiempo serán capaces de lograrlo como si estuvieran moviendo un potenciómetro (ya sea en el Bajo o en un pedal), pero además habrá un sentido total en la variación sonora en sí misma, y aún más en el efecto que se produce en el cuerpo del interprete al hacerlo de esta forma. Obviamente pueden hacer exactamente lo inverso, partiendo desde un volumen muy suave e incrementarlo primero con un potenciómetro y luego sólo con las

Cómo hacerlo con el ajuste del tono?

No tener filtros de ningún tipo, como en mi caso, es el equivalente en un Bajo pasivo a dejar los controles de tono y volumen completamente abiertos, es decir con “full brillo” y “full volumen”. En un Bajo activo sería el equivalente a dejar los controles de tono y volumen justo en la mitad del rango de rotación del potenciómetro o punto cero. Una vez dicho esto, y dedicándome ahora al tema del control del tono, imaginémonos que queremos subir un poco los bajos de nuestro sonido.., pues lo que deberemos hacer es mover la mano derecha (si se es diestro) un poco hacia el “neck” ya que por efecto de una menor rigidez el centro de la cuerda tiene más contenido de frecuencias bajas.., esto junto con preocuparse de agregarle más “carne” de los dedos al “touch” y deslizar más cada llema de los dedos al momento de hacer contacto con la cuerdas para evitar altas transientes (o staccatos que es lo mismo en terminología musical). Además es importante evitar levantar las cuerdas sino que empujarlas hacia abajo para no generar agudos si acaso la cuerda rozara los trastes, mientras menos levanten una cuerda antes de que la suelten para que suene, menos contenido de agudos en su sonido. Por otra parte, si queremos subir los agudos deberemos hacer exactamente lo contrario en cada uno de los puntos.

Si por otra parte desean un sonido completamente “muteado” y casi sin frecuencias agudas, el “Palm Mute” será la mejor opción, técnica en la cual la palma de la mano derecha (eminencia hipotenar) roza levemente las cuerdas justo en el lugar donde se despegan del puente generando un bello sonido “sordo”. No asuman que es tan fácil, practíquenla apropiada y diligentemente, sean precisos y limpios con ella y practíquenla además en velocidad ya que ese es uno de los pocos punto débiles de esta técnica. La mano izquierda también tiene algo que decir en este sentido, ya que si quieren un sonido “semi-muteado” sólo deben presionar cada nota más breve y suavemente con las llemas de la mano izquierda (si se es diestro), esto producirá un sonido “muteado” con menos bajos que el Palm Mute, pero a la vez susceptible de ser ejecutado a la misma velocidad que pueden alcanzar con vuestra técnica de ejecución habitual. Finalmente, han podido ver que las posibilidades para efectuar variaciones timbrísticas y dinámicas con las manos son infinitas, además del hecho de que no tener filtros de ningún tipo permite que la señal pase pura e impoluta desde los pickups al amplificador (al cual en lo personal nunca muevo los controles de tono). Así vuestro instrumento y vuestra técnica respirarán y se expresarán en plenitud, generándose un enriquecimiento sonoro evidente. Como siempre digo, y ya lo saben quiénes me siguen y acompañan en las redes sociales.. sólo mi opinión, valida con suerte para mí y mi perro, siempre y cuando el día esté soleado y tibio, y cuente con una buena reserva de huesos en la heladera…”

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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Guitarra

Por Maycown Reichembach

ViViR DE lA MúSiCA: SiDEMAN ¿Cómo es ser un sideman?. El latinoamericano es diferente a los mercados de Europa y uSA. Aquí los trabajos realmente son más sectorizados y las productoras que contratan, generalmente llaman a los mismos para que hagan el trabajo, sea de sideman (acompañando artistas) o para grabaciones.

Los productores generalmente prefieren las guitarras de marcas porque ya saben cómo suenan, si llevas la guitarra genial hecha por tú luthier, por más que suene mejor, hará que no te llamen nuevamente; por lo menos hasta que te conozca el productor. Tener variedad tanto de equipos y de pedales hará que seas referencia y posiblemente te llamen más veces que otro sideman.

3 - Menos es más: tocar lo menos posible con el máximo nivel de profesionalidad, siempre dándole opciones al productor. No esperes a que el productor te diga todo, proponerle alguna idea acorde a lo que se está por grabar o tocar en el futuro show (por ejemplo) ayudará a que te ganes la confianza de él.

4 - Puntualidad: es sumamente importante que llegues mínimamente 15 minutos antes a cada sesión, ya que el artista o sello discográfico ( el que paga el estudio) alquiló el estudio de grabación por hora o jornada, al igual que al productor, por lo tanto, hacerles perder tiempo seria hacerles perder plata.

He enumerado algunos tips importantes para quien desee aventurarse como tal: 1 - Saber tocar todos los estilos: pop, rock, jazz, latin, Bossa nova, fusión. Cuanto más variedad de estilos sepas, más vas a estar preparado para realizar el trabajo.

2 - Estar equipado: uno de los puntos más importantes cuando te llaman para un trabajo de grabación y giras, es el equipamiento, más conocido como Gear... generalmente las primeras preguntas son: ¿Qué instrumentos tenes? ¿podes traer la Fender? ¿Necesitamos sonido Gibson, tenes?

5 - Vestimenta: aunque parezca obvio, la imagen es muy importante, más aún cuando vas a grabar o girar con artistas por primera vez. No podes estar con ropas rotas y el pelo desprolijo, como lo haces con tu banda Heavy, porque justamente no es tú banda, te contrataron para trabajar con un artista y lo más standard posible ayudará a mantener la armonía con el servicio que estas brindando.

6 - Camaradería: te diría que es crucial la buena onda/vibra, no te olvides que estarás horas/jornadas haciendo realidad el arte del artista que te contrató. Jamás hablar mal de otro profesional, y menos aún de un colega... y recordar todo el tiempo que fuiste contratado para hacer que la música de ese artista salga de la mejor manera posible.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, productor en Malopa Quasar y Quantum Orchestra. Compartó escenario con Greg Howe, Kiko Loureiro, Guinga, Orquesta Estable del Colón, entre otros.

Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

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Guitarra

Por Douglas Padial

MúSiCA bRASilEñA: PARtE 1 Es un gran honor escribir en nombre de la música brasileña. Fui invitado por mi querido amigo Maycown Reichembach para escribir en esta revista, que llega además de Argentina a varios países de América del Sur. Necesitamos actitudes como esta, con buenas vibraciones para poder crecer.

En esta edición escribí un arreglo de la música “Samba de Uma Nota Só” de Tom Jobim, es una música que tiene el típico Swing da Bossa Nova e del Samba (Brasileño por supuesto). Son estilos que estructuran la música Brasileña.

Como guitarrista siempre me gustó tocar con los dedos, además de la púa, porque creo que las dos técnicas son muy importantes, para así transformarme en un músico más completo. Pensando en eso les dejo un arreglo que hice es-

pecialmente para esta edición de la revista, aprovechen, y toquen pensando en los detalles rítmicos, porque la digitación aquí no es muy fácil. Este estudio te puede traer grandes cambios en relación a la mano derecha. Este arreglo tocado con Trio (Guitarra,Bajo y Bateria) suena muy bien, están listos para hacer este arreglo con tu grupo?. Cualquier duda estoy a disposición, pueden encontrarme en facebook.

Músico paulista que comenzó sus estudios de guitarra a los 14 años. Cuatro años más tarde (1998) ingresó en el curso de guitarra en el Conservatorio Souza Lima en Sao Paulo, permaneciendo hasta 2005. Durante este período estudió con grandes músicos como Pollaco Lupa Santiago, Walter Nery, Marcio Alves y Michel Leme, los maestros que le mostró el estilo de música y jazz instrumental. Tocó con renombrados músicos brasileños como Pollaco Lupa Santiago, Michel Leme, Marcio Alves, Adriano Carvalho, Geraldo Vieira, Guilherme Franco, Toni Nogueira, Aldo Landi, Sizão Machado Carlos Ezequiel, Fabio Leandro, Bruno Tessele, Alexandre Ribeiro, Alessandro Penezzi, Sidiel Vieira, Vieira Sidmar, Ubaldo Versolato, Alexandre Ribeiro, Mazin Silva, Maycown Reichembach (Argentina), André Paganelli, entre muchos otros.

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Guitarra

bAiãO CON HEAVY MEtAl Hola amigos! esta lección practicaremos un poco de ritmo... un baião con Heavy Metal. Espero que les parezca interesante y lo incorporen rápidamente. Por Denison Fernandes

Guitarrista Brasileño, estudió en la Universidad Souza Lima.

Escribió para la revista Guitar Player, además de ser uno de los referentes en guitarra rock-metal de Brasil.

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Guitarra

Por Vandré Nascimento

EStuDiO DE tWO HANDS & tOuCH tECHNiquE Escribí estos ejercicios basados en triadas y tetradas, mayores y menores, tocadas usando la técnica de two hands. En esta primer columna les pasaré los ejercicios, para que luego puedan tocar en estudio de esta técnica (disponible en el próximo número).

Mucha atención en la ejecución de cada nota, debe ser tocada lentamente, hasta que tengas seguridad, recién en ese momento subir la velocidad. Practique solamente con metrónomo. "Cuando haces lo que te gusta, el éxito es inavitable"

Músico y Compositor, nació el 12/06/75 en Embu das Artes, São Paulo, Brasil. Inicio sus estudios en Música en 1995 en el Conservatório Musical Souza Lima, donde además enseño desde el 1997 hasta 2013. Em 2013, fundó la escuela de música "Vanna Rock-Centro de Aprendizagem Musical".

Integra las bandas: MADGATOR, MAESTRA, Sete Rock Band y O TRIO. Es Endorser de Rox Stage, Music Kolor, Aditivo Music, Injecta.net, K&WS Cases, Power Play e Solez Strings. http://vandrenascimento.com/ contato@vandrenascimento.com

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Guitarra

ARPEgiOS SEMiDiSMiNuiDOS Aqui les dejo una nueva leccion sobre arpegios semidisminuidos organizados por quintas, utilizando solo una nota por cuerda , esta vez sobre acordes dominantes septima. Por Juampy Juárez

Existen dos tipos de Acordes 7ma: Alterados y no alterados. Alterados (Alt) son los que tienen 9#,9b, 5# y 5°, y no alterados(no alt) tienen 13M y 9M. Para no alterados usaremos un arpegio semidism. una 3M arriba del Dom7 (ej:sobre C7 usamos E semidism. arpegio). Y sobre dom.7 alterados usamos el mismo arpegio semidism. tanto en la tonica del acorde (sobre C7 Csemidism) como un tono abajo o a una 5° de distancia. (Sobre C7 Bb semidism o Gb semidism). Recomiendo la técnica de sweep picking, usar metronomo, y componer pequeñas ideas con este material, asi como aplicar a blues, standards y otras cadencias.

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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Guitarra

MEzClANDO ARPEgiOS CON ESCAlAS En este número les voy a mostrar cómo podemos lograr sonidos más interesantes con sólo agregar algunas notas más de la tonalidad a nuestros queridos arpegios. Por Silvio gazquez

Este tipo de cosas son muy usadas por guitarristas como Frank Gambale, Kiko Loureiro, etc. Encuentro dos maneras de tocar este tipo de licks. Primero, usando sólo la técnica de sweep picking o barrido. Y segundo, podemos mezclar barridos con ligados. Al principio puede resultar complicado el trabajo de la púa, ya que en ciertas cuerdas vamos a tener que tocar más de una nota. Generalmente, este tipo de yeites, se manejan con fórmulas. Por ejemplo, 313313. ¿Qué significa eso? Simple, quiere decir que tocaremos 3 notas en la 6ta. cuerda, 1 en la 5ta., 3 en la 3ra. y 4ta., 1 en la 2da. y 3 en la 1ra. Los que vieron alguna clínica de Gambale seguro les sonará conocido… Ese fue sólo un ejemplo, podríamos obtener todas las fórmulas que se puedan imaginar. A continuación vamos a ver 2 ejemplos fundamentales. La idea de esta nota es cubrir 2 tipos de arpegios, menor y mayor, pero obviamente se puede usar para cualquier tipo de arpegio.

Ej. 1: Vamos a ver arpegios usando 5 cuerdas. Empezaremos con el menor. La fórmula que usaremos es X31313. La X significa que no vamos a tocar la 6ta. cuerda.

Ej. 2: En este lick vamos a ver una variación del primer ejemplo. Vamos a cambiar la fórmula a X31513. Como verán, cambiamos de 3 a 5; lo cual nos dice que, para que la púa nos quede de tal manera que podamos usar barridos, generalmente, el número va a ser impar.

Ej. 3: Ahora haremos lo mismo con un arpegio mayor. Tengan en cuenta que también se puede tocar todo con ligados, pero no es la idea.

Ej. 4: Aquí empleamos la misma variación.

Es muy importante practicar estas ideas muy lentamente al principio, y si podemos usar un metrónomo mejor. Lograr que las notas suenen parejas rítmicamente con barridos ¡no es algo sencillo!. Espero que les sirva el material y que lo puedan incorporar a su propio estilo. En el próximo número vamos a ver más ejemplos con esta técnica. Hasta la próxima y a practicar se ha dicho… ¡Saludos!

Silvio Gazquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, provincia de Buenos Aires. Desde el año 2008, trabaja en la compañia americana Guitarcontrol.com. Ha ganado varios concursos de guitarra en youtube y tambien cabe destacar que fue 2 veces finalista consecutivo del concurso internacional Guitar Idol, participando de la final en Londres, Inglaterra. En Julio del 2015 publicó su primer trabajo discográfico llamado "Night Sky". El disco contiene estilos variados, predominando el smooth jazz, la fusion y el rock.

Se puede escuchar en su totalidad en ésta dirección: https://silviogazquezproject1.bandcamp.com/album/night-sky

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JeFF BerliN

A principio de los años ‘70s, Jeff concurrió al prestigioso Berklee College of Music donde se inició con los primeros estudios del instrumento. Ya en 1975 conoció al guitarrista Allan Holdsworth y al legendario baterista de jazz Tony Williams. Sus trabajos con ambos lo introdujeron rápidamente en la escena neoyorquina, donde enseguida comenzó a colaborar

Nacido el 17 de enero de 1953 en queens, Nueva York, Jeff ha sido considerado uno de los virtuosos del bajo junto con Jaco Pastorius y Stanly Clarke. Jeff vivió rodeado de música (su padre era cantante de ópera y su madre tocaba piano) fue considerado como un niño prodigio cuando a la edad de 14 años abandonó sus estudios de violín por el bajo, influenciado por el gran bajista de Cream, Jack bruce. Por gyb.ar

como sideman con infinidad de artistas como Pat Martino, Gil Evans, Toots Thielemans, Al DiMeola, George Benson, Earl Klugh, Larry Coryell, Bob James, Dave Liebman, Herbie Mann, o Ray Barretto, entre otros. A partir de 1977, Berlin pasó a formar parte de la banda de Bill Bruford. Luego de eso se mudó a Los Ángeles, donde continuó trabajando como músico de sesión y comenzó a ser un educador de renombre, fundando varios centros, entre los que se encontraba el Bass Institute of Technology. Allí también grabó sus primeros discos solistas y tuvo una estrecha colaboración con el mismísimo Frank Zappa antes de mudarse nuevamente, esta vez a Florida. En ese estado fundó su instituto Players School. En los últimos años Jeff Berlin ha grabado con Yes, John McLaughlin, Billy Cobham o el guitarrista japonés Kazumi Watanabe, entre una interminable lista de importantes artistas.

se refirió a Berlin como “el mejor bajista del planeta”; y Marcus Miller afirmó en una ocasión que siempre había aspirado a convertirse en el "Jeff Berlin negro”.

Pionero en el uso del slap y del tapping a dos manos, Jeff Berlin siempre ha buscado distinguirse de los demás bajistas, abandonando estos estilos en cuanto pasaban a formar parte del dominio general.

El 30 de agosto de 2013 se casó con Gabriela Sinagra, una cantante de jazz y profesora de canto argentina de la ciudad de Rosario. Jeff Berlin es considerado por muchos como uno de los mejores bajistas de la historia. El reconocimiento hacia el bajista ha venido muchas veces de parte de sus colegas de profesión, y así, Jaco Pastorius dijo de Berlín que era mucho mejor solista que él; Geddy Lee, de Rush

44 | Jeff berlin

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aNGuS YouNG

Glasgow era considerada a principios de los ‘60s como una ciudad industrial que ofrecía pocas posibilidades a las familias obreras residentes. En cambio Australia, era un país, que si bien era lejano, era visto como la posibilidad de progresar por los británicos. Asimismo, el gobierno australiano fomentaba la idea de convocar a todos los británicos que quisieran irse a vivir al sur del país ofreciéndoles empleo y subsidios para los viajes.

Así es como en 1963, William y Margaret Young emigraron hacia Australia con ocho de sus nueve hijos. Se establecieron en Sydney (New South Wales). Angus Young era el más joven de los ocho hijos y empezó a compartir una nueva vida con sus hermanos mayores, Malcolm, George, y Alex, que se convirtieron en músicos, y su hermana Margaret. Fue en esta ciudad donde Angus empezó a jugar con banjos. En la misma calle donde él vivía había una casa que vendía instrumentos musicales. Pasaba enfrente de ella todos los días. La primera SG de Angus se la compró, usada en 1970 en esa casa de música. Esa Gibson SG con la que tocaba todo el día, hasta que la madera se estropeó, debido a la transpiración. Tenía todo el cuello

46 | Angus Young

Este virtuoso guitarrista, Angus Mckinnon Young, nació el 31 de marzo de 1955 en glasgow, Escocia, es conocido por ser uno de los miembros fundadores y el principal guitarrista del grupo australiano AC/DC, aparte de ser el único miembro que ha permanecido en la banda desde su inicio junto con su hermano Malcolm. Por gyb.ar

torcido. Era un modelo del ‘67. Tenía un cuello realmente delgado, muy liso, y era de color marrón oscuro. Angus y Malcolm comenzaron a tomar clases de guitarra de su hermano George, miembro del grupo The Easybeats. Sus primeros años en un

grupo fue en el grupo de su hermano mayor Malcolm, entrando en los locales donde tocaban (todavía era menor) gracias a que el grupo decía que era enano. Antes de la formación de AC/DC, Young tocó con un grupo local llamado Kentuckee. Ya con, con 18 años de edad, Angus junto con su hermano Malcolm fundan en 1973 AC/DC. La primera formación de la banda cuenta con Malcolm Young en la guitarra rítmica, Phil Rudd en la batería, Mark Evans al bajo más tarde fue remplazado por Cliff Williams, y Dave Evans el cantante quien a su vez fue remplazado en 1974 por Bon Scott que moriría en 1980 a causa de una intoxicación con el alcohol, que después lo remplazaría Brian Johnson que hasta el día de hoy es el cantante.

Después de tocar un tiempo con el grupo, Young adoptó su imagen con el uniforme de escolar. La historia se remonta a la formación del grupo, en la que Angus todavía estaba estudiando, y cuando terminaba las clases, se iba directamente a ensayar con su grupo sin cambiarse de ropa. Angus y Malcolm buscaban una puesta en escena que impactara, junto con su música, al público. El resto es historia conocida.

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