Guitarristas y Bajistas Magazine #47

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 OctAViO PrAt bASSES - Página 08 YAmAhA trbX 304 - Página 12 ENtrEViStA A mAriANO SíVOri - Página 14 FAmuSic FESt 2015 - Página 16 m.rEichEmbAch & QuANtum OrchEStrA - Página 18 El AmP QuE cAmbió lA hiStOriA DEl rOck - Página 22 NOtAS cENtrAlES 2015 - Página 26 cliNicA PAul rEED Smith - Página 30 AmPEg POrtAFlEX PF-50t bASS hEAD - Página 32 cAlibrANDO mi guitArrA - Página 34 jimi hENDriX - Página 44

SuPlEmENtO tÉcNicO Eric jAcObS - Página 35 igOr SAAVEDrA - Página 36 mAYcOwN rEichEmbAch - Página 37 AlEjANDrO tiScOrNiA - Página 38 DENiSON FErNANDES - Página 39 jOSÉ FuENtES - Página 40 juAmPY juÁrEZ - Página 41 SilViO gAZQuEZ - Página 42

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Editor Responsable Florencia Pérez del Valle Director del Suplemento Técnico maycown reichembach Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com colaboradores Eric Jacobs Igor Saavedra Maycown Reichembach Alejandro Tiscornia Deninson Fernandes Juampy Juárez Silvio Gazquez Juan Fuentes

04 | Editorial

Año 9º - Nº 47 | Diciembre 2015 Soler 4759 4º b (1425) c.A.b.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en cogtal - rivadavia 755, c.A.b.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en c.A.b.A y gran bs. As.: Vaccaro Sánchez, moreno 794 - c.A.b.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - c.A.b.A

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ZABECA DÚO (Tiki CAnTErO/ ErnEsTO snAjEr) Zabeca dúo, nueva agrupación formada por el percusionista Tiki Cantero y el guitarrista Ernesto Snajer, presenta su primer trabajo discográfico, integrado por músicas que toman la tradición de los ritmos argentinos y latinoamericanos como punto de partida, con composiciones propias y de grandes creadores, entre las que se destacan “Vidala para el último día” del Chivo Valladares (en un arreglo vocal de Juan Quintero), “Monstruo de barro”, del dúo Orozco-Barrientos y “Al dolor de mi gente”, de Pedro Aznar. Percusión y guitarra conversan en variaciones de chacarera, zamba y vidala, abordados con la libertad e inspiración que permite la improvisación.

Tiki Cantero, además de cantar canciones con textos, utiliza su voz como un instrumento más. Su búsqueda de nuevos sonidos es constante. Un ejemplo de esto es el empleo del “garrahand”, instrumento hecho con una garrafa y que tiene un sonido completamente particular. Ernesto Snajer toca sus habituales sonidos MIDIs, disparados desde las bellas guitarras Camarada de Esteban González, en sus dos versiones de 6 y 10 cuerdas.

Actualmente, Tiki Cantero se encuentra trabajando en diversos proyectos como el “Encuentro de Improvisación y Composición” en el CCK, La Bomba de Tiempo todos los lunes en el Konex, prepara el nuevo disco de Aca Seca y dicta un taller llamado “Ritmática” por todo el país. Ernesto Snajer por su lado, está grabando un disco llamado “De dos argentinos” junto a Matías Arriazu; compuso recientemente la música del documental “Mujer entera” de Ulises de la Orden y está a cargo de la dirección general de los proyectos: “Ensambles de Música Popular” y “Jazz en el Salón de Honor”, ambos del CCK. En conjunto llevan adelante el taller de “Percusión y guitarra en la música argentina”, con el que ya han recorrido gran parte del el país y que proyectan seguir expandiendo.

Dice Tiki Cantero: “El dúo nace a través de una amistad y admiración mutua y simultáneamente la música se construyó a partir de talleres dedicados a la guitarra y percusión en las especies folklóricas argentinas que fuimos realizando por todo el país. Nuestro enfoque tiene un fuerte sustento en la improvisació y además de interpretar obras del propio Snajer, se suman otras de Pedro Aznar, Chivo Valladares, OrozcoBarrientos y Veronica Condomí. Para mí el dúo es la posibilidad de complementar la improvisación con las canciones sin que ninguna prevalezca sobre otra, como una especie de laboratorio musical sin una estética predeterminada a seguir, donde cada uno vuelca su recorrido y sus vivencias”.

Dice Ernesto Snajer: “Este disco es el resultado del trabajo que venimos haciendo desde hace unos cuatro años. A raíz de que tuve que dirigir un proyecto binacional junto a músicos catalanes (Immigrasons), surgió la chance de poder convocarlo a Tiki para tocar juntos. De allí nació una amistad y la idea de hacer conciertos y grabaciones, que no podíamos concretar antes debido a que los dos estábamos al límite de ocupaciones. Cuando finalmente se dio, empezamos a tocar shows que literalmente no habían tenido ensayos. El repertorio se fue armando de esa manera, sobre el escenario, tocando. Combinamos nuestros conciertos con la actividad del taller “Percusión y Guitarra en la Música Argentina”, habrán sido unos 40 conciertos-cursos. Nuestra manera de ajustar la música era en las pruebas de sonido y en los descansos de las clases. Así reunimos la lista de temas –con influencias, entre otras, de las músicas de Gismonti, Hugo Fattoruso y el Cuchi Leguizamón- y cuando estuvimos listos, viajamos a El Calafate para grabar en Solo Artis, el estudio de nuestro amigo Coqui Aristizábal. La única chance de grabar para nosotros era esa, encerrarnos lejos de Buenos Aires, sin interrupciones. Pasaron casi tres años hasta que logramos finalizar el disco y estamos muy felices con el resultado”.

Mariano “Tiki” Cantero: percusionista y cantante, integra Aca Seca trío, grupo que recientemente obtuvo el premio Konex de Platino por ser uno de los referentes de la nueva música argentina. Formó parte de De la guarda y fue miembro durante cinco años del grupo de Liliana Herrero. Actualmente integra La Bomba de Tiempo y desarrolla una intensa labor docente. En este rubro se destaca su participación como profesor en el “Seminario intensivo de improvisación y composición” junto a Marcelo Moguilevsky y Ernesto Jodos.

Ernesto Snajer: guitarrista y compositor. Se inició en Semblanza, trío de música argentina con el que recorrió doce países de Europa. Integró un trío junto a Verónica Condomí y Facundo Guevara y un dúo junto al danés Palle Windfeldt que fue producido por Egberto Gismonti para Carmo/ECM. Fue parte del quinteto de Lito Vitale durante cinco años, y tocó y grabó junto a Pedro Aznar, Jaques Morelenbaum, Peteco Carabajal, Julieta Venegas, Alejandro Lerner, Litto Nebbia, y Calle 13, entre muchos otros. Produjo para Liliana Herrero los discos “Igual a mi corazón” y “Este tiempo”, ambos ganadores del premio Gardel. Desde 2013 conduce el programa de TV “Notas de Paso” que se emite por Canal Á. Algunos de los invitados más notables del ciclo fueron Naná Vasconcelos, Ralph Towner, Javier Malosetti, Raúl Carnota, Ron Carter y Carlos “Negro” Aguirre. Actualmente lidera su trío e integra “De dos argentinos”, junto a Matías Arriazu.

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Novedades | 05

nOvEDADEs GruPO ikOnO

nOvEDADEs FAmA musiC

Nuestros amigos de Stadio, están introduciendo al mercado una serie de afinadores y metrónomos que nos los siguientes:

Prs s2 series Construídas en la fábrica de Maryland - USA, las guitarras de la Serie S2 de PRS ofrecen el ajuste, el acabado, la sensación, y la atención a los detalles de la artesanía PRS a un precio sorprendente. La serie comprende una línea de guitarras variadas para todo tipo de guitarristas, de gran fiabilidad , listas para sacarlas del estuche y tocar en vivo.

ZAiOn Z-30 (Afinador Cromático Clip-On) Con el uso del software Zaion el Z-30 afinará más rápido y exacto que otros afinadores. Modo de afinación Cromático. Rango de afinación: A0 ~ C8. A4=440 Hz Precisión ±1 cent. Consumo: Afinador <12 mA

ZAiOn Z-40 (Metrónomo Afinador con generador de tono) Escala de afinación: Cromático, Guitarra, bajo, violín, ukelele. Rango de afinación: A0 (27.50 Hz)-C3. (4186 Hz). Modo de afinación: Mic, entrada de Jack. Tiempo de respuesta: 20 ms. Precisión: +- 1 cent. Consumo: 3V (2XAAA). Modo de afinación <15 mA. Modo de metró ZAiOn Z-50 (Afinador Cromático) El Z-50 es un afinador cromático con 30 ms de respuesta y detección de estabilidad. Escala de afinación cromática. Rango de afinación: A0 (27.5Hz) ~ C8 (4186Hz). Calibración: 410- 490Hz (pasos de 1Hz) A4=440Hz. Precisión: ±1 cent. Modo de afinación: Micrófono, Clip. Tiempo de respuesta: <20ms. Alimentación: 3V (CR2032 batería de litio). Consumo: Modo afinación <15mA. ZAiOn Z-70 (Afinador clip) El Z-70 es un afinador con clip. El diseño portátil lo hace fácil de llevar. El display puede ser fácilmente rotado en diferentes direcciones y ángulos para ajustarlo a la posición que desee. Rango de afinación: A0 (27.5Hz)~C8 (4186Hz). Escala de afinación: Cromático, Guitarra, Bajo, Violín, Ukelele. Precisión: ±1 cent. Rango A4: 430~450Hz. Método de detección: Clip. Ajuste BEMOL: Modo Display: Color LCD. Método de afinación: Automático. Consumo: 3V (CR2032). Batería: 8 hs. aproximadamente.

Más información http://stadio.la/

06 | Novedades

miPA AWArD Desde el año 2000 PRS ha ganado nueve de las quince ediciones del premio más importante de la industria internacional a “Mejor Guitarra Eléctrica del Año”.

COnCiErTO y mAsTEr ClAss DE iGOr sAAvEDrA En ArGEnTinA El 7 de Noviembre pasado se realizó en Capital Federal el concierto y Master Class del bajista Chileno Igor Saavedra en el teatro Sergio Souza. Igor Saavedra es un instrumentista de reconocimiento internacional, con una forma única de tocar su instrumento, ha realizando giras por todo el mundo mostrando todo su bagaje musical y en esta oportunidad compartió su experiencia con el público local. El Master class se realizó a las 19 horas, Igor contó un poco de su historia en el instrumento contemporáneo que él utiliza, un bajo de ocho cuerdas que lleva su firma de la marca PRATT. Luego ejecutó algunos temas de su disco "Organic Bass 1" para mostrar los ejemplos prácticos de su técnica, lo que fue una exquisitez para el público presente. Después de responder con paciencia todas las preguntas de los asistentes realizo un mini concierto con Fernando Dieguez (Ex Luis Salinas) en batería y Maycown Reichembach en Guitarra, mostrando más una vez que la técnica al servicio de la música y la madurez musical pueden llevar al músico a un nivel privilegiado.

Nos contó que próximamente estará de nuevamente en Argentina realizando un gira en trío y no solo en Buenos Aires, sino también en el interior. ¡Esperamos ansiosos por ese momento!

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octavio prat basses

igor, qué sensaciones te han quedado de tu paso por la Argentina para brindar tu concierto?

El público argentino conforma un país fantástico para hacer música. Mi concierto debió sufrir los rigores de una enorme marcha convocada por un gran movi-

igor Saavedra nos cuenta sobre la construcción junto a Oscar Prat, un luthier oriundo de barcelona, radicado en Nashville en uSA, con quien diseño su modelo “Octavio”, un asombroso bajo de 8 cuerdas que hoy nos dará a conocer en más detalle. Por gyb.ar

miento social justo alrededor del teatro en el que toqué y a la misma hora, por lo cual no todas las reservas pudieron manifestarse en asistencia concreta, y aun así aquella fue una inolvidable tarde para mí. Agradezco en especial a mi amigo Maycown Reichembach

por su invaluable apoyo, pronto volveré, no sin antes conseguirme un calendario de marchas jeje.

Qué marca es tu bajo? Óscar Prat es un luthier de Barcelona radicado hace años en USA, ganador del “Best of NAMM Award

08 | Octavio Prat basses

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de 8 cuerdas), ha sido y es predominantemente mío, pero por supuesto Óscar con su enorme experiencia y conocimiento aportó también lo suyo, algo que valoro y agradezco mucho.

Qué maderas usan?

El diapasón y la tapa del MicRamp son de Ébano. El cuerpo y neck son de Arce y Nogal extraídos a partir de una pieza de 25 y 50 años de antigüedad respectivamente, lo que aporta una enormidad a la calidad del sonido.

Contanos acerca del proceso de fabricación Serían infinitas cosas para contar al respecto, así que para resumir: El desarrollo del diseño tomó 6 meses y la construcción 6 meses más. Es un Bajo neckthrough con las “alas” y el headstock removibles, es en esencia un Headless encubierto.

Es la primera versión del mismo?

El 1er Octavio data de 1999 y el 2do del 2006. Los Octavios Prat parten el 2014 con un prototipo depositario de una evolución y aprendizaje personal de 17 años en la ejecución del Bajo de 8 cuerdas. Son los más radicales, pues como decía son desarmables para ser trasportados sin problemas con uno en cualquier cabina de avión pero sin comprometer un ápice su sonido. En Abril del 2014 recibí ese prototipo y resultó ser de tal nivel que meses después grabé con él en Alemania mi álbum Organic Bass 1. El primer Octavio oficial me fue entregado en Julio del 2015. se viene un modelo nuevo?

Mi contrato con Prat Basses es de un Bajo al año, lo cual nos da la oportunidad de mejorar cada año el instrumento, el 3er Octavio Prat me será entregado en Julio del 2016, y así…..

2012”. Junto con construir notables bajos de 4, 5 y 6 cuerdas, se ha ganado la reputación de estar construyendo los más espectaculares Bajos de Rango Extendido en USA. En lo personal fue un privilegio recibir su email el año 2013 manifestándome su interés en que sea la imagen de su marca en el mundo a cambio de

10 | Octavio Prat basses

un Bajo por año, algo que aún es un enorme honor. Óscar está radicado en Nashville, pueden saber más de él en www.pratbasses.com o en facebook.

Quién lo diseñó?

El diseño de “Octavio” (nombre genérico de mis Bajos

Han pensado en fabricarlo en serie?

No exactamente en serie, sin embargo toda la información computacional archivada en la cortadoras de control numérico va quedando disponible y los bajistas de cualquier parte del mundo pueden ordenar el suyo, lo que ya está sucediendo.

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Yamaha trbX 304

la fábrica Yamaha nos presenta en esta oportunidad un excelente bajo de cuatro cuerdas, el modelo trbX304. El cuerpo del mismo ha sido diseñado con caoba de masa optimizada y perfil 3D, que garantiza el equilibrio perfecto entre tono y confort, con una perfecta distribución de peso. Por g&b.ar

La nueva serie de bajos Yamaha TRBX300 combina el mejor tono de la caoba con una versatilidad inédita hasta la fecha. Incorpora innovaciones a nivel de EQ desarrolladas en colaboración con los mejores artistas de la marca, como el selector “Performance EQ” de 5 posiciones. El confort del mástil híbrido de 5 piezas y el nuevo cuerpo de diseño estilizado son características pensadas para satisfacer al músico de hoy en día, abierto a varios estilos musicales.

clara y potente, con gran definición y profundidad. Están libres de ruido e integran un reposa-pulgares de gran utilidad. Los modelos Yamaha TRBX300 incorporan el exclusivo circuito activo Performance EQ, un selector de 5 posiciones pensado para afrontar las curvas de ecualización características de 5 respectivos estilos musicales, al alcance de un clic: Slap, Pick, Flat, Finger y Solo. Además, controles de EQ de 2 bandas te ayudarán a esculpir y definir tu sonido con todos los matices.

El mástil de los bajos de la serie TRBX de Yamaha presenta un perfil ultra confortable, y está realizado con 5 piezas de maple y caoba, que le otorgan robustez y riqueza tonal a la par. El departamento de desarrollo YGD ha desarrollado los micrófonos M3 con piezas polares de gran tamaño e imanes cerámicos para obtener una respuesta

El mástil atornillado de la serie TRBX de Yamaha presenta un ajuste de precisión y proporciona un tono rico y claro, pero con pegada. Centenares de horas de desarrollo e investigación avalan el diseño de este nuevo mástil, de unión al cuerpo optimizada, que maximiza la transferencia de la vibración y facilita el acceso a los trastes más agudos del

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diapasón. El puente de aleación die-cast transmite la vibración de las cuerdas de forma eficaz al cuerpo, contribuyendo a la riqueza tonal del instrumento. A nivel de hardware, es fácil de ajustar y su robustez aguantará los rigores de años de uso. El espacio entre cuerdas de 19 mm facilita las cosas a los bajistas que gustan del usar técnicas como el Slap y los que tocan con los dedos.

CArACTErisTiCAs Escala 34'' (836.6mm) Cuello Maple and Mahogany 5pc Diapasón Rosewood radio 10'' (250mm) nut Width 38mm Cuerpo Solid Mahogany Clavijas Die-cast Puente Die-cast 19mm mics MHB3n (Ceramic),MHB3b (Ceramic) Controles Master Volume, Pickup Balancer, Bass, Treble and Performance EQ switch

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mariano sívori

Contanos un poco de tu infancia, dónde naciste?, qué hacías en las vacaciones? A qué jugabas?

Nací en la ciudad de La Plata en junio de 1975, una época muy complicada y violenta. Mis viejos vivían ahí porque eran estudiantes universitarios en la carrera de cine. Se graduaron en el 77, creo. Después la carrera se cerró (plena dictadura militar) y de ahí volvimos a Buenos Aires. Creo que no éramos una familia típica de vacacionar, supongo que por una mezcla de falta de recursos y cuelgue. Sí me acuerdo de un par de oportunidades ir a la costa, de donde ¨ligué¨ una pequeña cicatriz que tengo muy cerca del ojo, jugando con unos arbustos rarísimos (tipo lanzas) y que casi mata a mis viejos del susto y un montón de idas a Cosquín con mi abuela. Por lo general íbamos los dos solos. Siempre pasé tiempo con ella, sobre todo de chico. Nos llevábamos muy bien. De ella me parece que heredé el gusto por cocinar y hablar de política.

Jugaba más o menos a lo mismo que los pibes a esa edad y en esa época: playmobil, soldaditos, pelota, bolitas, etc. También después tuve una consola Atari, pero no le di mucha pelota. A los nueve o diez años agarraba una raqueta y hacía, durante horas, que tocaba la guitarra o el bajo arriba de los discos de Duran Duran, Soda Stereo o The Cure. Cantaba como líder o hacia los coros también... En el sector del placard se suponía que había un montón de fans/público. Calculo que esa parte de mi historia, ya no es tan “normal”.

14 | Entrevista a mariano Sívori

A los 5 años lo llevaron a un concierto que dio weather report en el luna Park. con jaco abarcando prácticamente todo. Solo había una cosa en la mente de ese pequeño niño y era el deseo de ser músico. En síntesis mariano Sívori tenía que tocar el bajo. Ante toda esa película junta en un escenario, solo tenía un pensamiento en su mente. Por g&b.ar

Cómo fue tu acercamiento a la música?

Creo que siempre me atrajo la música, los discos.

Parece que cuando era muy chico, pasaba horas cerca del tocadiscos. Y mientras escuchaba, usaba un trompo y unos discos viejos, los hacía girar y me entretenía con eso. O me sentaba al piano (que por lo general estaba insoportablemente desafinado) y componía canciones. Al mismo tiempo mi tío, Sergio Liszewski, tocaba (y sigue haciéndolo) la guitarra eléctrica, tocaba jazz fusión y esa mano. Yo me le colgaba dos por tres, cuando no era bebé, obviamente. Iba a los ensayos, conciertos, escuchaba George Benson u otros violeros, con él, etc. En un punto toda esa energía, esa forma de vida, es la que traté de replicar desde muy temprano.

Qué música se escuchaba en tu casa ?

En casa se escuchaba Serrat, Joni Mitchell, Louis Armstrong, Beatles, Silvio Rodriguez, Frank Sinatra, Modern Jazz Quartet, Viglietti, Mercedes Sosa, mucha música llamada clásica... Así todo medio mezclado, de manera muy ecléctica. Le daban mucha bola a la música en realidad, ahora que lo pienso. Tango por ejemplo, no. Salvo Piazzolla y un par de discos de Julio Sosa. Mi viejo, también tocaba el piano bastante bien.

Era una costumbre que cuando estábamos enfermos mi hermano o yo, con fiebre ponele, él hacia una especie de concierto intimo familiar. Recuerdo que le copaba tocar Gershwin.

Por qué elegiste el bajo?

Me llevaron al concierto que dio Weather Report en el Luna Park. Yo tenía cinco o seis años como mucho. El volumen, la música, la euforia de la gente y Jaco abarcando prácticamente todo fue una síntesis perfecta: Lo que deseaba era esa vida, que suponía era la de mi tío (músico joven de jazz, con amigos, novias, etc.), mezclado con lo que proyectaba Jaco. Síntesis: Tenía que tocar el bajo. Era muy chiquito, pero se me apareció toda esa película junta, de manera muy nítida.

En dónde y con quiénes estudiaste?

Comencé en el Collegium Musicum, un conservatorio para niños. Y hacíamos flauta, coro, lenguaje musical.

Después estudié en el Esnaola, que es una escuela secundaria a la mañana y a la tarde profesorado de música. Ahí tocaba el piano como instrumento principal (no había ni bajo, ni contrabajo). A los 13 me prestaron un bajo y formamos un trío de rock, ahí tocaba Oscar Giunta la batería. En esa escuela todos estudiábamos música, así que había mil bandas. Con él armé ese que fue mi primer grupo y juntos también debutamos profesionalmente, en una banda de fiestas cuando teníamos 15, su mamá Liliana era la cantante. En tercer año del secundario, empecé a estudiar con Carlos Madariaga, mi primer gran profesor al que le debo muchísimo. Luego el Conservatorio, Pastor Mora, mi primer maestro de contrabajo, muchas clases particulares, viajé a New York, etc. etc.

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luego llegó el contrabajo, por qué?

El contrabajo llegó, por una especie de necesidad. De mi amor por el jazz. De sonar y poder estar verdaderamente cerca de lo que escuchaba. Después, y afortunadamente, me abrí también a otras músicas con el contrabajo. Pero esa fue mi motivación inicial.

En qué año viajaste a EEuu y en dónde y con quienes estudiaste allá?

Prácticamente todo el año 1998. Estudié con Patitucci, Joe Fitzerald, Hillard Greene, Lincoln Goines, Mike Pope, entre otros .Había buenos profesores, también alguno más o menos. De todas formas, estudié un montón ahí, porque todo el mundo estaba en esa y un poco es contagioso. Volví con la idea de irme de nuevo, pero empecé a tocar cada vez más y una cosa llevó a la otra... me imagino que cuando volviste a Buenos Aires seguiste estudiando, qué cosa y con quiénes?

Si seguí estudiando contrabajo en forma particular (y lo sigo haciendo), y también música. Composición y arreglos: Pollo Raffo, Guillermo Klein, Manolo Juárez.

Grandísimos músicos, generosos como personas y educadores.

Cómo llegás a Escalandrum?

El grupo venía tocando Latín Jazz, con bajo eléctrico, percusión, otro sonido. En esa época el bajo lo tocaba Matías Méndez, que por supuesto ya se tocaba todo y más también. Cuando Pipi me llamó para hacerle unos reemplazos, pensé que era con el eléctrico, pero él me dijo: Porque no te traés el contra y vemos como suena? La música comenzó a transformarse. Al poco tiempo grabamos ¨Estados alterados ¨(coincidiendo con la crisis del 2001). El sonido del grupo, fue evolucionando claramente con el correr de los años, pero la piedra fundamental fue ese disco. Me gusta pensar que además, de el cambio de sonido (piano acústico, contrabajo, más caños), también hubo una maduración o una búsqueda más personal, con temas un poco más desarrollados en la composición (a veces acertando, a veces no tanto). En el grupo somos muy amigos y unidos. Todos de manera grupal o individual buscan progresar, proponer y aportar nuevas cosas.

En lo personal me siento muy feliz de formar parte. Definitivamente me ayudó muchísimo como músico, como compositor y por el tiempo, las vivencias y los viajes, también como persona de a pie.

A partir de ahí no parás más, empezaste a tocar mucho, con quiénes?

Tuve suerte y toqué con muchos músicos muy buenos.

Prácticamente todos colaboraron de una u otra forma para que pueda ser aunque sea un poco mejor.

Juan Cruz de Urquiza, Manolo Juárez, Gustavo Bergalli, Diego Schissi, Lito Epumer, Los grupos de Esteban Sehikman, Pablo Rodriguez, Ricardo Nolé, Mariano Loiácono, Ernesto Snajer, Carlos Michelini, de Juan Fa Suárez, también (y muchas veces por Escalandrum) con músicos de afuera: Hermeto Pascual, Paquito de Rivera, Miguel Zenon, y un montón más.

Cómo está conformado tu set?

Tengo dos contrabajos. Un checo viejito con fondo

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plano, que lo tengo hace mucho y lo quiero un montón.

Y un contrabajo Thomas Martin que está buenísimo y es el que uso casi siempre ahora. Para amplificar el contrabajo uso el típico Gallien Krueger MB150 combo.

Utilizo Mics The Realistic David Gage abajo del puente y un DPA (condenser) para monitores, P.A. y muchas veces, para grabar también como complemento de los micrófonos que estén en el estudio. Tengo un bajo eléctrico Fender Jazz Bass ´78, un par de pedales y nada más. Aunque desde hace ya un tiempo, le vengo dando vueltas a la idea de un bajo de 5.

primera y última vez que me presenté a algo (subsidio, ayuda, apoyo o lo que fuere). A juzgar por el promedio (100% de efectividad) debería hacerlo más seguido.

Estás dando clases? En dónde?

Doy clases en la escuela de música popular de Avellaneda y en mi casa de manera particular.

Aparte del bajo y el contrabajo, tocás algo más?

Toco un poco el piano y muy mal, la guitarra.

Cuáles son los proyectos que tenés?

Toco en Fernández 4, el cuarteto de Lucio Balduini, en el Octeto de Sorin, en la Boris Big Band, el Ensamble Real Book Argentino. También (además de Escalandrum) tengo el grupo en el cuál toco mi música, que es un sexteto con Ramiro Flores, Gustavo Musso, Lucio Balduini, Cirilo Fernández y Pipi Piazzolla. Es la misma formación que grabó el disco y desde el primer ensayo, hasta la última tocada no puedo estar más feliz de poder contar con ellos.

Cómo se llama tu disco solista y cómo y en dónde conseguiste grabarlo?

Se llama “No Dogma” y quiere decir exactamente eso... no voy a profundizar mucho más. Las veces que intenté explicarlo, me enredé tanto que no pude salir.

La idea intenta graficar mi incomodidad, hacia las bajadas de línea (en música y demás) que no son permeables a replanteos, comparaciones, mejoras, etc.

Si también te suena a algo no muy favorable a la religión, tampoco está tan lejos... Aunque es mucho más personal. En el año 2009 gané un subsidio otorgado por el Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias, y con ese subsidio mas una plata que junté, grabé el disco en el estudio Sound Rec. Fue la

Qué le dirías a los chicos que recién están empezando con la música?

En cuanto a estudiar, me parece que cuanto antes lo hagas es mucho más fácil. Claro está, que no es excluyente, pero cualquier cosa que aprendas de chico lo incorporás más naturalmente. También me parece piola y es muy importante no encerrarse solo en practicar tu instrumento. Estudiar música, armonía. Escuchar mucho, tal vez tomar algún curso de análisis de música ¨académica¨ te abre la cabeza, conocer, comparar, etc. Creo que poder disfrutar y en el mejor de los casos, poder utilizar alguna herramienta de esa música, después en lo que tocás o escribís, es muy importante.

Cuál fue tu primer instrumento?

Mi primer instrumento fue un bajo Faim Jazz Bass fretless y un contrabajo horrible nacional.

Entrevista a mariano Sívori | 15

Famusic Fest 2015

El pasado 10 de Noviembre de 2015 se realizó en the roxy live de Palermo la segunda edición del Famusic Fest, organizado por la tienda de instrumentos musicales Famusic S.A. con motivo del festejo de su aniversario número 21. Estuvimos ahí para disfrutar de un momento único. Por gyb.ar

Hernández (Cuentos Borgeanos); Marty Tacacho (Los Condors); Diego "Soto" García y Edu (Océano Eléctrico); Federico Lindstedf (Equipo Exosound); Hernán Tallarico (Familia Tallarico - Adamo); Julius Solo; Daniel Leonetti (Proyecto Esencial - productor - sesionista); Luz Yalj (Proyecto Esencial). Fueron distintos combinados de músicos que se formaron para tocar 10 grandes canciones (Ver Lista de Temas).

La idea de este evento fue reunir a músicos, clientes, proveedores, colegas y amigos del mundo de la música en un marco distendido, con bandas en vivo, bebidas y pizza libre, regalos a los primeros en llegar y muchos sorteos, entre ellos una guitarra eléctrica original Jack Daniels. A diferencia de la primera edición, el Famusic Fest tuvo como característica mantener

Richard Coleman; a las 21:15 se presentaron los Proyecto Esencial, siguiendo la línea musical electrorock-pop dark, banda integrada por músicos que son parte del staff Famusic. Y finalmente parte de la banda Proyecto Esencial y Famusic (Alejandro, Juan Pablo y Fernando Adamo; Juan Manuel Galafassi) armaron un tributo a Cerati y Soda con distintos músicos invitados, todos ellos amigos que la música nos dio en todos estos años: Emanuel Sáez (Buenos Aires Karma); Jorge Ash (Dr. Fender); Federico Colella (Vetamadre); Luciano Facio (Massacre); Osko Cariola y Leonel Martinez (Doscientos dos); Lucas

Y antes del final se realizó el máximo sorteo de la noche (la guitarra eléctrica Jack Daniels original) y la ganadora fue Lorena Masulli, una de las primeras en llegar. Todo el evento se destacó por el enorme dinamismo, puntualidad y calidad, y todos los asistentes se manifestaron felices sin poder creer estar presenciando un evento gratuito con tanto nivel en todos los detalles, desde los músicos, el lugar (sonido y luces de primerísimo nivel como el del Roxy Live), el servicio de bebidas y pizzas libre; los regalos y los sorteos y de toda la gente que participó en el Famusic Fest. Todo esto fue posible gracias al apoyo de distintos proveedores y marcas auspiciantes: Breyer Hnos (Ogre y Wambooka); Fender; Casio; Remo; Pearl; Zildjian; Guitarras Gracia; Wenstone; Ernie Ball; Akai; Hammond; Prodipe.

Famusic agradece la participación del público, los músicos invitados y las marcas auspiciantes, todos ayudaron con su presencia para que el Famusic Fest 2015 sea increíble, y deseamos que se pueda seguir llevando a cabo todos los años, para que todos nuestros amigos puedan tener su espacio para interactuar, divertirse, conocerse y festejar, un año más juntos en este hermoso camino...que es la música...

una temática musical muy coherente de principio a fin, con bandas pop-rock & electrorock y un tributo a Gustavo Cerati y Soda Stereo hecho por un combinado de músicos invitados amigos de Famusic, todos ellos integrantes de reconocidas bandas.

Las puertas se abrieron a las 19hs y los primeros en ingresar recibieron distintos regalos (gorras; armónicas; mouse pad; calcomanías; posters; púas). A las 19:15 se presentaron Los Condors, una banda electrorock de altísimo nivel, con un show compacto, buenas canciones y enorme presencia escénica. A las 20:15 salieron al escenario los chicos de Océano Eléctrico, la banda de Diego "Soto" García (ex guitarrista de Los 7 Delfines), fieles al estilo y continuando el legado musical y artístico del maestro

16 | Famusic Fest 2015

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maYcown reichembach & Quantum orchestra y el resultado fue genial. Hay muchas partes del concierto donde la parte técnica es muy complicada y músicos de no más de 20 años lo hacen a la perfección. A mi particularmente me llena de orgullo ayudar a los míos y además a quien realmente se merece, porque ser un buen músico solo es el 10% de la cuestión.

Cómo está conformada toda la producción?

En el cuerpo Directivo está Carlos Sarraute, como Director General, Lucio Bruno Videla, como Director de la Orquesta, Maycown Reichembach como director artístico, compositor, orquestador y solista, más dos asistentes que rotan dependiendo del concierto. Obviamente los 24 músicos que hacen posible que todas mis locuras musicales sean expresadas. También no me puedo olvidar al Itaú Cultural que a través del Mecenazgo hacen posible la realización de cada concierto.

maycown, contanos acerca del estreno mundial de Awakening the spirit suite y de qué se trata?

Awakening The Spirit Suite, aparece en mi vida por la necesitad de dar un paso más en el arte de la música, había grabado en 2012 Awakening The Spirit editado en USA en formato cuarteto, y tuvo repercusión en varios medios, principalmente los especializados. Como me gustó mucho los temas decidí orquestarlos, al principio sólo un sueño, debido a que me lleva mucho tiempo escribir para tantos instrumentos, todas las secciones de cuerdas, metales, maderas, percusión y los instrumentos eléctricos. Y otra de las cosas más difícil para llevar a cabo una orquesta es el financiamiento de la misma. Entonces empecé a buscar las posibilidades hasta que la Secretaria de Cultura de Buenos Aires declaró mi obra de Interés Cultural para la Ciudad De Buenos Aires, eso ayudo a que pueda conseguir los fondos necesarios para la realización del estreno mundial de esta Suite. Fue realizado en el teatro Shá y el concierto quedó registrado en el DVD Maycown Reichembach & Quantum Orchestra " Awakening the Spirit Suite" editado el mes pasado por EPSA MUSIC. Esta obra mezcla el rock, jazz, fusión, funk con la música académica y experimental. Para mí la música tiene que transformarse todo el tiempo, esa es la función de un artista de verdad, la revolución. También es verdad que todos queremos revolucionar pero solo unos pocos pueden, pero eso "es mejor intentarlo que morir sin hacerlo", es mi filosofía de vida. Por suerte la repercusión de este álbum está siendo grandioso.

mi música, y lo ha puesto como "La nueva música Argentina" (sus comentarios se pueden ver en el DVD) lo que me deja muy honrado recibir un alago de tan importante profesional del arte.

Quién eligió a los músicos y por qué ellos?

Decidimos con el cuerpo directivo de la Quantum Orchestra hacer una selección lo más justa posible, sin basarnos en contactos o indicaciones, simplemente por el hecho de que el instrumentista se merezca su lugar, mediante una audición online. Cada instrumentista interesado tuvo que bajar las partituras correspondientes, grabar un video y enviarlo a nuestro e-mail, luego junto al productor general, el maestro Carlos Sarraute y el Director de la Orquesta, elegimos a los mejores intérpretes,

Quién es el director y por qué lo elegiste?

El Director es Lucio Bruno Videla, eximio maestro con una trayectoria exitosísima en Estados Unidos y Austria, hace algunos años ha vuelto para la Argentina, y por recomendación he tenido la oportunidad de concretar una entrevista con él. Como mi obra es mixta, es decir, instrumentos acústicos y eléctricos, no hay mucha referencia al respecto y los directores muchas veces escapan, por las grandes probabilidades a lo desconocido, por suerte con el Maestro Videla, fue muy respetuoso con

18 | Entrevista maycown reichembach & Quantum Orchestra

Cómo fue el proceso de escribir música sinfónica?

Escribir música sinfónica en estos días es todo un reto, por eso podrás notar que hoy en día casi no tenemos compositores contemporáneos y los que están en su mayoría se enfocan en la música contemporánea que es más efectista. Básicamente nos quedamos con Bach, Beethoven, Mozart, y luego los más contemporáneos como Ravel, Debussy y Stravinsky de los cuelas son fanático, pero no por eso creo que no se deba escribir más música nueva, siempre habrá algo nuevo para escribirse, por más extraordinaria que sea la obra de estos maestros. Por ese motivo mi corazón y mente me pedían a gritos una música orquestal con otros estandartes, creo que de a poco voy llegando. Y por suerte tengo a grandes maestros como Lucio Bruno Videla, para corregirme si llegara a ser falta.

Cómo se conjuga esto de tener una orquesta con instrumentos acústicos y además con instrumentos eléctricos?

Es otro de los temas que siempre me pregunté. Yo nací en una generación donde el rock y precisamente la música popular es el centro de atención, por más que me guste Bach, lo que yo escuchaba siempre fue otro tipo de música, por eso para mí fue muy natural, la "mutación" entre lo acústico barroco/clásico con el jazz, funk, rock y el atonalismo/experimental. Mezclar lo acústico con lo eléctrico es todo un tema, por los volúmenes... y más aún cuando hay una batería, ya que tiende a descontrolarse todo. Pero con ensayos y un buen director fuimos resolviendo problemas que en un principio nos preocupaba, además cabe resaltar que el futuro de las orquesta será así, Ya la Orquesta Metropolitana de Holanda, realiza este tipo de música hace ya varios años, si bien es verdad que en América Latina, somos pioneros, queremos que pronto sean más orquestas.

Quiénes son los miembros de Quantum Orchestra?

Es un gran honor para mí contar con ellos: VIOLINES - Hermes Pedro de la Vega, Laila Prieto y Maximiliano Cornejo.

VIOLAS - Diana Unzaga, Pablo Ruben Hermida y Pablo Trivella.

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CELLO - Jorge Miguel Cerman y Jacqueline Oroc.

CONTRABAJO - Emiliano Lorenzo.

ARPA - Reynaldo Cabañas.

TROMPETA - Sergio Dudik.

TROMBON - Nahuel Ybarra.

TUBA - Juan Martín Ramírez.

FLAUTA - Sol Narváez.

OBOE - Edgardo Colombo.

CLARINETE - Miguel Barile.

FAGOT - Carlos Herrera.

BAJO ELÉCTRICO - Alejandro Tiscornia.

BATERIA - Mariano Barbuto.

PERCUSIÓN - Luciano Slaibe.

TECLADOS - Bruno Malinverni.

Contanos un poco acerca de la grabación del DvD en vivo del espectáculo.

Realmente llevo mucho trabajo registrar el concierto, principalmente el audio, la productora contratada en la grabación llevo sus técnicos y un gear realmente importante, no tuve la posibilidad de ver el armado, ya que me estaba concentrando con la orquesta, el resultado fue muy bueno, con el audio registrado hicimos la mezcla y masterización en REC Estudio-Parque Chas. Usamos 5 cámaras de cine y el resultado lo pueden ver en el DVD. Según EPSA MUSIC enviaran por lo premios Gardel y Latin Grammy, aunque no esperamos nada, nos vendría muy bien el reconocimiento de nuestros colegas.

Cómo fue orquestar una obra de Frank Zappa?

Frank Zappa para es uno de mis mentores, aprendí muchas cosas de él, y lo sigo haciendo con todo el legado que ha dejado. Fue muy natural la elección del tema a orquestar llamado "Peaches en Regalia" grababa en 1969 por "The Mother of Invention". Traté de respetar el 99% de los arreglos de Zappa y me jugué a la inventiva en el sentido Orquestal, ya que como fanático de Zappa no me gustaría que le cambien nada. Luego vino la parte más difícil, que fue pedirle autorización a Gail Zappa, viúda de Frank, después de varios e-mails me ha permitido la ejecución de la obra. nos podrías contar cuál es el concepto de la sinfonía "los siete elementos"?

Las Sinfonías más conocidas se dividen en cuatro partes: Allegro, Andante, Minué/Scherzo y Allegro. Como mi obra es conceptual y representa a los partes chackras que tiene el ser humano y sus elementos: Tierra, agua, fuego, aire, tiempo, espacio y el absoluto. Decidí dividirlo en siete partes, al comienzo respetando la forma tradicional de la sinfonía y luego guiándome por la representación de cada elemento. El resultado según el Director es de una sinfonía novedosa y con sonoridad latina y elementos minimalistas. Como fue compuesta basándose en una orquesta sinfónica pude dar protagonismo a cada instrumento y llevar melodía y tesitura de cada instrumento a sus límites. A los instrumentos eléctricos los he integrado más aún a la orquesta, sin que sobresalieran tanto como en "Awakening The Spirit". Toda mi música tiene una búsqueda espiritual y con "Los Siete Elementos" no es diferente, todo artista tiene que tratar de generar algún sentimiento con su obra, y creo que con "Los siete elementos" lo he conseguido.

En el sentido de la composición, cómo es el armado

de una sinfonía y por qué esta tiene siete movimientos en vez de los tradicionales cuatro?

Como te explique anteriormente traté de salir de lo tradicional es búsqueda de lo nuevo pero con respeto a lo ya realizado por los maestros de otras generaciones, la música académica tiene que dar un paso muy importante para seguir evolucionando y de cierta forma unificarse a la música popular que está tan avanzada con es el caso del jazz. Mi visión me hace escribir música en esa dirección, sin estereotipos, ni prejuicios, simplemente trato de sacar todo aquello que suena en mi cabeza y cuando no encuentro una manera de representarlo, invento una. Ya lo decía Albert Einstein "es 1% inspiración y 99% de transpiración" más allá de la poético que pueda ser esta frase es una gran verdad que la uso a raja tabla en varios aspectos de mi vida artística.

Cómo se financian los gastos que origina una orquesta de este porte?

Es una excelente pregunta, ya que casi siempre pensamos que los músicos tocan por amor al arte, y no es así.

Para realizar una producción de gran porte como hacemos con la Quantum Orchestra, tenemos que pensar que hay que pagar a 22 músicos, director de la orquesta, productor general, sonidista, solistas, arreglador, orquestador, iluminador, stage, catering, fletes, y muchas otras cosas más, sería imposible hacerlo sin el apoyo externo a la orquesta. En mi caso tuve la suerte de tener el apoyo del Mecenazgo, a través de la Secretaria de Cultura de Buenos Aires, la cual ha distinguido mi obra por 2 años consecutivos de "interés Cultural para la Ciudad de Buenos Aires", además del prestigio de tener una obra con tal distinción, la ayuda económica es fundamental para que podamos hacer realidad toda ésta locura artística.

Cuál es el set que vas utilizar en estas obras?

Cambio constantemente, en el concierto de Los 7 Elementos voy a usar una guitarra de 12 cuerdas Ephiphone que fue customizada por el luthier Christian Umerez, ya que la guitarra era para diestros, en la misma uso un Seymour Duncan SA. En guitarras eléctricas una Ibanez SA Custom y una Fender Telecaster con DS Pickups que Dario Soich me hizo especialmente hace algunos años atrás. Pedales Fuhrmann y Pigtronix, un delay Boss y un wha wha. En amplificador uso dos DV Mark del cual hace algunos años trabajo con esta empresa Italiana. Y caja 2x12 con parlantes Warehouse.

Cuáles son los proyectos para los próximos años?

La Quantum está en una gran etapa tenemos que aprovechar, seguramente en el primer semestre de 2016 haremos otro concierto. Tengo que empezar a componer una nueva serie de obras que harán referencia a la música brasileña, que representaran cada estilo, si todo sale bien, serán 2 años de estrenos y conciertos no solo en Argentina, estamos contentos. No soy el único loco que se tira de cabeza en esto sino todos los músicos, así que solamente tengo que agradecer. También junto a Igor Saavedra y Virgil Donati estamos charlando para realizar una serie de conciertos en trio para mediados de 2016.

También tengo una banda de rock que se llama Malopa Quasar, ya grabamos un EP y un Single que hace poquito salio por el sello Neworld Records para todo el mundo, ahi yo canto y toco la guitarra, es todo más crudo y con mucha actitud, como tiene que ser el rock, me di-

20 | Entrevista maycown reichembach & Quantum Orchestra

vierto mucho y pronto grabaremos nuestro primer disco.

Qué nos podés decir acerca la necesidad de los músicos, además de dominar su instrumento, tener conocimiento de otros?

Creo que el músico contemporáneo del 2000 para adelante tiene la necesitad de ser un músico más completo, además de dominar su instrumento, conocer de teoría, composición y estar en constante aprendizaje. Podemos ver que en youtube.com están llenos de chicos tocando muy bien todos los instrumentos, muchos con un nivel muy alto, pero eso no hace que el instrumentista consiga nada, por lo menos en el sentido "trabajo musical", no conozco un músico que lo hayan llamado a un laburo por ser virtuoso y si por ser un músico completo, es todo un tema. Porque nosotros como músicos buscamos perfeccionarnos todos los días pero muchas veces nos enfocamos en cosas que no son las correctas. Por ese motivo es muy importante tener un buen profesor, siempre, hasta que tengas un nivel importante como para seguir solo. Si Hermeto Pascual con sus 90 años se levanta todos los días a las 7 de la mañana para estudiar, porque no lo podemos hacer nosotros no?.

Estás dando clases de composición y orquestación?

Si, el poco tiempo que me sobra entre componer, orquestar, estudiar y vivir, lo utilizo para enseñar. Doy muchas menos horas de clases que antes, busco a alumnos que quieran estudiar de verdad, pretendo que el alumno respete lo que está aprendiendo y lo ponga en práctica. Mi enseñanza no se basa en pasarle al alumno aquello que me ensañaron a mí, sino, que bajo mi visión y punto de vista mostrarle al alumno mi experiencia con la música.

Que puede ser desde un solo de John Coltrane hasta el pasaje de la Consagración de la Primavera de Stravinsky.

La música es universal y hay que estar abierto emocional y mentalmente para ser capaz de sentirla. Cabe al músico ser artífice de su propia historia y jugarse por ser el mejor artista que él pueda ser.

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marshall, el ampliFicador Que cambió la historia del rock Este año se cumplen 53 años de la creación de una marca íntimamente ligada al rock, marshall. marshall Amplification fue fundada a principio de la década de los años 1960 por jim marshall en su negocio de instrumentos de hanwell, londres. Por Sergio resar

Sin sus inventos, la estruendosa guitarra de Jimi Hendrix nunca hubiese sonado tan impactante si no hubiese sido por esa caja negra, rectangular, con un innovador sistema de circuitos para los primeros sesenta del siglo pasado. Él, sus ayudantes y un ingeniero que contrató,

fabricaron varios modelos desde 1962. El primero, de 45 watts, era muy similar al ya existente de la marca estadounidense Fender, también creadora de las guitarras eléctricas. Pero la clave la hallaron con el sexto modelo, un amplificador de 100 watts, con controles básicos en

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su parte superior, capaz de moldear de forma más potente las resonancias eléctricas de los acordes de las guitarras. Pete Towshend tenía lo que buscaba para las canciones de su banda, The Who. También supo tener de clientes a la generación que saldría de la excelente escena británica de los sesenta. Eric Clapton, Jimi Hendrix y Jimmy Page, entre otros, utilizaron estos amplificadores. El rock ya tenía una voz nueva. A mediados de la década del ‘60, estos amplificadores cruzaron el charco y se convirtieron en una pieza deseada entre los músicos estadounidenses. Según contaba el propio Marshall, Roy Orbison fue el primero en hacerle un pedido en 1964 aunque, sobre todo a partir de los setenta, fue habitual ver estas famosas cajas negras en conciertos y estudios de grabación. En una conocida imagen, la banda Kiss posó rodeada de ellos mientras Slash de Guns N’Roses o Kurt Cobain de Nirvana no entendían su música sin su presencia. Artistas como Angus Young, Joe Perry, Ryan Roxy, Zack Wylde, Graham Coxon, Steph Carpenter, John Norum, Gary Moore, Dave Murray, Adrian Smith, Janick Gers, Dave Navarro, Jeff Beck, Joe Bonamassa, Joe Satriani, Dave Mustaine, Lemmy, Matt Bellamy, Phil Campbell, Randy Rhoads, Richie Kotzen. Slash, entre muchos otros han elegido Marshall para

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trara en el baúl de su auto. Clapton usó el amplificador, junto con su guitarra Gibson Les Paul, en el álbum "Beano" con John Mayall y los Bluesbreakers. La banda le dio al amplificador su nombre. Otro guitarrista, Peter Townshend, quería más amplificación y Marshall diseñó un amplificador con válvula de 100 watts y duplicó el número de válvulas para crear el Marshall Super Lead modelo 1959, conocido como el Plexi. Townshend le pidió a Marshall que construyera un gabinete para que el Plexi descansara, y el "Marshall Stack" nació. marshall jCm 800 Durante los ‘70s, en respuesta a pedidos de más distorsión, Marshall introdujo los amplificadores Master Volume (MV). La introducción de un control de volumen dual creó un sonido vanguardista popular con guitarristas como Slash de Guns N' Roses. Los amplificadores MV luego fueron renombrados como la serie JCM 800.

modelar su sonido tan característico. Marshall, gracias al sonido de sus amplificadores, quedó asociada al rock y aquí detallamos sólo algunos de la gran variedad que fabricó Marshall en más de 50 años. marshall jTm45 Después de trabajar en variaciones, decidieron lanzar el sexto prototipo. Jim Marshall recordó en una entrevista que el primer día que puso el amplificador en su negocio recibió 23 pedidos, aunque en ese tiempo sólo podían construir uno o dos a la semana. Este amplificador eventualmente fue llamado JTM45: Las iniciales eran por Jim

y su hijo Terry Marshall, y el voltaje del amplificador era 45. En ese tiempo, la mayoría de los parlantes no podían soportar más de 15 watts, así que Marshall crucialmente separó el amplificador de los parlantes, colocando de la marca Celestion en un gabinete cerrado. También usó un tipo de válvula que potenciaba las frecuencias altas.

marshall Bluesbreaker y el marshall stack El Stack Marshall de amplificadores es una de las características permanentes de los conciertos de rock. Al igual que el amplificador original de Marshall, muchos de los desarrollos de los productos de la compañía fueron una respuesta a pedidos de los músicos. Marshall desarrolló el amplificador Bluesbreaker por pedido de Eric Clapton, quien quería un amplificador combo con trémolo que en-

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marshall jCm 900 En los ‘90s, Marshall lanzó los JCM 900 que combinaban las características favoritas para los guitarristas de la serie JCM 800 pero agregó más distorsión para suplir las necesidades de una nueva generación de guitarristas. marshall jvm Construida por los británicos, el JVM410H 100 watts todo valvular redefine versatilidad gracias a cuatro canales tonalmente independientes, Clean, Crunch, OD1 y OD2, cada uno con tres modos seleccionables. Cada modo reconfigura la estructura de ganancia de cada canal, lo que hace doce modos en total. El panel frontal JVM410H parece alucinante con sus veintiocho controles y ocho interruptores, sino porque está intuitivamente diseñado, es muy sencillo de utilizar. El JVM410H también cuenta

con cuatro reverbs de calidad de estudio (uno por canal), EQ de canal individual, dos volúmenes Master, y una memoria que puede recuperar los ajustes de reverberación, loop de efectos y Master.

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notas centrales 2015

sErGiO BErDiCHEvsky Qué música se escuchaba en tu casa?

Tango por supuesto, tengo recuerdos de la música que se escuchaba desde fines de los ‘60, principios de los ‘70, también los clásicos del rock, The Beatles, Creedence Clearwater Revival, Rod Stewart, The Rolling Stone, algo de Pink Floyd, Alan Parsons, y otros de la época, Focus, no sé...

Por qué la guitarra?

Me eligió ella, fue algo natural, no elegí, vino a mí!!!!

Con quiénes estudiaste?

Primero un primo me pasó los primeros acordes, después Julio Morano de WC, Botafogo Don Vilanova más adelante, y aprendí mucho viendo y tocando con Walter Giardino también.

les mostramos un resúmen de las notas centrales que fueron publicadas a lo largo de 2015. interesantes anécdotas de Sergio berdichevsky; coqui rodríguez; Daniel castro y Victor bertamoni y Pali Silvera de Estelares. Por g&b.ar

Qué discos grabaste con rata?

Rata Blanca, Magos, Espadas y Rosas, Guerrero del Arco Iris, En Vivo en Bs As (en vivo en el Teatro Opera con la Orquesta de Cámara y Solistas Bach), El Libro Oculto, Entre el Cielo y el Infierno, Rata 7, mas algún homenaje a Sumo, un tema y un instrumental para un disco de violeros, con el Preludio!

Cuando se separa rata Blanca, armaste otro grupo, cuál era y quiénes te acompañaban?

Nativo, con Gustavo Rowek, Carucha Podesta, y Javier Tumini, grabamos cuatro discos muy buenos, “Consumo”, “Futuro”, “Vos Tambien”, “Y Que”.

Cómo es que fueron el grupo invitado de megadeth en 1998?

Sabes que no recuerdo jajajajaj, seguro nos invitaron por estar entre las posibles bandas a compartir el show, creo que era la época que el sello Nems, que había lanzado el disco "Consumo", nuestro debut.

Pero no fue el único grupo que los invitó a abrir recitales, nos contás cuáles más y en qué años?

Con Nativo, junto a Red Hot Chilli Peppers, Biohazzard, Bad Religion, y algún otro que ya no recuerdo.

Cómo está compuesto tu set?

Cómo se llamaba tu primera banda? Quiénes la integraban?

Era en la escuela secundaria, con compañeros, el otro violero era Juanchi Baleiron de Los Pericos, éramos compañeros en segundo año, debía ser 1978 o 1979, se llamaba Hallowen.

Cómo era tu relación con juanchi?

Genial, compartíamos la música y la novia jajajajajaja!!! Las guitarras no.... llega rata Blanca a tu vida, cómo fue que ingresaste y en qué año?

De la mano de Gustavo Rowek, ya tocábamos juntos mientras el tocaba en V8. Zapábamos con una banda que se llamaba 220 que tenía después de Hallowen.

Cuando V8 se separa, Rowek y yo teníamos pensado hacer algo juntos, cuando él conoce a Walter Giardino me lo presenta y ahí cierra la historia.

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DAniEl CAsTrO Por qué elegiste el bajo como tu instrumento?

Desde que recuerdo siempre presté atención al bajo en las canciones, buscando entender los movimientos de sus líneas junto con la voz y la batería. Asumo que ya ejercía de bajista antes de tocar el instrumento.

Con quiénes estudiaste?

Como bajista soy autodidacta, durante mi adolescencia no había profesores de bajo donde vivía, así que recurrí a estudiar guitarra clásica con un señor mayor que me enseño teoría y solfeo. Aprendí a leer música rápidamente, comencé a comprar métodos de bajo y los estudiaba solo. Eso, y la data que me pasaban los violeros con los que tocaba fueron mi primera formación musical. Más adelante tomé clases de piano y armonía con el maestro Alberto Quercia Lagos.

Qué bajistas te influenciaron?

Paul McCartney, John Paul Jones y Machi han sido los pilares. La lista de súper héroes sigue con Tony Levin, Marcus Miller, Jaco Pastorius y todos los que grabaron con Steely Dan y Tom Waits.

Amplificador Laney Iommi, bafle Laney, Cort Z Custom 2, Wah Cry Baby, Rotovibe, Whammy! Depende lo que tenga que tocar tengo equipos y violas diferentes de la línea de las marcas que uso, preferentemente equipos valvulares, aún los combo, VC30 de Laney, Cub 12, también valvular de Laney COQui rODriGuEZ Por qué elegiste la guitarra como tu instrumento?

Supongo que por una cuestión de familiaridad con el instrumento. De chico ya veía a mi viejo tocando.

Estudié un año piano, pero termine pasándome a la guitarra. También tuvo influencia el tipo de relación física con el instrumento. Me resultaba algo así como un abrazo a la guitarra.

Depende. Las cosas que son arreglos puntuales de cada canción se mantienen como tales. Pero hay mucho de improvisación, o libre interpretación. Todo lo que enaltezca la música, siempre es bienvenido.

Cómo está compuesto tu set?

Actualmente estoy usando un Pod HD500X de Line6. No usamos amplificadores ni monitores de piso en el escenario. Se trata de mantener la mayor limpieza de audio. Además uso una James Tyler Variax, en particular una JTV59. Es una guitarra que me permite acceder a distintos tipos de audios (Stratocasters, Telecasters, Les Pauls, etc) así como a afinaciones distintas, girando un selector. Me ayuda mucho, porque en el show hay muchos cambios, y muy poco tiempo para pasar de una cosa a otra.

Cómo surgió la posibilidad de tocar en Fricción con richard Coleman?

Richard me llamó para tocar en dos festivales (se habían quedado sin bajista) y pegamos demasiada onda así que me quedé en la banda. Grabamos un disco del que siempre sentiré orgullo “Para Terminar” producido por Gustavo Cerati. La amistad ha perdurado y hoy me encuentro compartiendo su etapa solista. Llevamos grabados los discos “Siberia Country Club” e “Incandescente”.

Cómo fue la experiencia con el gran miguel Zavaleta en sueter?

Gran cantante y tipo muy divertido. Yo había visto muchos shows de Sueter con el genial Gustavo Donés en el bajo, por momentos no podía creer

Con quiénes estudiaste?

Primero con mi viejo. Después pasé a tomar mis primeras clases formales con Mario Meychtry, en Concordia. Ya en Buenos Aires, estudié con Alejandro Moro, Pino Marrone, Marcelo Gurfraind, Martín Porto.

Aprendiste a tocar otro instrumento?

Algo de piano, bajo y batería.

Cuándo decidiste venir a Buenos Aires?

Cuando termine la secundaria, vine a estudiar Ingeniería. Quería ser ingeniero en sonido. Después de 3 años y algo, cambie de rumbo definitivamente hacia la música.

Hace cuánto tiempo estás con Pedro Aznar?

Mi primer fue show con Pedro Aznar fue en Julio del 2010. Casi 5 años han pasado.

Qué instrumentos tocás en ella?

Guitarras (eléctricas, nylon y acero), cuatro venezolano y también hago coros.

Te permite meter tus propios arreglos o él ya te da todo armado?

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del barrio armar una banda. Con Guillermo Coda, (ex Peligrosos Gorriones, hoy en Juana la Loca), que ya sabía algunos acordes y también con Tete Morgada (ex Venenosos) sabía algunas cosas de batería, así que no tuve mucha opción. Empecé a tocar el bajo para poder armar una banda con ellos y enseguida me enamoré del instrumento. Ese fue mi punto de partida.

Cómo se conocieron? victor Bertamoni: Nos formamos en La Plata, y tanto a Manuel como a Pali los había visto tocar con sus bandas anteriores. A Manu y a Oscar Torguet (primer baterista de Estelares) los conocía de Junín.

Con Manu volvimos a encontrarnos en La Plata en la Facultad de Bellas Artes (él cursaba artes plásticas y yo composición musical).

Pali silvera: Con Manu nos conocimos compartiendo fechas en el ’87, ’88, yo tocando con Bat39 y él con su banda de ese momento. Después él y Víctor empezaron a armar otra banda y me vinieron a buscar. Todo esto pasó a principios de los ’90. Después de eso no nos volvimos a separar. A partir de ahí estamos juntos con Estelares. estar tocando esas canciones. Fue un corto tiempo presentando “Sueter 5”, hicimos unos cuantos buenos shows.

Antes fue con el gran David lebón?

David fue el que me abrió las puertas de las grandes ligas, yo soñaba con tocar en su banda y un buen día hubo audiciones para elegir bajista. A partir de ser elegido asumí un compromiso mayor con la música. Tocar a lado de músicos del calibre de David, Dani Colombres, Leo Sujatovich, Diego Rapoport, Luis Gurevich, Didi Gutman, Mario Parmisano y muchos otros en escenarios grosos, con técnicos de primera me dio un panorama de lo que tenía que superarme para seguir allí.

victor Bertamoni: Es un instrumento popular, siempre hay alguna guitarra cerca. En mi casa estaba la guitarra de mi madre, oyendo las piezas que ella tocaba capte la lógica del instrumento. Y luego compañeros de colegio me enseñaron los primeros pasos en canciones. Estudié guitarra con el maestro Alberto Moris, en Junín, luego en la Casa del Tango de La Plata con Hugo Magnelli. Con Quique Sinesi en Buenos Aires. Seguí diferentes caminos de aprendizaje según la inquietud que me surgía en cada etapa. y vos por qué el bajo Pali?

Pali silvera: En realidad después de ver a The Cure en el ’87 en Ferro decidimos con unos amigos

Cómo está compuesto el set de cada uno? victor Bertamoni: Actualmente mi set consta de una guitarra Fender Telecaster, unos pocos pedales: wah wah, distorsión, delay Boss DD7 y trémolo. El amplificador que uso frecuentemente es un Fender Blues DeVille y ultimamente agregué un amplificador Laney Lionheart.

Pali silvera: Utilizo varias cosas pero últimamente te diría que estoy usando una caja 8x10” de Laney, junto con un cabezal MarkBass, siempre tengo a mano un SansAmp durante los shows para engrosar un poco el sonido y creeme que suma mucho. En los últimos meses estoy tocando con un Fender Jazz Bass American Standard pero también tengo un Musicman y un Gibson Ripper.

Cómo está compuesto tu set?

Actualmente salgo de gira con un bajo Warwick Robert Trujillo Artist Series de 5 cuerdas y en ocasiones también saco el Warwick Star Bass Pro Series y el Warwick Streamer Stage II del 97’. En mi casa se queda el Warwick Tumb bass del 94’ que es mi bajo favorito pero realmente me parte la espalda el peso. Mis amplis son Ashdown, uso una caja directa Radial y varios pedales Aguilar, Tech 21, Xotic, etc.

EsTElArEs Cuéntennos como era la infancia de cada uno victor Bertamoni: Mi infancia transcurrió en el barrio Pueblo Nuevo de Junín, dividiendo el tiempo entre la escuela y jugando a la pelota con amigos.

Pali silvera: La disfruté muchísimo. Vivía a una cuadra de una plaza, así que siempre con amigos, jugando al fútbol, a la hora de la siesta, visitando casa abandonadas. También recuerdo mis vacaciones en Mar del Plata, que es una ciudad que quiero mucho.

Por qué elegiste la guitarra como tu instrumento víctor y con quién estudiste?

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Notas centrales 2015 | 29

clinica paul reed smith

La misma estuvo a cargo del International Sales Manager de la marca para Latinoamérica y México, José Luis Chaure Bueno. Después de una breve presentación del Gerente de Ventas de Fama Music SA (representante en el país de PRS Guitars), Gustavo Miri. José Luis empezó la disertación tocando un tema de la legendaria banda estadounidense, Kansas, con una PRS modelo P22. Luego, nos habló sobre la historia de PRS Guitars y haciendo una comparación y contándonos las diferencias con las otras dos marcas líderes del mercado y donde estaban insertadas sus guitarras. Nos relató que aún el día de hoy, Paul Reed Smith sigue al frente de la compañía, aportando ideas y que eso es lo que más los diferencia del resto de los fabricantes de guitarras eléctricas. Chaure Bueno, de amplia trayectoria en el medio (ha trabajado para Taylor y Fender en el pasado), volvió a tocar un tema, en esta oportunidad de Santana, para la delicia del público presente que ya había colmado la capacidad del Auditorio Cendas.

También nos expresó que maderas se usan y el proceso del secado de las mismas y cuáles son las que tienen más y mejor sonoridad. Tras este relato, hizo subir a uno de los concurrentes a tocar un Blues con él con otra guitarra PRS. La charla prosiguió contando anécdotas de Paul Reed

El 18 de noviembre de este año, en el auditorio cendas, se llevó a cabo una charla/clínica sobre las famosas guitarras Paul reed Smith o más conocidas simplemente como PrS. Por Sergio resar

dado que además de sus micrófonos 58/15, cuenta con un micrófono piezoeléctrico en el puente y puede simular de manera muy auténtica a una guitarra acústica.

Es decir, una salida puede ir al amplificador y la otra a una caja directa para el sonido acústico. José Luis hizo subir al escenario, al excelente guitarrista Ariel Pozzo (que debe ser una de las personas que más sabe de PRS Guitars en nuestro país) a tocar un tema con él.

También, tanto Ariel como José Luis nos presentaron el modelo que se hizo en homenaje a nuestro querido Gustavo Cerati, una Multifoil muy similar a la que usaba este gran músico y de las cuales sólo han hecho una cantidad limitada.

Para terminar la charla, José Luis se abocó en hablar de los amplificadores PRS, nos presentó dos modelos en esta oportunidad, el PRS Archon Combo y el PRS Custom 50, de los cuales nos referiremos en una próxima nota. Para finalizar la velada y como ya nos tienen acostumbrados los integrantes de Fama Music SA, llegaron los sorteos que fueron doce. El último fue el afortunado ganador de una guitarra PRS. Así se fue esta fantástica noche de música y aprendizaje sobre una de las mejores marcas que existen en guitarras y bajos.

A continuación nos explicó el por qué de los valores de estas exquisitas guitarras, que están hechas de una sola pieza, tanto cuerpo como mástil, a diferencia de sus competidores que la hacen de dos o más piezas.

Smith y como fue insertándose en este fabuloso mundo de las guitarras. También habló de la guitarra que estaba usando para la demostración, la cual tiene las siguientes características: la P22 viene de serie con una tapa de Maple, cuerpo de caoba, el mástil es de la misma madera que el cuerpo, con 22 trastes y diapasón de palisandro. El sistema eléctrico de esta guitarra es lo que distingue a este modelo de otros de la misma marca. La misma tiene dos salidas independientes

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ampeg portaFleX pF-50t bass head

Ampeg es un fabricante de amplificadores a válvulas legendarios como el mítico SVT y el B15, es sin duda uno de los nombres más famosos en la amplificación de bajos. La serie Portaflex de Ampeg combina el estilo vintage del diseño del gabinete icónico de Ampeg con una selección de sonidos poderosos, modernos.

Los PF-350, PF-500 y PF-800 son cabezales perfectos para los bajistas que exigen alto rendimiento en un diseño ligero y portátil.

En esta oportunidad hablaremos del asombroso Ampeg Portaflex PF-50T Bass Head. Este cabezal amplificador de 50 watts para bajo, pone los sonidos emblemáticos de los amplificadores Ampeg en un tamaño compacto, ideal para ensayo, pequeños conciertos, y grabación. En el interior del Ampeg Portaflex PF-50T Bass Head hay una serie de válvulas 12AU7 y 6L6 que alimentan el amplificador, que evocan el sonido de los viejos Ampeg. Con un peso de menos de nueve kilos, el pequeño tamaño y peso ligero hacen que el transportar el Ampeg Portaflex PF-50T Bass Head sea un trabajo muy sencillo.

de 3 bandas, 5 posiciones de medios mediante un interruptor y un conmutador Hi / Lo Ultra. Además de tono legendario que Ampeg proporciona desde siempre y todas las válvulas de alimentación, los cabezales Ampeg de la serie Portaflex proporcionan herramientas útiles como DI, loops FX y grabación silenciosa sin parlantes requeridos.

CArACTErisTiCAs • Potencia de salida RMS: 50 W @ 4 u 8 ohmios • Preamp: Todos los tubos [2] x 12AX7 • Amplificador de energía: Todas las válvulas [1] x 12AU7, [2] x 6L6 • Entradas: entradas 0dB y -15dB • Controles de tono: graves, medios, agudos • Control de tono medio: de 5 posiciones • EQ adicional: Ultra aumenta Hi / Lo • Control de ganancia de entrada: Sí • Dimensiones: 7.3 "x 13.9" W x 10.4 "D • Peso: 8,8 kg • Línea de preamplificador salida: Equilibrado, c/ Pre / Post EQ y separación de masa • Salida de línea del transformador: Equilibrado, c/ separación de masa

El Ampeg Portaflex PF-50T Bass Head cuenta con un perfil rediseñado, pero con el mismo formato flip-top. Hay un amplio control de tono, con ecualizador

32 | Ampeg Portaflex PF-50t bass head

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calibrando mi guitarra

Abordaremos en esta sección diferentes temas sobre luthería, para aprender sobre el cuidado de nuestro instrumento. Por Facundo lópez burgos

menor ataque, etc. Más allá de esto, la elección del método de construcción resaltará tales características. El mástil encolado, por ejemplo, nos brindará mayor cuerpo y sustain sucediendo lo opuesto con un mástil atornillado que si nos proporcionará mayor ataque. Un largo de escala más largo nos proporcionará un sonido más nítido que una escala corta. En última instancia el hardware y la electrónica terminarán de aportar sus características propias. Los puentes del tipo Tune-o-matic con su sistema de anclaje, trasmiten la vibración hacia el corazón de la madera aprovechando mas sus cualidades tímbricas. Las pastillas de bobina simple aportan mayor nitidez que los de doble bobina (los cuales producen mayor coloración).

Si tomamos para analizar y comparar dos modelos emblemáticos como ser Les Paul y Stratocaster podemos ver las siguientes características lEs PAul • Escala Corta • Combina Caoba y Maple en el cuerpo • Mástil de Caoba • Mástil encolado • Puente tune-o-matic • Humbuckers • Pala en ángulo

De que depende el sonido de una guitarra eléctrica?

Muchas veces escuchamos decir que si a una viola barata le pones unos buenos mics vas a tener el mismo sonido que una viola de primera línea. Lamentablemente esto no es cierto. Nótese que use el término ‘primera línea’ y no ‘primera marca’. Hago esta aclaración porque lamentablemente las marcas, en su mayoría, no son garantía de nada.

Ahora bien volviendo a la pregunta del título ¿De qué depende el sonido de una guitarra eléctrica?. En primer término la madera es algo determinante. Una buena madera, bien estacionada, y correctamente cortada, nos dará una característica tonal determinada y balanceada. Los diferentes tipos de madera tienen diferentes sonoridades. Y la combinación (o no) de esto nos dará características tales como mayor o menor sustain, determinado color en el sonido, mayor o

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sTrATOCAsTEr • Escala Larga • Cuerpo de Fresno o Aliso • Mástil de Maple • Mástil atornillado • Puente atornillado • Single coils • Pala Recta Como vemos Todos los elemetos de una Les Paul apuntan a un sonido con mayor cuerpo y sustain mientras que los de la Stratocaster apuntan a un sonido con mayor ataque, brillo y nitidez.

Obviamente podríamos hacer un análisis mucho más profundo de esto pero excedería en mucho el espacio de esta columna. Lo que les propongo tengan en cuenta estos datos a la hora de elegir un instrumento ya que si lo piensan, el hardware puede cambiarse, la electrónica puede cambiarse, los trastes pueden cambiarse, pero lo único que definitivamente no podemos cambiar es el mueble, la madera y este es el verdadero corazón del sonido de nuestro instrumento.

Espero que puedan tomar una sabia decisión.

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ampliFicadores

SEguriDAD ElÉctricA

Desde que tomé conocimiento de las desgracias que hubo en cuanto a seguridad eléctrica en los shows, me compenetré tanto como pude para dePor Eric jacobs terminar técnicamente cuales pudieran ser las causas y cómo prevenirlas.

He descubierto que existen causas tanto del lado de las instalaciones como del equipamiento portátil que llevan los músicos, lo que termina produciendo una combinación letal y responsabilidad compartida.

Existen reglamentaciones que especifican como deben ser las instalaciones y es obligatorio que tengan llave térmica, disyuntor diferencial, tierra de seguridad y correcta polaridad en los tomas. Esto rara vez se cumple en la mayoría de los sitios donde toca el underground. Por el lado del equipamiento existen varias causas que conducen al desastre.Las origina principalmente el hecho de que los amplificadores necesitan tierra para no producir excesivo ruido de “hum” (residuos de los 50 Hz de la red de distribución).

Este es un viejo drama que arranca desde antes que hubiera tomas con tierra en las instalaciones, tanto acá como en USA. Hablamos de antes del los ’80 cuando los tomas eran de dos patas no polarizadas, por lo que se podía enchufar en cualquier sentido. Al no haber tierra los fabricantes optaron por conectar el chasis al neutro con un capacitor que hoy día se lo conoce como Death Cap por la cantidad de muertes que causó, ya que el 50% de las veces la conexión quedaba al revés y el chasis quedaba conectado al vivo. Esto ocurría tanto con los amplificadores de guitarra como con los de voces o consolas.

Luego de que se reglamentó las instalaciones con tomas de tres patas donde se agrega un terminal de tierra y se especifica cuál es el vivo y cuál el neutro, se dejó de poner el Death Cap, pero aún hay muchos equipos dando vuelta con ese mortal peligro instalado adentro. La normativa desgraciadamente no alcanza para asegurar el cumplimiento y es frecuente encontrar tomas invertidos y sin tierra.

La única tierra válida y que funciona correctamente es una jabalina de cobre de 1,5 m y 12 mm de grueso clavada en la tierra instalada por un electricista matriculado. La tierra no debe unirse al neutro.

La falta de tierra no puede reemplazarse por un cable con una pinza o cocodrilo conectada a una cañería (práctica habitual pero peligrosa) ya que es común que las cañerías tengan tramos plásticos y eso pone en peligro de electrificar las canillas poniendo en riesgo a mayor cantidad de personas. Tampoco a una reja o marco de puerta o ventana, porque la mampostería no es buena tierra y se corre el riesgo de electrificar dichas instalaciones. A falta de tierra muchas veces algunos técnicos cometen el gravísimo error de conectar la tierra al neutro, lo cual si bien baja el ruido, produce el mismo riesgo que el Death Cap. La muerte del músico de Córdoba este año se produjo por conectar la tierra al neutro en una zapatilla. Eso pudo funcionar bien en un toma, pero bastó conectar esa zapatilla en un toma invertido para poner vivo en el chasis. Para complicar un poco más la situación, los interlocks que se usan para alimentar los equipos a veces vienen invertidos, lo he verificado personalmente. Otra causa son los transformadores que se usan para conectar equipos de 110V a la red de 220V. Existe una forma de bobinar esos transformadores que ahorra mucho cobre y los hace más baratos. Se llaman autotransformadores y tienen el grave problema de poder dejar el chasis a 220V o a 110V dependiendo de la polaridad del toma. Recomiendo verificar los transformadores y reemplazarlos por transformadores reales.

Muchos piensan que el disyuntor diferencial es la solución mágica para todos los problemas, pero lamentablemente no es cierto. Los disyuntores más sensibles cortan con una fuga a tierra de 25mA, pero 10mA bastan para quedarse pegado.

Por otro lado sólo cubren contra fugas a tierra por lo que si la descarga se produce entre vivo y neutro el disyuntor nunca corta.

Si vos tenes en tu mano izquierda el micrófono vocal conectado al neutro y en tu mano derecha las cuerdas de la guitarra unidas al vivo y tenés zapatillas aislantes, básicamente quedaste conectado como una lamparita y el disyuntor está diseñado para que no corte en esas circunstancias, de lo contrario no habría uso posible de la electricidad. Por eso es que insisto tanto en que un tablero portátil con disyuntor para la banda no alcanza.

Otra forma de aislarse es usar inalámbricos, pero aún así no hay garantías. Por ejemplo al finalizar el show se abrazan los integrantes de la banda y el primero de la derecha tiene el micrófono vocal en la mano mientras el último de la izquierda tiene el instrumento en la mano conectado a su equipo. En este caso el del medio tenía todo inalámbrico pero sus compañeros de banda lo conectaron a la red con su cuerpo y quedaron todos zapateando la chacarera. El mejor método de prevensión que puede usar cualquiera y es barato, rápido y confiable, es el buscapolo. Para el que quiera profundizar más en el tema les recomiendo acceder al grupo SEGURIDAD ELECTRICA & ROCK en el Facebook.

Eric Jacobs es Ingeniero en Telecomunicaciones de la UNLP con mas de 35 años de experiencia en la industria. Desde 2009 lleva adelante el emprendimiento Jake Amps dedicado exclusivamente a soluciones para el equipamiento musical. Todos los productos son originales y diseños personales. Lleva entre sus mejores logros el ya legendario amplificador de 7W Blues Mojo y actualmente el premiado amplificador The Riffer, asi como los switchers de pedales Small Foot y Big Foot.

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Suplemento técnico | 35

bajo Por igor Saavedra

lOS 10 mANDAmiENtOS Y lOS 7 PEcADOS cAPitAlES DEl bAjiStA PrOFESiONAl Este artículo es muy breve, pero a la vez estimo que es muy sustancioso.

Por supuesto no tomen nada de lo que aquí digo como un dogma

No soy una persona religiosa y estimo que debe haber pocas personas en este mundo a las que les disgusten más los dogmas que a mí, así que sólo tomen este artículo como “una forma creativa” de entregarles un humilde consejo en relación a los aspectos que considero los más importantes que un bajista debe tener en cuenta para implementar, y por otra parte, aquellos que son los más importantes que en mi opinión debe evitar. lOs 10 mAnDAmiEnTOs 1) El Beat es tu Dios.

2) La fundamental del acorde es tu Diosa.

3) Invierte más en “aprender música” que en adquirir artículos “para hacer música”.

4) Nunca toques demás, procura mantenerte cerca del límite mínimo de elementos.

5) Mantén SIEMPRE tu Bajo limpio, calibrado y entonado.., y cambia tus cuerdas alrededor de 3 días ANTES de cualquier concierto importante.., nunca el mismo día.

6) No olvides afinar tu Bajo y relájate un 100% antes de poner un pie en el escenario.

7) Nivela cualitativamente cada eslabón de “La Cadena del Sonido” (amp, cabinet, cables, jacks, pickups, instrumento, cuerdas, técnica, etc.,) Si acaso uno sólo de estos eslabones es más débil, esa será la exacta medida de la calidad de tu sonido.

8) Nunca pienses que eres tan bueno como para no tener nada más que aprender de las experiencias o de las personas.

9) Siempre llega a tiempo para tus reuniones, ensayos y conciertos.

10) Sé agradable, responsable, gentil, considerado, empático y solidario con tus colegas.., pero al mismo tiempo exige estos mismos valores de ellos para contigo. lOs 7 PECADOs CAPiTAlEs 1) Faltar el respeto al Pattern de Bajo al punto de hacerlo inestable e irreconocible a raíz del exceso de variaciones y ornamentos.

2) Tocar Slap o Tapping cuando el contexto no lo requiere.

3) Tocar más Popping que Thumbing cuando se acompaña con Slap.

4) No escuchar lo que los compañeros de banda están tocando.

5) Pasar más tiempo tocando desde el 12do espacio hacia arriba que desde el 12do espacio hacia abajo.

6) Tocar bajo la influencia del Alcohol, drogas, odio, furia, rabia y/o stress.

7) Pensar que tocar un instrumento “que se llama Bajo” es lo mismo que “Tocar Bajo”.

Eso sería todo por esta ocasión amigos míos.., pronto parto a tocar al NAMM 2016 en Los Ángeles para luego dedicarme a la grabación de mi segundo álbum solista “Organic Bass 2”, la vida constantemente nos va ofreciendo la maravillosa oportunidad de aprender…, así que al menos por mi parte… ¡¡Aprendiz de Bajista por siempre…!!

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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guitarra

Por maycown reichembach

ligADOS EXtrEmOS Siempre me pareció interesante la técnica de ligados por la posibilidad de dinámica que tiene, ya que otras técnicas como el alternate picking o sweep son más difícil de obtener este tipo de efecto y la posibilidad de velocidad sin necesidad de usar la púa cada vez que se ejecute una nota.

Los más populares maestros del "Legato" son Allan Holdshorth, Steve Vai, Joe Satriani.

Ellos se aventuraron a desarrollar sus propios ligados generando así un estilo muy particular. En mi caso trate de desarrollar los mios, y estes tres ejemplos que voy a demostrarles ahora reflejan un poco de eso.

El ejercicio n°1 está sobre LA menor eólico, presta atención que no todas las notas son ligadas, en la partitura podrás notar bien cuales son y donde ligar.

El ejercicio n°3 es el más dificil de los tres, ya que está en semifusas y es cromático, no hay mucho secreto, solamente tocar con el metrónomo bien lento para que salgan todas las notas claras, luego aumentar la velocidad.

Espero lo disfruten, si quieren el audio de los ejercicios solo escríbanme por mail a maycown@gmail.com

El ejercicio n°2 está en quintillos sobre Re Mixolídio con 4 aumentada, modo de la menor melódica muy utilizado en el jazz y la música moderna.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador, Orquestador y productor artístico. Guitarrista de la Quantum Orchestra y de Malopa Quasar.

Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

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Suplemento técnico | 37

bajo Por Alejandro tiscornia

iDEAS PArA SOlOS El bajo es un instrumento que acompaña: de ahí la errónea percepción (y los chistes) acerca de lo aburrido de los solos de bajo. Y es cierto: si un segmento solista fuera acompañamiento y nada más los bostezos no se harían esperar. Por eso en éste y próximos números veremos algunas ideas que pueden apliquen a sus solos. hoy: hacer cantar al bajo.

Un solo necesita, por lo general, más contenido melódico que el que serviría, por ejemplo, para acompañar una canción. Pero no por eso el bajo debe dejar de cumplir su función principal; entonces, ¿por qué no hacer las dos cosas al mismo tiempo?

Una buena forma de poner en práctica esta idea es tomar una canción y ejecutar la melodía vocal intentando, al mismo tiempo, acompañarla. El objetivo es condensar las ideas ejecutadas por varios músicos en un solo instrumento, siempre manteniendo la melodía en el plano principal. Esto probablemente los lleve a em-

plear técnicas que no usan seguido, y a encontrar nuevas formas de expresar ideas. Es un desafío, sí. Pero un desafío divertido, ¡pruébenlo!

A modo de ejemplo, y para que se diviertan un rato, los obsequio con un fragmento del arreglo de “Stairway to Heaven” que ejecuto en el segmento solista de los shows de mi banda, Malopa Quasar. No es particularmente difícil (el solo de guitarra a dos manos, no incluído aquí, sí que lo es) pero siempre saca una sonrisa al público. ¡Espero que les guste!

Alejandro Tiscornia es compositor, arreglador, productor, coach y ejecutante de bajo eléctrico.

Actualmente se desempeña como bajista del power-trío Malopa Quasar y de la Quantum Orchestra.

Por cualquier consulta, o para hablar del futuro del bajo, escribile a aleluist@gmail.com.

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guitarra

tAPPiNg hola amigos ! esta lección hablaré de una técnica muy interesante, que fue muy utilizada por el gran guitarrista Eddie Van halen, se llama ¡tapping! Por Denison Fernandes

Para tener una buena articulación con las notas y un sonido limpio, debemos prestar atención a las cuerdas que no están siendo utilizadas amortiguando y evitando que suenen junto con el Tapping. En este ejemplo tenemos la escala pentatónica de Mi menor, siendo tocada con un ritmo de semicorchea, Fíjensé que tenemos dos formas de la escala, uno para la mano que ejecuta los Hammer ons y Pull off , y otra forma de la escala en el Tapping. Empiecen tocando lentamente y poco a poco aumenten la velocidad del metrónomo. Buen estudios para todos!

Guitarrista Brasileño, estudió en la Universidad Souza Lima.

Escribió para la revista Guitar Player, además de ser uno de los referentes en guitarra rock-metal de Brasil.

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Suplemento técnico | 39

midi

miDi PArA guitArriStAS (PArtE ii) hoy en día muchos guitarristas combinan equipamiento muy diverso, desde pedales de efecto vintage y amplificadores valvulares hasta efectos programables digitales, sintetizadores y computadoras. Por josé Fuentes

Utilizando mensajes MIDI podemos controlar los distintos equipos que procesan la señal del instrumento: preamplificadores, amplificadores y efectos. En todos los casos se debe consultar en el manual la sección "MIDI implementation chart", que es donde se detalla la implementación MIDI del equipo. Para interconectar dos equipos con MIDI en primer lugar debemos conectar con un cable el MIDI OUT o MIDI THRU de un equipo al MIDI IN del otro equipo, en segundo lugar se debe configurar el canal MIDI en el controlador y en el equipo que recibirá los mensajes MIDI. El controlador puede transmitir en uno o varios de los 16 canales MIDI posibles, mientras que el receptor puede "escuchar" un canal MIDI en particular o todos los canales al mismo tiempo (modo omni).

AmPliFiCADOrEs y PrEAmPliFiCADOrEs Si cuentan con entrada MIDI, generalmente permiten guardar la configuración (canal clean/overdrive, estado del loop de efecto, reverb, etc) en presets, estos presets se cargan cuando el equipo recibe un program change en el canal MIDI correspondiente. Los presets se programan de manera sencilla, presionando los botones del equipo. Algunos preamplificadores y amplificadores también guardan en el preset los valores de parámetros como: ganancia, volumen, EQ, etc. Si no cuentan con entrada MIDI se debe utilizar un amp controller que hará de interface entre el controlador MIDI y el amplificador. El amp controller se conecta en la entrada de footswitch del amplificador. Algunos amplificadores cuentan además con entradas de control "external switching" (ejemplo: Mesa Boogie Triple Rectifier) que se pueden usar para conectar el amp controller.

DElAy Algunos delays cuentan con un botón "tap tempo" que permite ajustar la duración del delay cuando lo pisamos marcando el tiempo en negras. Usando MIDI podemos hacer lo mismo desde la pedalera controladora. Para tal fin se debe configurar en la pedalera un botón "instant access", el cual enviará mensajes control change cada vez que se lo presiona. El número de control change debe coincidir con el utilizado en el delay para el tap tempo. lOOPEr Las funciones como play, record, stop, reverse, undo, redo, se pueden controlar utilizando mensajes control change. En la pedalera controladora podemos configurar

botones instant access con el control change correspondiente a cada una de las funciones del looper. Con algunos loopers también se pueden utilizar mensajes MIDI start y MIDI stop. mODulACiOnEs Al igual que los delays, la velocidad de la modulación se puede ajustar utilizando control change como tap tempo. Se pueden sincronizar varias unidades de modulación configurando el primero en la cadena MIDI como master (el que genera la señal de clock), y las siguientes como slave.

WAH Utilizando MIDI podemos controlar un wah de rack o software. Se conecta un pedal de expresión en la pedalera controladora, se lo calibra, y se le asigna el número de control change correspondiente al wah.

DiGiTECH WHAmmy En forma similar al wah, se configura un pedal de expresión para que al moverlo transmita mensajes control change. El número de control change correspondiente a la "posición" del Whammy es el 11. Enviar control change 11 al Whammy equivale a mover el pedal. El Whammy también responde a program change, tiene 2 números de program change para cada uno de los efectos: uno para el efecto activado, y el otro para el efecto en bypass. Un detalle importante es que el Whammy no tiene MIDI OUT ni MIDI THRU, por lo tanto si usamos un conexionado MIDI daisy chain solamente podemos usar el Whammy al final de la cadena MIDI. AuDiO sWiTCHEr Cada uno de los audio loops del audio switcher se puede controlar mediante control change, si el valor del mismo es 127 activa el efecto, si es 0 pone el efecto en bypass.

AmP COnTrOllEr Similar al audio switcher, cada uno de los relays de control del amp controller se puede controlar mediante control change, si el valor del mismo es 127 activa el efecto, si es 0 pone el efecto en bypass.

Jose Fuentes es diseñador de efectos digitales y equipamiento MIDI. Contacto: www.facebook.com/maxcontrolelectronics

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guitarra

ArPEgiOS QuiNtAlES: ArPEgiOS SEmiDiSmiNuiDOS los arpegios quintales, formado por quintas, muy usados en la guitarra moderna de jazz y Fusion, por joe Diorio, jonathan kreisberg, julian lage, Allan holdsworth o Frank gambale. Por juampy juárez

Los arpegios de hoy son semidisminuidos, es decir, una triada disminuida más la séptima menor (T-3m-5°-7m). Como pertenecen al modo Locrio, el 7° modo de una escala mayor, se les puede agregar la 9m y la 6m como verán en los ejemplos. Estos arpegios son muy interesantes no solo sobre el uso obvio como es sobre acordes semidsminuidos (también llamados menores con quintas bemoles) sino sobre acordes dominantes 7no alterados(con 9M Y 13M) una 3M arriba del acorde o sobre acordes dominantes 7 alterados (con 9#, 9b,5# o 5°) un tono abajo o una 5° arriba del acorde solo para citar algunas posibilidades. El acorde semidism. es la inversión del acorde-6 con 6ta en el bajo (B -7/5b es igual a D-6/B).

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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Suplemento técnico | 41

guitarra

ArPEgiOS cON tAPPiNg: AgrEgANDO EXtENSiONES 2 En este número les voy a mostrar una manera sencilla de emplear nuevas sonoridades a una conocida técnica, como lo es el tapping aplicado a los arpegios. Por Silvio gazquez

Usar tapping para tocar arpeggios es una técnica muy usada por varios de los guitarristas llamados Shredders de finales de los 80s y también de los 90s, tales como Greg Howe, Jason Becker y especialmente Michael Romeo, de la banda de metal progresivo Symphony X. La técnica consiste básicamente de ligados ascendentes y descendentes (hammer on & pull off), tapping y saltos de cuerdas (en inglés String Skipping). También hay que tener muy en cuenta que la primer nota de cada cuerda no es pulsada con la púa en ningún momento, por lo cual creo que es la parte más difícil, porque tenemos que golpear la cuerda (de ahí viene el nombre de tap o tappping) con algo de fuerza con nuestro dedo índice para que suene limpio y prolijo. A esta técnica también le llaman tapping a dos manos o two hands tapping. En mi primer lección para ésta revista, ya vimos los arpegios básicos con tapping. Entonces, lo que quiero mostrarles en esta nota, es como podemos darle una vuelta de rosca y sacar nuevos e interesantes sonidos, tocando prácticamente lo mismo. La idea es agregar extensiones en las notas que tocaremos con tapping. Sin entrar demasiado en el campo teórico, digamos que las extensiones en los acordes o arpegios, son las notas que se encuentran arriba del intervalo de séptima, como lo

son los intervalos de novena, oncena y trecena. Entonces, veremos como tocar con una misma técnica y patrón, 3 acordes diferentes, menor 7ma (m7), mayor 7ma (maj7) y dominante (7), cada uno con un ejemplo usando extensiones.

Ej4. Ahora, vamos a agregarle 2 extensiones, una 9na (F#) y una 6ta o 13na mayor (C#). De esta forma creamos un Emaj9add6 Ej 5. El siguiente es un acorde de séptima o dominante, la estructura de este arpegio es Tónica, 3ra mayor, 5ta justa y 7ma menor. La tónica es E, entonces las notas serian: E, G#, B y D. Ej 6. Agregaremos una 9na bemol, osea que ahora tendremos un acorde E7b9, las notas serian: E, G#, B, D y F. Espero que el material y lo puedan incorporar a su propio estilo y cualquier duda o consulta no duden en enviarme un email. Hasta el próximo número y a practicar.

Silvio Gazquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, provincia de Buenos Aires. Desde el año 2008, trabaja en la compañia americana Guitarcontrol.com. Ha ganado varios concursos de guitarra en youtube y tambien cabe destacar que fue 2 veces finalista consecutivo del concurso internacional Guitar Idol, participando de la final en Londres, Inglaterra. En Julio del 2015 publicó su primer trabajo discográfico llamado "Night Sky". El disco contiene estilos variados, predominando el smooth jazz, la fusion y el rock.

Se puede escuchar en su totalidad en ésta dirección: https://silviogazquezproject1.bandcamp.com/album/night-sky

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jimi hendriX

En 1942 el mundo no era un lugar para ir de paseo, la humanidad se convulsionada con la segunda guerra mundial, al desembarco en Normandía le seguirían la batalla de midway en el océano pacífico mientras Alemania invadía rusia. Y como si todo esto no fuera suficiente, Oppenheimer lanzaba el denominado "Proyecto Y" dándole forma a la primer bomba atómica. Por rodrigo Yacciofane

En medio en este escenario, donde la raza humana parecía estar empecinada en su autodestrucción, Lucille Jeter daría a luz al primero de sus cinco hijos en el King County Hospital de Seattle, estado de Washington, Estados unidos. Un 27 de noviembre de 1942 nació Johnny Allen Hendrix, este muchacho vino al mundo no solo con el pan debajo del brazo, también cargaba un gran talento, un código en su mano izquierda que marcaria el despertar de la conciencia en toda una generación; la contraofensiva ante tanta devastación y guerra, un eléctrico mensaje de paz. Hijo de James Allen Hendrix su nombre seria cambiado por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre León Marshall Hendrix. La incertidumbre golpearía su puerta desde edad temprana, a los nueve años sus padres deciden divorciarse y el pequeño Hendrix quedaría a cargo de la única persona ante los ojos de la ley que podía criarlo con estabilidad suficiente, su abuela paterna Nora Rose Moore. Jimi empezaría a experimentar con la música con un viejo ukelele con una sola cuerda que su padre había encontrado en un garage.

desarrollando; este ambiente propició e influenció las primeras experiencias de Hendrix en los shows en vivo. Dejándose llevar por el constante en interminable ritmo del Chitlin' Circuit (nombre del circuito donde se podían presentar artistas afroamericanos en la época de la segregación), Hendrix daría un sin fin de shows tanto con los King Casuals como formando parte de grupos soporte para otros artistas como Sam Cooke, Chuck Jackson, Tommy Tucker entre otros. Estas experiencias proporcionarían a Hendrix una consistencia en su estilo con las raíces del blues.

Se traslada a Nueva York en el año 1964 y fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Fue justamente durante aquel periodo cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema Testify, sencillo que poco después se convertiría en un éxito radiofónico. Entre 1964 y 1965 comenzó para Hendrix una inter-

Fue recién a los 14 años que obtendría su primera guitarra acústica. De formación autodidacta aprendería escuchando viejas cintas de B.B. King, Elmore James, Chuck Berry y otros pilares del rock and roll como Muddy Waters. Entrando en la adolescencia, Hendrix sufriría por el fallecimiento de su madre el 2 de febrero de 1958, fue entre medio de este duelo que su padre para mitigar un poco el dolor decide regalarle a sus 16 años su primer guitarra eléctrica, una flamante Supro Ozark, una guitarra con un formato muy parecido a una Les Paul nacarada. Al principio de la década del ’60, un conflictivo Hendrix, repleto de problemas con la ley, debe optar por un tiempo de reclusión en la prisión estatal o el alistamiento militar. La segunda opción ocurrió en 1961 cuando fue enlistado en la 101st Airborne Division y enviado a Fort Campbell, en Kentucky, después de un breve adiestramiento, su pasaje en los rangos militares duró muy poco; frustrado por la rigidez del ambiente con la intención de dedicarse de lleno a la música, Jimi Hendrix decide poner punto final a su periodo bajo las armas, visitando varias veces al psicólogo del ejército declarando ser homosexual.

Una vez obtenida la baja del ejército, fijó su residencia en las cercanías de Clarksville, en Tennessee. Comenzó a mostrarse en público en 1962 con el grupo formado junto a su amigo Billy Cox, King Casuals. El grupo comenzó a presentarse en locales de la zona hasta que la formación entera decidió trasladarse a Nashville. La actividad del grupo se desarrollaba esencialmente en locales de la zona de Jefferson Street, tradicionalmente considerada el corazón de la comunidad afroamericana de Nashville y conocida por la intensa escena Rhythm and Blues que en aquel periodo se estaba

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una versión aplastante del tema de los Troggs "Wild thing" con una de tantas improvisaciones del trío que al o largo de los shows se convertirían en marca registrada.

Para el año 1967 la Experience lanzaría "Axis: Bold as love" donde encontramos a un Hendrix mas emparentado rítmicamente con el funk por un lado y experimental por el otro, es un disco donde nos vamos a encontrar con la presencia de diferentes paneos en estéreo de las guitarras, mayor presencia de efectos de retardo, delays en reversa y modulaciones como se puede apreciar en las canciones como Up From The Skies. Pero sin dudas de las canciones más representativas del disco podemos considerar "Spanish Castle Magic" y las baladas "Little wing" y "Castles Made of Sand".

El éxito de la banda era cada vez más grande y los shows aumentan cada vez más así como también el consumo de sustancias por parte de Hendrix que sería arrestado en Estocolmo luego de destrozar la habitación de un hotel en una rabieta ocasionada por el consumo de alcohol y drogas. Ya para el año 1968, la relación entre el Productor Chas Chandler y Jimi Hendrix no era la mejor. Los hábitos adquiridos de la gira, el consumo en exceso de drogas y alcohol y la actitud errática por momentos de Hendrix, los constantes desencuentros, las interminables zapadas con distintos músicos en el estudio y la falta de un esquema de trabajo que Chandler exigía para realizar las sesiones, derivaron en un quiebre de la relación no solo con Chandler si no con el bajista Noel Reeding, que desesperado por el ritmo desquiciado de Hendrix decide bajarse del proyecto poniendo fin a la Experience.

minable serie de idas y vueltas desde una agrupación a la otra: en Nashville dejó a los Isley Brothers para sumarse como guitarrista al grupo de Gorgeous George Odell; llegado a Atlanta formó parte de los Upsetters, entonces grupo soporte de Little Richard donde también militaba el célebre baterista Earl Palmer legendario baterista de sesión que participo en innumerables grabaciones que marcaron la época. Si bien Little Richard era uno de los ídolos de Hendrix por aquel entonces, los chispazos no tardaron en llegar entre ellos ya que Richard miraba con recelo el dominio expresivo escénico que dominaba Hendrix. Richard buscaba controversias para intentar aplacar a un Hendrix encendido y los conflictos por cualquier estupidez entre ambos se incrementaban cada vez más. Un sofocado Hendrix se tomo un respiro de los Upsetters tomando el trabajo para acompañar a Ike y Tyna Turner en su gira, pero como quien se tropieza dos veces con el mismo obstáculo, las acaloradas actuaciones del guitarrista en el escenario terminarían por opacar al dúo en vivo quien decide devolverlo a la banda de Richard, que aprovechando un descuido, despide a Hendrix de los Upsetters por perder el micro de la banda con destino a un show en Washington D.C. 1966 es el año de la experiencia luego de pequeños fogonazos dentro de diversos proyectos como banda neoyorquina Curtis Knight and the Squires o su paso por Bobby Taylor & the Vancouvers en 1965. Hendrix tendría su primer prototipo de banda para ese año: "Jimmy James and the Blue Flames" una formación donde rotaban distintos músicos que Hendrix conocía de la tienda Mannys Music en la vieja manzana y de diversas experiencias con la marihuana y el LSD. No paso mucho tiempo más para que Hendrix y su nuevo grupo llamaran fácilmente la atención de una Nueva York todavía en el letargo a comparación la revolución cultural y popular que se estaba gestando sobre la costa Oeste. Y en una de sus tantas apariciones en el Cheetah Club Chas Chandler quedo vislumbrado con su estilo y sería el encargado de mezclar la pólvora para darle mecha a una de las municiones pesadas de la libertad artística y la cultura popular de mediados de los sesenta "The Jimi Hendrix Experience".

A pesar de todos estos sucesos adversos, el ambiente caótico parece propenso para un disco donde zapadas como "1983... (A Merman I Should Turn To Be)" conviven con canciones como "Crosstown Traffic" o "Gypsy Eyes". Hay espacio también para genialidades como "Voodoo Child (Slight Return)" y todo el mundo seria testigo de cómo Hendrix convertiría un tema de Bob Dylan en una autentica gema con su version de "All Along The Watchtower" . Luego de desconar cabezas en el festival de Woodstock con su fabulosa versión del Himno estadounidense, Hendrix consolidaría su última formación con su viejo amigo Billy Cox en el bajo y el gran Buddy Miles en la batería. El disco del proyecto se gestaría con el nombre " Band of Gypsys" en tributo al guitarrista de jazz Django Reinhardt. El disco homónimo vio la luz en las bateas en 1970 con material extraído del concierto de Filmore East se destaca la pieza conocida como " Machine Gun" una performance de 12 minutos que testifican la genialidad y el manejo de climas por parte de Hendrix, también se incluyen canciones de Buddy Miles como Them changes. Con este rejunte de material Hendrix demostraba que podía trascender su propia historia pero el destino siempre tiene otros planes. El 18 de septiembre de 1970, en Londres (Inglaterra), a los 27 años, James Marshall Hendrix falleció debido a una mezcla de somníferos y alcohol y más allá de toda conjetura que se pueda sostener sobre su desaparición física, su legado todavía está latente y se enciende con cada persona que elije una guitarra eléctrica para atravesar el camino del rock and roll.

La formación quedo consagrada por dos ingleses, el primero fue un guitarrista de sesión Noel Reeding , devenido a bajista por razones más que obvias, y el ecléctico baterista Mtch MItchelle. La dupla Reeding-Mitchelle generaban una simbiosis perfecta entre sus cortes y apoyaturas y a las desgarradas melodías de la inconfundible Strato Blanca de Jimi, una conexión totalmente natural que se trasladaría a los escenarios para deleite de todos. Chandler había dado en el clavo. Ya desde su opera Prima " Are You Experience? la Banda se despachaba con un clásico tras de otro y un sonido que marcaria una tendencia. Temas como " Love or confusion" el inconfundible shuffle de " Manic Depression" o la mítica versión de "Hey Joe". Acorde pasaban los shows la consistencia del trío era cada vez más acentuada, encontrarse dentro de un recital de la Experience era como estar dentro de una caja de pandora, la prueba más fehaciente de esto es su presentación en el mítico festival de Monterrey Pop donde la afición quedaría patas arribas con la obertura elegida por Hendrix como puntapié inicial,

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