Guitarristas y Bajistas Magazine #46

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENtrEViStA A MAriANO DOMíNguEz - Página 08 yAMAhA trBX 505 - Página 12 MArShAll 1974X - Página 14 EXPOMuSiC SAN PABlO BrASil - Página 15 ENtrEViStA A fEliPE ANDrEOli - Página 16 ENtrEViStA A EStElArES - Página 22 fAMuSiC BOutiquE - Página 28 COrt MBC1 (MAtt BEllAMy SigNAturE) - Página 29 WAShBurN hiStOry - Página 30 DEAN VENDEttA SEriES - Página 32 CAliBrANDO Mi guitArrA - Página 34 liNE 6 M13 StOMPBOX MODElEr guitAr - Página 44 jiMMy PAgE - Página 46

SuPlEMENtO tÉCNiCO fErNANDO PArEtA - Página 35 igOr SAAVEDrA - Página 36 MAyCOWN rEiChEMBACh - Página 37 AlEjANDrO tiSCOrNiA - Página 38 DENiSON fErNANDES - Página 39 jOSÉ fuENtES - Página 40 juAMPy juÁrEz - Página 41 SilViO gAzquEz - Página 42

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Editor Responsable florencia Pérez del Valle Director del Suplemento Técnico Maycown reichembach Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Fernando Pareta Igor Saavedra Maycown Reichembach Alejandro Tiscornia Deninson Fernandes Juampy Juárez Silvio Gazquez Juan Fuentes

04 | Editorial

Año 9º - Nº 46 | Octubre 2015 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

impreso en Cogtal - rivadavia 755, C.A.B.A. todos los registros en trámite | iSSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A interior del país: D.i.S.A., luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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ARRANCÓ ROCK DEL PAÍS

NUEVO REPRESENTANTE DE MARSHALL AMPS

Llegó el programa donde van a poder conocer a los nuevos artistas de toda la Argentina.

Sábados a las 22 por TN. De la mano de Bebe Contepomi y Eleonora Pérez Caressi descubriendo nuevos talentos de todos los géneros. Desde el CC Munro, en Vicente López,

Nuestros amigos de Tevelam SRL, actualemente son los nuevos representantes en Argentina de los míticos y afamados amplificadores Marshall y nos informan que ya están ingresando al país muchísimos productos de la marca y estarán disponibles en todas las tiendas de Argentina. Les deseamos mucha suerte en este nuevo emprendimiento a todo el staff de Tevelam SRL. un asombroso y profesional lugar donde se lleva a cabo ROCK DEL PAÍS, estará presente LEGEND haciendo vibrar el suelo argentino durante todo el certamen. LEGEND una vez más apoyando e incentivando a las nuevas generaciones de artistas que provienen de todos los rincones de nuestro país. Una marca totalmente autóctona y nacional empujando a los más jóvenes a consagrarse en el mundo de la música. No te pierdas ROCK DEL PAIS y mira hoy a los artistas de mañana!

Además se hizo presente el CEO de Tevelam, Hugo L. Martellotta representando exclusivamente a la consagrada marca LEGEND, la cual participó de esta jornada a puro rock.

Además, participaron Alín y Le Brush, ambos artistas seleccionados por Hilda Lizarazu, Juanse y Marcelo Moura para seguir en el show. También estuvieron 9 menos cuarto, El extraño mundo de Fede, Panceta y los Papas Fritas y Ladrones de oxígeno. Estas últimas cuatro bandas quedaron en el camino.

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Novedades | 05

QUANTUM ORCHESTRA La Quantum Orchestra presentará el próximo 11 de diciembre a las 21 hs en el Teatro Caras y Caretas, el estreno mundial de la Primer Sinfonía de Maycown Reichembach, llamada "Los 7 Elementos" , donde se representará musicalmente a los 7 centros energéticos que tiene el ser humano, o sea los chakras, en cada uno de los 7 movimientos que contiene la Sinfonía. La Quantum Orchestra tiene un carácter conceptual y vanguardista, siendo la primer orquesta estable en su género. Es dirigida por el eximio maestro Lucio Bruno Videla, destacado director en Austria y E.E.UU.

La sinfonía tiene una instrumentación y orquestación acústica, eléctrica y al mismo tiempo experimental. Los 22 instrumentistas de la Quantum, recrearán los estados físicos, mentales y espirituales; Intentando llegar el estado de la "Iluminación". La Orquesta ha realizado el pasado 2 de Mayo el estreno mundial de "Awakening The Spirit Suite" que culminó en la grabación del DVD editado en el mes Octubre por EPSA MUSIC. Maycown Reichembach es un Guitarrista y Compositor de trayectoria internacional, que ha compartido escenario con músicos como Greg Howe (Guitarrista de Michael Jackson) , Kiko Loureiro (Guitarrista de Megadeth), Guinga, Orquesta estable del Colón, entre muchos referentes mundiales. como también ha realizado giras por varias partes del mundo.

NUEVA gUiTARRA CORT MBC1, MATT BELLAMy SigNATURE Matt Bellamy, vocalista y guitarrista principal de la banda de rock británica MUSE, reconocido como uno de los mejores guitarristas de su generación, ya tiene su guitarra ¨signature¨ diseñada por CORT y Manson Guitar Works, la cual arribará próximamente a la Argentina.

Esta guitarra se basa en la serie MB1-S, tiene terminación en negro mate e incorpora un mástil de arce delgado con diapasón de palisandro, cuerpo de tilo, humbucker en el puente diseñado especialmente por Manson, y pickup single-coil en el mástil . El botón KILL permite más efectos para ser creados por el músico. Este modelo de CORT incorpora diseño y componentes custom a un precio increíble en el mercado. Además el diseño del clavijero presenta la firma de Bellamy, ideal para fanáticos de MUSE. www.famamusicgroup.com/ar www.cortguitars.com/mbc1

06 | Novedades

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Mariano DoMínguez

Cómo es que comienza tu gusto por la música?

Mi papá tocaba la guitarra y cantaba en grupos de folklore, lo hacía de hobby, ensayaban en casa, pero yo era muy chico y no recuerdo mucho, creo que lo que me influenció más fue mi hermano (cinco años más grande que yo), quien comenzó tocando la guitarra y después siguió con el saxo. Hasta que en un momento dado se me dio por hacer música. Y al margen, tengo que decir que primero quería ser escritor, ya desde muy chico escribía cuentos y poesías. y lo primero que quisiste tocar fue el bajo?

No, lo primero que quise tocar fue la batería, pero mi hermano tocaba el saxo, y que practique en casa ya era un poco molesto para mis padres, además él era muy estudioso así que estaba todo el día... imaginate si yo decidía estudiar batería en casa...nos echaban!! (risas) Una de las cosas que escuchaba de chico era The police, escuchar a Steward Copeland, me hacía dar muchas ganas de tocar, pero bueno no avancé por ese camino. A los quince me gustaba bastante la música nacional, Spinetta, Charly, Fito. Y un día, escuchando Ey! de Fito Páez, me empezó a llamar la atención el bajo, claro, el que tocaba era Guillermo Vadalá. Hasta que una vez nos fuimos de vacaciones con mi hermano y un amigo suyo que tocaba la guitarra, y entre charlas le comenté esto de que quería estudiar bajo, él me conto que había ido a la secundaria con Vadalá, y me propone darme clases de guitarra para comenzar, como para introducirme en la música, y para que luego vaya a estudiar bajo. Así que eso hice

08 | Entrevista a Mariano Domínguez

Nació en Buenos Aires, en diciembre de 1974, Mariano es actual bajista de Calamaro e illya Kuryaki. grabó con Diego torres, iván Noble, juana Molina, Calle 13 y fito Páez. fue parte del proyecto musical mundial ¨Playing for change¨. Por Daiana Bejarano

por dos años, después me pasó el teléfono de Guillermo, quien pasó a ser mi primer profesor de bajo.

Lo mejor de ir sus clases era que me volvía a casa con unas ganas terribles de tocar, por ósmosis me transmitía algo diferente.

Seguiste estudiando con alguien luego de comenzar con Vadalá?

Si, luego empecé a ir al conservatorio de música, al sindicato, ahí daba clases Carlos Madariaga quien había sido el profe de Vadalá justamente, de paso estudiaba armonía, ensamble, etc. Estuve dos o tres años hasta que se fue Carlos, volví a lo de Guille, pero en cierto momento me dijo que de teoría no me podía pasar mucho más, y que era hora de experimentar, de tocar con gente, de encontrarme a mí mismo. En ese entonces tenía 19 años, y le hice caso.

Contame un poco sobre la historia de tus bajos Al primer bajo me lo regalaron mis viejos, fuimos a una casa de música por Talcahuano y lo elegí yo, sin saber nada, era un Gibson SG de los 70´ color bordó, escala corta. Me acuerdo que en un momento dado le cambié el puente, por un Schaller dorado, y me di cuenta que era el peor error que había cometido, pero bueno mas allá de eso el bajo era increíble. Luego lo cambié por un Musicman Sabre, que me lo robaron, sino creo que lo tendría hasta el día de hoy. El robo fue en la casa de un amigo, que tenía asegurado hasta lo que hubiese en el interior, así que declararon mi bajo con las pertenencias y me entregaron lo que valía, que eran

1500 dólares, y con ese dinero luego me compre un Jazz Bass. (imaginate si hoy valieran 1500 dolares!!).

Después tuve un Fender Jazz Bass del ‘68 (el mango era del ‘68 y el cuerpo tenía unos injertos rarísimos).

Y en un momento empecé a querer un Precission. Casualidad de la vida me encontré con un amigo que no veía hace años, que tenía uno, le pregunté por él, me dijo que ahí lo tenía, y que lo quería vender, así que sin pensarlo se lo compré. El Jazz Bass que yo tenía lo mande a modificar con un luthier, ya que el cuerpo que tenía no traía los mics originales y tenía un pedazo de una madera cualquiera en el medio. Le pusimos cuerpo Fender Japón, mics Fender Custom Shop edición de los ‘60, puente Badass y el mango quedó original. También tuve un Gibson Grabber que vendí más adelante. Y hoy en día tengo entonces el Precision del ‘78, el Jazz Bass del ‘78 , un Musicman Stingray del ‘94 y un Gibson Ripper del ‘76. y luego de haber podido probar una gran variedad, prefefís alguno en especial?

Prefiero los bajos con sonido viejo, no me siento cómodo con los bajos modernos, al momento de tocar al menos, con los viejos siento que requieren más de hacerlos sonar, dependen más del ejecutante, pero es una cuestión personal, no son ni mejores ni peores.

Sos endorser?

Si, de cuerdas Ernie Ball. En el Jazz Bass , en el Musicman y en el Ripper uso 045-105; y en el Precission 050-110 flat que a mi gusta cuanto más viejas están,

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mejor suenan. Y no me gusta mucho tener la acción del bajo demasiado baja, prefiero que las cuerdas estén más altas.

Que set usas para tocar?

Depende con quien toque en realidad, pero te cuento mäs o menos lo que tengo: Un cabezal Ashdown AMB 900 y una caja 8 x 10”, no es el mejor, pero me gusta, y cuando puedo pedir elijo Ampeg SVT Classic valvular, que no tiene ecualizador gráfico, ni nada, y también probé unos Aguilar que me gustaron mucho. También tengo un combo BT-100 que es divino. El sonido me gusta mucho más que el del Ashdown pero en vivo no rinde por el volumen. Para grabar o para lugares chicos va con todo. Tengo unos pedales, un afinador, un octavador de MXR, un Q Tron de Electro Harmonix, tengo uno que se llama Bass Synth de Electro Harmonix, un preamplificador Tone Hammer de Aguilar, una distorsión de Electro Harmonix que se llama Bass Big Muff, un Bassdrive de Fulltone y una disto Fab Tone de Danelectro. En cuanto a bajos, con Andrés usé mucho el Ripper y el Precission, aunque el Jazz Bass también lo uso a veces. Y con IKV el Jazz Bass principalmente y a veces el Precission. El Musicman lo compré hace poco así que aún no lo estrené en vivo, pero con los IKV seguro lo voy a usar bastante.

Si te pregunto un top five de bajistas, a quienes me nombras?

Qué difícil! No podría elegir el orden pero si podría nombrarte a James Jamerson, Paul McCartney, Bootsy Collins, Larry Graham, Aston "Family Man" Barrett.

En que te gustaría perfeccionarte?

Siempre sentí que me falta un poco de nivel armónicomelódico, lo cual se enriquece tocando jazz, pero nunca pude meterme demasiado en el género. Me encanta, escucho, pero nunca fui muy estudioso como para sentarme tantas horas a practicar. Prefiero tocar canciones y funk, groove, fluir. Así que es una cuenta pendiente. Creo que cada cosa llega sola, ya llegará el momento.

Bajistas contemporáneos que me quieras nombrar.

Para mi Guille Vadalá es un número uno, a nivel mundial eh!! Pocas veces vi algo igual. Fue mi influencia, mi profesor, lo respeto muchísimo. También está Pedro Aznar, otro increíble bajista y Javier Malosetti. Por otro lado, hay muchos bajistas jóvenes ahora que se tocan todo, por ejemplo Matías Méndez y Andrés Pelican, son dos de los mejores, sin dudas.

Hablemos ahora sobre tus bandas La primer banda donde toqué, con la cual salimos bastante se llamaba ¨Is dead¨ era en la época de Living Colour en los 90´ y hacíamos ese estilo, yo tenía 18 años más o menos, mis compañeros tenían 30, así que aprendía bastante de ellos, era un trío de batería, bajo y guitarra. El guitarrista era el musicalizador de la Heavy Rock and Pop así que teníamos la suerte de que nos hiciera sonar en la radio. Después comencé a tocar con Juana Molina, ella empezaba a dedicarse a la música profesionalmente, era actriz, tenía su programa ¨Juana y sus hermanas¨, una serie cómica, ella es muy graciosa por naturaleza y súper talentosa para la música.

Hacíamos temas de ella. Era amiga de Santaolalla, así que él fue que quien produjo el primer disco, el cual grabamos en Los Ángeles. Luego comencé a tener un par de bandas mías, una de ellas fue Mulam, grabamos un disco llamado ¨Como los niños viven¨ hasta que pasó lo de Cromagnon y bueno, todo el tema de los shows en vivo se detuvo. Después nos separamos. Estuve tocando con Lisandro Aristimuño, un año, grabé en un par de sus discos además de los shows en vivo.

Más adelante llegó Emmanuel Horvilleur, y paralelamente tuve la suerte de viajar por el mundo con Juana.

Cuando vuelve Illya Kuryaki, Emma me dice para tocar con ellos, grabamos el disco, y tocamos mucho. Luego como bajista estuvo un tiempo Francisco Fattoruso (gran bajista) y ahora nuevamente estoy acompañándolos. Actualmente estamos grabando un nuevo trabajo. Con Andrés Calamaro, estamos hace 3 años.

Grabé en el disco Bohemio, en un DVD y en el disco en vivo que salieron de las giras. Ahora estamos en un

impasse a la espera de algún disco o gira nueva.

Cómo es que llegas a tocar con illya Kuryaki ?

A Emma lo conozco desde la secundaria, hablábamos mucho de música, íbamos siempre a un boliche de funk que se llamaba ¨El Codo¨, donde Nico Cota pasaba música, entonces siempre íbamos con Dante, Emma, etc. Para esa época yo había armado una banda con Sergio Verdineli que era baterista de IKV, y ahí me cuenta que el bajista se va (Fernando Nale) así que me fui a probar y ellos me llaman al otro día para decirme que quedé en la banda, que me prepare, que tenga al pasaporte al día, porque se venía una gira por Estados Unidos, a lo que yo les digo que bueno pero que cuando regresaba mi prioridad iba a ser mi banda(estaba empezando a armar MULAM , yo no era consciente como verás, y como ellos necesitaban realmente alguien tiempo completo, les dije que no (risas), ahí es cuando entra Fran Fattoruso. Pero las vueltas de la vida me llevo a estar en la banda de Emma solista como 7 u 8 años y cuando volvieron los IKV el me llevó a la banda. y con Andrés Calamaro?

A Andrés yo no lo conocía, él vivía en España, y Guido Nisensson, quien era operador de monitores y técnico de grabación es amigo mío , así que me llamó para probar, también llamó a Sergio Verdineli en batería (ambos estábamos tocando con IKV). A Andrés le gustó lo que vio y quedamos. En la banda están también Baltazar Comotto, Julián Kanevsky en guitarras, y Germán Widemer en teclado. Es muy agradable tocar con Andrés, nos da mucha libertad de ser quienes somos, no nos dirige ni siquiera hacia donde tenemos que ir, nos da mucha confianza, respeta mucho el rol de cada uno, se nutre de los músicos que lo acompañan, para darle personalidad a la banda. Tenemos una muy buena relación con el dentro y fuera del escenario. Es generoso y cariñoso con nosotros. Es un lujo estar en su banda.

Tenés una banda propia, hablanos de ella Bueno en mi banda además de componer, música y letra, toco la guitarra, canto y toco el bajo, en la banda están los mismos músicos con quienes tocábamos en Mulam, ellos son: Diego Lopez de Arcaute en batería, Javier Mattano en guitarra, bajo, teclado y coros; y Juan De Benedictis en guitarra y coros. Recientemente se sumó Ariel Polenta en teclados. El disco anterior lo saqué en el 2010 se llama ¨El mundo de la ilusión¨ , y el nuevo disco es titulado ¨El salto¨, el cual está en proceso para salir muy pronto. Ya estamos tocando bastante a modo de mostrar adelantos.

Cuál es tu próximo objetivo?

Realmente no tengo mucha cabeza para planear tanto, es la verdad. Tampoco siento un impulso muy fuerte para avanzar en mi carrera solista. Lo que deseo ahora en este preciso momento es terminar, editar el disco y salir a tocar. Pero lo tomo muy tranquilo y voy viendo como se dan las cosas entre las bandas con las que estoy, el tiempo libre que eso me deja y mi proyecto solista. Aparte de eso tengo una familia y otras cosas a las que me gusta dedicarle tiempo. En general las cosas en la vida se van dando solas y hasta ahora vienen bien así gracias a Dios. Así que seguiremos viendo a donde nos lleva esto!

10 | Entrevista a Mariano Domínguez

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YaMaha TrBX 505

Por eso, Yamaha tiene una reputación de entregarnos de instrumentos de calidad a precios razonables, y su nuevo bajo, el TRBX 505 de 5 cuerdas de precio económico es un ejemplo perfecto.

El bajo Yamaha TRBX505 construido Indonesia sigue la forma de muchos instrumentos de estilo boutique con su diseño ergonómico, diapasón de 24 trastes y el mástil de láminas múltiples. Los dos humbuckers alnico V emiten una vibración de alta gama y están posicionados para una toma más agresiva en el tono de J-Bass. En el bajo Yamaha TRBX505 el ecualizador de 3 bandas le da las herramientas para una amplia gama de estilos, y el interruptor de derivación pasiva le da acceso al tono crudo de los micrófonos cuando sea necesario. En el puente, espacio para la cuerda de 18 mm que es un tér-

12 | yamaha trBX 505

Desde 1966, con su primer bajo SB2 que lanzó al mercado simultáneamente con la guitarra Sg2, yamaha, una marca reconocida mundialmente ha construido muy buenos bajos eléctricos acorde al presupuesto de cada músico. la línea trBX que hoy propone yamaha no ha sido la excepción. Por g&B.ar

mino medio para la mayoría de los bajistas, con suficiente espacio para slappers.

Cuerpo de este bajo Yamaha TRBX505 es cómodo con un estilo progresivo. Con sólo pegarle un vistazo a este bajo eléctrico, ya sabés que es un buen negocio tenerlo. Un corte pronunciado en la parte inferior de su cuerpo te da un acceso limpio a los registros más altos del instrumento para los solos, mientras que el cutaway superior proporciona equilibrio (y se ve bien). El mástil de 5 piezas de maple y mahogany tiene un perfil cómodo y rápido de tocar.

Los micrófonos humbucking entregan tono bien grave. Yamaha ha puesto en el bajo Yamaha TRBX505 un par de micrófonos H5 humbucking de diseño personalizado. Estos imanes de alnico proporcionan un tono abierto y grande sin ningún zumbido. Comienza con un

interruptor activo / pasivo seguido de un ecualizador de 3 bandas, un control de balance y volumen. El ecualizador te permite esculpir el tono perfecto para conciertos en vivo y sesiones de estudio. No importa qué tipo de sonido necesites, el bajo de 5 cuerdas Yamaha TRBX505 puede llegar hasta allí en cuestión de segundos.

CARACTERÍSTiCAS Largo de 34 '' (836.6mm) Mástil de maple y mahogany 5pc Diapasón de Rosewood Radio de 23-5 / 8 '' (600 mm) Ancho Tuerca 43mm Cuerpo de mahogany macizo Clavijas Die-cast Puente Die-cast 18mm Micrófonos HHB5n (Alnico V), HHB5b (Alnico V) Controles Master Volume, Balancer Pickup, graves, medios, agudos y el interruptor de activo-pasivo (Alerta de batería LED en la parte posterior)

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Marshall 1974X

El diseño del 1974 son similares a los del modelo 1962 "Bluesbreaker", un combo de 45 watts hecho famoso por Eric Clapton, desde la tela de rejilla de rayas gris y blanco con el logo Marshall oro. Por eso adoptó ese sobrenombre, una distinción que gana por su aspecto y el tono estelar. El 1974X es una fiel reproducción del original 1974. Cuenta con el mismo circuito construido alrededor de dos válvulas EL84, tres válvulas de pre ECC83 y un tubo rectificador EZ81. El amplificador tiene dos canales, cada uno de los cuales tiene dos entradas, un control de tono y control de volumen. Un canal incluye un circuito de tremolo con controles de velocidad y de intensidad correspondientes.

El 1974X se construye con salida y de red transformadores Dagnall ajustado para las mismas especificaciones que los transformadores originales, un circuito tagboard punto a punto por cable, al igual que la versión de los años sesenta. Cabe destacar que todos los cables están soldados a mano como se hacía en esa época. El transformador de potencia, así como el transformador de salida elegido (el último eslabón entre

14 | Marshall 1974X

fabricado entre 1966-1968, el modelo 1974 (1974 es el número de modelo, no el año que se hizo) fue un combo con un parlante de 12” y 18W de potencia con trémolo. Muchos se refieren cariñosamente a este modelo como el "Mini Bluesbreaker", proporcionando la actitud clásica Marshall y gruñido agresivo, pero en menor volumen, por supuesto. Por g&B.ar

los tubos de salida y el parlante) tienen un tremendo impacto en el tono general y la sensación del amplificador. En el momento del modelo original, que fue producido entre 1966 y 1968, los transformadores utilizados eran unidades off-the-shelf proporcionados por un proveedor de componentes electrónicos en general.

Dagnall, uno de los principales proveedores de

Marshall de los transformadores de hoy, pasó gran parte del tiempo con ingenieros de Marshall en el estudio y análisis de los métodos de construcción y materiales utilizados en los dos transformadores de modo que pudieran ser igualada tan de cerca como sea posible y, por tanto, realizan de forma idéntica a los originales. La otra área crítica para cualquier diseño del un amplificador es el parlante que se utiliza. En el caso del 1974X, el equipo de Marshall examinó y escuchó muchos parlantes de 20 watts como se usaba en el combo inicial. A continuación, se seleccionó un parlante para imitar y luego pidieron a Celestion que vuelvan al diseño inicial del original. Celestion investigó las propiedades magnéticas y cono de este parlante.

El amplificador está alojado en un gabinete de abedul Báltico libre de huecos con el vinilo y el oro igual que el original. El panel superior es un tipo "Plexi", con material de tela tipo de parlante. La tela es un poco diferente de la original en el material, ya que no tiene ninguna de la composición de caucho (al parecer no pasaría códigos de seguridad eléctrica), pero por lo demás tiene el aspecto correcto. Todo aquel guitarrista que desee un sonido Vintage,

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eXpoMusic san paBlo - Brasil

Nos encontramos en la Expo Music de San Pablo, Brasil con un stand de Argentina, destinado a promover las empresas fabricantes del rubro de origen nacional, Valeria Mirelli, funcionario destinada por cancillería nos cuenta en esta nota de que se trata y como poder participar.

los expositores argentinos convocados en la Expomusic San Pablo 2015 Existe dentro de la Cancillería Argentina la Dirección de Promoción de Exportaciones dedicada a apoyar a las empresas nacionales y a promover las exportaciones a traves de la participación en distintas actividades tales como las ferias internacionales. Los ejes de la política de promoción de exportaciones de la Cancillería comprenden la diversificación en términos de destinos, orígenes y productos de exportación. En materia de destinos, se busca consolidar las exportaciones con los socios comerciales tradicionales y al mismo tiempo contribuir a la apertura de nuevos mercados. En términos de productos, el desafío no es distinto: se trabaja para diversificar la oferta exportable argentina en bienes y servicios, poniendo énfasis en los productos con mayor valor agregado en origen y con mayor contenido de tecnología local para impulsar la demanda de empleo en el país. Esto no solo ayudaría a la industria nacional sino también el ingreso de divisas al país. Por primera vez Argentina participó en Expomusic, lo cual brindó a los fabricantes argentinos de instrumentos musicales y accesorios la experiencia de poder realmente comprobar que sus productos son competitivos en ese mercado. Teniendo presencia en

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la feria también pudieron conseguir acuerdos de distribución, de representación y/o franquicias. Dentro de nuestro portal www.argentinatradenet.gov.ar las empresas interesadas podrán encontrar nuestro plan de acción anual, asi como también las convocatorias abiertas y públicas de las ferias internacionales que se realizan. Asimismo, regitrándose como usuario tendrán acceso al siguiente material: oportunidades comerciales, informes de mercados, directorio de importadores y exportadores, entre otros. El apoyo que brinda el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto se basa en subvencionar la participación de firmas Argentinas mediante el alquiler del espacio dentro de la feria, la construcción del stand nacional, además de brindarles información de mercado y contactos con contrapartes potencialemtne interesadas.

Historicamente se ha participado de las siguientes ferias: Lamc, Fimm, Bime, Circulart. En enero de 2015 se desarrolló en Anaheim, California, la feria NAMM “NATIONAL ASSOCIATION OF MUSIC MERCHANTS”, Cancillería participó por primera vez, en esa ocación estuvieron 10 empresas argentinas, entre

ellas MEDINA ARTIGAS, KWC y DB DRUMS. En Expomusic estuvieron también: DS PICKUPS, DEDALO, MAGMA, STAGEFIX, HARMONIC STOP, ORUGA, MADEINGROOVE y LEGEND. La Fundación Exportar, dependiente de este ministerio, brinda los siguientes servicios: capacitaciones al nuevo exportador, información de mercado, agenda de negocios en el exterior y rondas internacionales de negocios en Buenos Aires, entre otros. Los requisitos de participación son, que sean empresas argentinas y que sus productos sean de industria nacional. Lo que sigue es mantener la continuidad de participación en NAMM y Expomusic a fin de seguir afianzando los productos argentinos en dichos mercados. Esto permite a las empresas Argentinas consolidar su presencia y seguir haciendo negocios.

Programa de Promoción de Exportaciones de Software e Industrias Creativas (PCREA).

Subsecretaría de Desarrollo de Inversiones y Promoción Comercial.

Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.

EXPOMuSiC San Pablo - Brasil | 15

foto: Paula Mordente

Felipe anDreoli

Nacido en São Paulo, Brasil el 7 de marzo de 1980, felipe Andreoli es el bajista de Angra y es considerado el principal difusor de la técnica de pizzicato con tres dedos en su país. Durante un año escribió una columna acerca de la técnica, "Senderos de Metal" en la revista Bass Cover y es un colaborador de g&B. Por Maycown reichembach

A qué edad comenzaste en la música, como fueron tus comienzos?

Comencé a tocar guitarra acústica al rededor de los 10 años, por influencia de un gran amigo y su padre, que era compositor de jingles muy famoso aquí en Brasil. Mi interés por la música fue inmediato, y luego empecé a tomar clases. El bajo y yo nos encontramos por casualidad, porque había una banda que se estaba armando en mi escuela cuando yo tenía 13 años, y ellos necesitaban de un bajista. Como yo tocaba guitarra acústica, ellos me sugirieron que comprara un bajo e comenzara a tocar junto a ellos. En una semana y media hice el primer show de mi vida, tocando y cantando! desde ese entonces nunca más pare.

Quiénes eran tus referentes musicales al comienzo de tu carrera? y cuáles son tus influencias actuales?

Mis referencias musicales venían principalmente de mis padres, que tenían en casa todo tipo de rock progresivo como Genesis, Yes, Emerson, Lake and Palmer, y también cosas más Pop como Tears for Fears,

16 | Entrevista a felipe Andreoli

Michael Jackson, etc. Tuve mucha suerte por ser expuesto a música de calidad desde muy chico, y son influencias que llego hasta ahora. Cuando empecé a escuchar más metal, fui fanatico de Matallica, Megadeth, Pantera, Malmsteen, y más tarde de bandas como Dream Theater y Meshuggah. Paralelamente escuchaba mucha fusión y música instrumental de Chick Corea, Tribal Tech, Weather Report, Victor Wooten, Marcus Miller, Alain Caron y trabajando más el lado de improvisación y groove.

Cual fue la sensación de ser convocado para la nueva formación de la banda ANgRA? Fue increíble, paso un tiempo hasta que pude entender donde me estaba metiendo, porque ANGRA es una banda que representa mucho a la música Brasileña, y en especial al metal por todo el mundo. Las cosas empezaron a quedar claras cuando fuimos a grabar el álbum "Rebirth" en Alemania, mi primer viaje para afuera de América del Sur, y pude darme cuenta del tamaño de la estructura necesaria para hacer que una banda de este porte se mueva.

Cuéntanos como fue tocar en el Rock in Rio junto a ANgRA para 100.000 personas?

Tocamos en el Rock in Rio en 2011 y ahora este año.

La primer vez fue muy bueno, pero tuvimos problemas y nos sacó un poco el brillo a nuestra performance. Pero este año pudimos sentir la energía alucinante de cien mil personas, un verdadero mar de gente, cantando con nosotros y vibrando a cada acorde. Si lugar a dudas fue un acontecimiento muy importante para todos nosotros, creo que fue el mejor show de nuestras vidas.

La experiencia de viajar por el mundo te trae muchas oportunidades y sorpresas, cuéntanos alguna historia que viviste en una gira mundial.

Lo que más me gusta es ser expuesto a diferentes culturas y maneras de ver el mundo. Es muy positivo y gratificante hacer amigos por todo el mundo. Tuvimos la oportunidad de visitar lugares increíbles, comer comidas exóticas, y compartir con personas fantásticas, que es una de las cosas que te puede dar una banda de fama internacional. Pero también

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existen cosas insólitas. Una vez en Ecuador estábamos tocando en un teatro y los tickets estaban agotados. Del lado de afuera, las personas intentaban entrar al teatro para ver el show, y la policía montada intentaba contener a la multitud. Dentro del teatro el show ocurría normalmente y no sabíamos que estaba sucediendo. En un momento empezamos a ver personas desmayándose, tosiendo y llorando y nosotros también empezamos a sentirnos mal. Al comienzo no teníamos idea que estaba pasando, hasta que nos contaron que la policía había tirando gas lacrimógeno por todo el lugar y termino entrando el gas en el teatro. Tuvimos que parar el show por algunos minutos para que el gas se disperse y seguimos normalmente.

Muchas empresas musicales necesitan tener a músicos referentes, que colocan su rostro para sus marcas, cuéntanos cuales son las empresas que te apoyan actualmente.

Soy muy afortunado de tener el apoyo incondicional de mis auspiciantes. Actualmente utilizo bajos Condor, cuerdas NIG, cables y accesorios D´Addario y Planet Waves, Amplificadores y preboard Epifani y pedales NIG, Fire, Darkglass Electronics y Zoom, auriculares in-ear XtremeEars y capcase.

Tienes un bajo con tu firma, cuales son las principales características?

Todos los instrumentos que utilizo fueron hecho por el luthier Rodrigo de Freitas, que trabaja en la Condor. Estos poseen cuerpo de Mogno, que tiene mucho equilibrio entre las frecuencias y graves presentes pero muy equilibrados, mastil de maple y trastera de Jacarandá Brasileño. El hardware es todo hipshot, los mic Aero y el pre amplificador Epifani. Son Bajos extremadamente versátiles que me permiten tocar cualquier estilo, además de ser muy confortables y no muy pesados.

Cuéntame sobre el último álbum de ANgRA "Secret garden" donde fue grabado? Quién fue el productor?

El álbum fue casi todo grabado en Suecia, en los estudios de nuestro productor Jens Borgren. Hicimos algunos overdubs, solos, coros y percusión también en Brasil. La pre-producción fue realizada por nuestro amigo Roy Z aquí en Brasil. Para este disco buscábamos un abordaje más moderno y denso, con guitarras más pesadas y arreglos más directos, sin perder la naturalidad de los tonos y las características de la banda. Jens capto rápidamente la esencia de ANGRA y donde queríamos llegar, y fue fundamental para el resultado que esperábamos. Queda-

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foto: Paula Mordente

Cuantos discos ya grabaste con ANgRA y cuál es el más significativo?

En 14 años de Angra grabe cinco discos de estudio, dos DVDs y un EP. El más emblemático es Temple of Shodows, considerado por la mayoría de los fans como el mejor álbum de ANGRA. fue compuesto en un momento de mucha libertad creativa, y tiene una historia muy bien elaborada que se refleja a través de las letras. Junto a Secret Garden y Holy Land es mi disco predilecto. mos muy contentos con el disco, que es muy importante en la carrera de ANGRA en esta etapa de intensos cambios, ya que entraron a la banda el baterista Bruno Valverde y el vocalista Fabio Lione.

Cuentame sobre tus otros proyectos además de tocar en ANgRA. Estoy trabajando bastante con mi cuarteto instrumental "4action", y estamos preparando el segundo DVD. El primero fue grabado en vivo en el estudio Jungletown en San Francisco, USA. También estoy preparando el lanzamiento de disco estreno de OneArmAway, que es una banda de Trash metal que tengo con amigos aquí en Brasil. Con Kiko Loureiro Trio tocamos siempre que es posible, pero ahora

que él entro en Megadeth va ser mucho más dificil.

En paralelo he realizado workshops y producciones musicales y grabaciones para otros artistas.

Que significó para ANgRA que el baterista Bruno Valverde fuera su baterista oficial?

Bruno tiene lo mejor de los dos mundos en mi humilde opinión, porque consigue juntar el toque/groove con la velocidad del metal y la sutileza y lenguaje del fusión. En ANGRA hay composiciones que exploran mucho esos dos lados, y muchas veces en la misma música, y Bruno tiene todos los elementos a disposición con mucha naturalidad. Además es un gran amigo y profesional músico, disfrutamos mucho de su compañía en la ruta, eso es muy importante.

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foto: Celso Wolfe

Actualmente este técnica me ayuda mucho a ejecutar los temas más rápidos de ANGRA, además de ser un excelente recurso cuando improvisas, especialmente en frases con 3 dedos por cuerda, pero me llevo mucho tiempo hasta que no tuviera más dolores musculares en medio de los shows, ya que la exigencia física es muy grande para conseguir un sonido fuerte y con actitud.

Tuve la posibilidad de verte en la Expomusic de 2011 en un pocket show con tu banda instrumental 4Action, sería interesante que los guitarristas Argentinos conocieran a Roger Franco y Sydney Carvalho.

Si, por supuesto, son dos amigos queridos, músicos y personas fantásticas, cada uno a su modo.

Roger es extremadamente técnico y preciso, con timing perfecto, además de tener una personalidad muy alegre. Sydney es especialista en climas, armonías exóticas y matices diferentes. Es un gran emprendedor del medio musical, es mi principal compañero en los negocios con 4Action. Juntos conseguimos de grandes empresas brasileñas para realizar la grabación del DVD en San Francisco, que es algo inédito en Brasil, además de ellos está el baterista Alexandre Aposan, que es uno de los mejores y más respetados de Brasil.

Participaste en el proyecto solista de Rafael Bittencourt. qué diferencia existe entro el proyecto solista de Kiko Loureiro y el de Bittencourt?

Son situaciones totalmente distintas. El trabajo de Kiko es instrumental, con mucha fusión y música brasileña. El trabajo de Rafael es más volcado a la parte vocal, con arreglos más simples y otro tipo de instrumentación. Una cosa común entre ambos es que son excelentes compositores, y las canciones son llenas de melodías y armonías elaboradas, que es algo muy importante en mi opinión, ya que hace que el trabajo no sea obvio.

Cuéntame como fue la experiencia de salir en la revista Burrn! como uno de los mejores bajistas del mundo junto a Billy Sheeghan, John Myung y geddy Lee. Fue alucinante para mí ver mi nombre allí, para ser honesto, soy fanático de todos esos tipos que nombras y saber que mi trabajo está teniendo un reconocimiento similar o hasta mayor en ese caso, es muy gratificante. El público Japonés e muy especial para ANGRA, conquistar una posición tan alta allá significó mucho para mí.

Ahora que Kiko Loureiro entra en Megadeth, ANgRA buscará un guitarrista substituto?

En el show que hicimos en el Rock in Rio anunciamos que Marcelo Barbosa, guitarrista de Almah, banda en la que toque 5 años, será el substituto temporario de Kiko. Marcelo además de ser un guitarrista fenomenal, es un gran amigo, él ya ocupo este lugar de Kiko en otras ocasiones. Será difícil quedar este tiempo sin Kiko, pero tengo la certeza que Marcelo estará a su altura, para que así la banda continúe su camino.

20 | Entrevista a felipe Andreoli

Existe la posibilidad de una gira con ANgRA abriendo los show de MEgADETH? Sería increíble, especialmente para mí que soy fanático de MEGADETH. Ojalá suceda, pero creo que será improbable por el hecho de ser estilos muy diferentes. Pero quien te dice que sale un Gigantour.

Sos multi-instrumentista y productor, Cuéntame que otros instrumentos tocas.

Yo toco guitarra acústica, eléctrica, batería y un poco de teclado, además de bajo. Siempre fui curioso y en los ensayos me sentaba en la batería (en los breaks) para tocar. Y eso lo ponía loco a los bateristas, guitarra siempre toque, pero nunca actúe como guitarrista de un grupo musical, sin embargo grabe varias guitarras en el último disco de ANGRA. Para mí es muy importante que el músico sepa tocar varios instrumentos, porque te abre la cabeza para entender la perspectiva de cada integrante de la banda. Como productor entonces es fundamental entender la mecánica y particularidad de cada instrumento.

Cuéntame un poco sobre esa técnica tan especial que tienes, de pizzicato con tres dedos.

Yo empecé a estudiar esta técnica después de ver los videos de Billy Sheeghan, pero no tenía mucha idea de lo que estaba haciendo. Fue medio como un experimento de prueba y error y mejorando naturalmente hasta que de un montón de ruido, comenzó a salir cosas más limpias y precisas. Fue realmente el tiempo y la persistencia que me permitió tener la técnica de tres dedos utilizable, porque al principio parece completamente contra-intuitiva, especialmente cuando tocamos subdivisiones binarias y cuaternaria, donde el acento cae siempre en un dedo diferente.

En Argentina tenemos a muchos músicos profesionales yéndose al extranjero, huyendo de la crisis, creo que en Brasil está casi igual. Como es vivir de música en Brasil?

Si, la cosa no está nada fácil por aquí. El mercado musical se está achicando. Hoy en día la Expomusic, por ejemplo, que es nuestra mayor feria de instrumentos musicales, está solamente en la mitad del tamaño en comparación a otros años. Muchos músicos han sido obligados a buscar trabajos regulares, lo que no es nada malo, pero es sufrido para quien tiene el sueño de vivir de la música. Cuando tienes un país en crisis , la primer cosa que las personas cortan del presupuesto es el ocio y el entretenimiento, que es justamente nuestra área, así que realmente ha sido muy complicada la situación por aquí. Muchos se han mudado a USA o Europa, lo que es una pena, ya que este éxodo de talentos solo debilita nuestro mercado.

Cuales son los planes para el futuro en lo profesional y personal?

Estamos caminando para el fin de la gira mundial del último disco de ANGRA, Secret Garden, y queremos preparar un DVD acústico en 2016. Tengo también un nuevo proyecto, que no es de metal, que pretendo revelar y lanzarlo el primer semestre del próximo año. Además estoy preparando mi segundo video-clínica, pero no tengo todavía la fecha en que saldrá a la venta.

La gente de Argentina le ha gustado tus lecciones en la revista guitarristas & Bajistas.ar, deja un mensaje para todos los lectores.

Es un privilegio poder compartir un poco de lo que yo aprendí con los bajistas Argentinos! me pone feliz que les guste y espero poder visitar Argentina muy pronto. Saludos.

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foto: erica ferrer

esTelares

Víctor Bertamoni y Pali Silvera, junto a guillermo harrington, guitarrista invitado de Estelares

Cuéntennos como era la infancia de cada uno Victor Bertamoni: Mi infancia transcurrió en el barrio Pueblo Nuevo de Junín, dividiendo el tiempo entre la escuela y jugando a la pelota con amigos.

Pali Silvera: La disfruté muchísimo. Vivía a una cuadra de una plaza, así que siempre con amigos, jugando al fútbol todo el tiempo, a la hora de la siesta, visitando casa abandonadas. También recuerdo mis vacaciones en Mar del Plata, que es una ciudad que quiero mucho.

Qué música escuchaban sus padres?

Victor Bertamoni: Mi madre escuchaba bastante música en un Tocadiscos Winco que teniamos en casa, conciertos de guitarra, los melódicos de los ‘70, Atahualpa Yupanqui; el rock estaba por parte de mi tío que escuchaba a John Lennon, Deep Purple, mis abuelos escuchaban tango y todo lo que en la mañana pasaba la radio AM. Pali Silvera: Mi padre canta tango. Incluso ha tenido algunos shows con Eduardo (tecladista de Estelares). Así que en casa siempre se escuchó tango, tengo muy incorporado su fraseo, sus letras. También recuerdo que había vinilos de Julio Iglesias, Nicola Di Bari, Sandro que se escuchaban los sábados por la mañana. Recuerdo a mi abuelo silbando algún tango, algo que se ha perdido si bien lo hace mi padre y yo un poco.

22 | Entrevista a Estelares

Estelares es una banda argentina de rock integrada por Manuel Moretti (voz y guitarra) y Victor Bertamoni (guitarra) y Pali Silvera (bajo) y guillermo harrington como guitarrista invitado. Se formó en la ciudad de la Plata en el año 96 y se han convertido en una de las bandas más exitosas del momento. g&B se ha juntado con Víctor Bertamoni y Pali Silvera de esta asombrosa banda platense que nos contaron una parte de su vida en esta jugosa entrevista. Por Sergio resar

Por qué elegiste la guitarra como tu instrumento Víctor y con quién estudiaste?

Victor Bertamoni: Es un instrumento popular, siempre hay alguna guitarra cerca. En mi casa estaba la guitarra de mi madre, oyendo las piezas que ella tocaba capte la lógica del instrumento. Y luego compañeros de colegio me enseñaron los primeros pasos en canciones. Estudié guitarra con el maestro Alberto Moris, en Junín, luego en la Casa del Tango de La Plata con Hugo Magnelli. Con Quique Sinesi en Buenos Aires. Seguí diferentes caminos de aprendizaje según la inquietud que me surgía en cada etapa.

Queen, después llegaron Virus, Los Abuelos, Soda Stereo, Sumo. Los Talking Heads, The Beatles, Atahualpa Yupanqui, tango.

Pali Silvera: La música de los ’80. Tenía como referente a The Cure, Madness y un montón de grupos de esa época. Y de acá, Sumo. También íbamos mucho a lo que se llamaba el underground de Buenos Aires, Parakultural, Cemento, etc. Así que veíamos mucho a bandas como Don Cornelio y la Zona, Fricción. Recuerdo que esas eran las cosas que me gustaban en ese momento.

y vos por qué el bajo Pali?

Pali Silvera: En realidad después de ver a The Cure en el ’87 en Ferro decidimos con unos amigos del barrio armar una banda. Con Guillermo Coda, (ex Peligrosos Gorriones, hoy en Juana la Loca), que ya sabía algunos acordes y también con Tete Morgada (ex Venenosos) sabía algunas cosas de batería, así que no tuve mucha opción. Empecé a tocar el bajo para poder armar una banda con ellos y enseguida me enamoré del instrumento. Ese fue mi punto de partida.

Qué músicos fueron influencia para ustedes?

Victor Bertamoni: Por nombrar algunos de los tantos, me vienen a la memoria guitarristas como Brian May, George Harrison, Atahualpa Yupanqui. También los tangueros, Piazzolla, Roberto Grela, Salgan y De Lío.

Pali Silvera: Como dije antes, toda esa música de los ’80 fueron influencia para mí. Aún hoy me sigue gustando ese tipo de música. Pero escucho mucha música. Cuando me emociona algo, no me pregunto nada, lo disfruto. Puedo escuchar un disco de Marvin Gaye o uno de Bowie o uno de tangos

Qué música escuchaban de adolescentes?

Victor Bertamoni: Mi primer cassette fue Clics Modernos de Charly García y No llores por mí Argentina de Seru Giran. Luego Una Noche en la Ópera de

Antes de empezar con a tocar en Estelares, en qué bandas tocaban?

Victor Bertamoni: En época del colegio secundario con bandas en la ciudad de Junín: Caffe Tokio, Aca-

guitarristas y Bajistas.ar

demia de la intuición, El cuerpo limitado. Que aunque no trascendieron, fueron muy importantes porque aprendí rudimentos de cómo tocar, componer y arreglar música con una agrupación. Luego en La Plata y ya con Manuel (Moretti, el otro guitarrista de Estelares), formamos Los Peregrinos y luego Estelares.

Pali Silvera: La banda que empezamos con Guillermo Coda y Tete Morgada se llamaba Bat39 que era una especie de grupo dark pero mezclado con algo más punk. Era la música de la época también.

Cómo se conocieron?

Victor Bertamoni: Nos formamos en La Plata, y tanto a Manuel como a Pali los había visto tocar con sus bandas anteriores. A Manu y a Oscar Torguet (primer baterista de Estelares) los conocía de Junín. Con Manu volvimos a encontrarnos en La Plata en la Facultad de Bellas Artes (él cursaba artes plásticas y yo composición musical).

Pali Silvera: Con Manu nos conocimos compartiendo fechas en el ’87, ’88, yo tocando con Bat39 y él con su banda de ese momento. Después él y Víctor empezaron a armar otra banda y me vinieron a buscar. Todo esto pasó a principios de los ’90. Después de eso no nos volvimos a separar. A partir de ahí estamos juntos con Estelares.

Cuéntennos en qué año y en dónde debutaron profesionalmente?

Victor Bertamoni: Profesionalmente un show en la glorieta de Plaza San Martín en La Plata creo que fue nuestro debut. Pero digo creo porque antes hicimos algunos shows informales.

Pali Silvera: No lo recuerdo con exactitud pero debe haber sido en el año 1994.

Cómo fue la llegada a Buenos Aires?

Victor Bertamoni: En Buenos Aires tocábamos en un pub, La Luna, estaba en Cabrera y Medrano. Tomábamos el tren La Plata-Constitución con instrumentos y pequeños amplificadores, el presupuesto

Pali Silvera

guitarristas y Bajistas.ar

Víctor Bertamoni alcanzaba justo para eso! En Honduras y Armenia estaba el bar Imaginario, también tocamos mucho ahí, el gran Skay Beilinson subió a tocar con nosotros una vez. Luego hicimos durante un tiempo shows en el auditorio de Radio La Tribu.

Pali Silvera: Empezamos a hacer algunos shows en La Plata pero enseguida y con mucho esfuerzo, nos propusimos tocar en Buenos Aires, a armar shows en Capital. Recuerdo mucho los que hacíamos en La Luna, en Almagro y en Imaginario Bar en unos ciclos que tenía el lugar que se hacían en un sótano los jueves y que terminaban bastante tarde. Ahí conocimos a Skay, a la Negra Poli. Ellos nos dieron como el primer empujón.

Cuándo y en dónde grabaron su primer disco?

Victor Bertamoni: Se grabó en La Plata. En el año

1995, y luego cerramos contrato con Gustavo Gauvry de Del Cielito Récords. Terminamos mezclando en Parque Leloir y editando el disco "Extraño Lugar" con ese sello.

Pali Silvera: Como dice Víctor, fue en ese año en La Plata y se editó ese mismo año.

Cuántos discos llevan grabados?

Victor Bertamoni: Seis discos de estudio más el DVD en vivo en el Teatro Gran Rex. Pali Silvera: Acabamos de lanzar también el primer single del próximo que se llama Los Acertijos. Calculamos que para principios del 2016, marzo o abril estará terminado nuestro séptimo disco de estudio.

Cómo está compuesto el set de cada uno?

Victor Bertamoni: Mi set es guitarra Fender Telecaster, unos pocos pedales: wah wah, distorsión, delay Boss DD7 y trémolo. El ampli que uso es un Fender Blues DeVille, y ahora agregué un Laney Lionheart.

Pali Silvera: Tengo varias cosas pero últimamente estoy usando una caja 8x10” de Laney, un cabezal MarkBass, siempre un SansAmp durante los shows para engrosar un poco el sonido. En los últimos meses estoy tocando con un Fender Jazz Bass American Standard pero también tengo un Musicman y un Gibson Ripper.

Qué nos pueden decir de los instrumentos y amplificadores que están usando actualmente?

Victor Bertamoni: La Telecaster es una guitarra clásica y versátil, combinada con el ampli Fender Blues DeVille el resultado es un sonido a válvulas cálido y clásico. Remite a los años cincuenta. Entre el rockabilly, country, y si quiero más rock o agresividad uso un poco de distorsión del pedal. También uso una Guitarra Gretsch Country Gentleman, con palanca Bigsby de vibrato, y el ampli Laney con bastante reverb, para tocar fingerpicking al estilo Chet Atkins.

Pali Silvera: Tengo un Trace Elliot, cabezal y caja

Entrevista a Estelares | 23

que tiene un sonido que me agrada pero actualmente estoy experimentando nuevos sonidos y propuestas. Esto es probar hasta encontrar un sonido.

mañanas, desde temprano hasta el mediodía, pongo música. Escucho desde los clásicos hasta cosas nuevas que me pasan

Aparte de tocar mucho en vivo, qué hace cada uno de ustedes en su tiempo libre?

Victor Bertamoni: Mi tiempo libre no es mucho, además de los shows hay ensayos, notas, viajes. Lo que queda lo disfruto en familia, tocando en casa.

Grabando demos. En mi caso es algo casi full time la música, lo disfruto de esa forma.

Pali Silvera: No nos queda mucho tiempo libre fuera del grupo, pero cuando hay oportunidad, le dedico tiempo a escuchar mucha música, a tocar en mi casa también. Pero el mayor tiempo se lo dedico a la familia porque estamos mucho afuera, mucho de gira.

Cuáles son los proyectos a futuro de la banda?

Victor Bertamoni: Estelares es una banda que está girando bastante por Latinoamérica, queremos seguir con ese plan. Y grabar el disco de estudio que ya estamos trabajando.

Pali Silvera: Nos pusimos como meta mostrar y difundir nuestro material en Latinoamérica porque desde hace unos años nos dimos cuenta que por las redes sociales hay muchos fans que nos esperan por sus países como Chile, Perú, Colombia, Estados Unidos, Uruguay, México, Paraguay, hemos idos dos veces a España. La idea es que para el 2016 hacer una nueva gira latinoamericana con el disco nuevo.

Actualmente qué música escuchan?

Victor Bertamoni: Escucho mucho y variado, sigo a guitarristas como Marc Ribot, Bill Frisell, el español Diego García o bandas como Wilco, Blur que me gusto mucho su último disco. Vi a Daniel Melingo y me encantó su concierto de tangos reos, me gustan sus discos.

Pali Silvera: también lo que me gustó mucho y escucho en estos últimos meses es el último trabajo de Blur pero en realidad escucho de todo. Todas las

y los proyectos individuales?

Victor Bertamoni: en lo personal te cuento que estoy tocando instrumentales, rag time, con Julio Rigoli, contrabajista de la Rockaband, nos juntamos a tocar ese tipo de instrumentales. Me gustaría presentarlo en vivo. Eso sería genial.

Pali Silvera: He tocado algunas veces solo pero más que nada me gusta componer y alguna aparece en los discos de Estelares.

guillermo harrington Qué le dirían a los pibes que recién están empezando en esto de la música?

Victor Bertamoni: que insistan, que sean constantes, fieles a la música, no esperen llegar a ningún lado. Solo trabajar lo más posible día a día y la música, el instrumento, les marcarán el camino. Este oficio es algo que nunca termina, transitarlo con seriedad y responsabilidad es lo importante.

Pali Silvera: Que es un camino muy largo y generalmente las bandas se separan antes de tener un recorrido que tienen que tener. Nada pasa seriamente hasta los ocho o diez años de formar una banda. Lo que les diría es que deberían resistir o tener el objetivo muy claro. Si bien no asegura nada, es la manera natural de que haya un buen resultado.

FaMusic BouTique

En nuestros 20 años de experiencia aprendimos que este tipo de productos necesitan un tratamiento especial, con una atención personalizada, por lo que hemos decidido agrupar estas maravillas de la música, todas en un solo lugar... Ubicado en el local de San Isidro, el "Sector Boutique" es un lugar para conocer y para que el músico o el aficionado amante de estas verdaderas joyas de la música, pueda tomarse el tiempo, no sólo de probar un instrumento único, sino también de disfrutar de una experiencia, un momento, tal como se merece.

Para poder cumplir este sueño fue fundamental Mercado Libre, que junto a la Fundación Endeavor, promovieron un concurso como parte de una iniciativa de Responsabilidad Social, en el cual se presentaron más de 300 emprendedores que contaron y presentaron sus historias. Endeavor es una Fundación sin Fines de Lucro que apoya a Emprendedores, promueve la cultura emprendedora e identifica emprendedores de alto impacto y les provee apoyo estratégico para ayudarlos a llevar sus compañías al próximo nivel a lo largo de toda la Argentina y en gran parte del mundo. Para ese concurso fueron seleccionados 5 casos entre 300

28 | fAMuSiC Boutique

En fAMuSiC tenian la idea de crear un espacio dedicado a los instrumentos de alta gama y a fines del 2014, año de su 20 aniversario se llevó a cabo el Sector Boutique de famusic Custom Shop, un lugar privado y reservado, sólo para clientes exclusivos. Por g&B.ar

y los emprendedores elegidos debieron contar su historia personalmente ante un jurado compuesto

por notables de Mercado Libre y Endeavor. Y así fue como luego de la exposición de Fernando Adamo, Famusic fue reconocido con el máximo galardón del concurso "Historias que inspiran". La premiación tuvo lugar en las oficinas de Mercado Libre y contó con la presencia de, entre otros, Marcos Galperin, fundador de Mercado Libre y del Gobernador de la ciudad de Buenos Aires, el Ingeniero Mauricio Macri.

Luego de la obtención de este importante premio, logramos concretar el sueño que teníamos desde hace tiempo, la apertura del "Sector Boutique" de "Famusic Custom Shop... Que instrumentos se pueden conseguir en el "Sector Boutique"?... En este lugar podes encontrar las mejores guitarras y bajos Gibson, Fender, Dangelico, Ibanez, Esp, hasta una Gretsch White Falcon. Amplificadores Mesa Boogie, Evh, Egnater, Fender y Marshall entre otros. Además está ambientado con sillones, una araña de iluminación, una pared completamente ploteada por Gibson y otra por Vox, piso de madera y hasta una Vitrola original! y además nunca faltará el mejor café o la mejor bebida para completar una atención inmejorable.

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corT MBc1 (MaTT BellaMY signaTure) boración con Matthew Bellamy durante dos décadas y construyeron sus instrumentos, tanto para estudio y el escenario de trabajo. Ahora en asociación con Cort Guitars, lanzan al mercado una guitarra excelente para el músico actual.

La Cort MBC-1 Matthew Bellamy Signature se asemeja al modelo Manson Matt Negro que ha sido una de las principales guitarras de Bellamy desde 2012. La calidad de construcción y atención al detalle son poco comunes para una guitarra en este nivel de precios, pero esto es un reflejo de la participación de Manson tanto en el diseño y desarrollo del instrumento. Nuestro ejemplo de prueba tenía una configuración casi perfecta nada más sacarlo de la caja. Con su delgado y redondeado perfil y acabado brillante, el mástil es muy rápido, y el cuerpo generosamente contorneado ofrece una sensación bastante cómoda.

CARACTERÍSTiCAS CUERPO Forma del cuerpo: single cutaway Tipo de Cuerpo: Cuerpo sólido Material del cuerpo: Madera sólida Madera Cuerpo: Basswood Acabado del cuerpo: Mate Orientación: Derecho CUELLO Madera Cuello: Maple Mixta: bolt-on Longitud de la escala: 25.5 " Tensor de mástil: Estándar Acabado de cuello: Brillo DiAPASÓN Material: Rosewood Radio: Compuesto Tamaño de traste: Medium Jumbo Número de trastes: 22 Incrustaciones: marcadores de posición lateral Ancho de tuerca: 1.69 "(43mm) Además de ser uno de los guitarristas y compositores más originales e innovadores en bastante tiempo, el guitarrista de Muse, Matthew Bellamy, es muy conocido por su colección súper masiva de más de cuarenta guitarras Manson. Con su alargado cuerpo al estilo Tele con un solo cuteway, acabado en negro mate, micrófonos diseñados por Manson, y un switch asesino, la Cort MBC-1 Matthew Bellamy Signature está lejos de la media. El cuerpo es de basswood y el mástil que está atornillado al ese cuerpo es de Maple con un diapasón de Rosewood, radio compuesto, escala de 25 1/2 pulgadas, y trastes Jumbo 22 ½” con un perfil relativamente plano.

El hardware es cromado e incluye clavijeros Cort y un puente del tipo Tune-o-Matic. Los micrófonos

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consisten en un single coil para el mástil diseñado por Manson y un humbucker, también diseñado por Manson en el puente. Los controles incluyen volumen general, tono general, un selector de tres posiciones para los micrófonos, un mini interruptor.

La parte trasera del cuello tiene un acabado brillante y el logotipo Manson detrás del cabezal. La guitarra ofrece una increíble relación calidad-precio para todos los guitarristas que buscan una calidad y un instrumento único.

La Cort MBC-1 Matthew Bellamy Signature se dio a conocer en la feria NAMM en enero de 2015.

Manson Guitar Works ha estado haciendo guitarras signatures por más de 30 años y con esa experiencia es conocida por su reputación por la innovación y la calidad. Ellos han trabajado en estrecha cola-

MiCRÓFONOS Configuración: HS Cuello: Manson bobina simple Puente: Manson humbucker Marca: Manson Activa o pasiva: Activo CONTROLES Diseño de control: volumen principal, el tono Conmutador de micrófonos: 3 vías Kill switch: Sí HARDwARE Bridge Tipo: Fijo Diseño Puente: Tune-o-matic Colilla: Stopbar Color: Cromo

COrt MBC1 (Matt Bellamy Signature) | 29

WashBurn hisTorY

A principios de la década del ‘20, Maxwell Street en sí surgiría como el epicentro de un movimiento musical. A menudo considerado como el primer punto de entrada para miles de afroamericanos que llegaban desde el delta del Mississippi, Maxwell Street se convirtió en un hervidero de Delta Blues en su forma más cruda y dramática. Los recién llegados y los músicos establecidos por igual, empezaron a convivir. Una vez establecidos, empezó a forjarse un poderoso estilo emocional de la música, no sólo se convertirán en forma dominante para el Blues, sino que también cambiaría radicalmente el sonido emergente de rock and roll.

Como hemos dicho con anterioridad, Washburn nace en el año 1883, fundada por George Washburn Lyon, que comienza a fabricar guitarras acústicas (siendo actualmente ésta compañía un gran aporte para el desarrollo de guitarras y bajos eléctricos). Hacia 1920 la compañía realizo bastantes avances en guitarras de cuerpo sólido, pero sus mayores avances fueron hechos en las guitarras de cuerpo hueco. Después de 1930, la compa-

30 | Washburn history

Algunas historias merecen ser contadas y la historia de la fábrica de guitarras Washburn es una de esas. inmersa en la tradición de la fabricación de buenos instrumentos, la historia de Washburn comenzó en Chicago en 1883. la fábrica se encontraba a pocas cuadras de la calle Maxwell. Por Sergio resar

ñía fue adquirida por Lyon & Healy, que comenzó la producción de otros instrumentos como mandolinas, que fueron bastante aceptadas.Luego la marca se unió a la U.S. Music Corp., que hizo énfasis en las guitarras para Heavy metal, sin olvidar las guitarras vintage, y las Hollowbodies.

Washburn hizo avances en los micrófonos, así como también en las guitarras eléctricas sólidas bolt-on (la técnica de construcción bolt-on de Washburn fue mejorada y ultilizada por muchas compañías). Las guitarras de la Serie X se vuelven características del Heavy Metal, y sus modelos Custom son y siguen siendo elegidos por los músicos. Se introducen más instrumentos como Banjos, Guitarras de viaje y más, y comienza una masificación de los bajos eléctricos en la compañía. En 1999 se crea la que sería la línea más importante de Washburn: Idol Series. Su diseño clásicomoderno, su sonido, y su precio accesible, le hacen ganar a Washburn una gran

cantidad de consumidores, así como también algunos premios. Se comienza a utilizar el sistema de endorsers. Muchos artistas como Nuno Bettencout de Extreme, Dimebag Darrell de Pantera y Paul Stanley de KISS comienzan a firmar contratos con Washburn y comienzan a sacar modelos Signature. Ya entrados los 90 la compañía comienza a utilizar puentes Floyd Rose y pick-ups Seymour Duncan, así comienza una revolución "metalera" dentro de la compañía.

Después del año 2000, más artistas de todos los estilos, como Black Eyed Peas, los All-American Rejects, Miguel Moreira (Monera),Dan Donegan de Disturbed se suman a Washburn, lo que hace retomar la diversividad de estilos que había perdido la compañía después de la revolución Heavy metal que ocurrió dentro de la compañía en los 90.En sudamérica también se suma bandas de rock como Anima Inside incursionando la marca en nuevos mercados. Los instrumentos Washburn siguen siendo de calidad y acogida por variados estilos y artistas.

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Dean VenDeTTa series

Vendetta w/EMg (Korea) Este modelo viene con un cuerpo de doble corte súper elegante, cuenta con un cuerpo de caoba con una tapa arqueada. Tradicionalmente Dean no instala pickguard en sus modelos. El mástil de caoba tiene un acceso muy cómodo, el cuello en forma de C con un diapasón de maple, 24 trastes e incrustaciones negras Vendetta. Con hardware de color negro, incluye además afinadores Grover y un puente especial Floyd Rose. La electrónica consiste en un par de micrófonos EMG 81 y EMG 85 activos, volumen principal, tono y selector de mics de 3 vías. Negro es el único color disponible para este modelo.

Vendetta Teatro de la Muerte (indonesia) La Dean Vendetta Teatro De La Muerte tiene un cuerpo de caoba sólido adornado con impresionantes gráficos. Un mástil de caoba cubierto con un diapasón de palisandro con 24 trastes decorado con incrustaciones de perlas Vendetta, es rápido y suave al momento de ejecutar. Con dos micrófonos humbucking DMT design que emiten un enorme sonido. Los controles incluyen un volumen, un tono y un interruptor selector de micrófonos de tres vías. La mayor característica destacada de este modelo es el gráfico en la parte superior del cuerpo. Un par de máscaras con forma de cráneo con muecas siniestras están pintadas contra la base de color rojo y negro. El gráfico y el resto del cuerpo tienen una terminación brillante.

Vendetta Resurrection (indonesia) Este instrumento es como la anterior, sólo cambia la gráfica y el color. La guitarra eléctrica Dean Vendetta Resurrection tiene un cuerpo de caoba sólido en-

32 | Dean guitars Vendetta Series

Dean guitars nos sorprende con una nueva línea de guitarras. Vendetta es una de las series más importantes en el catálogo de Dean guitars. Se trata, guitarras sólidas de doble cutway y diapasones de 24 trastes. Por g&B.ar

galanado con gráficos sensacionales. Un mástil de caoba cubierto con un diapasón de palisandro con 24 trastes decorado con incrustaciones de perlas Resurection. Micrófonos humbucking DMT Time Capsule. Los controles incluyen 1 volumen, 1 tono y un interruptor selector de micrófonos de 3 vías. El gráfico especial “Resurrection” de balancea en la parte superior. El mismo está pintado sobre la base de color blanco brillante. Cuenta con un puente tune-o-matic con cuerdas a través del cuerpo. Hardware negro.

Vendetta XM (China) Otra gran guitarra Dean para guitarristas con un presupuesto no tan alto! Si estás buscando un instrumento que pueda cubrir muchos estilos, esta es la guitarra indicada.

Del Funk al punk o del metal al blues. Con un cuerpo ligero y un perfil de cuello delgado, esta es una guitarra hiper cómoda. Construida con paulownia. Todo el cuerpo, incluyendo la parte trasera como la parte superior contorneada y tallada están hechas de esta madera. Sustituye la caoba y el tilo que son Característicos de esta serie. El mástil es de palo de rosa y sus micrófonos Humbuckers son DMT Design.

Vendetta XM7 Strings (China) La Dean Vendetta VNXM es una guitarra eléctrica de 7 cuerdas con un cuerpo paulownia. Liviana y fabulosa con resonancia increíble. Con dos micrófonos doble y un diapasón de palo de rosa en un mástil de maple con fácil acceso a los 24 trastes. Todo el mundo quiere un buen precio para comprar su instrumento, pero es sólo una buena compra si el producto se construye y funciona bien. Dean ha proporcionado esto con la serie Vendetta XM.

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caliBranDo Mi guiTarra REgULANDO LA CURVATURA DEL MáSTiL El mástil de la guitarra (especialmente eléctricas y acústicas) debe soportar una gran tensión producida por sus cuerdas. Para ayudar a ésta tarea es que los mástiles llevan en su interior una barra de acero llamada alma o tensor. El Alma posee una tuerca que al ajustarla ejerce tensión sobre el mástil en sentido contrario al que lo hacen las cuerdas creando de esta forma un equilibrio que permite mantener el mástil derecho sin que este se curve.

Un método para evaluar el estado de nuestro mástil es presionar la sexta cuerda en el primer y último traste y medir la distancia de la cuerda al metal del 8º traste (podemos usar un capo para presionar en el primer traste y de esta forma disponer de una mano libre para medir). La distancia debe ser .010 pulgadas, (0,25mm). Esta distancia es bastante común y sirve de referencia. Si el traste se encuentra a una menor distancia, la curvatura es demasiado convexa así que tendremos que aflojar el alma girándolo en contra del sentido de las agujas del reloj. Si por el contrario la distancia es mayor a las .010 pulgadas, entonces la curvatura es demasiado cóncava y lo que tenemos que hacer es apretar la tuerca del tensor girándolo en el sentido de las agujas del reloj.

Al trussrod (tuerca) se accede desde la pala del mástil quitando una tapa de plástico o si no hay tal tapa, desde el otro extremo del mástil, quitando el guardapúas y la pastilla del mástil (esto sucede en muchas Fender). Allí veremos que la cabeza del trussrod presenta unas ranuras donde podemos encajar un destornillador o bien necesitaremos de una llave Allen para ajustarlo.

Al trussrod conviene darle giros muy cortos, cuartos u octavos de giro y comprobar cómo va evolucionando. Es importante tener en cuenta que los ajustes van a tardar en asentarse, sobre todo en los casos en los que el mástil está fabricado con maderas muy duras, como puede ser el arce. Es conveniente desajustar las cuerdas para antes de ajustar el tensor y reafinar la guitarra luego. Cuando creamos que tenemos el ajuste correcto, lo dejamos asentarse.

Si tenemos en cuenta que la madera es un elemento vivo y depende de las condiciones en que se encuentre, un pequeño giro de la tuerca del tensor puede actuar durante varios días hasta asentarse.

Por lo que es conveniente ir poco a poco dejando descansar el mástil mientras tanto. La medida .010 es un punto de referencia que puede variar dependiendo del calibre de las cuerdas, la forma de tocar, y el gusto personal. La experiencia nos irá indicando cual es el seteo que más se adapta y favorece nuestro toque personal.

REgULANDO LA ALTURA DEL PUENTE (CUERDAS) Es importante antes de regular la altura del puente

34 | Calibrando mi guitarra

asegurarnos de que el mástil no se encuentra curvado, para esto podemos seguir los pasos detallados en el artículo Regulando la curvatura del mástil. Es difícil referirse a cual es la altura correcta de las cuerdas ya que esto influye tanto en la comodidad para tocar como en el sonido de la guitarra y lamentablemente los ajustes no van de la mano.

Al alejar las cuerdas de la madera y los trastes y tener éstas mayor espacio para vibrar, entregarán un mayor sustain e incluso algo más de cuerpo en su sonido. La acción de la guitarra será algo más dura y por ende, para muchos más incómoda. Por el contrario si dejamos las cuerdas bien bajas tendremos una guitarra más blanda, pero con un sonido más pobre y al borde del trasteo en el caso de que 'apretemos' con la mano derecha.

Si tocamos slide la acción debe ser bien alta para permitirnos presionar las cuerdas con el slide sin que estas lleguen a tocar los trastes. Como ven, la correcta altura de las cuerdas, no es algo que podamos encontrar en una formula sino que dependerá de un balance entre la comodidad de nuestra mano y el sonido que queramos obtener dependiendo exclusivamente de nuestra técnica y forma de tocar. La altura del puente se regula mediante la acción de tornillos.

Dos tornillos o rueditas para elevar el puente completo en el caso de los puentes Tune-o-matic (clásico puente Gibson) o, en el caso de los puentes Fender, cada selleta tiene un tornillo para elevar cuerda por cuerda (en algunas viejas guitarras como las Telecaster se elevaban de a 2 cuerdas) hay que tener en cuenta en estos casos que deberemos imitar en cierta medida la forma curvada del radio del mástil.

En el caso de guitarras acústicas donde la altura del puente no es ajustable podemos retirar las cuerdas y sacar la cejuela, si necesitamos subirlo podemos hacerlo colocando un pequeño suplemento de madera (las finas laminas de cedro que envuelven algunos habanos pueden servir) o si por el contrario lo necesario es bajarlo deberemos lijarlo. Esta operación es muy delicada y es de suma importancia que el lijado sea parejo, caso contrario puede quedar alguna zona con menos contacto y por ende la cuerda que se apoya allí sonará con menor volumen siendo esto especialmente notable en guitarras con micrófonos piezo-eléctricos. Es importante tener en cuenta que las cuerdas más gruesas necesitaran siempre mayor altura (más espacio para vibrar) que las más finas, por este motivo la altura del puente siempre será mayor en la sexta cuerda que en la primera.

Haciendo un resumen de lo expuesto notarán que si bien en una primera instancia al ajustar las cuerdas buscaremos que éstas no trasteen, con el tiempo y la experiencia, nuestra exigencia en el ajuste será mayor, ya que esto influirá tanto en el sonido como en nuestra forma de tocar.

Abordaremos en esta sección diferentes temas sobre luthería, para aprender sobre el cuidado de nuestro instrumento. Por facundo lópez Burgos

COMPENSACiÓN DEL PUENTE La mecánica con que se toca la guitarra, o cualquier otro instrumento con trastes, requiere que la cuerda tenga una cierta altura, para que cuando esta vibre no pegue contra los trastes y produzca trasteo o se corte su sonido. Cuando la cuerda es presionada contra el traste, se estira. El efecto de este pequeño estiramiento es que al tocar una nota pisada la frecuencia de esta es más alta de lo esperado en el cálculo matemático teórico de la escala. La altura de la cejilla o traste cero también influye una que si esta es muy alta se producirá, sobre todo en las cuerdas graves, un efecto mucho más grande de estiramiento haciendo que la distancia de la cuerda al aire con respecto a la pisada sea mayor.

Para solucionar este problema es que el puente necesita una compensación, es decir una distancia extra mas allá de la teóricamente correcta. El rango de compensación requerido con cuerdas de nylon (desde primera a sexta) es muy pequeño y para los propósitos prácticos un puente derecho colocado en un punto de balance entre la compensación de cuerdas agudas y graves, es satisfactorio. Con cuerdas de acero, las graves necesitan mucha más compensación que las agudas y por este motivo es que las guitarras eléctricas usan normalmente puentes que tienen regulación independiente, cuerda por cuerda.

La manera de chequear la compensación necesaria para cada cuerda es comparar la nota al aire (armónico del traste doce) con la nota pisada en el mismo traste. Según comentan algunos puristas lo ideal sería comparar dos notas pisadas por lo que podríamos utilizar la nota pisada en el tercer traste con su correspondiente octava (es decir pisada en el quinceavo traste).

Para mayor seguridad yo suelo utilizar ambas comparaciones cerciorándome de que todo coincida. Si la nota pisada (o la del quinceavo traste) es más alta que el armónico (o la del tercero), esta cuerda necesita más compensación. Es decir que debemos ajustar el tornillo para alejar el puente (selleta) del mástil. sí por el contrario la nota pisada es más baja que el armónico, esta cuerda requiere menos compensación (es decir que debemos aflojar el tornillo para acercar el puente al mástil).

Es importante entre ajuste y ajuste aflojar la cuerda, es decir no ajustar el puente con la cuerda tensa. También es fundamental disponer un afinador electrónico de calidad para realizar esta operación. Un método que normalmente funciona es realizar la compensación para la primer cuerda y luego ajustar cada cuerda un milímetro mas lejos de mástil que el anterior. Una vez hecho esto afinamos la guitarra y realizamos un ajuste fino cuerda por cuerda. Este método puede no funcionar del todo en juegos de cuerdas híbridos, es decir que poseen cuerdas de distintos calibres.

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Por fernando Pareta

iNtrODuCCióN Al MODO DOriCO ya hablamos sobre el Mixolidio, hoy nos vamos a dedicar a otro de los modos más utilizados, el Dorico. les puedo contar que los modos son 7, cada uno de ellos con su personalidad, y son una gran herramienta para crear melodías, solos como también para componer.

El Modo Dorico, nace del segundo grado de la escala mayor, por ejemplo: El La (A) Dorico se construye a partir de la segunda nota de la escala de Sol (G) (La-Si-Do-Re-Mi-Fa#-Sol) es un modo menor. Es decir esta mas relacionada con la escala Menor Natural que con la Mayor.

Si comparamos las dos (Menor: 1-2-b3-4-5-b6-b7, Dorica: 1-2-b3-4-5-6-b7) vamos a notar que la única diferencia es que la Dorica contiene una 6ª mayor.

Esta nota le confiere a este modo un sonido como mas “suave” y “Liviano” que la sonoridad mas heavy de la escala Menor (en modos llama Aeolica).

El modo Dorico puede ser muy escuchado en Jazz, Blues y Rock, es muy particular en solos de Blues-Rock de guitarristas como Carlos Santanta, Iimi Hendrix, Jimy Pagge o Robbie Krieger por nombrar solo algunos.

Para obtener el sonido típico del modo Dorico, practiquen los patrones arriba y

abajo como con cualquier otra escala, pero presten especial atención donde esta localizada la 6ª mayor, ya que es la nota diferenciada que distingue a esta escala de sus hermanas “Menores”.

A continuación les mostrare un cuadro donde tenemos la construcción, patrones, armonía y progresiones comunes, para utilizar esta escala como un recurso mas, aunque recomiendo el estudio completo de los modos para un mejor aprovechamiento. Espero que lo disfruten, nos vemos la próxima.

Construccion: 1-2-b3-4-5-6-b7 Categoría: Menor Nota diferenciada: 6 Se usa sobre Acordes: Menor, m6, m6/9, m7, m9, m13 Armonía: Im7, IIm7, bIIImaj7, IV7, Vm7, Vim7b5, VIImaj7 Progresiones comunes: Im7-IV , Im-IIm , Im-bIII-IV , Im-Vm-IV-Im , Im-IIm-bIII-IIm

Fernando Pareta es un guitarrista y cantante con gran proyección internacional, compartió escenario con Steve Vai, y realizó trabajos discográficos con artistas como Steve Lukather, Marcus Miller, Greg Howe, John Scofield y Billy Cobhan, entre otros.

Esperamos que los consejos de Fernando Pareta les sirvan y cualquier consulta que le quieran hacer, pueden escribirle a su casilla de email fernandopareta@gmail.com o visitar su site www.fernandopareta.com.ar o bien en facebook.com/fernandoparetaofficial.

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Suplemento técnico | 35

Bajo Por igor Saavedra

COMPEtENCiAS lABOrAlES DEl BAjiStA PrOfESiONAl EN El MuNDO DE hOy la pregunta del millón que muchos se hacen y me hacen, es... ¿Se puede vivir de ser un bajista? la respuesta inequívoca es…. “Si se puede”, pero el hecho de que "se pueda" no garantiza sea fácil.

Quisiera remarcalo nuevamente... el hecho de que "se pueda" no garantiza bajo ninguna circunstancia que sea fácil, sino muy por el contrario, es realmente difícil y requiere de una buena dosis de esfuerzo, ingenio…, y algo de talento.

Cuando se comienza en esto de ser bajista, la ingenuidad se hace presa de casi todos nosotros haciéndonos creer que basta sólo con tocar bien para ser “ricos y famosos”. El abanico de actividades relacionadas con la actividad profesional que uno puede abarcar al ser un bajista profesional es realmente muy amplio, y abarca habilidades, condiciones y requisitos mínimos necesarios que paso a enumerar a continuación por considerarlos los más relevantes.

AREA DE LA EJECUCiÓN PROPiAMENTE TAL 1) Tener una buena técnica de ejecución, lo que incluye habilidades extras como el Slap, Tap, acordes, hammer, impecable sentido del pulso, etc.

2) Manejar de la mejor forma posible los conocimientos teóricos necesarios para el desempeño de la actividad, como rítmica, armonía, sonido, tecnología del instrumento, etc.

3) Tener el equipamiento necesario y obviamente en buen estado (Bajo, equipo, efectos, cables, atriles, etc.)

4) En lo posible saber tocar más de un tipo de Bajo y sacarle el real provecho, ya que por ejemplo qué sacamos con tener un bajo de 6 cuerdas si vamos a tocarlo como si fuera de cuatro. Además, es muy útil saber tocar fretless.

5) Tener una afinación y disociación suficiente como para poder hacer coros si es requerido por la banda, el director musical o el artista.

6) Manejar con soltura una amplia variedad de estilos, lo que permitirá que uno sea contratado por una mayor cantidad de personas y para una mayor gama de trabajos.

7) Tener experiencia en estudio y en escenario como sideman o músico de sesión (acompañar artistas), lo que implica tener una excelente lectura.

8) Formar parte del staff de algún director musical, lo que a uno lo acercará al mundo de las orquestas de festivales y TV. 9) Tener la capacidad de "tocar de oído" desarrollada más allá de toda prueba, ya que muchas veces no hay ninguna hoja que leer. Esa habilidad se logra con estudio y por sobre todo con "oficio" y experiencia.

AREA DOCENTE 1) Tener aptitudes e intereses pedagógicos es de una gran ayuda.

2) Hacer clases particulares teniendo una metodología y un programa definido.

3) Hacer clínicas y talleres.

4) Tener habilidades de oratoria, dicción y buen vocabulario a la hora de enseñar, en mi opinión eso es indispensable.

5) Tener un alto grado de cultura y conocimientos generales, si no es así la credibilidad pedagógica entra en conflicto, ya que no basta sólo con tocar bien y saber música para saber enseñar música.

6) Un área no muy común es la de la edición de material pedagógico relacionado con el instrumento. Es una hermosa manera de transmitir lo aprendido y una eventual entrada económica que podría llegar a ser muy conveniente.

AREA COMPOSiCiONAL y SOLiSTA 1) Tener habilidades composicionales, ya sea en el plano de las composiciones pro-

pias o en el caso de componer para otros.

2) Poseer la energía y disposición suficientes como para impulsar una carrera solista exitosa, la que en mi opinión es el área más desafiante y demandante en el abanico de posibilidades y áreas en las que un músico, y sobre todo un bajista, pueda intentar desenvolverse y dedicarse, al menos en mi propia experiencia ha probado ser así.

3) Tener un grupo de músicos de buen nivel con los que ojalá se tenga una relación de amistad más allá de lo profesional.

AREA DE MARKETiNg 1) Saber darse a conocer es indispensable, si no estarán perdidos. Las redes sociales ayudan muchísimo, y un sitio web aunque muchos piensen que pudiese estar un poco “pasado de moda”, es en mi opinión la verdadera vitrina virtual y el toque de elegancia mediática ineludible para cualquier artista, músico y bajista verdaderamente profesional.

2) Establecer relaciones comerciales con Sponsors es crucial una vez se tenga el currículum suficiente para hacerse acreedor a ello. Estas "Alianzas estratégicas" son de suma importancia, ya que son de ayuda para ambas partes. En lo que toca a los beneficios que obtiene el bajista, estos obviamente dicen relación con el ahorro de dinero en equipamiento, la difusión del nombre de uno que hará la empresa al publicitar su producto, el prestigio inherente a la obtención de un acuerdo de esta índole que variará en proporción a cada uno de sus grados (endorsement tipo C, B, A o A+), y finalmente el financiamiento de tours (pasajes, hotelería, etc.) y actividades que cualquiera de estas empresas esté en condiciones de otorgarle a sus artistas.

3) Tener la disposición y la voluntad para hacerse presente en los medios de comunicación, como Radio, diarios, revistas (como esta) y TV; ya que siempre eso traerá beneficios conexos. Personalmente nunca privilegio la TV, ya que en general (no siempre) estimo que representa el paradigma máximo de la falta de respeto y consideración para con cualquier propuesta artística seria.

AREA DEL COMPORTAMiENTO SOCiAL y ÉTiCO (MORAL) 1) Respeten cualquier acuerdo al que hayan llegado.., pues si nadie los está tratando de perjudicar y aun así advierten que el trato que cerraron no les convendrá, en mi opinión de igual forma deberán siempre respetarlo. Actúen siempre de buena fe.

2) Ser impecablemente profesional en el desempeño de las labores (puntualidad, estado del equipamiento, calidad del equipamiento, seriedad).

3) La presentación personal y el lenguaje manejado en los lugares de trabajo es básico. Como los ven y los escuchan así mismo los van a tratar.., sepan manejarse bien en ese sentido.

4) Respetar al público en todo momento pues ellos son los que pagan). Este respeto en mi opinión se refleja mayormente en vuestra puntualidad, deferencia y calidad musical.

5) Si acaso es uno el solista, es una regla de oro pagarle lo acordado a los músicos que tocan con uno, y ni un peso menos, incluso aunque a ustedes no les hayan pagado.., y eso deben hacerlo lo más oportunamente posible. Además, si uno va a ganar más que los compañeros por haber conseguido el gig, es un código implícito decir que eso es lo que va a suceder, y no tienen necesidad de explicitar cifras, ya que vuestros compañeros son profesionales que aceptaron tocar por lo que ustedes les ofrecieron…, pero aun así.., si van a ganar más que sus compañeros…. ¡¡SIEMPRE DÉJENLO MUY CLARO DESDE EL PRINCIPIO!!.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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Por Maycown reichembach

hyBriD PiCKiNg Este mes vamos a estudiar el famoso " hybrid picking" usados por los guitarristas de fusión, consiste en usar la pua y los dedos alternando entre uno y otro, generando así un efecto de velocidad muy importante y al mismo tiempo sonoridades diferentes a las que conseguiremos con la púa.

El ejemplo 1, esta sobre el modo Jonico. Las notas que tienen acento utilizar el dedo medio. En el ejemplo 2 y 3 sucede lo mismo pero con frases cromáticas muy usadas en la música contemporánea. Saludos y buenos estudios.

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador, Orquestador y productor artístico. Guitarrista de la Quantum Orchestra y de Malopa Quasar.

Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

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Suplemento técnico | 37

Bajo Por Alejandro tiscornia

AfiNACiONES AltErNAtiVAS EN BAjO ElÉCtriCO El bajo es un instrumento relativamente nuevo; y es claro que aún quedan muchos caminos por explorar. Para salir un poco de lo establecido es mi intención en esta sección darles a conocer, de a una por vez, herramientas poco convencionales para agregar a su repertorio.

En los números anteriores vimos, primero, la técnica de fingerstyle. Luego sumamos el transporte, expandiendo lo que se puede hacer con el instrumento cuando se lo ejecuta en forma polifónica. Y hoy, a modo de cierre, hablaremos de afinaciones alternativas. Pocas cosas hay más estimulantes que encontrarnos con que algo que conocemos bien puede ser mucho más de lo que siempre creímos que era.

La posibilidad de formar acordes enteros con cuerdas al aire, los resultados inesperados cada vez que se pulsan las cuerdas, la indescriptible sensación de tocar armónicos “nuevos”... experimentar con cambios radicales en la afinación del bajo puede llevarnos a redescubrirlo, a transformarlo en un instrumento nuevo con cada cambio. Las modificaciones pueden ser pequeñas: un semitono aquí, un tono allá.

O enormes, como las que emplea Zander Zon, cuyos vídeos les recomiendo ver para que escuchen qué puede agregarles el cambio de afinación. Eso sí: antes de

que intenten nada es importante mencionar que alejarse mucho de la estándar sin tomar los recaudos necesarios pueden traer problemas al instrumento y a las cuerdas por la modificación de tensión.

Por eso, y para que prueben un poco cambiar de afinación sin arriesgar el instrumento, les dejo una serie de ejemplos relativamente simples que engloban todo lo visto hasta aquí: las secciones del arreglo de “Dust in the Wind” de Kansas que ejecuto con mi banda, Malopa Quasar. Tengan en cuenta que esta versión no es enteramente fiel al original: el patrón de la mano derecha es diferente, y lo mismo va para algunos acordes, especialmente en el estribillo. Para conseguir la afinación, simplemente bajen un semitono la primer cuerda en un bajo de seis o, en uno de cinco, además de hacer eso coloquen el transporte en el traste 17. ¡Que aproveche!

Alejandro Tiscornia es compositor, arreglador, productor, coach y ejecutante de bajo eléctrico.

Actualmente se desempeña como bajista del power-trío Malopa Quasar y de la Quantum Orchestra y trabaja en el soundtrack de dos videojuegos a punto de salir.

Por cualquier consulta podés encontrarlo en aleluist@gmail.com

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ArPEgiO CON SWEEP Esta técnica consiste en usar el movimiento de la púa en la misma dirección (púa solamente para arriba y para abajo ), así ganamos mucha velocidad en la ejecución del arpegio. Por Denison fernandes

Una de las cosas más difíciles de aplicar esta técnica es mantener la definición de cada nota musical, no permitiendo el sonido "sucio". Este ejemplo contiene el arpegio de G por todo neck de la guitarra. Estudiar el ejercicio lentamente y aumentar gradualmente la velocidad, así obtendran una buena técnica ! Abrazos!

Guitarrista Brasileño, estudió en la Universidad Souza Lima.

Escribió para la revista Guitar Player, además de ser uno de los referentes en guitarra rock-metal de Brasil.

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Suplemento técnico | 39

MiDi

MiDi PArA guitArriStAS (PArtE i) hoy en día muchos guitarristas combinan equipamiento muy diverso, desde pedales de efecto vintage y amplificadores valvulares hasta efectos programables digitales, sintetizadores y computadoras. Por josé fuentes

Combinando todos estos equipos al tocar podemos lograr el sonido que queremos para cada parte de una canción. Por ejemplo, podemos usar chorus+delay por el canal clean del amplificador para tocar arpegios en las estrofas, phaser+reverb por el canal overdrive en los estribillos, y wah por el canal overdrive durante el solo de guitarra. Un pedalboard o rackera junto con uno o varios amplificadores nos brindan una muy interesante gama de sonidos. Sin embargo, al intentar aprovechar en vivo toda esa flexibilidad se nos presenta un inconveniente: pasar de una combinación a otra se va volviendo engorroso a medida que aumenta la cantidad de equipos. Pasar de un sonido chorus+delay+clean a otro que es phaser+reverb+overdrive implica pisar 4 pedales y el footswitch del amplificador.

Pisar varios pedales en forma rápida para pasar de un sonido a otro es lo que se conoce como "tap dancing" (zapateo).

Observando el equipamiento de guitarristas como David Gilmour, Steve Vai y John Petrucci, sólo por mencionar algunos ejemplos, notamos que todos ellos usan un dispositivo que simplifica el manejo de los equipos en vivo: una pedalera (foot controller) desde la cual se maneja al resto de los equipos. Podemos decir que es una especie de "control remoto inteligente" capaz de almacenar configuraciones de efectos y enviarlas a otros equipos. Dado que el standard para la comunicación entre equipos musicales es el MIDI, las pedaleras controladoras se conectan a otros equipos mediante una conexión MIDI. Para el caso de los equipos que no tienen MIDI se utilizan dos dispositivos auxiliares que actúan como interfaces: el primero es el "audio switcher", que de acuerdo a los comandos MIDI recibidos conecta y desconecta pedales de efecto, y el segundo es el "amp controller", que según los comandos MIDI que recibe va accionando las funciones del amplificador (funciones que normalmente se controlarían mediante el footswitch, como cambio de canal, activación de reverb, loop de efectos, etc). La utilización de una pedalera controladora junto con audio switchers y amp controllers permite tener un control total del equipamiento, a la vez que se evita el tap dancing.

Físicamente, el conexionado MIDI generalmente consiste en cables con fichas DIN de 5 pins. Una forma de comunicar la pedalera MIDI con el resto de los equipos es utilizando un conexionado "daisy chain" (serie): la salida MIDI OUT de la pedalera se conecta al MIDI IN del primer equipo, la salida MIDI THRU (que retransmite lo que se recibe por MIDI IN) del primer equipo al MIDI IN del segundo, y así sucesivamente. El conexionado daisy chain se vuelve poco confiable cuando se conectan más de 4 equipos, aumentando la latencia y la probabilidad de errores de transmisión, para esos casos es recomendable utilizar el conexionado "star" (estrella) utilizando un MIDI thru box (adaptador con una entrada MIDI IN y varias MIDI THRU). El conexionado star se realiza conectando la salida MIDI OUT de la pedalera a la entrada MIDI IN de un MIDI thru box, y las salidas MIDI OUT del thru box al MIDI IN de cada equipo.

La pedalera controladora transmite al resto de los equipo los llamados mensajes MIDI. Estos mensajes no son otra cosa que secuencias de números que representan un determinado tipo de información. Los dos tipos de mensajes MIDI más utilizados para controlar efectos y amplificadores son: control change y program change. Ambos mensajes contienen un número denominado MIDI channel (canal MIDI) que permite direccionar los mensajes a un dispositivo en particular dentro de una cadena MIDI. Control Change: indica una actualización del valor de un parámetro, por ejemplo, el control change número 7 es generalmente el volumen master. El rango de valores posibles del control change va de 0 a 127. Un tipo particular de control change es el bank select, que selecciona un rango de presets (bank), por ejemplo, para banks de 128 presets, el bank 0 abarca los presets del 0 al 127, bank 1 del 128 al 255, bank 2 del 256 al 383, etc. El bank select no produce ningún efecto visible además de cambiar el bank actual, pero afecta a todos program change que puedan venir a continuación.

Program Change: indica un número de preset dentro un rango (bank), por ejemplo, si un equipo recibe el program change 67 debe cargar el preset correspondiente a ese número en el bank actual (67 en el bank 0, 195 en el bank 1, 323 en el bank 2, etc). El rango de program change va de 0 a 127.

Las combinaciones de presets y parámetros de los equipos se almacenan a su vez en presets de la pedalera en forma de mensajes MIDI. El siguiente es un ejemplo de preset de una pedalera controladora: Preset #140: Bank select 1 en canal MIDI 5.

Program change 11 en canal MIDI 5 (activa en los dispositivos configurados para canal MIDI 5 el preset 11 del bank 1).

Bank select 3 en canal MIDI 1.

Program change 11 en canal MIDI 1 (activa en los dispositivos configurados para canal MIDI 1 el preset 11 del bank 3).

Control change 7 con valor 127 en canal MIDI 1 (actualiza el volumen de los dispositivos configurados para canal MIDI 1 al valor 127).

De esta forma cada una de las combinaciones de efectos queda guardada en un preset de la pedalera controladora. Con solo presionar un botón de la pedalera se transmite un conjunto de mensajes MIDI al resto de los equipos, simplificando la ejecución en vivo.

Jose Fuentes es diseñador de efectos digitales y equipamiento MIDI. Contacto: www.facebook.com/maxcontrolelectronics

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lECCióN #1: ArPEgiOS quiNtAlES En esta nueva lección les enseño unos arpegios muy interesantes llamados arpegios quintales, porque están formados por quintas en su mayoría. Por juampy juárez

El primer músico en usar stacks de quintas en la música fue el compositor clásico nacido en Hungría Bela Bartok, luego estas ideas fueron ampliadas y expandidas por guitarristas como Joe Diorio, Framk Gambale y Allan Holdsworth, y pianistas como Mcoy Tyner, Herbie Hancock, etc. La mejor forma de memorizarlos es usarlos, componer pequeñas cosas, como intros, finales o estudios, e improvisar con ellos. La técnica de sweep picking o barridos es ideal. Siempre conviene utilizar metrónomo para fortalecer el sentido del "tempo". Además de lo que ven en esta lección, siempre es bueno que investiguen por su cuenta, esa palabra, investigar, les abrirá nuevos horizontes , e infinitas posibilidades musicales. Nos vemos la próxima!!"

“Juampy Juarez es uno de los guitarristas esenciales de la guitarra moderna a nivel mundial” Blog Prepared Guitar.

Ha tocado con Ben Monder, Sid Jacobs, Howard Alden y Pedro Aznar entro otros.

Su ultimo album en trio "Hiperborea" esta a la venta en Itunes, Amazon e Spotify. www.juampyjuarez.com.ar

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ArPEgiOS CON tAPPiNg: AgrEgANDO EXtENSiONES En este número les voy a mostrar una manera sencilla de emplear nuevas sonoridades a una conocida técnica, como lo es el tapping aplicado a los arpegios. Por Silvio gazquez

Usar tapping para tocar arpeggios es una técnica muy usada por varios de los guitarristas llamados Shredders de finales de los 80s y también de los 90s, tales como Greg Howe, Jason Becker y especialmente Michael Romeo, de la banda de metal progresivo Symphony X. La técnica consiste básicamente de ligados ascendentes y descendentes (hammer on & pull off), tapping y saltos de cuerdas (en inglés String Skipping). También hay que tener muy en cuenta que la primer nota de cada cuerda no es pulsada con la púa en ningún momento, por lo cual creo que es la parte mas difícil, porque tenemos que golpear la cuerda (de ahí viene el nombre de tap o tappping) con algo de fuerza con nuestro dedo índice para que suene limpio y prolijo. A esta técnica también le llaman tapping a dos manos o two hands tapping.

En mi primer lección para ésta revista, ya vimos los arpegios básicos con tapping.

Entonces, lo que quiero mostrarles en esta nota, es como podemos darle una vuelta de rosca y sacar nuevos e interesantes sonidos, tocando prácticamente lo mismo.

La idea es agregar extensiones en las notas que tocaremos con tapping. Sin entrar demasiado en el campo teórico, digamos que las extensiones en los acordes o arpegios, son las notas que se encuentran arriba del intervalo de séptima, como lo son los intervalos de novena, oncena y trecena. Entonces, veremos como tocar

con una misma técnica y patrón, 3 acordes diferentes, menor 7ma (m7), mayor 7ma (maj7) y dominante (7), cada uno con un ejemplo usando extensiones.

Ej 1. Esta sería la forma básica de tocar un arpegio menor 7, en este caso Em7. Empezando en la 5ta cuerda (A). El orden de notas es el siguiente: Tónica (E), 3ra menor (G), 5ta justa (B), 7ma menor(D), Tónica, 3ra menor, 5ta justa, 7ma menor y tónica.

Ej 2. Como mencioné antes, la idea es usar el mismo patrón y en éste ejemplo, solo cambiaremos 2 notas con la mano derecha. Osea que en vez de tocar una tercera menor sobre la 3er cuerda (G), vamos a tocar una 4ta u 11na (A) y una 9na (F#) en la 1ra cuerda. Logrando así un arpegio de Em11 Ej3. En este ejemplo, tocamos el arpegio de Emaj7, las notas de este acorde son E, G#, B y D#.

Bueno gente, espero que les sirva el material y que lo puedan incorporar a su propio estilo y cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo. Hasta el próximo número y a practicar… saludos!

Silvio Gazquez es un guitarrista y compositor de Lincoln, provincia de Buenos Aires. Desde el año 2008, trabaja en la compañia americana Guitarcontrol.com. Ha ganado varios concursos de guitarra en youtube y tambien cabe destacar que fue 2 veces finalista consecutivo del concurso internacional Guitar Idol, participando de la final en Londres, Inglaterra. En Julio del 2015 publicó su primer trabajo discográfico llamado "Night Sky". El disco contiene estilos variados, predominando el smooth jazz, la fusion y el rock.

Se puede escuchar en su totalidad en ésta dirección: https://silviogazquezproject1.bandcamp.com/album/night-sky

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line 6 M13 sToMpBoX MoDeler guiTar

La pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar es mucho más que una pedalera convencional. Tiene más de cien efectos de las más populares Stompbox de Line 6. Construido con materiales de alta calidad, hacen que sea posible que pueda recibir una verdadera paliza y todavía suena impresionante. Además, cuenta con varios conectores de entrada y salida incluyendo puertos midi.

Como describimos antes, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar posee más de 100 efectos para guitarra, 19 de ellos delay, tanto analógicos como digitales. También incluye 18 distorsiones únicas, 12 reverberaciones.

También hay una variedad de filtros como wah y efectos de tono. También encontrará 22 moduladores y compresores.

Este es un dispositivo hecho por Line 6. Es decir, muy fácil de usar. Para comenzar a crear sonidos hay que conectar una guitarra y elegir el tipo de efecto que uno desea utilizar, ya sea un delay, una distorsión, un modulador o un filter. Además de ser fácil de configurar, suena muy bien en todas sus características es muy adaptable a tus gustos.

Para evitar confusiones, los cinco tipos de efectos están codificados por color, por lo que la luz de fondo de la pantalla y el LED cerca de la pedalera, te dirá qué tipo de efecto que se está ejecutando. Hablando de las pantallas, son bastante pequeñas, así que si estás utilizando la M13 para actuaciones en vivo, realmente no vas a ver mucho más que el color a menos que te

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agaches. Llena de más de 100 distorsiones, delays, reverbs y más, la Líne 6 M13 Stompbox Modeler ofrece acceso inmediato todo un arsenal de sonidos de pedales clásicos de la historia.

La belleza de la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar radica en su simplicidad y flexibilidad. Se tarda unos 10 segundos para memorizar el código de colores para los diferentes tipos de efectos, pero horas para ir a través de la configuración y los diferentes modelos. Hay dos modos de funcionamiento diferentes: el modo estándar y el modo de escena. Modo de escena funciona como cualquier otro parche MIDI - llamar el parche y lo trae a colación los modelos pre-configurados en el orden pre-configurada y con los niveles pre-configurados. En el modo de escena que tienen acceso a los modelos activos de cada banco y se pueden activar y desactivar individualmente. La pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar combina los modelos y capacidades de los estimados DL4 Delay, DM4 Distortion, FM4 Filter y MM4 modulación y agrega algunas sorpresas adicionales, tales como la compresión de Line 6 Vetta , para proporcionar 78 efectos diferentes.

En pocas palabras, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar elimina las molestias de usar pedales individuales, que implica cargarlos, conectarlos, etc. y al al tiempo que proporciona los mismos sonidos y añadiendo nuevas funciones versátiles como el looping. La M13 cuenta con una construcción a prueba de balas y es comparable en calidad de construcción y la funcionalidad de los controladores profesionales.

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jiMMY page

Heston, lugar donde nació, es un suburbio de las afueras de Londres. Cuando el pequeño Jimmy cumplía ocho años, su familia decide mudarse a Epsom, otro suburbio del Gran Londres, ubicado en el sur, donde recibió sus primeros contactos con la música.

Recién a los doce años, su padre le trae su primera guitarra con la cual empieza a tomar algunas clases.

Esto duró poco porque este gran guitarrista siempre fue autodidacta. Sus influencias tempranas fueron curiosamente guitarristas de rockabilly, más precisamente dos músicos que habían tocado con Elvis Presley, Scotty Moore y James Burton como también lo fue Johnny Day, quien había colaborado con los Everly Brothers.

En 1957, Page debuta en la televisión en un programa de jóvenes talentos tocando el tema "Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More". Tan grande era la pasión por la guitarra que jamás se alejaba de ella, llegando al punto de llevarla a la escuela donde estudiaba donde la mayoría de las veces, las autoridades del establecimiento se la quitaban. En esa época, decidió dejar el colegio para dedicarse de lleno a la mú-

46 | jimmy Page

james Patrick Page, más conocido como jimmy Page, nació en heston, Middlesex, en inglaterra, el 9 de enero de 1944. fue el único hijo de james Page y Patricia Elizabeth gaffikin. Su padre era empleado administrativo y su madre fue secretaria y enfermera. influenció a todos los guitarristas del mundo y es uno de los guitarristas más asombroso y talentoso del mundo. Por g&B.ar

sica y consiguió entrar a una banda de rock, The Crusaders, en la cual estaba como cantante Neil Christian. Participó en esta banda durante un poco más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que no le impidió seguir dando conciertos. Al retirarse de The Crusaders, tomó la decisión de anotarse en una escuela de arte para dar rienda suelta a su otra pasión, la pintura.

Who o The Kinks, gracias a un productor de apellido Talmy quien consideraba a Jimmy uno de los mejores guitarristas de ese momento. Además, trabajó con artistas de la talla de The Rolling Stones, Van Morrison, Marianne Faithfull, Dave Berry o Brenda Lee, también ejerció como productor y tocó con John Mayall, Nico, Chris Farlowe, Twice as Much y Eric Clapton y participó del disco del debutante Joe Cocker.

Cuando aún estudiaba en esa escuela, Page concurría a un club de Londres llamado el Marquee Club donde compartía escenario con guitarristas como Jeff Beck Eric Clapton, Cyril Davies o Alexis Korner. En una de estas eternas sesiones, John Gibb, miembro de The Silhouettes, le pidió su ayuda para grabar una serie de singles, pero no fue hasta que recibió una oferta de Mike Leander cuando pudo trabajar enteramente en estudios de grabación como músico de sesión. Su primera grabación fue con Jet Harris y Tony Meehan el single "Diamonds", que alcanzó el número uno en las listas británicas en 1963.

Ya en 1964, Jimmy Page recibe una oferta para reemplazar a su amigo Eric Clapton en The Yardbirds.

A lo cual se niega por lealtad a su amigo. Un año después, Clapton abandona el grupo y es tentado nuevamente para reemplazarlo y una vez más rechaza el ofrecimiento para seguir siendo músico de sesión, con lo cual le iba muy bien económicamente. Recomienda para ese puesto a su otro amigo Jeff Beck.

Jimmy Page terminó trabajando con grupos como The

Lo que sigue es mundialmente conocido y nos ocuparemos en otra nota. Jimmy Page, convoca a Robert Plant, Jason Bonham y al bajista y tecladista John Paul Jones y forma la exitosísima banda Led Zeppelin. Pero eso es parte de otra historia.

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