Guitarristas y Bajistas Magazine #43

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 CLíNICA PABLO DELLA BELLA - Página 08 LLEVANDO MI MúSICA PArA ASIA - Página 10 WAShBurN PArALLAxE DAVID PALAu - Página 11 LA OTrA MIrADA DE CLAuDIO fAzIO - Página 12 ENTrEVISTA A fACuNDO LÓPEz BurGOS - Página 14 GIBSON fLyING V y x-PLOrEr - Página 16 SELMEr MACCAfErrI - Página 17 ENTrEVISTA A DAVID PALAu - Página 18 JIM DuNLOP - 50 AñOS - Página 20 ENTrEVISTA A SErGIO BErDIChEVSky - Página 22 PEDALES fuhrMANN - Página 28 hISTOrIA DE LA GuITArrA ELéCTrICA - Página 30 ENTrEVISTA A JuLIAN BArrETT - Página 32 DEAN CADILLAC SELECT CLASSIC WhITE - Página 33 yAMAhA PACIfICA 611VfM - Página 34 JOE PErry - Página 44 CÓMO ELEGIr NuESTrO BAJO? - Página 45 fLEA - Página 46

SuPLEMENTO TéCNICO fErNANDO PArETA - Página 35 IGOr SAAVEDrA - Página 36 MAyCOWN rEIChEMBACh - Página 37 ALEJANDrO TISCOrNIA - Página 38 PABLO SANTOS - Página 39 MELLO Jr - Página 40 fELIPE ANDrEOLI - Página 41 rICArDO PELLICAN - Página 42

Editor Responsable florencia Pérez del Valle

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Director del Suplemento Técnico Maycown reichembach Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com Colaboradores Fernando Pareta Igor Saavedra Maycown Reichembach Pablo Santos Alejandro Tiscornia Mello Jr. Felipe Andreoli Ricardo Pellican

04 | Editorial

Año 9º - Nº 43 | Abril 2015 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Ideográfica - Perón 935 (1038) C.A.B.A Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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NOVEDADES DS PICKUPS Nuestros amigos de DS Pickups presentaron unos nuevos accesorios para micrófonos, marcos para micrófonos doble bobina, estos son:

• SET MASTIL Y PUENTE • BASE PLANA - COLOR NEGRO • CODIGO: DS-A1 • SET MASTIL Y PUENTE • BASE PLANA - COLOR CREMA • CODIGO: DS-A2 • SET MASTIL Y PUENTE • BASE CURVA - COLOR NEGRO • CODIGO: DS-A3

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Novedades | 05

EllISOUND

NOVEDADES YAmAhA

Como ya nos tienen acostumbrados, nuestros amigos de la editorial Ellisound nos han informado que publicaron un texto didáctico muy práctico e interesante para todos aquellos guitarristas que quieran ahondar en el Blues, escrito por el gran profesor y guitarrista Miguel Vilanova, también conocido como Don Vilanova “Blues para guitarra” técnicas de blues acústico. No olviden que está disponible toda una variedad interesante de libros, de diferentes estilos musicales y autores. Pueden encontrar más información en http://www.ellisound.com.ar

Como bien sabemos, la serie de guitarras eléctricas Yamaha Pacífica ha superado el millón de unidades vendidas en todo el mundo, en esta oportunidad, nuestros amigos de la empresa Yamaha Music nos presenta la Yamaha Pacífica modelo PAC611VMF que entre sus accesorios cuenta con el aporte de importantes marcas como Seymour Duncan, Graphtech, Grover y Wilkinson. A disfrutarla!!.

NOVEDADES TEVElAm ImPErDIBlE mASTEr ClASS DE DAVID PAlAU Y mUSICOS INVITADOS

NOVEDADES GrUPO IKONO

David Palau, prestigioso guitarrista de Joan Manuel Serrat, David Bisbal, Alejandro Sanz, Miguel Bose, David Kimball, brindara una extraordinaria clínica – master class de guitarra junto a un selecto grupos de músicos invitados, entre ellos podremos encontrar a: El baterista Cristian Judurcha (Spinetta, Pedro Aznar, Lito Vitale), el bajista Daniel Castro (Vicentico y Richard Coleman),el cantante Rubén Goldin y además se sumaránCoqui Rodriguez (Pedro Aznar) y Fabian Prado (Memphis).

La cita es el Viernes 17 de Abril a las 20hs. en el “Teatro Auditorio Cendas” en la calle Bulnes 1350 del barrio de Palermo, en la ciudad autónoma de Buenos Aires. Las entradas serán sin cargo y las vacantes son limitadas.

El Grupo Ikono no deja de sorprendernos con sus guitarras y bajos eléctricos Dean. En esta oportunidad lo hacen con la Dean Cadillac Select Classic White.

Inscripcion: facebook.com/WashburnArgentina Auspician: WASHBURN GUITARS y LINE 6 Organiza: TEVELAM

Manteniendo sus especificaciones originales, la gente de Dean lanzó nuevamente al mercado esta excelente guitarra eléctrica. Bien por ellos y mejor por nosotros.

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Pablo Della bella

Ante la presencia de unos exclusivos y selectos participantes, el actual bajista del cantante boricua, Ricky Martin, brindó una clase abierta que duró apro-

El Lunes 23 de febrero de este año, el talentoso bajista Pablo Della Bella, ofreció una muy didáctica e interesante clínica en el espacio de arte del barrio de Villa urquiza de la capital de nuestro país, llamado Domus Artis.

Por Sergio resar

tacados, Pablo Della Bella formó parte del equipo Universal Studios en Los Angeles, California y actualmente se desempeña como el bajista de Ricky Martin. Desde el 2007, Pablo Della Bella vive en Estados Unidos perfeccionándose no tan sólo en su instrumento sino que también ha realizado estudios de improvisación, composición y dirección. Este músico nacido en diciembre de 1986, sentado tras su bajo Fender Jazz Bass Deluxe de 5 cuerdas del ’07 que lo acompaña en todas sus clínicas y actuaciones en

vivo, nos explicó a Guitarristas y Bajistas.ar en forma exclusiva que su instrumento es verdaderamente muy versátil a la hora de ser ejecutado.

También Pablo se ha convertido en el director musical más joven en la historia de la empresa de cruceros Royal Caribean cuando fue promovido a esta estado a la edad de 21. Los deberes de Pablo incluían manejar 24 músicos que estaban a bordo y el programar que se tocaba en cada función.

ximadamente dos horas que se nos hizo realmente muy amena y corta, pues todos los que estábamos ahí, queríamos disfrutar un poco más de las ejecuciones de este magnífico músico. La clínica consistió en cómo encarar la improvisación y los solos, técnicas de estudio para músicos, técnicas de bajo y ejercicios, lectura a primera vista, cómo lograr solidez y buen tempo, escalas y sus usos, Groove y fraseo y sonido. Pablo Della Bella, comenzó su carrera musical a los 6 años estudiando piano. A los 14 años tuvo su primer acercamiento con el bajo y a los 16 ya lo tomo como su instrumento principal. Pablo fue autodidacta hasta el momento en el que Berklee College of Music le otorgó la beca. Su ambición, dedicación y esfuerzo lo llevaron a convertirse en un músico reconocido y de gran talento. Entre sus trabajos des-

08 | Clínica Pablo Della Bella

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llevanDo mi música Para asia vado ese día (lamenté no haber llevado más!) y fuimos a comer las comidas típicas. Al ser vegetariano, ya había puesto una cláusula en el contrato para que me lleven a lugares donde se puede por lo menos elegir la comida, pero la sorpresa fue que casi toda la comida asiática es picante y agridulce, y tuve que probarla… rápidamente me acorde de Argentina, jajaja y que la cultura marca un país.

El tercer día hicimos ensayo con la banda que me acompañaría en el show, para mi sorpresa, eran músicos de mucha trayectoria y súper buena onda, algunos de ellos no hablaban nada de inglés, así que nos comunicábamos por señas (cuando no estaba el traductor). Ensayamos casi cuatro horas seguidas con una temperatura de 42 grados y una sensación térmica de 46 grados! Pero para ellos es normal, para mi no, y después de terminar parecía haber salido de una pileta y no de una sala de ensayo.

Voy a tratar de contar lo que fue la increíble experiencia de llevar la música Argentina, y no hablo de un estilo musical, sino del arte hecho en este país, al viejo continente Asiático. Todo empezó en 2012 cuando edité mi disco “Awakening the Spirit” para un sello norteamericano, este disco es una mezcla de jazz, rock y música Argentina. Gracias al sello pude vender el álbum a varios lugares del mundo, y uno de los lugares que más vendí fue Asía. Siempre escuché de otros profesionales de la música que llegar al continente Asiático era otro mundo, y realmente fue así. En Octubre del 2014 emprendí mi primera gira a este milenario continente, con la ayuda de la Cancilleria Argentina y (obviamente) la productora Asiática concretamos un show en Johor Bahru que es la segunda ciudad en importancia de Malasia y un Workshop/Clínica en Singapur.

No sé si sabrán, pero un pasaje ida y vuelta cuesta alrededor de U$S 4.000.- lo que equivale a producir un show sea todo una inversión para la productora. Me habían dicho que serían 28 horas de viaje (si!!! leiste bien!!!), salí de Buenos Aires a las 23:45 hs, la primera escala fue San Pablo – Brasil, que fueron nada más que de 3:30 hs de viaje aproximadamente, luego de una hora de espera, salí para Doha , Qatar que queda en Emiratos Árabes, fueron más once o doce horas de viaje, y ahí me pude dar cuenta ya del cambio de cultura que tendría que atravesar en los próximos ocho días que duraría la gira. El aeropuerto es al mismo tiempo un museo y un shopping, podés comprar todo lo que te imaginas y sin impuestos! (ya me estaba divirtiendo y eso que no había llegado aún), luego de 6 horas embarque en otro avión destino a Singapur.

Realmente perdemos el sentido horario ya que salí de Argentina a la noche, viaje 28 horas y llegue a Singapur de noche… casi sin dormir… La migración en Singapur es estricta y más aún si te ven con una guitarra, me preguntaron que iba a hacer en su país y muchas

10 | Llevando mi música para Asia

cosas más en un interrogatorio de diez minutos, después de liberado me esperaban los productores en un automóvil de alta gama en la entrada del Aeropuerto Chingi. Viste cuando te dicen que allá es todo al revés?

Es verdad! Manejan del lado contrario similar a los ingleses, no podía entender… entre que se me cerraban los ojos por no dormir por más un día y viendo todos esos edificios de formas increíbles!. Saliendo del aeropuerto pude ver dos Ferrari y una persona de la producción me contó que Singapur es un país muy rico, pero que tienen leyes muy “fuertes”, además de otras cosas diferentes. En el viaje con la producción me dijeron que teníamos más hora hora de viaje hasta Malasia, más migraciones, más preguntas…Después de 31 horas me hospedaron en un hotel 5 estrellas llamado The Puteri Pacific ya un nombre sugestivo para nosotros los latinos, jajaja.

Tuve dos horas de descanso y me pasaron a buscar para una presentación de divulgación en un centro comercial, toque un tema con playback y hable algunas palabras, realmente me sorprendió, ya que el centro comercial paró para ir a vernos y sacarse fotos con nosotros (otro artista que abriría mi show y yo). Termine agotado ese día, me dejaron en el hotel ya sabiendo que al otro día sería la clínica y sesión de autógrafos en una casa de música muy conocida en Malasia. Esa noche no dormí debido a la confusión horaria que tenia en mi cabeza! Eran las 12 PM en Johor Bahru pero las 11 AM en Argentina…

Al otro día temprano nos fuimos para donde sería la clínica, me sentí por un momento Michael Jackson, debido al respeto y admiración que tienen por la música y/o músicos, los asiáticos te preguntan todo, desde como utilizas tal técnica a que alimentos comés para sentirte más fuerte para una rutina de estudio, realmente lo traté el tema con bastante humor y fue muy divertido; al final vendí todos los discos que había lle-

El cuarto día fue el gran día, el día del concierto, luego del súper desayuno del magnífico hotel, me pasaron a buscar para la prueba de sonido, fueron como 6 a 8 horas entre armado y prueba de sonido, son muy perfeccionistas a tal punto de quedar casi media hora sacando sonido a un tacho que nos volaba los tímpanos. El show fue genial! Toqué temas de “Awakening The Spirit” y un par de temas acústicos con guitarra de cuerdas de acero y me animé a tocar “Adiós Nonino” de Piazzolla en un acto de locura, ya que no estaba preparado, pero lo decidí cinco minutos antes debido a la increíble recepción de la gente. También me pude dar cuenta que Maradona, Messi y Piazzolla son dioses para ellos… porque antes que empiece mi show, empezaron con un cantito repitiendo esos nombres, hasta que salí al escenario, realmente me sentí orgulloso, amo Argentina.

Al finalizar el show hicieron una fila para la firma de los discos y fotos, los que se quedaron sin discos, traían servilletas o pedazos de papel. Realmente estaba entusiasmado con todo y cuando nos íbamos se acerco un señor de mediana edad a felicitarme por el show y a invitarnos a cenar a un finísimo restaurante de Malasia, obviamente aceptamos todos. Después de charlar un rato nos contó que era del medio del cine, que trabajó en la película “Evita” en Argentina y que amaba nuestro país, fue una grata sorpresa, porque este señor Murria también trabajó para Harry Potter, Indiana Jones y muchas otras películas y me estaba haciendo una propuesta (no indecente, jaja) quedamos en charlar mas adelante y así terminó el día en Johor Bahru.

Luego tuve dos días para conocer la ciudad, el mar, las afueras de la misma y la casa del rey, tiene una replica de la casa de los pica piedras lleno de oro por todas partes y esas cosas extravagantes que solo vemos en revistas y películas. Ya al séptimo día se venía la odisea nuevamente, volver a Argentina, más 31 horas sumando todos los transportes terrestres y aéreos. Esta es nada más mi pequeña experiencia llevando la música instrumental a otros lados del mundo como embajador musical de Argentina, a través de la Cancilleria Argentina.

Gracias por leerme nos vemos pronto en otra gira! maycown reichembach

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Washburn Parallaxe DaviD Palau

Como siempre, Washburn está a la vanguardia en cuanto a diseño y estética en las guitarras eléctricas.

Ahora nos sorprende con una nueve serie, la Parallaxe, una guitarra exclusiva al alcance a de todos.

Desde el 2013, David Palau, guitarrista de David Bisbal, Joan Manuel Serrat entre otros, ha firmado con esta tan importante empresa. A principios de agosto del 2014 David Palau presentó las nuevas Washburn Palau, inspiradas en la serie Parallaxe. David Palau, guitarrista, músico de sesión, compositor, productor musical y ganador de un Grammy latino en 2012, nos habló de sus nuevas guitarras Washburn Parallaxe Palau Signature, basadas en el modelo de serie PXM-10FR, pero con algunas modificaciones escogidas por el propio artista.

“Unas guitarras maravillosas que gozan de una enorme reputación mundial y grandes endorsers como: Nuno Bettencourt, Jeniffer Batten, Paul Stanley, Trevor Rabin, Stu Hamm... Formar parte de una familia tan respetada me honra profundamente, y representa la mayor recompensa que un guitarrista pueda obtener. Gracias Washburn Parallaxe Guitars!” textual de David Palau. Esa unión abrió un nuevo capítulo en su vida como guita-

rrista, un nuevo horizonte lleno de proyectos donde pronto se divisó la idea de una Signature Washburn Palau. Construida bajo sus especificaciones y con la inestimable ayuda técnica de Xavi Martínez, un increíble especialista y responsable mundial de fabricación.

Próximamente el distribuidor en Argentina, Tevelam SRL traerá esta serie al país y seguramente este modelo.

Las características técnicas de las Washburn Palau son las siguientes: se han presentado las versiones en blanco y en negro El mástil es de arce con diapasón en ébano y los trastes son Super Jumbo. Dispone del Cutaway Stephen's Extended atornillado, cosa que facilita el llegar a los trastes agudos. El mástil es de 24 trastes, de escala de 25.5 pulgadas. Dispone del sistema de afinación Buzz Feiten y clavijas tipo Grover 18:1 y también dispone de un trémolo Floyd Rose FRTP3000 (low profile). El modelo negro dispone de cuerpo de caoba y micrófonos Seymour Duncan (Jazz/Distortion) con un sistema push-pull. El modelo blanco lleva cuerpo de aliso y micrófonos DiMarzio Evolution.

El guitarrista, compositor y productor musical ha colaborado con artistas de la talla de David Bisbal, Alejandro Sanz, Sergio Dalma o Joan Manuel Serrat entre muchos otros. También tiene su propia banda: Güru. Actualmente se encuentra girando junto a Joan Manuel Serrat.

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Washburn Parallaxe David Palau | 11

la otra miraDa

hace un tiempo atrás, en un lugar de la ciudad de Buenos Aires existía una fortaleza llamada Boa Vista, en donde “todo” en la música podía ocurrir y cualquier intruso que pasaba podía ser uno de esos personajes inolvidables que marcaría para siempre tú vida, donde Claudio fazio (Baterista de Sauron) comienza a transitar el camino de la música. Por Claudio fazio

foto: viktoria lagos

Casi formándome me toco allí, en esas zapadas interminables de los viernes y sábados tener el honor de compartir escenario con Héctor Starc, Ricardo Medina, Marcelo Michell, Adrian Otero, Adolfo “La Bruja” Suarez, Boff Serafine, Skay Levinson y Pappo entre muchos otros.

Un día hablando en una entrevista radial conté esas anécdotas y recuerdo que el conductor se detuvo un instante y me dijo entre asombro y risas, - “¿Vos tenés noción con quienes estuviste en ese escenario? ” – “Si claro” - le dije, y recordé una frase que un tal Steve Lukather me dijo en un camarín – “Con unos talentosos colegas”.

Nick Barret (Guitarra) y Clive Nolan (Teclado) (Arena – Pendragon) Marzo de 2004 en un concierto en la ciudad de Santiago de Chile, tuve la oportunidad de conocer a dos de los músicos a los cuales seguía desde mis comienzos. Estaba cerca de los fundadores de dos de las bandas más influyentes en mi concepción del criterio artístico que son Arena y Pendragon. Ambos líderes en sus proyectos y artistas cargados de una impronta interpretativa llena de melodías, texturas, audio y sutileza musical. La experiencia de conocerlos en persona lleno mis expectativas artísticas y personales, pero lo que cambio todo en mi universo fue cuando me propusieron, en su visita a nuestro país, grabar una canción con ellos. Un comienzo que fue casi soñarlo y el paso siguiente fue estar en los estudios ION, sentado en la batería esperando la cuenta de Nick Barret para empezar a grabar la canción. Ser parte de una canción compuesta especialmente para ese momento, y estar compartiendo todo eso con uno de los guitarristas más sentimentales y expresivos que haya conocido y a eso sumarle la participación al mismo tiempo de Clive Nolan como tecladista y productor es algo que nunca olvidare y siempre tendré presente en cada uno de los pasos de mi carrera artística.

12 | La otra mirada de Claudio fazio

Steve rothery (Guitarra) y Steve hogarth (Voz) (marillion) En octubre de 2005 tuve la suerte de cruzarme con Steve Rothery y Steve Hogart en Chile. Yo estaba haciendo la promoción de uno del segundo disco de mi banda, en ese momento, y ellos habían viajado para dar unos conciertos acústicos junto a una banda local. Gracias a un amigo periodista pude llegar a ellos y gracias a la humanidad de ellos llegue a compartir un escenario tocando muchas canciones de sus discos. Si a alguien le debo el animarme a escribir es a Steve Hogarth y su poesía en el disco “Brave”, y si alguien me hizo emocionar a través de sus composiciones es Steve Rothery.

Steve Rothery es un guitarrista que te lleva lentamente de paseo por un océano interminable de momentos emotivos. Simple, técnico, intuitivo y por momentos alocado. Un Grande desde lo humano y lleno de versatilidad al momento de hacer una canción.

Eduardo “Chino” Sanz (Guitarra) Corría el año 1994 y casi por casualidad me convocan para participar de un proyecto que mi hermano Fabián tenía junto a la cantante Sandra Guida. Hice mis audiciones y recuerdo que Jose Luis Fernández, bajista de ese proyecto se me acerca y me dice… flaco ojo con el que toca la guitarra que ese tiene rock de verdad… y ese era Eduardo Sanz. Uno de los guitarristas que más me enseño. Un músico extraordinario desde el lugar por donde lo analices. Soberbio en cuanto a sonoridad, musical desde cada lugar en donde lo escuches y por sobre todo un ser humano capaz de volcar esa humanidad en cada una de sus notas, acordes y melodías. Cada show, cada sesión de grabación, cada ensayo con él es perderte en un laberinto de pasajes musicales que si los aprendes a transitar te llevan a la salida menos pensada pero que a su vez es la más reconfortante. Lo que llevo siempre de

él es haber aprendido muchísimo de sus experiencias y trabajos tanto en estudio como en los shows.

José larralde (Guitarra) y hernan Zicarelli (Bajo) (Sauron) A comienzos del 2014 el destino hizo que me cruzara con ambos audicionando para poder ser parte de su proyecto Sauron. Lo primero que me sorprendió fue esa mística que tiene la música de hacerte sentir parte de alguna canción que se reinventa una y mil veces.

José es un guitarrista lleno de impronta y creatividad.

Contundente y melodioso a la hora de solear y más contundente aun cuando comienza a dibujar los riffs de las canciones. Uno de los pocos guitarristas que escuchas y lo identificas sin tener que recurrir a la ficha técnica del disco o de tu memoria. José te hace crecer en constante y que te compromete en cada uno de los pasajes compositivos, porque es muy importante al momento de tocar, el que te lleven musicalmente a un lugar pero siempre dejándote elegir el camino. José es uno de esos guitarristas a los cuales sigas por el camino que sigas, llegas a un puerto lleno de musicalidad.

Hernán es un bajista con muchas cualidades interpretativas y mucha técnica. Muy buen sonido de dedos y eso lo hace en parte único y diferente. Es completo y criterioso y transita las bases con solvencia, cualidad que te ayuda muchísimo al momento de componer y tocar. Tocando en Sauron puedo decir que el universo me hizo encontrar un lugar en donde estoy disfrutando lo que apasiona mi vida y soy un afortunado por haber tenido la oportunidad de cruzarme con varios artistas a los cuales no solo admiraba sino que pude compartir con ellos vivencias, música y amistad. Vivencias que reflejan una frase que mi abuelo siempre me decía: “los sueños no son inalcanzables, sino que hay que correr un poco para agarrarlos”.

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FacunDo lÓPeZ burGos

Por qué la guitarra?

No sabría responder exactamente, en casa siempre hubo una guitarra, también desde chico he tocado mucha percusión y batería aunque nunca lo desarrollé.

Con quiénes estudiaste?

Mi primer profe de guitarra fue Graciela Testa a los 11 o 12 años con quien debe haber estudiado la mitad de Palermo en aquellos años. Luego estudié con Pino Enriquez y posteriormente con Juan Benítez (con quien años después forme 9 Círculos). También estudié piano con Edgardo Beilin y un breve periodo de saxo con Luis Nacht.

Qué guitarristas te influenciaron?

De chico escuché muchísimo a los Beatles, Joao Gilberto, discos de folclore, Atahualpa, Mercedes Sosa que era lo que sonaba en casa. En esa época no es que le prestara una especial atención a la guitarra pero sin duda han dejado una gran influencia. Un poco más grande escuché muchísimo a Queen por la época que vinieron a la Argentina. El primer guitarrista que me marco conscientemente fue Andy Summers en Police y su escuela (The Edge, Cerati) y un poco de mas grande Stevie Ray Vaughan, Keith Richards, John Scofield, Joao Gilberto.

Cuándo empezaste a tocar con Claudia Puyó?

Toqué como miembro estable de su banda entre 1997 y 2007. He sido guitarra rítmica, solista, único violero, acústico, eléctrico y en un par de ocasiones bajista.

14 | Entrevista a facundo López Burgos

Qué discos y en qué años grabaste con ella?

Participo en dos de sus discos ‘La Razón y la Tempestad’ de 2001 en el que comparto autoría en cinco de sus canciones y ‘El Ángel’ de 2008 en el que toco bajo y guitarra en 2 o 3 temas. has sido productor de alguno de sus discos, cómo fue que llegaste a ese puesto tan importante con una artista tan reconocida?

Si en La razón… es algo que se fue dando solo. En aquella época estábamos todo el tiempo juntos y también con Pilo tocando, componiendo, ensayando, de bares, calculo que fue mas una decisión mía que de ella. Yo simplemente vivía en el estudio y tenía muchas ganas de producir, también fue de gran ayuda que Mariano López compartiera y apoyara varios de mis conceptos.

De todas formas, la producción es compartida con Claudia y Gringui Herrera. Luego sí me dedique a producir y he trabajado además de con Claudia, con Ariel Leyra en varios de sus discos y con numerosas bandas under o artistas nuevos como el caso de Gastón Massenzio o Nokreo Experimento por citar algunos.

Después vino Vía Varela, contanos un poco acerca de esta banda?

Vía Varela fue probablemente el momento de mayor locura e intensidad como guitarrista, ensayábamos mucho y tocábamos cosas realmente difíciles en cuanto a lo técnico, creo que no sólo para mí sino para todos los inte-

grantes esto ha sido así. Estábamos re cebados, había como una competencia súper sana, nos apoyábamos mucho entre nosotros, pero también todo el tiempo íbamos más allá y nadie se quería quedar atrás. También fue una época de gran aprendizaje en el uso de las herramientas, para que te des una idea podía pasar de que me quede en la sala 3 o 4 horas tocando, ponele el sol de la segunda cuerda en el octavo traste. Entonces tocando siempre la misma nota movía la eq del equipo, sólo los medios, los graves, agudos, iba probando todas las combinaciones para escuchar como afectaba al sonido, entonces de golpe cambiaba de viola y vuelta con lo mismo, y así pasaba días, imagínate el mismo experimento cambiando equipos, pedales, después con otra nota, una locura. En esa época fue que empecé a escribir en mi blog sonidodeguitarras.blogspot,com toda la data que iba acumulando.

En qué proyecto estás actualmente?

Mi banda actual es Nokreo Experimento que integro junto a Agustín Beltran (voz), Facundo Cassettari (guitarra), Juan Francisco Vacarezza (Batería) y Francisco Pintabona (bajo). Comenzamos el 2015 de gira por la costa atlántica, en lo que va del año ya realizamos ventiuna presentaciones y estamos trabajando en el material para el segundo disco de la banda además de proyectando una gira inter-ciudades que esperamos nos lleve a todas la ciudades/pueblos en un radio de 200km durante el año. Tenemos muchas ganas de tocar por el interior del

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país. Nuestra próxima fecha en Buenos Aires es el 24 de abril en Citybar Martinez.

Ya el segundo? Pero el primero acaba de salir!

El disco salió a la calle en junio de 2014 pero en realidad fue grabado en septiembre/octubre de 2013. La dinámica actual te hace muy difícil sacar uno o dos discos por año como fue en los inicios del rock pero es a lo que apuntamos. En la actualidad el mercado determina que se le dedique poco tiempo al proceso creativo y mucho a la comercialización del producto. Eso es algo que necesariamente debemos revertir.

Contarnos algo acerca del proceso de grabación?

Fue bastante interesante, para mí como productor es el mejor trabajo que he realizado. Se trabajó mucho, se ensayaba 4 veces por semana y se realizó una preproducción en 12 canales con todo el material, a partir de ahí yo seleccione el material y arme toda la estructura de los temas. Con eso se ensayó a full para entrar en el estudio con la banda sonando ya que el presupuesto era bastante limitado. Las bases las grabamos en ION en dos días. De violas use mi Telecaster, mi SG, una eléctrica de doce cuerdas que construí yo y una Gibson L6 de 1970 que es del viejo del bajista. También use una criolla La Alpujarra. En cuanto a equipos use Marshall JCM 2000, Messa Boggie Mark IV y un Fender Deluxe Reverb de 1967 que es una verdadera gloria. No recuerdo demasiado que pedales use, cuando grabo trato de usar lo menos posible, encontrar el sonido que busco con violas y equipos, seguro el Carbon Copy y algunos Cluster, también un Metal Monster de Guyatone. Después en la mezcla con Guido Aimar hiperprocesamos todo aunque si escuchás, suena todo muy natural, muy sutil. Finalmente el mastering por el genio de Daniel Ovie le termino de dar el toque. Suena realmente muy bien y lo podes escuchar por Spotify!

Estudiaste para ser luthier, por qué?

Recién te comentaba del momento híper obsesivo que viví a mediados de la década pasada en cuanto a obtener el mejor sonido de la viola. Eso me llevo al punto de ne-

cesitar entender algunas cosas que requerían saber cómo se produce el sonido en una guitarra. Jorge Senno, (que además de reconocido blusero es luthier) atendía en ese momento mis guitarras y luego de varios diálogos me convenció de hacer el curso de lutheria que el mismo había tomado años atrás. Lo que empezó como una curiosidad se convirtió en una pasión y en parte de mi trabajo.

Cómo está compuesto tu set actualmente y por qué elegíste estas cosas?

En violas tengo una Fender Telecaster, y dos Gibson: una SG y una Les Paul Firebrand, las cuales rotan de acuerdo a las necesidades de lo que este tocando. Normalmente mi viola principal es la Tele o sino la Les Paul.

Prefiero los instrumentos simples con una fuerte personalidad, en ese sentido escapo a guitarras versátiles que te ofrecen muchas opciones de sonido ya que en definitiva terminan pareciéndose a muchas cosas pero no sonando a nada. Otra cosa importante es el seteo de las

guitarras, prefiero un mástil bien recto y una acción alta del puente, es un seteo muy característico en los bluseros que te entrega el máximo sonido del instrumento aunque no es lo más cómodo para la mano izquierda. En cuanto a calibres de cuerdas uso .010 en Fender y .011 en Gibson. Además de eso tengo una eléctrica de doce cuerdas marca López Burgos Luthier que fue la primer viola que hice y es un caño, una Yamaha de doce cuerdas (acústica) y una criolla La Alpujarra que uso principalmente cuando acompaño cantantes. También tengo un par de criollas y violas económicas que sufren mis experimentos en cuanto a afinaciones bizarras y rarezas.

Por ejemplo una Pacífica que pertenece a mi mujer fue usada como guitarra barítono en el disco de Nokreo Experimento (le puse cuerdas de bajo!!).

En equipos tengo un Marshall JCM2000 DSL100 setado con las mitad de las valvulas de potencia que uso con una caja abierta de 2x12” que me construí copiando diseños Fender, la caja cerrada de 4x12” típica de Marshall me resulta inusable en la gran mayoría de los lugares en los que toco y por otro lado las que hay acá son las de 300W que suenan horribles las posta son las de 100W con 4 Greenback que son caras y difíciles de conseguir.

En cuanto a pedales estoy usando principalmente un set muy reducido con dos Overdrive Tsunami 9 de Cluster y un Delay analogico Carbon Copy de MXR. Estás construyendo actualmente?

En este momento estoy construyendo dos violas inspiradas en lo que sería una telecaster thinline aunque con modificaciones (me gusta mucho la parte de la personalización), y una guitarra barítono que es para mí. Estamos viviendo un gran momento en el que la industria nacional se está desarrollando mucho, hay excelentes luthiers y lo mismo con fabricantes de pedales y equipos.

Donde te puede ubicar la gente?

Quien necesite ubicarme ya sea por clases particulares, producción artística o trabajos de lutheria puede hacerlo en mi facebook personal o bien contactarme por mail a faculb@gmail.com

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Entrevista a facundo López Burgos | 15

FlyinG v y x-Plorer

Cuando Gibson comenzó a trabajar en la primera guitarra eléctrica, asumía la responsabilidad de mantener vivo un legado. Esa guitarra tendría que ser la mejor guitarra eléctrica que el mundo hubiera visto. Por Sergio resar

nuevo puente tune-o-matic, de McCarty, el cual fue fijado por primera vez en la Les Paul Custom de 1954, convirtiéndose en el puente estándar de todas las guitarras Gibson hasta hoy. En 1958 McCarty incorporó dos ideas radicales: una guitarra eléctrica de cuerpo semi-hueco y un grupo de “solidbodies” o guitarras de cuerpo sólido totalmente futuristas y exóticas. La ES335 fue un éxito instantáneo, pues combinaba la cubierta arqueada con un ensamblaje moderno y sólido.

La Flying V, la Explorer y la Moderne demostraron estar décadas adelantadas a su tiempo. La Flying V salió al mercado recién en 1958 aunque sus primeros prototipos datan de 1957. Hechas con madera Korina, una marca comercial de limba, una madera similar pero más ligera que la caoba. Estas Flying V, junto con las Explorer e, inicialmente, la Moderne, formaban una línea modernista diseñada por el entonces presidente Ted McCarty. Estos diseños buscaban darle un aspecto más futurista a la imagen de Gibson, pero no tuvieron éxito en las ventas. La línea inicial lanzada en 1958 se dejó de fabricar en 1959.

En la primavera del año 1935, Gibson reclutó al músico Alvino Rey para que ayudara a desarrollar un prototipo de micrófono (o pastilla) con ingenieros de la compañía Lyon & Healy de Chicago. Más tarde el mismo año, el departamento de investigación se estableció en las instalaciones de Gibson, donde el empleado de la compañía Walter Fuller desarrolló la muestra final. Gibson presentó el distintivo micrófono hexagonal con el modelo “lap steel” a finales del año 1935. El micrófono fue entonces instalado en una guitarra arqueada tipo F-hole conocida como la ES-150 (ES son las siglas de Electric Spanish) y la primera fue despachada desde la fábrica de Gibson en Kalamazoo, Michigan, el 20 de Mayo de 1936.

nuevo reto para Gibson. Al igual que la ES-150 en 1936, la primera “solidbody” debía mantener la tradición de Gibson y al mismo tiempo, adelantarse a cualquier otra guitarra de su especie. Una cubierta tallada y contorneada evocaba los primeros instrumentos Orville Gibson de finales de los años 1800, pero un acabado dorado le añadía un valor insuperable. Con el respaldo de uno de los guitarristas más populares de todos los tiempos, Gibson introdujo el modelo Les Paul en 1952.

La Les Paul se convertiría rápidamente en una familia de cuatro modelos: Junior, Special, Standard y Custom - todas clásicas de Gibson hoy en día. Los modelos más importantes de guitarras Gibson portaban del

Promediando los '60s, músicos como Albert King, Lonnie Mack, Dave Davies, Keith Richards y Jimi Hendrix, entre otros, comienzan a usar guitarras Flying V y dado el interés de los consumidores, Gibson decide relanzarla al mercado. Esto ocurre en 1966 cambiando un poco su estilo y su hardware. En tanto la Explorer la Gibson Explorer original tenía el cuerpo y mástil totalmente fabricados en korina con un acabado natural que mostraba las vetas de la madera; e incorporaba dos micrófonos humbuckers junto a dos potenciómetros de volumen y otro de tono. El encordado era idéntico al de la Les Paul, ya que utilizaba un puente Tune-O-Matic.

El diapasón era de palisandro, con 22 trastes y marcadores de nácar. Este modelo salió a la venta el 1 de julio de 1958 a un precio de 247,50 dólares; con el paso de los años se ha convertido en una de las piezas de colección más caras del mercado: en 2011, su precio ronda entre los 250.000 y los 310.000 dólares.

¿La ES-150 era ES-150 la mejor guitarra eléctrica vista por el mundo hasta el momento? El músico de jazz Charlie Christian, quien convertiría a la guitarra eléctrica en un instrumento con voz propia, lo creía así. Sesenta años después, la Gibson ES-150 aun se conoce como el modelo Charlie Christian y algunos guitarristas de jazz consideran que el mejor micrófono para interpretar el jazz es el de la ES-150 “Charlie Christian”.

El éxito de la ES-150 se convirtió en una espada de doble filo, pues estableció a Gibson como la compañía productora de guitarras eléctricas más reconocida, pero le impuso el reto de sobrepasar su propia invención.

Eso fue justo lo que Gibson hizo después de un corte de producción debido a la Segunda Guerra Mundial.

Años después de la Segunda Guerra Mundial, la guitarra eléctrica maduró y Gibson entró en una era dorada de invención. El micrófono tipo P-90, , presentado en 1946, le brindó a los guitarristas poder y versatilidad.

Bajo el poderoso liderazgo del presidente de aquel entonces, Ted McCarty, Gibson estrenó dos conceptos nuevos en 1949: La ES-5, primera guitarra de tres micrófonos y ES-175, como la primera guitarra con puntas y cortes (o cutaway) agudos. La llegada de la guitarra eléctrica “solidbody” o de cuerpo sólido, generó un

16 | flying V y x-plorer

Guitarristas y Bajistas.ar

selmer maccaFerri

En 1932 Selmer se asoció con el guitarrista italiano y luthier Mario Maccaferri para producir una línea de guitarras acústicas basadas en los diseños poco ortodoxos de Maccaferri. Aunque la asociación de Maccaferri con Selmer terminó en 1934, la compañía continuó haciendo varios modelos de esta guitarra hasta 1952. La guitarra estaba estrechamente asociada con el famoso guitarrista de jazz Django Reinhardt. Mario Maccaferri nació en Cento, una localidad italiana que queda cerca de Bologna en el 1900. A la temprana edad de 11 años, empezó a estudiar luthería en el taller de Luigi Mozzani, que en ese momento era un renombrado constructor de

La guitarra Selmer o como se la conoce habitualmente, Selmer Maccaferri, esta inusual guitarra acústica fue el instrumento favorito de Django reinhardt. fue producida por Selmer, un fabricante francés, desde 1932 hasta aproximadamente 1952. Por Sergio resar

guitarras. Ya en 1929, se instaló en Inglaterra, más precisamente en Londres. Ahí fue donde conoció a los hermanos Davis que trabajaban para Selmer London.

Deslumbrados por los diseños de Maccaferri, lo invitan a conocer al fabricante de instrumentos musicales francés, Henri Selmer para que le mostrara algunas de sus creaciones. Henri quedó impresionado con el trabajo de Maccaferri y lo invitó a conocer su fábrica de Mantes La Ville (muy cercana a París, Francia) y allí le propuso asociarse para comenzar a fabricar sus guitarras. También acordaron que Mario sea el director de esa división y comenzó a reclutar gente para trabajar en su próximo

diseño, la mayoría de las personas que contrató eran italianos. La guitarra que Maccaferri diseñó sólo se vendió entre 1932 y 1933. Se trataba del modelo de Jazz con la boca en forma de “D”. Estas guitarras son conocidas como las Selmer-Maccaferri. Alrededor de 1934 Maccaferri se había separado de la compañía y en ese tiempo alguien del taller cambio este modelo por la del orificio ovalado estas se conocen como guitarras Selmer. La empresa no construyó muchos instrumentos de este modelo, se calculan que hizo alrededor de 1000 y en 1952 dejó de hacerlo. Maccaferri, en 1939, se muda a Nueva York pues en Europa había comenzado la guerra. En esta ciudad comenzó a fabricar instrumentos de viento de plástico, logrando tanta popularidad que Benny Goodman llego a ser Endorser de la marca. En los años ‘50s este gran luthier se interesa en diseñar y fabricar guitarras de plástico. Produjo varias guitarras con el diseño Selmer pero en este material. Nunca fueron muy aceptadas.

DaviD Palau

También estudiaste para ingeniero de sonido, por qué elegiste eso?

Porque me apasionaba tanto grabar discos, la tecnología, como se conseguían los sonidos, todas esas sensaciones que yo recibía de los discos, por ejemplo, soy un admirador desde Alan Parson hasta todos los grandes ingenieros, me apasionaba saber cómo conseguían eso, entonces me fui metiendo poco a poco.

Tenía una portastudio Tascan de 4 canales, empecé a grabar unos demos de las bandas locales y con todo eso fue creciendo mi amor por la tecnología y por el sonido y luego lo arrastré al mundo de la guitarra, por

18 | Entrevista a David Palau

eso siempre soy tan cuidadoso con los sonidos y con todo el concepto de producción.

A vos te apasiona grabar?

Me apasiona grabar, tengo un estudio de grabación, ‘Divertimento Studio’, y cuando no estoy en gira, soy un muchacho de laboratorio y de sesión, todos los días. Grabo mucho online hoy en día. Se acabaron los tiempos de ir con tu guitarra al hombro al estudio, aunque considero que si hace falta porque no hay que perder el contacto con las personas, el trato humano con el artista o con el productor. Hay que saber mirar a los ojos y entender lo que te están pidiendo pero obviamente la tecnología es una bendición, podemos grabar desde España a cualquier país del mundo y eso es maravilloso.

También has trabajado para la televisión, qué hacías ahí?

He trabajado mucho mucho en la TV. Muchos jingles, muchas carátulas de programas y hubo en España un programa muy famoso que se llamaba “Lluvia de Estrellas” que era algo así como gente que imitaba a sus ídolos, alguien que entraba vestido normal y salía al aire transformado y disfrazado como su ídolo y cantaba un tema de él. Ese programa necesitaba muchos playback, todos covers y yo hice sin exagerar no menos de 250 grabaciones de canciones en dos años, una locura. Todo era muy intenso, en la época en que todo se grababa en ADAT y cada vez que había un cantante que te decía, “Podés bajarme medio tono?” te acordabas

de toda su familia, jajaja, Ahí aprendí mucho.

foto: Javi

Por qué elegiste la guitarra?

No fue una elección directa ni inmediata, no fue mi primera elección, cuando era pequeño quería ser baterista, fui un baterista frustrado. Lo primero que cayeron en mis manos fueron unas baquetas, lo golpeaba todo y siempre tuve un amor especial por la batería. Pero en casa, bueno, tu sabes, no fue fácil, no entendieron que también es un instrumento musical y muy sutilmente me sugirieron otras opciones como la guitarra y apareció una en casa que era de unos abuelos que estaba ahí, medio abandonada y empecé a jugar con ella un par de tardes y me enganché. Me enamoré de ella y ahí empecé a estudiar en el conservatorio pero nunca ha sido sólo la guitarra, después aprendí a tocar piano.

Hice ocho años en conservatorio, toda la carrera, más solfeo, más armonía, lo que hay que hacer para ser músico profesional o a aspirar a vivir de esto. Para eso tienes que estudiar como si quieres ser abogado o ingeniero, tienes que estudiar.

Catalán nacido en el 70. Influenciado por bandas como Alan Parsons, Queen, Toto, Van halen y Whitesnake. Esa música fue esculpiendo su manera de tocar y su sonido. Actualmente trabaja desde su propio estudio de grabación ‘Divertimento Studio’. En el marco de la gira de Joan Manuel Serrat que está realizando por nuestro país, David accedió a darnos una nota. Por Sergio resar

Qué guitarristas te influenciaron?

Fíjate que yo crucé los ’80 directamente en mi adolescencia e indudablemente en esa época no podías dejar de escuchar a Steve Vay, Malmsteen, Joe Satriani, Eddie Van Halen, no se podía dejar de escuchar a los grandes pero un poco a raíz de mi pasión por el estudio, empecé a escuchar a los guitarristas que estaban un poco en las sombras y que hacían un gran trabajo como Dann Huff, como Michael Thompson, como Michael Landau. Toda esta gente que creaban texturas y universos, eran guitarristas muy interesantes y muy versátiles. Gente que eran capaces de agarrar una guitarra acústica y tocar tres notas exactas para esa grabación. Mucho más allá de los Guitars Hero. Pero en realidad partiendo de ellos, aprendí.

Luego aprendí, del que para mí es un maestro, Steve Lukather, para mi es el guitarrista por antonomasia.

Un tipo capaz de rockear como nadie y ser sutil como pocos, tener esa sensibilidad y esa delicadeza y entender el concepto. Con él empecé a entender a ese tipo de guitarristas, que además de ser espectaculares, tenían una vertiente de sensibilidad y producción.

Sos un músico de sesión muy reconocido, limita tu creatividad ser guitarrista de sesión?

No la limita, la potencia. Si sólo hiciera mi trabajo, mi música, yo creo que estaría más limitado. Digo la potencia porque cuando uno es cesionista, está completamente en manos de lo que le van a pedir. Hay productores y artistas y llega un momento donde ellos

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piden lo que han escuchado, lo que sienten y todo eso lo depositan en tu confianza, Palau, nos gustaría escuchar tal cosa. Y el motor de la creatividad ahí va a full. Tú tienes que estar constantemente pensando y tomando cosas de tu librería (se señala la cabeza) para darle eso. Si esa persona que te pide eso supiera hacerlo, no te llamaría (risas). Tienes que ponerte en sus zapatos, visualizar su música y ser excesivamente creativo para llegar a darlo lo que él tiene en mente.

versátil. El caso mismo de la gira que estoy haciendo con Joan Manuel Serrat, yo toco guitarra española o criolla como le dicen ustedes, guitarra acústica y tengo dos guitarras eléctricas. Cada vez que yo tomo alguna de ellas no es simplemente que toque una guitarra diferente sino es que me transformo. Soy un guitarrista distinto cuando toco nylon o cuando toco acústica y otro cuando toco eléctricas y eso creo que es la magia, debería serlo para mí al menos.

Qué cosas tiene que tener uno para ser un buen guitarrista?

Yo creo que los guitarristas se preocupan demasiado en ser guitarristas y se olvidan de ser músicos. Están muy preocupados con el lick o con la frase y con la velocidad y hacer pasajes que impresionan porque el guitarrista de por sí es un personaje. Quiere ser siempre el centro del universo. Entonces creo que deberían ampliar más su lado musical, escuchar muchos tipos de música y muchos tipos de artistas desde un punto de vista analítico. Yo desde que trabajo he escuchado desde Metallica hasta Britney Spears. Si a mi mañana me llaman y hay un productor que me hace grabar algo con, yo qué sé? Justin Bieber? Yo tengo que saber qué tipo de guitarras puedo meter en esa producción, qué está de moda.

Tengo que estar siempre informado. Mucho guitarrista que está muy metido en su estilo, luego es poco

Tocaste con Sergio Dalma, miguel Bosé, Django, Alejandro Sanz, David Bisbal y ahora con Serrat.

Por qué creés que estos artistas te llaman a vos?

No lo sé, no tengo claro el por qué. Tengo claro en la relación que se forja luego. Yo creo que en esta vida si haces bien tu trabajo todos los días y da igual que toques en el Madison Square Garden o que toques en un bar o en la calle, toques donde toques la premisa es dar lo mejor de uno mismo, primero porque nunca sabes quién te está viendo y segundo porque esa es mi manera. Si yo toco mal porque hay poca gente, esas personas que tienes delante se llevarán esa impresión de ti y dirán este tipo no tiene ganas de tocar. Todo eso hace que la voz corra y que la gente quiera estar al menos informada. Eso y la versatilidad, eso que comentábamos antes, yo estoy al servicio del artista, fuera de egos y de rollos personales. Y si encima le pode-

mos poner un poco de nuestro sello, es increíble.

Cómo llegaste a ser telonero de Bon Jovi?

Eso fue muy loco, fue en el ’96. Había un concurso en la radio donde había que mandar unos demos, en cassette. No existían ni los MP3 ni nada. Tu mandabas tu demo y había un día a la semana que la radio ponía al aire, no sé, cincuenta canciones y ahí elegían. Hubo como más de mil participantes porque el premio era mucho más que interesante. Era tocar con Bon Jovi.

Yo ya estaba de gira con Sergio Dalma y recuerdo que mandamos la cinta y empieza a llamarme una persona que más o menos me estaba manejando la carrera. – “Oye Palau, estamos entre los 100 primeros”- Me llamó a los dos días –“Palau, estamos entre los 20 finalistas”- Recuerdo que me llamó algo así como un lunes y me dijo –“Palau, el jueves tenemos que estar en el estadio Vicente Calderón tocando como telonero de Bon Jovi”- Había como 70000 personas, luego hicimos Gijón y Pamplona, en total tres shows.

Qué guitarras estás usando actualmente?

En este momento, trabajo exclusivamente por placer con Washburn, ellos hicieron para mí un modelo Signature. La “David Palau”. Es una inspiración de la nueva serie de guitarras Washburn, las Washburn Parallaxe. Es una edición que ha sacado Washburn que es impresionante. Han hecho unas guitarras increíbles.

Yo estuve diez años con otra marca, ellos se acercaron a mí, me propusieron los modelos, me dejaron como unas treinta guitarras para que pruebe y una de ellas es el modelo PXM, que pronto llegará a La Argentina, me mató, me encantó. Tanto el mueble como el mástil.

Obvio que hubo ofertas profesionales y muy atractivas.

Ellos me dijeron “Oye Palau, queremos hacerte un par de Signature Model” y el hecho de tener mi guitarra bajo mis especificaciones, es algo que todo artista sueña pero no por una cuestión de ego sino de tener por el fin el instrumento que tiene todo eso que necesitas y que no te pases la vida en el lutier cambiando piezas para que esté a mi gusto. Creo que a finales de año este modelo entra en producción mundial y estará disponible en las tiendas.

También sos compositor, has compuesto canciones para Bisbal, Ana Belén, Django, etc. Ellos elijen tus canciones o vos componés para ellos?

Ambas cosas, cada vez fue distinto. En el caso de Bisbal escribí directamente para él y con él. Tuve la oportunidad y muchas horas de camarín, empezaron a aparecer ideas que yo iba recolectando y empezamos a escribir toda serie de temas de los cuales al final quedaron sólo dos en su carrera. En el caso de Django, recuerdo estar grabando en el estudio con él y él me dice “Oye, estoy buscando temas para grabar” y le mostré uno que tenía y él lo adoptó. No soy el compositor que trabaja para una editorial y se pasa el día mostrando sus temas pero cuando aparece la oportunidad y se conversa, siempre tengo canciones disponibles para mostrar.

Qué es Gurú?

Gurú es mi banda de rock, es mi proyecto personal.

Gurú es la conclusión de todos los los años de trabajo.

De todo lo que aprendí en la música, en los estudios de grabación y en los escenarios Es la banda donde la gente va a ver a David Palau más Palau. Ya tenemos dos discos y queremos a final de este años sacar el tercero y luego hacer una gira internacional que abarcaría desde Los Ángeles hasta Buenos Aires pasando por Santiago y un montón de ciudades más.

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Entrevista a David Palau | 19

Jim DunloP, 50 años marcanDo tenDencia

historia De una emPresa liDer - un nombre - un mito

50 años, poco tiempo en la historia de la humanidad, impresionante número para una empresa liderando su segmento del mercado. Desde la década del ’60 bien arriba como los STONES! Jim Dunlop vivía en Montreal, Canadá cuando en 1960 decidió marcharse con su esposa a San Francisco, USA. Con apenas u$s 600 en su bolsillo y su esposa embarazada, no dudó en buscar nuevos horizontes. Ese espíritu aventurero y su percepción sobre las necesidades de los músicos, lo han llevado a lo más alto en el mundo de la música. Empezó a trabajar casi inmediatamente como maquinista para mantener a su creciente familia y en sus ratos libres empezó a diseñar accesorios para guitarra. El presidente de la empresa donde Jim trabajaba tocaba la guitarra y le pidió si podía crear un afinador para él y es así como Dunlop crea el Vibra-Tune, un afinador que se unía a la guitarra por medio de una ventosa e indicaba si la misma estaba afinada. Contento con su invención, el señor Dunlop empieza a ofrecer su producto en las tiendas de instrumentos musicales de San Francisco. Increíblemente, este producto no fue bien recibido por guitarristas. Intentando vender su producto en un negocio de música, alguien le dijo que si existiera una persona capaz de crear un capo lo suficientemente bueno para una guitarra de 12 cuerdas, esa persona podría muy fácilmente llenarse de dinero. Utilizando su experiencia en la fábrica donde trabajaba, comenzó a crear uno, ese capo se llamó 1100. Tiempo después, inquieto como pocos y no conforme con su

creación lo mejoró, así nació su primer patente, el capo modelo 1400. La aceptación del producto fue inmediata, había logrado captar la atención de los músicos. El Sr. Lundberg, propietario de una casa de música, le propuso que fabricara algo que cambiaría su vida comercial para siempre, púas de metal para el dedo pulgar. Desde aquel momento tomando nota de los comentarios y sugerencias de músicos y luthiers, se sumergiría en una sucesión de eventos que lo llevarían inexorablemente a convertirse en una compañía de avanzada destinada a liderar el mundo de los accesorios para instrumentos musicales, Dunlop Manufacturing Inc. Mientras los guitarristas comenzaban a incorporar sus productos en su equipamiento, JIM DUNLOP no paraba de crear y mejorar la línea de productos. Ya en ese entonces los músicos con su aporte estaban presentes en su mesa de trabajo, su buen ojo para comprender las necesidades del mercado y el conocimiento adquirido como maquinista de precisión, lo convirtieron en una leyenda viviente. Dado el éxito de la púa para el pulgar, Jim empezó casi enseguida a fabricar púas planas en celuloide, en esos años sólo se podían conseguir medidas estándar Heavy, Medium y Thin, así que una vez más innovó, incorporando seis medidas de púas que iban desde 0.38 hasta 1mm. Con la llegada del nylon como materia prima, no dudó en reemplazar el celuloide. Lejos de quedarse abrazado al éxito obtenido con sus produc-

20 | JIM DuNLOP - 50 años marcando tendencia

tos, Dunlop siguió experimentando e innovando y creó un material al que denominó TORTEX, más durable, flexible y con más memoria que el nylon, estas púas se convirtieron rápidamente en un éxito. Ya en los ‘80s, Dunlop Manufacturing se convierte en el mayor vendedor del mundo de Slides, púas y capos, pero un emprendedor siempre quiere más. Jim Dunlop se enteró que los pedales Cry Baby estaban fuera del mercado desde hacía seis meses, su olfato una vez más lo acompañó, fue tras la marca, hizo una oferta y la compró. Así fue como se inició en el mundo de los pedales de efecto. Esta audaz iniciativa cambió para siempre la historia de la empresa. Por ese entonces Jimmy, su hijo se incorporaba a la empresa.

Siguiendo por el camino de trabajar con y para los músicos, fueron tras Jimi Hendrix con la idea de que el sonido del Cry Baby fuera su sonido. A pesar del éxito obtenido, Dunlop fue por más, adquirió la mítica marca MXR. En los años ‘70s era prácticamente imposible escuchar algún disco que no tuviera un MXR sonando en las guitarras. Led Zeppelin, Van Halen, los Rolling Stones y muchos otros los usaron para grabar y tocar sus clásicos. Hoy, 50 años después, Dunlop con un catalogo de productos que impresiona, es sin lugar a discusión la empresa número uno en pedales de efecto y accesorios para los guitarristas y bajistas.

Jimmy hoy al frente de la compañía, entiende como pocos el negocio, la lista de músicos endorsados y los productos signature que la compañía ostenta, hablan por sí solo.

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foto: Juliana Wainsztein

serGio berDichevsKy

Nadie puede negar que este sólido y contundente guitarrista pesado es uno de los mejores exponentes de la guitarra y que su dupla asesina junto a Gustavo rowek es un binomio más que exitoso. Por Sergio resar

Qué música se escuchaba en tu casa?

Tango por supuesto, tengo recuerdos de la música que se escuchaba desde fines de los ‘60, principios de los ‘70, también los clásicos del rock, The Bea-

tles, Creedence Clearwater Revival, Rod Stewart, The Rolling Stone, algo de Pink Floyd, Alan Parsons, y otros de la época, Focus, no sé...

Rowek, Beto Zamarbide, Saúl Blanch, Guillermo Sánchez y yo. Y algunos músicos más también.

Era medio un palo Rush, ya tocábamos cosas de Judas Priest también.

Por qué la guitarra?

Porque me eligió ella, fue algo natural, no elegí, vino a mí!!!!

Con quiénes estudiaste?

Primero un primo me pasó los primeros acordes, después Julio Morano de WC, Botafogo Don Vilanova más adelante, y aprendí mucho viendo y tocando con Walter Giardino también Cómo se llamaba tu primera banda? Quiénes la integraban?

Era en la escuela secundaria, con compañeros, el otro violero era Juanchi Baleiron de Los Pericos, éramos compañeros en segundo año, debía ser 1978 o 1979, se llamaba Hallowen.

Cómo era tu relación con Juanchi?

Genial, compartíamos la música y la novia jajajajajaj!!! Las guitarras no....

Después vino W.C. contanos sobre esta banda Un gran semillero, por ahí pasamos, Gustavo

22 | Entrevista a Sergio Berdichevsky

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llega rata Blanca a tu vida, cómo fue que ingresaste y en qué año?

De la mano de Gustavo Rowek, ya tocábamos juntos mientras el tocaba en V8. Zapábamos con una banda que se llamaba 220 que tenía después de Hallowen. Cuando V8 se separa, Rowek y yo teníamos pensado hacer algo juntos, cuando él conoce a Walter Giardino me lo presenta y ahí cierra la historia.

Qué discos grabaste con rata?

Rata Blanca, Magos, Espadas y Rosas, Guerrero del Arco Iris, En Vivo en Bs As (en vivo en el Teatro Opera con la Orquesta de Cámara y Solistas Bach), El Libro Oculto, Entre el Cielo y el Infierno, Rata 7, mas algún homenaje a Sumo, un tema y un instrumental para un disco de violeros, con el Preludio!

Cuando se separa rata Blanca, armaste otro grupo, cuál era y quiénes te acompañaban?

Nativo, con Gustavo Rowek, Carucha Podesta, y Javier Tumini, grabamos cuatro discos muy buenos, “Consumo”, “Futuro”, “Vos Tambien”, “Y Que”.

Cómo fue ese cambio de estar en una banda ya consagrada y volver a empezar de cero?

Fue duro pero muy creativo artísticamente, en esa banda sólo había un guitarrista, yo.

Cómo es que fueron el grupo invitado de megadeth en 1998?

Sabes que no recuerdo jajajajaj, seguro nos invitaron por estar entre las posibles bandas a compartir el show, creo que era la época que el sello Nems, que había lanzado el disco "Consumo", nuestro debut.

Pero no fue el único grupo que los invitó a abrir recitales, nos contás cuáles más y en qué años?

Con Nativo, junto a Red Hot Chilli Peppers, Biohazzard, Bad Religion, y algún otro que ya no recuerdo.

Después integraste la banda de mario Ian, llamada precisamente IAN, quiénes estaban en ella?

Gustavo Rowek en batería, Jose Velocet guitarra, primero Cotelo, después García en bajo, Retamozo eventualmente en teclados, Mario Ian en voz y yo.

Ahora en qué proyectos estás?

Con ROWEK, la banda, y además la escuela de rock, Rockyarte (Tel: 011 4544 8525) que tenemos en el barrio de Villa Urquiza con Gustavo, más las clínicas que doy de equipamiento junto a Laney y Cort, que son las marcas que hoy me apoyan en lo que hago, gracias a la gente de Famamusic.

me encuentre y el lugar donde este... mucha música y de todo, menos cumbia.

Cuáles fueron tus influencias? Quiénes son tus guitarristas favoritos?

Uh muchos, los clásicos, Eric Clapton, Slash, Randy Roads, Tony Iommi, Jimmy Page, Jimi Hendrix, Angus Young, David Gilmour, Billy Gibbons, Steve Ray Vaughan, Brian Setzer!!!

Cómo está compuesto tu set?

Amplificador Laney Iommi, bafle Laney, Cort Z Custom 2, Wah Cry Baby, Rotovibe, Whammy! Depende lo que tenga que tocar tengo equipos y violas diferentes de la línea de las marcas que uso, preferentemente equipos valvulares, aún los combo, VC30 de Laney, Cub 12, también valvular de Laney.

Qué música estás escuchando ahora?

Escucho de todo, depende el momento en el que

Sos representante de varias marcas, nos decís cuáles y por qué las elegiste?

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De Laney, Cort, y Púas Saup, básicamente por la calidad y riqueza en la diversidad de su gama de sonidos y posibilidades de modelos diferentes en todo, para todo tenés una opción de todo, violas, mics, combinaciones, amplis, válvulas, parlantes, todo tenés, para estudio, vivo, principiantes, económicos todo, es muy amplia la oferta de estas marcas, me brindan lo que busco y necesito, combinación mortal de lo que quiero, un set heavy, uno rockero, otro acústico, tengo solucionado el paso uno, el sonido que me caracteriza y con el cual me identifico.

Cómo llegás a Fama music?

Entrevista a Sergio Berdichevsky | 23

foto: kvkfotos.com.ar

Justo en el momento que se dio la vuelta de Rata Blanca en le Estadio Malvinas Argentinas, se dio, diría de casualidad, pero creo que fue "causalidad", yo ya usaba Laney, después vinieron las guitarras Cort, gracias a Daniel Perez, y a Gustavo Miri, que se acercaron e hicieron la gestión.

Seguís dando clínicas?

Las clínicas gustan mucho, es algo que disfruto, sigo porque me lo piden, es fácil de armar, en el interior cuando te ven de cerca , la gente se re copa, te preguntan de todo, yo digo que son clínicas de guitarra, música, sonido y equipamiento, además entrevista abierta al público en general, no solo músicos, entonces se hace más dinámico y divertido porque hasta me preguntan anécdotas, efectos, escalas, todo, toco un poco solo, otro poco con pistas, y después con alguna banda del lugar o músicos que quieran subir a zapar, se hace muy entretenido, y he compartido y encontrado muchos músicos talentosos en todos lados.

Grabaste muchos discos e integraste cuatro ban-

26 | Entrevista a Sergio Berdichevsky

das, todas ellas con Gustavo rowek, hablanos un poco de este excelente baterista Jaaaaaaaa, mi vieja dice que tiene tres hijos (tengo dos hermanos) y uno más que le dio la vida jajajajaja, son más de treinta años, diría treinta y cinco años de amistad, sin temor a equivocarme te digo que aprendí mucho de él, no sólo un baterista demoledor, fundador de dos de las bandas de metal mas grosas de la historia de la música en este país, y no sé si de habla hispana, sino que también un músico súper talentoso, del cual aprendí y sigo aprendiendo. "EL" amigo. Una vida llena de magia.

Qué sigue en la vida de Sergio Berdichevsky?

Lo dicho, MÚSICA. Un nuevo disco, giras, shows, la escuelita de rock, las clínicas.

Qué le dirías a los chicos que recién están empezando con esto de la música?

Que luchen por lo que quieren y creen, que nunca bajen los brazos, ni se den por vencidos, que estudien música si les gusta, y que sean felices en el intento!!!

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Fuhrmann

28 | Pedales fuhrmann

fuhrmann es una marca Brasileña líder en pedales de efectos, con su sede central en la ciudad de San Pablo, Brasil. La empresa desarrolla efectos para guitarra y bajo con excelente calidad costo-beneficio, teniendo en su catálogo más de 25 modelos de efectos abarcando todos los estilos musicales. y todos sus modelos son True By Pass. Por Maycown reichembach

Este esta edición voy a mostrarles dos pedales que particularmente me encantan, el Fuhrmann Buffer & Bosst y el Cool Chorus. En el testeo use guitarras Fender y amplificadores DV Mark.

Empezamos con el Fuhrmann Buffer & Boost, este pedal tiene dos funciones, la primera llamada Buffer que realza el tono de tu instrumento cuando es usado en un set con muchos pedales y cables largos. ayuda a que la señal de tú instrumento no pierda fidelidad, conservando así la calidad íntegra de todos los componentes de tu set (Guitarra, amplificador, cables, etc). La segunda función es de "booster", sirve para dar "empuje" a los amplificadores valvulares, aunque también es usado con amplificadores transitorizados, es más eficiente y cumple su excelente función en la primer opción, aumentando así el volumen que saldrá de los parlantes, sin cambiar el sonido de tu instrumento.

del pedal en ambas funciones y tiene una peso de 350 gr. El segundo pedal es el Fuhrmann Cool Chorus convengamos que ya el diseño de los pedales y sus colores llaman muchísimo la atención. Con este Fuhrmann Cool Chorus de color "Agua Marina" no es diferente, es hermoso. Este Fuhrmann Cool Chorus está diseñado y basado en el sonido de los años 80´, popularizado por los "Roland Chorus" tan usado por telentosísimo Pat Metheny y muchos jazzeros y funkeros de esa época. Tiene dos perillas "Rate" que define la velocidad del efecto y "Depth" que controla la profundidad del chorus.

Con las perillas hasta las 12 horas junto con un poco de distorción, conseguí sonidos tipo Van Halen, muy sutiles de esa época. Usando el "Depth" casi al máximo conseguí sonidos más modernos debido a la modulación característica del pedal.

La más impresionante de este pedal Fuhrmann Buffer & Boost es que tiene hasta 35 db, es decir, en sonido real es como si tuvieras otra perilla de volumen en tu amplificador. Con la Stratocaster este pedal hasta los 20-25 db no modificó la señal del tono, únicamente me ha dado "booster" y sonó como si el amplificador estuviese muy alto, pero a un volumen relativamente bajo. Perilla: Level - controla el volumen

Usado junto con otros efectos al mismo tiempo como un delay en función standard, he conseguido sonido psiciodelicos y espaciales. La construcción de estos pedales es una de las cualidades que también realzo, estas cajitas mágicas con dimensiones de: 6cm de ancho y 11 cm de ancho es la mejor opción si buscas calidad sonora, robustez y fácil manejo. Probá que no te vas a arrepentir.

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historia De la Guitarra eléctrica

El primer avance en la construcción de la guitarra eléctrica se produjo allá por el año 1931, cuando Paul Berth y George Beauchamp, empleados de la National Company de California, Estados Unidos de América, se asociaron con un tal Adolf Rickembacker para formar la Electro String Company, la primera compañía en comercializar instrumentos electrónicos.

Juntos crearon las primeras guitarras de acero y aluminio fundido, conocidas como sartén por apariencia. Entonces la primera guitarra eléctrica inventada y fabricada se la puede atribuir a la marca Rickembacker.

Desde el año 1850 en adelante, Christian Frederick Martin, desarrolló el llamado refuerzo en “X”, que consistía en el uso de maderas cruzadas en la tapa

de la guitarra, para reforzar su estructura. Otro personaje legendario y genio instrumentista fue Orville H. Gibson, quien construyó sus primeras e innovadoras guitarras en su taller de Kalamazoo, Míchigan finalizando el siglo IXX. En 1918, ya finalizada la primera guerra mundial, la empresa Gibson ya se había convertido en una poderosa compañía.

guna entre ellos se dispusieron a diseñar y fabricar una guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Aunque no se sabe quién fue el primero, lo cierto es que Les

El principal problema de incorporar micrófonos a las guitarras acústicas fue que si el volumen del amplificador era demasiado alto, el sonido de este hacía vibrar el cuerpo de la guitarra produciéndose una molesta distorsión del sonido llamada feedback. La solución lógica era aumentar la masa del instrumento para reducir su capacidad de vibración, de ahí es que aparecieran las guitarras eléctricas de cuerpo sólido.

En 1932, Rickembacker, probó su nuevo invento, creando la primera guitarra eléctrica, llamada Electro Spanish. Era un diseño básico de tapa abombada que tenía el mismo micrófono de su guitarra Sartén. Sin embargo, sería la famosa Gibson ES 150, lanzada al mercado en 1935 la que cautivó al guitarrista de Jazz Charlie Christian, quien es el principal responsable, más que ningún otro músico de promover la guitarra eléctrica como un instrumento musical serio.

Durante los 40’s, varias personas sin relación al-

30 | historia de la guitarra eléctrica

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salgan significativamente. A partir del año 1921 se desarrolla la invención del amplificador de guitarra eléctrica y este fue adoptado casi en forma inmediata por los músicos de Jazz y Blues. Su creación también permitió nuevos estilos musicales como el Rock, en donde la guitarra se convertiría en el símbolo de esas nuevas corrientes musicales.

A principios de los años 40, el guitarrista de Country y Jazz, Les Paul, creó su propia guitarra usando un mástil Gibson adherido a un bloque de madera de pino, sobre el cual se montaron los micrófonos y el puente. El otro pionero, Paul Bisgby, ayudado en el diseño por el músico de country, Merle Travis, creó un modelo de guitarra con claras influencias de los de Fender.

Paul y Paul Bisgby, fueron los verdaderos pioneros en estos temas si de guitarras hablamos.

Por otro lado, el gran y talentoso Leo Fender fue el responsable de dar a conocer la idea. Fender fue el primero en fabricar y comercializar la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido de pocas piezas, para que los músicos no tuvieran problemas al cambiar las mismas, ya que por el uso continuo, estas se gastaban o rompían. Ese fue el nacimiento de la marca Fender Telecaster. Es innegable el aporte de Leo Fender y de todos estos personajes que nombramos en esta reseña histo-

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rica para saber un poco sobre el origen de la guitarra eléctrica y conocer de donde viene esa guitarra que tenemos en nuestras manos.

Luego vendrían otros modelos, Stratocaster y otras marcas como Gibson, ESP Guitaras o las japonesas Ibanez o Yamaha.

Los primeros guitarristas de Jazz descubrieron que no tenían suficiente volumen como para competir con el resto de los instrumentos de su banda por lo que fueron los que adoptaron las guitarras eléctricas para que sus ejecuciones musicales sobre-

Ya adentrándonos en los años ’90s surge la fábrica Line 6, esta marca famosa por sus modeladores de efecto y amplificadores, ha creado la línea de guitarras eléctricas Variax. Esta guitarra mediante un micrófono piezoeléctrico ubicado en el puente, establece la comunicación con un sistema modelador que contiene los sonidos de las más famosas guitarras acústicas y eléctricas. La Variax es una guitarra de apariencia normal con la diferencia que no posee micrófonos a la vista.

En el 2007, la compañía Gibson, lanzó una nueva guitarra llamada Gibson Robot Guitar que se afina a través de un complejo sistema electrónico sin intervención del guitarrista.

historia de la guitarra eléctrica | 31

foto: tyncho menard

JuliÁn barrett

Empezó a tocar guitarra de muy chico! A los 8 o 9 años de edad y formó su primer grupo de rock a los 11 con sus mejores amigos del barrio. fue una casualidad tremenda de la vida, que sus hermanos mayores también tocaran, entonces cuando ellos descuidaban los instrumentos Julián Barrett corría a tocarlos un poco! Por Sergio resar

Y por qué la guitarra?

La guitarra fue lo que siempre tuve a mano. Papá tocaba de vez en cuando algunos acordes de viejos temas folclóricos y la guitarra estaba a la mano de todos. Fue gracias a eso que descubrí mi pasión por el instrumento.

Qué música escuchabas en tu adolescencia?

Digamos que siempre fue el rock lo que escuché, pero nunca me cerré a escuchar solo eso. De chico me empezó a gustar el jazz y otros ritmos. Pero a la hora de tocar la guitarra el estilo que me fluye es el Rock, y más bien el ROCK PESADO !

Cuál fue la primera banda que integraste y quiénes te acompañaban? la primer banda de verdad que tuve fue una banda integrada por músicos más grandes que yo, se llamó "Poder Ninja" y era una suerte de funky metal con influencias de Suicidal Tendencies e Infectious Grooves. esta banda fue la ante sala al bizarro más puro que llegó algunos años más tarde cuando formamos Asspera con Richar.

En Poder Ninja me acompañaron Pablo Gallo, ex bajista de Simbiosis (banda del Pato Strunz) y el actual batero de Devil 69, el sergito entre otros músicos que formaron alguna vez parte.

Después llegó lethal, cómo fue ese paso por esta legendaria banda del metal?

Fue una grandisima experiencia. No puedo estar más agradecido de haber compartido un año con esos monstruos del metal! Fue una recorrida genial por los ámbitos metaleros del país en aquella época y yo con solo 18 años. Fue para mí un entrenamiento vital para lo que más tarde se vendría en mi carrera. Tengo los mejores

32 | Entrevista a Julian Barrett

recuerdos de la banda y de sus integrantes. De hecho hoy en día cuando puedo y me da el tiempo, me acerco a tocar algún temita con ellos de invitado!

En el año 2000 fuiste invitado a formar parte de lörihen, que pasó por tu cabeza cuando esto ocurrió?

Cuando escuché a los chicos de Lorihen por primera vez, sabía que esa banda iba a llegar lejos, así que ni dudé el ofrecimiento de ocupar el puesto de guitarra junto a Emiliano Obregón. Me llené de entusiasmo por lo que sabía que se venía una gran carrera juntos.

Con quienes compartiste escenario en esa época? con infinidad de artistas grosos! los más destacados, Angra, Hamerfal, Judas Priest, Whitesnake, Stratovarius, Rhapsody, etc.

Qué guitarristas te influenciaron? sin lugar a duda los guitarristas que mas calaron en mi cabeza fueron Steve Vai y Joe Satriani, pero no podría dejar de nombrar a grandes como Van Halen, Paul Gilbert, David Gilmour, Greg Howe, y por supuesto a los grossos de acá como Pappo y el flaco Spinetta. hablanos un poco de Asspera Asspera es una pasión. Somos un grupo de amigos que formamos una familia numerosa que conjuga músicos técnicos, público, etc. Estamos tocando por todo el país y es un gran orgullo haber editado nuestro 5to disco solos! Toda la música de Asspera se descarga GRATIS en internet y se puede buscar todo por youtube !

Cómo surgió tu relación con Adrián Barilari?

En el 2009 hicieron una audición para hacer la nueva for-

mación de su carrera solista. Me presenté y quedé como guitarrista en la banda. Fue un gran momento ya que siento hasta hoy un inmenso placer de tocar para el cantante mas groso que hay en habla hispana.

Y con Tarja Turunen?

Con Tarja entré a trabajar a fines del 2009, al principio fue solo para trabajos de sesión en estudio. Pero poco a poco forjamos una amistad profunda con Tarja y Cabuli y a medida que pasó el tiempo fui metiéndome más en la banda, hasta hoy en día que formo parte de ella.

Cómo está compuesto tu set?

Hoy estoy usando mi guitarra Dean Custom 750, un set de pedales Boss (Delay Chourus Afinador), Whammy Digitech, un Cry Baby y un Over Drive de BSQ, el Scuttle Buttin. Todo conectado a mi Messa Boogie Dual Rectifier.

Qué nos podés decir acerca de tu guitarra? Por qué la elegiste?

La guitarra Dean Custom 750 la elegí por el tono particular que tiene gracias a ser una guitarra Neck Thru. Esto quiere decir que el mango y el cuerpo son una sola pieza.

Esto me da un sustain increíble y un sonido realmente impecable. Sumado a que esta guitarra Dean Custom 750 viene con unos demoledores micrófonos EMG activos, que son a mi entender los micrófonos con la mejor ganancia para tocar música pesada, son ideales. Al margen de las características de audio que podamos conseguir, está el hecho importantísimo que es la Dean Custom 750 es una guitarra de 7 cuerdas, con esta viola puedo tocar en afinaciones bajas sin necesidad de estar cambiando a cada rato de guitarra. Realmente me siento muy a gusto con este instrumento.

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Dean caDillac select classic White

Durante casi 40 años, Dean Guitars ha sido el punto de referencia para los músicos de todos los gustos y estilos. Con una colección alucinante y absolutamente asombrosa de instrumentos, que abarca casi todos los géneros imaginables. Según las propias palabras de esta gran empresa, su misión es construir las mejores guitarras del mundo.

para el metal. Y, por supuesto, no sería un Dean sin su tradicional cabeza característica.

En esta edición hablaremos de la Dean Cadillac Select Classic White. Originalmente diseñado con elegancia, la guitarra eléctrica Dean Cadillac Select Classic White sólo ha mejorado con la edad.

Diseñanda hace décadas, mantiene sus especificaciones originales como en 1980, incluyendo el cuerpo y mástil de caoba selecta y una tapa de Maple flameado.

Con esta asombrosa y versátil guitarra Dean Cadillac Select Classic White estamos nuevamente ante otra belleza hecha por los maestros en la fábrica de guitarras Dean, también cabe destacar el hermoso acabado en blanco y su impecable hardware dorado que realmente hace que esta guitarra se destaque sobre todas los demás, además tiene un sonido excelente.

Otras características especiales de la guitarra Dean Cadillac Select Classic White son: la unión de varias capas, diapasón de ébano, incrustaciones de bloque y el hardware dorado, 22 trastes sobre un diapasón de palo de rosa en la parte superior.

CArACTErISTICAS Modelo Dean Cadillac Select Classic White Cuello: Caoba Cuerpo: Maple flameado / Cuerpo de caoba Diapasón: Palo de rosa Interior: Bloques color perla Puente: Tune-O-Matic Pastilla del mástil: Dean humbucker Pastilla del puente: Dean humbucker Color de hardware: Dorado

El cuerpo de la Dean Cadillac Select Classic White es una mezcla de Explorer puntiaguda y con curvas de Les Paul, mientras que los micrófonos dorados son perfectos tanto para el rock clásico como

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Además cuenta con dos controles de volumen y dos de tono, puente Tune-o-Matic, dos micrófonos humbucker, una longitud de escala de 24 ¾, clavijas tipo Grover y trastes Jumbo.

Dean Cadillac Select Classic White | 33

yamaha PaciFica 611vFm

Con sus guitarras de la serie 'Pacifica' sigue vendiendo muy bien (las ventas totales de la Pacifica son superiores a 1.000.000 desde su lanzamiento en 1990). Yamaha ha reformulado su alcance con una gran cantidad de nuevos modelos. En 1990, Yamaha creó la serie Pacifica en respuesta al mercado de guitarras eléctricas de gama alta y con espíritu Custom Shop de la escena californiana, de la mano de Rich Lasner (creador de la guitarra JEM de Steve Vai).

Desde entonces, muchos de los mejores guitarristas de las últimas dos décadas han adoptado a las guitarras de la serie Pacifica como principal arma para tocar en vivo. Tras 24 años plagados de éxitos, Yamaha retoma el camino con nuevos modelos inspirados en la demanda actual, con prestaciones de boutique.

En esta oportunidad nos referiremos a muy versátil Yamaha Pacifica 611VFM que además suma a

34 | yamaha Pacifica 611VfM

Seymour Duncan, Graphtech, Wilkinson y Grover como algunas de las marcas relacionadas con las guitarras de gama alta y ahora Yamaha ofrecen un instrumento con características boutique por menos de lo que uno piensa.

Este nuevo modelo es el resultado de la planificación, la refinación y pruebas que duraron más de un año. La Yamaha Pacifica 611VFM tiene cuerpo de aliso, tapa de arce flameado, mástil de maple, escala de 648 mm, diapasón de palo de rosa, clavijeros Grover de bloqueo, puente Wilkinson , micrófonos Duncan SP 90 y Duncan Custom 5 hacen de este preciosa guitarra, un instrumento único.

Esta Yamaha Pacifica PAC611VFM es una buena sorpresa para nosotros como lo será para ustedes. Su diversidad les permitirá reproducir cualquier cosa, desde baladas hasta hard rock, el blues, ska, y mucho más.

Al conectar esta guitarra Yamaha Pacifica 611VFM, es inmediata-

mente evidente la versatilidad del diseño de esta guitarra. La Yamaha Pacifica 611VFM es completa y articular en todos los aspectos, con el micrófono del mástil P-90 especialmente digno de mención.

La división del humbucker y el cambio a la posición central da un hermoso estilo Strat, en el medio de sabor similar a una versión caliente del tono clásico de Mark Knopfler.

ESPECIFICACIONES Construcción: Atornillado Longitud de la escala: 25 1/2 "(648mm) Diapasón: Rosewood Radio: 13 3/4 "(350 mm) Trastes: 22 Cuerpo: Alder Cuello: Maple Clavijas: Grover Locking Tuner Puente: Wilkinson VS50-6 Pastillas: Seymour Duncan Vintage Soapbar SP901n, Custom 5 TB-14 Selector de micrófono: palanca de 3 posiciones Controles: Volumen Master, Master Tone (PushPull Coil Split)

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Guitarra

Por fernando Pareta

CONCEPTOS E IDEAS SOBrE IMPrOVISACIÓN Vamos a abarcar diferentes aspectos técnicos y musicales de la forma mas didáctica y divertida posible, como también puntos importantes como tono, equipamiento y desenvolvimiento del músico profesional entre otros topics.

Hola, mi nombre es Fernando Pareta, guitarrista argentino, y estoy muy feliz de compartir este espacio con todos ustedes. Hoy me gustaría tratar un tema por el cual siempre soy consultado por mis alumnos que es la improvisación. Yo entiendo la misma como una forma de comunicación, un vocabulario y una expresión artística, también un recurso muy bueno no solo para solear sino también para rítmica, composición, desarrollo musical, y muchas cosas más. Estos tips nos van a ayudar a enriquecer nuestro lenguaje, a sentirnos más cómodos, libres y crear mejores situaciones musicales entre otras cosas.

Conocimiento de nuestro instrumento: Es muy importante saber que el instrumento es la herramienta para convertir lo que tenemos en nuestra mente en música, a través de el nos expresamos, por lo que es casi imprescindible conocer la mayor cantidad de elementos posibles, escalas, arpegios, triadas, acordes, y un error común es trabajar en un sector solo del diapasón, un buen ejercicio práctico es tratar de desarrollar comenzando con una escala, la mayor cantidad de formas y caminos posibles, de arriba a abajo, en diagonal, en una cuerda, en dos, etc y repetir esto con otros elementos. Cuanto más cómodos estemos en nuestro instrumento menos vamos a pensar y mas va a fluir lo que querramos decir. Las notas son como palabras y con ellas formamos frases, al igual que cuando hablamos, no pensamos, solo sale de una forma natural y espontanea. Saber manejar bien esta herramienta hace que la libertad musical salga a la luz y que no tengamos barreras.

Dinámica: Es algo muy importante y se entiende como la forma en que variamos expresivamente, por ejemplo una idea musical mediante todas las técnicas aplicadas para este fin (vibrato, estirado, slide, etc), para ver lo amplio que es nos basta con tomar una nota y probar la cantidad de formas en las que la podemos tocar, es una de las características especiales de la guitarra y de la música. La técnica es lo que nos permite físicamente llevar a cabo lo que nosotros queremos tocar, por lo que es importante conocer y dominar gran parte de ella, lo ideal es que la misma este en función de la música y no al revés. Para trabajar esta cuestión una buena idea es tomar una frase musical pequeña y tratar de expresarla de la mayor cantidad de formas posibles, con púa, con dedos, con diferentes técnicas, etc.

Acordes y triadas: Comprender la armonía es muy importante, primero su parte teórica, como se forman los acordes, las triadas, etc. Al conocer profundamente los acordes de la canción en la que queremos improvisar un solo, nos va permitir utilizar notas que son importantes en cada uno de ellos y así que las melodías que creamos sean más ricas e interesantes. ritmo: Aprender a tocar en diferentes métricas y tiempos, manejar las sincopas, acentuaciones, dominar el contratiempo, estudiar patrones rítmicos de diferentes estilos, todos estos puntos nos ayudan a que las frases que vayamos creando sean mucho más interesantes. Dejarnos llevar por el ritmo es una gran ayuda para crear.

Trabajo sobre melodías: Una forma de ejercitar como frasear y como crear líneas interesantes, es trabajar en la parte melódica, lógicamente que esto va a de la mano de uno de los puntos anteriores que es conocer la armonía. Tenemos que lograr que la guitarra cante y para eso una forma de practicarlo es copiando la voz humana, tomar una canción que nos guste y tocar la melodía que hace el cantante con todas sus inflexiones, vibratos, glisandos, silencios, etc. No nos olvidemos que cuando estamos improvisando estamos haciendo eso, haciendo a nuestro instrumento cantar. De esta forma evitamos tocar automática y robóticamente repitiendo los últimos licks que aprendimos. licks: Una buena forma de aprender un licks o una frase para luego ser utilizada es internalizarla, estudiarla para luego hacerla propia, en definitiva aprenderlas nos genera un vocabulario para poder “hablar” con nuestro solo, pero es clave que no sea la única herramienta ya que en la variedad esta la diversión, la combinación de los licks, con los puntos antes tratados genera movimiento y el factor sorpresa que necesitamos para que sea interesante lo que tocamos.

Tono: Un punto que tal vez no es muy mencionado es la importancia de tener un buen tono, con esto no solo me refiero al equipamiento sino a lograr el mejor sonido posible, jugando con los diferentes micrófonos, el control de tono, de volumen, tocando con la pua en diferentes lugares, con dedos, etc. Darle importancia a que cada nota suene especial, no centrarse en demostrar todo lo que sabemos sino mas bien hacer una frase interesante, con gran sonido y gusto, en la mayoría de los casos esto último tiene mas peso que tal vez un pasaje de notas super veloces, de todas formas una cosa no descarta a la otra, tener todas las opciones crean un sentimiento de libertad que va a hacer que nuestra forma de tocar llegue a lugares que ni nos imaginamos.

La improvisación es un tema muy amplio y divertido, estos fueron solo algunos aspectos importantes a tener en cuenta, durante los siguientes artículos iremos trabajando estos y otros puntos. Lo destacable es siempre divertirnos, animarnos a jugar, y a crear nuevas situaciones musicales y por sobre todo nunca aburrirnos.

Fernando Pareta es un guitarrista y cantante con gran proyección internacional, compartió escenario con Steve Vai, y realizó trabajos discográficos con artistas como Steve Lukather, Marcus Miller, Greg Howe, John Scofield y Billy Cobhan, entre otros.

Esperamos que los consejos de Fernando Pareta les sirvan y cualquier consulta que le quieran hacer, pueden escribirle a su casilla de email fernandopareta@gmail.com o visitar su site www.fernandopareta.com.ar o bien en facebook.com/fernandoparetaofficial.

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Suplemento Técnico | 35

baJo Por Igor Saavedra

DIALECTOS IDIOMAS y LENGuAJES Los estilos musicales constituyen una de las dimensiones más interesantes y ricas que la música puede ofrecer, pero al mismo tiempo si son concebidos y entendidos de una forma incorrecta pueden llegar al punto de crear barreras musicales entre la gente común, y peor aún… entre los mismos músicos.

Como cualquier dialecto, estos proliferaron en un “Contexto Tribal”.., de manera tal que Jazzistas, Folkloristas, Bluseros, Músicos Clásicos y cientos más de estas “Tribus” fueron esparcidos sobre la faz de la tierra enarbolando las banderas de su propia verdad sin quizás siquiera percatarse.

El aspecto más interesante a mencionar en el contexto de la Musicología y La Historia de la Música, es que en este caso “El Dialecto creó a la Tribu” y no lo opuesto, como sucedería dentro del contexto de la Antropología y la Sociología.

“Los músicos que tocaban Rock crearon el Rock, luego el Rock creo a los Rockeros.., los músicos que tocaban Jazz crearon el Jazz, luego el Jazz creó a los Jazzistas.., etc,.” Como pueden ver se produce una situación retorcida y sin sentido...

Estoy de hecho tratando de decir que los procesos subterráneos tomaron el control de un estado musical potencialmente perfectoque es la maravillosa variedad de estilos musicales, y que el ávido y codicioso dogma devoró algo de este hermoso, natural y espontáneo estado. Un oscuro, corrosivo y subrepticio fundamentalismo, inherente a la especie humana, irrumpió y causó más daño que el que cualquiera hubiera imaginado.

Nunca debemos olvidar que estos dialectos de hecho nacieron a partir de uno de los más bellos “Idiomas” con que la vida nos ha provisto, que es “La Música” como un todo, y quisiera enfatizar el hecho de que estoy diciendo que es uno de los más bellos “Idiomas”, porque no veo a la música como un “Lenguaje” como suele hacerlo la mayoría, y por cierto no es el único idioma que existe.

En mi opinión la música es sólo una parte del “Lenguaje Universal” que es “El Arte”, y lo hermoso de esta propuesta es que cuando llegas a dominar realmente “El Maravilloso Lenguaje del Arte”, eresinmediatamente capaz de comunicarte con cualquier otro idioma de este mundo, como es la música, la pintura, la escultura, la escritura, la danza, etc., y demás está decir, serás capaz de comunicarte de manera fluida con cualquier dialecto también.

Quienes quieran dedicar sus vidas al cultivo y perfeccionamiento de un dialecto y/o idioma específico tienen todo el derecho a seguir estos caminos, y probablemente en mi opinión encontrarán en la música la esencia de la vida misma, pero en mi vida he escuchado a miles de expertos y maestros en dialectos e idiomas específicos, que aún con su infinito talento y habilidades no han sido capaces de comunicarse con nadie excepto con ellos mismos.

Muy pocos habrán de ser aquellos que sean verdaderamente capaces de comunicar algo, y estoy convencido de que sólo serán capaces de hacerlo a través del lenguaje universal que es El Arte. Así serán capaces de hablar directo al corazón sin intermediario alguno, y el idioma o el dialecto que escojan para establecer dicha comunicación será completamente irrelevante.

El Arte en su más profundo, completo y sublime significado, es “El lenguaje del amor infinito”y estruja el alma todapara obtener la esencia misma de la existencia,y compartirla con otro ser humano.., luminosa.., libre.., y desprovista de cualquier indicio de violencia.

IGOR SAAVEDRA es un concertista en Bajo eléctrico, considerado por la crítica especializada como pionero del Bajo de 8 cuerdas y auténtico embajador de la cultura bajística Latinoamericana. Ha tocado con: Bob Sheppard (Chick Corea), Danny Gottlieb (Pat Metheny), Damien Schmitt (Jean Luc Ponty), David Garfield (George Benson). Ha dado conciertos en: Bass Player Live (US), London Bass Guitar Show, Lords of the Low End (US), Bass Day Poland, Bass Day Germany, Detroit Bass Festival. Ha impartido Master Classes en: Berklee School of Music, NY Bass Collective, Univ. of British Columbia, Uniwerzytet Warminsko-Mazurski (Polonia) - www.igorsaavedra.com Translation reprinted with permission of BassMusicianMagazine.com Fotografia: © ECU Fotografía

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Guitarristas y Bajistas.ar

Guitarra

Por Maycown reichembach

MúSICA, fILOSOfíA y NEGOCIOS Primeramente quisiera decir muchas gracias a la revista Guitarristas y bajistas.ar por darme la oportunidad de escribir en la revista y elegir a sus colaboradores. Trataré de abordar en este número a la música, la filosofía y el negocio que lo envuelve.

A todos nosotros nos encanta la música algunos por hobby y otros como profesión. Una pregunta que nos hacemos todos aquellos que quisimos, queremos o queramos vivir de la música:

desglosa la partitura para armar dicha obra para Orquesta sinfónica por ejemplo.

Ambas funciones son muy bien pagas, y es un recurso que muchos músicos profesionales en el mundo lo realizan.

Se puede vivir de la música en América del Sur? Si, por supuesto que sí, pero tenemos que estar preparados para el mercado.

Existen varias maneras de trabajar con la música, y estas pueden ser:

músico que testea de instrumentos Es aquel músico que realiza el testeo del pedal, bajo, guitarra, amplificador, teclado... a cambio de un descuento del producto o el producto en su totalidad, o también un monto de dinero por dicho trabajo, esto depende del nivel de popularidad del músico y el tamaño de la empresa musical que te esté contratando. Muchos músicos en el mundo son especialistas en testeos y realmente genera un fuente de ingresos de dinero o de "Instrumentos musicales" en tu carrera. Por ejemplo Steve Vai podría vivir económicamente muy bien únicamente con lo que genera su marca con las empresas de instrumentos musicales.

Profesor de música Es la más común, por ende por la cantidad de profesores que existe es muy probable que tengas que tener una didáctica diferente, para que puedas ejercer el 100% esta actividad. músico de Sesión Es aquel músico especialista en su instrumento, que por lo general ejecuta cualquier estilo musical, y lee a primera vista (aunque en la música popular no es excluyente).

Transcriptor / Copista Es aquel músico que transcribe obras de un medio de audio al papel pentagramado o a un software de edición de partituras. Es un trabajo que existe desde antes de la época de Mozart y puede ayudar a la economía del músico.

Arreglador / Orquestador Son actividades parecidas pero muy diferentes entre sí, la primera es el músico que por ejemplo de un obra musical de guitarra clásica ya escrita adaptará para un trío de cuerdas agregándole partes a dicha obra, dándole así un ropaje diferente. En cambio el orquestador es el músico que a partir de una obra de piano

músico / Banda solista Lo he dejado por último porque este no entra como trabajo, ya que no genera ingresos desde su inicio, salvo casos muy aislados, por ejemplo el de Angra (banda de Metal melódico Brasileña), su primer álbum se editado por un sello Alemán y fue disco de Oro en Japón, es el más difícil de alcanzar, ya que depende de muchos factores, además del fundamental que es ser un buen músico/banda. Muchas bandas demoran 10 o más años en tener un cierto reconocimiento mientras que la mayoría termina en el olvido.

Lo principal es hacer lo que a uno le gusta y ama como músico y artista, el resultado del trabajo viene con el tiempo. Fundamental es respetar y ser colegas, ya que todos estamos caminando en busca de lo mismo. Namaste!

Maycown Reichembach es guitarrista, compositor, arreglador y productor. Su música es una mezcla de jazz, rock, funk, blues, música académica y experimental. Cualquier consulta pueden escribirme a maycown@gmail.com

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Suplemento Técnico | 37

baJo Por Alejandro Tiscornia

MúSICA PArA VIDEO JuEGOS La situación del músico es siempre difícil: pocos pueden vivir de sus discos y shows. Para complementar es común dar clases, producir, arreglar... realizar trabajos “freelance”. Pero hay opciones que pocos consideran. hoy voy a hablarles brevemente de una de ellas: composición para videojuegos.

La industria de los videojuegos genera más del doble de dinero que la discográfica. Lanzar un disco en EEUU, girar por Europa... son tareas titánicas, casi imposibles para un latinoamericano. Mientras tanto, componer la música para un videojuego elaborado en el exterior sólo requiere talento y acceso a internet. Y tanto realizaciones locales como internacionales tendrán presencia en el mercado mundial, lo que ayuda a que nuestra música llegue a más oídos.

A esto se suma que podemos ser competitivos con el exterior: nuestros costos de vida son relativamente menores pero los trabajos se pautan en moneda extranjera.

El ser guitarrista/bajista puede ser una ventaja: la mayor parte de los compositores del rubro son tecladistas, lo que les impone una forma de trabajar. Una mirada fresca y una voz diferente siempre ayudan a destacar. Lo importante es encontrar el proyecto adecuado, aquél que necesite lo que queremos decir con nuestra música.

Quien tenga un home-studio probablemente posea la totalidad (o casi) de lo requerido para hacerlo: hardware Una computadora: mucha RAM y discos rígidos dedicados son fundamentales. Procesadores veloces ayudan a la hora de usar sintentizadores y efectos complejos.

Sistema de monitoreo: este es, por lejos, el punto de mayor complejidad. Su análisis escapa al propósito del artículo. No obstante, una recomendación: si el entorno no es conducente trabajar exclusivamente con (buenos) auriculares puede ser la mejor opción.

Software Un sistema operativo “vigente”: versión 64 bits de Windows Vista/7/8 en PC, versión reciente de OS X 10,8 en adelante en Mac. La oferta de software para Linux es limitada.

Una “Digital Audio Workstation” o “DAW”: la plataforma en la que se graba, se edita, se mezcla. Opciones populares son Pro Tools, Cubase, REAPER (Windows y OS X), Logic Pro (sólo OS X) y Cakewalk SONAR (sólo Windows).

Complementos para la “DAW”: también conocidos como plug-ins, son programas que cumplen funciones específicas. Se dividen en dos categorías: instrumentos virtuales (generan sonidos en base a sintetización, muestras, o ambos métodos) y efectos. Si bien las workstations incluyen de ambos tipos, su funcionalidad es bastante genérica.

Y por supuesto, lo más importante: ¡talento y algo para decir!

Una placa de audio dedicada: ¡cuidado con las que traen únicamente puerto “firewire”! Es difícil conseguir una computadora que lo tenga.

Alejandro Tiscornia es compositor, arreglador, productor, coach y ejecutante de bajo eléctrico. Actualmente se desempeña como bajista en la banda Malopa Quasar y en el dúo Ida y Vuelta y se encuentra terminando el soundtrack del videojuego "Metal Dead: Encore" de Walk Thru Walls Studios. Podés encontrarlo en "mehiceunmaildeapuro@gmail.com" si tenés alguna duda.

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estilos Por Pablo Santos

DONALD DuNN Influencia ineludible para el bajo soul y que nos dejara físicamente el pasado año. Aunque su trabajo mas popular sea el de la “Blues Brothers Band“ (en la película fuma pipa y groovea tremendamente con su fender Precision), también tocó con artistas como Elvis Presley, Tom Petty, Eric Clapton y Bob Dylan entre otros.

Afortunadamente tanto él como Jamerson nos han dejado una extensa discografía a los amantes de la música funk y soul. En el ejemplo 1 (verso y estribillo de “634-5790” de Wilson Pickett) lo mas notorio es el recurso de tocar sextas mayores en el segundo tiempo del compas y resolverlas en la 5ta. del tiempo siguiente. Este “yeite” es frecuentemente utilizado en líneas de blues y soul y consiste en tocar notas del arpegio en los tiempos fuertes del compas (1 y 3) y notas diatónicas en los débiles (2 y 4). En este tema, el intervalo de sexta mayor en el walk le da además continuidad a la melodía del estribillo. En ejemplo 2 (“She Caught the Katy” de los Blues Brothers) se repite este recurso de la sexta mayor en el 2do tiempo. La base del estribillo es una genialidad a lo

Jamerson en cuanto a cromatismos y sincopas. El ejemplo 3 es el bajo de “Soul Man” (Blues Brothers). Para que las corcheas del estribillo no suenen “rockeras” es necesario tocarlas staccato o sea a la mitad de su valor escrito. El pedal de tónicas en corcheas staccato es fundamental en este tipo de líneas y es muy utilizado en los estribillos del soul. Les recomeindo escuchar “The Blues Brothers Complete”, “The Very Best of Booker T & The MG’s” Agradeciendo las inquietudes que me hacen llegar facebook mediante les dejo un saludo. Nos vemos en el próximo número!

PABLO SANTOS es bajista de JAF y director musical de Soledad Pastorutti, tocó en las bandas estables de David Lebón, Alejandro Lerner y Diego Torres. Además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, Gloria Estefan, León Gieco, Horacio Guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, Nito Mestre, Chico Novarro, Olodum, Pappo, Luciano Pereyra, Luis Salinas, Sartén System, Bebu Silvetti, Mercedes Sosa, Patricia Sosa y Lito Vitale, entre otros. Su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición.

Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

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Guitarra

Por Mello Jr.

LOS 10 MANDAMIENTOS DEL GrOOVE En esta nueva columna y como nota presentación me gustaría comentarles sobre los diez aspectos más importantes para quien piensa aventurarse en el mundo del Groove y el funk.

4. Toque con pausas, valore el silencio.

Normalmente como casi todos el mundo viene de la escuela del Rock, cuando migramos para el Funk tenemos la tendencia de tocar todo el tiempo, rellenando todo, en el Funk el silencio hace la diferencia y hace parte del swing, entonces cuando este ejecutando su parte evite quedar "marcando" con la púa todo el tiempo, solo toque su parte, eso evidenciará el swing y dejará todo más limpio.

5. Toque con más swing "laid Back" Cuando tocamos funk tenemos una referencia muy diferente a la del Rock, donde nos acostumbramos a tocar con feeling un poco más adelante del beat del tema musical. En el Funk debemos "sentir" ese beat un poco retrasado, cuando estudie con metrónomo, siempre intente tocar más atrás del beat, ahí comienza la magia.

6. Conozca el espacio de su guitarra en la música.

Dependiendo de la cantidad de instrumentos o músicos de la banda vos deberás tener una postura u otra. En gigs menores vos tenés más espacio para tocar porque necesitas "llenar espacios" pero si vos tocas con otro guitarrista, set de metales o dos teclados, menos siempre será más.

El papel de la guitarra en estos estilos es muy diferente, los arreglos y cantidad de instrumentos y voces en el estilo, reduce mucho es espacio de la guitarra que tiene una función rítmica específica, acentuar las partes con swing y llenar espacios.

Vamos a los diez mandamientos del Groove: 1. Escuchar Para que aprendamos cualquier lenguaje debemos hacer una inmersión en este nuevo estilo, escuchar músicas de Funk, Soul, R&B y Gospel, es escencial para quien quiere entrede lleno en este mundo del groove. Algunas referencias para quien empieza: James Brown, Chic, Funkadelic, Paul Jackson Jr, Chaka Khan, Tower of Power, Fred Hammond, Al Green, Michael Jackson, etc.

2. Nunca toques acordes completos Dentro de una banda de Funk la guitarra no debe entrar en conflicto con otros instrumentos, como teclados o metales. Cuando tocamos acordes usando 5 o 6 cuerdas creamos algo muy grande y poco definido, prefiera pocas notas.

7. Sepa repetir Si vos escuchas y aprendés una parte de guitarra rítmica de algún clásico te darás cuenta que normalmente el "groove" se repite muchas veces, si escuchas con mucha atención, te darás cuenta que hay pequeñas variaciones en los "acentos", pero lo principal es mantener el groove y el swing, tocar la misma idea/frase por un largo tiempo es todo un desafío.

8. Aprenda las partes de los metales Principalmente en el Gospel la guitarra tiene la costumbre de hacer unísino las partes de los metales, con overdrive, en los arreglos más evidentes, para colocar más presión en el sonido. Funciona muy bien en el 90% de las veces.

9. Escuchar a otros instrumentos Dentro de una gig de Funk escuchar a los otros instrumentos es inspirador, cuantas ideas geniales pueden venir a tu cabeza escuchando una idea de batería o de bajo?, aplíquelas.

10. Toque con actitud.

Hay que tener mucho "punch" para tocar ese una herramienta esencial, una guitarra Funk sin Punch y sin precisión no trae el impacto necesario para esta música, cuando voy a tocar acostumbro a gastar las púas y muchas veces se me rompe la cuarta cuerda haciendo bases. Rock it!!!

3. Toque con "Ghost Notes" Continuo hablando de los conflictos, como hay mucha información de los otros instrumentos, en éste estilo lo ideal es tocar acordes "secos" sin dejar que suenen mucho tiempo y muchas veces usando "Muting", para que solo quede el golpe de la púa si el que el acorde suene.

Mello Jr, tiene editado dos discos Plugged(1997) y Confusions(2003), realizó más de 200 clínicas en Brasil y Estados Unidos. Realizó giras como con Tony Lind Say (Santana) e Monet(Whitney Houston, Celine Dion, Eminem). Actualmente es Artist Relation de los amplificadores Meteoro.

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baJo Por felipe Andreoli

EJErCICIOS DE COOrDINACIÓN Espero que los conceptos que voy a presentar aquí sean de enorme ayuda y inspiración para los bajistas Argentinos. El primer asunto que iremos hablar es la coordinación entre la mano derecha y izquierda, o sea, la mano que ejecuta /ejecuta las cuerdas y la mano que hace la digitación de las notas en el mástil del instrumento.

Es un problema común entre los bajistas que recién comienzan y quieren llegar a una velocidad alta sin ser capaz de sincronizar os movimientos de ambas manos. Como resultado el sonido sale "sucio" y sin definición. Por tal motivo, recomiendo que los ejercicios a seguir sean realizados a principio a baja velocidad, si es posible con la ayuda del metrónomo. Visando siempre a la limpieza de su ejecución y consistencia de tiempo y ritmo. A medida que estos requisitos sean cumplidos, siéntase a voluntad para aumentar gradualmente la velocidad.

En el primer ejercicio (Ex.1) propongo un patrón bien simple, que consiste en tocar la secuencia de cuatro notas de la escala por vez, volviendo entonces al grado siguiente y iniciando nuevamente. El campo armónico es de Sol Mayor, que pretendo usar regularmente por una cuestión de aprovechamiento del espacio de la escala/mástil, por lo tanto todos los ejercicios pueden y deben ser estudiados en las 12 tonalidades. Es importante estar atento especialmente cuando

cambia de cuerdas en el sentido ascendente (del grave para el agudo) buscando siempre alternar entre los dedos índice y medio de la mano derecha. En el movimiento descendente, es posible aprovechar el movimiento de dedo que toca la última nota en cada cuerda y utilizarlo para tocar la nota siguiente en la cuerda de arriba, que lo llamamos de "sweep".

En el ejercicio número dos (Ex.2) la concepción es básicamente la misma, pero esta vez utilizando un padrón de cinco notas. Propuse este ejemplo de compas 5/4, que es bastante utilizado en el Rock y Metal progresivo, por lo tanto es necesario estar consciente en el hecho de que la primer nota de la segunda secuencia de cada compas está en el contratiempo, Es posible también que resulte confuso en el comienzo con relación a la alternancia de dedos de la mano derecha, pero esto se vuelve natural una vez que el ejercicio tiene fluidez.

Felipe Andreoli es bajista de la banda de heavy metal ANGRA y del guitarrista Kiko Loureiro.

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Guitarra

Por ricardo Pellican

EJErCICIO DE IMPrOVISACIÓN PASCAL Gracias a la revista Guitarristas y bajistas.ar por concederme el privilegio y la oportunidad de ponerme en contacto con colégas, amigos y jóvenes promesas de la guitarra por intermedio de esta ilustre revista que tanto nos entretiene y enseña.

A continuación veremos cinco maneras diferentes de acompañar el ejercicio, usando algunas inversiones y alteraciones sobre los acordes.

Para la improvisación sobre el ejercicio podemos usar la escala de Blues de Em, les dejo algunas digitaciones:

Más adelante agregaremos otras posibilidades, melodías para improvisar sobre este ejercicio... Hasta la próxima! Ricardo

Ricardo Pellican es un Guitarrista, Bajista, Compositor, Arreglador, Docente y Productor artístico con más de cuarenta años en la escena del Jazz nacional e internacional. Grabó más de treinta CD´s de Jazz. Participa en importantes festivales de Jazz de Sudamérica y Europa, actuando con sus grupos y dictando Workshops.

Para conocer un poco más su perfil, visiten: http://www.facebook.com/ricardopellican http://www.facebook.com/Armonía de Jazz e Improvisación www.festivaldjango.com.ar

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Joe Perry

Joe Perry es guitarrista, compositor, algunas veces cantante y co fundador de la mítica y asombrosa banda de rock Aerosmith. Su verdadero nombre es Anthony Joseph Pereira y nació el 10 de septiembre de 1950 en el pueblo de Lawrence, Massachusetts, descendiente de italianos y portugueses, su abuelo al llegar a los Estado unidos cambió su apellido por el de Perry. Por Sergio resar

Su hermana menor Ann-Marie y él crecieron en el pequeño pueblo de Hopedale en Massachusetts, donde su padre trabajaba como contador y su madre era maestra de gimnasia en un colegio.

Después, ella se fue a vivir a Arizona cuando su esposo murió en 1975.

A la temprana edad de seis años tuvo su primera guitarra, si bien nunca tuvo estudios formales con el instrumento, fue en la adolescencia, a fines de los ‘60s donde comenzó a tocar sobre discos de The Beatles, The Rolling Stone, Yardbirds entre varios otros.

Comenzó su carrera como músico tocando en bares junto a Toma Hamilton, que luego se transformaría en el bajista de la legendaria banda. Esa banda con la que empezó se llamaba Jam Band. A su vez, para poder tener su dinero, Perry empezó a trabajar en una heladería y fue allí donde conoció al futuro cantante de Aerosmith, Steven Tyler (aún Steven Tallarico). En 1970, después de conocer a Joe Kramer (batería) y a Ray Tabano (segunda gui-

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tarra) deciden formar Aerosmith. Ya en 1971, Tabano es reemplazado por Brad Whitford. Para 1972, Perry y los demás integrantes de la banda firman contrato para grabar con la compañía Columbia Records y lanzan su primer disco “Aerosmith” que recién sale a la venta en 1973 y se convierte en un éxito muy rápidamente. Le siguieron Get Your Wings (1974), Toys in the Attic (1975), Rocks (1976), Draw the Line (1977), Night in the Ruts (1979).

En 1981, Perry deja la banda en pleno apogeo por problemas de adicciones y formó The Joe Perry Project. La banda originalmente consistía en Perry, el cantante Ralph Morman, el bajista David Hull y el baterista Ronnie Stewart. Ésta fue la formación que grabó su álbum debut en 1980, Let the Music Do the Talking, producido por el también productor de Aerosmith Jack Douglas. El disco tuvo bastante buena crítica y aceptac ión por parte del público, llegando a vender 250.000 copias en Estados Unidos.

Durante la gira del álbum, Morman fue despedido

y sustituido por Joey Mala, que duró hasta el final de la gira, y posteriormente sustituido por Charlie Farren. Esta última formación fue la que grabó I've Got the Rock'n'Rolls Again, que vio la luz en 1981, sin mucho éxito. La falta de promoción del álbum y los continuos problemas de Perry con las drogas acabó con el despido de toda la formación.

Con un nuevo contrato discográfico y tres nuevos miembros en la banda, el cantante Cowboy Mach Bell, el bajista Danny Hargrove y el baterista Joe Pet, la banda sacó Once a Rocker, Always a Rocker en 1983. El álbum tuvo también poco éxito, vendiendo unas 40.000 copias y no tuvo casi promoción. A pesar de estos números, la banda salió de gira agregando a la formación al ex-Aerosmith, Brad Whitford.

Durante esta gira, el grupo tocó como soporte de Huey Lewis and the News, siendo aquí donde Joe Perry se hizo muy amigo de Lewis´, siendo éste el quehabló con Perry para volver a formar Aerosmith con Steven Tyler. Al año siguiente Perry y Whitford se reunieron de nuevo con Aerosmith.

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cÓmo eleGir nuestro baJo?

Cuando vamos por primera vez a comprarnos un bajo eléctrico o cambiar el nuestro, hay cosas que deberíamos tener en cuenta.

Como primera medida vamos a clasificarlos en dos grandes grupos de acuerdo al cuerpo, de cuerpo sólido o cuerpo hueco. La primera diferencia que encontramos en estos dos grupos es el peso del instrumento.

Obviamente el más liviano siempre es el de cuerpo hueco o hollow body y el más pesado el de cuerpo sólido. Como segunda medida, también vamos a notar diferencias en el sonido, el bajo de cuerpo hueco en general va a sonar más grave, más natural, no como un contrabajo pero mucho más cercano que un bajo de cuerpo sólido. Si bien en los bajos de cuerpo sólido la resonancia de la madera es muy importante lo es más la electrónica, es decir, sus micrófonos y circuitos.

Al probarlos veremos que un bajo de cuerpo hueco tiene menos definición que uno sólido. Casi siempre los bajos hollow body vienen con el mástil encolado, o sea que este está unido al cuerpo sin tornillos. En cambio los de cuerpo sólido, pueden estar unidos al cuerpo por tornillos, mediante cola o ser de una sola pieza. El mástil atornillado proporciona más ataque, mientras que el mango encolado nos da mayor sustain. Después deberemos ver el tema de los micrófonos, activos o pasivos. Los micrófonos activos reducen al máximo los ruidos de la señal mientras que los pasivos suelen tener mayor rango de sonidos. La posición donde estén instalados los micrófonos variará completamente el sonido del bajo. Si uno de estos se encuentra más cerca del puente que del mástil el sonido será agudo

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mientras que si está instalado más cerca del mástil, este será más grave. También debemos tener en cuenta nuestra manera de tocar, si tocamos con los dedos nos permitirá mayor control del sonido pero si tocamos con púa obtendremos más ataque. Ahora subdividiremos en otros dos grupos, escala larga o escala corta. La mayoría de los fabricantes ya han estandarizado la escala larga en alrededor de 34” y los de escala corta entre 30” y 32” de longitud. En la escala larga se usa casi siempre una tensión de cuerdas normal y nos provee mayor definición mientras que si a un bajo de escala corta le ponemos las mismas cuerdas que usaríamos en uno de escala larga, estas quedarían más flojas, es decir con menos tensión y tendríamos un sonido menos definido. Ahora nos centraremos en los mangos. Un bajo de una sola pieza o Neck-Through nos dará una mejor transmisión de las vibraciones de las cuerdas y mayor sustain que un bajo de mástil atornillado o encolado.

a uno de 4 cuerdas, se le empiezan a agregar cuerdas para lograr nuevos sonidos, graves y/o agudos. Los bajos de 5 cuerdas proporcionan un rango extendido en graves mientras que los de 6 en graves y agudos.

Los bajos de 5 o 6 cuerdas son instrumentos que permiten el acceso a un mayor número de notas sin tener que cambiar la posición.

Después deberemos elegir entre un bajo sin trastes o fretless o uno con trastes. El bajo fretless es el que más se asemeja a los sonidos del contrabajo y a sus técnicas como el glissando o el vibrato. Tocar un bajo eléctrico fretless exige tener una técnica depurada pues al no haber trastes, las notas las marcamos nosotros. Después debemos elegir entre 4, 5 o 6 cuerdas.

Hasta finales de los ‘80s, principios de los ‘90s, casi todas las grabaciones fueron hechas en bajos de 4 cuerdas. A principios de los ‘90s se le empiezan a agregar cuerdas a los bajos y se los conocen como bajos de escala ampliada, si bien la longitud es igual

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Flea

Michael Peter Balzary, más conocido como flea, nació en la ciudad de Melbourne, en Australia el 16 de octubre de 1962. A la edad de cinco años, su familia decide mudarse a la ciudad de Nueva york. Para el año 1971 sus padres se divorciaron y Mick Balzary, padre de flea se vuelve a vivir a Australia. Su madre Patricia, luego de analizar la situación, decidió quedarse en los Estados unidos y al poco tiempo se vuelve a casar con un músico de Jazz. Por Sergio resar

El padrastro invitaba frecuentemente a su casa a otros músicos y en esa casa se armaban Jam Sessions en las cuales el pequeño Michael asistía. Al cabo de unos meses, la familia decide mudarse a Los Ángeles, California y es ahí donde Flea empieza a mostrar interés por la música y más precisamente por la trompeta. Al empezar a estudiar, sus profesores ya lo consideraban un niño prodigio. A esta edad, Flea aún no había descubierto el rock, sólo le interesaban sus ídolos como Miles Davis, Louis Armstrong, Dizzy Gillespie, entre otros.

Flea asistía al Instituto Fairfax de Los Ángeles, donde se sintió un poco desplazado debido a sus gustos musicales. No obstante, pronto conoció a Anthony Kiedis, quien después de un enfrentamiento entre ambos, se harían grandes amigos.

Es este amigo quien lo introduce al rock, más precisamente al punk rock.

Flea también era un gran amigo de Hillel Slovak, primer guitarrista de los Red Hot Chili Peppers,

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que por aquel entonces tocaba la guitarra en una banda llamada Anthym. Tom Strassman abandonó Anthym en 1979. Slovak, Irons y Johannes pensaron que sería bueno que Michael Balzary lo reemplazara. El problema era que Flea aún no sabía tocar el bajo pero tenía la actitud que ellos buscaban para su banda. Slovak empezó a enseñarle como se tocaba ese instrumento.

Durante su participación en Anthym, Flea comenzó a desarrollar una increíble habilidad con el slap, que posteriormente perfeccionaría con Red Hot Chili Peppers. Anthym empezó entonces a tocar en pubs, a pesar de que todos los miembros del grupo eran menores de edad. Flea, Slovak y Kiedis se hicieron grandes amigos y comenzaron a usar LSD, heroína, cocaína y anfetaminas por puro placer.

Ya todos los integrantes de la banda escuchabas exclusivamente punk rock y con este movimiento, deciden cambiar el nombre de la banda a What Is This?, y rápidamente se convirtieron en la banda

favorita de un club local, atrayendo a más de 30 personas por concierto.

Por cuestiones internas de la banda, Flea decide dejarla e ir a tocar la batería con otro grupo de punk rock llamado Fear. No contento, Michael deja también a esta banda y se reúne con sus viejos amigos Slovak y Kiedis y comenzaron a crear su propia música, después de encontrar la inspiración en un grupo punk-funk llamado Defunkt.5 Los 3 amigos llamaron al antiguo baterista de Anthym, Jack Irons, para formar un grupo que se pasó a llamar Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters of Mayhem: Este grupo tan sólo tenía una canción, titulada "Out in L.A.". Tras el debut de la banda en un local llamado The Rhythm Lounge, el dueño les pidió que volviesen, pero en vez de con una canción propia, lo hiciesen con dos. Después de varios conciertos, y varias canciones propias en su setlist, el grupo finalmente decidió cambiar su nombre por el de Red Hot Chili Peppers.

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