Guitarristas y Bajistas Magazine #41 by Sebastian Perego

s a t s i r r a t r i a . Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 CONCurSO BANDA VL - Página 08 ENTrEVISTA A rANO SErBACh - Página 10 ENTrEVISTA A OSCAr kAMIENOMOSky - Página 12 fAMuSIC 20 AñOS DE hISTOrIA - Página 14 MESA BOOGIE DuAL rECTIfIEr - Página 16 EMG ACTIVOS - Página 18 CuErDAS SOuND GENErATION - Página 20 ENTrEVISTA A JOrGE SErrANO - Página 22 JAMES TyLEr VArIAx - Página 28 hISTOrIA DEL BAJO ELéCTrICO - Página 29 COrT ZENOx SErIES - Página 30 LA OTrA MIrADA - Página 31 STANLEy CLArkE - Página 32 DEAN EDGE 6 - Página 33 rANDy rhOADS - Página 34 yAMAhA PACífICA - Página 44 fENDEr JAZZMASTEr - Página 46

SuPLEMENTO TéCNICO fACuNDO LóPEZ BurGOS - Página 35 ALEJANDrO GIuSTI - Página 36 ANDréS DuLCET - Página 37 JuAMPy JuárEZ - Página 38 PABLO SANTOS - Página 39 SILVIO GáZquEZ - Página 40 DAMIáN VErNIS - Página 41 GABrIEL CAPArróS - Página 42

Editor responsable florencia Pérez del Valle

Director del Suplemento Técnico facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com Arte | Diagramación - Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Alejandro Giusti, Andrés Dulcet Pablo Santos, Juampy Juárez Damián Vernis, Gabriel Caparrós Silvio Gazquez

04 | Editorial

Año 8º - Nº 41 | Agosto 2014 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Ideográfica - Perón 935 (1038) C.A.B.A Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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YAMAHA PACIFICA

ds PICKUPs

Nuestros amigos de Yamaha Music Latin American Sucursal Argentina tienen el placer de presentarnos tres nuevos modelos de la ya famosa línea de guitarras eléctricas PACIFICA. Un dato muy importante para tener en cuenta es que la serie Pacífica tiene más de un millón de instrumentos vendidos, Yamaha Music, no para de innovar. Por esa razón tras 24 años de constantes éxitos, retoman el camino con nuevos modelos inspirados en la demanda de los guitarristas actuales, con prestaciones de guitarra boutique. En esta oportunidad son los siguientes modelos de esta serie, la PAC311H, PAC510V y PAC611VFM.

DS Pickups sigue innovando y en esta oportunidad nos presenta un micrófono de reeemplazo para bajos Music Man® StingRay® de cuatro cuerdas. Recomendado para rock, heavy rock, funk, punk y metal.

NovedAdes MUsIC soLUTIoNs www.musicsolutions.com.ar Nos han llegado novedades de la empresa Music Solutions, representante en Argentina de los ya famosos micrófonos para instrumentos EMG, nos sorprende con una línea de micrófonos activos, tanto para guitarra eléctrica como para bajo. No son pocos los músicos que usan esta línea de micrófonos demoledores y explosivos en sus instrumentos de cabecera. Algunos de ellos son: Kirk Hammet, James Hetfield, Kerry King, Zakk Wylde, David Gilmour, Steve Lukather, Les Clapool, Geezer Butler, Rob Trujillo, Dave Ellefson, Tom Araya.

NovedAdes FAMA MUsIC - MARCeLo ToRRes Marcelo Torres es uno de los bajistas más reconocidos de nuestro medio, artista de la marca CORT, quien acaba de grabar un nuevo disco y ¨Universos en Miniatura¨, presentándolo en varios shows de su gira, comenzando por el interior de país y próximas presentaciones en la ciudad de Buenos Aires. Este sensacional y asombroso bajista no para de sorprendernos e incorporó recientemente a su equipamiento el bajo Cort® C5H-BKS el cual posee evidentes prestaciones para el uso profesional. Podrán encontrar más información sobre estos productos en www.famamusicgroup.com

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El MUSICMAN®4-C es un micrófono doble bobina CERAMICO que ofrece un tono profundo y definido. Presenta graves-medios contundentes con agudos que guardan claridad gracias al tipo de imantación cerámica. Modelo ideal para aquellos bajistas interesados en un sonido potente con presencia en el escenario. Puede ser conectado con un circuito activo o bien en forma pasiva. Cada una de las bobinas vienen recubiertas de un fleje de cobre que permite lograr un diseño extra silen-

cioso! Manualmente ensamblado y parafinado en cámara de vacío para eliminar retroalimentaciones y acoples indeseados. Cable de 4 conductores + malla para una amplia variedad de conexionados (serie, paralelo, simple bobina). Importante: El conexionado de estos micrófonos en paralelo ofrece un tono más definido y preciso pero con un 1/3 de la salida correspondiente al conexionado en serie. Este último ofrece mejores graves y mayor contundencia/agresividad aunque menor nitidez. Incluye todos los accesorios de instalación: tornillos + burletes de goma para una óptima calibración del micrófono. Manual de instrucciones y diagramas de conexionado provistos en el packaging. Presentación en caja de cedro lustrado con tapa de acrílico.

Novedades | 05

NovedAdes TeveLAM

NovedAdes MUsIC soLUTIoNs

Nuestros amigos de Tevelam SRL siguen apostando a más. En esta oportunidad, son uno de los principales auspiciantes del concurso Banda VL. La mayoría de los premios de dicho concurso serán entregados por esta compañía constando estos de:

“Crybaby: The Pedal that Rocks the World” (el pedal que rockea al mundo) es un documental que cuenta la historia del pedal de efecto más vendido de todos los tiempos, desde su creación en 1966 hasta nuestro días. La película cuenta cómo el ingeniero Brad Plunkett descubrió y desarrolló el legendario sonido del wah wah, y cómo los artistas lo usaron para expresarse a través de su evolución. Íconos de la guitarra como Eddie Van Halen, Kirk Hammett, Slash, Dweezil Zappa y Jerry Cantrell hablan acerca de la forma en que este pedal se convirtió en parte de su sonido, y periodistas de las revistas Rolling Stone y Guitar Player exploran el significado cultural de este pedal de efecto. El documental cuenta también con la participación de otros grandes como Paul Gilbert, Buddy Guy, Zakk Wylde, Wah Wah Watson y del propio Jim Dunlop, responsable desde 1981 de la producción del Crybaby, el wah wah más famoso de todos los tiempos.

1 Guitarra Washburn, 1 Bajo Warwick, 1 Bateria LEGEND completa con set de platillos ORION, 1 Sistema de micrófono de voz inalámbrico APOGEE.

NovedAdes RÓMULo GARCÍA www.gruporomulogarcia.com.ar

Cabe destacar que en el marco del concurso se brindaran clínicas de todas las marcas mencionadas a cargo de destacados profesionales de nuestro país entre ellos: CRISTIAN JUDURCHA (Baterias LEGEND), DANIEL CASTRO (Bajos WARWICK), COQUI RODRIGUEZ (LINE 6).

06 | Novedades

El Grupo Rómulo García, sigue creciendo! En estos tiempos en que muchas empresas inmovilizan recursos ante la crisis, el Grupo Rómulo García no se detiene y lo hace incorporando nuevas y prestigiosas marcas, ellas son las cuerdas Elixir y Dean Markley,made in USA, dos marcas de mucho peso en cuanto a trayectoria y sonido. También las cuerdas brasileñas SG by Izzo, una cuerda muy recomendable por precio, variedad y calidad y sumando a todo esto los amplificadores Rivera, la renombrada marca del sur de California de excelente manufactura a mano. Celebramos tener esta variedad de productos para nuestros músicos!

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Banda VL

Con el auspicio de nuestros amigos de la empresa Tevelam SrL y la Municipalidad de Vicente López, el 26 de junio de este año, en el majestuoso e histórico Cine Teatro york de Vicente López, se lanzó el concurso Banda VL que tendrá como integrantes del jurado a los músicos Juanchi Baleirón, de los Pericos; Walas, de Massacre; y el periodista de rock “Bebe” Contempomi. Por Sergio resar

Con la presencia de este último como presentador del evento, invitó a subir al escenario al intendente de esta Ciudad, Jorge Macri quien explicó los detalles de tan importante evento. “Nosotros trabajamos mucho para generar empleo en los jóvenes. Nos encanta ayudarlos, y más cuando es para que puedan vivir de lo que más les gusta. Queremos darles un empujón para que cuenten con las herramientas necesarias y encuentren el mejor camino. Banda VL es un esfuerzo muy grande. Tratamos de darles una oportunidad a los músicos de que puedan vivir de lo que les apasionan. Estamos fomentando que el artista se dé a conocer, sea exitoso y que arme de eso su forma de vida. Convocamos a toda la gente de la provincia a que su banda sea valorada y evaluada por un jurado de primer nivel. Veníamos trabajando el tema de las bandas locales hace tiempo en el municipio. Este certamen pone este esfuerzo a otro nivel. Valoramos de esta iniciativa la chance de que los jóvenes se desarrollen en lo que hacen. Pueden parti-

cipar todas las bandas de la provincia. Entran a la web www.bandavl.com.ar, cuelgan su demo, esto es evaluado por los jurados que deciden quienes van a tocar en los distintos recitales que vamos ir armando a lo largo del año donde la gran final será en diciembre, tocando en el río junto a bandas consagradas. Los premios son instrumentos (otorgados por nuestros amigos de Tevelam SRL), tocar en un festival, además van a tener la posibilidad de grabar un disco. La idea es que la banda se muestre en un nivel profesional, toquen con buen sonido y tengan una convocatoria importante que les permita dar un salto para lograr un mayor reconocimiento por parte de la gente” El jurado seleccionará los veinticinco participantes que serán parte de “Banda VL”. De allí saldrán seis bandas finalistas (cinco elegidas por el jurado y una por el púbico) que se presentarán en vivo en el Paseo de la Costa, donde estos elegirán al ganador. “Como músicos es una tarea súper interesante la que nos toca. Vamos a elegir con la cabeza, con el oído y con el corazón”, dijo Juanchi Baleirón. En la misma sintonía, Walas señaló que están ansiosos por escuchar nuevos músicos, emocionarse y sorprenderse. “Vamos a tener en cuenta todo lo que necesita una banda para llegar bien alto”, dijo.

lugar en la final a través de la votación de la gente. Pasa a la final aquella banda que obtenga la mayor cantidad de votos. Las seis bandas finalistas se presentarán en vivo en el escenario del Paseo de la Costa y allí el jurado elegirá a la banda ganadora, que tendrá como premio la presentación en un festival musical de relevancia y horas de masterización en el estudio de grabación La nave de Oseberg. Las semifinales serán los sábados 26 de julio, 30 de agosto, 27 de septiembre, 25 de octubre y 29 de noviembre, con Gran Final frente al Río el sábado 13 de diciembre, en donde el jurado elegirá a la banda ganadora y a los mejores instrumentistas entre los grupos finalistas. Esta competencia, que le da continuidad a la exitosa convocatoria de “Bandas de mi barrio”. Como fin de tan importante concurso, tocó la banda platense “Estelares” para deleitar a los presentes.

La selección final se hará en cinco recitales, con cinco bandas cada uno, y con un ganador por show. Luego de la última ronda, se subirá a la web oficial del concurso la presentación musical en vivo de las 20 bandas restantes, para competir por un

08 | Concurso Banda VL

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Rano SeRBach

Cuando y por qué la guitarra? A los 8 años empecé a aprender con una maestra del barrio, con la guitarra que era de mi papá, Jorge, alias Coco, con quien escuchaba mucha música y muy variada. Básicamente a él le debo haberme dedicado a la música, mis primeras canciones con esa maestra fueron Zapato roto y You've got a friend, ecléctico el comienzo...

Con más tres décadas en la música, trabajando con artistas como raíces, Memphis y Sandra Mihanovich, robi Draco rosa, Emmanuel horvilleur o Gloria Gaynor, dan muestras de que rano es un gran guitarrista. respetado por los más grandes (Charly García, Andrés Calamaro, Pappo, etc.) nos cuenta una parte de su vida en esta entrevista. Por Sergio resar

Después comencé a sacar temas de oído con el primer disco de León Gieco, y cuando di cuenta de que podía hacerlo bien, no paré de tocar y aprender con diferentes discos, el segundo que encaré para sacar fue Led Zeppelin II. Con quiénes estudiaste? Primero con la maestra del barrio para mis primeros acordes, y de más grande hice algunas clases con varios maestros, Luis Borda, Lito Epumer, el gaucho Di Pascua, Walter Malosetti, pero mi formación principal fue básicamente autodidacta, sacando temas de mis preferidos en la guitarra: Pappo, Jimmy Page, Jeff Beck, Angus Young, Jimmy Hendrix, Van Halen, Stevie Ray Vaughn, y más tarde Joao Gilberto, Wes Montgomery, Larry Carlton, Robben Ford, etc.

Cómo se llama tu álbum solista? Rano. Con quiénes y dónde lo grabaste? Grabaron todos amigos, Jota Morelli, Fer Samalea, Patán Vidal, Hernán Jacinto, Javier Martinez Vallejos, Ezequiel Kronenberg, Bob Telson, Gringui Herrera, Fer-

Qué música se escuchaba en tu casa? Mucho bolero, bossa nova y los Beatles básicamente. Mi papá siempre invitaba a sus amigos músicos a tocar en casa, me acuerdo que hasta algún viernes a la noche armaban batería y guitarras eléctricas en la galería del jardín. Yo me quedaba fascinado con la música en vivo tan cerca, tenía 8 o 9 años cuando empecé a curtir esas noches llenas de música y buena onda. Qué guitarristas te influenciaron? Bueno, los que nombré antes de los cuales aprendí, pero los que más influenciaron son Jimmy Page y Jeff Beck.

10 | Entrevista a rano Serbach

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en Núñez, muy lindo y con gran equipamiento, adonde produzco diferentes trabajos independientes. Cuáles son tus proyectos a futuro? Seguir tocando y produciendo, y también seguir juntándome con amigos en mi estudio a tocar y a grabar, siempre sale algo lindo de esos encuentros, y gracias a mi gran amigo Marcelo Pelleriti, enólogo de bodegas Monteviejo y guitarrista de rock, siempre hay vinos de alta gama para brindar entre tema y tema

nando Lupano, Daniel Colombres, Guillermo Vadalá, Conse Soares, Sandra Mihanovich, Lía Mc Donnell, María Álvarez de Toledo, Juane Scalona, Bruno Speight (guitarrista de Maceo Parker), y Marcus Teixeira, guitarrista brasileño, con quien había contactado cuando estuvo en Buenos Aires con Gal Costa. Las bases las grabé en el estudio Concreto, con Daniel Ovie como ingeniero de grabación y mastering y después hice overdubs en el estudio de Emma Horvilleur, en el de Bob Telson y en el que tenía en mi casa. Qué estás haciendo ahora? Estoy componiendo temas para mi próximo disco, algunos los hago con Cuino Scolnik como letrista y otros junto a mi banda, el gran Rafa Franceschelli en bajo y Javier Martínez Vallejos en batería. Tocamos juntos desde el año 2000 y hace dos meses terminé mi estudio

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Has tocado con infinidad de bandas y solistas, qué rescatás de cada uno de ellos? Rescato el haberme integrado a sus bandas para compartir sus músicas desde mi instrumento. Con todas las bandas y solistas con los que toqué, básicamente siempre tuve la libertad para tocar lo que mejor me saliera, y eso para mí fue fundamental en el desarrollo de un estilo. Con Vitiken toqué hard rock, con Memphis blues, con Sandra rockeaba los temas, con Sueter toqué pop, con Robi Rosa nos fuimos de gira a España con grandes amigos y grandes maestros (como Tito Losavio, Gringui, Lupano, Samalea y Vero Verdier) y en general, con todos los músicos con los que toqué siempre aprendí y me ayudaron a progresar con mi instrumento. Cuál es tu set actualmente? Utilizo un amplificador Laney LC50, un Sovtek MIG50, Wah Wah Fulltone Deluxe, Boss Super OD, Boss Tuner, Fuzz Factory Zvek, Voodoo trémolo, Electro Harmonix Phase, DL4 Line 6, Rat. Aparte de ser guitarristas, sos productor, cómo hacés para que no se mezclen los roles? Primero que nada trato de escuchar e interpretar lo que quiere el músico al que estoy produciendo, y luego veo qué le pudo aportar a su música desde mi

experiencia, cada producción exige diferentes formas de encarar el laburo, y siempre es fundamental tener onda con quien estoy por producir, si eso no pasa, prefiero decir que no. Qué le dirías a esto chicos que recién están empezando con el instrumento? Que estudien y practiquen lo más que puedan, pero que también toquen para pasarla bien, tocar un ensayo o tocar en vivo con amigos es un momento único, que toquen sin obsesionarse por el reconocimiento, que tarde o temprano llega, y así casi seguro que les irá bien y disfrutarán todo lo que les pase en su carrera. La música es para compartirla, y la mejor manera de hacerlo es tocando en vivo y grabando las canciones, en el formato que sea, tratando siempre de no tener miedo a equivocarse.

Entrevista a rano Serbach | 11

oScaR KamienomoSKy

Actualmente a cargo de su estudio de grabación, este asombroso guitarrista está tocando en Comando Pickles. ha tocado con La Academia del Bardo, Claudia Puyó, Mal Momento, The Garb y Simpatía. Por rodrigo yacciofani Schiavone

foto: Celeste urreaga

Contanos en qué momento de tu vida te encontraste con la música? Cuando era chico vi un programa de televisión, no recuerdo si lo conducía Nicolás Mancera, y presentaba a los “Beatles”. Con el tiempo supe que eran una copia americana de los originales ingleses. Las formas de las guitarras, la ropa y la música; detonaron una parte de mi cerebro. Cuáles fueron las primeras bandas que influenciaron tu elección por la guitarra eléctrica? The Beatles, Kinks, The Who, The Rollins Stones, The Doors y John Mayall. Cómo fueron tus comienzos? ¿te acordás que equipamiento usabas? El comienzo fue increíble, tenía 15 años y usaba una Kuc nacarada y equipo Shirtons (creo). Después llegó la Faim Les Paul y un equipo Fonum, fue la gloria. Quiénes fueron tus profesores? Si bien soy autodidacta, el que me enseñó a ubicar los dedos en el diapasón para el blues, fue Raúl Fernández, guitarrista de la legendaria banda “La Máquina”; y como refuerzo, hace unos años, Matías Cipiliano me renovó el stock de recursos. en cuanto a tu papel como guitarrista ¿cuál es la diferencia entre acompañar a una cantante como

12 | Entrevista a Oscar kamienomosky

Claudia Puyó, a cuando estás en una banda con un sonido más contundente como pasa con Los Chevy Rockets o Comando Pickles? En realidad trato de unificar mi sonido y hacerlo funcional a cada artista que me toca acompañar. Pero intento tener siempre un sonido distintivo donde estén representados los rasgos de mi errante personalidad. Con Claudia y los Chevy estoy más al servicio de ellos. Pero la diferencia la hago con Comando, donde siento que estoy al servicio de mi música. O sea, hablando mal y pronto, toco lo que se me canta “las pelotas”. Cuáles son los factores determinantes a la hora de elegir el sonido de la guitarra para tus distintos proyectos? Después de 40 años tocando, habrán pasado por mis manos mínimo 30 guitarras. Entre Fender, Gibson, Music Man, Guild, Torax, etc. Gracias a mi amigo “Alambre” González que me recomendó una guitarra caja Thinline y mango Stratocaster puedo decir que he encontrado mi guitarra. Toco con ella hace 9 años y la uso para todos los proyectos. Es sumamente versátil. Tengo un pote que me corta las bobinas. Me lleva de una Les Paul a una Telecaster en un segundo. Cuáles son las cosas que expresas con la música que no podes decir con palabras? Pienso sinceramente que los sonidos que saco de

mi guitarra es mi voz interior que suena como un susurro en tu mente. son los conceptos que un músico refuerza arriba de los escenarios? No sé. Es muy personal. Depende de cada artista. Yo refuerzo mis neuronas y mi memoria, tratando siempre de tener una actitud amable y lo más profesional posible. Qué equipamiento estas usando en la actualidad? La guitarra que nombré anteriormente, esa mezcla de Telecaster y StratoCaster, y un Marshall JTM60 valvular al que a veces le agrego una caja JCM 900 de 100 watts. Y mis “autitos” un Cry Baby, Tsunami de Cluster, Stereo Pulsar de Electro-Harmonix, Microvibe de Voodo Lab, Chorus Boss CE3, Delay Boss DD3 y Chromatic Turner TU3 de Boss. Cuáles son tus proyectos para este año? Intentar terminar mi disco. Grabar con “Comando Pickles” y terminar el disco que estoy haciendo con Los Chevy Rockets. Qué consejos le darías a los que quieren iniciarse con la guitarra? Escuchen música, estudien y nunca pierdan su capacidad de asombro. Lo demás es lo demás, o sea, es lo que sobra.

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20 añoS de hiStoRia

Corria el año 1994 y bajo el nombre de F.A DRUM CENTER, abrieron el primer local de venta al público, ubicado en una antigua galería de la localidad de Martínez, dónde se comercializaban únicamente artículos del rubro batería. El objetivo fue desde el primer día, acercar a los bateristas de ese barrio, toda la variedad, calidad y precio que por entonces se encontraba sólo en Capital Federal. Al poco tiempo, debido a la gran demanda de los clientes-músicos-amigos, comenzaron a incorporar guitarras criollas, eléctricas, bajos, amplificación, hasta abarcar todos los rubros y esto los lleva a cambiar el nombre de "Drum Center" por el de "Instrumentos Musicales". En el año 1996 abrieron la segunda sucursal de venta al público, dentro de una galería ubicada en el centro de San Isidro y de esta manera se convertirían en un punto de referencia para todos los músicos de la Zona Norte. Fueron los creadores de la primera academia de música, dictada por lo músicos de rock más reconocidos del país. También fueron precursores en la organización de clínicas totalmente gratuitas dictadas por músicos no sólo del ámbito nacional, sino también figuras

14 | 20 años de historia

A principios de los ‘90, en una casa particular de Zona Norte, más precisamente en un garage, comenzó la historia de nuestros amigos de fAMuSIC, con la fabricación de baterías mudas y la compra-venta de baterías usadas.

internacionales, entre ellos Gregg Bissonette (Multiple sesionista internacional); Frank Bello (Anthrax); Stu Hamm (Sesionista-Joe Satriani); Martín Carrizo (Animal-G. Ceratti-Indio Solari); Gustavo Rowek (V8-Rata Blanca-Nativo); Sergio Berdichewsky (Rata Blanca-

Nativo); Luis Sánchez (Lethal); Marcelo Mira (Los Guarros-Memphis); Andrés Villanova (Animal-Carajo); Fito Messina; Guillermo Vadalá (Solista-SesionistaFito Páez); Javier Malosetti (Solista-Sesionista-Spinetta); Edie Walker (Lethal); Daniel Leonetti (Los Guarros-Productor); Oscar Giunta (Sesionista); Diego Mizrahi; Jota Morelli; Lito Vitale; Mario Ian (AlakranRata Blanca); Marcelo Roascio; María Gabriela Epumer (Viuda e Hijas-Charly García); Ricky Sáenz Paz (Siete Delfines); Miguel Tallo (Percusionista) y muchos artistas más. El año 2002 fue un punto de gran inflexión en la historia de la empresa. La conocida crisis sufrida en nuestro país los obligó a buscar otras alternativas comerciales para poder subsistir. Así fue como Internet aparece en escena y mucho del tiempo libre que antes ocupaba la venta al público, comenzó a capitalizarse publicando productos en Mercado Libre y De Remate. Y junto con el crecimiento de estos sitios de venta virtual, fue creciendo un nuevo desafío, que ayudó a restablecer el rumbo de la empresa para los tiempos que devendrían. Allí cambiaron y redefinieron su nombre, pasaron a ser FAMUSIC. En el año 2006 obtuvieron dos distinciones por parte de Mercado Libre al usuario con Mayor Volumen

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cado Libre, pero esta vez, como el MEJOR VENDEDOR DEL AÑO DE TODOS LOS RUBROS. En 2014, siguieron las buenas noticias y abrieron el FAMUSIC FACTORY OUTLET, donde concentraron artículos con detalles estéticos, discontinuados o con sobre-stock a precios increíbles.

Transaccionado de Operaciones y Mayor Cantidad de Publicaciones en E-Shops. En 2007, con FAMUSIC ya totalmente recuperado, abrieron una nueva y bien surtida sucursal, esta vez en Capital Federal, más precisamente en el barrio porteño de Belgrano. En el 2009, recibieron nuevamente el reconocimiento por parte de Mercado Libre, en este caso con la distinción de "Mercado Líder Platinum", en reconocimiento a su profesionalismo y desempeño, símbolo

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de excelencia en calidad y servicio, ésta es la máxima medalla otorgada por Mercado Libre a los mejores vendedores del sitio. Conscientes de la tendencia mundial de volcarse a la compra de instrumentos musicales a través de internet, en agosto de 2011 inauguraron su cuarta sucursal, estratégicamente ubicada en el barrio de Chacarita en Capital Federal, exclusivamente dedicada para las compras realizadas de forma Online. En 2012, fueron distinguidos nuevamente por Mer-

Y la última novedad es FAMUSIC CUSTOM SHOP, un espacio distinguido, con instrumentos de alta gama, boutique, con atención súper personalizada, a la altura que este tipo de instrumentos y que sus usuarios necesitan. Una de las características que los distingue, es que todos los que hacen FAMUSIC, son músicos, y por ello pueden asesorar en forma personal y profesional además de entender las necesidades de los músicos, ya que comparten la misma pasión por la música y los instrumentos musicales. Es muy emotivo, sobre todo porque son una empresa familiar que trabaja muy duro, siempre dieron lo mejor de ellos, crecieron, aprendieron y maduraron haciendo FAMUSIC, y a la vez vieron crecer músicos, que eran muy chicos y iban a sus primeros locales como clientes, como principiantes. Muchos compraron sus primeros instrumentos en FAMUSIC y hoy son artistas reconocidos. Este año cumplen su 20º aniversario y 20 años es mucho tiempo. La experiencia y buena reputación llevan mucha dedicación y trabajo. Y para festejarlo están realizando una serie de eventos gratuitos y promociones especiales exclusivas para sus clientes, quienes hicieron posible que lleguen hasta aquí. Hablan de Descuentos increíbles; Shows en vivo; Masterclasses; Sorteos de instrumentos musicales, Remeras y Merchandising oficial. Y además abrieron el primer Outlet de Instrumentos Musicales e inauguraron este año un sector de Instrumentos Boutique y Alta Gama. Esperamos que todos se acerquen y se contacten con FAMUSIC para ser parte de estos festejos, que se han transformado en beneficios para el cliente.

20 años de historia | 15

meSa Boogie duaL RectifieR

Todo comenzó a principios de los ‘70, cuando Boogie introdujo innovadora serie Mark. Desde el principio de aquellos años, marcaron tendencias. Estos amplificadores se hicieron famosos por sus overdrive y sustain. Cuando todo esto se combinó con la ecualización gráfica de cinco bandas de Mesa, el resultado fue letal y fue impulsado tanto por los guitarristas como por Mesa y fue la gran atracción de las dos décadas siguientes. No contentos esto, decidieron no dormirse en los laureles, la gente de Mesa buscaban la combinación del tono cremoso del Boogie y un enorme sonido de gama baja que se pueda tocar incluso en los entornos más extremos. Su búsqueda de lo mejor de ambos mundos dio lugar a las cabezas Dual Rectifier y Triple Rectifier. Años más tarde, los amplificadores de la serie Dual Rectifier continúan sonando ante las multitudes. La década de 1990 trajo nuevos amplificadores a la línea de Mesa que se construyeron para atraer a los diferentes estilos de menor ganancia y estos amplificadores definitivamente encontraron sus devotos rápidamente en todos los rincones del mundo con apariciones en cientos de grabaciones y miles de shows hasta la actualidad. En vísperas de su vigésimo aniversario, dedicamos este informe. El Dual Rectifier, aquí en una nueva versión, el Solo Head. Comparado con la versión clásica, el nuevo Dual Rectifier se equipa de algunas nuevas funciones: El Multi-

Watt, un nuevo lazo de efectos, 8 modos para los tres canales y una nueva pedalera. Este nuevo Dual Rectifier es un paraíso para quién ama las válvulas: 4x6L6 (o 4xEL-34), 5x12AX7 y 2x5U4. El Dual Rectifier se equipa de tres canales. Además hay ocho diversos modos. Dos modos en el canal 1 y tres modos en los canales 2 y 3. Veamos características de este nuevo ampli, el Dual Rectifier Solo Head. CANAL 1 El canal 1 permite dos modos: Clean y Pushed. CLeAN El modo con el ajuste más bajo del gain. Obviamente, este modo es perfecto para los sonidos limpios. Si se está utilizado con los valores preseteados, este modo proporciona un sonido limpio excelente y equilibrado. Muy abierto y con una atmósfera caliente. Si aumentan el gain, el cabezal producirá un sonido perfecto para los solos, con un sustain notable y un gran ataque. Un sonido algo Vintage, especialmente con el micrófono del mástil. PUsHed En este modo se agrega una increíble ganancia, en las primeras etapas del preamplificador al canal 1. El resultado es un gran crunch, mucho más duro y con un ataque sorpendente, pero con una salida muy limpia. En este sonido, el Overdrive, es perfecto para los solos.

En su vigésimo aniversario, un informe sobre el Dual rectiﬁer, en una nueva versión, el Solo head. Por Sergio resar

CANALes 2 Y 3 Cada uno de los otros dos canales Lead del Dual Rectifier Solo Head proporciona tres modos: Raw, Vintage High Gain y Modern High Gain. RAw Este modo, entre los tres modos de los dos canales Lead, es el modo con el valor más bajo del gain. Este ajuste proporciona un sonido versátil. Puede ser utilizado como una alternativa al sonido limpio del canal 1 o para un sonido Blues con un valor bajo de ganancia. Pero este modo puede ser flexible. Por ejemplo, si se aumentan los agudos, puede producir un timbre válido para un sonido rítmico con un crunch muy agradable. vINTAGe HIGH GAIN Este modo produce un sonido gordo, cremoso que es distintivo del Rectifier. Este sonido se puede considerar, en los valores más bajos, una alternativa del Raw, cuando el Raw se regula en el máximo. El Vintage High Gain crea una compresión natural típica de un amplificador totalmente a válvulas. Un sonido muy saturado. ModeRN HIGH GAIN Si el Hard Core o el Heavy Metal es tu música, éste es el modo para vos. El Modern High Gain produce un sonido muy agresivo, con una respuesta rápida y un ataque duro. MULTI-wATT El Multi-Watt es una función que permite la opción entre una potencia de salida de 50 o 100 watts. Pero esta función de Mesa Boogie no es simplemente un interruptor para la potencia de salida. Modifica el funcionamiento de las válvulas y crea un nuevo sonido. CoNTRoLes El panel frontal del Dual Rectifier Solo Head se equipa de una gran cantidad de controles. Se puede elegir el modo más conveniente para tu gusto. Sucesivamente podés regular y personalizar el sonido con una gran flexibilidad.

16 | Mesa Boogie Dual rectiﬁer

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emg actiVoS

Una de las ventajas más importante de los mics activos, es la ganancia y claridad de audio sin ruidos ni molestos zumbidos. A continuación vamos a conocer algunos de los más pedidos de EMG. dG-20 dAvId GILMoUR David ha utilizado este mismo sistema de EMG durante muchos años en su guitarra principal. El set DG20 viene con tres micrófonos SA de bobina

En este informe vamos a analizar algunos de los modelos más populares de EMG, la marca líder en micrófonos y circuitos activos. Grandes músicos de diversos sonidos y estilo eligieron EMG por su ﬁdelidad y la pureza del sonido: David Gilmour, Steve Lukhater, Zakk Wylde, James hetfield, entre muchos otros. Por Sergio resar

simple, conectados con un expansor EXG guitarra, un control de presencia SPC, todo en un pickguard de lujo.Los micrófonos SA simples están construidos con imanes Alnico V. El circuito expansor EMG-EXG (Guitar Expander) es un booster que aumenta los graves y agudos, mientras reduce las frecuencias medias, ideal para la definición de acordes en volúmenes altos, mientras que el SPC (Strat Presence Control) también es

un booster que hace que los SA aumenten las frecuencias medias y convierten sus micrófonos simples en humbucking. Estos circuitos se venden por separado también. eMG sL20 sTeve LUKATHeR La obra de Steve Lukather (miembro fundador de Toto) demuestra su velocidad y técnica, junto con una capacidad camaleónica para tocar una multitud de estilos increíble. Hacer todo esto requiere de una electrónica flexible. Su elección es una configuración de EMG altamente personalizada que antes sólo estaba disponible en la guitarra de Lucas. Ahora, esa configuración especial está disponible en el Sistema Pro SL20 Series. Tiene las siguientes características: dos micrófonos EMG SLV de bobina simple activos y un EMG 85 humbucker. Controles de cinco posiciones, control de volumen y selector de tono, todo montado sobre un pickguard de lujo. Todo esto es el resultado de una larga colaboración entre EMG y Steve. Los micrófonos EMG SLV fueron diseñados exclusivamente para Lukather, construidos en Alnico V, con una frecuencia de resonancia de3.75 Khz . El tono de este micrófono es probablemente el más particular que hayas escuchado. Él no se conformaría con menos. No debe tampoco.

18 | EMG Activos

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a la creencia popular, este set, el KERRY KING KFK 81/85/Pickup con PA-2 Preamp Booster, es sorprendentemente versátil y lo pueden utilizar los guitarristas de todos los estilos. eMG Zw Zakk wylde Conocido mundialmente como uno de los más grandes guitarristas de todos los tiempos, Zakk Wylde aprovecha su Set compuesto de dos micrófonos, el EMG 81 y el EMG 85 para establecer y mantener su tono agresivo. Si sos un guitarrista de rock y estás queriendo sobrealimentar tú guitarra con micrófonos activos, el EMG-ZW Zakk Wylde 81/85 Humbucker Set es una gran opción.

eMG KFK KeRRY KING Kerry King es uno de los guitarristas más reconocidos del thrash metal estadounidense con su banda Slayer. Este conjunto combina los EMG activos 81 y las 85 humbucking. También incluye el EMG PA-2 Preamp Booster, que es un refuerzo de señal de 20 db, así se puede conseguir la máxima distorsión. De hecho, el EMG KFK Kerry King Set es la misma configuración que Kerry utiliza para sus trabajos en vivo y en estudio. Contrariamente

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Los EMG 81 y EMG 85 son una de las combinaciones más populares puente/mástil desde hace bastante tiempo. El modelo del puente, el EMG 81 es un micrófono de alta ganancia, diseñado en 1979. Tiene la forma del humbucking, pero reemplaza las seis piezas polares individuales por barras de acero y un imán cerámico más pequeño. Este imán, en combinación con una mayor apertura de los polos de acero, esto permite un ataque más rápido pero manteniendo al mismo tiempo un tono agradable y gordo, Otra cosa es que el EMG-81 es muy silencioso. Ya sea que estés tocando Power Metal, Rock 'n' Roll o simplemente estés buscando saturar el amplificador, este modelo te brinda un fuerte ataque y un increíble sustain para tus solos. El modelo del mástil, el EMG 85 es uno de los más populares micrófonos de EMG, hechos con imanes Alnico V y al contrario del 81, el 85 es un mi-

crófono de gran alcance con un tono excepcional y versatilidad, habitualmente usado en la posición rhythm. Otros artistas que usan estos micrófonos activos de EMG, por sólo nombrar a algunos, son los siguientes: Kirk Hammet (METALLICA), Alan Wallace (EMINENCE), Jason Krause (KID ROCK), Kevin Walker (JUSTIN TIMBERLAKE), Glenn Tipton (JUDAS PRIEST).

EMG Activos | 19

cueRdaS Sound geneRation

Las nuevas cuerdas Sound Generation se fabrican con la última tecnología, la fábrica está equipada con las mejores máquinas disponibles en el mundo de origen italiano. Utilizan las mejores materias primas importadas y nacionales y su incesante búsqueda de la mejora de su mano de obra calificada y su control de calidad es cada día más rigurosa, garantizan la excelencia en estas cuerdas.

Andreas Kisser (Sepultura), Gaspa (Ira!), Mozart Mello (Profesor IG & T - EMT), Celso Pixinga (Coordinador y profesor del IB & T - EMT ), João Castilho (Djavan) y muchos otros grandes nombres que han evaluado, sugirieron cambios, y al lado de la empresa, lucharon para que las cuerdas Sound Generation logren la excelencia en la calidad que tiene actualmente.

La nueva línea de cuerdas Sound Generation fue desarrollada con un enfoque técnico y de mercado, sin dudas, en la búsqueda de un producto altamente profesional. Las cuerdas han sido sometidas a una técnica de rediseño, como la duración ideal, hasta el diámetro final, la reevaluación de las tensiones y los revestimientos, las materias primas y la mejora de los materiales utilizados y con nuevo control de calidad, colocan así a las cuerdas Sound Generation en el más alto nivel de las grandes marcas internacionales, sin perder de vista la relación precio/calidad. El desarrollo de estos productos, también tuvo la colaboración esencial e indispensable de músicos de renombre internacional, como

Los nuevos envases y envoltorios anticorrosivos de estas asombrosas y espectaculares cuerdas Sound Generation, protegen y aíslan a estos productos del contacto con el oxígeno, evitando que surjan signos de corrosión, preservarlos y garantizar su brillo, sustain, durabilidad afinación y el tono perfecto que todos buscamos y que tanto queremos que perdure ya que ese todo es la característica principal del sonido de nuestra banda.

20 | Cuerdas Sound Generation

Demás esta decirles lo importantísimo que es que este sistema de envoltorio de las cuerdas Sound Generation proporcione más seguridad para el músico y se puede almacenar y cuando se abre para

La marca Izzo fue fundada en 1918 y desde entonces ha fabricado encordados en el vecino Brasil. Por Sergio resar

su uso, todavía tiene el mismo aspecto como si hubiera sido fabricado y envasado en el mismo día en que se utilizarán. Estas cuerdas de origen brasileño están a la altura de cualquier cuerda norteamericana, con una fabricación moderna, poco a poco está ganando mercado no sólo en Brasil y Argentina, sino también en países limítrofes. Seguramente todos se verán altamente sorprendidos por la performance y el sonido de las cuerdas Sound Generation. Algunos de los principales artistas que eligieron estas cuerdas son: Alexandre Bicudo, André Martins, Andreas Kisser, Augusto Nogueira, Big Joe Manfra, Braulio Araujo, Breno Teixeira, Celso Pixinga, Danilo Moraes, David Fantazzini, Dé Bermudez, Duca Belintani, Edu Parronchi, Fabiano Carelli, Fred Andrade, Hevo84, Ivan Barasnevicius, João Castilho, entre muchos otros. Representante en la Argentina: GRUPO ROMULO GARCIA. www.gruporomulogarcia.com.ar

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joRge “peRRo Viejo” SeRRano foto: Juliana Wainsztein

Jorge Serrano es el principal compositor de Los Auténticos Decadentes. A él se deben canciones como “Corazón”, “Loco (tu forma de ser)”, “La bebida, el juego y las mujeres”, “Cómo me voy a olvidar” y “La guitarra” que nos hicieron bailar y divertir. Nació en California, en Estados unidos. A los cinco años, sus padres argentinos lo trajeron a Buenos Aires. A mediados de los ‘80 se sumó a Todos Tus Muertos del cual fue fundador en 1985, banda que abandonaría pero a la que le dejaría un éxito de su autoría: “Gente que no”. De ahí pasó a Los Auténticos Decadentes. Guitarristas.ar se trasladó para Villa Gesell para realizarle una entrevista exclusiva y esto es lo que nos contó. Por florencia Pérez del Valle y Sergio resar

22 | Entrevista a Jorge Serrano

Después recuerdo que el primero que empecé a escuchar, porque me gustaba, era Joan Manuel Serrat que fue una influencia de mi viejo, y los Beatles por influencia de mi hermana. Por qué elegiste la guitarra? Tuviste alguna influencia de tu familia? Realmente no hubo influencia de mi familia en cuanto a esa elección, se dio más porque a veces, cuando sos chico y te gustan o querés tocar algún instrumento, la mayoría de las veces elegís entre la guitarra o la batería, es muy difícil o raro que te vuelques para otro instrumento y bueno, elegí la guitarra. Recuerdo que mis padres, cuando les comenté esto, me mandaron a la academia que estaba a una cuadra, pero eran clases de guitarra clásica, y era un embole, así que deje porque me frustró. Yo quería tocar una canción. Yo no quería saber nada, no me gustaba. O sea, me enseñaban lo básico, pero me aburría, entonces dejé de estudiar ahí. Entonces, un día, me fui a comprar un libro de los Beatles que se llamaba Beatles Complete, que como era importado, en aquella época venia sellado, yo pensé que era un libro de fotos de ellos, pero resulta que cuando lo compré y lo abrí, me di cuenta que eran todas partituras, entonces me dije “genial” y me las puse a tratar de sacar, de repro-

ducir los temas y así fue que me fui haciendo también. Si tuve influencia en el canto, mi mamá canta muy bien, mi papá bastante mal y a mí siempre me gusto cantar, ya desde chiquito. No componer, eso

foto: Juliana Wainsztein

Que escuchabas cuando eras chico? Mirá, al principio como cualquier chico, no tenía bien definido que escuchar, así que escuchaba los temas que pasaban en la radio, los que estaban de moda.

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lo empecé de más grande, como una extensión que hice como forma de expresarme. Compusiste grandes temas como “Raquel”, “Loco tu forma de ser”, “La guitarra”, “el jorobadito”, etc. son situaciones reales que te pasaron o cosas que viste o sólo imaginación? En eso, hay un poco de todo. Algunos temas si son situaciones que me pasaron o frases que escuché, o cosas que vi pero más que nada busco la universalidad de los temas. En muchas canciones hay fantasía… Busco que sean simples, que los puedan escuchar todos y las entiendan y que les llegue. Busco la universalidad en cuanto a género y edades también. Me pasa mucho por ejemplo con el tema “Un osito de peluche de Taiwán” que lo hice en base a lo que pasa en una relación de pareja, pensando en eso y vienen madres y me dicen que se las cantan a sus hijos porque eso les pasa con ellos…como que los amás pero a veces te hartas de ellos, no los querés ni ver. Otras canciones como “La guitarra” por ejemplo, yo la hice si pensando en mí, pero hay cosas que no son así, como mi viejo. Todo lo contrario, mi viejo siempre me apoyó y busco alentarme en todo lo que hacía, pero la canción dio para el perfil del padre como está Guillermo Nimo, bien rebelde y está buenísimo. Luego con el paso del tiempo me di cuenta que a mi viejo le dolió eso, porque la gente muchas veces se toma las cosas literalmente y se pensaban que mi viejo era así y nada que ver…eso si me dolió, pero bueno, es así, soy artista y como te dije, busco la universalidad y uso mi imaginación también o cosas que veo.

ser tantos en la durabilidad. Los temas que componemos los llevamos y los votamos entre todos, cuando hacemos un show todos cobramos lo mismo.

tengo canciones que me hayan sobrado, es más, para el disco “Mi vida loca” llegamos con las canciones justas, estuvimos bastante flojos… jaja.

Hiciste un disco en el 2009 que se llamó Alamut, cómo surgió? Mi disco era algo que necesitaba hacer. Tenía muchos temas guardados que me habían quedado de Los Decadentes porque no se habían votado y tenía ganas de grabarlos. Me encantó hacerlo pero gaste

Qué significa Alamut? Alamut significa “Nido de águila” yo leí que así le había llamado un jeque árabe a un paraíso que tenía, que había hecho en un lugar y me gustó. Lo puse porque lo hice en mi casa y así la siento y veo yo, como un Alamut.

muchísima energía, me desgastó un montón, dado que al mismo tiempo, también estaba haciendo cosas o de gira con la banda y en mi disco yo hice todo. Es mas, hasta me volví bastante obsesivo, recuerdo que saque como nueve mil fotos!!! No tengo pensado hacer otro, pero si lo hago delegaría más cosas por ejemplo…Pero por ahora no porque no

Contanos que estas haciendo actualmente y que planes a futuro? Actualmente estamos componiendo el próximo disco de Los Decadentes, la verdad que hace bastante que no largamos uno, así que nos pusimos las pilas y empezamos. Todavía no hay una fecha estimada, pero estamos en eso.

Como hace para durar tanto una banda como Los Auténticos decadentes que tienen tantos integrantes? Creo que duramos justamente por eso, es más fácil mantener un grupo de amigos que una pareja o familia por ejemplo, viste que siempre hay alguno con el que tenés más afinidad y otro menos, pero lo bancas porque esta dentro del grupo? Justamente…y lo mismo con los egos, hay, pero al ser tantos y al hacer las cosas democráticas no es lo que prevalece eso del ego. Nos manejamos de una manera democrática, cooperativa, eso creo que es un factor clave al

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foto: Juliana Wainsztein

Cuál fue tu primer éxito? Cómo lo viviste? Me acuerdo que mi primer éxito fue “Loco tu forma de ser” y yo estaba sentado en el Carlitos de Villa Gesell y de golpe escucho que por la radio decían “Y ahora el nuevo éxito de Los Auténticos Decadentes, Loco tu forma de ser”- y fue una emoción y sorpresa que no te puedo explicar, orgullo, fue re lindo. Esa canción por ejemplo, la hice cuando estaba soltero y quería tener una relación y me imaginaba como sería…jaja. De ese tema recuerdo que estábamos con todos Los Decadentes yendo a comer algo y cuando entramos al local de comidas, lo primero que escuchamos entrando a ese lugar fue “Y ahora en el primer puesto Los Decadentes con Loco tu forma de ser” y eso fue una alegría inmensa, no lo podíamos creer…Sabíamos que estábamos dentro del ranking pero cuando escuchamos eso fue una felicidad enorme!

Entrevista a Jorge Serrano | 23

foto: Juliana Wainsztein

sabemos que de chico tenías pánico escénico… Cómo hiciste para superarlo? No me gusta el escenario, y si, cuando era chico tenía pánico escénico. Es más, si me das a elegir, prefiero estar atrás de escena, no me gusta… Muchas veces me invitan a shows y tengo muchas ganas de ir pero a veces digo que no porque por ahí me invitan a subir a cantar y no quiero!!! Entonces digo que no…prefiero estar en los arreglos, componer, otra cosa antes que el escenario. Lo supere porque Los Decadentes es un grupo que tiene actitud… o sea, me relajaba porque no es como otros grupos que tenés que ir a tocar y tenés la presión encima de que te tenés que saber todas las notas, no te podes olvida o, tiene que sonar bien…No, en Los Decadentes íbamos y nos divertíamos…Nunca imaginamos que íbamos a tener éxito, todo lo contrario. Lo superé, pero trato de evitarlo cuando puedo, eso si, cuando me dicen de salir en la tele no me gusta, lo odio. Como surgió que toques con Los decadentes? Pasó que me invitaron a tocar (Cucho, Nito, etc.) en la peña de un colegio y fuimos, toqué temas que tenía también y salió bárbaro! La gente se re copó y nos pidieron que toquemos en otro lado y así fue surgiendo… No buscamos el éxito, nos gustaba que eso nos hacía abrir puertas, por ejemplo tocábamos y nos dejaban pasar gratis a discos o boliches tipo Cemento o en un boliche nos daban canilla libre, ese era nuestro incentivo!!! Nos divertíamos!!! Nunca nos imaginamos que íbamos a llegar tan lejos. Y así fue surgiendo…somos un grupo que tiene mucha actitud y alegría.

26 | Entrevista a Jorge Serrano

Tenés alguna clave para el éxito? Que les dirías a los chicos que se están iniciando y lo buscan? No hay clave para el éxito…yo lo único que les diría es que no lo busquen, que no busquen vivir de la música… que hagan lo que sientan, con pasión, que hagan lo que les guste. Para mi, mucha gente no es exitosa justamente porque esta tan empecinada en tener éxito, que se olvidan del camino, de disfrutar y después empiezan a decirse “pero por qué no me pasa a mi, por qué no puedo” y justamente, porque tenés que disfrutar, hacer lo que te gusta, no esperar… Es más, yo nunca pensé que iba a vivir de la música y creo que si le preguntas a mi viejo, hubiera preferido que estudie alguna carrera o haga otra cosa... jajajaja. Por que te pusieron el apodo de “Perro viejo”?, de dónde salió eso? Perro Viejo se da porque cuando yo estaba en Estados Unidos, trabajaba con un cubano que decía que uno cuando tiene mucha experiencia es un perro viejo y una vez, yo le pregunté cómo hacer algo, no recuerdo bien que, y me dijo “ya sos un perro viejo en eso, hacelo solo”. Cuestión que cuando volví a Buenos Aires, conté esa anécdota y me empezaron a cargar todos y como en esa época todos buscábamos un apodo para cada uno y el que no tenia se lo teníamos que poner, bueno, a mi me pusieron ese… vivís en la ciudad de villa Gesell, qué te llevo a tomar esa decisión?

Villa Gesell porque se dio que el padre de mi mujer tenía casa acá y yo me quería alejar de la Capital y esto era lo más fácil. Se dio justo. Si me da un poco de pena ahora por mis hijas porque antes no lo pensé, lo sentí y lo hice, pero me doy cuenta que por ejemplo ellas que son adolescentes no hay muchas opciones a su alcance…Si quieren estudiar o hacer algún deporte, es muy difícil o no hay…lo más cerca es Mar del Plata, pero bueno, en ese momento, te repito, no lo pensé. Igualmente no me arrepiento, me encanta vivir acá. Contanos cómo está compuesto tu set Con Los Decadentes uso guitarras eléctricas Fender Stratocaster y Telecaster, amplificador Fender Twin Reverb y guitarras acústicas Martin. Mi set solista es guitarra eléctrica Gretsch Black Falcon, Gibson Les Paul Standard y Versace L5. Soy muy fanático de ciertas marcas, por ejemplo amo Fender y Gibson…no soy endorser de ninguna marca pero no empezaría a usar una porque me las regalen, o sea, si no me gusta la marca no la uso ni seria endorser. Qué guitarristas te gustan? Jimmy Page, George Harrison, Lou Reed, Mick Robinson, Diblo di Bala Que bandas te gustan? Del exterior The Beatles, Led Zeppelin, Neil Young, Ramones, The Cure y de acá, Catupecu Machu, No te va a gustar, La Renga.

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jameS tyLeR VaRiax

Las guitarras James Tyler Variax hacen de ese sueño una realidad. Inspirada en 28 modelos de increíbles instrumentos clásicos, más el sonido de una guitarra eléctrica maravillosamente hecha a mano a partir de un maestro luthier. Cambiá instantáneamente afinaciones sin tener que girar las clavijas. Además, podrás crear temas acústicos sin configurar los micrófonos. Con la Variax James Tyler, podés hacerlo en el momento y aprovechar tu creatividad sin límites. Los beneficios de las guitarras James Tyler Variax se extienden mucho más allá de los sonidos de las guitarras normales. Estas proporcionan un arsenal increíble de tonos para actuaciones en vivo y en el estudio, sin la necesidad de llevar una cantidad increíble de instrumentos. Los productos de Line 6 han estado a la vanguardia del desarrollo de audio digital desde que la compañía fue pionera en el amplificador de guitarra digital en 1996. James Tyler ha tenido una guitarra en la mano casi todos los días desde que tomó por primera vez una en el verano después de séptimo grado, en 1964. Line 6 y James Tyler se han asociado para desarrollar este increíble instrumento que a continuación detallaremos. La JTV-59 incluye 18 increíbles instrumentos eléctricos que te van a llevar desde los sonidos clásicos del rock al blues, country y más. Basados en los modelos Stratocaster ®, Les Paul y guitarras Rickenbacker ®, entre otros. La James Tyler Variax proporciona acceso instantáneo a los sonidos de guitarra favoritos de los gui-

28 | James Tyler Variax

tarristas más famosos del mundo. La James Tyler Variax 59 hace que sea fácil cambiar entre sonidos de guitarras eléctricas y acústicas en cualquier momento. La colección de 10 sonidos cuenta con unas hermosas guitarras acústicas de seis y doce cuerdas, ideal para una variedad de géneros y estilos que incluyen además un dobro, sitar, banjo entre otros. Además proporciona acceso inmediato a 11 afinaciones alternativas. Podrás mezclar y combinar cualquier afinación con cualquier instrumento y también crear sus propias afinaciones sobre la marcha con un Capo Virtual. Es fácil guardar tus afinaciones personalizadas. La JTV-59 tiene un cuerpo de caoba con una tapa de arce tallada y enchapada en arce flameado. El mástil de caoba tiene un diapasón de palisandro. También podés modificar o programar tus propios modelos personalizados mediante computadora con el software Variax Workbench (incluido como una descarga gratuita) y usarlos para reemplazar cualquiera de los sonido. El software Variax Workbench es una tienda virtual personalizada. Este software libre, se puede descargar desde el sitio web de Line-6. Los modelos de guitarra que utiliza la

A un estudio de grabación o a un concierto, es habitual llevar muchas guitarras. Pero imaginate escuchar 28 diferentes instrumentos vintage dando vueltas a una perilla. Por Sergio resar

Variax están basados en: 1960 Fender Telecaster Custom, 1968 Fender Telecaster, 1968 Fender Telecaster Thinline, 1959 Fender Stratocaster, 1958 Gibson Les Paul Standard, 1952 Gibson Les Paul "Goldtop", 1961 Gibson Les Paul Custom (3 PU), 1956 Gibson Les Paul Junior, 1976 Gibson Firebird V, 1955 Gibson Les Paul Special, 1959 Gretsch 6120, 1956 Gretsch Silver Jet, 1968 Rickenbacker 360, 1966 Rickenbacker 360-12, 1961 Gibson ES-335, 1967 Epiphone Casino, 1957 Gibson ES-175, 1953 Gibson Super 400, 1959 Martin D-28, 1970 Martin D 12-28, 1967 Martin O-18, 1966 de Guild F212, 1995 Gibson J-200, 1935 Dobro Alumilite, Danelectro 3021, Coral Dano eléctrica Sitar, Gibson Mastertone Banjo, 1928 Nacional Style 2 "Tricone". Las afinaciones alternativas que podremos obtener de la Variax James Tyler JTV-59 son las siguientes: Afinación STANDARD: EADGBE DROP D: DADGBE - 1/2 abajo: Eb Gb Ab Db Eb Bb - DROP Db: Db Db Gb Ab Bb Eb - 1 DOWN: DGCFAD - DADGAD: DADGAD - OPEN D: DADF # AD - Afinación de BLUES G: DGDGBD - RESO G: GBDGBD - ABIERTO A: EAC # EAE - BARITONE: BEADFB

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hiStoRia deL Bajo eLéctRico

También existen ilustraciones del año 1516 de un instrumento de la familia de la viola que era un poco más pequeño en dimensiones que el contrabajo actual.Normalmente, estos viola-bajos, tenían seis cuerdas (también se fabricaban de tres) y usaban diferentes afinaciones y sus dimensiones eran variables. El problema que tenían los luthiers era encontrar el material adecuado para las cuerdas, pues los músicos se quejaban que en la frecuencia que usaban esos violones, no eran claras las notas que ejecutaban. A principios del 1900, tanto Gibson, como Vega y otras compañías ofrecían en su catálogo un “Mando/Bass” que era un instrumento de la familia de la mandolina pero de tamaño enorme y poco práctico para tocar y mucho menos para trasladar. Otra compañía estadounidense, Regal, también empezó a ofrecer una guitarra acústica de un metro y medio de alto con una escala de 42” propia del contrabajo. Fue recién en 1951, cuando Leo Fender introduce al mercado su ya famoso Precission Bass que no sólo pretendía ofrecer a los contrabajistas un instrumento portátil para facilitarles el transporte, sino también, y sobre todo, ofrecer a los guitarristas (quienes estaban perdiendo rápida-

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mente sus trabajos en las orquestas debido a la rápida disminución de los miembros de las mismas) un instrumento que les permitiera tocar el bajo con la técnica de la guitarra, redoblando de esta forma sus oportunidades de encontrar trabajo. La solución que encontró Fender, que no era músico pero si sabía escucharlos cuando tenían problemas, fue agrandar su ya famosa guitarra eléctrica Telecaster. El principal problema que encontró fue encontrar una longitud de escala adecuada para el mástil de su nuevo instrumento, y tras muchos experimentos, adoptó la medida que aún hoy permanece como estándar en todos los bajos, esto es, 34 pulgadas. El primer prototipo diseñado por Leo Fender, usaba clavijas de contabajo y cuerdas de tripa y acero. Dado que el cuerpo era tan pesado, Fender hizo el cuerpo con un doble cutaway, para facilitar el balance del instrumento (la Telecaster es una guitarra “single cutaway”), un diseño bastante original para aquellos años. Incorporaba un micrófono simple , controles de volumen y tono, un apoyador para la mano (pues Leo pensaba que los músicos usarían el pulgar de la mano derecha de modo natural para pulsar las cuerdas) y dos tapas cromadas, una

Si bien es un instrumento muy joven,, apenas un poco más de sesenta años, su antepasado inmediato, el contrabajo tiene más de 1500 años de historia. Por Sergio resar

sobre el micrófono (que proporcionaba además protección eléctrica) y otra sobre el puente (que incorporaba apagadores de las cuerdas, pues se suponía que el instrumento debía imitar el punch apagado del contrabajo). Fender creó asimismo un amplificador para su nuevo instrumento, el Fender Bassman, que más tarde sería utilizado por muchos guitarristas de todo el mundo. Después de una bienvenida más bien fría, este instrumento fue ganando adeptos entre los contrabajistas de rock and roll de la época, debido a que con el bajo eléctrico se lograba un mayor volumen que con el contrabajo tradicional. Una de las bandas precursoras en usar el Precission fue la de Jerry Lee Lewis y hasta el mismísimo Elvis Presley convenció de usar uno de estos a su bajista, Bill Black. Después de un rechazo inicial, Black empezó a usarlo en vivo y en grabaciones. Como la música popular de esa época necesitaba más volumen en sus instrumentos, de a poco, el bajo de Fender fue ganando adeptos entre los músicos de diferentes estilos, como vemos en la foto a Sting durante la gira mundial de The Police. Las otras compañías de fabricación de instrumentos vieron como Fender crecía con esta invención y decidieron imitarlos.

historia del bajo eléctrico | 29

coRt Zenox SeRieS

Esta vez, Cort Guitars nos presenta su Serie Zenox. La serie, que fue diseñada para guitarristas de rock y metal, cuenta con cuatro modelos: Z-Custom1, Z-Custom2, Z44 y Z42. Los diferentes modelos cuentan con componentes de élite de EMG Pickups, Seymour Duncan y TonePros. Todas las guitarras tienen cortes individuales, diapasones de palo de rosa y cuerpos de caoba delgados. Las especificaciones para los cuatro modelos son:

ZeNoX -CUsToM 1 Cuerpo de Mahogany Tapa arqueada de Maple Flameado Mics. Seymour Duncan SH1 ('59) y SH4 (JB) Mástil de tres piezas de Maple Canadiense Escala 24.75" Diapasón de Rosewood con radio de 12" Incrustación de marcación “Z” Clavijero Die Cast Puente TonePros Licensed con cuerpo String-Thru Volumen, Tono con Push-Pull Controles de palanca de tres vías Hardware Nickelado Negro Cuerdas D'Addario

30 | COrT ZENOx Series

Cort Guitars es un fabricante de guitarras de Corea del Sur. Esta importante compañía es una de los mayores fabricantes de guitarras en el mundo, y produce instrumentos para muchas otras empresas del rubro de instrumentos. Por Sergio resar

ZeNoX Z-CUsToM 2 Cuerpo de Mahogany Tapa arqueada de Maple Flameado Micrófonos EMG 81 y 85 (H/H) Mástil de tres piezas de Maple Canadiense Escala 24.75" Diapasón de Rosewood con radio de 12" Incrustación de marcación “Z” Clavijero Die Cast Puente TonePros Licensed con cuerpo String-Thru 2 volumen, tono y controles de palanca de tres vías Hardware Nickelado Negro Cuerdas D'Addario

ZeNoXZ44 Cuerpo de Mahogany

Micrófonos EMG HZ-H4 (H/H) Mástil de Mahogany Diapasón de Rosewood con radio de 12" Incrustación de marcación “Z” Clavijero Die Cast Puente TonePros Licensed con cuerpo String-Thru 2 volumen, tono con Push-Pull Controles de palanca de tres vías Hardware Negro Cuerdas D'Addario

ZeNoX Z42 Cuerpo de mahogany Mástil atornillado de maple canadiense Diapasón de Rosewood con radio de 12" Incrustaciones marcación de puntos blancos Clavijero Die Cast Puente TOM con cuerpo String-Thru Micrófono Cort Dynamite (activo) 2 volumen, tono y controles de palanca de tres vías Hardware Chrome Cuerdas D'Addario

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La otRa miRada

En esta nueva sección, proponemos a diferentes músicos hablar de sus colegas bajistas y guitarristas, que nos den otra mirada sobre ellos, qué comparten?, qué ven?, qué sobresale?. En esta oportunidad, nos contó algo de su historia con ellos, el actual baterista de fito Paez. Por Gastón Baremberg

foto: Javi Pistani

Sólo basta compartir un momento con Gastón para poder percibir la pasión por lo que hace. Sus jóvenes años y su vasta experiencia lo ubican en un lugar privilegiado, que es llevado adelante con muchísima energía y pasión.

Eloy es PERFECTO, uno de los mejores bajistas de rock que vi y me privilegio disfrutar. Tempo, sonido y sobre todo ONDA. Desde la primera vez que tocamos juntos hubo química y conexión inmediata. Con Eloy Quintana fui compañero en la banda de Fito en la gira del disco “Confía”.

dIeGo GARCÍA (Guitarrista) Diego García es un virtuoso absoluto, las cosas que lo vi hacer con la guitarra no se las vi nunca a nadie. Entiende el mango como ninguno, y con un equipo, un cable y su guitarra puede sonar como Hendrix, como Joe Pass o como Bill Frisell. Tocar con el me permitió meterme en un mundo de una búsqueda de ideas musicales que van más allá del instrumento. Con Diego también forme parte de su trío, y grabamos su último disco “Argentina Songbook”. dIZZY esPeCHe (Guitarrista) Mucho Groove, onda y funk!. Dizzy es un increíble violero. Dueño de una técnica envidiable y lleno de recursos para volar cabezas. Con Dizzy fuimos compañeros en la banda de Fito en la gira del disco “Confía”.

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foto: Javi Pistani

GoNZALo ALoRAs (Guitarrista) Un músico maravilloso, guitarrista preciso y prolijo, muy elegante. Empecé a tocar con Gonzalo desde muy chico y me transmitió una forma de trabajo a través del rigor y la exigencia constante. Con Gonzalo toque en su Proyecto solista.

eLoY QUINTANA (Bajista) Eloy Quintana es un clásico bajista Punk, el tempo de

MARIANo oTeRo (Bajista) Mariano Otero es un musicazo fenomenal, mucha gente lo vincula al jazz, pero tiene una cabeza que excede a un estilo en particular. Estudioso y dedicado a la música. Siempre me alentó a seguir estudiando y fue una de las personas con las que coincidimos en que la música es música. Cuando venía una pregunta cómo. - ¿Che, este tema en que esta? ¿8/7? ¿3/4?- , Mariano Otero te responde, “No importa, es música”. “Escuchala, sentila, no cuentes compases”. Con Mariano soy compañero en la banda de Fito, y participamos en varias grabaciones y giras. MATÍAs CeLLA (Bajista) Matías Cella es bajista y productor, a la hora de trabajar te da una libertad absoluta, y te propone siempre ir por algo nuevo y jugar con los sonidos. Y así es como toca, muchísima onda. Otro bajista con el que naturalmente fluye la base. Matías Cella, además, es el productor y bajista de Jorge Drexler. Y compartí grabaciones y shows en vivo de Alejandro y María Laura (Perú), Ian Ramil (Brasil) y Teresa Parodi.

La otra mirada | 31

StanLey cLaRKe

Tocó el acordeón, el cello y el violín en su infancia. Trabajó en bandas de rythm and blues y de rock durante la adolescencia, pero tras ir a Nueva York, tocó con el saxofonista Pharoah Sanders a comienzos de los setenta. Otros de sus acompañantes fueron Gil Evans, Mel Lewis, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon y Art Blakey; todos quedaron impresionados por su talento. Sin embargo, Clarke comenzó su carrera hacia el éxito al unirse a Chick Corea en el grupo Return to Forever. Cuando esta banda se definió como un cuarteto de fusión orientado hacia el Jazz Rock, Clarke trabajó sobre todo con el bajo eléctrico y se convirtió en una fuerza influyente, precediendo a Jaco Pastorius en ese movimiento musical de los años 1970. Formado musicalmente en ambientes rockeros y con el soul debajo del brazo, Stanley Clarke, es uno de los representantes más carismáticos de lo que se dio en llamar "jazz rock". Una vez que fue integrante del carismático grupo "Return to Forever" fue pionero de la escena de la fusión y por su cuenta y riesgo se aventuró en todo tipo de proyectos, incluido la degradada fórmula de "música disco". Siempre tuvo una curiosidad insaciable por cualquier tipo de música y eso le valió poco menos que el desprecio de una parte importante de la crítica de jazz siempre apegada a una intransigente cuestión de ortodoxia y pureza. Participó de manera destacada junto a George Duke, teclista del grupo de Frank Zappa, en un proyecto denominado: "Clarke-Duke Project" y en el que ambos encontraron un cauce adecuado para expresar sus ideas musicales. Dotado de una técnica y un virtuosismo envidiable, Stanley Clarke, es junto al gran Jaco Pastorius, uno de los músicos claves a la hora de introducir el bajo eléctrico en el mundo del jazz. Con una digitación impecable, su velocidad en los ritmos y su sonido han hecho de él una verdadera estrella. En cualquier caso, cuando se acerca al jazz lo hace con enorme calidad. Stanley era un ado-

32 | Stanley Clarke

El asombroso y talentosísimo Stanley Clarke nación en la ciudad de filadelﬁa un 30 de junio de 1951. un bajista y contrabajista estadounidense que se convirtió el faro para la mayoría de los bajistas del mundo entero, cuya producción, casi siempre vinculada al jazz, abarca estilos como el funk, la fusión y el post-bop. Por Sergio resar

lescente desgarbado de la Academia de Música de Filadelfia. Llegó a la ciudad de Nueva York y de inmediato tuvo trabajos con los directores de orquesta de Jazz más famosos, como Horace Silver, Art Blakey, Dexter Gordon, Joe Henderson, Pharaoh Saunders, Gil Evans, Stan Getz, y un compositor joven pianista en ciernes llamado Chick Corea. Todos estos músicos reconocieron inmediatamente la destreza feroz y musicalidad completa. Triunfando en las encuestas convocadas por las revistas especializadas de todo del mundo, desde el Japón a Estados Unidos, pasando por Inglaterra. Clarke procede de una familia de la burguesía afroamericana de Filadelfia; su madre era cantante lírica y pintora, y orientó al pequeño Stanley hacia la creatividad artística. "Me gustaba el violín -recordará Clarke en una entrevista- pero el problema era que, con diecisiete años, mis manos estaban desproporcionadas con el resto del cuerpo. Así que decidí cambiarlo por el violonchelo. Pero surgió un nuevo problema; mis piernas eran demasiado largas y tenía gran dificultad para tomar el instrumento. Estaba desconsolado: había aprendido muchísimo sobre los instrumentos de cuerda, pero no lograba encontrar uno que se me adaptara. Un día, por casualidad vi en un rincón de la sala de música un contrabajo. No sabía ni siquiera cómo se llamaba: me parecía sólo un violonchelo algo más grande. De cualquier manera lo probé y en seguida me di cuenta de que me parecía hecho a medida para mis manos gigantes y mis largas piernas". A los catorce años, Stanley ya era un hábil contrabajista de música clásica. Ganó un premio escolar por una actuación y sus padres le regalaron un tocadiscos estéreo. Junto al aparato le regalaron un disco con música de Duke Ellington y Count Basie. Stanley descubrió el jazz y se puso a tocar esos temas intentado imitar el contrabajo. A los dieciséis años empuñó un bajo eléctrico y empezó a tocar con grupitos escolares de jazz y soul. Tras la secundaria, se di-

plomó en contrabajo en la Philadelphia Musical Academy y decidió que su futuro era la música. A los dieciocho años se trasladó a Nueva York, donde entró en contacto con el pianista de jazz Horace Silver, que estaba buscando un nuevo bajista para su grupo. Se presentaron doce aspirantes a la audición pero el estilo de Stanley, ya muy personal, convenció a Silver. Los modelos que inspiran a Clarke son Charles Mingus, Billy Cox y Paul Chambers, pero, como posteriormente declarará muchas veces, sus influencias musicales se extienden hasta músicos como John Coltrane, Miles Davis y, sobre todo, Jimi Hendrix. Gracias a estas influencias Clarke desarrolló un estilo particular de tocar el bajo eléctrico: muchos acordes ejecutados con dos o tres dedos como máximo y sin utilizar ni el pulgar ni la púa. Después de tocar seis meses con Horace Silver, Stanley Clarke pasó un año en el grupo del saxofonista Joe Henderson y también tocó con Stan Getz y Pharoah Sanders. Hasta 1971, año en el que participó en la fundación de Return To Forever, la banda de Chick Corea, junto al saxofonista tenor y flautista Joe Farrell, al batería Airto Moreira y a la cantante Flora Purim. El éxito del grupo fue grande, y las dotes de Clarke pudieron ser apreciadas en todo el mundo. De ahí en adelante, entre sus colaboraciones en discos de otros artistas y sus proyectos en solitario, Clarke encontró el camino del éxito, sobre todo en el campo jazz-funk y del funky-rock. Después del álbum 'Children of forever', de 1972, que se benefició de la popularidad obtenida con Return To Forever, Stanley Clarke grabó una serie de discos, en el transcurso de los setenta y ochenta que lo convirtieron en un mito: 'Journey to love', de 1975, para Nemperor, 'Schooldays', de 1976 para Epic, colaboraciones con el teclista George Duke ('Stanley Clarke/George Duke project', de 1981, y 'Clarke/Duke project 2', de 1983), también con la casa Epic, etc. Stanley Clarke no deja nunca de sorprender.

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dean edge 6

Primero dejanos que te contemos como está construido este instrumento. Su cuerpo y tapa son de tilo americano, su mango es de maple y su diapasón de palo de rosa, viene provisto de clavijas Grover, hardware negro y micrófonos activos EMG-45P6 y (cuenta con) 24 trastes. La serie Edge es una línea de bajos eléctricos con un tono y diseño moderno. Esta serie está dirigida a los instrumentistas más jóvenes que quieren encontrar su identidad en la forma de tocar. Con un precio accesible y construido con materiales de primera calidad como hemos descripto antes. La serie Edge ha recibido tres actualizaciones en el año de 2013. El bajo tiene un diseño minimalista y dos micrófonos activos EMG45. Un mástil estándar "C" de maple, con un diapasón de rosewood con 24 trastes y los clavijeros (de) Grover, que hacen que este instrumento tenga un look muy actual. Lo primero que llama la atención en este bajo, aún sin tomarlo en nuestras manos, es la terminación laqueada en negro que posee. El mástil es más bien delgado y confortable para ser un bajo de 6 cuerdas y está firmemente atornillado al cuerpo, aun así el instrumento no pierde (el) sustain. Tiene una escala apenas superior a los mismos bajos de la serie de 4 o 5 cuerdas, esta es de 35”. El diapasón cuenta con incrustaciones de puntos para la marcación de posición. Otra cosa llamativa del Dean Edge 6 es que es liviano como una pluma, (y) muy bien equilibrado y fácil de maniobrar con el fin de acceder a todos los trastes. La distancia entre las cuerdas es otra característica a destacar. Los bajos de 6 tienden a tener las cuerdas muy próximas entre sí, algo que

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¿querés sonar como el mejor bajista del mundo sin gastar una fortuna en ello? En este informe te presentamos el bajo Dean Edge 6 con micrófonos EMG. Por Sergio resar

en este modelo no sucede , debido a que están a la medida justa para no perder precisión ni velocidad en la ejecución. La distancia entre las cuerdas en este bajo es lo suficientemente amplia como para obtener la presión adecuada sobre ellas, pero lo suficientemente cerca para rasguear un acorde de cuatro o cinco notas, o incluso tocar una pentatónica. En cuanto al sonido, este bajo Dean suena como los dioses gracias a sus dos micrófonos EMG que hacen que se escuche brillante y con definición, con un punch especial, gracias a ellos todo suena con claridad. El preamplificador se alimenta con una batería estándar de 9 volts que se monta en la parte posterior del instrumento. Cuenta con tres controles para regular las frecuencias de agudos, medios y graves, además de un control de volumen general. CARACTeRIsTICAs 6 cuerdas Cuerpo Sólido Longitud de la escala: 35" Construcción del cuerpo: Doble cutaway Cuerpo Madera: Tilo Americano Acabado: Brillante Cuello en forma de C Unión de mástil: Bolt-on Mango de Maple Diapasón de Rosewood Incrustaciones Abalone Dot Número de trastes: 24 Clavijas Grover Puente Hardtail Hardware Negro Número de micrófonos: 2 Mics. Humbuckers activos EMG Controles: Volumen (1) Controles: Tono (3)

Dean Edge 6 | 33

Randy RhoadS

Randall William Rhoads, nació en Santa Mónica el 6 de diciembre de 1956 y fue guitarrista de Quiet Riot y luego con Ozzy Osbourne. Era hijo del saxofonista y ex profesor de música William Arthur Rhoads y de Delores Violet Kell, graduada en música por la universidad de UCLA y profesora del sistema educativo de Los Ángeles hasta que fundó junto a su marido en 1949 la escuela de música Musonia. Fue el más pequeño de 3 hermanos .Comenzó a tocar la guitarra a los seis años y medio en la escuela Musonia, la cual pertenecía a su madre. Randy comenzó muy pronto tocando una vieja Gibson acústica de 1918 heredada de su abuelo materno mientras su hermano Kelle (Doug Kell Rhoads) tocaba el piano y aprendía a cantar, y a esa corta edad comenzó a tomar clases de música. No solo aprendió a tocar la guitarra, ya que su madre le instruyó en el piano y en solfeo, armonía y ritmo. Influenciado por su hermano mayor, comenzó a escuchar a THE BEATLES y el rock and roll de los ‘50 y poco después cambió la guitarra acústica por la eléctrica y comenzó a dar clases con el profesor de guitarra que había en la academia, Scott Shelley. A partir de ese momento, Randy comenzó a practicar constantemente y a llevar su guitarra a prácticamente todos lados, hasta tal punto

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Este año se cumplieron 32 años de la desaparición física de unos de los mejores guitarristas del metal que la música ha dado. Con tan sólo 25 años de edad, randy rhoads, dejó este mundo luego de un trágico accidente aéreo. Dejando a todos los guitarrístas del mundo sin una de sus mayores influencias. Por Sergio resar

que, tras un año de tomar clases con Shelley, el profesor le dijo a la madre del joven guitarrista que no podía enseñarle nada más. Rhoads formó su primera banda, Violet Fox, a los 14 años. No duró mucho y a los 16 enseñó a su amigo Kelly Garni a tocar el bajo. Juntos fundaron la banda Quiet Riot junto al baterista Drew Forsyth. Con Van Halen, Quiet Riot se convirtió en una gran atracción en el circuito de clubs de Los Ángeles a pesar de que el new wave y el punk fueron los estilos musicales más dominantes durante esa época. Si bien no consiguieron contrato en su propio país, un sello japonés se interesó por ellos y editó sus primeros discos, lanzaron en 1977 el disco homónimo Quiet Riot y en 1978 Quiet Riot II. Kelly dejaría más tarde la banda y sería reemplazado por Rudy Sarzo. Rhoads, quien había dejado Quiet Riot, grupo donde no pudo encontrar su propio sonido, tras dos álbumes con poco éxito y que solo salieron a la venta en Japón. Robert Olshever propuso al guitarrista como posible miembro de la nueva banda del “Rey de las Tinieblas” Ozzy Osbourne, luego de que mencionara que buscaba a un guitarrista. Dicen que Osbourne estaba totalmente ebrio al momento de la audición de Rhoads, a quien le dio el trabajo tras escuchar algunos simples riffs. De alguna forma Ozzy

Osbourne llegó a los años ochenta tras su salida de Black Sabbath luego del caótico “Never Say Die!”. Los días post Sabbath de Ozzy estaban llenos de alcohol y drogas, y aunque parezca imposible, su poca lucidez provocó una de las mejores decisiones de su vida. Gracias a Rhoads, Ozzy recuperó su vitalidad e importancia produciendo dos estupendos álbumes como lo son “Blizzard of Ozz” y “Diary of a Madman”. Solos como el de “Crazy Train”, “Flying High Again” y “Mr. Crowley” aún despiertan admiración en cualquier simpatizante del heavy metal. Sin embargo, Rhoads soñaba con tener entrenamiento como guitarrista clásico, sueño que nunca llegó a cumplir. Randy Rhoads murió el 19 de marzo de 1982. La banda se dirigía a un festival en Orlando, Florida, y se detuvieron en la casa del conductor del microbús, Andrew Aycock. El mismo se fue más temprano con Randy y la maquilladora Rachel Youngblood a dar un paseo en aeronave en una pista privada, mientras el resto de la banda seguía en el autobús durmiendo, estos sobrevolaron una y otra vez muy cerca del autobús, hasta que una de sus alas golpeo el bus, lo cual causó una desviación de la aeronave hacìa una casa, la cual se incendió e hizo perecer a los tres ocupantes de la aeronave, entre ellos Randy.

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guitaRRa Ritmica

GuSTAVO CErATI

En el número anterior vimos cómo la guitarra suele apoyarse en la rítmica planteada por la sección de re Edición del suplemento técnico (revista Nº 25) - Por facundo López Burgos percusión y característica del género.

Hoy les traigo varios ejemplos de un guitarrista que, según creo al escuchar su trabajo rítmico, piensa la guitarra como un instrumento de percusión con el que genera pequeños patrones rítmicos que colorea luego agregándole armonía. Estoy hablando de Gustavo Cerati. El primer ejemplo es la guitarra del tema “Cuando Pase el Temblor” incluido en el disco “Nada Personal”. La rítmica se inspira en los acentos que tocarían el tambor o charango en un huayno. Presten atención a la utilización del registro agudo, dejando libre la zona de medios y graves para otros instrumentos. También resulta interesante la forma en que enlaza las tríadas, generando un movimiento melódico hacia el agudo en dirección contraria a la armonía (y la línea de bajo) que se mueve hacia el grave. En el segundo ejemplo vemos un patrón netamente rítmico. Se trata de la guitarra del tema “Nada Personal”. El ejemplo es la parte B del tema justo antes del estribillo. La guitarra se opone a la rigidez de la base generando contratiempos y utilizando recursos propios del funk, aunque rítmicamente se despega del estilo. Observen cómo, más allá de lo rítmico del arreglo, se escucha una pequeña me-

lodía que genera con las cuerdas más agudas de cada acorde. El tercer ejemplo es la base del tema “De Música Ligera” incluido en “Canción Animal”. Aquí no quedan dudas; la guitarra toca claramente un patrón de batería, el mismo que toca la batería en el tema. La pregunta que surge es ¿quién habrá inspirado a quién? Intenten pensar la guitarra de esta manera para componer o arreglar sus partes. En las bordonas tienen el bombo, en las agudas el tambor. Por último, les dejo en el ejemplo 4 la rítmica que aparece hacia el final del tema “Mundo de Quimeras” del EP “Languis”. Para tocar este tipo de rítmicas es importante utilizar la mano derecha, tocando siempre semicorcheas para que la rítmica suene fluida. En las notas de mayor duración (por ejemplo la primera corchea con puntillo) procuraremos que la mano no toque las cuerdas para no cortar el sonido. Las notas muteadas se logran aflojando ligeramente la presión sobre las cuerdas de la mano izquierda. Bueno, esto es todo por hoy, ¡hasta la próxima! Y ya saben, por cualquier consulta pueden escribirme a faculb@gmail.com

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel 'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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Bajo tapping

ALLEGrO DE frANCISCO MOLINO

Esta obra de francisco Molino, compuesta originalmente para guitarra, y es una belleza de melodía. Me gustó tanto, que hice una transcripción para ser tocada re Edición del suplemento técnico (revista Nº 25) - Por Alejandro Giusti en el bajo, con la técnica de “dos manos tapping”.

Una de las cosas a tener en cuenta es la duración de los sonidos. Fíjense que en la partitura se pueden ver dos voces bien diferenciadas; la voz superior con las plicas hacia arriba y la inferior con las plicas hacia abajo. Por ejemplo, si tomamos los primeros ocho compases, la voz inferior toca negras mientras la superior toca corcheas; esas negras van haciendo un bajo que se superpone con la otra voz, y va armonizando. Es muy importante respetar estas duraciones de las figuras, para que se sienta esa línea de bajo. Inclusive, si hacemos que duren más tiempo (como blancas) calzan perfecto. En los últimos ocho compases, pasa rítmicamente exactamente lo inverso. La voz superior

va tocando negras y la inferior corcheas. Nuevamente tenemos que cuidar que cada negra dure lo correcto. En estos compases, las negras cantan la melodía, y las corcheas hacen el bajo. Me parece un interesante ejemplo de armonización, muy simple y efectivo. La próxima vamos con la segunda parte. Saludos para todos.

aLeJandro giusTi compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 cds con su banda: “giusti Funk corp.”, “Barrio Funk”, “arrabal eléctrico”, “plan c” y “grande de Fuzza”. entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, pablo Mainetti, Lito Vitale, pablo rovner, daniel “pipi” piazzolla, popy spatocco, Juan cruz urquiza, nicolás guerschberg, gustavo Musso, gustavo cámara, diego clemente, pedro Menéndez, richard nam, Álvaro Torres, entre otros. alejandro giusti es autor de dos libros con cd: “Bass Book de slap”, 1999 y “candombe Música afro-rioplatense”, 2008. del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music expert, que se emitía para toda Latinoamérica. podes conectarte con alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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Bajo BaSe Por Andrés Dulcet

Esto proviene de armar un acorde de 7ma. sobre cada grado de la Escala Mayor, por supuesto respetando siempre las notas de dicha escala. Entonces, al agregarle a cada nota su correspondiente 3ra., 5ta. y 7ma., tomando como ejemplo al Modo Mayor de DO tenemos: 1er. grado: DO MI SOL SI 2do. grado: RE FA LA DO 3er. grado: MI SOL SI RE 4to. grado: FA LA DO MI 5to. grado: SOL SI RE FA 6to. grado: LA DO MI SOL 7mo. grado: SI RE FA LA

ArPEGIOS DE 7MA. DEL MODO MAyOr Estimados colegas, en esta nota propongo analizar y practicar los arpegios contenidos en el Modo Mayor. re Edición del suplemento técnico (revista Nº 29) Estas construcciones dan origen a 4 tipos diferentes de acordes, a saber: Sobre el 1ro. y el 4to. grado se forma un acorde MAYOR SÉPTIMA (cifrado Xmaj7). Sobre el 2do., el 3ro. y el 6to. se forma una MENOR SÉPTIMA (cifrado X-7 o Xm7). Sobre el 5to. grado se forma un acorde SÉPTIMA (cifrado X7). Sobre el 7mo. grado se forma un acorde MENOR SÉPTIMA CON 5ta. BEMOL o SEMIDISMINUIDO (cifrado Xm7b5 o Xø). Dicho esto, deducimos que en el Modo Mayor de DO encontramos estos arpegios:

Cmaj7 Dm7 Em7 Fmaj7 G7 Am7 Bm7b5 En el pentagrama les presento 3 posiciones para tocar cada uno de estos arpegios. Además de tocarlos como indico en las tablaturas, siempre busquen tocarlos en alguna 8va. superior/inferior, mientras el registro del bajo se los permita.

andrÉs duLceT es sesionista y docente de bajo eléctrico desde hace 20 años. Trabaja en vivo y grabaciones con gran variedad de artistas como Fabiana cantilo, alberto cortéz, nito Mestre, ariel roth y muchos otros. por clases particulares, comunicate a: adulcet@hotmail.com (asunto cLases).

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guitaRRa jaZZ re Edición del suplemento técnico (revista Nº 25) - Por Juampy Juárez

IMPrOVISACIóN CONTEMPOráNEA CrOMATISMOS y ENLACES DE TErCErAS En el siguiente Blues en Do les muestro cómo las terceras (el intervalo más importante de un acorde), son enlazadas desde un acorde a otro.

Eso se logra usando distintos tipos de cromatismos, siendo (c) cromatismo simple y (r.d.) cromatismo de resolución demorada. Este recurso consiste en llegar a la nota deseada por una nota cromática o de paso, ya sea más grave o aguda, y luego tocar otra igual pero en la dirección opuesta, retardando así la llegada de la tercera. Casi siempre, las notas de paso o cromatismos se usan en los tiempos débiles, es decir al aire, en el “i” de las corcheas. También fui agregando alguna tensión, como la quinta aumentada. Esta última es muy útil a la hora de tensionar o embellecer un acorde dominante. Que lo disfruten y un abrazo y hasta la próxima!

JuaMpy JuÁrez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins, paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires, Bangkok, san pablo y new york. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz. como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana, emme Vitale, el reloj, gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más importante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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infLuenciaS

ALEJANDrO MEDINA

hola a todos, y de nuevo bienvenidos a esta columna. Si de inﬂuencias locales se trata, Manal, Los Gatos y Almendra son unánimemente considerados los re Edición del suple técnico (revista Nº 29) - Por Pablo Santos pilares iniciales del rock argentino.

La nota de esta sección está basada en Alejandro Medina (bajista de Manal), La Pesada del Rock, Aeroblues y Pappo´s Blues, entre otras super bandas. Es mucho lo que podemos aprender de esta leyenda viva, que aún sigue girando y rockeando por todo el país junto a ¨La Medinight¨, su actual banda solista. El ej. 1 corresponde al tema de Manal ¨Doblé en una esquina¨ y es un excelente recurso para ¨agrandar¨ una armonía constante. Siempre con octavas, en el 1er. compás toca las tónicas, en el 2do. las terceras, y en el 3er. compás las 5tas. de cada acorde. Cierra el arreglo tocando 3ra. y 7ma. del dominante (La7), en lugar de la resolución obvia, que sería la tónica del mismo. El ej. 2 es el riff de ¨Sacúdeme la vida¨, en la versión de su álbum solista ¨De qué sirve la vida¨. El 4to. compás, el silencio de redonda, es una invitación a ¨zaparle¨

fills; en principio en la tonalidad de FA. ¡A por él! Interesante ejemplo. El ej. 3 es la base y vuelta armónica de ¨Vamos a buscar la luz¨ de Aeroblues. Noten la resolución del blues, variando la armonía tradicional a partir del compás número 17. Este tipo de bases, del tipo ¨power trío¨ (Cream, Jimi Hendrix Experience) requiere distorsionar desde el instrumento, más que a partir de pedales o equipos. La idea es pulsar fuerte, y luego procesar el audio. No teman al ruido del entorchado de las cuerdas contra los trastes, sino todo lo contrario. Les recomiendo escuchar los discos de Manal, de Aeroblues y, sobre todo, cuando la ocasión se presente, vayan a ver un show de este excelente bajista/cantante y compositor. Podrán comprobar que hoy por hoy sigue estando en plena vigencia artística, y tocando cada día mejor. ¡Hasta el próximo número!

paBLo sanTos es bajista de JaF y director musical de soledad pastorutti, tocó en las bandas estables de david Lebón, alejandro Lerner y diego Torres. además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, gloria estefan, León gieco, Horacio guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, nito Mestre, chico novarro, olodum, pappo, Luciano pereyra, Luis salinas, sartén system, Bebu silvetti, Mercedes sosa, patricia sosa y Lito Vitale, entre otros. su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición. Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

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ShRed guitaR

Por Silvio Gázquez

En mi caso, no soy de esos violeros que antes de un recital se matan haciendo ejercicios específicos de calentamiento. Prefiero simplemente ponerme a tocar, pero sí hay un par de cosas que me gusta hacer. Como veremos, hay ciertos ejercicios que ayudan mucho a calentar las manos, por ejemplo, ejercicios con notas pedales. Estos me han ayudado mucho a conseguir independencia en los dedos, por lo tanto, son muy buenos a la hora de ponerse a punto para un show. Hace poco vi una entrevista a Greg Howe y a él también le gusta hacer ese tipo de ejercicios. También están las escalas cromáticas, que dándoles una vuelta de rosca pueden ser más divertidas. Además, hay un ejercicio que saqué de un video de Paul Gilbert, el cual me ha servido mucho. También se trata de una nota pedal, pero con algunos saltos de cuerda. Recuerden que los ejercicios que veremos a continuación son meramente eso, ejercicios. Yo no los emplearía en un solo o canción… Bueno, basta de palabrerío y echémosles un vistazo a los ejemplos… Ej.A: En este ejemplo veremos una idea con la conocida escala cromática. Este ejercicio es interesante porque abarcamos gran parte del diapasón. Lo importante es mantener el movimiento de la púa bien consistente, con peso y siempre abajo-arriba, abajo-arriba.

WArMING uP En este número vamos a ver algunos interesantes ejercicios de precalentamiento que podemos utilizar cuando los necesitemos. re Edición del suplemento técnico (revista Nº 29) Ej.B: En este ejemplo vamos a ver una idea con notas pedales. Se le dice así porque siempre se repiten una o más notas, en este caso el A y el G♯ de la 2da. cuerda. Además de independencia en los dedos, este ejercicio nos va a dar una buena técnica de púa. También pueden crear sus propias ideas, ya que con este tipo de cosas hay muchísimas posibilidades. Si no, escuchen a violeros como Vinnie Moore, en sus viejas épocas, a George Bellas, Yngwie, etc. Ej.C: Este último es uno de mis preferidos. Es excelente para practicar y calentar la mano derecha, ya que tiene saltos de cuerda y, en mi opinión, lo más difícil de púa alternada, que es cuando ésta nos queda como encerrada entre dos cuerdas, por ejemplo, golpe hacia arriba y en la próxima cuerda para abajo. Este se lo robé a Paul Gilbert, uno de los más capos en púa alternada, sin dudas… Ok, esto es todo por hoy, espero que les sea útil y, como digo siempre, creen sus propias ideas. Recuerden que estoy dando clases a distancia por Skype, así que cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo topogazquez@hotmail.com. Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho… ¡Saludos!

siLVio gÁzquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso guitar secrets. y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar idol 2008, y convocado para participar del Álbum del guitar idol 2008. en el 2009 ganó en youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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Bajo jaZZ Por Damián Vernis

INTErPrETANDO uNA PArTITurA En el número anterior vimos las dos principales formas de armar acordes en el bajo, desde 3ra. cuerda, usando los intervalos tónica, tercera y séptima, y desde 4ta. cuerda, utilizando los intervalos tónica, séptima y tercera. re Edición del suplemento técnico (revista Nº 27)

La idea de la columna de este número y las anteriores es de poder interpretar una partitura de un standard, es decir, poder tocar el bajo, armonía, melodía, y también comenzar a trabajar la improvisación sobre este. Cuando recibimos una parte o partitura de jazz, normalmente encontramos el cifrado de acordes más la línea melódica. En cuanto al cifrado de los acordes, no hay ningún elemento que nos indique qué posición utilizar para poder tocarlos, o sea que nosotros debemos interpretarlo en el bajo. Por eso es importante saber de memoria las posiciones de los acordes vistas en el número anterior y, obviamente conociendo bien la parte armónica, podremos armar una buena línea de bajo.

Comenzaremos ahora con los acordes, tomaremos de ejemplo el tema "tune-up" de Miles Davies, que podemos también encontrar en el famoso libro de jazz "Real Book". A continuación observaremos la interpretación del cifrado del tema volcado al pentagrama: (tablatura), en el ejemplo A. Les aconsejo que graben cada parte por separado, por ejemplo en una computadora: armonía, melodía y bajo, de este tema u otros escritos en forma similar. De esta manera podremos probar un tema y ver cómo suena, sin tener la necesidad de que estén todos los integrantes de la banda en ese momento. En el próximo número trabajaremos la línea de bajo, con la idea de agregarla y poder apreciar mejor la composición.

daMiÁn Vernis Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, yeye López, adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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impRotécnica

re Edición del suplemento técnico (revista Nº 27) - Por Gabriel Caparrós

IMPrOVIZAr ES LA CuESTIóN Espero que les haya ido bien en la columna anterior con la escala pentatónica dominante; luego continuaremos con esa escala.

En esta sección vamos a ver cómo improvisar con tríadas, y tríadas con 7ma., o también llamadas cuatríadas, y lo haremos en diferentes técnicas, como siempre.

El movimiento de púa es el mismo para todos los arpegios: arriba-abajo, abajo-abajoarriba.

A) aquí veremos las cuatríadas tocadas de manera ascendente y descendente, en subida en una sola posición. Todo esto se hará con la técnica picking sobre la escala de C mayor y sus 7 tríadas con 7ma.

D) Por último, una combinación de las tríadas de Em, D y Bm sobre el acorde de Em.

B) En este ejemplo haremos una tríada ascendente y otra descendente con la técnica ligados en la escala de D mayor sobre el acorde de Em.

Una vez aprendido esto traten de mezclar las técnicas y las diversas formas de hacer las tríadas sobre un solo acorde. Verán resultados que las escalas tocadas en grado conjunto no les brindan. ¡Que lo disfruten! Cualquier consulta mándenme un mail, ¡aloha!

C) Aquí veremos las tríadas con 7ma. en una sola cuerda, hecha en la escala D mayor, Dmaj7, Em7, F#m7, Gmaj7, A7, Bm7 y C#m7b5, con la técnica economic picking.

gaBrieL caparrós Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de diego Mizrahi. es profesor de guitarra eléctrica y Flamenca en la escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la doble 2, y con ricardo alonso (“el griego”, ex baterista de pappo). actualmente da clases particulares de guitarra. e-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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yamaha pacífica

Con sus guitarras de la serie 'Pacifica' sigue vendiendo muy bien (las ventas totales de la Pacifica son superiores a 1.000.000 desde su lanzamiento en 1990). Yamaha ha reformulado su alcance con una gran cantidad de nuevos modelos. En 1990, Yamaha creó la serie Pacifica en respuesta al mercado de guitarras eléctricas de gama alta y con espíritu Custom Shop de la escena californiana, de la mano de Rich Lasner (creador de la guitarra JEM de Steve Vai). Desde entonces, muchos de los mejores guitarristas de las últimas dos décadas han adoptado a las Pacifica como principal arma para tocar en vivo. Tras 24 años de éxitos, retoman el camino con nuevos modelos inspirados en la demanda actual, con prestaciones de boutique. En esta oportunidad nos referiremos a tres versiones de esta serie, la PAC311H, PAC510V y PAC611VFM.

YAMAHA PAC311H La nueva Pacifica 311H se inspira en la PAC 611, que se presenta en esta versión más accesible. Su cuerpo de aliso está formado por cinco piezas, con un mástil de maple con un toque satinado como la Pacifica 112V y un diapasón de rosewood con 22 trastes y un radio de 250mm. Lleva un humbucker y un P-90 con bobinado custom. Su peso es apenas

44 | yamaha Pacíﬁca

yamaha es una de esas marcas que simplemente siempre parecen tener una buena reputación. fiable, bien de precio y por lo general de gran sonido, su lista de instrumentos musicales y accesorios oscila desde los tambores, los vientos , ampliﬁcadores, la percusión y las guitarras y bajos. Por Sergio resar

superior a los tres kilos. Como siempre, Yamaha ha logrado que la relación precio/calidad sea excepcional para este instrumento. Al conectar esta guitarra, es inmediatamente evidente la versatilidad del diseño Pacifica. La PAC311 no es tan elocuente como la tonalidad de la PAC611. Sin embargo, es un instrumento independiente que proporciona un buen nivel de variables en su sonido. Esta guitarra es la prueba de que no es necesario gastar una pequeña fortuna para poder tener el instrumento que soñamos y además suena bastante bien, también es la esencia misma del concepto Pacifica de Yamaha.

YAMAHA PAC510v La nueva Pacifica 510 V incorpora un exclusivo micrófono Trembucker P-Rails construido por Seymour Duncan para Yamaha, un puente Wilkinson con vibrato estilo clásico, cejilla de TUSQ XL, laqueado Vintage Tint en el dorso del mástil y clavijeros de bloqueo Grover. Su cuerpo es de maple flameado y alder, su mástil de maple y su diapasón con 22 trastes es de palo de rosa con un radio igual a la 311, de 250mm. La Pacifica 510V cuenta con hardware profesional, como se puede apreciar si uno tiene en cuenta los componentes del mismo. “Realmente queríamos hacer una Pacifica con un solo micró-

fono”, dice Ward, uno de los creadores de esta maravilla y responsable del relanzamiento de la serie Pacifica. “Cuando empezamos a pensar en por qué nos atraía tanto esta idea, ¡todo lo que se nos ocurría era que las guitarras con una sola pastilla son estupendas!” La PAC510v es el primera Pacifica con un sólo micrófono. No obstante, hay más que eso, ya que el micrófono en cuestión es una nueva versión de Seymour Duncan P-Rails suministrando sonidos tanto de humbucker como de single-coil y de P-90, todo esto en un sólo mic.

PAC611vFM Este nuevo modelo es el resultado de la planificación, la refinación y pruebas que duraron más de un año. Su cuerpo de aliso, tapa de arce flameado, mástil de arce tintado, escala thomann de 648 mm, diapasón de palo de rosa, clavijeros Grover de bloqueo, puente Wilkinson , micrófonos Duncan SP 90 p y Duncan Custom 5 hacen de este preciosa guitarra, un instrumento único. Esta Pacifica PAC611HFM es una buena sorpresa. Su versatilidad le permitirá reproducir cualquier cosa, desde baladas hasta had rock, el blues, ska, y mucho más. La Yamaha Pacifica representa lo mejor de la línea de Yamaha Pacifica de las guitarras eléctricas.

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fendeR jaZZmaSteR

La Jazzmaster fue un intento de entrar en el mercado de jazz, así que estaba equipada con micrófonos de nuevo diseño con un sonido más suave que la Stratocaster o Telecaster, más bien como una guitarra de cuerpo hueco. A diferencia de las micrófonos simples de la Stratocaster, las bobinas individuales de la Jazzmaster son anchas y más bien planas, cubiertos de una carcasa rectangular blanca. Así que estos iban a recoger un área más amplia de las cuerdas cuando vibraban y por lo tanto su sonido es menos "agresivo". La Jazzmaster fue la primera de las guitarras de Fender con un diapasón de palo de rosa , que más tarde se ofreció para los otros modelos también. Leo Fender diseñó un nuevo sistema de vibrato (tremolo flotante y puente con barriles que se ajustan individualmente) y un nuevo circuito de la electrónica para la Jazzmaster: El circuito permite que el guitarrista pueda predefinir dos configuraciones de tono y volumen diferentes y cambiar entre los dos ajustes simples accionando un interruptor. Un circuito controla sólo el micrófono del mástil (el ritmo de circuito) y el otro (el principal circuito) tiene un interruptor de tres vías que selecciona las dos mics solos o juntos. La guitarra tiene cavidades de metal blindado y una cubierta de aluminio porque los Singlecoil son muy sensibles al zumbido y el circuito de ruido. Además, los dos micrófonos se reflejan (devanado de bobina y polaridad) así que cuandose ejecutan juntos, se consigue un efecto de cancelación de

46 | fender Jazzmaster

Cuando la marca fender introdujo la guitarra Jazzmaster en 1958, fue diseñada para reemplazar la como tope de línea a la Stratocaster. Se construyó con una nueva forma del cuerpo, que pretendía ofrecer un mejor equilibrio y confort. Por Sergio resar

zumbidos. Pocos músicos de jazz estuvieron interesados - a pesar del nombre prometedor y las características del diseño, pero pronto la guitarra fue utilizada por guitarristas de rock and roll y de surf . La Fender Jazzmaster fue presentada en 1958 en el show de la Asociación Nacional de comerciantes musicales (NAMM). En ese momento Fender estaba lanzando la relativamente nueva Stratocaster como su modelo estandar. La Stratocaster reemplazaría la Telecaster, y la Jazzmaster sería una alternativa más cara. La Jazzmaster no fue elegida entre los intérpretes de jazz al principio(Joe Pass, sin embargo, usó, ya que había sido la única guitarra que había podido conseguir). En cambio, los guitarristas de rock la usaban, especialmente los de surf rock. (The Ventures y The Fireballs fueron prominentes usuarios de la Jazzmaster). Luego Fender reconocería la necesidad de crear una guitarra con diseño "surf", y presentó la guitarra Fender Jaguar. Ambos modelos quedaron fuera de moda durante los años '70. La producción de la Jazzmaster cesó en 1977, irónicamente, justo antes de que Tom Verlaine de Television, y Elvis Costello comenzaran a crearle un cierto culto a estas guitarras. Más adelante fueron tomadas por músicos de la escena de rock Grunge e Indie. Sonic Youth es conocida por su devoción hacia la Jazzmaster, y por sus trabajos de personalización del instrumento (Jazzblaster).

Robert Smith de The Cure, también usó dos Jazzmasters (llamadas "Black Torty" y "White Torty") durante sus trabajos más recientes, J. Mascis de Dinosaur Jr. también es reconocido como un usuario de la Jazzmaster. El modelo también tiene un gran número de seguidores en la comunidad "shoegazer". Kevin Shields y Belinda Butcher de My Bloody Valentine hicieron uso liberal de la Jazzmaster, y su imagen se puede ver en la portada de su álbum Loveless. La Jazzmaster ha tenido varios cambios físicos desde que llegó en 1958. Los puntos interiores fueron reemplazados por bloques de perlas en 1966, y se agregó un ribete al cuello en 1965. Mientras que el diapasón de palo de rosa era un símbolo del instrumento (uno de los primeros modelos Fender en utilizar lo que se convertiría en un material estandar), un diapazón de maple como opción se ofreció por un tiempo a mediados de los años setenta. En 1980 se discontinúo la Jazzmaster y se relanzó tal cual estaba en 1962 en el año 1986. Su cuerpo contorneado, incorporando una longitud de escala de 25 pulgadas y media. El circuito que permitía conseguir un sonido adecuado para guitarra solista o rítmica mediante un interruptor, con controles de volumen y tono independientes, y el trémolo flotante con traba fueron las claves de la personalidad de la Jazzmaster.

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