Guitarristas y Bajistas Magazine #39

s a t s i r r a t r i a .

Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ESP LTD EC401 - Página 08 LANEy PrISM P65 - Página 10 IBANEz TS9 TuBE SCrEAMEr - Página 11 ENTrEVISTA A PABLO SANTOS - Página 12 ENTrEVISTA A MAyCOwN rEIChEMBACh - Página 16 STEVE LukAThEr - Página 20 wArwICk rOCkBASS - Página 22 PEAVEy GuITAr AT-200 - Página 24 COrT BASS ArOMA 4 - Página 25 ENTrEVISTA A COTI SOrOkIN - Página 26 TrANSCrIPCIONES DE COTI SOrOkIN - Página 32 LINE 6 M13 STOMPBOx MODELEr GuITAr - Página 33 ENTrEVISTA A ChrIS SIEBOLD - Página 34 ENTrEVISTA A JOSé MAríA NuñEz - Página 36 yAMAhA ACOuSTIC GuITAr APx500II - Página 38 rICkENBACkEr hISTOry - Página 40 VOx hISTOry (1rA. PArTE) - Página 42 JACO PASTOrIuS - Página 44 B. B. kING - Página 54

SuPLEMENTO TéCNICO FACuNDO LóPEz BurGOS - Página 45 JuLIáN GrACIANO - Página 46 CArLOS áLVArEz - Página 47 JuAMPy JuárEz - Página 48 PABLO SANTOS - Página 49 SILVIO GázquEz - Página 50 DAMIáN VErNIS - Página 51 GABrIEL CAPArróS - Página 52

Editor responsable - Silvia ruggero sruggero@guitarristasar.com

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Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com Arte | Diagramación - Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Carlos Alvarez, Julián Graziano Pablo Santos, Juampy Juárez Damián Vernis, Gabriel Caparrós Silvio Gazquez

04 | Editorial

Año 8º - Nº 39 | Diciembre 2013 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Ideográfica - Perón 935 (1038) C.A.B.A Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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BALTASAR COMOTTO CORRE Y VUELA ENTRE EL SALMÓN, SOLARI, Y SUS PROYECTOS SOLISTAS

NOVEDADES TEVELAM www.tevelam.com.ar La empresa Tevelam SRL, como siempre, está del lado de los músicos. Por eso, siempre pensando en el bolsillo del consumidor, sigue importando los bajos Warwick Rockbass. La línea Rockbass de Warwick es una forma de acceder a un muy buen instrumento de forma más económica sin que ello implique bajar la calidad del producto. Esta línea, diseñada bajo los estándares de su hermano mayor, el Warwick alemán.

Uno de los Guitarristas del año, Baltasar tuvo un 2013 muy movido. Su participación en la banda del Indio Solari y la vuelta a la carga con Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado y se metieron en Luzbola, el estudio que tiene Solari para darle forma al cuarto disco solista del líder de Los Redondos. Se incorporó a el proyecto de Calamaro, participando de su disco de estudio y girando junto al Salmón por todo el país, y por latinoamérica, el próximo 7 de diciembre harán su desembarco en Buenos Aires en un show el el Hipodromo de Palermo. En el medio, Comotto se hizo un tiempito para sus presentaciones solistas, tocando en distintos rincones del país, y dándose el lujo de tocar en el Festival Planeta Terra junto a Beck, Lana Del Rey y Travis.

MATIAS TELIS El joven y asombroso guitarrista se acaba de unir a la famila Music Addiction dirigido por la empresa Hendrix Music, para ser parte de los músicos endorsers de la prestigiosa marca de guitarras ESP / LTD. En un momento muy ascendente del prometedor Matías Telis, quien también sumo entre las marcas que lo apoyan a las cuerdas Martín Blust. Matías hoy está al frente de un proyecto demoledor con “Armonauta” banda con la que acaban de editar su primer disco producido por Damian Torrisi en Bourbon Records y que fue presentando durante este mes en Capital Federal.

NOVEDADES FAMA MUSIC www.famamusicgroup.com.ar En esta oportunidad, nuestros amigos de Fama Music nos presentan este asombroso y versátil amplificador Laney Prism P65 que es el modelo insignia de la serie PRISM. Este práctico y potente amplificador combo de guitarra eléctrica cuenta con cuatro canales y está diseñado para ofrecer al usuario todas las ventajas y flexibilidad de un amplificador. El amplificador Laney Prism P65 está lleno de características y sigue la nueva filosofía Laney en el diseño digital amp. Atrás han quedado los días de la aproximación a los sonidos de otros amplificadores. PRISM mira el cuadro completo en lugar de sólo se concentra en un aspecto de tono del intérprete.

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Por otro lado, Tevelam nos presenta la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar, que es mucho más que una pedalera convencional. Tiene más de cien efectos de las más populares Stompbox de Line 6.

Construido con materiales de alta calidad, hacen que sea posible que pueda recibir una verdadera paliza y todavía suena impresionante. Además, cuenta con varios conectores de entrada y salida incluyendo puertos midi. Como describimos antes, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar posee más de 100 efectos para guitarra, 19 de ellos delay, tanto analógicos como digitales. También incluye 18 distorsiones únicas, 12 reverberaciones. También hay una variedad de filtros como wah y efectos de tono. También encontraremos unos 22 moduladores y compresores varios.

Novedades | 05

VICTOR WOOTEN

HOHNER HARMONICA DAY

El 6 de noviembre pasado, llegó a Buenos Aires para actuar en La Trastienda Club, Victor Wooten, considerado el mejor bajista eléctrico de la actualidad, ganador de cinco premios Grammy y el único de la historia en ganar tres veces el galardón Bajista del Año, que otorga la rigurosa Bass Player Magazine. Un músico con talento sin límites si los hay; funk, jazz y jazz fusión

La marca más importante de armónicas con la organización de Fama Music (representante en La Argentina), presentó el pasado 21 de noviembre en la sala Siranush de nuestra Capital, su festival por primera vez en Sudamérica, El HOHNER HARMONICA DAY, con la presencia del que es considerado hoy el número uno de la armónica, Howard Levy, acompañado por Chris Siebold en guitarra. Antes de la presentación de Levy tocaron otros representantes de la marca como Mariano Massolo con su quinteto y Franco Capriati con la Franco Capriati Band.

NOVEDADES PROMUSICA www.promusicaonline.com.ar son algunos de los ingredientes en su mezcla explosiva de este asombroso bajista que tuvimos la dicha de disfrutar en el show, desde una perspectiva que él sintetiza diciendo "lo importante no es el instrumento, sino la música". Al frente de su grupo actual que completan con calidad y profesionalidad Karlton Taylor en teclados, Derico Watson en batería y Regi Wooten (hermano del bajista) en guitarra. Fue después de un par de temas que apareció Krystal Peterson, la cantante nacida en Ohio, y tomó el micrófono que en el transcurso de la noche compartió, en algunas ocasiones, con el líder del conjunto. La dulce y cristalina voz de Krystal generó un ambiente más cálido, íntimo y relajado, dentro de la dinámica eufórica que planteaba Wooten con su banda.

Promúsica nos trae nuevamente un clásico para que podamos disfrutar de su sonido tan característico .Hagamos un poco de historia. Ibanez comenzó a producir efectos de pedal en el mediados de los ‘70. En ese momento, muchos de sus productos eran muy similares en el sonido de uno de los fabricante de los efectos más importantes de la época, MXR. A principios de los años ‘80, el primer Tube Screamer, modelo TS-808, se convirtió en un éxito. En 1982, la empresa presenta al Tube Screamer actualizado, el modelo TS-9 que fue aún más exitoso.

NOVEDADES SOMECO Someco Electronic SA siempre nos trae alguna interesante novedad como es el caso de este versátil modelo AT-200 de Peavey. Hasta este momento, hemos tenido en nuestras manos varias guitarras cargadas de sonidos creados digitalmente y afinaciones algo alteradas, pero cuando se trata de auto-tuning, extrañamente algo que sólo se ha logrado en el mundo analógico. Ahora, gracias a Auto-Tune, las reglas han cambiado para siempre y Peavey lo trae para nosotros. Desde su lanzamiento a principios de este año, ha habido un enorme interés en todo el mundo por este instrumento: la primera guitarra digital para sintonizar con sólo pulsar un botón. La tecnología utilizada para ello ha sido desarrollado por la marca Antares en asociación con Peavey.

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ESP LTD EC401

La EC 401 es una guitarra de gama media alta con una configuración de micrófonos enfocada principalmente al sonido Metal, Heavy y Hard Rock. Aunque las pastillas EMG brindan una versatilidad increíble. Su color, a diferencia de las imágenes de ESP tiene un tono más como a hueso (lo que me encanta). El hardware es en un nickel precioso y la verdad es que tiene un tacto impecable con un mástil muy cómodo. Los rebajes en el cuerpo son de lo más acertado siendo el más importante el de la parte posterior que brinda un cómodo apoyo sobre nuestro cuerpo. Hay que recordar que este modelo es algo más fino que una Les Paul convencional. Por lo que su peso es ligeramente menor.

Otro de los rebajes importantes que tiene es el que permite el acceso a los trastes más bajos y lo que también le da un aspecto bastante más agresivo.

También a diferencia de una Les Paul tradicional, la tapa no es tan redondeada permitiendo mayor comodidad para el brazo. Personalmente a la estética le daría un 10. Me encanta y me parece bastante original. Monta clavijeros Grover, de sobra conocidos.

Aguantan la afinación muy pero muy bien.

El biding de 7 capas recubre también la pala y la incrustación de LTD está en un tipo de madreperla distinto al de los inlays (como el que llevan las 1000).

Sencillamente preciosa. Con una forma muy bonita y agresiva. Por detrás el nº de serie, la fabricación koreana, y como no, el símbolo de ESP. La zona más delicada de la pala (donde ya empieza el mástil) se ve claramente más “gorda” posiblemente

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La ESP LTD EC 401 es el segundo modelo más alto de la serie EC de LTD. Siendo la más alta la EC 1000. Se diferencian en los acabados: binding más simple, puente genérico LTD, diapasón de palisandro y clavijero Grover. La serie EC 1000 ofrece mayor variedad de terminaciones y colores. Pero ambas utilizan los mismos mics y maderas. Por Sergio Pérez (Session Master)

para prevenir posibles roturas de pala o simplemente proteger una de las partes mas delicadas de la guitarra, pero no incomoda para nada al tocar. Como he comentado antes, este mástil llamado Thin “U” es tal y como dice su nombre muy fino. Te deja tocar más rápido para mi gusto. El biding color crema recubre también el perfil del mástil. Los inlays en forma de bandera son bastante originales la verdad. En el traste 12 se ve la incrustación en forma rectangular con el nombre del modelo. En general se ve muy bonito, sin demasiadas porosidades y muy agradable al tacto. Como he comentado antes, es algo mas fino que el de una Les Paul convencional lo que hace a la guitarra más cómoda para tocar con ella colgada. Y no le quita sustain. La verdad es que tiene una calidez muy buena. Todo el cuerpo está rodeado por un biding de 5 capas solo por la parte delantera. Los tres potenciometros y el selector estan ligeramente hundidos en el cuerpo. Esta guitarra posee mics EMG 81/60 activos, alimentadas por una batería. Bastante versátiles aunque orientadas a rock y metal debido a su alta ganancia. Dos potes de volumen y uno de tono general. La posición central da unos graves excelentes para tocar con distorsión. Y la 60 en el mástil tiene unos limpios muy buenos. Permiten bastante jugar con los volúmenes.

Al abrir las tres tapas traseras, me encuentro con casi nada de aserrín y unos cables muy ordenados y bien soldados. En general todo muy limpio. Está en perfectas condiciones. Y se agradece que por lo menos en la tapa de la pila ( que es la

que más se va a abrir con el paso del tiempo) los tornillos no vayan directamente a la madera. Sino que tienen su propia hembra incrustada en ella. Para no pasar la rosca supongo. También añadir que la entrada del jack es muy sólida y el embellecedor que la retiene es de metal. En mi opinión tiene un diseño precioso, estética agresiva.

Gran ganancia, cero ruidos, muy cómoda, ligera y ergonómica. Se desenvuelve perfectamente tanto para solistas como para rítmicos. Y sus acabados y colores son realmente bonitos.Tiene una gran resonancia cuando está desconectada, supongo que gracias a ser caoba encolada. Los armónicos salen casi sin querer, me encanta. Al desconectar el jack se desconecta el circuido activo por lo que siempre que no se esté tocando es aconsejable tenerla desconectada si quieres tener la pila cargada. Comparada con otras guitarras del mismo estilo y rango, es estéticamente más bonita y orientada a música más dura. En fin, un instrumento de gran calidad de construcción, acabados, versatilidad y todo lo que uno pueda necesitar de una guitarra. Espero que les rompa la cabeza como lo ha hecho conmigo.

CARACTERÍSTICAS Colores: Olimpic White, Black, Vintage Black Procedencia: Corea Cuerpo (solido) y mástil (encolado) de Caoba (mahogany) Diapasón: Palo de Rosa Mástil: Thin U Número de trastes: 24 XJ (extra jumbo) Longitud escala: 24,75" / 629mm Inlays en el diapasón: Flag Inlays Clavijas Grover y Cejuela de Grafito Micrófonos EMG 81 + EMG 60 Puente Tune-O-Matic Hardware Black Níquel

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LanEy PriSm P65

El amplificador Laney Prism P65 está lleno de características y sigue la nueva filosofía Laney en el diseño digital amp. Atrás han quedado los días de la aproximación a los sonidos de otros amplificadores. PRISM mira el cuadro completo en lugar de sólo se concentra en un aspecto de tono del intérprete.

El amplificador Laney Prism P65 es el modelo insignia de la serie PrISM que la marca Laney nos ofrece. Este amplificador combo de guitarra eléctrica cuenta con cuatro canales y está diseñado para ofrecer al usuario todas las ventajas y flexibilidad de un amplificador. Por Sergio resar

El Laney Prism P65 puede ser utilizado de dos modos de funcionamiento: Modo HERO y LIVE.

canales de usuario, basta con mantener pulsado el botón de canal deseado durante dos segundos.

MODO HERO Cuando se utiliza en modo HERO, tendrá acceso a los once niveles de sonidos precargados para que cada uno tome su inspiración de las diferentes combinaciones de amplificadores y efectos utilizados en las grabaciones de guitarra. Estos tonos de guitarra van desde "limpio extremo" y se pueden utilizar para la construcción de tu propio tono.

No te pierdas la posibilidad de comprobar la versatilidad y el buen tono de este amplificados en cualquier tienda del país.

MODO LIVE En el modo LIVE, los controles del Laney Prism P65 funcionan como un amplificador convencional, pero con la característica interesante de poder utilizar uno de los once niveles de AMP diferentes como punto de partida para la producción de tu propio tono. Sólo tenés que seleccionar el modo AMP deseado, ajustar los controles y añadir los efectos que prefieras para luego guardar el resultado final a uno de los cuatro

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CARACTERÍSTICAS Potencia: 65 Watts RMS Canales: 4 canales de usuario Compensación: Bass, Middle y Treble Boost: Cambiar Boost ajustable Pedal: FS1 (Boost) (no incluido) FS2 (Desplazamiento y seleccion) (no incluido) Toma de Extensión de la cabina 8 ohm Drivers: Celestion Seventy 80 Efectos: Efectos múltiples Toma de auriculares: jack 1/4 " Entrada de CD: jack estéreo de 3,5 mm Dimensiones: Ancho 492mm x Alto 436mm Profundidad 286mm

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ibanEz TS9 TubE SCrEamEr

Existen pocos pedales tan famosos como el Ibanez TS9. una distorsión que simula válvulas, un suave sustain y un tono particular, este pedal es elegido por todos guitarristas del mundo. Por Sergio resar

El Ibanez TS9 Tube Screamer es uno de los pedales a los que se comparan todos los otros pedales en su categoría. No es un pedal de distorsión, así que no te sorprendas si no podés conseguir que el tono de metal súper pesado. Si estás buscando el estándar en los pedales de overdrive, aquí encontrarás eso.Este gran pedal es lo podés dejar encendido todo el tiempo para obtener un sonido más limpio con algo de suciedad. Hagamos un poco de historia. Ibanez comenzó a producir efectos de pedal en el mediados de los ‘70. En ese momento, muchos de sus productos eran muy similares en el sonido de uno de los fabricante de los efectos más importantes de la época, MXR. A principios de los años ‘80, el primer Tube Screamer, modelo TS-808, se convirtió en un éxito. En 1982, la empresa presenta al Tube Screamer actualizado, el modelo TS-9 que fue aún más exitoso. Aclamado por sus características de distorsión suave recorte que era muy sensible al tacto, especialmente para un pedal de hecho en esa época, el Tube Screamer se convirtió en un favorito para los guitarristas de blues, así como los guitarristas de rock que querían añadir más fuerza a su sonido ya distorsionado.La mirada y la sensación del actual TS-9 es realmente comparable con aquél pedal de los ‘80, de su pintura verde, los comandos y componentes.

De hecho, la reedición del TS-9 se construyó en la misma fábrica que el original. El Ibanez TS-9 es un pedal sencillo con controles de nivel, Drive y Tone. Además, puede ser alimentado con una batería estándar de 9 volts o con un adaptador CA. Un indicador de estado con un LED rojo grande reside en el frontal de la unidad. A diferencia de muchos de los pedales comerciales de hoy en día que se fabrican en Taiwán o China, la reedición del Tube Screamer todavía está siendo fabricado en Japón. Si bien no podemos afirmar que si el TS-9 fuera fabricado fuera de Japón sería inferior, pero se considera generalmente que la electrónica japonesa producidos son de mayor calidad. Lo más importante con cualquier dispositivo, por supuesto, es el sonido y hemos comprobado que esta reedición suna tan bien como aquel pedal que se hiciera famoso en otros tiempos.

CARACTERISTICAS Controles: Drive / Level / Tone Impedancia de entrada: 500K ohms / Impedancia de salida: 10K ohms Nivel máximo de salida: 0 dBm / Ganancia máxima: + 30 dB Ruido de entrada equivalente: -100 dBm (IHF-A) Fuente de alimentación: Una batería de 9 voltios o un adaptador de CA externa (9V) Tamaño:124 (D) x 74 (W) x 53 (H) mm Peso: 570g

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PabLO SanTOS

Los Beatles lo motivaron a estudiar batería a los 15 años y paulatinamente se fué metiendo en hendrix, el jazz y la fusión hasta que escuchó a Stanley Clarke. Esa combinación de energía, melodía y virtuosismo en Clarke, lo sedujo a dedicarse a las cuatro cuerdas y a la posibilidad de componer a partir del bajo. Por Sergio resar

Pablo, contanos un poco sobre tu infancia ¿Qué música se escuchaba en tu casa?

En casa de mis viejos se escuchaba mucha y muy diversa música. Mi mamá canciones italianas y tango, mi viejo mucho jazz, folklore y brasilera. Afortunadamente esa apertura en cuanto a gustos musicales la conservo aun hoy; entre mis cd’s tengo desde los Ramones hasta Schoenberg pasando por mucho tango y Folklore, heavy metal, jazz... No creo exista música de la cual no poder aprender o no pueda ser escuchada en un determinado momento.

de Seru Giran. Cuando me convocó Tenia sólo 20 años, me sabía todas las líneas de bajo de Pescado Rabioso y definitivamente no podía creer estar compartiendo escenarios como su bajista y que el tipo fuera tan humilde.

Llegó a eliminar una intro de guitarra para dejarme grabar otra de bajo tapping en un tema del disco “Nunca te Puedo Alcanzar”. Especialmente recuerdo haber aprendido mucho de Daniel Colombres, batero de David en esos tiempos y en la actualidad, sobre como tocar bases solidas y potentes en un contexto rockero. Posteriormente grabé con David el disco “Contactos”.

Cómo fue que te dedicaste al bajo?

Escuchar a los Beatles me motivó a estudiar batería a los 15 años y paulatinamente me fui metiendo en Hendrix, el jazz y la fusión hasta escuchar a Stanley Clarke.

Más allá de la combinación de energía, melodía y virtuosismo en sus temas, lo que inconscientemente me sedujo fue la posibilidad de componer a partir del bajo. Días después me compré una replica nacional de un Gibson SG como el de Jack Bruce, lo más parecido al Alembic de Clarke que pude ver en Quilmes!

Desde qué año sos docente de este instrumento?

En 1986 Lebón me propone dar clases en su Taller de Música y Artes, había una vacante como profe de bajo y en los shows yo siempre terminaba intercambiando conceptos con los músicos que iban a ver la actuación.

Hasta el día de hoy disfruto mucho dar clases tanto o mas que tocar en vivo ya que me mantiene atento a mi instrumento. Mas allá de componer, producir discos o arreglar canciones teclados o compu mediante, el bajo sigue siendo la prioridad para mi.

Quiénes fueron tus profesores?

Tuve varios profesores de bajo, piano, audio perceptiva, teoría, armonía… Mis maestros, aquellos a los que les estaré eternamente agradecidos y a quienes debo gran parte de este presente fueron Gustavo Giles y Carlos Madariaga. Gustavo era y es un apasionado del instrumento y una de las personas mas generosas en cuanto a compartir dicha pasión. Carlos un docente como pocos; me acomodó mucho en lo teórico aplicado al instrumento.

Editaste un libro de enseñanza ¿cómo se llama y en qué editorial?

El libro se llama “Técnicas Modernas aplicadas al bajo” y lo distribuye Ellisound. Básicamente es un libro de técnicas de ejecución alternativas a la “normal”. Salió en 1998 y lleva vendidos alrededor de 15000 unidades entre Argentina y países limítrofes. Aun hoy continua dándome enorme satisfacción encontrarme con bajistas de todas las edades a los que les ha servido o sirve como inspiración. Tengo varios proyectos de libros que en el futuro, tiempo libre mediante, llevaré a papel y audio.

Fuiste el bajista de David Lebón, ¿qué recordás de esa época?

Muy pocos años antes de formar parte de su banda yo era un fan mas admirándolo en el concierto despedida

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Con quiénes has tocado y qué experiencia sacás de todos esos grandes músicos?

Como bajista estable de María Rosa Yorio recuerdo la emoción de mis primeras giras en micro y su enorme paciencia con músicos cuyo promedio de edad era de 18.

De Lerner aprendí muchísimo en lo que a groove y matiz refiere. El estaba regresando de su parate de estudios en USA y en los ensayos hacia especial hincapié en estos conceptos. Con JAF era y es tocar en mi banda de amigos, la libertad total. El desafío es donde parar de experimentar ya que en un power rock trío no creo exista límite alguno. En ese contexto me puedo “atender” tocando tapping, acordes, bajo midi y demás. Pude tocar con leyendas del folklore como Mercedes Sosa y Horacio Guarany.

Arreglar y producir un disco de este último, para mi uno de los compositores mas talentosos de Latinoamérica, fue una experiencia tremendamente positiva y enriquecedora.

Corcho Rodríguez, un auténtico mecenas actual de la música, solía organizar zapadas con Pappo que luego se trasladaban a boliches de Palermo cuando Norberto no tocaba con Pappo’s Blues. Además de blues tradicional tocábamos otras cosas: Sabía y tocaba los acordes de Teen Town de Jaco, la armonía de Georgy Porgy de Toto para despacharse luego con un solo tremendo. Una tristeza su perdida. Con Luis Salinas el desafío era seguir teniendo algo que decir luego del 4to. solo de bajo del show; siempre me impulsaba a tocar un poco o mucho más. De Chico Novarro rescato su enorme profesionalismo, de Sartén su tremenda creatividad. Sartén es otro tremendo músico que se nos fue y extrañamos mucho quienes tuvimos la suerte de compartir tiempo con él.

Fuiste bajista y luego director musical de Diego Torres ¿Cómo fue que llegaste a él y entre qué años formaste parte de su banda?

Con el, su manager y sus músicos (A. Varela, J. Morelli, M. Wengrovsky y Dany Tomas) teníamos un gran equipo de futbol 5 y como con Jota habíamos tocado y grabado en varias oportunidades la elección decantó sola cuando Cachorro López dejo la banda. Me llamaron un martes, ensayamos dos días y el viernes estábamos tocando en vivo. La banda era tremenda, una de las mejores en las que toqué, los arreglos musicales muy claros. Todo fue muy sencillo. Disfrutábamos mucho el tocar juntos y eso se manifestaba en las interminables pruebas de sonido cuando, además de buscarle algún arreglos nuevo a sus canciones, Diego se enganchaba y terminábamos tocando temas de Marley, Jarreau, Djavan... Toqué con el desde 1995 al 99’ y en el último año dirigí la banda.

Cuándo empezaste a componer?

Desde que empecé a tocar el bajo! Siempre me gustó componer como siempre fui reacio a mostrar mis temas; supongo por eso aun no grabé un álbum solista teniendo un estudio y tantos buenos amigos músicos. En algún momento lo haré, por ahora es una asignatura pendiente. Con Soledad compongo a partir de sus letras o pedidos en cuanto a ritmos. Lo mismo me ocurre cuando se trata de música para alguna película, obra de teatro o publicidad.

Desde cuándo sos productor musical?

El primer disco que produje artísticamente fue “Placeres No!” del Grupo Rubro 59. La banda estaba lideraba por

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el guitarrista Juan Assabi y contaba con el ex Abuelo de la Nada Pato Loza en batería y Mario Pergolini como productor general. Era el años 1993 pero yo ya venia de trabajar con varias bandas y solistas de los estilos mas diversos. Exceptuando a quienes me derivan todas las decisiones a la hora de pre y post producir, prefiero laburar codo a codo con el solista o grupo de turno y coproducir el material. Los tiempos se prolongan a la hora de tomar decisiones pero el resultado termina siendo mas satisfactorio para todos Cómo se siente ser músico y director musical?

Cuando las cosas salen bien es un goce enorme a pesar de la responsabilidad. Como bajista solo me ocupo de mi instrumento pero como director musical mi función es manejar groove, matices y pulso de la banda, disparar secuencias, dar entradas a los músicos en el escenario y sobre todo estar híper atento a lo inesperado que pueda ocurrir y tomar las decisiones que considero más correctas para ese momento. Básicamente pienso a la banda como un único y gran instrumento tocando la música del solista o compositor de turno del mejor modo posible.

Como soy parte de ese gran instrumento tengo como premisa situarme cerca del baterista pero en un lugar donde todos me puedan ver aunque signifique estar en un costado del escenario. Amén de las cualidades individuales de cada músico, saber cuando dejar de dar indicaciones para no entorpecer el sonido de la banda y no complicar la convivencia con problemas de ego son fundamentales para lograr la mejor música posible.

Cuál es tu set actualmente?

Con Soledad uso un sistema muy chico para evitar problemas de cables y concentrarme en la dirección musical.

Los bajos son un Fender Jazz del 68 o un Javier López midi de 6 cuerdas y si la ocasión lo amerita un contrabajo eléctrico N.S. Design. Aunque me monitoreo vía auriculares (Ultimate Modelo Xtra Bass) tengo a mi lado un cabezal Hartke HA3500 y un baffle Hartke HX112. Con JAF mi set es muchísimo más complicado: del bajo voy a una pedalera que consta de un afinador Korg, Whammy pedal 1, Wah Jim Dunlop para bajo, fuzz Sovtek Civil War, Filter Twin de Aguilar, Chorus Corona de TC Electronics y finalmente un reverb Hall of Fame también de TC. Lo mas complejo es el tema amplificación. Antes del Sovtek la señal se divide en dos sistemas. El mas limpio pasa por un cabezal Hartke Kilo y dos cajas Hartke Hydrive de 4x10” cada una, la señal distorsionada por un cabezal Hartke HA550 y dos baffles Hartke AK de 4x10” cada uno.

La idea de tantos equipos es lograr un sonido muy claro a pesar del volumen, que los equipos trabajen con resto y no distorsionen salvo sea necesario. Las cuerdas que utilizo son Magma, y mis correas Antitodo.

Qué es lo que buscas en un instrumento?

Depende la situación y el contexto. Soy algo así como un bajo-adicto. Tengo más de 20 bajos!!!!. Para tocar melodías o solos busco bajos que despeguen en los medios.

Tengo un Javier López midi de 6 cuerdas con mics Bartolini, otro de 7 con EMG, un Ibanez Fretless Gary Willis y en ocasiones saco mi viejo Alembic que tengo desde la época de Lebón. Para Reggae o sonidos más profundos tengo un Warwick Streamer de 5 y un Peavey Cyberbass de grafito que además es midi. Si quiero un sonido más vintage tengo dos Fender Jazz Bass (del 68 y 74), un Pre-

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cision del 62 y 3 bajos de escala corta encordados con lisas: Gibson SG, Danelectro Longhorn Bass y un Hofner violin bass. Para tocar Jazz tengo un contrabajo acústico y otro eléctrico N.S. Design de 5 cuerdas.

Qué estás haciendo actualmente?

Estoy tocando con Sole Pastorutti y JAF, ensayando y arreglando material para Pista 2, una excelente banda que ya lleva dos Cd’s editados, preparando un seminario de bajo y batería en el folklore con la idea de recorrer el país con clínicas y produciendo diversos artistas en “Bajos Arriba”, mi estudio.

Cómo llegaste a tocar con un ícono del folclore como Soledad Pastorutti?

En 1999 me llaman para la presentación de un Cd producido por Emilio Estefan que contaba con un bajo eléctrico; inmediatamente me enganche con su energía, la de sus músicos y posteriormente con el fervor popular que el folklore produce sobre todo en el interior. Soledad es desordenadamente ordenada y eso genera un adrenalina que nos mantiene a todos en estado de alerta constante y evita caigamos en rutina. Ya llevo 14 años tocando con Soledad y sigo disfrutando cada concierto en los que intentamos prime pasión y energía por sobre la pulcritud en el sonido final. También trasladamos esa premisa a sus discos; arregle y co-produje 5 de ellos y en general evitamos los excesos de edición de instrumentos y voces. En lo personal es tremendamente gratificante tener la confianza de tamaña artista; lo vivo con mucha responsabilidad pero también con una enorme cuota de diversión, afortunadamente.

Qué le dirías a los chicos que están empezando en

el mundo de la música?

Son tiempos difíciles pero no imposibles. Si quieren acompañar artistas no se encierren en un estilo determinado de música, abarquen la mayor cantidad posible y estudien lectura, armonía, la técnica del instrumento…

Estudien! Si la idea es apostar a un proyecto de composiciones propias no dejen que nadie los detenga o perturbe en esa dirección. Bandas como Carajo de Marcelo Corvalan y Cía. o Los Tipitos son un claro ejemplo de calidad musical, constancia y enorme compromiso con un producto musical propio y claramente definido. Sean estos casos u otros, nunca dejen de jugar (play) con la música. No la ejecuten!!!!!

Qué es lo que estás escuchando ahora?

Me lo preguntas en el momento más vintage de mi vida.

Venía escuchando tanto Mp3, ediciones de Protools como el beat detective, melodyne y demás… Me saturé, desempolvé y re acondicioné mi vieja bandeja giradiscos y rescate mis casi 5000 vinilos. Respondiendo estas preguntas tengo de fondo “El Canto de Salta” del Dúo Salteño y en general estoy escuchando bandas o solistas de los mas diversos estilos pero con ese concepto auditivo despojado de perfecciones irreales hoy por hoy.

Cuáles son tus referentes en el bajo?

Muchísimos bajistas han marcado el pulso y orientación de mis estudios: Stanley Clarke, Paul Mc Cartney, Jaco Pastorius, Billy Sheehan, Jack Bruce, J. Jamerson, John Paul Jones. A pesar de la diversidad de estilos todos tienen en común la constante exploración armónica, melódica y rítmica del instrumento. Marcus Miller, Jeff Berlin, Mingus, L. Johnnson, … La Lista debiera ser más larga, definitivamente.

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mayCOwn rEiChEmbaCh

Cuándo empezaste a estudiar música?

Empecé por causalidad a las 11 años cuando me inscribieron en un concurso de canto porque un participante no fue, y terminé ganando tal concurso, desde ese momento fui involucrándome con la música más y más hasta que a los 14 años me enamoré de Hendrix y mi vida nunca fue la misma. Tocaba 11 horas por día, épocas en donde cada minuto respiraba música... y todo pasaba por cuando podía mejorar como músico y artista.

Después vinieron las primeras bandas aquellas donde uno pone en práctica lo que se estudia. A los 18 me fui a vivir a otro país porque quería aprender música en serio, y como soy del interior (somos más cabeza dura) decidí que tenía que ser Brasil.

Quiénes fueron tus maestros?

En mi ciudad natal (Paso de los Libres- Corrientes) tuve un profesor que se llama Raúl Vera el me enseñó tanto el arte del rock como la música clásica, fueron años muy productivos al lado de ese maestro. Luego en Brasil estudié con Kiko Loureiro que en esa época no era famoso mundialmente, me acuerdo que estudiábamos unos fraseos muy originales que luego él los emplearía en sus discos. Al final nos hicimos amigos y tuve la oportunidad de conocer y tocar con muchos artistas gracias a él. También estudié Orquestación y arreglos en la Universidad Souza Lima en Brasil, que hoy en día es fundamental en mi carrera ya que tengo un abanico de posibilidades musicales, gracias a todos los recursos aprendidos.

Qué te decidió tocar la guitarra?

Definitivamente mi padre quien se llevaba toda la atención cuando tocaba la guitarra en sus fiestas, en el lado profesional fue Jimi Hendrix, él fue el primer artista de rock que me hizo llorar cuando escuchaba sus discos, y hasta hoy en día tengo las mismas sensaciones....

Cuál fue tu primera banda y quiénes la integraban?

Mi primer banda se llamaba ODISEA, éramos 3 adolescente rebeldes que tocaban Blues y algo de rock nacional, ensayábamos 4 horas de lunes a lunes Los vecinos seguramente nos odiaban, jejejeje. Con esta banda aprendí a improvisar Blues, Estaba compuesta por Ivan Colunga en bajo e Iván Altamirano batería.

Qué música escuchabas cuando eras adolescente?

Escuchaba los vinilos de Michael Jackson, Eric Clapton, Deep Purple, Led Zepellin, tuve la suerte de poder escuchar en ese formato tan pulcro. Después, ya de adolescente, Van Halen, Joe Satriani, Steve Vai e Ingwie Malmsteen me abrieron la cabeza y no me dejaron dormir por un largo tiempo intentando sacar sus fraseos...

16 | Entrevista a Maycown reichembach

En qué consiste la técnica de tocar con ocho dedos?

La técnica de 8 dedos consiste en realizar otro tipo de notas con las 2 manos, no como es utilizado normalmente por los adeptos al two hands, sino que con la mano del mástil realizo un arpegio que es complementado con la mano del puente realizando así un sonido

Empezó a los 11 años y desde ese momento fué involucrándome con la música más y más hasta que a los 14 años llegó Jimi hendrix y su vida nunca sería la misma. Por Sergio resar

más pianísitico y más musical, también mezclado con el cromatismo así obteniendo una gran destreza y extrema velocidad, tuve la suerte de que el propio Greg Howe (uno de mis ídolos de la adolescencia) me felicitara por mi técnica, comparándome con otros genios de la guitarra internacional. Realmente me sentí muy halagado por tal situación.

Quiénes te influenciaron en el instrumento?

En mis comienzos me influenciaron Hendrix, Jimmy Page y Eric Clapton, luego conocí a Steve Vai y Satriani y cambio mi mente 180 grados! hasta que escuche a Shawn Lane donde completó el ciclo de 360 grados!

Shanw Lane fue el guitarristas más completo que existió en este planeta y dudo que allá alguien que algún día se compare con él. Hoy en día soy influenciado por otros instrumentistas como pianistas, saxofonistas a los que transcribo y trato de aplicar en mi instrumento, todos los días tengo un nuevo desafío, que es ser un mejor Maycown del que fui ayer.

Con quién has compartido escenario?

Toque con Kiko Loureiro (Angra), Greg Howe (Michale Jackson), Stu Hamm (Joe Satriani), Many Monteiro (Jaco Pastorius), Arthur Maia ( Gilberto Gil, Djavan, Ivan Lins), Guinga, Gianluca Palmieri, entre otros menos conocidos pero geniales músicos.

Cómo es haber creado el “Guitar Experience”?

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La historia comienza cuando vuelvo a Argentina, después de haber hecho bastantes cosas por Brasil y me encuentro que acá en Argentina no había un punto en común donde guitarristas, bajistas o cualquier instrumentista se unieran para crear algo en común, entonces decidí hacer esto que es el Guitar Experience la primera edición grande fue realizada en el teatro IFT con guitarristas de Argentina, Brasil y Chile, donde tuve la suerte de conocer a artistas fenomenales como Fernando Pareta que es como el Maradona de la guitarra (el mundo pronto hablará de él), también con Pat Tomaselli, Jon Neto, Tiago de Moura y Denison Fernandes y muchos otros geniales guitarristas. Ahora se realiza una o dos veces por año y cada vez crece más. Fuimos a la Expomusic en Brasil con Fernando Pareta y la mayoría de los guitarristas nos conocían, debido a la repercusión del Guitar Experience.

Estamos muy felices y estamos preparando para el 30 de noviembre la edición 2013 que será un éxito.

Contanos acerca de tus discos, ¿en qué años los grabaste y bajo qué nombres?

Mi primer disco "Myself" fue un demo grabado por un amigo a las 17 años, lo hicimos realmente sin esperar nada, envié a las revistas y a los meses salía revelación en la Guitar Player, Guitar Class, Cover Guitar, con críticas increíbles, fue realmente motivante y alucinante que en tan poco tiempo me den un espacio que es sólo para los expertos. En el 2005 mediante una discográfica en Brasil edite” Sea of Roses” un disco más fusión con un tinte de Steve Vai y Frank Zappa, pero nunca pude hacerlo bien porque me faltaban recursos económicos, fue recién en el 2012 a las 30 años que pude editar el que considero mi primer disco llamado "Awakening The Spirit" distribuido para todo el mundo por Neworld Records. Tuve invitados especiales como Gustavo Meli que es uno de los mejores bateristas del mundo, lo cual me llena de orgullo que este, además de Andrés Pellican en bajo, Mauro Laiolo en Teclados y Bruno Malinverni en piano. Es un disco donde hago una fusión más latina lo cual me ha traído excelente críticas: como la de Steve Vai " Maycown es genial".

Cuando leí eso en una de sus redes sociales casi me orino, me costó caer y creer que hablaba de mi.

Cuál es tu set actual?

Uso guitarras Fender customizadas, con trastes Dunlop Super Jumbo y DS PICKUPS en todas. En pedales de efecto Fuhrmann (Brasil) y Pigtronix (USA) realmente uso toda la línea, debo tener más de 40 pedales y dependiendo del show voy cambiando los efectos. Cables CatBlues, y caja 2x12 Tritone. Prefiero las 2x12” antes que las 4x12” que tiene un sobrante de graves que no es tipo de sonido que prefiero. Recientemente estoy usando amplificadores Jake Amp y se suenan todo, tanto para jazz como para rock, justamente Eric Jacobs está diseñando uno nuevo cabezal de 100 watts que lo voy a estrenar el 30 de noviembre en el Guitar Experience 2013.

Cuáles son tus proyectos?

Tocó con mi banda Maycown Reichembach que es la que le dedico la mayoría de mi tiempo, además soy sesionista de varios artistas. Actualmente estamos armando mi nueva banda de rock/funk (Esto les cuento en exclusiva para la revista!) estamos en casting para elegir un integrante más y luego empezamos a full con los ensayos para luego grabar el primer álbum, ya enviamos algunos

18 | Entrevista a Maycown reichembach

demos y ya nos invitaron a tocar a USA así que estamos con todas las pilas para hacerlo realidad. Tambien hay otro proyecto muy grande con una orquesta donde voy a tocar mi disco "Awakening The Spirit" totalmente orquestado por mí, más de 40 músicos en escena donde el ruido y el arte van a ir de la mano bajo un mismo fin...

Sos arreglador, orquestador y trasncriptor, ¿con quiénes has trabajado?

Si, hago arreglos para artistas de todo tipo, desde pop hasta sinfónico. Desde cuarteto de cuerdas hasta para toda una orquesta, últimamente he orquestado dos obras del compositor Guillermo Zarba : Libaciones y Los tiempos del Agua estrenadas mundialmente en el teatro Coliseo a sala llena con una orquesta formada por músicos del Colón y músicos de la Sinfónica Nacional. Además tengo una empresa llamada Transcribitumusica.com.ar donde transcribimos las obras de los compositores para que puedan registrar en SADAIC y así obtener ingresos con sus obras.

Sos compositor ¿dónde podemos escuchate?

Todos mis discos cada nota y arreglo fue compuesto por mí, soy muy meticuloso con este tema, la composición es el legado que un artista deja para la humanidad, la gente se olvida si tal artista tuvo técnica y ejecutaba de

tal modo un instrumento, por el contrario su obra queda intacta, generación tras generación. Se puede escuchar en mis discos editados además en algunos discos de artistas como: Bossa & Beach, Madok (Italia), Rafa Casado (España), entre otros.

También sos profesor?

El arte de enseñar es una de las actividades más lindas que existe. Lo llevo muy enserio y trato de dar lo mejor de mí, llegue a tener muchos alumnos a tal punto de dejar de lado mi carrera musical, hoy en día doy muy pocas clases solamente alumnos que ya saben lo que quieren y se dedican al estudio. Tengo alumnos que hoy en día tocan muy bien y que tranquilamente pueden ser maestros.

Qué les dirías a los chicos que recién están dando sus primeros pasos con la guitarra?

Que lo hagan con responsabilidad, el instrumento te puede dar muchas cosas a cambio, que a veces no nos damos cuenta. Que se dediquen con disciplina y con una rutina de estudios, que busquen un buen profesor, es fundamental para el crecimiento. No tengan pre-juicios con los estilos musicales y respeten al músico, cada uno tiene su espacio y su tiempo. Hay que hacer lo que a uno le gusta que el resultado del trabajo se ve con el tiempo.

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STEvE LukaThEr

Este año y para el deleite de todos los fans que tuvimos la posibilidad de asistir, el gran guitarrista Steve Lukather, ha visitado nuestro país como parte de la “All Star Band” que no son ni más ni menos que los músicos que acompañan al gran baterista de The Beatles ringo Starr. Por Sergio resar

Por suerte al escribir en este tipo de revistas tengo la posibilidad de hacerlo sobre músico que realmente me gustan mucho y hablar de Steve Lukather en esta ocasión me llena de emoción. Espero ser objetivo en el repaso de la historia de este genial músico. Este asombroso guitarrista de vasta trayec-

20 | Steve Lukather

toria nació el 21 de octubre de 1957 en el valle de San Fernando, en el estado de California. En sus inicios, Steve Lukather tocó teclados y batería para poco después aprender de forma autodidacta a tocar la guitarra a los siete años de edad, cuando su padre le compró una guitarra acústica Kay y el disco de The Beatles “Meet the Beatles. Steve Lukather ha comentado que ese disco le cambió la vida y que se siente fuertemente influenciado por la guitarra y el sonido de George Harrison. La guitarra y el álbum de los Beatles cambiaron la vida del pequeño Steve Lukather. "Sólo el sonido de esa guitarra superó toda mi alma, si querés llamarlo así.

Yo sabía que eso es lo que yo quería hacer. Recuerdo a George Harrison tocando un solo en “La vi parada ahí” y sólo el sonido de la guitarra y la reverberación tocó una fibra sensible dentro de mí ".

(Steve Lukather, 1993).

Ya en la escuela secundaria el joven Steve Lukather conoció a David Paich y a los hermanos Porcaro (Jeff, Steve y Mike), quienes finalmente formaron juntos la banda Toto. Steve Lukather, quien hasta la fecha había sido autodidacta, comenzó a tomar clases de guitarra con Jimmy Wyble. Gracias a

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Wyble expandió sus conocimientos hacia aspectos más amplios de la música, incluyendo la orquestación. Fue en esta época (comienzos de la década de 1970) cuando Steve Lukather comenzó a interesarse por ser músico de sesión, vocación que ofrecía oportunidades de tocar con una gran variedad de músicos famosos.

"Fui autodidacta hasta las 15 y luego empecé a tomar clases con Wyble. Él me enseñó a leer y me dio un montón de otras clases, como la orquestación. Quería aprender. En ese punto que estaba realmente intrigado por todo el asunto de sesión. No era algo que quería hacer desde que era un niño pequeño. Yo no sabía nada al respecto hasta que estaba en la escuela secundaria. Siempre pensé que era una especie de fresco para poder tocar en las grabaciones de todos estos grandes artistas ".

(Steve Lukather, 1993).

Jeff Porcaro, quien tocaba la batería para Steely Dan desde 1973, fue el mentor de Steve Lukather y apoyó su interés en el trabajo de músico de sesión. Su primer trabajo en la industria musical fue como músico de estudio para Boz Scaggs, después de eso, Paich y Jeff Porcaro —quienes ya eran prósperos músicos de estudio por derecho propio— lo invitaron a formar Toto en 1976, junto a Bobby Kimball, David Hungate y Steve Porcaro. Steve Lukather rechazó una oferta de unirse a la banda de Miles Davis para poder aceptar esta invitación.

"Jeff era como mi mentor;.. el tipo fue el que me hizo entrar en el mundo de la música. Él y toda la familia Porcaro tuvieron mucho que ver con mi conseguir mi primer trabajo en el negocio de las grabaciones ya que Jeff ya estaba con Steely Dan cuando lo conocí. Era 1972 y crecer en todo ese ambiente fue un regalo. Aprendí todo gracias a él. En mi banda de la escuela secundaria yo estaba tocando con Mike Landau, John Pierce, Steve Porcaro y Carlos Vega." (Steve Lukather, 1993)

Steve Lukather fue el primer guitarrista líder de Toto y ejerció como tal durante toda la historia de la banda, además de vocalista líder ocasional, corista y compositor. Steve Lukather ganó tres de sus cinco premios Grammy por trabajos con Toto, dos veces como artista y una como productor. La composición de las canciones de Toto, el primer disco de la banda y lanzado en 1978, corrió casi exclusivamente a cargo de David Paich, que escribió prácticamente todas las canciones del mismo (excepto dos), incluso los cuatro simples. Steve Lukather también da crédito a Jeff Porcaro por su liderazgo de la banda en aquella época. No obstante, el papel de Steve Lukather en Toto evolucionó con el tiempo adaptándose a las necesidades del grupo. Comenzó a contribuir en la composición con la pista homónima que da inicio al disco Hydra de 1979.

necesitaba dar un paso al frente y asegurarse de que la banda siguiese su camino, por lo que comenzó a adoptar el papel de líder.

Lamentablemente una mala noticia llegaria en agosto de 1992, el gran Jeff Porcaro se desplomó mientras trabajaba en el jardín de su casa y posteriormente murió por un fallo cardiaco. Su muerte afectó profundamente a los integrantes de Toto en general y a Lukather en particular, debido a que siempre le consideró su mentor. Lukather sintió que

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Titulo | 44 Steve Lukather 21

warwiCk rOCkbaSS

En esta oportunidad nos abocaremos al Warwick Rockbass Corvette Basic Activo.

El este instrumento que nos ofrece Warwick se basa en el Corvette standard Warwick germano. La forma del cuerpo y el cuello de este asombroso instrumento son similares en apariencia y forma y al igual que su hermano más caro y viene con dos micrófonos de bobina única activos MEC. Además, el Warwick Rockbass Corvette Basic Activo está disponible en 4 o una versión de 5 cuerdas. Por otro lado y a diferencia del original, no está disponible en 6 cuerdas y también tiene otras diferencias significativas a tener en cuenta a la hora de elegir un instrumento de esta afamada marca Alemana. El Warwick Rockbass Corvette Basic Activo tiene un cuerpo de aliso, que es un poco más ligero que el de Bubinga o de los Corvettes Standard. En cuanto al sonido, el Warwick Rockbass Corvette, es muy versátil, puede ser agresivo o brillante según se desee. Se puede tocar desde Jazz a Heavy Metal, todo esto gracias a

22 | warwick rockbass

La línea rockbass de warwick es una forma de acceder a un muy buen instrumento de forma más económica sin que ello implique bajar la calidad del producto. Esta línea, diseñada bajo los estándares de su hermano mayor, el warwick alemán. Por Sergio resar

sus micrófonos MEC Activos. Tiene una fuerza y calidad tonal que se puede esperar de un instrumento de este nivel y más también. Algo que realmente nos asombro a la hora de probarlo.

En pocas palabras este bajo Warwick Rockbass Corvette Basic Activo es indescriptible.

El cuerpo de este instrumento es pequeño y ligero por lo que le ofrece la comodidad y la capacidad de moverse por el diapasón muy rápido y fácil. Lo que realmente lo hace muy “amigable”a la hora de ejecutar. Las cuerdas están espaciadas para permitir un slap perfecto. El Warwick Rockbass Corvette Basic Activo es un bajo eléctrico que se distingue de otros, con su forma de cuerpo elegante y único. Las elegantes curvas de su cuerpo sólido de aliso son el complemento ideal para un bajo eléctrico que proporciona los más delicados tonos graves como unos agudos increíbles. El mástil del Warwick Rockbass Corvette Basic Activo es de un suave maple que se complementa con un atractivo diapasón de

palisandro (rosewood) con trastes de níquel. Este Warwick Rockbass Corvette Basic Activo es sin duda tan divertido de ver como para tocar. Fué una jornada super divertida en la sala de ensayo con un bajo asi. Warwick es una marca que nunca deja de sorprendernos. Este Warwick Rockbass Corvette Basic Activo es cómodo, versátil y liviano. Con un tono brillante y con un cuerpo sonoro que llego a sorprendernos. No tuvimos que reforzar el volumen ni la ecualización en el amplificador que utilizamos y realmente lo dejamos en un modo plano como para “medirlo” en una base “pegada” junto a la batería.Y creanme que sono poderoso.

CARACTERÍSTICAS Escala: 32" Cuerdas Warwick Red Label M Cuerpo Aliso (Alder) Mango atornillado de Maple (Arce) con trastera de Palisandro (Rosewood) y trastes de Níquel Micrófonos activos MEC JJ single-coil "Gold" Electrónica de 2 bandas activas Puente Warwick de dos piezas Hardware cromado Incluye llave Allen de 5 mm y 1,5 mm

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PEavEy aT-200

La afamada marca Peavey presenta en la Argentina su último modelo de guitarra, la versátil Peavey AT-200, una guitarra con sistema de auto-afinación denominado ANTARES AUTO-TUNE además del sistema de entonación SOLID-TUNE. Esta asombrosa guitarra nos ofrece un ajuste perfecto y afinación excelente e instantánea con solo pulsar un botón. Esta guitarra Peavey AT-200 conjuga las nuevas tecnologías con una gran calidad de construcción haciendo de la misma un instrumento único, ideal para los músicos más exigentes en términos de afinación.

A su vez este innovador sistema que trae la Peavey AT-200 nos permite tocar con afinaciones alternativas cómo Sol Abierto (open G), con la sexta cuerda un tono abajo (drop D) o bien usar la guitarra cómo barítono sin ningún tipo de hardware aparatoso ni poco estético. Además el SOLID-TUNE monitorea y con-

24 | Peavey AT-200

hasta este momento, hemos tenido en nuestras manos guitarras cargadas de sonidos creados digitalmente y afinaciones algo alteradas, pero cuando se trata de auto-tuning, es extrañamente algo que sólo se ha logrado en el mundo analógico. Ahora, gracias a Auto-Tune, las reglas han cambiado para siempre. Por Sergio resar

trola la afinación de todas las cuerdas mientras estamos tocando para que tanto notas de un solo o acordes suenen correctamente y a la vez reconoce los “bendings” o estiradas como tal y no las modifica. Equipada con dos humbuckers Custom Designed, llave de tres posiciones, Alma de doble acción y entrada MIDI y en sus dos colores Candy Apple Red y Negro la Peavey AT-200 es el equilibrio justo entre una guitarra eléctrica clásica y tecnologías de vanguardia. Bienvenidos a la nueva generación.”

Desde su lanzamiento a principios de este año, ha habido un enorme interés en todo el mundo por este instrumento: la primera guitarra digital para sintonizar con sólo pulsar un botón. La tecnología utilizada para ello ha sido desarrollado por la marca Antares en asociación con Peavey.

La guitarra Peavey AT-200 tiene un cuerpo de tilo macizo con un diseño de cuerdas a través del cuerpo y puede ser acabado en

negro o rojo. En la parte frontal encontrará micrófonos Peavey USA humbucking cubiertos por tapas sólidas, un control de tono que puede ser empujado hacia abajo para activar el DSP AutoTune,un control de volumen y un interruptor selector de micrófonos de 3 vías. Hay una luz LED verde encima del micrófono del mástil para indicar si el sistema de Auto-Tune es activo o no, y la caja de batería de la parte de atrás para tomar las cuatro pilas AA necesarias para alimentar el circuito de Auto-Tune.

CARACTERÍSTICAS Escala de 25.5” 24 trastes Cuerpo de Basswood Mango atornillado de Arce Diapazón de Palo de Rosa (Rosewood) Hardware Negro Antares Auto-Tune Selector de palanca, volumen principal y tone Push Pull modos activo o pasivo Interruptor del volumen inicia Auto-Tune Toma de salida estándar 8 pines DIN para la entrada MIDI Micrófonos dobles Peavey pasivos

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COrT arOma 4

El trabajar en esta revista nos da la posibilidad inmensa de estar al tanto de todo lo que acontece en cuanto a las novedades en instrumentos que están disponibles para todos nosotros aqui en nuestro país. En este caso tenemos la grata posibilidad de probar otro producto que nos trae la marca CORT. Comenzamos por contarles que el mástil del Cort Aroma 4 es 34" y consta de tres piezas de maple, lo que le da mucha estabilidad. En forma con un toque moderno, da la impresión de un instrumento mucho más caro. El diapasón de palo de rosa con incrustaciones de puntos simples, y los trastes son un poco más grandes que el tamaño normal.

El toque adicional de esto es la adición de un traste justo antes de la tuerca. La idea es dar a las cuerdas abiertas el mismo ataque como notas con trastes. La tuerca de grafito se corta muy bien, sin asperezas, y el cabezal tiene una bonita chapa. El cuerpo del Cort Aroma 4 es de aliso, y nuestro modelo de prueba fue acabado en negro brillante. Es ligero y muy bien equilibrado. El corte inferior proporciona un fácil acceso a los trastes superiores, y la parte superior del corte es alargada para proporcionar equilibrio, lo que hace que podamos tocar durante horas y no causará

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Aunque no es un nombre muy conocido como otras marcas, Cort ha estado haciendo instrumentos durante décadas. Al asociarse con constructores como McSwain y Curbow, han estado trayendo características personalizadas a los instrumentos a un precio razonable. Su asociación con Sandberg Guitars no es una excepción. Por Sergio resar

fatiga. Fué Sandberg quien diseñó el puente, que es considerable, por decir lo menos. Es uno de esos toques que empuja al Arona un paso por encima de un montón de otros bajos en su gama de precios. El diseño del puente ofrece un montón de ajustes, especialmente en comparación con un puente de acero simple, estampado. La electrónica es el corazón de este bajo sin embargo. Los micrófonos son Desonic (por Delano), con una sola bobina en la posición del mástil, y un humbucker en el puente. Los controles son sencillos, un control de volumen, botón de mezcla pickup selector y 2 bandas EQ activo.

El EQ activo del Cort Aroma 4 puede ser evitado a través del push /pull de la perilla de volumen. Una muesca central en la perilla de mezcla, permite el equilibrio entre ambos micrófonos, sin embargo, el rango de la mezcla en ambos lados es un poco limitado. Los controles de ecualización son bonitos y simples y el

rango es útil en ambas direcciones.

Los sonidos pueden ir de suave a casi saturado con la combinación correcta y selección del EQ. La posibilidad que tiene el Cort Aroma 4 de obtener grandes sonidos tipo Jazz Bass, sonidos del Precission e incluso sonidos Music Man es especialmente agradable. En una situación en la que se necesita una gran cantidad de tonos graves precisos, ya sea en el estudio o en el escenario, este modelo debe hacer el trabajo adecuadamente y claramente los dejara sorprendidos.

CARACTERÍSTICAS Construcción tipo Bolt-on Cuerpo de Aliso Mango de Maple Diapasón de Palo de Rosa (Rosewood) 24 Trastes (large) Escala: 34 "(864 mm) Clavijas Die Cast Puente Sandberg 4 Micrófonos: Desonic Hardware Cromado Cuerdas D'Addario EXL165\ (105-045)

Cort Aroma 4 |25

Fotografía gentileza de Dontpaymusic.com

COTi SOrOkin

Empezó desde muy chico jugando con instrumentos de juguete y de verdad que siempre hubo en su casa. Su madre tocaba el piano, cosas de Chopin, Debussy o Bach. Su padre sumaba a ese universo de música, una colección de discos de vinilo impresionante. Toca la guitarra desde los 11 años y nunca más dejó la música, es la forma de vida de Coti Sorokin. Por Sergio resar

foto: maximiliano bort

Naciste en Rosario, Santa Fe, pero viviste un tiempo, desde muy pequeño, en Concordia, Entre Ríos, ¿cómo era tu infancia ahí?

En Concordia viví muchos años, toda mi infancia y mi adolescencia hasta que regresé a Rosario cuando termine el colegio secundario para estudiar música en la Universidad de Rosario… mi infancia en Concordia fue muy libre… andaba mucho tiempo en la calle… vagando mucho en horas de la siesta cuando la ciudad entera dormía…era emocionante. Me crie de un modo muy diferente al de las grandes ciudades. Yo con ocho o nueve años andaba en bicicleta por toda la ciudad. Sentía una libertad enorme y el tiempo todo para nosotros. No había Play Stations por suerte. Nos aburríamos y usábamos la imaginación constantemente. Nos inventábamos juegos historias, no teníamos nada, solo una bici y una pelota.

Todo lo demás lo teníamos que inventar nosotros. Imaginando, creando.

26 | Entrevista a Coti Sorokin

Qué música se escuchaba en tu casa?

De todo , tango , mucha música clásica por mi vieja y a mi viejo le gusta mucho el jazz… teníamos colecciones que yo curioseaba todo el tiempo… me grababa cassettes con la música que me llamaba la atención para poder escuchar solo en mi cuarto o para poder sacar cosas en la guitarra… en ese momento teníamos que usar mucho el oído porque la información no nos inundaba como ahora… en Concordia había pocos músicos en aquel entonces pero muy buenos… había dos caminos para aprender cosas nuevas…uno el boca a boca entre los músicos inquietos y el otro era la autogestión o sea, te gustaba algo, lo grababas en un cassette y te rompías la cabeza para intentar sacarlo de oído y tocarlo. Eso me desarrollo muchísimo el oído, lo tengo muy ejercitado.

Qué te decidió empezar a estudiar guitarra?

Mi madre descubrió mi interés por un instrumento musi-

cal, ella se dio cuenta y me ofreció… yo dije que si… me enganché y nunca más dejé de estudiar, de tocar… ininterrumpidamente durante toda mi vida Quiénes fueron tus profesores?

Tuve muchísimos profesores pero los importantes fueron Mario Meichtry mi primer profesor en Concordia que aún sigue dando clases y generando buenos músicos…fue un gran profesor… luego Carlos Rossi también en Concordia me preparo más en la parte técnica clásica para poder ingresar bien en la facultad. Luego en Rosario tuve muchísimos muy buenos y otros no tanto. Tomé clases con Gabriel Senanes de orquestación y arreglos, con Omar Torres de bandoneón y luego tome también unas clases con Marconi que me daba partituras de fugas de Bach para tocar en el bandoneón. Un moño tremendo!!!! duré poco, jajjaja. Tuve muchos maestros de que aprender… pero mis grandes maestros fueron Charly, Spinetta,

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Fito, Calamaro, Lito Nebbia, Cuchi Leguizamón, Piazzola, Atahualpa, Lennon, Harrison… tantos músicos que me metieron la pasión, la inquietud de expresarme a través de la música.

yo grabé una guitarra acústica y unos coros sobre la voz que había grabado Andrés… Javier producía y nos grababa. Andrés quedó muy contento y volvió al día siguiente pero ya con letras nuevas de él para que trabajemos como lo habíamos hecho con el tema de Zi-

fruté, aprendí y conocí mucha gente que admiro gracias a mi amistad con Javier.

tarrosa para Pampa del Indio. En una semana grabamos 25 canciones. Eso se transformó en un disco mítico del rock nacional que es Honestidad Brutal.

Honestidad Brutal nació en esa semana que te comentaba antes… grabamos 25 canciones entre ellas las mejores para mi, Paloma, Mujer Mundial, Te quiero igual, Plaza Francia, Mi quebranto, Los aviones, Más duele, Cuando te conocí, Prefiero dormir, Maradona, Una bomba, Socio de la soledad. Muchas de estas canciones tienen acordes míos, por ejemplo Los Aviones o Maradona son secuencias de acordes que yo hice. El tema es que eso en wikipedia no figura… jajja ni en ningún lado. Siempre fui muy discreto… por momentos demasiado. Tengo mil cosas lindas para contar de aquella etapa… hicimos un team muy poderoso y Andrés, me

Con Andrés trabajaste a la par en el disco “Honestidad Brutal” ¿cómo fue esa labor?

Cómo se llamó tu primera banda? Y ¿te acordás quiénes la integraba?

Tuve muchísimas bandas pero la primera con la que conseguí perdurar un tiempo y hacer un pequeño camino se llamo Luz Mala y fue en mi época de estudiante de música en la Universidad de Rosario.

Llegaste a grabar un disco con esta banda ¿cómo se llamó el álbum y quién fue el productor?

Con Luz Mala que fue una banda que arme cuando ya tocábamos bastante bien y componía instrumental y canciones bastante buenas… sonábamos bien… tocábamos mucho en pubs , teatritos y centros culturales de Rosario y de Concordia… nos presentamos en una Bienal de Arte Joven en Rosario en el año 92 y sacamos el primer premio. Fue emocionante, se habían presentado miles de bandas… en el jurado estaba ni más ni menos que Lito Nebbia, ahí lo conocí y al año siguiente nos produjo junto a Cesar Franov un disco para Melopea Records su sello… fijate que honor!!! no lo podíamos creer… yo tenía 20 años, tocaba la guitarra el bandoneón, algunos teclados y componía.

En qué circunstancias conociste a Andrés y a Javier Calamaro?

Haciendo Pampa del Indio es que conozco a Andrés. Él vivía en España y no venía demasiado por aquí… pero en una visita promocional de Alta Suciedad, pasó por el estudio que Javier que tenía en Palermo para grabar algo para el disco Pampa del Indio, era un recopilatorio de muchos de los artistas más importantes de Latinoamérica… canciones inéditas, versiones, todo inédito. Andrés no tenía nada grabado pero si tenía elegida la canción que era "Adagio a mi país" de Zitarrosa. Yo conocía perfectamente la canción porque mi viejo era fan de Zitarrosa y de Viglieti, además tenía muchos amigos uruguayos de Salto que queda enfrente de Concordia.

Tocábamos bastante milonga y candombe. Terminamos grabando con Andrés la versión que quedo en el disco,

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foto: maximiliano bort

En qué año viniste a Buenos Aires?

En el mismo año 93 a fin de año por una amiga Malena Boero que estaba saliendo con Javier Calamaro… ella tenía el disco de Luz Mala que yo le andaba regalando a todos mis amigos como corresponde… Javier lo agarró un día y se interesó porque vio que yo componía, hacia arreglos y tocaba varios instrumentos… sintió curiosidad y me quiso conocer… me llamó esa misma noche… estuvimos hablando y poco tiempo después yo ya estaba en Buenos Aires viviendo de un modo bastante precario en la casa de un amigo y yendo todos los días al estudio que Javier tenía en Plaza Italia. No le di respiro ni oportunidad que busque a nadie más jajajja… yo quería venir a Buenos Aires y esa fue la mejor excusa. A partir de ahí hicimos junto con Javier un montón de cosas. Fui parte de su banda muchos años, produje sus primeros discos solistas, hicimos música de cine, produjimos juntos Chiapas y Pampa del Indio que fueron discos maravillosos a beneficio de comunidades indígenas totalmente olvidadas en ese entonces.

Con Javier grabaste un disco, “10 de Corazones” ¿qué recordás de esa experiencia?

Hice 10 de Corazones, luego Quitapenas y más tarde Iluminado que grabamos en vivo. 10 de Corazones fue el primer disco que hice como coproductor. Compuse las canciones con Javier, toqué varios instrumentos. Fue una maravilla, una oportunidad para aprender gigante y con Javier hicimos un gran equipo que trabajó mucho. Lo dis-

Entrevista a Coti Sorokin | 27

foto: darío batallan

fue dando un papel cada vez mas importante en las sesiones. Casi todas las bases las grabamos en directo, Javier en batería, Andrés y yo nos turnábamos entre las guitarras y el bajo. A veces Andrés tocaba la batería, luego los pianos hammonds, percusiones y las voces.

Andrés cantaba y con Javier producíamos, luego entraba yo en la cabina y con Andrés cantábamos muchos tracks de coros… era maravilloso porque improvisábamos líneas y armábamos un traking grosso… ojo que es disco fue grabado en ADAT !!! Antes de la era protools, por lo tanto teníamos recursos muy limitados.

luego de los atentados del 11 de septiembre no pude viajar a EEUU… yo tenía un ticket para el 12 de septiembre viajar a Miami a llevarle a Pelo mis grabaciones.

Tuve que suspender mi viaje obviamente, pero me llegó un destino mucho mejor que fue España. Él me dijo que nos veamos en Madrid y así empezó todo. A mi me gustó mucho la idea porque allá nadie conocía mi trabajo, ni siquiera en la industria, allá nadie conocía canciones o producciones que había hecho. Me firmaron un contrato como artista porque les gustó mucho el demos que les presenté.

En ese país sacás tu primer disco solista “COTI”, ¿en qué año y quién fue el productor?

Me mudo a España en enero del 2002. Ese mismo año, en abril, saco el primer disco. El disco ya lo tenía hecho desde un año antes, había viajado en noviembre del 2001 a reunirme con gente de Universal Music Spain y les llevé unos demos de varias canciones y les gustó, me firmaron un contrato por 3 discos más 2 opciones de discos más y terminé haciendo 5 discos en España.

El primer disco Coti lo produje junto a Cachorro Lopez. Él me presentó a su vez a Pelo Aprile que me conocía de nombre, Pelo fue quien me llevó a Madrid porque

Cómo se complementaban con Cachorro López para producirlo?

Con Cachorro produjimos tres canciones enteras juntos, desde cero… Mis Planes, Nada Fue un Error (dúo con Andrés Calamaro) y Volando. Fueron las tres últimas que compuse del disco y las cambié por otras tres que quedaron fuera. Él me ayudó a darle el toque final al resto del disco, a sacar algunas partes que sobraban en estructuras, a elegir el repertorio y me ayudo hacer una buena mezcla con Cesar Sogbe en Miami. El disco suena súper actual por los arreglos y el sonido, es un disco cool. Tiene canciones que siguen tan vigentes como Antes que ver

30 | Entrevista a Coti Sorokin

el Sol, Nada fue un error, Olvidarla o El Tren.

Dado que ya para esa época componías para otros grandes artistas como Diego Torres y Alejandro Lerner, entre otros. ¿Qué te decidió hacer el disco y cómo fue ese proceso?

Yo siempre estuve con mis proyectos, con bandas o como solista, siempre. Es un error cuando dicen "siempre compusiste para otros y luego te decidiste…" es un error total, no fue así sino justo al contrario. Siempre fui un músico con mis propuestas, mis obsesiones, mis ilusiones y en un momento encontré un medio de vida para mí y mis hijos, una manera de pagar el alquiler y el gas, llenar la heladera. Daba clases de guitarra y un día me di cuenta que podía ganarme la vida escribiendo canciones como lo hizo muchísima gente como Lou Reed, McCartney o el mismo Bob Dylan. En muchos casos con seudónimos y en otros no. Pero el proceso fue totalmente al revés de como lo plantean los medios, vengo subiéndome a escenarios desde que tengo 13 años.

En el 2004 grabás tu segundo disco ¿Cuál fue el nombre y quiénes tocaron en el?

El segundo disco se llamó "Canciones para llevar". Se

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editó además de España y Argentina como el primero, también en México aunque tímidamente por una canción que cantaba Julieta Venegas conmigo que se llama "Oleada". El disco lo grabé en Circo Beat el estudio que tenía Fito Paez en Buenos Aires y ya lo hice con mi banda. Tocó Marcelo Novati las baterías (Spinetta, Ketama), Matías Eisen bajo, Diego Olivero teclados, mi hermano Matías Sorokin guitarras y yo toqué de todo un poco. El disco lo produje junto a Nigel Walker, un productor inglés que había trabajado con Fito y con los Rodríguez.

“Esta mañana y otros cuentos” fue tu tercer álbum y el primero en vivo, que tuvo a importantes artistas invitados, ¿nos contás quiénes fueron y alguna anécdota sobre ellos?

Fue un disco hermoso que grabamos en 2 horas!!! Tanto el audio como las imágenes!!! Y no tuvo retoques en absoluto. También lo produjimos junto a Nigel Walker, él fue quien lo mezcló. Ensayamos mucho, mucho!!! Con mi banda nuevamente. Ya estábamos tocando bastante por España. Los dos primeros discos habían funcionado bastante bien, vendiendo casi 20.000 discos el primero y cerca de 40k el segundo!! Mirá que cifras!! Todavía se vendían discos en aquella época. Como cambió todo en menos de diez años!!

"Esta mañana…" fue un resumen en vivo de los dos discos anteriores con 4 invitados, Julieta Venegas, Josemi Carmona (Ketama), Ismael Serrano y Paulina Rubio.

Más 3 canciones nuevas (Tu nombre, Mar de Gente y Esta Mañana) y todo grabado en 2 horas en un estudio de televisión en las afueras de Madrid. La canción que más se conoció de ese disco fue la versión de Nada Fue un Error con Julieta Venegas y Paulina Rubio. El disco tuvo un éxito impresionante. Sólo en España 300.000 copias, doble platino. Disco de oro en México, en Argentina y Colombia. Fue impresionante, yo no estaba preparado, no me imaginé nunca, pero bueno así fue.

En qué año y qué nombre llevó tu quinto disco?

El siguiente fue Malditas Canciones y es el disco que mejor suena, tiene un power letal. Lo mezclo uno de los grande a nivel mundial, el señor Tom Lord Alge.

Es un disco enérgico súper comprimido con baterías fuertes y guitarras.

También sos productor ¿a quiénes produjiste?

Produje además de lo que te comenté antes, dos discos de Turf (Siempre Libre y Turf Show) enormes dis-

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foto: diego fioravanti

Tu cuarto disco y su tercer álbum de estudio, “Gatos y Palomas” salió a la venta en 2007. Cuenta con quince temas inéditos, 14 en formato físico y uno en formato digital, ¿Por qué esa decisión?

Así es, yo creo que es el disco más completo, lo sigo escuchando mucho. Tiene canciones injustamente desconocidas como Diamante, Últimamente o Quiero Ser Mar. Creo que después del éxito del anterior nadie se esperaba que hiciera un disco así, más introspectivo, más elaborado, con arreglos de cuerdas, con letras mas melancólicas y también elaboradas durante bastante tiempo. Musicalmente tiene un sonido amplio, hay shuffle, reggae, vals, R&Roll pero realmente pienso que fue incomprendido por el mainstream pero también lamentablemente ignorado por el mundo del rock.

cos. También Néctar de Enanitos Verdes.

Qué sentiste cuando tu canción “Color Esperanza” fue cantada por Diego frente al Papa Juan Pablo II? Nada especial.

Cómo está compuesto tu set actual? ¿Mi set personal en vivo? De eléctricas llevo 2 Gibson 335, una cherry y otra sunburst, son mis preferidas. También llevo de backup una Les Paul y una Telecaster con humbuking en el neck como la de Keith Richard. Llevo también tres acústicas, una Gibson Hummungbird que es mi consentida total, una Gibson Jumbo J180, que a

veces reemplazo por una J200 de Epiphone Elite y una acústica Yamaha de los ‘80s que compré hace mil años y me encanta. De amplificador uso en vivo Vox AC30 y un Acoustic 165 de línea marrón valvular de los ‘70s que es una masa. Para grabar uso un Fender Blues Junior de 15w o el Vox AC30. Para las acústicas uso unas cajas directas Avalon U5 que colorean hermoso. Para la voz un Shure Beta 57.

Cuáles son tus proyectos actualmente?

Sigo girando con mi Último disco "Lo dije por boca de otro" además de ya estar maqueando canciones de lo que será el séptimo, que se llamará "EL VERSO".

Entrevista a Coti Sorokin | 31

TranSCriPCiOnES

Para esta transcripción elegí dos fragmentos del exitoso tema “Nada fue un error” incluido en la primer grabación de Coti Sorokin editada allá por el año 2002. Por Facundo López Burgos

El tema está en la tonalidad de la mayor (La- Si – Do# - Re – Mi – Fa# - Sol#). En A vemos la melodía que sirve de introducción sobre la tonalidad de la estrofa. Como vemos está compuesta utilizando notas del acorde como puntos importantes. La escala de La mayor es la utilizada para completar los pasajes melódicos y unir las notas. Otra cosa a destacar es la línea del bajo que al invertir las armonías de los compases 3 a 6 toca un fragmento de escala moviéndose de tónica a dominante por movimiento descendiente.

En B tenemos el solo o puente instrumental. Lo primero a destacar es que su armonía no se repite en ningún otro sitio de la canción y está construido sobre el modo mixolidio de la escala (La- Si – Do# - Re – Mi – Fa# - Sol). La melodía destaca el modo arrancando directamente sobre la nota que lo caracteriza (SOL) en el tercer y cuarto compas (sobre el acorde de La Mayor) evita utilizar esa nota (tanto como el SOL#) construyendo un pasaje melódico que funciona sobre cualquiera de los dos modos. Rítmicamente nos encontramos con un patrón melódico de 3 notas que genera un desplazamiento rítmico y a la vez rememora la línea de bajo que vimos en A. Como cierre en los compases 7 y 8 toca quintas sobre el acorde dominante acentuando cada 3 corcheas citando de este modo la rítmica propuesta en los compases 1,2,5 y 6 de este mismo puente.

Como conclusión es interesante ver el concepto de producción en esta canción. Pocos elementos que se citan (no se repiten) es lo que da esa coherencia y hace que una vez que escuchemos la canción parezca que ya la conocíamos de antes.

32 | Transcripciones de Coti Sorokin

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LinE 6 m13 STOmPbOx mODELEr GuiTar

La pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar es mucho más que una pedalera convencional. Tiene más de cien efectos de las más populares Stompbox de Line 6. Construido con materiales de alta calidad, hacen que sea posible que pueda recibir una verdadera paliza y todavía suena impresionante. Además, cuenta con varios conectores de entrada y salida incluyendo puertos midi.

Como describimos antes, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar posee más de 100 efectos para guitarra, 19 de ellos delay, tanto analógicos como digitales. También incluye 18 distorsiones únicas, 12 reverberaciones.

También hay una variedad de filtros como wah y efectos de tono. También encontrará 22 moduladores y compresores.

Este es un dispositivo hecho por Line 6. Es decir, muy fácil de usar. Para comenzar a crear sonidos hay que conectar una guitarra y elegir el tipo de efecto que uno desea utilizar, ya sea un delay, una distorsión, un modulador o un filter. Además de ser fácil de configurar, suena muy bien en todas sus características es muy adaptable a tus gustos.

Para evitar confusiones, los cinco tipos de efectos están codificados por color, por lo que la luz de fondo de la pantalla y el LED cerca de la pedalera, te dirá qué tipo de efecto que se está ejecutando. Hablando de las pantallas, son bastante pequeñas, así que si estás utilizando la M13 para actuaciones en vivo, realmente no vas a ver mucho más que el color a menos que te

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agaches. Llena de más de 100 distorsiones, delays, reverbs y más, la Líne 6 M13 Stompbox Modeler ofrece acceso inmediato todo un arsenal de sonidos de pedales clásicos de la historia.

La belleza de la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar radica en su simplicidad y flexibilidad. Se tarda unos 10 segundos para memorizar el código de colores para los diferentes tipos de efectos, pero horas para ir a través de la configuración y los diferentes modelos. Hay dos modos de funcionamiento diferentes: el modo estándar y el modo de escena. Modo de escena funciona como cualquier otro parche MIDI - llamar el parche y lo trae a colación los modelos pre-configurados en el orden pre-configurada y con los niveles pre-configurados. En el modo de escena que tienen acceso a los modelos activos de cada banco y se pueden activar y desactivar individualmente. La pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar combina los modelos y capacidades de los estimados DL4 Delay, DM4 Distortion, FM4 Filter y MM4 modulación y agrega algunas sorpresas adicionales, tales como la compresión de Line 6 Vetta , para proporcionar 78 efectos diferentes.

En pocas palabras, la pedalera Line 6 M13 Stompbox Modeler Guitar elimina las molestias de usar pedales individuales, que implica cargarlos, conectarlos, etc. y al al tiempo que proporciona los mismos sonidos y añadiendo nuevas funciones versátiles como el looping. La M13 cuenta con una construcción a prueba de balas y es comparable en calidad de construcción y la funcionalidad de los controladores profesionales.

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ChriS SiEbOLD

Hace unos días tuve la oportunidad de asistir a un show, que verdaderamente me dejo sin palabras, en Salas Siranush, donde se presentó Howard Levi, considerado uno de los mejores armoniquistas existentes, si no es el mejor. Armoniquista, pianista, productor y compositor, quien realiza giras alrededor del mundo junto a Chris Siebold, un guitarrista que con su Resonator Guitar Recording King está muy a la altura de las circunstancias.

En primer lugar, me gustaría que nos contaras un poco más sobre vos, tu familia, tu lugar de origen y residencia actual.

Vivo y trabajo en Chicago. He estado tocando guitarra por 32 años. Crecí fuera de la ciudad en un suburbio llamado Prospect Heights. Y vengo de una familia de músicos. Mi madre tocaba el piano, mi padre toca batería, la guitarra y el banjo, mi hermano toca la guitarra y mi hermana toca el piano.

Siempre hubo mucha música, de diferentes estilos alrededor de mi casa mientras crecía.

Cuál fue tu primer instrumento ?

Mi primer instrumento fue un bajo eléctrico, en realidad. Mis padres compraron una guitarra para mi

34 | Entrevista a Chris Siebold

Más allá de las técnicas y del virtuosismo. Si hay algo en la música que no deja de sorprenderme, es el hecho de ir conociendo gente maravillosa, que me demuestra que jamás hay un techo, que la música tiene tanto para decirnos, como nosotros para decir sobre ella. Por Day r.S

hermano y un bajo para mí, así como para mantenernos lejos de la competencia. Eso no funcionó tan bien! Dos años más tarde, aburrido con el bajo, tomé la guitarra y jamás nos separamos hasta hoy.

Cuándo supiste que la música sería tu vida?

Siempre supe que quería hacer música para ganarme la vida, pero nunca estuve muy seguro de cómo se manifestaría. La primera vez que estuve realmente conmovido por la música (quizás a mis 6 años) es cuando sentí que sería mi vida. Estaba obsesionado con ella desde una edad muy temprana.

Qué edad tenías cuando empezaste a tocar un instrumento como la guitarra?

Toqué la guitarra de mi padre cuando tenía siete años, pero creo que no fue oficial hasta mis nueve.

En cuanto al estudio ¿Fuiste a profesores particulares, estudiaste en la escuela? ¿En algún conservatorio quizás?

Tomé algunas clases de guitarra cuando tenía alrededor de 10 o 11, pero que en realidad de esas clases no he aprendido mucho. Yo, básicamente, aprendí solo ( lo que explicaría mi técnica poco or-

todoxa). Tocaba la batería y percusión en la banda de la escuela secundaria y en una orquesta. Me uní a la banda de jazz de la escuela en la guitarra, en octavo grado. En la escuela secundaria, continué tocando en una banda de jazz por cuatro años. En mi último año en la escuela secundaria, tomé mi primera clase de teoría musical. No fue sino hasta la universidad donde aprendí a leer música y estudiar armonía. Tuve una gran experiencia en la universidad y tenía un montón de grandes maestros, en particular Beach Doug y Mark Harbold. Antes de graduarme en Elmhurst College con una licenciatura en Interpretación Musical, yo ya estaba empezando a buscar trabajo como músico independiente.

Después de graduarme, enseñé en Elmhurst College, de esto ya hace unos 9 años.

Influencias, músicos, álbumes?

Demasiados artistas tendría para mencionarte, pero te podría decir que Frank Zappa, Mike Keneally, Django Bates, Iain Ballamy, Bill Frisell, Chick Corea, Chuck Mangione y el gran Miles Davis son enormes influencias en mi forma de hacer música.

Cómo es que empezaste a tocar con Howard?

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Howard y yo tenemos un amigo en común, Larry Kohut, un bajista con un talento tremendo en Chicago. Era el 2001 y Larry había estado tocando con Howard por algún tiempo. Howard pidió a Larry si conocía algún guitarrista interesante. Larry, Diós lo bendiga , me recomend . Howard me llamó y arregló para que vaya a su casa a tocar un poco de música con él. Lleve un puñado de guitarras y a Howard le encantó el ¨resonator¨ de modo que se ha convertido en el instrumento con el que toco en sus shows.

Le gustaba la mezcla con sus armónicas. No mucho tiempo después de nuestra primera reunión, Acoustic Express fue formada. Desde 2007 , Howard y yo hemos estado de gira por el mundo como un dúo .

Estoy muy bendecido, por cierto.

Qué piensas acerca de tocar con él?

Siempre es una revelación tocar con Howard. Él es un verdadero genio de la música. A menudo me quedo maravillado simplemente escuchándolo tocar y cuento como un privilegio real para llegar a interactuar con él musicalmente. Él me desafía constantemente y aumenta mi nivel de ejecución. En cierto modo, no podría pedir un mejor compañero de entrenamiento!

Qué guitarra está utilizando en los shows?

Yo uso una “Resonator guitar Recording King”. Hohner está interesado en desarrollar una guitarra para mí en el futuro. Ya lo veremos. No uso efectos con ella y siempre se amplifica con el uso de un micrófono. Utilizo D' Adarrio de bronce , cuerdas de calibre 13 . Llevo siempre un solo instrumento para que sea fácil de transportar en los viajes.

Tenes algun patrocinador ?

No por el momento, además del acuerdo proyectado con Hohner.

Además de este dúo , ¿tenés otros proyectos?

Sí, tengo un montón de proyectos! Además de ser un guitarrista de sesión en Chicago, toco con las siguientes bandas: Psycles (mi banda en la cual,

canto, compongo y dirijo); Hood Smoke (canguelo); Outertown (popular); M13 (jazz); Leslie Hunt (solista); Ham Consejo (comedia de rock); Soleil Moon

(pop); Larry Orquesta King (eventos); Maggie Habla (eventos); Kick The Cat (jazz & fusión); Los Renegados (jazz & fusión); Desconocido Nuevo (jazz & fusión); Robbie Celestin Band (r&b); Grazyna Auguscik (jazz); Patricia Barber (jazz). Yo también soy el director musical de Willow Chicago, una iglesia con 1100 miembros, en el corazón de la ciudad.

Cuántas horas pasas tocando la guitarra?

Toco todos los días. Algunos días más que otros, pero trato de practicar siempre que puedo. A menudo tengo que aprender mucho de la música y ensayar con todas las bandas que toco también.

Chris muchas gracias por tomarte tiempo para esta entrevista! Te dejo la libertad de cerrar la entrevista con lo que desees transmitir.

Es un privilegio absoluto a tocar música y con ellos ganarse la vida! Tengo la oportunidad de viajar por el mundo y compartir este arte. Estoy muy muy bendecido por haber llegado hasta aquí y tengo la intención de seguir haciéndolo por el resto de mi vida, ya que creo que me pusieron en esta tierra para reproducir música. Y así lo haré. Gracias a Argentina por el recibimiento.

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Entrevista a Chris Siebold | 35

jOSé maría nuñEz

José María, contanos ¿qué música se escuchaba en tu casa cuando eras niño?

Tuve la suerte de que en mi casa se escuchara todo tipo de música. Jazz, clásica, folklore, ópera, bossa nova y mucha música centro americana debido a que mi papá era panameño.

Y qué escuchabas vos?

Obviamente ,si bien escuchaba de todo un poco, tenía mis preferidos, por ejemplo el Trío Matamoros (cubanos), Eduardo Falú, El Trío Los Panchos con Eydie Gormè y una profunda admiración por el que tocaba el requinto, realmente un fuera de serie. Y una vez que escuché a The Beatles se me dio vuelta la cabeza.

En su casa se escuchaba todo tipo de música. Jazz, clásica, folklore, ópera, bossa nova y música centro americana debido a que su padre era panameño y lo convitió en un artista genial. un personaje muy peculiar que comparte sus anécdotas con nosotros. Por Sergio resar

más trabajo que otras poder tocarlas, pero siempre traté de entender el concepto musical de los diferentes géneros por sobre todo lo demás.

Qué guitarristas fueron tus influencias?

Uno a lo largo de los años va siendo influenciado por muchos guitarristas. Siendo adolescente y fan de los Beatles, George Harrison era un referente, pero Clapton, Santana, Hendrix y Beck entiendo que son los principales guitarristas que han influido sobre mí y si me obligás a mencionar sólo a uno te diría Eric Clapton.

Por qué elegiste la guitarra?

Elegí la guitarra porque en mi casa siempre hubo más de una y entiendo que surgió como una especie de amor mutuo, Siempre me llamaron la atención los guitarristas (Falú, Baden Powell, Toquinho, Harrison, Clapton, Hendrix, Les Paul, etc.)

En qué año empezaste a tocar profesionalmente y con quién lo hiciste?

Si te referís a qué edad tenía cuando me pagaron por primera vez, te diría a los 18 años, más o menos, pero no siempre fue una constante en mi vida, jajajaja. Creo que mi primer trabajo profesional importante, por lo menos para mí, fue la grabación de un disco como sesionista que se llamó "Los éxitos para tu bolsillo" en los estudios Audión, cuando tenía veinte años.

Sos autodidacta, ¿te resultó complicado aprender los yeites del instrumento?

Soy autodidacta; creo que hay cosas que demandan

Tocaste con un ícono del blues local como Javier Martínez, ¿nos dirías como fue esa experiencia?

Con el gran Javier Martínez toquè durante los años

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1999 y 2000 e inclusive en uno de sus discos "Basta de Boludos" toco en dos temas: Corrientes y Nos veremos mañana. Fue una gran y maravillosa experiencia y un orgullo haber tocado con Javier Martínez, un ícono del blues. Pensá que Almendra y Manal eran mis grupos preferidos y luego llegar a tocar con alguno de ellos, fue maravilloso.

En qué año formaste la banda con Jorge Durietz (Pedro y Pablo) “Clan Amapola”?

Con Jorge Durietz toqué durante 1982 y el Clan Amapola lo conformábamos algunos de los integrantes del grupo de Jorge. Nunca me divertí tanto en un grupo y no me refiero a lo musical, como con el Clan.

Has sido guitarrista de “La Clavo’s Band” ¿cómo lo como lo conociste a Clavito Actis?

He sido guitarrista y he vuelto a ser guitarrista de la Clavo’s Band. A Clavito lo conocí través de mis hermanos Roberto y Gabriel (baterista y guitarrista) que conformaban el trío. Un día ellos me invitan a compartir una zapada y pegamos con Clavo una muy buena onda.

Tiempo después y habiéndose ido mis hermanos de la banda me convocó y desde allí guardamos una gran relación musical y de amistad.

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Qué recordás de Carlos Bisso (ex Conexión Nº5)?

De Carlos Bisso guardo un recuerdo entrañable de un gran cantante, con mucho swing. Nos pasábamos en ocasiones toda la noche tocando a dos violas blues y el tipo mataba. En ese entonces yo tocaba también con Los Durabeat y por ese motivo no siempre podía acompañarlo. Y el día previo a su fallecimiento, me llama por teléfono y me dice "mañana tengo un show y quiero tocar unos blues con vos" Lamentablemente no pude ir por tener otro compromiso musical con Los Durabeat.

A la mañana siguiente recibo en el contestador un llamado de su mujer informándome su pérdida. Es algo que aún hoy me cuesta superar.

En qué año ingresaste a “Los Durabeat”? quiénes eran sus integrantes en ese momento?

A los Durabeat ingresé en el año 2001, si mal no recuerdo. En ese entonces la banda la conformaban Mariano Leiva en el bajo, Eduardo Rogatti en guitarra y Sergio Vall en la batería. Con esta formación hicimos algunos shows y luego Eduardo se alejó del grupo e ingresó el Pollo Peralta en teclados.

Con ellos grabas un disco espectacular, con muchos músicos invitados, quienes eran?

Gracias por lo de espectacular. El disco es realmente singular por la calidad de los músicos invitados. Los invitados fueron: Luis Alberto Spinetta, Charly García, Gustavo Ceratti, Lito Nebbia, Edelmiro Molinari, Gabriel Carámbula, Claudio Cardone, Leon Gieco, Emanuel Hourvilleur, los hermanos Ruiz Díaz de Catupecu, Lucas Martí, Carlos Garófalo, Fito Pàez, El Pollo Raffo en arreglos de vientos y Osvaldo Lorenzo quien luego se sumó a la banda. Perdón si me olvido de alguno.

Qué se siente haber compartido grabación y luego escenario con el recordado Luis Alberto Spinetta?

La posibilidad de que Luis Alberto Spinetta haya colaborado con nosotros y luego haber compartido escenario también con nosotros ha sido un regalo del cielo.

Pero no voy a referirme sólo a su calidad artística, la cual todos conocemos, sino a su calidad humana. Su sencillez, calidez y humildad, sumadas a ese enorme talento, lo hacen único.

Charly era habitué en las presentaciones en vivo de “Los Durabeat” contanos un poco de esa época Respecto de Charly, lo conocimos tocando en el Roxy de Palermo. Nunca voy a olvidar lo que generó en el público cuando subió al escenario. Parecía que hubieras pateado un hormiguero de hormigas coloradas. Si alguna vez lo hiciste o fuiste testigo, entenderás a que me refiero. A partir de allí se estableció una buena relación que hizo que se presentara a tocar con nosotros en muchísimas oportunidades. Otro grande, sin dudas.

También fuiste actor en la película “Boca de fresa” contanos esa historia Con los muchachos de Durabeat tocábamos mucho el Club de la Vaca Profana. Jorge Zima, su dueño (director de cine y músico) nos convocó para una breve participación en su película Boca de Fresa a lo que accedimos con muchísimo gusto y además grabamos un tema de su autoría en el disco de la banda sonora del film. Una experiencia muy linda.

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Cuál es tu set actual?

Mi set actual en cuanto a equipos está conformado por un Fender Blues Deluxe reedición USA y un Mr. Ed Clase A de 15w fabricado por Rubén Lorenzo. En cuanto a pedales, uso un Wah Wah Jim Dunlop Jimi Hendrix Signature, Tube Screamer 30º Aniversario, MXR GTOD, BOSS SD1, BOSS TR2 (trémolo) MXR Carbon Copy (Delay analógico).

ton Blackie (1993), Fender Stratocaster Eric Clapton (Candy Green 1995), Fender Stratocaster Jeff Beck surf Green 1ra. edición (1991), Fender Stratocaster México, con micrófonos Fender Strat '69 Custom Shop, Gibson Melody Maker, Gibson ES 335 Plain Gloss Custom Shop, Gibson Les Paul STD Plus Double Cutaway, Gibson Les Paul STD Traditional, Dobro eléctrico Jay Turser, Dobro acútico Samick, Electroacústica José Asturias. A todas ellas las elegí por tener un carácter propio. Podrás advertir que por las strato tengo una debilidad. Vos sabés que mi estado de ánimo tiene mucho que ver con la guitarra que elija y a veces también el tipo de música que tenga que tocar. Todas ellas son buenísimas, si algo falla, seré yo sin duda alguna.

Sabemos que tenés un montón de guitarras, ¿nos decís cuáles y por qué las elegiste?

Es una larga lista de guitarras tales como una Gibson The SG Firebrand 1980 (mi primera guitarra de verdad, la anterior fue una KUC), Fender Stratocaster Eric Clap-

Cuáles son tus proyectos en la actualidad?

Mi proyecto es seguir haciendo música, tocar con buenos músicos y buenas personas y fundamentalmente pasarla bien y disfrutar de la posibilidad de estar siempre entre amigos haciendo lo que más me gusta.

Con quiénes estás tocando actualmente?

Actualmente estoy tocando en la Osvi Blues y en la Clavo`s Band. Con Los Durabeat tenemos un disco grabado pero de canciones de nuestra autoría que está en proceso de masterización.

Entrevista a José María Nuñez | 37

yamaha aPx500ii

Otros puntos positivos para tener en cuenta en esta guitarra? La Yamaha APX500 tiene un preamplificador integrado de gran calidad con un sintonizador incorporado a la misma. El pequeño cuerpo de la Yamaha APX500 no significa que no pueda competir con los sonidos de las guitarras acústicas más grandes. No te preocupes, este pequeño instrumento realmente comienza a tener sentido cuando está enchufado.

Hay una gran variedad de tonos disponibles con su ecualizador de tres bandas EQ y el tamaño compacto de la guitarra también hace que el intercambio entre la Yamaha APX500 y tu guitarra eléctrica no notes un gran cambio. El mástil delgado también ayuda. Así que es fácil ver por qué la Yamaha APX500 es un éxito de ventas.

La Yamaha APX500 una electro

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La yamaha APx500 es una guitarra compacta. El cuerpo pequeño de esta guitarra hace que sea una gran opción para los guitarristas eléctricos que necesitan un acústica en su arsenal, pero no quieren tener que luchar con una guitarra con mucho cuerpo y prefieren un tono más acotado y controlado. Por Sergio resar

acústica de uno de los mayores fabricantes de guitarras acústicas en el mundo. Este instrumento es la guitarra más asequible de la serie APX pero conserva un nivel de tono y la respuesta que ofrece una gran libertad expresiva y versatilidad. No es de extrañar que esta guitarra se ha convertido en la favorita de los guitarristas acústicos. Cuerpo delgado de esta guitarra Yamaha APX500 combina un confort increíble, de fácil acceso desde el primer traste hasta el último y un sonido perfectamente adecuado para su uso en el escenario con un sonido brillante, medios claros y agudos equilibrados y bajos controlados.

La APX500 es una guitarra electroacústica de una relación calidad-precio

muy buenas y es altamente recomendable para todo tipo de guitarristas que demandan una buena guitarra sin tener que arruinarse en comprarla.

Esta guitarra que nos ofrece Yamaha, está compuesta de 22 trastes y posee un diapasón de Palo de Rosa (Rosewood) y una tapa armónica de abeto rojo laminada que ofrece en relación con algunas guitarras de madera maciza un mejor tono y sonido, además de una mejor calidad por el mismo dinero. La Yamaha APX500 tiene micrófono activo y un afinador integrado en la guitarra.

Además de tener muy buen sonido, la Yamaha APX500 de estética es muy bonita y muy cómoda de tocar.

Esta guitarra la recomendaría tanto para gente que busca una guitarra para tocar cosas más avanzadas como para un principiante que busca iniciarse en el mundo de la música.

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riCkEnbaCkEr

De esta empresa pionera se fabricaron las primeras guitarras eléctricas modernas. La historia de la RIC abarca 82 años en el negocio de la música, siempre a la vanguardia de las tendencias musicales que han cambiado la cultura popular para siempre. Tocada por músicos hawaianos de la década de 1930 hasta los bajistas de jazz de la década del ‘90, de The Beatles y de Byrds, a los grupos de rock más populares del momento, el sonido y timbre de los instrumentos Rickenbacker ha ayudado a definir la música como la conocemos. Para no dormirse en los laureles, RIC sigue impulsando la transformación de la música para la guitarra eléctrica proporcionando a los músicos de hoy en día con los mejores instrumentos disponibles.

Todo comenzó en la década del ‘20 en Los Ángeles, una ciudad que rápidamente se convirtió en la capital mundial del entretenimiento. Como muchos de sus contemporáneos, el trabajador del acero George Beauchamp buscó una mejor guitarra y más fuerte. Varios inventores ya habían tratado de construir instrumentos de cuerda más fuertes mediante la adición de un megáfono como amplificación para sus instrumentos. Beauchamp vio a uno de ellos y fue a buscar a alguien para construir uno también. Su búsqueda dio lugar a John Dopyera, un re-

40 | rickenbacker history

La rickenbacker International Corporation (rIC) surgió de la primera empresa creada con el único propósito de la creación y fabricación de instrumentos musicales totalmente eléctricos y amplificadores. Fundada en 1931 por Adolph rickenbacker y George D. Beauchamp, bajo el nombre de "rickenbacker Electro instruments". Por Sergio resar

parador de violines que tenía un local muy cerca de su casa. En su primer intento Dopyera y de su hermano Rudy junto con George sumaron a una guitarra una bocina de gramófono en la parte inferior y que apuntaba hacia el público. Fue un fracaso, por lo que los Dopyera comenzaron a experimentar con un cono de aluminio como resonador conectado al puente de la guitarra y lo colocaron dentro de un cuerpo de metal. Fue este un prototipo con éxito. Beauchamp, tan contento con los resultados, sugirió la formación de una empresa de fabricación con los hermanos Dopyera, que ya habían comenzado a hacer cada vez más guitarras en su tienda. Buscando encontrar inversores, Beauchamp, tomó el prototipo y al Hoopii Trio Sol (un grupo hawaiano famoso) y fueron a una lujosa fiesta celebrada por el millonario Ted Kleinmeyer. Tan entusiasmado quedó Ted con la guitarra y las perspectivas de una nueva compañía, que le dio a Beauchamp un cheque por u$ 12.000 esa misma noche.

La producción sustancial de las guitarras de cuerpo de metal comenzó casi de inmediato. Beauchamp, en calidad de director general, contrató a algunos de los artesanos más experimentados y competentes disponibles, incluyendo a varios miembros de su propia familia y los

Dopyera. Compró equipos y monta la nueva fábrica cerca del local de herramientas de Adolph Rickenbacker (conocido por sus amigos como Rick). Este era un ingeniero de producción altamente calificado con experiencia en una amplia variedad de técnicas de fabricación. Nacido en Suiza, también era pariente del héroe de la aviación en Primera Guerra Mundial Eddie Rickenbacker. Bien equipado para la fabricación de cuerpos metálicos, Adolph poseía una de las mayores prensas de embutición profunda en la costa oeste.

Por desaveniencias entre los socios, John Dopeyra deja la empresa a fines del año 1928. John Dopyera dejó y formó la Corporación Dobro. Entonces Ted Kleinmeyer, vendió su participación mayoritaria en la empresa. En la reorganización que siguió, Beauchamp y varios empleados fueron despedidos. Ahora George necesitaba un nuevo proyecto y una nueva empresa, y rápido. Junto con otros de su época, había pensado en la posibilidad de una guitarra eléctrica durante varios años y aunque no escolarizados en la electrónica, había comenzado a experimentar en 1925 con sistemas de megafonía y micrófonos. Después de salir de la sociedad, comenzó sus experimentos caseros con seriedad y asistió a clases nocturnas en la escuela de la electrónica.

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Cuando sus primeros micrófonos empezaron a funcionar, le pidió ayuda a su vecino y a esta altura amigo, Adolph Rickembaker. Con los conocimientos y ayuda de Adolph crearon una nueva sociedad a la cual decidieron llamar “Rickembaker Electro Instruments” dado que era muy difícil pronunciar su apellido.

En 1930, las guitarras hawaianas Rickembaker se hicieron más conocidas y muy bien aceptadas por los músicos de esa época. En 1940, después de quince años de investigación y trabajo, Beauchamp se sintió frustrado y desencantado con el negocio de instrumentos, en parte debido al deterioro de su salud. Su segunda pasión, la pesca y el diseño de señuelos de pesca, capturó su atención. Él patentó uno que trató de fabricar, para reunir el capital necesario vendió sus acciones a Harold Kinney, contador de Rickenbacker. Poco después de esto, Beauchamp fue a pescar en alta mar y sufríaun ataque cardíaco fatal. Su cortejo fúnebre fue de más de dos kilómetros de largo. Un verdadero pionero de los instrumentos eléctricos, que lamentablemente no llegó a ver la guitarra eléctrica alcanzar su pleno potencial. Adolph Rickenbacker había mantenido otros intereses a lo largo de la corta historia de la empresa, nunca tuvo tanta fe en el negocio de la guitarra como sus socios . Sin embargo, continuó la fabricación de instrumentos hasta 1953, cuando vendió la empresa al FC Hall. Esa venta marcó el fin de una era y el comienzo de otra, el amanecer de guitarras Rickenbacker modernas. Durante los años 1960, Rickenbacker obtuvo un sólido respaldo cuando un par de sus modelos quedaron permanentemente asociados con el sonido y la imagen del grupo de rock más popular de la década, y probablemente el más influyente de la historia, The Beatles. En 1960, el entonces desconocido John Len-

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non compró en Hamburgo una 325 Capri, la cual fue usada desde los primeros años de The Beatles hasta en la famosa aparición de Los Beatles en el "Show de Ed Sullivan" (The Ed Sullivan Show). A partir de allí, Lennon utilizó algunas otras variaciones posteriores del modelo 325 como un nuevo ejemplar (fabricado para él especialmente) a principios de 1964, otra versión de 12 cuerdas, y una 1996 (denominación del modelo 325 cuando era exportado a Inglaterra). Por su parte, George Harrison compró una 425 en 1963, y en febrero de 1964, mientras Los Beatles estaban en New York, Rickenbacker le regaló a Harrison el segundo ejemplar del modelo 360/12 (la novedosa guitarra de 12 cuerdas). Este instrumento se transformó en una parte clave del sonido de Los Beatles en el álbum "A Hard Day's Night" a mediados de 1964 y siguió siendo usado por Harrison durante el resto de su vida. En agosto de 1965, Harrison fue nuevamente obsequiado con un modelo 360 de 12 cuerdas, este segundo ejemplar era de los entonces llamados "Nuevo Estilo" (New Style), el cual utilizó durante sus giras con el grupo hasta que fue robado de los estudios de Abbey Road en el año 1969.

Aunque no extremadamente fácil de ejecutar (las 12 cuerdas están dispuestas en un diapasón de tamaño normal) este modelo sigue siendo muy popular ya que posee una característica única, el verdadero sonido "12 string Rick sound", uno de los sonidos más distintivos en la música rock desde 1964. De mediados de los 60's a mediados de los 70's Paul McCartney, también de Los Beatles, utilizó un bajo Rickenbacker modelo 4001s (variación del modelo 4001, del que se distingue por no tener ribetes, y marcas de punto en el diapasón, en lugar de las triangulares) (mirar más abajo). Otros famosos usuarios de guitarras Rickenbacker han sido o son: Roger McGuinn de The Byrds, Pete Townshend

de The Who, John Fogerty de Creedence Clearwater Revival, Carl Wilson de los Beach Boys, Paul Kantner de Jefferson Airplane y Johnny Ramone de Ramones.

A principios de los 70's las guitarras Rickenbacker cayeron en desuso, aunque no así los bajos, los cuales formaron parte del sonido característico de la década.

De todas formas, esto no fue por mucho tiempo ya a fines de esa época y durante los años 80's, renacieron como símbolo de muchas bandas de New Wave y jangle pop. Entre los músicos que resucitaron estas guitarras fueron Paul Weller de The Jam, Johnny Marr de The Smiths y Peter Buck de R.E.M. Hoy por hoy, ya se han convertido en un clásico, e incluyen su propia serie. Los bajos "4000 series" fueron los primeros modelos de bajo lanzados por Rickenbacker. Los 4000 fueron seguidos (en 1961) por los hasta hoy populares 4001, los 4002 fueron introducidos en 1977, pero después descontinuados después de 100 o menos modelos introducidos; el 4008, un modelo de ocho cuerdas fue introducido a mediados de los 70. La más reciente versión de bajos lanzada por la compañía es la 4004 series. También se ensambló la serie 4005, la cual era una versión con cuerpo semi-sólido y estéticamente no tenia parecido a los otros bajos de la serie 4000, sino más bien a una guitarra Rickenbacker. Fue sacada de producción en los 80's. Los bajos Rickenbacker tienen un tono particular, propio de la marca. Los bajos de las series 4000 son ensamblados con una configuración neck-through para lograr una mayor prolongación de la resonancia debido a la rigidez del instrumento. Una versión más barata, 3000 series, fue construida desde mediados de los 70's hasta la mitad de los 80's. Dichos instrumentos estaban construidos con el mástil atornillado al cuerpo.

rickenbacker history | 41

vOx hiSTOry (1ra. ParTE)

El 28 de febrero de 1917, Thomas Walter Jennings nace en Hackney, Londres. Para 1942 Tom Jennings recibe el alta médica del Hospital Royal Engineers durante la Segunda Guerra Mundial y obtiene un trabajo en una fábrica de municiones, en Kent. En ese lugar conoce a Dick Denney, un músico aficionado, que también tiene un gran interés en la radio y la electrónica. Durante los ataques aéreos, Tom y Dick tocan juntos en el acordeón y la guitarra para mantener la moral en los refugios antiaéreos. En 1944, Jennings y Denney toman caminos diferentes. Tom Jennings abre un comercio de instrumentos de segunda mano, principalmente acordeones.

Al poco tiempo, se convierte en su ocupación de tiempo completo. Un año después del fin de la Segunda Guerra Mundial, Tom Jennings adquiere sus primeros locales comerciales en la calle Dartford Road, en Dartford, Kent.

El negocio comienza a importar acordeones para la venta junto a otros instrumentos musicales. En 1950 Tom Jennings forma Jennings Musical Instruments, Ltd. También abre un negocio de venta al por menor en el 100 Charing Cross Road en Londres. Los primeros anuncios se refieren a él como "El Centro del Acordeón de Londres." Ya para 1951 bajo el nombre de "Univox", Tom Jennings comercializa un pequeño amplificador portátil que se puede utilizar para todas las aplicaciones,

42 | Vox history (primera parte)

incluyendo la guitarra eléctrica. En ese mismo año, Derek Nelly se une al equipo de Jennings Instrumentos Musicales. Un año más tarde, uno de los principales trabajos de Derek es ayudar a diseñar un teclado, también llamado el Univox. A diferencia del amplificador Univox, estos son hechos en su casa. En 1954 aparece el primer producto con la marca VOX, un pedal de pié para el control de los volúmenes. Luego de dos años, con la revolución del Rock-n-Roll en marcha, Jennings lleva a cabo una pequeña línea de amplificadores de guitarra que gozan de un éxito relativo. Estos amplificadores están diseñados internamente por Derek Nelly. Mientras tanto, todavía convaleciente de una grave enfermedad, Dick Denney continúa experimentando con la amplificación para guitarra. Diseña y fabrica un prototipo de 15 watts con un parlante de 12". Para todo esto, Jennings Instrumentos Musicales se convierte Jennings Musical Industries (JMI). En 1957,Tom Jennings decide buscar fuera de la empresa un diseño de amplificador para guitarra y escucha del amplificador de Dick. Este aparece por la fábrica y Tom le gusta lo que escucha y para el final del año, Dick está trabajando en un prototipo de amplificador para JMI. La primera aparición del nombre VOX en un amplificador de guitarra es el AC2/30. A principios de año siguiente, JMI produce un amplificador de guitarra de 15

Es muy importante conocer la historia de uno de las amplificadores más relevantes de la historia de la música moderna. VOx ha dejado su sonido grabado en nuestros oídos para siempre. Por Sergio resar

watts con la marca VOX. Se llama AC1/15. El "AC" se refiere al uso de sólo corriente alterna para la alimentación eléctrica y es una idea revolucionaria en su momento. Tiene un solo parlante Audiom Goodmans.

Durante 1958, un tercer amplificador VOX se comercializa (un vestigio de los amplificadores diseñados por Dick Denney) y conoce en primer lugar por su antiguo nombre, el G1/10, a continuación, en la primavera, cambia su nombre por AC10. A fines de 1958 varios artistas están utilizando el VOX AC15. Bert Weedon, Jack Emblow y Vic Flick, utilizaron el VOX AC15, cuando grabó el tema de James Bond. En el verano de 1959 se presenta la primera versión del AC30. Idéntico en el exterior al AC15, aún tiene un único parlante de 12". La sección de potencia utiliza un par de válvulas EL34.

Con la escena Rock-n-Roll cada vez más fuerte, el grupo de Cliff Richard, The Shadows, adquiere un VOX AC15 y la gente comienza a darse cuenta de su sonido de guitarra limpio. En octubre de 1959 aparecen las primeras guitarras VOX. Estos instrumentos se denominan simplemente "VOX Solid Body". Se ofrece, ya sea con uno o dos micrófonos y son muy similares en apariencia a las guitarras construidas por Guyatone. En la primavera de 1960, con Rock-n-Roll llegando a ser más y más po-

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pular, hay una necesidad de un amplificador VOX de más potencia. Inspirado por la llegada de los Fender Twin de 60 watts desde los EE.UU., la decisión que toma Jennings es hacer su propio amplificador de parlantes individuales. La primera versión es básicamente un AC15 con el doble de poder. Esencialmente es el mismo circuito, pero con cuatro EL84s en la salida, que ha mejorado componentes, dos altavoces de 12 "Celestion y cuatro entradas. A este se le da el nombre de AC30/4.

"Tiene dos canales, uno normal y uno Vib / Trem. Al igual que con el modelo de Fender "Twin". También se presentó el AC/6 - un amplificador de práctica. A mediados de año, este se convierte en el AC/2. En julio de 1960, el grupo The Shadows alcanzan el número uno con su primer instrumental, "Apache", que cuenta con el sonido de los AC15. Los amplificadores VOX se conocen como el mejor de los amplificadores británicos. Para Noviembre de 1960 ya hay cinco modelos de guitarras VOX, The ACE, Duatone, Soloist, Clubman y Stroller. También se ofrecen dos modelos bajo, The Contour y Bassmaster. Construidos por Stuart Darkins and Co. The Shadows ya utilizan AC30 Twins. Aunque sólo lo usan durante un corto tiempo y poco visto, este modelo está asociado para siempre con ellos. No del todo satisfecho con los resultados de los parlantes Celestion G12 que se utilizan en los amplificadores VOX, el ingeniero Derek Underdown de JMI con los ingenieros de Celestion, se reúnen para llegar a una versión que se adapte mejor a las necesidades de los amplificadores VOX. En agosto sale un nuevo parlante y se le dio la designación Celestion "T.530." Originalmente pintado de un color Hammertone en el inicio, se pintan azul. Esta versión está cariñosamente conocida como el "Blue Vox". Alrededor del fin de 1960, la versión de Dick Denney del AC30 entra en producción. Mediante el uso de

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la válvula ECC83 (12AX7) en la etapa del pre-amplificador, se añade un tercer canal "Brilliant", aumentando el número de entradas a seis. Apodado como AC30/6, se comercializa junto con el AC30 / 4 durante casi un año y medio. Para octubre 1961, Tom Jennings decide que las guitarras VOX necesitan su propia forma (convengamos que se parecían mucho a las Fender) el estilo y la identidad que le dan a estas, es algo único e inédito.

Se presenta un diseño radical trapezoidal, Tom la llamó "The Phantom", que rápidamente se convierte en un icono del diseño de la guitarra de los ‘60. Estas primeras Phantoms son las primeras guitarras VOX construidas desde cero en la fábrica Jennings y cuentan con cuerpo de pino y un diseño único de trémolo. A principios de 1962, VOX introduce al mercado el órgano eléctrico “Continental”. Con su característico color anaranjado y sus teclas invertidas en los colores. Este órgano se convirtió en un clásico inmediatamente y fue utilizado por casi todos los grupos de The British Invation como The Animals, The Beatles y más tarde por The Doors en los Estado Unidos. En julio de ese año, The Beatles adquieren a crédito sus primeros amplificadores VOX, John Lennon compra un AC/15 y George Harrison adquiere un AC/30 con Top Boost. En agosto sale al mercado el primer amplificador VOX a transistores y se lo venden al bajista de The Shadows, Jet Harris. En septiembre, The Beatles entran a grabar al sello Capitol las canciones “Love me do” y “How do you do it” y utilizan los VOX que habían adquirido dos meses antes. En total, grabaron cinco canciones con ellos. A mediados de 1963, las guitarras Phantom son renovadas. Ahora llamadas Phantom Mark II, se ha rediseñado con una mejora del mástil, micrófonos y trémolo. Las Phantoms son muy exitosas, siendo utilizado por muchos artistas principales de la época como el Dave Clark Five y The

Hollies. La línea de modelos de guitarras ya llega a 17 y todas ellas ya se fabrican con estándares de calidad mucho más altos que sus predecesoras. Con la necesidad de hacer crecer su empresa, Tom, después de una intensa búsqueda de inversores, decide vender la mayoría de sus acciones a un grupo inversor. Desafortunadamente, esto no se convierte en la relación Tom tiene en mente y se ve finalmente forzado a salir de su propia compañía en 1967. Para diciembre de 1963 los amplificadores AC50 y AC100 están en producción. Algunos de los primeros en tenerlos son The Beatles, que los utilizan en el escenario de "El Show de Navidad de The Beatles". Luego serán escuchados en "The Ed Sullivan Show" y vistos y oídos en la película "A Hard Day Night". Los primeros prototipos de segundo diseño de la guitarra emblemática de VOX, The Phantom Mark III, son construidos por Mick Bennett en la fábrica Jennings y cuentan con un nuevo cuerpo en forma de púa.

Pronto se hace conocida como la "Teardrop”. Uno de los primeros prototipos, el modelo de seis cuerdas con un puente Fender Stratocaster se le da a Brian Jones de los Rolling Stones. Este la utiliza ampliamente entre 1964 y 1965 y que se identifica siempre con él. Al año siguiente, John Lennon adopta la correa de guitarra VOX Python. Basado en una idea de Reg Clark, la Python es una gran correa de cuero negro con una serie de superposición de straps de metal cromado, inspiradas cascos de la Guardia británica. También se ofrece en cuero marrón con straps de bronce. También este año, en un esfuerzo para añadir más espacio, la fabricación se trasladó a un edificio de tres pisos en la calle del oeste en las cercanías de Erith. Allí, JMI comparte edificio con Burndepts, otra empresa del Grupo Royston que le sucede a la fabricación de chasis para amplificadores VOX. (continuará)

Vox history (primera parte) | 43

jaCO PaSTOriuS

Debido a una lesión en su muñeca por practicar deportes en la escuela siendo adolescente, le impidió continuar tocando la batería. Pastorius decidió entonces cambiar los roles con el bajista de la banda en la que tocaba, llamada Las Olas Brass (1967) y aprendió el repertorio completo de la banda para su nuevo instrumento en tan sólo una semana. En 1974 comenzó a hacerse más reconocido cuando graba el disco Bright Size Life acompañando al guitarrista Pat Metheny y permanece algún tiempo como bajista del grupo Blood, Sweat & Tears. Dos años después, grababa su primer disco solista, titulado Jaco, aclamado por la crítica y por sus colegas, que lo llevó a los primeros planos de la escena jazzística internacional. Muchos consideran a este disco como de escucha imprescindible para los bajistas de todos los tiempos por la riqueza técnica y la calidad de sus composiciones. Jaco era un admirador del grupo de jazz fusión Weather Report, habiendo, en años anteriores a su debut discográfico, "acosado" al líder de dicho grupo, Joe Zawinul para que le diera el puesto de bajista en la banda, con el argumento de que él era "el mejor bajista del mundo". Pese a la explicable resistencia inicial de Zawinul, finalmente Pastorius logró que escuchara su música. Zawinul quedó muy impresionado sobre todo por el particular sonido de Pastorius, pensando en un primer momento que en la cinta que Pastorius le había dado este había tocado un contrabajo. Al poco tiempo, el bajista de Weather Report de

44 | Jaco Pastorius

Nacido en Norristown, Pennsylvania bajo el nombre de John Francis Anthony Pastorius III el 1 de diciembre de 1951, este extraordinario y asombroso bajista, pronto se mudó a Fort Lauderdale, donde se crió y desde temprana edad integró diversas bandas escolares, en las cuales se destacaba como baterista. Por Sergio resar

aquel momento, Alphonso Johnson, abandonó la banda y Zawinul le ofreció instantáneamente a Jaco Pastorius reemplazarlo.

Era 1 de Abril cuando Jaco se incorporó oficialmente a Weather Report y con posterioridad, usó su influencia en la banda para incorporar a Peter Erskine, con quien grabó el disco: "Heavy Weather". En 1982, Jaco abandonó Weather Report y dejó atrás una contribución especial al repertorio y sonido de la banda. Pastorius, formó su propio grupo: "Word of Mouth", con el que estuvo dos años grabando para Warner Bross, el álbum titulado como el nombre de su grupo. Si el éxito musical estuvo ya consolidado para siempre, también las drogas se cruzaron en su vida. Varios arrestos policiales, conducta errática y desornada, actitud desafiante y casi violenta con el resto de los músicos de su grupo, fueron una constante en su vida en estos primeros años de la década de los ochenta.

A partir de mediados de la década de los 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales y se le diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormecían, lo que le imposibilitaba componer, o peor aún, se le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el instrumento. Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de

conflictos familiares y conductas autodestructivas.

Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos, de quien se haría amigo tocando para ellos. Incluso el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tanto tiempo, le fue sustraído mientras jugaba un partido debasket en las canchas de la calle 54 en Nueva York, ya que acostumbraba dejarlo apoyado en un banco sin prestarle atención mientras jugaba. Jaco fue internado varias veces por sus trastornos maníaco depresivo, pudiendo pasar de la más absoluta depresión a un estado de euforia en cuestión de segundos.

El 11 de septiembre de 1987, Pastorius, después de salir de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista de atletismo (tampoco tenía permiso de conducir), intentó sabotear un concierto de Carlos Santana, donde tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a quien sustituyó once años atrás en Weather Report. Al ser obligado a abandonar el concierto, y en estado de embriaguez, se dirigió a un bar de la zona de donde fue expulsado, también a la fuerza, tras alborotar y sabotear otro concierto que se estaba realizando. Luc Havan, el vigilante de seguridad, al echarlo le dio una paliza que lo dejó en estado de coma, con varias fracturas faciales y daños en el ojo derecho y el brazo izquierdo. Pocos días más tarde, Pastorius sufrió un derrame cerebral que acabó con su vida.

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a FOnDO

Por Facundo López Burgos

NECESITO Tu AMOr hoy quiero analizar un poco este tema que abre “Parte de la religión (1989)”. La Introducción (A) es en realidad una variación del comienzo del tema. Algo muy importante en el color del sonido es que esta grabado con una guitarra eléctrica de 12 cuerdas (hay una acústica duplicándola por ahí atrás).

La melodía esta armonizada por el acorde de D (en los primeros 4 compases) y por la secuencia Sol – Fa – Re en los siguientes. Fijense como en el último Re luego del Fa omite la nota Fa# generando una sensación ambigua respecto de si es Mayor o menor el re. Algo característico en Garcia. En B tenemos la reexposición del tema con algunas varianciones interesantes. Rítmicamente todo esta adelantado una corchea. Por otra parte la melodía está interpretada

una octava arriba. Y por último ya no es una eléctrica de 12 quien la toca sino que aparece perdida entre varios teclados lo cual genera un timbre claramente diferenciado del comienzo.

Bueno me despido y deseo un feliz fin de año. Como siempre por cualquier consulta pueden escribirme a faculb@gmail.com.

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel 'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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Suplemento Técnico | 45

GuiTarra TanGO Por Julián Graciano

PArAFrASEO MELóDICO uno de los factores que hacen a un género es la manera de “decir” una melodía. Las músicas populares comenzaron su transmisión de manera oral entre generaciones y el tango no escapó a esa regla.

Con el tiempo los músicos se fueron academizando y pasaron del oído a la música escrita en papel pautado, pero muchas veces la escritura es a modo de guía, escrita de manera lo más plana posible, para que sea legible, y luego cada instrumentista pueda aplicarle su manera de frasear esa melodía. Lo que necesitamos es saber las diferentes técnicas a seguir para desarrollar un buen parafraseo tanguista. Tomaremos como estudio el motivo del tango “La última curda” de Aníbal Troilo.Melodía original sin fraseo. *Nota: debajo de la nota que tiene aplicada la técnica aparecerá el símbolo +

D) Patrón rítmico - Esta técnica posibilita a una fila de bandoneones o cuerdas, el ejecutar en tutti una parte melódica dando la sensación de estar fraseada espontáneamente. Es regla aplicar el mismo ritmo a dos segmentos de una frase: Segmento A y S egmento B.

A) Desplazamiento rítmico - En esta técnica no se agrega, ni saca ninguna nota, solo se prolonga la duración de algunos sonidos, mientras como equilibrio natural se acortan los valores rítmicos de otros.

F) Relleno de salto interválico - Junto con el desplazamiento rítmico es la técnica más utilizada por el tango. Simplemente consiste en rellenar los saltos de intervalos melódicos a partir de la 3era menor con un cromatismoque une a ambas notas.

B) Ataque retrasado - Tiene relación directa con el desplazamiento rítmico, solo que en esta técnica se agregan silencios que permitan jugar con el contratiempo.

Recomiendo como ejercitación, tener la partitura original del tango a parafrasear, oír un mínimo de dos versiones diferentes y luego escribir con estas técnicas en papel la nueva línea fraseada, ejecutarla varias veces tal cual la escribimos y como último paso tratar de improvisar nuevos parafraseos sobre el contorno de la línea escrita por nosotros.

Esta técnica es la forma más común de improvisación en el tango de tradición.

C) Anticipación - La anticipación es más frecuente encontrarla a partir de la década del ’60 en el tango o en composiciones de músicos como Horacio Salgán.

E) Edición y espacio - Como la palabra lo dice, editar es tomar las principales notas que dejen entender la melodía original sin necesidad de ejecutar todas sus notas. Técnicamente las notas a seleccionar sonlas notas del acorde.

Julián graciano es guitarrista, compositor, arreglador e investigador con especialización en tango y jazz. egresado de Berklee college of Music, Boston, usa, profesor de la academia nacional del Tango, director de su trio de tango contemporáneo Tango en Tres.Ha escrito el “real book del tango” homónimo al Jazz real book, y ha participado entre otros festivales en el prestigioso Jazz plaza en la Habana, cuba, invitado por el Maestro chucho Valdés.

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EL SOniDO inTEriOr

CONFIAr EN LA VOz PrOPIA

Vivimos en una época planteada hacia el afuera, el ser humano parece satisfacer su necesidad de expoPor Carlos álvarez sición diariamente. Confiemos en nuestra voz.

Toda esta exposición nos llega por medio de la computadora, la televisión o la radio como un volcán de sugerencias o parámetros que, aunque queramos, son difícilmente acallables en nuestra mente. A esto sumamos la proliferación de las escuelas de música que apuntan a un desarrollo en masa a través de recetas y atajos.

Todo individuo es un ser de su época, esto es lógico, pero hoy se nos plantea más

que nunca la cuestión de mirar para adentro, a mi modo de ver, como una necesidad si uno quiere encontrar su propia voz, su propio sonido. Definitivamente puede ser bueno para alguien en los inicios de su formación estudiar o tocar aquello que le gusta de lo que otro tocó, pero creo que aun en esa instancia, como en adelante, todo músico tiene “la obligación” de buscar su camino.

a Jaco Pastorious por lo auténtico y original de su búsqueda musical, estará mucho más cerca de aquello que admira si centra su búsqueda en sus propias necesidades sonoras. Si lo que admiro es la originalidad de sus ideas, no son en sí las ideas lo interesante como la honestidad de Jaco al tocarlas. Si copiamos sus ideas estaremos lo más lejos que se puede de aquello que nos causa admiración. Esta paradoja es posible que nos angustie en un principio, pero si transitamos nuestro camino desde

esta perspectiva, con el tiempo nuestras propias ideas cobrarán vida y consistencia y con ella crecerá nuestra propia musicalidad. Como dice Schumann en sus consejos a los jóvenes estudiantes de música: “si tu música proviene del alma y del corazón y tu mismo te conmueves, entonces ella podrá conmover a los demás.”

Como ejercicio se me ocurre primero, por ejemplo, pensar en alguien a quien admiramos y luego preguntarse qué es aquello que realmente admiro: es su destreza? es su éxito? es su particular manera de tocar?.

Claramente el camino de la formación musical jamás termina para aquellos que sentimos la necesidad de buscar, pero creo que no hay nada que esperar para comenzar a confiar en nuestro “ruido interno”. Cuanto antes suelten aquello que nos dan masticado y digerido, más se acercarán a un estado musical pleno.

Al respondernos estas incógnitas estaremos conociendo un poco más de nosotros mismos, de nuestros gustos y de nuestras motivaciones. Una vez que tengo claras las respuestas, mi consejo es que piensen que si, por ejemplo, un bajista que admira

En los números siguientes mi intensión será proponer algunas sugerencias para esta búsqueda. Si les intereso el tema que les propuse y tienen consultas pueden escribirme a calvarezlunar@hotmail.com.

carlos andrés alvarez estudió desde joven en forma particular con grandes maestros, tanto composición, contrabajo, piano como improvización. como compositor y contrabajista tiene grabados 4 discos: "otro Jardín" junto a rodrigo domínguez y Hernán Mandelman. elegido por los músicos como el mejor disco de jazz de argentina de 2011 en la entrevista anual de elintruso.com, "Lado a Lado B", "carlos Álvarez quinteto" y "Viejo cactus". como contrabajista ha grabado para: Jorge navarro (con quien toca desde el año 2003), Teodoro cromberg, nicolás chientaroli, ricardo cavalli, gustavo Bergalli, Juan cruz de urquiza, Juan pablo Hernández, richard nant, alan plachta, Ligia piro, Luis dagostino, damián Fogiel, ariadna prime, adrián Mastrocola, Javier asencio, gabriel castro y sergio petravich. Ha tocado también con: Luis salinas, daniel Maza, gilad atzmon, andrés Boiarski, oscar Feldman, darío eskenazi, phil Maturano, alex acuña, James Moody, Jon seiger, daniel guggenheim, Jarmo sabolainen, george garzone, escalandrum, La Bomba de Tiempo, Franco Luciani y la mayor parte de los músicos de la escena local .

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Suplemento Técnico | 47

GuiTarra jazz Por Juampy Juárez

TrIADAS CuArTALES Con una sonoridad moderna, tipica del jazz de los años 60, proveniente del mundo de Bela Bartok y luego usada por John Coltrane, Mcoy Tyner, Joe Diorio, wayne Shorter Jim hall, y muchos más.

En esta nueva lección vemos como empezar a utilizar las triadas cuartales(formadas por cuartas y no por terceras, es decir por ejemplo DO_FA-SI , estas no son mayores ni menores, sino ambiguas como suspendidas) en una secuencia II V I, es un recurso muy útil.

JuaMpy JuÁrez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins, paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires, Bangkok, san pablo y new york. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz. como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana, emme Vitale, el reloj, gazpacho, Irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más importante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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ESTiLOS Por Pablo Santos

DONALD DuNN Influencia ineludible para el bajo soul y que nos dejara físicamente el pasado año. Aunque su trabajo mas popular sea el de la “Blues Brothers Band“ (en la película fuma pipa y groovea tremendamente con su Fender Precision), también tocó con artistas como Elvis Presley, Tom Petty, Eric Clapton y Bob Dylan entre otros.

Afortunadamente tanto él como Jamerson nos han dejado una extensa discografía a los amantes de la música funk y soul. En el ejemplo 1 (verso y estribillo de “634-5790” de Wilson Pickett) lo mas notorio es el recurso de tocar sextas mayores en el segundo tiempo del compas y resolverlas en la 5ta. del tiempo siguiente. Este “yeite” es frecuentemente utilizado en líneas de blues y soul y consiste en tocar notas del arpegio en los tiempos fuertes del compas (1 y 3) y notas diatónicas en los débiles (2 y 4). En este tema, el intervalo de sexta mayor en el walk le da además continuidad a la melodía del estribillo. En ejemplo 2 (“She Caught the Katy” de los Blues Brothers) se repite este recurso de la sexta mayor en el 2do tiempo. La base del estribillo es una genialidad a lo

Jamerson en cuanto a cromatismos y sincopas. El ejemplo 3 es el bajo de “Soul Man” (Blues Brothers). Para que las corcheas del estribillo no suenen “rockeras” es necesario tocarlas staccato o sea a la mitad de su valor escrito. El pedal de tónicas en corcheas staccato es fundamental en este tipo de líneas y es muy utilizado en los estribillos del soul. Les recomeindo escuchar “The Blues Brothers Complete”, “The Very Best of Booker T & The MG’s” Agradeciendo las inquietudes que me hacen llegar facebook mediante les dejo un saludo. Nos vemos en el próximo número!

paBLo sanTos es bajista de JaF y director musical de soledad pastorutti, tocó en las bandas estables de david Lebón, alejandro Lerner y diego Torres. además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, gloria estefan, León gieco, Horacio guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, nito Mestre, chico novarro, olodum, pappo, Luciano pereyra, Luis salinas, sartén system, Bebu silvetti, Mercedes sosa, patricia sosa y Lito Vitale, entre otros. su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición.

Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

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Suplemento Técnico | 49

ShrED GuiTar

Por Silvio Gázquez

Malmsteen nació el 30 de junio de 1963 en Estocolmo, Suecia. Ha participado en grupos como Steeler, Alcatrazz, para luego dar inicio a una larga carrera solista que aún sigue vigente, aunque lamentablemente no posee el brillo de sus comienzos.

También fue uno de los creadores del subgénero conocido como Metal neoclásico y podríamos decir que fue uno de los grandes exponentes de la movida guitarrera conocida como `Shred´ durante la década de los 80s. Después de él, cientos de guitarristas siguieron por el mismo camino, héroes de la guitarra como Vinnie Moore, Tony McAlpine, Jason Becker, entre otros. Yngwie basa su estilo en la velocidad y, principalmente, en el uso de la escala menor armónica. Las técnicas que más emplea son la púa alternada y el sweep picking o barridos. ¡También posee un vibrato y sonido único!... Es de esos guitarristas que tocan 2 notas y ya sabemos de quien se trata.

Ej. 1. El primer ejemplo, es uno de sus clásicos licks sobre una cuerda. En este caso, para abarcar gran parte del diapasón elegí la tonalidad de F# menor. Se trata de un patrón descendente de 4 notas, el cual vamos a tocar obviamente con púa alternada.

Ej. 2. En este ejemplo veremos una progresión de arpegios que Yngwie ha usado incansablemente. Estamos hablando de arpegios en 2 cuerdas, en este caso, mayores

yNGwIE MALMSTEEN PArTE 2 Últimamente estuve escuchando algunos de los viejos discos del sueco, así que decidí hacer la segunda parte de una lección que escribí hace un par de números atrás. y menores en la tonalidad de E menor. La técnica a usar es sweep picking, por lo tanto, es muy importante respetar la dirección de la púa…

Ej. 3. Esta es una típica subida con arpegios disminuidos utilizando 3 cuerdas. Se trata del arpegio de F disminuido y sus inversiones. El acorde disminuido tiene 4 notas que están a una distancia de 1 tono y medio, al estar todas las notas a la misma distancia, vamos a obtener siempre el mismo arpegio por todo el diapasón. Por supuesto, usaremos la técnica de sweep picking o barridos, pero también es muy importante el uso de algunos ligados y notas arrastradas (slides notes).

Ej. 4. En el último ejemplo, veremos otra frase de sus frases típicas. Se trata de una línea melódica llamada nota pedal o nota pivot. Este tipo de melodía o recurso melódico, fue muy usado en el período Barroco, J.S Bach fue uno de los compositores que más la utilizaron.

Espero que les sirva el material y que lo puedan incorporar a su propio estilo. No se queden con estos ejercicios solamente, exploren y creen sus propias ideas. Cualquier consulta no duden en escribirme a mi email topogazquez@hotmail.com

sILVIo gÁzquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso guitar secrets. y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar Idol 2008, y convocado para participar del Álbum del guitar Idol 2008. en el 2009 ganó en youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar Idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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bajO jazz Por Damián Vernis

VICTOr wOOTEN Les quisiera hablar del bajo como instrumento solista, no en el sentido de improvisación sobre un tema, que es algo de lo que venimos hablando, sino que en el sentido de poder generar una música con el bajo literalmente solo. Por esa razón hablaremos de Victor wooten.

Tomaremos como ejemplo un fragmento del arreglo del bajista Victor Wooten hecho sobre el tema de los Beatles “Madera Noruega”, versión grabada en el disco “What did he say” en 1997. En la grabación Wooten usa una afinación conocida como tenor, que consiste contando desde los graves: A – D – G – C, es decir afinado una cuarta arriba, aunque en esta ocasión prefiero presentarles las transcripciones con la afinación normal de bajo de 4 cuerdas.

Como podemos apreciar (Ejemplo A), la melodía y la armonía original esta en E

mayor, aunque también en una fracción de tiempo pasa por la séptima menor (modo mixolidio). Ahora veamos la primer parte del arreglo en la cual mantiene la idea armónica de mi mayor, Pero esta vez enriquecida rítmica y melódicamente, en donde utiliza para lograr este arreglo la técnica de tapping (2 manos) (Ejemplo B). Luego (Ejemplo C), la tercera vez que repite la melodía, los bajos son cambiados, y a raíz de estos cambios se generan nuevos acordes, quedando de esta manera la melodía rearmonizada. Este es un recurso que puede ser aplicado en música en general, por ejemplo en el arreglo de una banda.

daMIÁn VernIs Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, yeye López, adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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imPrOTéCniCa

Por Gabriel Caparrós

ESCALA DISMINuIDA utilizada mucho los guitarristas de fusión como, Greg howe, Guthrie Govan, John Scofield, Pat Metheny, Brett Garsed, Alex hutchings Frank Gambale, Scott hernderson entre otros.

Esta escala esta formada alternando semitono - tono de la siguiente manera S/T,T, S/T, T, S/T, T,S/T, T. Ejemplo en D: D, Eb, F, F#, G#, A, B, C,

2) Aquí un ejemplo típico de Frank gambale, donde usaremos la escala con arpegios disminuidos con la técnica sweep picking, técnica favorita del guitarrista.

1) Este ejemplo es una subida típica de guitarristas de fusión con ligados y tapping, con un dibujo bastante fácil para poder acordarse porque siempre la forma es igual, salvo en la segunda cuerda que hay que correrlo un semitono por la afinación de la guitarra.

3) Ahora solamente veremos un patrón rítmico sobre la escalas con intervalos de terceras, que suenan muy bien en estilo fusión, y mas tocadas con swing y con esta escala.

Los dejo este material y saquen frases con estos ejemplos.

gaBrIeL caparrós Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de diego Mizrahi. es profesor de guitarra eléctrica y Flamenca en la escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la doble 2, y con ricardo alonso (“el griego”, ex baterista de pappo). actualmente da clases particulares de guitarra. e-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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b. b. kinG

riley B. king más conocido como B. B. king, nació el 16 de septiembre de 1925 en la ciudad de Itta Bena, Mississippi, EEuu. hijo de Albert y Nora, cultivadores del algodón cuyas condiciones de vida eran cercanas a la esclavitud, sus padres se separaron cuando tenía cuatro años. El pequeño se fue a vivir con su madre, que moriría cinco años más tarde. Desde ese entonces quedó a cargo de su abuela, Eleonora y a través de ella tuvo su primer contacto con la música. Por Sergio resar

B.B. King se unió al coro de la iglesia St. John Gospel, en la que su tío estaba conocía con el reverendo. A la edad de dieciséis años, tuvo en sus manos su primera guitarra a la que bautizó “Lucille” en honor a una mujer que estuvo a punto de morir en un incendio. En esta etapa de su vida, B.B. empezó a pasar música en la única radio de raza negra que había en la ciudad, su apodo fue "Beale Street Blues Boy", luego abreviado a B. B. y a su vez manejaba un tractor en la plantación.

Cobraba en esa época 22 dólares al mes y cuando finalizaba su trabajo se dirigía a cualquier esquina a tocar su guitarra, con lo que llegaba a conseguir cien dólares por noche. Decidido a dedicarse la música, viajó a la ciudad de Memphis, en el estado de Tennessee, donde llegó a formar varios grupos. En esta ciudad conoció a Sonny Boy Williamson II, con quien colaboró como discjockey en su programa de radio. Gracias a sus contactos en la emisora, en 1949 logra grabar su primer disco llamado “Miss Martha King” en honor a su esposa. No fue hasta dos años más tarde, en su octavo single, que conoció el éxito, “Three o'clock blues”. En los ‘50s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little

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Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love". En 1962, King firmó contrato con ABC-Paramount Records. En noviembre del ’64 grabó su legendario disco “Live at the Regal en el Regal Theater de Chicago, Illinois”. Primero, King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, “The Thrill Is Gone”, la cual se convirtió en un éxito en las listas de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También llegó al puesto 193 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó popularidad siendo parte del grupo soporte del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los sucesos dominantes de King continuaron durante los ¡70s con canciones como “To Know You Is to Love You” y “I Like to Live the Love”. Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la Revista Billboard 74 veces. Los ‘80s, ‘90s y 2000s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión. En 1988, alcanzó a una nueva generación de seguidores con el tema “When Love Comes To Town”, junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum. En el 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar “Riding With the King”.

En el 2003, King se mostró en el escenario con la banda de rock Phish en New Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos. B.B King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en

marcha por Eric Clapton. A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield’s Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción “Since I Met You Baby”. Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena. En julio, B.B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del mundialmente famoso Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el «Blues at Sunset» el 14 de julio. Durante su último show en Montreux en el Salón Stravinski tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendrix y George Duke. La Gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D’Coque (telonado por Todd Sharpville). Entre noviembre y diciembre, King tocó seis veces en Brasil. Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la verdadera gira de despedida. Él contestó: “Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo una película llamada «Never Say Never Again” (Nunca digas nunca jamás).

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