Guitarristas y Bajistas Magazine #36

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Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 ENTrEVISTA A LAurA rOS - Página 08 WArWICK HISTOrY - Página 12 ENTrEVISTA A LONNIE HILLYEr - Página 14 MArKBASS LITTLE MArK 250 - Página 20 IBANEz HISTOrY - Página 21 JAMES TYLEr VArIAx - Página 22 ASHDOWN ABM SErIES - Página 23 GALLIEN KruEGEr MB SErIES - Página 24 ENTrEVISTA A MArIANO OTErO - Página 26 LANEY LIONHEArT L50H - Página 32 ENTrEVISTA A CHEBA MASSOLO - Página 34 GIBSON SG - Página 35 fENDEr HISTOrY - Página 36 PEAVEY HEADLINEr - Página 38 YAMAHA PACIfICA 120 - Página 40 rITCHIE BLACKMOrE - Página 42 COrT ArTISAN A4 - Página 43 JOHN PAuL JONES - Página 44 rOLAND Gr55 - Página 54

SuPLEMENTO TÉCNICO fACuNDO LóPEz BurGOS - Página 45 SILVIO GÁzQuEz - Página 46 GABrIEL CAPArróS - Página 47 JuAMPY JuÁrEz - Página 48 PABLO SANTOS - Página 49 ALEJANDrO GIuSTI - Página 50 DAMIÁN VErNIS - Página 51 ANDrÉS GALEOTTI - Página 52

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Editor responsable - Silvia ruggero sruggero@guitarristasar.com Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com Arte | Diagramación - Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Juampy Juárez , Facundo L. Burgos Gabriel Caparrós, Rodrigo Yacciofani Silvio Gázquez, Alejandro Giusti Damián Vernis, Pablo Santos Florencia Pérez del Valle

04 | Editorial

Año 7º - Nº 34 | Noviembre 2012 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Ideográfica - Perón 935 (1038) C.A.B.A Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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ASHDOWN, UNA JOYA INGLESA QUE ESTA EN MANOS DE RATA BLANCA Desde hace más de veinte años que Rata Blanca es sin dudas una de las bandas más importante de su género en la escena y claro está, una de las que más potencia y volumen planta arriba de su escenario. Guillermo Sánchez, su prestigioso bajista esto lo sabe bien, y se decidió por renovar todo su set de amplificadores. "Es la primera vez en muchos años que cambio de marca y sinceramente estoy muy satisfecho con el audio que logre y es para mi un orgullo ser ahora artista de la marca Ashdown", nos decía Guillermo en la previa del tremendo show que dieran en el Lawn Tennis Club a fines del año pasado para más de 25mil personas. Pasado el show y ya refiriéndose a las características del equipo, el bajista de Rata Blanca destaco la amplia gama de sonido: "es un equipo donde se puede ecualizar mucho, esa variación de sonido es lo que más me atrajo; y me dio muchos resultados también en la búsqueda de cierta distorsión que te permite el drive que tiene incorporado."

EL DREAM TEAM DE CALAMARO Después de un año sabático y mediático por demás, nuestro viejo amigo El Salmón por fin vuelve al estudio de grabación y las presentaciones en vivo. La novedad es que Andrés Calamaro renovó toda su banda y se encuentra ahora rodeado de jóvenes a los que les sobra tanta experiencia como talento. Este verdadero “dream team” tiene en la batería a Sergio Verdinelli quien brillara durante mucho tiempo junto a Luis Alberto Spinetta y que viene de trabajar en el exitoso “Chances” el último disco de los Illya Kuryaky & The Valderramas. En guitarras se le suma la estridencia y contundencia de Baltasar Comotto, el guitarrista estable de Indio Solari aprovecha el por ahora párate de Los Fundamentalistas para prenderse fuego con Andrés. Otro ex Illya Kuryaky & The Valderramas termina de conformar la base, Mariano Domínguez será el bajista de esta tremenda banda.

En la pagina de Andrés Calamaro se pueden ver las fechas ya anunciadas, la primera es en mayo de 2013, en la ciudad de Villa María provincia de Córdoba.

GABRIELA MARTÍNEZ Y MARIANO DOMÍNGUEZ Nuestros amigos de la empresa Hendrix Music, sigue desarrollando su departamento Music Addiction desde donde apoyan a distintos artistas y desarrollan el crecimiento de distintas marcas en el país. En los últimos meses a los ya incorporados artistas Ashdown como Guillermo Sánchez (Rata Blanca) y Pablo Motyczak (Temple) se sumaron a esta prestigiosa marca la bajista de “Las Pelotas” Gabriela Martínez y quien será el bajista de Calamaro, el señor Mariano Domínguez. Mientras evalúan incorporar algunos artistas más, estos cuatro prestigiosos músicos son la cara de Asdown en la Argentina. Por el lado de la flamante marca ESP, la nueva última gran representación que ficharon para su porfolio de marcas nuestros amigos de Hendrix Music, quien ya está usando estas sensacionales violas es el asombroso guitarrista de Indio Solari y de Las Manos de Fillippi, Gaspar Benegas que desde hace tiempo esperaba estas guitarras y hoy ya tiene en sus manos. Para más información sobre esto y mucho más podrán hacerlo atraves de www.facebook.com/musicaddiction

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Novedades | 05

LANEY IRT-STUDIO Para mediados de año, la empresa Fama Music SA, estará trayendo unos racks completamente diferentes a lo visto hasta ahora. Presentado en la NAMM 2013, el nuevo LANEY IRT-STUDIO suena fantástico directamente a una computadora a través de USB y por supuesto este amplificador de rack de 2U también puede ser conectado a una caja de altavoces también. El IRT-STUDIO cuenta con un USB Audio I / O y un conector para PRE-AMP. El USB proporciona tanto una señal limpia y la señal procesada - split izquierda y la derecha a su DAW - ya sea directamente en tu PC / MAC o iPAD, lo que significa que podrás alterar el tono de la guitarra de la grabación original. Con el mismo sonido de los grandes cabezales Ironheart, pero en un rack. Posee entradas 1 x Jack 15W y 1 x Jack 1W - Potencia 15W y 1W - 3 canales (Limpio, Rhythm & Lead) - Ecualización de graves, medios y agudos con Pull-Push para cambio de EQ - Presencia de control maestro general de Tono - Interruptor de impulso PRE conmutables por pedal - Válvulas de preamp 4 x ECC83 - Las válvulas de salida 2 x EL84 Clase Clase AB - Reverb reverb digital - Footswitch FS4-IRT - Selector de canal, Boost Clean, Reverb y PRE Bost - Conexión para caja 1x Jack conmutable 8 o 16 ohms - FX Loops - Nivel variable de FX loop - Atenuación de salida VARI WATTS - Grabación Interna carga artificial de Silent sin necesidad de conectar un altavoz externo - Altavoz emulado Record salida directa a partir de los tubos de amplificación de potencia - MP3 Entrada Mini Jack - Socket DI XLR DI - Gabinete emulado - Conectividad USB USB Audio I / O para usar con cualquier DAW - PRE-AMP activada ESTUDIO IRT envía Guitar DRY (izquierda) y el derecho guitarra AMPED y está equipado con una función RE-AMP para su uso con cualquier DAW.

PEAVEY HEADLINER Someco Electronics nos presenta este nuevo cabezal para montar en un Rack. De 600 watts de potencia, este amplificador posee un ecualizador de siete bandas. Un built-in,conmutables por pedal, compresor óptico con control de nivel y bypass permite a los que tocan, añadir la cantidad correcta de compresión a la mezcla, mientras que la función Crunch conmutable por un pedal, añade un efecto de válvulas que distorsiona sólo las frecuencias altas.

JAMES TYLER VARIAX Nuestros amigos de la empresa Tevelam SRL tienen el placer de comunicarnos que ya están disponibles las guitarras de Line 6, James Tyler Variax. Este instrumento es producto de la asociación del famoso Luthier James Tyler y Line 6 que ha estado a la vanguardia de los sonidos digitales desde hace años. Con esta asombrosa guitarra tendrás la posibilidad de elegir entre 29 sonidos diferentes, incluidos instrumentos como un banjo, sitar o guitarras acústicas de seis y doce cuerdas además de once afinaciones diferentes. No hay que perder la oportunidad de ir a la tienda más cercana a probar este producto y ver todas las posibilidades que tiene para ofrecernos y como podemos aplicarlas a nuestra música.

06 | Novedades

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laura ros

Nació en Buenos Aires en Octubre de 1979. Creció en el seno de una familia de músicos; su abuelo, el pianista de jazz Ken Hamilton, y su padre, el compositor y acordeonista, Antonio Tarragó ros, empezaron a nutrir su música. Se despertó la compositora y empezó el camino que hoy está recorriendo como cantautora. Por florencia Pérez del Valle

Lau, contanos algo sobre tus inicios.

Bueno, como buena niña de familia de músicos empecé básicamente desde que nací porque nunca se me ocurrió hacer otra cosa más que música. Lo que es cierto es que en un momento cuando tenía veintipico de años me metí a grabar un disco y eso para mi fue un hito. Lo sentí como un momento en donde uno decide darle una forma determinada, empaquetar lo que estaba haciendo y además tuve que seleccionar de todo lo que había hecho, que era lo que quería poner porque me gustaba cantar de todo! Entonces lo que hice fue reunir de mis canciones, aquellas que podían tener un hilo conductor entre ellas.

Así que se puede decir que es un inicio desde el punto de vista “profesional”.

Cuando tenés que tocar…que genero preferís?

Es imposible!!!! Es más, fue todo una especie de decisión para mi, no tener que decidir. Porque además todo esta entrelazado para mi en las canciones…

Además me gusta sentir la libertad de que si tengo ganas de cantar una samba o un tango en un show lo puedo hacer.

Y para escuchar?

Todo. Depende del ánimo, hay días que estoy mas para adentro y necesito escuchar un Maria Betania, un ¿Gieco?. Otros días estoy más para afuera y necesito escuchar un Faith no More y otros en los que busco inspiración y escucho autores que me interesan en ese momento y asi empapar de eso.

Tu papa te influyo, como sentís vos que lo hizo?

Con respecto a mi papá, el es muy crítico pero nunca lo dejé que se metiera en mis cosas. Es más, de adolescente era peor, yo era súper rebelde y no quería que me diga nada!. Ahora que lo dejo me ayuda mucho con las letras por ejemplo. Le muestro una letra y me dice; “che fíjate, por ahí esta palabra ya la repetiste…” me ayuda desde ese lugar… Después me influyó como un padre influye a un hijo…en algunos grupos familiares el hijo aprende el oficio del padre, eso es lo que a mi me ha pasado en definitiva “aprendí el oficio de la música”. En cuanto a influencia, como te dije antes vengo de una familia de músicos, mi abuelo materno era un pianista muy reconocido en su tiempo así que ya desde chiquita teníamos veladas familiares musicales.

08 | Entrevista a Laura ros

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Cuando compones, tenés algún ritual?

Yo trato de generar momentos, pero lo cierto es que viene cuando quiere!. Incluso tengo periodos en los que no me sale nada y me bajoneo. Justamente hablando de eso, una vez en un almuerzo en Cosquín, me toco sentarme con Teresa Parodi, por supuesto que la conozco desde chiquita por un tema familiar, y yo le decía a ella que la consideraba una de las letristas mas grosas que dio este país y le comentaba esto que me pasaba y me dijo: “ nono, no lo tenés que pensar así….vos cuando no estás componiendo, estas procesando..” y eso me dio una tranquilidad tanto que me surgió efecto! Al poco tiempo ya estaba componiendo otra vez!

Que instrumentos tocás aparte de la guitarra?

Toco el bombo bastante, estoy tocando el bajo en una banda que se llama ¿TIETO?. Hubo una época en la que estábamos con unos amigos en una casa y uno de ellos se había comprado un charango, se lo saqué, empecé a tocar y al otro día me fui a comprar uno porque necesitaba seguir tocando!!! Me llama mucho la atención los instrumentos.

Aparte de tu papá, algún maestro? Que otras influencias tenes?

10 | Entrevista a Laura ros

Nunca tuve una educación formal con respecto a la música, es más bien informal. Todos mis amigos, familia y círculo social son músicos. Tuve y tengo muchísimas influencias y aprendo mucho interactuando.

Creo que el aprendizaje nace de la curiosidad.

Contanos si te acordas como fue la primera vez que subiste a un escenario?

La verdad que no, pero si me acuerdo de una vez que subí a los 13 años en el Luna Park, con mi viejo, estaba presentando un trabajo, para tirarme mi primer entrenamiento me puso a hacer unos coros. Recuerdo que pase muchos nervios y me agarro mucha ansiedad. Después si con mis bandas o en la adolescencia.

Proyectos actuales?

Mira, ahora estoy con María Bolonté, produciéndole el disco. Gracias a Dios es una artista que cree profundamente en mi y tiene la confianza de que le voy a dar a el disco, que a ella y a nosotros nos gustaría, que lo querríamos como hijo. Además, ella es una artista de una calidad increíble, debería de estar en el Luna Park!. También hago algunas producciones de voces para otras personas y doy clases que eso está buenísimo, mis alumnos me centran y organizan.

A futuro?

En realidad lo que tengo ganas de poder lograr este año, es llevar el trío con el que estoy tocando…por todo el país. La verdad que es super difícil por los costos, pero hay muchísimas ganas de poder hacerlo, así que ojalá podamos llevarles el disco nuevo a la gente.

Como te ves de acá a 10, 20 años…?

Me gustaría verme en el futuro. Me gustaría tener la tranquilidad de que tengo un disco nuevo para sacar y que tengo un lugar para presentarlo tranquila, por ejemplo como lo es La Trastienda, me gustaría verme en esa situación, de tener un marco que me permita poder relajarme un poco con el tema de poder sacar el disco y tener un lugar. Igual tengo la tranquilidad de que hoy en día estoy haciendo todo, paso a paso y disfrutando de todo. Se que estoy en el lugar en el que tengo que estar con la preparación que tengo y mañana tal vez en otra instancia, por ahí este preparada para otra cosa. La verdad es que no me puedo quejar, hoy en día la situación que hay respecto a los músicos no es muy buena, no se cual es la situación de todos, pero en mi caso por suerte yo puedo vivir de la música que es lo que mas me gusta y lo que amo hacer. Estoy muy contenta y agradecida.

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WarWICK HIsTorY

Los bajos Warwick eran originalmente una marca de primera calidad que ofrecía una pequeña gama de modelos, construidos a partir de maderas acústicas de alta calidad y exóticos con diseño Neck-through (mástil a través del cuerpo). La compañía también produce amplificadores de válvulas y FET, gabinetes acústicos, cuerdas de guitarra, y es propietaria de la marca de guitarras Framus. Además posee dos líneas de bajos eléctricos de costos más reducido, la Pro Series manufacturada en Corea del Sur, y la marca (también de más bajo costo) RockBass fabricados en China. La compañía fue fundada en el año 1982 por Hans Peter Wilfer en la localidad de Pretzfeld, cerca de

12 | Warwick History

Warwick es una compañía alemana especializada en la fabricación de bajos eléctricos. Esta Importante compañía fue fundada en 1982 por Hans-Peter Wilfer. Por Sergio resar

Nuremberg. Wilfer había empezado a trabajar en el ramo con 17 años de edad, puesto que su padre era el propietario de Framus, una de las fábricas clave en la elaboración de guitarras en Europa desde mediados de los ‘60, entre cuyos clientes más ilustres se encontraba Bill Wyman, bajista de Rolling Stones. Cuando Wilfer se decidió a establecer su propia firma no tenía del todo claro si iba a dedicarse a fabricar guitarras o bajos, pero cuando en la feria de Fránkfort del Meno vendió 25 ejemplares de su Nobby Meidel Bass (una copia del modelo L1 de Steinberger) y ni una sola de sus guitarras, descubriría que el bajo eléctrico ofrecía un mercado más masivo. En 1984 Warwick presentó su modelo Streamer y un año más tarde su Thumb Bass, que definían ya con claridad el estilo de la marca. Construídos con maderas exóticas, de mástil laminado a través del cuerpo (Neck-through), micrófonos activos y de cuerpo pequeño y curvado imitando, como el propio Hans-Peter admite, el diseño del NS de Spector. El uso de maderas exóticas terminadas generalmente a la cera, daba a los instrumentos de la empresa un tacto muy especial, muy original para la época y un tanto retro, pues entonces eran comunes los acabados plásticos y el uso de materiales sintéticos. Warwick juega un papel importante en Europa y es una de las compañías europeas mejor consideradas en el mercado estadounidense. Debe este prestigio, además de a la calidad de sus instrumentos, a su temprana asociación con "endorsers" de renombre, como Stuart Zender, Jack Bruce o John Entwistle, con quien la compañía desarrolló su modelo "Buzzard". Hoy, además de sus talleres en Europa, Warwick mantiene una línea económica de instrumentos fabricados en China, la línea "Rockbass by Warwick", pero Wilfer planea restituir la totalidad de la producción a tierras alemanas en pocos años. Algunos de los endorser más famosos de Warwick son: Stuart Zender (Jamiroquai, Mark Ronson), Jonas Hellborg (John McLaughlin), Ryan Martinie (Mudvayne),

Prince, Ricky Kinchen (Mint Condition), Jeroen Paul Thesseling, (Pestilence), Troy Sanders (Mastodon), Jack Bruce (Cream), Dick Lövgren (Meshuggah), Kyle Sokol (Trust For Liars, Rude Squad), Mike Inez (Alice in Chains), Robert Trujillo (Metallica), James LoMenzo (Black Label Society), Bootsy Collins, Traa Daniels (P.O.D.), T.M. Stevens (The Headhunters), P-Nut (311), Sam Rivers (Limp Bizkit), Martin Eric Ain (Celtic Frost), John Norwood Fisher (Fishbone), Marco Hietala (Tarot, Nightwish), John Entwistle (The Who), Adam Clayton (U2), Alex Katunich (Incubus), Randy Coven (Steve Vai, Yngwie Malmsteen), Mark S. Walsh (The New Creatures).

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lonnIe HIllYer

Contanos un poco de tu infancia, tu padre también llamado Lonnie Hillyer, fué trompetista de Charles Mingus, Charles Mcpherson & Barry Harris debe haber influido en vos.

Bueno, mi padre era un purista del bebop y me acuerdo de él cuando yo unos 8 o 9, Charles Mcpherson otro viejo amigo suyo, Ira Jackson ( saxo tenor), escuchando grabaciones de Charlie Parker en el apartamento de Ira y riendo tanto por las cosas increíbles Bird y Dizzy estaban tocando y he oído tanto de él y verlo actuar muchas veces con Mingus, Harris y Mcpherson, lo que influyó en mi oreja hasta donde yo sé lo que es la "pura mierda" lo que es la “mierda no es tan pura", en términos de solos de jazz, a pesar de que Coltrane, Dolphy, Ornette y otros como ellos hicieron un cambio que para muchas personas, durante y después del viaje espiritual de Coltrane. Con esa música crecí en el mundo del jazz oscuro, en el apartamento de John Coltrane en el 203 West 103rd Street Apartment #2b que estaba casado con mi tía Juanita "Naima" Grubbs, le dieron a mi madre ese apartamento y esa fue mi única verdadera casa hasta hace 5 años. Ella era la naima para quien fue compuesta esa canción jazz, me recuerda a mi infancia. Es como un idioma que he oído y sé, pero en realidad no hablan con fluidez, había tanta música genial en las calles, yo era un chico normal de nueva york pero escapando de

14| Entrevista a Lonnie Hillyer

El padre de Lonnie Hillyer era trompetista del gran Charles Mingus, Charles Mcpherson & Barry Harris lo que genero en Lonnie una musicalidad inigualable. Criado entre tantos músico talentosos rodeado de anecdotas y secretos de primera mano que hoy comparte con todos nosotros. Por Sergio resar

esa vida dura. Fue un momento muy intenso para mí, así que en cierto modo, me estaba rebelando con la otra música de la época, por lo que nunca me convertí en un músico de jazz, pero es tan profundo en mí, sino de otra manera, supongo, pero al mismo tiempo hubo algunas jam sessions en el dormitorio de un apartamento, la sala de estar era mi habitación, así que me quedé dormido con eso y cuando eso no estaba sucediendo, nuestra sala de estar era en la segunda planta justo sobre el restaurante puerto rico frente a Amsterdam Avenue con la máquina de discos de salsa tocando todo el tiempo. Ensayé con mi banda de rock allí, también. Gran acústica.

Como te iniciaste en el bajo?

Bueno, había algunos muchachos que tocaban un cruzando la calle y había un muy joven banda de covers de R&B que se llamaban "The Dudes Pequeños", de edades entre 13 y 17 años. Todos eran increíbles! El bajista era James Jamerson, el baterista era increíble como un Perdie Bernard, Bolden y un guitarrista que tocaba en la iglesia de su padre! Su padre era el pastor. La madre del guitarrista solía verme después de la escuela antes de que mi madre volviera a casa del trabajo y una noche que estaba en su apartamento y Bolden me enseñó a tocar las notas bajas con su guitarra a la canción pop años 70

llamado "Louie, Louie, Louie "que estaba sonando en la radio en su sala de estar esa noche. También, de verlos ensayar, me fui interesando más en tocar el bajo, pero tenía muchas ganas de tocar la batería, para ser honesto. Mis padres me compraron un bajo de 60 dólares de la casa de empeño en la esquina de nuestro apartamento, pero que tuve que empeñar a menudo porque el dinero siempre fue un problema.

Entonces mi padre compró el bajo Fender Precision cuando era un poco mayor. Fue un tiempo oscuro con algunos momentos realmente brillantes. Vi y oí a mi padre tocar algunas cosas asombrosas y con algunas figuras históricas del jazz, de la música, pero había un montón de cosas y distracciones en marcha, así que realmente, yo siempre estaba en modo de supervivencia para la mayoría de mi joven vida. Creo que el rock me ayudó a divertirme y dejarme llevar en esos días cuando tenía 13 años, y después.

Con quiénes estudiaste?

Yo nunca estudié formalmente con nadie, ni siquiera con mi padre en verdad, aunque me hizo sentar en una noche en que él estaba haciendo un concierto con el pianista Hilton Ruiz y toqué en la sala de estar algunas veces. Había tanto funk, R&B, un montón de salsa y merengue tocado en mi barrio, el jazz en todas partes, así que quizás fui desarrollado mi feel más que

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cualquier otra cosa. Me tomó una lección Tom Barney bajista de Miles Davis cuando yo era mayor, estaba muy bien conmigo. Esa lección me abrió mucho y no me cobraron nada. Pero me acuerdo estar tocando con toda esa gente.

Qué estilo empezaste a tocar?

Como he mencionado antes, no había mucha música negra cuando yo era pequeño, así que tendría que decir Motown, James Brown, Sly & The Family Stone, Earth Wind & Fire. Me influyó hasta que tenía 15, mi padre me enseñó a tocar un jazz caminando línea de bajo blues, y cuando tenía unos 15 años empecé a tocar mucho rock, escuchando Led Zeppelin, los Allman Brothers,Santana, Rush Mahagony, Journey, el primer álbum de Van Halen, incluso Patti Smith. Pero cuando tenía 13 años de edad y al comenzar la escuela secundaria, me encontré con Mackie, un chico que tocaba la batería que usamos en su habitación, también con este chico que tocaba la guitarra llamado Michael Louis, que estaba influido por el álbum de Jeff Beck "Blow by blow", así que realmente, yo estaba tratando de tocar rock a una edad mucho más temprana que ellos, pero todavía estaba pensando en "negro", musicalmente, todavía lo hago, pero en un ambiente de rock. Mi nuevo grupo favorito durante esos días fue Slave y tuvieron un éxito musical llamado "Slide" y el bajista fue nombrado "Mr. Mark" (Mark Adams), para mí, el sonido Marcus Miller me recuerda a Mark Adams y tenían muchos solos de guitarra. Yo realmente empecé a tocar todo eso, Allman Brothers, cosas de Santana hasta que tuve 15,16, 17. Mackie estaba en la banda Cro-mags. También toqué en una banda llamada "Heritage" con el baterista Will Calhoun de Living Colour cuando tenía 16 o 17 años y grabó un single en Zoo York llamado "Feel it" que se puede encontrar que en youtube.

Con quiénes tocabas en esa época?

Bueno, la mitad eran de puerto rico, el que tocaba la guitarra, Fernando Bonilla, estaba muy metido en toda esa música de la época y el blues. Fernando era unos 6 o 7 años mayor que yo, estaban Duane Allman, Ronnie Montrose, Frank Marino, Robin Trower, y siempre tenían gran engranaje y un equipo de música con un sonido excepcional y tocaba los grandes blues y otro amigo muy talentoso Jesús Pérez, en congas, Hammond M3 y voz; y el baterista era también puertorriqueño, Mike Melendez, todos eran mayores que yo .

Tres puertorriqueños y un negro que tocaba hard rock en el apartamento de Fernando detrás de Lincoln Center! Jajaja!! Sólo en New York! Una vez que el ascensor dejó de funcionar y tuvimos que llevar ese órgano Hammond en 2 tramos, que era una locura! En ese momento, todo el mundo estaba interfiriendo en los apartamentos, las salas de ensayo eran mucho más baratas. Bandas en New York como Blondie y los Ramones y artistas como Patti Smith eran cada vez más popular y la escena se fue expandiendo. Lou Reed siempre ha estado ahí. Toqué con su guitarrista Dick Wagner "Rock and roll animal live" muchas veces.

"Sweet Jane"! Jaja! Además, estaba empezando a tocar en el East Village y en el East Side en New York, en muchos de esos clubes de rock y baile como Danceteria, Mudd Club, Ciudad de Max Kansa, CBGB, cuando tenía alrededor de 17, 18, 19, entre un montón de bandas y más tarde he trabajado bastante con mi buen amigo anur atma baterista, un increíble rock-fusión, ayudando a formar Maggie's Dream, trabajé con Gordon Gano (de Violent Femmes), Love Spit Love (con Richard Butler de los Psychedelic Furs), grabado

16 | Entrevista a Lonnie Hillyer

con el guitarrista de rock Stevie Salas y el cantante Bernard Fowler con su banda Bolsa de Níquel en "12 hits y bump ", he grabado junto a Billy Joel (que era una sensación completamente diferente pero frío).

Fuiste miembro fundador de Maggie’s Dream (banda de rock-funk que grabó un disco para Capitols Records) cuyo cantante era Robi Draco Rosa, cómo era tu relación con él?

Antes de que estuviéramos pensando en Robi Rosa, todos sabíamos lo que queríamos de un vocalista.

Mucho antes de que Rob, éramos amigos de Lenny Kravitz, firmó y cantó en los demos de dos canciones que sabíamos que íbamos a estar en nuestro álbum, "Love and tears" y " It's a sin", y cantó Lenny realmente muy bien. Después que Lenny decidió que irse solo, me encontré con un gran cantante y compositor llamado Jeffery Gains y también grabó un par de demos y estaba en la banda, pero luego

él también se fue para su proyecto solista y fue en algo un poco diferente, pero él es un súper talento y es muy conocido en la escena musical, él es un buen amigo mío. Robi me fue sugerido por una amiga mía, Lisa Janzen, que trabajaba para George Michael en Kahanne Lippman y Prince antes de eso.

Lo conocía bien y que realmente tenía que pensar en ello por su pasado en Menudo, por lo que volé a Los Angeles para reunirme con él y después decidí contar con él en la banda. Robi no estaba tan familiarizado con el tipo de música como Raf, Danny, Tony y yo que crecimos escuchándola. Así que le dimos un montón de música a Robi, como Al Green, Sly Stone y otras formas de funk y soul para escuchar lo que él vea si realmente podía entrar en la onda de lo que estábamos tratando de hacer. Por lo que Maggie’s Dream, Robi y yo éramos probablemente lo más cercano en términos de química pura, pero cuando se fue, solo quedamos como amigos

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pero, naturalmente, la dinámica cambia y el cambió la relación también. El dinero y el éxito siempre parece cambiar la dinámica.

Después fuiste su bajista en su proyecto solista.

Draco me llamó varias veces desde Los Angeles para grabar “Vagabundo”, pero luego terminó usando algunas otras personas. Más tarde, luego me volvió a llamar y le dije sobre el baterista Frank Ferrer (que ahora toca para Guns and Roses) y él estaba en la banda con el guitarrista de rock Ched Tolliver y le hizo entrar. Recorrimos algunas partes de México, nos presentamos en Puerto Rico con el guitarrista de Paul McCartney, Anderson Rust, y también en Bogotá, Colombia, no en ese orden pero durante ese período.

He tocado con Frank con Love Love Spit, también adicionó para Maggie’s Dream, pero la banda se separó después de Robi firmó con CBS Records. Otros dos amigos cercanos audicionaron como bateristas para Maggie’s Dream, Sterling Campbell y Alford Zachary.

Todos hemos crecido en la misma zona en la ciudad de New York en el Upper West Sside. Zachary grabó y participó en giras a Brasil con nosotros junto a Faith no more, luego lo llamaron para una gira con Bruce Springsteen. Zachary y Sterling también grabaron y realizaron giras con David Bowie y creo que ambos están en su nuevo disco.

También sabemos que grabaste con Billy Joel, en ese momento tenías partituras o él dejaba que vos crearas en la grabación?

Billy casi me dejó tocar lo que yo quería, me refiero a la música, lo que él presentó fue tan evidente y utilicé el sentido común, también se filmó parte de la sesión, en la que estábamos aprendiendo "In the middle of the night" y " Blond over blue " Cómo fue que llegaste a grabar música de películas?

Bertha Bay-sa Pan, el director de la película "Face" (protagonizada por Bai Ling) me pidió que le ofrezca otra versión de la canción que fue utilizada para una escena en la película, que era sólo un demo de 4 pistas. No fue planeado, pero al supervisor musical le gustó tanto que me pidió que creara una grabación mejor. Fue para una escena en la película en cámara lenta y escuchado un poco de esa canción, incluyendo la introducción. Yo también compuse música para otra película que dirigió, "Bates". Y firmé, grabé y edité toda la música para una película llamada "The miseducation of Brett Portaro", que no ha sido estrenada todavía.

Eso era una locura, pero la música es muy cool.

Contanos como fue la experiencia de audicionar con The Rolling Stones?

Bueno, fue un poco surrealista, yo tenía fiebre ese día y era un día muy caluroso también. Todo el mundo era muy agradable, Keith y Ron son tipos muy grandiosos y el tempo de Charlie era increíble, y Mick fue el más cerrado, pero agradable. Un tiempo después, mientras yo estaba tocando con Bernard Fowler y Stevie Salas en Los Angeles me llevó a ver un poco a Keith y Ron durante ese tiempo, a pasar el rato en el estudio y fuimos a un show en vivo, es gracioso, en el momento de tocar con Keith y Ron se disculpaban conmigo sobre la audición y yo los miraba como ", ¿por qué me piden disculpas a mí?" quiero decir, yo sabía que era lo correcto para ese momento, pero ya se habían decidido por Darryl Jones. Todo estaba bien, pasé un rato con los Stones, más que la mayoría de personas que conozco. Fue surrealista.

18 | Entrevista a Lonnie Hillyer

Cómo llegaste a la argentina?

Cuando vi a Andrea Alvarez por primera vez en New York, por mi barrio, ella tenía el pelo rosa y la mitad de la cabeza rapada, sería más o menos 1985.

Luego de 14 años nos volvimos a conectar y luego de nueve meses de hablar por My Space, Facebook y Skype, pensamos que era buena idea que yo viajara a la Argentina. Estamos juntos y encaramos un proyecto musical muy bueno. Necesitaba ese cambio en mi vida. Ya había escuchado el disco “Doble A” por My Space y quedé muy impresionado cuando vi el video de “Dormís?”

Grabaste videos junto a tu pareja, la famosa y talentosa percusionista Andrea Alvarez, contanos un poco acerca de ellos Si Doble A en vivo en el estudio con Richard Coleman y Mariano Martínez de Attaque77 como invitados en ese video. Ese material salio genial y era solamente la tercera vez que yo tocaba con Andrea en vivo. Y el otro video se llama" Lonnie Hillers grooves" donde tocamos un par de lineas de funk mias ademas de algunas cosas de Maggie’s Dreams y un par de ideas para bases de rock . Doble A tiene un groove que es una genial idea de Andrea y tratamos de mostrar como tocar mejor tocando menos. Creo que es una gran forma de aprender a groovear y tenerlo en el bolsillo. Es para chequearlo y ver que cosas podes tomar. Quisiera agregar que Andrea Alvarez no es solamente una percusionista famosa, es una gran baterista de rock y una gran cantante y una de las mejores artistas que tiene la Argentina. Dormis y Doble A son dos de los mejores discos que escuche de artistas argentinos desde que llegue aca y una canción muy vieja que creo que se llama carnavalito.con grandes armonías vocales y ella toca la percusión. Para mi sus

dos discos son altamente superiores a la mayoría de las bandas que se escuchan acá y no entiendo por que la gente no lo llega a comprender. Es tan solo mi humilde opinión.

Cuál es tu set actual para tocar en vivo?

Yo uso un bajo de 4 cuerdas del 1990/91 de PensaSuhr Jazz Bass que compré de Rudy’s Music en New York en 1991, y utilizo un Ampeg SVT III con un gabinete SVT de 8x10. En mi pedalera actualmente estoy usando el Soundblox Bef Pro, Electro Harmonix Pog 2, estaba usando un Micro Synthesizer, Black Cat Bass Octave Fuzz, Boss FW3 Footwah, Dunlop Crybaby GCB95 Wah, modificado por Cluster, el Heaven and Hell pedal construido por Andrés Galeotti de pedales Cluster en Buenos Aires (uno de mis favoritos), y "mi nueva novia favorita pedal" la Tesla Fuzz Ocsilador construido por Lee de Forest en Buenos Aires, Korg Pitch Black Tuner y DC Brick a todo para poder usar 9 voltios. Sumar, restar, y utilizar diferentes combinaciones, pero esto es lo que he estado usando más o menos. Siempre estoy en la búsqueda de la mejor combinación de sonidos analógicos y realmente disfruto pensando cuándo y dónde colocar los sonidos en una canción si la canción que necesita.

Por qué elegiste ese set?

Me gusta tener la opción de ser espontáneo.

Cuales son tus proyectos para el futuro?

Mis planes son grabar nuevo álbum de Andrea, enseñar, a partir de un proyecto paralelo tocar algunos electric funk-danza-jazz tipo de cosas con un trío y para mantenerse ocupado creando y tal vez grabar con algunas personas en USA. Dentro de poco.

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marK bass

Desde el principio, De Virgiliis, que estudió ingeniería electrónica y trabajó en el campo de las telecomunicaciones, desarrollaba sus diseños de amplificación para bajos. Durante un ensayo con amigos, hace muchos años atrás, un bajista quedó impresionado por el sonido de un amplificador que De Virgiliis que había construido y le preguntó si lo podía comprar. Luego, otro amigo le preguntó por uno, y otro y otro. Las raíces de Markbass fueron plantadas, aunque todavía no con ese nombre.

En los años 90, De Virgiliis lanzó una marca llamada Parsek. Después de refinar los diseños por varios años, luego entró en una alianza con Ernie Ball y creó una cabezal de 500 watts con cajas 2x10” y 2x12”, bajo el nombre de Audiophile. Los amplificadores fueron bien recibidos por la comunidad bajística pero la marca no duró mucho y Ernie Ball vendió los amplificadores restantes a precios muy baratos. Fue también durante este período que De Virgiliis, que fue pionero en el uso de parlantes de neodimio para cajas de bajos, a través de una alianza con la italiana B & C Speakers. Los parlantes con imán de Neodimio, ahora se usan en casi todos los productos del fabricante. A pesar de que inicialmente tuvo algunos errores que resolver, son ahora ampliamente

20 | MarkBass Little Mark 250

Esta empresa italiana es conocida por sus amplificadores de bajo de poco peso y cajas, todos con distintivos detalles en amarillo. Su fundador, Marco De Virgiliis, sorprendentemente se identifica musicalmente como saxofonista, aunque él le gusta tocar de vez en cuando bajo eléctrico. Por Sergio resar

aceptados y las espaldas de los bajistas están ciertamente agradecidas. Después de un par de años, De Virgiliis lanzó MarkBass en 2001. Ahora celebra su 12º aniversario, la marca MarkBass es conocida por su serie de amplificadores Mark Little, de 500 watts(a 4 Ω) y el Little Mark III. Pero MarkBass ofrece una variedad de otros amplificadores de bajos y cajas. Recientemente, la compañía, introdujo una línea de pedales de efectos y una serie de amplificadores para guitarra. Lo productos MarkBass son mundialmente conocidos conocidos por su claridad y fidelidad a la hora de reproducción de sonido, por mantener el sonido natural del instrumento.

Dicho esto, nunca suena estéril. Las personas a menudo usan palabras como hot, con garra, claro, y todo esto se logra con un MarkBass. También dicen que los amplificadores Markbass les permiten sonar como ellos.

de época) y VPF (Variable Pre-forma del filtro), así como los dos controles de ganancia y volumen maestro. El panel frontal acepta tanto un bajo de circuito pasivo o activo con una entrada de 1/4", así como una entrada XLR balanceada para sistemas acústicos para bajo pickup o un micrófono. En el panel trasero encontrará un combo Neutrik Speakon, jack de salida que acepta tanto Speakon o 1/4"para la conexión por cable al gabinete, así como un segundo jack de1/4" de salida para caja. También encontrará una salida XLR balanceada, sintonizador desequilibrado hacia fuera para que pueda sintonizar a medida que tocás, sin pasar la señal a través de los pedales y enviar un y el loop de retorno de efectos que te salva de perder la señal si uno de sus pedales muere o un cable en la cadena deja de emitir. Este cabezal es muy compacto y muy fácil de transportar.

Hoy nos referiremos al Little Mark 250. El MarkBass Little Mark 250 cabezal de bajo, es un amplificador de alta calidad con un preamplificador de estado sólido y un amplificador de potencia analógico. El Little Mark 250 ofrece 250W de potencia en un gabinete de 4 ohms o 150 watts en una caja de 8 ohms. Este Mark Little tiene un ecualizador de 4-bandas, VLE Markbass '(Emulador Altavoz

El hermano pequeño del LMII y es una opción inteligente y económica para aquellos que no necesitan toda la potencia de una cabeza de 500W. Es muy bueno para practicar, ensayar y pequeños conciertos. Tengan en cuenta que si se utiliza en un gabinete de 4 ohms, obtendrá casi el mismo poder de la Little Mark 250 como lo haría con un cabezal de 500W en una caja de 8 ohms.

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Ibanez HIsTorY

Al ser destruida la fábrica durante la Guerra Civil Española, el mercado quedó desabastecido pese a existir una gran demanda, por lo que Hoshino Gakki se apoderó del nombre (Ibanez Salvador) y comenzó a fabricar por su cuenta, guitarras españolas en 1935. posteriormente cambió el nombre a simplemente "Ibanez". En los años ‘60, adquirió los dere-

El origen de esta marca tan importante a nivel mundial, se debe al luthier español Salvador Ibáñez, nacido en Valencia (1854-1920), cuyas guitarras eran llevadas a Japón por la empresa de Hoshino Gakki. Por Sergio resar

chos del nombre Ibanez y empezó a comercializarlas también en EEUU. La mayoría de esas primeras guitarras eran copias de otras marcas más famosas.

Después de este periodo, Ibanez creó diseños propios como el "Iceman" y la "Ibanez Roadstar", desde ese momento Ibanez comenzó a diseñar guitarras originales, apoderándose del mercado americano.

sus nuevos puentes EDGE y ZR (zero resistance), que les confieren la posibilidad de realizar vibratos agudos.

Muchos de sus modelos poseen microafinación y fijadores para las cuerdas que le confieren una nitidez y precisión increíbles. Además también se encarga de vender amplificadores y otros accesorios para las guitarras y bajos eléctricos.

Finalmente, a mediados de la década del ‘80, es cuando el interés por las guitarras eléctricas usadas en el rock aumentó e Ibanez pudo abrir una brecha con respecto a muchos de sus principales competidores, ofreciendo nuevas mejoras técnicas a diferencia de las otras compañías. La firma llegó a acuerdos con muchas estrellas del rock de ese momento como Steve Vai, Joe Satriani, Paul Gilbert, The Edge, Phil Collen, John Petrucci o Sting y esto proporcionó otra gran demanda. Los nuevos modelos comenzaron a incorporar elementos más modernos en su diseño, tal como las formas del cuerpo, cuellos más delgados y diapasones más planos (que permiten tocar más rápidamente), electrónica nueva y terminaciones coloridas. Esto llevó al aumento de su renombre con los músicos del Heavy Metal. Hoy en día, Ibanez es considerada como una de las mejores y más versátiles compañías de guitarras, con instrumentos que van desde guitarras acústicas típicamente estadounidenses, hasta bajos eléctricos pasando por lo que mejor sabe hacer, unas impresionantes guitarras eléctricas.

Utilizando en la gran mayoría de sus guitarras los famosos micrófonos DiMarzio (bobina simple o doble) y

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Ibanez History| 21

James TYler VarIax

Las guitarras James Tyler Variax hacen de ese sueño una realidad. Inspirada en 28 modelos de increíbles instrumentos clásicos, más el sonido de una guitarra eléctrica maravillosamente hecha a mano a partir de un maestro luthier. Cambiá instantáneamente afinaciones sin tener que girar las clavijas. Además, podrás crear temas acústicos sin configurar los micrófonos.

Con la Variax James Tyler, podés hacerlo en el momento y aprovechar tu creatividad sin límites. Los beneficios de las guitarras James Tyler Variax se extienden mucho más allá de los sonidos de las guitarras normales. Estas proporcionan un arsenal increíble de tonos para actuaciones en vivo y en el estudio, sin la necesidad de llevar una cantidad increíble de instrumentos. Los productos de Line 6 han estado a la vanguardia del desarrollo de audio digital desde que la compañía fue pionera en el amplificador de guitarra digital en 1996. James Tyler ha tenido una guitarra en la mano casi todos los días desde que tomó por primera vez una en el verano después de séptimo grado, en 1964. Line 6 y James Tyler se han asociado para desarrollar este increíble instrumento que a continuación detallaremos.

La JTV-59 incluye 18 increíbles instrumentos eléctricos que te van a llevar desde los sonidos clásicos del rock al blues, country y más. Basados en los modelos Stratocaster®, Les Paul y guitarras Rickenbacker ®, entre otros. La James Tyler Variax proporciona acceso instantáneo a los sonidos de guitarra favoritos de los guitarristas

22 | James Tyler Variax

A un estudio de grabación o a un concierto, es habitual llevar muchas guitarras. Pero imaginate escuchar 28 diferentes instrumentos vintage dando vueltas a una perilla. Por Sergio resar

más famosos del mundo. La James Tyler Variax-59 hace que sea fácil cambiar entre sonidos de guitarras eléctricas y acústicas en cualquier momento. La colección de 10 sonidos cuenta con unas hermosas guitarras acústicas de seis y doce cuerdas, ideal para una variedad de géneros y estilos que incluyen además un dobro, sitar, banjo entre otros. Además proporciona acceso inmediato a 11 afinaciones alternativas. Podrás mezclar y combinar cualquier afinación con cualquier instrumento y también crear sus propias afinaciones sobre la marcha con un Capo Virtual.

Es fácil guardar tus afinaciones personalizadas. La JTV-59 tiene un cuerpo de caoba con una tapa de arce tallada y enchapada en arce flameado. El mástil de caoba tiene un diapasón de palisandro. También podés modificar o programar tus propios modelos personalizados mediante computadora con el software Variax Workbench (incluido como una descarga gratuita) y usarlos para reemplazar cualquiera de los sonido.

El software Variax Workbench es una tienda virtual personalizada.

Este software libre, se puede descargar desde el sitio web de Line-6.

Los modelos de guitarra que utiliza la Variax están basados en: 1960 Fender Telecaster Custom, 1968 Fender Telecaster, 1968 Fender Telecaster Thinline, 1959 Fender Stratocaster, 1958 Gibson Les Paul Standard, 1952 Gibson Les Paul "Goldtop", 1961 Gibson Les Paul Custom (3 PU), 1956 Gibson Les Paul Junior, 1976 Gibson Firebird V, 1955 Gibson Les Paul Special, 1959 Gretsch 6120, 1956 Gretsch Silver Jet, 1968 Rickenbacker 360, 1966 Rickenbacker 360-12, 1961 Gibson ES-335, 1967 Epiphone Casino, 1957 Gibson ES-175, 1953 Gibson Super 400, 1959 Martin D-28, 1970 Martin D 12-28, 1967 Martin O-18, 1966 de Guild F212, 1995 Gibson J-200, 1935 Dobro Alumilite, Danelectro 3021, Coral Dano eléctrica Sitar, Gibson Mastertone Banjo, 1928 Nacional Style 2 "Tricone".

Las afinaciones alternativas que podremos obtener de la JTV-59 son: STANDARD: EADGBE - DROP D: DADGBE - 1/2 abajo: Eb Gb Ab Db Eb Bb - DROP Db: Db Db Gb Ab Bb Eb - 1 DOWN: DGCFAD - DADGAD: DADGAD - OPEN D: DADF # AD - BLUES G: DGDGBD - RESO G: GBDGBD - ABIERTO A: EAC # EAE BARITONE: BEADFB

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asHDoWn abm

CABEZAL ABM EVO III Lo primero que atrae nuestra atención es el look vintage del cabezal ABM EVO III con su característico color azul que identifica a toda la línea ABM, las perillas de estilo clásico y el inconfundible vúmetro luminoso que ya es un ícono de la marca inglesa de amplificadores. Las cabezas ABM cuentan con una única entrada para instrumento con control de ganancia y un switch para bajos activos o pasivos. El vúmetro luminoso es muy útil a la hora de ajustar el nivel de entrada, sobre todo en situaciones de vivo con poca luz. El preamplificador es de tipo híbrido, es decir, transistorizado y valvular. Mediante el control Valve Drive podemos mezclar ambos sonidos obteniendo una amplia gama de colores, desde el sonido claro y cristalino del pre transistorizado (control en cero), combinando ambos para sumar la calidez y el punch de la válvula hasta obtener literalmente auténtica distorsión valvular (control al máximo). Un switch también permite activar y desactivar el pre valvular. El ecualizador del ABM es una original combinación entre un control estándar de graves, medios y agudos y un ecualizador gráfico, con 2 bandas de EQ intercaladas entre graves y medios y otras dos entre los medios y agudos. La idea del fabricante es que uno pueda operar los controles con la simpleza que ofrecen los controles de graves, medios y agudos pero con la opción de hacer ajustes más finos mediante las bandas gráficas. Adicionalmente el ABM EVO III cuenta con un switch Flat/Shape que suma una curva de ecualización tipo V, realzando los graves y agudos y recortando los medios y otro switch para activar y desactivar la ecualización.

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Hendrix Music nos trae la serie ABM EVOIII 500 y 900 de Ashdown Engineering, una poderosa línea de cabezas y combos que junto con la serie de bafles BlueLine crean una potente y versátil combinación que asombrará a todos. Por Pablo Motyczak

El sonido del ecualizador del ABM es impactante, los graves son profundos con mucho punch y con gran definición, los agudos son cálidos y limpios con un color “hi-fi” similar al que podemos obtener en consolas y preamplificadores que encontramos en estudios profesionales de grabación y los medios no resultan agresivos incluso utilizando seteos extremos. Los cabezales ABM poseen un compresor con un control único que resulta extremadamente musical. Agregando una pequeña cantidad de compresión obtenemos un piso de graves muy sólido permitiendo también un incremento en el volumen general del equipo ya que éste atenúa los picos de señal que puedan generar distorsión en el amplificador. El compresor puede activarse y desactivarse mediante switch.

Una de las características más particulares de este cabezal es el control Sub Harmonics que funciona de modo similar a un pedal octavador, generando una octava más grave a la de la nota tocada. Agregando una pequeña cantidad de este efecto obtenemos un sonido único y original que aporta un grave y peso extra al sonido comparable con el efecto de un sistema de sub-low. Junto al control de volumen Master del ABM encontramos una salida de línea balanceada tipo XLR (canon), salida de línea tipo TRS ¼ (plug) y salida para afinador. Un botón Output Mute silencia el amplificador y las salidas de línea pero mantiene activa la salida de afinador, ideal para afinar el instrumento en vivo evitando que la señal llegue a la consola y a los bafles. En el panel trasero encontramos salida y entrada de loop de efectos, salidas de parlante, conector para footswitch y una entrada de línea extra que sirve para conectar un reproductor de mp3 para practicar.

La serie ABM ofrece dos tipos de cabezales, el EVO III 500 con una potencia de 575 Watts (4 Ohms) y dos salidas de parlante y el EVO III 900 que utiliza 2 potencias de 575 Watts (4 Ohms) con un total de 4 salidas de parlante. Las salidas de parlante permiten la conexión vía conectores plug TRS ¼ y Speakon.

GABINETES BLUELINE La serie BlueLine, llamada así por sus característicos conos azules ofrece varias configuraciones de parlantes. La ABM810 con 8 parlantes de 10” (1200 Watts), la ABM610 con 6 parlantes de 10” (800 Watts), la ABM115 con un parlante de 15” (300 Watts) y la ABM410H con 4 parlantes de 10” y bocina de agudos (650 Watts). Esta última también posee un atenuador de 3 posiciones para la bocina de agudos. Todos los gabinetes poseen manijas embutidas en los laterales y grilla de acero frontal. Los modelos ABM810 y ABM610 son del tipo Tilt-Back con manijas superiores traseras y ruedas de alta resistencia.

CONCLUSION Los Ashdown están construidos en forma sólida y robusta, preparados para cumplir con la más alta exigencia del uso profesional. La alta calidad de sus componentes en combinación con la amplia gama de prestaciones que ofrecen da como resultado un set potente con un sonido versátil que se adapta a cualquier situación y estilo musical imaginable. La prueba está en la creciente lista de artistas de diferentes géneros que día a día se suman a las filas de esta prestigiosa marca.

Ashdown ABM Series | 23

GallIen KrueGer mb serIes

Gallien-Krueger siempre ha estado en la vanguardia en los diseños de amplificadores de bajos y en la tecnología desde hace más de cuarenta años y la tradición de décadas continúa con los ultra-compacto y ultra-ligeros de la línea de cabezales MB. Sorprenden por lo potentes y por el tamaño de las cabezas que pueden ofrecer portabilidad sin esfuerzo y un complemento completo con las funciones esenciales. Por Sergio resar

MB200 Es el más pequeño de la serie, más pequeño que muchas cajas DI, preamplificadores y pedales, y es lo suficientemente delgado como para guardarse fácilmente.

Con un peso de sólo un kilo, es difícil imaginar una cabeza de bajo más amistosa. A pesar de su pequeño tamaño, GK se las ingenió para incluir todo lo que necesita un bajista. Hay un pad de -10 dB cambiar para dar cabida a los bajos activos, un interruptor on/off para el clásico de contour de GK, además del legendario ecualizador de 4 bandas activo. El MB200 también tiene una salida balanceada DI con Pre / Post EQ con un botón selector, un entrada auxiliar de 1/8 " para CD, reproductor de MP3 u otros, y una línea conmutable / cadena de salida / conector de auriculares.

El MB200 tiene una sola toma de salida Speakon. Puede parecer pequeño, pero el MB200 es sin duda una herramienta de trabajo con un sonido y tono serio y versátil. De 200 watts a 4 ohms, el MB200 sorprende agradablemente, con una respuesta final increíble. Se ve pequeño, pero suena grande. El MB200 está obligado a encontrar su camino en una amplia gama de aplicaciones. Todo el mundo debería tener una MB200.

MB500 Con su botón de silencio, loops de efectos, salida de afinador, limitador anulable, control maestro de volumen, y el impulso conmutables por pedal con control de volumen maestro secundario, el MB500 ofrece una cantidad de características adicionales para ir junto con su potencia extra. Con un honesto

24 | Gallien Krueger MB Series

500 watts a 4 ohms, el MB500 da patadas como una mula, con un golpe autoritario y contundente. El MB500 tiene dos conectores Speakon de salida para las cajas.

MB FUSION El MB Fusion cuenta con válvulas en la etapa de potencia utilizando en el mismo circuito que el MB500, por

lo que el poder es el mismo: 500 watts a 4 ohms. Con tres válvulas 12AX7 que funcionan a alta tensión, el pre del MB Fusion es esencialmente una adaptación del clásico de válvulas impulsado por GK en el diseño de circuitos del preamplificador de estado sólido. El conjunto de las características es similar a la MB500, excepto que el Fusion MB tiene control seleccionable de contorno en las frecuencias centrales (500 o 800 Hz) y los interruptores separados marcados de presencia y

profundidad (para un impulso de 4 dB a 10k Hz y 30 Hz, respectivamente). La Fusión MB tiene dos conmutables por pedal para los controles de ganancia y de volumen maestro. Esto le permite cambiar instantáneamente entre los dos tipos de overdrive (o tonos limpios) con el toque de un interruptor. Al igual que el MB500, el Fusion MB es capaz de una amplia gama de tonos y texturas.

También se destacan los combos ofrecidos por la compañía como el MB112-II de tan sólo trece kilos con una potencia de 200 watts y un parlante de 12” y el MB212-II dieciocho kilos con dos parlantes de 12” y una potencia de 500 watts. El MB112II es un amplificador combo pequeño pero potente.

Esta combinación de buen precio ofrece un gran sonido en un tamaño ligero y compacto.

El amplificador bajo tiene el poder de ser escuchado en cualquier situación. Cuenta con un amplificador de 200W digital, entrada auxiliar de 1/8 ", conector para auriculares para improvisar en silencio y practicar, un parlante de 12", ecualizador de 4 bandas activo con control de contour y una salida XLR. El MB212-II combo es increíblemente compacto y de escaso peso, pero no escatima en características de alta tecnología. Obtendrás un amplificador de potencia digital (un ahorro significativo de peso allí) y podrás también conseguir un control de ganancia, más un ecualizador de 4 bandas, por lo que podés dar forma a tu sonido de la manera que vos querés. El MB212II también es un combo de 500W 2 x 12” digital, 4bandas de EQ activo, Aux in, salida directa XLR.

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fotografía por Guido Adler

marIano oTero

Este talentoso bajista, nacido en Avellaneda en 1976, vivió rodeado de instrumentos dado que su padre también fue músico. Icono del Jazz autóctono, nos cuenta un poco su historia. Por Sergio resar

Mariano, Qué música se escuchaba en tu casa cuando eras pequeño?

En casa se escuchaba música popular, rock, jazz, tango, folclore y música clásica. Mi papá podía escuchar jazz, (recuerdo unos discos de Metheny y de George Benson), a los Stones, a Zeppelin, y mi mamá a Serrat. Pero también, la banda de sonido de mi infancia fue mi viejo y su guitarra. Mi papá es un gran músico, puede tocar la guitarra, el piano, el violín, el acordeón. Es un talentoso que ha escrito música para distintas formaciones y en distintos estilos.

Siempre me transmitió el amor por la música y por los grandes músicos.

A qué edad empezaste a tocar el bajo eléctrico?

El bajo eléctrico fue una casualidad. Un compañero de mi hermana de la escuela, era alumno del conservatorio donde mi papá era director. Él me convenció para tocar en una fiesta que se iba a realizar en el Normal de Avellaneda y aduciendo que en mi casa

26 | Entrevista a Mariano Otero

había instrumentos de todo tipo, me convidó a tocar el bajo, diciéndome que era muy sencillo y que él podía explicarme las notas. Mi papá tenía una copia de un Hofner bastante espantosa (con clavijero tipo Fender) que todavía conservo y decidí aprender las canciones y tocar el bajo en mi escuela. Ese fue el principio. Hay fotos...Creo que tenía 15 años.

Después estudiaste contrabajo y cello, con quién lo hiciste?

El contrabajo llegó después. A los 19 años viajo a New York un mes con mi hermana. En nuestra primera noche (lunes), vemos a ver a la Mingus Big Band en Fez Café. Todo se transformó en ese momento. Escuchamos la música de Charles, sofisticada, moderna, divertida, sorprendente, arriesgada, llena de sinceridad y de amor. Llena de sentido, profunda. Para mí, fue una revelación. La unión del sentido filosófico, musical, estético. Cuando volví comencé a estudiar contrabajo en el Instituto Roma

de Avellaneda, yo no tenía instrumento y me pasaba todo el tiempo que podía en aulas del instituto practicando con los contrabajos que estaban libres. Al mismo tiempo estudiaba el eléctrico y sufría organizando la rutina... Tomé clases con muchos maestros: Hernan Merlo, Oscar Giunta, Juan Elías, Hugo Maceo y pude viajar a New York y tomar clases con Scott Colley ( que estaba tocando con Metheny y con Andrew Hill ), con Drew Gress y con Mark Helias. Nunca voy a olvidar cuando entré en la casa de Scott... Me daba miedo... El cello vino años después. Estudié con Mauricio Weber y lo utilicé en mis dos primeros discos. Es un instrumento perfecto.

Tiene el registro ideal para mi criterio de un instrumento. Pero creo que merece una vida... Disfruto tocarlo en casa.

Cómo fue que obtuviste una beca para estudiar en Berklee College of Music de Boston y otra del Conservatorio de Ámsterdam?

Guitarristas y Bajistas.ar

Las becas fueron producto de la búsqueda de esos tiempos. En la época que me becaron en Berklee era bastante común recibir un apoyo para ir a estudiar.Finalmente no utilicé ninguna, por diferentes cuestiones, la verdad es que estaba muy bien acá y no les encontraba el sentido.

Cuándo empezaste a dar clases?

Empecé a dar clases de bajo en Avellaneda en algún momento que no podría precisar, pero era joven. Hoy siento algo de pudor. De cualquier forma, siempre entregué todo de mí. El comienzo oficial fue en la Escuela de Música Contemporánea, en el 2002.

Qué sentiste al ser considerado como el bajista revelación en el 2001 por el diario La Nación?

La verdad es que mi mamá me dijo, “Si no querés sufrir las derrotas, no exageres el festejo de las victorias”. Los premios son algo raro. Luis Alberto Spinetta nunca fue un ganador de premios y creo que es un artista fundamental de nuestra historia.

En esos años, aparte de tocar Jazz, tocaste tango y en comedias musicales, en qué bandas y en cuáles obras participaste?

Toqué en el primer disco solista de Pepi Taveir, y en el primero y en el segundo de Juan Cruz de Urquiza, también grabé "Relax "de Walter Malosetti y un montón más en esa época. Fui miembro de la Orquesta de tango Sans Soucí y de la obra musical “El romance del Romeo y la Julieta”. Participé como director musical de " El Pasajero ", que protagonizaban Javier Malosetti y Diego Reinholdt, en la que además toqué la guitarra.

En el 2003 sacaste tu primer CD, el cual es considerado el mejor disco del año por La Nación, cuál es el nombre y en donde lo grabaste?

Se llama “A través” y lo grabé en ION. Cómo fue girar por Estados Unidos en el 2005 con el quinteto?

Fuimos a tocar en el marco del Festival de Jazz Argentino en New York, que organizaba BAU, sello que editó mi primer disco. Fue más especial por la mística que por lo sucedido. A los músicos les encanta hacer autobombo de sus presentaciones en el exterior. Fue como tocar acá, pero la gente hablaba en inglés mientras tocábamos.

En ese año también empezaste a componer música para Big Band y ese proyecto te valió varias nominaciones y premios, cuáles fueron?

Gané el premio Clarín Revelación y Clarín figura del jazz, fui nominado cuatro años al premio Gardel, como mejor disco de Jazz. Me están por dar el premio al record de nominaciones perdidas, jajaja.

Cómo fue ser telonero de Dave Holland en el Teatro Coliseo?

Fue una experiencia hermosa. Nos hicieron tocar delante del telón, Dave tocó con mi equipo, que yo no pude usar porque no me lo prestaron... Pero más allá de eso, Holland estuvo al costado del escenario escuchando y cuando habló nos dedicó unas palabras

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que no voy a olvidar. Al otro día, me dejo su disco con una dedicatoria y me lo hizo llegar por la producción.

Holland para priorizar el sonido grupal, la actitud de ir al grano.

Qué aprendiste de él o de su forma de trabajar?

Me sorprendió la prueba de sonido. Y la adopté. Probaron muy poco cada uno su sonido y enseguida empezaron a tocar, muy seriamente. Era un ensayo sin palabras y muy al límite. También noté la astucia de

Sigamos con la cronología de tus discos, cuáles fueron los siguiente y en qué años?

“Dforma” ( 2005), “Tres” (2006), “Cu4tro” ( 2007), “Quinteto en vivo en medio y medio” ( 2008), “Desarreglos” ( 2009), Rojo ( 2011).

Entrevista a Mariano Otero | 27

fotografía por Matías Montini

Llegamos a “ROJO”, como fueron esas sesiones?

En ION nuevamente. Grabamos en vivo casi todo el disco. Sólo sobregrabamos a Luis, al cuarteto de cuerdas y a Javier Malosetti. Lo hicimos en tres días.

Lo mezclamos con Luis Bacqué en su API, y lo masterizamos en Avatar, New York. El tratamiento es bastante crudo y análogo, que es como prefiero grabar. Grabé el contrabajo con un micrófono de cinta RCA y con un Neuman U67.

Dónde lo presentaste?

En el ND Ateneo, en diciembre de 2011.

Quiénes integraban esa banda?

Hernan Jacinto, Miguel Tarzia, Patricio Carpossi, Juan Cruz De Urquiza, Sergio Wagner, Pablo Fenoglio, Juan Canosa, Ramiro Flores, Rodrigo Dominguez, Victor Skorupski y Alejandro López.

Cómo llegaste a participar de la banda de uno de los íconos del rock como Fito Paez?

Fui a la casa de Fito como productor del el último disco de Iván Noble y trabajamos en una canción con Rodolfo. Charlamos mucho y me enteré que él conocía mis discos y me hablo de “Tres”. Por supuesto que le conté que lo escucho y admiro, desde mi primer contacto con la música y luego de ese día

30 | Entrevista a Mariano Otero

nos vimos otras veces más. Un día me llamó y me contó que Guille (Vadalá) no podía hacer la gira de "El amor después de el amor 20 Años " y me propuso tocar.

Cómo es tu relación con él?

Lo admiro, lo quiero, lo respeto y lo comprendo.

Disfruto estar en su lápiz. Es un artista único, me gusta verlo disfrutar, ama la música, el riesgo y la verdad artística.

Cuál es tu set para tocar con Fito?

Mi equipo es un cabezal Ampeg SVT VR (valvular ) y una caja 8 x 10. En algunos escenarios utilizo dos. Los bajos que uso son 4. Un Fender RI 62 Matched headstock Jazz Bass de 4 cuerdas ( USA), un Fender Jazz Bass de 5 cuerdas 96'( USA), un Maese jazz bass de 4 y uno de 5. Todos mis bajos son pasivos. Las cuerdas son Magma, y me conecto con cables KWC. Por qué Ampeg?

Porque a mi juicio, es la mejor y más sólida marca de amplificadores para bajo. Es el sonido que busco, el que me gusta y el que me deja sonar como quiero.

El sonido valvular de Ampeg es exactamente lo que quiero escuchar. He tocado en muchos países y ciu-

dades y siempre el Ampeg responde. Es el mejor.

Cómo llegaste al Grupo Rómulo García?

Gracias a la gestión de Sergio Vall, antes de estar en el grupo de Fito, me apoyaban en mi carrera solista.

Y cuál es tu set cuando tocás con tu banda?

Uso un cabezal Ampeg SVT VR o un Classic y una caja 4 x 10, u 8 x 10.

Cuáles son los planes a futuro?

Seguir de gira con Fito, grabar el disco nuevo en mayo, escribir los arreglos de brass que me encomendó Rodolfo, seguir tocando con mi grupo (4 y 24 de mayo en la Oreja Negra), grabar mi disco con mi grupo nuevo, ( Sergio Verdinelli, Hernan Jacinto y Miguel Tarzia, Los Sesionistas), hacer una reducción de orquesta a quinteto para una comedia musical con música de Cole Porter, y vivir.

Qué podrías decirle a los músicos que recién están empezando?

Que construyan todos los días, que aprendan siempre algo nuevo, que escuchen mucho y que sean humildes. La música siempre te devuelve lo que le das y te da la posibilidad de atrapar una porción de eternidad.

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laneY lIonHearT

El Heavy metal comenzó con Laney y la leyenda Tony Iommi, que es un usuario permanente de esta marca.

Pero a pesar de su asociación con este género, Laney tiene un amplio catálogo que incluye productos para satisfacer todos los gustos. El Lionheart se dirige a los guitarristas que quieren reavivar la emoción de tocar a través de un sencillo circuito de válvulas, con una apariencia que recuerda a los años ‘60 o principios de los ’70, una edad de oro para guitarra eléctrica. En esta edición estamos viendo un nuevo producto, el cabezal L50H. No hay duda que el L50H está dirigido a guitarristas que prefieren un look clásico, con un look muy vintage. Está perfectamente construido, con gran atención al detalle y elementos de diseño a medida, como las rejillas de ventilación del panel de cromo. Lionheart representa todo lo que Laney ha aprendido a través de más de cuarenta

uno de los grandes nombres de la amplificación de guitarra y una de las marcas británicas más longevas, Laney, ha estado produciendo amplificadores y cajas por más de cuatro décadas. Por Sergio resar

años en lo que respecta en amplificaciones para guitarra de válvulas. El L50H Lionheart representa un avance significativo en los amplificadores Clase A. El sonido de la guitarra es totalmente único. Cuando decimos único, queremos decir único de las siguientes cosas: Único, ya que es el primero de 50 watts RMS paralelo de una sola terminal amplificador Clase A. Único, ya que es el primero en utilizar 5 válvulas de salida EL34.Único en que su distorsión progresiva produce una respuesta suave y emocional para los guitarristas. Único en el hecho de que su contenido armónico hace que suene tan dulce como cualquier amplificador te puedas imaginar. El L50H tiene un sencillo diseño de dos canales, con un solo comando de volumen del canal limpio y la ganancia y el volumen en el otro canal que comparte un ecualizador pasivo de tres bandas. Un interruptor que enfatiza los

agudos, mientras que otro conmutador cambia los canales. El panel frontal cromado cuenta con dos canales, limpio y drive, cada uno con controles de volumen independientes y un EQ compartido, Switch Bite, reverb, tono general y un control Dynamics. El panel trasero está equipado con un loop de efectos con Bypass / Insert / Side Chain / una toma de pedal y finalmente, un par de salidas para gabinetes de 8 y 16 ohms. El nuevo cabezal Lionheart L50H es un amplificador cabezal clase A, diseñado con una elegante estética retro. Tiene dos canales independientes (Clean y Drive) y la sección de ecualización, compartida. La etapa de potencia monta una combinación poco usual de 5 válvulas EL34, cuenta con loop de efectos con varias configuraciones y control de nivel, un circuito de reverb, y un transformador toroidal de bajo ruido especialmente diseñado para este modelo.

CARACTERISTICAS Potencia RMS 50 Watts Entradas Jacks, Hi y Low Gain Passive Bass, Middle y Treble EQ. Tone Boost Dynamics Válvulas de preamplificación 3 ECC83/12AX7 Las válvulas de salida (5 x EL34 de potencia) Conexiones para cajas 8/16 ohms (enchufe con interruptor) FX Loop (s) Insert Tipo - conmutable Bypass, 0dBu, - 10dBu (nominal) Peso 21,5 Kg Dimensiones Altura 240mm Ancho x 678mm Profundidad 250mm

32 | Laney Lionheart L50H

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CHeba massolo

Este guitarrista y compositor nació en septiembre del 75, hijo menor de una familia que siempre tenía un disco de vinilo sonando en su casa. A los 14 años comenzó a tocar la guitarra e inició un largo camino entre la intuición autodidacta y los estudios musicales Por Sergio resar

Recordás cuándo empezaste con la guitarra?

Desde los quince más o menos. Una criolla que había en un placard. Después una Faim tipo Stratocaster que me costó cien pesos!

Desde qué año estás en THE NADAS, la banda de Kevin Johansen y como llegaste a él?

Hace más de diez. A través de amigos. Muchos de los The nadas tocábamos en bandas anteriores.

Con quienes estudiaste?

Soy una mezcla entre el mundo de lo autodidacta y de los grandes maestros. Te nombro dos, el primero y el último: Jorge Minissale y Aníbal Arias.

Cómo hace el músico de Kevin Johansen para tocar tantos estilos diversos?

La clave está en permitírselo. Muchas veces los músicos tienen gustos bien amplios, pero a la hora de tocar solo hacen una cosa. Kevin es un cantautor que de la mezcla hizo su estilo. También lo ayuda su formación bicultural, madre argentina, padre gringo, y el hecho de haberse criado entre argentina y Estados Unidos.

Qué música se escuchaba en tu casa?

De todo, esa fue la clave; mucho Ray Charles, Eric Clapton, Pink Floyd, jazz de todo tipo. Por suerte cuando me interesó la música en mi casa había una cantidad y calidad de discos excelente. A los 12 años ya tenía una cultura musical considerable.

En el 2008 sacaste tu primer disco solista, cuál es el nombre y dónde y con quienes lo grabaste?

Se llama Coyazz (EPSA Music) y lo grabe en mi casa.

El disco es el resultado de mi trabajo como compositor, interprete, arreglador y productor en el mundo de lo acústico, teniendo al jazz, al tango y al folclore como ejes. Participan grandes músicos amigos, muchos miembros de The Nadas. En la producción ayudo mucho Maximiliano Padín y está mezclado y masterizado por Pablo López Ruiz.

Cuál es el set que utilizas actualmente?

Depende para que, acústico o eléctrico. En lo eléctrico, parto de mi guitarra fabricada por Marcelo Lago (MEL) Explícanos un poco por qué usas este set?

Esta guitarra esté pensada exclusivamente para mí. A partir de mi manera de tocar y para el audio que quiero lograr. Después el resto, pedales y amplificador son un porcentaje menor en la ecuación.

Por qué elegiste ese nombre para tu primer disco?

Al escuchar como quedaban la mezcla de guitarras y charangos, salió del juego de palabras: jazz-coya devino en Coyazz.

Contanos cuáles son tus expectativas para este año que recién comienza?

Tocar, tocar y tocar. Recién llego de Brasil con Kevin, después viene el festival vecinal en Buenos Aires y Rosario, después España, México, Perú, Chile y demás países de Latinoamérica, más el interior de la argentina.

También toco en el Mariano Massolo Quinteto, que en abril hacemos una nueva Trastienda. Después en los espacios que quedan tocar con mi grupo Cheba Massolo Coyazz, más mi actividad como profesor. Para este año quiero trminar mi segundo disco, Coyazz vol.2 .

34 | Entrevista con Cheba Massolo

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GIbson sG

En los años 60, Gibson empezó a notar que bajaban las ventas de su guitarra estrella, la Gibson Les Paul. Por estas circunstancias, sus directivos deciden crear una versión un poco más económica de la Les Paul y presentaron la ya famosa Gibson SG, que aún no tenía ese nombre, seguía llamándose como su antecesora. Por Sergio resar

El primer modelo salió a la venta en 1961 y conservaba el nombre de Les Paul, siendo su cuerpo más delgado, tenía doble cutaway, conservando los dos micrófonos doble bobina. Estas modificaciones abarataban los costos de construcción de la guitarra y con eso pensaban que podían recuperar el liderazgo perdido. Una vez que se enteró el músico Lester William Polfuss, conocido artísticamente como Les Paul, puso el grito en el cielo por dos motivos fundamentales, la empresa nunca le avisó las modificaciones realizadas y la otra fue que esa no era la guitarra que él había diseñado. Igualmente Gibson, siguió llamando Les Paul a lo que hoy conocemos como SG por un par de años más, el motivo? Es que tenía demasiadas chapitas identificadoras con el nombre ya impreso. Una vez acabadas esas chapas, Gibson decidió ponerle un nombre a su nuevo producto y usó uno muy simple “SG” las iniciales de guitarra sólida (solid guitar).

Una media de 2.120 unidades anuales se distribuyeron entre 1961 y 1970 y en cada uno de sus tres primeros años de vida, la cifra alcanzaba las 6.000 unidades anuales. En el ‘66 se rediseñó ligeramente el mástil, haciéndolo más robusto, ya que resultaba demasiado frágil ante contratiempos demasiado habituales como pequeñas caídas (aunque guitarristas como Townsend sacaban un partido tremendo de dicha fragilidad, aprovechándola para realizar vibrato sin necesidad de palancas); y en 67 se agrandó el golpeador hasta el formato estandarizado actualmente. En la década de los ’70, la SG fue utilizada por héroes del rock pesado como Tony Iommi de Black Sabath o Angus Young de AC/DC. Entre los guitarristas que usaron y usan esta guitarra se encuentra principal-

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mente : Pete Townshend de The Who, Eric Clapton en Cream, Tom Fletcher de McFly, George Harrison de The Beatles, Chino Moreno de Deftones, Marilyn Manson, Gustavo Nápoli, Brian Molko de Placebo ,Nicola Sirkis de Indochine, Duane Allman de The Allman Brothers Band, Robbie Krieger de The Doors (aunque en ocasiones usaba una Les Paul en las grabaciones), Jimmy Page de Led Zeppelin, Daron Malakian de System of a

Down, Gary Rossington de Lynyrd Skynyrd, Patrick Stump, Heaven and Hell, Frank Zappa, Jimmy McCulloch de Wings, Carlos Santana en Woodstock. Adrian Smith de Iron Maiden. El hombre que más representa la Gibson SG es Angus Young guitarrista de AC/DC, al igual que Tony Iommi de Black Sabbath. Con más de cincuenta años en el mercado, sigue siendo uno de los modelos más populares de Gibson.

Gibson SG | 35

fenDer HIsTorY

Como experiencia de su labor, a Leo le empezaron a llamar la atención las fallas de los amplificadores de esos años y comenzó a diseñar y construir sus propios modelos y a cambiar los ya existían. A principios de los años ‘40 se asoció con otro técnico en electrónica, Clayton Orr Kauffman y crearon su propia compañía llamada “K y F Manufacturing Corp.” para diseñar, construir y comercializar sus propios instrumentos y amplificadores. La fabricación de estos productos empezó en 1945, construyendo guitarras Lap Steel hawaianas y amplificadores. Antes de fin de año, Leo se dio cuenta que era más beneficioso fabricar que reparar instrumentos eléctricos y se dedicó enteramente a ese trabajo. Kauffman no estaba muy convencido con ésta decisión y para principios de 1946, ambos deciden separarse y seguir sus respectivos caminos. Es en ese momento que Leo Fender decide cambiar el nombre a la empresa, la cual se llamó “Fender Electric Instrument Company”. Su negocio de reparación continuó hasta 1951, aunque Leo ya no lo atendía personalmente desde 1947. En 1950, junto a George Fullerton presentó su primer modelo, la Esquire. Y después la Broadcaster, la primera guitarra eléctrica producida por la Fender Electric Instrument Manufacturing Company. Debido a un problema de marcas con Gretsch, la Broadcaster se llamó Telecaster. Más tarde, le seguirían otros éxitos de comerciales, entre los que predomina la Stratocaster, modelo ampliamente imitado desde su salida a la venta en 1954, o el Precision Bass, el primer bajo eléctrico de caja sólida de venta masiva. En 1965 a Leo Fender se le diagnosticó una grave enfermedad y se le predijo, equivocadamente que le quedaba poco tiempo de vida. Ante estos acontecimientos, Leo se dispuso vender su empresa a “Columbia Broadcasting Company” más conocida como CBS. La venta de la compañía a CBS tiene muchas implicancias de mucha importancia. La cesión a CBS fue vista en un

36 | fender History

Esta empresa, fundada por Leo fender en 1940, llevó por nombre fender Electric Instrument Manufacturing Company. Aunque empezó como “fender's radio Service” en 1938, en California.

Leo fender era técnico en electrónica y reparaba radios y amplificadores. Por Sergio resar

primer momento como un hecho altamente positivo, porque esta firma podría proveer dinero y empleados.

Sin embargo, en la actualidad se ve como un hecho contraproducente, porque se supone que CBS antepuso la cantidad a la calidad. La culminación de esto se vio reflejada en 1983 cuando CBS realizó unos cambios equivocados a la Stratocaster, quitándole el

segundo control de tono. Se eligió tiempos de secado más cortos para las maderas utilizadas en los cuerpos de los instrumentos además de comenzar a utilizar varias capas encoladas en lugar de una sola pieza, lo que repercutía no sólo en el timbre y la estabilidad de la guitarra, sino también en su peso, que era mucho mayor, haciéndolas incómodas. La empresa dejó de usar micrófonos de fabricación propia eli-

giendo modelos baratos y de inferior calidad, también lo hicieron con otras piezas fundamentales. Los puentes, que antes se fabricaban con acero o bronce prensado (lo cual prestaba mayor sonoridad y solidez al instrumento), pasaron a construirse con aleaciones más maleables y por lo tanto menos resistentes al desgaste. Es muy común encontrarse instrumentos de esta época en los que muchas partes no son originales, ya que estos cambios los hacían intocables.

Debido a situaciones como éstas se generó un culto al 'Pre-CBS', buscando los modelos fabricados antes de la venta de la empresa. Ésta respondió ofreciendo diseños que trataban de imitar las características propias de guitarras de la competencia, como es el caso de la Telecaster Deluxe, que buscaba un hueco en el sector de mercado de Gibson con sus micrófonos dobles y en ciertos modelos de cuerpos huecos. Todo ello no hizo en realidad sino diluir los rasgos más evidentes y renombrados de la marca y la devaluó en mayor medida. Después de la venta de Fender y tras evidenciarse el error del pronóstico sobre su salud, Leo Fender diseñó productos para Music Man para fundar más tarde G&L Company junto a George Fullerton, dedicada a la fabricación de guitarras y bajos de su creación.

En 1985 por iniciativa de un empleado de la fábrica, la 'Fender Electric Instrument Manufacturing Company' fue comprada a CBS por sus propios trabajadores y renombrada 'Fender Musical Instrument Corporation' como se llama en la actualidad. La nueva compañía continuó creciendo y agregando nuevos productos a su catálogo, además de conservar los diseños originales de los comienzos. Alguno de los modelos que Fender construyó son: American Standard Stratocaster, Broadcaster, Bullet, Jaguar, Jazzmaster, Mustang, Prodigy, Stratocaster, Stratocaster XI, Showmaster, Telecaster, Telecaster Custom, Telecaster Deluxe, Telecaster Thinline, Telesonic, VG Strat.

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PeaVeY HeaDlIner

El cabezal Peavey Headliner para bajo es de 600 watts que pone una increíble gama de funciones al alcance de los que tocan el bajo. El amplificador cuenta con una banda de siete ecualizadores gráficos espaciados en frecuencias optimizadas, con cada control deslizante proporciona 15 dB de corte o incremento para proporcionar un tono comprensivo y dar forma a las bandas de frecuencias precisas. Los ejecutantes pueden utilizar el ecualizador gráfico junto con los controles de tono agudo y grave tipo shelving o anular el ecualizador gráfico completo. Un built-in, conmutables por pedal, compresor óptico con control de nivel y bypass permite a los que tocan, añadir la cantidad correcta de compresión a la mezcla, mientras que la función Crunch conmutable por un pedal, añade un efecto de válvulas que distorsiona sólo las frecuencias altas. El cabezal Peavey Headliner también incluye interruptores de brillo y contour, loop de efectos, volumen maestro y salida de auriculares.

Para situaciones de de grabaciones y en vivo, un builtin XLR interfaz directa le permite enviar la señal a un dispositivo de grabación o PA. DDT de Peavey exclusivo de de la marca, aporta protección a los circuitos dela caja por la aparición de clipping y responde con una ligera compresión que permite que el amplificador mantener el tono, la altura libre y la dinámica (interruptor bypass incluido). Peavey ha hecho un excelente trabajo con la versatilidad tonal de este amplificador. Los tonos son fácilmente marcados en el compresor y es totalmente adecuado. Al igual que

38 | Peavey Headliner

Peavey y Someco Electronics nos presenta este nuevo cabezal para montar en un rack con el amplificador Tour Peavey Series que trae una enorme potencia y las características innovadoras de tono para los bajistas exigentes. Por Sergio resar

otros amplificadores de bajo Peavey, el panel frontal del cabezal Headliner, está lleno de opciones que configuran el tono. Quienes están familiarizados con los amplificadores Peavey anteriores reconocerá el diseño de la sección del EQ.

acero que protegen la caja de los rigores del traslado.

El gabinete incluye rejilla metálica para proteger los parlantes. Cuenta con 4 parlantes de 10 pulgadas para un sonido rico a cualquier volumen.

En tanto la caja Headliner 410 está diseñada desde cero para el bajista serio que busca un gabinete acústico de gran alcance con bajo presupuesto. La caja Peavey Headliner 410 cuenta con mucha garra en el tono armónico, la versatilidad y el rendimiento de la misma, fomenta el uso con cualquier cabezal. El Headliner 410 se construye con refuerzos internos y está cubierta con alfombra negra. Esquineros de

CARACTERÍSTICAS DEL HEADLINER BASS AMP 600W de potencia Clase D 7 bandas ecualizador gráfico Controles de ecualización de Agudos y Graves Pre-forma del contorno conmutador Conmutador Bright Interruptor de Activo / pasivo Compresor óptico conmutables por pedal Loop de efectos Maestro volumen Salida de auriculares Exclusivo DDT de protección de los altavoces XLR interfaz directa Neutrik Speakon y jack 1/4" CARACTERÍSTICAS DEL HEADLINER 410 800W programa de manejo de potencia 1600W de potencia máxima 4 parlantes de 10 " 8 Ohms de impedancia Gabinete de 18mm de espesor Angulos de refuerzo de acero Rejilla metálica perforada Alfombra resistente negro que cubre

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YamaHa PaCIfICa 120 En cuanto a la guitarra Yamaha Pacifica 120 su sonido es limpio y cristalino, el micrófono del puente es bastante potente a la hora de usar cualquier distorsión, el del mango es tan poderoso con ese tono característico del cuerpo de alder y al poner el selector en la posición intermedia se obtiene un buen tono rítmico. Otro punto a favor es que se mantiene afinada no importa cuánto estires las cuerdas. A parte de todo esto es muy versátil, puede servir como para tocar heavy, punk, grunge, blues y jazz. No podiamos esperar menos de Yamaha ya que siempre han respetado una esencia de calidad y excelencia que los ha hecho ser una merca respetada a nivel mundial.

En cuanto del acabado de esta Yamaha Pacifica 120, por el precio, uno espera algo de baja calidad, pero tiene un muy buena terminación para ser un instrumento de gama media. Tanto la pintura y otros detalles, la hacen una muy buena guitarra, sobre para aquellos que se inician en este instrumento.

La nueva Yamaha Pacifica 120 es una apuesta segura, es como la versión con dos micrófonos Humbuckers de la famosa Pacifica 112V. Esta nueva guitarra responde a las exigencias de los guitarristas que buscan más potencia.

La configuración HH con dos Humbuckers de auténtico Alnico V y la construcción maciza Hard-Tail en madera de aliso

40 | Yamaha Pacifica 120

Esta guitarra con un aspecto un poco vintage se combina muy bien con los dos micrófonos humbuckers a un muy buen precio.

Por Sergio resar

garantizan una respuesta de alto octanaje. El conmutador push-pull, añade un toque de versatilidad sonora extra, permitiendo convertir la pastilla del puente en una single-coil de bobinado simple. Viene disponible en 4 colores.

El diseño de la Yamaha Pacifica 120 es bastante ergonómico. Es un poco más pesado que algunas de las Pacificas que hemos probado. Conseguir un buen sonido de esta guitarra Yamaha Pacifica 120 es bastante fácil y muy simple. No tiene un montón de opciones de conmutación, pero es lo suficientemente versátil como para tocar muchos estilos de música, ya sea tocando limpio o distorsionado, los tonos son gruesos y punzantes.

En definitiva creemos que la Yamaha Pacifica 120 es una gran compra para cualquier persona en busca de un buen estilo de guitarra Tele con los tonos humbucker. Se trata de un instrumento de calidad que tiene un aspecto agradable, gran sensación natural y tonos excelentes en todo.

CARACTERÍSTICAS: Cuerpo de Aliso Puente: Trémolo Vintage Cuello de Arce Longitud de escala: 25 1/2 "(648 mm) Diapasón: Palisandro Radio: 13 3/4 "(350 mm) Frets: 22 Hardware y pastillas: Pastillas: Humbuckers Alnico V x 2 Controles: Volumen Principal Máster tono con Push-Pull Clavijeros: Fundición

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rITCHIe blaCKmore

Nacido en 1945 en Inglaterra, Blackmore es uno de los guitarristas más innovadores e influyentes. fundador de los grupos Deep Purple y rainbow y uno de los padres del hard rock y heavy metal. Por Sergio resar

Influido por Wolfgang Amadeus Mozart, supo introducir en sus solos y composiciones, fraseos de música clásica, dada su formación como guitarrista clásico.

Blackmore ha sido criticado por su carácter y apodado "Man in Black" por su comportamiento dentro como fuera del escenario, tuvo una gran influencia entre muchos de los guitarristas que vinieron después de él. La historia como guitarrista de Blackmore comienza cuando el padre de Ritchie le regala una guitarra eléctrica y lo hace tomar clases de guitarra clásica durante un año para justificar el gasto que hizo en el instrumento. A partir de ese momento, Blackmore comienza a participar en distintas bandas de rock.

de ahí surge la formación clásica de Deep Purple. La banda ya contaba con tres discos grabados, pero a partir del ingreso de los dos nuevos integrantes, empieza el esplendor para ellos. Con esta formación, graban cuatros discos fundamentales para la historia del rock mundial, «In Rock», en 1971 «Fireball», en 1972 «Machine head» y en 1973 «Who do we think we are» además del monumental «Live in Japan». En 1973, ian Gillian decide irse de la banda por los constantes roces que mantenía con Blackmore y tanto él como Lord, deciden echar sin ninguna razón aparente a Glover. En su reemplazo entran David Coverdale en voz principal y Glenn Hughes en bajo y segunda voz.

En el año 1967 forma parte de una banda llamada Roundabout integrada por Jon Lord en teclados, Ian Paice en batería, Rod Evans en voz y Nick Simper en el bajo. Al poco tiempo de establecerse como guitarrista dentro de la banda, sugiere un cambio de nombre, de ahí surge la primera formación de Deep Purple. A partir del año 1969, tanto Blackmore como Lord no están conformes con el cantante Rod Evans y deciden reemplazarlo por Ian Gillan. Este acepta con una condición, que el bajista de la banda sea su amigo Roger Glover. Como tampoco estaban contentos con Simper, aceptan las condiciones de Gillan y

Ya para 1974, Ritchie, nada conforme con el rumbo musical que toma Deep Purple, decide marcharse y crea Rainbow, eligió como cantante al entonces desconocido Ronnie James Dio, la voz de Elf, que actuaban como grupo soporte de Deep Purple en su gira por Estados Unidos. Dio aceptó con la condición de que el resto de la banda que él estaba, formara parte del proyecto. De esta forma quedó la primera alineación de Ritchie Blackmore’s Rainbow y al mismo tiempo el guitarrista se ahorró de buscar músicos para su banda. Al no conseguir éxito en Estados Unidos, después de sacar su primer disco “Ritchie Black-

ritchie Blackmore 42 | Informe Cables Stagg

more’s Rainbow” en 1975, decide reemplazar todos los integrantes y llama a nuevos músicos menos a Ronnie J. Dio, después de eso pasaron por Rainbow artistas de la talla de Joe Lynn Turner, Cozy Powell, Graham Bonnet, Roger Glover, Don Arey, y algunos más. En 1983 disuelve Rainbow y decide integrar la reunión de Deep Purple. Editan dos discos de estudio y otro en vivo llamados «Perfect Strangers», «The house of the blue light» y el vivo «No Boody´s perfect». Terminada la edición de estos discos y las giras correspondientes, el cantante Ian gillan decidealejarse por las marcadas diferencias que mantenía con Blackmore, es así que en 1990, se saca «Slaves and Masters» con Joe lynn Turner en las voces.

En 1993, con la excusa del 25 aniversario de la banda, se crea otra reunión de Deep Purple, llaman a Ian Gillan nuevamente para que se haga cargo de la voz principal. Lanzan al mercado un nuevo disco «The batle rages on…» que en cuya gira, y terminando con ella como decía el contrato, Ritchie Blackmore abandona Deep Purple (hasta hoy definitivamente) y así vuelve a formar Rainbow, con muchas caras nuevas. Entre estas el correcto vocalista Doogie White, quien grabaría algunos discos con Yngwie Malmsteen.

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CorT arTIsan a4

Esta fábrica coreana de de guitarras y bajos fue establecida en 1973 por Jack Westheimer de Chicago, Illinois. Westheimer, utilizó la fábrica para producir las guitarras acústicas de la marca Cortez. Con el tiempo Cort empezó a fabricar sus propios instrumentos, aunque también produjo guitarras para otras marcas (por ejemplo Kramer o BC Rich), probablemente sea la marca coreana mejor establecida en el mercado internacional y a lo largo de su historia ha contado con patrocinios del calibre de TM Stevens, Billy Cox, Larry Coryell o Hiram Bullock. Hace algunos años Cort puso en funcionamiento una fábrica en Surabaya (Indonesia) que es de donde procede el instrumento que hablaremos en este artículo.

Los bajos Artisan ya son clásicos dentro del catálogo de Cort y en la actualidad se pueden encontrar diversas variantes de cuatro, cinco y seis cuerdas. El bajo Cort Artisan A4 es el modelo más básico en su versión de cuatro cuerdas aunque, al sacarlo de la caja, su aspecto resulta francamente atractivo.

El Cort Artisan A4 está construido para músicos que necesitan un bajo premium, el Artisan es la mejor opción.

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Si hiciéramos una encuesta entre nuestros lectores, pidiendo que nombraran una marca coreana de guitarras, sin duda la más nombrada, y apostaríamos a que por una gran diferencia, sería Cort. Por Sergio resar

Características de alta calidad disponibles en algunos modelos incluyen: construcción mango a través de cuerpo, micrófonos Bartolini y puentes Hip Shot para un mejor desempeño. Además se puede elegir entre una gran variedad de maderas exóticas. Todos los bajos fueron terminados con la técnica acabado a poro abierto para aumentar el rendimiento sonoro. Fabricado con madera exótica– tapas delantera y trasera sólidas de zebrano (A-Custom Z). Tapas delantera y trasera sólidas de arce spalted (A-Custom SP)

El bajo Cort Artisan A4 sigue la tradición de sus antecesores en la serie Artisan. Es un bajo moderno, versátil, muy ergonómico y tiene un precio más que razonable. Además ofrece una imagen atractiva y sobria gracias a su acabado translúcido satinado que deja apreciar la belleza de sus maderas sin resultar excesivamente llamativo. Si no pudiste comprarte un ejemplar coreano, ahora puedes hacerte con este asombroso bajo Cort Artisan A4 indonesio. No te decepcionará y seguramente quedarás impresionado con su poderoso sonido y su construcción sólida.

El Cort Artisan A4 trae micrófonos y circuitos Bartolini. En el centro de este instrumento premium están los micrófonos Bartolini MK Soapbar a través de los cuales se pueden obtener poderosas frecuencias bajas y medio bajas así como agudos brillantes. El ecualizador incorporado Bartolini asegura el mejor tono en su medida perfecta.

Posee un Puente Hipshot TransTone que tiene una construcción fuerte. La opción de cuerdas a través del cuerpo y colocación tradicional brindan la máxima versatilidad. Tiene un Circuito Bartolini MK-1 con control maestro de volumen, Balanceador de micrófonos, Bajo, Medio, Agudo, Ecualizador con interruptor de encendido-apagado.

CARACTERISTICAS Construcción: Cuerpo entero Cuerpo: Caoba with solid spalted maple top & back Mango: Maple/Wenge 5pc, Modern "C" Shape Diapasón: Rosewood, 15 3/4" Radius (400mm) Trastes: 24/Large (2.7mm) Escala: 34"(864mm) Inlay: Abalone Dot with Black Circle Afinadores: Hipshot lic.

Puente: Hipshot Trans Tone Bridge (4) Pastillas: Bartolini MK4CBC-B & MK4CBC-T Electrónica: Bartolini MK-1 EQ Hardware: Níquelado Negro Cuerdas: D'Addario USA Especial: Zebra & Rosewood Multi Layer on Top, String-thru & Up-load Construction, Knobs with Orings Colores: A4-Custom SP NAT - Natural Glossy

Cort Artisan A4 | 43

JoHn Paul Jones

John Paul Jones es quizás uno de los bajistas más influyentes del rock y la base desde donde todos los que nos dedicamos a ese estilo nos reflejamos para el estudio del instrumento y sus secretos.

Con tan solo catorce años, empezó a formar parte del grupo de danza de su padre, Joe Baldwin y un año más tarde formó su primera banda. En los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, The Mindbenders, The Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros.

En 1968, convocado por Jimmy Page( que ya había sido un prestigioso músico de sesión antes de incorporarse a los Yardbirds para sustituir a Paul Samwell-Smith, participando en discos de numerosos grupos y solistas, entre ellos los Who, Dave Berry, los Herman’s Hermits, Donovan o los Kinks), a quien había conocido en grabaciones donde participó como arreglador. Dejó su trabajo como arreglador de estudio para unirse a la banda. En su época como integrante de Led Zeppelin tocaba el bajo y el

44 | John Paul Jones

Nacido en Sidcup, Inglaterra, el 3 de enero de 1946 bajo el nombre de John Baldwin, es conocido en todo el mundo por haber sido integrante de una de las bandas más influyentes del rock, como lo es grupo Led zeppelin. Por Sergio resar

teclado, además de varios instrumentos en las sesiones de grabación, mandolina, flauta, etc. Se encargaba de los arreglos de las canciones junto con Jimmy Page. Jones también fue el responsable de varias canciones de Led Zeppelin, como por ejemplo "Black Dog" o "What Is and What Should Never Be" También se nota su influencia musical en "No Quarter" o "Trampled Underfoot" canciones en las que solamente usa teclados.

Después de actuar con éxito en varios clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo editó en Atlantic “Led Zeppelin” , un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda. Led Zeppelin II” superó en ventas a su primer Lp, alcanzando el puesto número uno en los Estados Unidos y en Gran Bretaña con grandes temas como “Whole lotta love, “Heartbreaker” o “Ramble on”. Con la desaparición de Bonham, se provocó la disolución definitiva de la banda, que publicaría de forma póstuma “Coda” (1982), un álbum que contenía material de archivo.

Jones comenzó su carrera solista con las bandas sonoras Scream for Help y The Secret Adventures of Tom Thumb y grabó su primer trabajo en solitario titulado Zooma en 1999, al que siguió The Thunderthief en 2001. Tampoco se debe olvidar su colaboración con músicos de estilos tan aparentemente alejados de Led Zeppelin como Diamanda Galás, con quien compone y graba el álbum The Sporting Life en 1994. De reconocido prestigio, grupos como REM le pidieron que les produjese uno de sus últimos trabajos con sorprendentes resultados.

Los instrumentos que ha usado este talentoso bajista con Led Zeppelin y luego de ellos podemos encontrar los siguientes: Bajo Fretless Fender Precision Bass, Bajo 1961 Fender Jazz Bass (usado en vivo), Bajo 1951 Fender Precision Bass, Mandolina Gibson, Mandolina acústica Andy Manson de tres cuellos , 12 cuerdas & 6 cuerdas (también usada en vivo), Alembic Triple Omega,,Alembic Series II, Bajo Custom made Pedulla Rapture, Acoustic 360 Bass Amp, Órgano Hammond, Clavinet Hohner, Hohner Electra-Piano, Fender Rhodes, Mellotron, Piano Steinway, Piano Yamaha CP-80.

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GuITarra rITmICa

THE BEATLES

¡Hola, gente! Hoy quiero analizar algunas bases de este cuarteto, que no necesita presentación re Edición de lo mejor del suplemento técnico (revista Nº 29) alguna. Por facundo López Burgos

En primer lugar, nos encontramos con Taxman, pieza de George Harrison que abre Revolver, y vemos una forma de generar variación ante una armonía estática (los cuatro compases del ejemplo en D7). Por un lado, la guitarra se apoya en la base del tema, tocando los tiempos 2 y 4 del compás (al igual que el tambor), pero introduciendo una pequeña variación, ya que al golpe del 2º tiempo lo deja sonar el tiempo completo. El del 4º tiempo es ‘sttacato’, es decir que corta el sonido inmediatamente después del ataque. Además, en el 3º compás encontramos una pequeña variación rítmica (también la escuchamos en el tambor), con un movimiento melódico generado al agregar al acorde una tensión, en este caso la 9ª aumentada.

En el ejemplo B (Oh Darling!, Abbey Road) nos encontramos con un piano que ocupa mucho lugar, tanto en el aspecto armónico como rítmico. Una vez más la guitarra elige apoyar el golpe del tambor utilizando pocas notas, y en una pequeña porción

del registro. Si escuchan atentamente notarán que la nota más grave tocada por la guitarra es a lo suma igual a la más aguda tocada por el piano. El ejemplo C nos muestra el riff de Drive My Car (Rubber Soul). El mismo está construido utilizando el arpegio del acorde (tónica, tercera y quinta), y tocado a distancia de octava junto al bajo. En el último ejemplo vemos el motivo rítmico de la intro, que se repite a lo largo de la estrofa en el tema Everybody’s Got Something to Hide Except Me And My Monkey (Álbum Blanco). El mismo alterna las tríadas de Mi Mayor y La Mayor. Al permanecer la línea de bajo firme en Mi mayor, el resultado es que se escuchan la tríada del acorde primero, a lo que se agregan 4ª y 6ª luego. Si observan, la segunda y tercera tríadas no son más que dos distintas inversiones de la tríada de La Mayor.

Bueno, como siempre, por clases o dudas pueden escribirme a faculb@gmail.com. ¡Hasta la próxima!

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel 'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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sHreD GuITar

re Edición de lo mejor del suplemento técnico (revista Nº 32

Como siempre, vamos a usar diferentes técnicas, tales como sweep picking o técnica de barrido, ligados (hammer on, pull off), saltos de cuerdas, etc. Como expliqué en la nota anterior, el acorde disminuido aparece dentro de la escala menor armónica, específicamente sobre su séptimo grado. Este acorde es muy usado a la hora de armonizar, sustituir, conectar acordes, etc. Los acordes o arpegios disminuidos están construidos por terceras menores, por ejemplo: Aº= A C Eb Gb. Como podemos ver, las notas se encuentran a un tono y medio de distancia entre sí, por lo tanto cualquiera de estas notas puede ser tónica. Ok, vamos a ver los ejemplos.

Ej.1: Acá tenemos una idea bien clásica, o neoclásica, mejor dicho. Es un fragmento de un tema mío, que solía tocar con una banda platense llamada “Rachel”.

En este caso estoy usando arpegios menores y disminuidos en 2 cuerdas. Este tipo de cosas es muy usada por Yngwie Malmsteen, entre otros. Es muy importante el uso de la púa; presten especial atención a los movimientos de la púa.

Ej.2: Este es un fragmento de un tema llamado `Race with destiny´ de Vinnie Moore. Lo podrán encontrar en su segundo álbum, `Time odyssey´, track 6. Por

EJEMPLOS CON ArPEGIOS DISMINuIDOS Anteriormente les mostré algunos ejemplos con arpegios disminuidos. En esta oportunidad vamos a ver cómo podemos emplear estos arpegios en ideas musicales. Por Silvio Gázquez supuesto, vamos a tener arpegios disminuidos y nos vamos a encontrar con 2 formas muy distintas de tocarlos. El primero es un patrón muy usado, el cual incluye algunos ligados y púa alternada. Y el segundo es muy particular, vamos a tocarlos con saltos de cuerdas y ligados. Para ello, tenemos que estirar bastante nuestros dedos de la mano izquierda, de esa forma lograremos grandes intervalos…

Ej. 3: Y, por último, vamos a ver otro ejemplo neoclásico. En este caso, es un fragmento de un tema de Racer X llamado `Scarified´, del disco Second Heat.Tenemos 3 arpegios mayores y terminamos con un disminuido, todos tocados con la técnica de barrido y algunos ligados.

Ok, eso es todo por hoy, espero que les sea útil y, como digo siempre, creen sus propias ideas. Les recuerdo que estoy dando clases a distancia por Skype, así que cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo topogazquez@hotmail.com. ¡Hasta la próxima, y a practicar, se ha dicho!… ¡Saludos!

siLVio gázquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso guitar secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del guitar idol 2008. en el 2009 ganó en Youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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ImProTéCnICa

re Edición de lo mejor del suplemento técnico (revista Nº 32)

Esta escala es muy usada por Steve Vai, John Petrucci, Guthrie Govan, Alex Hutchings y Kiko Loureiro, entre otros. Se utiliza sobre acordes dominantes, como sucedía con el modo mixolidio, pero con la diferencia que la lidia b7 tiene el 4º grado ascendido, que le da un toque especial. El nombre lidia b7 proviene de que es igual al 4to. modo de la escala mayor, que es el modo lidio, pero con la diferencia que tiene la séptima menor. Por eso b7, por séptima bemol, y se usa particularmente en dominantes sustitutos. C

LIDIA B7 Espero en las vacaciones hayan descansado los dedos. Empezaremos el año con todo! una escala tremenda es la Lidia B7, que viene de la escala menor melódica (la lidia b7 es su 4to. modo). Por Gabriel Caparrós 1) El primer ejemplo es un grupo de ligados con la figura de octavosillos al estilo Joe Satriani. Acentúen bien la primera nota de cada grupo de las siete notas cuando arrastran.

2) Veremos la técnica de economic licking, muy usada por Kiko Loureiro. En este ejemplo serán cuatríadas, añadiéndoles notas de paso con la figura de seisillos.

omo siempre, vamos a ver la escala con ejemplos del tipo técnico. Vayamos a los ejemplos y a la estructura de la escala.

3) Este ejemplo es con la técnica híbrida, basada en el estilo y/o fraseo de Steve Vai, donde mayormente la frase hace 1ra. 5ta. 8va. o remplazando la 8va. por la 9na. Esta frase está bueno tocarla en tresillos o seisillos; la técnica híbrida sería púa abajo, y con la mano que sostiene la púa, dedo medio y luego anular.

ESTRUCTURA DE LA LIDIA B7 - EJEMPLO EN D LIDIA B7: D E F# G# A B C Grados: 1 2 3 4au 5J 6 7m

Bueno, a disfrutar de esta escala tan particular y usada. Hasta la vista!.

gaBrieL caparrós Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de diego Mizrahi. es profesor de guitarra eléctrica y Flamenca en la escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la doble 2, y con ricardo alonso (“el griego”, ex baterista de pappo). actualmente da clases particulares de guitarra. e-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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GuITarra Jazz re Edición de lo mejor del suplemento técnico (revista Nº 27)

MILES DAVIS Hoy les ofrezco un solo en el famoso standard “Solar” de Miles Davis, uno de los más importantes artistas de jazz de todos los tiempos. Por Juampy Juárez

Este tema es un blues menor rearmonizado, muy moderno para su época, y muy útil para improvisar sobre cambios de acordes con los ejemplos de arpegios, escalas y tríadas enlazadas que veníamos viendo en las lecciones previas. Espero que puedan reconocer el material utilizado. En el compás número 3 aparece G-melódica, escala muy importante a nivel sonoro, que empezaremos a investigar en el próximo número. Saludos a todos y que lo disfruten, ¡recuerden usar metrónomo y el pie en los tiempos 2 y 4!

JuaMpY Juárez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins, paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires, Bangkok, san pablo y new York. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz. como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana, emme Vitale, el reloj, gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más importante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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InfluenCIas

JAMES JAMErSON

Quiero agradecer los mails por mi 1era. nota en la revista; es muy grato saber que aún hoy los más jóvenes siguen influenciándose por bajistas como Mc Cartney. En re Edición de lo mejor del suplemento técnico (revista Nº 27) esta edición vamos a ocuparnos de James Jamerson. Por Pablo Santos

El Gran James Jamerson, bajista que, junto a los “funk brothers” del sello Motown grabó muchos de los temas que alcanzaron el No.1 entre los años 60’ y 70’. No es casual que bajistas estilísticamente tan diversos como el mismo Mc Cartney, Billy Sheehan, Flea o Patittucci lo cuenten entre sus mayores influencias.

A los consabidos patterns, priorizando notas de acorde, solía agregarles pasajes cromáticos, utilizando notas fuera de la escala, generando tensión en sus bases, algo impensado en aquella época para temas ¨radiales¨ (ej. 1 ¨I was made to love her¨ de Stevie Wonder). Otro recurso, ya en lo rítmico, es el empleo constante de síncopas y contratiempos, pero siempre dentro del groove. Sus bases son sólidas, ya que nunca cruzan la delgada línea que separa el tocar muchas notas de perder peso en la base.

Tengan en cuenta canciones como ¨For once in my life¨ de S. Wonder (ej. 2). El ej. 3

(¨What’s going on¨ de Marvin Gaye) es un groove en Mi, que da para tocar por horas sin repetir compás alguno. Loop en una sola tonalidad, o metrónomo mediante, ¨zapen¨ sus propias líneas, cambien el modo a menor, modulen, etc. La mayor influencia, el ¨concepto jamersoniano¨ es, o debiera ser, el no limitar la base de bajo a un patrón constante, que puede llegar a ser monotono, dependiendo del estilo y entorno musical.

Hoy en día, en que la música parece mezclarse y mirarse a través de una pantalla de edición, los invito a prestar atención a esas viejas grabaciones del sello Motown, para poder escuchar un groove “honesto y sincero” entre bajo y batería, producto de muchas horas tocando juntos. Los “errores espontáneos”, que ningún plugin o sinte virtual podrán crear jamás. Los encuentro en el próximo número; como cuentan, Jaco Pastorius solía decir: ¨¡lo juro por James Jamerson!¨

paBLo sanTos es bajista de JaF y director musical de soledad pastorutti, tocó en las bandas estables de david Lebón, alejandro Lerner y diego Torres. además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, gloria estefan, León gieco, Horacio guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, nito Mestre, chico novarro, olodum, pappo, Luciano pereyra, Luis salinas, sartén system, Bebu silvetti, Mercedes sosa, patricia sosa y Lito Vitale, entre otros. su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición.

Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

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baJo TaPPInG re Edición de lo mejor del suplemento técnico (revista Nº 32)

Se define simplemente como dos notas sonando simultáneamente. Se usan los dedos índice y medio de la mano derecha; el índice en cuerda dos y el medio en la primera cuerda. El toque debe ser fuerte en ambas manos, para lograr claridad y ataque en el sonido. Estas Notas Dobles funcionan como bicordios o acordes de dos sonidos, ayudando a definir la armonía.

SLAP - NOTAS DOBLES Dentro de la técnica de slap tenemos un recurso muy interesante, que consiste en tocar dos pluck juntos; a esto se lo llama Notas Dobles. Por Alejandro Giusti El tema que está a continuación se llama La Vieja y pertenece a mi primer disco con la Giusti Funk Corp. Lo grabamos en 1996 en trío con Pablo Rovner en guitarra y Daniel “Pipi” Piazzolla en batería. Lo pueden escuchar en la página de esta revista: guitarristasar.com.ar. Saludos a todos.

aLeJandro giusTi compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 cds con su banda: “giusti Funk corp.”, “Barrio Funk”, “arrabal eléctrico”, “plan c” y “grande de Fuzza”. entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, pablo Mainetti, Lito Vitale, pablo rovner, daniel “pipi” piazzolla, popy spatocco, Juan cruz urquiza, nicolás guerschberg, gustavo Musso, gustavo cámara, diego clemente, pedro Menéndez, richard nam, álvaro Torres, entre otros. alejandro giusti es autor de dos libros con cd: “Bass Book de slap”, 1999 y “candombe Música afro-rioplatense”, 2008. del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music expert, que se emitía para toda Latinoamérica. podes conectarte con alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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baJo Jazz re Edición del suple técnico (revista Nº 32)

LATIN JAzz En ediciones anteriores hemos hablado del walking bass, o bajo caminante en el jazz, con algunos ejemplos construidos sobre standards como "Tune up" y "Autumm leaves".

Esta vez hablaremos del latin jazz o jazz latino. Por Damián Vernis

En este estilo el bajo ejecuta una línea que lleva el nombre de "tumbado", que se utiliza en la música latina, y en especial la cubana. Veamos dos tumbados básicos para comenzar a practicar, ya que el tema del bajo latino es muy amplio y podemos retomarlo a lo largo de siguientes ediciones de esta revista.

Tumbados básicos: Ejemplo 1 (pentagrama) y Ejemplo 2 (pentagrama)

En esta ocasión interpretaremos la línea de bajo sobre el tema de Dizzi Gilespie "A night in Tunisia", en el cual se utilizan parcialmente tumbados de bajo. La forma clásica de tocar este tema es la siguiente: Parte A latin (tumbado), Parte A latin (tumbado), Parte B swing (walking), Parte A latin (tumbado). He aquí la línea de bajo de la parte A, utilizando el primer y segundo tumbado. Ejemplo 3 (primer tumbado) y ejemplo 4 (segundo tumbado).

daMián Vernis Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, Yeye López, adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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baJo base re Edición del suplemento técnico (revista Nº 30)

rECOrrIENDO EL BAJO Continuando con lo expuesto en mi anterior entrega, les presento otra idea para investigar el diapasón del bajo, y mejorar la visualización de las escalas en él. Por Andrés Dulcet

¡Hola, estimado colega bajista!... Estos ejercicios se basan en las 3 posiciones vistas en el número anterior. En este caso propongo cambios de posición en una misma cuerda. Es decir, en vez de cambiar de cuerda, subo una posición en la misma cuerda en la que estoy.

Las notas indicadas con una letra T indican la tónica de cada escala en la que trabajamos (Ej. A en FA, Ej. B en RE y Ej. C en DO). Al comienzo de cada pentagrama la armadura de clave indica las alteraciones de cada escala. FA Mayor tiene Sib, RE Mayor tiene Fa# y Do#, por último DO Mayor, que no tiene alteraciones).

Siempre estamos tocando de a tres notas en cada posición de la mano izq., entonces lo interesante es decidir cuándo pasás de cuerda, o cuándo cambiás de posición en la misma cuerda. Alternar estas dos opciones permite recorrer el diapasón de una manera fluida. Es muy importante tocar muy lento, pensando en el nombre de cada nota, y de qué grado de la escala es esa nota. Gracias por tu atención, y lo mejor para vos. Hasta pronto.

andrÉs duLceT es sesionista y docente de bajo eléctrico desde hace 20 años. Trabaja en vivo y grabaciones con gran variedad de artistas como Fabiana cantilo, alberto cortéz, nito Mestre, ariel roth y muchos otros. por clases particulares, comunicate a: adulcet@hotmail.com (asunto cLases).

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rolanD Gr55

Acerca del sonido de la Roland GR55 podemos decir que el generador triple-core aloja un abanico de guitarras virtuales de clase mundial, bajos, amplificadores y voces sintetizadas, brindando tonos y texturas que nunca antes han sido escuchadas. En el escenario o en el estudio, puedes acceder instantáneamente a una inmensa librería de sonidos listos para usarse. Revolucionaria fusión de síntesis de guitarra y poderoso modelado de guitarra COSM. Hasta cuatro fuentes de sonido al mismo tiempo: dos tonos sintetizados PCM, más modelado de guitarra COSM y entrada normal de guitarra.

La Roland GR55 es fácil de usar y fácil de tocar con cientos de sonidos geniales para guitarristas de rock, pop, etc. La avanzada tecnología Roland provee suprema calidad de sonido y procesamiento a la velocidad de la luz. Más de 900 sonidos Roland y la más reciente galería PCM completamente editable, incluyendo pianos, órganos, cuerdas, sintetizadores clásicos y mucho más. Dos tipos de motores multiefectos, más reverberación global, chorus, efectos de delay, y looper integrado abordo. Reproductor de audio grabado en memoria USB controlándolo

54 | roland Gr55

La Gr-55 de roland, es la revolución en síntesis de guitarra, porta funciones nunca antes disponibles en otros procesadores. En términos de velocidad, es el más rápido de la historia. También es el más preciso gracias a la tecnología de detección de timbre (pitch-detection). Por Sergio resar

mediante un pedal. Uno de los puntos positivos de la Roland GR55 es que dispone de un display y rueda frontal que hacen muy cómodo, rápido e intuitivo cualquier ajuste. Desde la pedalera, podemos decidir si la salida que usamos va a conectarse a una mesa de mezclas, a un amplificador, a un pre, etc. Este ajuste marca una gran diferencia en cuanto al timbre que esperamos conseguir. Puestos a trabajar con la sorprendente Roland GR55, lo que primero vamos a percibir en este producto es la cantidad de posibilidades de las que disponemos y que seguramente nos ayudarán a encontrar nuestro sonido o el tono, el que estemos buscando.

del modelado es notable y su posibilidades son muchas, teniendo en cuenta las opciones que nos ofrece como: la selección del tipo de parlantes, la del micrófono con el que tomamos la señal, la distancia a la que este actúa e incluso su posición con respecto al cono. Tanto para guitarras eléctricas como acústicas o cuerdas de nylon, pasar nuestra señal por un equipo de estas características puede constituir un auténtico lujo, aparte de la extraordinaria comodidad que supone, sobre todo si lo comparamos con el arsenal de equipo y racks de efectos que necesitábamos hace años para conseguir un rendimiento equiparable.

Los programas de la Roland GR55 se pueden configurarse de manera que tengamos la opción de usar dos bancos de sonidos del sintetizador, así como un sonido de modelado y otro con el sonido "real" de nuestra viola, procesado por la unidad de efectos. A partir de aquí nos sumergimos en un océano de posibilidades inmensas. En cuanto a la amplificación, podemos destacar los emuladores de Fender Twin Reverb, de distintos tipos de Marshall, Mesa Boogie, Matchless, Vox, Soldano y otros muchos. La calidad

Un extraordinario equipo que puede sernos de gran utilidad tanto en estudio como en vivo. Dos puertos USB añaden versatilidad al Roland GR55. Un puerto está diseñado para la conexión a computadora, permitiendo que la Roland GR55 pueda funcionar como una interfaz de audio/MIDI. El segundo puerto es para conectar un dispositivo de memoria USB para facilitar en tiempo real la reproducción de archivos de audio WAV almacenados en la memoria flash USB.

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