Guitarristas y Bajistas Magazine #34 by Sebastian Perego

s a t s i r r a t r i a . Gu Bajistas & NOVEDADES - Página 05 CLíNICA PEAVEy CON ruDy SArzO - Página 08 CLíNICA WAShBurN CON STu hAMM - Página 10 CLíNICA LANEy CON KIKO LOurEIrO - Página 12 ThE rEALIST TrANSDuCErS - Página 13 ENTrEVISTA A DrAGóN MOGLIA - Página 14 ENTrEVISTA A LuíS D’AGOSTINO - Página 18 CLíNICA hENDrIX MuSIC - Página 20 ENTrEVISTA A COurTLAND GrAy - Página 22 ENTrEVISTA A JAF - Página 26 ENTrEVISTA A JuANJO GÁSPArI - Página 30 LA BATALLA DEL SIGLO: FENDEr VS. GIBSON - Página 32 EXPOMuSIC SAN PABLO (BrASIL) - Página 36 INFOrME SChECTEr hELLrAISEr SOLO 6 E/A - Página 38 ENTrEVISTA A FLAVIO rOMErO - Página 40 ENTrEVISTA A PAuL DOurGE - Página 42 INFOrME WArWICK JACK BruCE - Página 54

SuPLEMENTO TÉCNICO FACuNDO LóPEz BurGOS - Página 45 SILVIO GÁzQuEz - Página 46 GABrIEL CAPArróS - Página 47 JuAMPy JuÁrEz - Página 48 PABLO SANTOS - Página 49 ALEJANDrO GIuSTI - Página 50 DAMIÁN VErNIS - Página 51 ANDrÉS GALEOTTI - Página 52

Editor responsable - Silvia ruggero sruggero@guitarristasar.com Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com Publicidad - Sergio resar sergiog2007@hotmail.com Arte | Diagramación - Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Juampy Juárez , Facundo L. Burgos, Gabriel Caparrós, Rodrigo Yacciofani, Silvio Gázquez, Alejandro Giusti Damián Vernis, Pablo Santos, Andrés Galeotti, Florencia Pérez del Valle

04 | Editorial

Año 7º - Nº 34 | Noviembre 2012 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Ideográfica - Perón 935 (1038) C.A.B.A Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A y Gran Bs. As.: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A

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NOVEDADES

Todo sobre los últimos productos a tu alcance un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

PEdaLEs boss Instrumentos musicales sa www.promusica.com.ar

KIssEro Hasta La mEduLa ma music - www.famamusic.com.ar

Como ya nos tiene acostumbrados desde hace muchos años, la firma Instrumentos Musicales S.A. nos trae las novedades en pedales Boss.

Fama Music, ante la venida de Kiss, organizó un concurso junto a radio Vorterix, sorteando un bajo CORT AXE ll, el famoso bajo hacha de Gene Simmons. Los participantes demostraron su destreza tocando el bajo, con la atenta supervisión de Gaby Coria, el Gene

Como todos sabemos, son las más populares mundialmente. En este caso nos presentan al FZ-5, un fuzz para guitarristas modernos, con la posibilidad de lograr también los sonidos retro; el BC-2 Combo Drive, que genera un sonido clásico inspirado en la serie AC de los amplificadores combo británicos; el MD-2, Mega Distortion, uno de los pesos pesados de Boss; el FB2, Feedbaker Booster, y el VE-5, Vocal Performer.

marK bass amPs Grupo rómulo García www.gruporomulogarcia.com.ar

argentino de Kiss my Ass, que eligió a cinco finalistas que se batieron al día siguiente, a un duelo de pregun-

Markbass fue fundado en 2001 por Marco De Virgiliis en Italia, un ingeniero electrotécnico que trabajaba en el campo de telecomunicaciones, y a finales de los años 80 decidió comenzar a fabricar amps de bajo y bafles. Trabajó durante varios años para crear un producto que no fuese uno más del montón. A finales de los 90 promovió la construcción de altavoces de neodimio para amps de bajo, cuando en el mercado se utilizaban altavoces B*C. Después de unos años Marco montó su propia empresa, y Markbass nació. Hoy en día es la marca de amps más demandada por músicos reconocidos de todo el mundo, caracterizándose por la excelente relación entre su peso y la potencia (poco peso por muchos vatios). Los productos que hoy están en Argentina son los siguientes: MOMARK SA500; F1; LITTLE MARK 250; LITTLE MARK III; LITTLE MARK TUBE; LITTLE MARK TUBE 800; LITTLE MARK ROCKER 500; TRAVELER 151P, NEW YORK 151; NEW YORK 804; CMD 102P; CMD 151P; MINIMARK; MICROMARK 801; SUPER SYNTH; COMPRESSORE; SUPER BOOSTER; TUBE MARKER; MB OCTAVER. Listos para verlos, probarlos y disfrutarlos.

mxr custom badass mo music solutions www.musicsolutions.com.ar El siguiente en la línea de MXR Custom Badass Modified Overdrive es un overdrive circuito clásico, con modificaciones modernas, para mejorar el rendimiento y versatilidad. Para una mayor flexibilidad, hemos añadido un corte de 100Hz y control de impulso, que permite una más enfocada EQ cuando se corta, o un tono más robusto cuando está reforzado. El interruptor Bump contrata a un suplente EQ, expresando que aumenta los bajos y medios. Ponlo frente a la distorsión Badass '78 personalizado para un montón de amperios, como las estructuras de ganancia que no enmascaran su tono.

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tas sobre Kiss y el bajo en el programa de Olmedo en Vorterix. El feliz ganador se llevó el bajo y un encuentro con el mismo dios del trueno, que le firmó el Hacha.

Novedades | 05

GuItarras PEavEy sc sErIEs someco Electronics sa - www.someco.com.ar Peavey presenta como novedad para Argentina la llegada de su nueva serie de guitarras Single Cut, las cuales devienen de la forma de construcción hoy usada por todas las fábricas más importantes de guitarras, y que fuese patentada por Hartley Peavey: la técnica de construcción CNC.

tHE rEaLIst traNsducEr bajos xclusivos - www.bajosxclusivos.com Nos complace anunciar oficialmente que BajosXclusivos es el nuevo Master Distributor de los pickups The Realist para contrabajo, cello, viola y violín en Latinoamérica, y están buscando distribuidores en cada país... Los interesados nos pueden escribir a: tj@bajosxclusivos.com

Los modelos SC-1 y SC-2 incluyen 2 micrófonos con controles de volumen con compensación de tonos agudos, que elevan la claridad de los mismos en bajos niveles de volumen. Están construidos en basswood, con la sección central integrada, carved top, mástil de maple y diapasón de rosewood, con corte inferior más profundo y rebajado, para mejor acceso a los registros altos. Los colores disponibles son gloss black, cherry burst y vintage tobacco burst, con los detalles en cromo. Poseen un control de volumen y tono para cada mic, y clavijas die-cast, con una relación de transmisión 15:1.

Qsc audIo LaNza wEbsItE Para músIcos usuarIos dE Las LíNEas K - Prind-co srL (www.prind-co.com ) QSC Audio Products anuncia la primicia de un nuevo sitio web para guitarristas, tecladistas, bateristas, y otros músicos, que están conociendo cada vez más la familia de altoparlantes K (K Series, KW Series) y dándose cuenta de que ésta puede superar sus expectativas como un amplificador de instrumentos musicales o monitor de foldback. Los propios músicos fueron la génesis para la creación de KforMusicians.com, marcando el camino vía discusiones en foros online, respecto a los altoparlantes activos de la compañía, que los indicaban como la solución perfecta para una reproducción sonora precisa de fuentes digitales en una aplicación en vivo. El sitio K for Musicians, disponible en inglés y español, ofrece ejemplos múltiples de cómo los altoparlantes de la familia K pueden ser usados para reproducción de instrumentos musicales en aplicaciones de actuaciones en vivo comunes. Hay áreas distintas y separadas para guitarra eléctrica, guitarra acústica, bajo, teclado, batería electrónica y batería acústica, además de perfiles de artistas usuarios, fotos y entrevistas. La creciente lista de artistas presentados en las varias categorías incluye a nombres notables como Dweezil Zappa, Tony Levin, Jonathan Cain, Salo Loyo, David Mathews, Omar Hakim, Dave Weckl, y muchos otros. Y en cada caso, el sentimiento común escuchado una y otra vez es que la familia K permite a los músicos ser más expresivos, agregar matices y más dinámica, y producir actuaciones en vivo con mayor inspiración. Los tecladistas y bateristas electrónicos poseen un largo conocimiento de que la familia K ofrece precisión de monitoreo nearfield en la reproducción de los sonidos de sus instrumentos, pero con el beneficio agregado de salida amplia para satisfacer los requerimientos demandantes de la actuación en vivo en una variedad de montajes. Con la aumentada utilización de modelación de amplificador, los guitarristas modernos también han llegado a reconocer una necesidad similar. "Estamos muy impresionados con el número de guitarristas, no sólo usando nuestros productos como amplificadores, sino también promoviéndolos en muchos foros para guitarristas", cuenta Ray van Straten, director de comunicaciones de marketing de QSC. “Así que muchos guitarristas y bajistas ahora están usando la tecnología para recrear sonidos de amplificador tradicional, sea desde un Fractal Axe, un POD, un pedal, un iPad, o incluso una laptop. Un amplificador para instrumento común irá a causar estragos en ese sonido, debido a que ya es una señal completa. Los parlantes de la familia K permiten a los músicos tocar con toda la expresión y matices que disfrutan en el estudio, y debido a que cada altoparlante está equipado con un módulo de potencia de 1000 watt, también proveen la energía y presencia encontrada en los amplificadores de escenario más potentes”. Cuando se los utiliza en esta aplicación, los altoparlantes de la familia K además ofrecen ventajas distintivas sobre los amplificadores tradicionales en términos de conectividad y flexibilidad. Como todos los productos de la K Series tienen dos entradas que se pueden mezclar, un músico puede tener, por ejemplo, su instrumento en la primera entrada y una mezcla de monitoreo en la segunda, mientras controla el balance entre ambas. Y con salidas paralelas, los músicos pueden conectarse directamente al altoparlante, mientras al mismo tiempo envían una salida directa a la mezcla de la sala, sin la necesidad de una caja directa. También valioso cuando la actuación es mezclada desde FOH, los modelos K10, K12 y KW122 pueden ser utilizados en posición de monitores de escenario, frente al músico, mientras provee mayor control de volumen en escena para el ingeniero de sala. Usando un par de estos altoparlantes, los músicos consiguen una imagen estéreo verdadera en su posición de actuación. Vea la versión en español del sitio aquí http://kformusicians.com/spanish/ http://www.qscaudio.com/press/news.php?id=385 http://kformusicians.com/spanish/instrumentos/k-para-guitarra-electrica/

06 | Novedades

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NotIcIas HENdrIx musIc www.hendrixmusic.com.ar Como empresa hemos tenido un franco crecimiento en estos últimos años en los cuales trabajamos con mucha fuerza, pasión y dedicación para representar las mejores marcas del mundo, y así ofrecerles los mejor a nuestros clientes y por esa razón queriamos ponerlos al tanto de las noticias que acontecen sobre nuestras marcas y los destacados artistas que utilizan nuestros productos. 1 - Queremos felicitar a Baltasar Comotto por lograr el Premio Gardel al Mejor Álbum Nuevo Artista de Rock ”Blindado”. Baltasar Comotto es guitarrista del Indio Solari y Luis A.Spinetta y artista Rotosound Strings y Blackstar Amps. 2 - Blackstar Amps presenta a Richie Sambora como artista oficial de esta prestigiosa fabrica de amplificadores. 3 - Desde el departamento de Relaciones Artísticas de Hendrix Music, se ha creado el Fan Page de Facebook Music Addiction, con el propósito de generar un canal de interacción entre los músicos. Un soporte virtual de la revista impresa Music Addiction, con excelente material de cada una de las marcas que Hendrix Music desarrolla en la Argentina. En el mismo se podrá disfrutar de testeos y fotos exclusivas. Videos nacionales e internacionales donde encontrar la más precisa información de los productos. El público en general tendrá un lugar donde compartir y debatir sobre temas relacionados a los productos. A su vez, desde ese canal se darán a conocer cada uno de los eventos que organiza y produce Hendrix Music, como clínicas, conciertos o convenciones, y así también información sobre los eventos más destacados en que participan los endorsers de la empresa. Podrán obtener más info en www.facebook.com/musicaddictionoficial

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ruDy SArzO

Para la realización de la misma, Rudy contó con la presencia en escena de la banda de Gerli Bridge, que comenzó tocando dos temas propios, con la idea de elegir uno para someterlo a la minuciosa atención del bajistaproductor. Una vez elegido el tema, el trabajo comenzó por los guitarristas. La primera sugerencia fue diferenciar el tono de las guitarras (ambos con Les Paul), para lo cual uno de ellos cambió su guitarra por un modelo simil Strato de la marca Peavey. Además de esto les propuso que, en vez de tocar el riff del tema en unísono, lo hicieran a distancia de octava. Luego de esto siguió el turno de la batería. Explicó la importancia de la batería, ya que es quien lleva el ritmo de la canción. Según sus propias palabras, el baterista es el conductor del micro en el que vamos. También habló de la importancia del sonido para que esto suceda. En el rock es fundamental el sonido del ‘backbeat’, que debe ser utilizando el aro junto con el parche (rimshot). Ya con el backbeat sonando, pidió al bajista que tocara prestando

El 18 de setiembre tuve el placer de asistir a la clínica de pre-producción organizada por la gente de Someco, representantes de Peavey en nuestro país, que dio el gran bajista rudy Sarzo en el conocido pub Mr. Jones de ramos Mejía. Por Facundo López Burgos

atención al mismo. La base del rock es el blues, y antes de llenar todo con corcheas (pa-pa-pa-pa) se debe encontrar y dar importancia a ese espacio. Para esto sugirió tocar el groove con un solo dedo, como si fuera una púa, para tener un sonido constante.

el africano. El idioma del blues. Que si escuchamos a Robert Plant, Paul Rodgers, Mick Jagger, todos ellos no están cantando como los ingleses, sino como los negros, están tratando de cantar como los negros. El blues, el rock, nació en los campos de algodón con los esclavos africanos. Y todos los cantantes de rock están africanizando el inglés. Y que entonces si uno pretende cantar rock debe utilizar su idioma, porque el mensaje es muy importante para la nación, para la cultura, para que se entienda de dónde viene uno como artista. Y que esto mismo se lo diría a un alemán o a un japonés, que cada uno debe cantar en su idioma y conectar con su mensaje. Es tarea difícil resumir esta excelente clínica en una nota, pero según creo he planteado aquí muchos de los conceptos fundamentales que en ella se plantearon. Gracias nuevamente a la gente de Someco por posibilitarnos asistir a un evento como este, y gracias, Rudy, por compartir tan generosamente tus conocimientos.

Trabajando sobre la estrofa se siguieron cambiando detalles del tema, mutear la guitarra rítmica que acompaña para que deje lugar al cantante, tirar un acorde abierto sobre el fill del batero para darle lugar, octavar en ese sitio el bajo para producir un cambio, poco a poco la canción va cobrando vida con pequeños cambios. En este punto Rudy hizo un alto especial para escuchar al cantante y le cuestionó el porqué cantaba en inglés. Le planteó que cuando uno canta transmite un mensaje, y que para que éste llegue es importante utilizar el lenguaje que uno maneja y que la audiencia entiende. Que cuando él llegó a EEUU desde Cuba comprendió que el idioma del rock no era el inglés, sino

08 | Clínica Peavey con rudy Sarzo

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Stu HAmm

Nacido en Nueva Orleans, Hamm pasó su infancia y juventud en Champaign, Illinois, donde estudió contrabajo y piano en el Berklee College of Music en Boston, donde conoció al guitarrista Steve Vai y a través de él, conoció a Joe Satriani. Hamm fue el bajista del álbum debut de Vai, “Flex-Able”, que fue lanzado en 1984. Stu tocó y grabó con Steve Vai, Frank Gambale, Joe Satriani, y muchos otros prestigiosos guitarristas. Fue tocando en vivo en un tour con Joe Satriani, donde se destacó con sus habilidades y lo puso en el centro de la escena. Sus siguientes grabaciones con Satriani y otros artistas de rock/fusion, sumado a sus trabajos como solista, solidificaron su reputación como un gran bajista e intérprete, marcando un estilo incomparable. Es Stu Hamm uno de los bajistas más influyentes en el último medio siglo. El mismo Stu nos presentó, con su histrionismo característico, su nuevo modelo de bajo Washburn SHBH3,

En el coqueto Auditorio “Leonardo Martellotto” de la empresa Tevelam SrL, el día 19 de septiembre se realizó una formidable clínica, cuyo protagonista fue el talentoso bajista Stu hamm. Pero antes de referirnos a la estupenda clínica brindada por este maravilloso artísta, repasamos un poco su historia. Por Sergio resar

explicándonos que le ha dedicado muchas horas de su escaso tiempo al diseño del mismo. Nos contó detalles de su hermoso y flamante instrumento, diciéndonos que éste es de doble cutaway, que su cuerpo es de alder, con un mástil de maple, y su trastera de rosewood; siendo el mismo de una escala de 34” y de veinticuatro trastes. Con unos micrófonos exclusivos EMG serie X Stu Hamm. Un piezoeléctrico en el puente, un Jazz Bass y un Soap. Cada micrófono habla con una autoridad y una voz individuales, así que usar cualquiera de ellos por sí solos, producirá grandes resultados. Sin embargo, la verdadera magia se revela cuando se combinan las tres voces, de limpio y claro a oscuro, profundo y áspero. Es de circuito activo y lleva dos baterías de 9 volts, dado que los micrófonos necesitan, para ser excitados, 18 volts. El SHBH3 también cuenta con un D-Tuner, que funciona como un sueño, que ofrece un menú desplegable a D bajo en la cadena E con un movimiento de una palanca.

discontinuar muchos instrumentos Signature. La empresa Washburn, rápida de reflejos, se contactó con él para diseñar en forma conjunta un nuevo modelo Signature de la marca. Una vez concluida la entrevista, Stu nos deleitó con su sonido tocando “Lucy in the Sky with Diamonds”, de Lennon/Mc Cartney. Acto seguido, pidió disculpas con anterioridad porque iba a interpretar una canción del gran Astor Piazzolla, temiendo no hacerlo bien. Desde ya que no hubo que disculparlo, pues los asistentes a esta presentación quedamos extasiados. Como gran admirador de The Beatles, hizo una combinación del tema “She so heavy”, mezclado con una sonata del compositor clásico Beethoven. A continuación se sumó Diego, haciendo una versión de un tema de Queen en ritmo de reggae. Como punto final, y mostrando su caballerosidad, Stu se quedó firmando autógrafos entre los presentes.

Cualquiera que esté familiarizado con el sonido de Stu Hamm, sabrá que le encanta que esté asociado con un sonido penetrante, que siempre esté lleno pero nunca carezca del gruñido característico de este formidable bajista, por lo que no es ninguna sorpresa que su nuevo instrumento de la firma Washburn sea capaz de hacer precisamente eso. Entrevistado por el guitarrista y también miembro de la familia Washburn, Diego Mizrahi, la tarde se abrió con una serie de preguntas sobre el porqué de su cambio de marca, a lo cual Hamm nos contó que fue endorser de Fender durante veinticinco años, hasta que esta firma decidió

10 | Clínica Washburn con Stu hamm

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KIKO LOurEIrO

Kiko empezó a tocar la guitarra acústica a los once años,inspirado en guitarristas de la talla de Eddie Van Halen, Jimmy Page, Jimi Hendrix, y Randy Rhoads, se cambió a la guitarra eléctrica a los 13 años. Desde muy temprano, ya se podía ver largas filas de los seguidores de este gran instrumentista y compo-

sitor esperando la hora para que comience el show. En esta ocasión, escuchamos las bondades del amplificador Laney VH-100R. Kiko Loureiro sorprendió y gustó. La Laney Clinic Tour 2012 se llenó de fans ansiosos por escuchar algo de su discografía con Angra y conocer su nuevo disco “Sounds of Innocence”. Virtuosismo, técnica y sentimiento, todo esto reunido en una noche fantástica en el local Rosko. El CD tiene como invitado al baterista Virgil Donati

12| Clínica Kiko Loureiro

El 4 de septiembre , en Lomas de zamora, la ﬁrma Fama Music SrL organizó una clínica con el excelente guitarrista de Angra, Kiko Loureiro, endorser internacional de los ampliﬁcadores británicos Laney. Por Sergio resar

(PLANET X, STEVE VAI), el bajista Felipe Andreoli (ANGRA, ex ALMAH), el bajista Doug Wimbish (LIVING COLOUR, TARJA) y el baterista/percusionista chileno Ricardo Padilla, de quien Kiko tuvo excelentes comentarios: “Yo quería percusiones latinas en mi disco, por lo que estaba buscando a algún brasileño. Sin embargo se hacía muy complejo pedir a alguien que grabara en Brasil y mandara todo. Fue ahí cuando me recomendaron a Ricardo Padilla, un chileno que vive en Europa. Es un maestro de la percusión, hace clases de alto nivel y es un músico de sesión buenísimo. Quedé muy contento con su trabajo en el disco”. El guitarrista no sólo interpretó algunas canciones de su discografía como solista, sino que además se dio el tiempo de improvisar algo de ANGRA y algunos ritmos brasileños en un show que tuvo una duración de algo más de una hora. En per-

fecto español, respondió las preguntas que comenzaron a hacer los asistentes. Nos decía que creció “escuchando samba, lambada y axe”. Pero de ahí su música, lo que lo diferencia de otros músicos. Kiko siguió con algo de samba que luego terminó en Bossa Nova, dándonos uno de los puntos interesantes de la noche. También nos habló de su particular

guitarra Tagima, de origen brasileña. La entrega de este virtuoso guitarrista es formidable, se nota que la música la vive con pasión. Luego de un poquito más de una hora, los organizadores dieron por terminado el show, no sin antes el sorteo de amplificadores Laney y cuerdas DR.Luego de eso, Kiko firmó autógrafos a todos los concurrentes, mostrando su calidad humana, en una noche que quedara para el recuerdo en la zona sur de Buenos Aires.

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¡tHE rEALISt trANSDuCErS!

El transductor acústico The realist fue diseñado por Ned Steinberger en colaboración con David Gage. The realist está disponible para el bajo, cello, viola, violín Importa y distribuye para todo Latinoamérica Bajos Xclusivos - www.bajosxclusivos.com y otros instrumentos acústicos. Por Tomás Julio

El desarrollo de The Realist: reconociendo las limitaciones de los micrófonos y transductores tradicionales piezo-eléctricos, Ned y Dave decidieron que, para un músico que trabaja duro con su instrumento, las cosas podrían y deberían ser mejores. Sentían que un transductor debe ser igual en su capacidad para recrear un sonido de pizzicato acústico y un sonido de arco, a través de amplificadores de uso común. Por otra parte, este pick-up tenía que ser simple, confiable y asequible. Después de años de examen y pruebas, ¡han creado un sistema que alcanza todos estos objetivos! En Realist Transducers somos conscientes de las horas de práctica que se necesitan para sacar el sonido del instrumento, y con este pick-up queremos que sientan que su voz se puede escuchar con mayor precisión al momento de amplificarlo. Cientos de ingenieros de sonido y músicos profesionales se han sorprendido por el gran sonido y la respuesta, incluso cuando se juega entre pizzicato y arco. Por último, pueden tocar tanto pizz y arco sin tener que jugar con los controles. Los transductores de Realist son utilizados en la actualidad por una gran cantidad de contrabajistas en el mundo entero, por su precisión a la hora de reproducir el sonido natural en el instrumento sin la necesidad de modificaciones épicas en el instrumento, lo cual lo convierte en una herramienta vital ¡para aquellos que demandan lo mejor de lo mejor! Para BajosXclusivos es un privilegio recibir la distribución exclusiva de los productos Realist /David Gage para Latinoamérica… (desde México hasta Argentina). En estos momentos estamos en el proceso logístico de organizar la distribución local del producto en cada país a través de nuestros dealers y aliados estratégicos. Todos los interesados en el producto nos pueden escribir a: tj@bajosxclusivos.com

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The realist Transducers | 13

DrAGON mOGLIA

Este talentoso guitarrista de padres actores, habitando en casa llena de vida donde siempre hubo una guitarra criolla dando vueltas y se escuchaba música todo el tiempo, de todo un poco… pero allí siempre estaban The Beatles… Por Sergio resar

me tiraban, me pasaban solos y no los podía tocar porque los dedos no daban… Bueno, la cosa comenzó así, toqué lo mismo todo el día hasta que cuando me sentí cómodo necesitaba sí o sí aprender algo de música. Entré al Conservatorio Fracassi y duré muy poco, me aburrí casi al instante… Pero sabía que la cosa pasaba por ahí, había que hacer ese esfuerzo de teoría y solfeo y no tenía a nadie que me hiciera pata con eso, no estudiaban ninguno de mis amigos. Con el tiempo, lo que hice fue estudiar con músicos amigos un poco con cada quien, con Luis D’agostino algunas veces, el “Pulga” Luciani me tiró algunas otras, pero eran clases de amigos. Formalmente estudiar sucedió más tarde; viviendo afuera pude hacer una temporada y summer sessions cerca de Los Ángeles, y ahí el ambiente era increíble, porque todo era rock, blues, jazz, muy inspirador…y la teoría y solfeo era lo mismo, pero el entorno te envolvía y te enganchabas. Estudiar de carrera, no estudié, pasé por varias cosas y muchos maestros, pero la experiencia en Los Ángeles me marcó muchísimo. Después, el laburo profesional pulió el resto aceleradamente.

Fotografía de Gonzálo Crespo

sabemos que en corrientes fuiste parte de dos bandas de rock, ¿Que recordás de esos años? Mi primera banda se llama The Losbters (Los Langostas…) y yo me lo tomé muy en serio, pero éramos apenas unos niños. Hoy es muy común una banda de chicos muy jóvenes, pero antes la información era mucho menor y todo era mucho más a pedal. En esa banda tocábamos Beatles y temas nuestros, fue bárbaro, pero el desarrollo y la proyección me pasó en KLAN, una banda donde aprendí muchísimo. Ahí era bastante más chico que ellos, hoy aún siguen los originales de esa banda con pibes nuevos; en esa banda se tocaba rock… mucho rock… éramos dos violeros, Cote Gauna y yo. Cote me enseñó de todo, es una especie de Santana del litoral, muy conocido en la zona, y el cantante Luis Palma me dio el pie para crecer a gusto. Era muy estudioso de las bandas de rock que me gustaban, sabe un montón, el baterista el “Sapo” Bechara componía y cantaba, tocaba la viola y armaba temas. Era una banda para aprender y experimentar en el momento justo de mi adolescencia; en KLAN aprendí muchísimo.

contanos cómo fue que te metiste en la música Mi papá y mi mamá eran actores, en casa siempre hubo una guitarra criolla dando vueltas y se escuchaba música todo el tiempo, de todo un poco… pero siempre estaban The Beatles…Mi hermano mayor (Alejandro) era el que tocaba la viola y estudiaba música, un una época maravillosa, en los principios del ’70, y logró entusiasmarme con el rock nacional. Él se mataba con Pappos Blues, Moris, Almendra, Polifemo, Sui Generis, Gieco, Manal, Crucis (cómo me gustaba Crucis, por favorrr…)… y un día, en plena dictadura, me llevó al Teatro del Siglo a ver a Plus, un power trío del oeste… fue el primer show en vivo que vi de una banda auténtica de rock… y ese día fue tremendo, yo quería eso. Mi otro hermano (Leo) escuchaba rock inglés, Queen, Deep Purple, Pink Floyd… entre mis dos hermanos me incendiaron el bocho sin darse cuenta. En el ’80 mataron a Lennon y me produjo un impacto emocional tremendo, y ya estaba tan metido y apasionado que no me cabía ninguna vivencia con la música que no fuera desde un instrumento. Qué música se escuchaba en tu casa de pequeño? Mi viejo estaba todo el día “al palo” con Troilo, Gardel, Julio Sosa, Piazzolla… era muy marcado eso, él con tango, mis hermanos con rock nacional o inglés, y yo con Beatles, cada quien tenía su palo, pero entre todos sumábamos mucha música buenísima. ¿Por qué elegiste la guitarra? Había una criolla en casa… y tenía cuerdas… un mila-

14| Entrevista a Dragón Moglia

gro, viste que siempre hay una criolla en las casa, pero sin cuerdas, o con 5 clavijas… bueno, en casa estaba entera...Y mi hermano Alejandro me enseñó a tocar “Sounds of Silence” de Simon&Garfunkel en una cuerda… Me gustó tanto la viola que me llamaba la atención qué hacer con las otras cinco cuerdas… Y me metí solo, alguien me enseñaba algún acorde y le daba todo el día a ese acorde, fue pura pasión y empeño, pasaba semanas enteras tocando un acorde, aprendía uno más y le daba a esos dos una fiebre tremenda por aprender. te acordás cuál fue tu primera guitarra? Síiii… una Harmony color bordó con rayas blancas, que compré en Tocco Hnos… Tenía una especie de puente con palanca onda Bigsby, más rupestre, que asesinaba toda cuerda que pasaba por ahí… cortaba todo el tiempo, pero era bárbara. Venía en un estuche rígido hermoso, y cuando la vi era como una nave inmaculada. con quiénes estudiaste? Lo que pasó realmente fue que cuando cumplí 15 años mi viejo me regaló la viola eléctrica y yo apenas masticaba un par de acordes, así que salté de amigo en amigo, de conocido en conocido, y no me importaba estilo, ni forma, ni nada. Aprendía todo acorde o punteo que podía y le daba todo el día, pero todo el día en serio… sin parar, y me propuse aprender cuanto antes las cuestiones básicas, cejillas, acordes, cómo solear en A y en E. Me dije a mí mismo que era necesario aprender eso, porque sino no podía sacar nunca nada de los yeites que

En 1988 te fuiste del país, ¿cómo fue que elegiste méxico como lugar de residencia? No lo elegí realmente, se dio… y tuve la suerte de que así fuera. Yo laburaba de plomo desde hacía varios años, así conocí bandas y músicos que admiraba, y aprendía, todo el tiempo aprendía. Así un día entré de plomo con Baglietto, que en esa época tenía una banda tremenda, hacíamos unos shows increíbles, muy escénicos, y yo asistía a Eduardo Rogatti. Con él nos hicimos muy, pero muy amigos, y estar con él era aprender permanentemente, yo lo admiraba mucho desde mucho antes, así que mientras laburábamos con Baglietto, también tocábamos juntos en una banda que se llamó Rock Royce. De gira con Baglietto fuimos a Cuba en el ’88, y ahí tocaba también en ese festival Tania Libertad, una cantante peruana que vive en México y es muy pero muy popular y respetada. Ella, ahí mismo, en el festival, me vio laburar y me ofreció ser plomo de ella, así que el avión hizo escala en México y me bajé ahí… una aventura total, pero tenía todo por delante, nada que perder y mucha energía. Así fue que armé mi vida en México, en un momento ideal, me trataron tan bien todos allá, me dieron todas las oportunidades y pude hacer y armar una vida. sabemos que tocaste con dos grandes de la música de ese país como tania Libertad y armando manzanero, ¿cómo ómo fue esa experiencia? Acá vale que te cuente estas anécdotas… Como hacía con todos los que laburaba de plomo, me aprendía todo lo posible, yo era músico laburando de plomo y la onda

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Fotografía de Ana Lucía Amor

tiene peso, suena bárbaro. Y lo más reciente, también recomendación de Diego Quarto, un Dobro eléctrico Jay Turser JT-RES que es bárbaro y con un sonido distinto a todo. Hay que domar la dificultad del acople en un instrumento así, pero fue una gran adquisición. A esta viola la uso mucho en el show, reemplazo muchas cosas de acústica por el timbre, da un color muy particular. También una Yamaha Acústica APX-10 Stereo que es un caño, me la dio Baglietto y tiene todos los años de gira que te imagines. Y una viola especial, muy especial, es una que me hizo Rogatti y me la regaló. Es un cuerpo Faim buenísimo, un doble bobina Di Marzio, Floyd Rose, desfasador de bobina, perilla de plancha en el volumen, y está toda estampada con los chistes que venían adentro de los chicles Bazooka y enlacada… A esa viola la uso en cada presentación oficial de algún disco, y la he usado muchísimo en grabaciones en México. Nada de lo que tengo me importa si tiene valor monetario, me importa de dónde vino y la utilidad que le doy.

fue siempre tan buena conmigo allá, que un día el violero original de Tania se fue a Boston a estudiar y a hacer carrera, y Tania me encaró y me dijo: “Dragón… te avientas a esta chamba…?” Y me mandé “de una”. El primer show oficial con ella fue para un evento de Hollywood, una subasta en un hotel de lujo en las playas de Las Hadas… un show importante. Arranqué así… Tania me dio una vida, me hizo grabar, viajar por USA y Europa todos los años de gira, grabar con artistas increíbles, sus músicos fueron super gambas, yo era el más chico siempre, y de ellos aprendí a llevarme bien con las partituras. Había que leer para sobrevivir con esa carga de laburo, así que me apoyaron y enseñaron a full. Tania es una gran persona, me paró la olla, me dio un camino, y me enseñó a seguir adelante.

ese proyecto, dado que en esa época tocaban muchísimo con León? Ahí era tocar con Eduardo y disfrutar todos los días de un sonido, y un estilo de tocar tan, pero tan ideal… un guitarrista tan exquisito y tan rabioso para tocar, de un carácter tan fuerte y un sentimiento musical tan acertado. Esa banda fue un momento crucial para aprender, yo tuve toda la vida una relación con él muy estrecha, pasamos de todo juntos, y tocar en esta banda sacaba lo mejor de todos. Cuando entré eran Eduardo Rogatti, Marcelo García y Aníbal Forcada. Me sumé yo y los cuatro éramos banda de León, así que tomábamos los huecos de giras y los llenábamos con shows nuestros y ensayábamos mucho. El clima que logramos era muy especial, sólo comparable con ese momento.

Con Tania, un día compartimos show con don Armando Manzanero, así lo conocí, de lejos, digamos. Un día me llamaron por teléfono para grabar, habitualmente grababa en estudios como sesionista. Fui y era un disco de él, que dirigía su hijo Juan Pablo, y me había hecho grabar bola de cosas… tres tracks, una limpia, una con overdrive y un solo con palanca. En eso llegó Manzanero: ”¡…no, no, no… demasiada cosa…! Mire, qué tal, mucho gusto, Dragón… poco, toque poco, suave y oiga, y anímese de a poco”… Me puse re nervioso, sacaron una parte y escribieron todo y todo tardó tres veces más que cualquiera, era hacer todo de vuelta. Pensé que eso había sido el final… nunca más grabaría nada, se acabaron las sesiones de grabar con alguien para mí.

cómo es tu set actualmente? Voy acomodándolo según las necesidades del show de León. Pasé por todas las etapas de tener de todo y no saber qué estaba prendido y qué apagado, lleno de luces verdes y rojas, equipos grandes, cabezales, baffles… y me cansé, y me acomodé a lo que necesito. En este momento uso un ampli combo Vox Valvetronix de 50 W, una pedalera Boss ME-70 para sacar los efectos clásicos si hacen falta, agrego un vibrato Jhonson bien vintage y un overdrive MXR Zack Wyld, y afino con un Boss TU-3. Muy sencillo todo, uso lo mínimo, usamos in-ears de monitores y no nos matamos con el volumen de escenario, pero yo sólo utilizo el izquierdo, en el derecho escucho el bajo y la batería como suenan en el escenario; me gusta así, me siento más cómodo. De tanto en tanto paso por Fusión y Diego Quarto me recomienda algo, siempre muy atinado, me muestra algo y yo me acomodo, o justo es lo que necesitaba. Rogatti me decía siempre: “antes de comprarte algo pasá a verlo a Diego a Fusión, que “sabe una bocha…”

A la semana me sonó el teléfono… “Dragoncito, cómo le va, qué gusto saludarlo, le habla don Armando Manzanero… ¿sería ud. tan amable de hacerme el favor de venir a tocar con mi banda, si le es de su agrado… ?” Con esa finura me invitó a tocar, le dije: “sí, claro, ¡un honor…!””Muy bien, mañana a las 7 am lo veo en el aeropuerto, nos vamos de gira por Centroamérica… ” Así fue, llegué al show, directamente me pusieron todo escrito… a leer y disfrutar, 1, 2, 3 y nos vemos a la salida… Tocar con Manzanero fue maravilloso, armónicamente es simple pero sumamente efectivo, sus músicos eran musicasos, de esos que leen y escriben de todo y encima tocan bárbaro, una banda tremenda… dos teclados, piano, vientos, cuerdas… de todo. Me ayudaron a estar con ellos haciéndomela fácil y disfrutable, una virtud muy especial y un detalle de ellos a tener en cuenta siempre. tocaste en El club de las Guitarras callejeras junto a nuestro extrañado amigo Eduardo rogatti, aún siendo parte estable de la banda de León Gieco. ¿cómo hacían para llevar adelante

16 | Entrevista a Dragón Moglia

Qué instrumento usás actualmente y por qué? Uso una Fender Stratocaster American Standard original como vino, y otra Stratocaster México, que le cambié la llave de 5 puntos (venía una de 3) y le puse 3 micrófonos simple bobina EMG activos. Di vuelta el jack para que entrara la batería de 9v en esa cavidad; esta última la compré hace más de 20 años en Los Ángeles, las hacían en California y las terminaban en México y salían más baratas por eso. Es bárbara, la tuve guardada en su estuche sin tocar, y Rogatti un día la sacó y la estrenó. Esa viola tiene una palanca original que afina que es un violín, y si se la cambio tengo que tirar la viola. Las Strato son mis preferidas; tuve de todo, pero la Strato es con la que más feliz me siento. También tengo una Telecaster SX, que pintó a mano Kubero Diaz y no le cambié nada. Así como está suena bárbaro, afina,

con qué cuerdas estás tocando? Desde hace años toco con MAGMA 0,10 de Medina Artigas en las eléctricas, y Patagonia y Magma en las acústicas. En el Dobro utilizo un calibre más grueso y reemplazo la tercera también. Ellos también me arman un encordado para el mandolín que tengo, que es un Crafter, y el puente no es con tira cuerdas como el tradicional, sino uno similar a una acústica, así que me arman un encordado con la bolita al final para que trabe. La gente de Magma hizo un gran aporte al desarrollar tan minuciosamente sus productos, y siempre están dándote a probar cosas nuevas. Ahora estoy disfrutando unas nuevas que sacaron, que se llaman Transpositor… para criolla con afinaciones de bajo, una cosa increíble. Qué les dirías a los jóvenes que están empezando a hacerse camino en este mundo de la música? Bueno, cuando veo a los pibes más jóvenes que están en el ruedo con bandas sonando, me sorprende lo bien que tocan… pero eso tiene que venir acompañado de la persona. Que busquen un motivo social o de sentido común para acompañarse en el camino de músico, tocar por tocar solamente es poco. Yo empecé a tocar motivado por otros que eran músicos que admiraba y que, fuera real o no, pensábamos o creíamos que estábamos en la misma, socialmente, ideológicamente… aunque existiera distancia generacional… nos sentíamos parte de una movida. Eso en los músicos de rock es más que fundamental, todo da vueltas y la gente se vuelve a cruzar. A Rogatti lo seguí cuando él tocaba con Sandro, porque en la mitad del show hacía un popurri de rock clásico y el gordo “la hacía de goma”. Ni lo conocía, me colaba en esos shows y era un niño… A León lo veía de abajo del escenario, hacía colas eternas para verlo, etc, etc. Pero, sea quien sea, son personas como uno, y para que tenga sentido tocar, yo creo personalmente que debe existir una coincidencia más allá. Y después les diría… ¡que estudien!, ¡aprovechen…! Hay tanta info ahora… Aprovechen, sáquense la teoría y solfeo de encima rápido, estudien eso de entrada, y hagan uso de eso para poder aprovechar todo lo que hay… En qué otros proyectos estás trabajando, además de ser miembro de la banda de León Gieco? Grabo y compongo cosas que uso en DVDs de entrenamiento deportivo, como una forma de estar en acción. Tengo muy clara la idea de un cuarteto que me gustaría hacer y estoy cada día más cerca de concretar. En el último disco de León se grabó un tema de él y mío, se llama Fachos, hacía mucho que no volvía a sentir ese vértigo… Compuse temas que grabó Tania Libertad, Rubén Rada, inclusive el dúo Fatorusso-Ingold, y esta vez con el tema con León me volvió a picar algo que hay que incentivarlo todo el tiempo, hay que alimentar esas cosas, y espero poder sacar a la luz este cuarteto que tengo en mente.

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LuíS D’AGOStINO

Este talentoso guitarrista de jazz viene de una familia de origen humilde, que lo mandaba a estudiar música a una pequeña academia de barrio y nos cuenta su maravillosa carrera como uno de los exponentes más importantes del país. Por Florencia Pérez del Valle

contanos de tu estadía en Europa Tenía dos proyectos básicos, uno era con otro guitarrista que se llama Pete Oxley, y otro que era mi trío con contrabajo y batería. Después tuve otro proyecto, que era con Pete, en donde había dos guitarras, chelo y violín. cuál es tu set actualmente? Tengo una guitarra tipo strato, que es una Pacífica 812 que viene con Seymour Duncan, una guitarra que es como una Les Paul que viene arriba con una F semi acústica que es AES 620 HB, una Silent de cuerdas de nylon, y tengo una AX 1500, que es una guitarra toda hueca. Es una guitarra de jazz, que en Europa le dicen: el “modelo Martin Taylor”. Viene con mic flotante y otro piezoeléctrio en el puente. Para las violas acústicas tengo un equipo alemán que se llama AER y un Fender Blues de Luxe para los sonidos más eléctricos.

contanos un poco sobre tus orígenes Mirá, de chico, mis viejos, que vienen de origen humilde y de inmigrantes, tenían esta cosa de estilo europeo de mandarte a estudiar algún arte, y fui a los 9 años a una academia de barrio a estudiar guitarra clásica, y la verdad es que no me gustó. Te enseñaban a tocar folklore, cosas clásicas, no muy interesante, y la verdad es que no era lo mió. En 7º grado coincidió con que yo estaba preparando el ingreso para entrar al colegio Pellegrini y no tenía tiempo, y lo usé como excusa para dejar de estudiar, pero más que nada no me gustaba. Y en el Pellegrini pasó que justo cambiaron los turnos y agregaron uno que se llamaba vespertino, y por ahí los chicos que estaban en segundo o tercer año eran gente más grande por dos o tres años, venían del turno noche y ya tenían algunos grupos, y ahí fue cuando volví a interesarme en la guitarra.

música contemporánea. Él conocía al vicepresidente de Yamaha, y Yamaha, que había venido a instalarse como empresa acá, estaba buscando endorsers. Y tuvieron mala suerte porque contrataron a gente que, por ejemplo, al otro día vendían los instrumentos, y los japoneses estaban desesperados.Entonces me contactaron, fui a una entrevista, les gustó y empecé a trabajar con ellos. Además de mí estaban el tecladista de Rata Blanca, Hugo Bistolfi, y Pipi Piazzolla en batería. Un lindo grupo de laburo con el que hacíamos muchas giras presentando los instrumentos. Era como hacer seminarios y cosas por el estilo. Después ellos abrieron estas escuelas de rock que todavía continúan, que se llaman Popular Music School, que son métodos de 2 años para guitarras, bajos, teclados y baterías, en una veta más de rock. Ellos me ofrecieron coordinarlo, y así fue que se dio.

dónde o con quiénes estudiaste? Primero con Luis Borda y después, ya más dedicado al jazz, un corto período con Pino Marrone y con Armando Alonso.Pino me hinchó para que fuera a Los Angeles. Fui al Musician Institute para hacer un curso corto que se llama Encore, que es de un cuatrimestre, y ahí Joe Diorio fue mi tutor. Pero también tomé clases con tipos muy piolas, como Jaime Findley, Sid Jacobs, y un poco con Scott Henderson, pero él estaba los mismos días que Joe Diorio, así que pasé poco tiempo con él.

cómo fue que te fuiste a vivir a Inglaterra? Son esas cosas, que uno se pudre por diez mil razones de la Argentina, y yo, cuando fui a estudiar a LA, una de las ideas era conocer músicos europeos que tocan allá, y conocí a un contrabajista que vivía en Oxford. Él vino acá para tocar en mi primer disco. Me fui en el ‘99 para ver por 4 meses “qué onda”, y en el 2000 me fui y me quedé hasta el 2008. Enseguida encontré trabajo dando clases en la actividad educativa y fue ahí en donde preparaba clases, tomaba exámenes, y aparte de eso toqué mucho. Obviamente que llegué y mi calidad de vida bajó mucho. Alquilaba una pieza, pero de a poco fui cambiando mi situación económica. Fui ahorrando, me compré un auto, me fui a vivir solo…en fin, era una buena época económica. Grabé allá 3 discos, 2 en dúo con otro guitarrista y uno en trío. Al mismo tiempo escribí un segundo libro para acá para Ricordi sobre improvisación, e hice giras por todos lados. Estuvo bueno y estos discos estuvieron en 2 sellos, 33 records y flat five records.

cómo llegaste a ser endorser de yamaha y posteriormente ser el director de sus academias en argentina? Yo escribí en una revista que se llamaba El Musiquero, alrededor de 7 años, y la persona que era director de esa revista trabajaba en la editorial Ricordi (hoy Melos), y ellos buscaban editar un catálogo más moderno, no tanto de música clásica. Entonces yo escribí el primer libro, que es de armonía funcional, y se llama Toco Solo, y la persona con la que corregí el libro era la esposa de Carmelo Saita, que es un gran compositor de

18 | Entrevista a Luís D’Agostino

sabemos que editaste libros de enseñanza, ¿nos dirías sus nombres? Un libro de armonía funcional aplicada a la guitarra que se llama Toco Solo, un libro de improvisación que se llama Improvisación; Guía completa para el músico de Rock, Jazz y Blues, que está referido a cómo relacionar escalas con acordes, y lo más novedoso es un DVD que saqué este año, que es de 20 clases de improvisaciones. La idea es dar una clase sobre algún aspecto de la improvisación de una duración de unos cinco minutos. Todos están editados por Melos (antes Ricordi). Qué opinás sobre el jazz actual en la argentina? Desde que yo me fui salió toda una camada de músicos nuevos, que son los que están moviendo la escena del jazz. Cuando yo me fui había pocos lugares para tocar, estaba Jazz Club en el Paseo La Plaza, Oliverio y nada más. Después empezaron a haber más lugares, y con el tema del boom del turismo algunos lugares lo aprovecharon Además, hubo una camada de músicos que estudiaron afuera y la escena del jazz se enriqueció. Hay más instrumentistas, hay muchos instrumentistas de viento, contrabajistas, etc., y el tema de que haya escuelas dedicadas a la enseñanza hace que haya más gente capacitada. Está muy bien el tema del Festival de Jazz que se realiza en Bs. As., en donde por una semana va muchísima gente. Qué músicos han sido tus referentes? Mile Davis, Charlie Parker, John Coltrane, Joe Diorio, Bill Evans, y la lista sigue… Qué les dirías a los chicos que recién empiezan por este largo y duro camino que es ser músico? En realidad yo lo veo con el tema de las clases. Muchos vienen por distintas razones y muy pocos por la que creo que es la más importante, que es “dedicarle tu vida a la música”. Esto es lo que te hace hacerlo con seriedad. El compromiso. Esta buenísimo tocar por distintas razones, y la música puede ser un gran hobbie, pero al comenzar solamente pregúntate si estás dispuesto a dar toda tu vida a la guitarra. Todos los músicos que admiraron lo hicieron y lo siguen haciendo. Podés escuchar la música de Luis D’Agostino en www.myspace.com/luisdagostino O contactarlo en luisdagos@msn.com

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DANDO CÁtEDrA

En el Auditorio Oeste en haedo, provincia de Buenos Aires, se realizó una clínica de varios artistas organizada por hendrix Music SrL, representante en Argentina de las marcas Gretsch, Blackstar Guitar Ampliﬁers, rotosound Strings, Ashdown Bass Ampliﬁers, Istanbul Cymbals, Vater Drumsticks, AquaPor Emiliano rodríguez rian Drumheads, regal Tip, Gibraltar hardware, radial y zvex, entre otras.

El lugar se fue llenando de espectadores ansiosos de ver a sus ídolos tocar y explicar los productos que representan. Con la presencia de Silvio Ottolini, reconocido baterista de sesión, como maestro de ceremonias, se dio inicio al evento. En primer lugar subieron al escenario Damián Torrisi, ingeniero de sonido y productor artístico de Bourbon Records, y Gaspar Benegas, guitarrista de “los Fundamentalistas del Aire Acondicionado”, la banda que acompaña hace años al Indio Solari en su etapa solista. Ellos nos brindaron su experiencia para poder grabar en un estudio. Sobre una base del tema archi popular de Jimi Hendrix, Voodoo Child, Damián nos explicó a todos los presentes de qué forma grabar una guitarra eléctrica, o cualquier otro instrumento, con las ventajas de contar para ello con la caja directa RADIAL J48. Con la espontánea ejecución de Gaspar, Damián nos mostró con dicha herramienta (la cual ha sido diseñada desde el principio para ofrecer el tono más natural posible), cómo se puede grabar la señal limpia de un instrumento. Con limpia nos referimos a que no estamos tomando el audio ya procesado por un equipo de guitarra u otro, sino más bien a que es el audio puro del instrumento a través de la J48 el que nos ocupa capturar. Este modo nos otorga la ventaja de que, una vez

20 | Clínica hendrix Music

resuelta la ejecución del músico, el ingeniero puede con esta señal realizar una nueva búsqueda de audio. Para ello sólo se debe conectar un canal de salida de nuestra placa de audio a un reamp (RADIAL PRORMP). Este será el encargado de asegurarnos la calidad y la impedancia justa para que sea recibida por nuestro equipo, previo paso por los pedales de efecto que uno desee para modelar el sonido a nuestro antojo. Al igual que todos los productos Radial, el J48 es a la vez rico en características para el uso en un estudio. Ésta incluye un pad-15dB para atenuar una señal excesiva, cambio de fase de 180º para invertir la polaridad, y un ground para anular el zumbido causado por bucles de la masa. En cuanto al RADIAL PROAMP, también cuenta con un ground y un potenciómetro de nivel de señal. Gaspar, con más de quince años de trayectoria, nos deleitó con su forma de tocar, refinada y exquisita. El guitarrista del Indio Solari nos demostró, en este caso, el pedal RADIAL TONEBONE HOT BRITISH, un pedal que puede parecer complejo para su uso, pero que realmente no lo es. Este pedal es la elección perfecta para un sonido enorme y grueso. Con cinco mandos e interruptores, tres hacen que sea fácil encontrar su tono a gusto. El nivel principal proporciona un control total, en el nivel de salida, al amplificador. El control de ecualización nos ayuda a ajustar el carácter sonoro, mientras que el mando de contorno funciona con el interruptor Voicing para aumentar o reducir las frecuencias medias, medias altas y graves. El mando de accionamiento ajusta el nivel de entrada de distorsión óptimo. Mientras Gaspar tocaba bases, solos y arreglos, Damián grababa la línea en su placa de sonido. Una vez que ya todo estuvo grabado, nos hizo escuchar cómo había quedado la señal limpia de la guitarra y, a partir de ese momento, comenzó a procesarla, con dis-

tintos elementos, entre ellos un DISTOTRON Zvex, el conocido FUZZ Factory de la misma empresa, y un chorus RADIAL VIENA. La clínica estuvo teñida por el muy buen humor de ambos, haciendo bromas entre ellos e interactuando con el público presente. A continuación vinieron las preguntas de los concurrentes y los souvenirs de marcas participantes del evento, que gentilmente HENDRIX MUSIC ofreció. Luego de tan excelente demostración, fue el turno de los bateristas Gastón Baremberg (Fito Páez) y Sergio Verdinelli (Illia Kuriaky and the Valderramas), pero de ellos nos ocuparemos en la próxima edición de la revista BATERISTAS AL SUR. Para terminar, subió al escenario el General Manager de HENDRIX MUSIC, Sebastián de la Torre, y agradeció a todos los presentes por su concurrencia y predisposición para escuchar, aprender y preguntar. Vinieron los sorteos, cuerdas Rotosound, palillos Regal Tip, parches Aquarian, etc. Por último, y para sorprendernos, subieron al escenario dos músicos de la banda estable del Indio Solari, Hernán Aramberri, director musical de la banda. Ambos se sumaron para desplegar su arte sobre pistas de piezas musicales que suelen ejecutar con Los Fundamentalistas, dejando en claro porqué ocupan un lugar de privilegio dentro de la escena del rock nacional.

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COurtLAND GrAy

DETrÁS DE uN GrAN AMPLIFICADOr, SIEMPrE hAy uN GrAN hOMBrE, y A VECES uN GrAN hIJO Por Florencia Pérez del Valle - Traducción: Laura helien

Fotografía realizada por Hugo Panzarasa

En las coquetas oficinas de someco Electronics s.a., tuvimos el placer de entrevistar a courtland Gray, Gerente de operaciones de Peavey Electronics corporation. antes de su viaje a san Pablo por la Expo music 2012, nos contó un poco de la historia y actualidad de la empresa

cuándo fue fundada la compañía? En 1965, el fundador Hartley Peavey (mi padrastro), comenzó con esta compañía en Meridian, Mississippi. El padre de Hartley estaba en la industria de la música, tenía negocios de música y Hartley trabajaba en ellos. Aprendió todo sobre la venta minorista de la industria, de esa manera empezó a construir amplificadores, fonógrafos y tocadiscos. Cuando se graduó de la secundaria estaba tratando de ver qué hacía con su vida, quería ser un rockstar, un guitarrista. Tocó en varias bandas, pero los muchachos le decían: "mirá, Peavey, nos parece que esto no es lo tuyo, tu ejecución de guitarra no está tan buena, pero nos gustaron tus amplificadores... ¿nos harías amplificadores?, uno o dos de esos". Entonces él fue echado de la banda y empezó a hacer amplificadores para los grupos. Él seguía tocando pero volvían y le decían exactamente lo mismo: “necesitamos un mejor intérprete”. Entonces, fue ahí que se dio cuenta que no iba a ser una estrella de la música, pero era muy bueno fabricando cosas, creando productos. Se dio cuenta que era eso lo que debería hacer... comenzó haciendo amplificadores para guitarras. El primer amplificador fue hecho en 1957? Bueno, él tuvo su primer prototipo en 1957. Los primeros dos amplificadores que construyó fueron en 1957 y desde ahí lo viene haciendo.

22 | Entrevista a Courtland Gray

cuál fue el primer modelo de amplificador que fabricaron en la empresa? No lo sé. Cuando realmente comenzaron a hacer muchos, él fue un gran fan de Leo Fender, ese fue su ídolo principal en el comienzo de su carrera. Él hizo una copia del amplificador de Fender. Pero si tuvieras que decir el año, ¿qué año sería? En 1965, él comenzó a fabricar los productos regularmente. Hacía uno o dos y se cruzaba con alguien que le pedía que hiciera uno o dos más, y creaban los pedidos e iban y los compraban, hacían plata, volvían, le daban el dinero, y Harvey creaba más amplificadores. Comenzó siendo su ganancia y de a poco fue creciendo. dónde está radicada la empresa? Está localizada en Meridian, Mississippi. Esa es la base principal (sigue siéndola hoy). Harvey nació y fue criado allí, continuó echando raíces ahí. Tenemos otras oficinas alrededor del mundo, una en Inglaterra, que es nuestro canal hacia Europa, en donde no tenemos muchos distribuidores. En qué otros países distribuyen sus productos? Tenemos alrededor de 130 países en todo el mundo. Escuchamos varias historias, las personas de Meridian Mississippi saben que Peavey es grande y que vendemos muchos productos alrededor del mundo, pero

no imaginan cuánto... no imaginan cuán grandes somos. Obtienes historias de personas de allí que te cuentan que han estado en un crucero y observaron que en el crucero había amplificadores Peavey, y ellos piensan que es magnífico. cuántos empleados tienen actualmente? No estoy seguro, creo que en total tenemos alrededor de 1000 en nuestro país. Teníamos más en EEUU, pero China tomó el mundo entero y tuvimos que reducir nuestra cantidad de empleados. Tenemos, pero no tantos como antes... tenemos oficinas en China, Inglaterra, Alemania, Tailandia, varios lugares del mundo. En qué otros países, además de EEuu, se fabrican los amplificadores Peavey? Básicamente en EEUU y China. cuál es el modelo más popular de amplificadores? 6505 es el más popular que hacemos, ese es verdaderamente popular, porque desde el día que lo diseñamos para Eddie Van Halen es el número 1 de amplificadores vendido en EEUU. Ese es la evolución del famosos 5150... Si, así es, es el mismo que el 6505, sólo que este es anterior, lo diseñamos con Eddie Van Halen, él se acercó hacia nosotros porque quería que nosotros le diseñemos un amplificador para él. Eddie ideó el nom-

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bre 5150 porque es un código del departamento de policía que es utilizado para las personas que están borrachas y que crean disturbios. Hace referencia a la policía de Los Ángeles. Cuando fuimos por caminos diferentes, él mantuvo el mismo nombre, 5150 y nosotros lo llamamos 6505 porque era el año 2005 cuando esto sucedió y nosotros fundamos la compañía en 1965, era nuestro 40 aniversario y lo nombramos en honor al año que se fundó. Es el mismo amplificador, sólo que con diferente código. No sólo fabrican amplificadores, sino también guitarras y bajos, ¿cuáles nos dirías que son los modelos más representativo de ellos? En bajo diría el T-40, es el mejor bajo fabricado en EEUU. Para las guitarras creamos tantos modelos diferentes a lo largo de nuestros años, no es como la Fender que ellos sólo hacen Stratocaster, que crean la misma guitarra haciendo unos pequeños giros a lo que ya fabricaron. Nosotros hicimos demasiadas guitarras, la primera fue la T-60. Entonces, retomando el tema de cuál es el modelo representativo de la línea de los bajos, ¿cuál es el mejor fabricado hasta ahora? La línea nueva es la Millennium, considero que es el modelo más representativo de hoy en día. cuáles son los endorsers de la compañía? Es difícil de mantener un seguimiento, es que hay muchos artistas utilizando nuestros productos hoy en día. Rudy Sarzo toca nuestro bajo, él utiliza la línea de bajos Cirrus. Tenemos muchas bandas country que utilizan nuestros productos, muchos de nuestros usuarios son jóvenes bandas que no conozco, muchos son los artistas que utilizan nuestra marca, algunos los desconozco. Qué otras marcas que pertenecen al grupo Peavey? Tenemos a Trace Elliot, es el primer amplificador de bajo, fue diseñado en Inglaterra, probablemente apareció a fines de los ‘70, pero nosotros compramos a Trace Elliot hace bastante tiempo. Realizan amplificadores para bajo y para guitarras acústicas. Tenemos a Budda amplificadores, que fabrican amps de guitarras y pedales. También nosotros tenemos a MediaMatrix, fue el primer controlador de network de sistema de sonido, controla el sonido en red, Internet network, entonces puedes controlar el audio en grandes estadios, centros de convenciones, aeropuertos, en casas y edificios en EEUU, se utiliza en el aeropuerto de Atlanta, en el del Beijing, todo tipo de lugares como esos utilizan este producto. MediaMatrix es lo que controla el audio. Otra vez, esta es otra manera de innovar. sabemos que en los ‘60 y ‘70, muchos de sus competidores han vendido sus fábricas a importantes empresas, ¿por qué Peavey no lo ha hecho? Bueno, eso fue básicamente cuando Hartley comenzó el negocio, en el 65 justamente cuando la industria comenzó a cambiar, justamente cuando las compañías comenzaron a venderse, muchas de ellas fueron fundadas por familias. Vos tenés a la familia de Gretsch, Leo Fender, muchas de estas compañías siguen siendo manejadas por los fundadores, pero Fender

24 | Entrevista a Courtland Gray

vendió, y otras muy famosas también lo han hecho. Todas estas compañías se vendieron a propuestas atractivas, de hombres que no sabían nada sobre el negocio, eran marcas reconocidas, con buenos productos, con buenas ganancias, pero cuando estas grandes compañías vinieron y las compraron, la pasión decayó. Fue entonces cuando Hartley estaba muy preocupado, cuando CBS compró Fender, él pensaba que eso era terrible (“no te preocupes”, le decía yo). Él ya lo vio con otras compañías, de repente los precios subieron, la calidad bajó y la gente que creó el negocio ya no estaba más ahí. La pasión y el entusiasmo se fueron. Entonces Hartley se mantuvo firme y se mantiene igual desde entonces. Tuvo grandes ofertas para vender, él sabe que cuando eso suceda, la pasión se va, la marca tiene su nombre, él no está interesado en venderse y desarrolló un grupo de personas en la compañía que mantienen el legado por él. digamos que Harvey es el corazón de la compañía… no es cierto? No es solamente hacer dinero, son personas apasionadas en el producto y quieren asegurarse que ofrezcamos los mejores productos que tengamos. Tratamos de ser los mejores. Siempre aspiramos a hacer buenos productos, de calidad, en un precio justo y razonable. actualmente cuál es la política de endorsers que lleva adelante Peavey? Buscamos artistas que sean innovadores, que tengan buenas ofertas para ofrecer, creativos, que sean respetados en lo que hacen, tratamos de apoyar a artistas que sean interesantes innovadores en la industria. No tienen porqué ser los artistas que estén en la cima, pueden ser los artistas que están surgiendo o solamente muy talentosos, buenos artistas, básicamente. Qué opinión te merece someco Electronics como distribuidor de su marca en argentina? Yo considero que es uno de los mejores distribuidores que tenemos en el mundo. Estás seguro? Por supuesto. Tienen experiencia y una muy buena or-

ganización. También es una compañía familiar, como Peavey, ellos aprecian y son apasionados en lo que hacen, tienen una buena red de trabajo para soportar el producto de línea. Estamos muy agradecidos con ellos y que continúen creciendo nuestros negocios. Creo que va a continuar así por los próximos años. sabemos que los equipos de sonidos fabricados por Peavey están en los lugares más importantes del mundo. además de la opera de sidney y los Juegos olímpicos de beijing, ¿dónde más podemos apreciar la calidad de Peavey? Hay muchas instalaciones que están siendo utilizadas en diferentes partes del mundo, pueden disfrutar del sonido de Peavey, el cual es comprado por muchas compañías. También, algunos de nuestros competidores utilizan los drivers de Peavey. No sabíamos de esto… Uno nunca sabe, seguramente Peavey esté en muchos lados a la vez. También con MediaMatrix tratamos de utilizar la tecnología más avanzada para el mercado hogareño, para que entonces puedas utilizarlo en la comodidad de tu casa, para que puedas controlar el sonido desde el ipad de tu casa; por ejemplo, si tenés parlantes en el patio de tu casa, los podés controlar desde ese aparato. También si usás un home soundround, también podés controlar el sonido y ecualizarlo de la manera que quieras. Estamos tratando de llegar a ese mercado, estamos terminando el producto de línea, vendiéndolo a diferentes mercados. Sería como un producto de consumo especial para Peavey, que será lanzado el año que viene. Estamos trabajando con grandes firmas de EEUU que se están asociando para lanzar este producto. Hacia dónde va Peavey? Estamos trabajando fuertemente en el desarrollo de productos que incorporen la tecnología de última generación, pero siempre manteniendo los materiales que garanticen la durabilidad, prestaciones, y sobre todo la alta calidad de audio que hace de Peavey la marca líder a nivel mundial en amplificadores, instrumentos musicales y audio profesional.

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jAf

EL ruGIr DE LOS MOTOrES SOBrE PISTANS CANDENTES Quienes escuchamos rock desde siempre, sabemos que hay puntos desde donde uno puede trazar y aprender de que se trata en esto de rockear escuchando la voz de este talentoso cantante y ess fina y cristalina guitarra. Por Facundo López Burgos

Fotografía gentileza de Dontpaymusic.com

mi aproximación a la música fue cuando me regalaron la primera guitarra a los 8 años. durante 2 años no tocaba absolutamente nada, algunas cositas, pero muy poco, y a los 10 años fue que empecé a escuchar a creedence, y eso me enfermó la cabeza hasta el día de hoy. ahí formé mi primera banda, “corteza”, que duró una semana, porque el bajista no sabía tocar el bajo… desde ese momento hasta el día de hoy, confieso que he rockeado.

aprendiste solo o ibas a algún profesor? Estudié un mes a los 10 años y aprendí Sapo Cancionero y Lunita Tucumana, pero yo quería aprender Banda Viajera y Quién parará la lluvia de los Creedence, así que le dije a mi mamá que no quería ir más, y a partir de ahí aprendí solo, escuchando los discos cien veces y tocando arriba. además de creedence, ¿qué otras influencias podés nombrarme? Led Zeppelin, Deep Purple, Freddie King, Atahualpa Yupanqui, Paul Simon, y todos los grandes ingleses y norteamericanos, sobre todo los negros. aparte del rock and roll, ¿hay otros géneros que te interesen? El rythm & blues, el blues, y sus derivados. cómo fue tu experiencia tocando con Pappo? En primer lugar alucinante, porque era la banda de

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rocanrol nº 1 del país; en segundo lugar fue frustrante, porque no me dejaban tocar la guitarra, por eso duré sólo diez meses en la banda, hasta que decidí irme. tenés alguna forma particular de trabajar las partes de guitarras? Sí, depende de cómo esté, con quién esté tocando. Por ejemplo, en estos momentos que estoy tocando con Pablo Santos y Beto Topini, la base rítmica es muy importante, por eso trabajo la parte de los acordes de base junto con ellos y grabamos eso en vivo. Y después trato que la guitarra haga algunos arreglos en tríadas, o pensando en el sonido de la guitarra como si fuera un instrumento solista que canta. Es decir, que el resultado es el de un pequeño cuarteto. ¿cómo hacés en vivo con las partes que sobregrabaste? En vivo es otra cosa; funcionamos como un trío.

uno de tus grandes éxitos fue traducir al castellano un clásico de un guitarrista inglés (wonderful tonigth). ¿Por qué creés que normalmente los músicos argentinos le rehúyen a hacer versiones de clásicos del rock traducidos a nuestro idioma? Porque las traducciones literales casi nunca reflejan el sentido que le quiso dar el escritor. Lo que hay que hacer es una adaptación, y eso no es fácil de hacer porque hay que conocer bien el idioma. resulta interesante lo que decís, porque aún hablando el mismo idioma, muchas veces una letra puede dar lugar a distintas interpretaciones. Sí, para representar el sentimiento del escritor en nuestro idioma, yo tengo que fallar con la rima o con la métrica. Eso a mí no me importa, siempre y cuando mi adaptación exprese exactamente lo que el escritor original quiso decir. Querés contarnos algo de tu nuevo trabajo?

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¿Estás terminando de grabar en este momento? Acabo de terminar un disco nuevo que se llama “Canciones de amor” y que va a salir este mes de noviembre de 2012; estoy muy orgulloso y muy contento con esto que acabo de grabar con mi banda y no veo la hora de que salga a la luz.

fuiste de sentarte determinadas horas diarias a hacer escalas, técnica, etc.? Nunca jamás, aunque me gusta sentarme en algún momento de soledad e intimidad a practicar, y buscar

tenés alguna rutina de estudio? Con respecto a tu pregunta sobre a las grabaciones de estudio, lo que hago es ensayar con los muchachos de la banda, y una vez que está empezando a sonar la base rítmica, grabo los primeros bocetos y tocamos sobre ellos privadamente para hacer los arreglos correspondientes en cada tema y después grabar los definitivos, que también son bastante crudos. Es cuestión de sentir que la canción suena.

sonidos que después se transforman en bocetos para futuras canciones.

Fotografía gentileza de Dontpaymusic.com

rece algo ridículo y reconozco que hay muchos talentos muy buenos en todos lados. Hay gente muy capaz, pero no tienen difusión; no salen a la luz y eso es una verdadera pena.

Es todo material de tu autoría? No. Hay un tema de Calderón que se llama "Cartas Amarillas", y un tema de Page, Plant y Jones que se llama "Bron-Yr-Aur Stomp", que lo canta Virginia. ¿y la formación es la que me contabas antes, o hay más instrumentos en el disco? Básicamente es un trío. algún invitado? Sí. Danilo Moschen toca algunas partes de teclados, y mi hija Virginia canta. tenés planeada alguna gira para presentar el nuevo material? Mis giras son constantes, y por supuesto que voy a preparar una gran presentación para abril o mayo del próximo año. cómo elegís una guitarra? ¿Qué es lo que te atrae al momento de probarlas y elegirlas? En primer lugar, el mástil tiene que cuajar perfectamente bien en mi mano izquierda y tiene que resultarme cómoda; generalmente elijo clásicas, del tipo Gibson o Fender, sobre todo Fender. En cuanto al seteo, ¿preferís guitarras con cuerdas bajas y amigables o más del estilo blusero, con cuerdas altas pero un sonido más gordo? Con escala Gibson, utilizo 0.11 en 440, y en escala Fender uso 0.10, también afinada en 440. cuál es tu equipamiento actualmente? Uso una pedalera Zoom, una Stratocaster Les Paul RD Artist y Flying V, y un equipo Nativo Valvular; además un baffle 4 x 12 Celestion 75 y también un Peavey Special 112. usás un equipo nacional. ¿te parecen buenos los trabajos que están haciendo fabricantes de guitarras, efectos y equipos en la actualidad? ¿Notás diferencias con lo que sucedía en otras épocas? Sí; tenemos grandes luthiers, fabricantes de excelentes guitarras acústicas, españolas o criollas, y eléctricas. Y en nuestro país hay excelentes maderas para la construcción de estos instrumentos. Con respecto a los amplis, desde hace muchos años que se fabrican en la Argentina clones de Fender y Marshall, y en este momento hay algunos realmente muy buenos que cumplen con creces con las exigencias mínimas de los guitarristas; ¡aguante la industria nacional! ¿Qué opinás de la actualidad musical en buenos aires? ¿cómo ves el futuro de la industria y el trabajo para los músicos? En nuestro país es muy dificultoso el hecho que los muchachitos tengan que “garpar” para tocar, me pa-

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y en cuanto al estudio del instrumento? ¿sos o

Qué podés recomendarle a alguien que está hoy empezando su camino en la música? La recomendación es tocar en vivo sin “garpar” y en cualquier parte, para mostrar lo que se está haciendo… Tocar, tocar y tocar en vivo… Y, si bien todos empezamos haciendo covers, tratar lo más rápido posible de comenzar con temas propios, para mostrar un color definido y personal. Mucha suerte para todos.

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juANjO GÁSpArI Por Florencia Pérez del Valle

cuáles fueron tus comienzos y dónde? Soy platense, nací hace 27 años en La Plata, y mis comienzos en la música fueron alrededor de los 10, 11 años. ¡Antes era jugador de futbol!. Mi papá me regaló mi primera guitarra (Fine Les Paul). Yo estaba re contento con mi guitarra, hasta que a mi hermano se le ocurrió venderla para comprarse una bicicleta. Recuerdo que me enojé mucho, y mi viejo, ante eso, me compró una Peavy Strato, la cual usé para hacer mi primera “gira” en la costa junto a Juliana Guercio. Con la plata que pude recaudar de ahí me compré una Eco Les Paul. Más adelante decidí venderlas y me compré la Telecaster americana, y hoy en día es la que más uso, y además la tengo tatuada en mi brazo izquierdo. cómo se llamaba tu primera banda? Mi primera banda la tuve a los 12 años; se llamaba

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MErCADO PErSA Este guitarrísta platense, nacío hace 27 años y sus comienzos en la música fueron a temprana edad pero... ¡Antes era jugador de futbol!.. su padre le regaló mi primera guitarra y aquí nos cuenta como sigue la historia.

Huellas en el Desierto, y fue con la que tuve mis primeras presentaciones. Tocaba con mi hermano Lucas y con amigos. Recuerdo que al principio mi papá nos llevaba y nos iba a buscar de las presentaciones porque éramos muy chicos y no podíamos estar en esos lugares solos… Qué es lo que te llevó a definirte por la guitarra? Lo que me llevó a definirme por la guitarra fue una vez que estaba escuchando Something, de los Beatles, y flashee con el solo que hace (….). Ahí dije: “esto es para mí, yo quiero hacer esto”. cuál es el género con el que te sentís cómodo? Toqué todos los géneros. Si bien me siento mejor en el rock, siento que es lo mío, toco de todo. Yo disfruto de toda la música, el estilo cada vez me importa menos, lo que me importa es que me con-

mueva de alguna u otra manera. cuáles fueron tus primeros trabajos? Desde los 17 años voy todos los veranos a tocar a la costa argentina. Me armo mi bolso y voy recorriendo, sobre todo Pinamar. Fue ahí mismo donde tuve la oportunidad de conocer a Faby Cantilo y tocar con ella, ¡una genia…! A los 20 años me mudé a Capital para empezar a hacer mi carrera, y me salían trabajos en música publicitaria. Hice una cortina para Canal 7 que no quedó, pero al poco tiempo empecé a tocar en el mismo canal para un programa que se llamaba “Chicos Argentinos”, con el cual grabamos un disco e hicimos varias giras. También trabajé mucho en teatro. Mis comienzos fueron en una obra que se llamaba “Los Remember”, en la cual trabajé en la composición y dirección musical. Con esta misma obra hicimos

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ros; con Lulo tengo una relación impresionante. cómo te afectó el tema de la “fama”? No me pareció mucho el cambio. Sí extraño la energía que se siente al tocar frente a tantas personas, pero nunca fui de “agrandarme” en cuanto a la fama. Sí “me va” más el tema del reconocimiento, eso me interesa, que reconozcan tu trabajo. No me da nervios salir a tocar en público, sólo me agarra ansiedad, pero ya en el escenario desaparece, lo disfruto mucho. Qué hizo que te apartaras de ese proyecto? Me fui para tocar con amigos. Uno tiene sus metas, y a mí me pareció que estuvo bueno tocar con Andrés, pero estaba 100% ahí y yo también quería tocar mis canciones, con mis amigos, mi banda… Es diferente. cuáles son tus próximos proyectos? Mi proyecto principal es hacer fisico mi disco “Velocidad”. Ya desde el 2011 estamos trabajando en él, junto con Andrés Cortés, que es el guitarrista, cocompositor y co-productor. Básicamente, son todos temas de rock y está dividido en dos partes: aceleración y profundidad, las cuales son dos palabras que se usan mucho en la definición técnica en cuanto a la velocidad. En este caso me represento con aceleración todos los temas más rockeros y más rifferos. La otra parte tiene más de armonía, y la lírica que tiene la letra y la sonoridad como otra profundidad. Tiene mucho rock, mucho ring de viola, y va bajando y al final se va yendo. Nuestro proyecto es tocar en todos lados donde podamos y, si se da, estaríamos orgullosos de girar por todo el país.

presentaciones en Mar Del Plata, Paseo La Plaza y giras por el interior.

tocar en las salas de ensayos grosas, que te vean 15000 personas. Me llevo el aprendizaje, tocar con músicos grosos, hacerme amigo de mis compañe-

cómo pueden hacer para escuchar tu disco? Se puede bajar gratuito en www.yasuena.com. Te bajás la tapa, contratapa, créditos. El único precio que tenés que pagar para bajarlo es pasárselo a alguien, recomendarlo.

Qué bandas y guitarristas te inspiraron? Ya desde chico me gustan Los Stones. En mi casa, mi hermano Lucas siempre traía discos de ellos y de Los Beatles, y son las dos bandas que más me gustan y más me inspiran. Además, creo que todas las bandas tienen algo de estas dos, como que son ramificaciones. Queda por entendido que mi mayor influencia es Keith Richards. Del rock nacional me vi más influenciado por mi hermano mayor, y desde ahí mi gusto por Charly, Serú, Pappo, Mollo. Obviamente, tuve mi etapa en la que me gustaba mucho Nirvana, Pearl Jam… cómo llegaste a ciro y Los Persas? Me llamaron recomendado por un músico en común, Lolo Micucci. Me convocaron para hacer un casting y, luego de dos audiciones, a las pocas semanas empecé a tocar con ellos ya en el Luna Park. Recuerdo que después de los tres Luna Park, a causa del stress previo que había tenido, me desmayé. contanos tu experiencia con ciro y Los persas? Todo, fue todo genial. Toqué en lugares increíbles y conocí gente increíble. Y tuve la posibilidad de tocar para el mejor público del mundo. Fue todo bueno,

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Entrevista a Juanjo Gáspari | 31

LA bAtALLA DEL SIGLO: fENDEr VS. GIbSON Si bien en la década del ‘30 es cuando aparecen las primeras guitarras eléctricas, éstas no eran más que instrumentos acústicos con el agregado de un micrófono. Es en la década del ‘50 cuando aparecen las primeras guitarras eléctricas tal como las conocemos hoy en día, teniendo como principal característica la construcción del instrumento sobre un bloque de madera sólido, es decir, sin caja acústica. Las fábricas Fender y Gibson han sido las principales impulsoras de este desarrollo y, curiosamente, instrumentos con más de 50 años de existencia siguen siendo hasta el día de hoy los más copiados e inﬂuyentes tomados como modelo y punto de partida de la mayoría de las guitarras eléctricas del mercado actual. Nos referimos, por supuesto, a la Fender Stratocaster y Gibson Les Paul. Por Facundo López Burgos

Un dato importante a tener en cuenta es que en el año 1950 Gibson era una prestigiosa empresa que llevaba ya 70 años, desde su fundación en 1880, construyendo instrumentos de cuerda (mandolinas en principio, y luego guitarras). Contrariamente a esto, Leo Fender, técnico electrónico que trabajaba reparando radios, amplificadores hogareños y demás equipos electrónicos, fue acercándose al mundo de la guitarra con la construcción y diseño de amplificadores de guitarra en un comienzo, para terminar construyendo laps y guitarras luego. Seguramente fue esta carencia de tradición lutherística lo que le permitió acercarse de una manera absolutamente desprejuiciada a la construcción de instrumentos, y aportar muchas de las que serían las más grandes innovaciones en lo que a construcción de guitarras eléctricas se refiere. cuErPo sóLIdo La idea de colocar micrófonos en las guitarras surge dado el poco volumen natural del instrumento. Las posibilidades de escuchar una guitarra en el ámbito de una banda de jazz junto a una trompeta, piano o batería son casi nulas, relegando el papel de la guitarra a sólo un acompañamiento armónico-rítmico. Si bien al colocarles un micrófono esto se solucionó en parte, el volumen seguía siendo pobre, ya que al subir mucho el amplificador aparecían los molestos acoples. Por consecuente, el volumen seguía siendo escaso para que

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la guitarra pudiera desempeñar el rol solista que muchos guitarristas buscaban. La idea de experimentar con un cuerpo sólido surge debido a que, al carecer de caja de resonancia, las guitarras ya no producen acoples (en realidad, las guitarras siguen acoplando, sólo que a volúmenes muy superiores, absolutamente impensables en esa época). Según cuenta la historia, la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo fue construida en 1948 por Paul Bigsby para el músico Merle Travis; sin embargo, el primer modelo comercial fue desarrollado por Leo Fender y lanzado al mercado en el año 1950. Se trata de la Fender Telecaster (los primeros modelos se llamaron Esquire y Broadcaster, hasta quedar finalmente con el nombre que hoy en día conocemos). Desde mediados de la década del 40 el guitarrista Lester William Polsfuss, conocido como Les Paul, venía trabajando en un prototipo de guitarra con un centro macizo y dos pedazos de caja a los costados (algo así como lo que terminaría siendo la famosa Gibson ES335), pero sencillamente no lograba interesar a Gibson, que no veía a quién podría interesarle un instrumento de tales características. Tras el suceso de ventas de Fender la compañía convocó al guitarrista, y junto a Ted McCarty diseñaron la Gibson Les Paul, que es lanzada al mercado poco tiempo después. dIsEño y coNstruccIóN La Gibson Les Paul es sin duda alguna un instrumento

lujoso que resume años de tradición lutherística y experiencia, en lo que a construcción se refiere. Esto podemos apreciarlo en sus detalles de terminación (guías de diapasón con formas trapezoidales en nácar o madreperla, contorno de la guitarra con ribetes, pintura dorada en un comienzo para ser reemplazada por madera de bellísima veta, con pinturas translúcidas posteriormente, tapa tallada, etc.); en la elección de sus maderas: caoba, con una tapa de arce (utilizadas desde siglos atrás para la construcción de instrumentos de cuerda); en la construcción del mástil con la inclinación de su pala tallada a partir de un gran bloque de madera (lo que, entre otras cosas, habla de un árbol de larga edad), y la manera en que éste entra en el cuerpo y es encolado con un pequeño ángulo (entre 4 y 5 grados); y en el diseño y construcción de su puente (tune-omatic) con pernos que penetran en el cuerpo para transmitir mejor las vibraciones de las cuerdas a la madera. Contrariamente a esto, Leo Fender basa sus diseños en practicidad, facilidad de construcción y economía, utilizando, por ejemplo, maderas de las que puede disponer fácilmente, por ser las que se cultivan localmente, como fresno, aliso, arce. El mástil está construido a partir de un solo pedazo de madera con la pala recta, y se atornilla al cuerpo (cosa que permitiría cambiarlo para posibles reparaciones). En los primeros diseños no posee diapasón, clavando los trastes directamente sobre el mástil. Sus diseños no se basan en

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absoluto en las formas tradicionales, proponiendo formas, pinturas y colores que se inspiran en la tradición automovilística norteamericana. mIcrófoNos Las primeras guitarras eléctricas sólo poseían un micrófono con control de volumen, pensando en amplificar el sonido y tener un mínimo control de su volumen. Es Leo Fender el primer fabricante que incursiona en el mundo tímbrico de la guitarra eléctrica, al introducir dos micrófonos en el diseño de su primera guitarra (Telecaster), para agregar un tercero en la afamada Stratocaster. De esta forma, las guitarras no sólo son amplificadas, sino que con sólo cambiar de uno a otro micrófono nos entregaba distintas opciones en cuanto al color del sonido. Por su parte, Gibson, luego de utilizar durante sus primeros años micrófonos P90 (bobina simple), introduce en el año 1957 los humbuckers (micrófonos de doble bobina), que se convertirirían con el transcurso de los años en sinónimo de Gibson, en cuanto a sonoridad se refiere. Los micrófonos de doble bobina son básicamente 2 bobinas simples conectadas en serie a contrafase y con la polaridad invertida. Esto buscaba remediar el problema del zumbido y las interferencias características de los micrófonos de bobina simple, que en el caso de los P90, por ser mics de alta ganancia, era aún mayor que los típicos micrófonos usados por Fender. Pero ésta no fue la única consecuencia que tuvieron estos micrófonos en el sonido, ya que, debido a su construcción, los doble bobina son micrófonos de mayor ganancia, con más sustain, y poseen un sonido más coloreado y con más cuerpo que los de bobina simple. LarGo dE EscaLa El largo de escala es la distancia que hay entre los dos puntos de apoyo fijos que tiene la cuerda, es decir, el puente y la cejuela. Si bien ambas marcas han variado levemente esta distancia, años y modelos de por medio, Fender se ha caracterizado siempre por el uso de una escala más larga que Gibson (el largo de escala de una Telecaster-Stratocaster es de 648mm contra los 629mm de una Les Paul o SG). El uso de una escala más larga

34 | La batalla del siglo: Fender vs. Gibson

hace que, partiendo de una cuerda del mismo calibre, se necesite una mayor tensión para alcanzar una misma nota. Una cuerda más tensa nos entregará un sonido más nítido y brillante. Por otro lado, la acción general de un instrumento con menor tensión nos hará la guitarra más ‘blanda’, resultando más fácil el uso de recursos, como estirar cuerdas (aunque guitarristas como Stevie Ray Vaughan pueden hacernos dudar de esto último). coNtroLEs La Fender Stratocaster posee una llave selectora de 5 posiciones, que nos permite elegir el uso individual de cada uno de sus 3 micrófonos, o la combinación de a pares del micrófono central con el del mástil, o el central con el del puente. Además de esto, posee un volumen general del instrumento y 2 controles de tono (uno para el mic del mástil y otro para el central). Por su parte, la Gibson Les Paul posee un selector de 3 posiciones, que nos permite elegir entre cualquiera de sus 2 micrófonos o el uso de ambos a la vez. Ambos micrófonos poseen control de tono y volumen. Esto nos permite, al utilizar ambos micrófonos, tener un control sobre su mezcla. Otro uso interesante de poseer controles individuales de cada micrófono, es la posibilidad de tener uno al mínimo de su volumen y el otro al máximo para alternar rápidamente, y sin necesidad de ningún control externo entre un sonido solista y uno de acompañamiento. ¿y Esto coN Qué sE comE? Hasta aquí vimos una descripción teórico - técnica acerca de las diferencias entre ambas guitarras. Yendo a un terreno algo más práctico, sigo con las diferencias que encuentro en ellas. Partiendo de guitarras bien calibradas y con una misma acción del mástil, las Gibson son guitarras más ‘blandas’ que las Fender. Hay quienes las prefieren por este motivo. En mi caso, siempre uso en Gibson un calibre superior que en Fender (por ejemplo, si en Fender uso .010, en Gibson utilizo .011) para tener una tensión similar. Por otro lado, el usar cuerdas más gruesas me entrega un sonido con mayor cuerpo. Las Gibson son guitarras que poseen mayor sustain y un sonido con más cuerpo que las Fender. Es especialmente

notable la intensidad del sonido en sus cuerdas agudas en los trastes elevados (digamos por arriba del 10º traste). Las Fender poseen un sonido más nítido y cristalino. Por otra parte, quienes gusten de un sonido pulcro y muy limpio, encontrarán en ellas una gran herramienta. La expresividad alcanzada de la Stratocaster por músicos como Jeff Beck o David Gilmour, por citar sólo dos ejemplos, rara vez se ha encontrado en una Gibson. Las Gibson son guitarras más silenciosas (en cuanto a ruidos parásitos) que las Fender. Por otra parte, el poseer controles de volumen independientes por cada micrófono nos permite algunas funcionalidades como las ya citadas, o la de tener un mic cerrado y otro abierto, y cambiar de uno a otro mientras hacemos acoplar la guitarra. Esto nos permite utilizar el acople para generar patrones rítmicos. La ubicación del pote de volumen de Fender nos permite moverlo con el dedo meñique mientras tocamos las cuerdas. Si escuchamos guitarristas tan disímiles como Jeff Beck o Yngwie Malmsteen, han hecho del uso de este recurso, parte de su sello. Para quienes la estética sea algo importante, la Les Paul, a mi entender, se lleva todos los premios (aunque esto, reconozco, es algo muy personal). coNcLusIóN El motivo de comparar Fender y Gibson se debe a que la gran mayoría de las guitarras de hoy en día toma como punto de partida alguno de estos dos mundos. En la década del 80, muchas fábricas comenzaron a mezclar el mundo microfónico fabricando guitarras que incorporaban micrófonos de bobina simple y doble. Ya en la década del 90 aparecieron guitarras con forma Stratocaster, pero maderas y construcción tipo Gibson (mango encolado y tapa en caoba y arce). Como verán, el sonido de la guitarra depende de muchas más cosas que su forma, aspecto, o el tipo de micrófonos que utilice. Esta nota pretende motivarlos a investigar, para conocer mejor el instrumento y poder encontrar aquel que mejor se ajuste a sus necesidades como músicos. PD: Y entonces, ¿cuál es mejor? ¡Desconfíen de aquel que se sienta capacitado para dar la respuesta!

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EXpO muSIC SAN pAbLO Una vez más, entre los días 19 y 23 de septiembre, se llevó a cabo la asombrosa y espectacular Expomusic de Brasil, como es tradicional, en el predio Expo Center Norte en San Pablo y, como es costumbre, también GyB.ar estuvo presente.

capitales argentinos y con muchúsimo éxito en los negocios. Ambas empresas presentaron sus productos y los asistentes a la expo estuvieron muy pendientes de todo lo expuesto en los stands de estas empresas.

Como no sentir la curiosidad de queres recorrer y mirar todos los productos que estan a disposición en esta expo que es el evento es el más importante de Latinoamérica, y cada vez más cuenta con visitas de importadores de nuestro país, que van a buscar marcas que ofrece la buena industria brasileña.

Ocupando una superficie de 15.000m2, expusieron más de 200 empresas relacionadas con el mundo de la música. En ella, los visitantes (que en esta edición fueron más de 50000), encontraron lo más avanzado de la industria musical, demostraciones de productos, firma de autógrafos por parte de afamados artistas.

Cabe destacar que, entre los stands más importantes de esta imponente muestra, sobresalían los de la empresa SOMECO y también el de PRO SHOW, firmas de

Un dato que recordamos (para los que no leyeron la nota del año pasado), Brasil hace obligatoria la enseñanza de algún arte en las escuelas.

Plano de la Expo Music, con las indicaciones de donde se encuentra cada stand

Vista parcial de la feria y su gran aﬂuencia de público

El interior del micro exhibiendo guitarras Tagima

36 | ExpoMusic San Pablo

Imponente stand de los ampliﬁcadores Meteoro

Nuestro amigo Tomás Julio (Bajos Xclusivos) demostrando sus bajos

El stand de guitarras Tagima. Si, es un micro. No se equivocaron

En los stand hubo demostraciones de los productos por parte de los músicos

Stand Santo Angelo

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Stand de NIG y rouxinol (cables y pedales)

Guitarra gigante en otro stand de Tagima

Stand de Basso Straps y una impresionante variedad de correas

Todos los productos de SKP para ver y disfrutar

El maravilloso stand de las legendarias guitarras brasileñas Gianinni

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Stand de Someco, cumpliendo 15 años

Gran concurrecina de público en una demostración de Peavey en el stand deSomeco

Stand de Pro Shows, uno de los más grandes stand de la feria

Alguna de las guitarras fabricadas por Gianinni

Los fans disfrutando del stand de Gianinni

ExpoMusic San Pablo | 37

SCHECtEr HELLrAISEr SOLO 6 E/A Fotografía de Ana Lucía Amor

El Grupo rómulo García S.A., presenta una nueva guitarra Schecter. Se trata de la hellraiser Solo 6 E/A, un modelo semi-hollow, qpara una perforImporta y distribuye Grupo rómulo Garcia - www.romulogarcia.com.ar mance tanto eléctrica como acústica.

Schecter ha instalado en la Hellraiser Solo 6 E/A un sistema piezo Fishman Tune-O-Matic Powerbridge, con un preampli PowerChip y dos micrófonos EMG; uno es el modelo EMG-81 (puente) y EMG-89 (mástil). Para controlar el volumen de los micrófonos EMG, cuenta con un potenciómetro, y otro para el piezo Fishman. Posee un control de tono push-pull, permitiendo dividir al EMG-89 en una pastilla de bobina simple, y una llave de 3 posiciones permite mezclar el sonido de los micrófonos EMG89 (posición alta), del EMG-81 + Piezo (centro), o sacar la señal del piezo solo (posición baja). El preamplificador activo Fishman PowerChip permite mezclar las tres pastillas y funciona con el circuito “Smart Switch”, que divide las señales del piezo y de las EMG a señales estéreo o las mezcla en mono. comENtarIos dE matías muNIGHINI (mastifal / rey o reina / La bestia) Esta guitarra de Schecter es una maravilla. Por un lado está su construcción total de mahogany, diapasón de rosewood ultra accesible, y maple flambeado. En la tapa da la impresión de una joya, pero, atenti, no sólo es la imagen, sino que es real-

38 | Informe Schecter hellraiser Solo 6 E/A

mente una joya. La construcción de esta guitarra es tipo Les Paul, de caja semi hueca. ¿Por qué?... Esta guitarra tiene la particularidad de, más allá de ser una especie de bomba en cuanto a micrófonos y accesorios, que cuenta con un EMG 81 en el puente y un EMG 89 en el mango, 2 micrófonos de alta ganancia, clavijas Schecter con traba, y demás cosas que hacen del instrumento algo único. Posee en el puente un sistema piezoeléctrico Fishman; este sistema nos proporciona la posibilidad de dividir, mediante una selectora de 3 posiciones, la parte eléctrica de los EMG, o la parte acústica, o bien mediante un cable stereo, ambas señales para grabar en estudio. He tenido la posibilidad de usar la guitarra dentro del estudio y les cuento que es realmente

una guitarra acústica, ya que la caja semi hueca y el piezo fishman son incomparables. Estéticamente tiene unas cruces góticas en abalon y en todo el contorno de la caja una cenefa de madreperla que da la sensación al instante de un instrumento de muy alta gama. Creo que sólo queda probarla y enamorarte de ella al instante.

caractErístIcas * Construcción: Set Neck con Ultra Access * Cuerpo: Caoba con tapa de arce * Mástil: Caoba de tres piezas * Diapasón: Palo Rosa (Rosewood) * 24 trastes Jumbo * Inlays: Abalón “Gothic Crosses” * Ribete doble de abalón * Clavijas: Schecter Locking * Pastillas: Fishman Powerbridge/EMG 81/89 * Electrónica: 2 controles de volumen (EMG y Powerbridge), un control de tonalidad push-pull. 1 llave selectora de micrófono de 3 posiciones + 1 switch para el preamplificador Fishman PorwerChip * Puente Fishman TOM Powerbridge * Escala: 25.5″ * Hardware: Cromado * Color: Black Cherry (BCH)

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fLAVIO rOmErO Por Sergio resar

INQuIETuD y MOVILIDAD CONSTANTE Este talentoso bajista nos comenta que lo mas importante para él, es tomar elementos propios del género, que le sean útiles para hacer su propia música sin la necesidad de plantearse límites estilísticos de ningún tipo. Conozcamos un poco más sus opiniones.

física como auditiva, está perfecto. Con respecto a la amplificación utilizo equipos de Gallien Krueger, uso el Mb 150 y también tengo el Mb Fusion 500 con una caja NEO 2x10. Hablando de instrumentos, uso los bajos de Pablo Massa, que es un luthier increíble, además de ser un gran tipo y amigo. Tengo dos bajos que él hizo especialmente para mí, un bajo eléctrico de 6 cuerdas y un bajo acústico también de 6 cuerdas, ambos poseen características específicas muy puntuales. También tengo dos contrabajos de Roberto Giormenti, uno destinado para grabaciones y otro mas fácil de transportar, ideal para viajes.

cómo fueron tus inicios con la música? Mi primer contacto con la música fue en la adolescencia, a pesar de que no provengo de una familia de músicos, siempre me sentí muy interesado y sorprendido con la música. Siento que es el medio mas directo para la sensibilización, por lo menos así lo vivo y lo experimento día a día tocando y escuchando música que me apasiona. Por qué elegiste el contrabajo? Mi interés por el contrabajo comenzó con el jazz, creo que es un género que alberga a grandes exponentes de este instrumento, muchos de ellos no solo son contrabajistas sino también grandes compositores, escuché mucho a Dave Holland, Niels Orsted Pedersen, Avishai Cohen, John Patitucci, entre muchos otros mas. Luego también pude encontrar espacios donde el contrabajo tiene un lugar muy interesante, mas que nada en la proyección del instrumento como interprete solista, este lugar tiene que ver con la música “académica” (por decirlo de alguna manera), exponentes como Edgar Meyer, Rinat Ibragimov, Francois Rabbath, entre otros. con quiénes estudiaste? Tuve varios maestros… hablando específicamente del contrabajo, mi maestro más importante fue y es Sergio Rivas (Contrabajista de La Orquesta de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”), también tuve la posibilidad de tener experiencias estudiando en el exterior, específicamente en New York, Tomé clases con Scott Colley (John Scofield, Jim Hall, etc), También con Marco Panascia (Peter Erskine, Herbie Hancock), entre otros destacados. Hablando del terrero de la composición mi maestro es Osvaldo Suárez, es un gran maestro, no solo por la información que brinda sino que logra transmitir y contagiar (por lo menos en mi caso) el amor que le tiene a la música y la pasión con la que aun sigue estudiándola, conociéndola y apreciándola.

40 | Entrevista a Flavio romero

En qué año grabaste tu primer disco solista? Grabé mi 1er disco solista en el 2009 y se edito en 2010, el disco se llama “Umbral”, tuve la suerte de presentarlo en distintos escenarios, no solo de Argentina. Umbral es un disco muy importante para mí, ya que representa el inicio de este viaje. Resulta inevitable para mi la construcción de un espacio para la producción personal, a su vez es una tarea bastante compleja la de armar un grupo ya que involucra un importante espacio en la agenda de otros músicos, lo cual me hace estar completamente agradecido con los tremendos músicos que integran mi nuevo sexteto (Martín Vicente en batería, Nico De Carli en guitarra, Leo Paganini en saxo Tenor y Clarinete, Yésica Nicolet en Flauta baja y traversa y Alan Rodríguez en trompeta y flugelhorn), ellos me acompañan, como dije antes, en este viaje. Con este nuevo grupo estaremos grabando lo que será mi 2do disco a fines de este año. desde hace cuánto tiempo sos docente? Me dedico a la docencia hace 10 años, para mi es una labor muy interesante, implica responsabilidad, trabajo, ganas, afecto, miles de cosas. Creo que cuando alguien te elije para que lo ayudes a crecer y a incorporar una visión de cómo son las cosas desde una óptica personal, uno debe no solo sentirse agradecido sino que también debe tener cuidado. Con esto me refiero a que creo fervientemente que la labor docente no debe ser una “bajada de línea” donde uno impone una manera de ver, de pensar y de clasificar la música sino mas bien un espacio abierto, de descubrimiento, generando en la persona que te elije una personalidad crítica y capaz de saber porqué hace lo que hace, elije y decide dentro del campo musical. cuál es tu set actualmente? Soy bastante fanático de los instrumentos, equipos, pedales, etc. Me apasiona esa búsqueda. Creo que mientras esa inquietud sea en pos de lograr una comodidad tanto

sabemos que sos endorser de Gallien Krueger? Gallien Krueger siempre fue una marca que me gustó, creo que es una empresa con una constante inquietud por evolucionar, abarcando todos los estilos, tal es así que la marca la usan no solo exponentes del jazz sino que también perfectamente cumple con las necesidades de cualquier tipo de músico. Mediante la circulación de mi actividad se logro estrechar un vínculo con la empresa, lo cual devino en que hace un año aproximadamente me otorguen el endorsment de la marca, eso me permitió conocer aún más los productos. cuál es el modelo de Gallien Krueger que usás? Tengo varios equipos de Gallien Krueger, los elijo dependiendo del combo de instrumentos que use. Principalmente cuando solo toco el contrabajo utilizo el Microbass Mb 150 + la extensión de 1 x 12, creo que es un equipo indispensable para cualquier contrabajista, sea cual sea el género que toque. Tiene la cualidad de lograr un sonido muy natural, sin distorsionar o cambiar el sonido real del contrabajo que se esté usando, eso creo que es súper importante! y también puede (mediante la ecualización) “colorear” el sonido natural, destacando o modificando ,de acuerdo a la necesidad personal, alguna característica puntual del instrumento. Además creo que su diseño es muy interesante, impuso un estilo nuevo, en donde se combina un tamaño mínimo, lo que facilita el transporte y una potencia justa. Cuando utilizo ambos instrumentos (el contrabajo y el bajo eléctrico) utilizo el Mb Fusion 500 con una caja Neo 2x 10, ese cabezal, sin abandonar el diseño pequeño y liviano, posee un poder tremendo, además de una amplia gama de posibilidades de ecualización, la posibilidad de usar dos canales y algunos detalles más que la hacen muy funcional. cómo es tu relación con la empresa music solutions? Básicamente Music Solutions son los representantes de Gallien Krueger en Argentina, los conocí por medio de la empresa “central” de Gallien en Estados Unidos. La gente de Music Solutions no solo me facilita la posibilidad de adquirir amplificadores, sino que lo hacen con un muy buen trato, estrechando una relación muy bien dispuesta, otorgando un contacto permanente, lo cual me permite estar al día con respecto a las novedades de los productos de Gallien Krueger ni bien llegan a la Argentina. Pueden conseguir más info en www.flavioromero.com.ar

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pAuL DOurGE

SuEñOS EN uN MAr DE hIELOS ETErNOS

A los 8 años pasó los exámenes de timonel y empezó a correr regatas para el Club Náutico San Isidro, llegando a ser parte del equipo argentino. Pero un mágico viaje a la Antártida lo motivo a soñar con Por Florencia Pérez del Valle ser músico. Prisionero en un entorno que le gustaba y a la vez lo oprimía, opto por la música.

Fotografía de Fran de Pontenpié

cómo empezó tu relación con el bajo? Descubrí el bajo eléctrico en el año ‘69, con ocho años de edad, pero recién en el año 1976 tuve la posibilidad de conseguir uno. Siendo niño, actué en algunas propagandas para la TV, pero eventualmente cambié mi rumbo artístico por la música, que era, y sigue siendo, mi vocación. En ese año, 1969, fui el protagonista de un documental para la Secretaría de Turismo de la Argentina. Dicho film promocionaba viajes a la Antártida en un barco, y la narrativa del guión partía desde la perspectiva de la mirada de un niño de 8 años que viajaba a bordo. Una tarde, durante el trayecto en alta mar alguien me llevó a la “boite” del barco, o sea, el boliche bailable, y allí pude presenciar los ensayos del conjunto que tocaba a bordo. Hacían lo que en esa época se llamaba “música beat”. Hoy en día lo llamaríamos rock, pero en aquella época la palabra rock no era tan utilizada. La banda se llamaba “The Icebergs”. Tocaban tarde a la noche y esos no eran horarios para un niño de 8 años. Me conformaba entonces con ir a los ensayos, hipnotizado por sus instrumentos y su vestimenta colorida. Eran los años psicodélicos de Los Beatles, los Rolling Stones, Jimmy Hendrix, James Brown, The Four Tops, el sello Motown… Recuerdo estar sentado al lado del bafle del equipo de bajo y sentir cómo ese enorme aparato me hacía vibrar el cuerpo. Ese mismo año, mi madre me llevó al primer festival de rock que hubo en la Argentina. Se llamó el “Pinap” y se realizó en el predio que queda al lado de la Facultad de Derecho en Recoleta. Allí vi a Almendra, a Lito Nebbia y a los Cables Pelados. ¡Quedé fascinado! En el año 1976 un compañero de colegio me informó que se vendía una copia del bajo Hoffner violín. Ese fue mi primer bajo. Le saqué los trastes antes de saber quiénes eran Jaco Pastorious o Al-

Entrevista a PaulStagg Dourge 42 | Informe Cables

phonso Johnson. Lo hice porque algunos trastes estaban mal colocados y, por ende, era imposible afinar. Haciéndolo fretless solucioné el problema y le tapé yo mismo los surcos con masilla náutica. desde tu infancia sabías hacia dónde ibas, o en el transcurso fuiste viendo? Mi infancia estuvo llena de contradicciones por haber tenido un padre brillante pero contradictorio. Lo digo hoy con cariño hacia él, que ya no está, y sobre todo habiendo sido capaz de perdonarle sus errores. El mandato paterno era el siguiente: “si querés ser músico dedicate a la música clásica y tendrás todo mi apoyo. Si querés tocar música beat y chingui-chingui, arreglátelas solo”. Raro, viniendo de un padre que había vivido la década del ‘50 en Europa, con todo lo que eso implicaba en cuanto a revolución musical y cultural, y que además era uno de los personajes más excéntricos de Buenos Aires en los años 70’s. A los 8 años mi viejo me enseñó a navegar a vela. Pasé los exámenes de timonel y empecé a correr regatas para el Club Náutico San Isidro. Fui sin dudas un timonel con condiciones, ya que llegué a ser parte del equipo argentino unos años más tarde. Gané varios trofeos en la categoría Optimist, como la copa Yacht Club Argentino en dos años consecutivos. Llegué a ser sub-campeón argentino, corriendo regatas en esos pequeños barcos monoplazas. Esto lo cuento, no por fanfarronería gratuita, sino porque está relacionado con el relato que sigue. Desde aquel viaje a la Antártida soñaba con ser músico, pero me sentía prisionero en un entorno que, si bien me gustaba (porque navegar a vela es apasionante), a la vez me oprimía. Yo no quería competir. Tan sólo me gustaba navegar. Pero un menor de edad no tiene muchas elecciones en la vida.

Es muy común que niños deportistas compitan porque directa o indirectamente el mensaje que reciben de sus padres es el siguiente: 1- “serás lo que yo no pude ser” y 2“si ganás te amamos. Si perdés… no tanto”. Si bien eso no era del todo cierto, porque mi padre fue un padre muy cariñoso, yo sentía mucha presión. Hasta los 15 años de edad, mi relación con la música fue simplemente cantando en mi barco a vela o usando la cubierta de madera o los flotadores de fibra de vidrio como instrumento de percusión. En casa, y hasta entonces, el único instrumento real que tocaba era la flauta dulce. A los 15 años empecé a estudiar piano clásico con una gran profesora: Lita Spena. Así fue que entró en casa un piano vertical. Al poco tiempo conseguí aquel primer bajo marca Kuc y empecé a tocar con alumnos de mi escuela secundaria. A esa edad conocí a Andrés Calamaro. Fue así que gradualmente, a partir de los 16 años, empecé a desconectar con las regatas a vela y a dedicarme más a la música. Pero todavía no estaba listo para poder liberarme por completo de la presión familiar. Al finalizar mi doble bachillerato argentino y francés cumplí 19 años y me fui a vivir solo a París, siguiendo el mandato paterno que me exigía estudiar una carrera formal. Me enrolé en lo que menos me disgustaba, que era el derecho y las ciencias políticas. Cursé un año de derecho en la Universidad René Descartes y fui un pésimo alumno de una escuela privada de ciencias políticas (pésimo porque le dedicaba más tiempo al bajo que a las tareas de la facultad). Era el año 1981. Decidí dejar el derecho y las ciencias políticas y me dediqué con mucho método y disciplina al bajo eléctrico, que solía tocar muchas horas por día. Me uní a un grupo de músicos de jazz norteamericanos, que tocaban en los andenes y en los túneles de los subtes de París. Esa fue la

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primera etapa de mi carrera de músico. Alquilaba un cuartito de dos por dos con baño compartido, ubicado en el palier del último piso de un edificio bacán. Pasé de ser un “niño bien” a ser un músico de subte, que tocaba para ganar esas monedas que los transeúntes depositaban en un sombrero. A partir de ese momento, con veinte años recién cumplidos, me encaminé por la ruta de la música y nunca más la dejé. Quiénes han sido o son tus referentes en el bajo? Si me limito a bajistas eléctricos (ya que no me olvido de los contrabajistas), te diría los siguientes: Abraham Laboriel, Paul McCartney, James Jamerson, John Paul Jones, Chris Squier, Luiçao Maia, Arthur Maia, Nico Asumpçao, Verdine White, Freddie Washington, Paul Jackson, Byron Miller, Bobby Watson, Nathan Watts, Marcus Miller, Anthony Jackson, Stanley Clarke, Stanley Banks, Jaco Pastorius, Louis Johnson, Gary Willys, Alphonso Johnson, Mojarra Fernández, Emilio del Guercio, Machi Rufino, Juan Amaral, Javier Malosetti, Guille Vadalá, Pedro Aznar, Alejandro Herrera, Gustavo Giles, Marcelo Torres, Carlos Madariaga, Bucky Arcella, Daniel Naca, Matías Méndez, Guido Martínez, Esteban Freytes, Juan Pablo Rufino, Laura Corazzina, Pollo Fuertes, Norbi Córdoba, César Franov, Pulga Luciani, Francisco Fattoruso, Adrien Feraud, Marc Bertaux, Dominique di Piazza, Thierry Fanfant, Linley Marthe, David Dyson, Rochon Westmoreland, Darryl Williams, Daniel Masa, Ringo Thielmann, Beto Satragni… y se me olvidan varios nombres más… Si tuviese que elegir sólo un bajista para escuchar toda mi vida, eligiría a Abrahm Laboriel. Es muy versátil. Quiero señalar la labor de un bajista argentino que no conozco personalmente, pero que encontré de casualidad en Youtube, que se llama Pablo Elorza. No sólo toca muy bien, sino que ha subido muy buenos videos didácticos. Aprovecho esta ocasión para felicitarlo públicamente. Además me gustaría aprovechar esta oportunidad para mencionar a un bajista y guitarrista talentosísimo de la ciudad de Mar del Plata, que se llama Marcos Basso. Vale la pena descubrirlo, y hacia él, todo mi respeto. En tu carrera, ¿cuál artista te ha influenciado más? Todos los artistas me han influenciado, y lo siguen haciendo, y no sólo los músicos sino también los pintores, los escritores y los poetas. cuál considerás que es tu aporte a la música argentina contemporánea? Tu pregunta me halaga mucho, pero pienso que el aporte existe en el sentido inverso, es decir, es la música argentina contemporánea la que me nutre y me enseña. Yo soy un simple alumno. En mi opinión, la antorcha de la música argentina no la llevan ni el rock, ni el jazz, puesto que esas músicas no son de acá. Son artistas como Charly García, Fito Páez, Luis Alberto Spinetta, Chango Farías Gómez, Aca Seca, Carlos Aguirre, Lito Epumer, Pedro Aznar, Ernesto Snajer, Chango Spaziuk, Luis Salinas, Franco Luciani, Peteco Carabajal, la familia Abalos, Lito Nebbia, Cuarto elemento, y tantos otros, quienes llevan la bandera de la música argentina, sin olvidar el tango y sus artistas. te gusta definirte dentro de la corriente del jazz? Sin lugar a dudas, pero específicamente del jazz sudamericano, porque me gusta mucho tocar ritmos afro-sudamericanos, como el baiao, afoxè, samba-funk, partido alto, candombe, milonga, etc., con armonías y melodías influenciadas por el jazz. Si eso está permitido en el jazz, entonces soy un músico de jazz. Si no, soy simplemente un artista libre. Pero soy consciente que en el jazz seré un eterno alumno. Son muy pocos en el mundo quienes llegan a niveles de superioridad musical. Cuando uno entra

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en el jazz, hay que tener sumo respeto por el género, y hay que considerar a los grandes maestros como si fuesen sacerdotes de un templo de Kung Fu. En mi caso, sigo estudiando a Charlie Parker, John Coltrane, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Chick Corea, Zawinul, y tantos otros. Es un camino sin fin y sin retorno. Sin embargo, no soy exclusivamente un músico que toca jazz. Amo el funk y el soul de los años ’70, y eso se nota en la mayoría de mis shows, porque tarde o temprano hago un desvío hacia esos ritmos y sonoridades. Toqué mucho funk y soul durante los 13 años que viví en EE.UU. En Boston, en Los Ángeles y en Las Vegas. cómo definirías tu propuesta hoy, entonces? Mi única propuesta es la de tratar de mejorar como músico, como persona, y la de tener la esperanza de que cuando me presento en vivo venga gente a escucharme. Así de simple. No estoy casado con un estilo musical ni con un idioma. Por ahora, soy artísticamente libre. Qué proyectos te ocupan actualmente? Acabo de terminar un ciclo solista que duró dos años en Notorious, presentándome en cuarteto o en trío. Durante estos dos años me acompañaron Junior Cesari (que falleció tristemente para todos al poco tiempo de haber empezado), Álvaro Torres, Abel Rogantini, Alejandro Kalinoski, Esteban Freytes y Esteban Rotunno. Ahora estoy preparando otro proyecto, que seguramente incluirá a la cantante Antonella Giunta. Mis proyectos solistas siempre andan rondando en las sonoridades del candombe, jazz, soul, funk, samba-bossa nova… y otros ritmos afro-americanos. Me gusta cantar en varios idiomas, pero también hacer temas instrumentales. Tal vez sería hora de grabar un disco, ya que han pasado 11 años desde aquel único disco solista que grabé en EE.UU, que se llama “My Brazilian Jazz”. Pero no querría tener que ocuparme de todo yo solo. Ser productor, manager y artista al mismo tiempo genera demasiado stress, y no se llega a rendir bien en todas las áreas al mismo tiempo. En cuanto a mis trabajos como sesionista, de vez en cuando me llaman para grabar productores como Tweety González (grabé tres temas en el último disco de Kevin Johansen), o Javier Ruiz. A Tweety lo conozco desde hace 30 años. Trabajamos juntos con Celeste Carballo y con Fito Páez en distintas oportunidades. Es un productor con una larga trayectoria, y el estudio de grabación es el instrumento que mejor “toca”. Me gustaría mucho algún día poder grabar para productores como el Chino Asencio o Cachorro López y su equipo. Como sesionista me agrada más el tocar con un baterista de verdad en vez de grabar sobre una batería electrónica previamente programada. Me resulta muy frío todo eso. En vivo

estoy siempre acompañando a algún artista de mi agrado. Hace un año y medio que soy integrante de la banda de Gillespi Rodríguez, a quien le estoy muy agradecido por el trato humano que tiene con sus músicos. Con él me siento muy valorado y respetado. Aquí en Mar del Plata acompaño de vez en cuando a un autor- compositor que merece ser escuchado porque escribe y canta sus canciones, que por cierto son muy lindas. Se llama Pablo Rabinovich. Tiene todo el potencial para ser una futura estrella de la canción latinoamericana. Ojalá tenga el reconocimiento que se merece. También estoy haciendo proyectos para tocar con músicos de esta ciudad que respeto mucho, como Jorge Armani, Sebastián Del Hoyo, René Rossano, Luis Reales, Fernando Romairone, Facundo Passeri, y otros. Por último, continúo dando clases individuales de bajo eléctrico. Tengo alumnos acá en Mar del plata y ahora también vía Skype, para quienes están lejos. Guitarra no enseño porque toco con una afinación diferente de la tradicional. si bien escuchando uno aprende, ¿qué música suena en tu casa, fuera de lo laboral? En casa no suena mucha música por los parlantes, porque me gusta más escuchar que oír, y nunca fui bueno haciendo dos cosas al mismo tiempo. Los sonidos que más me agradan son los de la naturaleza, como el viento entre los árboles, la lluvia golpeando el techo, o los pájaros que cantan. Cuando escucho música lo hago con auriculares. Hay momentos de la vida en los cuales la música puede llegar a molestarme mucho, por ejemplo en situaciones sociales en las que estoy tratando de escuchar a alguien que me habla y la música de fondo, linda o fea, me distrae. A través de los años y del entrenamiento auditivo logré alcanzar una capacidad auditiva que me permite reconocer intervalos y acordes. Por ende, y por deformación profesional, mi oído es analítico y está en “on” todo el tiempo. Odio cuando voy a la playa o a un jardín, y alguien pone música. Me parece absurdo tapar el sonido maravilloso del mar o de las gaviotas con música. Pero es un problema de nuestra sociedad: la mayoría de la gente le tiene miedo al silencio, porque allí es donde uno se encuentra con uno mismo. Los ruidos o la música de fondo anestesian el alma y tapan todo eso que nos asusta de nosotros mismos… ¿Qué escucho cuando escucho? ¡De todo! Tango, clásico, folklore, canción francesa, rock… Pero debo reconocer una predilección por el funk-soul de los años ‘70, la música de Brasil, el reggae y el jazz. Esta semana estoy con Herbie Hancock en su periodo eléctrico de los años ‘70. contanos qué instrumentos estás usando Guitarras: dos Telecasters De Luxe con humbuckers mo-

Entrevista a Paul Dourge | 43

dificadas, una Ibanez de nylon, un bajo de 5 cuerdas diseñado por mí y construido por el luthier norteamericano John Taggart, un jazz bass (que me acompañó casi toda la gira del “Amor después del amor” y luego en Los Ángeles y en Las Vegas), un Precission, y actualmente Daniel Cáceres me está haciendo un fretless diseñado por mí. El fretless es el bajo que más me gusta tocar, pero ya no intento ser un clon de Jaco, como lo era hace 20 años, sino que uso un sonido más gordo, dándole más importancia al micrófono del mango que al del puente. El sonido de Jaco me gusta para melodías, pero no me gusta para acompañar. Es muy “finito” y no tiene graves naturales. Qué tipo de cuerdas estás utilizando? En el Precission alterno entre las entorchadas y las lisas. En los demás bajos uso entorchadas. Después de usar 045 de acero durante años, ahora estoy usando 040, y no me fijo tanto si son de acero o de níquel. Hay muchas marcas que me gustan, por suerte, salvo cuando se trata de cuerdas lisas que, en ese caso, prefiero las La Bella deep talking bass. tu sonido es muy poderoso, ¿lo procesás mucho o son tus dedos, nomás? El primer ecualizador está en los dedos y en el lugar en el que uno va a pulsar una cuerda. Entre la unión del mango con el cuerpo y el puente se pueden obtener distintos colores. Cuanto más cerca del mango uno pulsa, más grave y “profundo” será dicho “color”. Cuanto más cerca del puente, más agudo. En general pulso a mitad de camino entre el puente y la unión con el mango, pero para lograr un sonido más profundo, por ejemplo para tocar reggae, pulso justo en la unión del mango y el cuerpo. Para lograr más velocidad hay que pulsar más hacia el puente, porque la cuerda tiene más respuesta en el rebote. Es importante tener esto en cuenta mucho antes de recurrir a las perillas o los efectos. Con un buen bajo y un buen amplificador no hace falta mucho procesamiento, pero para el bajo eléctrico el principal procesador sería un compresor utilizado con moderación para no perder la posibilidad de lograr matices. Eso sería lo básico. Mi segunda elección como procesador es un pedal “Enveloppe filter”. En este momento uso el MXR M82. Antes de ir al amplificador, paso por un pre Aguilar Tone Hammer, ya que todos mis bajos son pasivos. No adhiero al uso de pilas por razones ecológicas. Has tocado con Páez, con Luis salinas, con el mono fontana, con madre atómica. ¿Participabas de los arreglos, o en dichas formaciones había un direccionamiento pre armado al cual ajustarse? Por suerte todos los artistas a quienes acompañé en mis 31 años de carrera me otorgaron libertad para interpretar sus músicas. Pero siempre hay momentos en los que uno tiene que limitarse a tocar lo que está escrito, por ser parte de un arreglo. A veces uno participa de un arreglo y a veces no. No existe una regla general para determinar esas cosas. Cuando tuve que presentar el disco “Del 63” de Fito Paez, en el año ‘84, me inspiré en las líneas de bajo que había grabado César Franov y luego, sobre la marcha fui adaptándolas a mi gusto y con el aval de Fito. Lo mismo pasó cuando vine a la Argentina para acompañar a Fito en toda la gira de “El amor después del amor”. En dicho disco grabó el bajo Guillermo Vadalá, y durante los dos primeros meses me limité a copiar sus líneas, tanto en el bajo con trastes como en el fretless. Luego, poco a poco fui poniendo mi propio sello en donde era posible, pero cuando una línea de bajo está buena no veo porqué cambiarla, sólo por una cuestión de ego. En ese sentido, me sentí muy halagado cuando César Franov grabó el tema “Mula Alma” en el disco de Spinetta, “Madre en años

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luz”, porque básicamente tocó la línea de bajo que yo hacía con Madre atómica. Luego, cuando yo mismo fui miembro de Spinetta Jade, tuve que inspirarme en todos los bajistas anteriores que habían tocado con Luis Alberto, César incluido. También, me sentí muy halagado cuando, ya viviendo en Boston, recibí el disco de Madre atómica en el que Guillermo Vadalá grabó la línea de bajo que yo había creado para el tema “Punto G”, siendo yo, dos años antes, integrante de dicho grupo. Es muy importante saber controlar el ego para poder respetar lo que otro tocó antes, siempre y cuando dicha línea funcione. Sobre todo cuando se trata de músicos que uno respeta y admira. Mi criterio es el siguiente: si funciona… ¿para qué cambiar? En mi último año en Las Vegas, con la big band de Wayne Newton, el 60% del libro de bajo estaba escrito en notación clásica. Eso es muy frecuente en las big bands. Pero en todos los otros trabajos pude casi siempre sentirme muy libre de aportar mi propio sello. te movés con mayor facilidad y ductilidad en el mercado americano y europeo que aquí? Desde que empecé a trabajar como músico, a los 20 años de edad, en los subtes de París hasta hoy en día, he vivido en siete ciudades, a saber y por orden de aparición en mi vida: Buenos Aires, París, Boston, Zúrich, Los Ángeles, Las Vegas y Niza. Hoy, con 51 años cumplidos, me acabo de radicar en la ciudad de Mar del Plata. Me gustaría poder tener un hijo, o una hija, lo que Dios o el destino nos traigan a mí y a mi señora. Le estoy muy agradecido a la vida, a la gente, a las instituciones, y a los países que en algún momento me abrieron sus brazos. Agradecido de poder ser un músico y vivir de esto, con los altibajos que nuestra profesión nos plantea. La música es un lenguaje universal y me puedo comunicar en cualquier parte del mundo. Pero he elegido vivir aquí, en el país en el que

nací, en el país en el que me gustaría tanto vivir el resto de mi vida y morir cuando me llegue la hora. Ya no tengo deseos de viajar, a no ser que sea de gira por la Argentina. Sueño con hacerlo en un futuro, y en tren. Le deseo firmemente a mi país que algún día recupere los trenes que alguna vez tuvo, y que sean aún mejores. Es el mejor medio de transporte para largas distancias de cabotaje, y a quien tenga dudas al respecto le ruego que haga lo posible por estudiar cómo se viaja en tren en Suiza o en Francia. Los argentinos nos merecemos trenes de calidad que nos unan, sin estar obligados a pasar por Capital. dejanos una reflexión para los bajistas que recién se inician en el mágico mundo de la música Ante todo, les diría lo siguiente: “toquen el bajo”. Con esto quiero decir: primero preocúpense por saber acompañar. Muchos bajistas priorizan los solos antes que el acompañamiento, y eso es un error. Antes de saber hacer un solo hay que poder tocar estilos, y con un buen sonido. Hay que saber escuchar a los otros músicos, hay que aceptar que el bajo, en la mayoría de los contextos musicales, no es un instrumento protagónico. Hay que poder tocar pocas notas antes que muchas. Hay que saber tocar tempos lentos antes que tempos rápidos. Luego les diría que entrenen el oído para acelerar la velocidad con la cual se pueden reconocer intervalos y acordes. Para eso les recomiendo el método de entrenamiento auditivo de Jamey Aebersold. Les diría que estudien el piano o la guitarra para expandir sus conocimientos armónicos. Por último, les diría que busquen y ejerciten el difícil equilibrio entre el ego y la humildad. El camino de la música tiene un punto de partida, pero no tiene un punto de llegada. Hay que disfrutar del viaje, y en lo posible hacerlo durar toda una vida.

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GuItArrA rítmICA Por Facundo López Burgos También existe una versión grabada en vivo en el disco Una noche en San Francisco, por el trío Paco de Lucia, Al Di Meola y el propio McLaughlin. No se asusten, ya que el tema, si bien tiene su complejidad, es más simple de lo que parece. La parte armónica se construye sobre un constante devenir de corcheas. Las mismas se agrupan de forma que generan en el oyente la sensación de un constante cambio de métrica, ya que el oído suele identificar el sonido grave como primer tiempo del compás. Es así que al comenzar el tema tenemos la sensación de que se suceden 2 compases de 5/8, 2 de 3/8, 2 de 5/8, 4 de 3/8, 1 de 7/8, etc. De hecho, esta no

ArPEGIANDO Veremos el arpegio central del tema Guardian Angels de John McLaughlin; pueden encontrar la versión original en el disco Electric Dreams del año 1978 aproximadamente.

sería una mala forma de escribirlo. Sin embargo, al entrar la melodía en la segunda vuelta (el arpegio se repite 2 veces entero), podemos escuchar que está claramente en 4/4 y su vuelta es de 12 compases. Resulta por demás interesante escuchar el efecto que generan esta suerte de métricas superpuestas. Les recomiendo que lo escuchen con atención. Para practicarlo armen cada acorde con la mano izquierda, siguiendo la lógica de las métricas irregulares. Para facilitar su lectura es que puse los arcos de ligadura. Como siempre, ante cualquier duda pueden consultarme escribiendo a faculb@gmail.com. ¡Hasta la próxima!

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel 'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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Suplemento Técnico | 45

SHrED GuItAr

Por Silvio Gázquez

El modo Lidio comienza en la 4ta. nota de la escala mayor, y no es más que una escala mayor con la cuarta nota aumentada. Por ejemplo, la escala de C lidia tiene las mismas notas que la escala de G mayor. Escala de G: G - A - B - C - D - E - F# y por otro lado C Lidio: C - D - E - F# - G - A - B Como ya les mencioné, este tipo de técnica es muy usada por violeros como Paul Gilbert, Vinnie Moore, y varios shredders más de fines de los 80’s. Aunque estas ideas las tomé prestadas de Christian Vidal, un excelente guitarrista argentino. Veamos los ejemplos. Ej.1: El primer patrón comienza en el traste número 8 y es, como ya dije, un patrón muy conocido tocado sobre la escala de C lidio. Como podemos ver, aquí no hay ningún salto de cuerda. La idea es que primero vean el patrón original, para luego tocarlo con saltos de cuerdas. Pueden tocarlo con púa alternada o ligados.

PATrONES CON SALTOS DE CuErDAS, 2DA. PArTE Veremos la 2da. parte en la cual les enseñé algunos de los patrones de escalas más usados sobre la escala pentatónica. y cómo usar esos mismos patrones sobre otras escalas, en este caso trabajaremos sobre el modo Lidio. Ej.2: Ahora veremos cómo podemos hacer que el patrón suene mucho más abierto, con intervalos más grandes, logrando así un sonido más parecido a un arpegio… Ej. 3: Este es otro patrón o secuencia de escala muy común. Como en el primer ejemplo, primero les muestro el ejercicio sin saltos de cuerdas… Ej. 4: Es la misma idea; tocamos el mismo patrón pero con saltos de cuerdas o string skipping. Para dichos saltos es muy común en este tipo de licks usar “hybrid picking”, es decir, utilizando púa y dedos (mayor y anular). Ok, eso es todo por hoy, espero que les sea útil y, como digo siempre, creen sus propias ideas. Cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo electrónico topogazquez@hotmail.com. ¡Hasta la próxima, y a practicar, se ha dicho!… Saludos.

siLVio gázquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso guitar secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del guitar idol 2008. en el 2009 ganó en Youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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ImprOtéCNICA

Por Gabriel Caparrós

En esta ocasión vamos a ver maneras de usar las pentatónicas de formas diferentes a las tradicionales. Estas formas son muy usadas por los guitarristas de esta época, pero se vienen usando hace mucho tiempo.

Los guitarristas que más usan estos trucos pentatónicos son Steve Vai, Kiko Loureiro, Eric Johnson, Scott Hendersson y Richie Kotzen, entre otros.

1) Aquí usaremos la PENTATÓNICA de Em sobre un Am, pero a esa pentatónica le agregaremos su nota blues más algún cromatismo dentro de esa pentatónica.

Paso a explicarles de qué se trata. Podemos usar pentatónicas dependiendo del tipo de acorde o tensión melódica que queramos destacar. Les doy un ejemplo: si el acorde de base es el Am y queremos que suene su 9na., podemos tocar, en vez de la PENTATÓNICA de Am, la de Em sobre ese acorde (Am), porque tiene E G A B D y B es la 9na. del A. Otro ejemplo puede ser directamente un acorde con tensiones, como el C7sus4, muy usado por los músicos de fusión, y tocar la pentatónica de Bb mayor en vez de la de C mayor, porque la pentatónica de Bb mayor tiene las tensiones del acorde C7sus4, que son C G Bb F, y la pentatónica de Bb mayor tiene Bb C D F G. El sonido de ambos ejemplos es muy interesante. Les aconsejo que les saquen mucho el jugo; aquí les escribiré dos frases de cada ejemplo que di.

2) En este ejemplo también usaremos la escala anterior, con la técnica string licking. Habrá que abrir bien los dedos porque vamos a usar ligados con notas alejadas y con saltos de cuerda.

TruCOS PENTATóNICOS

3) Estos próximos ejemplos serán sobre el acorde C7sus4 con la pentatónica de Bb mayor. Este primero es una frase al estilo Richie Kotzen con ligados todo el tiempo. 4) Ahora este ejemplo más al estilo Kiko Loureiro, con la técnica tapping. Gracias a todos por los mails que me mandan agradeciéndome. Espero que mis columnas les sigan sirviendo. ¡Hasta la próxima, colegas!

gaBrieL caparrós Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de diego Mizrahi. es profesor de guitarra eléctrica y Flamenca en la escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la doble 2, y con ricardo alonso (“el griego”, ex baterista de pappo). actualmente da clases particulares de guitarra. e-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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GuItArrA jAzz Por Juampy Juárez

En el caso de la escala disminuida, usaríamos el I modo medio tono arriba del acorde o una 2m, y directamente en la tónica del acorde en el caso del II modo, que sería lo mismo para el único modo de la escala tonal, y también para el segundo modo de la escala simétrica aumentada. El primer modo de la escala simétrica se usa sobre menores, sobre maj7, y una 4 j arriba de un dominante. Los modos se generan consiguiendo diferentes series de intervalos. Cuando los intervalos son los mismos siempre,

MODOS DE LAS ESCALAS SIMÉTrICAS hola a todos, esta vez pondremos atención sobre los modos de las escalas simétricas. Mayormente utilizadas para generar tensión sobre acordes dominantes. como en el caso de la escala tonal, que empecemos donde empecemos en la escala genera siempre intervalos de 2M o tonos, no tenemos más que un modo. En el caso contrario, encontramos los distintos modos de las escalas dadas; la escala disminuida es octatónica (8 notas), las aumentadas son hexatónicas (6 notas), y todas son de origen oriental, de amplio uso en la música clásica contemporánea y en el jazz moderno, tanto para improvisar, componer o acompañar.

JuaMpY Juárez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins, paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires, Bangkok, san pablo y new York. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz. como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana, emme Vitale, el reloj, gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más importante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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INfLuENCIAS Por Pablo Santos

STING hoy vamos a echar un breve vistazo al estilo del que para muchos es el bajista más popular después de Mc. Cartney. Lo más notorio al adentrarnos en las bases de Sting, sobre todo en aquellas inmortalizadas con The Police, es la cuestión conceptual en las mismas.

En general, sus líneas de bajo son el motivo principal o riff del tema, razón por la cual son escasos los fills o demostraciones de virtuosismo en los silencios de las mismas. Su mayor influencia, aquello que fue y es copiado y desarrollado por miles de bajistas, es su manera de fusionar reggae y ska con el rock más visceral, algo impensado antes de los Police. El tresillo de negras precedido a seguido por un pedal de corcheas (Ej.1) es sello indiscutido de Sting y Copeland (baterista de The Police) y un excelente recurso para bajar el pulso de una base rápida, sea cual fuere el estilo musical a tocar. El Ej.2 (¨Man in a Suitcase¨) es una muestra de cómo combinar reggae tradicional y ska. La idea es siempre cambiar alguna corchea o negra aquí o allá, para que la base no se torne monótona en lo rítmico. El Ej. 3 (¨Rehumanize Yourself¨) es desde el punto de vista técnico lo más complejo que

tocó Sting con The Police, y desde lo teórico una excelente línea sincopada, reemplazando el pedal de tónicas tan común en aquellos tiempos en los que el punk dominaba la escena inglesa (fines de los 70´ y principios de los 80´). Noten la acentuación del segundo tiempo de cada compás, sobre el beat del tambor. Si quieren llevar el desafío hasta el límite intenten cantar las melodías mientras tocan estas bases. El mismo Sting confiesa que le costó muchísimas horas poder hacerlo fluidamente, motivo por el cual decidió tocar guitarra a principios de su carrera como solista. Para beneplácito de muchos bajistas, entre los que me incluyo, poco tiempo después volvió a nuestro instrumento. Algunos CDs recomendados con The Police son ¨Outland’s d´Amour¨, ¨Reggatta de Blanc¨ y ¨Ghost in the Machine.¨

paBLo sanTos es bajista de JaF y director musical de soledad pastorutti, tocó en las bandas estables de david Lebón, alejandro Lerner y diego Torres. además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, gloria estefan, León gieco, Horacio guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, nito Mestre, chico novarro, olodum, pappo, Luciano pereyra, Luis salinas, sartén system, Bebu silvetti, Mercedes sosa, patricia sosa y Lito Vitale, entre otros. su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición. Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

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bAjO tAppING Por Alejandro Giusti

Si se fijan en los dos últimos pulsos del segundo compás, ahí comienza la melodía. A esta forma de comienzo, se lo llama “levare” (o comienzo anacrúsico). Todo se toca con slap. Para digitar la mano derecha, lo hago con letras mayúsculas: T=tumb (pulgar) P=pluck (índice). A su vez, donde usa doble pulgar, la dirección del mismo está señalada con flechas ascendentes y descendentes.

MELODíA CON SLAP Veremos una melodía que toca Marcus Miller en el tema Power de su CD M2. ya habiamos repasado los primeros 8 compases. Aquí, arranco desde el sexto compás de esa intro (para poder tocar la melodía completa). También utiliza notas apagadas, arrastres y ligaduras para embellecer la melodía. Marcus es un especialista en tocar melodías con slap, creador de un estilo, con un sonido demoledor. Espero que les guste y será hasta la próxima.

aLeJandro giusTi compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 cds con su banda: “giusti Funk corp.”, “Barrio Funk”, “arrabal eléctrico”, “plan c” y “grande de Fuzza”. entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, pablo Mainetti, Lito Vitale, pablo rovner, daniel “pipi” piazzolla, popy spatocco, Juan cruz urquiza, nicolás guerschberg, gustavo Musso, gustavo cámara, diego clemente, pedro Menéndez, richard nam, álvaro Torres, entre otros. alejandro giusti es autor de dos libros con cd: “Bass Book de slap”, 1999 y “candombe Música afro-rioplatense”, 2008. del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music expert, que se emitía para toda Latinoamérica. podes conectarte con alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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bAjO jAzz Por Damián Vernis

BOSSA NOVA hola, amigos, en esta ocasión les traigo un estilo latinoamericano llamado bossa nova. Este estilo, originario de Brasil, tiene elementos armónicos muy interesantes, al igual que el jazz, y se suele estudiar dentro del repertorio jazzístico.

En cuanto a lo rítmico, es muy parecido al samba brasilero, pero más lento. El instrumento de percusión de referencia para el bajo será el zurdo (tambor grave). En algunos libros de música brasilera para bajo se explica que el samba y bossa nova se escriben en 2/4, aunque en general las partituras más comunes de conseguir están escritas en 4/4. Por supuesto que la diferencia de escritura no hace diferencia a la interpretación. Comencemos con el patrón básico: corchea con

puntillo - semicorchea, que mantendremos a lo largo de la línea de bajo de la canción. El ejemplo que les traigo hoy está construido sobre el tema "Blue bossa" de Kenny Dorham, en donde utilizamos el intervalo de quinta ascendente o descendente, dependiendo de donde venimos y hacia donde vamos, para llegar a crear una línea musical y con sentido.

daMián Vernis Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, Yeye López, adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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pEDALES y EfECtOS Por Andrés Galeotti

Temés que la modificación termine siendo un sacrificio azteca? Las dudas te invaden: ¿cuánto vale un pedal roto?, ¿vale la pena repararlo si está roto y/o hacerle modificaciones?, ¿las modificaciones aumentan el valor del pedal? En el siguiente artículo encontrarás respuestas a estos interrogantes. vale la pena reparar y/o modificar tus pedales? El verdadero valor en el mercado de cualquier pieza de un equipamiento musical puede ser determinado en Internet. Una búsqueda de “guitarra”, “accesorios para guitarra” o pedales de efecto devolverá un listado de sitios-web que te permiten comprar, vender o subastar pedales online. DeRemate, MercadoLibre, eBay son buenos sitios si querés subastar, o tan sólo ver cuánto se está pagando por pedales usados. No necesitás ofertar para ver el precio final de venta. Los precios en los locales al público y en sitios-web que venden equipos nuevos manufacturados indican el valor de un pedal nuevo o de una nueva reedición de un pedal, permitiéndote buscar en una subasta un acuerdo en el precio de venta, como un consumidor educado. A menudo, podés conseguir un mejor precio que lo que piden los locales de instrumentos musicales. El costo de una reedición comparada con el valor de un vintage original es algo a considerar, tanto para decidir si conviene arreglar o reemplazar tu viejo pero buen pedal, como para decidir si conviene comprar una versión original en vez de una reedición. Las rarezas y los coleccionables hacen una gran diferencia en el valor. No aceptes rumores ni des crédito a los precios que piden por un equipamiento musical, particularmente en locales de instrumentos; comprobá vos mismo cuál es el precio final que se está pagando actualmente. cuánto vale un pedal roto? ¡Muy poco! Intentá vender uno, y comprobalo vos mismo. Sólo un ingeniero o un técnico con los conocimientos, los repuestos y el equipo necesarios para restaurar totalmente un pedal roto es probable que considere comprarlo. Es posible que compren tus pedales si están estructuralmente intactos. Esto sig-

VALE LA PENA rEPArAr Tu PEDAL? Tu efecto se rompió y no sabés si te conviene repararlo o usarlo de pisapapeles. O tal vez soñás con customizar tu pedal, pero te preguntás si vale la pena hacerlo.

nifica que la placa del circuito impreso está en buenas condiciones y que la caja no está destruida o bastante oxidada. Algunos rayones en la pintura o un desgaste menor es algo aceptable. vale la pena repararlo? Si el costo aproximado de la reparación es menor al precio de un reemplazo exacto en la misma condición, sí, reparalo. Un servicio técnico con ética debería decirte cuándo el costo de la reparación va a exceder el valor de tu pedal, pero es mejor que vos mismo averigües anticipadamente su valor. vale la pena modificarlo? Si querés agregarle una característica o mejorar su performance y/o su apariencia, por supuesto que vale la pena. Tendrás un pedal customizado que no se puede comprar en ningún local de instrumentos musicales, a menos que el local tenga técnicos competentes para hacer ese trabajo y que te lo customicen antes de vendértelo. Tené en mente que el personal de los locales de instrumentos musicales y los técnicos de amplificadores tienen menos conocimiento y entendimiento de cómo funcionan los pedales que un técnico o un ingeniero que se especializa en el diseño, la fabricación y la modificación de esos equipos.Haciendo más de una modificación al mismo tiempo en el mismo pedal, podés ahorrar tu dinero. Como el pedal tiene que ser abierto y cerrado sólo una vez para hacer todas las modificaciones, la labor total es menor que si se hacen por separado. Las modificaciones aumentan el valor de un pedal? Las modificaciones customizadas y el reacondicionamiento cosmético pueden aumentar sustancialmente el valor de un pedal en el mercado. Para sacar ventaja del valor incrementado cuando el pedal se vende, probar el efecto frente al potencial comprador le demostrará que la customización bien vale la diferencia que se pide en el precio.

Fotografía de kvkfotos.com

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WArWICK jACK bruCE Importa y distribuye Tevelam SrL - www.tevelam.com.ar

El genial y asombroso Jack Bruce es, tal vez, uno de los bajistas más influyentes del rock, y uno de los endorser más legendarios de la conocida marca de bajos. Formado inicialmente en el contrabajo, inició su experiencia en el bajo eléctrico, probando los antiguos bajos Short Scale, que definieron su sonido con la conocida banda Cream. Aunque parezca increíble, pisó recién por primera vez Argentina con motivo de realizar un brillante show para la alegría de los que nos consideramos fans de su música y tuvimos esta posibilidad de disfrutarlo en un escenario. Acá, una breve reseña de sus dos bajos signatures que la marca alemana ofrece para nosotros de la mano de nuestros amigos de la empresa Tevelam SA, quien importa y distribuye Warwick en Argentina. JacK brucE tHumb sIGNaturE Podemos comentarles que a mediados de los años ‘70 Jack incursionó en el fretless. Después de probar algunas marcas, se contactó con HansPeter Wilfer (presidente y fundador de Warwick), de lo cual resultó un increíble modelo signature Thumb Bolt on, que ha usado durante su extensa carrera. Este modelo fue relanzado recientemente por Warwick en una edición limitada, que se dis-

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tribuyó en algunos países, y de la cual se hicieron 50 modelos con trastes y 50 Fretless solamente. También, a comienzo del año fue anunciada, aunque no de manera comercial, una re-versión del original hecha a mano especialmente por el mismo Hans-Peter Wilfer para Jack Bruce (ver foto). Aunque vale la pena señalar que existen dos unidades más en el mundo, una se encuentra en el museo Framus en Alemania, y la otra es parte de una colección privada en Estados Unidos. En su construcción se usó el mismo bloque de madera de palo de rosa brasilero cortado hace más 40 años para la primera versión, y que todos estos años ha seguido curándose en algún depósito. Una reliquia que Hans conserva especialmente, y que sin duda alguna convierte a este bajo en uno de los más costosos y especiales del planeta. JacK brucE survIvor Como novedad, fue también edi-

Aprovechando la visita de Jack Bruce, endorser de lamarca alemana para su primer recital en Argentina, tuvimos la posibilidad de disfrutar de su show y ver en accion sus dos modelos signatures de Warwick.

tado el nuevo modelo Jack Bruce survivor JB3, un bajo especial de diseño clásico que recuerda mucho a los usados en la primera época de Cream, y que entra a formar parte de la extensa línea de modelos Signature que fabrica Warwick. Según comentarios de la empresa se fabrican dos versiones de este modelo, la alemana y la coreana, las cuales poseen características similares, como las pastillas MEC single coil de 2 vías, el puente de 2 piezas, y distintos accesorios. Los controles incluyen volumen, balance ecualizador de bajos y agudos. A diferencia de los primeros modelos tipo JB3, esta es una versión de 34” neck trough, lo cual provee un sonido más contundente para grabaciones modernas. La versión alemana incluye leds indicadores para los trastes y sólo se fabrica en color rojo; la versión coreana se puede adquirir también en negro. Únicamente disponible en 4 cuerdas. Jack Bruce nos deleito con un show conmovedor y emocionante.

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