Guitarristas y Bajistas Magazine #30

s a t s i r r a t r i a . u G Bajistas & Sin perder la verdadera esencia

NOVEDADES - Página 06 ENTREVISTA A ARMANT - Página 10 ENTREVISTA A FENRANDO NALÉ - Página 12 ENTREVISTA A NATACHA SEARA - Página 20 SOMECO EN BRASIL - Página 22 YPF DESTINO ROCK - Página 24 MÚSICA POR TODOS LADOS - Página 26 ENTREVISTA A GONZALO ALORAS - Página 28 TRANSCRIPCIONES ALORAS - Página 34 INFORME PALMER MAGNUM STD - Página 36 INFORME ASHDOWN AMPS - Página 38 INFORME SCHECTER HELLRAISER - Página 40 TESTEO GRETSCH DUO JET - Página 42 ENTREVISTA A JORGE SENNO - Página 44 DISCOS COMPACTOS - Página 58 SUPLEMENTO TÉCNICO PABLO SANTOS - Página 48 FACUNDO LóPEZ BURGOS - Página 49 SILVIO GÁZQUEZ - Página 50 GABRIEL CAPARRóS - Página 51 JUAMPY JUÁREZ - Página 52 JORGE SENNO - Página 53 ALEJANDRO GIUSTI - Página 54 DAMIÁN VERNIS - Página 55 ANDRÉS DULCET - Página 56

Editor responsable Silvia Ruggero sruggero@guitarristasar.com

En la era de la imitación, sólo parece imitarse lo malo. Al menos así está planteado desde los grandes medios de comunicación, que son encargados de mostrar únicamente las calamidades.

En un mar de posibilidades, existe ser creativo o imitar. También, dentro de la imitación puede haber cuotas de creatividad que, fusionadas, dan como resultado algo novedoso, original y elaborado.

Sin embargo, parece que el éxito está por encima de la música, y la mayoría de los productores apuestan a un modelo establecido que tiene “todas las de ganar”. Sobre todo, “las de ganar dinero”. Es así como la búsqueda económica va dejando de lado la creatividad, la precisión, el trabajo y la novedad.

Del otro lado del muro que desean imponer, y que suelen decir que “es lo que la gente quiere”, se encuentran personas, músicos, que siguen apostando a la verdadera esencia del arte, por encima de todas las cosas anteriormente mencionadas.

Cuesta entonces encontrar canales de difusión que nos ofrezcan algo distinto, algo que se asemeje al gusto de aquellas personas que valoramos la música con sinceridad. Es por eso que Guitarristas y bajistas.ar quiere respetar ese gusto y quiere promocionar y hacer conocer a los artistas que luchan por mantener viva esa esencia que sigue viva, a pesar de que muchos otros medios la ignoren.

En esta edición, la Nº30 de nuestra historia, Gonzalo Aloras nos demuestra cómo se puede ser creativo y original, basándose en los artistas que anteriormente marcaron un camino, pero imponiendo su impronta. Sus aires actuales vuelven más elaboradas aquellas ideas que comenzaron a gestarse en los comienzos de nuestro rock. A través de su música podemos ver en él a un artista inquieto que va en busca del crecimiento.

En la misma senda se encuentra Fernando Nalé. El ex bajista de Illya Kuryaki and The Valderramas (y quien acompañó por doce años a Gustavo Cerati), nos comenta su carrera junto a estos artistas, su trabajo como sesionista, y su actual labor como solista.

Dentro del mundo de las 4 cuerdas, Javier Malosetti nos muestra el bajo Signature que Schecter Guitars diseñó y fabricó exclusivamente para él. A través del Grupo Rómulo García S.A. te mostramos cada detalle de este instrumento.

Periodista Sebastián Konrad konrad@guitarristasar.com

Seguimos abarcando las distintas aristas de nuestro rock. Estuvimos presentes en el evento del “Día del estudiante solidario”, donde las familias de la tragedia del colegio Ecos, junto con bandas invitadas, se unieron para generar conciencia vial. También te acercamos todos los detalles del final del concurso YPF Destino Rock, donde una banda del interior del país se coronó ganadora.

Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com

Vuelve a haber un espacio para las bandas Ander, y Armant nos muestra todo su arsenal de sonidos de la mano de Simón Bosio, su guitarrista.

Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com

“Siembra poesías de sueños de ayer que trascienden al ser”, pronuncia Ricardo Mollo en la canción Amapola del 66, de su última placa. Hacia ese camino hay que apuntar para que las cosas vuelvan a valer por lo que realmente son.

Arte | Diagramación Sebastián Perego sebasperego@gmail.com

Sebastián Konrad

Colaboradores Juampy Juárez , Facundo L. Burgos Gabriel Caparrós, Rodrigo Yacciofani Silvio Gázquez, Alejandro Giusti Damián Vernis, Pablo Santos Andrés Dulcet, Jorge Senno Daniel Makelvintong

04 | Editorial

Año 6º - Nº 30 | Noviembre 2011 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A. Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A.

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NOVEDADES

Todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

FENdER pRESENTA lA JAGUAR BlAckTOp Todomusica S.A. - www.todomusica.com.ar Buenos Aires, noviembre de 2011. Fender, el principal fabricante de guitarras a nivel mundial, presenta la guitarra Jaguar Blacktop, potenciada con micrófonos Humbucking de alta ganancia. Llegan a la Argentina por medio de su representante exclusivo Todomusica. Entre las características se destacan su cuerpo de Alder, mástil de Maple, diapasón de Palisandro con radio de 9.5in, 22 trastes medium jumbo, acabado en poliéster brillante y herrajes cromados. Con estas innovaciones, Fender expande el horizonte sonoro de las clásicas guitarras Fender Jaguar. La serie Blacktop además cumple con las exigencias del músico actual, que busca un sonido más potente y agresivo. Estas guitarras permiten seleccionar entre sonidos potentes, gordos y agresivos, que se ajustan a cualquier estilo. Todomusica importa, garantiza y distribuye a las mejores casas.

NUEVO plATE-BUckER dS pIckUpS - www.dspickups.com.ar La novedad que nos presentan nuestros amigos de DS Pickups es el Plate-Bucker es un sistema de cancelación de ruido especialmente diseñado para micrófonos simple bobina de Stratocaster, el cual nos permite cancelar en un 85-90% las interferencias/ruidos generados por ese tipo de micrófonos, sin modificar el tono original (twang, high-end, etc.), característico de esos mics. El objetivo es permitir a los músicos conservar sus mi-

ROTOSOUNd STRINGS Hendrix Music SRl - www.hendrixmusic.com.ar Ya están disponibles en nuestro mercado nuevos modelos de la prestigiosa línea de cuerdas Rotosound fabricadas en Inglaterra. Para guitarra eléctrica, la serie Roto de Nickel en 7 cuerdas calibres 009 y 010, la serie British de acero 009, 010 y 011, y la nueva y exclusiva serie Nexus Coated para los más exigentes, disponibles en 009 y 010. En bajo eléctrico, volveremos a contar con la línea de Billy Sheehan, dos líneas Flat, Jazz Bass y Tru Bass para 4 y 5 cuerdas, y una línea especial para afinaciones bajas llamada Drop Zone.Rotosound.

Hendrix Music SRL felicita a Baltasar Comotto por su nuevo trabajo discográfico “Blindado”, y le desea éxitos en el cierre del 2011 junto al Indio Solari en la ciudad de Tandil.

MAGMA Y SUS ARTISTAS EN VIVO www.magmastrings.com.ar Magma Music anuncia el primer Magma Live el 15 de noviembre en La Trastienda Club, un show único que reunirá a los más destacados músicos de nuestro país, con la conducción de Gillespi y la participación especial de Javier Malosetti, en el que se presentará la nueva línea Magma Transpositor: el último gran invento argentino.

Tocarán en el show Gabriel Carámbula, Willy Crook, D-mente, el gran Don Vilanova, Gustavo Giles, “Alambre” González, Kapanga, Mancha de Rolando, Mariano Otero, Los Tipitos, Guillermo Sánchez de Rata Blanca, Viticus, entre otros.

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crófonos simple bobina originales y evitar que sean reemplazados por diseños dobles en formato simple (stack, dummy coils, etc.), que ofrecen cancelación de ruido, pero que también afectan la respuesta típica de esos micrófonos. Este interesante dispositivo está compuesto por una placa (plate) que se ubica en la parte posterior de la guitarra. Así, la instalación supone quitar el backplate original y reemplazarlo por el Plate-Bucker, sin tener que realizar modificación alguna en el instrumento. Además, el sistema presenta una pequeña electrónica que se ubica dentro de la cavidad de los controles de tono y volumen. Se trata de un sistema pasivo (no requiere batería para su funcionamiento ni mantenimiento alguno), que nos permite calibrar al máximo la relación señal-ruido en favor del silencio. Este novedoso Plate-Bucker queda instalado al ras del cuerpo de la guitarra, no afectando la ergonomía y "feeling" normal del instrumento. Para los amantes de los “retoques” en los instrumentos este producto seguramente les resultara super práctico para mejorar sus guitarras.

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NUEVAS GUITARRAS Axl RóMUlO GARcíA S.A. - www.gruporomulogarcia.com.ar La empresa continúa sumando productos. En este caso se trata de guitarras de distintas marcas que se suman al catálogo. Por el lado de AXL tenemos los modelos Jacknife y Wavepoint. La primera posee micrófonos Jacknife Alnico P-90 y tiene un cuello extremadamente fino de caoba. El diapasón es de palisandro y con una estética entre moderno y retro. La segunda viene con 2 Wavepoint Humbucker Alnico, puente Tune-o-Matic y el cordal Stopbar. El cuello de caoba se remata con un diapasón de palo de rosa con incrustaciones de exclusivo Talismán. La forma moderna del cuerpo se ve atenuada por el aspecto clásico de los equipos enchapados en oro. Yendo al plano de las guitarras SX, se añade un nuevo modelo: American Alder. Construida de aliso americano sólido, una madera muy blanda y ligera, pero con unas cualidades resonantes excepcionales, con un tono muy equilibrado. Además, posee mástil de arce de una pieza seleccionada y clavijeros Grover Typed.

“INdIO” MáRqUEz Y GUITARRAS cORT FAMA MUSIc - www.famamusic.com.ar El “Indio” Márquez (guitarrista de Javier Calamaro) quién además ha tocado con innumerable cantidad de artistas es un nuevo integrante de la familia Cort. Este talentoso y prestigioso músico que utilizaba estas guitarras pasó a ser un nuevo endorsment de la marca en nuestro país. Por otra parte, la empresa Fama Music agrega algunos modelos de Cort a su extenso catálogo. Se trata de las guitarras X1Junior, G110 Junior, G50, CR50 y, la gran novedad, Las Fuel Series (MotorOil y Gasoline). También se suma el bajo GB-PB50.

NUEVO ENdORSER dE ElEcTRO HARMONIx www.harmonymusicgroup.com.ar A través de la empresa Harmony Music Group, el prestigioso y muy exitoso Daniel Leis se convirtió en nuevo endorser de Electro Harmonix.

Este talentoso guitarrista, que acompaña a Patricia Sosa desde el año 1992 forma parte de la camada de artistas que acompañan a esta prestigiosa marca y que siguen sonando en cada rincón del planeta desde siempre.

cARAJO cIERRA El AñO EN FlORES www.carajoweb.com.ar Para este cierre del año que ya se esta terminando, este potente y adrenalítico trío, está más consolidado que nunca, convoca a su público al mismo Teatro de Flores, donde presentó oficialmente su último disco, “El Mar de las Almas”, el pasado año. Colaborá el día de la fecha con el Semiyero: traé el día del show artículos de higiene personal (maquinitas de afeitar, desodorante, jabón, shampoo, crema enjuague, etc.), que están necesitando para el Parador Monteagudo de Parque Patricios. Todos podemos sumarnos a esta genial idea y ayudar a los que más lo necesitan. Porque los cambios se generan desde abajo. Y la banda que no deja de asombrarnos con su música y sus shows, hoy nos está mostrando que también son buena gente sumando a todos fans en esta gesta solidaria.

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ARMANT

“ESTAR CERCA DE LA MÚSICA ES ALGO QUE SOSTIENE VIDAS” Por Sebastián Konrad

Simón Bosio (guitarra y voz), Federico Trench (bajo y coros) y Axel Stahler (batería y percusión) forman Armant, un power trío de rock que reivindica la visión musical de los grupos precursores del género. Hablamos con el guitarrista de la banda, que nos introdujo en sus jóvenes sueños cargados de distorsión.

¿cómo empezaste a tocar?

La primera vez que tuve un acercamiento a la guitarra fue a los 7 u 8 años. Estábamos de vacaciones con unos amigos de la familia que se habían armado una sala. Como estaban todo el día zapando y grabando cosas, en una de esas me metí. Me explicaron cómo hacer un par de acordes y de ahí en más volví mentalizado que quería tener mi propio instrumento. Así fue como, usando prácticamente todos los ahorros que tenía hasta el momento, me compré mi primera guitarra (Heartfield by Fender). De ahí en más no me pude separar. Lamentablemente, años más tarde, estando de gira con Armant por la costa, entraron a la casa y se robaron varios instrumentos, incluyendo esa viola. ¿qué influencia tuvo tu viejo en ese comienzo?

Mostrarme a Los Beatles. ¿qué música escuchabas?

Arranqué con eso. Siempre fue como la banda que me llevó a meterme en la música y a querer tocar un instrumento. A partir de eso, fui para todos los rubros, prácticamente, pero siempre teniendo al lado algún “Rubber Soul”, “Revolver” o “White Album” en mano. ¿por qué te decidiste a tocar la viola teniendo un viejo que toca el bajo?

10 | Entrevista a Armant

Realmente nunca lo pensé. Fue simplemente algo que se dio naturalmente… La primera vez que me encontré con el instrumento me atrapó, y al mismo tiempo supe que eso era lo que quería hacer, por el simple hecho de la satisfacción que me dio siempre, como a muchas otras personas, supongo. Estar cerca de la música es algo que sostiene vidas. ¿cómo se formó la banda?

Armant fue el resultado de varios proyectos y formaciones de bandas anteriores (algunas con el mismo nombre), pero se consolidó en el 2008. Simplemente éramos chicos con ganas de salir a tocar la música que nos identificaba, y de a poco la cosa se fue poniendo más seria. Empezamos a componer, a hacer nuestras primeras fechas, hasta el día de hoy, que estamos a pocos días de haber lanzado nuestro primer trabajo en estudio. Por suerte, muy contentos y motivados por la diversión que nos produce hacer y seguir haciendo esto que tanto nos gusta. ¿cómo te decidiste a cantar?

Fue más una mochila que me tocó cargar cuando decidimos ser un power trío, cosa que costó un poco al principio, pero de a poco me fui asentando y encontrando mi lugar. Lo que me impulsó fue la idea de intentarlo, y después no tuve mucha opción, pero fue una suerte de “accidente”. Al final terminé con la sa-

tisfacción y felicidad de que haya ocurrido. ¿qué participación tenés en la composición de las canciones?

De todo tipo. Nos gusta mucho componer a los tres y mostrarnos lo que hacemos. Siempre las canciones pasan por el veredicto de todos. Así que, depende del tema, si surge de una zapada, alguna frase, o simplemente alguno trae una idea/riff para armar algo. Tanto yo, como Axel Stahler (baterista) y Fede Trench (bajista) participamos en todos los aspectos de la composición. ¿qué equipamiento estás utilizando? Últimamente vengo usando una guitarra Fender Lead 1. Es una serie de Fender que se fabricó en 3 modelos (Lead 1, 2 y 3) durante un período corto, aproximadamente fines de los ‘70 o principios de los ‘80. Lo único que cambiaba era la cantidad de micrófonos. En este caso, la mía tiene uno solo de doble bobina. Ampli uso un Fender Roc Pro 1000 y los pedales dependen de la fecha. Últimamente vengo usando el Cry Baby ZW45, el Whammy de Digitech, y el Pitchblack de Korg. ¿qué proyectos tienen a futuro con Armant?

Por el momento la idea sería salir a mostrar y difundir un poco nuestro primer disco. Así que, básicamente tocar y pasarla bien.

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FERNANDO NALÉ

“LO MÁS DIFíCIL PARA UN BAJISTA ES ENCONTRAR UNA BUENA LíNEA” Por Sebastián Konrad

Entrevistamos a este genial y sorprendente bajista que acompañó a Gustavo Cerati en su prolífica etapa solista, y que comenzó a escribir su historia con los Illya Kuryaki con apenas 17 años de edad.

“Empecé tocando guitarra a los once en un taller del colegio, y a los doce ya empecé a aprender bajo con Guille Vadalá. Mi profesor de guitarra me presentó a Guille, que tocaba con Lito Epumer. Todavía no tocaba con Fito Páez. En el año 87´ empecé las clases y él en el 88´ empezó a tocar con Fito, entonces las clases fueron más pausadas. Duraron hasta el 91´, con interrupciones, pero fueron cuatro años de aprender. Y en el 91´ Luis Alberto Spinetta lo llamó a Guille para pedirle un bajista para la banda de Dante (su hijo), que estaba armando. Como yo era de la edad y tocaba bastante bien por los años que tenía, entré en los Illya Kuryaki and The Valderramas”, explica Fernando Nalé como introducción a la entrevista. El bajista comenzó a dar sus primeros pasos en su adolescencia, y apenas se emparentaba con el bajo ya comenzó a formar parte de los “Illya Kuryaki”. Luego, fueron todos pasos firmes que derivaron en cumplir su gran sueño: tocar con Gustavo Cerati. ¿cómo comenzó la historia con los kuryaki?

Ese año ensayamos la mitad del año, hicimos un playback en la tele, y una vez en vivo hicimos “Ana no duerme” en “La tv ataca”. Después no recuerdo que hayamos tocado mucho más. El primer show “posta” fue en el Festival de La Falda en el 92’. Yo estaba como loco,

12 | Entrevista a Fernando Nalé

había cinco mil personas y me prestaron el Ampeg de Arnedo. Yo corría como loco por todo el escenario, de acá para allá. Después hicimos Venado Tuerto, Venezuela, viajamos con Luis y tocamos con Los Paralamas, que estuvo buenísimo. Seguimos tocando y después vino la grabación de “Horno para calentar los mares”, que se grabó en Supersónico, el estudio de Soda Stereo. Ahí me lo crucé por primera vez a Gustavo y me quedé helado. Siempre me gustó Soda y él en particular. Lo mismo me pasó con Luis (Spinetta), cuando iba a los ensayos de los Kuryaki. Ese primer disco lo produjo Tweety González. Después empezamos con la gira y recién ahí empezaron a creer en la banda. Al principio estaba todo mal. “¿Cómo ibas a hacer rap?” En ese momento era “rock chabón”, o lo que ya estaba establecido. Lo nuestro era muy innovador. Con ese disco ganamos un público más rockero y de a poco empezamos a ir al exterior. Después vino “Chaco” y ahí despegó con todo la banda. Luego llegó “Versus”, que lo grabamos en Los Ángeles, y seguimos girando, y después vino “Leche”, que lo grabamos en el 99´ y yo grabé 3 temas y medio, y ese mismo año entré en la banda de Gustavo Cerati. ¿No tuviste otra banda antes de esta experiencia?

Había tenido bandas muy under pero tocábamos poco en

vivo. La más importante fue “Fade”, con la que ganamos un concurso en el 95´, que organizaba Rock and Pop y Nestlé, y tocamos en Obras. Cuando ganamos el concurso se separó la banda. Paralelamente estaba con los “Illya”. ¿qué diferencia había con la banda de Gustavo?

Qué sé yo… Son dos planetas distintos. Cuando entré con los “Kuryaki” era “ver cómo es”. Llegué y me gustó, la banda tenía una arenga bárbara y era una arenga “pro”, cosa que me gustaba porque yo venía de algo más hippie, más amateur. Y el sueño de tocar con Gustavo lo tenía desde que empecé a tocar. En la época de Soda ya quería, y pensaba: “algún día podré tocar con él”, pero pasó el tiempo y me olvidé un poco de eso. Imaginate que estaba tocando con los “Kuryaki”, empecé a girar, pasan muchas cosas, y me olvidé. De golpe se separó Soda en el 97´ y me volví a acordar. En el 98´ Gustavo tocó como solista con “Plan V”, junto a Leo García y Flavio Etcheto en el Centro Cultural Recoleta. Había dos días: el día funk que toqué con los “Kuryaki”, y al otro día, que era el día de la electrónica, para ver a Gustavo.

Cuando vi que tocaba y no tenía ni bajista ni batero me acerqué y le dije que yo era bajista y demás. Él re buena onda, y después me llamó para ir y ver si encajaba. La “audición” fue que yo había sacado todos los temas de

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Fito, de Durán Durán algunas canciones, un poco de Bootsy Collins, algo de Arnedo, de los Beatles “Eight days a week”. Doy canciones donde el bajo se luce sin ser un desfile de notas. Busco los temas que más me movilizaron. Aquellos que quieran tomar clases pueden escribir a: fernando.nale.clases@gmail.com.

“Amor amarillo” y cuando llegué, armé todo el equipo y estaba Eduardo Barakus, Gustavo y yo. Gustavo me empezó a pasar todos los demos de “Bocanada”. Era como el primer día de colegio, yo estaba perdido. De golpe, sobre eso nuevo tenía que tocar y desarrollar algo. Y ahí quedé y luego vino todo lo que vino, sobreviví a las distintas formaciones.

En esos años de “supervivencia”, ¿cómo fueron cambiando las cosas?

Todo para mejor. Yo era un pibito en la banda y aunque hayan sido todos de mi edad, tocar con Gustavo era algo impresionante. Entonces era como muy intimidante, me costó mucho entrar en confianza con él en ese primer momento. A medida que pasaron los shows nos fuimos conociendo. Y a medida que pasaron los años ni te cuento. Además, fuimos participando un poco más en su música. Con “Siempre es hoy” estuvimos como un año grabando demos. Con cada disco repetíamos eso y trabajamos muchísimo. Nunca conocí alguien tan perfeccionista como Gustavo. Y en “Fuerza Natural” fue diferente porque yo estaba haciendo rehabilitación y sólo iba a grabar mis partes. No participé de todo el proceso porque no me daba la cabeza. Pero las sesiones de los otros discos eran eternas. Un nivel de perfeccionismo total. ¿cómo influyó en vos ese proceso de recuperación en la banda?

Gustavo se portó muy bien conmigo, me ayudó mucho.

El tratamiento y él hicieron que yo pudiera volver a tocar con él. Se mostró muy bueno conmigo. Podría haber elegido a cualquier bajista del continente y me siguió bancando. Venía a visitarme en mi tratamiento para charlar, a veces para los ensayos y otras para la gira. Él a mis terapeutas les dio la garantía de que todo iba a estar bien, y dicho y hecho. Él fue un duque y yo siempre estuve ahí, al pie del cañón. De hecho, en una época yo estaba tocando con “Los Látigos”, y en un momento despegó la banda y Gustavo me necesitaba para empezar a “demear” “Ahí vamos”, y bueno, me quedé sin la mejor parte de “Los Látigos”, pero elegí seguir con él. ¿cómo surgió la idea de hacer canciones propias?

Yo empecé a componer canciones a partir del disco “Mar” de Leo García. Me dije: “ok, si Leo puede hacer canciones tan buenas, yo también puedo hacer algo bueno”. Fue como un disparador para empezar a hacer cosas a nivel solista. Desde el 2001 hasta el 2005 me tomé todos esos años para componer y empezar a cantar. Fue todo un proceso de aprendizaje, hasta que me convencí que me gustaba lo que hacía. Recién en el 2006 saqué “Forma”, mi primer disco solista, paralelamente con la salida de “Ahí vamos”. Luego vino la gira de “Ahí vamos”, comencé la rehabilitación, en el medio presenté “Forma”, y después empecé a grabar “Hora mágica”, mi segundo disco solista, casi a la vez que “Fuerza Natural”. Pegado a eso, empezó la gira de “Fuerza Natural”, hasta que pasó lo que pasó con Gustavo. Ahí comencé a presentar “Hora mágica”. ¿cómo repercutió en la banda lo que le pasó a Gustavo cerati? ¿decidieron parar?

En realidad nadie paró, todos seguimos por algún lado.

Yo presenté mi disco solista y ahora estoy armando una

14 | Entrevista a Fernando Nalé

contame de tu nuevo proyecto Va a ser un trío que va a sonar como cuarteto, pero va a ser trío. Usaré pistas donde hay guitarras. Tengo un tecladista que va a tocar teclados, guitarras y cantará, y un baterista que no sé quién es, pero lo estoy buscando.

Estamos “demeando” y calculo que el año que viene saldremos. Ahora también tocaré en la banda de Leandro Fresco en Creamfields. La banda va a ser Giuliano Acri en teclados, Leandro va a cantar, y yo en el bajo. Después también tengo participaciones en discos, como el de Claudia Sinesi, que participó en la presentación de mi disco, junto a otros músicos. Toqué en “The Planet”, un disco de Kabusacki. En Adicta en su disco “Miedo”, y con los “Suavestar”, que sacaron cuatro discos.

nueva banda. Fernando Samalea está tocando con Charly García, pero no en batería. Richard Coleman se lanzó como solista e hizo un parate con “Los 7 delfines”.

Gonzalo Córdoba y Uriel están con Vicentino, y Anita Álvarez de Toledo no sé en qué anda, pero se va a casar. Y Leandro Fresco hizo un disco cantado, en el que hace temas “muy arriba”. Yo grabé en su disco y a nivel bajista es lo mejor que toqué, junto con “Ahí vamos” y “Versus”. Siento que en esos discos toqué mejor que en mis propios discos. ¿qué pensás que tiene que tener un buen bajista para adaptarse a una banda? Matías Méndez me decía que: “los bajistas se olvidan de las bases y sólo esperan el momento del solo”.

A mí me gustan los solos pero tienen que ser cortos, no más de ocho compases. Un solo tiene que ser “palo y a la bolsa”, porque sino me aburro. El mejor ejemplo es el solo de Guille Vadalá en “Dame un Talismán”, el tema de Fito. Toca ocho compases, dice lo que tiene que decir y vuelve a la canción. Lo más difícil para un bajista es encontrar una buena línea. Un solo también es difícil, pero es un momento de libertad absoluta, entonces si te podés soltar lo sacaste y está bueno. Pero encontrar una línea que vaya bien con la voz, que no moleste a los otros instrumentos y a los arreglos, que “grovée” con la batería, eso es lo más difícil para mí. Eso lo experimenté con todas las bandas con las que estuve. Tratás de hacer una línea que no apabulle pero que diga algo, y buscás ese balance. ¿Ahora estás dando clases?

Doy clases de bajo, de guitarra sólo a conocidos. ¿qué elementos destacás en tus clases?

Yo lo que enseño es un poco una cuestión técnica para sentirse cómodo en el instrumento. No lo doy en pos de ser virtuoso, sino de ser versátil, de poder encarar un tema de reggae, de funk, de pop o rock and roll, y tener las herramientas para hacerlo. Trato de ver los diferentes “grooves”. Para eso doy temas específicos que me sirvieron: “Stir it up” de Bob Marley, “Dame un talismán” de

¿qué bajos estás utilizando?

Uso un Fender Jazz Bass, que lo adquirí en 2003. Antes tocaba con un Spector de 4 con micrófonos Bartolini, que después lo hice fretless, y un Spector de 5 cuerdas que era de origen checo. Al tiempo di en parte de pago ese bajo y adquirí el Pensa de 5 que se suena todo, y lo mandé a hacer con las maderas que quería. Tuve un Guild acústico también. Tuve muchísimos bajos, entre ellos uno de 7 cuerdas que vendí rápido. Así fui vendiendo y comprando hasta que llegué al Fender Jazz Bass 66´, que se lo compré a un tanguero. Lo compré en Argentina en un negocio que tenía instrumentos vintage. Probé varios bajos, pero este es tremendo, se suena todo. El bajo que más me gustó, después del mío, fue un bajo que trajo el “Bolsa” González para la grabación de “Ahí vamos”. Era un Fender Precision celeste del 64´, que se tocaba solo.

En efectos y equipos, ¿qué estás usando?

Uso una pedalera Pod que es una biblia. Antes usaba una Boss. La Pod me rinde muchísimo, tiene de todo.

Tengo además un Micro Q-Tron y un SansAmp que lo uso como pre. La pedalera tiene todo, modulaciones, imitación de equipos... Las modulaciones pueden ser muy intensas, lográs muchos sonidos. Tiene un simulador tipo “cinta” que me gusta mucho y tiene varias distorsiones.

En equipos estoy con el Eden que me compré con los “Illya” en el 97’ y tengo una mixtura de cajas. Tengo una Mesa Boogie de 4 parlantes de 10´´ y tweeter y una SWR de un parlante de 15´´, uno de 10´´ y tweeter. Además tengo otra SWR que no uso tanto. ¿Y con la viola?

La viola la usé siempre para componer, no le presto tanta atención. Tengo una Fender Stratocaster que se usó un poco en la gira de “Fuerza Natural”, donde tocaba “Tracción a sangre”. En mis shows que hice con pistas y guitarra programé todos los sonidos en mi pedalera de bajo. Una vez que viajé le compré unos micrófonos “Lindy Fralin”, se los puse y la viola salió volando. Ganó mucho cuerpo y ataque. Nunca me sentí guitarrista; simplemente lo hice por gusto y porque era muy difícil mantener una banda.

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DOcTORA EN ARMóNicAS Por Daniel Makelvintong

¿cómo te interesaste por la armónica?

Empecé a los 21 años, mientras estudiaba medicina.

Quise estudiar algún instrumento, probando primero con la guitarra, pero al poco tiempo empecé a estudiar armónica, y la verdad es que me entusiasmé mucho, y en poco tiempo ya tocaba blues clásicos. ¿cómo se dio tan prontamente la posibilidad de realizar una gira con Javier calamaro?

A Javier y al guitarrista, el Indio Márquez, los encontré una noche en un bar de Lanús. Ese día me invitaron a tocar, y de ahí en adelante no me separé de ellos por 3 años.

Compartimos la historia de Natacha Seara, una armoniquista reconocida por muchos músicos del rock local.

Nos introdujo en sus inicios, sus proyectos actuales y futuros, y su relación con la prestigiosa marca Hohner.

¿qué relación podés establecer entre la guitarra y la armónica?

Mucha relación, hay varios temas que los hacés en conjunto con las guitarras. Se puede jugar un montón. ¿cómo se produjo la creación de tu primer disco solista? ¿cómo surgió esa iniciativa?

La creación de mi disco fue algo que tenía pensado desde hacía bastante tiempo. Tenía ganas de grabar lo que más me gustaba, sin pensar en lo comercial. Fue un gusto grande, así como un trabajo más que grande...

¿qué experiencias podés rescatar de las distintas bandas donde participaste?

Tengo momentos más que lindos, que realmente te hacen muy feliz, y cualquier músico opina que es una de las cosas más lindas que te puede pasar en la vida el hecho de estar en un escenario. Por otro lado, es un ambiente más que difícil y competitivo, en el cual pasé por momentos horribles.

¿cómo pensás que es considerado el armoniquista en nuestro país? ¿Se le da importancia a un instrumento como la armónica?

Es tomado más en cuenta año tras año; ya hay varias armoniquistas que tocan de manera profesional, así como hay miles que "juegan" con ella. Al principio, para tocar cosas simples es el instrumento más fácil que hay, pero después, para tocar bien un blues, con buen tono y buenas escalas, hay que estudiar mucho.

¿dentro de qué estilo te sentís más cómoda?

Dentro del estilo rock.

¿cómo comenzó tu relación con Hohner?

Mi relación con Hohner fue a través del Indio Márquez,

20 | Entrevista a Natacha Seara

guitarrista con el que hice miles de shows (estuve haciendo dúos, tríos con Deborah Dixon, y tocábamos juntos con Javier Calamaro). Fui recomendada por él, y dentro de la gente que tenían para elegir fui de alguna forma una afortunada. ¿qué notás en Hohner que no hay en otras marcas?

Hohner es, lejos, la mejor marca de armónicas que hay en el mundo. Tenés miles de modelos con diferentes sonidos, tenés de madera o plástico, tenés las rectangulares como la Special 20 y las Marine Band o las ovaladas (que son más cómodas para agarrar), como las Golden Melody. A mí las que más me gustan cómo suenan son las Special 20.

Además de la armónica, ¿tocás algún otro instrumento en particular?

Saber de verdad muy poco. Estudié un poco guitarra y canto en coros en la banda de covers “Radiohits”. ¿qué planes a futuro tenés?

Cada día trato de tocar en grupos más copados, de no frenar nunca, de crecer en mi parte personal, y de tocar cada día mejor.

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SOMEcO EN BRASiL

SOMECO REAFIRMA SUS MARCAS EN EL PAíS VECINO www.someco.com.ar

la marca Novik, destacando principalmente las líneas de cajas acústicas activas.

Por parte de Peavey presentaron la línea IPR de amplificadores 100% digitales y peso muy bajo, ofreciendo por ejemplo una potencia de 1600 W con sólo 3 kg. También reforzaron y ampliaron la oferta que la empresa tenía de la familia VYPYR de amplificadores para guitarras, que obtuvo varios premios.

El stand de Someco, de importantes dimensiones, contaba con una línea muy amplia de equipamientos de audio, desde cables y micrófonos hasta consolas y cajas, de las variadas marcas que representa, como: SKP, Novik, Peavey y Crest Audio. Como lanzamiento especial tenían la línea SKP de instrumentos musicales, recién llegada a Brasil y presentada de primera mano en la feria. Hasta ahora venían trabajando con la línea de equipos de audio profesional, pero con SKP Instruments están incorporando guitarras acústicas, eléctricas y bajos para diversos estilos. Además, presentaron un nuevo catálogo de

22 | Someco en Brasil

Marcelo Palacios, director general de la compañía, comentó: “Cada línea se ha desarrollado mucho. El mercado brasileño está teniendo un gran crecimiento y nos hemos preparado para ganar espacio aquí". Así, destacó la estrategia de sus líneas de productos, ofreciendo alta tecnología con una relación calidad-precio apropiada para los segmentos profesionales y semi, más la importancia que les están dando a las marcas, para posicionarse como una elección de los organizadores de los Juegos Olímpicos y la Copa del Mundo del torneo de fútbol a realizarse en Brasil en tres años.

Teniendo al soporte post-venta como uno de los ejes principales y la oferta de garantía de un año para sus productos, continuó diciendo: “Tenemos distintas operaciones a lo largo de la región latina, donde hay acuerdos entre esas empresas y cada una, con actuación independiente, trabaja ofreciendo los productos de la marca SKP, principalmente en Chile, Uruguay, Venezuela, Argentina y Brasil, obviamente”. Por otro lado, Fábio Lopes, especialista de productos de la empresa, dijo sobre esta edición de la feria brasileña: “los dos primeros días son enfocados a los compradores, minoristas y profesionales del ramo. Creo que hubo en esos días un movi-

miento por encima de lo normal, sin contar el gran flujo de gente que nos visitó, por supuesto, durante los días abiertos al público en general”.

“La verdad es que la feria fue un excelente evento en medio de la incertidumbre, por cuestiones que tienen que ver con la situación económica externa.

Más allá de eso, es una feria consolidada que realmente atrae al comerciante del sector del audio.

Hemos tenido una buena presencia y grandes resultados para todas las marcas”, agregó Marcelo sobre este punto.

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ypF DESTiNO ROck

LENOISE FUE PROCLAMADO GANADOR DEL CONCURSO Por Daniel Makelvintong

El pasado 24 de octubre, con la presentación exclusiva de Lenoise, la banda ganadora, en el Hard Rock Café de Buenos Aires, concluyó el primer campeonato nacional de bandas, que convocó a más de 22 mil músicos de todo el país y que contó con Gustavo Santaolalla al frente del jurado, integrado además por los periodistas Alfredo Rosso, Claudio Kleiman y Marcelo Fernández Bitar.

Con el 43,1% de los votos, Lenoise se proclamó ganadora de YPF Destino Rock, el primer campeonato nacional de bandas. Oriunda de Resistencia, Chaco, la banda está integrada por los hermanos Alejandro, Bruno y Francisco De Bórtoli y Nicolás Palacio. Ganaron el concurso con el tema “Clandestino”. Ahora los espera la grabación de un disco en un gran estudio y la filmación de un videoclip de manera profesional. Lenoise compitió en la final con Hiperimpulso (7,2%) y Valeu! (19,7%), de Capital Federal, y Un día perfecto para el pez banana (29,9%), de Córdoba.

Finaliza así el primer campeonato nacional de bandas, que contó con un jurado de renombre: el músico y productor Gustavo Santaolalla, presidente del jurado, y los periodistas especializados Alfredo Rosso, Claudio Kleiman y Marcelo Fernández Bitar. Con un sistema simple, serio y transparente, convocó a más de 22 mil músicos (5.476 bandas) de todo el país y de los más diversos estilos musicales comprendidos dentro del rock. YPF Destino Rock se presentó como una gran oportunidad para las bandas de la escena independiente, que encontraron en el campeonato una plataforma de difusión para hacerse escuchar en todo el país. A tan sólo dos semanas del lanzamiento, más de tres mil bandas habían subido su tema a ypfdestinorock.com. Al cerrar la inscripción, eran 5.476. Luego de una tarea incansable, Gustavo Santaolalla, Alfredo Rosso, Claudio Kleiman y Marcelo Fernández Bitar comunicaron la lista de 100 canciones que seguirían en competencia, entre las cuales aparecieron bandas de Buenos Aires, Capital Federal, Chaco, Córdoba, Entre Ríos, Formosa, Mendoza, Misiones, Neuquén, Río Negro, San Luis, Santa Cruz y Santa Fe. Comenzaba así la carrera hacia la gran final, con una posta de 25 semifinalistas, instancia a partir de la cual el público ya pudo escuchar los temas. El 8 de septiembre, el jurado dio a conocer las cuatro bandas que llegaban a

24 | YPF Destino Rock

la final: Hiperimpulso y Valeu! de Capital Federal, Un día perfecto para el pez banana de Córdoba y Lenoise de Resistencia, Chaco. Las cuatro, de estilos diferentes pero con propuestas originales, se vieron las caras con los integrantes del jurado, para obtener una devolución en detalle de porqué habían sido seleccionadas. Para el jurado fue una ardua tarea elegir a estas cuatro bandas, ya que las 25 que habían pasado la última selección mostraban un gran nivel en cuanto a los criterios de evaluación: composición, interpretación, producción y originalidad. Al momento de elegir a las finalistas, “nos interesaba dar cuenta de la diversidad musical de todo lo que habíamos escuchado -dice Gustavo Santaolalla- y encontrar bandas de todo el país. Lo que nos motivó a elegir a estas cuatro bandas fue la potencia y la originalidad de lo que hacen.”

De acuerdo con Marcelo Fernández Bitar, las cuatro bandas finalistas reflejaban la diversidad compositiva e interpretativa de todo lo que habían escuchado. “Fue muy difícil hacer una selección tan pequeña de una cantidad tan grande de postulantes -dice-, y por esa razón decidimos destacar también a algunas bandas con una mención especial.” En esta línea, Alfredo Rosso destacó que YPF Destino Rock le permitió “conocer mucha música nueva y, de entre los miles de postulantes, destilar un grupo de artistas que sin dudas tendrán mucho que ofrecer en el futuro cercano –cuando no ya en el presente- y que necesitan, quizás, de un estímulo como el que este certamen ha propuesto”.

Claudio Kleiman explicó que las cuatro bandas finalistas presentan un grado de originalidad superior al resto: “Evidentemente nadie crea en un vacío, y todos tienen influencias -asegura-, pero nos parece que a los cuatro finalistas no se los puede vincular directamente con algún otro

grupo de rock nacional o internacional”. También se apreció en estas bandas una preocupación especial por las letras; “se ve que hay un trabajo sobre las palabras en un mismo nivel que el trabajo sobre la música –dice Kleimany también sobre la interacción entre ambas”.

Depositar a las cuatro mejores canciones en la final era la conclusión del trabajo del jurado. Impulsado por el gran nivel que había escuchado, el jurado solicitó una mención especial para destacar a las bandas Creciente (Mar del Plata, Buenos Aires), Dulce Ironía (Fernández Oro, Río Negro), Nameless (Capital Federal), Siete Venas From del Monte (El Chaltén, Santa Cruz) y Sorry (Capital Federal). Después sí, todo quedó en manos de las cuatro bandas finalistas. Las bandas finalistas obtuvieron una devolución del jurado y la oportunidad de tocar en vivo en la Rock and Pop, entrevistarse con Mario Pergolini en su programa “Cuál Es?” y de presentarse en el escenario de Tecnópolis. También participaron de una sesión fotográfica con Fernando Gutiérrez, de amplia trayectoria en la escena de la música argentina. Finalmente, llegó el turno del público, que durante dos semanas votó por su banda favorita y proclamó ganadora a Lenoise.

Gustavo Santaolalla, presidente del jurado, finalizó: “destaco de YPF Destino Rock el alcance federal de la propuesta, porque escuchamos bandas de cada rincón del país; la transparencia del concurso, porque a través de un sistema simple cualquier banda con mínimos recursos podía hacer llegar su tema; y la profesionalidad del jurado que integro, porque compartí esta experiencia con tres profesionales de trayectoria que aman lo que hacen y aman la música. Me sorprendió el nivel de potencia y originalidad de muchas bandas. Nos interesaba encontrar bandas que representaran a todo el país, y lo logramos”.

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MÚSicA pOR TODOS LADOS

Te acercamos el incansable trabajo que Litto Nebbia realiza desde sus comienzos. Como fruto de ello surge “La canción del mundo”, un disco triple que contiene un DVD con canciones y las palabras del autor. Por Sebastián Konrad

Con un tono relajado se lo puede apreciar a nuestro viejo amigo Litto Nebbia en el jardín de su casa en algunos segmentos del DVD que estamos viendo. La sabiduría de los años se ve plasmada en el discurso de este maravilloso y talentoso artista, que amalgama experiencia y felicidad. La felicidad que provoca continuar caminando por un incansable sendero. El camino de la música parece no tener fin en un compositor que nunca se conformó con lo que tuvo. Año tras año fue sumando conocimientos, y adaptándose a los distintos instrumentos que hoy ejecuta con la misma pasión que tenía en aquellas épocas, donde sus sueños eran tan alentadores como prematuros, y la balsa de su creación comenzaba a naufragar. Con varias décadas en la música y algunos centenares de obras compuestas, en este 2011 se edita un nuevo trabajo discográfico. Melopea, su propio sello, es quien edita y distribuye este disco triple que viene acompañado de un DVD, en un formato digipack, que une la armonía de los paisajes impresos en él. En el interior también podemos encontrar un librito que contiene fotos, dedicatorias, y las letras de las canciones, entre tantas otras cosas. dIScO 1 “Capas” (Canción sin pena), “Esplendorosa”, “Compañera”, “Si la luna envejece”, “Nube de verano”, “Estaré lejos de mi hogar”, “El primer hogar”, “La canción del mundo”, “Tardes de México”, “Un mundo sin heridas”,

26 | Música por todos lados

“No hay cárcel en el aire”, “Brasilis”, “Inmigración”, e “Intro a Genesis”. dIScO 2 “Yo me conozco” (Todo el mundo sufre), “Intro de flautas”, “Hijo de América”, “Desde aquel entonces”, “La mujer de la puerta de al lado”, “Western China”, “Permiso para en-

trar”, “Pulso”, “No será este y no es aquel”, “Arenas del mar negro”, “Ahora que tienes alguien que te responda”, “Carla (dedicado a Carla Bley)”, “Un anillo grabado”, “Latinka”, “Cartas marcadas”, “Ciudad antigua”, “El amor después de la muerte”, “Huir del amor” (GPS en Medellín), “Soy un árbol” y “Martita”. dIScO 3 “Ilumina”, “Vida, escúchame”, “Sección vermouth”, “Provincia”, “Espejo de los dos”, “Como si nada”, “Tu tiempo fue mejor”, “Ubicación”, “Childs (A Billy Childs)”, “Sendero”, “Coliya”, “Mes de algodón”, “La mujer de la puerta de al lado” (otra versión), “Arbath” (Barrio bohemio), “Quiero”, “Satie en casa” (A Erik Satie), “Cuatro horas”, “Mi pequeño mundo”, “Como bass”, “Capas (Redux)” y “Volver”. dVd “Inmigración” (con Ricardo Soulé), “Blues nocturno” (Con La Luz), “Estás en el sur” (con Emilio del Guercio y Ariel Minimal), “Momentos de grabación con Silvina Garré”, “En tu corazón” y “Una vez” (Con Los Mersey Mustards) y Bicentenario, entre tantas otras canciones y fragmentos donde Litto Nebbia comenta la gestación de este álbum.

Esta edición, que contiene un sinfín de música y poesía, puede resumirse en las propias palabras del autor: “el clima ciudadano, la rítmica del folklore, mi pasión por Brasil, alguna jazzificación, la música de cine, mucha improvisación y otras rarezas conviven en mi arte”.

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GONZALO ALORAS

EL SUPERHÉROE DE LA NUEVA GENERACIóN Por Sebastián Konrad

Fotografía por Matías Montini

Recorremos la historia de Gonzalo Aloras y conocemos todos los detalles de su último disco “12”. El rosarino nos abre las puertas de su vida musical y nos detalla todo acerca de su sonido.

Gonzalo Aloras nos abre la puerta de su casa y automáticamente se sienta en su piano “Rhodes”, como si no pudiera despegarse de la música. Quizás la música no pueda desprenderse de su mente, que incansablemente corre en busca de algo nuevo. Graba algunas armonías en el Boss Loop Station, y mientras éstas se repiten una y otra vez, se sienta en el piano acústico y comienza a tocar sobre esa base. Automáticamente se levanta e improvisa un solo con su Gibson SG. Todo es música a su alrededor. Decenas de discos parecen ser testigos de su sana obsesión por algo verdaderamente sensato.

Las fotos de Frank Zappa, Los Beatles, Gustavo Cerati y sus “superhéroes”(Luis Alberto Spinetta, Litto Nebbia y Charly García), entre otros, nos dan una postal de quién es Gonzalo Aloras. Al escuchar su música comprendemos el valor que tienen para él esas imágenes. Cualquiera que comparte una charla con el rosarino se va a hundir en un mar de inquietudes que lo llevan a no detener su aprendizaje y a ir en busca de algo mejor. Gonzalo Aloras llegó a Buenos Aires para convertirse en un superhéroe de la nueva generación, de esos que se necesitan para luchar contra la monotonía y los modelos musicalmente establecidos. Su reciente disco, “12”, nos invita a recorrer un universo poco común por estos tiempos, y a experimentar sonidos que contagian experiencia, sabiduría y buen gusto.

28 | Entrevista a Gonzalo Aloras

¿cómo se dio tu introducción a la música?

El principio de todo se da en Rosario, por supuesto, donde la música me atacó por varios flancos. Uno de ellos era mi viejo, Fernando, que en algún momento formó parte del Coro Estable de Rosario. No se dedicaba a ser músico, pero era un amante de la música. Falleció el año pasado, con 81 años, y entró al rock por nosotros, sus hijos.

Su pasión era la música clásica, más cosas de Frank Sinatra y Silvio Rodríguez por ejemplo. Era muy ecléctico.

Por otro lado, estaban mis hermanos más grandes, que escuchaban a Spinetta, a Litto Nebbia, a Frank Zappa.

Una época donde los jóvenes escuchaban eso, aunque parezca mentira. Después se dio por el lado de mi abuela, que fue pianista de tango. fuese “pianera” (como le gustaba decir) era un elemento muy fuerte en la familia. El piano que está acá (en el living de su casa hay un piano acústico), que uso para divertirme y componer, es el que usaba ella. Ella me sentó al piano por primera vez y me introdujo en una cosa técnica y clásica al principio. Aprendí a entender y degustar más la “onda tanguera”. Finalmente, después de convivir con tanta música, mi vieja se dio cuenta que tenía que empezar a estudiar algo. Entonces fui a una especie de instituto que había cerca de mi casa. Allí estudiaba piano clásico y no duré mucho, porque en los momentos de descanso me dedicaba a sacar temas de Charly, aprender escalas, a leer y sentarme mejor. Por otro lado, empecé a estudiar guitarra con Nadir

Dos Santos, que era un profesor particular del barrio. Hice “clásicamente” los primeros pasos, con libros, pentagramas y digitación, y lo disfrutaba porque sabía que era empezar a hacer música. Dos Santos no era un músico que hacía rock, sino que hacía folclore fusionado con jazz.

Luego me compraron mi primera guitarra eléctrica, una Faim Stratocaster color sunburst, y sentí la sensación de que tenía en mis manos el pasaje a la libertad. No tenía equipo y conectaba la guitarra a un BGH, que era un equipo que tenía mi viejo. Eso me permitió tocar arriba de algunos discos que tenía. Uno de los primeros discos sobre los que toqué fue el primero de Invisible, cuando estaba terminando la primaria (hace pocos días, Machi Rufino, bajista de Invisible y amigo, me cuenta que se había puesto a sacar un tema de mi nuevo disco; imaginate mi corazón al recordar aquellos comienzos tempranos!). Ahí fue comenzando la cosa, y luego vino una guitarra mejor, un equipo y algunos pedales. Así hasta que en el secundario empezás a juntarte con otros que saben tocar y formás tu banda de rock. En ese momento me metí en una escuela de músicos que crearon los muchachos de la “trova rosarina”. Allí estudiaba piano con Iván Tarabelli, que era músico de jazz, y ahí empecé con la armonía a full. Él me dio las primeras herramientas armónicas. A cada profesor que iba le taladraba la cabeza con cosas que quería tocar o saber. De esa manera, llevándole canciones para sacar y analizar, a su vez ellos

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2007. Fue como el cierre. También fue una experiencia formidable, primero porque fue la primera vez que actuaba seriamente en un largometraje comercial. Ya había

para incorporarlo a un proyecto futuro y renovarlo. Eso es lo más prodigioso que uno puede hacer en una disciplina artística. Hay que tratar de hacer un nuevo aporte

actuado haciendo una especie de papelones en algunos cortos, cuando estudiaba cine en Rosario. Lo otro, que fue grandioso, es que me haya dado la posibilidad de hacer la música del film. Yo quería dar lo mejor y dar todo, saber que no me iba a quedar pensando que podía haber puesto una nota o un arreglo mejor. Es una de las cosas que producciones que más orgulloso me tiene, como laburo específico de hacer algo para otro.

sin repetir pero tomando algo de lo que hicieron otros. Si escuchás “12”, tenés la sensación de escuchar el rock argentino de la “primera hora” o la “segunda hora”, pero en una “tercera hora”.

Fotografía por Alejo Sívori

me recomendaban nueva música para descubrir, ligada a la sensibilidad que yo tenía. Es bueno que el docente capte tu sensibilidad para llevarte a sacar otras cosas.

En los primeros años con lo que te vas topando, te va marcando a fuego. A la par de estos estudios, en el secundario formé mi primera banda de rock, que fue “Mortadela Rancia”. . Empezamos a tocar en todos lados, en pubs y en bares, hasta que la cosa se fue poniendo linda y fue creciendo, y en el ‘94 encontramos un productor que se interesó por el grupo y pudimos grabar nuestro único disco, que se llama “Ciudad Paranoia”. Podría decirse que era una música más rebelde. Punk, a nuestro modo. Aunque se trata de un disco a la vez elaborado y sobrio. Todo coincidía con esa energía juvenil, con algo que estaba naciendo y se estaba expresando sin ningún tipo de miramientos. Eso hacía que hiciéramos cosas delirantes en vivo, y me acuerdo que teníamos fans grandes, porque se detectaba que hacíamos música sin temores ni tapujos, con letras salvajes, pero con cierto humor y poética. Tengo en mente juntarme de nuevo con mis amigos de Mortadela y volver a hacer algo. Era un disco potente, con power y muy ecléctico también. Porque tenés canciones medio “spinetteanas” y otras medio grunge tipo Living Colours. ¿por qué creés que en la ciudad de Rosario hay tantos músicos talentosos?

Supongo que es el incentivo por las minas que hay. Esa pueda ser una de las razones. Cuando te vas de Rosario, te cansás de escuchar de “las minas que hay en Rosario”, una razón. Hay varias, pero la que voy a mencionar es una respuesta que dio Litto Nebbia, y él dijo que la razón por la cual uno terminar haciendo algo fuera de Rosario, y dándose a conocer, es porque es tan difícil hacer algo en Rosario que al final te ponés en cabeza dura y salís al frente. El público es durísimo, nadie va a los conciertos locales, entonces te ponés tan cabeza dura y en un momento atravesás esa pared. Yo recuerdo que, siendo chico, sabiendo que estaba Fito, Nebbia, y otra gente que admiraba mucho allí, me hacía poner las pilas porque se iba armando una especie de mística en la ciudad. ¿cómo fue la llegada a Buenos Aires?

Al tiempo de estar en Buenos Aires viviendo recibí la invitación de Fito Páez para formar parte de su banda, y ¡qué banda! Yo llegué y estaban Claudio Cardone, Guillermo Vadalá, Emmanuel Cauvet, Nicolás Ibarburu, y una sección de vientos cubanos impresionantes. Era un despelote, imaginate. Yo era el más pendejo de todos, o al menos me sentía así delante de tantos monstruos. Yo empecé a aprenderme las partes del disco, e incluso me quedaba a dormir en Circo Beat, porque no llegaba con los tiempos y tenía que tocar muchas cosas a la vez (guitarras, bases de teclado, voces, coros), me divertía mucho.

Al poco tiempo de estar acá empalmé con eso y fue para mí, por donde lo mires, una especie de bendición. Fito fue uno de los artistas que yo escuché mucho y con el cual disfrutaba mucho. Ahora que lo pienso, para mí fue una de las mejores experiencias de mi vida. Él también es rosarino y se daba eso medio romántico también. ¿cómo se dio tu participación en la película “¿de quién es el portaligas?”

Empecé a tocar con Fito en el ‘99 y esto se dio en el

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¿cómo en tus composiciones podés modernizar un rock, que a la vez conserva la concepción clásica de las primeras épocas de nuestro rock nacional?

Era un poco lo que yo sentía que hacía Fito con Charly, o bien Charly con Nebbia. Sui Generis, de alguna manera, es una versión “aggiornada” de “Los Gatos”. Te hablo tratando de ver esta historia línea de tiempo. Es lo que a mí me gusta: tomar lo que más me afecta del otro

Noto en “12” que se vuelve a respetar el concepto de canción, en una época donde se deja bastante de lado.

Tomar la canción como un espacio de búsqueda, de investigación, de riesgo, no solamente de fórmula, en ese sentido sí comparto que “12” es un disco que se suma a la fila de los experimentadores de la canción. No están “metamorfoseadas” las estructuras clásicas de la canción, pero sí vas a notar que en cada una de las piezas están logradas estas cosas de proponer un gesto nuevo, una manera nueva de combinar acordes o arreglos. La manera en que está arreglada u orquestada la canción, en mayor o menor medida, es un aporte concreto que

Entrevista a Gonzalo Aloras | 29

Fotografía por Matías Montini

tiene que ver con el mundo de la canción. Yo puedo agarrar la guitarra o el piano y hacer algo contundente, algo que se sostenga. Esa es una de mis búsquedas, de mis preocupaciones. La consistencia. La cuestión técnica, que para mí forma también parte de la composición, está aplicada en función de la canción y no del instrumento en sí mismo. Eso es una elección, porque quizás llegará un momento en el que quiera hacer un disco más “guitarrístico”, más específicamente sonoro o donde haya un atrevimiento mayor de texturas. Quizás algún día haga algo instrumental. Pero ahora la aventura vino por el lado del universo de la canción, que es mi objetivo primero.

Por ejemplo, hay dos canciones del disco en las cuales no encontré más posibilidades utilizar un solo instrumento a la obra, en función de la sensación que te pro-

32 | Entrevista a Gonzalo Aloras

duce en su totalidad la canción. ¿las canciones se compusieron de acuerdo al músico invitado, o ya estaban compuestas?

A la hora de terminar el disco, tuve una charla con Rafa Arcaute (co-productor de “12”) y nos pareció que era una idea brillante terminar de formar el “dream team” con invitados de esa índole. De hecho, ya era algo que había experimentado en el primer disco Algo Vuela donde estuvo Charly García. Entonces, tomando mi disco “Superhéroes”, pensaba que en este me faltaban dos superhéroes para completar la trilogía, Litto Nebbia y Spinetta. Quienes felizmente grabaron en 12. Abrí también los superhéroes a la siguiente generación, pues participan Juanse y Fito.

Yendo al sonido, ¿qué guitarras usás actualmente?

Siempre he variado mucho y he variado poco a la vez.

Esto quiere decir que en las distintas participaciones que he tenido siempre traté que las sonoridades sean las que necesita el proyecto, no las que yo acostumbrase. Por ejemplo, cuando fui al primer ensayo de Juanse para grabar su último disco, llegué con mi viola y mi set de pedales, y él me miró y me dijo: “¿todo esto para qué es?”.

Yo vi que él agarró su Gibson y enchufó derecho al equipo. Entonces cada vez tenés que reinventarte, porque eso que hacía con un pedal de volumen, de golpe lo tenés que manejar con el pote de la guitarra. Yo trato de no repetirme, porque creo que todos tenemos en el fondo un “perezoso” que quiere relajarse y ser. Entonces le hago un poco de resistencia a “ese habitante” generándome algunos mecanismos, como por ejemplo cambiar mis pedales durante algunos períodos. Voy cambiando las combinaciones de pedales para generarme una cuestión de vértigo y experimentación. Tengo la necesidad existencial de modularme a mí mismo algunas cosas para estar más activo neuronalmente. Últimamente estoy usando mucho una SG que compré para tocar con Nebbia. Cuando tocamos en el Obelisco para el Bicentenario tocamos temas de “Los Gatos”, y me acuerdo que después Fito y Juanse se preguntaban cómo había hecho yo para que la guitarra sonara igual a la de la versión original de “Los Gatos”. Y yo simplemente enchufé la guitarra directo al equipo y me imaginé siendo un “gato”. Otra de mis guitarras, y gran compañera de ruta, es la Parker.

Es la mejor amiga de mi espalda, porque no pesa. Spinetta tocó con esa en el programa que hicimos juntos para “Volver Rock” y me la pidió para la presentación de “Para los árboles”. Menos mal que no se le ocurrió comprarla o pedírsela a otro, porque para mí fue algo emocionante. Quizás yo estaba haciendo un favor, pero sentía que el favor me lo estaban haciendo a mí. En la época de “Mortadela Rancia” yo me movía con Telecaster y Stratocaster. Ya con Fito aparecieron las Gibson, y luego apareció la Parker, me sirvió mucho en vivo porque emula con su piezo eléctrico una guitarra acústica y eso me facilitaba en vivo. No es una guitarra demasiado común, y me acuerdo que luego de uno de los conciertos de Fito, donde yo tocaba algunas canciones emulando una acústica con el piezo de la Parker, se acercó una persona y me dijo: “yo me di cuenta de que la parte acústica estaba grabada, me di cuenta porque soy músico”. Es algo que tiene que ver con eso: la guitarra no era tan conocida y suena muy imponente su sonido “acústico” en vivo. Estoy usando Fender Deluxe y un Marshall JCM900, que es un amigo mío de toda la vida, pero lo tengo bastante guardado porque en los lugares donde estoy tocando usualmente no lo puedo usar. En los últimos años es más notorio el tema del sonido, de la queja de los vecinos, del límite horario. Ya no se puede tocar con tanta regularidad. Entonces tenés que armarte de combos o cosas más transportables. ¿qué efectos usás ahora?

El “método Juanse” hay que tratar de aplicarlo, por eso uso mucho el footswich del equipo. Una de las cosas que no cambio nunca es el afinador cromático de Boss.

Tengo un Compressor-Sustainer, un Delay DD-3 y un Trémolo, y la distorsión del SansAmp. Ahora uso el compresor para despegar en algunos momentos, o bien para usar de booster, o bien cuando necesito presión sonora

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¿qué proyectos tenés de aquí al futuro?

Presentar el disco es lo más importante, porque implica salir con la banda y tratar de salir del barrio de uno para tocar en otras provincias y otros países. Se vienen un par de años

otro disco de un cantautor llamado Alejandro Corvalán, que estaba en Mar del Plata con la guitarra al revés tocando temas rarísimos. Me acerqué después de escucharlo y le dije si tenía más temas, y nos fuimos organizando e hicimos la pre-producción y la producción de ese disco. Me gusta estar atento buscando cosas en Facebook o Youtube, o donde sea. Quiero encontrar propuestas donde poder participar o ayudar. Cuando uno disfruta de algo y

bastante movidos, para sacarle un poco de jugo al disco porque está bueno y hay que hacerlo conocer, y uno debe hacerse cargo del material que produjo. Lo que estoy entregando es algo que está bien hecho y tiene, potencialmente, la fuerza sanadora que uno siempre busca o anhela de los discos que uno ama. Yo creo que creo que estoy haciendo el laburo de hormiga de hacer circular estas ideas, amén de mis relaciones con otros proyectos Ya produje una banda integrada por dos rosarinos y dos porteños, llamada “Intrépidos navegantes”, y el disco se llama “Aguas”. Son chicos jóvenes, de 20 años. Esa es una de las actividades que me gustará seguir desarrollando. La poca o mucha experiencia que uno tiene, no sólo hay que usarla para uno, sino que debe transmitirla. Grabé también

le genera un goce o un placer, quiere que los otros también lo disfruten. Sin dar ninguna vuelta, en el momento en que se produce una nota tocada en una guitarra, está todo el cosmos puesto en juego. Esa es mi visión de la música. Así la hago, así la siento, y la siento cuando es de otros. No encuentro un motivo por el cual no pensar así. Cuando hay una nota se pone en juego todo. No se puede aislar eso, y hasta me parece triste y peligroso hacerlo. El arte y la música es uno de los medios donde uno puede relacionarse con todo. Yo creo que la música, cuando está bien hecha, te toca y te afecta en un momento dado de tu vida, puede tener efectos sanadores y te puede ayudar como persona. No creo en magia ni en religiones, sino que hablo de la música.

se entere. Y no puedo dejar de nombrar a Luis Alberto Spinetta, que sería como el maestro de Cerati, por hacer mención a aquella línea de tiempo que mencionaba antes.

Fotografía por Guido Adler

y contener la dinámica. El compresor te permite delimitar el rango de picos y volúmenes. Al trémolo lo amo y, tanto como en el piano Rodhes, puedo tocar un tema sólo con eso. Me resulta un pedal muy expresivo. El SansAmp es uno de los pedales más “gauchitos”, porque las variables que da son realmente variables, tanto desde el ecualizador como en la selección de “preamps”. Y mi otra compañera es la Loop Station de Boss, que me sirve cuando tengo los momentos en solitario. Grabo un puente o una estrofa para mantener la base en un solo o en una parte instrumental. A pesar de ser digital graba muy bien. ¿qué te gusta de los guitarristas que admirás?

Una de las cosas que más me gustan es ver cómo algunos pueden lograr todo desde las manos. Habría que buscar generar sonidos, pero en lugar de usar pedales, usar las manos. No es imposible, y a veces pasa, queriendo o no queriendo, que van surgiendo cosas de acuerdo a la manera de tocar. Hay que seguir diciendo que todo pasa por la mano, la pulsación y el contacto con la piel. Eso determina el sonido. En otros instrumentos no pasa, pero en el caso de las violas está en la combinación de los elementos físicos. Hay una frase que parece trillada, pero “lo importante es el espíritu”. La gran demostración de eso es una casa de música con una viola y un equipo, y gente que va pasando y la hace sonar distinto. Los guitarristas que me gustan son los pueden ir derecho al equipo, sin intermediarios (efectos) y lograr buenos efectos. ¿qué guitarristas tienen esas cosas que te gustan?

No me los voy a acordar a todos, pero sí por lo menos quiero hablar de esos que cuando los escuchás decís: “quisiera lograr algo así”. Uno de los más grandes violeros que escucho es Joao Gilberto. Un tipo que con seis cuerdas inventó un mundo. Pat Metheny es otro, porque también inventó otro mundo. Te doy estos datos para que veas que no es una cuestión de virtuosismo y técnica, aunque sin eso no se pueda hacer nada, sino de la relación que tienen estos músicos con el instrumento. Hacen maravillas que no terminás de entender. Me gusta volverme loco y no saber lo que hacen. Gilberto hace cosas que no se pueden tocar de una manera distinta a la de él. Me gusta mucho Larry Carlton, que también es un músico que apunta a lo melódico. Siempre tira frases que se pueden cantar, porque buscan una melodía y un desarrollo en lo que hacen. También me gusta Jimi Hendrix. Inventó una “onda” de guitarrista: la postura, el cuerpo, su relación con el instrumento, el look. Y lo otro de Hendrix que es fabuloso es todo lo que el tipo hace entre una idea y otra. Cuando pasa de una estrofa a otra, mete algo en el medio. Eso que hay ahí es lo que me gusta, lo que hace “en el medio de algo”. Me hubiera gustado escucharlo tocar de viejo. Vernon Reid, que sí es virtuoso y está totalmente “del tomate”. Él hace una utilización de la velocidad en intensidad pura. Y el N° 1 para mí, por su discurso, su ética, y su caudal de obra es Frank Zappa. Otro que no llegás a entender bien qué hace, sumado a una digitación muy personal. George Harrison, por su sensibilidad, su economía, su estilo y su criterio. Tocó en la banda más importante y encima salió bien parado. Todas sus intervenciones son maravillosas, además del uso del slide que hace. De Argentina, Gustavo Cerati es el otro violero que me gusta. Le mirás las manos y pensás que suena otra cosa distinta a lo que hace. Como guitarrista rítmico hace bailar poniendo acordes con 11°# y 13°, sin que nadie

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Entrevista a Gonzalo Aloras | 33

TRANScRipciONES Por Facundo López Burgos

A diferencia de lo que usualmente hago en esta sección que es transcribir 2 o 3 riffs representativos del artista que aparece en la tapa hoy quiero detenerme para analizar un poco más en profundidad una canción. Se trata del tema 12 encargado de cerrar el cd homónimo.

Se trata de un poema de Oliverio Girondo que Gonzalo musicaliza de una manera bastante particular. Lo primero que llama la atención es la melodía construida casi íntegramente con la escala simétrica disminuida (la excepción es la nota Sol que aparece en el decimo compas). Esta escala se utiliza normalmente sobre acordes disminuidos y en muy rara ocasión (no recuerdo otra de hecho) es utilizada como escala principal de una melodía. Esto se debe a que debido al carácter simétrico de la construcción de la escala (Tono - Semitono) carece de centro tonal.

La cuatríada disminuida de Do (que podríamos considerar como una de las tónicas de esta escala) está construida con las notas Do - Mib - Solb y La. La secuencia de acordes toma estas notas como tónicas de sus primeros 8 compases. Si bien el movimiento del bajo delinea claramente una armonía disminuida la carencia de quintas en los acordes y el armado de voicings con reminiscencias brasileras agregando séptimas y novenas lo mueve un poco de ese lugar generando ese clima algo nostálgico pero animado.

34 | Transcripciones de Gonzalo Aloras

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pALMER MAGNuM STD Por Daniel Makelvintong - ImportaHarmony Music Group - www.harmonymusicgroup .com.ar

Por más de veinte años Ben Chafin ha construido una inigualable reputación en la exclusiva actividad de la creación artesanal de guitarras y bajos para algunas de las compañías más grandes del sector. Ha trabajado junto a famosos músicos en todo el país, y comprende el trabajo apasionado de crear instrumentos para los talentosos artistas que los tocan. Como un brillante luthier de guitarras, el señor Chafin sólo trabaja con las maderas más refinadas y los mejores equipos que se puedan conseguir. Este mismo compromiso con la calidad de su profesionalidad ha hecho, de las guitarras B. Chafin USA Custom, un complemento prestigioso para los coleccionistas y músicos del mismo estilo. Ahora, para hacer más accesible su serie exclusiva, Chafin ha decidido asociarse con Palmer Guitar Company. Chafin expresó con cariño que se encuentra “orgulloso y entusiasmado” de unirse a la Familia Palmer, y “espera ansioso ofrecer innovación” al diseño de las guitarras más selectas que se puedan crear. “Si busca guitarras que le ofrezcan verdadero placer, tanto por el hecho de tenerlas como de tocarlas, acérquese y experimente el trabajo profesional de Chafin.

Para mayor información sobre B. Chafin USA Custom y su creativa línea de excelentes guitarras, por favor diríjase al comercio local de Guitarras Palmer. Una vez que haya visto más, comprenderá el ingenio tradicional y la profesionalidad de las guitarras B. Chafin USA Custom”, explican los propios fabricantes. Harmony Music Group importa y distribuye estos instrumentos en nuestro país, para que podamos contar con una buena alternativa en materia de guitarras y bajos.

Tal como hablamos en nuestra edición anterior, seguiremos haciendo mención sobre los instrumentos que Palmer Guitars fabrica en Indonesia. Esta vez ponemos a prueba

36 | Informe Palmer Magnum STD

INSTRUMENTOS CON MUCHO PESO Desde Indonesia nos llegan los bajos Palmer a través de Harmony Music Group. En este caso ponemos bajo la lupa la serie Magnum de cinco cuerdas.

un bajo Magnum STD de 5 cuerdas. Esta edición viene en color madera, rojo, azul oscuro y negro (o como figura en la web de la empresa: (TN, TDR, TDB y TDK). Al igual que todos los instrumentos de Palmer, las terminaciones parecen artesanales, casi realizadas a pedido. El instrumento tiene un cuerpo sólido de caoba natural tallado a mano, 24 trastes tipo Jumbo, 2 micrófonos Edge b-I Active, Clavijas cromadas satinadas Tonepros, control de volumen, control de balance, controles de graves y agudos, y un acabado transparente. Este instrumento no sólo te atrapa por su imagen. Yendo a lo estético, el Magnum tiene unas terminaciones muy bien trabajadas, y sus accesorios lo hacen atractivo. El puente tiene una pieza resistente y las clavijas cumplen perfectamente su función.

La pala del instrumento tiene, a diferencia de otros, unos “óvalos” que van marcando los trastes. Este detalle, no sólo lo diferencia, sino que lo hace elegante.

Con respecto al sonido, he quedado sorprendido al enchufar el instrumento. La versatilidad del mismo permite trabajar en cualquier estilo musical, y los 24 trastes nos dan una gama más amplia de recursos. A pesar de ser un bajo pasivo, tiene sonidos filosos y contundentes, ideales para el rock pesado y el heavy metal. El mango es cómodo y nos permite trabajar a lo largo del diapasón con total libertad y practicidad. Los controles de tono y balance nos abren otro abanico de posibilidades a la hora de ir variando nuestro sonido. Sin dudas, los bajos Palmer se incorporan al mercado como una gran alternativa. Siguiendo el camino de otras marcas que se incorporaron al catálogo en Argentina, esta empresa, con origen en los EE.UU., fabrica en Indonesia, manteniendo un nivel de primera línea.

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ASHDOWN AMpS Importa y distribuye Hendrix Music SRL - www.hendrixmusic.com.ar

La historia comienza en 1984, cuando Mark Gooday dirigía Trace Elliot en Inglaterra. En los ‘90 Mark decidió asociarse a otra gran compañía, y más tarde vendió la marca y se retiró para volver a empezar.

Shavo Odadjian (System Of A Down) Siendo un ingeniero de profesión, y con suficiente experiencia en la fabricación de amplificadores, decidió intentar nuevamente con algo diferente en sonido y estilo. Hablando con distintos músicos se encontró con una queja en común: ¿qué pasó con el sonido real del bajo? ¿Dónde se ha ido el tono? Hemos perdido el estilo personal.

38 | Informe Ashdown Amps

UN CLÁSICO MODERNO En este informe te mostramos todos los modelos de los amplificadores Ashdown que ingresaron al país, luego de una larga espera, de la mano de Hendrix Music SRL.

Mark y un equipo de colaboradores situados en Essex, Inglaterra, exactamente en Stevens Farm, una campiña apartada de la gran ciudad, comenzó a diseñar lo que sería un gran clásico moderno. Para iniciar una nueva marca se necesita un buen nombre; como Gooday era demasiado inusual para un amplificador, decidió utilizar el apellido de su esposa, ASHDOWN. Mark, amante de los autos de carrera y practicante de este deporte, soñaba con tener la insignia del motor de un Austin Healey como ícono de estilo e imagen. Y así diseñaron una serie de logotipos como la placa del automóvil y el vúmetro, tan característico de la marca.

El estilo del producto se trabajó en una serie de características interesantes. Los primeros diseños originales eran demasiado “de boutique”, y los consideró como productos que no serían vendibles en un mercado tan amplio. Así, posteriormente fue adaptando su idea a las tendencias del mercado, sin perder el claro objetivo que le marcasen sus amigos músicos. Las características de los amplificadores Ashdown son básicas y sólidas; lo que buscaba todo bajista era un sonido con tono dulce y mucho cuerpo.

El plan estratégico de Ashdown, como marca con proyección internacional, siempre fue simple, claro y sencillo: diseñar y fabricar los mejores productos con el mejor sonido posible. Desde entonces sus productos han recibido numerosos premios y galardones.

Ashdown crece día a día y continúa desarrollando su filosofía y su política de estar siempre en contacto con los artistas, ya que ellos son quienes ayudan a desarrollar los productos. Eso asegura que los que utilizan estos productos lo hacen porque son parte

de la esencia de Ashdown. La impresionante lista de amigos y artistas son muestra de que el sonido y la calidad de los productos son excelentes: Foo Fighters, System Of A Down, Paul McCartney, Lenny Kra-

James Lomenzo (Megadeth) vitz, The Who, U2, Level 42, Pink Floyd, Radiohead, Robbie Williams, Keane, Kasabian, Def Leppard, Tom Jones, James Blunt, Smashing Pumpkins, Kid Rock, The Arcade Fire, Lilly Allen, Madness, Katy Perry, Sublime, WASP, The Specials, Razorlight, The Charlatans, James Lomenzo, JJ Burnel, Daniel Castro, Pino Palladito, y muchos otros artistas.

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HELLRAiSER SOLO 6 E/A

Importa y Distribuye GRUPO RóMULO GARCíA - www.romulogarcia.com.ar

Las guitarras Schecter están pisando fuertemente en el mercado argentino en los últimos años. Dirigidas a un público más rockero o heavy, de acuerdo a su formato y a su perfil, la empresa fue ganando terreno por su relación precio/calidad.

Schecter comenzó a escribir su historia en el año 1976, fundada por David Schecter. Allí la empresa sólo apuntaba a producir piezas que pudieran servir como alternativa para las guitarras Gibson o Fender, que dominaban el mercado en ese entocnes. Tan solo tres años después Schecter produjo sus primeras guitarras, que eran del tipo Custom Shop, y se basaban en modelos de Fender.

Debido a la calidad de los instrumentos, los precios comenzaron siendo elevados y se vendieron sólo en veinte comercios de Estados Unidos. Con el paso del tiempo la empresa fue buscando un equilibrio, y hoy en día producen innumerables guitarras eléctricas, acústicas y bajos. Rómulo García S.A. es quien importa estos productos y los distribuye en todo el territorio nacional.

En esta ocaión presentamos una nueva guitarra Schecter, de la serie Hellraiser aparece hoy. Se trata de la Hellraiser Solo 6 E/A, un modelo semi-hollow, que se puede conectar tanto a un amplificador eléctrico como acústico.

Schecter ha instalado en la Hellraiser Solo 6 E/A un sistema piezo Fishman Tune-O-Matic Powerbridge, con un preamplificador PowerChip y dos

40 | Informe Schecter Hellraiser Solo 6 E/A

La prestigiosa marca Schecter Guitars, junto a Grupo Rómulo García S.A., presentan este asombroso nuevo modelo HELLRAISER SOLO 6 E/A.

micrófonos EMG (uno es el modelo EMG-81, en el puente y el EMG-89, en el mástil). Para controlar el volumen de los micrófonos EMG cuenta con un potenciómetro y agrega otro para el piezo Fishman. Posee un control de tono push-pull, permitiendo dividir al EMG-89 en una pastilla de bobina simple.

Además posee una llave de 3 posiciones que permite mezclar el sonido de los micrófonos EMG-89 (posición alta), del EMG-81 + piezo (centro), o sacar la señal del piezo solo (posición baja).

El preamplificador activo Fishman PowerChip admite mezclar las tres pastillas y funciona con el circuito “Smart Switch”, que divide las señales del piezo y de los EMG a señales estéreo, o las mezcla en mono.

cARAcTERíSTIcAS Construcción: Set Neck con Ultra Access Cuerpo: Mahogany con tapa de arce Mástil: Mahogany de tres piezas Diapasón: Rosewood 24 trastes jumbo Ribete doble de Abalón Clavijas: Schecter Locking Pastillas: Fishman Powerbridge/EMG 81/89 Electrónica: 2 controles de volumen (EMG y Powerbridge) Control de tonalidad push-pull Llave selectora de micrófono de 3 posicione Un switch para el preamplificador Fishman PorwerChip Puente Fishman TOM Powerbridge Escala: 25.5″ Hardware: Cromado Color: Black Cherry (BCH)

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G6128T DuO JET

En esta ocasión, la firma de guitarras Gretsch nos demuestra porqué su estilo y sonido rompen las barreras del tiempo. La guitarra presenta mejoras en los micrófonos y en su circuito, para acercar el clásico sonido Grestch a los sonidos contemporáneos.

La guitarra respeta de cerca los parámetros de su ancestro de los años ’50, como la tapa de maple pintada en negro, el cuerpo de caoba y la trastera de ébano, con los clásicos “thumbnails”. La escala de la guitarra es de 24.6 (62.5 cm.). En cuanto a la electrónica, viene equipada con micrófonos High Sensitive Filter'Tron en el puente y en el mango, diseñados para estas guitarras con la finalidad de eliminar los excesivos ruidos de circuito aumentando el sustain y el nivel de salida, pero con un tono cálido. Tenemos la clásica llave de 3 posiciones para combinar las salidas de los micrófonos, controles de volumen independiente para cada mic, además de un control de volumen master para toda la guitarra.

Con la perilla Master Tone podemos ir cambiando el tono de la guitarra optando por sonidos más pastosos, quitando o aumentando frecuencias agudas, dependiendo de dónde esté posicionada para tener un control preciso de la tonalidad del instrumento.

Todos los accesorios están cromados.Tenemos el sistema de puente Space Control Soller, combinado con el sistema de trémolo Bigsby, modelo B3C, con

42 | Testeo Gretsch G6128T Duo Jet

Vamos a ocuparnos del modelo Duo Jet, un clásico que queda inmortalizado por ser uno de los formatos de guitarra predilectos de George Harrison.

Por Rodrigo Yacciofani - Importa y Distribuye TODOMUSICA - www.todomusica.com.ar

el logo de la firma y clavijas Grover.

Una vez enchufada, empezamos a probar distintas combinaciones de mics y volúmenes, obteniendo distintos sonidos bien definidos dentro del sonido clásico que uno espera de una Gretsch. Una guitarra muy cómoda para tocar, con muchísimas posibilidades tímbricas, diseñada para resaltar sutilezas. Los sonidos limpios de las Gretsch son un clásico y, dependiendo de cómo usemos nuestra perilla Master Tone, vamos a poder resaltar diferentes armónicos para encontrar el sonido justo. T ambién resulta muy práctico contar con una perilla de volumen master, ya que nos da mayor versatilidad al instrumento y nos permite tocar más cómodos, ya que a la hora de levantar el volumen para realizar un arreglo, basta con manejarnos con resto en la perilla, quitando la necesidad de agregar pedales de busters o de volumen. Para destacar la sutileza del Bigsby el modelo que viene en la guitarra el B3C y es realmente blando la palanca nos da la soltura necesaria para utilizar el trémolo sin necesidad de cas-

tigar el resorte y la afinación se mantiene intacta. Hay que tener en cuenta que no es una palanca para tirar “palancazos” grotescos al mejor estilo Joe Satriani; es una palanca para realizar vibratos cortos, para responder a diferentes velocidades. En los sonidos distorsionados encontramos una guitarra excelente para tocar rock and roll, muchísimo sustain, sobre todo en las frecuencias medias. Variando la perilla de tono se pueden lograr sonidos bien rockabilly, y ni hablar si agregamos alguna reverb.

Si nos gustan los sonidos más bluseros podemos lograr muy buenos resultados con el micrófono grave y la perilla de tono en el medio, y también está ese sonido cristalino característico en el mic del puente, para lograr ese clásico sonido de los años ‘60. Una guitarra que sigue marcando una tendencia desde hace más de 50 años, con una estética y un sonido característico, indeleble al paso del tiempo. Una opción a tener en cuenta a la hora de elegir un instrumento de alta gama, con una gran versatilidad y una voz propia.

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JORGE SENNO Facundo López Burgos

UN PURISTA DEL BLUES CON SABOR CRIOLLO Este genial guitarrista nos habla de su tercer trabajo discográfico, "En el cosmos no hay error", y de su forma particular de ver y sentir la música que corre por su sangre de blusero.

Fotografía por Jorge Tieghi

contame cómo fue la decisión de grabar parte del disco en un estudio profesional y el resto en tu casa. ¿cómo decidiste qué hacer en cada lugar?

Todo el material del disco venía muy ensayado, con la idea de grabar las bases de una, casi en vivo. Este plan nos permitía grabar las bases en un estudio de primer nivel, para luego hacer las sobregrabaciones en casa. Gracias a Álvaro Villagra se dio la posibilidad de hacerlo en el Estudio del Abasto, que está equipado con una consola API y un microfoneo impresionante, con el cual solucionábamos principalmente las baterías. Luego, también por un tema de presupuesto, sobre grabé las guitarras, voces, armónica, teclado, etc. en casa, con la ayuda crítica de un Fender Deluxe Reverb del ‘71 que tengo, todo valvular. La mezcla la hice, parte en Tamaba con Guido Alfonso, y parte en casa, y cerramos el ciclo con el mastering de Álvaro Villagra, de vuelta en el Abasto. ¿qué instrumentos y equipos usaste para grabar y cómo grabaste las guitarras? ¿Usaste muchos emuladores?

El equipo fue exclusivamente el Fender que te mencionaba. Violas: una Gibson Les Paul Custom del ’79 que usé toda mi vida, Fernandes Strato muy modificada, Fender acústica, y un Lap Steel construido por mi querido amigo Jorge Demonte. Esas fueron las fundamentales. Luego, como hago luthería, y con el consentimiento de sus respectivos dueños, usé varias

44 | Entrevista a Jorge Senno

violas que iban pasando por casa, Jaguar, Yamaha de 12 cuerdas, etc. Grabé con un Shure SM57 y un condenser AKG, sencillo. Y usé unos pocos pedales analógicos: Tube Screamer TS9, Blues Driver Boss, Carbon Copy MXR, Wha Wha Vox, otro Wha Vox King de los ‘60 original, un Chorus y compresor de Cluster.

Tus trabajos se caracterizan por explorar a fondo los diversos géneros que rodean al blues y toda esa rama de música tradicional negra proveniente del norte. pese a esto, nunca falta el elemento tradicional de nuestra cultura, como la caja que encontramos en la baguala que abre 'En el cosmos'.

También se refleja una fuerte tradición de blues local en las letras.

Como es obvio, yo crecí con el rock argentino de los ‘70. Eso me marcó en varias cosas, que al momento de crear aparece en forma natural. Por ejemplo, la búsqueda de un lenguaje y una identidad propia. La falta de prejuicios para sumar los instrumentos que uno crea necesarios. La única que manda es la música. A nivel emocional, el blues es lo que más me gusta tocar. Su historia es enorme, incluso en nuestro medio. ¿Por qué entonces lo voy a negar y hacer una fotocopia de lo extranjero? De todos modos, parto de la base que la música no tiene fronteras. Por otro lado, las variantes estilísticas del blues son muchísimas, y es muy estimulante para mí estudiarlas permanentemente, más todas las que podemos inventar.

Tus trabajos siempre cuentan con invitados de lujo, que en su mayoría fueron partícipes de la creación del rock y blues en castellano. contame quiénes participaron en este trabajo.

En órgano el maestro Ciro Fogliatta, patriarca total del rock argentino. Tuve el gran honor de componer el único tema acústico del CD, junto a la inigualable Claudia Puyó, quien lo canta y hace coros en los otros temas. En armónica, Franco Capriati, quien junto a Caburo en voz (además de Ciro) representan parte del mejor blues rosarino. En saxo, Eduardo Introcaso, ex Mississippi, entre otros. Y el arte de tapa de Rocambole, que consta de un tríptico y un librillo de 16 páginas de ilustraciones originales.

Actualmente participás de la Unión de Músicos Independientes. ¿querés contarnos algo de tu trabajo en la UMI? ¿considerás importante para un músico integrarla?

Creo que todos conocemos las numerosas trabas que tiene la actividad musical. Hay un punto donde los problemas colectivos hay que resolverlos desde lo colectivo, justamente. Yo participo en forma activa de la UMI desde hace un poco más de dos años, aunque soy socio desde hace bastante tiempo más. Principalmente me hago cargo de la docencia, por ejemplo dando el curso del libro “Armonía Funcional” de Claudio Gabis, en el cual participé. Pero, en realidad, todos hacemos un poco de todo. Hay mucho camino por re-

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¿cómo ves el escenario para músicos y bandas que están empezando en este momento? ¿qué consejos podés darles?

Un poco lo que hablábamos antes. En primer lugar, que se “rompan” por tocar bien, componer buenos temas, tocar con los mejores músicos que puedan.

Y tener la autoestima suficiente para creer en lo que hacen y armar una estrategia para poder construir.

Esto no lo da un mecenas, y las estrellas están en el cielo. Hay que arremangarse y laburar. Y, por favor, jamás paguen por tocar. Equiparse bien, seguro, pero lo más importante es tocar bien y buscar un camino propio. contame un poco cómo va a ser la presentación del disco…

La presentación oficial del CD será el viernes 18 de noviembre, 23 hs. en el Auditorio BAUEN (Callao 360), y hasta ahora están confirmando los invitados del disco. Haremos todo el disco nuevo, un repaso por temas de los CDs anteriores, algunos re versionados, temas nuevos, y varias sorpresas.

El arte del cd es realmente notorio. ¿cómo nace lo de trabajar con Rocambole?

Fotografía por Jorge Tieghi

correr, por ejemplo con la Ley de la Música, y un sinfín de proyectos más que están por salir. La UMI genera mejores condiciones para ejercer nuestra profesión, informando, logrando convenios para fabricar Cds. Lo más importante es que cada uno aprenda a autiogestionarse y a hacerse valer como músico y persona; entendiendo que estamos trabajando, por suerte en algo que amamos, nos da placer y nos desarrolla como mejores seres humanos. Actualmente hay más de 4500 socios, y está buenísimo que todo aquel que tenga ganas pueda acercarse y sumarse.

Es uno de los grandes premios que me dio la música, la posibilidad de realzar nuestra música con un maestro como el “Mono” Cohen. Sus ilustraciones potencian la música y sugieren otros tipos de lecturas. En este caso ya es el segundo CD en el que realiza la gráfica. Ya había hecho lo propio en “Un blues desde el fin del mundo”, mi CD anterior. ¿cuál fue tu formación como músico?

Bueno, siempre me interesó mucho estudiar y formarme. Resumiendo bastante, Claudio Gabis es mi maestro. Estudié audioperceptiva con María del Carmen Aguilar, armonía superior con Pedro Aguilar y Ci-

rigliano. En el medio tuve muchísimas experiencias, algunas muy importantes, como en la época de los MIA con el “Nono” Belvis (mi primer profesor de guitarra eléctrica) y Alberto Muñoz. También, como autodidacta estudio los métodos de Stefan Grossman hace muchísimos años, y tuve el año pasado la experiencia de conocerlo, compartir clínicas durante una semana y tocar juntos en un par de ocasiones.

Músico, luthier, docente… ¿cómo te definirías a vos mismo?

Un músico que toma todo lo que tiene a mano para poder crecer.

Fotografía por Jorge Tieghi

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iNFLuENciAS

Jimi Hendrix

Directa o indirectamente, la música del gran Jimi Hendrix influye a quienes tenemos al rock como una de nuestras mayores preferencias, cualquiera sea Por Pablo Santos el instrumento a tocar.

Partiendo de esta lógica, hoy vamos a analizar su rol como bajista en el CD ¨Electric Ladyland¨, para muchos su mejor trabajo en estudio. Lo más notorio en sus líneas es el original enfoque rítmico al consabido empleo de tónicas y quintas. Siempre que estemos en duda, giremos en torno a estos intervalos y difícilmente la base pierda solidez en el bajo, si de rock se trata.

En el ej. 1 (¨Have You Ever Been¨) solamente en el Si menor se aparta de dichos intervalos, pero alternando rítmicamente semicorcheas en lugar del obvio pedal de tónica en corcheas.

En el 2do. verso de ¨Gipsy Eyes¨ (ej. 2) toca los arpegios de cada acorde, pero tocando octava en los tiempos fuertes y la tercera en la semicorchea siguiente, generando un condimento extra a una base que podría ser monótona El ej. 3, "Long Hot Summer Night", es un groove en el que, además de arpegios

y notas de acorde, aparecen los cromatismos, siempre con la misma impronta rítmica que hizo de Hendrix un tremendo guitarrista de base también.

Si escuchan alguna de las tomas alternativas de este CD, tan sólo de ¨Gipsy Eyes¨ se hicieron 43, podrán notar que las líneas de bajo no se repiten jamás, ya que Hendrix no se aferraba a una base o patrón determinado en sus bases.

Procuren sacar las líneas tal como las toco; será una excelente manera de incorporar recursos rítmicos nuevos, para luego crear los propios.

Cuenta la leyenda que Miles Davis (fan confeso de Jimi) llega al cielo y participa de una zapada con el mismísimo Dios. Luego de la misma, reflexiona: “sí, es bueno… ¡pero no es Hendrix!” ¡Hasta el próximo número, queridos amigos!

Cds recomendados (como bajista): ¨Electric Ladyland¨, ¨The Authentic PPX studio recordings Vol 1” (tocando fuzz bass en varios temas, acompañando al increíble Curtis Knight).

PABLO SANTOS es bajista de JAF y director musical de Soledad Pastorutti, tocó en las bandas estables de David Lebón, Alejandro Lerner y Diego Torres. Además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, Gloria Estefan, León Gieco, Horacio Guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, Nito Mestre, Chico Novarro, Olodum, Pappo, Luciano Pereyra, Luis Salinas, Sartén System, Bebu Silvetti, Mercedes Sosa, Patricia Sosa y Lito Vitale, entre otros. Su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición.

Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

48 | Suplemento Técnico

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GuiTARRA RÍTMicA

Another Brick in the Wall

Aprovechando la furia floydiana que desato en Buenos Aires la visita de Roger Waters, es la excusa perfecta para Por Facundo López Burgos analizar un poco esta joya del álbum The Wall.

Uno de los sellos de Pink Floyd es la inconfundible guitarra de David Gilmour. Más allá de sus expresivos pasajes solistas, encontramos un trabajo rítmico sutil y detallista, y quiero detenerme en este tema (que aparece en tres versiones distintas en The Wall), donde según creo aparece por vez primera el recurso tan explotado por guitarristas como The Edge luego, de utilizar un delay para completar la parte de guitarra, como si de otro guitarrista se tratara. El truco consiste en setear el delay en una figura reconocible, en este caso corchea con puntillo, con feedback a discreción y la repetición a igual volumen que la nota original. De esta forma, el delay va ocupando los silencios dejados por la guitarra, generando un ritmo más complejo. Para que esto funcione suele ser necesario ejecutar el instrumento utilizando la técnica de palm mute, esto es mutear ligeramente el sonido apoyando la palma de la mano derecha sobre el puente para limitar la vibración de las cuerdas.

En A vemos la introducción de Another Brick in the Wall (part 1); en la página subiré el audio con y sin el delay para que se pueda escuchar claramente la diferencia.

En B les transcribo la parte rítmica de Another Brick in theWall (part 2). Nótese el menor protagonismo de la guitarra en los compases 1 y 2 (cantados) respecto de los compases 3 y 4 donde, al no haber voz, la guitarra toma protagonismo. Como ven, la diferencia es sutil; sin embargo se escuchaba claramente al escuchar el tema.

En C vemos un interesante recurso que aparece en medio del primer estribillo respondiendo al coro. En lugar de utilizar un típico fraseo de rock o blues, Gilmour armoniza la melodía generando un pequeño patrón rítmico con tríadas mayores y menores.

El si que aparece en lugar del sib nos indica que nos encontramos en el modo dórico de Rem (Re - Mi - Fa - Sol - La - Si - Do), muy utilizado por David en sus solos y composiciones. En Another Brick in the Wall (part 3) (D) la tensión va en aumento y logra esto con ligeras variantes. Una guitarra machaca el riff de re con delay que vimos en A, pero sin florituras. Por otro lado, los compases que en el ejemplo B eran adornados por una guitarra rítmica, aparecen con dos notas sostenidas y distorsionadas con algo de flanger, que generan tensión al igual que todo lo que suena alrededor. ¡Bueno, amigos! Eso es todo por hoy, la próxima seguimos.

FACuNDO LóPEz BurGOS, es guitarrista y compositor. En el año 2009 edita el CD ‘Si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante Claudia Puyó en la década que le valió el Premio Konex (96-07), participando en el CD La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. En el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa Duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito Paez, Daniel Colombres, Gringui Herrera, Guillermo Vadala, Pepe Céspedes (Bersuit), Oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (Gran Martel l), Facundo Guevara, Guido Martínez, Mariana Baraj, Daniel 'Pipi' Piazzolla, y Alambre González, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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Suplemento Técnico | 49

SHRED GuiTAR

Por Silvio Gázquez

Licks con cromatismos Veremos algunos licks usando cromatismos. Estos están muy buenos porque logramos sonidos más complejos y también salimos un poco de los patrones y escalas básicas, creando así cierta tensión sonora.

Son muchos los guitarristas que usan este tipo de yeites. Generalmente, los que están dentro de la Fusión o el Jazz son los que más usan este tipo de cosas. Se destacan Guthrie Govan, Greg Howe, Brett Garsed, Allan Holdsworth, entre otros… Es importante el contexto donde se usen estos cromatismos; en otras palabras, hay que tener suficiente gusto musical para darse cuenta si podemos emplearlos o no, siempre dependiendo del estilo o tipos de bases. La forma de armar estos licks depende de cada músico, en mi caso encuentro varias maneras de verlo. Una sería completando los espacios vacíos de una escala, mejor dicho, generando semitonos donde no los hay. Otra sería cuando superponemos los modos, por ejemplo, cuando tocamos un dórico y, de repente, cambiamos a un mixolidio. Ahí se van a generar algunos cromatismos. Entonces, a continuación, vamos a ver algunos licks donde podamos llevar todo esto a la práctica.

Ej. B: Este es un lick interesante. Comienzo con un arpegio muy usado en el blues, un arpegio de Mi tocando una tercera menor y luego una mayor, para después ir completando con cromatismos el modo mixolidio. Al arpegio inicial lo pueden tocar con púa alternada o con barrido. Pruébenlo sobre un Mim7 o un Mi7.

Ej. A: Este es un lick que me gusta usar mucho. Simplemente tomamos la escala de Blues en Mi menor y agregamos varios cromatismos. Otro monstruo que usa este tipo de cosas es Steve Morse.

Les cuento que estoy dando clases a distancia por Skype, así que cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo topogazquez@hotmail.com. ¡Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho…! ¡Saludos!

Ej. C: Este lick comienza con un típico yeite de Jazz, para luego entrar en una serie de cromatismos, finalizando con el arpegio de Si mayor. Tóquenlo sobre un Sim7 o Si7.

Ej. D: En este ejemplo vamos a tocar sobre un Sol7, vamos a usar el modo mixolidio.

Pero obviamente vamos a poblar todos los trastes que saltemos, menos de la 7ma. menor a la tónica, o sea de Fa a Sol.

SiLViO GázquEz Oriundo de Lincoln (prov. de Buenos Aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La Plata, en donde reside actualmente. En el 2008 fue contratado por una compañía de EE.uu. para filmar DVD’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso Guitar Secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online Guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del Guitar idol 2008. En el 2009 ganó en Youtube el concurso Petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del Guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: Shred This (top 45); Mayones Contest (top 15); Give me a riff (top 10); y Strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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iMpROTÉcNicA

Por Gabriel Caparrós

Escala Disminuida Esta interesante escala disminuida, muy usada por guitarristas de fusión, que es un estilo mezclado básicamente y predominantemente por el jazz, funk y rock and roll.

Sin dudas es una escala difícil de usar por su sonoridad de extrema tensión, pero a la vez muy interesante y dulce para escuchar, depende de cómo se use. De hecho, los arreglos orquestales de una balada o un bolero usan esta escala, así que a meterle caña con los ejercicios.

Ej. 2: Ahora veremos la escala con intervalos de 4tas. ascendente y descendente, es decir, primero una 4ta. ascendente y luego una descendente, y así seguirá el patrón.

EScAlA: disminuida Grados: 1 b2 b3 3 4au 5 6 b7 Notas: G Ab Bb B c# d E F

Ej. 3: Por último, con la técnica tapping haremos los arpegios de G# disminuido y Bb disminuido en seisillos.

Esto es todo por hoy, colegas, nos vemos la próxima, ¡¡au revoir!!

Ej.1: Es con la técnica de ligados en un patrón de semicorcheas ascendente.

GABriEL CAPArróS Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de Diego Mizrahi. Es profesor de Guitarra Eléctrica y Flamenca en la Escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la Doble 2, y con ricardo Alonso (“el Griego”, ex baterista de Pappo). Actualmente da clases particulares de guitarra.

E-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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GuiTARRA JAZZ Por Juampy Juárez

Esta vez utilizando el poder interválico que ésta escala posee, y la aplicamos sobre acordes como dom7 o menores. La escala puede ser usada sobre un dominante 7 a partir de su tónica, o sobre un acorde menor, medio tono arriba o debajo de este. La escala tonal tiene la posibilidad de generar cadenas de terceras mayores, quintas disminuidas, o séptimas menores, lo cual la hace muy distinta a las demás.

Conviene componer y escribir frases, riffs, melodías, para adaptarse a su sonido.

También pensar que una cosa es generar tensión con esta escala, y otra muy distinta es generar melodías con ella.

Escala Tonal - Parte 2 En el número anterior habíamos hablado de la escala tonal o por tonos. En este nuevo número seguimos con esta interesante y fascinante escala para que todos ustedes puedan utilizarla cuando lo necesiten.

En el ejemplo A nos encontramos con una frase descendente que combina terceras mayores y quintas aumentadas y disminuidas. En B se combinan sextas y séptimas menores. En C encontramos los mismos intervalos que en A, pero construyendo una frase melódica ascendente. Por último, en D, una frase ascendente que utiliza sólo séptimas menores. Recomiendo escuchar a Wayne Shorter, Allan Holdsworth, y música clásica moderna, como Charles Ives y Wagner, entre otros.

En la próxima lección veremos la escala aumentada simétrica. ¡Saludos y a practicar mucho!

JuAMPY JuárEz ha estudiado con grandes como Pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, Gene Bertoncini, Jack Wilkins, Paul Meyers, Sid Jacobs, Bruce Arnold, y su mentor, el gran “Pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos Aires, Bangkok, San Pablo y New York. En el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz.

Como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como Pedro Aznar, Luciano Pereyra, Ciro Martínez, Axel, Lissa de Bandana, Emme Vitale, El reloj, Gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los Santos, entre muchos otros. Es docente, y su proyecto más importante es el Powerjazz Trío (junto a Chino Piazza en batería y Eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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ARMONÍA Por Jorge Senno

Acordes Relativos Un concepto básico y de suma importancia en Armonía es el de los acordes relativos. Al igual que en las relaciones humanas, el hecho de tener características en común nos da sensación de pertenencia y afinidad.

Vamos a empezar, como habitualmente, presentando la escala de C: Ej. 1 - Luego, como ya lo hemos aprendido, desarrollamos el sistema de acordes de la escala de C mayor.

Ej. 2 - Si tomamos el I grado (C) y lo comparamos con el VI menor (A menor), encontramos que comparten dos notas en común, que son las notas C y E. Además, el hecho de que la nota C sea el primer grado, fundamental de la escala, le otorga al acorde de Am un parentesco de gran cercanía con respecto a C. Por lo tanto, C mayor es el relativo mayor de Am y, viceversa, Am es el relativo menor de C mayor.

Ej. 3 - Un acorde de I grado tiene su relativo menor en el VI, como hemos dicho; esto es entonces subiendo una 6ª mayor (4 tonos y ½) o bajando una 3ra. menor (1 tono y ½).

Ej. 4 - Finalmente, recomiendo pasar los ejemplos a todas las tonalidades, como en el siguiente cuadro que les servirá de mucha ayuda I C E D G F Bb A Eb B

VI m Am C#m Bm Em Dm Gm F#m Cm G#m

JOrGE SENNO estudió guitarra con Claudio Gabis, audioperceptiva con María del Carmen Aguilar, armonía con J. C. Cirigliano y Pedro Aguilar, entre otros docentes. Es autor de los libros “Solos redondos”, “Solos de La renga”, “Solos Divididos”, y colaboró en "Armonía Funcional" de Claudio Gabis, editado por ricordi, además de colaborar en diferentes revistas como “El Musiquero”, “Music Expert”, “recorplay” y otras.

Participó en shows y/o grabaciones con León Gieco, Claudio Gabis, Claudia Puyó, Skay Beilinson, Alejandro Medina, Jorge Pinchevsky, Miguel Cantilo, Miguel Botafogo, Ciro Fogliatta, Kubero Díaz, Edelmiro Molinari y otros. Tiene dos discos solistas editados: “Barraca Peña” y “un Blues desde el fin del mundo”, y numerosas colaboraciones con otros artistas como músico profesional. Actualmente está terminando de mezclar “En el cosmos no hay error”, nuevo trabajo discográfico grabado en el Estudio del Abasto. jorgesenno@gmail.com www.jorgeluissenno.com.ar

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BAJO TAppiNG Por Alejandro Giusti

Schumann para dos manos Robert Schumann es en muchos sentidos un compositor característico de la época en que vivió, ya que se combinan en su música una serie de los principales elementos del Romanticismo.

Las primeras piezas para piano de Schumann se remontan a 1840. Se puede decir que es un especialista de la composición de canciones. Durante ese período compuso alrededor de 150 en el lapso de un año. Schumann también escribió piezas breves para piano, formas ambas en las que sobresalió. Sus últimas canciones y sus últimas obras para piano de cierta importancia vieron la luz en 1853.

yecto fue creciendo hasta juntar un grupo de 43 piezas, que fueron publicadas bajo el nombre de Álbum de canciones para la juventud. La pieza que está a continuación pertenece a ese álbum y se llama Marcha de soldados. La transcribí para ser tocada con la técnica de Dos Manos Tapping. Cada pentagrama pertenece a una mano y está digitado con números para la izquierda y letras para la derecha.

Dentro de este vasto repertorio Schumann tiene una serie de piezas breves, concebidas, en primera instancia, para el cumpleaños de su hija mayor, Marie. El pro-

Espero que les guste, saludos a todos.

ALEJANDrO GiuSTi Compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 CDs con su banda: “Giusti Funk Corp.”, “Barrio Funk”, “Arrabal Eléctrico”, “Plan C” y “Grande de Fuzza”. Entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, Pablo Mainetti, Lito Vitale, Pablo rovner, Daniel “Pipi” Piazzolla, Popy Spatocco, Juan Cruz urquiza, Nicolás Guerschberg, Gustavo Musso, Gustavo Cámara, Diego Clemente, Pedro Menéndez, richard Nam, álvaro Torres, entre otros. Alejandro Giusti es autor de dos libros con CD: “Bass Book de Slap”, 1999 y “Candombe Música Afro-rioplatense”, 2008. Del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music Expert, que se emitía para toda Latinoamérica. Podes conectarte con Alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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BAJO JAZZ Por Damián Vernis

Interpretando una partitura Hola, amigos, en esta oportunidad y siguiendo con nuestra interpretación de partituras les presento un walking sobre la armonía de Autumm Leaves de Joseph Kosma, un tema que me gusta mucho y que puede resultarles muy interesante.

En la construcción de esta línea podemos encontrar pequeñas variaciones en corcheas atresilladas, tresillos de corcheas con algunas notas muertas (x). Recordemos siempre acentuar levemente los tiempos 2 y 4.

En cuanto a la armonía del tema, podemos analizarlo de dos maneras distintas. Por ejemplo, en el primer renglón vemos una cadencia ii - v - i - iv en sol mayor, mientras que en el segundo renglón podemos analizarlo como ii - v - im en mi menor.

Otra manera de verlo, ya que todos los acordes están relacionados entre sí, es en mi

menor; en ese caso el módulo armónico que nos queda es: Em: iv - vii - iii - vi - ii - v - i Este módulo armónico es muy utilizado en muchos estilos, como balada, bossa nova, bolero, etc. Siguiendo con el análisis, en el compás 3 y 4 del séptimo renglón nos encontramos con una cadencia ii - bii en re y ii - bii en do. Podemos repasar en ediciones anteriores el uso del acorde bii (sustituto tritonal).

DAMiáN VErNiS Bajista, compositor y docente. Estudió con Marcelo Torres, Juan Carlos Cirigliano y Néstor Marconi. En el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “Escuela de Música Popular de Curitiba”. A lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario Parmisano (pianista de Al Di Meola), ricardo Nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), Nora Sarmoria, Yeye López, Adrián Birlis y Beto Satragni, entre otros. Paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por Europa y Estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, Adrián Otero. Podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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BAJO BASE Por Andrés Dulcet

Combinando Arpegios Continuando con lo expuesto en mi columna anterior, les muestro un par de formas de ligar los arpegios del Modo Mayor de Do.

En ambos ejemplos transcribo sólo un par de compases, ya que me parece muy bueno tomarse el trabajo de encontrar uno mismo la "continuación" del ejercicio.

En el ejemplo 1 estamos tocando cada arpegio en corcheas, subiendo hasta la 8va. y bajando hasta la 3ra. inclusive. En la tablatura estoy proponiendo usar la primera posición de cada arpegio, con lo cual estamos cambiando la posición de la izquierda para cada nuevo acorde (en este caso un acorde por compás).

ubica en una misma posición cada dos acordes. Nótese que el arpegio del primer grado está en 2da. posición y el del 2do. grado está en 1ra. posición. Esto se ve más claramente comparando con el mismo ejemplo 1, y también observando detenidamente las tres posiciones vistas en mi columna del número anterior de la revista. De más está recordarles que todos estos ejemplos pueden modificarse a voluntad. El objetivo principal de esto es "pienso en un determinado acorde y encuentro de inmediato todas sus notas en cualquier registro del instrumento".

El ejercicio 2 es bastante parecido, salvo por la rítmica y las posiciones. Está planteado en forma de tresillo y sin llegar a la 8va. La mano izquierda acá se

Espero que estos consejos les resulten útiles. Lo mejor para todos, y gracias por su atención. Hasta pronto.

ANDrÉS DuLCET es sesionista y docente de bajo eléctrico desde hace 20 años. Trabaja en vivo y grabaciones con gran variedad de artistas como Fabiana Cantilo, Alberto Cortéz, Nito Mestre, Ariel roth y muchos otros. Por clases particulares, comunicate a: adulcet@hotmail.com (asunto CLASES).

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MAGISTRAl MIRANdA!

El pASO GIGANTE lOS cAFRES

El MEzcAl Y lA cOBRA cATUpEcU MAcHU

VORáGINE AIRBAG

Ale Sergi (en las voces), Juliana Gattas (voces y coros), Lolo Fuentes (en la guitarra) y Monoto (en el bajo), lanzan un nuevo trabajo discográfico. Juliana se muestra más activa que en la anterior producción y regresa el juego novelesco entre Juli y Ale, que tanto los distingue. Las canciones son todas compuestas por Ale Sergi, con excepción de los tracks "Dice lo que siente", "Ya lo sabía" y "Puro talento", donde comparte autoría con Juliana. Además, "Tucán" fue compuesta junto a Emmanuel Horvilleur, donde también participa en la canción cantándola a dueto con Ale en el disco.

"Son canciones muy concretas y muy directas. De alguna manera trae la esencia del primer disco y el golpe directo de esas canciones… temas con potencial de hit.

Estamos experimentando con teclados, con cosas virtuales y orgánicas muy potentes", explicó Lolo, guitarrista de la banda.

El nuevo material discográfico de una de las bandas más convocantes de nuestra escena reggae ya está a la venta en formato físico en Argentina, Uruguay, Paraguay y Bolivia, y a fines del mes pasado se agregó en Chile, Colombia, Venezuela, México y Centroamérica. Para principios de 2012, Puerto Rico y Estados Unidos se suman a la distribución. Este nuevo disco, que amplió enormemente las fronteras de una banda que sigue en constante crecimiento, incluye 16 nuevos temas, que fueron grabados en los estudios Circo Beat, El Santito, El Abastito y Lavarden. La masterización estuvo a cargo de Álvaro Villagra en los estudios del Abasto, y la mezcla fue realizada por Jim Fox, técnico que trabajó junto a Don Carlos, Gregory Isaacs, Black Uhuru, Israel Vibration, Culture, entre otros referentes del reggae mundial.

La banda de Fernando Ruiz Díaz vuelve a la carga con un nuevo material. Tal como nos tiene acostumbrados Catupecu Machu, en esta ocasión, con “El mezcal y la cobra”, la banda muestra otra faceta y encara otra arista musical.

Este cambio musical viene acompañado por un cambio de formación en la banda.

En lugar de Javier Herrlein, la batería está a cargo de Agustín Rocino (ex bajista de Cuentos Borgeanos). El histórico manager de la banda también se alejó del equipo de trabajo. Este álbum se presenta en versión CD + DVD, y también en formato vinilo. Los teclados y los sintetizadores de Macabre, en combinación con las guitarras poderosas, definen un sonido nuevo y le otorgan una proyección casi sinfónica, potente y sofisticada, a estos doce episodios sonoros.

En el pasado mes de septiembre, el trío de Don Torcuato sacó a la venta su nueva placa de estudio. La misma había comenzado a ser grabada el 11 de julio y se editó a través del sello “Del Angel Feg”.

Tras dos años dedicados a la composición y búsqueda del sonido para el nuevo material, el power trío, integrado por Patricio Sardelli (guitarra, piano y voz), Gastón Sardelli (bajo) y Guido Sardelli (batería), regresa fortalecido y con una energía abrumadora que da pie al nombre del CD. Con un repertorio de canciones emotivas, maduras y poderosas, la esencia de Airbag no se altera y profundiza el crecimiento demostrado en Una hora a Tokio, su anterior producción discográfica, donde Patricio muestra todo su potencial en las seis cuerdas con riffs contundentes y solos a pura velocidad.

cOMpAcTOS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección de la revista más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los CD’S editados por nuestros amigos y lectores. Por Daniel Makelvintong

11 EllA ES TAN cARGOSA

I´M WITH YOU REd HOT cHIlI pEppERS

BIOpHIlIA BJORk

ARMANT ARMANT

A pesar de que este año es el 2011, el motivo de los chicos de “Ella es tan cargosa” es otro a la hora de darle nombre a su nuevo CD. “11” tiene que ver con los años que la banda lleva uniendo fuerzas y creando música. El material fue grabado en los estudios Del Abasto y El Cielito, con la producción de Germán Wiedemer y Martín Pomares. Entre los artistas invitados se encuentran Marcelo Muir, Luis Cardozo, Osky Righi, Cristian Borneo, El "Cóndor" Sbarbatti y Daniel Suárez, entre otros. Los 11 temas incluidos son: La Víctima, A Trasluz, Autorretrato, Pretensiones, Siete Acordes, El Último Corner, Tema Tributo, La Mano Del Knock Out, Una Noche De Aquellas, Fantasmas y Últimos Cartuchos.

El material de esta genial y asombrosa banda americana fue grabado en el estudio East West de Los Ángeles y Shangri-La de Malibu, y fue producido por su colaborador habitual, Rick Rubin. El disco contiene 14 nuevas canciones, entre ellas la que oficia de primer single: "The Adventures Of Raindance Maggie".

Este es el décimo disco de los Red Hot Chili Peppers y está marcado por el cambio de guitarrista ocurrido a fines de 2009, cuando John Frusciante decidió retirarse para dedicarse a proyectos solistas. Para su reemplazo asumió Josh Klinghoffer, quien ya conocía al grupo al participar en la gira de "Stadium Arcadium", y trabajó con Frusciante en la banda Ataxia.

La compositora islandesa lanza su séptimo disco de estudio bajo el nombre de "Biophilia", una obra muy ambiciosa y recargada desde lo visual, a través de una serie de espectáculos que combinan tecnología, música y naturaleza. Bjork fue lanzando varios adelantos antes de su lanzamiento, como "Crystalline" y "Cosmogony", de un total de 10 temas que contiene la placa (y algunos bonus tracks), la cual fue creada parcialmente por medio de un iPad. A su vez, el lanzamiento va acompañado de una batería de aplicaciones para diversos dispositivos electrónicos (iPad, iPhone y iPod Touch). El proyecto fue dirigido por Michael Gondry y, según Bjork, el álbum responde a la pregunta: "¿Dónde se unen la música, la naturaleza y la tecnología?".

A comienzos de 2008, Simón Bosio (guitarra y voz), Federico Trench (bajo) y Axel Stahler (batería ) deciden dar vida a un nuevo proyecto: Armant, un power trío de rock donde el funk y el blues no se quedan atrás. En sus tres años de trayectoria, la banda ha logrado presentarse en legendarios lugares y eventos, como el Personal Fest. Como fruto de este esfuerzo surge la primera placa de esta banda, que busca reivindicar la visión de los grupos pioneros del género. El material fue registrado en los estudios “Monasterio”, mezclado en “El pie” y masterizado en “Puro Mastering”. La producción estuvo a cargo de Adrián Taverna.

Las doce canciones evidencian el poder de la banda y la presencia imperiosa de la guitarra en su máximo esplendor.

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