Guitarristas y Bajistas Magazine #29

s a t s i r r a t r i a . u G Bajistas & Hay tiempo para elegir

SOLO BAJOS BUENOS AIRES - Página 06 NOVEDADES - Página 08 CONSEJOS DE COMO GRABAR EN CASA - Página 12 ENTREVISTA A JAIME ASÚA - Página 18 JOHN DESERVIO SIGNATURE BASS - Página 22 TESTEO BIYANG PASHER PRO PH10 - Página 24 INFORME CRIMSON GUITARS AND AMPS - Página 26 ENTREVISTA A CARAJO - Página 28 TRANSCRIPCIONES CARAJO - Página 34 INFORME PEAVEY TOUR BASS AMPS - Página 36 INFORME BLACKSTAR AMPS - Página 38 INFORME CORT FUEL SERIES - Página 40 TESTEO AMP STAGG GA60 - Página 42 TESTEO PALMER CROSSBOW LTD - Página 44 TESTEO ESP LTD TRUCKSTER - Página 46 DISCOS COMPACTOS - Página 58 SUPLEMENTO TÉCNICO PABLO SANTOS - Página 48 FACUNDO LóPEz BURGOS - Página 49 SILVIO GÁzQUEz - Página 50 GABRIEL CAPARRóS - Página 51 JUAMPY JUÁREz - Página 52 JORGE SENNO - Página 53 ALEJANDRO GIUSTI - Página 54 DAMIÁN VERNIS - Página 55 ANDRÉS DULCET - Página 56

Editor responsable Silvia Ruggero sruggero@guitarristasar.com Periodista Sebastián Konrad konrad@guitarristasar.com Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com

En Argentina atravesamos un período de decisiones importantes. Ya pasaron las elecciones a Gobernador en varias provincias, los comicios en la Capital Federal (por partida doble) y las Primarias Abiertas Simultáneas y Obligatorias (P.A.S.O.) en todo el territorio nacional. Ahora estamos a un puñado de días de poder hacer pesar nuevamente nuestro invalorable derecho de expresarnos a través de las urnas. Más que nunca debemos ser conscientes de nuestra elección y saber que cada acto que manifestamos en esa deliberación será trascendental para nuestro futuro.

La política penetró todos los poros de la sociedad y, a diferencia de otras épocas, el debate se instala en cada conversación. La música no excede esa expansión. Puede verse a muchos músicos apoyar un modelo de Gobierno determinado o criticar a otro, como así lo hizo Fito Páez en su columna publicada en la contratapa de un matutino nacional.

La democracia resplandece en todo el país y no escapa a nuestra revista, que nunca detiene su incansable camino hacia un cambio más productivo para los músicos/lectores. Por eso abarcamos todos los estilos y escuchamos a cada una de las voces para proseguir en un camino más acertado.

En este número cambiamos el horizonte y pasamos a un terreno más “pesado” en nuestra nota de tapa. Carajo cumple diez años y nos invita a su festejo. El trío, que el año pasado editó “El mar de las almas perdidas”, en este 2011 festeja su década de hermandad, y trasladó todo su arsenal al Luna Park para demostrar la energía demoledora de sus canciones. Sus letras y sus riffs hicieron vibrar los cimientos del legendario estadio, y dieron fe de la madurez del grupo y de la inquebrantable unión que los mantiene vivos. Marcelo “Corvata” Corvalán y Hernán “Tery” Langer nos invitan a recorrer estos años llenos de obstáculos, que los hicieron cada vez más fuertes. Ahondamos sobre cada detalle de la banda y su sonido.

Continuando dentro del género, te acercamos la entrevista que tuvimos el placer de hacerle a John Deservio. En la última visita de Zakk Wylde con Black Label Society a nuestro país, nos acercamos al bajista de la banda para introducirnos en su universo sonoro.

Cruzamos el Océano Atlántico y también atravesamos los estilos musicales para entrevistar a Jaime Asúa, guitarrista de Joaquín Sabina. El músico español nos comenta sobre su carrera, no sólo como violero sino como productor musical, y detalla la vida actual del músico en una España sumergida en una nueva crisis económica.

Te acercamos también la cobertura del Festival Solo Bajo que aglutinó a todos los amantes del instrumento. La cita fue en Palermo, y en dos fechas pudo verse una gran demostración musical plagada de técnica, virtuosismo y aprendizaje.

Seguimos trayéndote tests e informes, para que puedas tener toda la información necesaria a la hora de optar por una compra.

En esta vorágine constante de elegir qué nos trae el mundo moderno, nosotros elegimos brindarte lo mejor. A pesar de toda urgencia, siempre “hay tiempo para elegir”, como decía nuestro querido Norberto Pappo Napolitano.

Sebastián Konrad Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Arte | Diagramación Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Juampy Juárez , Facundo L. Burgos Gabriel Caparrós, Rodrigo Yacciofani Silvio Gázquez, Alejandro Giusti Damián Vernis, Pablo Santos Andrés Dulcet, Jorge Senno Daniel Makelvintong

04 | Editorial

Año 6º - Nº 29 | Octubre 2011 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A. Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A.

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Sólo Bajo BuenoS aireS

El comienzo estuvo en manos del uruguayo Fernando Suárez, que saltó al escenario y, enseguida, lanzó los primeros acordes de un tango en versión rubato. Luego, nos regaló una linda interpretación de “El día que me quieras”. Sus raíces charrúas afloraban en cada sonido emanado con su bajo de cuatro cuerdas. Para finalizar el set, cerró con un blues propio y se despidió bromeando sobre el nombre del grupo que lo sucedió.

Se llevó a cabo la quinta edición del festival en el Imaginario Cultural. El evento duró dos días con un claro objetivo en común: tener al bajo como protagonista.

Oberti (voz) y Roberto Fernández (bajo de cuatro cuerdas). Brindaron un set de temas propios y muy variados en cuanto a estilos. Desde un tango colérico (Obertura Porteña), pasando por una chacarera (Asado y Truco), para terminar con un sonido electrónico (Anorexic Dance). Las técnicas, la creatividad, esos solos vibrantes de Pegullo y Fernández, y la excelente voz de Oberti fueron las características de este show que cerró la primera jornada del festival.

Después de la excelente presentación de Fernando Suárez fue el turno de Groove Flow. Un dúo conformado por Fernando Afonso (bajo de seis cuerdas) y César Franov (bajo de cuatro y ableton). Fue una sesión sin interrupciones. Durante 40 minutos, deleitaron al público con una participación brillante que provocó el contagio en los espectadores, quienes acompañaron con palmas algunos tramos de la puesta. Los efectos y el “punchi punchi” -propio de la electrónica- , mezclados con el bajo generaron un sonido luminoso. Además, Afonso sumó a la sonoridad instrumentos de viento, como el flautín.

Sin dudas, Groove Flow brindó una melodía vertiginosa que puede sufrir un detenimiento en su ritmo, pero luego retoma su estado de efusión.

El excelente bajista Eduardo Pandolfo fue el encargado de abrir la noche del sábado, segundo día del festival.

Con un decapitado de cuatro cuerdas, brindó un set brillante y, a la vez, emotivo. Pandolfo comenzó con un blues intrépido, lanzó algunos chistes y destacó la importancia del evento para honorificar al bajo. Luego de la presentación, invitó a Héctor Pegullo al escenario para una zapada. Fue un momento de algarabía iniciado desde el escenario -se nota que ambos músicos tienen buena onda- que se trasladó al público. El set que brindó Eduardo Pandolfo tuvo su momento romántico, y fue cuando el querido bajista tocó “Para Lili”, una hermosa melodía que le compuso a su mujer.

Durante unos minutos de intervalo, que sirvieron para reordenar equipos, se sortearon juegos de cuerdas (Martin Blust) y discos de los músicos que participaron del festival. Tras el recreo musical, llegó la última presentación del viernes, Héctor Pegullo Trío. Un proyecto del integrante del Trío Argentino de Bajos, Héctor Pegullo (bajo de seis cuerdas) acompañado por Nicolás

Finalizada la puesta de Eduardo Pandolfo, saltó al escenario el Trío Argentino de Bajos, banda que organizó el festival, integrada por Héctor Pegullo (voz y bajo de seis cuerdas), Pablo Federico y Ricardo Baldasúa, en bajo de cuatro cuerdas. Este trío, único en el mundo, conformado por tres bajos eléctricos, otorgó un show con temas propios. Son para resaltar los solos furiosos

06 | Festival de Sólo Bajo Buenos Aires

de Héctor Pegullo en Gaza y los desafíos de zapadas planteados por los tres bajistas. Además, el set tuvo su cuota de humor cuando tocaron el buggy buggy Como Rata por Tirante, los gestos de los músicos, y esos pasitos de baile despampanantes, para después pasar a un elocuente flamenco en “We Go to Pipinas”, enganchado con “Baile del sol mediterráneo”, con una zapada final improvisada con riff incluído de “Smoke on the Water” (tema ícono de Deep Purple). Así, el Trío Argentino de Bajos dejó el escenario caliente y empezó a palpitar lo que vendría.

Marcelo Yakko Group tuvo la responsabilidad de cerrar la quinta edición del Festival de Sólo Bajo Buenos Aires, y no le pesó. Tras la presentación del Trío Argentino de Bajos, el escenario quedó ardiente, situación propicia para que Marcelo Yakko (bajo), acompañado por Jonathan Burgos (guitarra) y Leonardo Dorado (batería) deleitaran al público con temas de su último disco, Pulso.

El rock, como epicentro de este set que tuvo músicos invitados: el batero Fernando Vázquez y la -exquisitacantante Mercedes Manghi, que le puso voz a “The Trooper”, tema de Iron Maiden que MYG versionó en jazz.

Para cerrar la edición 2011 del Festival Sólo Bajo, se sortearon entradas para Greg Howe’s Band Live in Argentina, que se presentará en septiembre. Fueron partícipes del evento la firma Wenstone, que colaboró con los amplificadores que se utilizaron durante el festival, y Martin Blust, que brindó encordados que se sortearon durante los dos días.

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noVeDaDeS

Todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

fender, el Complemento ideal para los juegos todomusica s.a. - www.todomusica.com.ar Todos sabemos que Fender, indudablemente es líder mundial en la fabricación de guitarras y en esta oportunidad nos presenta la primera guitarra eléctrica real para juegos de video, que llega a la Argentina por medio de su representante exclusivo, nuestros amigos de Todomusica. Esta asombrosa Squier Stratocaster es una guitarra que junto a un moderno controlador, nos permitirá desarrollar habilidades musicales y jugar al mismo tiempo. Mediante el uso del controlador MIDI, disponible para plataformas como Nintendo Wii, Sony PlayStation y Xbox 360, se pueden tocar los acordes y notas reales de los conciertos favoritos. Al mismo tiempo se van acumulando y aprovechando puntos en el juego que estemos desarrolando en familia o con amigos. Su diapasón responde al tacto, convirtiendo al juego en una auténtica actuación en vivo. Pero, además, lo más increíble de todo es que esta Squier Stratocaster se puede conectar a un amplificador y ser ejecutada como una guitarra eléctrica, con todas las prestaciones que solamente Fender puede ofrecer.

No sería alucinante poder jugar y tocar, todo en una misma guitarra?

nuevos modelos Zvex hendrix music srl - www.hendrixmusic.com.ar

Carina alfie nueva endorsement Washburn

Tres nuevos modelos se suman a la exitosa serie de pedales Vexter, del creativo diseñador Zachary Vex. En principio, ¡redoble de tambores, por favor! El Instant Lo-Fi Junky: durante años, muchos músicos consultaban por los efectos del anterior Lo-Fi Loop Junky, y en este nuevo diseño se lograron sus sonidos y texturas en tiempo real, y mucho más.

Este pedal incluye un compresor, filtro, un delicioso chorus y vibrato. Un producto realmente muy interesante. Además, Zvex nos presenta las nuevas versiones del Fuzz Probe y Wah Probe, con nuevas características y funciones. De esta manera, se amplía el catálogo que la marca nos proporciona, y que Hendrix Music importa y distribuye en todo el territorio nacional. Algunas variantes más dentro de esta serie de pedales, que fue previamente aceptada y aclamada por los guitarristas.

Carina Alfie es una artista que lleva años dando vueltas por la escena del rock argentino. Pasó por Rouge Band, Heroínas y Paysana. Después fundó Lunatycas

ampeg pf-500 rómulo garcía - www.romulogarcia.com.ar El cabezal Portaflex PF-500 de Ampeg ofrece un sonido asombroso, con 500 watts de potencia, en un diseño ultra-compacto. Dicho modelo proporciona los característicos tonos puros de Ampeg, en un diseño extremadamente portátil. Posee controles precisos de tono y las opciones de entrada/salida que proporcionan la máxima flexibilidad. Tenés la posibilidad de combinarlo con la serie PF Flip-Top para el estilo vintage, y la portabilidad de los iconos originales de Ampeg Portaflex. Las características del mismo son: preamplificador Mosfet, controles de tono: graves, medios, agudos, loop de efectos con control de mezcla dedicado y un peso de 5 kilos, entre otras cualidades.

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y empezó a experimentar con el rock instrumental. En una de esas oportunidades que a veces te da la vida pudo conocer a Steve Vai y entregarle un demo de su trabajo. El mismo día el artista la invitaría a realizar varias presentaciones en nuestro país, y así fue el comienzo de una amistad y una seguidilla de colaboraciones artísticas, que incluyen giras juntos y discos grabados en “Mothership”, el famoso estudio del virtuoso guitarrista en Los Ángeles. Y aunque ella siempre es noticia, el suceso del mes es que Carina es una nueva endorsement de la marca Washburn, a través de Tevelam, su representante en Argentina.

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Cort guitars fuel series fama music sa - www.famamusic.com.ar Estas delirantes y demenciales guitarras están diseñadas por el gran Stephen Mc Swain (el luthier preferido de artistas como Steve Vai y Flash), y están inspiradas en antiguas latas de aceite que encontramos en talleres y gasolineras, al costado de la ruta que nos lleva al infierno como suena aquella vieja canción de AC/DC. Los detalles que podemos observar en el hardware son: que tiene un aspecto envejecido, y un impactante look vintage, que hace que estos dos nuevos modelos como la Gasoline 1 y la Motor Oil sean instrumentos únicos y especiales por su creatividad en diseño y en la decoración del cuerpo y por el tipo de mástil. La Gasoline viene encolada y la Motor Oil atornillada.

Ambas vienen con el cuerpo de tilo americano, mástil de arce canadiense, diapasón de palo de rosa, cejilla graphtech, puente tipo Tune O-Matic y mics humbeckers Classic Rocker ll.

randall: nuevas signature series tevelam sa - www.tevelam.com.ar Randall es una marca que se ha hecho reputación entre los músicos del rock pesado durante más de cuatro décadas y, con motivo de su aniversario número 40, está lanzando en nuestro país una serie de amplificadores Signature de los artistas más importantes que representa esta marca. El pack incluye modelos de Kirk Hammett (Metallica), George Lynch y Nuno Bettencourt (Extreme).

Por ahora, las versiones presentadas son amplificadores combo, ideales para practicar, ecualizador de 3 bandas, salida para auriculares, de diseño y sonido similares a los que usan estos afamados guitarristas para sus shows.

nuevos baby boom de biyang baires music srl - www.bairesmusic.com.ar A los ya conocidos por todos nosotros, desde hace un tiempo a esta parte los pedales de Biyang nos han sorprendido con su llegada a Buenos Aires de la mano de nuestros amigos de Baires Music SRL y esta vez nos vuelven a sorprender con la noticia de que se agregan a la sorprendente serie Baby Boom tres nuevos y asombrosos modelos. Se trata en primer término del magnífico CH-10 Aqua Chorus, que sirve tanto para guitarra como para bajo, con algunas opciones que nos permiten cambiar de lento a rápido y ecualizar a nuestro antojo un poderoso sonido. Por otro lado, se agrega el PH-10, un phaser simple, con una sola perilla.

Por último, se suma a la tropue de Biyang el temible CO-10, un compressor de muy buena calidad, que puede graduarse en intensidad y volumen. Todos estos vienen en un formato compacto, ideal para agregar en nuestro set. Todos estos productos pueden ser probados y escuchados en todos los locales de música de Argentina. No se pierdan de estos divertidos y sonoros chiches!

alex Cases - www.alexcases.com.ar Dentro de la industria nacional, diversos fabricantes nos van sorprendiendo por la calidad de sus productos. Alex Cases trabaja desde el año 2005 apuntando al mercado de los músicos, sonidistas y empresas, proveyendo un producto único en el país, de excelente calidad y totalmente personalizado para cada cliente, y siempre al mejor precio.

El objetivo es entregarle a los clientes un producto a medida y de excelente calidad, por el mismo precio que un estuche generico. Podemos decirles que Motorola, Craverolanis, TSG S.R.L., Centro Cultural Recoleta, Terra Networks, Telecom Argentina y Samconsult, entre otras, son algunas de las empresas que confían en sus productos. Se realizan estuches para guitarra, bajo, teclados, instrumentos de percusión, pedaleras y fundas para pedales. Argentina trabaja, produce y nos sigue sorprendiendo.

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STuDio HoMe

Y también cada vez es más común que dichos trabajos tengan una calidad tal que terminen convirtiéndose, incluso, en una grabación final para ser incluida en un CD, distribuida por Internet, etc.

Por supuesto que, trabajar en nuestra casa, en un modesto estudio armado en torno a una PC, algún micrófono y, a lo sumo, un par de aparatos más, tiene sus limitaciones. Su ventaja indiscutible es el tiempo, la gran limitación de cualquier estudio profesional.

Nuestro “homestudio” tal vez no tenga la calidad para realizar la mejor mezcla, pero nos da la posibilidad de mezclar y remezclar durante meses, hasta llegar a un resultado que nos parezca satisfactorio. Por supuesto que esta gran ventaja es un arma de doble filo, ya que no hay mejor tema que aquel que está terminado. En esta nota intentaré dar algunos consejos e ideas, basados en mi propia experiencia.

A lo largo de mi vida como músico he tenido la suerte de participar en la grabación de numerosos discos, trabajando en varios de los más destacados estudios de nuestro país y en pequeños homestudios. Algo que he comprobado es que el valor artístico de una obra nada tiene que ver con el presupuesto invertido en su realización. Si bien es cierto que la calidad de audio de un estudio profesional es superior, también lo es, y mucho, el costo de utilizarlo, y trabajando en nuestra casa, con

12 | Consejos para grabar en casa

CONSEJOS PARA GRABAR EN CASA Cada vez es más común que los músicos tengamos nuestro estudio en casa para trabajar nuestras maquetas. Por Facundo López Burgos

nuestras modestas herramientas, podemos realizar trabajos más que dignos. El concepto fundamental es poder convertirnos en expertos en el uso de las herramientas de las que disponemos. Me parece importante aclarar que esta nota va dirigida a quienes buscan, trabajando en su casa (es decir, un ámbito nada profesional) y con recursos limitados, lograr resultados profesionales. Muchos de los comentarios que hago tienen utilidad y sentido sólo en este ámbito. Algo importante a tener en cuenta es que cuando trabajamos en nuestro homestudio estamos realizando una enorme cantidad de tareas distintas, ya que al mismo tiempo somos productores, técnicos de sonido, compositores, instrumentistas, cantantes, asistentes, etc. Esto hace que muchas veces nos resulte difícil organizarnos para llevar adelante una grabación.

Como decía antes, la ventaja innegable que ofrece tener el estudio en casa es el tiempo: el no estar pagando por hora, el no depender de los horarios de otro. Esto es por ende lo que debemos explotar a la hora de trabajar en nuestro homestudio. Aquí les dejo algunos consejos desordenados de cómo abordar distintas tareas, todas concernientes a la realidad de tener el estudio instalado en nuestro hogar. la inspiraCión es trabajo de todos los días Cuando después de algún tiempo logré tener instalado un estudio en casa (me refiero a un software de graba-

ción funcionando correctamente, micrófonos, monitores, efectos, etc.), dediqué un año entero a aprender a usarlo. Con "usarlo" no me refiero a las funciones básicas, sino a explotarlo, sacarle el jugo. Para esto me levantaba todos los días y dedicaba algunas horas a grabar. Al hacer esto ponía en práctica no sólo la utilización en sí del estudio (como tomar sonido, grabar y mezclar), sino que me ejercitaba también como productor, compositor, arreglador, e incluso como instrumentista (por ejemplo, nunca antes había tocado el bajo). Como podrán deducir de lo que digo, fui aprendiendo y perfeccionando muchas áreas distintas. Como instrumentistas, por ejemplo, al grabar un solo aprendemos a ser consistentes y concretos. Uno puede improvisar en vivo y pensar que estuvo buenísimo, pero a la hora de grabar, un solo difícilmente tenga más de ocho compases, y en esos ocho compases tenemos que presentar una idea, desarrollarla y concluirla. En la grabación no hay “sanata”: la cosa funciona o no. eleCCión de los miCrófonos Cuando grabamos en nuestra casa o sala de ensayo, es decir en un recinto no preparado acústicamente para una situación de grabación, nos encontramos con el problema de que el "ambiente" normalmente no nos sirve.

Es decir que cuando grabemos acústicamente (voces o cualquier instrumento acústico), será deseable que el micrófono no tome este ambiente. Aunque suene paradójico, esto significa que necesitamos un micrófono

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bueno, pero no tanto. Los micrófonos de primerísima calidad son, además de muy caros, absolutamente inútiles en situaciones de ambientes no controlados. Es por eso que recomiendo tener un micrófono de condensador de diafragma grande (1 pulgada) y patrón polar cardioide (direccional) de gama baja (hay muchos en la actualidad pensados especialmente para estudios caseros) y, si se puede, uno similar, pero de diafragma chico (65 mm), que nos será de gran utilidad a la hora de grabar instrumentos acústicos con poco volumen, como por ejemplo una guitarra acústica, gracias a la proximidad de colocación que permiten. Si tenemos la posibilidad de grabar un instrumento eléctrico microfoneando el equipo, podemos sumar un buen mi-

crófono dinámico, como un SM58 (que nos servirá también para grabar alguna voz), u optar por el hiperclásico SM57 (algo menos útil en la toma de voces). eleCCión de la plaCa de sonido La cantidad de canales no es algo muy importante a la hora de grabar en casa, ya que rara vez grabaremos más de dos canales por vez. Por otro lado, piensen que cada canal necesita además un pre para preamplificar la señal (este es uno de los puntos más importantes, junto con el micrófono de la calidad de sonido que obtendremos). Si contamos con una tarjeta de sonido que

incluya pres (esto es deseable en un comienzo), es importante que ésta cuente con puntos de inserción, lo que nos permitirá, valga la redundancia, insertar procesadores como un compresor o, de conseguir posteriormente un pre de calidad superior, utilizarlo en lugar del de la placa. También suele ser de mucha utilidad un control que incluya algunas tarjetas, que nos permite manejar el balance entre la señal que entra a la placa y la que sale de ella. Esto es de suma utilidad para manejar niveles de monitoreo sin necesidad de otros accesorios.

En caso de no poseer la tarjeta pre amplificación, deberemos adquirir un pre por cada canal que pensemos utilizar (es decir, 2 para una placa con 2 entradas, 8 para

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una de 8, etc.). Existen pres económicos pensados para el estudio hogareño. Algunos incluyen hasta una válvula que calienta la señal, para emular una pre amplificación valvular. Es muy importante, a la hora de adquirir equipamiento, tener en cuenta que todo eslabón de la cadena de audio es fundamental, y que no tiene sentido invertir de manera desproporcionada en uno de ellos, ya que eso sólo redundará en un desaprovechamiento del equipamiento adquirido. uso del Compresor Personalmente, me gusta utilizar una ligera compresión a la hora de tomar el sonido. Para esto es necesario un compresor de estudio, que nada tiene que ver con el compresor en forma de pedal que utilizamos los guitarristas. Cuanto mayor sea la señal grabada, mayor sonido y presencia tendrá luego. Si la toma queda muy chica, ya no podremos solucionarlo más tarde. Por supuesto que un exceso de compresión tampoco es deseable. Yo suelo utilizar un compresor con un ratio entre 2:1 y 4:1 para controlar los picos y poder subir un poco el nivel general de la señal. El compresor debe ir ubicado después del pre y antes de la entrada de la placa. Si bien hay plugins que emulan compresores, prefiero usar un compresor hardware. aislamiento Un problema común al grabar fuera de un estudio es el aislamiento acústico de los sonidos provenientes del exterior. Las soluciones profesionales son obvias, pero caras. Si no disponemos de presupuesto para la colocación de paneles específicos, hay algunas medidas que podemos tomar para optimizar los resultados. Es aconsejable montar nuestro estudio en la habitación más silenciosa que tengamos disponible. Las que no dan a la calle son siempre las más recomendables, aun-

que será necesario evaluar posibles conflictos con el vecindario . Cerrar bien las ventanas (incluso sellándolas con la colocación de un burlete) y bajar las persianas es lo mínimo que podemos hacer para lograr un aislamiento acústico digno. También es aconsejable orientar los micrófonos de manera que "den la espalda" a los sitios por los que puedan llegar los ruidos provenientes del exterior.

Calibrando el monitoreo Durante algo más de un año tuve la suerte de asistir con cierta regularidad a varios estudios profesionales, de los mejores que hay en nuestro país. Eso me dio la oportunidad de llevar allí las mezclas realizadas en mi estudio para escucharlas en un ámbito profesional, y poder así calibrar mi oreja según las deficiencias de mi estudio casero. Por ejemplo, supongamos que escucho una mezcla que en un estudio profesional me suena pasada de graves (y que en mis parlantes sonaba bien), al volver

a casa corregiré la mezcla bajando graves. Lo ideal sería poder volver al estudio otro día para poder comparar los resultados. En mi caso, sucedía que una mezcla pobre de graves en casa, sonaba perfecta en un estudio profesional acústicamente medido. De esta forma, aprendí a "calibrar mi oreja" encontrando el punto en el que en mis parlantes no sonaba de primera, pero sí lo hacía en otros sitios.

Cables Aunque pueda parecer obvio, la calidad de los cables es muy importante, ya que una pequeña deficiencia en estos puede arruinarnos una toma. Recomiendo espe-

Consejos para grabar en casa | 13

cialmente trabajar con señal balanceada, lo que se conoce normalmente como "cables Canon Canon". Si se fijan en el manual de su placa, verán que muchas de estas, aunque a simple vista parezcan tener una entrada plug normal, en realidad se trata de un plug TRS (el mismo utilizado en conectores estéreo, como los de los auriculares). Al tener tres polos, este tipo de plug nos permite conservar la señal balanceada, que posee una calidad superior, es menos sensible a posibles interferencias, y además tiene una mayor ganancia. Para aprovechar esta característica, será necesario hacernos o encargar algunos cables Canon-Plug TRS. emulaCión de guitarras Existen en la actualidad muchos programas que emulan equipos y efectos de guitarra. Entre ellos podemos citar el Amplitube, el Ampfarm y el Guitar Rig. Si bien la calidad de estos programas mejora constantemente, a la hora de grabar varias guitarras es una buena idea ir alternando los emuladores, ya que el uso continuo del mismo soft hace que éste se torne demasiado evidente. Si poseemos un pre valvular (aún uno falso, como los económicos que solemos encontrar en un homestudio, que sólo posee una válvula para calentar la señal), es aconsejable utilizarlo, ya que facilita notablemente el trabajo al emulador.

Es más: si vamos a utilizar sonidos rockeros, es aconsejable tomar el sonido ya algo roto. programaCión de baterías Quienes deseen baterías electrónicas no tendrán incoveniente en utilizar cualquiera de los programas disponibles para programarlas. Pero, si la intención es emular a un baterista tocando, ya la cosa cambia. En este caso es aconsejable utilizar librerías que han sido grabadas por verdaderos bateristas, para conseguir el groove que una máquina nunca tendrá. Existen en la actualidad varias librerías de este tipo. Hace algunos años, cuando era muy difícil encontrarlas (al menos por estas latitudes), me acostumbré a armar mis propios loops a partir de baterías extraídas de CD´s. Para esto necesitaba encontrar los escasos fragmentos de un tema, donde la batería sonara sola (ya que no me serviría si había más instrumentos sonando). Obviamente, las posibilidades de programación con este método eran muy limitadas, pero las grabaciones quedaban con un buen groove, ya que de alguna manera estaba tocando junto a un baterista "real". meZCla A la hora de mezclar un tema es aconsejable comenzar siempre por la base: batería y bajo. Luego iremos agregando los instrumentos armónicos, como guitarras, teclados o sección de vientos, para terminar concentrándonos en la voz o el instrumento que lleve la melodía principal. Por último, coros, contracantos, adornos y etcéteras. Cuando comencemos con la mezcla, pongamos un punto de referencia de volumen que no pase los -4db, que puede ser necesario situar más bajo si trabajamos con muchos instrumentos. Es aconsejable mantener las frecuencias graves, como el bajo en el centro, y planificar de antemano cómo distribuiremos en el espacio los distintos instrumentos. Es muy importante que la mezcla no quede desbalanceada. Una vez que logremos que

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en la base de batería y bajo ambos instrumentos suenen parejos y el nivel no pase el punto de referencia que hayamos puesto, seguiremos adelante. A medida que vayamos agregando instrumentos, volveremos siempre a los anteriores, para ver cómo suena el conjunto antes de seguir trabajando con el resto. El margen de 4db que nos dejamos será necesario cuando queramos ubicar la voz en la mezcla. Es muy acon-

trabajar con un buen técnico, podremos aprovechar su presencia al máximo pidiéndole consejos. Es recomendable observarlos atentamente cuando trabajan, viendo cómo eligen los micrófonos, cómo los colocan, o de qué forma toman y prueban sonido antes de grabar, para luego, en algún otro momento, preguntarles las dudas que nos hayan surgido. He tenido la suerte de trabajar con técnicos que resulta-

sejable escuchar en varios parlantes diferentes, antes de cerrar la mezcla definitiva.

ron ser grandes apasionados de su trabajo, y que les encanta compartir sus conocimientos. De esta manera, la experiencia en un estudio profesional también nos servirá muchísimo a la hora de trabajar en nuestro estudio casero. Son dos formas muy distintas de trabajar, que se retroalimentan entre sí, sumando siempre nuevos conocimientos a nuestra experiencia como artistas.

ConClusión Un detalle notable de trabajar en casa es que la experiencia adquirida nos sirve para aprovechar mucho mejor un estudio profesional, cuando llegue el momento de trabajar en él. Y si tenemos la suerte de

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jaiMe aSúa

“ME TEMO QUE SOY RABIOSAMENTE PENTATóNICO” Jaime Asúa, guitarrista de Sabina y productor musical, nos cuenta su historia desde el viejo continente.

El músico español nos habla de su experiencia como artista y del presente de su país.

Por Sebastián Konrad

La tecnología nos permite atravesar los límites de la distancia y cruzar continentes en cuestión de segundos. Surcando el Océano Atlántico encontramos un lugar que mucho tiene que ver con nosotros.

Nuestra “Madre Patria”, como pudo llamarse tras su conquista, tiene muchos paralelismos con nuestro país. Se produce una especie de intercambio cultural: mientras nosotros admiramos a algunos de sus artistas, ellos adoptan como propios muchos de los íconos de nuestro rock.

Sí. Mi madre debió pensar que, si los vecinos no se quejaban, quizás había una posibilidad de sacar provecho de tanta serenata, y me matriculó en el Conservatorio. Estudié solfeo, conjunto coral, un par de cursos de guitarra y uno de piano. Para entonces ya tenía un bigotillo incipiente y algunas hormonas

insurrectas, y lo que quería era ser moderno. Lo dejé porque me aburría, y porque jamás pensé que llegaría a ser músico profesional y que me vendría bien haber seguido estudiando. En cualquier caso, lo que a mí me gustaba por entonces, allí donde me encontraba no lo enseñaban.

Uno de esos músicos que están emparentados con Argentina es Joaquín Sabina, quien ante cada presentación en nuestro país agota sus entradas casi inmediatamente. Jaime Asúa tiene mucho que ver con el cantante, y han recorrido gran parte del camino juntos. Conocemos más de cerca la historia de este guitarrista español, que dio sus primeros pasos en el rock y terminó entregando su vida y dedicándose a la música. ¿Cómo comenzaste a ser músico?

Pues supongo que en el útero materno, porque siempre fui muy cantarín. De niño me pasaba horas cantando por una ventana hacia el patio, que tenía un eco que me gustaba mucho. ¿realizaste estudios con la música?

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esos procesos y con quién te gustaría trabajar que aún no lo hayas hecho?

He colaborado con artistas de muy distintas maneras, componiendo con ellos o para ellos, grabando guitarras o coros en sus discos, o bien girando. Cada una de estas cosas es un oficio en sí mismo, y me gustan los tres. Supongo que soy un tipo afortunado, porque me gusta lo que hago y no he tenido muchas experiencias insatisfactorias. En cuanto a con quién me gustaría trabajar… La lista sería tan larga que ocuparía demasiado espacio, aunque hago lo posible para que sea cada vez más corta. ¿Cómo es tu relación con sabina y qué proyectos a futuro tienen?

Somos amigos desde hace treinta años, y en este tiempo he ejercido los tres oficios de los que hablaba antes: he compuesto, he grabado y he girado con él. Siempre ha sido, y lo sigue siendo, un privilegio y una experiencia divertida y enriquecedora, que espero continúe por muchos años. más allá del lenguaje, ¿por qué creés que los músicos españoles como joaquín tienen mucho éxito en nuestro país?

No sabría decirte; no puedo hablar de otros músicos, pero no creo que se pueda obviar el lenguaje, y menos en el caso de Joaquín. Supongo que tenemos culturas hermanas, parecidas sensibilidades, y muchas canciones que cuentan historias próximas a todos. Nosotros os enviamos a Sabina y vosotros nos enviáis a Andrés Calamaro. ¿Qué diferencias encontrás en españa desde el momento en el que vos empezaste al actual, en cuanto a posibilidades para los músicos?

Aparentemente las posibilidades son ahora mayores que nunca. Sin embargo, sigue siendo difícil. Para colmo, el país atraviesa una crisis económica importante, que en nuestro sector se refleja en el descenso de conciertos y en la venta de discos; la industria discográfica afronta su propia crisis estructural; la coyuntura política tampoco es festiva; y el pirateo masivo no ayuda, precisamente. Tampoco quiero ponerlo demasiado negro, pero lo cierto es que, aunque muchas cosas han cambiado desde entonces, sigue siendo un reto que exige una vocación decidida y una gran dedicación. Eso no ha cambiado.

¿Qué música escuchabas en esas épocas?

Pues todo lo que caía en mis manos. Británicos y norteamericanos, sobre todo. Rock, blues, folk, soul, country, rythm&blues. Lo que fuera. Cuando comencé a tocar más en serio llegaron el punk y la new wave, que por un momento me hicieron olvidar algunas referencias anteriores; pero acabé volviendo a la senda del blues y de la música negra, donde sigo tratando de redimir mis pecados de juventud. te has ligado al rock en tus comienzos, ¿pensás en formar un proyecto así nuevamente?

Quizás, aunque lo veo difícil. La coyuntura en nuestra industria discográfica nunca ha sido favorable al

20 | Entrevista a Jaime Asúa

rock, y el esfuerzo de nadar contra la corriente es extenuante. Me gustaría intentarlo de nuevo, pero he de superar el vértigo. ¿Qué tiene que tener un guitarrista para poder ser versátil?

Pues no sabría decirte, porque yo no lo soy. Casi siempre he tocado y cantado a la vez, y mi concepto de la guitarra está subordinado a la voz y a la melodía. Trato de tocar con gusto lo que sé, colaborando con la canción, pero me temo que soy rabiosamente pentatónico.

Colaboraste con muchos artistas. ¿Cómo fueron

¿Cuáles son tus planes a futuro?

Llegar al final de esta entrevista es mi primer objetivo. Luego quién sabe. ¿Qué set de guitarras, amplificadores y pedales estás utilizando?

Depende. Para un escenario grande utilizo una etapa de potencia Soldano, con un previo Marshall y una unidad de efectos TC, más uno o dos baffles Marshall que llevan conmigo muchos años. Para un lugar pequeño uso un combo Marshall JTM60 y pedalera Fulltone. En cuanto a las guitarras, uso Telecaster´s, Stratocaster´s y una Gibson 335. Con Joaquín llevo, además, un Jazz Bass que, con su proverbial insensatez, me hace tocar en un par de canciones, y una Martin D28.

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joHn DeSerVio Gentileza de Grupo Rómulo García - Traducción: Rodrigo Yacciofani

simplemente, heavy metal Nuestros amigos de Rómulo García y la gente de Schecter nos sorprendieron con una grata invitación a un show, el cual no desperdiciamos, ya que muchos de los que formamos parte del staff de la revista gustamos de este tipo de música y de esta banda, más precisamente. Concurrimos al Teatro de Flores con la firme convicción de que formaríamos parte de un ritual indígena, donde los espíritus de viejos caciques regarían el lugar de sangre y calaveras. Obviamente, calzados con nuestros borcegos y una vieja chaqueta de cuero, dimos rienda suelta a una noche de adrenalina extrema. Si bien teníamos una cita con John JD Deservio, bajista de la banda, aprovechamos la oportunidad para disfrutar del show. John nos dijo claramente que, si queríamos escuchar su bajo, la mejor manera era ver y disfrutar el show de Black Label Society.

El ex guitarrista de Ozzy Osbourne visitó por segunda vez Argentina con Black Label Society, y arrasó con el Teatro de Flores y con todo a su paso con la fuerza de mil legionarios. Su interminable colección de guitarras, que hacen las delicias de todos nosotros, y ese sonido sucio, distorsionado con la voracidad de un depravado sexual otrora borracho con navaja oxidada, sometieron a la audiencia a una atronadora sucesión de éxitos.

Zakk Wylde se apareció disfrazado de cacique siux, con una espectacular corona de plumas, que parecía

22 | John Deservio

En su visita al país, el bajista de Black Label Society (banda liderada por zakk Wylde) nos mostró su bajo Schecter Signature. Luego del show del 9 de agosto en el Teatro de Flores, Deservio nos explicó las cualidades del instrumento que fue diseñado a su medida.

hasta salido de una película del oeste americano.

Siempre rodeado de sus forajidos, donde abundaron las cadenas, calaveras, y toda la parafernalia rockera que tanto nos apasiona. Nadie puede negar que Black Label Society tiene esa dosis justa entre el sonido de Zakk Wylde, eterna demencia, litros de cerveza y una banda demoledora. Como cantante es aceptable y la banda suena redonda por donde se la mire.

Thru Body, que le brinda muchísimo sustain, y las cuerdas también pasan por el cuerpo para brindar todavía más sustain. Viene equipado con cuerdas GHS

Junto a Zakk Wylde estaban Nick Catanese (guitarra), nuestro nuevo amigo John JD Deservio (bajo) y Mike Froedge (batería), y luego de este demencial show nos juntamos con John en el backstage, y plasmó su opinión sobre su bajo: “Esta es la versión 5 de mi bajo Signature. También está en 4 cuerdas. Hablando concretamente del instrumento, tiene un circuito activo de 18 volts, llevando dos baterías de nueve cada una.

Tiene ecualización de medios, graves y agudos, un control de blend para elegir si querés el micrófono del puente o del mango, y control Master de volumen. El Killswitch está incorporado para apagar todo el sonido del bajo. Tenés puente Hipshot para ajustar la distancia de las cuerdas. La trastera es de ébano y tiene mi firma en el centro, como se puede ver en el traste 12. El radio del mango es bastante chato y lo hace muy cómodo, ya que cuando estás tocando en vivo, es necesario que la mano tenga buen apoyo y el mango sea lo más accesible posible para evitar cansarse rápido. La terminación del bajo es Ts Neck

de color rojo. Las maderas del cuerpo son caoba y el mango es de walnut con maple. Es un bajo con muchísimo cuerpo y sustain, y el circuito activo me ayuda a no perder ataque y presencia, ya que yo suelo afinar un tono más abajo y necesito que el instrumento me dé graves bien definidos”.

Fuimos, vimos, y salimos vivos de allí. Y eso ya es mucho, para unos mortales como nosotros.

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BiYanG PH-10

Ponemos a prueba el Phase Pro de Biyang, perteneciente a la serie Baby Boom.

Un pedal compacto con un gran sonido.

Por Daniel Makelvintong

Importa y Distribuye Baires Music - www.bamusic.com.ar

Como siempre estamos atentos a todas las novedades en el mercado de instrumentos y accesorios y en este caso vamos a contarles sobre un nuevo integrante se suma a la numerosa y sorprendente familia de pedales Biyang. En este caso se trata del PH-10, un Phaser, que agranda la serie Baby Boom que aquí desarrollaremos como siempre lo hacemos en esta revista.

y a la guitarra, podemos observar inmediatamente cómo va modificando nuestro sonido. Con la perilla

Podríamos empezar destacando que estéticamente es un pedal muy llamativo y con un look muy vintage, ya destaca por su color amarillo y por sus detalles naranjas y blanco. A diferencia de la serie Tonafancier, estos pedales de la serie Baby Boom se caracterizan por el poco tamaño que posee su carcasa y por la resistencia que tiene la misma. Es un material altamente resistente y durable a toda exigencia profesional, que lo hace un producto adecuado para toda performace. Todos estos vienen con un led que indica el estado del pedal (encendido y apagado).

Lo bueno de este pedal Biyang Pasher Pro PH-10 es que, al accionarlo, no perdemos de ningún modo la señal que va desde el equipo hacia la guitarra, ni tampoco se deforma nuestro sonido original, más allá del efecto que el pedal en sí mismo le proporciona.

Al igual que todos los productos a los que nos tiene acostumbrado la gente de Biyang, este pedal es True By Pass, permitiendo que se mantenga la fidelidad del sonido original. El Baby Boom Pasher Pro PH-10 puede ser alimentado con una batería de 9V, o bien con una fuente de las comunes o standard, que se utilizan para la mayoría de los pedales de efecto para guitarra y que todos conocemos.

Este pedal Biyang Baby Boom Pasher Pro PH-10 cuenta con una configuración muy sencilla; una sola perilla permite ir modificando nuestro sonido.

En el centro del pedal, debajo del led, tenemos la perilla de “Speed”, que nos modifica la intensidad del efecto hasta conseguir muy pronto el sonido que estamos buscando y tenemos en la cabeza.

Ya con el pedal conectado en nuestro amplificador

24 | Testeo BIYANG PH-10

rado nuestro sonido y eso ya es sorprendente. Inmediatamente se te ocurren algunas bases limpias que podamos ir zapando y su sonido van teniendo más color con la incorporación de este interesante Phaser. A medida que vamos girando la perilla hacia la derecha, podemos observar instantaneamente cómo el número de repeticiones que escuchamos se incrementa notablemente y el sonido se torna un poco más agudo y cristalino.

de “Speed” casi en 0, es decir sin darle efecto teniendo la perilla hacia la izquierda, ya vemos alte-

Esta es otra buena variante que nos ofrece la marca Biyang con este Baby Boom Pasher Pro PH-10, que se destaca por su precio, su sonido y su tamaño compacto.

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CriMSon GuiTarS Por Sebastián Konrad

Te mostramos los distintos instrumentos de la marca Crimson, que son distribuidos en todo el territorio nacional por FA MUSIC SA. Distribuye FA Music - www.famusic.com.ar

En Argentina la competencia entre las distintas marcas de guitarras que hay a nuestra disposición ha ido creciendo con el correr del tiempo y es bueno ir conociendo todas las opciones que tenemos a nuestro alcance. Al haberse sumado muchas empresas al catálogo, las marcas se vieron en la necesidad de poder mejorar su performance y ofrecer un producto que se diferencie del resto.

SEG272 y Modelo 117 SEG273. Todos estos modelos están basados en los originales de las marcas ya conocidas, respetando sus principales características. Por ejemplo, la modelo 335 tiene unas terminaciones delicadas y un sonido realmente claro, cristalino y muy sorprendente, por ser una guitarra de un valor muy accesible para este tipo de modelos.

Crimson es una marca ideal para los músicos principiantes, principalmente por los precios que tienen sus instrumentos. Sin embargo, la calidad de los mismos parece estar un poco más elevada que el precio que pagamos por ellos. Es realmente llamativo, y hasta impensado, que las guitarras Crimson puedan presentar estas delicadas y asombrosas terminaciones. Todos los instrumentos son fabricados en China como la mayoria de los instrumentos actuales.

Dentro de los bajos, podemos destacar el SBG386 (imitación del MusicMan) dentro de los eléctricos, y el SDG832 dentro de los acústicos.

Dentro de los modelos que nuestros amigos de FA MUSIC distribuyen en el país, se encuentran: Stratocaster SEG288, Telecaster SEG287, SG SEG275, Les Paul SEG266, SEG277 y SEG278, SG SEG271, PRS SEG262, SEG263, SEG265 y SEG268, Tipo 335

26 | Informe Crimson Guitars and Amps

Como si fuera poco también estan disponibles los amplificadores, teniendo las siguientes opciones: G10 (10 watts para guitarra), G15 (15 watts para guitarra), G15R (15 watts con reverb para guitarra), GV10 (10 watts para guitarra, tipo Vintage), GV25R (25 watts con reverb para guitarra, tipo Vintage) y el B15 (15 watts para bajo).

Una de las grandes diferenciaciones que tiene FA MIUSICcon respecto a los distintos locales de venta de instrumentos musicales es la gran atención que se concentra en las ventas on-line. Para trabajar este tipo de mecanismo, se realizan publicaciones constantes y, actualmente, se encuentran más de 2.000 artículos publicados en Mercado Libre.

Como consecuencia de ese esfuerzo, las ventas se incrementaron y FA MUSIC creó un nuevo local en Chacarita donde, de manera exclusiva, se despachan las ventas ya concretadas que se hicieron a través de internet. Esto ayuda a que los otros tres locales (Martínez, San Isidro y Belgrano) puedan concentrarse exclusivamente a la atención personalizada al cliente en forma directa e inmediata.

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Carajo

EL MAR DE LAS ALMAS UNIDAS Por Sebastián Konrad

Fotografía por Laila Vilanova

Carajo cumple diez años de hermandad junto con la música. “Corvata” (Marcelo Corvalán) y “Tery” (Hernán Langer) nos cuentan cómo vivieron esta década llena de música y de rebeldía, que se coronó con un show multitudinario en el Luna Park.

Argentina no parece ser un país muy abierto musicalmente a determinados géneros que escapan a lo denominado “comercial”. O quizás son los medios los que generan una cápsula que margina a estilos más ligados a la rebeldía o a lo “pesado”. Sin embargo, algo pasaría en nuestra escena hace poco más de una década atrás. En un momento inestable del país, donde todo era confusión, tres músicos tendrían claridad a la hora de emprender un proyecto serio, con un puñado de ilusiones revolucionarias. “Corvata”, “Tery” y Andy Vilanova pensarían en formar un trío poderoso, con canciones que tuvieran una temática más ligada a la protesta, acompañada por una música alternativa que tiempo después llamaría la atención de muchos. Hoy, y con toda esa experiencia que los avala, Carajo ya tiene una identidad propia y un público fiel que demostró su apoyo llenando un Luna Park, donde “El mar de las almas perdidas” hizo vibrar los cimientos del estadio. ¿“el mar de las almas perdidas” puede denominarse como el fruto de la madurez y de la unión en Carajo?

Corvata: Fue la primera vez que hicimos todo nosotros acá. Es como un proceso que fuimos teniendo.

Empezamos en 2009 y fuimos componiendo todo el año. En la semana se componía mientras presentábamos el disco "Inmundo", hasta mitad de año que más o menos juntamos unas 20 canciones y se las lleva-

28 | Entrevista a Carajo

mos a nuestro productor, Ale Vázquez. Él nos había pedido que hiciéramos 30 canciones, pero nosotros pensamos en hacer sólo 20 que estén buenísimas. A medida que iba pasando el tiempo, él fue escuchando el material. Nosotros grabamos todo así nomás, con tres o cuatro micrófonos, un bombo, una línea de bajo y un micrófono en la viola. Era todo bien crudo, simplemente para que él escuchara las composiciones. Y de golpe él se empezó a entusiasmar por cómo sonaban las cosas que habíamos grabado. Ya la segunda etapa fue cuando hicimos acá el estudio, comenzamos con la pre-producción y nos largamos a grabar el disco.

Fue una forma de ver si estábamos a la altura, y comparándonos con nosotros mismos y con los discos anteriores. Estuvo bueno. Se vio el crecimiento, se vio cómo estábamos relajados. Tuvimos otro toque. Generalmente, al grabar en un estudio es un poco frío porque estás yendo y viniendo, o quizás un día no estás inspirado; en cambio acá teníamos todo el tiempo para hacer lo que queríamos. Y ahí usamos todos los canales que teníamos, que son más de 24, y alquilamos algunas cosas que nos hacían falta. Creo que estuvimos bien, ya que usamos todas las cosas que ya conocíamos y que nos habían dado resultado; entonces no hubo una experimentación en el momento de grabar, sino que fuimos eligiendo bien todo. El disco tiene canciones con mucho power, tiene algunas suti-

lezas también, y agregamos un trabajo de cuerdas, ya que siempre tratamos de incluir cosas para elevar un poco la canción. tery: Yo estoy contento con el resultado. Está bueno hacerlo nosotros y no “tercerizar” las cosas, quedándote con la idea de "qué hubiera pasado si lo hubiéramos hecho nosotros". Uno no sabía si había que ser un genio para hacerlo, pero nos gustó mucho ya lo que habíamos grabado "crudo", por lo que después fue más que nada un trabajo de técnicos para optimizar todo eso. También grabamos bastantes veces las cosas, se grabaron muchas líneas para destacar algunas tomas de las líneas y los bajos. La onda era grabar lo que queríamos que sonara de determinada forma. Entonces probamos cabezales, probamos guitarras y cosas para dar el timbre exacto de cada tema.

Así logramos una identidad y un sonido en las distintas canciones. Y la verdad es que nos sorprendemos nosotros mismos cuando lo escuchamos. ¿Qué hubo de distinto en esta presentación, con respecto a los otros discos? tery: Creo que el disco tiene momentos musicales más amplios, porque hubo momentos para la improvisación, quizás. Por lo menos, el hecho de estar acá y zapar bastante formó algo más climático y más ex-

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tremo. El disco tiene momentos muy extremos, como "Libre" y "Luna herida", y después tiene momentos donde baja bastante, como en "Mar de las almas…" que se torna con otro color. Nos aporta a nosotros en los shows una variante que no teníamos. Ahora, ya con varios discos, la lista se va acotando en cuanto a qué elegir, armando algo bastante interesante, y eso fuimos haciendo en las primeras presentaciones, y ya vamos manteniendo una lista que nos gusta. Otro desafío es llevar todo lo que se grabó al vivo. Porque en el disco volás, usas dos o tres equipos y vas probando sonido, y eso después hay que hacerlo en vivo. Ahora estamos disparando algunas secuencias que, si bien lo veníamos haciendo, ahora llevamos todo al extremo.

Los temas los tratamos de hacer más parecidos al disco, incorporando la compu ya desde el tercer disco, poniéndole un aditivo en vivo que le da un poquito más. No se usa como un elemento preponderante, pero está ahí apoyando y poniendo cosas que nosotros no podemos. Todavía lo estamos presentando y descubriendo en vivo, buscando distintas formas de tocarlo y de interpretarlo. Está bueno que se genere una ambigüedad con la parte pesada, y después con la gente, que se queda escuchando un poco más lo que es "tranqui".

es un bajo versátil que podés usar en canciones extremas. Tengo un bajo de 5 afinado en DO y otro de 4 cuerdas también en DO, pero tiene los mics precision, que es más sucio. El de 5 tiene más "hip hop" y más profundidad. tery: Para grabar usé dos equipos, un Soldano y un Mesa Boogie Rectifier. Después, cuando salí a tocar necesitaba otra cosa. El Soldano tiene un canal distorsionado y no me gustaba bien el limpio. Tenía dos porque no podía cubrir mis necesidades. Ahora conseguí un EVH que había escuchado, que era muy bueno, y cuando llegó me di cuenta que es terrible.

¿Qué equipamiento utilizan en la actualidad?

Corvata: Hace años que uso Ampeg. Tengo dos opciones, porque con Carajo se nos da que hacemos el Luna Park y a la semana tocamos en un lugar de 500 personas con un escenario reducido. Tengo dos sets: una caja de 4 x 10´ y el SVT III Pro (valvular), y después tengo la heladera Ampeg para algo más grande.

Todo lo uso plano, no toco el ecualizador. Yo uso bajos activos que patean mucho. Ahora me estoy armando una pedalera SansAmp como caja directa, caja directa Avalon, y al parlante le pongo un poco de carácter y lo distorsiono apenas con unos pedales (Xotic BB Preamp). En el disco usé mucho una caja Aguilar como Pre activa y una caja Mesa Boogie con 2 de 15´. Me gusta mucho ese sonido. En bajo uso Spector de la línea europea, pero ahora me regalaron un Precision americano de 4 cuerdas. Más que nada a mí me resulta el Spector, más allá del sonido y la comodidad;

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Corvata: Creo que no es culpa del equipo, sino que uno va desarrollando el oído en cuanto a lo que le gusta. El equipo suena siempre igual. Creo también que como

Fotografía por Laila Vilanova

¿Cómo van a encarar el show del luna park? tery: Estamos queriendo dar un paso más alto en cuanto al show. Si bien el sonido es algo que veníamos laburando y ya lo tenemos un poco cocinado, queremos apostar a lo que es la parte más visual y que el show se transforme en algo más audiovisual, junto con las luces y algunas cosas de pantalla. Nos metemos en otro ámbito que no conocíamos. La idea es que sea un show que, al menos para nosotros, sea nuevo y que la gente no haya visto. Son los 10 años, es llegar al Luna Park y es este disco, por eso todo lleva su tiempo y estamos armándolo. Queremos ver si lo filmamos y grabamos. Creo que son oportunidades, como aquella cuando hicimos el Obras. No sé si saldrá un DVD de esto, pero queremos tener el material grabado, para el día de mañana si se da la oportunidad editarlo. Da para muchas cosas el Luna Park, es un desafío a todo nivel, tanto por la cantidad de gente como por el show. Va a ser el mejor show que hayamos hecho hasta ahora.

en cualquier lado, tiene volumen y suena bárbaro, con mucha definición. En pedales me fui armando algo: tengo algunos Eventide, ZVex, algunos Digitech.

Ahora me estoy armando una "loopera" con algunos pedales ahí, que me simplifica un poco más las cosas.

Está bueno ir cambiando porque me aburro demasiado de los equipos. Yo antes pensaba que Mesa Boogie era lo mejor, pero después me di cuenta de que no. Eso es personal.

Tiene tres canales y me da todo lo que busco. Yo quiero equipos que enchufe y ya me guste la distorsión que tienen. Quizás, después le de un poco de color con algún pedal. Yo uso ZVex "Box of rock", pero me gusta que el ampli ya suene. Quería algo portátil y el EVH es tremendo. Estoy usando una caja de 2 de 12´ que me hice, y le puse unos parlantes Eminence (modelo Governor). Yo tengo otras cajas, y cuando empezamos a grabar nadie le tenía fe a la caja, y la pusimos y nos sorprendió. La gente mucho no sabe, pero quizás te podés armar cosas económicas, y sin pagar una barbaridad tenés un parlante bárbaro. Es chiquito, y suena, y me da portabilidad. Tocás

argentinos ya nos sorprendemos cuando escuchamos un equipo “pro”, de los caros, de los buenos, de los clásicos. Pero después uno va cambiando. Eso es de acuerdo a la banda. A algunas bandas el "Mesa" les va bárbaro, porque buscan ese timbre. Al EVH terminamos de escucharlo y pensamos que se había acomodado la banda. Es buenísimo, tiene poder, responde bien. tery: Este EVH es más abierto. Si bien es metalero, podés conseguir un sonido rockero. Tiene un canal limpio, uno distorsionado, y otro con más ganancia. Igual, si al canal limpio le das ganancia suena distorsionado, como un overdrive. En violas usé un montón, pero por

Entrevista a Carajo | 29

Fotografía por Laila Vilanova

que es una mirada en general, latinoamericana, o mundial, si se quiere. Es aplicable a muchas otras circunstancias o cuestiones de otros países también. A veces las canciones te llevan a querer hablar de otras cosas, de algo más profundo.

lo general grabo con Gibson, en lo que son las bases.

Tengo una Les Paul Custom negra que no puede faltar cuando grabo. Más que nada en el rango de distorsión, base y contundencia, Gibson me responde bien. Tengo una SG Custom viejita, que es la que más uso en vivo.

Esa es como "mi guitarra", por lo cómodo, porque es vieja, y a mí me gustan los instrumentos viejos. Ya cuando tengo que grabar con cosas limpias, ahí grabo con Fender. Uso Stratocaster y una Telecaster que me encanta. Pero en vivo suelo usar más Gibson por la tímbrica, y porque estoy más emparentado con eso. ¿Cómo fue mutando su mensaje de protesta de acuerdo al momento del país?

Corvata: Hay cosas que no cambian. Quizás nuestra

32 | Entrevista a Carajo

Corvata: Creo que también hay una etapa en la que la juventud misma, o la adolescencia, no es que quieren ser políticos, pero sí que se juntan para generar cambios. Es una generación renovada, que ya entiende que el piquete no te va a solucionar nada, porque me estás cagando la vida a mí que laburo y pago los impuestos, y el gobierno así tampoco te va a hacer caso porque cortes la ruta. A nosotros los músicos nos pasa que está por salir un canal digital por TV, y estamos participando a través de la UMI y por Facebook.

Esto lo paga el gobierno, y es un canal estatal para nosotros. Está bueno que en el rock nos tengan en cuenta, y no sólo piensen que el tango y el folclore es nuestra cultura. Hay grandes bandas de rock en Argentina, es un gran semillero. El tema también estaba en nosotros, los rockeros, porque los rockeros siempre nos tomamos una "birra", nos juntamos, puteamos, y pensamos que somos de verdad y ellos de mentira, y nunca hicimos nada. Nos duele que después pasen cosas como Cromañón, y piensen que no hacemos nada. Yo creo que los gobiernos van a pasar y el canal va a quedar. La idea de esto es que sea un foco cultural en materia de música. Va a haber una plata anual para mantener esto, y es un proyecto serio que se va a ver por toda Latinoamérica. Es otro medio de protestar, el hecho de salir y movernos, para organizarnos y que nos conozcan.

realidad interna o como banda, no nos podemos quejar que estamos mal. Pero siempre nos interesó hablar de las cosas que nos pasan y que sentimos. A veces no es una autocrítica a un gobierno determinado o al país, sino a nosotros mismos de acuerdo a lo que somos como sociedad y cultura. Nosotros salimos con "Sacate la mierda" en un momento particular, porque sentimos cosas que ya habían pasado mis viejos o mis abuelos. Me pasó a los 30 años, y fui entendiendo algunas cosas. Nos tocó tener que poner el pecho y salir como han salido otras generaciones. Nosotros pudimos canalizarlo por la música y por el arte, y empuñar un poco esa cosa de llevar un poco de energía. tery: No solamente es una mirada a nuestro país, sino

me nombraste Cromañón. ¿Qué opinión les sugiere la resolución que se tomó con las sentencias?

Corvata: Hablar de justicia, estamos muy lejos. Uno piensa en los chicos que no están más y en la bronca de sus viejos. Es un poco más justo lo de ahora, porque si sólo se apuntaba a Omar Chabán como el responsable de todo, no iba a haber justicia. Si se considera que él es culpable, hay otras partes más agravantes en el caso. Porque si se sabe que uno arregla y que hay coimas, ya ahí hay una primera causante fuerte. Y después, está la parte de negligencia.

Es un secreto a voces que la banda basaba su show en un agite de bengalas, que está bien, no se puede decir que ellos son los culpables, pero era previsible.

Ahora ya nada es entendible con 200 muertes, pero en ese momento era entendible que se prendiera una bengala en la cancha y al aire libre, pero llevar eso a otro ámbito ya es culpa del público, y también de las bandas. Yo, sin saber, un día nos juntamos a charlar con el dueño de Peteco´s y me dijo que un boludito prendió una de esas bengalas en un show nuestro, y yo le dije que si no la apagaba no seguíamos tocando.

Mirá vos, yo ni me acordaba. Eso pasó a un mes de Cromañón, y ni siquiera era una bengala de esas, sino una bengala de humo. tery: Es un poco esa idiosincrasia de los argentinos de pensar que a todos lados donde va, lleva la cancha.

Nosotros tenemos que hacer las cosas bien, pero si no hubiera coimas y las reglamentaciones se cumplieran no hubiera pasado. No podría haber existido un

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lugar así para tocar. Para que haya coima tiene que haber uno que recibe. Me parece que es una cadena de cosas. Nosotros, como argentinos y ciudadanos pensamos que llevamos la cancha a todos lados, y que el espectáculo pasa por ahí. El espectáculo lo tiene que hacer la banda y se acabó. Todos pecamos y a todos nos podría haber pasado en algún punto. Si bien yo me considero distinto de ellos, nos podría haber pasado en otra cosa. Todos pasamos por situaciones extremas en lugares que son un desastre.

luego de todo lo sucedido, ¿sigue habiendo irregularidades en los lugares para tocar? tery: Claro que sigue pasando, en todos lados sigue pasando. Quizás en Capital Federal es más difícil, pero pasa. No le escapa a ningún lado. Son muy pocos los buenos lugares.

Corvata: Ahora en San Justo hay un lugar, que antes era el bar de una facultad, donde la gente se juntaba a tomar café y estudiar, y hoy es un lugar para tocar.

No acondicionaron nada, está igual. Sólo pusieron un escenario y luces. A veces uno está ahí y sufre un poco. Pero, gracias a Dios, hasta ahora tenemos un buen público. La gente no viene a “escabiarse” y a sacar toda su mierda ahí. Vienen a escuchar música y a pasarla bien. Los músicos empezamos a involucrarnos más en lo que excede a tocar. El músico no hace más que eso. Ahora hay que estar en todos lados viendo cómo tratan a la gente. Tenés que cuidarte vos y cuidar a la gente también, porque el responsable después son todos. Todos tienen su cuota también. ¿Qué claves podrían resaltar en la banda, para llegar a estos diez años juntos?

Corvata: Mucho laburo. Es algo que nunca dejamos de hacer, y no esperamos que nadie nos venga a facilitar nada. Siempre fue todo pasito a pasito, con metas inmediatas. Tener una visión y una fe en el proyecto; siempre invertimos y consideramos que existía

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tery: Yo creo que es como la imagen más usada, pero esto es "ladrillo sobre ladrillo". Nosotros vemos

parche para bordar por estos 10 años. Estamos haciendo buzos e indumentarias para sortear y regalar, y que nuestro equipo tenga un "uniforme". Tenemos la suerte de ser tres personas y estar siempre metidos en todo. A veces delegamos cosas, pero si podemos hacemos todo nosotros. Hemos aprendido a hacer un poco de todo, de sonido, de video, de fotografía. tery: Es parte de la autogestión, porque no podés estar basado en que una compañía te apoye o no. Lo que hace que sigas es ese trabajo de hacer todo "ladrillo sobre ladrillo". La cosa es ponerle el pecho por-

Fotografía por Laila Vilanova

Corvata: Hay un poco de ignorancia de bandas que llegan a manejar mucho público, y no están preparadas ni tienen personal instruido para manejar todo eso.

Hay todo un equipo atrás de una banda, que tiene que poner en regla todas esas cosas. Nosotros somos Carajo y no nos creemos nada, pero hay lugares donde nuestro sonidista nos dice que la consola es precaria y nosotros tomamos decisiones que ayuden al show.

Hay que estar preparado, sabiendo que te va a quedar gente en la calle que va a querer entrar. Vos sabés la gente que llevás y lo que puede pasar. Después de hacer una cancha, hacer un Cromañón tiene sus consecuencias. Se suman muchas cosas, quizás negligencia de los managers, que sólo ven la conveniencia económica. Es jodido decir quién es culpable, yo creo que la justicia es de Dios. Me había dolido mucho la actitud de los chicos de Callejeros, que no tuvieron una reflexión y unas palabras de perdón hacia la gente, a sus propios fans. Tendrían que haber “bajado el copete” y hacerse cargo, aprender. No considero que deberían haber salido con “los tapones de punta” y sólo acusar a Chabán, que encima fue una persona que los bancó mucho. Sea quien fuera la banda, la gente merece que se les dé una palabra de reflexión.

una manera de tener un lugar. Pensamos que había que ensayar mucho, componer y ahora tener un estudio. Siempre fue un plan a largo plazo, de formar un equipo, de construir, de crecer. Hoy miramos alrededor y vemos que están todos los mismos al lado nuestro.

Nunca pensamos en vender muchos discos o ser muy populares, sino en ir haciendo siempre canciones mejores. Después, la gente vino aparejada por todo el trabajo que hicimos.

hacia atrás, y cada cosita que fuimos haciendo fue sumando. Haber dado con Ale Vázquez fue el primer gran paso, ya que nos bancó y fue nuestro productor en un momento difícil, donde nadie apostaba por nada, por la época del país. Nosotros aprovechamos su ayuda. Después fueron pasando cosas, como cuando Andy se fracturó el brazo. De ahí surgió un disco que no tenía que ver con la banda, pero mostraba otras facetas, que no lo pensamos pero que simplemente se dio. El disco fue una consecuencia del accidente, obviamente nadie lo planeó. Después seguimos haciendo discos y tocamos mucho, acordándonos de la gente y pensando en el show. Nos ponemos mucho de ese lado, del lado de la gente que paga una entrada. Quieras o no, uno está compitiendo con todas las bandas, porque un día viene Metallica y después tocás vos. Lo interesante es desafiarse como músico y como persona en esto que estamos haciendo, todo el tiempo. Si uno cree que ya aprendió, que ya está en un lugar que no se mueve, creo que no avanzás. Creo que la banda creció porque siempre pensamos que había que generar cosas nuevas. Después hicimos el estudio, y nunca hubiésemos pensado tenerlo y hacer un disco acá.

Corvata: Yo creo que siempre tuvimos una visión medio exquisita de tratar de apuntar a lo mejor que pudiéramos. Nos comparábamos con otras bandas por su sonido y cómo nos gustaba sonar. Tratamos de hacer siempre lo mejor. Ahora estamos haciendo un

que hay una brecha muy grande entre las bandas establecidas y las que quieren progresar. Las bandas tienen que hacerse de abajo de verdad, y no existen bandas que estén y que no se hayan hecho de abajo. ¿Cómo ven el ambiente para los músicos que están comenzando?

Corvata: La generación de Youtube ve directamente el resultado, quieren todo al toque. Todo el mundo se volvió veloz e inmediato, ahora tenés todo ya. Y muchas bandas desconocen el proceso de ensayar todo el día y de probar. Hoy con la tecnología parece que muchos laburos no hacen falta. En una banda hay que lograr que las cosas empiecen a funcionar. Hay que aprovechar el tiempo, trabajar, generar un lindo clima para componer. Tenemos que tomarnos las cosas en serio y trabajar, y después recién ir a tomarnos una "birra". Muchos chicos se piensan que no es tan así, pero sería bueno recalcar eso y dar un consejo. Todos los que llegan se esforzaron. Para montar ese escenario, los U2 se esforzaron a tal nivel que llegaron a eso, y hoy Bono se va del estadio en un avión y lo tiene merecido por todo su laburo. tery: Hoy por hoy nosotros hacemos nuestra prensa mejor que las grandes compañías, porque sabemos utilizar el "Myspace", el "Youtube", el "Facebook", etc.

Y ellos, como compañía tienen mucha burocracia para lograr que les den los permisos y colgar las cosas en Internet. Creo que se les vino la estantería abajo.

Entrevista a Carajo | 33

TranSCriPCioneS Por Facundo López Burgos

Riffs del Carajo Les traigo la transcripción de tres canciones de Carajo. “El mar de las Almas”, “Carne (Inmundo)” y el poderoso riff de “Sacate la Mierda” todas con afinaciones bajas.

Tal vez por ser guitarrista, algo que siempre me llama la atención de esta banda es la búsqueda sonora en cuanto a afinaciones se refiere. Hendrix fue uno de los pioneros en esto de afinar la guitarra un semitono por debajo de la afinación standard. En su caso, lo hacía para poder utilizar cuerdas más gruesas, que le entregaran un sonido con más cuerpo. Lo cierto es que si seguimos bajando la afinación un tono, un tono y medio, etc., obtendremos un sonido cada vez más denso y oscuro.

Para poder utilizar este recurso y que la afinación sea estable, necesitaremos un calibre de cuerdas cada vez más grueso y probablemente un buen luthier que calibre correctamente nuestra guitarra.

En el primer ejemplo (A) transcribí el riff principal del tema Ácido (El Mar de las Almas). El mismo está construido utilizando tónica, quinta y séptima menor de Si bemol, escuchándose hacia el final del riff la novena bemol. Algo notable es la omisión de la tercera, con lo que no se llega a definir si el acorde es menor o mayor.

La afinación utilizada para este riff está un semitono por debajo de la afinación de guitarra barítono, siendo de 6ª a 1ª Sib – Mib – Lab – Reb – Fa – Sib. En B tenemos el arpegio base de Carne (Inmundo). La afinación, en este caso, es 2 tonos por debajo de la standard, es decir Do – Fa – Sib – Mib – Sol – Do. Noten que la gran originalidad del sonido del arreglo está dada justamente por el cambio de afinación.

Por último (C), el riff de Sacate la Mierda (Carajo). En este caso, tenemos un pedal constante mientras la línea de bajo, tocando las tónicas, define la armonía del tema. En este caso deberemos afinar nuestra guitarra un semitono abajo: Mib – Lab – Reb – Solb – Sib – Mib..

Aclaración: Las notas escritas en el pentagrama son las que suenan. En la tablatura, en cambio, decidí escribir las digitaciones con las afinaciones alteradas.

Si las tocamos sin cambiar la afinación, el tema sonará en otra tonalidad.

34 | Transcripciones de Carajo

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PeaVeY Tour SerieS

TRADICIóN Y POTENCIA La serie Tour de cabezales de bajo está al tope de gama de los productos Peavey y ofrece amplificadores de potencia clase A/B

Importa y distribuye Someco Electronics SA - www.someco.com.ar

La serie Tour de cabezales de bajo está al tope de gama de los productos Peavey y ofrece amplificadores de potencia clase A/B, con las exclusivas tecnologías patentadas DDT, circuito de protección de altavoz, que asegurará años de actuación sin problemas, y SmartRail. Estas tecnologías les dan a este tipo de amplificadores un poderoso nivel de procesamiento dinámico, logrando excelente potencia en muchísimo menos peso, sin la necesidad de agregarle ningún proceso de distorsión o delay. Cada amplificador posee protección DC, un eficiente sistema de enfriamiento con dos veloces ventiladores. Sin embargo, esto no es todo. Estos amplis incluyen el Kosmos B Subharmonic Generador, que permite al usuario sintetizar una nota una octava más abajo de la nota original que se está ejecutando. Para conseguir el mejor sonido posible cuentan con un EQ gráfico con Q constante de 9 bandas Estos cabezales de bajo son ideales para ensayo en estudio o en conciertos al aire libre, donde se necesita un nivel alto de volumen. Todo esto gracias a la reputación de la calidad que sólo ofrece Peavey.

tour 450 450 watts a 4 Ohms y 300 watts a 8 Ohms.

Dos entradas de jack para bajos de alta y baja salida.

Entrada jack auxiliar montaje trasero.

Salida DI (directo a mesa) XLR phantom 48v con protección de fallos.

Transformador de potencia toroidal.

Controles de ganancia pre y post.

Selectores de brillo y corte de graves.

Control de contour.

Controles activos shelving agudos y graves.

Ecualizador gráfico de nueve bandas, constante-Q con selector bypass.

Poderoso generador de sub-armónicos/octavador con control de nivel que puede ser conmutable por pedal.

Loop de efectos Post-EQ. Jack de envío afinador aislado.

36 | Informe PEAVEY Tour Series

tour 700 700 watts a 4 Ohms y 500 watts a 8 Ohms.

Dos entradas de jack para bajos de alta y baja salida.

Entrada jack auxiliar montaje trasero.

Salida DI (directo a mesa) XLR phantom 48v con protección de fallos.

Transformador de potencia toroidal.

Controles de ganancia pre y post.

Selectores de brillo y corte de graves.

Control de contour y controles activos shelving agudos y graves.

Ecualizador gráfico de nueve bandas, constante-Q con selector bypass.

Poderoso generador de sub-armónicos/octavador con control de nivel que puede ser conmutable por pedal y Loop de efectos Post-EQ. Jack de envío afinador aislado.

Sólida protección de altavoz DDT anti-recorte de cresta de señal con un selector de desconexión.

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BlaCKSTar aMPS

EL PODER DE LAS VÁLVULAS Arriban a nuestro país los amplificadores Blackstar, una alternativa en equipos valvulares que pronto causará sensación como lo refleja su éxito en el mundo.

Importa y distribuye Hendrix Music SRL - www.hendrixmusic.com.ar

Con su oficina situada en Northampton, Inglaterra, Blackstar Amplification posee una interesante historia.

Todo comenzó 8 años atrás, cuando sus miembros fundadores Ian Robinson, Bruce Keir, Richard Frost, Paul Hayhoe y Joel Richardson, junto a otros trabajadores, decidieron dejar su trabajo en el aclamado departamento de Investigación y Desarrollo de la compañía Marshall. “No hay dudas de que si usted está dentro del mundo de la electrónica y la guitarra de rock, entonces el diseño de amplificadores Marshall es probablemente el mejor trabajo del mundo, y nosotros tuvimos el privilegio de ser sus diseñadores”, comenta Ian Robinson.

Sin embargo, “si usted trabaja como diseñador de amplificadores para una empresa como Marshall, está naturalmente obligado a desarrollar productos que se ajusten a lo que la gente ha llegado a esperar de la marca a través de su historia. Deben tener cierto aspecto, respuesta y tono. Bruce y yo teníamos muchas ideas para los productos, pero sabíamos que no serían adecuadas para Marshall y, con el tiempo, llegamos a la conclusión de que la única manera que podríamos lograr desarrollar esas nuevas ideas y diseños sería fabricando nuestros propios productos.

Nosotros nunca tuvimos la intención de ofrecerles a los músicos un sonido Blackstar, sino que lo que queríamos

38 | Informe Blackstar

hacer era darles la flexibilidad para conseguir cualquier sonido que quisieran. De ahí el lema ”el sonido en tu cabeza”, que no es sólo un slogan de ventas. Nuestra filosofía es fabricar productos con la flexibilidad necesaria para dar a la gente el sonido que ellos quieren oír.

En última instancia, todo esto es de lo que se trata Blackstar para nosotros”, finaliza Robinson. El nombre de esta marca de amplificadores surge de la canción

de Radiohead llamada Blackstar, ya que a todos los creadores les gustaba ese tema.

Los productos de Blackstar, tanto amplificadores como pedales valvulares, han sido premiados por diversos medios especializados, y ganadores de Mejores Productos en las ferias mundiales Namm y Musik Messe.

Gracias a su versatilidad y variedad de modelos, ya sea para rock, blues o heavy, artistas como David Bowie, Iggy Pop, Ozzy Osbourne o Whitesnake, entre otros, confiaron en la marca desde un principio.

Dada esta introducción, sólo resta detallar los modelos que arribarán a nuestro país de la mano de Hendrix Music S.R.L. Podemos dividir a los amplificadores en tres clases: HT Series (se trata de los más versátiles y están al alcance de cualquier guitarrista profesional), One Series (similares a un sonido Mesa Boogie, con mucho peso y sustain) y Artisan Series (amplificadores 100% de boutique, al estilo de un verdadero plexi).

Todos los modelos que encontramos en la web de Blackstar (http://www.blackstaramps.co.uk) estarán arribando a nuestro país entre octubre y noviembre del corriente año. Lo más importante de estos amplificadores es que son 100% valvulares, y lograron producir en forma estandarizada un producto artesanal.

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roCK ToDo Terreno Importa y Distribuye FAMA MUSIC SA - www.famamusic.com.ar

Desde que los instrumentos Cort ingresaron en nuestro país, su popularidad creció notablemente. Los distintos músicos llenaron los foros y los sitios de internet con críticas favorables acerca de las guitarras y los bajos que esta marca fabrica en Indonesia. La relación calidad-precio hizo posible que muchos músicos tuvieran acceso a dichos instrumentos.

En esta oportunidad, Cort decidió ampliar su catálogo y sumar a su extensa lista de productos la seria “Fuel”. La particularidad de estas guitarras es su terminación, ya que el diseño se basa en las antiguas latas de aceite para autos, presentando cada una de ellas un diseño único. La principal diferencia entre ambas guitarras es que el modelo “Gasoline” cuenta con su mango encolado, mientras que la “Motor Oil” tiene su mango es atornillado. La construcción de estos dos modelos es la siguiente: Cuerpo de tilo Mástil de arce canadiense Escala de 24.75´´ Diapasón de Palisandro Mics Rocker-II Clásicas (H / H) Cejilla Graphtech Puente Tune-o-Matic Esta particular idea pertenece a un luthier de Los Ángeles, llamado

40 | Testeo Cort Fuel Series

Ponemos a prueba dos nuevos modelos de las asombosas guitarras Cort, en este caso las Fuel Series, que presentan innovadores diseños y son altamente inflamables!

Por Daniel Makelvintong

Stephen McSwain. La marca comenta acerca de este artesano: “McSwain ha sido discreto en la construcción, logrando gran reputación en la comunidad de los guitarristas, como un constructor de lo que él llama "arte funcional". Lo que empezó hace muchos años con una herramienta de motor talla, algunos cuchillos y alguna aptitud artística y musical, ha florecido en un negocio de construcción de guitarras exquisitas.

Su artesanía atrae la atención de los clientes, tales como Steve Vai, Slash, Jerry Cantrell, Korn, Tommy Lee, y Vernon Reid”. Según la empresa, su capacidad de fabricación de avanzada les permite producir diseños hechos a mano a precios muy accesibles, manteniendo la autenticidad y los detalles de los originales.

Yendo puntualmente al sonido de estas guitarras, no hay muchas más sorpresas de las que ya hemos tenido con Cort. ya que el sonido de estos dos instrumentos es realmente contundente y muy versátil. “Tratándose de un formato tipo “Les

Paul”, con dos micrófonos de doble bobina, tenemos mucho cuerpo en nuestro sonido, pudiendo abarcar muchos estilos musicales. La única diferencia entre ambos modelos se remite a la construcción, ya que una es encolada y la otra atornillada. Esto hace, como en la mayoría de las guitarras, que las que poseen mango encolado tengan un poco más de sustain y brillo a la hora del toque.

Este modelo de Cort no escapa a esta regla casi “generalizada.

Las terminaciones de estas guitarras Fuel son muy delicadas. Mantienen fieles los detalles que poseen los modelos originales diseñados por Stephen McSwain. Los accesorios son de buena calidad y, por el valor que tienen en nuestro mercado, son sin dudas una gran alternativa en cuanto a sonido y diseño.

No olviden tener un matafuego cerca ya que estas preciosuras son altamente inflamables y seguramente van a lograr encender el fuego sagrado que mantiene el rock and roll haciendo sonar los parlantes de tu estéreo!.

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STaGG 60 Ga eu La firma Stagg Music es una marca belga que, desde 1995, se dedica a construir instrumentos e insumos musicales de muy buena calidad, a un precio accesible para todos. Es así como se encargan de la fabricación de guitarras y bajos, tanto eléctricos como acústicos, cajas de audio y sonido, y amplificadores para diferentes propósitos.

En este caso, vamos a darle una ojeada a su combo para guitarra GA 60, un equipo de construcción y sonido bien parejos y fácil de transportar. El equipo presenta

u n a construcción muy práctica, ya que estamos en presencia de un combo con buena potencia, pero compacto en tamaño.

Viene equipado con un parlante de 12´´, que está cubierto por pana y una reja metálica bien resistente. El diámetro de este sorprendente amplificador es 47x50x26 cm., con esquineros metálicos, y pesa aproximadamente 17 kilos.

Tenemos entrada para instrumentos de alta impe-

42 | Testeo Stagg GA60 EU

La marca Stagg nos presenta su combo transistorizado GA 60 EU, ideal para tener un sonido compacto de buena calidad.

Por Rodrigo Yacciofani - Importa y Distribuye MJ MUSIC - www.mjmusic.com.ar

dancia. El 60 GA cuenta con 2 canales, uno limpio (clean) y otro saturado (overdrive), 3 bandas de ecualización, spring reverb, control de master volumen, control de nivel de ganancia, controles de volumen independiente por cada canal, entrada de footswitch, loop de efectos y entrada de cd/mp3 stereo. El GA 60 es un equipo construido de una forma muy prolija y, de los de su especie

(teniendo en cuenta la relación calidad y precio), es una muy buena opción para equiparnos de forma decente con poco dinero, sin tener que resignar calidad de componentes o audio, además de tener la cualidad de ser un equipo fácil de transportar.

El 60 GA es un amplificador con un timbre muy cálido en los sonidos limpios, tiene buena presencia de medios y graves, y el parlante responde bien a las distintas dinámicas e intensidades que vamos dando con el instrumento. Sumando un poco de reverb podemos agregar sutilezas a nuestros sonidos

limpios, pero exagerando un poco su nivel y dando buen volumen resulta un equipo ideal para tocar estilos como funk y reggae, ya que el parlante nos brinda un sonido sin saturaciones, que nos permite exigir el volumen con tranquilidad sin temer que el mismo pierda definición. También utilizando los medios y graves a más de la mitad se puede obtener un sonido “añejo”, ideal para tocar blues o jazz.

Pasando de canal, nos encontramos con un overdrive de ganancia media, y se pueden obtener distintos resultados, dependiendo de las combinaciones de volumen de canal con el master y la cantidad de ganancia. Se puede obtener un overdrive sutil para tocar al viejo estilo de Eric Clapton o George Harrison, con el pote de volumen de canal en tres cuartos, el master a la mitad y la ganancia en un cuarto. Acorde vayamos agregando ganancia, conviene bajar un poco el volumen del canal para evitar acoples; es un sonido más bien para tocar blues, rock o rockanroll, y para destacar en nivel de salida general. Es un equipo con el que se puede tocar tranquilamente en vivo para shows pequeños. La calidad del overdrive de esta amplificador es muy buena. El truco está en manejar bien los parámetros de ecualización para optimizar la claridad del sonido y poder aprovechar el resto de volumen que el equipo posee. Se puede trabajar con pedales tranquilamente, y podemos aprovechar el loop de efectos para pasar nuestros efectos de modulación.

Este amplificador Stagg Ga 60 es una muy buena opción dentro de los amplificadores disponibles en plaza en este rango de precio. Tiene una construcción muy prolija y con componentes de calidad, además de la confianza que la marca nos da, ya que hace 16 años que se dedica a la construcción de instrumentos, a diferencia de muchas otras variantes dentro del mercado. Tiene un diseño compacto y fácil de transportar, con los parámetros de ecualización necesarios para lograr su asombroso sonido característico.

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PalMer CroSSBoW lTD Por Daniel Makelvintong - ImportaHarmony Music Group - www.harmonymusicgroup .com.ar

“Por más de veinte años el gran Ben Chafin ha construido una inigualable reputación en la exclusiva actividad de la creación artesanal de guitarras y bajos, para algunas de las compañías más grandes del sector. Ha trabajado junto a famosos músicos en todo el país, y comprende el trabajo apasionado de crear instrumentos para los talentosos artistas que los tocan.

Como un brillante luthier de guitarras, el señor Chafin sólo trabaja con las maderas más refinadas y los mejores equipos que se puedan conseguir.

Este mismo compromiso con la calidad de su profesionalidad ha hecho de las guitarras B. Chafin USA Custom un complemento prestigioso para los coleccionistas y músicos del mismo estilo. Ahora, para hacer más accesible su serie exclusiva, Chafin ha decidido asociarse con Palmer Guitar Company.

Chafin expresó con cariño que se encuentra “orgulloso y entusiasmado” de unirse a la Familia Palmer

44 | Informe Palmer Crossbow LTD

De la mano del Luthier Ben Chafin En esta oportunidad les acercamos las características de este modelo de Palmer Guitars, que está construido en Indonesia con la participación de Ben Chafin.

y “espera ansioso ofrecer innovación” al diseño de las guitarras más selectas que se puedan crear. “Si busca guitarras que le ofrezcan verdadero placer, tanto por el hecho de tenerlas como de tocarlas, acérquese y experimente el trabajo profesional de Chafin. Para mayor información sobre B. Chafin USA Custom y su creativa línea de excelentes guitarras, por favor diríjase al comercio local de Guitarras Palmer. Una vez que haya visto más, comprenderá el ingenio tradicional y la profesionalidad de las guitarras B. Chafin USA Custom”, explican los propios fabricantes.

La empresa Harmony Music Group importa y distribuye estos instrumentos en nuestro país, para que podamos contar con una buena alternativa en materia de guitarras y bajos.

Dentro de las Indonesia Series, las Crossbow STD

poseen cuerpo sólido, con incrustaciones de Caoba Natural, 24 Trastes tamaño Jumbo, dos Humbuckers (Edge-II), llave selectora de tres posiciones, afinadores Cromados Satinados TONEPROS, dos controles de volumen, dos controles de tono con Push-Pull (Coil Tap), Tapa de Arce Esfumada y Cuerpo Tallado a Mano.

Esta serie de Palmer tiene prestaciones muy cómodas. El acceso a los casilleros más cercanos al cuerpo de la guitarra es muy cómodo. Ya con tocar este instrumento desenchufado nos damos cuenta de que tiene un sonido contundente, y al conectarlo al equipo corroboramos la definición que le dan los micrófonos doble bobina. Ideal para tocar bases de blues o de rock con algo de distorsión. La Crossbow LTD responde bien a los sonidos limpios, con mucho brillo en su micrófono del puente y un sonido cálido en la posición del mástil.

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eSP lTD TruCKSTer Por Rodrigo Yacciofani

Curioso destino le esperaba a Hisatake Shibuya cuando abrió su primera tienda en Tokio por el año 1975. Le puso el nombre "Electric Sound Products" (ESP) y, como tantos en el mercado, inicialmente se Importa y Distribuye Diplam - www.diplam.com.ar encargaba de reparar y fabricar accesorios para guitarras.

Ya para el año 1983 pudo insertarse en el mercado estadounidense, llamando la atención de músicos como Page Hamilton, Vernon Reid y George Lynch, entre otros.

Hablamos de una marca siempre relacionada con artistas de hard rock y heavy metal. En esta ocasión, la firma de guitarras ESP nos presenta uno de los modelos Signature más distintivos de su catálogo. Se trata nada menos que del modelo Truckster, utilizado por el señor James Hetfield de Metallica. Una guitarra que le suma al formato clásico de las Les Paul las herramientas necesarias para obtener un sonido agresivo y contundente.

La construcción de la guitarra presenta mango encolado, escala de 24.75 con 22 trastes y cejuela de 42mm. La guitarra posee clavijas Sperzel con traba de muy buena calidad, straplocks Shaller, puente con piezas Tonepro, micrófonos activos EMG 81 en el puente y EMG 60 en

46 | Testeo ESP LTD Truckster

el mango, llave de 3 posiciones, controles independientes de volumen para cada micrófono, un control de tono general y una perilla inactiva en la parte superior del cuerpo. El cuerpo y el mango de la guitarra están construidos con caoba seleccionada. Tiene una tapa de maple en el cuerpo y la trastera es de Rosewood con incrustaciones en bandera. El acabado de la de color negro satinado.

La Truckster, a primera vista, tiene un look bastante llamativo. Respeta los detalles de diseño que Hetfield proporcionó a la fábrica, con la pintura negra satinada y una suerte de “golpes” simulados, donde se puede ver la madera al descubierto, que le da un toque muy original. No por nada, la firma realizó modelos Custom Shop de guitarras para Metallica durante quince años. La guitarra nos da una propuesta sonora muy interesante, ya que tiene todas las características tonales clásicas de una Les Paul de alta gama, con mucha profundidad en el sonido y muy buena respuesta en graves, pero adaptada para poder desenvolverse con éxito en estilos más agresivos y modernos. Este modelo Signature posee de fábrica los micrófonos EMG 81 y 60 activos, que le dan tono y volu-

men parejo en todo el mango. El nivel de salida de estas pastillas favorece al instrumento, dándole muchísimo cuerpo y sustain a las notas. Se destaca con la llave de 3 en el medio y, variando un poco el tono general del instrumento, se puede acceder a sonidos limpios con matices distintos, dependiendo de cómo manejemos el tono general para variar el ataque. La acción del mango es muy cómoda, con terminación en “U”, pero más fino que otras Les Paul.

Sumado a esto, los trastes, que son bien gruesos, nos dan una acción rápida sobre el mango y buena definición en las notas. Una vez que cambiamos de canal y pasamos a los sonidos distorsionados, por decirlo de alguna manera, se genera algo mucho más agresivo.

La guitarra “te arranca la cabeza”. Es bien agresiva como uno espera, a diferencia de otras guitarras, que tienen toda la estética, pero a la hora de demostrarlo se quedan a mitad de camino. Si tenemos un amplificador transistorizado casi no hay que tocar los potes de ecualización, ya que pareciera que la guitarra, como viene del cable, ya suena óptima.

Es para tocar con altísimo volumen sin temerle a los acoples, ruidos o soplidos de ningún tipo. Se puede tocar con cualquier tipo de distorsión y se puede afinar con confianza de distintas formas, ya que las clavijas Sperzel trabajan muy bien en afinaciones bajas con fidelidad. Un instrumento de alta gama construido para suplir las necesidades musicales actuales. Ideal para tocar cualquier estilo de rock pesado, y pensado para los guitarristas que necesitan un sonido agresivo y con calidad profesional.

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inFluenCiaS

Alejandro Medina

Hola a todos, y de nuevo bienvenidos a esta columna. Si de influencias locales se trata, Manal, Los Gatos y Almendra son unánimemente considerados los pilares Por Pablo Santos iniciales del rock argentino.

La nota de esta sección está basada en Alejandro Medina (bajista de Manal), La Pesada del Rock, Aeroblues y Pappo´s Blues, entre otras super bandas. Es mucho lo que podemos aprender de esta leyenda viva, que aún sigue girando y rockeando por todo el país junto a ¨La Medinight¨, su actual banda solista.

El ej. 1 corresponde al tema de Manal ¨Doblé en una esquina¨ y es un excelente recurso para ¨agrandar¨ una armonía constante. Siempre con octavas, en el 1er. compás toca las tónicas, en el 2do. las terceras, y en el 3er. compás las 5tas. de cada acorde. Cierra el arreglo tocando 3ra. y 7ma. del dominante (La7), en lugar de la resolución obvia, que sería la tónica del mismo.

El ej. 3 es la base y vuelta armónica de ¨Vamos a buscar la luz¨ de Aeroblues.

Noten la resolución del blues, variando la armonía tradicional a partir del compás número 17. Este tipo de bases, del tipo ¨power trío¨ (Cream, Jimi Hendrix Experience) requiere distorsionar desde el instrumento, más que a partir de pedales o equipos. La idea es pulsar fuerte, y luego procesar el audio. No teman al ruido del entorchado de las cuerdas contra los trastes, sino todo lo contrario.

Les recomiendo escuchar los discos de Manal, de Aeroblues y, sobre todo, cuando la ocasión se presente, vayan a ver un show de este excelente bajista/cantante y compositor. Podrán comprobar que hoy por hoy sigue estando en plena vigencia artística, y tocando cada día mejor. ¡Hasta el próximo número!

El ej. 2 es el riff de ¨Sacúdeme la vida¨, en la versión de su álbum solista ¨De qué sirve la vida¨. El 4to. compás, el silencio de redonda, es una invitación a ¨zaparle¨ fills; en principio en la tonalidad de FA. ¡A por él!

PABLO SANTOS es bajista de JAF y director musical de Soledad Pastorutti, tocó en las bandas estables de David Lebón, Alejandro Lerner y Diego Torres. Además grabó discos y participó en presentaciones de: Mario Bofill, Miguel Botafogo, Gloria Estefan, León Gieco, Horacio Guarany, Juanse, Los Kjarkas, Mimi Maura, Nito Mestre, Chico Novarro, Olodum, Pappo, Luciano Pereyra, Luis Salinas, Sartén System, Bebu Silvetti, Mercedes Sosa, Patricia Sosa y Lito Vitale, entre otros. Su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición.

Facebook: pasantosblo@hotmail.com http://www.myspace.com/santospablo

48 | Suplemento Técnico

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GuiTarra riTMiCa

The Beatles

¡Hola, gente! Hoy quiero analizar algunas bases de este cuarteto, que no necesita Por Facundo López Burgos presentación alguna.

En primer lugar, nos encontramos con Taxman, pieza de George Harrison que abre Revolver, y vemos una forma de generar variación ante una armonía estática (los cuatro compases del ejemplo en D7). Por un lado, la guitarra se apoya en la base del tema, tocando los tiempos 2 y 4 del compás (al igual que el tambor), pero introduciendo una pequeña variación, ya que al golpe del 2º tiempo lo deja sonar el tiempo completo. El del 4º tiempo es ‘sttacato’, es decir que corta el sonido inmediatamente después del ataque. Además, en el 3º compás encontramos una pequeña variación rítmica (también la escuchamos en el tambor), con un movimiento melódico generado al agregar al acorde una tensión, en este caso la 9ª aumentada.

En el ejemplo B (Oh Darling!, Abbey Road) nos encontramos con un piano que ocupa mucho lugar, tanto en el aspecto armónico como rítmico. Una vez más la guitarra elige apoyar el golpe del tambor utilizando pocas notas, y en una pequeña porción

del registro. Si escuchan atentamente notarán que la nota más grave tocada por la guitarra es a lo suma igual a la más aguda tocada por el piano. El ejemplo C nos muestra el riff de Drive My Car (Rubber Soul). El mismo está construido utilizando el arpegio del acorde (tónica, tercera y quinta), y tocado a distancia de octava junto al bajo. En el último ejemplo vemos el motivo rítmico de la intro, que se repite a lo largo de la estrofa en el tema Everybody’s Got Something to Hide Except Me And My Monkey (Álbum Blanco). El mismo alterna las tríadas de Mi Mayor y La Mayor. Al permanecer la línea de bajo firme en Mi mayor, el resultado es que se escuchan la tríada del acorde primero, a lo que se agregan 4ª y 6ª luego. Si observan, la segunda y tercera tríadas no son más que dos distintas inversiones de la tríada de La Mayor.

Bueno, como siempre, por clases o dudas pueden escribirme a faculb@gmail.com. ¡Hasta la próxima!

FACuNDO LóPEz BurGOS, es guitarrista y compositor. En el año 2009 edita el CD ‘Si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante Claudia Puyó en la década que le valió el Premio Konex (96-07), participando en el CD La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. En el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa Duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito Paez, Daniel Colombres, Gringui Herrera, Guillermo Vadala, Pepe Céspedes (Bersuit), Oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (Gran Martel l), Facundo Guevara, Guido Martínez, Mariana Baraj, Daniel 'Pipi' Piazzolla, y Alambre González, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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Suplemento Técnico | 49

SHreD GuiTar

Por Silvio Gázquez

En mi caso, no soy de esos violeros que antes de un recital se matan haciendo ejercicios específicos de calentamiento. Prefiero simplemente ponerme a tocar, pero sí hay un par de cosas que me gusta hacer. Como veremos, hay ciertos ejercicios que ayudan mucho a calentar las manos, por ejemplo, ejercicios con notas pedales. Estos me han ayudado mucho a conseguir independencia en los dedos, por lo tanto, son muy buenos a la hora de ponerse a punto para un show. Hace poco vi una entrevista a Greg Howe y a él también le gusta hacer ese tipo de ejercicios. También están las escalas cromáticas, que dándoles una vuelta de rosca pueden ser más divertidas. Además, hay un ejercicio que saqué de un video de Paul Gilbert, el cual me ha servido mucho. También se trata de una nota pedal, pero con algunos saltos de cuerda.

Recuerden que los ejercicios que veremos a continuación son meramente eso, ejercicios.

Yo no los emplearía en un solo o canción… Bueno, basta de palabrerío y echémosles un vistazo a los ejemplos…

Ej.A: En este ejemplo veremos una idea con la conocida escala cromática. Este ejercicio es interesante porque abarcamos gran parte del diapasón. Lo importante es mantener el movimiento de la púa bien consistente, con peso y siempre abajo-arriba, abajo-arriba.

Warming Up En este número vamos a ver algunos interesantes ejercicios de precalentamiento que podemos utilizar cuando los necesitemos.

Ej.B: En este ejemplo vamos a ver una idea con notas pedales. Se le dice así porque siempre se repiten una o más notas, en este caso el A y el G♯ de la 2da. cuerda. Además de independencia en los dedos, este ejercicio nos va a dar una buena técnica de púa.

También pueden crear sus propias ideas, ya que con este tipo de cosas hay muchísimas posibilidades. Si no, escuchen a violeros como Vinnie Moore, en sus viejas épocas, a George Bellas, Yngwie, etc.

Ej.C: Este último es uno de mis preferidos. Es excelente para practicar y calentar la mano derecha, ya que tiene saltos de cuerda y, en mi opinión, lo más difícil de púa alternada, que es cuando ésta nos queda como encerrada entre dos cuerdas, por ejemplo, golpe hacia arriba y en la próxima cuerda para abajo. Este se lo robé a Paul Gilbert, uno de los más capos en púa alternada, sin dudas…

Ok, esto es todo por hoy, espero que les sea útil y, como digo siempre, creen sus propias ideas. Recuerden que estoy dando clases a distancia por Skype, así que cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo topogazquez@hotmail.com. Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho… ¡Saludos!

SiLViO GázquEz Oriundo de Lincoln (prov. de Buenos Aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La Plata, en donde reside actualmente. En el 2008 fue contratado por una compañía de EE.uu. para filmar DVD’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso Guitar Secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online Guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del Guitar idol 2008. En el 2009 ganó en Youtube el concurso Petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del Guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: Shred This (top 45); Mayones Contest (top 15); Give me a riff (top 10); y Strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

50 | Suplemento Técnico

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iMProTéCniCa

Por Gabriel Caparrós

Es una escala que se usa bastante, y en casi cualquier estilo. Algunos que no la conocen seguramente la han tocado sacando algún solo de Slash, Steve Vai, Andy Timmons, Richie Kotzen, Eric Johnson, Greg Howe y Paul Gilbert, entre otros. Lo interesante acá es aprender a improvisar con ella y sacarle el jugo lo más que se pueda, así que les daré algunos ejemplos para usarla, para que después creen sus propios links. escala Em pentatónica menor con 2da. Mayor. grados 1 2 b3 4 5 b7 notas E F# G A B D

Pentatónica Menor con 2da. Mayor ¡ALOHA, queridos colegas! Hoy vamos a ver esta escala, la pentatónica con 2da. mayor, muy usada por muchos guitarristas conocidos, y la usan de diversas maneras.

Ej.2: Este es un ejemplo al estilo de Paul Gilbert, en el que usa esta escala de una manera particular, abriendo bien la mano para tocar dos posiciones en una misma cuerda.

En este ejemplo será en las cuerdas 2 y 4. Donde dice dedo 2 deberán utilizar en primer lugar el dedo 1(índice), dedo 2(medio) y dedo 4(meñique).

Ej.3: Ahora vamos a ver un ejemplo de esta escala, al estilo de Andy Timmons. Este es un patrón de semicorcheas.

Bueno, colegas, esto ha sido todo en esta sección, diviértanse descubriendo nuevos sonidos de esta escala. ¡ALOHA!

Ej.1: El primer ejemplo es muy usado por Greg Howe. Es un patrón rítmico con tapping, que se repite 3 veces en diferentes octavas.

GABriEL CAPArróS Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de Diego Mizrahi. Es profesor de Guitarra Eléctrica y Flamenca en la Escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la Doble 2, y con ricardo Alonso (“el Griego”, ex baterista de Pappo). Actualmente da clases particulares de guitarra.

E-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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Suplemento Técnico | 51

GuiTarra jaZZ

Escala Tonal

Por Juampy Juárez

Hola a todos los seguidores de la columna guitarra jazz. En este número les muestro la escala tonal, o escala por tonos, de origen chino, usada por primera vez por Richard Wagner en Occidente.

Esta escala tiene sólo 6 notas, es decir es hexatónica, y sólo hay dos de ellas, digamos C tonal y C# tonal. Entre estas dos escalas tenemos las doce notas que existen en el sistema occidental de música, llamado sistema temperado, o Equal Temperament.

tada (D, F# y A#). Cada nota de la escala puede ser tónica, y sus usos principales son sobre acordes 7 alterados (5#/9#/-9/º5), para crear tensión, o sobre acordes menores, para generar melodías, cosa que es mucho más difícil, dado el sonido aumentado de la escala.

La escala tiene las notas de dos tríadas aumentadas unidas por tonos. Por ejemplo, C tonal tiene las notas de las tríadas de C aumentada (C, E, G#) y D aumen-

En el próximo número seguiremos ampliando las posibilidades enormes de esta fascinante escala.

JuAMPY JuárEz ha estudiado con grandes como Pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, Gene Bertoncini, Jack Wilkins, Paul Meyers, Sid Jacobs, Bruce Arnold, y su mentor, el gran “Pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos Aires, Bangkok, San Pablo y New York. En el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz.

Como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como Pedro Aznar, Luciano Pereyra, Ciro Martínez, Axel, Lissa de Bandana, Emme Vitale, El reloj, Gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los Santos, entre muchos otros. Es docente, y su proyecto más importante es el Powerjazz Trío (junto a Chino Piazza en batería y Eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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arMonia Por Jorge Senno

Sistema de acordes de la escala mayor (transposición) Hace un par de números atrás comentábamos el sistema de acordes de la escala mayor, en este caso lo veremos en C diatónico.

La estructura de acordes resultante de la escala mayor es la siguiente, en el caso de las tríadas: IM

II m

III m

IV M

VM

VI m

VII dism.

Si agregamos las séptimas, obteniendo las cuatríadas: I7M

II m7

III m7

IV 7M

V7

VI m7

VII semidism.

Es un ejercicio indispensable transportar todo a las demás tonalidades. Por ejemplo, yo lo he hecho con la escala de D mayor (que contiene las notas F# y C#) y F mayor (que contiene el Bb). Si bien aparece en la clave, también podemos poner las alteraciones en forma accidental. Recomiendo hacer este ejercicio en las tonalidades de E, G, A, Bb, Eb. escala, tríadas y cuatríadas; nos familiarizará con las diferentes tonalidades.

Recomiendo como libro de consulta, para ampliar información, “Armonía Funcional” (Claudio Gabis), editorial Melos/ Ricordi (2006), en el cual he colaborado.

JOrGE SENNO estudió guitarra con Claudio Gabis, audioperceptiva con María del Carmen Aguilar, armonía con J. C. Cirigliano y Pedro Aguilar, entre otros docentes. Es autor de los libros “Solos redondos”, “Solos de La renga”, “Solos Divididos”, y colaboró en "Armonía Funcional" de Claudio Gabis, editado por ricordi, además de colaborar en diferentes revistas como “El Musiquero”, “Music Expert”, “recorplay” y otras.

Participó en shows y/o grabaciones con León Gieco, Claudio Gabis, Claudia Puyó, Skay Beilinson, Alejandro Medina, Jorge Pinchevsky, Miguel Cantilo, Miguel Botafogo, Ciro Fogliatta, Kubero Díaz, Edelmiro Molinari y otros. Tiene dos discos solistas editados: “Barraca Peña” y “un Blues desde el fin del mundo”, y numerosas colaboraciones con otros artistas como músico profesional. Actualmente está terminando de mezclar “En el cosmos no hay error”, nuevo trabajo discográfico grabado en el Estudio del Abasto. jorgesenno@gmail.com www.jorgeluissenno.com.ar

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Bajo TaPPinG

Minué en Sol Mayor para “Dos Manos Tapping” Parte 2 Esta es la continuación del minué de Bach que vimos en el número anterior.

Por Alejandro Giusti

Vamos a hacer un pequeño análisis de la parte. Aspecto rítmico: los primeros tres compases de esta segunda parte coinciden rítmicamente con el primer compás del minué, que está formado por una negra y cuatro corcheas. Con esa primera “idea rítmica”, Bach desarrolla todo.

Si analizamos un poco más profundamente, tanto los desarrollos rítmicos como los melódicos, duran cuatro compases. Por ejemplo, los primeros cuatro compases funcionan como una pregunta que tiene su respuesta en los siguientes cuatro. Lo mismo sucede a partir del noveno compás, son cuatro de pregunta y cuatro de respuesta.

Si se fijan, a partir del compás ocho retoma la misma “idea rítmica”, pero con una variación. Le cambia el último pulso (hace una negra en lugar de dos corcheas), y lo repite en el siguiente compás.

También, rítmicamente hablando, los compases 5, 6, 7 y 8 coinciden prácticamente en todo con los últimos cuatro. Nada de esto es casualidad, sino el desarrollo intelectual de una mente brillante. Saludos, y será hasta la próxima.

ALEJANDrO GiuSTi Compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 CDs con su banda: “Giusti Funk Corp.”, “Barrio Funk”, “Arrabal Eléctrico”, “Plan C” y “Grande de Fuzza”. Entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, Pablo Mainetti, Lito Vitale, Pablo rovner, Daniel “Pipi” Piazzolla, Popy Spatocco, Juan Cruz urquiza, Nicolás Guerschberg, Gustavo Musso, Gustavo Cámara, Diego Clemente, Pedro Menéndez, richard Nam, álvaro Torres, entre otros. Alejandro Giusti es autor de dos libros con CD: “Bass Book de Slap”, 1999 y “Candombe Música Afro-rioplatense”, 2008. Del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music Expert, que se emitía para toda Latinoamérica. Podes conectarte con Alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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Bajo jaZZ

Interpretando una partitura Hola, amigos, en este número seguiremos trabajando sobre la misma base armónica de "Tune up", pero esta vez abordando la temática de la improvisación.

Por Damián Vernis

Veamos el análisis armónico y modos correspondientes a cada acorde del tema. Allí podremos ver en el análisis armónico entre corchetes las tonalidades, como por ejemplo en el primer renglón podremos improvisar con una sola escala, ya que los tres acordes y sus modos correspondientes están relacionados entre sí. En el ejemplo de improvisación que les presento podemos escuchar que en los acordes dominantes séptima, las frases suelen pasar por algunas alteraciones, es decir que no se respeta al cien por ciento el modo mixolidio. También pueden repasar este recurso en los números 22 y 24 de esta revista.

DAMiáN VErNiS Bajista, compositor y docente. Estudió con Marcelo Torres, Juan Carlos Cirigliano y Néstor Marconi. En el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “Escuela de Música Popular de Curitiba”. A lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario Parmisano (pianista de Al Di Meola), ricardo Nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), Nora Sarmoria, Yeye López, Adrián Birlis y Beto Satragni, entre otros. Paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por Europa y Estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, Adrián Otero. Podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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Bajo BaSe Por Andrés Dulcet

Arpegios de 7ma. del modo Mayor Estimados colegas, en esta nota propongo analizar y practicar los arpegios contenidos en el Modo Mayor.

Esto proviene de armar un acorde de 7ma. sobre cada grado de la Escala Mayor, por supuesto respetando siempre las notas de dicha escala. Entonces, al agregarle a cada nota su correspondiente 3ra., 5ta. y 7ma., tomando como ejemplo al Modo Mayor de DO tenemos: 1er. grado: DO MI SOL SI 2do. grado: RE FA LA DO 3er. grado: MI SOL SI RE 4to. grado: FA LA DO MI 5to. grado: SOL SI RE FA 6to. grado: LA DO MI SOL 7mo. grado: SI RE FA LA Estas construcciones dan origen a 4 tipos diferentes de acordes, a saber: Sobre el 1ro. y el 4to. grado se forma un acorde MAYOR SÉPTIMA (cifrado Xmaj7) Sobre el 2do., el 3ro. y el 6to. se forma una MENOR SÉPTIMA (cifrado X-7 o Xm7) Sobre el 5to. grado se forma un acorde SÉPTIMA (cifrado X7) Sobre el 7mo. grado se forma un acorde MENOR SÉPTIMA CON 5ta. BEMOL o SEMIDISMINUIDO (cifrado Xm7b5 o Xø)

Dicho esto, deducimos que en el Modo Mayor de DO encontramos estos arpegios: Cmaj7 Dm7 Em7 Fmaj7 G7 Am7 Bm7b5 En el pentagrama les presento 3 posiciones para tocar cada uno de estos arpegios.

Además de tocarlos como indico en las tablaturas, siempre busquen tocarlos en alguna 8va. superior/inferior, mientras el registro del bajo se los permita.

En la próxima entrega veremos algunas interesantesformas de combinarlos. Gracias por vuestra atención, y ¡a practicar!

ANDrÉS DuLCET es sesionista y docente de bajo eléctrico desde hace 20 años. Trabaja en vivo y grabaciones con gran variedad de artistas como Fabiana Cantilo, Alberto Cortéz, Nito Mestre, Ariel roth y muchos otros. Por clases particulares, comunicate a: adulcet@hotmail.com (asunto CLASES).

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moskids - la mosCa

gold Cobra - limp biZkit

suCk it and see - arCtiC monkeys

baldíos lunares - juanse

Debido a la concurrencia de público infantil en los distintos conciertos que ofrecía La Mosca, la banda se propuso rendirles una especie de homenaje editando un nuevo disco. Este material, llamado “Moskids” (viene en formato CD+DVD), cuenta con canciones clásicas para niños, que la banda reversionó especialmente. En las diez canciones que componen el compacto, pueden destacarse "Don Pepito", "La Farolera", "Feliz, feliz en tu día", "Manuelita" y “Cumpleaños Feliz”, entre otros.

Guillermo Novelis, vocalista de la banda, aclaró: “hicimos versiones muy a nuestro estilo y nos divertimos muchísimo. Las elegimos para que los chicos las descubrieran junto a sus padres. Que los grandes tuvieran una sensación de nostalgia de cuando eran pequeños y esas canciones acompañaron sus infancias”.

Luego de un largo receso, aparentemente muy merecido dado que sus últimas producciones habían sido muy criticadas por la prensa, Limp Bizkit está de regreso con un nuevo material, denominado "Gold Cobra".

Este álbum es el quinto de la banda, que había editado su última grabación en 2005.

El cantante de la banda, Fred Durst, hizo mención a su último material: “Las cobras son bastante venenosas. Me hubiera gustado un título más largo y ridículo, pero `Gold Cobra` es tan ridículo como estamos dispuestos a llegar ahora mismo”, explicó Fred Durst, vocalista del grupo. Entre los músicos que participaron de la grabación, se encuentran Gene Simmons (cantante y bajista de Kiss) y el rapero Raekwon, integrante del mítico grupo Wu-Tang Clan. El disco contiene 13 canciones (4 más en su versión deluxe y un bonus track en su edición para iTunes).

El primer corte de difusión es "Shotgun".

La banda inglesa, formada en 2002, edita su cuarto álbum titulado "Suck it and see" (Chúpalo y verás), nombre que ha provocado muchas discusiones en USA, que ha generado que se censurara la placa y pusieran stickers para ocultarlo. El primer adelanto fue “Brick by brick”, y luego le siguió "Don't sit down 'cause I've moved your chair". El disco, que contiene doce canciones producidas por James Ford, suena como una mezcla de los tres anteriores, con un pop más marcado, pero sin abandonar la irreverencia que los caracteriza y el rock desenfrenado. En definitiva, un disco maduro que ha encantado a la crítica especializada. "Quería una fundación musical muy grande. Eso significa escuchar mucho a Cave, John Cale, Lou Reed, Bowie, ese fue el principio. Después, con el tiempo, otras influencias llegaron y yo empecé a trabajar duro en las canciones", declaró Alex Turner, cantante de Arctic Monkeys.

Denominado por su propio autor como “el mejor disco que realicé en toda mi carrera”, se lanza “Baldíos Lunares”, la tercera producción solista de Juanse. Luego de la disolución de Ratones Paranoicos, el vocalista vuelve a profundizar en su carrera en solitario. El disco fue producido por Juanse y Facundo Rodríguez y consta de doce canciones, entre las cuales se destacan “Gabinetes espaciales” y el primer corte de difusión “Sólo una vez más”.

"Tengo el camino bien claro por dónde ir… y logré el mecanismo de crear al arquetipo sin necesidad de intervenir con mi ex carrera con los Ratones”, amplió Juanse. El material cuenta con una gran producción de cuerdas y músicos experimentados, como Gonzalo Aloras, Diego Arnedo, Deborah Dixon y “Bolsa” González.

CoMPaCToS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección de la revista más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los CD’S editados por nuestros amigos y lectores. Por Daniel Makelvintong

un lugar Que nunCa muere - oConnor

CanCiones de Cuna - artistas varios

12 - gonZalo aloras

arderás - proyeCto esenCial

El ex vocalista de Hermética y Malón edita un nuevo material. Claudio O´Connor decidió relanzar los dos primeros discos de su banda, con un formato que incluye a ambos en Volumen 1 y 2. El título del disco es “Un lugar que nunca muere” y reúne a “Yerba mala nunca muere” y “Hay un lugar”, que fueron regrabados en vivo en La Trastienda el pasado mes de febrero.

En el disco se encuentran las canciones que con el correr de los años se fueron convirtiendo en clásicos de la banda. Se destacan: “Reflexión”, “Se extraña araña”, “Cuantas palabras”, “La gran 7”, “Hasta dónde quieren ir”, “El humo de la verdad” y “Atrapado en la red”. De esta manera Claudio O´Connor y Hernán García suman una nueva producción para su banda.

“El objetivo de este proyecto es que los chicos encuentren en la música un lugar de expresión. Las letras fueron escritas por chicos de 7 a 21 años. Se trabajó con más de 150 chicos para que, desde cada taller (teatro, música, artes plásticas y artes visuales), escriban textos, canciones, ideas, relatos relacionados a los sueños, a lo que alguna vez les cantaron, a lo que a ellos les gustaría cantarles a sus hijos. A los músicos que participaron les propusimos que con estas letras compusieran e interpretaran una canción pensando en cómo les cantarían esa letra a sus hijos. Algo simple, pequeño, una canción de cuna”, explican desde Casa de la Cultura de la Calle, organización que encabeza Nicolás Pauls. En este disco participaron Spinetta, Páez, Aznar, Gonzalo Aloras, Mollo, Nebbia y Miguel Cantilo, entre otros.

Gonzalo Aloras, ex guitarrista de Fito Páez, edita un nuevo material solista que cuenta con una gran producción, un exquisito repertorio y arreglos que decoran la maravillosa obra del autor. Otro de los detalles relevantes del material es la participación de músicos como Nebbia, Spinetta, Páez, Javier Malosetti, Juanse y Fernando Samalea. Las doce canciones muestran una madurez en el artista con respecto a su antecesor (también editó un disco de covers llamado “Superhéroes”). Aloras demuestra aquí su habilidad con los distintos instrumentos que ejecutó en la grabación, destacándose como guitarrista y pianista. El músico logra captar la esencia del rock nacional primitivo, que cuida mucho la canción, trasladándose en el tiempo a través de los sonidos elaborados y los arreglos que lo hacen más actual.

“Todos los deseos son un arma mental”. Con esta frase Proyecto Esencial da una presentación de su segundo disco. La banda de los hermanos Adamo (Juan Pablo en voces y guitarra, Fernando en batería y Alejandro en bajo) edita un nuevo material, “Arderás”. Los pioneros de FAMUSIC, junto al guitarrista Juan Manuel Galafassi, lanzan 10 nuevas canciones con buenas melodías y bases contundentes. Fue grabado, mezclado y masterizado por Martín Carrizo. La producción estuvo a cargo del mismo Carrizo y de Juan Pablo Adamo. Puede notarse la sana obsesión por lograr un buen sonido y se percibe una gran influencia de Soda Stereo y Cerati, sobre todo en las voces. Sumado a esto, en Mar de Lava se utiliza un fragmento de “Never du Nozin” de Richard Coleman, ex guitarrista de Cerati.

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