Guitarristas y Bajistas Magazine #27

s a t s i r r a t r i a . u G Bajistas & Generación musical

NOVEDADES - Página 08 REAL BOOK ARGENTINA - Página 10 NONPALIDECE - Página 12 NAMM 2011 (PARTE 2) - Página 16 MATÍAS MÉNDEZ - Página 20 JAVIER CATALÁ - Página 22 DISCOS COMPACTOS - Página 26 JAVIER MALOSETTI - Página 28 TRANSCRIPCIONES JM - Página 34 MUESTRA MÚSICA 2011 - Página 38 TOMÁS GUBITSCh - Página 40 hAMER MÓNACO - Página 42 IBANEZ WEEPING DEMON - Página 43 BIyANG TIME MAChINE AD-10 - Página 44 EKO LES PAUL - Página 46 CABLES SANTO ÁNGELO - Página 47 SUPLEMENTO TÉCNICO PABLO SANTOS - Página 48 FACUNDO LÓPEZ BURGOS - Página 49 SILVIO GÁZQUEZ - Página 50 GABRIEL CAPARRÓS - Página 51 JUAMPy JUÁREZ - Página 52 JORGE SENNO - Página 53 ALEJANDRO GIUSTI - Página 54 DAMIÁN VERNIS - Página 55 ANDRÉS DULCET - Página 56

En esta edición N° 27 de Guitarristas y bajistas.ar se reúnen varias generaciones de músicos. El caso más concreto es el de Javier Malosetti y el de Matías Méndez. Ellos tienen mucho en común. No sólo los une su pasión por el bajo, sino que ambos, en décadas distintas, formaron parte de la historia de Luis Alberto Spinetta. Javier lo hizo durante algún tiempo, tras la disolución de Los Socios del Desierto. Allí, con el “Tuerto” Wirzt formaban una combinación implacable. También participó junto al “Flaco” en grabaciones de estudio.

Matías Méndez es el actual bajista de Luis desde la partida de Nerina Nicotra, la única mujer en integrar una formación con Spinetta, y a medida que transcurren los shows se va afianzando, formando una buena base junto a Sergio Verdinelli y los teclados de Claudio Cardone. El tiempo pasa y en Argentina siguen surgiendo nuevos talentos. Como lo fue Malosetti, ahora lo es Matías Méndez, y lo seguirán siendo muchos jóvenes más a lo largo de esta hermosa e interminable historia de la música. Esta revista está siempre al lado de aquellos músicos: recordando a los que nos dejaron un legado, acompañando a aquellos históricos y consagrados, y empujando a los que dan sus primeros pasos en el ambiente musical. Con todos y cada uno de ellos compartimos charlas y nos nutrimos de esos conocimientos, que transformamos en información para nuestros lectores.

Otro de los socios de Luis Alberto Spinetta es parte de esta Edición. Tomás Gubitsch, el cuarto integrante de Invisible en "Jardin de los presentes", nos acerca su presente desde París. Luego de tocar con grandes artistas nacionales, el guitarrista decidió exiliarse en la capital francesa y desarrollar más a fondo su carrera. Actualmente es productor y está a cargo de distintos proyectos de música clásica.

La escena del reggae en Argentina tuvo un notable crecimiento en los últimos años. Un estilo que era apenas tenido en cuenta pasó a ser uno de los más convocantes dentro de nuestro rock. Nonpalidece es una de las bandas encargadas de haber llevado adelante esa madurez dentro del estilo. Bajo un marcado respeto a Bob Marley y una gran influencia en sus canciones, con una notable dosis de creatividad lograron llegar a la gente y así conseguir su segundo Luna Park.

También contamos con la presencia de Javier Catalá, un excelente guitarrista que acompañó durante muchos años a las figuras del pop mundial. Fue parte de las bandas de Alejandro Sanz, Ricky Martin, Miguel Bosé y Rosana, entre otros. Con esta última, visitó el país el pasado año con la gira que la artista española realizó por nuestro continente, y pudimos charlar acerca de todas esas experiencias junto a figuras internacionales. También nos habló de sus proyectos personales y de su pasión por el rock.

Editor responsable Silvia Ruggero sruggero@guitarristasar.com Periodista Sebastián Konrad konrad@guitarristasar.com Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com Publicidad Sergio Resar sergiog2007@hotmail.com Arte | Diagramación Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Rick Van Horn, Juampy Juárez Facundo López Burgos, Gabriel Caparrós, Rodrigo Yacciofani Silvio Gázquez, Alejandro Giusti Damián Vernis, Pablo Santos Andrés Dulcet, Jorge Senno Daniel Makelvintong

06 | Editorial

Como es habitual, te acercamos todas las novedades de los productos que llegan a nuestro país. Tenemos la posibilidad de analizarlos, y a través de nuestros testeos te damos los datos necesarios para que puedas comparar cada uno de ellos. En esta edición pusimos a prueba la guitarra Eko, modelo Les Paul, y el pedal Weeping Demon (DW7 Junior) de Ibanez. Nuestros informes proporcionan otra vía de información a nuestros lectores. A través de ellos pudimos mostrarte los cables de Santo Angelo que importa Harmony Musical Group, y las guitarras Hamer, propiedad de Hendrix Music.

El suplemento técnico mantiene el formato y la calidad de siempre. Distintos artistas nos dan lecciones acerca de diversos estilos musicales. Todas las vertientes de la música se amalgaman en esta sección, para poder ejercitar con el bajo o la guitarra.

Pasan las ediciones y seguimos adelante buscando siempre lo mejor. Escuchamos las distintas voces que van enriqueciendo nuestro camino. Hablamos con auspiciantes, con clientes, con lectores y con músicos. Fortalecemos nuestras debilidades y damos continuidad a aquellas ideas que prosperaron a través del tiempo.

Varias generaciones de músicos dan forma a nuestro 27° lanzamiento, y varias generaciones de lectores van a poder recibirlos en sus casas a través de Guitarristas y bajistas.ar.

Sebastián Konrad

Año 6º - Nº 27 | Mayo 2011 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 755, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A. Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A.

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NOVEDADES

Todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

Guitarras, baJos Y efeCtos ibanez importa y Distribuye iMsa - www.listaimsa.com.ar Luego de muchos meses de ausencia en nuestro mercado, las guitarras y bajos Ibanez vuelven a ser importados en nuestro país. De la mano de Promusica podemos tenerlas nuevamente con nosotros y disfrutar de su calidad. De fabricación china, se presentan las guitarras: Steve Vai Series (JEM 77V BK, JEM 7V WH, JEM 505 BK y JEM 505 WH), Joe Satriani Series (JS 1000 BP, JS 1200 CA y JS 2400 WH), RG 2500 MZ DY, RG 2500 MZ FOB, RG 2550 Z GK, RG 1570 Z BK, RG 1570 Z LMR, RG 1450 BEB, RG 1450 BHP, RG 1450 NC, RG 1527 Z BK, RGD 2120 Z CSM, RGD 2127 Z ISH, S 5470 TKS, S 5470 F RVK, S 5470 Q WCB, GB 10 BS, GB 10 NT, PM 120 NTY JSM 100 VT. En bajos podemos destacar el SR 5005 E OL, de 5 cuerdas. En materia de efectos tenemos a nuestro alcance: los Tube Screamer (TS 808, TS-9 y TS-9B para bajo), los Wha Wha (Weeping Demon WD-7 y WD-7JR).

Guitarras Martín & Co. importa y Distribuye intermusica - www.intermusicaonline.com.ar Las guitarras Martín & Co. se encuentran en el país de la mano de Intermúsica que nos da la posibilidad de elegir entre varias opciones en guitarras acústicas y electroacústicas, de origen mexicano. Entre los modelos encuentramos: X Series DXME (cuerpo de caoba, con Fishman Presys Plus), Special Edition XC1T Ellipse (cuerpo de satinwood, mango y puente de ébano y Fishman Ellipse Matrix Blend), X Series 00CXAE - Black (color negra con Fishman Presys Plus), Special Edition DCX1E (cuerpo de caoba y electrónica Fishman Presys Plus), X Series 000X1 (acústica, cuerpo de caoba) y X Series DX1E (acústica, cuerpo de caoba). La perla de las Martín es la Signature de Eric Clapton, que está construida en USA.. Se trata del modelo Vintage Series 00028EC (cuerpo de palisandro sólido, y mango y puente de ébano), que viene en su versión acústica.

CabLes snapJaCK pLuG pLuG importa y Distribuye baires Music www.bamusic.com.ar Estos cables que ingresan a nuestro mercado cuentan con un sonido profesional y son de alta duración. Esto se debe a su proceso de elaboración y a la materia prima empleada. SnapJack utiliza cable libre de oxígeno de alta

calidad, con cables trenzados de cobre helicoidales blindados, y con unos robustos imanes de neodimio con contactos chapados en oro de verdad.

De esta forma se elimina el ruido que se produce cuando se desconecta el cable y el amplificador se encuentra encendido. Esta característica, junto con los conectores adicionales, hacen al SnapJack ideal para los músicos que usan múltiples guitarras.

JaCK&DannY Guitars importa y Distribuye Hendrix Music srL www.hendrixmusic.com.ar La línea de guitarras y bajos eléctricos J&D Guitars se presenta nuevamente en nuestro mercado, luego de un tiempo que la empresa se tomó para el traslado de sus plantas, logrando una mejora significativa en cuanto a maquinaria y capacidad de producción para abastecer la creciente demanda. Recordemos que esta marca es muy reconocida en Europa por su relacion precio+calidad. Esta vez llega con nuevos modelos y mejores precios. La línea incluye guitarras modelo Strato, Tele, Les Paul, SG y Strato con Floyd Rose. En cuanto a los bajos se destacan los Jazz Bass, Precision Vintage, una nueva réplica de Music Man, y una serie de modelos más modernos que se presentan en 4, 5 y 6 cuerdas Pasivos y Activos. Los podrán encontrar en las mejores casas de música del país.

08 | Novedades

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Gibson sLasH appetite Les pauL importa y Distribuye import Music - www.importmusic.com.ar

fenDer bLaCKtop stratoCaster importa y Distribuye todoMúsica - www.todomusica.com.ar

Para honrar la trayectoria de Slash, Gibson introduce en su catálogo la Slash Appetite Les Paul, una guitarra equipada con los rasgos más finos de las LP Standards de los años 1958-60, y los poderosos Seymour Duncan Alnico Pro II humbucking. Trabajadas con un grado AAA en Maple y con cuerpo de Caoba (de menor peso), estas guitarras están terminadas con laca, dando el efecto de las Gibson añejas. El mando es de mahogany y la trastera es de palo de rosa, con 22 trastes jumbo, adornados con los “trapezoides acrílicos” habituales. El clavijero de esta Les Paul presenta el logo original del músico. La misma posee dos controles de tono y dos controles de volumen. Sin dudas, es una verdadera oportunidad para los amantes del rock and roll, los poderosos riffs y los contundentes solos de guitarra.

Fender, el principal fabricante de guitarras a nivel mundial, presenta la guitarra Blacktop Stratocaster HH, que entrega un sonido gordo de alta ganancia debido a su micrófono doble de alnico con más vueltas de alambre. Llegan a la Argentina por medio de su representante exclusivo, Todomusica.

Con líneas elegantes, la Blacktop Stratocaster HH posee perillas de amplificador de los 70´s en negro y puente hard tail fijo. Además tiene un cuerpo de alder, mástil de maple con un radio de 9,5” en el diapasón de maple o polisandro, 22 trastes medium jumbo. Su acabado es de poliéster brillante y herrajes cromados. Estas innovaciones de Fender expanden el horizonte sonoro de las guitarras clásicas Stratocaster®, Telecaster®, Jazzmaster® y Jaguar®.

La serie Blacktop cumple además con las exigencias del músico actual, que busca un sonido más potente y agresivo. Estas guitarras permiten seleccionar entre sonidos potentes, gordos y agresivos, que se ajustan a cualquier estilo. Fender es la guitarra elegida por Infierno 18, Walter Giardino, y muchos otros artistas nacionales e internacionales.

VaMos a briLLar Mi aMor importa y Distribuye fama Music - www.famamusic.com.ar DR Strings nos presenta sus nuevas cuerdas de Neon. Estas sorprendentes cuerdas tienen como característica el poder de brillar en la oscuridad, y aún así conservar la calidad del sonido reconocida mundialmente que ya posee la marca DR. Imagínense como lucen estas cuerdas en un escenario?.

A esto se le suma un recubrimiento anticorrosivo K3 Technology Color Coating, que le da una durabilidad nueve veces mayor, manteniendo el sonido brillante y cálido y manteniendo esos graves fuertes que siempre buscamos, con buen peso y bien definidos. Estas maravilloss cuerdas vienen para bajo eléctrico y guitarra eléctrica, en cuatro exclusivos y asombrosos colores: verde, amarillo, naranja y rosa. No se pierdan de brillar en cada show que hagan con su banda... y a rockear!

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Novedades | 09

BiENVENiDOS A REAl BOOk ARgENtiNA Distintos músicos argentinos se encuentran en este material para ofrecernos un libro a todos los estudiantes. Luego de que este tipo de proyectos fueran un modelo en Estados Unidos y Brasil, en nuestro país se edita Real Book Argentina.

Un tiempo atrás, cuando esta idea comenzaba a querer precipitarse hacia el plano de concreción, no habíamos captado acabadamente el alcance y el sentido más profundo del proyecto; sí sabíamos de dónde partía el deseo de que existiera: de su falta.

En algunos lugares del mundo, como USA o Brasil, ha tenido lugar el desarrollo de este tipo de libros, que desde siempre han representado un valioso recurso pedagógico y un canal de difusión importantísimo; una ventana que nos ha permitido asomarnos y relacionarnos a través de la música con el espíritu de sus creadores.

mirarse. La gran idea de Esteban Sehinkman, de compilar música de autores argentinos, la mayoría en activi-

El denominado “Jazz Argentino” conformado por una variada gama de estilos y definido por una situación histórica, sociocultural y geográfica única- ha dado origen a un discurso con identidad propia. Las ideas que conforman este universo creativo se afirman como conjunto y encuentran morada en este libro.

Pensado también como material de estudio, su contenido permite conocer a través del análisis los patrones de cohesión desde donde la música toma forma, se autodefine y nos ampara. Por ello, y apuntando al futuro, confiamos en que este libro sea además una herramienta que estimule la búsqueda creativa en las mentes jóvenes.

Es importante destacar que todos los temas incluidos fueron aportados voluntariamente por los compositores convocados (o sus representantes directos) y que fueron ellos mismos quienes eligieron obras significativas de su trabajo. También mencionar el aporte de los compositores de Uruguay -de reconocida trayectoria en Argentina y hermanos musicales- que sin dudas enriquece esta edición. Los invitamos entonces a ser parte de este emprendimiento, a contactarse y enviarnos sugerencias que nos permitan seguir construyendo este espacio. staff real book argentina www.realbookargentina.com “Luego de crecer escuchando música argentina muchos músicos se sienten llamados por el estudio. Es en ese momento que descubren que el mayor cuerpo teórico y pedagógico de música popular está en otro idioma y que, la mayor parte, proviene de EEUU. Los músicos de mi generación crecimos estudiando esos métodos y tratando, cada uno a su manera, de adaptarlos a las necesidades estéticas, sociales y económicas de nuestro contexto. Acaso el mayor problema, a mediano y largo plazo, haya sido la pérdida de identidad cultural ya que, más allá de apreciar las increíbles músicas de otras latitudes, se restringió la circulación de música popular creada por argentinos; sólo sobrevivía la tradición oral entre algunos grupos de iniciados. Brasil es un ejemplo de lo contrario, y buen espejo en donde

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dad, viene a llenar un vacío institucional, además de generar un momentum del que todavía no sabemos cuáles serán sus resultados, ya que el Real Book Argentina desencadenó, entre otras, acciones como el Ensamble Real Book Argentina en el Festival de Jazz de Buenos Aires, en donde los más destacados músicos de la escena se juntaron sin ningún tipo de pretensiones para convertir en música lo que está en el libro.

Esteban ha dado un primer paso muy importante, además por afuera de las instituciones, un gesto desinteresado para poner al alcance de todos nosotros el pensamiento musical de nuestros coetáneos. Una acción que es más que bienvenida desde el punto de vista pedagógico; pero, además, que es ejemplar desde el accionar. Demuestra que con ideas, convicciones y perseverancia se pueden lograr objetivos inalcanzables”. sergio Álvarez (Guitarrista) MúsiCos que partiCipan DeL proYeCto Wenchi Lazo, Dino Saluzzi, Alejandro Manzoni, Rodrigo Domínguez, Sergio Mihanovich, Ricardo Nolé, Jorge

López Ruiz, Sergio Álvarez, Juan Pablo Lazo, Oscar Feldman, Lobi Meis, Cirilo Fernández, Mili Bermejo, Ulises Conti, Ricardo Pellican, Blas Rivera, Natalio Sued, Andrés Pellican, José Pepe Angelillo, Alejandro Demogli, Marcelo Gutfraind, Sergio Poli, Santiago Vázquez, Claudio Ceccoli, Demián Cabaud, Juan Dargenton, Mono Fontana, Gabriel Vallejo, Daniel Martina, Rodrigo Gómez, Santiago De Fransisco, Mariano Otero, Armando Alonso, Luis Sartor, Marco Sanguinetti, Julio Awad, Damian Fogel, Daniel Pipi Piazzolla, Franco Fontanarrosa, Pablo Butelman, Julio Santillán, L. López Várady, Nicolás Guerschberg, Guillermo Celano, Juan Cruz Urquiza, Sergio Gruz, Santiago Giacobbe, Lulo Isod, Fernando Falcon, Oscar Alemán, Ale Franov, Francisco Huici, Pablo Puntoriero, Fat’s Fernández, Pablo Aragona, Carlos Michelini, Ariel Pablo Naón, Hernán Ríos, Leopoldo Deza, Alfredo Remus, Lucio Balduini, Sebastían Benassi, Mariano Loiacono, Román Cea, Javier Malosetti, Martín Porto, Walter Malosetti, Ignacio Hernández, Diego Urcola, Silvio Ramaglia, Guido Martínez, Saúl Cosentino, Arturo Puertas, Luis Nacht, Federico L. Orlando, Leo Masliah, Pato Carpossi, Juan Pablo Arredondo, Juan Pablo Compaired, Hugo Fattorusso, Gustavo Gregorio, Jorgelina Alemán, Marcelo Mayor, Pablo Bobrowicky, Facundo F. Bergalli, Lucho Paludi, Abel Rogantini, Nico Said, P. Windfeldt / Snajer, Nicolás Sorin, Pablo Paz, Ramiro Flores, Fernando Otero, Paula Shocron, Alejandro Herrera, Martín Iannaccone, Gustavo Bergalli, Leo Álvarez, Juan Suarez, Adrián Iaies, Adolfo Oddone, Pedro Giraudo, Ezequiel Finger, Gabriel Cuman, Pablo Ablanedo, Manuel Fraga, Pablo Tozzi, Guillermo Bazzola, Pablo Rodríguez, Rodolfo Alchourron, Ernesto Jodos, Rodrigo Ratier, Willi González, Bernardo Monk, Emilio Teubal, Eduardo Elia, Pablo Ziegler, Diego Schissi, Federico Lechner, Emilio Solla, Eric Kuschevatzky, Patricio Villarejo, Esteban Sehinkman, Carlos Lastra, Pablo Basez, Hernán Jacinto, Pablo Ledesma, Pablo Raposo, Juan Pablo Hernández, Leo Genovese, Agustín Conti, Alan Plachta, Carolina Caratti, Gabriel Toker, Juan Cruz Masotta, Juan Raffo, Diego Mark, Daniel Tinte, G. Rivano, Norberto Machline, Mariano Sivori, Javier Cohen, Norberto Minichilo, Enrique Norris, Fernando Huergo, David Horta, Carlos Álvarez, Javier Girotto, Ricardo Cavalli, Germán Lema, Carlos Franzetti, Fernando Lerman, Juan C. Cirigliano, C. Lapouble, Pepi Taveira, Alejandro Giusti, Fer Isella, Raúl Carnota, Fabián Keoro, E. Cutaia, Alvaro Torres, Daniel Maza, Andrés Beeuwsaert, Alejo Von Der Pahlen, Guillermo Klein, Pablo Elorza, Cecilia Zabala, Paul Dourge, Diego Bruno, Richard Nant, Guillermo Delgado, Hernán Merlo, Marcelo Moguilevsky, Nora Sarmoria, Julio Kladniew, Manuel Ochoa, Alejandro Ridilenir, Raul Parentella, Daniel Camelo, Máximo Rodríguez, Litto Nebbia, Miguel Tarzia, Marcelo Perea, Leo Fernández, Sergio Verdinelli, Lilian Saba, Carlos Cutaia, Guillermo Romero, Matias Mormandi, Ricardo Lew, Leo Paganini, Eleonora Eubel, Manuel Lavandera y Gabriel Senanes.

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NONPAliDECE

Lo imposible sólo tarda un poco más Por Sebastián Konrad

A pocos días de su segundo show en el Luna Park, Bruno Signaroli y Facundo Cimas nos introducen en la historia de Nonpalidece, uno de los grupos más convocantes de nuestra escena reggae. El guitarrista y el bajista de la banda nos demuestran en cada palabra su admiración por Bob Marley.

Desde San Fernando, su lugar de origen, dejan verse buenos tiempos para una banda que está en constante ascenso y que es, en parte, responsable del crecimiento de un género poco reconocido por la gente y los medios hasta hace un puñado de años.

Nonpalidece sigue su camino de una misma forma, como si los años no hubiesen pasado para ellos.

Esas mismas ilusiones absorbidas por el legado que dejó Bob Marley fueron afianzándose a través de la esperanza y los distintos escenarios. Hoy “Nonpa” ya consiguió su primer Luna Park y planea un segundo show en ese estadio, homenajeando al padre del reggae a 30 años de su muerte.

Al entrar en su sala, en el mismo barrio que los vio nacer, todo indica adónde apunta su música. Un cuadro de Bob Marley en una de las paredes sirve de recibimiento. Una forma de homenajearlo y recordarlo a cada instante es observar su imagen. Otra es respetarlo a través de su música, de esa música que Nonpalidece supo interpretar a la perfección y transmitir a miles de jóvenes que hoy entienden un poco más aquello que comenzó a gestarse en Jamaica unas cuantas décadas atrás. ¿Cómo empezaron a tocar sus instrumentos? facundo: Yo arranqué a los 15 y ahora tengo 36.

Empecé haciendo música punk y pasé por otros es-

12 | Nonpalidece

tilos también. Toqué rock, blues, hasta que arrancamos con Nonpa y ya hace 15 años que estamos tocando. Fui al conservatorio poco tiempo. bruno: Yo arranqué tocando la batería, en realidad.

Toqué en un par de bandas de rock; después me enganché con la guitarra y estuve circulando por ahí también, siempre dentro del estilo del rock y del blues. En un momento surgió esto y me terminé enganchando con el reggae, y ahora ya hace 15 años que estamos acá. Estudié un poco y muy salteado, más vale autodidacta fue la cosa, de "orejear" un poco, de mirar muchas revistas de música. ¿qué artistas escuchaban en su adolescencia? bruno: Yo escuchaba mucha música, básicamente mucho rock y blues, y después vino un poco de reggae y muchos guitarristas. Me gusta mucho Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, esa escuela. Me gusta mucho Led Zeppelin y Keith Richard. Si te empiezo a nombrar influencias no paro más, porque es la música que me gusta. facundo: Yo también vine escuchando variado. Empecé con música punk cuando era joven. También rock, Hendrix me gustaba mucho. Pasé por todo, también música clásica, música ambient. ¿imaginaban que el reggae llegaría a ser un mo-

vimiento tan grande en nuestro país? bruno: Cuando empezamos nosotros, en realidad había cuatro o cinco bandas, y si nos juntábamos convocábamos 100 personas, con suerte. No fue una cuestión de moda, sino que fue algo que nos unió musicalmente. Nos conocimos a través de engancharnos con esa música, con la idea de empezar a tocar un poco y ver qué pasaba. Todo fue tomando vida y cobrando forma, y hoy por hoy el movimiento es lo que es y está bueno. Lo estamos viviendo con mucha alegría y estamos muy contentos. ¿a qué sucesos adjudican el crecimiento del género en estos últimos años? bruno: Es algo que le terminó de entrar a la gente ahora. El público argentino es muy consumidor de música y busca investigar, informarse de dónde vienen las cosas. Sabe separar las cosas de calidad de las cosas hechas más "ligeramente". El reggae también es una música que tiene algo que la hace más universal, en el sentido que me parece que traspasa varias fronteras. No conozco estilos que le puedan gustar tanto al rocker como a otros. Yo tengo amigos heavy metal a los que les gusta el reggae, y mucha responsabilidad de esto la tuvo Bob Marley, en el sentido que lo universalizó un poco.

Además, en nuestros shows yo veo que se arma una especie de fiesta, porque la gente va a escuchar buena música y va a pasarla bien sin joder al otro.

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Quizás el reggae tiene esa cosa de tribu, pero yo no veo en el público que haya gente que diga: "vos sos de este palo y yo soy de otro". Es como que se da una comunión más grande. Yo conozco gente que se ha conocido en nuestros shows, y se juntan y toman como una salida el hecho de ir a ver a una banda. Si bien pasaba antes, porque yo iba a ver bandas, me parece que antes estaba más separado, el rockero iba a ver bandas de rock, y alguien al que le gustaba el pop no iba a ver a Pappo.

Yo creo que con el reggae pasa un poco eso, uno puede tener un montón de inclinaciones, pero en ese lugar se encuentra con otra gente que disfruta de eso mismo. facundo: Es por el mensaje y todo eso. Tiene desde temas de amor hasta temas de protesta, abarca mucho, es como que la gente se siente identificada porque siente esas mismas cosas, tanto amor como rebeldía. ¿qué cambios notan en la banda tras casi 16 años de existencia? facundo: Lo que nos sirvió mucho es haber tocado con muchas bandas de afuera, que a la vez son ídolos nuestros y todo. Al tocar con tantos fuimos aprendiendo un montón, y no solamente musicalmente, sino también de sonido y otras cosas. A mí me enseñó mucho eso, ver bandas buenas y bajistas buenos de reggae. Eso es lo que me fue formando. Ver a Aston Barrett, el bajista de Marley en The Wailers, y encima observarlo y tocar con él, para mí es algo impagable. bruno: Se puede hacer un paralelo con lo que es el crecimiento humano de las personas. Uno cuando es adolescente se lleva el mundo por delante, y a medida que vas creciendo te vas asentando. Con la música me parece que es un poco eso. Antes era juntarnos en la sala, tocar y hacer que todo saliera como saliera. Con el tiempo vas escuchando, te vas depurando y vas apreciando otras cosas. Te vas

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dando cuenta cómo funciona la música y vas encontrando cosas más sutiles para trabajar, sobre todo en el reggae, que es una música que no tiene un gran desarrollo armónico o de virtuosismo, si se quiere. Está todo muy concentrado en pocas notas o en determinada rítmica. Las canciones tienen pocos acordes, de hecho hay una canción buenísima que tiene un solo acorde, ni siquiera cambia de acorde. Eso, en otros estilos es impensado hacer.

Pero bueno, todo lo que implica ver cómo hacer para que con tan poco salga algo interesante. Compartir escenario con otros artistas y verlos cómo tocan y cómo se manejan en el escenario... ¿Cómo ven a las nuevas bandas que surgen dentro del reggae? ¿Creen que tienen más posibilidades que ustedes en sus comienzos? facundo: Más posibilidades hay, porque ya hay muchas bandas y el género se conoce; pero igual, al haber un montón hay como veinte mil bandas a la hora de tocar. bruno: Sí, qué sé yo, en realidad es como todo, tiene sus pros y sus contras. Antes vos no tenías información de música, lo que había era muy escaso.

Había unas revistas, algunos libros y videos y ya.

Hoy en Internet te ponés a buscar y encontrás un montón de cosas, aunque te podés marear porque está lleno de basura. ¿internet favoreció al músico, entonces? bruno: Yo creo que sí, favorece pero también promueve a que cualquiera pueda subir sus cosas sin necesariamente ser de calidad. Lo mismo pasa con los discos. Antes grabar un disco implicaba mucho dinero, ir a un estudio, sólo había tres o cuatro, y contar con un ingeniero y demás. Hoy cualquiera puede grabarlo en su casa y sacar un disco. No por eso hace que sea mejor.

La propuesta artística que tiene uno, eso es lo que vale. Me parece que está bueno que haya más herramientas, que haya más bandas, más lugares

para tocar, pero yo creo que la búsqueda hay que focalizarla en la calidad. a pesar de las distintas cosas que fueron sucediendo a través de los años, ¿cómo se hace para mantener un mensaje esperanzador en las letras? facundo: Siempre existe una solución para cada cosa, pero hay que buscarla. Eso me pasó con el reggae, más que nada. Ya te digo, yo cuando hacía punk, el punk no tenía esa tendencia de que las cosas tienen solución, todo estaba mal y rompías todo. Pero el reggae es como Marley decía, te está mezclando desde la Biblia hasta los diarios, es algo que tira otro tipo de mensajes, es una cosa positiva que te hace bien. Si bien están pasando cosas malas, hay solución y se puede lograr el cambio. bruno: No sé si es necesariamente esperanzador lo que nosotros hacemos. El reggae generalmente es una música con contenido, y nosotros la encaramos de esa manera. No hacemos ni apología, ni profetizamos, ni nada; cantamos sobre cosas que nos pasan. Tratamos de tener una visión positiva y tratamos de aportar algo desde lo que vivimos. A veces estás relatando algo que ocurre, que no es necesariamente esperanzador. A veces contar algo ayuda a la otra persona a sentirse mejor.

Si bien esa idea está, no hacemos las cosas pensando en el que la va a escuchar. Nosotros hacemos las cosas de acuerdo a cómo vivimos, cómo tratamos de manejarnos, por las cosas en las que creemos y a dónde queremos apuntar, y todo eso va tomando una forma que va por ese lado. Conozco gente a la que nuestras canciones le llegan por un lugar específico, que no es al que nosotros quisimos apuntar. A veces pasa eso también, hay una canción de cualquiera que tal vez el que la escribió no estaba pensando en lo que te tocó a vos, pero a vos te tocó por ahí. Eso va más allá de uno, me parece. ¿Cómo se vivió el primer concierto que realizaron en el Luna park?

Nonpalidece | 13

bruno: Mucho trabajo, mucho nervio, sobre todo porque es un lugar muy grande y los costos de producción son importantes, y uno está siempre con la

discos, de darle una vuelta de tuerca a lo que venimos haciendo. Hay muchas personas que vienen siempre, no se cuántos, pero hay gente que veo siempre en los shows. Hay veces que hacemos cuatro conciertos en La Trastienda, y se ve que van los mismos, entonces tratamos de no hacer la misma lista. El año pasado estuvimos tocando mucho, y también estuvimos repitiendo el formato del show durante dos o tres meses, entonces la idea es cambiar y buscar renovarse.

reggae es muy de vibraciones. El bajista de los Wailers es un animal, el tipo sabe mucha música. El bajista debe hacerse cargo de la base donde la batería

¿están pensando en sacar muy pronto un nuevo material de estudio? bruno: Como pensar sí, pero la verdad es que no nos pusimos a hacer nada. Por ahora vamos a hacer esto del Luna Park y después vamos a empezar a ver qué va surgiendo. No tenemos ningún apuro, no somos apresurados para sacar discos, de hecho en 15 años de carrera tenemos cuatro, y no es un promedio muy importante. La verdad es que preferimos hacerlo así, en algún momento saldrá.

expectativa de ver cuántas entradas se van vendiendo como para relajarse. Fue bastante laburo y fue muy emocionante. Fue muy lindo ver eso lleno.

Yo tardé dos días en caer en eso que había pasado.

La verdad es que estoy muy agradecido, y ahora ya estamos apuntando a otro. Yo lo viví como algo muy fuerte y muy importante, pero no sé si fue el hito más importante. La verdad es que he disfrutado de muchas situaciones y de muchos shows, sobre todo de tocar afuera y viajar a lugares que jamás en mi vida pensé que iría a tocar. ¿Cómo están enfocando este nuevo show? facundo: Bien, trabajando bastante ya hace unos cuantos días. Después de dos meses de no tocar está bueno llegar a la gente de nuevo, pero con algo copado, no volver a hacer lo mismo. Y esta idea está buena, aprovechando el aniversario número 30 de la muerte de Marley, e invitar gente de otros estilos musicales para hacer temas de Marley, cerrando con un show de Nonpa. bruno: Nosotros siempre tratamos, si bien las canciones son las mismas porque sólo tenemos cuatro

¿ustedes mantienen algún proyecto paralelo a nonpalidece? bruno: No, yo tengo un proyecto agendado siempre. Tengo un par de amigos con los que generalmente zapamos, pero no pasó de ahí. Me ha absorbido bastante tiempo Nonpalidece, pero quizás este año, que hay más tiempo, puedo hacer algo para canalizar otras cosas y hacer otras canciones, que no sé si no tienen cabida en esta banda, pero van hacia otro lado. ¿qué consideran que debe tener un guitarrista y un bajista de reggae? bruno: Creo que un guitarrista de reggae tiene que tener lo que cualquier guitarrista: buen sentido del ritmo, saber acompañar y vestir una canción. No sé, tener buen gusto, mucha oreja, absorber mucha información y escuchar distintos estilos, porque dentro de lo que es el reggae, si bien hay un par de yeites característicos, la escuela de guitarra reggae viene del rock y del blues. El sonido reggae de hoy en día, que es el que universalizó Marley, básicamente es una banda de rock, nada más que tocando otra música con otra sutileza. facundo: Tiene que sentirlo, el sonido del bajo del

y el bajo van, y tener que estar ahí. Hay que tener mucho ritmo y mucho pulso. En el bajo no influye a veces la nota, sino el golpe. A mí me pasa de "picar" en otra nota y no me doy cuenta, porque es muy de sentirlo y de escuchar mucho. equipaMiento faCunDo Filtro DOD Pre SansAmp Ampeg SVT-4 Pro Bajo Fender Jazz Bass México de 5 cuerdas con micrófonos Bartolini bruno Stratocaster Fernandes (Japonesa) Telecaster Fernandes (Japonesa) Vintage Electric (Valvular) Delay Boss DD-3 Phaser MXR Overdrive MXR Flanger Boss Reverb Wha Wha

NAMM 2011 Por Rick Van horn - Traducción: Rodrigo yacciofani

Data basses naMM 2011 ibanez pauL GraY tribute bass El PGB2T Paul Gray Tribute Bass que pudimos apreciar de la mano de Ibanez fue creado en memoria del último bajista de Slipknot. La ganancia de la

En esta segunda entrega sobre nuestra visita a la exposición, te mostramos todas las novedades en materia de bajos y amplificadores. Sobre qué depara este 2011. En la próxima edición seguiremos aportando más información.

speCtor forte 5X La línea de bajos Forte Series de Spector fue desarrollada para ofrecer la esencia de los bajos de alta calidad Spector Neck-Thru construidos en USA, pero a un costo reducido. Aquí podemos ver el nuevo Forte 5X. Más información en www.spectorbass.com WarWiCK VaMpYre Este modelo Vampyre Bass que vimos en la expo es parte de la línea económica que ofrece Warwirkc Rockbass series, que está hecha en China bajo el control de calidad de Warwirck Alemana. Está disponible en 4 y 5 cuerdas, con cuerpo de alder, mango de maple, trastera de palo de rosa y mics activos. Más información en www.warwick.de

venta de este modelo está destinada a la familia de Paul. Más información en www.ibanez.com

16 | Namm 2011

YaMaHa super bb El Yamaha BB1024X de 4 cuerdas incorpora muchas características de la serie BB2000, como es el mango

hecho en 5 piezas, y nuevo circuito de micrófonos y puente. Más información en www.yamaha.com WarWiCK tM steVens & bootsY CoLLins siGnature bass La línea Warwick’s High-end Signature Bass incluye un modelo con motivos africanos diseñado por el gran bajista

T.M Stevens, y el otro asombroso modelo de bajo es con gráficos de estrellas y flamas diseñado por el legendario y colorido bajista Bootsy Collins. Más información en www.warwick.de

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Data aMpLifiers naMM 2011 aMpeG pf500 HeaD & pf210 & 115 CoMbo El cabezal de bajo Ampeg Portaflex PF-500 entrega

500 watts de potencia en un formato ultra compacto, además de controles de tono precisos, entradas y salidas para tener un equipo versátil en cualquier circunstancia en vivo. Este poderoso amplificador está diseñado para ser usado con las cajas Ampeg PF210HE y PF-115HE. También se tiene la posibilidad de guardar el cabezal directamente dentro de la caja para tener una mayor seguridad a la hora de transportarlo. Más información en www.ampeg.com fenDer MustanG series aMps Los amplificadores Fender Mustang están equipados con bancos de efectos distintos, sonido de equipos y puerto de conexión Usb. También incluye el

la 1960 pero con un tono transparente que combina 50 watts de potencia con una caja 4x12. Más información en www.laney.co.uk

parlantes Celestion g12t-66, 3 bandas de ecualización y dos canales. Más información en www.marshallamps.com

GK Mb410 500W Gallien-Krueger MB410 500-Watt combo te entrega la fidelidad del formato tradicional 4x10, pero en un diseño compacto y super liviano (aproximadamente 22 kilos). Está fabricado con la tecnología digital que

peaVeY 6505+112 Peavey 6505+112 combo nos da el clásico sonido del legendario 6505, pero en un formato más com-

pacto para tocar en clubs, salones chicos o estudios.

Tiene cinco válvulas en el pre y dos en la etapa de potencia. Posee ecualizador de 3 bandas post ganancia y 3 tipos distintos de reverb. Más información en www.peavey.com encontramos en cualquier amplificador de GK y posee Drivers de neodimio. Más información en www.gallien-krueger.com KustoM DoubLe Cross HeaD + DC412a La marca Kustom nos sorprende con la serie Double Cross. Es un equipo de 3 canales totalmente valvu-

ranDaLL rG8040 El Randall RG8040 40th Aniversario es un amp (según la fábrica) “de estado sólido, íntegramente valvular”. Con el circuito Randall original FET, Reverb, salida directa y salida por auriculares. Más información en www.randallamplifiers.com roLanD Cube bass aMp El diseño Ultra-Compacto del Roland Cube Bass se presenta en su talle XL. Se trata del Cube-60XL, que

software Fender FUSE, para lograr desde los tonos más clásicos hasta las distorsiones más “metaleras”.

Más información en www.fender.com LaneY LionHeart series Laney Lionheart Series Amps, con su distintivo toque azul, está diseñado para lograr el sonido clásico de

lar, diseñado para ofrecer un abanico de posibilidades a la hora de hacer sonar nuestra guitarra. Los canales de ganancia están seteados con diferentes timbres: uno con un sonido moderno y otro para lograr una distorsión más clásica. Aquí lo vemos exhibido con su caja correspondiente, que es el modelo DC412A equipado con parlantes Celestion. Más información en www.kustom.com MarsHaLL Haze Efectivamente es un Stack Marshall. No es para estadios grandes, sino que es la nueva serie de Marshall Haze diseñada para ser mucho más transportable. Este micro stack viene equipado con dos

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ofrece 60 watts de potencia en un parlante de 10´.

Posee un canal con memoria, además de 10 sonidos distintos de amplificación y 3 bandas de ecualización. También tenemos la línea 120XL, con parlante de 12´ en 120 watts y ecualizador de 4 bandas.

Más información en www.rolandlatinamerica.com sWr CaLifornia bLonDe ii El California Blonde II de SWR es un combo de 160 watts con un parlante de 12 (con tweeter) y atenuador. Uno de los sistemas más utilizados en shows en vivo, que hacen de este práctico combo una opción muy inteligente para muchos músicos.

Más información en www.swramps.com

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MAtÍAS MÉNDEZ

"En la música no tenía inseguridad, sabía que cualquier cosa que escuchaba la podía tocar"

Por Sebastián Konrad

Matías Méndez parece un joven que se está iniciando en la música. Su aspecto juvenil y su notable respeto, humildad y simpleza hacen pensar que está dando sus primeros pasos. Sin embargo, este músico ya superó la barrera de los 30 y es un bajista que tocó junto a numerosos artistas; actualmente acompaña a Luis Alberto Spinetta, tras la partida de Nerina Nicotra. El título de esta nota puede oficiar de resumen, si hay que describir a este artista. Sus ambiciones lo llevaron a no detener su andar y, a pesar de compartir escenario junto a referentes de nuestra música, nunca se olvidó de la esencia de sus sueños. "La música sigue siendo música", afirma, y es respetuoso del lugar que ocupa. Le da la misma importancia a su proyecto personal, a estar con Spinetta, o tocar en un pequeño bar. Ama la música y tocar el bajo.

Se nota en su mirada, en sus palabras, en cada rincón de su casa, y se nota, por sobre todas las cosas, cada vez que se cuelga el instrumento en los distintos shows.

JóVenes iLusiones “Agarré el bajo a los 14 por primera vez, ya que no había tocado ningún instrumento. Mi primo venía de ensayar con su banda de heavy metal y me dejaba el bajo apoyado en mi pieza. Yo la musicalidad la tenía, pero no sabía que podía tocar. Entonces me copé con el bajo, y a pesar de que mi primo también tocaba la viola, no me gustó jamás. Me acuerdo que iba a los parlantes y me paraba atrás para escuchar el grave. Era como algo inconsciente, y me encantaba el grave del instrumento”. forMaCión “Yo soy autodidacta y creo que el motivo fue económico.

No tenía dinero para estudiar ni para tener un bajo. Juntaba las monedas que me daba mi vieja para el sandwich de milanesa, y me compré un bajo. Mi primo me regaló su bajo, que era un “Caiola Mobel”, y después compré un Ibanez, que fue el primer bajo bueno que tuve, digamos. Pero ir a un profesor no se me cruzaba por la cabeza. También tuve la suerte de rodearme con gente que me ayudó: Guido Martínez es la persona. Es un gran bajista, era compañero mío de colegio, un año más grande, y el hermano, cuando vio que tenía stickers de bajistas en mi carpeta me comentó que Guido tocaba el bajo, después me lo presentó, y yo iba siempre a la casa. Nos juntábamos a tocar y él se copaba por la

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"oreja" que yo tenía, y yo con lo músico que él era y lo que sabía. Me pasó muchas cosas desde el lado de amigo, no de profesor. Y después me dio laburo, el primer laburo, y me dijo: “loco, vos te tenés que tomar en serio esto y empezar a leer partes”. Ese tiempo que me junté con él fue tremendo, yo salía de su casa con la cabeza “explotada”, cosa que no siento mucho ahora que pase en los chicos. Yo llegaba a mi casa con los cassettes y me ponía a sacar todos los temas que me había mostrado. Yo tocaba todo el día. Mi vieja me dijo: “tenés que laburar”, entonces fui y trabajé vendiendo libros y en una fábrica de pastas, pero apenas llegaba agarraba el bajo. Mi vieja no entendía bien que yo estuviera todo el día encerrado tocando. Yo le dije que iba a laburar de esto. Yo estaba convencido. Uno sabe cuando la cabeza está en un lado y puede dar más. Todos los temores que tenés en algo no los tenés en determinada cosa. Yo en la música no tenía inseguridad, sabía que cualquier cosa que escuchaba la podía tocar”. priMera banDa “Al tiempo de tocar todo el día el bajo empecé a tocar con una banda llamada “Hora Cero”, que era una especie de Chick Corea, pero de folklore, una fusión así.

Como tocaban unas cosas que eran imposibles tuve que empezar a leer; la necesidad me hizo leer. Para el que quiera leer no hay nada mejor que juntarse con alguien, porque leer solo es aburrido y no lo hacés. Yo soy muy vago para leer, porque primero la “orejeo”. Un poco leía y un poco “orejeaba”, es mi lucha hasta hoy en día”.

CaMino profesionaL “Luego pasé a tocar con Ernesto Snajer, y eso ya fue una escuela, era tocar con un tipo muy grosso. Fue terrible la experiencia, genial. Había cosas de él que eran muy simples y lindas, y otras complicadas, que estaban buenas, y aprendí un montón. El tema del estudio pasó más por los músicos que por ir a un profesor. Pero, obviamente aprendí de otro, aprendí con los músicos. Además de Snajer, yo tocaba en la banda de Nico Cota, presentando el disco de él. Tocaba como con 6 o 7 grupos, estaba todo el día ensayando o tocando. Toco música cubana desde los 18 años, con una banda que se llama "La Sandunguera", que hasta el día de hoy existe.

Ahí aprendí a tocar, es la música que más me gusta

tocar. Digamos que no es lo mismo la salsa que la música cubana. Yo desarrollé la música cubana con esta banda y la conozco bastante. Estuve luego con Lito Vitale en el año 2000. Era el cambio de Javier Malosetti, y tocamos en el “Día del Jubileo Católico”, en Córdoba, donde también estaba Pedro Aznar. Yo me quería morir, era un “pendejo”. Hicimos un solo ensayo, creo. Muchas cosas las saqué arriba del escenario, fue una locura. Me acuerdo que él salía con un tema y yo tenía que seguirlo, o cambiaba la tonalidad arriba del escenario. Fue como una prueba de fuego, y las pasás o no. Muchas veces hay que poner garra, no sólo talento. Yo a veces comparo la música con el fútbol. Lo mental tiene mucho que ver, tenés que estar convencido de lo que tenés que hacer. Me ayudó también que tocaban ahí Ernesto Snajer y Pipi Piazzolla, y yo ya los conocía de la banda de Ernesto. Fue esa sola experiencia, pero fue algo tremendo, no creo que vuelva a tocar ante esa cantidad de gente. Recuerdo que estaba Pedro Aznar, que tocaba el solo y yo tocaba la base. Era algo muy importante para mí. Son esas cosas que no entendés. Terminé de tocar y un poco no sabía qué había pasado. Pasé la prueba, toqué y salió bien. Me fui contento y con la experiencia de hacerme más fuerte. Luego empecé a tocar con Guillermo Klein. Eso fue en el 2001, y tocaba con Sergio Verdinelli y en el 2003 grabamos el disco “Una nave”. Yo no sabía ni quién era Guillermo Klein, a mí me llamaban e iba a tocar, no me importaba con quién. Pero me empezó a atrapar la música de Guillermo, es muy grosso.

Ahora con Guillermo sacamos un disco homenaje al “Cuchi” Leguizamón, y estamos por grabar otro disco también. Empecé también a tocar en “Los Argentos”, que es la banda de Richard Nant. Digamos que desde que empecé no paré de tocar”.

Junto a Luis saLinas “Con Salinas toqué en el 2009, un año y medio, casi dos.

Venía de tocar con el Bahiano y empecé a tocar con Salinas por recomendación de Javier Lozano y Jota Morelli y empecé a tocar. Con él es así, por ahí no tocás, o si le gustás subís a tocar y sos parte de la banda. Excepto en algunos shows afuera donde tocaba con músicos de allá. Es el mejor guitarrista con el que toqué. Es un tipo muy musical, que tiene una gran sensibilidad para tocar.

Tiene eso, tiene una musicalidad que yo no vi en ningún violero. Enchufa la viola por línea, cosa que no le veo hacer a nadie. El audio que saca de su mano es terrible, y eso lo tienen muy pocos músicos en el mundo. Cuando estás con él arriba del escenario te das cuenta de que tiene un gran talento. Mi experiencia fue buena en muchos lugares: toqué con Jota, con el “Negro” Lozano, que los adoro. Con él aprendí, pero es como un sargento de la música, quiere las cosas de un modo determinado”. eL enCanto De nueVa YorK “Después de Luis Salinas seguí tocando con Guillermo Klein. Fuimos a tocar al Village Banguer y fue la experiencia más grossa musicalmente. No lo podía creer, ahí tocó Bill Evans, todos. Nueva York me partió la cabeza, es increíble, me quería ir a vivir allá. Me sentía viviendo allá. Quería ir unos meses y tener la experiencia. Me gustó y creo que nosotros deberíamos aprender mucho de ellos como músicos y como sociedad. No de Estados Unidos, a mí no me copa eso ni la mentalidad "yankee", pero sí de esa ciudad. Es muy cosmopolita, hay gente de todos lados, y hay una gran movida a nivel musical y de respeto hacia el arte. Acá también hay mucha movida, pero no hay lugares donde tocar, el músico lucha con la violencia de un montón de lados. Hay una ma-

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yoría de gente que te dice: "vivís con la guitarrita", como si eso estuviera mal. Allá ser músico es como ser doctor, es todo lo mismo y eso en Argentina no pasa. Pareciera que te tenés que esconder por la calle porque sos músico. Acá siempre llegamos tarde, nunca te reconocen nada. Si no tocás con tal no sos músico. A Astor Piazzolla tardaron años en reconocerlo. Acá te prejuzgan y te ubican en determinado lugar, y yo trato de no meterme ni andar comparándome. Hoy toco con el Flaco (Spinetta) pero mañana también puedo estar tocando en cualquier bar. Hay que ser consciente de eso. Por eso es tan grosso Luis, porque él "no se come ninguna". Yo creo que cualquier genio de la música, del mundo, debe ser como él. No se creen nada, no tienen el ego por las nubes. Saben que lo importante es la música y no otra cosa. La música es música, no es otra cosa. Acá se arma un show business y se va en busca de eso, y no es así”. aCoMpañanDo La poesía De spinetta “Yo iba a ir de cambio de Nerina Nicotra a mitad de año y al final no se dio. Y bueno, un día llamó Sergio Verdinelli y me dijo si quería ir al otro día a ensayar con Luis. Me dijo que quizás tocábamos "La herida de Paris" o algún otro tema. Pero no los tenía muy claros porque no era "Spinetteano". Si bien lo escuchaba, no sabía las partes o qué tono venía en tal tema. Él tiene muchos discos y muchas canciones. Pero fui al ensayo, que era más que nada zapar. Algunas canciones me las pasó ahí y yo me iba haciendo las partes mientras escuchaba. Ya la segunda vez Luis me dijo que iba a tener que ir aprendiendo un montón de canciones. Yo pensaba que tocaba en ese primer ensayo y disfrutaba de eso, no pensaba si iba a seguir o no. Luis tiene una personalidad terrible, que sabe los colores que va a utilizar. Parece que no sabe dónde va a ir en la canción, y a la vez sabe todo.

El que sabe todo de armonía a la vez no sabe dónde va porque no está pensando en la teoría.

Para mí el acorde es un color, y yo trato de ir dándoles colores a las canciones. El acorde es un color, le agregaste una nota y es otro color. Es como la paleta de un pintor. Un acorde no es más raro ni menos raro que otro, el acorde es un acorde. Hay que escuchar las melodías.

No existe que esté mal o bien, existe el color que le querés poner y lo bello que queda en la canción. Lo complejo no pasa por la cantidad de notas que le pongas a un acorde. Con eso me identifico con Luis, porque es super intuitivo. No sabe quizás qué acorde es, pero sabe que es ese el que quiere usar. Spinetta es muy intuitivo y la capacidad melodiosa que tiene es tremenda. Él dice que se olvida pero se acuerda de todas las canciones que tiene, y no son temas fáciles. Es mortal, es un genio.

Ahora que toco con él, para mí él es igual que Stevie Wonders o Paul McCartney, es lo mismo. Para mí es un genio, está en el mismo lugar que otros artistas internacionales. Se renueva, nunca se queda con lo mismo, busca músicos nuevos y músicos que siempre tienen algo para decir. Todo lo que te puedo decir de él va a ser positivo, no le encuentro nada malo. Y eso de sentirte tranquilo, tocando con él es increíble. Jamás sentís que él hace la diferencia de sentir que está en otro lugar. Te da un abrazo y es puro corazón, te da una confianza y una tranquilidad. Otros se agarran de su ego y piensan que son algo que no son. El primer show que hicimos fue el de Niceto, donde hubo pocos temas, porque se presentaba el DVD del show de "Las bandas eternas".

Se iba a zapar ese día e iban a tocar otros músicos, pero finalmente no se dio, quizás por el calor que hacía. Era insoportable, no se podía estar. Y subió solamente Javier Malossetti a tocar "La herida de Paris". Fue una noche increíble, fue buenísima. Después vino otro show en Niceto y fuimos a Chile, donde tocaron Fito y Charly. Ya en la gira de la costa me empecé a soltar más. Yo empecé a dejar de perder el miedo a lo que estaba tocando

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y a demostrar lo que soy. Antes tenía cierto respeto por estar ahí, y ya en el Cosquín Rock sentí que el grupo empezó a sonar distinto porque me relajé más”.

Las CanCiones De spinetta “En realidad, si bien es complejo, Luis tiene eso del formato de canción y de groove que no es complejo rítmicamente, aunque tiene variaciones de tiempo, es musical y es escuchable. No es un moño ni nada, entonces la misma melodía te va llevando. He tocado moños complejos, o cosas musicales que he podido resolver. Lo de Luis tiene cosas complejas, pero son canciones, es musical y llevadero. Yo igual estoy

acostumbrado por tocar jazz o con Klein. Estoy acostumbrado a que te tiren una parte y tener que salir, y en este caso se ensaya, y se falla, y se va aprendiendo”. anDar soLitario “Yo, si hubiera sido “caradura” hubiera tenido mi primera banda antes. Como era tímido todo me costaba el doble.

Armé mi primera banda a los 21 años, que se llamaba “La Capusotto Group”, pero no pude mantener a tantos músicos. En la banda tocaban tantos “monstruos”, que no sabía como mantenerla. En ese momento no me banqué la responsabilidad. Era una banda de funk, que en este país no hay demasiado. La banda no tocó más, pero la música seguía siendo música y yo no paré de tocar. Y recién ahora voy a sacar mi primer disco”.

Matías MénDez Y Los baJistas “A mí me gusta el bajista que toca bases de bajo. Además de Jaco Pastorius (que no es solamente importante por lo que innovó) me gustan los bajistas que tocan en relación a la música. Más allá de que toquen mucho o poco, tocan en base a la música. Por ejemplo, pasa con Baltasar Comotto, que es tremendo y demuestra cuando tiene que demostrar. Todos los solos de Balta son para grabar y escribir, es un gran músico. La gente no escucha la música, sino que trata de ver dónde se equivocó el músico para criticar. Ahora los bajistas tocan del traste 12 para arriba y se olvidan de las bases, del peso, del groove. El bajo tiene que ser como un tambor. Yo escucho que los bajistas tocan las bases así nomás, esperando el momento del solo. Los bajistas que tocan como

un tambor, como Tony Levin, Pino Palladino. Yo escucho muchos que no son conocidos, pero me gustan por armar bases super musicales, me gusta la línea melódica del bajo. Me gusta que esa línea cante. Paul McCartney hacía unas líneas de bajo arrasadoras”. baJistas arGentinos “De acá el más grosso es Guille Vadalá. Y Pedro Aznar es un genio, pero no lo curtí tanto por la época que me tocó. El audio de Guille es más moderno, es algo que él siempre buscó. Encaró el bajo por el lado más de la música negra. Pedro es el Jaco de Argentina. A Vadalá lo voy a ver en vivo y me hace sudar las manos, me pone

nervioso y me hace querer estudiar. Me hace poner como no logra ningún bajista, toca una base y te aplana.

Arnedo tocando rock es una bestia. Tocando lo que hace él es excelente. Andá a tocar una línea de bajo como la de "Qué tal", eso lo inventó él y no lo podés hacer sonar con ese audio. Es como Flea, vos lo escuchás y decís, es Flea. A Arnedo lo escuchás y sabés que es Arnedo.

Es ser uno mismo con tu instrumento. Lo mejor es sonar a uno mismo, y eso es lo más difícil de lograr”. presente Y futuro “Quiero terminar de editar el disco y sacarlo. Quiero presentarlo y tocarlo, ya que es el proyecto de uno y la música de uno. Estoy demasiado conforme con cómo quedó el disco. Me quiero ir metiendo con eso. Ojalá siga con Luis y con Klein. Ahora tengo que grabar con Argentos, que le encargaron una música a Richard Nant, de Ginastera, adaptados para bajo. Es un disco que se graba en vivo en dos shows. Después, con Esteban Sehinkman acabamos de grabar un disco que se llama “Asteoides”, con Pipi Piazzolla en trío. Es música de jazz mezclada con Pink Floyd y algo de tecno.

Con Klein seguramente grabaremos algún disco hacia finales de año”. equipaMiento Bajo LOW END (Luthier) EXOTIC de 5 Cuerdas Gabinete AGUILAR (4x2 con tweeter) Amplificador MESA BOOGIE Pedal OC-2 BOSS Pedal ELECTRO HARMONIX BASS BALL

Entrevista a Matías Méndez | 21

JAViER CAtAlÁ

“Busco un sonido puro y directo, lo demás hay que ponerlo con el alma” Por Sebastián Konrad

Javier Catalá es un guitarrista español, reconocido por los grandes artistas del pop mundial. Visitó nuestro país el pasado año trabajando con Rosana como músico y productor musical, y supo formar parte de las bandas de Alejandro Sanz, Miguel Bosé y Ricky Martin, entre otros. También se desempeña como profesor, mantiene un proyecto propio, y produce numerosos proyectos musicales.

Soy un músico absolutamente autodidacta. Horas y horas, y año tras año fui descifrando los entresijos del instrumento. Me di cuenta enseguida que era imprescindible tener conocimientos para no ir a ciegas por ahí, tocando con buenos músicos. No quería quedarme atrás, así que absorbí de todas las fuentes de las que disponía. Aprender por tu cuenta tiene algunas ventajas: te obliga a tener una conciencia clara de tus carencias y buscar la manera de solventarlas. Acabás por encontrar respuestas a tus dudas y eso te da la seguridad necesaria para afrontar cualquier situación. ¿Cuáles fueron tus influencias musicales?

Sinceramente las influencias que más destacaría son de músicos que me he ido encontrando por el camino y con quienes he tenido la suerte de trabajar y aprender. Pero entiendo que la pregunta va en otra dirección y, como me dijo un productor muy acertadamente en una ocasión, los músicos somos y seremos fieles a las influencias que marcaron nuestro inicio, igual que nuestra educación en la infancia marcará buena parte de nuestra forma de ser y nuestra vida. Muchos son los músicos que me han influido: Steve Vai, Eddie Van Halen, Jeff Beck, Ritchie Blackmore, Santana, Pat Metheny, Mike Stern, Scott Henderson, por nombrar sólo guitarristas y sólo algunos…

“Mi relación con la guitarra siempre ha sido muy apasionada, desde la primera vez que toqué una supe que me acompañaría el resto de mi vida. Tenía entonces 12 o 13 años, y estaba todo por hacer…”

Así comienza la entrevista a Javier Catalá, y es una muestra de que su pasión por las seis cuerdas fue gestándose desde su adolescencia. Los años lo nutrieron de conocimientos y madurez y llegó a tocar con reconocidos artistas internacionales. Con Rosana se hizo presente en nuestro país, en la última

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gira que la artista realizó promocionando su último disco. Allí, en el Canal de la Música, durante la grabación de un concierto exclusivo para ese canal, pudimos ver que la pasión, la musicalidad y la nobleza se amalgaman en un mismo artista. Javier se comprometió a ser entrevistado y cumplió con su palabra con una notable amabilidad. ¿realizaste algunos estudios con la guitarra en tus comienzos?

¿qué podrías destacar de cada uno de los reconocidos artistas con los que tocaste, y qué diferencias encontrás entre ellos?

Con los que toqué y sigo tocando… Llevo haciendo giras desde el año ‘90, y empecé con Miguel Bosé. Él fue mi padrino, musicalmente hablando, y le debo mucho más de lo que nunca imaginé. Trabajar con él me abrió muchísimas puertas y me brindó la posibilidad de darme a conocer. Después vino Alejandro Sanz, Marta Sánchez, Antonio Flores, su hermana Lolita… Y por fin llegó una gira mundial junto a Ricky Martin en 1998-99. Más tarde Antonio Vega, Pasión Vega, Andy&Lucas, Rosana… Tengo un recuerdo imborrable de todos los artistas con los que he trabajado, con todos volvería a trabajar, y creo que eso lo dice todo. Con cada uno he vivido experiencias increíbles y distintas, con algunos he tenido más afinidad personal, con otros más afinidad musical. A unos los he conocido ya como artistas consagrados y a otros los he conocido comenzando sus carreras, como Alejandro Sanz o Andy&Lucas.

He pasado por los mejores escenarios del mundo con Ricky Martin, como el Madison Square Garden de NY, o en clubs en acústico con Antonio Vega o Antonio Flores. En teatros como el Gran Rex con Rosana, o el Lope de Vega con Pasión Vega. Y con todos, y de todos he aprendido casi todo lo que sé. ¿a pesar de tocar siempre sobre un estilo más melódico o romántico, tenés algún proyecto más cercano al rock?

Me considero básicamente un músico de rock. Es cierto que con los años vas perfilando y depurando tu estilo, y que absorbes y te impregnas de otras tendencias. Vas escribiendo tu propio guión. Pero yo el

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día que escuché “Made in Japan” de Deep Purple hace ya más de 3 décadas, dije: “no sé cómo hacen eso, pero yo quiero poder expresarme así”. Hasta hoy pienso así. En mi web (www.javiercatala.es) tengo algunos temas grabados que voy a publicar en breve. Temas como “La barrera” o “Yukon”, que dan buena fe de lo que digo. ¿Cómo te interesarte en ser productor?

Cuando he producido algo, lo he hecho siempre desde una perspectiva personal y subjetiva, o sea lo contrario de un productor. He producido grupos como “Clandestine King”, o artistas en solitario como Carlos Vila o David Bea. También trabajé durante 2 años en los estudios Sintonía de Madrid, en el departamento de publicidad, produciendo jingles y series para televisión… En esa etapa aprendí muy bien la dinámica de trabajar en estudio, vivía prácticamente en el estudio. Dirigir y ser responsable de una grabación es un trabajo muy interesante, pero me siento más a gusto a mi aire. ¿en cuántos proyectos estás trabajando?

Estar activo es estar constantemente en proyectos.

Como arreglista- guitarrista actualmente estoy grabando el último CD de D´Nash y el primer CD de Makarena. Como productor estoy en un proyecto muy interesante para un canal de TV en el que también soy autor de la música. Este año estoy trabajando como director musical y guitarrista la gira de Andy&Lucas. Además lo compagino con un proyecto que tengo a dúo con mi gran amiga y compañera Edith Salazar, “Arrima-dos”, en el que hacemos una minuciosa selección de temas propios y versiones para tocar en teatros a piano y guitarra.

Estoy en trámites también para publicar mi proyecto personal, del que tengo ya una buena selección de temas que se pueden escuchar en mi web, y también tengo una treintena de alumnos en la escuela de música Almer, de la que soy profesor. Es una maravilla poder mezclar diferentes proyectos. Hace que aportes lo mejor de tí en cada uno, te renueva constantemente, y en lo último que piensas es en la rutina. A mí me funciona… ¿qué equipamiento utilizás?

Lejos de aquellas interminables giras en las que me llevaba racks y dobles gabinetes de 4x12 y elaboraba los sonidos digitalmente disparándolos vía midi y todo eso, pasé a tocar con una combinación mucho más sencilla y cómoda que resulta ser mucho más potente y suena mejor, desde mi punto de vista. Actualmente llevo amplificadores Vox AC30 o AC50 con unos cuantos pedales para tener diferentes tipos de overdrives y distorsiones como los Mesa Boogie, un Vox, el Box of Rock de ZVEX, un delay MXR y Wha Wha, cosas así. Muy analógico todo. También siempre llevo conmigo unas guitarras Music Man y Gibson Les Paul. Busco un sonido puro y directo, “a pelo”, como decimos en España, desnudo. En crudo y con grano, lo demás hay que ponerlo con el alma.

“Quiero agradecer la invitación a esta entrevista a todo el equipo de la revista, en especial a Sergio Resar y Sebastián Konrad, a quienes conocí durante la gira de Rosana. Una gira que hicimos durante el mes de noviembre de 2010, en la que recorrimos gran parte de la geografía argentina, y pude disfrutar de los encantos de ese país, del que me llevé un recuerdo inolvidable”.

24 | Entrevista a Javier Catalá

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COMPACtOS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los CD’S editados por nuestros amigos y lectores.

Por Daniel Makelvintong

CoLLapse into noW reM

ViVo Las peLotas

¿Y aHora qué HaCeMos? Jarabe De paLo

obras CoMpLetas Héroes DeL siLenCio

Este 2011 le da la posibilidad a esta legendaria banda de seguir renovándose a través de su decimoquinta placa. El material consta de doce nuevas canciones, que fueron producidas por Jacknife Lee, quien también lo hizo en su disco anterior, "Accelerate", editado en 2008. Distintas ciudades fueron elegidas para grabar. Berlín, Nashvile y Nueva Orleans fueron testigos de estas diversas canciones en las que se puede encontrar rock, baladas, algo de experimentación. Se juega mucho con las rítmicas y las melodías. Participaron de esta grabación: Eddie Vedder (Pearl Jam) en "It happened today", Patti Smith en "Blue", y Peaches en "Alligator Aviator Autopilot Antimatter".

Las Pelotas sabían que el show del 11 de septiembre de 2010 no iba a ser uno más.

El Luna Park fue el escenario elegido para que esta experimentada banda pudiera registrar su primer DVD en vivo. El show formó parte de la gira "Despierta", donde presentaban aquel material, más un repaso de los 20 años de trayectoria. Fernando Ruíz Díaz (Catupecu Machu), “Tavo” Kupinski (ex Los Piojos, quien luego integraría la formación de Las Pelotas), Gillespi y Roberto Pettinato participaron de aquel concierto. La producción artística de las 16 canciones del CD y las 18 del DVD estuvieron a cargo de Sebastián Schachtel y Germán Daffunchio.

Ambos discos cierran su lista con el "El ojo blindado" de Sumo.

Hace dos años que Jarabe de Palo eligió un camino alternativo y creó su propio sello y editan sus materiales en forma independiente a través de "Tronco Records". Este año, la banda liderada por Paul Donés edita su octava producción, que contiene doce canciones, entre las cuales se encuentra un cover, habiendo descartado una interesante cantidad de temas que fueron preparadas durante los últimos años. "Je L´aime à mourir" ("La quiero a morir"), de Francis Cabrel, interpretada a dúo con Alejandro Sanz y la balada "Frío", en la que colabora Antonio Orozco, son las que se destacan en "¿Y ahora qué hacemos? Además de estos artistas, en el disco también participan Sabina y Carlos Tarque de M-Clan.

El pasado año Héroes del silencio, la banda española radicada en Zaragoza, decidió publicar una recopilación de todas sus placas, que dan fe de una extensa y rica trayectoria. En un formato especial, toda su discografía y videografía se editó en 14 CD´S y 4 DVD´S. Además, "Obras Completas" incluye un libro de cien páginas y tapas duras con fotografías, letras de canciones, biografía y créditos, y 12 postales con memorabiblia, que reproducen carteles, entradas y backstages de conciertos que se realizaron a lo largo de estos más de veinte años de carrera y previos a la separación definitiva tras aquella gira despedida en 2008, donde dejaron su huella en España y todo América.

La DuLzura CuLtura profétiCa

eL ritMo DeL JarDín eL atoLón De funafuti

MassaCre eL MaMut (eDiCión De LuJo)

CieLo razzo CoMpost

"Conéctate al ritmo de la tierra y siente. Comprende que juntos somos una fuerza, todo es posible si se intenta". Con esta frase este grupo hace ver su forma de pensar. Cultura Profética es un grupo de jóvenes músicos portorriqueños, que entregan sus vidas a la creación musical. Universitarios conscientes de los problemas económicos políticos y sociales, deciden levantar su vuelo en favor de la libertad, de la igualdad y de la naturaleza.

La banda cuenta con diez años de carrera y la experiencia de grabar en los estudios Marley Music y Tuff Gong de Kingston, Jamaica.

En esta placa podremos encontrar: Rimas pa´ seducir, La complicidad, Amante luz, Para estar, En la oscuridad, Baja la tensión, Ilegal, Somos muchos, Del tope al fonde, Me faltabas tú, Verso terso y La espera.

Descubriendo certezas, Los cuervos, Freeshop, Hotel Los Desbocados, Santa Clara, Verte mejor, Frío club de los recuerdos, Enciéndete para mí, Rabia, El grano de Apolo, Último tren y El ritmo del jardín, son las canciones que dan forma a esta última producción de esta banda formada a comienzos de 2004. Tino Moroder (ex- El Soldado), Martín Irrazabal, Marilina Calos, Diego Caletti, Edu Baeza y Lucas Herrera integran El atolón de Fafuti. Desde el under porteño, y de Buenos Aires, esta joven banda va dando pasos firmes, tras haber compartido escenario con las Pastillas del Abuelo ante más de 2000 personas y haber tocado en el "Festival Nuevas Tendencias" y en "Código país II" en 2005.

"El Mamut" es la última grabación de Massacre, y en este caso se ofrece con una edición de lujo. El disco está dedicado a Gabriel Ruiz Díaz (Catupecu Machu), quien sufrió un grave accidente. Este trabajo incluye éxitos como "La octava maravilla", "La reina de Marte" y "La epidemia", que ya están sonando en las distintas radios hace un tiempo considerable.

Fue este álbum el puntapié inicial para que la legendaria Massacre expandiera sus horizontes y aumentara la cantidad y diversidad de su público. La banda liderada por Walas ofrece doce canciones, entre las cuales se encuentran: Compulsión, Estamos en problemas, La orquídea, Divorcio, Vienen zombies, Clavos y globos, Invasoras amazonas, Maggie May, La epidemia y Resurrección.

“Para nosotros es algo natural, no lo vemos como un disco raro o experimental. La verdad es que somos una banda que no buscamos ese target, no somos músicos complejos. Sí, nos gusta relacionarnos con colegas y en este último disco tenemos varios músicos invitados. Todo ese producto y sonido fueron muy importantes para nosotros”, anunció el cantante de la banda rosarina, para dar un panorama de esta última edición de Cielo Razzo. Compost es un "grado medio" de descomposición de la materia orgánica, que ya es en sí un buen abono. Conexión, el tema que da comienzo al disco, es el primer videoclip que la banda ofrecerá, grabado en la propia sala con un escaso presupuesto.

26 | Últimos CD’S editados

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JAViER MAlOSEtti

El pasajero de la música Por Sebastián Konrad

Javier Malosetti nos repasa su historia como instrumentista, tanto con la batería en sus comienzos, como con el bajo en gran parte de su vida, y con la guitarra en la actualidad, participando en un musical.

La calle Corrientes comienza a colapsarse de vehículos que buscan salir de la rutina de la Capital Federal. Cae el sol, y entre trabajadores y turistas viene caminando Javier Malosetti, como uno más entre la multitud.

El Teatro Tabarís oficia como punto de encuentro con alguien que tiene mucho que ver con su presente. Javier Malosetti es un pasajero de la música que ha transitado todas las estaciones y ha atravesado distintas escenas en su vida. Comenzó tocando la batería, se hizo profesional como bajista y se fue emparentando con la guitarra con el correr del tiempo. Todas esas escenas confluyen en un mismo punto: una obra musical. Así es la vida de Javier, una rica y extensa obra musical, que estuvo acompañada de otros actores, como Luis Alberto Spinetta, Lito Vitale, “Pepi” Taveira, Oscar Giunta y “Mono” Fontana, entre muchos otros. Si hay que elegirle un director, sin dudas es su padre, Walter Malosetti, ya que fue él mediante su guitarra el que inundó las paredes de su casa con notas musicales, y fue tentando a Javier a ser lo que es.

Apenas uno percibe su llegada es imposible saber de quién se trata. Su contextura física quizás vaya de la mano del enorme talento que posee. Su notable sentido

28 | Entrevista a Javier Malosetti

del humor hace de este músico un personaje que habla incesantemente del arte con gran pasión y humildad, entre las cuatro paredes del camarín, que será su "pequeña casa" durante los largos meses que se presente "El pasajero". ¿Cómo, teniendo un padre guitarrista, comenzaste a tocar la batería?

Mi viejo era guitarrista, y se quería matar porque quería que yo tocara la viola, el piano, o el saxofón, no sé... Y yo fui pendejo en una época donde no existía ni la Play Station, ni la compu, ni los DVDs, ni un carajo. Entonces, la única joda que había era media hora de dibujitos a la tarde, la pelota en la calle y los long plays. Y la batería tenía una cosa muy grossa, lúdica, física y juvenil, y el reflejo que yo tenía de mi viejo tocando la viola era de un tipo aburrido, sentado, y el batero se movía. A mí me llamaba mucho la atención ese instrumento, entonces le pedí que me comprara una batería incesantemente, hasta que lo logré. Me compró primero una viola, un bajo nacional que era "Morgan", y finalmente me compró la nave, "Nucifor". Y siempre estoy emparentado con la "bata" porque es un instrumento que me fascina.

Cuando voy a ver una banda en vivo le presto atención al batero. Todavía me quedó eso, y siempre tuve la

suerte de tocar con bateros geniales, como el “Pepi” Taveira, el “Tuerto” Wirtz.

Volviste a la batería en el show de "Las bandas eternas", junto a spinetta...

Siempre toco la bata en alguna situación. Como el orto, porque perdí el training. no pareció así esa noche...

Ese día me dieron la posibilidad de ensayar un poco.

Pero el “Tuerto” y yo tocamos parecido, por eso me dieron la posibilidad de tocar. Conocía bien su forma de tocar. Para mí tocar fue un homenaje al “Tuerto”. Me encantó participar; mi participación fue esa, aparte de tocar el bajo en "Cielo de ti". Además, estar con Luis en ese evento maravilloso en el que uno podía estar frente a Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade, Los Socios del Desierto, todas esas bandas en una misma noche, con formaciones originales, para mí es el evento musical del siglo. ¿Cuál es el otro evento? Ese fue el evento del siglo, y no me vengas con McCartney, U2. Tocaban temas de Almendra, y de golpe dieron vuelta el escenario y salieron “Machi” y “Pomo” a tocar "Jugo de lúcuma". Eso es impensado, nunca en toda mi vida, desde que soy fanático, aún antes de conocerlo a Luis,

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pensé que podía suceder algo así, entonces participar en eso fue fantástico. Ahora, mi participación como batero fue devolverle algo, con todo mi amor y todo mi corazón al “Tuerto”. ¿Cómo se dio el cambio por el bajo?

El bajo y la viola estaban siempre en casa, porque mi viejo daba clases de música y mi casa estaba llena de guitarras por todos lados. Había violas en el living, en las piezas y en el baño. Como alguien tiene un revistero nosotros teníamos una "criollita" en el baño, y pasabas por la puerta y escuchabas cómo alguien estaba tocando mientras hacía otra cosa. Entonces, la viola fue algo que estuvo conmigo toda la vida, estaba al alcance de la mano todo el tiempo. Y estaba ese bajo Morgan, con el que me viejo a veces tocaba unas bases con los alumnos, o alguno de ellos lo usaba. Ese bajo es pedorro, sonaba como una tuba abajo del agua. Era como el bajo-violín de McCartney. Sonaba mal, no afinaba, pero para mí era un amor, era el bajo que había en casa y con él empecé a entrar en el mundo del bajo. Se empezó a dar que alguien necesitaba un bajista y yo iba de onda, mientras en ese momento era batero. Y empecé a tener más actividad y trabajo como bajista que como batero, aunque con la batería llegué a tocar con Jorge Dalto una vez. Él era el pianista argentino que tocaba con Jaco Pastorius, con todo el mundo. Me pasaron cosas lindas con la "bata". Pero se me empezó a dar más con el bajo.

El cambio de instrumento fue una cosa paulatina, como que los acontecimientos de la vida decidieron más que yo, decidieron por mí. ¿en esas épocas qué música era la que se escuchaba en tu casa?

Me gustaba el jazz más crudo y cabezón de solos, y cosas que venían por el lado de mi viejo y de alumnos de mi viejo, que quizás eran más jóvenes y tenían más que ver conmigo. Mi viejo tenía discos de Louis Armstrong, "Django" Reinhardt, Joe Pass, de violeros. Y los alumnos de mi viejo traían discos de Billy Cobham, de Weather Report, y todas esas cosas más eléctricas del jazz. En la escuela se escuchaba rock and roll y música argentina: Manal, Vox Dei, Almendra y La máquina de hacer pájaros. Y los novios de mi hermana, que eran millones porque tenía uno por semana, fueron una gran influencia también. En otras épocas era muy común andar por la calle con los discos. Como uno anda ahora con el IPod en el bolsillo, en esa época uno andaba con discos.

Caías en cualquier lado y tenías tus discos, en morral o a mano. Y los novios de mi hermana quizás duraban una semana, pero tenían que pasar por un casting que era dejar un disco. Era ver qué traían. Yo veía un disco y me tiraba encima. El folclore, la música clásica o el tango fueron cosas que aprendí a disfrutar más de grande, en ese momento no le daba bola. Mi viejo quizás tenía algunas cosas clásicas, pero de guitarras, como algunas cosas de Andrés Segovia, pero no había tango y folclore.

Entonces, alguno medio rockero, "pata sucia", que le “arrastraba el ala” a mi hermana, trajo un disco de Jimi Hendrix. Así conocí yo a Jimi Hendrix. Ese pibe que mis viejos odiaron trajo una edición nacional de un disco de Hendrix, donde está en la tapa con la boca abierta mirando el cielo, y parecía un extraterrestre o el diablo. Yo sabía que en esas cosas había drogas, entonces las miraba con fascinación y a la vez con miedo; te seducía y te aterrorizaba a la vez. Era increíble porque no se sabía mucho del artista, no había Internet ni esos "Profiles" que hay ahora. Vos veías una foto y escuchabas una música, y tenías que relacionar a ese ente con lo que estabas escuchando, y para mí Hendrix era un extraterrestre. Los sonidos de viola que escuchabas jamás los había oído,

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era algo original y novedoso cuando salió. Quizás venía otro medio bolichero y te traía esa música. En ese momento la música de boliche era una música "alta", no la música que pasan ahora, que bailan algo de un compás hecho con un mouse por un chabón re duro de merca.

En esa época la música bailable eran cosas más funky´s.

La música se abre camino en distintas áreas, distintos

gente no lo entiende". Ese es el tema... ¿Y por qué? ¿Qué querés que haga? ¿Me vas a decir elitista? Entonces, qué queda para el violinista clásico que estudió toda su vida y que seguramente tiene un agujero en los zapatos porque no ve la guita y porque está en juicio con el Colón. Y después viene "Daddy Yankee", que es un "fucking millionaire" y hace una base hablando pelotudeces arriba. Eso ocurrió toda la vida, y ocurre en todas partes del mundo. Bill Evans tocaba para 50 personas en un bar al mediodía, mientras la gente morfaba.

Hace varios años venís desarrollando clínicas. ¿qué aspectos destacás a la hora de transmitir conocimientos a los jóvenes?

La clínica que doy es una clínica abierta, donde no me gusta desarrollar un temario puntual, con el ánimo de que la disfrutemos todos, desde el alumno más primerizo al más avanzado. Si yo doy un tema quizás alguno ya lo sabe, a otro no le interesa, otro se aburre. En cambio, si yo en la clínica toco un rato para entrar en tema y después abro en juego las inquietudes que tenga cada uno de los pibes, me parece más redituable para todo el mundo. Entonces uno me puede preguntar qué cuerdas uso, y no me voy a reir de su pregunta, y se la voy a contestar con todo cariño, y otro me preguntará qué toco sobre un turnaround determinado, entonces hablamos de armonía, de escalas, de notas de paso, etc. Y si alguno me pregunta si me gusta Ozzy Osbourne, hablamos de Ozzy Osbourne. Algunos van a una clínica de funk nada más, no para aprender, otros van con un modo más periodístico, y otros van para aprender, y todo es bienvenido. Es también hacerle la gamba a alguno que quizás preguntó algo que a otro le parece una boludez y con el fin de que le digan "che, boludo", le contesto con la misma seriedad. Siempre busco el lado más "aprovechable" a esa pregunta, para que esa pregunta, que parecía una pavada, quizás le sirva.

mundos, distintas épocas, distintas culturas, y siempre hay cosas grossas de todos lados. Por eso es que a mí me gusta ver que las influencias de lo que yo hago vienen de cualquier lado, tanto de la música negra, como de la música blanca inglesa, o del blues, o la música clásica. ¿actualmente qué ves en lo que está sucediendo dentro de la música?

La veo como siempre. Siempre hay cosas grossas, en todas las épocas hubo cosas grossas, y siempre lo de mayor dominio público fue lo más "choto". Eso fue siempre así. Cuando yo era chico existían Palito y Sandro, y eran los que lideraban el mercado, y después tenías a Almendra con el primer disco, donde Luis cantaba "Muchacha ojos de papel", con una voz de angelito que te hacía llorar. Eso se grabó en el ‘69, y en esos años existía cada cagada… Estaba el Club del Clan, que eran cosas de renombre, pero eran una porquería. Ahora pasa lo mismo: las cosas de dominio público son una cagada, y el artista más desconocido seguramente hace cosas mejores. Tampoco eso es una regla que sigamos. Tampoco es que cualquier sucio que no conoce nadie es bueno.

Eso es culpa de quien se encarga de difundir la música que te dice: "oiga, baje la puntería con su arte porque la

a más de 20 años de tu comienzo solista, ¿en qué se diferencia electrohope de tus bandas anteriores?

Se diferencia en que antes yo me valía más de músicos de renombre, como Oscar Giunta, “Pepi” Taveira, gente que tenía una vida artística resuelta y que ya eran conocidos, y Ten es un disco de grandes músicos que están dando sus primeros pasos. Eso es emocionante. Ver la fascinación de los pibes a cada paso, en el estudio, en el desarrollo de las músicas, en los ensayos, y la pasión con que interactúan con eso, es emocionante. Y además son grandes artistas, y son mis amigos, y son músicos que yo admiro mucho, entonces está buenísimo. Además ellos le ponen un concepto de banda que antes no tuve. Eso pasa en el jazz, donde se forman solistas, como "Juan Tereso" y su cuarteto. Entonces en el cuarteto de "Tereso" toca "Juan Salame", y cuando "Juan Salame" consigue una fecha, "Juan Tereso" forma parte de su banda. Van cambiando de solista de acuerdo a quién consigue una fecha. Yo no digo que eso esté, mal pero no es mi forma de concebir la cosa. El músico de rock u otras músicas se identifica más con el grupo, con la banda. Por eso me gustó ponerle un nombre, y que no sea Javier Malosetti Quinteto. Lo que venía es el espíritu de aquellas bandas que formé en Palomar desde pendejo, antes de ser profesional. Veo ese espíritu de comunión conjunto que transciende los límites de la música, porque uno hace amigos. ¿qué equipamiento estás utilizando?

Usé muchos años un bajo Warwick, pero ahora firmé con Schecter, y me están haciendo un bajo Signature que yo diseñé a partir de un modelo que conocí de ellos que me encantó. A partir del Bass Ultra se hace un bajo de 5

Entrevista a Javier Malosetti | 29

cuerdas con 26 trastes, que se le agrega un cuerno en el mango y se hace un cavado para que toda esa parte pueda ser funcional. Los micrófonos los elegí yo también.

Mandé puntuales pedidos acerca de las medidas: largo de escala, grosos del mango, distancia de cuerdas y demás. Y además va con una firma en la cabeza, y eso me encanta. Cuando era chico miraba la "Guitar Player", y para mí era todo, era como Internet, como una película porno. Yo veía eso y me ponía loco. Veía fotos de violeros que quizás ni conocía, pero leía sus columnas, como fue el caso de Steve Vai, que transcribía solos de guitarristas de jazz. Yo veía la marca Schecter, que hacía unas reproducciones de unas Telecaster y otras cosas, y cuando veía alguna en Argentina me volvía loco. De pronto, que la gente de "Rómulo García" me llamara, y haya pensado en mí para representar una marca, para mí es cerrar un círculo que comenzó desde pendejo con esas fotos de la revista. Más allá del instrumento, me dieron una viola Schecter que uso en la obra, de la cual me enamoré.

Ahora es mi guitarrita amada, que la uso en la obra y con mi banda también. Ahora estoy lleno de expectativa por tener este bajo, que además de tener mi firma es un modelo que diseñé todo yo. Cuando nos juntamos en la oficina de Alejandro García y su hermana Lorena, el tipo de Schecter agarró un catálogo y sin mirarlo pasaba las hojas diciéndome que haga algo con esa forma, con esas clavijas. Dándome a entender que yo podía armar lo que se me cantaba. Hoy se debe querer matar porque armé un invento de la "pu... madre". Las medidas que pedí las arrastro de un viejo bajo que yo tenía, que ya lo pedí a Warwick y ahora lo vuelvo a pedir a Schecter.

Estoy usando Gallien Krueger, que también soy endorser. Son cajas de 8x10, más una cabeza 2001 que es muy grossa, como para tocar en cualquier lado. Además tengo mi otra cabeza GK, que es una 800RB clásica, que le cambié por esta porque tiene conexión a 220, y no tengo que usar un transformador.

Uso también micrófonos EMG. Esos los tengo en mi "M2", que es un instrumento que me hizo Mariano Maese, que es un genio de la luthería. Por suerte, la gente de Rómulo García pudo entender que yo puedo usar eso porque es algo que no existe, es un invento mío prácticamente, y lo requiero para determinadas cancio-

32 | Entrevista a Javier Malosetti

nes. En el M2 también copiamos ese mango de los otros bajos. Otras marcas que recibo en Argentina son las cuerdas Signature de Magma, que son fantásticas y que también las uso en violas de nylon y eléctricas.

Tengo también endorser de la ropa Pony, que creo que es el que más me gusta porque me salvó la vida. Yo calzo muchísimo y me consiguieron una zapatillas para mí y demás.

Yendo a los efectos, tengo cosas muy viejas que fui recolectando. Creo que un solo pedal me compré, porque algunos me los dieron, me los regalaron, me los "choreé" o algo pasó, pero fueron quedando. Mi pedalera para usar en vivo tiene un "Expression Factory" de Digitech, donde uso el wha wha y la distorsión solamente. Tengo el Whammy rojo clásico, un Stereo Chorus de Boss que es antiquísimo, un delay análogo de Ibanez, un Giga Delay de Boss. Antes de todo eso tengo el afinador de Boss. Aparte tengo un Rat, cortesía de Spinetta, que me dijo: "vos tenés que tocar con eso". Tengo un wha wha Vox que me compré yo. Un Envelope Filter de MXR, que es como un wha wha automático. En realidad, muchos pedales los uso en una sola posición, no es que cambio los sets constantemente. El Chorus lo uso "al palo", poniendo los tres potes al mango. El sonido original del chorus lo odio, no me gusta. Sólo lo uso porque de esa forma suena como una rareza, tiene un sonido "nervioso".

En la obra uso un Polytone antiguo que escupe muchísimo, que es transistor pero vuela. Se lo compré al guitarrista Armando Alonso, y tengo otro de bajo, que es de mi viejo. El de bajo lo gasté cuando tocaba con el “Mono” Fontana en Trío, y enchufábamos dos bajos, hacíamos cualquier cosa y se gastó. Con la guitarra me acostumbré a amplificarla con un equipo de bajo, sobre todo desde que tengo el M2. La viola tiene un cuerpo que me encanta, saliendo de la heladera GK. Además, yo toco la guitarra con los dedos, como un bajo, jamás me acostumbré a la púa. ¿Cómo surge la idea de hacer una obra de teatro?

Yo detestaba los musicales, es una expresión artística a la que nunca le di pelota. Pero esto no es un musical, es teatro con una banda en vivo y con canciones re grossas.

No tiene el estilo del musical ese a lo "Drácula" o "La no-

vicia rebelde". A mí esto me gusta verlo como teatro con banda en vivo, porque además la banda tiene interacción muy activa con la obra y con los actores. No es una banda que está en el foso, o al costado, o atrás del telón, ni se utiliza pista. La banda está arriba del escenario y tiene interacción con los actores en muchos aspectos.

Entonces la música tiene una importancia mayor que aquella que acompaña o ilustra una cuestión. ¿qué tipo de canciones interpretan en vivo?

Los temas de la obra. Son de Mark Stewart y las canciones son increíbles, son re lindos temas, que han sido adaptados al español muy respetuosamente, tanto de la historia como de la versión musical de la canción, que a veces cuando traducís queda otra cosa. El español es largo, tiene todas las palabras con dos o tres silabas más.

Entonces, hay que evitar que quede como un rap, y hubo que hacer algunas adaptaciones, que en principio las hizo María Gamba, pero yo me tomé unas licencias también, en beneficio de no alterar la melodía de la canción.

Estoy muy contento y me divierte hacerlo, aunque extraño salir de gira con la banda, pero empezaremos a tocar todos los viernes de mayo y sábados de junio en Boris, que es un club muy lindo de música.

Por ahora esto me divierte, y van a ser muchos meses, durante todas las semanas de Dios, así que espero que me siga gustando. Por lo pronto estoy tratando de encontrar el gusto a la repetición, a clonar, porque en un show de música vos te cansás y le cambiás cuatro temas pero sigue siendo lo mismo, la misma banda que está tocando. Todo lo que me pasa en el teatro lo traslado a la música, que es donde me siento local. Acá me siento extraño, aunque esté guiado con mucho cariño por los actores y la directora, pero acá me siento "el más patadura del baile". Veo que en los discos que grabé improvisé el solo, pero a partir de escucharlo tanto en la mezcla y en la edición, me va quedando y trato de emularlo en vivo, de homenajearlo, de tocarlo parecido. Y acá le estoy encontrando el gusto a que con el correr de la semana me salga mejor, y volver a repetir la obra es divertido, inclusive. Lo lindo es ver cómo todos volvemos a realizar igual todo. Es como armar un castillo de arena que vamos armando cada vez más rápido.

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tRANSCRiPCiONES Por Facundo López Burgos

Como imaginarán, es difícil decidirse por algún tema en particular por esa misma razón. En el primer ejemplo transcribo el riff y línea de bajo de un tema incluido en el último disco de Javier (Ten - 2010), titulado Delpo. La línea está construida de manera algo ambigua, sonando a la tríada disminuida de do por momentos, y a do menor en otros.

Otro dato interesante es la forma en que divide la métrica de 7/8. Cuando tocamos una métrica irregular (7 pulsos en este caso) podemos dividirla de distintas formas (4+3, 3+4 o incluso 2+2+3, 2+3+2 o 3+2+2). Si escuchan atentamente el riff (presten atención a la batería que lo define), la división alterna

34 | Transcripciones de Javier Malosetti

Intros y Riffs de Javier Malosetti Aquí les traigo algunos ejemplos de este genial músico al que hemos visto tocando fundamentalmente el bajo, pero también guitarra, teclados, batería, contrabajo y cantando.

entre dos de estas formas 4+3 (para un primer compás), 3+2+2 (para un segundo compás).

Este patrón de acentuación rítmica se extiende a lo largo de todo el tema y es lo que le da ese groove tan particular.

El segundo ejemplo proviene del CD Varsovia de Rada-Malosetti. El tema en cuestión es ‘Esa Tristeza’, una de las tantas joyas dejadas por el genial Eduardo Mateo. Lo interesante en este caso es el arreglo en el que se escucha una línea de bajo y un patrón armónico rítmico, en una forma de tocar que podríamos denominar ‘pianística’. En realidad, este

tipo de arreglos pueden tocarse tanto en un bajo como en una guitarra, y consiste en ejecutar simultáneamente con el pulgar una línea de bajos (normalmente armada con tónica y quinta del acorde) y completar con un patrón rítmico tocado por dedos índice y medio, utilizando la 3ª y 7ª del acorde. De esta forma, se define ritmo y armonía.

Por último, la genial y sencilla introducción de Cielo de Ti (Luis Alberto Spinetta – Peluson of Milk), interpretada por Javier en guitarra acústica. La línea melódica está construida utilizando el modo mixolidio de la escala de La Mayor, es decir, La – Si – Do# - Re – Mi – Fa# - Sol.

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MUEStRA MÚSiCA 2011

Pensando en grande Por Daniel Makelvintong

El 7 y 8 de mayo pasados, se llevó a cabo en el Centro Cultural Islas Malvinas de la ciudad de La Plata, la interesante Muestra Música 2011, que reúne a muchos de los emprendedores de equipamientos e instrumentos musicales del país.

Un año más, ya por tercera vez consecutiva, los emprendedores de equipamiento musical tienen un lugar donde mostrar sus productos y el fruto de su trabajo. En la Plaza Islas Malvinas, en la intersección de la calle 19 y la avenida 50, se encuentra el Centro Cultural Islas Malvinas, que albergó a cientos de aficionados que se acercaron en forma gratuita a ver la muestra y a disfrutar de los shows y las charlas incluidas en una extensa grilla de actividades. Allí, en un primer sector, más de 40 puestos

mucho más delicado. De esta forma, muchas guitarras (por su diseño, terminación y sonoridad) no tenían nada

jaban ver y probar. Por el lado de los micrófonos, no hay demasiado que agregar de lo que se viene viendo últimamente. Los pickups nacionales, por su precio y rendimiento aumentaron su calidad y consecuentemente sus ventas. Este es el caso concreto de DS Pickups o Mazzarino.

El sábado 7 Diego Boris, presidente de la UMI (Unión de Músicos Independientes) y de la FAMI (Federación Argentina de Músicos Independientes) dio una charla sobre

Productos de DS Pickups

que envidiarle a algunos de los modelos que se fabrican en forma standarizada por las primeras marcas, y tienen

Amplificadores Singletone

Instrumentos de Estéban González (Luthier)

fueron destinados a luthiers, entre los cuales podían verse guitarras, bajos, pedaleras y pickups. La otra sección fue destinada a amplificadores, efectos y accesorios, y contó con casi 30 expositores. Por último, el segmento de batería y percusión tuvo su lugar con casi 20 marcas.

Un denominador común se dejó ver a lo largo y ancho de la exposición: la producción nacional se encuentra en crecimiento, con ideas innovadoras y con un trabajo

38 | Muestra Música 2011

Productos de Ardizzi Pickups

un valor mucho más elevado. Lo mismo sucedió con los amplificadores y los pedales que las distintas marcas de-

SONAR TV (canal estatal para músicos), la ley de la música y la ley de medios. Ese mismo día hicieron su presentación "Calendar", "Moatruo", "Silvio Scorchelli & Grupo" y "Valentino Jazz". En el segundo día de exposición, José Samplertini presentó su libro "Grabando en casa 3", que nos da precisas instrucciones de cómo montar un pequeño estudio de grabación casero. Esa misma tarde/noche se presentaron "Chinelas Persas", "Crema del cielo", "Panza" y "D-mente".

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Pedales Silver Box

Instrumentos de Galasso (Luthier)

Instrumento de Jorge Rodríguez (Luthier)

Productos de BariBoard

Instrumento de GM (Luthier)

Instrumento de López (Luthier)

Pedales Cluster

Instrumentos de Elías (Luthier)

Instrumentos de Alex Leibiusky (Luthier)

Pedales Ciclar

Instrumento de Daniel Fernández (Luthier)

Instrumento de Jatum Maki (Luthier)

Amplificadores Jake Amps

Instrumento de Cainzos Corberlli (Luthier)

Instrumentos de Jeg Custom (Luthier)

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Muestra Música 2011 | 39

tOMÁS gUBitSCH

El cuarto Invisible Por Sebastián Konrad

Tomás Gubitsch es un guitarrista de la década del ‘70, reconocido por todos sus colegas. Formó parte de importantes proyectos, como lo fuera el del grupo Invisible, además tocó con Rodolfo Mederos y con el gran Ástor Piazzolla.

Actualmente en París, Tomás Gubitsch ofrece su generosidad vía mail para que se produzca la entrevista.

Allí nos comenta cómo fueron sus inicios en la música y cómo comenzó su pasión por la guitarra.

Sus experiencias con grandes músicos nacionales hicieron que su viaje a Europa sea solamente de ida.

En la actualidad reside en la capital francesa, y continúa avocado a la música clásica.

época me dicen que me puse la guitarra a eso de los 8 ó 9 años entre los brazos y que nunca más me vieron sin ella. O sea que sí debo haber trabajado, pero sin darme la menor cuenta.

y me propusieron formar parte del grupo. Así nació el cuarteto Invisible, con el que grabamos muy poco tiempo después de aquel ensayo “El jardín de los presentes”.

¿Cómo comenzaste a tocar la guitarra?

En casa había instrumentos por todos lados: de percusión, melódicos, ancestros de los teclados eléctricos, armónicas, una mandolina, un banjo, un violín y una guitarra. Salvo el violín (que mi padre no prestaba) todos me eran accesibles. La elección de la guitarra fue natural. Por un lado, es un instrumento que los argentinos nos apropiamos, a tal punto que a la “clásica” la llamamos “criolla”; casi en todas las casas hay alguna guitarra dando vueltas. Por otro lado, era mi instrumento generacional, el instrumento emblemático del rock. ¬

¿Cuáles fueron tus influencias?

Lo primero fue la música llamada “clásica”, sobre todo la del principio del siglo pasado, con Ravel, Stravinsky y Bartok, entre los favoritos. Prácticamente al mismo tiempo, Los Beatles fueron absolutamente determinantes, y no sólo en lo estrictamente musical. Después, todo lo que tuvo que ver con el blues (descubrí a B. B. King a los 12 años y me pegó muy fuerte) y, sobre todo, con el¬ rock progresivo, como se lo llamaba. Esto incluía un poco de todo, desde Hendrix y Dylan hasta Led Zeppelín y Yes, p¬asando por Zappa, Jethro Tull o Gentle Giant. Luego, hacia mediados de los ’70, tuve un breve metejón con el jazz-rock, del cual rescato a McLaughlin. Pero, si nos referimos a la guitarra, mi preferido (aunque no siempre la música que hace) sigue siendo Jeff Beck.

¿qué recordás de aquellas épocas con rodolfo Mederos y con piazzolla?

Infinidades de cosas. Esencialmente, me digo que tuve mucha suerte de haber compartido escenarios con ellos. Empezar una trayectoria musical de esa manera (con Rodolfo empecé a tocar a los 16 años y tenía apenas 19 cuando toqué con Ástor) fue bastante espectacular.

¿tomaste clases de guitarra?

Si excluyo una pequeña decena de clases, básicamente, soy un autodidacta. Yo, francamente, no recuerdo haber trabajado, pero los testigos de aquella

¿Cómo se dio el ingreso a invisible?

El hermano de Luis y el mío eran amigos. Fui a zapar un día a la casa de los padres de Spinetta, después me invitaron a un ensayo del en aquel entonces trío,

40 | Entrevista a Tomás Gubitsch

¿Cómo era ser músico en ese momento de nuestra historia?

No me es fácil contestar a tu (atinada, por cierto) pregunta. Y esto por dos motivos: el primero es que, si bien sé que es la profesión que figura sobre mi pasaporte, si bien sé que produzco sonidos y si bien sé que tengo todos los signos de reconocimiento “social” necesarios para considerarme “músico”, para mí no existe la separación entre lo que soy y lo que hago.

Dicho en otros términos, yo tengo la sensación de no hacer otra cosa que ser yo; resulta que a eso le llaman “ser músico”. El segundo motivo es que era bastante

Guitarristas y Bajistas.ar

atípico dentro del panorama musical de aquellos años¬: era el más joven en todos los grupos con los que tocaba, el más profundamente rockero (no me refiero a las notas ni al estilo musical, sino a una actitud general) y al mismo tiempo iba al Colón y estaba muy metido en el tango post-piazzolliano. Esto último, lo del tango, era casi pecaminoso. Mi actividad profesional en Buenos Aires duró en realidad muy poco tiempo.

Mi primera grabación la hice a los 16 años, y tres años más tarde ya estaba tocando en Europa con Piazzolla.

No puedo decir que haya conocido el medio profesional porteño o argentino muy a fondo. una vez en parís, ¿cuáles fueron tus estudios?

En París tomé una docena de cursos de armonía (según el libro de Schönberg) con Gustavo Beytelmann. ¬El momento en el que más aprendí fue cuando me encontré dando cursos de armonía y de análisis en “La Cartoucherie de Vincennes”, en una especie de conservatorio alternativo organizado por Ariane Mnouchkine. Pero, fundamentalmente, al igual que con la guitarra, soy autodidacta. Ni me jacto ni lo lamento: cuando se es autodidacta, lo malo es que estás obligado a trabajar más que los demás (aunque más no sea, por el desorden en el que avanzás) y se suele perder bastante tiempo. El lado positivo es la sensación de apropiación de las cosas: cuando descubrís vos solito la lógica de la construcción armónica o de una digitación, es un poco como si la hubieses inventado, la hacés tuya. Igual, nunca considero haber terminado mis estudios. Ya sé que es una frase muy trillada, pero en mi caso es rigurosamente cierta: aprendo todos los días. En este momento, más que antes. ¿Cómo empezó tu actividad como arreglador y productor artístico?

Para serte muy sincero, ninguna de estas dos actividades que, efectivamente, me ha tocado ejercer, me apasionan. Supe hacerlo, es todo. Mucho más me interesan las colaboraciones que he tenido con coreógrafos, o con directores de cine, o de teatro. Con ellos hay un enriquecimiento mutuo: tenemos diferentes maneras de “pensar” y los intercambios suelen aportar (ya sea por analogías o por transposiciones) nuevos enfoques en nuestra propia disciplina.

tocaba, no era del todo yo¬. Y como descubrí que lo que toco no le hace mal a nadie, soy mucho menos nocivo que cualquier mal médico, o cualquier mal zapatero.

teniendo en cuenta ciertas diferencias, ¿cómo hace un músico de rock y/o jazz para adaptarse a una orquesta?

Muy afortunadamente, siendo yo el compositor y muchas veces el director de orquesta, ¬la que debe adaptarse es la orquesta a mí. Si yo tuviese que adaptarme a ellos, voy preso: son demasiado competentes. No, fuera de broma, cada mundo musical tiene sus códigos y sus protocolos, basta con entenderlos y aprenderlos.

La dirección de orquesta es una técnica, también se aprende. Después está el hecho complejo de “hacer música juntos”, que va más allá de la técnica, y quizás sea la parte de misterio, la parte incontrolable, que más me atrae. Por otro lado, siempre compuse (desde chiquito, cada vez que aprendía un nuevo acorde escribía un nuevo tema) y, desde que conocí a Mederos, siempre “escribí” la música. Era medio ineluctable que llegase al trabajo con orquestas.

¿Creés que en francia y otros países de europa hay más posibilidades para el músico que en argentina?

En lo específicamente económico, es probable, si bien cuando yo vine a Europa (1977) creo que era un poco menos difícil que la situación actual. Por todo lo demás, no. Cuando volví por primera vez a la Argentina, en 2005, constaté que los de mi época seguían haciendo lo mismo y no me interesó, pero que muchos grandes nuevos músicos surgieron. Gente como Ernesto Jodos, Diego Schissi o Fernando Otero¬, por citar apenas a algunos, y la lista podría ser larga y muy vasta en cuanto a territorios, desde el rock al folklore, pasando por el tango o el jazz. Por motivos que ignoro, en¬ nuestro país aparecen muchos buenos músicos (ni qué hablar de los futbolistas). Cuando estos se dan a ver ante el mundo, suelen ser brillantes en cualquier lado. Los ejemplos abundan también en otros territorios como el psicoanálisis, las demás disciplinas artísticas o la vida universitaria.

finalmente volviste a la guitarra, ¿qué te llevó a eso nuevamente?

Hice todo lo posible para no volver a tocar una guitarra durante ocho años. Volví a ella (o ella a mí) con la consciencia de “ser” guitarrista, tanto como “soy” músico, es decir, tanto como “soy”, a secas. Cuando no

¿qué proyectos llevás a cabo actualmente y cuáles tenés en mente para el futuro?

Actualmente divido mi tiempo entre la composición de dos encargos (uno de músicos del IRCAM y otro de una orquesta de cuerda sueca), una música de película, los conciertos con mi trío y con mi quinteto; y ya

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empezando a esbozar ideas para el Théâtre de la Ville.

Por otro lado, a partir de octubre, en Romainville (en las afueras de París), me otorgan una especie de “carta blanca” para organizar la vida cultural de la ciudad durante nueve meses. La idea es trabajar alrededor de los lazos (y los hay) entre París y Buenos Aires, esencialmente a través de una mirada artística pluridisciplinaria. Habrá de todo, directores de cine, pintores, escritores, músicos, etc., de acá y de allá, para hablar claro. Y, si posible, intercambios.

Por mi lado, me comprometí a escribir una pieza para orquesta de alumnos avanzados de los conservatorios de cuatro comunas aledañas. Algo así como 200 músicos jóvenes, pero ya con cierto nivel. Si todo sale bien, va a estar muy divertido. Paralelamente, sigo junto a Juanjo Mosalini a cargo del ciclo “Buenos Aires Sur Scène”, destinado a promover a “los que hacen cosas nuevas” dentro de las músicas ligadas a nuestra cultura. Se trata de un doble concierto parisino mensual.

Pero lo más significativo para mí quizás sea ¬que el que fue ¬mi mayor sueño desde que llegué a París, ser programado en el “Théâtre de la Ville”, al fin se transforma en realidad. Será el 5 de enero del 2012 y aprovecharé para grabar y filmar el espectáculo, dentro del cual estrenaré mi nuevo septeto. Habré tardado casi 35 años en lograrlo, y ahora tengo que encontrarme una nueva meta inalcanzable… Algo ya se me ocurrirá, seguro.

Entrevista a Tomás Gubitsch | 41

HAMER MÓNACO

En esta oportunidad les presentamos la nueva línea Mónaco, una preciosa guitarra estilo Les Paul, pero con diseño algo más moderno.

Por Peter Akselrad - Importa y distribuye hendrix Music SRL - www.hendrixmusic.com.ar

Hamer es una compañía norteamericana fundada en 1973 por Jol Dantzig y Paul Hamer. Con su primera sede en Chicago, (posteriormente se trasladaría a Illinois) los primeros diseños de Dantzig estaban basados en las míticas Explorer y Fly V de Gibson (influencias que quedan bien patentes en la imagen de sus modelos). Se la suele considerar la primera marca de guitarras eléctricas de boutique para músicos profesionales.

Lo que más llama la atención de esta maravillosa guitarra sin duda alguna, es su seductor acabado sunburst. Su cuerpo tallado a dos niveles en su frente es de grosor intermedio y en madera de nato, sin pickguard y con single cutaway. Cuenta con dos pastillas dobles Duncan Designed, con marco color crema estilo retro, selector toggle de triple posición, dos controles de volumen y un tono en línea, puente Tune-O- Matic cromado.

Se destaca el rojizo revés, tanto de cuerpo como de mástil; todo ello delimitado por unos generosos ribetes color marfil. El mástil encolado al cuerpo es de caoba, e incorpora un diapasón de palo rosa con unas cuidadas incrustaciones nacaradas en forma de corona partida, a lo largo de sus 22 trastes. Para terminar, la pala es una de las características de identidad de la firma, que incluye un clavijero Hamer Die Cast cromado y las credenciales de la compañía en su parte más visible.

La Mónaco tiene un peso intermedio y su mástil de tamaño medio es una de sus virtudes, ya que permite tocar con una fluidez enorme. Además de su buena construcción, lo que más contribuye en este sentido es su satisfactorio ajuste de serie, en cuanto a su calibración.

Si llevamos esta belleza a las pista y la enchufamos en un ampo nos encontraremos que su sonido está muy bien logrado, destacando las franjas más graves sobre las agudas, aunque sus medios y agudos suenan muy correctos. Todo con un tono cálido y muy matizado. Lo que hace de esta guitarra una opción super rockera ideal para esos riffs que tanto hacen saltar y vibrar a la gente.

En esta primera etapa de presentación de la serie Mónaco en nuestro mercado, encontraremos tres acabados: Black, Honey Burst y Cherry Burst. También los guitarristas zurdos podrán disfrutar de esta belleza. Toda la serie de Hamer se presenta con una funda de cortesía.

Como conclusión, estamos ante una gran guitarra, que cumple sobradamente su cometido, para músicos de nivel intermedio y profesional que buscan un instrumento de boutique, de una de las firmas más reconocidas del mercado, con una excelente relación entre su costo y calidad.

42 | Informe hamer Mónaco

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iBANEZ WEEPiNg DEMON

Ponemos a prueba a este Wha Wha de la línea Ibanez, que llega a nuestro país después de una prolongada ausencia.

Por Sebastián Konrad - Importa y distribuye IMSA - www.listaimsa.com.ar

Luego de un considerable tiempo Ibanez vuelve a hacerse presente en nuestro país. De la mano de Instrumentos Musicales S.A. (Promusica), la marca regresa a nuestro mercado una vez más con una extensa seria de guitarras, bajos y pedales de efecto.

En este caso tenemos en nuestras manos el Weeping Demon (WD7 Junior), uno de los modelos de Wah Wah de Ibanez. Se trata de un pedal robusto, que posee una carcasa metálica que aparenta ser indestructible. El pedal presenta un diseño distinto al de sus pares, con una plataforma metálica negra en la parte superior (donde se coloca el pie), con el símbolo característico de esta serie.

A diferencia de otros "wah wah´s", el Weeping Demon no posee switch, sino que se acciona con sólo ejercer una leve presión sobre el pedal, activándolo automáticamente. La particularidad positiva del mismo es que, al estar equipado con un control de "Retardo de Desconexión Automático", esto le permite ajustar el tiempo de desactivación del efecto después de levantar el pie del pedal, evitando que el mismo se desactive en forma repentina al soltarlo.

Otra de las ventajas del WD7 Junior es que, en lugar de poseer los potenciómetros comunes en este tipo de efecto, el mismo contiene un sensor óptico que no requiere mantenimiento.

medio de una batería de la potencia, que se puede colocar en el costado izquierdo del pedal, de una forma absolutamente accesible. Cercano al extremo superior derecho se encuentra el Led, que indica si el pedal se encuentra en funcionamiento.

El Weeping Demon posee otra alternativa, que es el "Spring Tension Adjustor", una perilla (similar a un tornillo) que puede ser "girada con una moneda". La misma regula la tensión del resorte que levanta el pedal.

Yendo puntualmente al sonido del Wha Wha, tenemos aquí un pedal de los que nos permiten un rango sonoro muy amplio, con graves bien definidos y

Como es común en muchos de los wha wha´s "más modernos", suelen incluirse determinadas opciones para ajustar su sonido. Este modelo de Ibanez incluye una perilla de "Level", que ajusta el volumen del efecto. El rango del mismo va desde 5 a 5, disminuyendo al girar a la izquierda y aumentando al hacerlo en sentido contrario. La otra perilla es la de "Auto Off Delay", que regula el tiempo que el efecto tardará en desactivarse al momento de levantar el pie de la plataforma. Esto es una gran ventaja, que permite elegir en un rango de 0 a 10 el lapso en que se desactivará el pedal, siendo 0 el tiempo nulo de apagado.

Estas dos perillas se diferencian del modelo en sí, ya que su material varía, siendo plásticas y bastante "sensibles". El "Auto Off Delay" tiene un acceso más difícil de regulación, ya que esta perilla es plata y un tanto difícil de acomodar en una situación "en vivo".

En los extremos tenemos el In (a la derecha) y el Out (a la izquierda) para su conexión; la alimentación se encuentra en el lateral izquierdo y funciona con un transformador de 9V, como la mayoría de los pedales. Otra de las posibilidades de alimentación es por

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unos agudos bien "chillones".

Podemos afirmar que su rango va de agudos a graves y no de medios a graves, como poseen otros pedales de su misma especie.

Se pueden tocar bases de reggae o funk, como así también solos bien distorsionados, sin que nuestro sonido original se vea alterado más allá del efecto propio de este modelo de Ibanez.

Testeo Ibanez Weeping Demon WD7 Junior | 43

BiyANg tiME MACHiNE AD-10

Por Rodrigo yacciofani - Importa y Distribuye Baires Music - www.bamusic.com.ar

Los guitarristas siempre hacemos especial hincapié en la calidad y el sonido de nuestro delay. Y no es para menos, teniendo en cuenta que es uno de los componentes más caros en nuestra cadena de pedales; tanto es así que un delay (ya sea análogo o digital) puede llegar a costar más de $2000, o sea, lo que sale una guitarra.

Tiempo atrás eran muy pocos los que se animaban a explorar qué opciones existían más allá de las marcas que estaban preestablecidas, por miedo a estropear la calidad del audio, o que directamente fuera el pedal el que se derritiera en el camino, y fue así como tan sólo 2 o 3 marcas se abrieron paso a través del tiempo. Hoy podemos tener la información y la tecnología necesarias para contar con productos y prestaciones de calidad profesional a un costo más accesible, y con la cualidad de poder personalizar aún más nuestro sonido sin caer en las viejas tendencias y repeticiones.

Este es el caso de los pedales de la firma Biyang, que una vez más nos presenta un pedal de delay análogo con componentes de alta gama a un precio accesible y con un audio transparente.

El “Time Machine” tiene un formato compacto (entra en la palma de la mano) y está construido con una robusta carcasa de metal de un distintivo color rosa y perillas blancas tipo vintage, un switch true bypass metálico bien resistente, controles de repeat, time, blend, y una llave para elegir entre un circuito de delay corto (de 20 a 660 ms) y otro largo (de 20 a 1100 ms). El “Time Machine” cuenta con los capacitores alemanes “Wima” de alta calidad, para lograr un sonido definido.

Opera con salida para transformador de 9v o batería. Resulta muy cómodo el acceso a la misma, que está resguardado con un tornillo giratorio (muy similar al que encontramos en

44 | Testeo Biyang Time Machine AD-10

La marca Biyang es puesta bajo la lupa en nuestra sección de testeos.

De la serie Baby Boom probamos el delay “Time Machine”.

un microafinador de un Floyd), que nos permite acceder de forma inmediata sin tener que usar destornilladores u otros adminículos que nos hacen perder tiempo y paciencia.

El “Time Machine” es un delay análogo que llega hasta los 1100ms, cualidad que no se ve muy seguido en este tipo de pedales boutique, que por lo general llegan nada más a 660 ms, lo que nos da un resto bastante importante. Empezamos a probar el pedal seteando pequeños rebotes con repeticiones cortas casi como una reverb, donde se notó una definición bien clara del ataque de la púa, que hacía que la repetición fuera totalmente fiel nota por nota, sin ningún tipo de saturación en los medios o pérdida de volumen.

El audio es ideal para los amantes del rockabilly y el surf rock, ya que el pedal es óptimo para lograr cámara como en los equipos viejos o general el clásico “Slap Echo”.

Siendo este un pedal análogo y true bypass, podemos utilizarlo con confianza en diferentes estilos, ya que la fidelidad de las repeticiones es óptima.

Es un pedal que tiene un sonido más bien brillante; resulta ideal para tocar arreglos de rock clásico como cosas tipo Pink Floyd o George Harrison, pero también apto para lograr colchones para los solos más distorsionados, como en los temas de Yngwie Malmsteen, donde encontramos fraseos prolongados y a un nivel de velocidad alto, sin que las repeticiones pierdan definición afectando el ataque y la intención que se le pueda estar dando al fraseo.

Los controles del pedal tienen buen recorrido y son bastante sensibles. Se pueden experimentar todo tipo de acoples y saturaciones en la señal con tan sólo modificar las perillas mientras la guitarra está sonando.

Cuando empezamos a jugar con el tiempo de retardo y las repeticiones a tiempo real se pueden lograr cantidad de acoples y saturaciones al estilo psicodélico, pero hay que tener especial cuidado ya que la situación puede derivar en un acople que haga ensordecer a los espectadores de la primera fila.

Un pedal para experimentar, tiene muy buena calidad y es de construcción robusta, además de tener un timbre original. Para no dejar pasar, si queremos conocer nuevas tendencias. Es buena la relación calidad-precio, y a no resignarse solamente comprando las mismas cosas de siempre, como si tuviéramos la receta de algún medico.

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EkO lES PAUl

Ponemos bajo la lupa este clásico de los guitarristas: la Les Paul. En este caso es la marca italiana Eko la que nos muestra su versión de este eterno formato.

Por Daniel Makelvintong - Importa y distribuye MJ Music - www.mjmusic.com.ar

Si hablamos de guitarras en inevitable nombrar este modelo. Las Les Paul no requieren mayores presentaciones. Su nombre ya está impuesto en el lenguaje común y todos sabemos de qué se trata. A través de la historia, distintos músicos pusieron sus dedos sobre esta guitarra, dejando un sello y haciéndola aún más conocida. Algunas décadas atrás lo hizo Jimmy Page con Led Zeppelin y luego, muchos años después, lo hizo Slash con los Gun´s and Roses. En nuestro país fue Norberto Napolitano Pappo el que hizo de la Les Paul un clásico, sobre todo en sus últimas épocas, antes de partir. Si bien fue Gibson quien

mente su calidad. En este caso, podemos decir que esta Les Paul no tiene nada que envidiarle a otras marcas que realizan la fabricación de este modelo y la comercializan a un valor más elevado.

La empresa fue fundada en 1959 por Oliviero Pigini, y en pocos años se convirtió en el productor más grande de guitarras en Europa. Eko es una marca muy conocida y apreciada en todo el mundo, y siguen siendo consideradas por muchos entre “las guitarras más bellas” por su estilo original. Debido a su relación calidad - precio, generaciones enteras de jóvenes han descubierto la música, y muchos músicos profesionales.

Hoy Eko nos presenta un sinfín de modelos que sorprenden por sus delicadas terminaciones. En este caso, la marca presenta una versión cuidadosamente terminada, con todas las características típicas de una Les Paul. Dos micrófonos humbuckers, y con control de tono de volumen por cada uno de ellos.

comenzó con las Les Paul´s, el paso del tiempo se encargó de que las distintas marcas pudieran mostrarnos su versión de este clásico de las seis cuerdas. Y, en este caso, es la marca italiana Eko la que nos acerca esta Les Paul sunburst.

Si algunos años atrás teníamos una guitarra que era de fabricación china en nuestras manos, dudábamos de sus componentes, también de su materia prima, y de la forma en que la misma había sido construida. Sin embargo, el tiempo fue perfeccionando los procesos, y las guitarras chinas, además de ser las que más abundan en el mercado, han mejorado notable-

46 | Testeo Eko Les Paul

El clavijero, como es habitual, presenta tres clavijas por lado, y en el centro de la pala puede verse bien clara la marca del fabricante. Como suele suceder en muchos modelos de Les Paul, quizás el punto más débil sean los accesorios de la guitarra, como el puente, controles y clavijas. Estos componentes se diferencian del resto de la guitarra, ya que las maderas, la pintura y la terminación dan una imagen muy atractiva a esta versión.

El sonido de la guitarra es bien cristalino. Presenta una buena calibración y afinación. Es ideal para tocar todo tipo de estilos, desde reggae hasta heavy metal. La combinación de estos dos micrófonos doble bobina nos otorga menor cantidad de ruido que en otros modelos, y tenemos la posibilidad de combinarlos a través de la perilla que se encuentra en la parte superior izquierda del cuerpo. Allí podemos elegir entre Rhythm, posición media (utilizando los dos mics combinados) y Treble.

Otra de las ventajas de esta edición es el mango encolado. A diferencia de otros modelos que se presentan con el mango atornillado, esta Les Paul tiene un mayor sustain, y a la hora de realizar un riff con distorsión y un solo de guitarra, salen a la luz todas las ventajas que esto nos otorga. Poseemos así una mayor durabilidad en el sonido de las notas.

Sin dudas tenemos aquí una buena alternativa a la hora de elegir una Les Paul, sin tener que caer en las marcas convencionales que se han instalado en la sociedad como las únicas confiables. Eko nos demuestra que existen otras posibilidades en este tipo de modelos.

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CABlES SANtO ÁNgElO Importa y distribuye harmony Music Group SA - www.harmonymusicgroup.com.ar

Harmony Music Group S.A. nos otorga la posibilidad de contar en el país con diversos productos que importan y distribuyen en nuestro territorio. HMG cuenta con marcas como Ozzi Percusión, Crest Audio, Matrix, Stage Ninja, Tiger Power, Hard Music, Peavy, La Bella y Santo Ángelo. Acerca de esta última marca se basa este informe. Los cables son a veces dejados de lado, en cuanto a consideración por los guitarristas. Se suele hacer hincapié en la guitarra, en el equipo y los efectos, pero a la hora de seleccionar un cable no se presta demasiada atención a sus componentes y su calidad. Debe tenerse en cuenta entonces que el cable es un elemento fundamental dentro de nuestro set, y que debe elegirse con ciertos recaudos.

Santo Ángelo es una empresa brasilera que se dedica a la fabricación de cables, utilizando elementos de calidad y componentes que hacen a su notable desempeño y a su calidad de sonido. Harmony Group importa a nuestro país los siguientes modelos: CAVEIRA, SAS (3.05, 6.10 y 9.10 MTS), ITCHUS, ANGELS HG (6.10 y 9.10 MTS), ANGELS NI (3.05, 6.10 y 9.15 MTS), CORD cable B, CORD HG (6.10 y 9.15), entre otros modelos. En este caso, son cuatro los modelos que vamos a detallar a continuación: el ITCHUS de 6.10 mts, el ANGELS NI de 9.15 mts, el ANGLTX de 6.10 mts y el CORDNI de 9.15mts. santo ÁnGeLo itCHus Estos cables vienen en su presentación de 6.10 metros y poseen conectores plug niquelados. Una de las particularidades de la firma es que utilizan en sus conectores distintos motivos. En este caso los conectores son plug estándar y tienen forma de pez. Además cuentan con una cobertura de PVC reforzado para evitar un exceso de distorsión.

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En este informe te mostramos cuatro modelos de cables de la marca brasilera Santo Ángelo, de los tantos que la misma posee y que están disponibles en nuestro país. Una buena opción para quienes tienen un studio home o sala de ensayo.

santo ÁnGeLo anGeLs ni En su versión de 9.15 metros los Angels NI están construidos con cobre OFHC, obteniendo así una mayor nitidez a la transmisión de la señal. Sus conectores poseen doble blindaje, inyectados en PVC. Estos cables poseen mayor protección contra interferencias y ruidos. santo ÁnGeLo anGLtX Esta versión posee un plug P10 niquelado. A diferencia de otros modelos de la marca, los ANGLTX poseen sus 6.10 metros cubiertos por una malla textil que evita cortes o marcas en el cable. santo ÁnGeLo CorDni Los CORDPL los tenemos en la versión de 9.15 metros o 30 feets (pies). Se asemejan al modelo anterior, ya que poseen los plus P10, pero en otra versión: P10 Super Cord, teniendo así un ancho de vía de 0,30mm2.

Informe Cables Santo Ángelo| 47

iNFlUENCiAS

James Jamerson

Antes que nada quiero agradecer los mails por mi 1era. nota en la revista; es muy grato saber que aún hoy los más jóvenes siguen influenciándose por bajistas como Por Pablo Santos Mc Cartney. En esta edición vamos a ocuparnos de James Jamerson.

El Gran James Jamerson, bajista que, junto a los “funk brothers” del sello Motown grabó muchos de los temas que alcanzaron el No.1 entre los años 60’ y 70’. No es casual que bajistas estilísticamente tan diversos como el mismo Mc Cartney, Billy Sheehan, Flea o Patittucci lo cuenten entre sus mayores influencias.

A los consabidos patterns, priorizando notas de acorde, solía agregarles pasajes cromáticos, utilizando notas fuera de la escala, generando tensión en sus bases, algo impensado en aquella época para temas ¨radiales¨ (ej. 1 ¨I was made to love her¨ de Stevie Wonder). Otro recurso, ya en lo rítmico, es el empleo constante de síncopas y contratiempos, pero siempre dentro del groove. Sus bases son sólidas, ya que nunca cruzan la delgada línea que separa el tocar muchas notas de perder peso en la base. Tengan en cuenta canciones como ¨For once in my life¨ de S. Wonder (ej. 2). El ej. 3 (¨What’s going on¨ de Marvin Gaye) es un groove

en Mi, que da para tocar por horas sin repetir compás alguno. Loop en una sola tonalidad, o metrónomo mediante, ¨zapen¨ sus propias líneas, cambien el modo a menor, modulen, etc. La mayor influencia, el ¨concepto jamersoniano¨ es, o debiera ser, el no limitar la base de bajo a un patrón constante, que puede llegar a ser monotono, dependiendo del estilo y entorno musical.

Hoy en día, en que la música parece mezclarse y mirarse a través de una pantalla de edición, los invito a prestar atención a esas viejas grabaciones del sello Motown, para poder escuchar un groove “honesto y sincero” entre bajo y batería, producto de muchas horas tocando juntos. Los “errores espontáneos”, que ningún plugin o sinte virtual podrán crear jamás. Los encuentro en el próximo número; como cuentan, Jaco Pastorius solía decir: ¨¡lo juro por James Jamerson!¨

PABLO SANTOS es bajista de JAF y director musical de Sole Pastorutti. Tocó en las bandas estables de David Lebón, Alejandro Lerner y Diego Torres. Grabó o participó en presentaciones de: Gloria Estefan, León Gieco, Horacio Guarany, Juanse, Nito Mestre, Ricardo Montaner, Chico Novarro, Los Nocheros, Olodum, Chaqueño Palaveccino, Pappo, Luciano Pereyra, Joaquin Sabina, Luis Salinas, Sarten System, Bebu Silvetti, Mercedes Sosa, Patricia Sosa y Lito Vitale, entre otros. Su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición. http://www.myspace.com/santospablo pasantosblo@hotmail.com

48 | Suplemento Técnico

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gUitARRA RitMiCA

Uso de las manos (Parte 1)

Espero que estén sacándole provecho a la columna y a la revista en general. hoy quiero hablar un poco del asPor Facundo López Burgos pecto técnico de las manos en lo referente a rítmicas.

Comenzaremos con la mano derecha; dentro de géneros como el pop, rock, punk, e incluso jazz (por citar sólo algunos), es bastante usual el uso de una púa que sostenemos entre los dedos índice y pulgar de dicha mano. Los que no quieran usar púa pueden usar de todas formas esta técnica, apoyando el pulgar en el índice como si tuvieran una.

Una vez que lo tengamos claro, esta forma de llevar la corchea y el compás será nuestra base para cualquier ritmo que queramos tocar. Con esto quiero decir que la mano derecha siempre tocará el patrón de 8 corcheas abajo-arriba, sólo que utilizaremos diversas formas para decidir si al movimiento le corresponde o no un sonido, y de esta forma podremos construir ritmos que llevaremos de manera sólida.

Una forma simple de comenzar sería dejando la muñeca alineada al antebrazo y mover el conjunto (mano y antebrazo) desde la articulación del codo (más exactamente desde el punto de apoyo del antebrazo en la guitarra). Lo más económico en cuanto a movimiento sería aprovechar tanto la ida (movimiento hacia abajo) como la vuelta (movimiento hacia arriba). Una forma de llevar el ritmo de manera estable es tocar siempre los pulsos (tierras) hacia abajo. Teniendo en cuenta esto plantearemos un patrón sencillo tocando las 8 corcheas de un compás de 4/4 (Ej. A). Aquellas que coinciden con el pulso las tocaremos hacia abajo y aprovecharemos la vuelta del brazo para tocar las corcheas débiles. Les propongo practicar esto siempre con metrónomo, comenzando lentamente y subiendo la velocidad a medida que sientan que lo tocan de manera firme.

En el D la mano tocará las cuerdas sólo en los momentos indicados. En los demás seguirá el movimiento en corcheas, pero pasando por el aire sin llegar a tocar las cuerdas.

En el ejemplo B tocamos sólo los pulsos con movimientos hacia abajo, y en el ejemplo C sólo los contratiempos, es decir la corchea que queda en el medio de un pulso y otro. Es importante, en este ultimo caso, que sigamos teniendo la sensación de marcar el pulso al bajar la mano.

En E vemos los mismos patrones rítmicos que en D, sólo que en este caso la mano derecha tocará las 8 corcheas, y será la mano izquierda apretando y soltando la que dará forma al ritmo. Esta técnica es muy utilizada en el funk, y para que sea efectiva es necesario no utilizar acordes con cuerdas al aire.

Recuerden siempre practicar usando metrónomo y poniendo especial atención en no apurarse. Lo importante al tocar rítmicas es hacerlo con peso y con groove, para que el resto de la banda (y por ende la gente que está escuchando) pueda bailar la música.

La seguimos la próxima, y recuerden, por cualquier duda o consulta, pueden escribirme a faculb@gmail.com. También les recomiendo visitar mi blog, sonidodeguitarras.blogspot.com, donde encontrarán muchísima información. ¡Abrazo!

FACuNDO LóPEz BuRGOS, es guitarrista y compositor. En el año 2009 edita el CD ‘Si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante Claudia Puyó en la década que le valió el Premio Konex (96-07), participando en el CD La Razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. En el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa Duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito Paez, Daniel Colombres, Gringui Herrera, Guillermo Vadala, Pepe Céspedes (Bersuit), Oscar Righi (Bersuit), Tito Fargo (Gran Martel l), Facundo Guevara, Guido Martínez, Mariana Baraj, Daniel 'Pipi' Piazzolla, y Alambre González, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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Suplemento Técnico | 49

SHRED gUitAR

Por Silvio Gázquez

Dominar esta técnica los va a ayudar a tocar a mil por hora, aunque al principio les puede costar un poco el tema de manejar la púa, especialmente si estamos acostumbrados a tocar con púa alternada. Son varios los guitarristas a los que les he “robado” este tipo de técnica y licks. El que la llevó al extremo es Frank Gambale, por supuesto. Después, gente como Yngwie, George Bellas, Kiko Loureiro, entre otros, le han sacado bastante el jugo.

Seguramente, la mayoría de ustedes conocerán y usarán sweeping para tocar arpegios, que sería lo más común. Pero a la hora de tocar escalas, creo que no es muy usual.

El modo de uso es matemática pura, generalmente; vamos a emplear esto cuando tenemos cantidades de notas impares. Lo más común es cuando tenemos 3 notas por cuerda.

Otro caso sería jugar con 3 y 1 nota, mezclando así escalas con arpegios. Con esta última idea también podemos emplear escalas pentatónicas. Ok, entonces, a continuación, veremos un ejemplo de cada uno.

Ej. A - En este ejemplo vamos a tocar la escala de A menor natural ascendente y descendentemente usando todas las cuerdas, 3 notas cada una. De esta forma vamos a pasar por 2 dibujos de la escala. Con este mismo procedimiento pueden tocar todos los dibujos de la escala por todo el diapasón. Como siempre les digo, recuerden empezar el ejercicio muy lentamente.

Técnica (2da. parte) - Sweeping Scales En este número vamos a seguir con más técnica, hoy veremos cómo usar Sweep Picking, o Barridos, para tocar escalas.

Ej. B - En este ejemplo vemos el patrón que mencioné antes, usando 3 notas y 1 en la siguiente cuerda, formando una mezcla de escalas con arpegio. Acá toco con la escala de A menor natural, pero comenzando en F. Si vemos con atención, vamos a notar que las notas forman el arpegio de Fmaj9.

Ej.C - Ahora vamos a tocar uno de los licks más usados por Malmsteen. Es un patrón ascendente de 5 notas, el cual podemos usar para subir rápidamente por la escala, en este caso la escala menor de F#.

Ej. D - En este ejemplo veremos un patrón para poder tocar una menor pentatónica con barridos. Este tipo de lick es muy usado por Gambale, así que les recomiendo escuchar a este monstruo de las 6 cuerdas.

Ej. E - En el último ejercicio veremos una variación del ejemplo número 2. Empezamos de la misma manera, pero después descendemos en grupos de 3 cuerdas, para finalmente subir con un arpegio pentatónico de Am7.

Esto es todo por hoy, espero que les sea útil y, como digo siempre, creen sus propias ideas. Cualquier duda o consulta que tengan no duden en escribir a mi casilla de correo, topogazquez@hotmail.com ¡Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho!

SiLViO GázquEz Oriundo de Lincoln (prov. de Buenos Aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La Plata, en donde reside actualmente. En el 2008 fue contratado por una compañía de EE.uu. para filmar DVD’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso Guitar Secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online Guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del Guitar idol 2008. En el 2009 ganó en Youtube el concurso Petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del Guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: Shred This (top 45); Mayones Contest (top 15); Give me a Riff (top 10); y Strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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iMPROtÉCNiCA

Por Gabriel Caparrós

Improvizar es la cuestión Espero que les haya ido bien en la columna anterior con la escala pentatónica dominante; luego continuaremos con esa escala.

En esta sección vamos a ver cómo improvisar con tríadas, y tríadas con 7ma., o también llamadas cuatríadas, y lo haremos en diferentes técnicas, como siempre.

A) aquí veremos las cuatríadas tocadas de manera ascendente y descendente, en subida en una sola posición. Todo esto se hará con la técnica picking sobre la escala de C mayor y sus 7 tríadas con 7ma.

B) En este ejemplo haremos una tríada ascendente y otra descendente con la técnica ligados en la escala de D mayor sobre el acorde de Em. C) Aquí veremos las tríadas con 7ma. en una sola cuerda, hecha en la escala D mayor, Dmaj7, Em7, F#m7, Gmaj7, A7, Bm7 y C#m7b5, con la técnica economic picking.

El movimiento de púa es el mismo para todos los arpegios: arriba-abajo, abajo-abajo-arriba.

D) Por último, una combinación de las tríadas de Em, D y Bm sobre el acorde de Em. Una vez aprendido esto traten de mezclar las técnicas y las diversas formas de hacer las tríadas sobre un solo acorde. Verán resultados que las escalas tocadas en grado conjunto no les brindan. ¡Que lo disfruten! Cualquier consulta mándenme un mail, ¡aloha!

GABRiEL CAPARRóS Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de Diego Mizrahi. Es profesor de Guitarra Eléctrica y Flamenca en la Escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la Doble 2, y con Ricardo Alonso (“el Griego”, ex baterista de Pappo). Actualmente da clases particulares de guitarra.

E-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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Suplemento Técnico | 51

gUitARRA JAZZ Por Juampy Juárez

Solar hoy les ofrezco un solo en el famoso standard Solar de Miles Davis, uno de los más importantes artistas de jazz de todos los tiempos.

Este tema es un blues menor rearmonizado, muy moderno para su época, y muy útil para improvisar sobre cambios de acordes con los ejemplos de arpegios, escalas y tríadas enlazadas que veníamos viendo en las lecciones previas. Espero que puedan reconocer el material utilizado. En el compás número 3 aparece G-melódica, escala muy importante a nivel sonoro, que empezaremos a investigar en el próximo número. Saludos a todos y que lo disfruten, ¡recuerden usar metrónomo y el pie en los tiempos 2 y 4!

JuAMPY JuáREz ha estudiado con grandes como Pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, Gene Bertoncini, Jack Wilkins, Paul Meyers, Sid Jacobs, Bruce Arnold, y su mentor, el gran “Pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos Aires, Bangkok, San Pablo y New York. En el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz.

Como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como Pedro Aznar, Luciano Pereyra, Ciro Martínez, Axel, Lissa de Bandana, Emme Vitale, El Reloj, Gazpacho, irupé Tarragó Ros, y Lalo de los Santos, entre muchos otros. Es docente, y su proyecto más importante es el Powerjazz Trío (junto a Chino Piazza en batería y Eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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ARMONiA Por Jorge Senno

Sistema de acordes de la escala mayor con séptimas En el número anterior habíamos analizado los acordes de tres notas (tríadas) que se construían sobre la escala mayor superponiendo terceras.

Una vez más presentemos a la escala de C mayor como punto de partida:

Hoy veremos cómo agregarles las séptimas, formando acordes de cuatro notas llamados cuatríadas o tétradas. Partiendo del primer acorde (C mayor) superpongo una tercera más sobre la 5ª justa (G) obteniendo la nota B, que es la séptima mayor de C. El acorde resultante es C mayor con séptima mayor, simbolizado como C7M ó Cmaj 7.

Si prosigo con los diferentes grados, el resultado será este:

Podemos también clasificar los acordes obtenidos en las diferentes categorías: Mayores con séptima mayor > Imaj7 IVmaj7 Mayores con séptima menor > V7 Menores con séptima menor > II-7 III-7 VI-7 Menor con séptima menor y quinta disminuida > VII-7(b5) Observamos que el V7 es un acorde mayor con 7ª menor, su función es Dominante y tiene la característica de tensión e inestabilidad, como veremos próximamente.

El VII grado entonces es un acorde menor con séptima menor y 5ª disminuida, también llamado semidisminuido, como ya hemos estudiado en una nota anterior.

Como ejercicio y sobre el pentagrama, es muy útil pasarlo a todas las tonalidades.

JORGE SENNO estudió guitarra con Claudio Gabis, audioperceptiva con María del Carmen Aguilar, armonía con J. C. Cirigliano y Pedro Aguilar, entre otros docentes. Es autor de los libros “Solos Redondos”, “Solos de La Renga”, “Solos Divididos”, y colaboró en "Armonía Funcional" de Claudio Gabis, editado por Ricordi, además de colaborar en diferentes revistas como “El Musiquero”, “Music Expert”, “Recorplay” y otras.

Participó en shows y/o grabaciones con León Gieco, Claudio Gabis, Claudia Puyó, Skay Beilinson, Alejandro Medina, Jorge Pinchevsky, Miguel Cantilo, Miguel Botafogo, Ciro Fogliatta, Kubero Díaz, Edelmiro Molinari y otros. Tiene dos discos solistas editados: “Barraca Peña” y “un Blues desde el fin del mundo”, y numerosas colaboraciones con otros artistas como músico profesional. Actualmente está terminando de mezclar “En el cosmos no hay error”, nuevo trabajo discográfico grabado en el Estudio del Abasto. jorgesenno@gmail.com www.jorgeluissenno.com.ar

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Suplemento Técnico | 53

BAJO tAPPiNg Por Alejandro Giusti

Analizando un poco su estructura, podemos decir que es una pieza clásica con un muy interesante concepto de orquestación, ya que dentro de la partitura hay tres voces bien definidas. Esto se logra de la siguiente manera: Por un lado está la línea del bajo, formada con las blancas con puntillo, (salvo el anteúltimo compás que hace negras). Estas notas se podrían tocar, por ejemplo, con un contrabajo.

Por otro lado están los tresillos de corcheas. Con la primera nota de cada tresillo se arma la melodía del tema; esa primera nota se tiene que tocar más fuerte que las otras dos.

Traten de hacerlas durar lo más posible; lo ideal es que ocupen todo el pulso, de esta manera ayudamos a definir la melodía. Esta voz es el solista de la orquesta, y podría estar tocada, por ejemplo, por un saxo.

Dos Manos Tapping - Estudio de Rubira Aquí vamos con un fragmento del “Estudio de Francisco Rubira” compuesto originalmente para guitarra.

Por último, tenemos el acompañamiento armónico del tema, que está formado por la segunda y tercera nota de cada tresillo. Estas dos notas van arpegiando, y de esta manera arman un colchón armónico sobre el cual se para la melodía. Es importante que se toquen con un volumen por debajo de la voz líder. Este acompañamiento podría ser tocado, por ejemplo, por un piano.

Como último comentario, les digo que esta obra se puede escribir también en 9/8, ya que todos los compases están formados por tresillos. Decidí respetar la parte original y mantengo el 3/4 en la Armadura de Clave.

Espero que les sirva, y será hasta la próxima.

ALEJANDRO GiuSTi Compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 CDs con su banda: “Giusti Funk Corp.”, “Barrio Funk”, “Arrabal Eléctrico”, “Plan C” y “Grande de Fuzza”. Entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: Roberto “Fats” Fernández, Pablo Mainetti, Lito Vitale, Pablo Rovner, Daniel “Pipi” Piazzolla, Popy Spatocco, Juan Cruz urquiza, Nicolás Guerschberg, Gustavo Musso, Gustavo Cámara, Diego Clemente, Pedro Menéndez, Richard Nam, álvaro Torres, entre otros. Alejandro Giusti es autor de dos libros con CD: “Bass Book de Slap”, 1999 y “Candombe Música Afro-Rioplatense”, 2008. Del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music Expert, que se emitía para toda Latinoamérica. Podes conectarte con Alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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BAJO JAZZ Por Damián Vernis

Interpretando una partitura En el número anterior vimos las dos principales formas de armar acordes en el bajo, desde 3ra. cuerda, usando los intervalos tónica, tercera y séptima, y desde 4ta. cuerda, utilizando los intervalos tónica, séptima y tercera.

La idea de la columna de este número y las anteriores es de poder interpretar una partitura de un standard, es decir, poder tocar el bajo, armonía, melodía, y también comenzar a trabajar la improvisación sobre este.

Cuando recibimos una parte o partitura de jazz, normalmente encontramos el cifrado de acordes más la línea melódica. En cuanto al cifrado de los acordes, no hay ningún elemento que nos indique qué posición utilizar para poder tocarlos, o sea que nosotros debemos interpretarlo en el bajo. Por eso es importante saber de memoria las posiciones de los acordes vistas en el número anterior y, obviamente conociendo bien la parte armónica, podremos armar una buena línea de bajo.

Comenzaremos ahora con los acordes, tomaremos de ejemplo el tema "tune-up" de

Miles Davies, que podemos también encontrar en el famoso libro de jazz "Real Book".

A continuación observaremos la interpretación del cifrado del tema volcado al pentagrama: (tablatura), en el ejemplo A. Les aconsejo que graben cada parte por separado, por ejemplo en una computadora: armonía, melodía y bajo, de este tema u otros escritos en forma similar. De esta manera podremos probar un tema y ver cómo suena, sin tener la necesidad de que estén todos los integrantes de la banda en ese momento.

En el próximo número trabajaremos la línea de bajo, con la idea de agregarla y poder apreciar mejor la composición.

DAMiáN VERNiS Bajista, compositor y docente. Estudió con Marcelo Torres, Juan Carlos Cirigliano y Néstor Marconi. En el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “Escuela de Música Popular de Curitiba”. A lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario Parmisano (pianista de Al Di Meola), Ricardo Nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), Nora Sarmoria, Yeye López, Adrián Birlis y Beto Satragni, entre otros. Paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por Europa y Estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, Adrián Otero. Podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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Suplemento Técnico | 55

BAJO BASE Por Andrés Dulcet

Recorriendo el bajo Continuando con lo expuesto en mi anterior entrega, les presento otra idea para investigar el diapasón del bajo, y mejorar la visualización de las escalas en él.

¡Hola, estimado colega bajista!... Estos ejercicios se basan en las 3 posiciones vistas en el número anterior. En este caso propongo cambios de posición en una misma cuerda. Es decir, en vez de cambiar de cuerda, subo una posición en la misma cuerda en la que estoy.

Las notas indicadas con una letra T indican la tónica de cada escala en la que trabajamos (Ej. A en FA, Ej. B en RE y Ej. C en DO). Al comienzo de cada pentagrama la armadura de clave indica las alteraciones de cada escala. FA Mayor tiene Sib, RE Mayor tiene Fa# y Do#, por último DO Mayor, que no tiene alteraciones).

Siempre estamos tocando de a tres notas en cada posición de la mano izq., entonces lo interesante es decidir cuándo pasás de cuerda, o cuándo cambiás de posición en la misma cuerda. Alternar estas dos opciones permite recorrer el diapasón de una manera fluida. Es muy importante tocar muy lento, pensando en el nombre de cada nota, y de qué grado de la escala es esa nota. Gracias por tu atención, y lo mejor para vos. Hasta pronto.

ANDRÉS DuLCET es sesionista y docente de bajo eléctrico desde hace 20 años. Trabaja en vivo y grabaciones con gran variedad de artistas como Fabiana Cantilo, Alberto Cortéz, Nito Mestre, Ariel Roth y muchos otros. Por clases particulares, comunicate a: adulcet@hotmail.com (asunto CLASES).

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