Guitarristas y Bajistas Magazine #25

s a t s i r r a t r i a . u G Bajistas & Mañana es mejor

NOVEDADES - Página 08 BETO SATRAGNI - Página 10 SERGIO ALVAREZ - Página 12 JEFF BERLIN - Página 16 LUTHERÍA - Página 20 SCOTT HENDERSON - Página 24 COMPACTOS - Página 26 LUIS ALBERTO SPINETTA - Página 28 TRANSCRIPCIONES SPINETTA - Página 34 DUELO DE GUITARRAS - Página 36 TESTEO LANEY LX65R - Página 38 INFORME LACE PICKUPS - Página 40 INFORME CORT CURBOW 4 - Página 41 TESTEO EPIPHONE LES PAUL ULTRA II - Página 42 TESTEO DANELECTRO COOL CAT - Página 44 TESTEO BIYANG METAL END KING - Página 46 SUPLEMENTO TÉCNICO FACUNDO LóPEZ BURGOS - Página 48 SILVIO GÁZQUEZ - Página 50 JORGE SENNO - Página 51 MARIANO BOTTO - Página 52 JUAMPY JUÁREZ - Página 53 GONZALO ALFARO - Página 54 DAMIÁN VERNIS - Página 55 ALEJANDRO GIUSTI - Página 56

Coordinador Daniel Pérez dperez@guitarristasar.com Editor responsable Silvia Ruggero sruggero@guitarristasar.com Periodista Sebastián Konrad konrad@guitarristasar.com Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com Publicidad Sergio Vall sergiovall@guitarristasar.com

Un nuevo año se despide. Una nueva década dice adiós. La primera de este nuevo milenio. Casi imperceptiblemente pasaron seis ediciones más de Guitarristas y bajistas.ar. Casi sin pensarlo estamos a punto de comenzar nuestro sexto año de vida, que avala una trayectoria que no se desgasta con el paso del tiempo. Contrariamente, nos vamos nutriendo de experiencias, de errores y de aciertos, para poder brindarles lo mejor cada año.

Muchas cosas han pasado en estos días, en estos meses. Pero la música sigue sonando. Muchos artistas nos han dejado su obra y han quedado en la historia grande de este infinito universo musical. Beto Satragni, Sandro, Ronnie James Dio, Paul Gray, Rubén Basoalto, son algunos de los personajes que han dicho adiós en este cruel 2010 para el ambiente musical. Gustavo Cerati aún continúa luchando con su Fuerza Natural para poder regalarnos algunos fragmentos más de su maravillosa obra.

El final del año ya es un hecho y comenzamos a pensar en “Un mañana”, y nadie mejor para hablarnos de ello que Luis Alberto Spinetta, quien dijo “mañana es mejor” en “Cantata de puentes amarillos”, y hoy se muestra fiel a esa filosofía con su último disco de estudio. Uno de los pioneros de nuestro rock nos abrió las puertas de su casa y de su vida, para conocerlo más de cerca y saber cada detalle acerca de su sonido. Un apasionado total de las guitarras mostró su pasión al hablar de las seis cuerdas, y de su percepción sobre los guitarristas y la música actual. Luis nos habló además del megaconcierto del pasado año en Vélez y del DVD que registra dichas imágenes. Para darle un toque de distinción a esta memorable entrevista, te regalamos un poster del “Flaco”. Un pequeño privilegio que galardona el cierre de una etapa tan cambiante como productiva.

Scott Henderson y Jeff Berlin visitaron nuestro país dejando su música en el ND Ateneo, y charlamos con ellos para interiorizarnos sobre su vida como instrumentistas. Además, Berlin dio una clínica de bajo para Dean en el Auditorio de la Escuela de Música de Buenos Aires (EMBA). También nos hicimos presentes en ese lugar contándote cada secreto del bajista y su sonido.

Lejos de los lugares masivos se encuentran músicos creativos, virtuosos y ambiciosos. Sergio Álvarez es uno de ellos. Un guitarrista de primer nivel que participa de numerosos proyectos, entre ellos Panza, su banda más “personal”. El único “clinicista” de Fender en América del Sur nos cuenta cómo comenzó su carrera como músico y cómo nació el vínculo con la empresa americana, con la cual recorre varios países para mostrar sus productos y su talento.

Nos dirigimos a Lomas de Zamora para seguir de cerca la ilusión de muchos jóvenes (y no tan jóvenes) guitarristas, que buscaron coronarse a través de su talento. Una vez más POP Music organizó el Duelo de Guitarristas, y en su 5º edición estuvimos presenciando las distintas instancias de un concurso que entusiasma a todos los amantes de las seis cuerdas.

Continuamos, como es habitual, brindando servicios a nuestros músicos lectores. Las dos páginas de novedades nos mantienen informados sobre los nuevos productos que ingresan al mercado, y la sección de “luthería” nos aconseja cómo cuidar nuestros instrumentos. También te acercamos tests de bajos, amplificadores, guitarras y pedales de efecto. El suplemento técnico mantiene su tendencia y nos otorga los mejores ejercicios para poder afianzarnos en nuestros distintos instrumentos.

Una nueva hoja queda atrás en el calendario. Un nuevo año se avecina. El tiempo continúa su curso casi sin dar respiro, cada vez con más velocidad. El tiempo pasa, pero la música queda, y Guitarristas y bajistas.ar te la seguirá acercando año tras año.

Siguiendo la tendencia siempre esperanzadora de Luis Alberto Spinetta, para nosotros también “mañana es mejor”.

Sebastián Konrad

Arte | Diagramación Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Facundo López Burgos, Juampy Juárez Gabriel Caparrós, Hernán Shactelong Rodrigo Yacciofani, Silvio Gázquez Alejandro Giusti, Adrián Gruning Sergio Pérez, Fanta Beaudoux Damián Vernis, Mariano Botto Gonzalo Alfaro, Jorge Senno Daniel Makelvintong "Chelo" Criador Solano

06 | Editorial

Año 5º - Nº 25 | Diciembre/Enero 2011 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 767, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A. Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A.

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NOVEDADES

Todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

GALLIEN KRUEGER www.jamesound.com

CABLES PROFESIONALES STAGG CON PLUG NEUTRIK www.mjmusic.com.ar

Llega a la Argentina la nueva serie MicroBass. Esta línea se destaca por su poco peso, por su potencia y portabilidad. Los combos son ultralivianos, haciéndolos óptimos para el traslado. En diferentes versiones de potencia y parlantes: MB 112, 1x12” (200w); MB 115, 1x15” (200w); MB 210, 2x10” (350w) y MB 212, 2x12” (500w), poseen una potencia digital, eq activos y salida balanceada.

La línea de cabezales comienza con el MB-200, con un peso de menos de 1 kg. y con 200w poderosos (Eq. activa de 4 canales y salida balanceada XLR). El MB-500 tiene 500w (eq activa, un canal independiente para boostear la señal activado por switch, loop de efx y salida XLR).

El MB Fusion combina un pre valvular con la potencia digital, con 500w de potencia, 2 ganancias conmutables, contour variable, loop de efx y salida balanceada XLR con eq pre/post.

La empresa MJ Music nos acerca una nueva serie de cables profesionales Stagg, que están ingresando recientemente en nuestro país. La particularidad de estos productos es que poseen conectores Neutrik. Dentro de esta línea se encuentra el NGC6, que posee una ficha plug en sus extremos y tiene un largo de 6 metros. Otro de los modelos que podemos encontrar es el NMC6XP, que posee similares características que el anterior, sólo que en uno de sus extremos tiene una ficha XLR, con conectores NINGBO NEUTRIK. Por último, les recomendamos el otro de los cables que es el NMC10XX, que incluye dos fichas XRL y tiene un largo de 10 metros, algo para tener muy en cuenta porque siempre se necesita en los ensayos y en las performances en vivo. Siempre hay que tener este tipo de accesios a mano.

BIYANG AD-10 TIME MACHINE www.bamusic.com.ar

SPINETTA Y LAS BANDAS ETERNAS SET BOX www.mangosmusic.com

Una vez más nuestros amigos de Baires Music nos acercan un nuevo producto de Biyang. Luego de la buena aceptación que tuvieron estos pedales en el mercado, y como consecuencia de sus buenas ventas, los productos Biyang se siguen sumando fanáticos en todo el país. En este caso, la marca nos trae otra sorpresa: se trata de un delay, el AD-10 Time Machine de la serie Baby Boom. El mismo posee una carcasa de fundición de aluminio y presenta una medida standard. Contiene tres perillas (blend, time y repeat), un led indicador en el centro y una perilla para cambiar el tiempo. Se puede utilizar hasta 600ms o 1100ms, según la opción seleccionada. Sin lugar a dudas, no se pierdan de probar esta maravilla.

Mango´s Music posee la exclusividad del memorable concierto que realizó Luis Alberto Spinetta el pasado año en el estadio de Vélez Sarfield, festejando sus 40 años en la música. Desde el 1 al 30 de noviembre se realizó la preventa del Box Set que incluye 3 DVD´S, 3 CD´S, 2 libros (uno con fotos en vivo y otro con fotos de los ensayos, una entrada a la presentación del material, y una clave que permite acceder a fotos y videos exclusivos, que quedaron excluidos del producto editado. A partir del 4 de diciembre se encuentra el Box Set disponible para aquellos que lo compraron con anticipación, y para aquellos que no pudieron hacerlo anteriormente. Dicho Box Set tiene un valor de $490 y se puede adquirir en Talcahuano 156.

ROCKMAN AFINADORES Y METRÓNOMOS www.diplam.com.ar Rockman acaba de lanzar una nueva línea de afinadores y metrónomos de muy buena calidad y construcción, con las mejores prestaciones y características. El FMT2010 es un afinador metrónomo que posee entrada y salida, lo cual le permite ser colocado en una pedalera de efectos. Sobre el lado derecho tenemos todas las funciones del metrónomo, las cuales incluyen tiempo, acentuación y todas las figuras comunes. El volumen del altavoz se puede regular, y en el máximo es suficiente como para una sesión de práctica con instrumento de cuerda. Además se puede colocar un auricular en el caso de uso en percusión. Del lado izquierdo encontramos la sección de afinador y generador de tono. Se pueden conmutar entre cromático, guitarra, bajo, violín y ukelele. Soporta un pitch de 410 a 490 Hz. El afinador trabaja con aguja en el panel digital retroiluminado en azul, cambiando a verde cuando la nota está afinada. En el caso de instrumentos acústicos incorpora micrófono externo, y como adicional trae un clip para conectar en la entrada y tomar la afinación por vibración. Como último y no menos importante detalle, posee una entrada de usb, la cual sirve para recargar las baterías en el caso de que las mismas fueran recargables, y para conservar la carga se apaga automáticamente si no detecta sonido por 3 minutos.

08 | Novedades

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CUERDAS MEDINA ARTIGAS www.medinaartigas.com

FENDER G-DEC 3 www.todomusica.com.ar

La empresa argentina Medina Artigas, que desde el año 1972 se dedica a la fabricación de cuerdas para instrumentos musicales, nos presenta las cuerdas “Medina Artigas 470”.

Dicho producto es para guitarra clásica y posee un diseño particular. Las primeras tres cuerdas (1º, 2º y 3º) tienen un entorchado especial de poliamida, mientras que las 4º, 5º y 6º son de aleación plateada, teniendo este encordado un diseño único en el mercado.

Los materiales utilizados eliminan el chillido que se produce al deslizar el dedo por las cuerdas. Con un mejor sonido, duración y calidad, Medina Artigas sigue entregando elementos de primera calidad al músico.

Todomúsica S.A. nos acerca lo último en tecnología lanzado por Fender.

Se trata del amplificador G-DEC 3, que permite la interacción de la guitarra con el amplificador, y de este último con la PC a través de su puerto USB. Además, todo lo que uno toca queda grabado en la tarjeta de memoria SD, que permite reproducirlo en todo momento. A diferencia de su anterior modelo, el G-DEC, se aumentó la cantidad de tiempo de grabación y se pueden utilizar cientos de secuencias grabadas por el usuario. Contiene además pistas de audio real grabadas especialmente para Fender por grandes artistas como Eric Johnson, Charlie Benante, Phil Collen, etc. Este producto se puede adquirir en dos versiones: 15 watts con altavoz de 8” y 30 watts con altavoz de 10” y Tweeter.

AMPEG BA300/115 www.romulogarcia.com.ar

ACCESORIOS D´ANDREA www.intermusicaonline.com.ar

Este asombroso combo que nos pone a disposición Ampeg mantiene las características de sonido clásicas de esta marca, con el plus de ser un objeto sumamente transportable. El hecho de ser liviano no reduce las posibilidades sonoras; posee un woofer de 15”, bocina con control de nivel y 300 watts de salida. Algunas de sus características sobresalientes son: preamplificador con válvulas 12AX7, conmutadores de Ultra Light y Ultra Low, EQ de 3-Band con control de estilo, y mucho más. Este BA300 es por cierto un combo muy versátil en cuanto a su sonido y posee grandes posibilidades de seteo, con la comprobada calidad de la serie SVT que tan famosa hizo a esta importante marca.

La empresa Intermúsica S.A. nos acerca los interesantes productos que nos ofrece la marca D´Andrea que ingresan al mercado en este mes de diciembre. Entre la infinita cantidad de púas que se importan, se destacan: Púas Delrex (.50mm, .60mm, .73mm, .88mm, 1.00mm, 1.14mm), Púas Carey (thin, medium, heavy), Púas Celluloid (thin, medium, heavy), Púas Celluloid Stix (.71mm, .81mm, .96mm, 1.2mm, 1.5mm), Púas Rock, Púas Christian (thin, medium, heavy) y Púas Metálicas (steel, brass, cooper). Además ingresarán uñeros, porta púas para pie de micrófono, slides (cristal simple, cristal doble, acero simple, acero doble y tipo botella), limpia cuerdas para guitarra y bajo, capos y muchísimos accesorios más que un músico siempre debe tener a mano en cada ensayo o show.

Productos de probada calidad que seguramente nos sorprenderán cuando vayamos descubriendo el verdadero mundo de los accesorios D’Andrea.

EFECTOS ZVEX www.hendrixmusic.com.ar Ya están disponibles los nuevos integrantes de la reconocida línea Vexter, creación del genio de los pedales de efectos denominados “pedales boutique”, el gran Zachary Vex. El Super Hard-On es un preamplificador perfecto, un booster limpio y transparente. Galardonado en revistas y sitios especialistas como el “Mejor Pedal Booster”. Infaltable en el set del guitarrista amante de este tipo de pedales.

Además, nuestros amigos de Hendrix Music nos acercaron el Super Duper, que es una versión doble del Super Hard-On, que le suma un Volumen Master que le permite usarlo como Distorsión y Overdrive. Su sonido es realmente poderoso y en extremo sorprendente. En resumen, estas dos interesantes nuevas versiones se suman a los geniales Fuzz Factory y Box of Rock, reconocidos por la comunidad de guitarristas de todo el mundo que pierden la cabeza cada vez que Zachary se aparece con uno de sus nuevos juguetes que gustan y siempre sorprenden. Investiguen un poco en internet y verán que más allá de las palabras ZVEX suena como ninguno.

10 | Novedades

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SERGIO ÁLVAREZ Por Sebastián Konrad

Sergio Álvarez es endorser de Fender y el único “clinicista” que tiene la empresa en Latinoamérica. Actualmente participa de numerosos proyectos en forma simultánea, y no se ahoga ni encasilla en los parámetros que impone el comercio de la música, redescubriéndose ante cada nuevo material. desde el ‘89, leo otras cosas y asisto a todas las clínicas de guitarra. Tomé algunas clases con Pino Marrone y Luis Lescano, entre otros. No me tocó la época de Internet o del Youtube, pero aprendía mirando shows en vivo. El guitarrista que más me impresionaba era “Sartén” Asaresi. Por él me compré un Jazz Chorus Roland.

“Sartén” usaba ese equipo y 5 pedales: le sacaba sonidos impresionantes. Todo lo que aprendí de pedales lo aprendí preguntándole a él después de sus conciertos. ¿Qué otros artistas te influenciaron en esa época?

Hablar de influencias es algo muy difícil. Uno quizás se quiere parecer a alguien y se termina pareciendo a otro que ni siquiera conoce. Me gustaban mucho el primero y el segundo guitarrista de Genesis, Steve Hackett y Anthony Phillips. También Robert Fripp y Spinetta en la época de los ´80, que en general a la gente le gusta menos. Me gustaba “Skay”, David Lebón, y obviamente Pappo, más que nada en “Riff”. Él introdujo la distorsión, para mal o para bien, en un país bastante poco rockero. ¿Cómo empezó el vínculo con Fender?

El año pasado, hablando con “Tery” (guitarrista de “Carajo”). Él me dijo que Todomusica estaba buscando una persona que pudiera “hablar” y tocar un par de estilos distintos. Luego de varias idas y vueltas, me llamaron de Estados Unidos y me dijeron que fuera para hacer un curso, una capacitación, y me convertí en el “clinicista” de Fender para América del Sur.

Fotografía realizada por Daniel Pessah

¿La temática de las clínicas las elegís vos?

Sí, igualmente, la capacitación que realicé fue para hablar de un equipo que se llama “G-DEC”, y es una locura. Tiene un centro de entretenimiento digital, que te permite ponerle la tarjeta de memoria SD, para escuchar pistas o demos grabados en “Wav”. Podés conectar dos guitarras, tenés USB para conectar a la computadora.

Posee además un programa para guitarra, donde tenés efectos. Además, también hablamos de la guitarra American Special. Contamos la historia de cada producto, el contexto histórico y demás. Y toco distintos estilos para poder mostrar todos esos productos. ¿Utilizás temas de tu autoría para ejemplificar?

“Yo empecé por error, porque yo quería ser ingeniero.

Pero estaba terminando el secundario en el final del gobierno de Alfonsín, y lo que vino después directamente arrasó con la industria. Así que un poco por suerte y por azar terminé siendo músico. Antes de eso, ya en el primario había tocado un poco la guitarra. Tenía una española viejísima que decía “Gibson”, y era un “alambrado”, imposible de tocar. El profesor con el que estudiaba se operó y no volvió más. Ya después, en el secundario, no toqué más, y quise ser pianista, pero al no haber presupuesto para comprar un piano, me dediqué a tocar la guitarra”, apunta Sergio Álvarez como prólogo de su historia como músico. Las casualidades o los distintos caminos de la vida fueron ubicándolo en la senda de las seis cuerdas. Hoy disfruta de ello al má-

12 | Sergio Álvarez

ximo. Participa en numerosos proyectos y el flamante disco triple de “Panza” da fe de su apetito a la hora de componer. Aprendió mirando a “Sartén” Asaresi, cuando era joven, y sigue su rumbo en búsqueda de nuevos sonidos provenientes del arsenal de pedales que utiliza para tocar. Es el único “clinicista” de Fender en Latinoamérica, pero mantiene su bajo perfil y un instinto que lo aleja de lo convencional y lo acerca a un universo que aún continúa explorando. Casi sin pensarlo, la música termina siendo parte de su vida.

Luego de ese comienzo, ¿tomaste clases de guitarra?

Tomé clases con mucha gente, pero básicamente fue un estudio autodidacta. Compro la revista “Guitar Player”

En general, trato de tocar más como soy yo, que imitar a otros guitarristas. Puedo imitarlos y lo hago bien, pero prefiero pararme en un término intermedio, porque a la gente le gusta escuchar determinado tipo de vocabulario, que yo a veces no elijo. Muchas veces toco temas míos.

Siempre fuiste un artista que se movió dentro del ambiente “under”. ¿Qué que cambió en estos años?

Nunca lo viví como “under”, porque sería una etapa previa a la fama. Y yo siempre pienso en la música, en lo que a mí me gusta. Mucha gente que está dentro del sistema, está en un protocolo de trabajo, de llevar gente y que la gente participe. Me parece bárbaro, pero no encaja en mi forma de ser. Por eso sigo estando en lugares menos masivos, pero no por eso menos visibles. Yo toqué en todos los lugares que se te ocurra, Obras, Gran Rex, en Arlequines, Cemento, pubs chiquitos, pubs

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grandes, y lo que noto que cambió es que el circuito, desde el 2000 para adelante se fue achicando cada vez más, y después de Cromañon prácticamente desapareció. Para las nuevas bandas es un problema, para mí más o menos, porque después de un tiempo uno conoce a determinada gente y tiene más acceso. Además, estoy involucrado en el jazz hace más de 10 años, y toco en proyectos que tienen que ver con ese vocabulario, y es más sencillo para tocar en distintos lugares. En el jazz vas a tocar, te va a ver determinada cantidad de gente y quizás te vas con $100 en el bolsillo; en cambio en el rock uno tiene que llevar mucha gente, y encima perdés plata. Eso es lo que me llevó a seguir tocando rock, porque me pude mantener haciendo otras cosas.

Al momento de componer, ¿qué aspectos priorizás más en cada una de las bandas?

Con “Panza”, puntualmente, el tema puede ser creado por cualquiera de los músicos. Si lo llevo yo, tengo más en cuenta el rango de la voz, de la cantante. Las ideas vienen todo el tiempo. Las ideas te pueden agarrar en cualquier lugar, al igual que la muerte. Yo trato de tener ideas, desarrollarlas y después ver en qué banda encuadra mejor esa canción. Generalmente, a la hora de componer trato de hacer otra cosa. Dejo para mañana lo que puedo hacer hoy. Si se me ocurre una idea la anoto y después la sigo. Grabo las ideas en cassette o las escribo. Me resulta más cómodo escribir que prender la computadora. Si es una cosa que me interesa mucho le sigo haciendo cosas, como una pintura que uno sigue.

Lo que hago es pensar mucho, no uso demasiado el instrumento, sino que pienso más la música. ¿Es más simple grabar un disco hoy en día?

Hoy en día es mucho más barato grabar un disco. En los ´90 tenías que grabar en cinta, y una cinta dura 15 minutos y cuesta 300 dólares. En un disco rígido de 3gb te entra un disco triple y te sale $300. Vos grabás la batería en un buen estudio y lo demás lo podés hacer en otros lugares.

Entonces, ¿creés que Internet favorece la difusión del material que uno edita?

Está la posibilidad de que un grupo de gente que te ve en vivo y te conoce, te empiece a seguir. Y también están los medios masivos, como son las radios. Antes había más radios y ahora es un monopolio, y si vos no estás dentro no figurás. La gente tiende a lo más visible.

Creo que Internet sirve un poco, no creo que sirva demasiado, al menos a nosotros. Si Radiohead saca un disco y lo distribuye gratis por Internet, todo el mundo habla de su disco, pero a nosotros no nos pasa eso. A la gente la seguís conquistando cuando tocás en vivo.

El rock está pensado para tocar en países industrializados, y acá una banda quiere tocar como Radiohead y tiene que gastarse una fortuna para poder lograr ese sonido, y obviamente no se puede.

Si hablamos de sonido, vos tenés un arsenal de efectos. ¿Qué estás utilizando actualmente?

Sí, ahora estoy utilizando muchos efectos (ver recuadro “El sonido de Sergio Álvarez”). A veces uso algunos que son los más básicos, como el pedal de volumen y un delay. Es complicado acordarse de todo. Yo improviso en los solos, y me fijo si ese día estoy creativo, y además, tener que acordarme de todos los pedales que hay que pisar, a veces es complicado.

¿Por qué considerás que las bandas tienen un período de existencia bastante corto?

Las bandas duran poco porque esperan poder trabajar en eso. Yo pienso en lo que hago yo, en las cosas que me gustan hacer, y si pudiera llenar un estadio con eso sería mucho más feliz. Pero tampoco sé cuánto más feliz sería. Sólo que tendría un ingreso económico que me dejaría más tranquilo. La tendencia de este momento es que el rock no es un lugar donde se invierte plata, en cambio en el jazz no está mal visto ser estudioso o tocar bien. Pero, bueno, eso puede cambiar…

Lo importante es enfocarse en lo que a uno le gusta.

¿En cuántos proyectos participás ahora?

Tengo una orquesta de cuerdas eléctricas, “Ruido Negro”, con la que me gané un subsidio el año pasado, y por suerte la hicimos arrancar. Somos doce guitarristas de acá de la ciudad: Franco Fontanarrosa, Juan Manuel Bayón, Patricio Alsuyet, Leo Fernández, Pablo Butelman, Damián Poots, Alan Plachta, Juan Pablo Hernández, Nicolás “Mu” Sánchez, Andrés Cortés, Gonzalo López Di Muro y yo. También tengo un trío o cuarteto, depende de la época del año. Toco en la banda de Mariana, la cantante de “Panza”, algunas veces. Obviamente toco en “Panza” con Mariana Bianchini (voz), Pablo Contursi (batería) y Franco Barroso (bajo). En “La Mujer Barbuda” toco con Franco Fontanarrosa (bajo), Martín Pantyrer (saxo barítono) y Lulo Isod (batería). Y además, tocamos a veces en una banda de free jazz donde hay dos bajos, dos baterías, dos guitarras y dos saxos. Por último, con “ElectroÁlvarez” a veces toco solo.

¿Qué podrías recomendar a los jóvenes que comienzan a tocar?

No sé… Lo más importante es conocer gente y ser honesto en tus relaciones, para bien o para mal. Si tenés buena onda, que sea de verdad, y si tenés mala onda decilo de frente. El ambiente es chico y se sabe todo. Y después, hay que hacer lo que dicta el corazón. Si tenés ganas estudias, y si no está bien. Igualmente, estudiar es algo raro, suena raro, parece algo pomposo. Cualquier persona que en la casa se pone a sacar un tema ya está estudiando de alguna forma. Pero el estudio solo no te lleva a ningún lugar, en cualquier disciplina. A los músicos los tenés que conocer, donde sea. Lo más importante es eso, más que tener una carrera. ¿Pero no creés que el hecho de leer música o tener estudios te abre otras puertas?

También, las bandas grandes tienen que responder a un esquema de trabajo con la gente que los financia. No pueden sacar un disco a cada rato porque deben financiarlo y promocionarlo. En el caso de bandas chicas tenés que sacar material todo el tiempo para “aparecer”.

Tenés que generar noticias para que la gente hable de vos. Si vos no sacas discos o hacés un video no figurás

Bueno, eso es otra cosa, en realidad. Si uno espera, o uno cree que el camino hacia el trabajo es el mismo camino que se recorre para hacerse famoso, está haciendo una apuesta muy grande, de mucho dinero y mucho tiempo, a cambio de algo imposible y que quizás no te puede pasar en esta vida. Ahora, si vos tenés 25 años y trabajás en un banco y necesitás conseguir un bajista, porque el tuyo se fue de la banda, ahí es complicado porque no conocés mucha gente. Entonces ahí sí está bueno estar preparado para poder ver en dónde uno puede trabajar con la música. Donde hay música hay trabajo. Y hay música en los videojuegos, en los lugares donde se baila, en los casamientos, en los velorios. Hay música en todos lados. Los músicos que yo admiro eran súper habilidosos, pero también era gente que vivía la vida al 100%. Son tipos que eran “más drogones, más putañeros y más estudiosos que cualquier músico”. Si estudias es probable que te vaya mejor que si no lo hacés, pero si no conocés a nadie, estás perdido…

El sonido de Sergio Álvarez

De allí se divide la señal:

De sus guitarras el sonido pasa a través de:

1) A un Fender Deville (2 x 12”) 2) Al Boomerang III, looper (conectado a pedal de expresión M-Audio), y de allí a un Fender Hot Rod Deluxe (1 x ´12)

¿Cómo hacés para rendir en todas estas bandas?

El secreto es hacer un poquito de cada cosa. Ahora estamos presentando el disco triple con “Panza” y es un esfuerzo bárbaro. Si te movés muy rápido de un lugar a otro y vas empujando cada cosa, parece que todo se va moviendo al mismo tiempo.

Sos de componer y editar material en forma constante, ¿por qué mantenés esa frecuencia, a diferencia de otras bandas más masivas?

Compresor Joemeek floorQ Soundblox Multiwave Distortion Plexitube Radial Tonebone Eventide Pitch Factor Pedal de volumen Korg (stereo) Delay Eventide Time Factor Eventide Mod Factor (conectado a un pedal de expresión Roland)

14 | Sergio Álvarez

y la gente se aburre. Si no sacás un disco en un año la gente piensa que desapareciste.

Las guitarras que posee son: Fender Telecaster Jim Late Fender American Deluxe Stratocaster (con mic doble en el puente)

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JEFF BERLIN

Por Sebastián Konrad - Traducción por Rodrigo Yacciofani

La frase que da título a esta entrevista define a simple vista cómo es Jeff Berlin y cómo él interpreta lo que hace. Su búsqueda dentro del universo de las 4 cuerdas es incansable. Es por eso que fue uno de los pioneros y de los que dejaron el legado de varias técnicas que son utilizadas masivamente en la actualidad. Es por eso también que, con sus casi 58 años, su música sigue sonando en cada rincón del planeta, e hizo escala en Argentina el pasado 20 de noviembre en el ND Ateneo, compartiendo escenario con Scott Henderson y Dennis Chambers, junto a quienes forman un trío de jazz imponente.

Nueva York vio nacer a un joven que desde muy pequeño comenzó a tocar el violín, pero no logró plasmar todo su entusiasmo en ese instrumento. Tiempo después el rock cautivó sus oídos, y decidió adoptar el bajo como su compañero de toda la vida. A medida que sus melodías empezaron a sonar, todo el ambiente de la música llenó de elogios su obra y su interpretación. Es el creador del slap y el tapping a dos manos. Sin embargo, no se encasilla ni se encierra en esos asombrosos descubrimientos, sino que día a día acelera su andar en búsqueda de nuevas sonoridades. ¿Cómo comenzaste a interesarte por la música?

Yo era violinista y estudié durante 10 años. Un día, sencillamente me cansé de tocar ese instrumento.

Afortunadamente los Beatles se empezaron a volver populares y la guitarra eléctrica era uno de los ins-

16 | Jeff Berlin

“Como a mí nunca me gustaron los clichés, tan pronto como mis técnicas se volvieron populares dejé de tocarlas”

trumentos que los jóvenes músicos querían aprender. Pero en mi caso, elegí tocar el bajo porque tenía exactamente las mismas notas que estaban en el violín. Excepto que estaban afinadas en 4º, no en 5º como los violines. El violín se afina de agudos hacia graves (G, D, A, E), mientras que el bajo eléctrico es afinado de graves hacia agudos (E, A, D, G).

músicos podría aprender mucho del jazz y cómo incorporar mi bajo dentro del estilo. Casi nunca tuve un concierto malo; cada uno con los que toqué cuando era chico eran músicos brillantes. Por un largo tiempo fui “el chico nuevo” de la escena musical y trabajé “como un perro” para merecer tocar al lado de estos músicos increíbles.

¿Por qué decidiste cambiar el violín por el bajo cuando eras adolescente?

¿Qué sentís al escuchar que Jaco Pastorius te nombre como el mejor bajista del mundo?

Yo simplemente me cansé del régimen de práctica que lleva el instrumento. Pero tengo que decir que mis años encima del violín me enseñaron el amor por aprender música. Quería intentar ser el mejor violinista que podía, pero después de un tiempo de intentarlo se volvió exasperante. Puede llegar a ser uno de los instrumentos más difíciles para aprender, pero, como dije, los Beatles y su música se me hicieron difíciles de ignorar, al igual que la música increíble que empezó a llegar en los años ‘60 con todas las bandas de rock. No había forma de seguir tocando el violín luego de escuchar a Cream, Hendrix, y todas esas increíbles bandas de rock.

Él no dijo que yo era el mejor bajista del mundo, él dijo que yo era mejor solista que él. Jaco era más un bajista que trabajaba para sus canciones, más que para sus solos. En mi caso es lo opuesto; solía concentrarme en mis solos más que en mis secciones rítmicas o de banda. Por supuesto que trabajo dentro de las canciones. Tuve que ser más consciente en ser un buen bajista para las bandas, además de solear bien. Tuve varios años tratando de descubrir cuál era el balance. Jaco y yo teníamos prácticamente las mismas bases. Los dos empezamos a tocar el bajo alrededor de la misma edad, los dos tocamos en bandas de vientos, nos metimos en la fusión y teníamos los mismos amigos. Pero lo curioso es que solamente tocamos juntos una sola vez.

Yo esperaba que un hombre salvaje se apareciera en el escenario, pero me encontré con un tipo amable y tranquilo. Jaco no me nombró a mí como el mejor bajista del mundo, porque él era el mejor bajista del mundo, no solamente el mejor bajista dentro de la improvisación. Te das cuenta de eso en los

¿Qué recuerdos tenés de haber tocado con grandes músicos como Gil Evans, Pat Martino y Al Dimeola, entre otros?

Tenía una gran necesidad de incorporar toda la filosofía de estudio que aprendí tocando el violín, como bajista. Y sabía que tocando con diferentes grandes

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Cha”, que están escritos antes que él los grabara. Jaco nunca pudo solear como lo hizo en sus grabaciones. ¿Y esto qué importa? Él fue el mejor bajista del mundo.

cuando vaya a Buenos Aires probablemente “Cathy” me recomiende un buen restaurante para tener una cena y charlar, quizás después del show.

Sos el pionero del slap y el tapping a dos manos, ¿Por qué comenzaste a explorar en el instrumento y cómo descubriste esos sonidos?

¿Qué equipamiento estás utilizando actualmente?

Volviendo al año 1975, empecé con el slap sólo para jugar, y nunca supe porqué hacía eso en primer lugar. En esos días el único bajista que conocía, que aplicaba la técnica, era Larry Graham, pero él nunca estuvo inmerso en la comunidad de bajistas, porque en ese momento no había una comunidad como ahora. En mi caso, grabé una canción en 1978 en un disco de Bill Bruford, llamada “5G”, y puse una pequeña parte de slap en el principio. Después que esa grabación salió, el slap en el bajo se convirtió en una técnica popular. Aparentemente se convirtió en algo gigante cuando los bajistas escucharon esa pequeña parte del comienzo del tema. Y lo mismo pasó con el tapping a dos manos cuando grabé una canción llamada “Motherload”, en mi primer álbum solista llamado “Champion”. Michael Manring es el mejor ejecutante de esta técnica en el mundo, pero cuando grabé mi primer CD en el año 1985, los bajistas que me escucharon usar esta técnica empezaron a utilizarla.

Pero como a mí nunca me gustaron los clichés, tan pronto como estas técnicas se volvieron populares dejé de tocarlas. ¿Por qué elegir Argentina para hacer un concierto? ¿Qué esperás de nuestro público?

No tengo ninguna expectativa salvo que la gente sea amable, y por supuesto que así será. De hecho, pienso que mi audiencia va a esperar algo de mí, que es una buena performance en el bajo. Voy a esforzarme duro para la gente que me viene a escuchar. Venir para Argentina es una experiencia que me trae alegría, porque tengo familia en este país. La hermana de mi esposa es la actriz Catherine Fulop.

Ella y yo fuimos muy cercanos por muchos años, entonces,

Mi bajo está construido por Dean Guitars y su nombre está antes que el mío. Es un instrumento pasivo de 4 cuerdas y tiene el mejor cuello que jamás toqué. Yo tengo solamente un bajo y este es el instrumento que me acompañará en Argentina. Tengo que agregar que un constructor argentino de micrófonos hizo personalmente los micrófonos de mi bajo. Estoy seguro de que los bajistas conocen el nombre de Bill Bartolini, y esos son los únicos micrófonos con los que toco desde 1975, porque es el mejor sonido de micrófonos para mí. Mi amplificador es un Markbass, y ocurre una historia interesante con mi relación con la compañía.

Por casi 20 años no tuve endorsment de ninguna compañía de amplificadores, porque nunca podía generar el tono en ningún amplificador de los que probaba. Entonces solía rechazar todo tipo de ofertas. Un día recibí un mail de Marco DeVirgiliis, el cerebro dentro de Markbass. Él me preguntó si yo quería probar uno de sus amplificadores y yo le dije que sí. Tengo que confesar que cuando llegó el equipo pensé que no me iba a gustar, que iba a escuchar algo similar a lo que ya venía escuchando. Entonces enchufé mi bajo en un combo de 1x15 y lo que escuché fue increíble.

Estaba en shock por el hermoso tono que salía de ese pequeño combo. Simplemente el tono más impresionante que escuché en un equipo bajo. Toqué por 60 segundos, guardé el bajo y le mandé un mail a Marco para unirme a Markbass como endorser. Luego de establecer la relación, él me ofreció construirme el equipo de bajo que yo deseara, pero en vez de eso le pregunté si podría seguir tocando con ese combo. Él le sacó el tweeter, porque no me gusta el sonido de los tweeters. Me quedé con el parlante de 15´, en vez de seguir utilizando los parlantes de 10´, porque en 15´ podés poner muchos agudos y reproducir frecuencias medias con un timbre que un parlante de 10´ no tiene. Marco

CLINICA DE BAJO Por Adrián Gruning

le puso el nombre “Jeff Berlin 15” al combo, pero no hice nada más que enamorarme de su sonido. Es el más cálido, el de más ataque, que genera un timbre muy dulce, y por sobre todas las cosas tiene un gran volumen, siendo liviano físicamente. Entra perfecto en mi auto y lo puedo llevar a cualquier jam, y suena increíble con el sistema de monitoreo de p.a. para los conciertos grandes. ¿Qué les recomendás a aquellos jóvenes que se están iniciando como músicos?

Cualquiera que empieza en la música tiene que tomar clases, más cuando uno está intentando hacer una carrera.

Pero estas lecciones tienen que ser solamente de música, sin clases de groover, sin metrónomos, o mucho menos clases de técnica. Sin ejercicios de cuerdas, sin clases de rock, y sin “tratar de conectarte con tu músico interior”. Nada excepto la música. Por ejemplo, la única manera de ayudarte a hablar inglés, siendo la única forma sin excepción, o la única forma que yo pueda aprender español, es que pueda aprender las palabras. ¿Es verdad o es mentira?

Con la música ocurre lo mismo, tenés que aprender las palabras de la música, y solamente hay unos pocos maestros en Argentina que saben de lo que estoy hablando. Les deseo buena suerte a estos grandes, pero extraños maestros, porque ellos van a cambiar tu vida musical.

Las palabras de un maestro En su paso por Buenos Aires, luego de haber brindado dos conciertos en el ND Ateneo junto a D. Chambers y S. Henderson, Jeff Berlin protagonizó una clínica de bajo, organizada por la EMBA, Famusic y el Grupo Rómulo García (importador de Dean Guitars).

Con su buen humor, y en español, Jeff Berlin comenzó la clínica aclarando que él tiene dos stents debido a su mala alimentación y sobrepeso, y que había perdido su medicación. Luego, el endorser de Dean Guitars continuó su clase invitando a alumnos de la EMBA a subir al escenario a tocar.

Comenzó con un ejemplo formado por siete notas que él mismo creó para ordenar la digitación de la mano izquierda, y también sobre el mismo ejemplo explicó el daño que hace el metrónomo y los errores que pueden generarse al utilizarlo. Acto seguido, Berlin habló de la manera de tocar algo sobre el matiz, de no acentuar de manera fuerte para que no suene duro ni “clap”, tal como dijo el bajista. Describió y habló de cómo pulsar el bajo sin ruidos, y lo definió como “tocar borracho”, lo cual el matiz de ambas manos es notorio y suena totalmente diferente y con mucho swing.

Jeff hizo mucho hincapié en el uso del metrónomo y expresó estar en contra del mismo. Habló sobre eso y mostró varios ejemplos ante todos los alumnos presentes, lo cual generó mucha polémica entre ellos.

Realmente Jeff Berlin dio una clínica magistral e impecable, llena de anécdotas y risas. Y, sobre todo, mucho concepto y experiencia. Para los interesados, hay dos bajos Jeff Berlin en exclusiva que pueden verse en Famusic de Belgrano (Blanco Encalada 2458) y Outlet Musical (Talcahuano 283).

18 | Jeff Berlin

Guitarristas y Bajistas.ar

LUTHERIA

Posibilidades para mejorar la guitarra que usamos

En esta nota nos vamos a meter con los trastes (frets), otro de los elementos que podemos cambiar en una guitarra. A continuación veremos las razones por las Por Eduardo “Fanta” Beaudoux cuales nos podemos decidir a cambiarlos.

Las preferencias en este ítem pueden ser muchas. Si hacemos un poco de historia podemos ver que en la década del 50, donde la guitarra eléctrica fue desarrollada, normalmente se veían trastes muy finos y de una aleación no muy dura de metal blanco. Los otros instrumentos trasteados de la época eran las guitarras con cuerdas de nylon, que usaban trastes de bronce y algunas de metal blanco. También los banjos, que usan trastes muy finos y acerados, de tal manera que no se pueden curvar, de tal forma que la trastera no posee radio. Estos datos de época, sumados a que las cuerdas eran muy poco flexibles, hacían que estirar cuerdas fuera una cosa desconocida. Las aleaciones de acero no estaban tan desarrolladas y la flexibilidad no era algo que se consideraba en una cuerda.

De los guitarristas conocidos que usaron guitarras viejas podemos mencionar a Eric Clapton, el cual se ganó un apodo, “mano lenta”, por el uso de una Fender con trastes finísimos. Esto hace que estirar cuerdas se transforme en un esfuerzo, ya que debemos enganchar la cuerda con la parte inferior de la yema del dedo y apretar fuerte para que al estirar no se escape.

Con el paso de los años los trastes fueron cambiando y el traste jumbo (ancho y alto) se transformó en el más usado. En los últimos años aparecieron los super jumbo, aún más altos y por consecuencia con mayor agarre para estirar cuerdas. Estos son los preferidos de los guitarristas a los que les interesa tocar rápido, y por consecuencia los que vienen en las guitarras del estilo.

Empresas dedicadas a la fabricación de trastes, como Dunlop, poseen más de diez modelos para guitarra, y en esta variedad está nuestra posibilidad de elegir.

20 | Luthería

Ahora, el tema es, ¿por qué cambiar trastes y qué elegir?

El porqué puede ser, desde luego, porque el uso los haya gastado y con una rectificación ya no se solucione, o porque el tamaño no es el que me interesa.

Aunque también puede haber otro factor por el cual cambiarlos: la calidad, la aleación de poco nivel.

Aquí se presenta un tema muy importante, y es que el traste afecta al sonido. Aquí pueden creer que esté exagerando, pero no es así.

Por ejemplo, el traste acerado de los banjos hace a su sonido metálico y estridente, pero en la guitarra buscamos más notas, contundencia y poco ruido externo. A causa de este último comentario es que voy a hacerles una aclaración en base a mi gusto personal. Yo toco el bajo y la guitarra, y a través del tiempo usé diferentes tipos de trastes sin demasiada guía. Pero, hace poco, y a causa de un pedido de un guitarrista muy importante de nuestro medio, redescubrí los trastes anchos, pero no muy altos, y de aleación blanda; son mi sonido. La aleación blanda sólo se consigue en los trastes de reedición de Fender y los trastes alemanes.

Que el traste sea ancho y no muy alto hace que la cuerda no se deforme tanto con el uso y la duración

sea mayor. Otro tema es que la aleación más flexible se hermana mejor con la madera, y el sonido me resulta más placentero y no hay notas falsas.

Con todos estos antecedentes expuestos, el consejo es: si tu estilo es el de un guitarrista solista y veloz, el traste aconsejado es el más grande y alto posible, dentro de la línea de los Super Jumbo.

Si soleás, pero también usás acordes, los Jumbo tradicionales.

Y si los acordes son lo tuyo, los Small o pequeños serían los aconsejados.

Una reflexión con respecto a la altura del traste es que si, por ejemplo, hacemos una ceja en la primera posición, la sexta cuerda va a ser mas fácil de afinar en la medida que el traste sea bajo. Esto lo podemos comprobar con cualquier afinador. Apenas presionamos la sexta en esa posición la afinación sube rápidamente, y si tenemos trastes super altos esto es muy peligroso.

Espero que les sea útil lo comentado en esta nota, para elegir la guitarra que nos interesa comprar o mejorar la que ya tenemos.

Ahora les voy a hacer una pequeña referencia con respecto al mantenimiento de los trastes. Si estos se gastan con el uso y esto provoca que se achaten y deformen, hay que rectificarlos, redondearlos y pulirlos periódicamente.

Tampoco hay que temerle a este tratamiento, porque lo que se le saca al traste es muy pequeño y así se prolonga su vida útil. Un traste bien mantenido va a durar diez, veinte o más años.

A tocar la guitarra, y a hacer música que es arte.

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SCOTT HENDERSON

“Cualquier músico tiene mucha suerte cuando tiene una audiencia como esta” Por Sebastián Konrad - Traducción por Rodrigo Yacciofani

Previamente a visitar nuestro país y a dar el concierto en el ND Ateneo, Scott Henderson conversó con Guitarristas y bajistas.ar y recorrió su extensa historia como músico y su relación con las 6 cuerdas.

Nacido en la Florida, Estados Unidos, hace poco más de 56 años, Scott Henderson comenzó sus ilusiones como guitarrista y hoy es considerado uno de los mejores del mundo. Tras escuchar a Jimmy Page se fue interiorizando del mundo de la música y comenzó a experimentar con el jazz y la fusión.

Como músico didacta ha editado dos videos. El primero, "Fusion Improvisation", está más destinado a la técnica, la creación de escalas, modos, y otros conceptos sobre ellas. El segundo, "Melodic Phrasing", está destinado al fraseo y a "cómo pensar la música más inteligentemente". También ha publicado un libro sobre acordes, donde, según él, "muestra la importancia de los acordes a los guitarristas" y, por medio de un sistema de colores, se pueden encontrar los tipos de acordes y su tónica.

Previo al show que Scott Henderson brindó en el ND Ateneo el pasado 20 de noviembre, junto a Dennis Chambers y Jeff Berlin, tuvimos la posibilidad de acercarnos a este gran músico y conocer más de cerca su historia. ¿Cómo comenzaste a tocar la guitarra?

Cuando era chico escuché a Led Zeppelin y eso me inspiró para convertirme en guitarrista. Sus canciones me llamaron mucho la atención y me incentivaron a sacarlas con la guitarra. Desde allí comencé mi historia con el instrumento. ¿Qué artistas en especial te influenciaron en tu adolescencia?

Entre muchos otros, los guitarristas que más me influenciaron desde siempre fueron Jimi Hendrix, Jeff Beck, Ritchie Blackmore, Johnny Winter, Albert King y Jimmy Page. ¿Qué recordás de tu primera grabación en el álbum “Elektric Band” de Chick Corea?

Tengo muy buenos recuerdos de aquella primera grabación. Aprendí mucho de eso y me sirvió para conocer cosas del universo musical. Sin embargo, no fue esa una de mis favoritas.

Desde aquel tiempo, ¿qué creés que cambió en vos para ser uno de los mejores guitarristas del mundo?

Aprendí muchas cosas escuchando a una de mis bandas favoritas, que es Weather Report, y tocando con Joe Zawinul durante 4 años. He crecido como músico, mejorando mi técnica y oído transcribiendo innumerables solos de reconocidos músicos de jazz, como Miles Davis, Joe Henderson, Freddy Hubbard o Wayne Shorter, entre muchos otros. Todo eso hizo que fuera acumulando experiencia, y pudiera adquirir conocimientos. ¿Cuándo comenzaste a interesarte profundamente por el jazz y la fusión?

24 | Scott Henderson

Fue cuando estaba realizando mis estudios en el colegio. Allí comenzaba a escuchar algunas cosas de ambos estilos, y eso hizo que quisiera comenzar a tocarlo de inmediato. ¿Qué expectativas genera tu visita a nuestro país? ¿Por qué elegiste tocar aquí?

Ustedes son siempre un público muy cálido y entusiasta respecto de la música. Cualquier músico tiene mucha suerte cuando tiene una audiencia como esta. Solamente soy un músico, los managers y la gente de negocios se encargan de decidir dónde toco. Solo disfruto lo que me toca.

¿Qué equipamiento estás utilizando para tocar?

Utilizo guitarras y amplificadores SUHR, Maxon SD9 (pedal de distorsión), Xotic RC (booster), Fulltone Octafuzz, ZVex Fuzz Factory, Arion SCH-1 (pedal de chorus), Boss SE-70 Multi-FX, SUHR mixer y un wah wah Vox. ¿Qué consejos les darías a los músicos que se están iniciando?

Escuchen a todo el mundo, no solamente guitarristas. Escuchen todos los estilos de música, no solamente su estilo favorito.

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COMPACTOS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los CD’S editados por nuestros amigos y lectores.

Por Daniel Makelvintong

PERICOS & FRIENDS LOS PERICOS

VIVA PEZ PEZ

SHOC LA 25

MTYUNO MANOLO YANES TRÍO

El grupo, que ahora lidera Juanchi Baleirón, cumple 25 años de vida y decidió festejarlo, como es costumbre, con un nuevo disco. Para esta ocasión se utilizaron los temas más influyentes de la banda y se grabaron en nueve países, con figuras reconocidas del reggae como invitados. Como consecuencia de estas participaciones surgieron versiones como "Casi nunca lo ves" (con Herbert Vianna de Os Paralamas), "Sin Cadenas" (con Gondwana No Te Va Gustar & Tito Fuentes), y "Runaway" (acompañado de los músicos originales de The Wailers). El primer corte de difusión que se decidió lanzar es "Mucha experiencia", junto al legendario Gregory Isaacs.

Hay lugar también para dos covers del mítico Bob Marley: “Iron Lion Zion” y “Natural Mystic”.

Ariel Minimal (voz y guitarra), Franco Salvador (voz y batería), “Fósforo” García (voz y bajo) y “Pepo” Limeres (piano eléctrico y órgano) presentan un nuevo disco. Pez, una banda que está en constante creación y nos sorprende año a año con un nuevo material, sale a la calle con una nueva placa. Grabada entre los shows de La Trastienda en septiembre de 2009 y Niceto Club en julio de 2010, “Viva Pez” recopila temas de sus discos anteriores, de todas sus etapas, y los expone a través de un material en vivo. Se destacan “Quiebran”, “El Desengaño”, “Cassette”, “Los Orfebres” y “Caballo Loco”, canción que cierra la lista de 20 temas. La producción de dicho material pertenece a Pez.

Luego de ausentarse dos años de los estudios de grabación, La 25 edita un nuevo material. Se trata de “Shoc”, un disco en vivo, registrado el 4 de mayo en El Teatro de Flores. En dicha edición se encuentran los clásicos de la banda. La edición presenta en forma conjunta el DVD, que registra las imágenes de dicho concierto. Entre las 16 canciones que se incluyeron en este nuevo disco se destacan: "Mil Canciones", "Solo Voy", "Chico Común" y "Sucio Sheriff". Además, se incluyen dos canciones inéditas: "25 Horas" y "Como Un Extraño". Álvaro Villagra participa como músico invitado en coros y dirección de coros.

El trío fundado en el 2006 edita este año un nuevo material. Este disco incluye parte de su repertorio, con todo tipo de músicas y autores.

Con un sonido contemporáneo se destacan obras de diversos artistas como Mores, Discépolo, Gardel, Troilo, con “Naranjo en Flor” como bonus track. Forman parte también de las 12 canciones, cuatro composiciones de Manolo Yanes (piano, voz y arreglos). El trío lo completan Daniel Peso en contrabajo y voz, y Maximiliano Cataldi en batería y percusión. La grabación, mezcla y producción estuvo a cargo del mismo Yanes y la pasterización fue realizada por Rubén Szachniewicz.

AQUÍ Y AFUERA ANACHRONOS

LA MADRE DE TODOS LOS PICANTES PANZA

La banda chilena de música instrumental nos presenta un nuevo trabajo. El material consta de siete canciones de extensa duración, donde se destacan los solos de guitarra, las bases contundentes de bajo y batería, y las buenas melodías de teclados. La banda está formada por Alexandro Torres (guitarras), Álvaro Urbina (bajo), Alonso Quijada (teclados) y Rodrigo Villena (baterías y percusión).

Todos los temas están compuestos por el guitarrista de la agrupación, con excepción de “La Partida”, perteneciente a Víctor Jara, arreglada por Anachronos. La banda también produjo este disco, que fue grabado por Juan Pablo Donoso en Sade Studios, de la ciudad de Santiago de Chile.

Esta interesante agrupación que está formada por Sergio Álvarez (guitarra), Mariana Bianchini (voz), Pablo Contursi (batería) y Franco Barroso (bajo) se despacha en este 2010 con un asombroso disco triple. La presentación de este proyecto es por cierto muy cuidada y viene en una caja que contiene los tres discos y un folleto que contiene “las instrucciones de uso” de este material. Tal como lo describe Panza, en el disco 1 se dedican al tipo de canción habitual de la banda, donde hay melodías desarrolladas, algo de polirritmia, armonías tonales y modales, con bajo pedal. Se destaca el tema “Mundo Rock”, con bases contundentes y muy melodía pegadiza. En el

26 | Últimos CD’S editados

ALGÚN RAYO LA RENGA disco 2 se acude a las métricas irregulares, donde abundan los solos de guitarra y las armonías cromáticas. La canción “Escalofríos” es una pieza destacable para que ustedes escuchen, con una introducción de guitarra y voz que genera un gran clima, para que luego se sume el resto de la banda sobre el final. El disco 3 está más ligado a la improvisación. Entre los tres compactos se reúnen 44 canciones.

Una apuesta muy interesante para una banda que se mantiene lejos de los lugares masivos del rock, pero los muchachos de Panza siguen siempre fieles a la creatividad, lejos de los formatos convencionales de canción.

Tras cuatro años de ausencia, la banda liderada por Gustavo “Chizzo” Nápoli saca a la venta un nuevo material denominado “Algún Rayo”. Como su nombre lo indica, la banda de Mataderos se remite a cuestiones espaciales, cósmicas y épicas en sus 12 canciones. Por momentos se rompe la idea de trío y se escapa al hard rock. En “Cristal de Zirconio”, Manu Varela aporta un solo de saxo, con reminiscencias del jazz. Otro de los invitados es Nacho Smilari, guitarrista de “La Cueva”, líder del grupo Cuero y colaborador de Vox Dei, realizando un solo en "Poder".

También se alude a la esperanza en temas como “Inventa un Mañana”: "Inventa un mañana, que no sea ayer".

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LUIS ALBERTO SPINETTA

“Toda la vida tiene música hoy” Por Sebastián Konrad

Luis Alberto Spinetta, uno de los artistas más importante del país, nos introduce en su amor por la música y por las guitarras. Nos habla de su sonido, de su inolvidable concierto de Vélez y de su percepción sobre la música actual.

aquellos guitarristas que él considera “genios”, y de los cuales, aún hoy, quisiera aprender.

Las próximas líneas evidencian el eterno romance que Luis Alberto Spinetta mantiene con la música y con las seis cuerdas, y que parece aumentar la intensidad con el paso de los años.

Fotografía realizada por Eduardo Dylan Martí

Considerando que sos un investigador en cuanto a vanguardia tecnológica, ya que usaste guitarras sintetizadas Roland en el ‘80, samplers en el disco “Prive”, y que fuiste el primer músico en tocar un show entero con batería electrónica… ¿por qué volvés siempre a la guitarra y al formato clásico de banda de rock?

Toda idea de elevar a este artista a un pedestal se desvanece con sólo verlo ingresar en “La Diosa Salvaje”, su estudio de grabación. Luis Alberto Spinetta reluce su condición terrenal en cada una de sus palabras, acortando las distancias lógicas que implican entrevistar a un músico de su talla. Su humildad es tan grande como su talento. Su calidez humana es tan grandiosa como su música y su poesía. Un ejemplo en todo sentido. Un apasionado, un soñador y un luchador incansable de sus ideales. Sus esperanzas de cambiar el mundo comenzaban a tomar forma antes de Almendra, cuando se sorprendía y emocionaba al escuchar a los Beatles junto a Emilio del Guercio. Transcurría el

28 | Entrevista a Luis Alberto Spinetta

año 1973 cuando esa idea tomó fuerzas al pronunciar “mañana es mejor”, en “Cantata de puentes amarillos”, de su disco “Artaud”. Aún hoy esa ilusión se mantiene.

“Un mañana”, su último material, expone un espíritu que busca a través de su obra soñar con un mundo mejor, donde el amor construya los pilares de la paz y la igualdad. Aún trabajando en la edición del DVD que registra las imágenes de su inolvidable concierto de Vélez junto a las “Bandas eternas”, Luis hace un parate y destina ese tiempo para recibirnos. Con el habitual sentido del humor que expresa en sus shows, el músico responde con notable pasión a cada una de las preguntas. Expone su amor por las guitarras y por

Tengo violas sintetizadas en la actualidad, pero te digo que estoy totalmente desactualizado en cuanto a muchas herramientas nuevas. Hoy por hoy podés interactuar con la viola en la compu y en la actualidad no me manejo con eso. Estoy volviendo al formato convencional siempre. Para mí, tocar con mi Pensa y tocar con un equipo limpio, o agregarle algún vibrato en algún tema, haber cambiado el sonido del Roland Jazz Chorus, que es un sonido muy significativo, muy especial, es un color especial que yo usé muchos años y ahora me volví a uno clásico que no tiene chorus, ni vibrato, ni nada... Entonces eso me proporciona como si fuera un arranque de cero. Eso es como si yo fuera pianista y toco con un piano Fender, entonces tengo mi piano Fender y toco con eso. ¿Qué le voy a poner?

Le puedo poner wah wah, distorsión o algún efecto, pero básicamente va a sonar el piano Fender limpio.

Ese concepto es el que me guía. Es un sonido más "obrero", no un sonido trabajado de super guitarrista.

Como no lo soy busco un equilibrio, y en la actualidad ese sonido que estoy teniendo es ideal. Porque en otro momento, como en Los Socios del Desierto, tenía que usar más volumen, más presión sonora y más parlantes por el "fierro" de batero que tenía. Antes a los violeros nos gustaba el volumen y tocábamos fuerte, y creo que ahora todos tenemos algún tipo de lesión en el oído medio, según tengo entendido, aunque no lo notemos. En la actualidad yo no puedo disponer del volumen que toleraba en otra época. Se ve que es por la edad también. Con la distorsión el oído se adormece, y si yo toco muy fuerte pierdo los armónicos y me cuesta mucho más trabajo cantar como corresponde y que la viola funcione como yo busco, excepto los temas solista, donde con Claudio Cardone nos fusionamos en piano y guitarra acústica, o cuerdas y voz, nada más. Pero en todo lo otro yo no podría cantar igual sin mi guitarra, aunque tuviera otro violero que se tocara todo. Es como la base de la armonía para cantar. Es como el armónico del cual te acostumbraste "por más de medio siglo".

Ahora decidiste cambiar tu sonido y utilizar un equipo Bogner…

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Sí, ahora estoy tocando con un Bogner, con un Shiva bien armado, con la configuración que me gusta a mí.

Fue el primer Bogner que probé, me maravilló y con ese me quedé. ¿Qué es lo que vos esperás de un equipo de guitarra?

Yo me podría arreglar con un Jazz Chorus, pero en la actualidad uso mucho menos volumen que hace cuatro años. El equipo en sí es como un “mosfet”, un pequeño amplificador. Yo no exprimo al máximo el sonido del equipo, entonces ahí podría trabajar con otro equipo. Lo que pasa es que en el Jazz Chorus lo que provoca adicción es el chorus o el vibrato, según cómo lo ponés. Vos lo ponés y los parlantes “pampotean” entre sí. La sensación cuando tocás acordes es muy linda para cantar, fue muy inspiradora durante muchos años, pero no podés depender de eso. Es un sonido muy usado, en la actualidad se usa mucho ese sonido.

Ahora quiero tener un sonido más plano para después ver qué hago.

En los últimos tiempos se te ve en vivo tocar casi exclusivamente con la Pensa Stratocaster. ¿A qué se debe esa elección?

Tuve la suerte de haber ido a tocar a Nueva York hace unos meses atrás, y que Rudy Pensa me invitara a ver su nuevo negocio que abrió en Soho, con violas de colección. Hay unas joyas tremendas y es un lugar armado con mucho respeto hacia los guitarristas. Rudy Pensa es un apasionado de los guitarristas y sus respectivas guitarras, las que se impusieron por su sonido, como George Harrison con la Gretsch o Jimi Hendrix con la Fender. Él tiene un gran respeto por eso, le encanta. Hizo un negocio que es realmente una catedral de guitarras. Tuve suerte de que me quisiera regalar una. Es una violeta con dos P90 hechos por Lindy Fralin y una palanca Bigsby dorada. Es una guitarra adictiva. También me gustan mucho las Hagstrom que me convidó la marca, para hacer una publicidad con ellos.

Estas guitarras chinas andan muy bien. Me gustan las guitarras nuevas, no me gustan las guitarras usadas o viejas. Me gusta que tengan el olor a la fábrica y yo darle mi olor con los años. Me gusta la viola stock, como si fuera un auto. ¿Qué querés, uno usado o uno nuevo? Yo quiero uno nuevo. Sabés que al auto lo modelás vos, con el uso que le des y el cuidado. Ya partís vos con tu instrumento de cero. Pero, ojo, porque eso no me dificulta percibir la calidad de ciertos instrumentos añejos en cualquier rubro. Hay baterías y otros instrumentos añejos que ya no existen más, que la técnica actual no los hace. Como eran las viejas baterías Gretsch o las Ludwig. Todas esas cosas son muy importantes. El hecho de que a mí me gusten las guitarras stock no quiere decir que si pruebo una White Falcon de los años ‘60, que vale 150 lucas, no me muera de emoción de tenerla en la mano. Me pasó en el negocio de Rudy, donde pude apreciarlas una a una y tenerlas en mis manos, y me sentí "un burro sobre una cama de huevos". Era algo muy preciado que no hay que tocar, casi. Eran unas guitarras invaluables. Todo el que tuvo una Pensa sabe lo que es.

Además de la colección de violas que me dejó probar, me obsequió una.

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Y con respecto a tu sonido, si bien sos muy cuidadoso, no se te ve usando demasiados efectos. De hecho utlizás un multiefecto Zoom 2.1…

Es tan versátil al lado de todo lo que yo probé en mi vida… Desde la GP-100 de Roland, que ya para tener stereo en dos sets diferentes de equipos y después “swichear” los equipos para tener el stereo y la masa en ambos con diferentes volúmenes, todo eso... Yo me acuerdo que en las Guitar Player yo veía los sets con la cantidad de equipos de potencia que usaban estos tipos, con la idea del send y el return y honestamente me desinteresé de todo eso. No así de las guitarras sintetizadas, con las que grabé discos enteros. No me parecen una gloria, me parecen algo que gracias a Dios… Si me lo hubiese imaginado cuando conocí la primera Stratocaster que me mostró Ricardo Miro (la que usaba Edelmiro Molinari en Almendra). La vez que abrió el estuche yo me puse a llorar cuando la vi y dije: "mirá lo que es". Al fin y al cabo siempre la había visto en una foto, “no era linda, era una nave espacial”. Si yo me hubiera imaginado, cuando vi esa Strato, que 40 años después hacés unos acordes en la viola sintetizada que parece que estuvieras tocando una “chapa grosa”, un Korg o un gran teclado, porque son unos procesadores muy rápidos y eso es una fuente de fantasía. Los de ahora traen unas sitars, unas cosas que ojalá pudiera crear una música para divertirme con todas estas herramientas. Mientras tanto sigo con el sonido común, porque es equilibrado, es elegante. Es más “de viejo”, me podrá decir un guitarrista con sonidos más fuertes, pero es lo que me va. ¿Qué utilidad le das a esta pedalera Zoom?

El día que me la compré repasé todos los sonidos uno por uno con los auriculares. Después vi los que más me gustaron y los ingresé en los primeros cinco bancos. Tenés un digital delay al estilo de la época de Spinetta Jade, como el de “La Herida de París”, que es un delay de 37 milisegundos sin feedback. Lo tengo, y no uso ese sonido porque me retrotrae al pasado y porque es medio artificial. También tengo un sonido que es espacial y floral, que tiene chorus, delay y cámara. Pero si no es para zapar no lo uso. No los necesito tanto en esta etapa, no estoy tan espacial como en la época de “Don Lucero”. Y también tengo unas distorsiones que sí me preocupo de cuidar y mantenerlas al tono de lo que me va gustando, que ya son distorsiones que te cambian los armónicos, y eso me gusta mucho para usar con el micrófono más agudo de la Pensa roja. Eso le da algo especial, nada más que con el wah wah le vas cambiando el filtro, pero lo uso muy moderadamente, porque ahora estoy tocando con Baltasar (Comotto), que es un genio impresionante. Tengo un violero que cumple esas actividades más sucias. Él ya ingresó a una banda de una manera estable. Sé que hay muchos fans a los que les gustaría que toque yo, aunque lo haga mal, pero hay que mejorar el show y no hay que aburrir. Teniendo unos músicos que son geniales, listo. Por otro lado, me encanta el wah wah que tengo en la Zoom. Está re “pichicateado” con el compresor y con el volumen más alto que el sonido normal. Eso me da un basamento para apretar donde quiero, usando el wah wah detenido en una

posición y usarlo todo el tiempo en ese estado a lo largo de un tema. Para materiales específicos el wah wah es impresionante. En un material de “slow tempo” está muy bueno tener ese wah wah medio “funky” para una apoyatura, o en otra cosa, porque siempre es lindo. Además tengo un cambiador de filtro que yo llamo "el 39" porque está en esa posición. Es un cambiador que tiene una velocidad para cambiar el filtro y vos con el pedal la cambiás de lenta a rápida. Es muy divertido, lo uso para zapar con Rodolfo García. Y también descubrí unas distorsiones tipo “Lethal Weapon”, esas distorsiones que trae el pedal, que son muy buenas. ¿También utilizás la distorsión del Bogner?

Sí, además. Como en el wah wah tengo una ganancia que es mucho más alta... Lo importante es no pasarse de volumen cuando uno canta las estructuras de las canciones. Después, si se te va el volumen por alguna otra razón no importa, pero es horrible si estoy cantando “Alma de Diamante” y la viola se sale de volumen. Esto del sonido “plane”, ese sonido nunca se debe pasar. Entonces siempre tiene un arquero.

Nunca se pasa de volumen, y mi volumen es el pote de la viola porque uno uso pedal de volumen. Cuando al wah wah “le pelo” la distorsión del Bogner ya obtengo una fiera para lo que a mí me gusta. Ahora, después tengo que volver al sonido anterior porque la canción sigue.

Me hablabas antes de Baltasar Comotto. ¿Qué elementos considerás de un guitarrista para incorporarlo a tu banda?

Me gustaría aprender de él. Es un violero que, cuando yo lo escuché por primera vez cuando vino acá a casa a sacar unos temas de "Para los árboles", me mostró lo que él más o menos hacía con una humildad y con un arte que ahí ya me hice amigo de él al instante, o traté de hacerme amigo de él al instante para poder aprender. Ojalá pudiera armarme una estructura como para poder tomar lecciones con “Balta”, porque sabe de todo con la guitarra. Y otro gran guitarrista para consultar es el “Bebote” Malosetti (Javier Malosetti), o también Guille Vadalá, que fue la clave de Vélez. Son los constructores, porque Guille Vadalá sacó todos los temas míos que tocamos y otros que no tocamos. Para mí era muy importante saber si yo tenía un guitarrista, que si yo me rompía el codo subiendo una escalera, podía hacer todo lo que tenía que hacer Spinetta en la canción. Lo mismo que Lito Epumer, me gustaría aprender de ellos. Son violeros maestros, como lo fueron Gabis en su momento, Edelmiro Molinari, Pappo.

Son violeros que te enseñan cuando los ves tocar.

También has tocado con “Sartén” Asaresi…

“Sartén” es tremendo, pero es más hermético, se entiende él solo. Ojalá pudiera ser tan fácil aprender algo de “Sartén”, que es de los más grosos, al igual que de Nicolás Ibarburu, que también es un poderoso guitarrista, con finura. Hoy lo ves a Cubero Díaz con León Gieco y “te arranca el bocho”. Aprecio a los violeros como el hijo de “Vitico”, que es un gran violero. Me en-

Entrevista a Luis Alberto Spinetta | 29

Fotografía realizada por Eduardo Dylan Martí

canta el estilo “podrido” que tiene. Me encanta que le salió el pendejo de semejante calibre. Lo veo y no parece de acá, me vuelvo loco cuando toca con slide y "pela groso". Son esos violeros que tienen un extra, tienen buen gusto. Tuve la dicha de que acá grabara Luis Salinas hace unos meses y visitó el estudio Diego Amador, un guitarrista flamenco que es impresionante y me dejó un disco, a través de Luis Salinas, que no paro de escuchar. Ya es como si uno se atreviera a hablar con los alienígenas. Manejan otro mensaje, porque la guitarra adquiere un misterio hipnótico, que viene de centurias y de un mundo proscripto.

Volviendo un poco en el tiempo, ¿qué sensaciones quedaron del show de Vélez? ¿Cómo adaptaste tu sonido actual a bandas como Almendra, Pescado Rabioso o Invisible?

Justamente con un sonido plano. Nada más que en algunas bandas usé un sonido un poquito más agresivo. Cambié de equipo, por lo tanto usé la Zoom sólo como pre y como afinador, con el sonido plano, sin nada de nada y bien bajito. Para entender a otro equipo me tengo que basar en mi sonido habitual. Si no cualquier equipo me va a parecer nuevo, diferente y fantástico. En cambio, si yo mantengo mi sonido el equipo me va a decir cómo es el equipo. Uno se basa en las referencias que va acumulando con el tiempo. Lo mismo que grabar acá. Yo conozco este sonido hace años y puedo discernir porque me acostumbré. Si vos tenés una viola que vas curtiendo y curtiendo, la amás, es tu alma. Esa es la fuente de referencia; para que te desbanque esa viola, otra, no sé qué tiene que venir.

Utilizaste en todo el show tu actual guitarra Pensa Stratocaster…

32 | Entrevista a Luis Alberto Spinetta

Bueno, eso fue un desafío. La viola se mantuvo bastante bien gracias a ese Wallace Culver que fue el asistente, que se las sabe todas, alguien muy capaz a quien agradezco y felicito por todo lo que ha hecho en mi guitarra. Antes de conocerlo ya trabajó en todas las Pensa a través de Mangos Music. Ahora se puso su propio negocio, además de trabajar con Mangos Music para las violas nuevas y adaptarlas para la venta. Wallace me mantuvo las violas de tal manera, que una voz interior me dijo: “¿para qué cambiar de guitarra?” Tenía que tener guitarras que fueran del mismo volumen, porque si pasás a un humbucker la cosa cambia. Además, cuanto más temas tocás con una, más incómodo te resulta tocar con la que no es la tuya de siempre. Te repito, a mí me gustan las guitarras nuevas, pero si la guitarra es mala, por más que sea nueva o vieja no va a cambiar. Yo me doy cuenta enseguida. Si la guitarra no afina no la puedo usar por más que sea la guitarra más hermosa de pinta que te puedas imaginar.

Las Telecaster son las guitarras que más adoro. ¿Aún conservás la Telecaster que utilizaste en el concierto que realizaste en el Salón Blanco de la Casa Rosada en 2005?

Esa ahora está en custodia de Gustavo Cerati, en su sanatorio, porque es la primera viola que le regalamos a Dante. Es una Fender mexicana que le compramos para los 15 años. La vimos en la vidriera y se la regalamos. Esa guitarra, Dante me la cambió por una Repiso especial, modificada por “Fanta”.

Después convinimos con Dante en que nos cuide la viola “Gus”, hasta que la pueda tocar. Se la dimos para que la cuide. Él la cuida, no es que la guitarra lo cuida a él. Cerati es un gran violero, además de todas sus cualidades como músico.

Volviendo al show de las Bandas Eternas, ¿cómo

fue la elección de las canciones que finalmente se editarán en el DVD? La selección de temas fue por importancia y también por comodidad. No podíamos sacar el material más complicado de cada una de las bandas. Usamos el material que se convirtió en más icónico, como “Post-Crucifixión” de Pescado Rabioso o “Color Humano” de Edelmiro. Obviamente, "Muchacha ojos de papel" no faltó porque era una promesa que le había hecho a mi madre. El hecho de haber tocado con Pomo en Jade lo tenía un poco cubierto con mi banda actual, aunque no es tan actual porque de momento no está tocando Nerina. La está reemplazando Matías Méndez, que es un talento. Nerina también es un talento, y ya la estoy extrañando.

Estoy extrañando su “velvet sound”, y por supuesto su persona. Desde que fue mamá se asentó, tocó mejor desde allí. El crecimiento que da tener un hijo para una persona… Ella y Guille son dos amigos, dos personas extraordinarias. Guille Vadalá, el “Bebote” Malosetti o Baltasar Comotto son violeros que se saben todo. Esa es la diferencia entre los violeros que somos más “orejeros”, como yo, y los otros que pueden leer un Real Book, porque hay que progresar. Si nos quedamos con un rock medio retrógrado o infantil no se progresa musicalmente, por lo cual no se progresa espiritualmente. ¿Te imaginás repitiendo el show dentro de diez años? ¿Por qué no? Inicialmente vamos a ser positivos y pensar que se puede hacer. Por otro lado es muy difícil que yo vuelva a repetir este evento. Creo que lo hago porque llegué a los 60 años en enero y me encantó que todos los músicos, desde el primero hasta el último, fueran ovacionados. Eso es muy importante. Con muchos de ellos no volví a tocar, como “Pomo” Lorenzo, Leo Sujatovich, Diego Rapoport, y

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Fotografía realizada por Eduardo Dylan Martí

fueron ovacionados por mucha gente. Eso es una gran satisfacción porque yo he trabajado mucho tiempo y la gente me tiene un cariño muy especial, me da todo lo que otro querría. Y muchas veces, el talento de estos tipos, que son más “tapados”, y no tienen un público masivo ni hacen cuarenta shows por año, es muy grande. El talento de Rapoport sigue siendo terrible. Lo que quedó grabado en Vélez con él es terrible. Igual que Leo Sujatovich. Y “Sombras en los álamos” con Juan del Barrio, son cosas inolvidables. Cardone es un pilar constante últimamente.

Imagino el cansancio del show y de todos los ensayos previos… ¡Envejecí cuatro años en dos meses! Al contrario, rejuvenecí juntándome con mis grandes amigos y viendo que ellos disfrutaban tocando. David Lebón, que es uno de los mejores violeros que existe, que estuviera feliz y que tocara como tocó, ya sin tener que sujetarse al bajo en Pescado. Eso lo logré gracias a Guille Vadalá y a que David puso todo. Puso el violero, puso todo en la parrilla y eso en Pescado es un acontecimiento. Los solos los hizo él, excepto el de Bocón Frascino. Es un cúmulo de cosas positivas, contra “Nasty People”, que lo tuvimos que sacar porque me equivoqué en todo. Fue un momento de crisis, de cansancio. Fue justo en la mitad del show y me desmoralicé brevemente en el intervalo. Ya con Invisible saqué de la lista "Encadenado al ánima", porque tenía un riff que lo tenía mitad aprendido y mitad agarrado, y sabía que ya me había pasado en algo como “Nasty People” que lo había tocado un millón de veces. En todos los ensayos estaba correcta la estructura, salvo en el día del show. Me desmoralicé terriblemente, pensé que la gente me iba a abuchear. El frío de la noche y el cansancio me mellaron. Saqué "Seguir viviendo sin tu amor" y con Almendra sacamos algunos temas donde no estamos muy felices. Lo demás está todo mostrado con humildad, con amor, y con un par de fotos en el libro, que están tremendas.

Antes de formar Invisible escribiste un manifiesto. “Rock: música dura, la suicidada por la sociedad”. Allí denunciabas “a otros grupos musicales por repetitivos y parasitarios, por atentar contra la música amplia y desprejuiciada, estableciendo mitos con imágenes calcadas de otras músicas, que son tan importantes como las que ellos no se atreven a crear ni sentir”. ¿Cambió algo de todo eso?

Ahora estoy menos virulento, obviamente, que cuando tenía 20 años. Trato de conservar ese espíritu de saber que yo puedo tocar un rock de cuatro tonos y va a estar bien, pero si todo es un rock de cuatro tonos ya no me gusta, me aburre el disco de una banda. Lo mismo que si empiezo a escuchar fusiones pseudotropicales y esas cosas, me mata, me aburro. Quiero escuchar a Herbie Hancock, a Scott Henderson, aunque no los vaya a ver.

Considerando que siempre pensás en “Un ma-

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ñana” y lo manifestás en tu último disco, ¿cómo percibís que puede ser ese mañana en la música y en nuestro pueblo?

Lo mismo que aplicamos a una cerrazón armónica que te impida descubrir nuevos mundos armónicos.

Para mí el rock retrógrado es el que no te admite cambiar. Cambiar con acordes, cambiar con electrónica, cambiar con distorsión, sin distorsión, pero cambiar. Cambiar el contenido de la música, la esencia, para poder crecer espiritualmente, ver más caminos que uno solo. Es enriquecedor en cualquier materia.

Por lo tanto, imaginate si vos lo aplicaras a la cultura de nuestro pueblo, a sus necesidades básicas. No al capricho de algo sofisticado sino al crecimiento verdadero de la gente. Nos faltan 150 años de educación y salud como nunca existió en nuestro país.

Ese es el proyecto: educación y salud. Después vas a tener justicia, con cabeza de jueces sanos, vas a

tener menos corrupción. Toda la rama de una sociedad va a mejorar. Por ahora, pareciera que todas las bases de esa educación se van corroyendo, se va desmoronando la fraternidad verdadera. Es un momento difícil. A mí me tocó, con una guitarra colgada, ya que hablamos de guitarras, decir frente al Congreso que si no había salud y educación íbamos a caer en una sociedad de delincuencia infinita, y pareciera que estamos en los albores de una sociedad de delincuencia infinita.

El pueblo además toma los vicios del poder. Si al poder le gusta la “merca” el pueblo también quiere “merca”. Si le gusta “Directv” el pueblo también quiere “Directv”. Si hay corrupción en el poder, el pueblo quiere la corrupción. Si el político y el protector de la sociedad en conjunto, el brazo intelectual político de dirigir un país, no tiene esa base clara, no vamos a poder salir, sino que la cultura va a decrecer. Por eso también me voy oponer a que cualquiera haga la música “que se le cante”.

Entrevista a Luis Alberto Spinetta | 33

TRANSCRIPCIONES

Intros y Riffs de Luis Alberto Spinetta

En esta oportunidad vamos a transcribir y analizar brevemente algunas intros de Luis Alberto Spinetta, Por Facundo López Burgos uno de los mayores exponentes del rock argentino.

Ejemplo 1 - En primer lugar, la intro del tema “Muchacha Ojos de Papel”, incluida en Almendra, primer trabajo discográfico de la banda homónima. El arreglo dibuja la armonía con una línea de bajo que desciende cromáticamente, mientras una nota pedal, común a los distintos acordes, se repite generando un movimiento melódico oblicuo entre ambas voces. El sonido, tan característico y que tantos habrán logrado imitar sin lograrlo, se debe a que está interpretado con una guitarra acústica de 12 cuerdas.

34 | Transcripciones Luis Alberto Spinetta

Ejemplo 2 - En la intro de “Cómo el Viento Voy a Ver” (Pescado 2) la banda completa toca en unísono este poderoso riff construido a partir de acordes de quinta pertenecientes a la escala de Si menor.

Ejemplo 3 - En la intro de “Durazno Sangrando” (Durazno Sangrando) observamos un mismo movimiento melódico, que se repite de forma secuencial descendiendo, en este caso, por tonos. Este es un recurso compositivo muy utilizado por clásicos como Beethoven. Algo interesante es

la utilización de la métrica de 9/8, bastante poco común, que varía en el último compás convirtiéndose en un 6/8.

Ejemplo 4 - Por último, el riff zeppeliano del tema “Cheques” (Spinetta y los Socios del desierto) construido utilizando la escala mixolidia de mi, con el agregado de la 7ª mayor como nota de paso. Acá también vemos el recurso del cambio de métrica en el último compás del motivo.

Observen que el 7/8 genera un interesantísimo efecto como de salto de púa.

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5º DUELO DE GUITARRAS

Un show que sigue haciendo vibrar Por Daniel Makelvintong

POP Music llevó a cabo una vez más su habitual “Duelo de Guitarras”, y estuvimos presentes para contarte las sensaciones de un concurso que apasiona a todos los amantes de las seis cuerdas. En su quinta edición, el público llenó la sala del teatro de la Biblioteca Mentruyt de Lomas de Zamora. tería en las distintas noches. En las tres primeras jornadas, distintos bateristas reconocidos se hicieron presentes. Los dos primeros turnos en solitario fueron para el “Topo” Espíndola (baterista de Skay), haciendo sonar su set que patrocinaba Mapex, Zildjian y Remo, y para Fito Messina (Pearl). Cerrando la grilla de clínicas se presentó la gente de D-Mente (Lace Sensor, Gretsch e Istambul).

El tiempo pasaba y las distintas fechas iban aumentando las emociones de aquellos que seguían en carrera. A diferencia de los cuatro años anteriores, POP Music decidió agregar un repechaje para que, aquellos participantes que no habían podido superar las instancias anteriores, tuvieran una nueva posibilidad de seguir avanzando en el concurso.

Damián Bardaro con su Fender G-DEC

La emoción de cada uno de los jóvenes participantes se acrecentaba con el correr de los minutos. La espera aumentaba el caudal de adrenalina de aquellos guitarristas que esperaban su momento para mostrar su talento y para medirse con sus pares en busca de acercarse a la final. La expectativa mantenía inquietos a los concursantes, que se encontraban con sus guitarras colgadas, haciendo ejercicios de digitación, esperando el momento indicado para subirse al escenario.

Todas las edades se amalgamaban en un mismo sitio, y todos poseían un denominador común: la emoción de poder hacer lo que les gusta. Todos querían subirse al escenario y “hacer llorar” a su instrumento.

Uno de los proyectores reflejaba en un lateral del escenario la película Crossroads (Encrucijada), donde Steve Vai se batía a duelo con Ralph Macchio (actor de Karate Kid). Todos los presentes miraban con atención las imágenes que servían de preludio de este gran concurso, que minutos después comenzó a desarrollarse. Una vez más, tal como sucedió los cuatro años anteriores, el Duelo de Guitarras organizado por POP Music comenzaba su rodaje, en una nueva edición, la 5º edición.

Luego de la presentación sólo hubo espacio para la música y la ilusión. Comenzaron a sonar los primeros acordes de Rock and Roll de Led Zeppelin, que fue la base sobre la que los concursantes improvisaron.

Las primeras fechas mostraron un nivel desparejo entre participantes, en algunas instancias. Algunos mostraban poseer un talento superior a sus competidores.

En esas primeras fechas, no sólo hubo espacio para guitarristas, sino que se decidió agregar clínicas de ba-

La copiosa lluvia que opacó la última noche del mes de octubre, no fue excusa para que todos, concursantes, familiares y apasionados, se acercaran al teatro de la Biblioteca Mentruyt de Lomas de Zamora para la edición final del 5º duelo de guitarristas. Allí los nervios parecían ser mayores a los días previos del concurso. No había margen de error para esa fecha y la exigencia era mayor, ya que los mejores guitarristas se iban a “desafiar” sobre el escenario.

Se observaron jóvenes con gran talento, que a pesar de no haber conseguido un lugar en el podio, presentaron las cartas para un posible futuro en la música. Finalmente, quien se llevó todos los laureles de este “5º Duelo de Guitarras” fue Damián Nicolás Bardaro, que desplegó toda su técnica sobre las seis cuerdas y sobresalió en cada una de las instancias.

Todos los jóvenes deberán contener su emoción por un año, hasta que POP Music vuelva a dar inicio a su “Duelo de Guitarras”, en su sexta edición.

Damián Bardaro camino a la final

Los detalles continuaron ultimándose, mientras sobre el escenario se veían imágenes del local de POP Music, colmado de instrumentos musicales. También en el escenario, la banda estable iba tomando ubicación.

Una vez más, Lomas de Zamora fue testigo del comienzo de un gran evento. El telón se abrió y allí el conductor del evento se encontraba acostado. Luego, simulando haber estado durmiendo, se levantó y dio inicio a la jornada, la primera de las cinco a desarrollarse. “Esperamos un año, pero una vez más estamos aquí”, expresó el conductor del duelo.

36 | Duelo de Guitarras

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LANEy LX65R

Transportable, versátil y accesible Por Rodrigo Yacciofani

En este caso exponemos los resultados que arrojó la prueba de este modelo de Laney. Sin dudas, un equipo con gran versatilidad, que abre un abanico de posibilidades para el guitarrista.

Desde los años ‘70 la firma Laney, originalmente creada por Lyndon Laney, viene haciendo grandes aportes sonoros dentro del mundo de la música. Ya en esa época este joven entusiasta contó con el aval de una de las leyendas del rock contemporáneo, como es Tony Lommi, guitarrista de Black Sabbath, siendo éste uno de los primeros clientes que hasta el día de hoy elige Laney para que sus riffs más potentes cobren vida arriba de los escenarios. Con el paso del tiempo, las marcas tradicionales fueron adaptando sus diseños a las necesidades de los músicos en distintas épocas y, en esta ocasión, Laney nos presenta el LX65R, un equipo que nos brinda el clásico sonido británico en un formato más compacto.

El LX65R es un amplificador de 65 watts transistorizado, en un formato transportable y versátil, a un precio más que accesible, pero sin resignar calidad en sus materiales y conservando el sonido clásico de la firma. La construcción del equipo es muy práctica, de formato pequeño. A pesar de conservar la distintiva reja metálica, el equipo es liviano (19,5 kilos aproximadamente), conveniente para poder transportarlo sin problemas y sin demasiado esfuerzo cada vez que tocamos en algún lugar. Tiene ecualización de graves, medios y agudos en cada canal, sumado al control "XTS” para darnos buen brillo y ataque. Se pueden manejar tres bandas de ecualización, tanto en el canal limpio como en el distorsionado, siendo ésta una cualidad que no se observa en amplificadores de similares características y rango de precio. El LX65R viene equipado con un parlante “Celestion” de 12 pulgadas, Spring Reverb, entradas para mp3, Send y Return de efectos,

38 | Testeo Laney LX65R

entrada para footswitch, y también nos da la opción de una entrada para poner una caja (8 ohms).

Una vez con el equipo encendido probamos una ecualización plana con distintas guitarras para ver el rendimiento. Empezando por los sonidos limpios, tanto en guitarras de micrófonos simple bobina como así también en dobles, se aprecia un sonido cálido y con buena profundidad para las frecuencias medias. El timbre es muy sutil. El parlante “Celestion” trabaja a la perfección, respetando nuestra dinámica e intensidad a la hora de tocar las cuerdas. El amplificador en respuesta plana tiene un sonido parejo y un timbre equilibrado, quitando la necesidad de darle reverb para que gane cuerpo, y eliminando prejuicios que uno tiene a la hora de tocar con amplificadores pequeños, por miedo a perder proyección en el sonido o que el sonido sea demasiado artificial. Una vez que tenemos el canal limpio seteado y abrimos el control de reverb nos encontramos con un efecto versátil y con buen rebote, que aporta más cuerpo al sonido sin ponerlo demasiado agudo. El canal limpio del equipo responde bien a volúmenes altos, sin dejar la ecualización en el camino o con saturaciones abruptas. Nos da resto para agregarle pedales de modulación o efectos, y es un sonido versátil; si tocan estilos como jazz o folk se van a sentir cómodos con el audio, ya que es muy natural y tiene muy buena calidad. Resaltando un poco de medios, con el pote de agudos a la mitad y sumándole reverb resulta un buen equipo para tocar funk y reggae, estilos donde dependemos del brillo del equipo. Los usuarios de guitarras tipo “Les Paul” o “335” van a estar bien cubiertos para tocar sin perder el sonido de la caja. Pasando al canal de distorsión, una vez seteado, nos encontramos con la cua-

lidad principal de la marca, el característico sonido británico. Posee una saturación con buenos graves y medios, ideal para tocar blues y rock and roll y darle buen volumen.

Combinado con una Stratocaster se pueden lograr muy buenos resultados. La distorsión no es para nada artificial y resalta con buen timbre los armónicos de nuestra señal.

Para los sonidos más agresivos tenemos un pequeño control con el nombre de XTS que cambia drásticamente el timbre, nos da mucho más ataque y definición en las frecuencias agudas, recortando un poco los medios y favoreciendo el brillo. Un sonido más agresivo pero clásico, sin que el equipo se convierta en una catarata de agudos.

Dependiendo de la ecualización que utilicemos se pueden lograr diversas sonoridades con buenos resultados. Si nos manejamos con poca ganancia, dándole a menos de un cuarto, vamos a encontrar un timbre con buen ataque para tocar solos de blues eléctrico o rock clásico, al mejor estilo Led Zeppelin. También incrementando la ganancia y dándole buenos medios podemos lograr sonidos más característicos del heavy clásico, como Judas Priest o Iron Maiden. Si subimos los agudos en nuestra señal, con graves al cuarto de la capacidad, se pueden lograr sonidos más “rotos”, para tocar punk o new wave. El equipo nunca pierde calidad de audio, o mucho menos presencia.

Podemos utilizar grandes cantidades de volumen sin que se genere la típica “bola” de sonido, permitiéndonos aprovechar al máximo la potencia, sin temer que surjan sonidos de acoples o “frituras” imprevistas en el medio de un recital. Un equipo versátil, de gran utilidad y con buena calidad de audio. Tiene un formato transportable y muy buena proyección y volumen. Dentro del rango de precios, es uno de los equipos más completos, tanto en ecualización como en posibilidades de conexión, ya que se le puede agregar una caja y también conectar pistas, además de tener las entradas de “loop”. Estamos en presencia de un equipo optimizado para tocar en vivo.

Importa y distribuye Manny’s www.mannysweb.com.ar

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MICRóFONOS LACE SENSOR

Por Sergio Pérez Importa y distribuye Hendrix Music www.hendrixmusic.com.ar

Sergio Pérez, un experimentado guitarrista, nos cuenta sus experiencias con estos micrófonos en distintas guitarras, principalmente en las Hamer. Una buena oportunidad para conocer las prestaciones de estos legendarios pickups.

En esta entrega les voy a hablar sobre los micrófonos (pickups) para guitarra y bajo que diseña, desarrolla y fabrica Lace Sensor desde USA.

crófono doble en el puente. En la Stratocaster el audio es increíble.

Para llegar a esto quisiera contarles que hace un tiempo que los vengo usando, tanto en vivo como en el estudio de grabación. Eso incluye utilizar estos micrófonos con artistas de distintos géneros musicales.

Mayor forma de probarlo estimo que no hay. Estos micrófonos que Lace fabrica con tanto empeño desde hace muchísimos años, me han ofrecido gran variedad de colores que me permitieron pintar lo que quise y a mi entero antojo. El modelo más llamativo que me ha sorprendido de esta marca es, a mi entender, el Alumitone. Les cuento que lo tengo en una de las dos guitarras Hamer que uso en vivo.

En la primera reunión que tuvimos con Chris Adams, representante de Lace Pickups (en el showroom de Hendrix Music), tuve la oportunidad de probarlos junto a Andrés Giménez y Lisardo Álvarez de D-Mente.

Luego se sumaría Fernando Ruiz Díaz de Catupecu Machu con una Stratocaster, y Marcelo Torres, un “fundamentalista” del Indio Solari, en bajo, testeando sus flamantes Lace Alumitone y Sensors en una intensa y divertida zapada junto a Sebastián de la Torre en batería.

Luego llevaron esta guitarra al luthier Jorge Do Carmo para ponerla en condiciones, y nos la devolvió con un set de Alumitone de 3 micrófonos singles.

En este caso, la Main Guitar, que es una Sunburst Flametop Wilkinson SATFW, y los micrófonos (tanto el del puente como el del mástil) se comportan excelentemente bien, ya sea en distorsión como en clean. A mi gusto, este micrófono me aporta un poder extra, con brillo y ataque en los clean y overdrive, siendo más brillante que cualquier otro micrófono humbucker que haya probado hasta el momento.

En las distorsiones suena bien, pero me parece que este micro rinde mejor para jazz, blues, y también en pop y rock. Además, tengo en una guitarra Fender Stratocaster un set de Alumitone, que consiste en dos micrófonos simples y un mi-

40 | Informe Micrófonos Lace

La diferencia fue notoria.

Soy un guitarrista bastante exigente en cuanto al sonido y a la performance de los productos que utilizo, ya que los artistas con los cuales trabajo, tales como Jorge Rojas o Manuel Wirtz, así lo requieren. Nada puede fallar a nivel técnico en el trabajo que tengo. Los Alumitone tienen más cuerpo y brillo que cualquier otro micrófono de Strato que haya escuchado en toda mi carrera. Un sonido con mucho carácter, que trabajándolo puede lograr sorprendentes tonos vintage con un touch hasta moderno, les diría. Anteriormente mi Strato tenía unos

Lace Sensor Gold, y los nuevos Alumitone que le puse, se quedarán definitivamente en esta guitarra.

“Ya nada será lo mismo”, me dijo Chris Adams, y tenía toda la razón.

También quiero comentarles sobre la otra guitarra Hamer California que estoy usando en vivo, en la cual tengo puestos unos Lace Hemi Humbuckers. Al micrófono lo escuché primero en la misma reunión que mencioné antes, ya que Andrés Giménez trajo una guitarra con estos micrófonos previamente instalados. Mi sorpresa fue total al escuchar esta guitarra. Nunca antes había escuchado micrófonos que sonaran tan cristalinos en los clean y tan “podridos” en distorsión. Claro, “por algo los usa Andrés”, me dije. Tienen un balance realmente increíble.

Mi guitarra Hamer California, con este set de Hemi Humbuckers, realmente suena muy superior a cualquier otra guitarra que no posea este tipo de micrófonos. Le sumo a mi guitarra un extra, como lo hace el nitro en los motores de los “Muscle Cars”. Los estoy usando desde que los instalé, y realmente siento que es un factor fundamental tener una señal excelente desde los micrófonos. Ya no necesito boosters, ni nada que las ayude, y créanme que no lo van a necesitar. Los invito a investigar en Internet. Hay varios videos de los micrófonos Lace, para que puedan tener una mayor apreciación. Se ve que hay muchos usuarios alrededor del mundo que disfrutan de estos geniales micrófonos.

Aprovecho para agradecer a Sebastián De La Torre, a su familia, a todo el staff de Hendrix Music, y a Chris Adams, de Lace USA, por darme su apoyo y dejarme ser parte de la familia Lace Pickups y Hamer Guitars.

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CORT BASS CURBOw 4

Pequeño gigante Por Hernán Shactelong

Ponemos a prueba el Cort Curbow 4, un bajo de tamaño pequeño, pero con un gran sonido. Incluye circuito Bartolini, que lo transforma en un instrumento muy versátil, con mucha presencia.

Siguiendo de cerca los pasos de uno de los luthiers más respetados de la historia, la firma Cort lanza al mercado la serie de bajos Curbow, que Fama Music introduce en nuestro país. Un bajo que marca la nueva tendencia en diseño y materiales de construcción, además de contar con una de las marcas más solicitadas en micrófonos y circuitos para bajo, como es Bartolini.

El Curbow 4 es un bajo con un diseño totalmente contemporáneo, respetando los parámetros de diseño impuestos por Greg Curbow. Cort nos presenta un instrumento versátil y moderno, respetando el precio medio de cualquier bajo.

Se trata de un bajo bien liviano, y eso se debe a sus materiales de construcción. El cuerpo del bajo es de Luthite, un compuesto sintético fabricado para sustituir la madera, ya que es mucho más fácil de trabajar en producción. El timbre del material es diferente al de muchas de las maderas acústicas más utilizadas, pero resalta muy bien las frecuencias graves, siendo ésta una de las razones por las cuales otra firma como Ibanez utilizó este material para construir la serie de bajos Ergodyne en el año 2006.

El diapasón es de maple con formato en “c” y la trastera es de ebonol, material que se ve mucho en instrumentos de cuerda y en la construcción de muchos bajos fretless. Este tipo de material se utiliza para remplazar al ébano, ya que es un material fácil de trabajar y es resistente al entorchado de las cuerdas, que a veces produce “surcos” en la trastera por el continuo uso. El radio es de 15 ¾ y posee 27 trastes.

Focalizándonos en el circuito, el micrófono es un Bartolini AMK1-4f combinado con un ecualizador activo Mk2, con volumen, ecualizador de 3 bandas y un switch Slap on-off.

En el acceso de la batería existen dos reguladores, de medios y slip, muy convenientes para darle el último toque a nuestro sonido.

Luego de tocar el bajo desenchufado un tiempo considerable, nos damos cuenta de que el bajo viene perfectamente calibrado. Ya cuando lo sacamos de la caja (cosa que no sucede en la mayoría de los bajos) tiene una altura de cuerda muy baja y un formato de mango en “c”, pero bastante angosto en los trastes más graves, lo que resulta muy cómodo. Sin necesidad de conectarlo a un amplificador podemos percibir el timbre del Ebonol, que es un material que define con precisión cualquier intensidad con la que nosotros toquemos.

El cuerpo del bajo es increíblemente pequeño. Uno

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siempre espera colgarse cuerpos con mayor peso y tamaño, pero este bajo tiene un diseño totalmente contemporáneo. Tiene buen balance y el acceso a la octava más aguda es muy cómodo. No hay que hacer ningún invento con la mano izquierda para poder tocar las notas más agudas con precisión.

Una vez que enchufamos el bajo (utilizando todos los potes de ecualización al medio) y empezamos a tocar, vemos cómo entra en acción el Bartolini.

Este micrófono, combinado con las características tímbricas del mango, le da mucha profundidad a los graves, con buen balance y definición, sin que nuestra punción se pierda en el camino.

Dándoles diferentes intenciones a las bandas de ecualización podemos hacernos de un abanico bastante amplio de sonidos. Responde muy bien para tocar bases de dub o reggae. Tiene buenos medios y graves bien marcados, que en situación de banda (más teniendo en cuenta si la banda tiene sección de vientos y percusión) nos deja muy bien parados y elimina la necesidad de levantar nuestro sonido con algún “pre” o “booster”, complicándo-

nos la existencia, sobre todo a la hora de tocar en lugares pequeños. El mango es bien angosto en la sección de notas más graves, permitiéndonos tocar de forma más relajada.

El Curbow mantiene un buen ataque en todo el registro, y los 27 trastes nos permiten dar forma a diferentes fraseos y acordes sin quitarle presencia a ninguna de las cuerdas. El ecualizador le brinda versatilidad al bajo, para que nosotros podamos elegir hacia dónde llevar el timbre. Podemos tocar arreglos de bossa, blues o soul, consiguiendo un timbre cálido y una afinación perfecta en todo el mango y llegando a los registros más agudos sin esfuerzo.

Activando el switch de Slap se levanta el sonido del bajo de forma drástica, se realzan los agudos y aumenta la presencia del instrumento. Con este switch podemos aumentar nuestra expresión a la hora de tocar solos sin que se pierda con el resto de la banda, sin la preocupación de tener que levantar volumen en el medio de una canción. Resulta muy útil para aumentar la presencia del instrumento si tocamos con púa estilos como el heavy metal o hardcore, donde necesitamos buen ataque y sustain. Como el nombre del control nos sugiere, una vez activado podemos ver cómo el bajo responde con creces al aplicar técnicas de slap o tapping.

El circuito Bartolini nos brinda un golpe con muchísimo volumen y bien redondo, a diferencia de otros circuitos que solamente resaltan los agudos, pero se pierde el cuerpo. Es un bajo para “castigar” pero de manera prolija, ya que el micrófono es muy sensible y capta cualquier bordoneo de cuerda que se pueda llegar a producir.

Es un bajo que se adapta a las necesidades de los nuevos estilos. Es muy versátil y está dentro de los diseños más innovadores, a un precio accesible a comparación de bajos con las mismas prestaciones. Si bien siempre, por tradición, está el tema de la madera y los materiales con los que se construyen los instrumentos, hay que abrirse un poco de ese concepto y probar distintos instrumentos para ver cómo los conceptos nos pueden ayudar dentro de la música.

Importa y distribuye Fama Music S.A. www.famamusic.com.ar

Informe Cort Curbow 4 | 41

EPIPHONE LES PAUL ULTRA II

Un clásico en stéreo Dos Les pauls en tus manos Por Rodrigo Yacciofani

Saludos, gente de Guitarristas y bajistas.ar. En este caso vamos a ver las posibilidades sonoras de la Epiphone Les Paul Ultra II, una asombrosa guitarra que incorpora avances tecnológicos a un clásico contemporáneo.

Esta guitarra Epiphone Les Paul Ultra II conserva similares materiales de construcción a las otras Les Paul de la serie, pero con novedades dentro de su construcción. El cuerpo de la guitarra es de caoba, con recámaras en su interior, cubierto con tapa de maple. El diapasón, que posee 22 trastes, es de caoba con trastera de palo de rosa, y la terminación del mango está realizada con pintura satinada. Los bordes, de la unión de la tapa con el cuerpo como del mango, están cubiertos por la cenefa para darle el toque distintivo de una Les Paul.

Pasando al circuito de la Epiphone Les Paul Ultra II, nos encontramos con un micrófono Alnico Classic Plus en el puente, un Alnico Classic en la parte del mango y, continuo al traste 22 del mango, tenemos montado el sistema Nanomag activo con 3 controles de ecualización (graves, agudos y ganancia), incorporados en la tapa de acceso al circuito de los potenciómetros, con el espacio para la batería de 9 volt.

de que las posibilidades son infinitas. El mínimo cambio a nuestro sistema Nanomag, tanto de volumen como de ecualización, nos da diferentes resultados en el timbre general del instrumento, en sonidos limpios, como así también con sonidos saturados. Resulta muy conveniente para tocar blues, y utilizando sólo el Nano con un poco de overdrive se pueden lograr licks y yeites con un sonido distintivo, ideal para tocar con slide.

Tenemos controles de volumen independientes de los dos micrófonos. volumen del Nanomag, control de tono general de la guitarra y llave de 3 posiciones. La guitarra tiene dos jacks de ¼, uno mono para la mezcla de los 3 mics y otro stereo. En cuanto a los accesorios, son todos dorados: el puente es lock tone tune-o-matic y las clavijas son Grover.

Una vez con la guitarra en nuestras manos, luego de tocarla desenchufada largo rato, podemos decir que las recámaras le quitan el peso excesivo, principal característica del formato Les Paul, volviendo a la guitarra bastante más cómoda para los que no están acostumbrados a este tipo de cuerpo. Además, favorece a la resonancia de notas y armónicos dentro del instrumento. Una vez que enchufamos la guitarra con el jack de salida mono nos encontramos con un mundo de posibilidades.

En primer lugar, más allá de que la guitarra tenga recámaras en su interior, a diferencia de sus pares macizas, el sonido sigue siendo el de una Les Paul, llena de graves, con un ataque bien gordo y pastoso, con el agregado de un timbre más sutil que recuerda por momentos a una 335, dependiendo de cómo posicionemos las perillas de tono y volumen.

El timbre de la Epiphone Les Paul Ultra II es bastante cálido, y responde muy bien para acordes abiertos y todo tipo de sonidos limpios. Una vez que abrimos el volumen del Nano se puede empezar a jugar con la mezcla de sonidos, y da la sensación

42 | Epiphone Les Paul Ultra II

Haciendo uso de la salida stereo de la guitarra podemos enchufar en dos equipos distintos, para separar en una mezcla los micrófonos de alnico y el sistema Nano en otra. Esto nos permite tener dos sonidos de guitarra distintos en simultáneo y, como herramienta creativa (tanto para tocar en vivo como para grabar) resulta más que interesante. En este caso opté por pasar el Nanomag a un amplificador de acústica, con unos delays en el medio y la señal de los humbuckers a un equipo con distorsión. El resultado es en verdad gratificante.

Se pueden hacer muchas combinaciones, dependiendo de las herramientas que utilicemos, y la señal de la guitarra nunca se ve afectada; siempre mantiene un buen nivel de salida y buena definición en el audio. No hay que engolosinarse con los volúmenes y la ganancia del pre, porque la situación se nos puede ir de las manos, generando acoples y ruidos molestos. Siempre que tengamos esto en cuenta vamos a poder disfrutar del rendimiento de la Epiphone Les Paul Ultra II al máximo.

Sin dudas, un clásico contemporáneo, que en esta ocasión nos provee herramientas para generar distintas texturas a nuestro sonido.

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DANELECTRO COOL CAT DISTORTION y METAL II

Te brindamos todas las características de estos productos de Danelectro, que poseen una relación precio-calidad inmejorable. Los Cool Cat son una excelente opción dentro de los pedales de efecto.

Por “Chelo” Criador Solano

Como el nombre lo indica, es ideal para tocar cualquier estilo relacionado con el heavy metal. El control de Distorsión nivela la cantidad de distorsión y, a medida que vamos incrementando su valor, aumenta también la presencia y el ataque. Tenemos además un Switch con tres posiciones (Off, Lo, Hi), que activa un filtro que recorta medios con dos niveles para variar la intensidad del filtro. El control de Level nos permite elegir el nivel de salida del efecto.

La firma Danelectro sigue con su tradición de diseño característico, y con buena calidad de sonido a un precio moderado. La línea “Cool Cat” cuenta con nueve pedales de efectos, entre los que encontramos distorsiones y efectos de modulación. Son de construcción robusta, presentados con carcaza metálica, switch true by pass y un formato distintivo. Resulta ser una muy buena opción dentro de la franja de pedales de bajo precio, por su calidad de sonido.

En este caso realizaremos el test de dos de sus distorsiones, el Cool Cat CD1, un pedal orientado a los añejos sonidos valvulares ingleses, y el Cool Cat CM2, un pedal con un alto nivel de ganancia, creado para suplir las necesidades de los amantes del heavy metal.

DANELECTRO CD1 El Cool Cat CD1 es un pedal de distorsión orientado a llevar el clásico sonido valvular inglés a los usuarios. Un pedal con controles sencillos, pero con un timbre flexible a distintas sonoridades. El CD1 cuenta con cuatro controles de fácil acceso, ubicados en la parte trasera del pedal, justo arriba de los jacks de input y output (diseño que respetan todos los pedales de la serie Cool Cat).

El control de Gain determina la cantidad de ganancia que aplicamos a la señal, mientras que los controles de Treble y Bass nos dan la posibilidad de ajustar la ecualización del pedal y dar variantes al tono. Estos controles pueden restar o sumar graves y agudos a nuestra señal, y quedan en respuesta plana cuando los ponemos a la mitad. Con el control de Level manejamos el volumen del pedal de mínimo a máximo. Hay que ser cuidadosos, ya que el rango de volumen es muy amplio.

El pedal resulta bastante útil para diversas situaciones musicales, y vale la pena destacarlo. Se puede utilizar como un pequeño overdrive para nuestras bases y líneas rítmicas, si nos manejamos con poca ganancia. A medida que vamos incrementando hacia un tercio nos encontramos con sonidos de rock clásico y blues, como algo similar a Cream o Rolling Stones. También, llevando el pedal a sus niveles máximos, podemos encontrarnos con un timbre bien ‘70, al mejor estilo Jimi Hendrix o Led Zeppelin. Es un pedal hecho para tocar rock and roll.

Las diferentes ecualizaciones en graves y agudos nos llevarán a explorar diversos tipos de armónicos. El truco está en aprovechar el rango de volumen del pedal y manejar la ganancia con sutileza, para ir descubriendo distintos timbres y saturaciones.

DANELECTRO CM2 El Danelectro CM2 es un pedal con una distorsión bien gorda, cargada de armónicos, con mucho ataque y recorte de medios.

44 | Danelectro Cool Cat Distortion y Metal II

El CM2 nos brinda un tono bien oscuro, con buen golpe y muchísimos armónicos. La cantidad de ganancia del pedal y el ataque nos dan un sonido realmente redondo para tocar todo tipo de riffs. Se puede llegar a los timbres más añejos del metal, como Black Sabbath o Judas Priest, si utilizamos la ganancia a la mitad y buenos medios. También se puede ir para el lado del trash, utilizando el switch para cortar medios. Tiene dos intensidades: cuando seteamos en Lo, el filtro actúa de manera sutil, y cuando está en Hi el recorte es abrupto, ideal para tocar bases al viejo estilo de Pantera o Down.

Este pedal tiene un volumen increíble, y es ideal para plantear un sonido cuando tocamos en lugares donde no llevamos nuestro propio equipo, para no tener que dejar librado al azar de qué forma vamos a sonar. El pedal es True by pass, como todos los de la serie, y eso nos brinda la seguridad de que siempre que enchufemos vamos a tener un nivel de señal óptimo y no vamos a tener que lidiar con saltos de volumen o pérdida de armónicos, a diferencia de otros pedales de precios similares.

RESUMEN Dentro de lo que son los pedales de efecto, Danelectro nos tiene acostumbrados a darnos soluciones a bajo precio, con un sonido característico y una estética original, sin tener que resignar marca y calidad. Son pedales con buena calidad de audio, para tener en nuestra cadena de efectos, o para los principiantes que empiezan a edificar su sonido.

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BIyANG METAL END KING

El rey del metal Por Rodrigo Yacciofani

Una distorsión con una amplia gama de controles, que nos brindan diferentes posibilidades sonoras, con la ventaja de la tecnología true by pass y componentes de buena calidad. Un pedal creado y diseñado para tocar metal.

Tenemos en nuestras manos el pedal Metal End King de la firma Biyang. Ni bien uno se dispone a sacar este pedal de la caja, se encuentra con una cantidad sorprendente de controles de diversos tipos. Son 6 potes de ecualización, sumado a cuatro llaves y el switch para activar o desactivar el efecto. La carcasa es toda metálica, cerrada con cuatro tornillos del tipo allen. Es un pedal bien robusto en su construcción.

Uno puede hacer uso de las diferentes perillas y llaves con confianza, sin temor a que se rompan. Pasando a los controles, el pedal posee “level” para manejar el volumen ecualización, de graves, medios y agudos, además de “Mid Freq” que nos sirve para recortar o resaltar las frecuencias medias con mayor precisión.

Por último tenemos el control de distorsión. Al margen de las perillas ya mencionadas, el pedal tiene cuatro llaves: la primera es un amp simulator (simulador de amplificadores) que levanta el brillo y la presencia del pedal simulando un amplificador valvular; la segunda llave nos permite elegir la coloración de la ecualización entre sonidos moderno clásico y normal; otra llave sirve para el recorte de agudos; y la última para elegir el tipo de distorsión que queremos entre normal, bright y warm. Finalmente tenemos el switch true by pass para activar o desactivar el efecto.

Una vez que conectamos el pedal, le damos una ecualización pareja, empezamos a tocar y notamos la utilidad de todas estas perillas. Se puede llegar a lograr diferentes sonidos dependiendo de cómo utilicemos los controles de medios del pedal y como lo combinemos con la llave de ecualización. Podemos escuchar que una misma ecualización suena completamente diferente con solamente activar o desactivar una de las llaves. Por ejemplo: cuando seteamos la llave en moderno con el simulador de amplificador prendido y la llave de la distorsión en la posición bright

46 | Biyang Metal End King

se puede logran un sonido bien death metal, pero si cambiamos la llave a la posición de la distorsion “warm”, ya se pueden tener sonidos mas gordos como para tocar hard rock o heavy metal sin necesidad de cambiar ningún parámetro en los potes. El pedal tiene muy buen volumen y ataque, más allá de la cantidad de ganancia que estemos utilizando. Se diferencia de otros pedales del mismo tipo que pierden definición si los utilizamos a niveles bajos. Con poca ganancia y una buena ecualización de agudos se puede lograr sonidos filosos como para tocar un estilo similar a “Rage Against The Machina”. Valiéndonos de la llave “high cut” se puede romper bien el sonido para llevar la señal a un estilo hardcore y punk rock. Ahora para los amantes de los sonidos mas opacos como Black Sabbath, tenemos un pedal con buenas prestaciones.

Para lograr esa saturación de graves sólo basta con resaltar un poco el pote de medios y poner buen vo-

lumen, con la perilla del ecualizador en “classic” para que el brillo no resulte excesivo. A la hora de ejecutar solos, el pedal nos brinda buen cuerpo y sustain, sobre todo para tocar tapping y técnicas de ligado

donde necesitamos que la distorsión tenga cuerpo y buena definición. El pedal nos deja cubiertos con creces en este sentido ya que haciendo buen uso de los controles de “high cut” y del “amp simulator” podemos cargar la señal de ataque sin tener que darle mucho nivel a los agudos como sucede en otros pedales orientados para tocar heavy metal.

El Metal End King respeta el sonido de los fraseos con exactitud y a la hora de tocar patrones rítmicos a alta velocidad no se genera el sonido “bola”. El secreto está en abrir un poco más las frecuencias medias, donde el pedal nos brinda más armónicos y presencia.

Otro parámetro destacable es el rendimiento del pedal en afinaciones graves como ser Do o Re, ya que no todos los pedales de distorsión definen bien las notas más graves de la guitarra en estas circunstancias, dejándonos un sonido “difuso”. En el caso del Biyang esto no sucede porque tenemos un buen margen en los niveles graves y una variedad de brillos y timbres para poder resaltar los armónicos y compactar bien el sonido sin que se pierda ataque, permitiéndonos tocar desde los riff´s más pesados o bases con buen cuerpo para apoyar el sonido de nuestra banda.

Un pedal a un precio accesible, de construcción robusta, con una cantidad de controles que brindan gran versatilidad en su sonido abriendo nuestras posibilidades tímbricas. No hace falta complementarlo con ningún tipo de ecualización extra o “booster” para que el pedal rinda, a diferencia de otros de su misma especie. El secreto está en usar las ecualizaciones con criterio y valerse de un buen balance entre volumen y ganancia para lograr el sonido perfecto.

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GUITARRA RITMICA

Gustavo Cerati

En el número anterior vimos cómo la guitarra suele apoyarse en la rítmica planteada por la sección de Por Facundo López Burgos percusión y característica del género.

Hoy les traigo varios ejemplos de un guitarrista que, según creo al escuchar su trabajo rítmico, piensa la guitarra como un instrumento de percusión con el que genera pequeños patrones rítmicos que colorea luego agregándole armonía. Estoy hablando de Gustavo Cerati.

El primer ejemplo es la guitarra del tema “Cuando Pase el Temblor” incluido en el disco “Nada Personal”. La rítmica se inspira en los acentos que tocarían el tambor o charango en un huayno. Presten atención a la utilización del registro agudo, dejando libre la zona de medios y graves para otros instrumentos. También resulta interesante la forma en que enlaza las tríadas, generando un movimiento melódico hacia el agudo en dirección contraria a la armonía (y la línea de bajo) que se mueve hacia el grave.

En el segundo ejemplo vemos un patrón netamente rítmico. Se trata de la guitarra del tema “Nada Personal”. El ejemplo es la parte B del tema justo antes del estribillo. La guitarra se opone a la rigidez de la base generando contratiempos y utilizando recursos propios del funk, aunque rítmicamente se despega del estilo. Observen cómo, más allá de lo rítmico del arreglo, se escucha una pequeña melodía que genera con las

cuerdas más agudas de cada acorde.

El tercer ejemplo es la base del tema “De Música Ligera” incluido en “Canción Animal”.

Aquí no quedan dudas; la guitarra toca claramente un patrón de batería, el mismo que toca la batería en el tema. La pregunta que surge es ¿quién habrá inspirado a quién?

Intenten pensar la guitarra de esta manera para componer o arreglar sus partes. En las bordonas tienen el bombo, en las agudas el tambor.

Por último, les dejo en el ejemplo 4 la rítmica que aparece hacia el final del tema “Mundo de Quimeras” del EP “Languis”. Para tocar este tipo de rítmicas es importante utilizar la mano derecha, tocando siempre semicorcheas para que la rítmica suene fluida. En las notas de mayor duración (por ejemplo la primera corchea con puntillo) procuraremos que la mano no toque las cuerdas para no cortar el sonido. Las notas muteadas se logran aflojando ligeramente la presión sobre las cuerdas de la mano izquierda.

Bueno, esto es todo por hoy, ¡hasta la próxima! Y ya saben, por cualquier consulta pueden escribirme a faculb@gmail.com

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel 'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

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SHRED GUITAR

Por Silvio Gázquez

En este caso vamos a ver algunos ejemplos con arpegios mayores, con el agregado de una 7ma. mayor, o más comúnmente llamados arpegios maj7. También vamos a utilizar varias de las técnicas que ya hemos visto, tales como ligados, barridos, hybrid picking, etc. Otra vez, les recomiendo escuchar gente como Greg Howe y Richie Kotzen, dos de mis guitarristas favoritos, como también músicos más jazzeros, como Frank Gambale, Scott Henderson, etc.

Entonces, como ya les conté en el número pasado, la idea es mostrarles cómo desde un simple arpegio, agregando algunas notas de la escala y también notas de paso, pueden sonar más que interesantes. Ok, a continuación veremos algunos ejemplos para poner en práctica estos arpegios…

Ej. 1. En este ejemplo les muestro cómo tocar el arpegio de Mi mayor 7ma. (Emaj7).

Noten el uso de barridos y de ligados cuando usamos 2 notas por cuerda.

Frases con Arpegios 2da. Parte En este número vamos a ver la segunda parte de la última lección, que trataba sobre cómo armar frases desde un arpegio menor con 7ma. uso de un intervalo de 4ta. aumentada. También usamos barrido y ligados.

Ej. 3. Ahora le agregamos algunas notas de paso y también, en la primera secuencia de arpegios, combinamos la técnica de barrido con el uso del dedo mayor (mano derecha), lo que sería la técnica de hybrid picking.

Ej. 4. En el último ejercicio veremos una manera de combinar arpegios mayores y menores, pero siempre con el agregado de la 7ma. Hay miles de posibilidades, ¡así que experimenten y creen sus propios licks!

Esto es todo por hoy, espero que les sea útil y, como dije antes, creen sus propias ideas. Cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi email, topogazquez@hotmail.com.

Hasta el próximo número, ¡y a practicar, se ha dicho! ¡Saludos!

Ej. 2. Tomamos el ej. 1 y le agregamos algunas notas de la escala de Mi mayor. Pero si nos detenemos con más atención, vamos a ver que se trata del modo Lidio, por el

siLVio gázquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso guitar secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del guitar idol 2008. en el 2009 ganó en Youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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ARMONIA Por Jorge Senno

La simetría del acorde disminuido con séptima disminuida En el número anterior comenzamos a ver los distintos tipos de acorde de 5ª disminuida.

Hoy nos detendremos en el acorde disminuido con 7ma. disminuida.

Recordemos entonces que, al estar formado por la superposición de terceras menores, nos da un acorde totalmente simétrico, como cortar un círculo en cuatro partes iguales. Esto nos permite que, al invertirlo, sea siempre el mismo acorde.

Con lo cual, en este caso, Cdim7 sería igual a Eb dim7, a Gb dim7, y por último a A dim7 (que es la enarmonía de Bbb). O sea, es el mismo acorde, formado por las mismas notas, con cuatro posibilidades de inversiones simétricas.

En definitiva, tendríamos entonces en nuestra música tres acordes disminuidos con cuatro inversiones en cada uno, conformando así, las doce tonalidades.

Como ejemplo, llamaremos: Disminuido 1 al Cdim7 = Eb dim7 = Gb dim7 = A dim7 Disminuido 2 al C#dim7 = E dim7 = G dim7 = Bb dim7 Disminuido 3 al Ddim7 = Fdim7 = Ab dim7 = B dim7 De esta manera abarcamos todas las posibilidades tonales, con sólo tres acordes que se repiten al invertirlos, ya que C es el disminuido 1, C# el disminuido 2, D el disminuido 3; y Eb vuelve a ser el disminuido 1, E el 2, y así sucesivamente.

Es de destacar que, al tratar estos acordes, muchas veces reemplazamos las notas con dos bemoles por su enarmonía, a fin de simplificar, por ej.: Bbb por A.

Consultas y clases: jorgesenno@gmail.com Recomiendo como libro de consulta, para ampliar información: Armonía Funcional (Claudio Gabis), Editorial Melos/ Ricordi (2006), en el cual he colaborado.

Jorge senno estudió guitarra con claudio gabis, audioperceptiva con María del carmen aguilar, armonía con J. c. cirigliano y pedro aguilar, entre otros docentes. es autor de los libros “solos redondos”, “solos de La renga”, “solos divididos”, y colaboró en "armonía Funcional" de claudio gabis, editado por ricordi, además de colaborar en diferentes revistas como “el Musiquero”, “Music expert”, “recorplay” y otras. participó en shows y/o grabaciones con León gieco, claudio gabis, claudia puyó, skay Beilinson, alejandro Medina, Jorge pinchevsky, Miguel cantilo, Miguel Botafogo, ciro Fogliatta, Kubero díaz, edelmiro Molinari y otros. Tiene dos discos solistas editados: “Barraca peña” y “un Blues desde el fin del mundo”, y numerosas colaboraciones con otros artistas como músico profesional. actualmente está terminando de mezclar “en el cosmos no hay error”, nuevo trabajo discográfico grabado en el estudio del abasto. jorgesenno@gmail.com www.jorgeluissenno.com.ar

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GUITARRA TANGO Por Mariano Botto

¡Siempre la misma milonga! ¿Cómo va ese acercamiento al tango? Espero que de a poco algunos de los aspectos que vamos viendo en esta columna vayan tomando forma. Hoy veremos la milonga.

La milonga en el tango puede adquirir varios nombres: milonga porteña, orillera, ciudadana. La milonga, llamémosle porteña, es producto del paso de la milonga, más propio de las zonas rurales llamada sureña o campera, a la ciudad. Si bien tienen el mismo origen, su manera de acompañarlas es muy distinta. Por otro lado las milongas camperas son muy lentas, no se bailan, y sus letras se refieren a los temas del hombre de campo. Las porteñas son bailables y su temática es propiamente de la ciudad que, en muchos casos, son humorísticas. El pianista y compositor Sebastián Piana es quien terminó de ponerle el sello disitintivo a la milonga porteña y lo dice él mismo en una nota realizada en el año 1994 por Rodolfo Barrese para la revista “Desmemoria Re-vista de Historia”: "es, simplemente, el paso de una milonga -que se estimaba sureña y pampeana, sin baile o bailada en la intimidad, y cultivada por gauchos y payadores-, a la milonga porteña, que se debe a Maffia y a mí; melódicamente fueron parecidas (...) La renovación, la milonga porteña y suburbana, se debe a un pedido formulado por rosita quiroga a Homero Manzi. a ella le habíamos llevado un tango para que cantara. sin embargo, solicitó una milonga. sorprendido, Manzi me dijo: “rosita me pidió una milonga”. Yo le respondí:” si las milongas son casi iguales, muy parecidas, por eso se improvisan…” “Mirá sebastián, no entiendo nada de milongas”, me contestó Manzi. entonces le dije a Homero que me llamara a los dos días, para ver si podía concebir algo. en ese lapso se me metió en la cabeza una nueva milonga. conocía su ritmo, pues ya había hecho una anterior para que José gonzález castillo (padre de cátulo castillo), le pusiese letra. necesitaba hacer milongas distintas; éstas lo fueron: mantuvieron la sencillez del ritmo, pero con una forma musical definida, como si fuesen tangos-canción, pero sin perder la esencia de la milonga. cuando Manzi me llamó, precisamente a los dos días, yo ya tenía realizada “Milonga sentimental”, cuya música me llevó media hora. no era la milonga eterna, improvisada de los payadores... como Manzi, poeta magnífico, me confesó que no entendía de milongas, pensé en mi intimidad: “¿entenderá la mía?” La entendió. Llegó a mi casa un lunes, retiró la música y, a la mañana siguiente, ya tenía lista la letra. con la letra empezó a gustarme más la música. Hasta entonces me complacía más la que había efectuado para gonzález castillo. así nació “Milonga sentimental”. Fue mi segunda milonga, que resultó ser la primera “milonga porteña” conocida”.

Cabe agregar que, antes de que Piana compusiera esta milonga, lo que había cambiado un poco antes era la manera de acompañar las milongas. En los ejemplos lo veremos más claro: Ejemplo 1: Célula básica de acompañamiento de milonga campera:

Ejemplo 2: Célula básica de acompañamiento de milonga porteña:

De esta última manera ya se acompañaba antes de que Piana compusiera “Milonga Sentimental”, pero la forma seguía siendo campera (el título de esta nota “siempre la misma milonga” surge por este mismo tema, eran siempre iguales. Se ponderaba mucho más lo que se decía que el aspecto musical). Piana junta esta manera de acompañar y le agrega dos partes muy diferenciadas. En el caso de Milonga Sentimental los primeros 16 compases son en tonalidad Mayor, y los segundos 16 compases en tonalidad menor.

Continuará…

Mariano BoTTo fue asesor institucional y profesor de guitarra de la escuela de música y arte urbano de Lito nebbia (eMau, suterh). produjo el diseño, confección y armado del “cuaderno de trabajo para guitarra 1” y el armado de programas para todos los instrumentos de la eMau. socio fundador y profesor de guitarra de la escuela de música “el abridor” (www.elabridor.com.ar), Mariano es director de su propio grupo de tango “sobre el filo” y profesor particular de guitarra, desde 1998 hasta la actualidad. actualmente es guitarrista, arreglador y compositor del dúo de tango “el balcón” (www.duoelbalcon.com.ar) y autor del libro “Método de guitarra tango”.

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GUITARRA JAZZ Por Juampy Juárez

Improvisación Contemporánea Cromatismos y enlaces de terceras En el siguiente Blues en Do les muestro cómo las terceras (el intervalo más importante de un acorde), son enlazadas desde un acorde a otro.

Eso se logra usando distintos tipos de cromatismos, siendo (c) cromatismo simple y (r.d.) cromatismo de resolución demorada. Este recurso consiste en llegar a la nota deseada por una nota cromática o de paso, ya sea más grave o aguda, y luego tocar otra igual pero en la dirección opuesta, retardando así la llegada de la tercera. Casi siempre, las notas de paso o cromatismos se usan en los tiempos débiles, es decir al aire, en el “i” de las corcheas. También fui agregando alguna tensión, como la quinta aumentada. Esta última es muy útil a la hora de tensionar o embellecer un acorde dominante. Que lo disfruten y un abrazo y hasta la próxima!

JuaMpY Juárez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins, paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires, Bangkok, san pablo y new York. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz. como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana, emme Vitale, el reloj, gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más importante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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BAJO LATINO Por Gonzalo Alfaro

El compás 6/8 En esta oportunidad quiero mostrarles cómo se mueve el bajo en el compás ternario “6 por 8”. Este se encuentra presente en ritmos afro-cubanos y en nuestra música folklórica sudamericana.

Tiene la particularidad de dar lugar a la polirritmia generando tensión, y un aire tribal muy propio de la cultura africana. Acá tenemos el pulso y la subdivisión.

Fig1 - De esto es que aparece la clave 6/8, cuyo patrón abarca 2 compases, por lo tanto puede ser interpretada de atrás hacia delante y de reversa.

ocupan el mismo tiempo que 6 corcheas, pero lo importante es encontrar el pulso y ser conscientes que algo está sucediendo en el ritmo al confrontar esos acentos.

Esta confrontación entre las 3 negras y los dos pulsos de negra con punto del compás 6/8 es la que genera la polirritmia. Se da de esta manera: Fig3 - Acá les dejo un ejemplo de lo que vine hablando. ¡Hasta pronto!

Fig2 - En muchas oportunidades podremos escuchar al bajista tocar 3 negras, dando la impresión de que está en 3/4 en vez de 6/8. Ya sabemos que 3 negras

gonzaLo aLFaro nació en Lima, perú, llegó a Buenos aires en febrero del 2006 para formalizar sus estudios musicales. desde entonces viene tocando en diferentes bandas y trabajando como músico de sesión. su interés sin límites por la música lo ha llevado a diferentes estilos. puede desenvolverse sin problemas en una banda de metal, en una orquesta de jazz, o en una de salsa de las más sabrosas. en noviembre del 2009 fue llamado para acompañar a ralph irizarry (timbalero de rubén Blades) en una clínica. actualmente toca en pronoia (metal progresivo). obtendrás mas información en http://www.myspace.com/prono1a

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BAJO JAZZ Por Damián Vernis

Trabajando movimientos armónicos En el número 21 hablamos acerca del walking bass, y vimos cómo construir una línea de bajo sobre una armonía de blues de 12 compases. Abordaremos nuevamente el tema, pero trabajando sobre los movimientos armónicos que vimos en el número anterior

Trabajaremos sobre la cadencia II – V – I; esto es los acordes que surgen del segundo, quinto y primer grado de la escala mayor diatónica.

Ejemplo en DoM I C M7

II Dm7

III

IV

V G7

VI

VII

Los modos que le corresponden a cada acorde son: I grado (C M7) modo jónico, II grado (Dm7) modo dórico y V grado (G7) modo mixolidio.

Recordemos que, por estar los tres acordes relacionados entre sí (en este caso en la tonalidad de C mayor) sobre una cadencia II - V - I, podemos armar una línea que esté basada en la escala mayor, comenzando en el segundo grado.

En la cuarta negra del primer compás del ejemplo 1 aparece una nota (F#) que no pertenece a la escala. Esta nota se aproxima cromáticamente al acorde de G7. Este es un recurso muy usado en los walking de jazz.

Otra forma de pensar un walking es a partir de los arpegios de cada acorde (es decir, sus notas desplegadas en el tiempo), adicionando notas de la escala y de aproximación cromática.

El ejemplo 2 comienza con la tríada de Dm más una nota cromática en el último tiempo, que conecta con el acorde de G7. El segundo compás utiliza los intervalos 8va., 5ta.,1ra. y también una nota cromática al final para conectar con el siguiente acorde. Veamos que nos es necesario utilizar todas las notas de la tríada. En este caso, pese a omitir la 3ª, obtenemos una frase que define bien la armonía. Por último, en el acorde C M7 utilizamos los intervalos 1ra., 3ra., 5ta. y adicionamos la 6ta., para luego tocar sobre el segundo compás de CM7 la 2da. en el primer tiempo. Se ve entonces que se puede entrar al acorde por una nota, y que no es la tónica.

Un walking, como ya he dicho antes, es una improvisación que cumple la función de base. No existe una sola fórmula para hacerlo. Sí existen distintos caminos que uno puede tomar, y la elección de estos caminos tiene que ver con la estética de la música que uno está tocando, como por ejemplo: onda, tempo, armonía (tradicional, moderna), etc. Por ese motivo digo que no hay patrón fijo; uno estudia y listo. Lo importante es incorporar tantas herramientas como nos sea posible (escalas, arpegios, armonía, etc.) y escuchar mucha música. Esto nos permitirá tener muchos recursos que permitan tomar el mejor camino en cada momento, y lograr que el walking sea una " improvisación que cumple función de base".

daMián Vernis Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, Yeye López, adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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BAJO TAPPING Por Alejandro Giusti

Una de las cosas a tener en cuenta es la duración de los sonidos. Fíjense que en la partitura se pueden ver dos voces bien diferenciadas; la voz superior con las plicas hacia arriba y la inferior con las plicas hacia abajo.

Por ejemplo, si tomamos los primeros ocho compases, la voz inferior toca negras mientras la superior toca corcheas; esas negras van haciendo un bajo que se superpone con la otra voz, y va armonizando.

Es muy importante respetar estas duraciones de las figuras, para que se sienta esa línea de bajo. Inclusive, si hacemos que duren más tiempo (como blancas) calzan perfecto.

Allegro de Francisco Molino Esta obra de Francisco Molino fue compuesta originalmente para guitarra, y es una belleza de melodía. La verdad es que me gustó tanto, que le hice una transcripción para ser tocada en el bajo, con la técnica de “dos manos tapping”.

En los últimos ocho compases, pasa rítmicamente exactamente lo inverso. La voz superior va tocando negras y la inferior corcheas. Nuevamente tenemos que cuidar que cada negra dure lo correcto. En estos compases, las negras cantan la melodía, y las corcheas hacen el bajo.

Me parece un interesante ejemplo de armonización, muy simple y efectivo.

La próxima vamos con la segunda parte.

Saludos para todos.

aLeJandro giusTi compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 cds con su banda: “giusti Funk corp.”, “Barrio Funk”, “arrabal eléctrico”, “plan c” y “grande de Fuzza”. entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, pablo Mainetti, Lito Vitale, pablo rovner, daniel “pipi” piazzolla, popy spatocco, Juan cruz urquiza, nicolás guerschberg, gustavo Musso, gustavo cámara, diego clemente, pedro Menéndez, richard nam, álvaro Torres, entre otros. alejandro giusti es autor de dos libros con cd: “Bass Book de slap”, 1999 y “candombe Música afro-rioplatense”, 2008. del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music expert, que se emitía para toda Latinoamérica. podes conectarte con alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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