Guitarristas y Bajistas Magazine #24

s a t s i r r a t r i a . u G Bajistas & alma de diamante

NOVedades - Página 08 BetO satraGNI - Página 10 NaVe Madre - Página 12 stICK CeNter - Página 14 8 de OCtUBre - Página 16 CLÍNICa LaCe seNsOr - Página 18 LUtHerÍa - Página 20 sCOrPIONs eN arGeNtINa - Página 24 NerINa NICOtra - Página 28 arIeL MINIMaL - Página 30 eXPO MUsIC saN PaBLO - Página 34 testeO FeNder aMerICaN sPeCIaL - Página 36 rYaN MartIN - Página 38 dr. ePIPHONe - Página 40 INFOrMe PrINd CO - Página 41 tItO FarGO - Página 42 COMPaCtOs - Página 44

Esta edición Nº 24 de Guitarristas y bajistas.ar busca conmemorar a un gran músico que dejó su sello en el Rock Nacional. Beto Satragni dijo adiós, pero sus notas seguirán sonando en cada rincón. Tanto en Uruguay, su país natal, como así también en nuestras tierras. Un “Alma de diamante” iluminará la música y la poesía desde el cielo, a 30 años de la edición del primer disco de Spinetta Jade.

sUPLeMeNtO tÉCNICO FaCUNdO LóPez BUrGOs - Página 46 sILVIO GÁzQUez - Página 48 arIeL VILLaNUeVa - Página 49 MarIaNO BOttO - Página 50 JOrGe seNNO - Página 51 GaBrIeL CaParrós - Página 52 JUaMPY JUÁrez - Página 53 GONzaLO aLFarO - Página 54 daMIÁN VerNIs - Página 55 aLeJaNdrO GIUstI - Página 56

Las distintas marcas se interesan por el mercado nacional y visitaron nuestro país. Guitarristas y bajistas.ar estuvo en cada lugar para poder conocer en profundidad la historia y el presente de los distintos fabricantes de instrumentos musicales y accesorios del mundo. Ryan Martín, encargado de las ventas internacionales de Schecter, nos ayudó a conocer el mundo de su empresa y cómo ésta se desarrolla en nuestro país.

Cruzando el Río de la Plata, comenzamos a bucear en la historia de un músico que no detiene su andar. Ariel Minimal, ex guitarrista de los Fabulosos Cadillacs y actual líder de Pez, nos expone sus inagotables ideas y ocupa el lugar central de esta edición.

Conduciendo una banda que siempre mantuvo un bajo perfil, pero que presenta un crecimiento continuo, Minimal nos habla de sus comienzos, de su actualidad, su paso por la banda de Vicentico y Flavio Cianciarulo, de sus proyectos como solista y sus planes a futuro. También nos muestra las dos guitarras que le diseñó el luthier Ezequiel Galasso.

Como mencionamos anteriormente, a 30 años del primer disco de Spinetta Jade, tenemos el placer de poder conocer a Nerina Nicotra, la actual bajista de Luis Alberto Spinetta. La primera mujer en integrar una formación de este gran genio de nuestro rock, nos repasa toda su experimentada carrera musical. Sus inicios en el Conservatorio de Música Popular de Avellaneda, sus clases con Guillermo Vadalá (su actual pareja y padre de su hija), sus experiencias como contrabajista, su ingreso en la banda y su nuevo rol de madre, son algunas de las instancias por las cuales atravesó esta interesante entrevista.

Trasladándonos al universo de las bandas tributo, Nave Madre nos transporta en el tiempo haciendo música de Led Zeppelin.

Coyote Damiani (guitarrista) y Javier Biscione (bajista) nos cuentan el porqué de utilizar las canciones de esta legendaria banda para expresarse.

Will Jones, más conocido como Dr. Epiphone, también pisó suelo argentino, pero con un fin más didáctico. Import Music Argentina S.A. nos acercó a este apasionado de la música para que conociéramos los secretos de Epiphone a través de una clínica más que interesante. Otra de las clínicas de la que fuimos testigos y que forma parte de este Nº 24, es la de Lace Sensor. Organizada por Hendrix Music S.A., la prestigiosa marca de micrófonos para guitarra y bajo nos acercó sus productos.

Facundo López Burgos realizó la cobertura de la clínica que llevó a cabo Tito Fargo en el Centro Cultural Municipal “León F. Rigolleau”, en Berazategui. Allí tuvo la oportunidad de hablar con el músico y de transmitir los consejos que éste le dio sobre el sonido de su guitarra.

Scorpions, la mítica banda alemana de hard rock, hizo escala en el Luna Park, en el marco de su gira despedida. Matthias Jabs, uno de sus guitarristas, firmó dos guitarras Cort (gentileza de Fama Music S.A.) y estuvimos presentes reviviendo ese momento, y posteriormente el show de su banda.

Coordinador daniel Pérez dperez@guitarristasar.com

También en el Luna Park fuimos partícipes del show benéfico que se llevó a cabo el 8 de octubre, conmemorando el 4º aniversario del Día del Estudiante Solidario, con motivo de la tragedia de los alumnos del Colegio Ecos, de la provincia de Santa Fe. Reconocidos artistas sumaron su aporte en la causa y expusieron sus obras ante 8.000 personas, que colaboraron con los más necesitados, buscando generar conciencia en materia de tránsito.

Editor responsable silvia ruggero sruggero@guitarristasar.com

Por otra parte, visitamos la Feria de Brasil y les mostramos todas las imágenes de nuestro recorrido. Las marcas más importantes del mundo se hicieron presentes y nosotros les acercamos sus productos y las sensaciones que dejó este multitudinario evento.

Periodista sebastián Konrad konrad@guitarristasar.com

Como siempre, continuamos brindando información a nuestros músicos lectores. Pusimos a prueba la Fender American Special Stratocaster. También exponemos los productos de Prind-Co mediante un informe. Seguimos con nuestra sección de Stick a cargo de Guillermo Cides, y los mejores consejos para el cuidado del instrumento, a través de las recomendaciones de “Fanta”.

Todo eso sumado a nuestra sección técnica, que combina los distintos estilos para mejorar la ejecución, tanto en guitarra como en bajo.

Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com

Toda la música que se reúne en cada una de estas páginas buscará recordar cada nota que salió de su bajo y mantenerlas inalterables ante el paso del tiempo. Lejos del sensacionalismo y de perseguir intereses comerciales, todos los que amamos la música diremos: “hasta siempre, Beto”. sebastián Konrad

Publicidad sergio Vall sergiovall@guitarristasar.com año 5º - Nº 24 | Octubre/Noviembre 2010 soler 4759 4º B (1425) C.a.B.a e-mail: info@guitarristasar.com

Arte | Diagramación sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Facundo López Burgos, Juampy Juárez Gabriel Caparrós, Hernán Shactelong Rodrigo Yacciofani, Silvio Gázquez Alejandro Giusti, Ariel Villanueva Guillermo Cides, Fanta Beaudoux Damián Vernis, Ángel Mondelo Mariano Botto, Gonzalo Alfaro Jorge Senno, Daniel Makelvintong

06 | editorial

Impreso en Cogtal - rivadavia 767, C.a.B.a. todos los registros en trámite | IssN 1850-0986 distribución en C.a.B.a. y Gran Bs. as: Vaccaro sánchez, Moreno 794 - C.a.B.a.

Interior del país: d.I.s.a., Luis saenz Peña 1836 - C.a.B.a.

Fe de erratas En nuestra anterior edición, la Nº 23 de Guitarristas y bajistas.ar, en la página 36 se realizó un test al pedal Biyang X Drive OD8. En la misma se mencionó equivocadamente que el producto posee una válvula 12ax7. Este pedal no posee válvula alguna.

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NOVEDADES

todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

GuITAr ExpErIENcE 2010 pocKET Show www.guitarexperience.org Luego del evento realizado el 26 de junio en el teatro IFT, el Guitar Experience 2010 adopta un nuevo formato denominado “Pocket Show”. Dicho acontecimiento tendrá lugar el 7 de diciembre a las 20.30 horas en Velma Café, Gorriti 5520 (Palermo).

En esta oportunidad, Patricio Tomaselli (editor de la revista americana Guitar Player) y Maycown Reichembach (“un guitarrista de técnica excepcional, influenciado por Steve Vai y toda la música latina. Tiene un maravilloso potencial y un futuro brillante, principalmente por sus composiciones y melodías”, según describe Paulo Mion, columnista de la revista Cover Guitar), demostrarán sus virtudes sobre las seis cuerdas.

SchEcTEr hELLrAISEr c-1 Fr www.gruporomulogarcia.com.ar Se trata de una guitarra estéticamente notable. Su cuerpo de mahogany aporta un sonido cálido, balanceado, con mucho sustain y armónicos. Incluye un puente Floyd Rose Original robusto, ideal para uso extremo. Incorpora micrófonos EMG activos (81TW/89), que combinados obtienen un sonido muy poderoso.

Especificación Técnica: Cuerpo: Mahogany; Mango: Mahogany de 3 piezas; Diapasón: Rosewood; Trastes: 24 X Jumbo; Micrófonos: Electrónica: Vol(tap) / Vol(tap) / Tone y 3-way switch; Clavijas: Grover.

El Grupo Rómulo García se ha posicionado en el mercado musical y nos acerca esta guitarra, como así también lo hace con reconocidas marcas como Ampeg, Crate, Dean, Ddrum, Schecter, SX, AXL Guitars, Medeli, Crafter, Taurus, Accord, Lumase, entre otras.

BuGErA Bc 15 www.tevelam.com

pÚAS cLAYToN www.hendrixmusic.com.ar

Es la elección ideal para los guitarristas que buscan un verdadero sonido valvular. Con un formato compacto (apenas 5,6 kilos) este equipo vintage se remonta a las épocas doradas del diseño de la válvula. Sus 15 watts otorgan la posibilidad de ser utilizado como equipo de estudio, para ensayos o pequeños conciertos. En su preamplificador posee válvulas 12ax7, dando un sonido tradicional de las décadas pasadas. Este producto posee una entrada de guitarra, otra para cd o reproductores de audio (jack ¼) y otra para auriculares. El sistema de ecualización se basa en dos perillas: agudos y graves. Se cambia de canal a través del botón gain, donde se accede a la distorsión del equipo. Los volúmenes se manejan a través de las perillas de Gain y Master.

Situada en la costa oeste de Estados Unidos, Steve Clayton Inc. es una empresa que se dedica a la fabricación de púas y accesorios de guitarra como slides y limpiadores. Luego de ser la primera empresa que fabricó una impresión en color sobre sus púas, hoy Clayton lleva más de 30 años en el mercado. De esta forma la empresa fabrica sus propias púas de principio a fin, lo que le permite tener una opción muy grande de colores, tamaños, calibres y materiales como celuloide, acetato, celuloide negro, nacarados, delrin o ultem. En esta oportunidad llegan al país distintos modelos que se adaptan a todos los gustos y estilos. Algunos de ellos son: Crazed Clowns, Snakes ´N Daggers, Bollt, Rock Chicks, David & Goliat, Playboy y motivos de películas como Friday The 13th, Nightmare Freddy Krueger, Grease, The Godfather, Tenacious The pick of destiny. También se suman a estos diseños que llegan por primera vez al país, otros modelos que incluyen grip: Sand Shark, Bee Hold y Cork Grip.

Danelectro FAB www.mjmusic.com.ar MJ Music nos acerca dos nuevos productos de Danelectro. Se trata de los pedales FAB: el primero es el FAB Delay y el segundo el FAB Fuzz, que ingresarán al mercado este mes. Ambos pedales colmaron las expectativas, ya que la relación entre precio y calidad que se establece es muy buena.

FAB Delay posee un formato bastante cómodo, con tres niveles de ecualización (Delay, Tiempo y Repetición).

Mientras que el FAB Fuzz presenta similares características en su diseño, también con tres perillas para su ecualización (Fuzz, Volumen y Tono).

08 | Novedades

SNAK All Instruments Tuner www.mjmusic.com.ar Se trata de un nuevo producto de la marca Snak, diseñado por Qwik Tune. El mismo posee pantalla LCD a todo color, es de rápida precisión y se puede utilizar en modo alta sensibilidad en vibración o por micrófono. Su calibración oscila entre los 415 y los 466 Hz y tiene un rango de frecuencia extendida para poder cubrir todos los instrumentos.

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BETO SATRAGNI Por sebastián Konrad

Por siempre recordamos a este gran bajista uruguayo que se destacó junto a reconocidos músicos. tocó con spinetta (spinetta Jade), Oscar Moro, León Gieco, Botafogo, rubén rada, Litto Nebbia y Moris, entre otros.

Beto satragni junto a su amigo Litto Nebbia

En el marco de un 2010 que se muestra cruel con los músicos (fallecimiento de Sandro el 10 de enero, Ronnie James Dio el 16 de mayo, Paul Gray -bajista de Slipknot- 24 de mayo, y la enfermedad de Gustavo Cerati, entre otras fatalidades), el 19 de septiembre Beto Satragni quedó en la historia de la música.

Nacido en Canelones, Uruguay, en 1955, este músico, compositor y destacado bajista, realizó la mayor parte de su carrera en Buenos Aires, regresando a su país en 2006 y falleciendo en Montevideo, luego de una dura enfermedad.

En el año 1973 Beto Satragni arribó a nuestro país, y en 1977 fundó la banda “Raíces”, donde participaría luego Andrés Calamaro. El pasado año la banda se

volvió a reunir con tres de los miembros primitivos: Juan Carlos “Negro” Tordó, Raúl Campana y Jimmy Santos. “Raíces 30 años” es el último material discográfico en el que Satragni participó. De este disco nos habló en la edición Nº 17 de Guitarristas y bajistas.ar, donde el músico uruguayo fue entrevistado. “En este trabajo, por primera vez me di el gusto de grabar guitarras con algunos solos y arreglos en cinco temas, donde toco la viola eléctrica y también la acústica.

Además, esta reunión para grabar el disco motivó el proyecto de volver a formar la banda y presentar el CD en el Teatro IFT, donde convocamos a más de 800 personas en un espectáculo que fue muy emotivo”, enfatizó el bajista. Raíces es una banda que tenía influencias de candombe, género que Satragni llevaba en sus genes.

Luego fue parte de la historia de Luis Alberto Spinetta.

Beto Satragni fue bajista de Spinetta Jade, grabando “Alma de diamante” en 1980.

También participó de innumerables grabaciones con otros artistas consagrados. Lo hizo con León Gieco (Semillas del corazón), Miguel Abuelo (Buen día día), Dino Saluzzi (Vivencias), Rubén Rada (Pa' los uruguayos, La yapla mata, 7 vidas, La Rada, NebbiaRada...) Liliana Herrero, Raúl Carnota , Mercedes Sosa (Pampa del indio), Litto Nebbia, David Lebón (Siempre estaré y Desnuque), Sandra Mihanovich, Claudio Gabis, Urbano Moraes, Lobo Lagarde, Ricardo Nolé, La Mississipi, Mezo Vigarrena, Rubén Goldin, María Rosa Yorio, entre otros.

10 | Beto satragni por siempre

El pasado 4 de diciembre Satragni fue parte del memorable show de “Spinetta y sus bandas eternas”, tocando “El rey lloró” de Litto Nebbia en el escenario de Vélez. Acerca de esa experiencia, el bajista expresó sus emociones en su sitio (www.myspace.com/satragni): “hemos vivido quizás uno de los conciertos más impresionantes del rock argentino. Me siento muy conmovido de haber participado. La capacidad de trabajo de Luis en los ensayos previos, ensayos que empezaban a las dos de la tarde y terminaban a las diez, con un Spinetta cantando muchos de sus temas en la afinación original. Algo imponente, casi sobrehumano. Y un recital con muchos, creo casi 50 temas, temas de uno de los más grandes compositores de Sudamérica y del mundo, me atrevería a decir.

Un Spinetta que recordó a todo el mundo en su recital, y que invitó a otros músicos a compartirlo con él. Una emoción constante que nos hizo llorar a muchos de los que hemos seguido de cerca sus bandas eternas.

A mí, como integrante del glorioso Jade, me hace sentir orgulloso de haber decidido tocar el bajo alguna vez en mi infancia. Gracias por tus palabras de cariño cuando terminó el tema “El rey lloró”, que me tocó en suerte tocar para esa noche inolvidable”.

Estas son algunas de las sensaciones que Satragni expresó, y quedarán marcadas a fuego, aunque su música es la que mejor lo representará y la que hará recordarlo cada instante. El adiós a un músico notable y a un bajista que los argentinos adoptamos como propio.

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NAVE MADRE Por daniel Makelvintong

¿cuándo empezó la pasión por la guitarra y el bajo?

Coyote: Comencé a estudiar guitarra a los 13 años, con un profesor de mi barrio, con una criolla. Siempre estuve rodeado de música, ya que mi abuelo y mi tío eran músicos. Después decidí comenzar en el conservatorio.

Me mataba la música clásica, pero jamás dejé el rock.

“No es un tributo, ni un homenaje; no es una imitación, ni una copia; es simplemente música de Led zeppelin”. así denominan a su proyecto Coyote damiani (guitarra), sergio Vall (batería), Jopi silva (voz) y Javier Biscione (bajo). en una charla con el guitarrista y el bajista de la banda, nos remontamos a los años 70´ para revivir un clásico del rock.

un modelo Les Paul con micrófonos Di Marzio, muy buena.

Javier: El primero fue un Fender Jazz Bass (México) rojo con chapón blanco, ¡buenísimo! Arranqué bien, por suerte. ¿Qué artistas fueron orientando su estilo?

Coyote: Los guitarristas que me influenciaron, y sigo escuchando, son Jimi Hendrix, Jeff Beck, Jimi Page, Eddie Van Halen, y muchos otros. Soy de la idea de que las grandes bandas tienen grandes guitarristas.

acuerdo, ya que en realidad tocamos música de Zeppelin. Es igual a una orquesta que interpreta a Mozart, no somos ni Danger Four, ni nada que se le parezca.

De hecho, respetamos los temas y tocamos con nuestra onda. Yo tengo muy en claro que no soy, ni me quiero parecer a Page.

Javi: Porque fue una banda que cambió el rock e influenció a muchas otras bandas y artistas; ¡y porque yo

Javier Biscione

Javi: Muchos, empezando por John Paul Jones, Jaco Pastorius, Paul Mc. Cartney, John Entwistle, etc. Y obviamente todos los monstruos que aparecieron después, y otros antes como James Jamerson, pero más que orientación es admiración... ¿Qué significan Led Zeppelin, Jimi page y John paul Jones en su universo musical?

“Coyote” damiani Javier: Empecé medio de grande, cuando tenía 20 años. Escuchaba mucha música, en especial de los 70´, y a pesar de los grandes guitarristas de la época, a mí me llamaban mucho la atención las bases y las líneas de bajo de esas bandas. Decidí ponerme a estudiar, y por suerte me contacté con Pablo Santos, uno de los grandes bajistas argentinos. Con él estudié durante mucho tiempo; también tomé unas clases con Cristian "Titi" La Polla, y en la actualidad sigo estudiando solo, tratando de mejorar.

Coyote: Led Zeppelin de alguna manera es, junto a otras bandas de la época, una de las mayores influencias del rock. Por otra parte, sin dudas Jimi Page es el creador de los grandes riffs. No hay guitarrista de rock que no haya soñado con tocar alguna vez un riff de Zeppelin.

personalmente disfruto mucho tocando sus temas! ¿Qué equipamiento utilizan en Nave Madre?

Javi: Desde que mi viejo los escuchaba cuando yo era muy chico, me sorprendía la potencia de la banda y la voz de Robert Plant. De más grande los disfruté mucho más, en especial a John Paul Jones, con esas líneas de bajo tan melódicas y contundentes, con mucho groove. ¡Y cuando rockeaba era impecable!

Coyote: Si bien tengo guitarra Fender Stratocaster, toco con Ibanez, ya que tengo un sonido con más cuerpo al no tener una Les Paul. Tengo un amplificador Marshal JCM 900, que utilizo cuando el lugar lo permite. Trato de sonar lo más crudo posible, casi sin efectos.

¿cuál fue su primer instrumento?

¿por qué elegir su música para rendirles tributo?

Coyote: Mi primera guitarra eléctrica fue de luthier. Era

Coyote: Con la palabra tributo no estoy muy de

Javi: Uso un Fender Jazz Bass (USA), un cabezal Fender BXR Dual Bass 400 y una caja Wenstone 4x10, o varío dependiendo del lugar.

12 | Nave Madre

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STICK A FONDO Por Guillermo Cides

Seguramente muchos músicos que leen esto, especialmente los principiantes, podrán decir aquello de “…apenas puedo tocar mi instrumento en la afinación standard, menos podría hacerlo con afinaciones alternativas”.

Cides Sin embargo, una afinación abierta es un campo virgen para la intuición y la creativa. Aquí vamos, pues. hISTorIA Y DEFINIcIoNES Las afinaciones abiertas consisten en cambiar una o varias cuerdas para obtener una sonoridad distinta con la guitarra. Para poner la guitarra en re, recurso muy utilizado en el mundo de la guitarra clásica, sólo tendremos que bajar un tono la sexta cuerda. Sin exagerar, podríamos decir que, cuando cambiamos de afinación, la guitarra se transforma en otro instrumento: las cuerdas al aire tienen distinta relación interválica, los armónicos na-

afinaciones abiertas ¿Y por qué no hacer algo diferente? La búsqueda de nuevos sonidos siempre fue un campo atractivo para muchos músicos, y en esa búsqueda las afinaciones de los instrumentos juegan un rol importante.

emplea habitualmente es el "open G" (Sol abierto) resol-re-sol-si-re, un modo muy empleado por los bluseros negros para el trabajo con slides. cAMBIANDo LA AFINAcIóN Las guitarras y los juegos de cuerdas están diseñadas para la afinación standard, por lo que si cambias tu afinación, la tensión de las cuerdas cambiará aumentando o bajando la tensión sobre el mástil según la afinación que uses, con riesgo de romper cuerdas o dañar la estabilidad de tu instrumento, por lo que una buena opción es no subir cada cuerda más que 2 tonos, a menos que cambies el grosor de las cuerdas si deseas subir aún más. Aún así, debes ver que el instrumento no se arquee indeseadamente, algo que puedes corregir manipulando el alma o tornillo posterior de la guitarra. Usa cuerdas de diferentes calibres: si necesitas bajar mucho una cuerda para lograr una nota grave, prueba de usar entonces calibres más gruesos, incluso de bajo.

EJEMpLoS DE AFINAcIoNES ABIErTAS Partiendo del clásico mi-la-re-sol-si-mi podemos modificar la afinación de la siguiente manera: re-la-re-sol-si-re Se puede encontrar en publicaciones inglesas y ameri-

(4) y (1) nos dan la misma nota (D) octavada, y la (5) nos da la octava grave de la (3). re-la-re-fa#-la-re Afinación en Re, "Open D". Otra del blues, aunque con una sonoridad bien diferente. Bajar las cuerdas (6) y (1) un tono y la (3) un semitono.

Varela

do-sol-re-la-mi-sol Guitar Craft Standard tuning, afinación creada por Robert Fripp. Como ejemplo, una pieza del grupo Argento, que combina esta afinación con obras de Piazzolla. www.sonidoargento.com [Imagen de miniCD CD.eps] En la Web de la revista guitarristasar.com.ar (sección “Suplemento Técnico”): Argento. re-la-re-sol-la-re Una de las afinaciones predilectas de aquellos guitarristas dedicados a la música de origen celta. Bajar la cuerda (1) un tono, subir la (2) un tono, bajar la (6) un tono. mi-la-mi-la-do#-mi Afinación en La, llamada "Open A". mi-si-mi-sol#-si-mi Afinación en Mi, llamada "Open E". do-sol-re-la-do-re Por último, mi propia afinación para guitarra acústica, permítanme llamarla “Cides tuning” (!). Les dejo un mp3 que encontrarán en la Web de la revista guitarristasar.com.ar (sección “Suplemento Técnico”): Cides tuning.

Matias Betti, uno de los miembros del stick Center turales son otros, la vibración simpática de las cuerdas cambia, etc. Hacia el año 1600 d.C. ya existía la guitarra barroca de 5 cuerdas afinadas la-re-sol-si-mi, o sea, igual que la guitarra actual si le quitamos la sexta. La guitarra, como hoy la conocemos, se desarrolla a lo largo del siglo pasado, y desde allí en adelante ha quedado como afinación estándar la conocida mi-la-re-sol-si-mi.

Llamamos “afinación abierta” a aquella que suena cuando rasgueamos las cuerdas al aire. La resultante de este sonido, dependiendo de cómo esté afinada la guitarra, será un acorde mayor, menor, etc. Lo interesante de esto es que el ejecutante puede encontrar acordes novedosos rápidamente, y aprender una rueda de acordes con posiciones de dedos no habituales. Keith Richards popularizó la afinación en Re (re-la-re-fa#-lare) tan usada en muchas de sus canciones ("Strett Fighting Man", "Jumping Jack Flash"). Otra afinación que él

14 | stick a fondo

canas, como "Dropped D". Es casi una afinación estándar para los guitarristas clásicos, muy utilizada también por guitarristas del Heavy. Para lograr esta afinación, basta bajar la (6) un tono. Afinar comparando el armónico del traste 12 con la (4) al aire, y/o el armónico del traste 7 con el del traste 12 de la cuerda (5). mi-la-re-fa#-si-mi Como dijimos antes, la afinación "laudística" sirve para interpretar música barroca o renacentista. Deberías bajar un semitono la (3), afinar comparando con la (4) en el traste 4. re-sol-re-sol-si-re Afinación abierta en Sol, en inglés "Open G". Muy utilizada en blues, ideal para tocar con slide. Bajar las cuerdas (6), (4) y (1) un tono. Afinar es fácil: las cuerdas (6),

AFINAcIoNES EN oTroS INSTruMENToS: EL STIcK No puedo dejar de nombrar al stick como uno de los instrumentos que marcaron una etapa de nuevas afinaciones y formas de encordados. Si Michael Hedges fue un suceso en su tiempo con el Harp Guitar, Emmett Chapman creó una serie de afinaciones especiales para su invento, el stick. La afinación estándar en el stick es habitualmente en 5tas. para el bajo y en 4tas. como la guitarra (casi como una guitarra normal), excepto que no tiene la variación tonal de la segunda cuerda. Las cuerdas graves de ambos grupos están ubicadas en el medio del instrumento.

Como ejemplo, aquí va una de las afinaciones más usadas en el stick en 10 cuerdas.

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TODOS FUIMOS, TODOS SOMOS, TODOS PODEMOS SER el 8 de octubre se conmemoró el cuarto aniversario de la tragedia de santa Fe, del Colegio ecos. Muchos artistas se reunieron en el Luna Park para mantener vigente la causa y generar conciencia.

ricardo Mollo junto a diego arnedo

El 8 de octubre de 2006 un grupo de jóvenes del Colegio Ecos emprendían la vuelta desde Chaco, tras haberse trasladado a un festival con fines benéficos. La negligencia, la carencia de respeto por la vida y el estado deplorable de la Ruta 11, dieron como resultado un accidente que terminó con la vida de nueve alumnos y su profesora. Es por eso que el 8 de octubre es una fecha conmemorativa de aquel episodio, y decidió ser llamada “el día del estudiante solidario”. Este último 8 de octubre sirvió para no olvidar una causa que nos sumerge a todos en una realidad preocupante. La música ofició de medio para que 8.000 personas se reunieran en el Luna Park y pudieran disfrutar de sus bandas, colaborando con los más necesitados. Las más de 22 toneladas de comida serán distribuidas en distintas comunidades de Chaco y Santiago del Estero. Una vez más las voces de distintos artistas se multiplicaron y repitieron el mensaje para que, de una vez por todas, se tome conciencia y se respete la vida.

Una vez más la música fue utilizada para repudiar fallos judiciales y las actitudes de quienes deben resolver estos inconvenientes, y no lo hacen. Una vez más el arte se volvió solidario.

Pasadas las 18 horas se inició formalmente el evento que condujo Ernestina Pais. La conductora de CQC se mostró crítica desde un comienzo, manifestando sus sensaciones: "gracias por ser tantos y mantener viva la conciencia, entre tantos ciegos, sordos y mudos que no hicieron lo que tenían que hacer". Loco Suelto, la banda del actor Facundo Espinosa, fue la primera en aparecer en escena para hacer “El gato de la calle negra”, de Pappo y un tema de su autoría. Llegó el turno de Oscar Giunta quien, junto a su quinteto, tocó jazz durante algunos minutos. Fena Della Maggiora hizo lo propio con su banda, cediendo el lugar a la dulce voz

16 | 8 de Octubre

de Liliana Herrero, que precedió la parte central del show.

Ya con un estadio colmado, León Gieco se hizo presente junto a los chicos de Mundo Alas. El set de Gieco fue el momento más emotivo de la noche. Acompañado por uno de los chicos de Mundo Alas, al que él llamo “el Luis Alberto Spinetta del grupo”, interpretaron “La colina de la vida”, “La memoria” y “El fantasma de Canterville”.

Luis Alberto Spinetta subió al escenario con su Pensa Stratocaster colgada, ante la ovación de los presentes.

pes”, expresó como preludio de “Todos estos años de gente”, “Crisantemo” y “Laura va”. Entre banda y banda, las madres de los jóvenes fallecidos en el accidente manifestaban agradecimiento a los presentes, y pedían que se cumplan las leyes y se valore más la vida.

Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Catriel Ciavarella subieron al escenario y demostraron porqué son “La aplanadora del rock”. Con un sonido impecable y compacto interpretaron cuatro temas, tres de su último disco: “Amapola del 66”, “Senderos”, “Luz del alma” y “Todos”, donde la frase “todos fuimos, todos somos, todos podemos ser”, se repite una y otra vez, adornada por un solo desgarrador.

Los videos y spots publicitarios se reiteraban incansablemente en las pantallas del Luna Park, transmitiendo un mismo mensaje. “Conducir a conciencia” es el legado de estos padres que continúan luchando por la vida.

Los Tipitos se hicieron presentes con un set de cuatro canciones. “Laberinto” y “Reírnos del amor” (de su último disco El club de los martes), “Flor negra” y “Campanas en la León Gieco noche”, fueron los elegidos por los marplatenses. El Bordo, Las Pastillas del Abuelo y Los Auténticos Decadentes, se encargaron Junto a él, Los Auténticos Decadentes, Los Tipitos, León de cerrar la jornada benéfica.

Giego, Ricardo Mollo y otros artistas, interpretaron “8 de octubre”, la canción cuya letra pertenece a Giego y la múSin dudas este 8 de octubre es un nuevo capítulo de esta sica al propio Luis Alberto. En batería tocó el joven herhistoria que día a día escriben los padres del Colegio Ecos mano de Benjamín, una de las victimas del fatal accidente. y los diferentes músicos, buscando justicia y luchando Los constantes problemas de sonido hicieron que se despara que las 22 muertes diarias y evitables en accidentes dibujara ese momento donde todos los artistas se unían de tránsito, puedan prevenirse. “Todos fuimos, todos en el escenario. Luego, Spinetta quedó en solitario e insomos y todos podemos ser”. terpretó un corto set acústico. Antes lanzó su frase, como Sebastián Konrad lo hace en cada presentación. “Si vas a manejar, no chu-

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LACE SENSOR

Clínica de micrófonos Hendrix Music acercó a músicos y aficionados la posibilidad de conocer las diferentes variantes de los micrófonos Lace para guitarra y bajo.

Por daniel Makelvintong

adams, junto a d-Mente y sebastián León de la torre El pasado 15 de septiembre, Hendrix Music, la prestigiosa empresa de instrumentos musicales, organizó un evento para mostrar las distintas prestaciones de los micrófonos Lace para bajo y guitarra. Pasadas las 20 horas se abrieron las puertas del Auditorio Oeste (Haedo), para que los músicos e interesados por el rubro tomaran ubicación para comenzar a disfrutar de la velada. Una vez colmado el lugar, con butacas repletas y gente de pie, el evento comenzó de la mano de un carismático conductor. Manuel Wirtz, fue el orador de la jornada, con su ya conocida experiencia y fluidez.

Marcelo torres, Luís de la torre y Marcelo Kitay

Chris Adams, embajador de Lace, manifestó su conocimiento sobre los micrófonos que la empresa fábrica y que Hendrix importa y distribuye en nuestro país. Adams destacó la historia de Lace y su uso en las guitarras Fender, pero no desacartó la posibilidad de que éstos sean utilizados en otras guitarras de diferentes marcas o de inferior valor. “Son micrófonos que siempre suprimen el ruido. Al tener compresión, lo que siempre sucede es que el sonido es empujado por la pastilla, logrando más poder y ganancia. Si bien son conocidos por utilizarse en las Stratocaster, hay muchas variantes que permiten que los Lace sean incluidos en otros modelos. Por ejemplo, si vos tenés una Gibson, con las pastillas

18 | Clínica LaCe seNsOr

de doble bobina uno puede evitar andar luchando para buscar la ecualización. Al colocar nuestros micrófonos se logra mayor versatilidad. Pero, ¿qué pasa si vos no tenés una guitarra de 3000 dólares y tenés algo de menor valor? Eso no importa. Estos micrófonos siempre mejorarán el sonido de tu instrumento”, expresó el representante de Lace.

Acto seguido, el guitarrista Sergio Pérez hizo práctica la explicación de Adams. Primero con una Stratocaster Fender con Alumitone (un Alumitone Humbucker en el puente y dos Alumitone simples).

Pérez demostró su habilidad y versatilidad en la ejecución. Inicialmente tocó sonidos limpios, pasando por todos los rangos de ecualización, finalizando con la guitarra distorsionada. Para ratificar lo que Adams puntualizó sobre la utilización en otras guitarras de distintas marcas, dos modelos de Hamer fueron puestas a prueba: la primera, un modelo con Floyd Rose que incluía dos Hemi Humbuckers, y la última, un modelo con dos Alumitones Humbuckers.

Así llegaría el turno de la música. La primera de las dos bandas en tocar fue el Jazz Trío, integrado por Marcelo Torres en bajo, Luis de la Torre en batería y Marcelo Kitay en guitarra. Estos experimentados instrumentistas dieron una clase maestra y relucieron las características de los micrófonos Lace que incluían sus instrumentos. El repertorio estuvo formado por canciones de artistas consagrados del jazz y plagado de improvisación, concluyendo con un tema cuya autoría pertenece al baterista Luis de la Torre.

En el receso que se dio entre bandas, hubo espacio para el humor y para los sorteos. Sebastián, de Hendrix Music, junto a Manuel Wirtz, fueron los encargados de seleccionar los números que se llevarían los diversos premios, que incluían correas, púas, llaveros, y un parche firmado por todos los músicos de D-Mente. Para todos aquellos que asistieron al evento, Sebastián garantizó un descuento para cualquier compra en su local de Morón.

Finalmente subieron al escenario los D-Mente, que mostraron otra faceta musical para dar fe de la versatilidad de los productos Lace. Andrés Giménez, Lisandro Álvarez, Gula Cocchiararo y Marcelo Baraj hicieron vibrar a la gente con riffs cargados de distorsión, cerrando una jornada musical que nos permite conocer una parte de este universo de productos que acompañan al músico.

EL MuNDo DE LAcE La historia comienza en 1967, cuando Don Lace, un diseñador de productos electrónicos, fue convocado

d-Mente en plena acción

por Fender para resolver cuestiones relativas a la fabricación de micrófonos. En 1980, Lace había perfeccionado un sensor simple de forma rectangular que se ajustaba debajo de las cuerdas. Los objetivos eran sencillos: reducir la taza de rechazo, aumentar la fidelidad y reducir el zumbido. Lace presentó esta tecnología a Fender y comenzó a utilizarla en sus guitarras. Estos micrófonos, conocidos como Fender-Lace Sensores, se desarrollaron originalmente para la guitarra Strato Plus y, gracias a su éxito, geniales artistas como Eric Clapton, Buddy Guy, Jeff Beck, Pete Townshend, Ritchie Blackmore, Adrian Belew, The Edge, entre otros, comenzaron a utilizarlo en sus guitarras. La leyenda continúa...

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LUTHERIA

Posibilidades para mejorar la guitarra que usamos

en esta oportunidad vamos a continuar la nota anterior, en la cual hablábamos sobre las posibilidades de mejorar el instrumento que estamos usando. Ya hablamos de los micrófonos, ahora vamos a aclarar qué Por eduardo “Fanta” Beaudoux puntos debemos observar, tener en cuenta para elegir clavijas.

Las variaciones de la relación piñón-corona van de 12 a 1, hasta 18 a 1. ¿Qué significa esto? Es la cantidad de vueltas que tenemos que dar para que el buje de la clavija (lugar de agarre de la cuerda) dé un giro completo. Sperzel 12 a 1, Schaler en 14 a 1 y 16 a 1 y Grover 18 a 1. Estos son los ejemplos más conocidos. Es bueno saber que uno tiene la posibilidad de elegir, pero el tener más o menos vueltas no significa una mejoría, sino opciones que se adapten a nuestro gusto. No todo el mundo se siente cómodo con el rápido 12 a 1, a causa de que los últimos movimientos para obtener la afinación son muy delicados, y a algunas personas no les agrada el 18 a 1.

Tener en cuenta el peso de las clavijas es algo que cada vez se toma como algo verdaderamente importante. Por ejemplo, Martin tiene unas clavijas con los engranajes al aire excelentes y de un peso mínimo. Hasta hace poco las clavijas blindadas se consideraban lo más interesante, pero han cambiado mucho las cosas y en un instrumento de peso controlado, como es una guitarra acústica, esto afecta al sonido.

Hasta en una Les Paul poner una clavijas blindadas grandes se siente, y mucho. En estos días he visto los modelos tradicionales de bajos Fender, los cuales tienen clavijas que, a la vista, tienen la misma estética de paletas grandes, pero el cuerpo en sí de las clavijas es muy pequeño y liviano. Hipshot es uno de los fabricantes de clavijas más preocupados por el tema peso.

También tenemos la opción Lock. Este tipo de clavijas posee por lo general una pieza de ajuste en la parte posterior, que permite que uno pase la cuerda, estire y luego ajuste, para que luego con media vuelta ya esté

20 | Luthería

en la afinación. Además, tienen la ventaja que cuando uno usa palanca sin morsa la precisión es verdaderamente mejor con respecto al mantenimiento de la afinación. Al aflojar las cuerdas con la palanca y luego volver a la tensión se acomoda más fácil, al tener una sola vuelta sobre el eje de la clavija. Otro punto a mejorar en nuestra guitarra es el puente y tiracuerdas en el caso de las guitarras tipo Gibson, y la palanca en el caso de las tipo Fender.

Comencemos por un dato que comparten y que es verdaderamente importante: deben ser niquelados y no cromados, porque el níquel no afecta el campo de los imanes de los micrófonos, y por el contrario el cromo sí lo hace. En el caso de las tipo Gibson, es preferible que sean de fundición de bronce o alguna otra que no se imane. Comprar un gran micrófono y no respetar este parámetro, afectando su campo con un elemento de hierro cercano no es bueno en absoluto. El caso del sistema Fender tiene más exigencias constructivas, están las sin y con morsas. Las palancas sin morsas tienen algunas exigencias extras. Para funcionar correctamente, la ceja del instrumento tiene que ser deslizante; existen cejas con rodamientos de acero y baja cuerdas con muy poco punto de contacto, no como la tradicional chapita doblada.

Otra posibilidad es la ceja de Delrin, que es un material

auto lubricado que permite el deslizamiento de la cuerda sobre él. Para este último sistema la combinación con clavijas Lock es de muy buen resultado. En el mercado se pueden conseguir palancas sin morsa de seis tornillos y de dos bujes. Estas últimas son las más aconsejadas; tanto Fender como Wilkinson poseen los dos sistemas. En ambos tipos de palancas es importante la calidad del bloque que atraviesa el cuerpo, que puede ser de hierro torneado, de bronce y de acero fundido. La mayoría de las palancas económicas vienen con bloques fundidos en materiales de baja temperatura que no son sonoros, y no logran transmitir a los resortes bien la vibración, perdiendo esa cámara típica del sonido de las Strato. Para acompañar bien estas palancas hacen falta resortes de la mejor calidad que se puedan conseguir. Di Marzio es la firma proveedora en este caso. Las piezas de apoyo de este tipo de palancas pueden ser las tradicionales, dobladas en acero, o los bloquecitos de fundición. Como mencioné antes, la calidad de estas piezas modifica el timbre del sonido.

En las palancas con morsas, debemos fijarnos en los apoyos de la propia palanca sobre los bujes. En este lugar, varias empresas colocan cuchillas aceradas y el buje de la mejor calidad posible, porque es el lugar de mayor desgaste. Pensemos que al tirar para arriba una palanca tenemos más de 100 kilos sobre dos pequeños puntos. La tradicional Floyd Rose tiene la base de la palanca super acerada, pero igual con el tiempo sufre un desgaste importante, y eso crea muchos problemas para que la palanca vuelva a su centro, y la desafinación se torna complicada.

Hasta la próxima nota, en la cual continuaremos con las posibilidades de customizar nuestra queridísima guitarra.

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SCORPIONS Por sebastián Konrad

Por siempre, rock and roll scorpions se despidió de sus fieles seguidores con un show que quedará en la historia. en el marco de su última gira, la banda alemana hizo vibrar al Luna Park.

La banda alemana, que ya posee más de cuatro décadas de existencia, decidió decir adiós. Luego de una extensa carrera, Scorpions está realizando su última gira y dejó su sello en nuestro país, ante 8.000 personas que disfrutaron de su show en el Luna Park el pasado 13 de septiembre. Luego de la edición de su último material, “Sting In The Tail”, Rudolph Schenker había anticipado su percepción respecto al futuro de la banda. "Estábamos haciendo el nuevo disco y nos dimos cuenta que captura toda la esencia de Scorpions, rescata lo mejor de nuestras canciones de los '80. Ahí nos dimos cuenta que era un buen momento para tomar nosotros la decisión y no que la vida nos haga tomarla. Queremos terminar en alto, tocando en

sebastián santoro de Grupo Centerlom sa

grandes recintos y no en pequeños bares", expresó el legendario guitarrista de hard rock. Y así fue, un show en un lugar que se encontró colmado de fanáticos. A pesar de una noche lluviosa, los seguidores se hicieron presentes en el estadio Luna Park, y fueron partícipes del último show de la banda en nuestro

Matthias Jabs con sebastián Konrad

'70, '80, '90, 2000 y, por supuesto, canciones nuevas; rockearemos como un huracán". Ni más ni menos.

Así fue lo que Scorpions dejó en nuestras tierras, en una noche llena de hard rock. Muchas de las canciones inmortales de Scorpions sonaron esa noche, comenzando por una del último disco. "Sting in the Tail" abrió la velada. Entre los temas se destacaron: "Make it Real", "Bad Boys Running Wild", "The Zoo", "Coast to Coast" (pieza instrumental con las guitarras de Rudolf Schenker y Matthias Jabs), "Wind of Change" (con un inconfundible solo que fue coreado por todo el estadio, haciendo de ello uno de los momentos más emotivos), "Raised on Rock", una versión de "Still Loving You", "Big City Nights" y "Rock You Like a Hurricane". James Kottak también tuvo sus quince minutos para demostrar toda su destreza al frente de una imponente batería.

La noche llegaba a su fin y los seguidores de Scorpions le devolvían a la banda sus últimos aplausos y su última ovación. James Kottak cerró el show mostrando una frase que grabó por siempre en su espalda y que caracteriza a estos grandes músicos. ¡Rock and roll forever!

MATThIAS JABS Y Su hISTorIA coN corT

Néstor dowhopolyj de Fama Music sa

país. Todas las expectativas que Rudolph Schenker había anticipado meses antes fueron expresadas esa noche. "Preparamos un grandioso show de rocanrol; tiene pirotecnia, es una gran producción. Nos despediremos en grande, con todos nuestros éxitos de los

24 | scorpions en argentina

Cort inició su historia en la década del ’60, y en estos últimos años fue ganando terreno y prestigio en nuestro país. Un hecho que afirma el crecimiento de la marca a nivel mundial fue el vínculo que se estableció entre Cort y Matthias Jabs, guitarrista de Scorpions. El músico expresó su satisfacción por estos productos y Cort diseñó dos modelos exclusivos: “Garage 1” y “Garage 2”. “Esta guitarra ha sido di-

señada para recorrer el mundo conmigo”, manifestó el músico alemán.

Fama Music S.A. es quien importa y distribuye sus productos en Argentina, y designó a dos de sus principales vendedores del país para que estuvieran

Luis silva de Mk2 srL

junto a Matthias Jabs en el show de Scorpions en el Luna Park. Guitarristas y bajistas.ar se hizo presente para seguir de cerca el momento en que Sebastián Santero, del Grupo Centerlom S.A. y Luis Silva de Mk2 S.R.L (La Rioja) fueron recibidos por Jabs en los camarines del Luna Park. Allí el guitarrista firmó dos de las guitarras Cort “Garage” y mostró su amabilidad con los vendedores y con la revista.

Para ver el momento de la firma ingresá en nuestra web: www.guitarristasar.com.ar.

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NERINA NICOTRA

“siempre mi pasión y mi prioridad están puestas en la música” Por sebastián Konrad

Nerina Nicotra, bajista de Luis alberto spinetta y pareja de Guillermo Vadalá, nos introduce en su historia. desde sus inicios en la música, pasando por sus experiencias como bajista, su relación con Vadalá y su presente en la banda, Nerina recorre su vida con total naturalidad. cosas buenas. Hoy por hoy el rock nacional pasa más por el legado que dejaron los músicos de antes. Es un país que consume mucha música, pero más que nada de afuera. Creo que acá no hay mucho más que solistas o músicos virtuosos. No veo demasiados grupos o bandas buenas, porque a la hora de componer dejan mucho que desear. ¿Tuviste en tus inicios alguna banda?

Toqué en un tiempo largo con dos bandas, pero que no eran mías ni las lideraba yo. Al empezar a tocar el bajo, a la semana ya estaba con dos amigos tocando y ensayábamos en una disco que estaba cerca de casa.

También tocaba con unos músicos de Bernal, que tocaban bien, pero nos fuimos yendo a un mundo más instrumental. Me sirvieron para ir aplicando lo que iba adquiriendo o aprendiendo.

La práctica en ensayos aporta mucho al músico...

La paz que transmite la música de Luis Alberto Spinetta, que se ve expresada por Nerina Nicotra en cada nota que sale de su bajo, es comparable con la tranquilidad que reina en Puerto Madero. Allí la bajista nos recibe con su hermosa nena en brazos, mostrando que está atravesando una nueva etapa en su vida. Además de la música, su rol de madre ocupa ahora un papel primordial. El paso de los años no parece ir quitándole su espíritu juvenil y apasionado. Cada palabra lleva consigo una cuota extra de amor por su profesión, que viene desarrollando desde adolescente, y no parece haber perdido intensidad. Su imagen tan elegante y correcta es la misma que deja la banda en cada presentación y en cada disco. En su séptimo año acompañando a Luis, forman, junto a Sergio Verdinelli y Claudio Cardone, un cuarteto que cada día suena más sólido, amalgamando lo mejor de la música y la poesía.

La primera mujer en integrar una banda de Spinetta repasa el camino que la llevó a formar parte de la historia de este genio de la música. ¿cómo comenzó tu relación con la música?

Desde chica la música ocupó un lugar de juego. Tomaba clases de piano desde los 6 años y después, cuando empecé el secundario y tenía que ponerme a estudiar, me colgué un poco. Comencé a extrañar la música y busqué un instrumento diferente que me pudiera hacer volver a estudiar. ¿cómo te interesaste por el bajo?

Justo en casa mi hermano tenía un bajo eléctrico, que le había dejado un amigo. También apareció otro bajo que trajo un primo y empecé a tocar. La primera lección me la dio mi hermano, que tocaba de hobbie. Siempre mi pasión y mi prioridad están puestas en la música, yo sabía que quería dedicarme a eso.

No sabía si iba a ser algo profesional o no, pero la música es algo que está siempre conmigo. En mi cuarto siempre tenía un instrumento, me encantaba escuchar música. En mi casa mi papá tenía una sala de audio exclusiva para escuchar discos, donde había parlantes, y también instrumentos. Había una guitarra, un bombo y un teclado que me habían comprado.

Mi papá y mi hermano me hicieron un equipo para que pudiera enchufar el bajo, porque ya le habíamos des-

28 | entrevista a Nerina Nicotra

conado algunos parlantes del equipo de audio. ¿Y cuál fue el primer bajo que tocabas?

Mi primer bajo era un Faim color negro, que fue lo que llegó a mi casa. Salimos con Guille (Guillermo Vadalá) a probar varios bajos y me decidí por el Music Man, aunque era un poco pesado para mí. Luego tuve un Yamaha Fretless, que se ganó mi hermano yendo a ver una clínica de bajo. También tuve un Warwick de cuatro cuerdas, que aún conservo. ¿Luego te decidiste a estudiar?

Comencé siendo autodidacta, y luego tomé clases con algunos profesores de Quilmes. Cuando estaba en 5º año de colegio empecé a tomar clases con Guillermo Vadalá. Estaba muy copada, porque ya hacía más de un año que me gustaba cómo él tocaba, era un referente para mí. Me iba hasta Lugano, desde Quilmes, porque me gustaba estudiar con él. Terminando el secundario ya me aproximaba a lo que quería, que era tocar, y ya tenía una banda con algunos amigos. ¿Qué músicos te influenciaron en tu formación?

Me gusta mucho John Paul Jones y Roscoe Beck. Escuchaba mucho a Pedro Aznar, aunque quizás no fui muy influenciada. Pero él me encanta, sobre todo porque, además de un buen bajista, es un músico completísimo y exquisito.

Escuchaba mucho a Jaco Pastorius y a Marcus Miller, al que conocí por un disco de Miles Davis. También me gustan bajistas de un estilo más “negro”, como el de Stevie Wonder, Darryl Jones o Larry Graham. Ellos son bajistas históricos que han creado estilos.

No sos de escuchar demasiado rock local...

Me gustaba más la música de antes, que lo que hay ahora en el rock. Ahora hay muchas bandas que ocupan lugar en el rock, y no es eso lo que están tocando. Ahora hay fusiones de música medio latinas. Antes yo veía bandas en escena que, al nivel de lo que se escucha ahora acá, no tienen nada que ver. Lo de antes era superior. Quizás haya muchos músicos o gente que tiene su banda y adquirió un poco lo de antes, pero no veo

Está bueno ensayar con buenos músicos y con gente que tenga buen nivel. Está bueno ensayar solo, tocando arriba de pistas o patterns. Es preferible eso antes que tocar con malos músicos. No veo que esté mal que el músico se encierre a tocar en la casa o en un cuarto.

Es más válido eso a tocar con músicos que no aporten y que te hagan hacer mala sangre. ¿Estabas completamente decidida a dedicarte de lleno a la música?

Antes de terminar el secundario ya estaba anotada en la Escuela de Música Popular de Avellaneda, que fue donde luego estudié seis años y di un año libre, ya que en total eran 7. Paralelamente seguía estudiando con Guille. Ahí fue cuando me compré mi primer bajo. Tuve que resignar mi viaje de egresados para adquirirlo, aunque demasiado no me interesaba. Yo quería que el dinero se invirtiera en un buen instrumento, y me compraron el Music Man. ¿cómo fue la experiencia estudiando en la Escuela de Música popular?

En ese momento también empecé a tocar el contrabajo.

Allá estaba Rodolfo Mederos, que daba la cátedra de Orquesta. Yo entré en la escuela pensando en el jazz, y me cautivó mucho el tema de la orquesta y empecé a participar. Rodolfo me impulsó a tocar el contrabajo, ya que yo vivía con Guille y teníamos uno en casa. Él me dio el teléfono de un contrabajista para comenzar a estudiar. A la mañana estaba con Rodolfo en una orquesta donde había guitarras y piano, y a la tarde en otra orquesta que tenía bandoneón y más cuerdas. También, fui a tocar el contrabajo a Estados Unidos con un quinteto de cuerdas y un piano. Yo extrañaba el bajo, porque el contrabajo es otro instrumento. Justo di con Javier Dragún y él, al verme tocar, se dio una manija bárbara y me quería preparar como concertista de contrabajo.

En ese momento dije: “paren”. Si bien me dejé llevar por las cosas que ocurrían, quería volver al bajo y quería tocar el bajo de cinco cuerdas.

En ese momento te convocó Luis Alberto Spinetta...

Cuando me llamó Luis, justo lo que él quería era un bajo de cinco cuerdas en su banda. A partir de ahí empecé a tocar todo el tiempo con el bajo de cinco y en Nueva York me mandé a hacer uno por Rudy Pensa, que es el rosa con el que toco siempre con la banda. Es un bajo que está hecho con unas maderas más livianas, para

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que no me resulte tan pesado. También me gusta mucho el bajo Pedulla, pero para estar en el escenario es muy pesado. En equipos toco con Hayden, que son muy cálidos y tienen muy buen sonido. Este año lo acabo de cambiar porque tenía una potencia de 400, y ahora lo reemplacé por un equipo Fender de 1200, entonces a mayor potencia tengo más nitidez, más claridad de sonido. Ese equipo me aportó mucho más.

que el primero, uno se cansa un poco más. Pero todos sobrevivimos... ¿Es muy exigente Luis con ustedes? Él es exigente, es minucioso. Pero todo lo hace desde un lugar cálido. Es exigente con él mismo y también con

¿Qué sensaciones tuviste al empezar con Spinetta en su banda?

Es un lugar muy cómodo ya desde el vamos. Apenas entré, a los 15 días había que hacer un show. En el 2004 entré y en julio había que tocar en Rosario, donde luego debuté en el Teatro El Círculo. Tenía que aprender un repertorio en tiempo récord.

¿Guille te ayudó con las canciones?

En ese momento Guille estaba de gira con Fito Páez en España. Me acuerdo que lo llamaba por teléfono mucho y le consultaba por los temas, por los acordes. Pero básicamente me las arreglé sola, era el bajo y yo, nada más. No me dio demasiado tiempo a pensar, era hacerlo. cuando están de gira, ¿respetás mantener ese sonido o cambiás de equipos?

Cuando vamos de gira, si no puedo contar con mi equipo, pido algún Aguilar, que me gusta mucho. ¿Y qué efectos utilizás?

En pedales siempre uso los míos. Tengo un octavador Boss de una octava. También tengo un pedal que es como un rotary, que tiene un sonido tipo flanger, que le da movimiento a las notas y un delay Boss. No me gusta usar más de dos o tres pedales. Para la tonalidad con Luis, a él le gusta el bajo con mucho low, siempre moviéndome más que nada por las tonalidades graves. Y con ese equipamiento me siento bien. ¿cómo te sentís formando parte de una banda donde sos la única mujer?

Siempre es un lugar donde me han respetado mucho y han visto que estaba acostumbrada a estar con hombres, ya que el ambiente de la música siempre tiene muchos hombres. En cierta forma aprendí a moverme de una manera neutral. Por suerte di con un buen grupo y con buenos compañeros. En el grupo de Spinetta es una característica que él elige con quién tocar y se fija mucho en los compañeros a nivel humano. Yo me fui adaptando y todo se fue adaptando para permitirme estar. El grupo humano me sirvió de contención. ¿Y en las giras?

Cuando vamos de gira, el día 15 o 20 no es lo mismo

Guitarristas Guitarristas yy Bajistas.ar Bajistas.ar

¿Te ves a los 60 años tocando 5 horas como lo hizo Luis?

No, la verdad que estaría buenísimo, pero la energía que tiene Luis y que va guardando es impresionante.

No sé acá quién pudo hacer algo así, de tanto tiempo, con el frío que hacía esa noche, sumado al cansancio previo del trabajo para preparar el show. Tuvo un aguante impresionante. ¿De ese show te sorprendió alguno de los músicos invitados?

Fotografía gentileza de eduardo Martí

¿hubo ayuda de Luis para sacar esas canciones? Él me ayudó en el sentido de darme libertad. No hay escritas partituras de Luis, cada uno se hace su cifrado, su machete. Hay que escuchar y sacarlos vos. Sólo en un tema, “Nueva luna, mundo arjo”, donde Cardone me dio una parte donde estaba el cifrado.

Los otros temas los tuve que sacar sola. Fue un trabajo de levantarme a las 6 de la mañana, porque a las 11 empezábamos a ensayar. Volvía a casa a la noche, ensayábamos mucho para mi inclusión. Luis no me puso la presión, no me dio una lista muy extensa. Él me dijo: “sacá hasta donde vos llegues”, porque yo no conocía toda su discografía. Él iba viendo e íbamos probando.

Yo iba escribiendo los temas, iba memorizando otros.

Fue como tratar de llevar al máximo el potencial que tenía en ese momento, para llevar eso a escena en dos semanas de ensayo y no fallarle.

de músicos terrible, que empezaba a la mañana y terminaba a la noche. Nosotros nos íbamos muertos y él todavía tenía que seguir con las otras bandas.

la banda, en cómo hay que sonar. Pero si vos vas a tocar su música, él te da la libertad, si vos entendés el código. Si vos tenés “más hambre” de tocar otras cosas, quizás te estés equivocando en tocar la música de Luis.

A veces viene con una guitarra y te empieza a tocar algo nuevo en forma acústica, y después te va diciendo lo que él quiere, y nosotros vamos entendiendo y transformamos las cosas. A veces le llevamos las cosas para un lado que él no imaginó, y también le gusta. En ese sentido él es muy dúctil y muy abierto. Tiene su mente muy abierta, y eso hace que participen los demás.

Es un músico al que le gusta ensayar mucho...

A él le gusta estar siempre ensayando, porque siente que se pierde el training. Para estar siempre listos vamos al ensayo y pasamos la lista completa. También hacemos temas que en los ensayos no se parecen a lo que hacemos en los shows. Tocamos temas también que hace mucho no se tocan. para el show de Vélez habrá sido un trabajo intenso...

Cuando fue el show de Vélez había una lista enorme de temas que Luis quería hacer. Con la banda veníamos ensayando al principio, y en un momento no íbamos a tocar en tantos temas, pero finalmente terminamos tocando un montón. Cuando hubo invitados tocábamos nosotros. Fueron muchas horas y muchos días de ensayos. Nosotros sabíamos desde el mes de marzo de la idea de tocar. Él sentía que la banda le daba un cierto respaldo y se decidió a hacerlo y a reencontrarse con las bandas anteriores.

Era un movimiento muy importante que él tenía que tener ganas de encarar, porque tiene la mente puesta en lo actual. Fueron tres meses a full antes del show.

Nosotros nos preparamos mentalmente desde principios de año para llegar a diciembre y hacer ese show.

Sacamos muchos temas que estuvieron en la lista, y muchos otros que finalmente se sacaron. Al principio la lista tenía como 70 temas. Luis tenía que moverse en lo que querían tocar los demás y lo que quería él.

Pero bueno, estuvo buenísimo formar parte de eso.

Nos dividíamos los ensayos por turnos. Era una desfile

A muchos los escuchaba, o sabía que habían grabado en tal tema. Me gustó mucho el trabajo que hicieron Leo Sujatovich y Mono Fontana. Son músicos que están a un nivel muy superior, y llevaron los temas a un punto que te quedabas escuchándolos atentamente. Quizás ahora me olvido de alguno, pero ellos dos estuvieron tremendos. ¿pensás editar algo como solista?

Doy prioridad a lo de Luis, pero lo mío lo tengo por ahí. Tengo algunos temas, pero en la composición hay cosas que empecé hay muchos años y aún no los terminé. Tengo ganas de tener un tiempito para hacer algún demo. ¿Qué tipo de canciones querés hacer?

Tengo canciones instrumentales y otras que son cantadas. Tengo que hacer las letras y tomar clases de canto para cantarlas yo, o quizás una amiga que canta también. No sé si la ambición es tener un disco, sino tener un material y poder subirlo a la red. Hay gente que me pregunta y quiere saber más de mí, a pesar del mundo con Luis, y es algo que yo tengo y quiero mostrar. Es algo que a la brevedad haré. Mostraré algo de “Nerina en casa”. ¿con la banda ya se piensa en un nuevo disco?

Luis siempre está haciendo temas nuevos, compone todo el tiempo. Quizás estamos ensayando algo y viene y tira un tema, y después tira otro. A veces grabamos temas que en un mismo día los conocés. Los sacás, los tocás y los grabás el mismo día. A veces uno se queda con ganas de explorarlo más. También hay otros temas que venimos ensayando.

Ahora se está trabajando en el dvd, que seguro saldrá antes que el nuevo disco. Es imposible que esté la totalidad del show, por la duración, pero se hará una elección de temas para mostrar un poco lo que fue el show. ¿La experiencia fue matando el nerviosismo previo antes del show?

Vas pasando por diferentes momentos. Tampoco en todos los shows o todos los días uno está de la misma forma. No todos los shows son iguales en cuanto a dónde toques. También la escena de Luis convoca a muchos músicos que van a verte y te sentís un poco más observado. Supuestamente, los años y las experiencias te van llevando a cierto lado, pero quizás un día estás lidiando con algo que te pasó, o que le pasó a un compañero, o algún problema de sonido. Siempre hay que adaptarse a algo diferente. Si en la prueba de sonido no se escuchó demasiado bien, uno ya está un poco más incómodo.

Lo bueno es que nos conocemos más que al principio y vamos pensando distintas cosas.

Nunca llegás a tener la tranquilidad absoluta, porque cuando estás en escena siempre el público está esperando algo de vos.

entrevista aa Nerina HernánNicotra García | 29 entrevista

ARIEL MINIMAL

Un orfebre de la música Por sebastián Konrad

Fotografía realizada por rafa Paz

ariel Minimal posee una extensa carrera e innumerables discos en su haber. Comenzó a los quince años con “descontrol”, tocó en los “Fabulosos Cadillacs” y actualmente fija su mirada en “Pez”, una banda que no detiene su crecimiento. Fue reconocido por muchos pioneros del rock nacional y grabó tres discos con Litto Nebbia en "La Luz". algunas de estas cosas definen la vida musical de un personaje apasionado.

Pepo Limeres, ariel Minimal, Franco salvador y Fósforo García "Siento que antes fui hombre, ahora soy pez, soy un pez, soy del mar", dice Ariel Minimal en "Lo que se ve no es lo real", de su primer disco "Cabeza". Y así es Ariel. Así es su vida. Con sólo abrirse la puerta de su sala de ensayo de Floresta, uno puede darse cuenta a quién va a entrevistar. La primera impresión se vuelve certera con sólo comenzar a dialogar. Su brazo izquierdo tiene marcado a fuego el nombre de su actual banda. Y el nombre de dicha banda define su vida. Ariel Minimal es un pez que nada incansablemente en el océano interminable de la música. Comenzó desde muy pequeño a tocar la guitarra, a los quince años formó su primera banda, y hoy mantiene un espíritu que no detiene su andar. Pasó por varios estilos y no se encasilla ni se conforma con lo que hace. Nada contra la corriente de la industria musical produciendo su propia cosecha. Es un creador constante de letras y música, y sus discos manifiestan el caudal de imaginación que fluye de su mente. Se detiene un instante y lee algunos párrafos de una entrevista a Ricardo Lorio. Se sorprende y se ríe, y reivindica cada una de las frases del líder de Almafuerte diciendo: "Ricardo es un grande".

Mira atentamente la televisión que está ubicada en el patio de la sala, y se pierde con alguna melodía de Spinetta Jade, que suena en un canal de cable. Pide fuego y se sienta, con su mirada siempre firme. Seguro de cada una de sus palabras, muestra su espontaneidad y su simpleza. ¿cómo empezaste a tocar la guitarra?

Yo era muy chico, tendría cinco o seis años y ya venía un profesor de guitarra a mi casa, porque mi hermano seis años mayor tomaba clases. Mi profesor era uno de esos "todo terreno", que tocaba tango, folklore y acompañaba cantantes, se llamaba Machín Barbó. Él ya falleció, pero por suerte pude agradecerle a tiempo

30 | entrevista a ariel Minimal

haberme enseñado a tocar la guitarra y haberme dado una herramienta para trabajar. Estaba eso en casa, ya había una guitarra y un profesor que venía, así que era sólo cuestión de tiempo hasta que me crecieran un poco las manos para poder tomar clases. Como tenía las manos chicas y no podía tocar, me hacían tocar el bombo o "zapatear" para tenerme así enganchado, y a partir de los nueve años comencé a aprender guitarra.

Aprendí de los nueve a los doce, las cosas rudimentarias, los acordes. Tocaba algunas zambas, algunas chacareras. Fue ese poco tiempo que aprendí guitarra y también hice teoría y solfeo, pero no me acuerdo de nada de todo eso. Y después nunca más tuve una formación formal, salvo un mes y medio que tomé clases con Ricardo Lew, que es un "viejo lobo". La verdad es que me copaban y estaban re buenas sus clases, pero yo justo estaba con los Fabulosos Cadillacs, viajábamos mucho y no me enganché como debía, no era consecuente.

En esa etapa de aprendizaje, ¿qué música escuchabas?

Yo escuché todo. Escuché toda la música. De chico, mis primeros discos eran discos de Kiss. Al tener un hermano más grande todos los discos llegaban a mí por él. Él es fanático de Queen, y por suerte también pasó todo el rock nacional por mi casa.

Yo vivía en un barrio de monoblocks y había un muchacho que se llamaba "el Rata", que era mayor que mi hermano, y le pasaba vinilos de rock. No teníamos muchos nuestros, nos prestaban muchos discos. Entonces era eso básicamente lo que escuché de chico: Kiss, Queen y Rock Nacional. Ya en los 80´ empezaron a aparecer discos de The Police y cosas que traía mi hermano, hasta que yo después pasé de Kiss al heavy metal y del heavy metal al punk rock. Eso es lo que me marcó.

con apenas 15 años formaste tu primera banda...

A los 15 hice Descontrol y ya empezaba a tener otra información. No sólo era el viejo punk clásico, sino que también se mezclaba el hardcore y otras cosas. Era una formación más política, si se quiere, de bandas autogestionadas y gente que hacía cosas independientes. ¿creés que ha cambiado algo en la escena del rock actual, con respecto a cuando vos empezaste?

Yo soy cualquier hijo de vecino, que viví en unos monoblocks del Bajo Flores. Después sí entré a los Cadillacs y tuve un billete para comprarme algo, una segunda viola, por ejemplo. Pero siempre tuve una guitarra. La peleé. Laburaba en la Municipalidad, no tenía un mango. Sin embargo, Pez ya había sacado dos discos. Así que el que tiene ganas, se esfuerza, busca algo y tiene un norte, lo sigue. Toco hace muchos años y puede haber épocas mejores o peores en cuanto a lo laboral. Mirá, cuando nosotros hicimos los primeros discos de Pez era la época en la que la gente se quería ir del país. No sólo que no nos queríamos ir del país, sino que nos queríamos quedar, y la peleamos y apostamos. Laburábamos de lo que "no nos gustaba" para poner plata en lo que nos gustaba. Era nuestro sueño ser músicos. Así que, sinceramente, ¿qué cambió?; puede cambiar todo, pero si vos tenés algo claro creo que tenés que ir por ello. Hubo épocas mejores, peores. Épocas donde había millones de lugares para tocar, épocas donde no había ninguno, otras donde ningún sello se interesaba por bandas nuestras, otras que no.

Siempre las posibilidades y las variables pueden modificarse, pero si vos tenés una constante y sos constante, en algún momento te vas a cruzar con alguna posibilidad, ya sea de tocar, de grabar un disco, de que la gente te conozca, de que la gente te conozca y te

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odie. Puede pasar de todo. Todo se mueve para arriba y para abajo, las posibilidades van cambiando, pero si vos tenés esta constante, en algún momento con alguna te vas a cruzar.

Después de un tiempo, ¿cómo llegaste a los Fabulosos cadillacs?

En el medio pasaron muchas cosas. Pero el que me llevó a tocar a los Cadillacs fue Sergio Rotman (saxofonista de los Cadillacs). A él lo conocí en el ‘89, cuando yo tocaba en Los Minimals, y nos vestíamos de "trajecito", hacíamos una música media "sesentera". Nos produjo y demo y ya quedé en contacto con él. Yo después tuve una banda que se llamó Martes Menta y él también produjo un demo. Después, cuando armé Pez nos venía a ver siempre y luego me llamó para los Cadillacs. con ellos participaste en cuatro discos, ¿qué recuerdos tenés de esa etapa?

Fotografía realizada por Vicky schwindt

Sí, grabé esos dos discos de estudio y el doble en vivo.

Como experiencia fue positiva desde todo punto de vista. Aprendí muchas cosas, giré por el mundo, tocaba con un montón de músicos. La verdad es que aprendí muchísimo. ¿cómo fueron los inicios con tu actual banda, pez?

Con Pez empecé antes. Pez se formó a fines del ‘93.

Lo empezamos con dos amigos de la niñez, que son los mismos que tocaban conmigo en Descontrol. Son Alejandro y “Poli” Barbieri. Yo venía de grupos anteriores, donde estaba muy encajonado. Con Los Minimals teníamos un estilo "sesentero" y no salíamos de eso, y con Martes Menta teníamos un estilo moderno, que seguía una moda o "no moda", pero seguíamos una situación impuesta, que era así, de ese modo. Y cuando empezamos con Pez la idea fue hacer "lo que nos pinte". No ser ni heavy metal, ni rock pesado, ni viejo, ni moderno, ni pu…, ni macho. Era hacer todo lo que teníamos ganas. Nosotros teníamos canciones agresivas y distorsionadas y también otro tipo de canciones. ¿cómo se logra ser tan amplio en cuanto a estilos?

No sabría decirte. Eso no lo sé... Nosotros siempre pensamos que no había algo que estuviera bien o mal. Si la canción estaba buena le dábamos para adelante.

Nunca nos importó ser parte de un estilo. Hacemos lo que nos gusta.

Y hoy en día, ¿cómo es pez, a diferencia de los comienzos?

No pensamos. Como estamos todos los días inmersos en "nuestra propia mierda" no hacemos balances. Creo que los balances los hacés cuando te empezás a alejar de algo. Yo no hago balances de nada, odio la contabilidad. En el momento que estamos contentos y venimos con ganas a ensayar, quiere decir que estamos bien, entonces no pensamos demasiado. cuando invitan a distintos músicos en sus proyectos, ¿lo hacen para revitalizar a determinados íconos del rock nacional?

No tenemos una intención pedagógica, sino que nos damos un gusto. Cuando toqué con Litto Nebbia tuve la posibilidad de conocer a Rodolfo García, Emilio del Guercio, Roque Narvaja, y montón de personas talentosas que yo no conocía. Y se dio eso. Se dio de invitarlo a Emilio y que saliera una versión alucinante de

"Canto" (tema de Aquelarre). Y no sólo la hicimos una vez, sino que después del show de La Trastienda la repetimos en un especial para Much Music. Yo de chico no escuchaba demasiado Aquelarre, fue como un descubrimiento más de grande. Además, a esas bandas nunca se les dio la importancia que tienen. Cuando yo era chico el rock nacional era una “grasada”, lo bueno era lo de afuera. Y los que llegaron a ser alguien, son personas como Charly García o Luis Alberto Spinetta, que tuvieron constancia, le pusieron el pecho a su obra.

Ahora, bandas como Aquelarre, que en determinado momento se separaron, no.

Acá toda la obra del rock hecha en Argentina fue muy descuidada. No hubo una movida cultural que los amparara. Hubo muchísimos masters que desaparecieron, las tapas originales no estaban más, porque a nadie le importaba. Nunca nadie los tuvo en cuenta. Con Aquelarre me pasó eso, ya que no estaban en el tapete

Ariel Minimal por Litto Nebbia “Conocí a Minimal cuando me invitó a cantar en uno de sus discos como solista. Luego hice lo mismo pidiéndole que haga un solo en una parte de la obra clásica Don Juan, trabajo compositivo que nació de Waldo De Los Ríos y, al fallecer, lo concluí a pedido de su viuda. Así fue que, con la idea de organizar un cuarteto un poco más eléctrico y el deseo de guitarrear improvisando, lo convoqué para que integrara La Luz. Un domingo llegó con su guitarra y estuvimos toda la tarde pasando temas, probando solos, compartiendo criterios. Establecido el grupo La Luz, junto a Federico Boaglio (bajo eléctrico) y Daniel Colombres (batería), grabamos un primer álbum que se llama Danza Del Corazón.

A continuación, grabamos el disco que produje de Andrés Calamaro, el Palacio De Las Flores. Luego vino la trilogía The Blues: dos CD’s y un DVD. Aquí hay temas de diversas épocas, pero esencialmente está la banda a pleno, y Minimal aparece como un guitarrista dúctil y apasionado. También es bueno haciendo voces. Un tipo cálido que se prende en cualquier aventura musical que sea respetable. Hay que elogiar su persistencia en el proyecto Pez. Conozco del tema, y este tipo de proyecto para mí debería titularse: "haz música sin mirar atrás". La imagen fotográfica que tengo de Ariel es la de un buen tipo, loco por la música.

Disfruté mucho el tiempo que compartimos, y también aprecio las cuestiones musicales que realizamos. Todo lo mejor para él (y por supuesto al Pez).”

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entrevista a ariel Minimal | 31

desde mi adolescencia. Fue algo más de grande.

Me nombraste tus trabajos con Litto, ¿cómo llegás a tocar con él?

Yo me contacté con él antes de eso, para que cantara un tema en un disco solista mío. Cuando hice el tema dije: "esto tiene mucho de Litto" y me propuse contactarlo. Entonces le mandé un mail y, un caballero como es, me respondió de inmediato, sin conocerme ni nada, me invitó a su casa y me prestó unos discos. Él vino, se copó y cantó el tema. Y un año después me llamó para formar una banda que terminó siendo La Luz. ¿Qué aprendiste a su lado?

Litto te emociona desde el lado que es... O sea, yo me considero igual que él: un tano cabeza dura. Es alguien que hizo lo que quiso, que no tiene que pedir permiso para hacer las cosas. En ese sentido Nebbia fue genial.

Y aparte de todo esto está su música. Toda la música de Nebbia, su poesía y la cantidad de información musical. Litto es un tipo que conoce mucha música y le da el mismo valor al Beat, como a la Bossa Nova, como al Jazz, como a Frank Zappa. Litto maneja toda esa información. Es un enamorado de la música, como también me considero yo. Igual, aprendí de todos. O sea, no es que aprendí de los Cadillacs o Litto porque eran más grandes que yo, en todo sentido. Sino que también aprendí cuando grabé un disco con Florencia Ruíz, una piba que es una compositora y guitarrista eximia. Es docente y profesora de niños. Aprendí con Manza y Flopa, y ni hablar con los bestias de Pez. Siempre aprendo. Y cuando aprendo, aprendo de lo que me gusta y lo que no. Siempre queda algo. con pez decidieron ser artistas independientes en una parte de su historia. ¿por qué decidieron autogestionarse?

No fue una decisión muy valiente, sino que nadie demostró demasiado interés por el tercer disco de Pez en el año ‘98. Los dos primeros discos los hicimos con una discográfica que tuvo muy buena onda. No sólo nos financió esos discos, sino que después nos obsequió los masters para seguir haciéndolos y que fueran nuestros.

Era Sergio Fasanelli, de Discos Milagrosos. Cuando ellos fundieron, nadie demostró interés y dijimos: "bueno, los sacamos nosotros". Tampoco tenemos un sello discográfico, sino que hacemos nuestros propios discos. Los grabamos y los vendemos en los shows, la gente los pide por Internet. No es una gran organización, sino que es una mínima organización que nos permite grabar discos y venderlos. ¿cómo hacen para producir tanto material y sacar un disco por año?

Eso está en el gusto de cada uno, me parece. Yo qué sé... Las canciones están. Hacemos canciones y las metemos en un disco. Hasta ahora no sufrimos nunca que se cierre la canilla de las canciones.

Después, hay algo que es una realidad, que es una realidad mercantil. Una banda impuesta, una banda grande saca un disco y hasta que lo toca por todos lados pasa un tiempo. Nosotros, al no tocar tanto, ni tener un circuito tan amplio (por más que se vaya expandiendo cada vez más), no tenemos tanto recorrido. Tal vez me equivoco, pero esto pienso yo. En un punto pienso que vamos a cansar a la gente si tocamos siempre los mismos temas. Las bandas grandes quizás toquen menos veces en los mismos lugares. No lo sé, eso lo supongo.

Está bueno entregar algo nuevo cada año, o cada año y medio. Es lo que hacemos. No nos creemos más vivos que nadie por hacer eso. Nos sale así. ¿Qué bandas actuales te gustan?

Hay un montón. Yo que sé. Pasa que soy un muchacho grande, con hijos, y no salgo tanto. Hace poco compartimos escenario con una banda instrumental de zona Norte que se llama "Persona", que es buenísima. Después, hay bandas que no son tan nuevas, ni son tan conocidas, pero son buenas, como nuestros amigos de "Fútbol", "Compañero Asma", "Valle de muñecas" (la banda de Manza).

Tenés dos guitarras hechas por el luthier Ezequiel Galasso, ¿cómo se dio esa relación? Él me llamó. Yo lo conocía porque sabía que él era una especie de aprendiz o estudiante de un luthier muy groso, que es Horacio Lista. Un día me llamó y me dijo que me quería regalar una guitarra. No es que me iba a regalar cualquier guitarra, sino que era una específica.

Después nosotros ultimamos los detalles juntos. Y a raíz de eso nos hicimos amigos, nos conocimos y descubrí que no es necesario tener una Gibson o una Fender para tener un instrumento que te rinda. Más allá de los estereotipos de la marca. No lo digo sólo por Galasso, sino por muchos artesanos. Tampoco cualquiera lo puede hacer, pero hay mucha gente que sabe.

Fotografía realizada por Vicky schwindt

Para tocar en vivo, depende mucho de dónde toque.

Si es un show en Capital llevo todas mis guitarras. Si es en el interior voy sólo con las Galasso. Para grabar utilizo el mismo criterio que en vivo en Capital. Uso todas mis guitarras para ir teniendo distintas sonoridades en los diferentes temas. Lo lindo de grabar es buscar los colores. Llevo todas mis guitarras, todos mis amplis y pedales, y hasta me prestan cosas. Si bien no tenemos demasiado tiempo para elaborarlo tanto, voy buscando sonidos. ¿Qué efectos utilizás?

Los pedales los guardé, no los uso más. Uso sólo los equipos y sus footswitch. Tengo un Mesa Boogie DC5 (un Dual Caliber) de 50 y un Fender Blue Deluxe. ¿Y cómo hacés para tocar un tema del disco Los orfebres en vivo, teniendo en cuenta la cantidad de efectos con los que fueron grabados los temas?

Lo toco sin efectos. Por ejemplo, el tema los Orfebres lo toco todo distorsionado. No es que me aburrí de los pedales, sino que me resultaba demasiado acordarme de todas las letras, acordarme los acordes, tocar la guitarra y zapatear sobre los pedales.

Antes tenía muchos, pero ya no los uso. Ahora sólo tengo un afinador, un pedal que me divide la línea para los dos equipos y los dos footswitch. Usé durante muchos años una batería de pedales Cluster, un octavador Boss y un delay que no me acuerdo la marca, es uno viejo, de los ‘70. ¿pensás continuar tu proyecto como solista en el futuro?

Me encantaría no hacer más nada que no sea Pez. Y a la vez me gustaría hacer un millón de cosas.

Quiero que Pez crezca más de lo que creció, que tenga un alcance mayor y llegue a más gente. Que más gente nos pueda escuchar. Quiero estar 100 % enfocado a Pez. A la vez quiero hacer mucha música con más gente, grabar otro disco con Florencia Ruíz y otra gente.

Y esas guitarras tienen también los micrófonos nacionales DS...

¿Y qué proyectos tiene pez de aquí en adelante?

Nosotros conocíamos por otro lado a Darío Soich. Él era vecino de “Fósforo” García, el bajista de Pez. Él ya usaba DS. Y empecé a usarlos en la primera Galasso que tuve con unos DS doble bobina. Mucho tiempo usé esa guitarra, pero ahora uso todas. También tengo una Gibson Les Paul, una Fender Telecaster y una Ibanez de caja. Ahora, en este 2010, Galasso me hizo otra guitarra, también con DS (unos P90).

Con Pez este año sacamos dos discos. En abril sacamos un disco sin título que grabamos el verano pasado. Y ahora, la semana que viene saldrá "Viva Pez", que es un disco en vivo. Seguramente en 2011 sacaremos un disco nuevo. Quizás dejemos pasar más tiempo para que tome aire este nuevo disco.

El 4 de diciembre despedimos en año en el Teatro de Flores, siendo nuestro show más importante.

INTEGrANTES DE pEZ

Sesión de espiritismo - DVD (2008) Los orfebres (2007) hoy (2006) para las almas sensibles (2005) Folklore (2004) El sol detrás del sol (2002) convivencia sagrada (2001) cabeza/Quemado (reedición) (2000) Frágilinvencible (2000) pez (1998) Quemado (1996) cabeza (1994)

Ariel Minimal (Guitarra y voz) pepo Limeres (piano eléctrico y órgano) Franco Salvador (batería y voz) Fósforo García (bajo y voz) DIScoGrAFíA ¡Viva pez! (2010) pez (2010) El porvenir (2009)

32 | entrevista a ariel Minimal

¿usás siempre esas guitarras en vivo y en estudio?

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EXPO MUSIC SAN PABLO Por Ángel Mondelo

Considerada la más importante de Latinoamérica y signada por un muy buen clima de negocios, del 22 al 26 de septiembre se llevó a cabo la feria de instrumentos musicales y sonido de Brasil, en el Expo Center Norte de la ciudad de San Pablo. Ocupando una superficie de 15.000m2, expusieron más de 200 empresas relacionadas con el mundo de la música: instrumentos musicales, sonido, iluminación, discográficas y editoriales.

En ella, los visitantes (que en esta edición fueron más de 50000), encontraron lo más avanzado de la industria musical, demostraciones de productos, firma de autógrafos por artistas y eventos musicales. Un dato destacado para la industria es la aprobación, este año en Brasil, de la ley que hace obligatoria la enseñanza de algún arte en las escuelas, con lo cual se prevee que la facturación anual de instrumentos y accesorios pase de los 370 millones de dólares a los 500 millones. Nada mal, ¿no?

Hubo una marcada presencia argentina entre los expositores. Se destacaron los imponentes stands de Rómulo García, con sus marcas para Brasil como Shecter, AXL y SX; Pro Show con Berhinger, Whasburn; Someco con Peavy; Macaio, quien nos comentó que incursionará con amps brevemente en Argentina. Por el lado de las empresas brasileras que tienen representaciones en nuestro país, sobresalieron los stands de RMV, fábrica de baterías y accesorios (excelentes los de guitarra), representada en Argentina por Fama Music; Superlux, la marca que representa Intermúsica con su amplia y muy interesante gama de micrófonos; Nig Music, compañía que fabrica cuerdas y pedales de efecto, representada en nuestro país por Paudio, que presentó una nueva línea de efectos de guitarra y bajo. Un evento imperdible, de primer nivel, y al que bien vale la pena concurrir.

Carlos Medina artigas, fabricante de cuerdas, y alex Peixoto, dueño de Peixoto Group de Chile

raúl Mera de Intermúsica, haciendo negocios

sr. Macaio y Cristian rasmussen, de Macaio Chile

sebastián y Carlos Medina artigas

Gene simmons brasileño, mostrando el hacha de Cort y causando sensación

Martellota, presidente de Pro shows, haciendo un break en los negocios

Gerardo Miranda de Jamesound, y aguerrido back central, contento con su ejemplar de GyB.ar

Pro shows, representante de Washburn y Beringher

raras guitarras, ¡y raras gorras para el calor!

34 | expoMusic san Pablo

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Plano de expoMusic san Pablo 2010

rodeado de amplificadores y guitarras Peavey, en el stand de someco

Impresionante stand de los amplificadores Meteoro

Lorena y ale Garcia muestran orgullosos las schecter

sergio Vall, Guille Promesti de Prind-co. abajo: alberto Mackey de Centerlom, daniel Pérez y Juan Carlos Italiano de Fama Music

Nig, la marca de cuerdas y efectos representada por P-audio

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Impactante el stand del Grupo romulo Garcia

Credencial de prensa de sergio Vall

expoMusic san Pablo | 35

FENDER AMERICAN SPECIAL

Un legado con identidad propia Por Hernán shactelong

Hola, gente de guitarristas y bajistas.ar. en esta ocasión la gente de todomúsica nos ha facilitado la Fender american special stratocaster, uno de los nuevos diseños de Fender para el presente 2010. Con la idea de acomodar precio dentro de lo que son estas épocas de recesión, pero sin resignar calidad dentro de la construcción, Fender lanzó al mercado la línea american special con el fin de llevar una guitarra de primera línea a un precio que se ajuste a los músicos, siempre manteniendo la idea de “más por menos.”

La guitarra parece ser el intermedio entre la American Highway y la American Standard, pero no por esto deja de tener una identidad propia. La terminación del cuerpo de aliso está hecha con pintura brillante de uretano, compuesto sintético que permite que la madera respire favoreciendo la sonoridad del instrumento. El diapasón de la guitarra es de arce, con terminación satinada y 22 trastes. El ancho de la pala nos transporta a la clásica terminación de Fender en los años ’70, y el puente de la guitarra es del tipo vintage. La configuración de controles mantiene la llave de 5 posiciones, dos controles de tono y uno para el volumen general de la guitarra, que está equipada con los clásicos Fender Texas Special, que ya forman parte de la identidad sonora de lo que es una guitarra stratocaster.

Ya con el instrumento en la mano, la sensación es que uno se encuentra en casa. Con esto me refiero a que la guitarra realmente responde al característico sonido de Fender: una guitarra con un buen ataque y brillo en todo el diapasón, resaltando siempre las frecuencias de medios y agudos al máximo. Posee gran cantidad de armónicos y una tensión media que le resulta muy cómoda a los dedos. Se pueden encontrar muy buenos sonidos claros y limpios.

Valiéndonos de nuestros controles de tono se puede acceder a los timbres más pastosos de la guitarra, apagando un poco el ataque para lograr mayor sutileza. Luego, en el campo de los sonidos

36 | Fender american special

distorsionados la guitarra conserva el sonido rabioso que por tradición brinda la marca Texas Special. Éstos reproducen cualquier cambio de intensidad que realizamos con nuestra mano derecha.

Para el que va a probar por vez primera la Stratocaster como parte de su sonido, o quizás los que están acostumbrados a guitarras más modernas o las clásicas guitarras que poseen micrófonos de doble bobina (ya sea Les Paul, SG, o formatos más modernos), notarán el “noise” o el ruido que el instrumento tiene cuando aumentamos la ganancia. Esto es mucho más notorio cuando dejamos de tocar el instrumento. La forma tradicional de solucionar este "inconveniente" es bajando el volumen en el momento que no estamos tocando, o bien ir controlando nuestro sonido, manejando un valor menor de volumen desde la guitarra. En la segunda posición de la llave selectora (al utilizar el micrófono del puente y el micrófono del medio) aumenta aún más el caudal de ruido. Esto, obviamente, no se trata de una falencia de este producto en particular, ni de esta marca, sino que forma parte del modelo desde tiempos inmemoriales. Si bien es una condición inherente en las guitarras Stratocaster, también forma parte de lo que es la identidad de este instrumento, que en este caso se amolda un poco más a nuestro bolsillo.

Sin dudas, es una gran oportunidad de poder adquirir una guitarra Fender, construida en Estados Unidos, con todas las ventajas que ello implica. Con accesorios de primera calidad, una impecable terminación y el inconfundible sonido de la marca. Con un valor que se encuentra dentro de parámetros lógicos, la relación precio/calidad favorece ampliamente al músico que quiera adquirir esta Fender American Special Stratocaster.

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SCHECTER Por sebastián Konrad

Las guitarras Schecter están pisando fuertemente en el mercado argentino en los últimos años. Dirigidas a un público más rockero o heavy, de acuerdo a su formato y a su perfil, la empresa fue ganando terreno por su relación precio/calidad.

Schecter comenzó a escribir su historia en el año 1976, fundada por David Schecter. Allí la empresa sólo apuntaba a producir piezas que pudieran servir como alternativa para las guitarras Gibson o Fender, que dominaban el mercado. Tres años después Schecter produjo sus primeras guitarras, que eran Custom Shop y se basaban en modelos de Fender. Debido a la calidad de los instrumentos, los precios comenzaron siendo elevados y se vendieron sólo en veinte comercios de Estados Unidos.Con el paso del tiempo la empresa fue buscando un equilibrio, y hoy en día producen innumerables guitarras eléctricas, acústicas y bajos. Rómulo García S.A. es quien importa estos productos y los distribuye en todo el territorio nacional. Fueron ellos quienes también nos acercaron la posibilidad de poder conversar con Ryan, e interiorizarnos sobre esta joven empresa que busca posicionarse dentro de las primeras marcas.

Ryan Martin se muestra muy gentil y habla con pasión de su trabajo, el cual comprende a la perfección. Quizás eso refleja la tendencia de Schecter: las personas que se desempeñan en la empresa son o fueron músicos. Esto hace que pueda haber un acercamiento mayor con los clientes y una visión más acertada a la hora de tomar decisiones.

38 | entrevista con ryan Martin

recorriendo el mundo ryan Martin, encargado de las ventas internacionales de schecter, visitó nuestro país y nos contó su percepción sobre la empresa en el mundo. Habló del mercado argentino y del posicionamiento de la compañía luego de la crisis económica del 2008.

¿cuánto hace que te incorporaste a Schecter?

¿cómo los afectó la crisis económica del 2008?

Trabajo con Schecter desde hace siete años. Antes de esto era endorsement de la firma tocando con una banda pequeña. Girando por los Estados Unidos compré mi primera Schecter en un local en Hollywood, y luego de probar algunas guitarras, la vi ahí colgada en la pared a un precio increíble, la probé y lo primero que pensé fue: “¿qué tiene de malo esta guitarra, que es tan barata?”.

No nos afectó de manera directa, ya que las guitarras se fabrican en Corea e Indonesia. Sí es una realidad que los volúmenes de ventas han bajado de una manera significativa, pero no nos afectó de un modo fuerte, ni tuvimos consecuencias severas.

Desde ahí, cuando empezamos a girar con la banda, conocí a la gente de Schecter y me ofrecieron el endorsement. Luego, cuando la banda se separó, yo necesitaba un trabajo y pensé en Schecter, que es un lugar donde trabajan mayoritariamente músicos.

Así que siete años después estoy acá en Argentina, hablando con vos sobre estas guitarras.

¿cómo se manejan con respecto a la competencia para marcar diferencias en el mercado?

En este rango de guitarras nuestros competidores directos son Dean y ESP, pero aquí en Argentina las guitarras Dean están dentro de valores más elevados, y tengo entendido que ESP no está entrando al país. Siempre tratamos de brindar instrumentos que cumplan con las exigencias sonoras de los músicos de hoy a un precio razonable, para que todos puedan tener su guitarra Schecter.

¿cómo ves el mercado aquí en Argentina?

Es un mercado difícil. Los costos de los instrumentos, inclusive los más básicos, son bastante elevados a comparación de Europa o Estados Unidos.

Entonces, la gente sólo puede acceder a las líneas económicas o de nivel intermedio, ya que las guitarras de tope de la línea se vuelven inaccesibles por sus precios. En ese sentido, este viaje nos abre los ojos para que nosotros como empresa podamos trabajar sobre la problemática de los consumidores aquí en Sudamérica.

¿con qué endorsement cuenta la fábrica actualmente?

Hay mucha gente que viene a nosotros y nos muestra sus ganas de tocar con guitarras Schecter, y así hemos entablado muchas relaciones. Uno de esos casos es el de Robert De Leo, de los Stone Temple Pilots, Avenged Sevenfold, Papa Roach y Robin Finck, de NIN. Hay muchos que quizás no sean muy conocidos, pero son referentes en Europa y Estados Unidos.

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DR. EPIPHONE Por sebastián Konrad - traducción por rodrigo Yacciofani

su visita en argentina el guitarrista y cantante Will Jones, más conocido como dr. epiphone, visitó nuestro país para dar varias clínicas sobre los productos epiphone. allí combinó información, humor y mucha música.

dr. epiphone con el Nº23 de GyBar

Import Music Argentina S.A., importadora de los productos Epiphone en nuestro país, nos otorgó el privilegio de poder compartir un instante con Will Jones, una verdadera enciclopedia ambulante en materia de guitarras y bajos. Sus primeras clínicas fueron el 13 en Chaco, el 14 en Rosario, el 15 en Mendoza y el 18 en La Plata, para finalmente terminar esta gira el 19 de octubre en Buenos Aires, en la Escuela de Música Contemporánea.

Como miembro de Epiphone, Will Jones forma parte integral de “Los Epidemics” en Nashville, Los Ángeles y Alemania. Como cantante y guitarrista de “Dr. Epiphone Band”, ha tocado en Japón, China, Australia, Nueva Zelanda, Canadá y los EE.UU. Fue músico invitado de la banda “Twisted Sisters” en múltiples ocasiones, y de Teddy Zig Zag’s (de Guns & Roses), “Screamin’ Cocktail Hour” en California. Previo a su show en la Escuela de Música Contemporánea, Will Jones dedicó su tiempo a nuestra revista, para dar testimonio de la vida de Epiphone en el mundo, y de su pasión por las guitarras. ¿cuánto hace que estás trabajando en Epiphone?

En diciembre se van a cumplir quince años que estoy en la empresa. Antes trabajaba vendiendo instrumentos en un local que era parte de una famosa disquería en Nashville. Empecé a vender un par de instrumentos en la disquería y, como veían que andaba bien en el negocio, decidieron ponerme a cargo de este local. Cuando empecé a pedir Gibson y Epiphone, el negocio fue tan bien que la gente de Gibson me invitó a formar parte de su staff. Así que luego de quince años aquí estoy, formando parte de esta gran aventura. Estoy haciendo giras internacionales como Dr. Epiphone desde el 2004. Antes solamente lo hacíamos en los Estados Unidos, y cada año tengo más y más ciudades para visitar. Este año estuve en 24 países girando por sus distintas ciudades y todavía sigo de gira. Es un ritmo muy loco, pero está muy bueno por que en todos lados la gente ama a Epiphone, y eso hace que mi trabajo sea más fácil de hacer.

40 | dr. epiphone en argentina

¿cómo están los negocios de la empresa en Argentina?

Parece que está muy bien, hay mucha demanda de Epiphone. La gente reconoce la marca y tiene mucho entusiasmo por nuestros productos, así que al parecer estaré de vuelta por aquí muy pronto.

Utopians

¿Qué avances pudiste ver en la construcción de las Epiphone desde que estás trabajando con la empresa?

Veo muchos avances en los materiales de construcción, además de rediciones de formatos clásicos, algunos diseños modernos y cambios en las tecnologías. Por ejemplo, en las Les Paul cada año vamos mejorando conceptos de construcción y la calidad de los accesorios para brindar el mejor producto. Cuando yo empecé con esto, tener una Epiphone era una de las mejores opciones en relación calidad - precio. Hoy en día es la mejor opción, de lo contrario créeme que no estaría aquí hablándote de una guitarra. Epiphone, además de tener guitarras de excelente calidad, tiene grandes ideas, como el caso de la Les Paul Ultra II, que da la posibilidad de tener un sonido electroacústico dentro de lo que es el formato de una Les Paul. ¿cuál fue el resultado de tu gira por Argentina?

Fue una noche mejor que la otra, con el correr de los shows. Ayer a la noche estuvimos en La Plata y fue un gran show, había 300 personas y estuvimos tocando toda la noche. Eso estuvo genial. contame un poco de tus proyectos como músico Tengo un par de bandas. Una estuvo inactiva por un año o dos, pero empezamos a hacer un show de comedia de música country alternativa que sale en un canal de TV, en Tennesse, donde tocamos y hacemos sketchs. Y la otra es una banda de covers de rock. Tocamos clásicos de los ‘70 y algunas cosas del heavy metal de los ‘80.

El nombre de la banda es Will Jones Rock Show.

Como no se nos ocurría un nombre mejor optamos por ese, que fue el primero que se nos ocurrió.

Dr. Epiphone nos despidió, se puso su delantal y, luego de escuchar el set de tres temas de la banda Utopians, se subió al escenario de la E.M.C. Con un personal carisma y total sentido del humor, Will logró captar la atención de todos los presentes y mantenerlos entretenidos hasta el último segundo. Comenzó hablando de la historia de Epiphone, haciendo hincapié en que la firma es más antigua aún que la mismísima marca Gibson. Se detuvo un segundo a preguntar cuántos guitarristas, bajistas, tecladistas y bateristas se encontraban en la sala. Cuando los bateristas levantaron sus manos, Will prometió contar un chiste sobre bateristas cada cinco minutos. Y así lo hizo. Cada instante miraba su reloj y contaba un nuevo chiste, provocando la risa de los espectadores.

Esa impronta se mantuvo hasta el final de la jornada, donde, luego de recorrer las distintas guitarras y bajos Epiphones y responder algunas dudas de los músicos, se despidió de su gira por nuestro país, prometiendo volver muy pronto.

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QSC GX SERIES

Los diseñadores de QSC, liderados por Pat Quilter, han optimizado la salida y apariencia, a la vez que han reducido el costo del material y el peso. Cuenta con un estilo totalmente avanzado, fácil de conectar y ajustar, además de una excelente calidad de audio y la confiabilidad de QSC. Los amplificadores GX brindan la cantidad exacta de potencia requerida por los altavoces más populares y usados por los artistas. La mayoría de los fabricantes de altavoces recomiendan un amplificador con una potencia de salida igual a la potencia del material musical del altavoz especificada, o dos veces más el índice de la eficacia continua (RMS) de los altavoces.

El modelo GX3 es ideal para altavoces con un rango de 300 W, mientras que el GX5 brinda un rendimiento completo para altavoces de 500 W. Ambos modelos proveen una máxima potencia con cargas de 4 ohm y 8 ohm. Los propietarios de altavoces de 4 ohms (woofer dual, modelos de dos vías y muchos subwoofers) encontrarán en la potencia de 700 W del GX5 una combinación ideal.

El GX3 usa la más reciente evolución del sistema de salida Grounded Collector de QSC, para un óptimo enfriamiento de los transistores de potencia críticos. Un verdadero sistema polarizado Clase B, que combina la eficiencia térmica máxima con un excelente rendimiento de audio.

El GX5 usa un sistema Clase H, basado en elementos claves de la Serie PLX, casi duplicando la potencia con el mismo tamaño y peso. La experiencia en diseño de QSC permite que los dispositivos de salida cambien de baja a alta potencia en menos de una millonésima de segundo, asegurando que la potencia de salida esté siempre donde necesita estar para evitar pérdidas excesivas.

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amplificadores de Potencia Profesionales Los amplificadores de la serie GX son ideales para los artistas que requieren de un mayor rendimiento y portabilidad con un presupuesto limitado.

Ambos amplificadores usan los mejores transformadores toroidales de potencia, para un rendimiento de “mediopeso” confiable. Un ventilador de velocidad variable mueve el aire de un lado a otro del amplificador, enviando aire frío al transformador, y luego al disipador de calor. Esto mantiene el transformador frío y permite que el disipador de calor quepa en un chasis de tamaño menor. Como siempre, los amplificadores están protegidos en su totalidad contra los daños que pueden causar el transporte, asegurando un rendimiento estable y de larga duración. La protección GuardRail™ brinda potencia completa de alto alcance, a la vez que previene las sobrecargas. Durante una excesiva saturación, o un extremo sobrecalentamiento, el GuardRail™ reduce la ganancia lo suficiente como para preservar la integridad de la música, proteger los altavoces y mantener a la audiencia emocionada, con niveles sin distorsión o apagones.

Optimizado para un techo dinámico máximo usado en el mundo real en sistemas de altavoces de 4O y 8º.

Un subwoofer reduce el esfuerzo en el altavoz de rango completo, permitiéndole sonar más alto, o permitiendo que un altavoz más pequeño haga el mismo trabajo. La Serie GX soporta este modo con un botón cambiable en el divisor o Crossover, que divide la entrada de rango completo entre el Ch 1, enviando 20 Hz a 100 Hz al sub (Ch 1) y 100 Hz a 20 kHz a la parte de arriba de la caja (Ch 2).

Los controles de ganancia en el panel frontal balancean el sub y la caja de arriba, mientras que el GuardRail optimiza la potencia pico en el sub y la parte de arriba de manera individual, para un impacto musical y un rango dinámico superior.

Controles de ganancia con retén, para un ajuste preciso y equiparación de sensibilidad.

cArAcTEríSTIcAS Los niveles de potencia igualan a los altavoces más populares usados por los artistas más famosos.

Entradas: Conectores tipo XLR, 1/4" TRS y conectores con entradas de línea para compatibilidad con cualquier fuente de audio.

Salidas: Conectores tipo Speakon® que acepta enchufes de 1/4" (TS) o enchufes Speakon de 2 pin y 4 pin (conexión de 2 pin solamente). Los conectores tipo banana soportan todos los demás sistemas de cableado para altavoces.

La profundidad del chasis (10.1"/257 mm.) hace que quepa en racks para efectos económicos y compactos.

Peso ligero: menos de 30 libras (13.5 kg.).

El GuardRail™ protege automáticamente el amplificador y los altavoces contra daños, debido a los cambios de temperatura o la sobrecarga, sin tener que apagar el sistema durante el espectáculo.

El panel frontal cuenta con indicadores tipo LED para monitorear la potencia, señal y saturación.

Divisor de frecuencias para el Subwoofer/Satélite incorporado. prind-co S.r.L. www.prind-co.com

Informe PrINd CO | 41

TITO FARGO Por Facundo López Burgos

Lo importante en el arte es encontrar la propia voz el miércoles 18 de agosto estuvimos presentes en la clínica que brindó tito Fargo, ante un auditorio lleno, en el Centro Cultural Municipal “León F. rigolleau”, en Berazategui.

La misma estuvo centrada en el uso de efectos para procesar el sonido de la guitarra.

Tito habló de sus pedales, del uso exclusivo del canal limpio del amplificador: “el canal podrido no es más que un pedal dentro del equipo, y yo prefiero construir mi propio sonido”. También habló de cómo llegar a un sonido a partir de combinar distintos pedales: “por ahí tengo una distorsión de la que me gusta el tono, otra que me entrega potencia, y una tercera que me aporta el sustain que necesito, entonces pongo las tres juntas y armo un sonido con todo eso.”

Finalizada la clínica, tuvimos ocasión de mantener una pequeña charla para repasar algunos conceptos. ¿Qué esperás de un equipo de guitarra?

Por un lado tono y volumen, que el equipo me entregue el sonido que busco en cuanto a carácter y ecualización; por otro lado robustez, que sea capaz de soportar un uso exigido en cuanto a volumen. También es importante la calidad del parlante. Muchas veces un equipo no nos entrega suficientes graves, y tal vez lo que sucede es que el cabezal los entrega pero la caja que usamos no es capaz de reproducirlos. Los viejos bafles se construían con maderas macizas y actualmente están hechos de aglomerados o fenólicos. Además, hay parlantes con conos más delgados que no soportan un uso exigido en los graves; estos cambios influyen notoriamente en el sonido. De un equipo busco graves, y que no comprima la señal. Me gusta que el equipo suene limpio cuando tenga que sonar limpio, y responda bien Fotografía gentileza de damián Benetucci cuando busco un sonido podrido.

Prefiero un equipo de controles simples que deje pasar el sonido que quiero entregarle y manejarme con pedales. También es importante el rendimiento del equipo. Al probar un híbrido de estos que mezclan válvulas con transistores, uno consigue un sonido consistente debido a la forma en que comprimen. Pero cuando el lugar se llena de gente desaparece.

Me ha pasado de probar sonido junto a otro violero con un equipo de estas características y yo usando un valvular. En la prueba las dos violas estaban a nivel, ninguna sonaba más fuerte que la otra. Después del show me preguntaron si yo había subido mi equipo, y no. Lo que sucede es que al híbrido la gente “se lo morfa”, en cambio el valvular sale adelante.

Algo que se vio en la clínica es que usás algunos pedales, no como efecto, sino para corregir el sonido cuando no usás tus equipos.

Muchas veces al viajar no podés llevar todo el set y terminás tocando con lo que hay en el lugar. Entonces me manejo con dos pedales, un booster que uso para levantar el nivel del equipo hasta que responda como quiero, y un ecualizador que me permite corregir las falencias del equipo.

Tiene que ser un pedal que sólo ecualice; los que además incorporan control de volumen funcionan distinto. Tengo estos pedales exclusivamente para este uso, y cuando estoy tocando con mis equipos no los utilizo. hoy te vimos usando una Stratocaster y una Les paul. ¿por qué elegís esto en vez de utilizar una guitarra más versátil que te entregue ambos sonidos?

En la clínica elegí estas dos guitarras porque son dos sonidos bien distintos entre sí. Era una buena forma de mostrar cómo un mismo pedal y equipo cambian al cambiar la fuente del sonido. Respecto de usar un instrumento más versátil, sucede que una guitarra se acerca al sonido de Les Paul hasta que le enchufás

42 | entrevista a tito Fargo

una Les Paul al lado. En la década del ‘80 existieron unas guitarras que verdaderamente te entregaban el sonido de varios instrumentos, pero terminaron resultando tan caras que costaba lo mismo comprarse las violas originales.

En la forma en que usás los efectos hay un momento donde la guitarra comienza a sonar a ‘otra cosa’ ¿cómo es tu conexión con el instrumento en esos momentos? ¿La pensás como una guitarra con efectos o pensás la totalidad del sonido como otro instrumento?

La guitarra es el instrumento que manejo y con el que me resulta fácil expresarme, si no tal vez usaría un banjo u otra cosa, pero como bien decís, hay un momento en el que se transforma. Después de 40 años de rock hay un montón de formas que le son propias respecto de cómo usar una guitarra. Me gusta entrar y salir de eso. Alejarme para luego volver.

Están los riffs típicos del rock, pero también hay un terreno experimental del instrumento sumamente rico en cuanto a lo sonoro. El hecho de tocar en trío me da mucha libertad para incursionar en terrenos que usualmente ocuparía un tecladista. Como concepto trato de alejarme de lo que otro esté tocando, saber encontrar los huecos y no superponerse es algo que aporta riqueza a la música. ¿Sos de componer primero y luego buscar el sonido para esa idea, o por el contrario partís de un concepto sonoro y vas buscando melodías desde ahí?

No creo que haya una manera. Un día podés levantarte rítmico y desarrollar una idea desde ahí, y otro suceder lo contrario. Hay ideas que nacen y mueren rápidamente y otras que perduran y se desarrollan. Es importante la interacción que tengas con el resto de la banda, lo que se suma al ver lo que tu idea dispara en el otro. ¿Qué opinás de los emuladores?

Pienso que son una herramienta que resulta práctica ante determinadas situaciones, pero sólo te recuerden al sonido ‘de’. Claramente hay una diferencia entre un equipo que cuesta lo que 20 emuladores de dicho aparato. Lo mismo sucede con un procesador que cuesta U$3000, y su versión en plugin que casi te regalan. El resultado no es el mismo. Hay veces que uno puede tener dos equipos valvulares y quien te los cargue, y otras en las que hay que tocar donde no hay nada. En estos casos resulta útil. Pero los emuladores tienen su sonido y uno los termina escuchando.

Muchos guitarristas usan emuladores de delays y se escuchan. He comparado sonidos de emuladores con los pedales originales y no son iguales, pero por ahí enchufás los dos juntos, combinás los sonidos y conseguís cosas super interesantes, que terminan siendo distintas a ambas cosas por separado. Lo que no uso son emulaciones de equipos. Prefiero ir de una distorsión a una línea y por ahí conseguís un sonido bizarro, pero más consistente que una emulación. ¿Qué le recomendás a un violero que está empezando hoy?

Que investigue. Que no se quede con lo primero que encuentra. Hoy con Internet hay acceso a mucha información. Uno puede ver y escuchar tests de guitarras, equipos y pedales. Y que piense de manera eficiente qué es lo que necesita para encontrar su sonido. Eso es lo importante en el arte, encontrar la propia voz.

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COMPACTOS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los Cd’s editados por nuestros amigos y lectores.

Por daniel Makelvintong

coMÚN Y ESpEcIAL LEo GArcíA

INÉDIToS ENANIToS VErDES

NowhErE To hIDE wATchMEN

EMocIóN, DIVErSIóN, ExprESIóN, DISTorSIóN (DVD) cIGArro MoJADo

El cantautor argentino Leo García lanza a la venta un nuevo material. Tras su vínculo con la multinacional Sony, y mediante la firma de su contrato, se decidió a editar “Común y especial”, que recopila canciones que el artista compuso entre 2009 y 2010. Las doce canciones buscan un sonido original, y para tal fin se ha trabajado amalgamando distintos estilos dentro del material. El álbum fue grabado en varios estudios de Buenos Aires, bajo la labor de diversos productores en cuanto a sonido y estilos, como Franco Favini (especialista en sonido melódico); Yul Acri (quien produce en una línea más experimental y clásica) e Ignacio Molina (experto en el sonido tecno).

Los Enanitos Verdes son un clásico de nuestro rock. Luego de establecerse en la escena local tras la creación de muchísimos hits que perduran en el tiempo y sonaron constantemente en las radios, la banda seleccionó aquellas canciones que, por una razón u otra, no fueron incluidas en los discos grabados anteriormente. Son apenas siete canciones que guardan la esencia característica del grupo. El material fue previamente entregado a los presentes en cada show que los Enanitos Verdes realizaron, y ahora pueden ser adquiridos por todos sus seguidores. Se destacan “Adicción” y “Exorcista”, entre la lista de temas.

El hard rock tiene un nuevo disco en la calle.

Watchmen editó “Nowhere to hide”, con producción propia, en conjunto con Eduardo Giardina, donde relucen melodías orientales y un sonido más moderno que en su primer trabajo discográfico. El material, que posee diez canciones más dos bonus tracks, fue grabado en In Rock Studios. “Tiempos Violentos”, tema que cierra este álbum, es utilizado por el reconocido programa de la Rock and Pop, de nombre homónimo. La banda, integrada por Iván Sencion (voz), Emmanuel López (guitarra), Leonardo Palmieri (teclados), Alan Fritzler (batería) y Sebastián Igino (bajo), nos presenta su material con un diseño oscuro, donde predomina el humo. Para los amantes de los riffs y los virtuosos solos de guitarra, este disco es una interesante opción.

Esta banda de punk que se encuentra en constante crecimiento. Damián Beltrami (voz y guitarra), Sebastián Blehm (guitarra), Diego Beltrami (bajo) y Mariano de Diego (batería) editan este año su primer material en formato dvd, que es una recopilación de temas grabados en vivo de sus tres discos anteriores: “Cigarro Mojado” (2003), “Nuevas Melodías” (2004), “El Tiempo” (2007). Con respecto a este material, el bajista manifiesta: "hacía rato que no sacábamos un disco; el último fue en el 2007 y veíamos que las nuevas canciones en ese momento estaban bastante verdes, entonces ahí se nos ocurrió sacar un dvd, y como primer testimonio en ese formato, hacerlo como si fuera un ensayo de la banda, con backstage y agregando los videoclips oficiales. Creo que de todo lo que grabamos es lo que refleja más a la banda en vivo".

EL MAr DE LAS ALMAS cArAJo

SóLo uN MoMENTo VIcENTIco

ArrIBA! rEScATE

ESpírITu SALVAJE oNDA VAGA

El quinto material de Carajo ya se encuentra entre nosotros. Grabado y mezclado en los Estudios Joder (que se estrenó con motivo de este material) entre los meses de marzo y julio de este año, el disco posee 12 canciones, dando comienzo con una introducción.

Alejandro Terán estuvo a cargo de los arreglos de cuerdas y la producción fue abordada por Ale Vázquez y la propia banda. En el tema que da nombre a este disco puede observarse que Carajo continúa por el mismo rumbo que viene transitando hace años: “Desconociendo nado en la dificultad, la vida es como un gran océano. Al mar de almas me voy a arrojar. En el mar de almas, tocar fondo o flotar”. La distorsión y la rebeldía vuelven a volcarse en un nuevo disco de la banda de Villa Ortúzar.

Luego de haber vuelto a tocar con Los Fabulosos Cadillacs (tras un esperado regreso) y haber girado con la banda con más de 50 shows internacionales, Vicentico vuelve a tomar su andar solista editando su cuarto disco. “Cachorro” López estuvo a cargo de la producción del material y colaboró en la composición de algunas de las doce canciones que integran el CD y que en su gran mayoría fueron compuestas por el ex cantante de los Cadillacs. El primer corte de difusión es el track número dos que da título al disco. “Es todo sencillo, la última mirada hacia atrás, saber el camino y así nada más”, es una de las frases del disco que muestra a un Vicentico optimista con vistas al futuro.

Salió el octavo material de esta banda evangélica oriunda de San Nicolás. Rescate muestra una propuesta más rockera, desde que decidió reducir a la mitad su formación y transformarse en un cuarteto. Ulises Eyherabide, líder de la banda y autor de las letras de “Arriba!” muestra un componente religioso, como es costumbre en Rescate, pero también se compromete con temas de actualidad. Más allá de evocaciones celestiales, existe un punto crítico en temas de opinión pública. EL material cuenta con la producción de “Tweety” González y con la participación de Juan Subirá, Súper Ratones y Ulises Butrón.

La banda uruguaya editó en este 2010 su segundo disco, reemplazante de “Fuerte y Caliente”. El disco tiene 19 canciones, donde variados ritmos mantienen la esencia que posee la banda que integran Marcelo Blanco, Marcos Orellana, Tomás Justo, Germán Cohen y Nacho Rodríguez. Este último detalló su concepción sobre su flamante material: "Las canciones de Espíritu Salvaje las ensayamos mucho en Buenos Aires; hicimos varios demos y luego fuimos al Calafate y lo grabamos en vivo. Estábamos más tranquilos, porque varias canciones las habíamos tocado en vivo en todo este tiempo, y sabíamos que funcionaban en la gente. Este es un disco muy Onda Vaga, hay folclore latinoamericano, bolero, calipso, reggae, alguna salsita y pachanga”.

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GUITARRA RITMICA

esa pequeña sección rítmica

Comenzaremos en este número con una serie de artículos en los que intentaremos profundizar en Por Facundo López Burgos el uso rítmico de la guitarra.

Me parece importante reflexionar acerca de la importancia de esto, ya que la guitarra es uno de los pocos instrumentos armónico- rítmicos con un registro relativamente extenso de los que disponemos, lo cual la coloca como rol principal en una función de acompañamiento. Es muy común que quienes comiencen sus estudios se vean atraídos por el rol solista del instrumento, pero esto es sólo una función mínima dentro de las posibilidades del instrumento (no tienen más que cronometrar una canción y calcular cuánto tiempo de la misma la guitarra hace base y cuánto solea). Comenzaremos con algunos patrones por demás básicos, viendo cómo en distintos géneros la guitarra siempre apoya el patrón básico percusivo, aportándole la armonía.

En el ejemplo 1 vemos un patrón de zamba. En casi todo el folclore argentino la guitarra se divide para apoyar el toque del bombo. Las bordonas serían el parche y las agudas el golpe en el aro.

Seguimos con un toque de bossa nova, donde nuevamente dividimos el instrumento en cuerdas graves (surdo) y agudas (tamborín). En el caso de la bossa, y

debido al poco uso que suelen darle en Brasil (al menos para ritmo) a la 1ª cuerda, consideramos agudas desde la 4ª cuerda. (ejemplo2) Por último les dejo un patrón básico de blues, donde nuevamente podemos apreciar cómo la guitarra se basa en el ritmo que marca, en este caso, la batería. (ejemplo 3) Pueden investigar diversos géneros y verán que en todos ocurre algo similar a esto. En lo personal, cuando hago base, suelo pensar la guitarra como una especie de batería. Mi costado rocker me hace pensar siempre en bombo y tambor, pero pueden aplicar este concepto a cualquier sección de percusión, siempre pensando en el sonido grave y el agudo del patrón básico del género que estén tocando.

Por consultas, dudas o clases pueden escribirme a faculb@gmail.com o visitar mi blog http://sonidodeguitarras.com. Quiero agradecer al baterista/percusionista Marcos Cioffi, que colaboró en la escritura de las partes de percusión.

Facundo López Burgos, es guitarrista y compositor. en el año 2009 edita el cd ‘si Hay…’ junto a su banda Via Varela. Trabajó junto la cantante claudia puyó en la década que le valió el premio Konex (96-07), participando en el cd La razón y La Tempestad (2001) en los roles de productor, compositor y guitarrista. en el ámbito teatral compuso música original para numerosas obras de teatro destacándose sus trabajos junto al director Jorge López Vidal y la coreógrafa Teresa duggan. Ha trabajado y/o grabado con músicos de primer nivel tanto en el ámbito nacional como internacional pudiendo citar entre otros a: Micky Huidobro (Molotov), Fito paez, daniel colombres, gringui Herrera, guillermo Vadala, pepe céspedes (Bersuit), oscar righi (Bersuit), Tito Fargo (gran Martel l), Facundo guevara, guido Martínez, Mariana Baraj, daniel 'pipi' piazzolla, y alambre gonzález, entre otros. www.facundolopezburgos.com faculb@gmail.com

46 | suplemento técnico

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SHRED GUITAR

Por silvio Gázquez

Para tocar esto, vamos a utilizar varias de las técnicas que ya hemos visto, tales como ligados, barridos, hybrid picking, etc…

Este tipo de cosas son muy usadas, tanto por gente como Greg Howe y Richie Kotzen, dos de mis guitarristas favoritos, como también por músicos más estrictamente jazzeros. Básicamente, consiste en tomar un arpegio con 7ma. y agregarle algunas notas de paso, creando cromatismos, apoyaturas y demás.

La idea es, como ya les mencioné, mostrarles cómo desde un simple arpegio, agregando algunas notas de la escala y también notas de paso, puede sonar más interesante que tocar un arpegio con barrido una y otra vez, de abajo hacia arriba y viceversa, como los que solíamos escuchar por los guitar shredders de los 80’s, tales como Yngwie Malmsteen, Vinnie Moore, Tony Mcalpine, etc.

Bueno, basta de palabras y vamos tocar… Entonces, a continuación veremos algunos ejemplos para poner en práctica estos arpegios…

Frases con arpegios 1ra. Parte ¿Qué tal, amigos? Bienvenidos a mi columna llamada shred Guitar. en este número les voy a mostrar cómo armar algunas frases, empezando desde un arpegio menor con 7ma.

Ej. 2. Tomamos el ej. 1 y le agregamos algunas notas de la escala de Mi menor.

También usamos barrido y ligados. Es importante empezar a practicar estas cosas muy lentamente e ir subiendo el tempo gradualmente, si se puede con un metrónomo.

Ej. 3. Ahora le agregamos algunas notas de paso y también, en la primera secuencia de arpegios, combinamos la técnica de barrido con el uso del dedo mayor (mano derecha), lo que sería la técnica de hybrid picking.

Ok., nos vemos en el próximo número con la 2ª parte de esta nota; veremos cómo emplear este tipo de cosas en los arpegios mayores con 7ma. o Maj7. Espero que les sea útil y que jueguen un poco con estos licks y, lo más importante, creen sus propias ideas. Cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo, topogazquez@hotmail.com. ¡Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho!… ¡Saludos!

Ej. 1. En este ejemplo les muestro cómo tocar el arpegio de Mi menor 7ma.

(Em7). Noten el uso de barridos y de ligados cuando usamos 2 notas por cuerda.

siLVio gázquez oriundo de Lincoln (prov. de Buenos aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La plata, en donde reside actualmente. en el 2008 fue contratado por una compañía de ee.uu. para filmar dVd’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso guitar secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del guitar idol 2008. en el 2009 ganó en Youtube el concurso petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: shred This (top 45); Mayones contest (top 15); give me a riff (top 10); y strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

48 | suplemento técnico

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GUITARRA REGGAE

Combinaciones rítmicas: Conclusión

Les dejo una base de 8 compases, donde podemos apreciar cómo el uso combinado de estos recursos enriquece y le Por ariel “Pae” Villanueva aporta dinamismo a una base

En los últimos números (ver nº 22 y 23) vimos diferentes variaciones que se pueden aplicar a la guitarra rítmica en el reggae. A modo de resumen, esto era: apoyar un acorde anticipándolo con una aproximación cromática (recurso tomado del blues); anticipar el acorde prolongando su duración (lo que genera una anticipación armónica); subdividir rítmicamente utilizando semicorcheas (recurso útil para descontracturar la rítmica); tocar notas mudas (sonido característico del estilo).

arieL “pae” ViLLanueVa guitarrista de riddim y dancing Mood. grabó tres discos con riddim y cinco con dancing Mood y los dVds de ambas bandas. grabó y participó en distintas bandas de reggae como: abed nego (con el cantante pablo Molina –Todos tus Muertos-), natty combo, dread Mar i y con Fausto & Banda cuenco. produjo artísticamente el disco de La Mocosa (banda de rock & roll) llamado ‘Moksha’ (2009). paralelamente dicta clases de guitarra eléctrica. apaev@hotmail.com www.myspace.com/arielpaevillanueva www.apaev.com.ar

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suplemento técnico | 49

GUITARRA TANGO Por Mariano Botto

La Convivencia Hemos visto hasta acá lo básico acerca de todo lo que se refiere al acompañamiento del “tango” en la guitarra. tenemos el ritmo “en cuatro”, “en dos” y “la síncopa”.

Cabe destacar que aún queda el “Vals Tango” y la “Milonga”; de ellos nos encargaremos más adelante. En esta nueva entrega veremos de manera práctica, sobre dos partes de “La Cumparsita”, la convivencia de los elementos vistos hasta aquí.

observaciones Para facilitar su lectura, en la Tablatura sólo pongo el acorde y en la Partitura el tipo de ritmo (en cuatro, en dos, síncopa).

Notaciones musicales: Estas barras con dos puntos significan que todos los compases, entre esas dos barras, se repiten. En el caso del ejemplo de “La Cumparsita” el tema comienza, llega hasta el compás 5 y vuelve al compás 2. Volvemos a tocar todo, pero la 2da. vez que lo hacemos vamos a la “casilla” 2, o sea al compás 6 sin tocar el compás 5.

En el compás del ritmo “en Cuatro” se especifica el acorde al principio y luego se sigue tocando el mismo acorde con el ritmo. O sea, ese tipo de anotación es sólo rítmica y se usa para simplificar la lectura.

Tanto para el que encuentre problemas con esto, como para el que lo entienda perfectamente, el hecho de sacarlos oyendo los archivos de audio de la página, les dará el toque justo como para sonar bien ¡TANGO!

El símbolo de la raya oblicua y los dos puntos significa que repite lo mismo que el compás anterior.

Mariano BoTTo fue asesor institucional y profesor de guitarra de la escuela de música y arte urbano de Lito nebbia (eMau, suterh). produjo el diseño, confección y armado del “cuaderno de trabajo para guitarra 1” y el armado de programas para todos los instrumentos de la eMau. socio fundador y profesor de guitarra de la escuela de música “el abridor” (www.elabridor.com.ar), Mariano es director de su propio grupo de tango “sobre el filo” y profesor particular de guitarra, desde 1998 hasta la actualidad. actualmente es guitarrista, arreglador y compositor del dúo de tango “el balcón” (www.duoelbalcon.com.ar) y autor del libro “Método de guitarra tango”.

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ARMONIA

acordes disminuidos y semidisminuidos en nuestra música popular, los acordes se construyen generalmente mediante la superposición de terceras, sean estas mayores o menores.

Por Jorge senno

Recordemos que un intervalo es la distancia abarcada entre una nota y otra; y en el caso de las terceras tenemos de dos tipos: terceras mayores, que poseen dos tonos, y terceras menores, de un tono y medio. Sin embargo, superponer terceras no es la única manera de armar acordes, ya que estos también pueden estar formados por cuartas, segundas, etc., dando una sonoridad más ligada al jazz y a la música contemporánea. Hoy nos toca hablar de los acordes disminuidos y semidisminuidos, tema que es bueno poner junto a la lupa, ya que frecuentemente se presta a confusión.

Los acordes disminuidos se forman superponiendo terceras menores. En el caso de la tríada disminuida (las tríadas son acordes de tres notas) la estructura sería la siguiente:

1- Acordes disminuidos con séptima disminuida Se construyen agregando a la tríada disminuida la séptima disminuida respecto de su tónica (enarmónicamente la sexta mayor), localizada a su vez a una tercera menor de la quinta disminuida del acorde.

Se los conoce como acordes disminuidos con séptima disminuida.

Esto nos da un acorde con fundamental, tercera menor, quinta disminuida y séptima disminuida. Si lo construimos sobre C sería el siguiente ejemplo y lo llamaríamos C disminuido séptima, cuyo cifrado es C dism7, C dim 7, o C° 7 (esta última denominación es la preferida).

Tríada Disminuida:

Este es un acorde con tercera menor, quinta disminuida y séptima menor. Su cifrado en C es Cm7(b5) ó CØ.

Consultas y clases: jorgesenno@gmail.com Para ampliar información, recomiendo como libro de consulta “Armonía Funcional” (Claudio Gabis), Editorial Melos/ Ricordi (2006), en el cual he colaborado.

Esto nos da un acorde con fundamental, tercera menor y quinta disminuida. Si lo construimos sobre C sería el siguiente ejemplo y lo llamaríamos C disminuido, cuyo cifrado es C dism., C dim, o C°.

2- Acordes semidisminuidos

En el caso de las cuatríadas (acordes de 4 notas) tenemos dos posibilidades:

En este caso se agrega a la tríada disminuida la séptima menor, localizada a su vez a una tercera mayor de la quinta disminuida del acorde. El resultado es un acorde disminuido con séptima menor. Más comúnmente se lo llama acorde menor séptima con quinta disminuida o semidisminuido.

Jorge senno estudió guitarra con claudio gabis, audioperceptiva con María del carmen aguilar, armonía con J. c. cirigliano y pedro aguilar, entre otros docentes. es autor de los libros “solos redondos”, “solos de La renga”, “solos divididos”, y colaboró en "armonía Funcional" de claudio gabis, editado por ricordi, además de colaborar en diferentes revistas como “el Musiquero”, “Music expert”, “recorplay” y otras. participó en shows y/o grabaciones con León gieco, claudio gabis, claudia puyó, skay Beilinson, alejandro Medina, Jorge pinchevsky, Miguel cantilo, Miguel Botafogo, ciro Fogliatta, Kubero díaz, edelmiro Molinari y otros. Tiene dos discos solistas editados: “Barraca peña” y “un Blues desde el fin del mundo”, y numerosas colaboraciones con otros artistas como músico profesional. actualmente está terminando de mezclar “en el cosmos no hay error”, nuevo trabajo discográfico grabado en el estudio del abasto. jorgesenno@gmail.com www.jorgeluissenno.com.ar

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SWEEP PICKING Por Gabriel Caparrós

Linksweep 2da. parte es la hora, ¡de transpirar las manos! Basta de cháchara, se viene lo bueno. Una buena manera de llegar a ser virtuoso es ir probando licks de mayor dificultad comenzando lentamente y subiendo poco a poco la velocidad.

En esta sección veremos sweep en 5 y algunos en 6 cuerdas, y combinación de arpegios, etc.

escala. Esto mismo podrían probarlo con diferentes acordes, como menores, disminuidos, semidisminuidos y alterados.

Recordatorio técnico: La palma de la mano que sostiene la púa tiene que rozar las cuerdas para que no suenen al aire, así evitaremos sonidos no buscados, para que suene bien y prolijo. La púa tiene que deslizarse sobre las cuerdas, no tiene que atascarse; el sentido de esta técnica es justamente lo contrario a atascarse. Si, por ejemplo estamos haciendo sweep desde la sexta hacia la primera, cuando tocamos la sexta ya tiene que estar la púa sobre la quinta y ahí ejecutarla.

Así, en todas las cuerdas. Vamos a lo que nos interesa, ¡¡a los licks!!

Ejemplo 2) Este ejemplo es para trabajar la rítmica y las posiciones de un mismo arpegio; inténtenlo a la inversa. Por ejemplo: aquí hay cuatro arpegios, el primero es el de siete notas los de cuatro y el último el de seis, podrían hacerlo, primero el de seis luego los de cuatro y al final el de siete notas.

Ejemplo 1) Este lick es un recurso muy usado en heavy metal. Partiendo de un arpegio de Sol Mayor agregamos en la primer cuerda notas pertenecientes a la

Ejemplo 3) Llegó la hora de los guitarristas a los que les gusta la fusión. El ejemplo trata de 4 tríadas diferentes: la primera es la de G (Sol mayor), la segunda es de Bm (Si menor), la tercera de D (RE mayor) y por último Gmaj7 (Sol con séptima mayor), ¡y mucho SLIDE! Espero que lo disfruten mucho, cualquier consulta pueden mandarme un mail. ¡Ciao!

gaBrieL caparrós Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de diego Mizrahi. es profesor de guitarra eléctrica y Flamenca en la escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la doble 2, y con ricardo alonso (“el griego”, ex baterista de pappo). actualmente da clases particulares de guitarra. e-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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GUITARRA JAZZ Por Juampy Juárez

Improvisación Contemporánea Uso de terceras en la primera nota visualizamos las terceras dentro de cada acorde de un blues en do Mayor. Hoy veremos los arpegios que incluyen estas terceras.

Comenzaremos con arpegios de una sola octava de extensión, que son fáciles de usar y aprender. Para la práctica recomiendo tocar las corcheas en swing (atresilladas), llevando el pie en dos y cuatro, usar metrónomo, y tocar esto con toda la gente que puedan. Una vez aprendidos los arpegios y dónde están las terceras, hay que comenzar a improvisar con este material, hasta que lo podamos “escuchar” en lugar de tener que pensarlo. Un abrazo a todos y hasta la próxima.

JuaMpY Juárez ha estudiado con grandes como pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, gene Bertoncini, Jack Wilkins, paul Meyers, sid Jacobs, Bruce arnold, y su mentor, el gran “pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos aires, Bangkok, san pablo y new York. en el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz. como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como pedro aznar, Luciano pereyra, ciro Martínez, axel, Lissa de Bandana, emme Vitale, el reloj, gazpacho, irupé Tarragó ros, y Lalo de los santos, entre muchos otros. es docente, y su proyecto más importante es el powerjazz Trío (junto a chino piazza en batería y eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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BAJO LATINO

algunas líneas interesantes Las canciones de salsa presentan dos secciones; la primera es la de la forma del tema y la segunda es la sección de improvisaciones.

Por Gonzalo alfaro

Durante una canción encontraremos momentos en los que podremos acompañar a nuestro gusto y criterio con el cifrado, que es lo que nos indica la armonía, siguiendo los patrones rítmicos y acentuaciones. Sin embargo, otras veces tendremos que respetar los obligados, que son patrones rítmicos-melódicos, los cuales deben ser tocados tal como están escritos. Dentro de los obligados tenemos a los unísonos entre el piano y el bajo; éstos aparecen en las introducciones y están reforzados por la sección de vientos. En esta oportunidad quiero mostrarles algunos unísonos de temas conocidos que encontré interesantes y muy útiles para ir adquiriendo lenguaje.

Ejemplo 1 - hachero pa’ un palo - De La Sonora ponceña / Álbum: “hachero pa’ un palo” 1968

Ejemplo 2 - calle Luna calle Sol - De willie colón y héctor Lavoe / Álbum: “Lo Mato (si no compra este Lp)” 1973

Ejemplo 3 - Indestructible - De ray Barreto / Álbum: “Indestructible” 1973

Ejemplo 4 - Tengo Testigo - De Los hermanos Lebrón / Álbum: “The New horizon” 1978

Ejemplo 5 - Sin Tu cariño - De rubén Blades y Louis ramírez / Álbum: “Spanish Fever” 1978

Espero que gusten de estas canciones tanto como yo. Así como estos, hay muchos más exponentes de música latina que valen la pena ser escuchados. Saquen temas de oído, porque de esta forma uno va tomando ideas y ablandando el toque. ¡Hasta la próxima! gonzaLo aLFaro nació en Lima, perú, llegó a Buenos aires en febrero del 2006 para formalizar sus estudios musicales. desde entonces viene tocando en diferentes bandas y trabajando como músico de sesión. su interés sin límites por la música lo ha llevado a diferentes estilos. puede desenvolverse sin problemas en una banda de metal, en una orquesta de jazz, o en una de salsa de las más sabrosas. en noviembre del 2009 fue llamado para acompañar a ralph irizarry (timbalero de rubén Blades) en una clínica. actualmente toca en pronoia (metal progresivo). obtendrás mas información en http://www.myspace.com/prono1a

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BAJO JAZZ

Improvisación sobre la cadencia II - V (Parte 3) Continuando con lo visto en las últimas notas, enriqueceremos la cadencia anteponiéndole al acorde dominante un acorde que cumpla la función de subdominante.

Por damián Vernis

En este caso utilizaremos el acorde y la escala correspondiente al segundo grado.

La cadencia II - V – I es muy usada en jazz, rock, bossa, funk y demás géneros populares. (Ejemplo 1)

bajo D Db y C. Es decir, en el momento en que suena el G7 nosotros estamos tocando sobre el tritono y generando el sonido del acorde sustituto. En definitiva, se escucharía un Db7. (Ejemplo 3)

Ahora otra idea sobre las mismas funciones (subdominante, dominante, tónica), pero esta vez sustituyendo el V grado (tanto en la armonía como en la frase melódica) por el IIb7. (Ejemplo 2)

Utilizando este recurso en el bajo generamos una línea descendente con un movimiento cromático interesante y menos brusco que de Dm a G7 tocando las tónicas. Podemos apreciarlo más en una serie de acordes más larga. (Ejemplo 4) Al tocar esta línea, la armonía que sonaría en realidad sería Em7 - Eb7 - Dm7 Db7 - CM7

Un dato interesante es que podemos tocar sobre el G7 la escala del sustituto, o sea Db Lidia b7, y de esta manera tensionar el acorde dominante (ver Guitarristas.Nº 23).

Ya que dijimos que los acordes G7 Y Db7 son sustituibles entre sí, es interesante tener en cuenta que sobre una cadencia Dm7 G7 Cmaj7 podríamos tocar con el

Es importante tener en cuenta que, dependiendo de la estética propia del estilo que se esté tocando, es posible que este recurso no funcione y sea necesario tocar las tónicas. ¡Hasta la próxima!

daMián Vernis Bajista, compositor y docente. estudió con Marcelo Torres, Juan carlos cirigliano y néstor Marconi. en el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “escuela de Música popular de curitiba”. a lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario parmisano (pianista de al di Meola), ricardo nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), nora sarmoria, Yeye López, adrián Birlis y Beto satragni, entre otros. paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por europa y estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, adrián otero. podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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suplemento técnico | 55

BAJO TAPPING

arpegios en tapping Los arpegios utilizan las notas de los acordes para ser tocadas de a una por vez; o sea, en forma arpegiada.

Por alejandro Giusti

Por otro lado, para que a un acorde se lo considere como tal, tiene que tener por lo menos tres sonidos:

Ejemplo 1: Tríada Mayor - Se forma: primera, tercera y quinta de la escala mayor.

Ejemplo 2: Tríada Menor - Se forma: primera, tercera y quinta de la escala menor.

La tónica: le da el nombre al acorde.

La tercera: define el modo (mayor o menor).

La quinta: funciona como refuerzo de la tónica (es la menos importante de las tres, y se puede reemplazar duplicando la tónica).

Ejemplo 3: Tríada Disminuida - Se forma: primera y tercera de la escala menor, con su quinta disminuida.

Naturalmente el sonido más grave de un acorde es la tónica, a ésta se la llama fundamental del acorde, y al acorde se lo clasifica como “acorde en estado fundamental”. A este grupo de tres sonidos se lo define como tríada.

Por último, les paso un ejemplo que combina los tres anteriores (ejemplo 4). Lo más importante es que suene parejo, tanto rítmica como melódicamente.

Para lograr esto, les recomiendo que lo practiquen con metrónomo, muy lento, escuchando cada sonido nítidamente. La próxima seguimos con otras formas de tocar arpegios en tapping. Saludos.

A continuación vamos a ver cuatro ejemplos sobre tríadas.

aLeJandro giusTi compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 cds con su banda: “giusti Funk corp.”, “Barrio Funk”, “arrabal eléctrico”, “plan c” y “grande de Fuzza”. entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: roberto “Fats” Fernández, pablo Mainetti, Lito Vitale, pablo rovner, daniel “pipi” piazzolla, popy spatocco, Juan cruz urquiza, nicolás guerschberg, gustavo Musso, gustavo cámara, diego clemente, pedro Menéndez, richard nam, álvaro Torres, entre otros. alejandro giusti es autor de dos libros con cd: “Bass Book de slap”, 1999 y “candombe Música afro-rioplatense”, 2008. del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music expert, que se emitía para toda Latinoamérica. podes conectarte con alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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