Guitarristas y Bajistas Magazine #23

s a t s i r r a t r i a . u G Bajistas & Un viaje a través de la música

NOVEDADES - Página 08 S.O.S - Página 10 STICK CENTER - Página 14 MANCHA DE ROLANDO - Página 18 LUTHERIA - Página 20 DS PICKUPS - Página 24 HERNÁN GARCÍA - Página 28 LITTO NEBBIA - Página 30 INFORME PEDALES ZVEX - Página 34 TESTEO BIYANG X DRIVE OD8 - Página 36 ANVILES PRO CASE - Página 38 TESTEO ROLAND MICRO CUBE - Página 40 TESTEO SCHECTER OMEN EXTREME - Página 41 LA GUITARRA - Página 42 COMPACTOS - Página 44 SUPLEMENTO TECNICO PABLO SANTOS - Página 46 SILVIO GAZQUEZ - Página 48 ARIEL VILLANUEVA - Página 49 MARIANO BOTTO - Página 50 PABLO ROVNER - Página 51 GABRIEL CAPARROS - Página 52 JUAMPY JUAREZ - Página 53 GONZALO ALFARO - Página 54 DAMIAN VERNIS - Página 55 ALEJANDRO GIUSTI - Página 56

Hace más de cuarenta años era impensado hablar de rock en nuestro país. Mucho menos se preveía que existiera una revista como esta, que se dedicara a guitarristas y bajistas. Por esas épocas recién comenzaban a cruzar el océano los primeros acordes provenientes de Liverpool. Los Beatles comenzaban a hacer eco en los adolescentes argentinos, que veían posible iniciar una nueva era musical, una nueva vertiente. Un nuevo mundo comenzaba a ser posible.

Hubo entonces un grupo de pioneros que trazaron el camino que aún hoy recorren muchos músicos en el país. Un camino imborrable. Uno de ellos es Litto Nebbia, que desde Rosario se trasladó a Buenos Aires con un puñado de ilusiones y de canciones que serán eternas. Él es quien galardona este Nº 23 de la revista Guitarristas y bajistas.ar, con una entrevista memorable. Uno de los próceres de nuestro rock repasa toda su historia con total humildad, nos muestra sus guitarras, nos habla de ellas, y nos hace viajar en el tiempo con anécdotas históricas. Te mostramos cómo fue construida la guitarra que exclusivamente le diseñó el joven luthier Ezequiel Galasso. Otra institución de nuestra música nos habla de Litto, Luis Alberto Spinetta, quien nos cuenta lo importante que es Nebbia para todos los músicos.

Dentro de la pluralidad que nos caracteriza, no sólo hay lugar para las bandas eternas, sino que también comenzamos a conocer nuevas bandas. S.O.S nos relata los comienzos de un proyecto con mucho futuro, plagado de sabiduría y experiencia. Pablo Cartageno, guitarrista, compositor y cantante de la banda, es el encargado de hacernos conocer su música.

La Mancha de Rolando se sigue expandiendo en la escena nacional. Franchie, su guitarrista, y Carlitos, su bajista, nos describen cómo es el presente de una banda que no detiene su crecimiento a pesar del paso de los años y los discos.

Como así también lo hace Oconnor, la formación líderada por el legendario cantante Claudio O´Connor y el bajista Hernán García, que mantiene su lugar en la escena del heavy metal nacional. Dialogamos con Hernán García, que hace referencia a su banda y su labor como productor.

Pensando en brindar un producto de excelencia, los tests siguen otorgando información a los músicos, sumando un plus. Pueden comenzar a escucharse los ejemplos a través de los audios que serán subidos a nuestra web. En esta oportunidad, el amplificador Micro Cube de Roland, el pedal X-Drive (OD-8) de Biyang y la guitarra Schecter Omen Extreme fueron puestos a prueba. Además, sumamos los informes del Distotron y el Fuzz Probe de Zvex.

Coordinador Daniel Pérez dperez@guitarristasar.com Editor responsable Silvia Ruggero sruggero@guitarristasar.com Periodista Sebastián Konrad konrad@guitarristasar.com Director del Suplemento Técnico Facundo López Burgos facundo@guitarristasar.com Publicidad Sergio Vall sergiovall@guitarristasar.com

La industria nacional nos da alternativas a todos los músicos. Es por eso que visitamos la fábrica de DS-Pick Ups, para mostrarles un constante esfuerzo que se traduce en calidad y precio a la hora de vender sus productos en el mercado.

Conocimos la historia, los procedimientos y los logros de DS. Como así también visitamos el show room de Pro Cases, que brindan protección a todos los instrumentos del músico.

Todo esto se acopla al sendero que venimos transitando. Se mantiene nuestra sección técnica, donde el músico puede ir nutriéndose de distintos conocimientos técnicos y musicales, sumándose al staff Pablo Santos, quien nos habla de las influencias de los bajistas consagrados, y Juan Pablo Juárez, aportando material a los guitarristas. A la hora de conocer a fondo nuestro instrumento y cuidarlo, Fanta nos aconseja con su experiencia como luthier, y Guillermo Cides nos sumerge en el mundo del stick, hablando de las variedades que presenta este instrumento y sus afinaciones.

Más de cuarenta años se recorren en este nuevo número. Más de cuatro décadas que incluyen infinidad de músicos y bandas, y que guardan siempre el mismo sentimiento. Dicho sentimiento se refleja en cada una de las páginas de esta edición, destinadas a los lectores, quienes serán los encargados de escribir los próximos capítulos de esta hermosa e interminable historia de la música.

Arte | Diagramación Sebastián Perego sebasperego@gmail.com Colaboradores Facundo López Burgos, Juampy Juárez, Pablo Rovner, Guillermo Cides, Fanta Beaudoux, Rodrigo Yacciofani, Silvio Gázquez, Damián Vernis, Alejandro Giusti, Ariel Villanueva, Mariano Botto, Gonzalo Alfaro, Gabriel Caparrós, Pablo Santos, Daniel Makelvintong.

06 | Editorial

Sebastián Konrad

Año 5º - Nº 23 | Septiembre/Octubre 2010 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 767, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A. Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A.

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NOVEDADES

Todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos.

LINE 6 SPIDER IV www.tevelam.com.ar

AMPLIFICADORES DE BAJO FENDER www.todomusica.com.ar La serie de amplificadores para bajo Rumble llegó para dominar los escenarios con un sonido potente a través de altavoces Fender de diseño especial. Siempre es posible personalizar aún más la salida, mezclando a gusto el overdrive con tonos de bajo limpio, para conseguir un sonido Fender de primera calidad. Interruptor on/off, salida XLR, EQ activo de cuatro bandas con ajustes "punch" y "scoop", asas con muelles, ruedas desmontables, y un cómodo diseño con inclinación trasera para mejorar el monitoreo en el modelo Rumble 75, todo en una resistente caja portátil. Excelente sonido y rendimiento de bajo Fender, a un precio inmejorable.

Tevelam, representante de Line 6 en nuestro país, nos acerca esta nueva variedad de amplificadores. Esta serie incluye los combos mono en 15, 30 y 75W, y los modelos stereo en 120 y 150 W. En esta última potencia también podemos acceder a la opción cabezal. El Spider IV de 15W posee un parlante Custom de ´´8, mientras que los de 30 y 75 W incluyen un parlante Celestion Custom de 12”, el de 120 W dos Celestion Custom de 10”, y el de 150W dos Celestion de 12”. La idea de estos amplificadores fue darle al usuario la posibilidad de tener presets de sonidos ya consagrados dentro del rock. Es por eso que, en base al modelo, se van agregando distintas posibilidades. En el combo de 15 W podemos encontrar cuatro tipos de sonidos: clean, crunch, metal e insane. Tanto en el combo de 75, 120 y 150

ECLER Y CORTEX www.prind-co.com La empresa argentina Prind-Co SRL continúa la estrategia comercial y ampliación de las marcas y productos, para seguir ofreciendo más posibilidades al mercado y a los profesionales locales. Como consecuencia de su perpetuo crecimiento, comenzarán a distribuir en nuestro país dos nuevas marcas: Ecler y Cortex. La primera de ellas fabrica sus productos en Barcelona desde 1965, y con más de 40 años de experiencia en el diseño, ingeniería y producción de audio profesional, es el líder europeo en mezcladores. Los primeros productos que entrarán al mercado argentino pertenecen a las líneas de mezcladores NUO, EVO y HAK, más el modelo MAC 40V. Por su parte, Cortex es una compañía de controladores de audio digitales que se especializa en acercar tecnología de avanzada a la comunidad de audio profesional. Dicha empresa se esfuerza en abrir nuevas posibilidades creativas para avanzar y revolucionar aún más la actuación musical. Estarán disponibles los dispositivos de la línea HDC, de la línea DMIX, y los modelos HDTT5000, MIXR1U (mixer montable en rack), y CHP2500 (auriculares para monitoreo profesional).

08 | Novedades

W, como así también en el cabezal, encontramos la mayor cantidad de variantes. Estos poseen distintos tipos de amplificación: clean, class A, twang, blues, hi gain, crunch, metal e insane. Y los siguientes efectos: red comp, fuzz pi, auto wah, auto swell, pitch glide, smart harmony, sine chorus, Line 6 flanger, phaser, u-vibe, opto trem, bias trem, digital delay, analogue w/Mod, tape echo, multi-head, sweep echo, reverse, lux spring, vintage plate, y tap tempo, pudiéndose usar cuatro en forma simultánea.

Además, cuentan con más de 300 presets creados por artistas, casi 200 presets basados en temas, 64 presets programables por el usuario, y afinador cromático incorporado en el panel frontal.

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LACE SENSOR www.hendrixmusic.com.ar La historia de estos micrófonos comenzó en 1967, cuando Don Lace, un diseñador de productos electrónicos innovadores, con una pasión para resolver problemas usando soluciones creativas, fue convocado por Fender Musical Instruments para resolver diversas cuestiones relativas a la fabricación de micrófonos. A finales de 1980, Lace había perfeccionado un sensor simple de forma rectangular, que se ajustaba debajo de las cuerdas. Los objetivos eran sencillos: reducir la tasa de rechazo, aumentar la fidelidad y reducir el zumbido. Lace presentó esta tecnología a Seth Lover (inventor del humbucker original), que estaba trabajando con Fender en ese momento Fender comenzó a utilizar la nueva tecnología y sus guitarras cuentan con los micrófonos diseñados por Lace. Conocidos como Fender-Lace Sensores, los micrófonos se hicieron originalmente para la guitarra Strato Plus, que ganó numerosos premios. Hoy en día pueden encontrarse en muchas otras guitarras Fender, y están disponibles en colores oro, plata, azul, rojo, en su versión simple y doble. También presenta nuevos e innovadores micrófonos como: Alumitone, Drop & Gain, Hemi, Hot Gold, Holy Grail, entre otros. Ahora podrás contar con toda la línea de Lace Music en nuestro país.

EPIPHONE LIMITED EDITION SLASH “APPETITE” LES PAUL STANDARD OUTFIT www.importmusic.com.ar Si sos fanático de Slash, no podés perderte la oportunidad que te brinda Import Music. Quizás se trate de uno de los lanzamientos de guitarra más esperados del año. Este último modelo de Epiphone combina los grandes rasgos encontrados en la guitarra original que el guitarrista de los Guns and Roses utilizó en Appetite for destruction, aún con recursos bastante económicos para el promedio que trabaja el músico. Esta serie cuenta con sólo 2.000 guitarras por todo el mundo. La misma cuenta con un diapasón de palisandro 22, equipado con níquel/aleación de plata a medio, con trastes Jumbo. La "Appetite" LP posee la característica de la firma de Slash Seymour Duncan Alnico Pro II, que proporciona la contracción del mismo, el poder y rendimiento de Slash. Estas pastillas dobles son como las que Slash ha utilizado por años, y cuentan con dos imanes Alnico. Cada nueva edición limitada viene con un estuche rígido, con una obra de arte de Slash, un certificado de autenticidad firmado por la mano del guitarrista y protegidos en un folleto de presentación de cuero sintético y 12 selecciones personalizadas de guitarra Slash. Es un paquete verdaderamente digno de una leyenda que toca la guitarra, que pone la maldad y la decadencia de nuevo al rock and roll.

GUITARRAS MARTÍN & CO. www.intermusicaonline.com.ar Las guitarras Martín & Co. ya se encuentran en el país de la mano de Intermúsica.

La empresa nos da la posibilidad de elegir entre un abanico de opciones en guitarras acústicas y electroacústicas, de origen mexicano. Entre los modelos se encuentran: X Series – DXME (cuerpo de caoba y electrónica Fishman Presys Plus), Special Edition XC1T Ellipse (cuerpo de satinwood, mango y puente de ébano y electrónica Fishman Ellipse Matrix Blend), X Series - 00CXAE – Black (color negra con electrónica Fishman Presys Plus), Special Edition DCX1E (cuerpo de caoba y electrónica Fishman Presys Plus), X Series 000X1 (acústica, cuerpo de caoba) y X Series DX1E (acústica, cuerpo de caoba). Sin dudas, la perla de las Martín es la guitarra Signature de Eric Clapton, que está construida en Estados Unidos. Se trata del modelo Vintage Series – 000-28EC Eric Clapton (cuerpo de palisandro sólido y mango, y puente de ébano), que viene en su versión acústica.

EPIPHONE LES PAUL TRADITIONAL PRO www.importmusic.com.ar Otra de las variantes que nos otorga Epiphone es este modelo de Les Paul, que llega en color ebony y wine red, e incluye una funda acolchada original de la marca. Esta guitarra tiene cuerpo sólido de caoba y un mango del mismo material, encolado. La tapa del mango es de palo de rosa, con 22 trastes que poseen incrustaciones trapezoidales. Los micrófonos, como es particularidad de este tipo de guitarras, son dos dobles bobina: un Alnico Classic Pro en el mango y un ProBucker-3 en el puente. Posee dos controles de volumen push/pull (con selectora simple/doble), dos de tono, y una llave selectora de tres puntos.

Otra de las particularidades y ventajas del producto son las clavijas blindadas Grover. Sus accesorios son niquelados y el sujeta correa es un Epiphone Straplocks.

GUITARRAS TAKAMINE www.promusica.com.ar Promusica nos acerca estas legendarias guitarras acústicas y electroacústicas. Los modelos que ya se encuentran a partir de agosto en todos los locales son: EG 124 C (Electroacústica nylon c/ corte y afinador), EG 128 SC (Electroacústica nylon c/ corte, afinador, tapa sólida), G 124 (Clásica nylon acústica), EG 320 C (Electroacústica acero c/ corte natural), EG 321 C (Electroacústica acero c/ corte negra), EG 345 C (Electroacústica 12 cuerdas acero c/ corte natural), EG 440 SC (Electroacústica acero c/ corte tapa sólida), EG 440 STCY (Electroacústica acero c/ corte), EG 260 C (Electroacústica acero c/ corte natural), EG 260 C BCB (Electroacústica acero c/ corte sunburst), EG 260 C BK (Electroacústica acero c/ corte negra), EG 481 SCX (Electroacústica acero c/ corte tapa sólida), EG 450 SMCSB (Electroacústica acero c/ corte), EG 250 SMCSB (Electroacústica acero c/ corte) y G 320 (Acústica natural).

10 | Novedades

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S.O.S

Por Sebastián Konrad

Con la música en la sangre S.O.S es una banda que aborda sus canciones y la estética con un perfil más asociado a lo internacional. Su primer disco fue recientemente editado y da fe de la riqueza compositiva de Pablo Cartageno, su líder y guitarrista, quien nos introduce en la historia de la banda.

S.O.S. es una banda nueva que, al mismo tiempo, está nutrida de conocimientos y experiencia. Pablo Cartageno (guitarrista, cantante, compositor, arreglador y productor) lleva la música en la sangre. Ya desde muy chico asistía a conciertos junto a su padre (cantante de ópera del teatro Colón) y pasaba horas encerrado, improvisando en los pianos de las salas del teatro. Esa crianza derivó en pasión, pasando por diversos instrumentos hasta que la guitarra tomara protagonismo. Luego de un comienzo autodidacta, ingresó en el conservatorio Nacional "Carlos López Buchardo", donde concluyera la carrera sumando trece años de estudio. La composición siempre ha sido su fuerte, abordándola desde los nueve años. En la actualidad cuenta con más de trescientas obras en su haber, las cuales incluyen preludios y estudios para guitarra; guitarra y flauta; obras para piano; corales a seis voces y órgano; obras sinfónicas y para cuerdas; música para anime, incidental y canciones que abarcan varios géneros. Aún adolesPablo Fernando Cartageno cente (con su grupo Éxtasis) tocó junto a Moris y Madre Atómica (Aznar, Epumer, Fontana) y rechazó dos contratos de importantes discográficas, prefiriendo el under antes que el recorte de sus temas. ¿Cómo nació S.O.S? La banda surgió allá por el 2005 cuando Nacho, uno de mis alumnos, y yo unimos nuestros proyectos para comenzar a darle vida al primer disco. Poco después se agregó Joana (hija de Pablo). Una vez escogido el repertorio, decidimos grabar en "La Urbana", con Gustavo y Fede López como operadores. Al escuchar los temas, Fede se interesó en el proyecto y quedó como baterista. En el interín, Nelson Pombal (productor de la 25) convocó a Joana para cantar en Leprechaun, banda de covers de Anime. Allí conocimos a Sebastián Martignano, bajista de dicha banda.

Leprechaun se disolvió y, encantados por la pericia de Seba, decidimos invitarlo a integrar SOS. Después de la masterización a cargo del propio Nelson, Nacho renunció inesperadamente.

Joana Fernanda Cartageno

INTEGRANTES Pablo Fernando Cartageno (voz, guitarra, teclado, midi, arreglos y producción) Joana Fernanda Cartageno (voz, teclado, piano y tin whistle) Sebastián Martignano (bajo y coros) Federico López (operador de Protools y Batería)

12 | S.O.S

¿Cómo se decidió el nombre de la banda?

La idea surgió en 1985,

gracias a Ale (su pareja), pero el gerente de marketing de la discográfica lo rechazó.

Veinte años después, reflotó la idea y así bautizamos al grupo.

A la hora de definir canciones, ¿cómo fue esa elección?

Nos gustaban muchas. Había que decidir a qué estilo apuntar, pero preferimos la diversidad. Tratamos de quedar democráticamente conformes sin olvidarnos de la calidad del material ni excedernos de la capacidad del CD. ¿Por qué decidieron incluir canciones en inglés?

Así como queda fuera de estilo un chamamé cantado en alemán, temas como "Should I wake up?" se crearon dentro de una estética norteamericana. En dicha canción se concibieron conjuntamente música y letra. El estilo es claro; en otro idioma sonaría mal. Si algún día la forma requiere italiano, francés o japonés, así se hará.

Si hay que asignarle un estilo a este disco, ¿cómo podríamos catalogarlo?

Las ideas que aportó Nacho encuadran dentro del rock nacional, pero muchos temas que compuse solo, están más emparentados con la música extranjera. Está obsesivamente elaborado, escrito nota por nota. Acá nunca se hizo nada igual. Los arreglos incluyen orquesta y complejas armonías vocales. ¿Qué bandas influenciaron en tus composiciones?

De pibe pasaba mucho tiempo en el Colón. Con un padre cantante de ópera, escuchaba Verdi, Puchini, pero también Rachmaninov y Tchaikowsky. No obstante, el que me deslumbró fue Ravel.

Otra gran influencia fue Manuel de Falla.

Yendo a lo popular, The Beatles, Led Zeppelin y lo sinfónico, sobre todo Yes con Steve Howe. ¿El próximo disco va a conservar la diversidad de estilos o tienen pensado algo distinto?

La banda va a apuntar a algo más dark-sinfónico. De hecho, ya tenemos el material del segundo CD y sabemos que así será.

Temas e ideas sobran, tenemos como para treinta discos.

Sebastián Martignano

EQUIPAMIENTO Guitarras acústicas: Martin y Guild Guitarras clásicas: Yamaha CG 150 y Estrada Guitarras eléctricas: Kramer seriada USA con Seymour Duncan y Fender Stratocaster Cuerdas: La Bella Pedales: Sams Amp Rack: Delay Roland SDE 1000 Equipos: Jazz chorus Roland

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STICK A FONDO

En esta nueva entrega de Stick Center nos parece oportuno resumir los sonidos de cada modelo a través de ejecuciones especialmente hechas para este número. Los audios de este artículo los encontrarás en la sección “Suplemento Técnico” de nuestra Web www.guitarristasar.com.ar.

Por Guillermo Cides

permiten mayor altura y ubicación de los dedos en los trastes.

CUERDAS ESPECIALES Las cuerdas no son las standards, sino una serie que fabrica D’addario especialmente para el stick, logrando un sonido limpio y con sustain.

TENSIóN Las cuerdas del stick están a baja tensión, lo que permite fácil ejecución y prolongado sustain.

Stick Ensamble Project BUSCANDO LO NUEVO Algunos años atrás, intentar saber, escuchar, o ver algo relacionado con el stick era bastante difícil, pero hoy podemos decir que hay una comunidad de stickistas en todo el mundo. A través de Stick Center, intentamos formar parte de esta especial historia editando discos, organizando seminarios y promoviendo artistas. Les dejamos aquí información del mundo de las 10 cuerdas.

EL INSTRUMENTO Generalmente los músicos nos preguntan: “¿qué música puedo hacer con el stick? Intentaremos responder esta pregunta con música; para ello, he pedido a varios stickistas que graben algunas pistas, pues en estos casos un acorde vale más que mil palabras.

Cuando un músico decide renovar su instrumento busca una buena guitarra o un buen bajo. Pero cuando decide incluirse en un nuevo instrumento que alguien ha inventado, no sólo tiene un nuevo instrumento en cuanto a su estructura, sino que también viene “en el estuche” una nueva técnica y

14 | Sticks

una nueva manera de hacer música. Esta es una nueva manera de hacer música. Básicamente, el stick consiste en una técnica similar a la del piano, pero aplicada a un bajo y una guitarra (tapping) que han sido puestos en un mismo diapasón. De esta manera, tu mano izquierda puede tocar independientemente líneas de bajos y acordes, como habitualmente lo hace la misma mano en un piano.

Con la mano derecha podés hacer solos y más acordes, al igual que un piano. Lo real es que se pueden lograr con el stick sonoridades muy guitarrísticas y de acompañamiento. Lo cierto es que su lugar es el del “stick”, complementando acordes como si de un piano se tratara, haciendo solos y líneas de bajo. ¿Pero cuáles son los secretos de la construcción de este instrumento?

Su sonido no es casual, sino el producto de varias cosas: TRASTES DE ACERO PULIDO Imprescindible para lograr un brillo y sustain necesarios para el tapping. Actualmente hay dos tipos de trastes: los redondeados, y recientemente los de “punta”, q u e

MICRóFONO Es especial y fue inventado por Emmett Chapman (ver entrevista en el número anterior). De alta captación y realmente stereo, lo que permite distorsionar la guitarra sin afectar al bajo, y con soportes de goma que eliminan la transmisión de vibraciones producida por los dedos al golpear las cuerdas sobre el diapasón.

La estereofonía es realmente necesaria para poder tocar con dos amplificadores y procesar el bajo y guitarra por separado. Actualmente hay tres modelos diferentes de micrófonos, que permiten combinaciones de sonidos activos con pasivos.

Existe la posibilidad de utilizar diferentes tipos de afinaciones. Para tener una idea sobre esto, agregamos a continuación las afinaciones básicas que se utilizan actualmente.

AFINACIONES Y MúSICAS POSIBLES STICK BASS También posee cuerdas agudas que permiten melodías y acompañamiento simultáneo. Está afinado en cuartas como un bajo estándar, pero la técnica es muy diferente. Aquí, Gustavo Vidal nos ofrece una pieza a sólo Stick Bass, con micrófono ACTV2 (que lleva EMG adentro). En la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Gustavo Vidal (Stick Bass) Afinación utilizada 1. Bb / 2. F (-4th) / 3. C (-4th) / 4. G (-4th) 5. D (-4th) / 6. A (-4th) / 7. E (-4th) / 8. B (-4th) STICK 10 CUERDAS El primer stick desarrollado, el “clásico” de los stick. He grabado primero las guitarras contrapuntísticas y luego jugué con una línea de bajo escurridiza. Esta pieza está basada en ejercicio a dos manos. Usa micrófono Standard pasivo. En la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Guillermo Cides (Stick 10 cuerdas)

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Diego Blanco Afinación utilizada Guitarra 1. D / 2. A (-4th) / 3. E (-4th) / 4. B (-4th) / 5. F# (-4th) Bajo 6. C / 7. G (+5th) / 8. D (+5th) / 9. A (+5th) / 10. E (+5th) STICK 12 CUERDAS Este instrumento permite una gran posibilidad armónica en dos grupos de 6 cuerdas por cada mano. La cantidad de combinaciones de acordes es muy amplia. Está afinado distinto al stick de 10 cuerdas. En el ejemplo, Pat Benadon ofrece su versión polirrítmica en su Grand Stick. Pueden escuchar y disfrutar a Benadon en la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Pat Benadón (Stick 12 cuerdas) Afinación utilizada Guitarra 1. D / 2. A (-4th) / 3. E (-4th) / 4. B (-4th) 5. F# (-4th) / 6. C# (-4th) Bajo 7. C / 8. G (+5th) / 9. D (+5th) / 10. A (+5th) 11. E (+5th) / 12. B (+5th) NS STICK Es un invento de Ned Steinberger (NS) y Emmett Chapman. En él es posible tocar con la técnica tapping, pero también con la técnica de dedos y púa. Utiliza micrófonos activos. El español Gerard Cerrada nos

16 | Sticks

ofrece una versión del requiem de Mozart. Pueden escuchar y disfrutar a Gerard Cerrada en la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Gerard Cerrada (Stick 10 cuerdas)

Sebastián Woscoboinik

Afinación utilizada 1. A / 2. E (-4th) / 3. C (-3rd) / 4. G (-4th) 5. D (-4th) / 6. A (-4th) / 7. E (-4th) / 8. B (-4th) STICKISTAS DESTACADOS DEL MES DIEGO BLANCO (ESPAñA - ARGENTINA) Diego Blanco combina la pintura y la fotografía con el stick. De tendencia electrónica, Blanco se caracteriza, junto a su grupo Babel, por una constante investigación de sonidos logrados con ordenadores y ritmos que provienen del folk más recóndito, como lo es la música popular del altiplano sudamericano. Pueden escuchar y disfrutar a Diego Blanco en la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Icaro (Babel).

SEBASTIáN WOSCOBOINIK (ARGENTINA) Sebastián Woscoboinik regresa con un segundo álbum en dúo con Mariano Enríquez. Llevan el stick a mezclarse en un mundo de sonidos y voces mágicas. El álbum juega todo el tiempo con sonidos envolventes, voces orientales, baterías modernas y ambientes cálidos. Excelente apuesta la de estos dos stickistas, que se tomaron su tiempo para grabar un trabajo excelente, personal y maduro. Pueden escuchar y disfrutar a Sebastián Woscoboinik y su nuevo trabajo en la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Hanare (Woscoboinik/Enríquez)

STICK ENSAMBLE PROJECT (ARGENTINA) Con Stick Center comenzamos a presentar formaciones con stickistas, mezclando ideas, estilos e instrumentos. El Ensamble toca a veces alrededor del público en forma de dúos, tríos, cuartetos y solistas, otorgándoles a los conciertos momentos muy particulares. Cuando tengan la oportunidad, no se pierdan de disfrutar de estos shows. Pueden escuchar y disfrutar al Stick Ensamble Project en la Web de la revista guitarristasar.com.ar en la sección “Suple Técnico”: Stick Ensamble (Live).

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ARDE EL ROCK

Franchie Barreiro y Carlitos, guitarrista y bajista de La Mancha de Rolando, nos introducen en la historia de esta banda, que ya tiene casi veinte años de vida y más de una docena de discos. Ambos músicos, endorsers de Schecter, cuentan cómo se sintieron seducidos por la música y cómo persisten a través de los años.

Por Daniel Makelvintong a tener todo armado, competo, y ahora pasamos a no tener nada. Igual, un gran aprendizaje fue ver a Almafuerte. Ver un ensayo de ellos es tremendo, con un micrófono, un bombo, un redoblante y dos o tres cositas, te parten la cabeza. Sin dudas es la mejor banda de rock de Argentina, lejos.

Ustedes fueron catalogados como una banda de rock barrial. ¿Piensan que cambió un poco el concepto luego de la tragedia de Cromañón?

Franchie: Es como que se dejó de usar el término rock barrial. Por ejemplo, si te ponés a analizar, los Beatles también son una banda de rock barrial porque salieron de Liverpool, una ciudad portuaria. Y, salvando enormes distancias, nosotros somos de Avellaneda. Siempre la banda pertenece a una juntada de un barrio.

Observar a los músicos de La Mancha de Rolando nos hace creer que son amigos adolescentes que están comenzando a soñar con la música. Nada parece cambiar. A pesar del paso de los años, se mantienen inalterables el compañerismo, las ganas de tocar, y la unión que forjó este proyecto apenas comenzada la década del ´90. La simpleza que les dio su barrio se manifiesta en cada frase, en cada pensamiento y en cada canción. ¿Cómo comenzaron a tocar sus instrumentos?

Franchie: Llegó un momento donde escuchábamos tanta música y tantos discos, estábamos tan metidos en el rock, que el paso siguiente era conseguir un instrumento y tocar. Así fue como conseguí una guitarra.

Estaba interesado en tocar la batería, pero al vivir en un departamento la idea no tuvo mucho éxito.

Carlitos: Yo agarré la guitarra de mi vieja, le corté las dos cuerdas de abajo y me dediqué directamente al bajo. Era “flashear” con la música del momento y tocar temas de Steve Harris o Geezer Butler.

mundo cuando tocaban.

Carlitos: Iron Maiden, Black Sabbath. De chico básicamente fueron esos, después uno de grande va ampliando el gusto. ¿Qué cambios se produjeron con el correr de los años en la banda, más allá de los cambios de formación?

Franchie: Les sacamos distorsión a los equipos, porque ya estamos más grandes... Creo que nos dimos cuenta que nosotros éramos parte del rock nacional, y era lo que nos gustaba hacer, era lo que más nos representaba. Fuimos entendiendo más el tema de la canción. Este año, que fue el año del tigre, fue un año lleno de cambios. Cambiamos de integrantes y de manager, porque el anterior nos robó.

Carlitos: Cambiar de sala de ensayo es tremendo.

Estábamos acostumbrados a determinados equipos,

¿Y la escena del rock nacional cambió demasiado desde que ustedes empezaron?

Carlitos: Con todo esto de internet, que no estaba en su momento, si hay chicos que se proponen hacer una banda y hacer cosas en serio, pueden avanzar muchísimo y más rápido. Ahora, grabar es tener una buena compu, y podés hacer un montón de cosas. Si bien siempre fue difícil tocar, hay que ser cabeza dura e ir para adelante.

Franchie: Las bandas no están en discográficas si no hacen algo primero. Las discográficas agarran bandas que ya llevan su gente, tienen su movida, y después los benefician con prensa.

Si bien es más fácil grabar, parece más difícil conseguir lugares para tocar...

Franchie: Antes, en una pizzería, en cualquier costado, tocabas. Lo que pasa es que no existía esta bol… de MTV, de tener que vestirse de determinada forma. Antes no había glamour, era tocar, y era más fácil. ¿Consideran que los avances tecnológicos favorecen lo musical?

¿Recuerdan cuál fue su primera guitarra o bajo?

Franchie: Mi primera guitarra me la compré en una librería, era una Elderly. En ese momento las casas de música no eran tan populares. Entonces, las guitarras estaban en librerías o casas de partituras.

Carlitos: Fue un Faim negro, que luego lo vendí, y cuando entré a la casa de Franchie vi que lo tenía él.

Así que lo volví a agarrar, dije: “este es mío”, y me lo llevé. ¿Qué bandas escuchaban en su adolescencia?

Franchie: Además del heavy, me gustaba mucho el rock nacional. Más hacia el metal me gustaba Sabbath, Purple, Zeppelin. Esas bandas me las sabía de memoria. Cuando era chico me volvían loco, eran increíbles. Y en la otra parte estaba el rock nacional, que te rompe la cabeza desde otro lado, porque ya uno entiende las letras. Poder ver a los Redondos o a Riff iba más allá, era el mejor fin de semana del

18 | La Mancha de Rolando

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Franchie: Cuando salió toda esta explosión de los MP3, a mi me encantó. Porque ya al tener eso le tienen que poner algo adentro. Y mucha gente empezó a escuchar música por eso.

Carlitos: Ahora en un segundo te bajas la discografía de una banda. Antes tenías que ir al Parque Centenario para conseguir un disco. ¿Cómo es tocar en el interior del país para una banda de rock?

Franchie: Los pueblos del interior, todos tienen su fiestas. Ya sea la Fiesta de la Pera o cualquier otra. Ahí nosotros tocamos mucho, y quizás gusta y se va pasando la voz, y de golpe ellos saben las canciones.

Nosotros empezamos a rodar por todos esos lugares donde la canción es lo que importa. ¿Vieron músicos que los hayan sorprendido?

Franchie: Sí, en el interior encontrás muchísimos. En todos lados hay pibes que se tocan todo y otros que no pueden tocar nada. A mí me gusta “Cuentos Borgeanos”, que no sé en qué andarán. “Las Uvas Chinches” de Avellaneda son una banda que tienen un primer disco que no lo tuvo nadie. Es impresionante cómo sue-

nan, aunque les llevó un par de años. Antes era imposible hacer un disco así. ¿Se siente presión por haber conseguido un lugar dentro del rock nacional?

Franchie: Los que más nos presionamos somos nosotros mismos. Somos nosotros mismos contra nosotros mismos. Nos gusta hacer algo diferente, algo mejor. El mundo de la música es infinito, y cada dos años tenés la posibilidad de grabar y meterle lo que aprendiste en ese tiempo.

Al principio la cosa era distinta...

Franchie: Sí, en el primer disco tenés todo perfecto, porque lo tenés ensayado cinco años. En el cuarto disco, ya tenés dos o tres cosas y las demás surgen en la sala, por el hecho de hacer un disco. Esto es un salto al vacío y lo tenés que hacer. Como la primera vez que hicimos Obras. Es el típico proyecto de un grupo de jóvenes que un día tienen éxito. Acá no hay nada seguro, pasa por las ganas de nosotros de querer estar juntos y querer tocar. Eso te une mucho y está buenísimo. ¿Y a la hora de componer todo recae en Manu?

Franchie: Él compone excelentemente, y la mayor

EQUIPAMIENTO

Criolla Alhambra

FANCHIE BARREIRO Guitarras: Schecter Tempest Custom DOH Stratocaster DOH Dragon Gibson Les Paul Fernández Stratocaster R8 Fender Stratocaster 93 Gibson Les Paul Studio Yamaha de caja

Equipos: Super Reverb Fender 73 Marshall MK2 Sondei Classic Vintage Electric (clon de JCM 800) Efectos Ibanez Tube Screamer Bassman 71 Boss DS-1

Cluster Chorus Wah Wah Dunlop Cry Baby Afinador de pie Boss CARLITOS Bajos: MusicMan Sabre 76 MusicMan 92 Schecter Stargazer Amplificador: Cabezal Hartke

parte pasa por él. Nos identificamos mucho con lo que hace, él dice cosas que hablamos todo el tiempo.

Es como la voz de este grupo social y, como nos gusta mucho cómo compone, estamos muy influenciados por eso y nos dimos cuenta que era lo que más nos gustaba. ¿Qué planes tiene La Mancha de Rolando en la actualidad?

Franchie: Seguimos en la mismo proyecto de siempre.

Nos gusta mucho tocar, zapar, hacer cosas en la sala.

Ahora va a salir un disco de Ricardo Soulé, donde estuvimos aportando lo nuestro en la grabación.

Lo veíamos haciendo discos con el mismo entusiasmo que cuando tenía 15 años. Para nosotros esos músicos son próceres.

Carlitos: Ricardo Soulé tiene ahora un Power Trío que te rompe la cabeza en mil pedazos. Hacen todo de una sola toma, porque les sale todo de taco cuando graban. ¿Ustedes se imaginan a esa edad tocando?

Carlitos: Tomando como ejemplo a un tipo como Ricardo Soulé nos dimos cuenta que sí, y pienso que lo haremos muy bien.

Heladera Ampeg Efectos: Rack SansAmp Compresor DBX INTEGRANTES Manuel "Negro" Quieto (voz y guitarra) Carlitos (bajo) Conde (piano) Franchie (guitarra) Alecco Willis (batería)

LUTHERIA

Posibilidades para mejorar la guitarra que usamos

En esta nueva nota asistiremos al guitarrista, para que conozca las diferentes variantes que existen a la hora de mejorar nuestro instrumento. Les contamos sobre los distintos micrófonos y el abanico de posibilidades Por Eduardo “Fanta” Beaudoux que existen para buscar nuestro propio sonido.

Reemplazar los accesorios es lo primero que podemos hacer para mejorar nuestro instrumento: clavijas, ceja, puente / tiracuerdas, micrófonos, circuito eléctrico, trastes. En cada uno de estos seis ítems está la posibilidad de mejorar, y mucho, nuestros instrumentos. No vamos a comenzar en orden, vamos directo al tema del sonido: micrófonos. La posibilidad es acceder a micrófonos que están instalados en las grandes guitarras, de empresas como Gibson o Fender, y las más reconocidas marcas dedicadas solamente a los micrófonos, como Seymour Duncan o Dimarzio. La guitarra que tenemos en nuestras manos, con diferencias constructivas, variedad de precio o calidad y un juego de este nivel de micrófonos, se podría resumir en esta frase: “no tengo todas las virtudes de esa guitarra que usaba STEVIE RAY, pero tengo sus micrófonos”.

La posibilidad de tener la seguridad que el nivel en cuanto a sonido y volumen que está saliendo de mi guitarra es un estándar internacional de altísimo nivel, es algo realmente bueno. Esta posibilidad, que a través de la vida de un músico sucede varias veces, es un aprendizaje de audio realmente super valorable. El color en el sonido es cada vez más importante. Si sos blusero, tanguero, jazzero o folclorista, por mencionar algunos estilos, la calidad tímbrica que se puede obtener hoy en día es increíble. Hay a la venta bellezas en doble y simple bobina… finezas.

Saber elegir, con la variedad existente, también es un tema. Lo podríamos dividir en dos grupos importantes, los Clásicos y los Signature. Estos últimos agrupan a sonidos muy específicos de grandísimos guitarristas. Los Clásicos tienen versiones de las compañías que los fabricaron originalmente, y reproducciones de alto nivel de las grandes marcas

20 | Luthería

de micrófonos. De este tipo de micrófonos, podríamos decir que son muy aconsejables y seguros para desplazarse por diferentes estilos. Un buen doble bobina puede ser muy, pero muy versátil para tocar jazz bien denso, por supuesto blues, rock, o algo pesado actual, que también es muy exigente.

Yo, como ustedes saben, me dedico a esto, es mi trabajo, entonces disfruto de un privilegio especial que me brinda el oficio, que es tocar y conocer gran parte de lo mejor que ofrece el mercado, pero tengo mi música y mis preferencias para hacerla sonar. Gibson y Fender han sacado reediciones de lo que se considera los mejores momentos de sus carreras, y estos son para mí los mejores ofrecimientos de estos tiempos, tanto los FAT 50 de Fender como los BURSTBUCKER de Gibson. Dos “sonidazos” realmente increíbles, y ambos comparten una preocupación, que es el que no se escuche el golpe de la púa, sino la “propia nota”. Y, además, el uso del potenciómetro de tono en estos micrófonos sirve para conseguir una variedad de sonidos impresionante.

Por supuesto que, además de mis actuales amores, hay unos Duncan que me encantan, los Seth Lover y los Customizados de Stratocaster y Telecaster. Dimarzio es otra opción, con una gran variedad, quizás la más extensa. Hasta ahora separamos en dos grandes grupos, pero existe un tercero, y es el de los micrófonos activos. Los activos

también intentan reproducir los sonidos de los grandes micrófonos, pero tratando de mejorar defectos de conectividad con respecto a la impedancia, y de generar una banda pasante más amplia. El punto más interesante es que son más silenciosos, el ruido de masa es realmente muy poco audible. La gente que le gusta procesar sus instrumentos los prefieren, por el bajo ruido de masa, y porque su relación con los procesadores es mucho mejor.

Hay dos grandes marcas, que son EMG y BARTOLINI. El primero es el más difundido en Argentina y en el mundo, y su característica es que el circuito está dentro del propio micrófono, haciendo que el sistema sea muy sólido y casi no existan las roturas. En nuestro país ya hay un muy buen desarrollo en este tema; empresas como DS Pickups poseen un buen catálogo y consiguen buenos sonidos. También existe gente como ARDIZZI Pickups, que fabrican totalmente a mano y hacen reparaciones. Como verán, el panorama es extenso y de gran calidad, lo que permite que, instalando micrófonos como los mencionados, obtengamos un instrumento de mejor calidad y seguridad en el sonido.

Un consejo es que, cuando cambiemos los micrófonos, los acompañemos con el resto del circuito, potenciómetros, llave y jack, y un cableado con cables estañados para preservarlos de la humedad. El probar, escuchar y conocer sobre este tema va en dirección a que obtengamos sonidos particulares, distintivos de nuestros instrumento, y que cada uno pueda estar orgulloso del sonido de su guitarra.

En la próxima nota seguiremos CUSTOMIZANDO nuestra guitarra.

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DS PICKUPS Por Sebastián Konrad

DS PICKUPS nació en el 2001 por un hecho singular que marcó el inicio del proyecto. Darío, guitarrista y luthier desde hacía varios años, se encontraba trabajando con un alumno en el diseño y la construcción de una Telecaster. Al llegar la etapa final de elección de los accesorios para ese instrumento, este alumno apareció con un micrófono TeleBridge que tenía su bobina cortada. Por entonces, el taller de su padre (Donald Soich) contaba con dos máquinas bobinadoras que habían estado inmovilizadas durante algunos años, pero que se encontraban en perfecto estado. En ese momento le propuso a Donald rebobinar ese mic y darle "vida" al instrumento por terminar. “Teníamos, afortunadamente, un antiguo carrete de alambre de cobre adecuado para ese modelo y, después de algunas adaptaciones en la máquina, ¡reparamos el pickup! Así nació DS PICKUPS”, enfatizó Darío Soich. ¿Qué características particulares podés destacar de los productos que ustedes fabrican? ¿Y con respecto a la variedad?

Una característica esencial que nos define como empresa es haber sido capaces de combinar en un mismo producto aquellos elementos “tradicionales” que caracterizan a los mejores micrófonos en la definición del sonido, y ciertas propuestas innovadoras en los insumos que utilizamos para el ensamblado (por ejemplo, circuitos impresos de fibra de vidrio, conectores rápidos para el conexionado, etc.). También es de destacar que cada

24 | DS Pickups

Expandiendo las fronteras del sonido DS Pickups es una empresa nacional que busca la excelencia en el sonido de guitarristas y bajistas. En esta oportunidad, visitamos la empresa y hablamos con Darío Soich, para mostrarte el esfuerzo que requiere lograr un producto competitivo en el mercado de la música.

mic que sale del taller es ensamblado manualmente, es decir, recibe una personalizada y artesanal atención que, en definitiva, lo diferencia de aquellos otros productos a gran escala que muchas veces presentan deficiencias técnicas y estéticas importantes. Para poder ofrecer estos micrófonos completamente diseñados y producidos en nuestro país fueron imprescindibles mi experiencia en EE.UU. como luthier junto a Axel Rudich entre los años 1997 y 2000, algunas visitas a la NAMM en Los Ángeles, y la oportunidad de charlar, aprender y visitar importantes diseñadores de instrumentos y micrófonos de ese país. Esto me permitió adquirir una gran experiencia, que se sumó a la larga trayectoria de Donald Soich como ingeniero y especialista en bobinados. Pero no estamos solos en esta iniciativa; también Pablo y Bruno, que trabajan en nuestro taller, son piezas fundamentales del proyecto. En suma, este equipo de trabajo ha hecho posible contar en la actualidad con más de 50 modelos que incluyen micrófonos simple bobina y dobles en formato simple para Strato® y Tele®, variados humbuckers, P-90/P-94, Jazz Bass, Precision, P-J, y nuestra exclusiva línea Custom Shop. ¿Qué exigencias existen hoy en el mercado local?

Las exigencias del mercado local, como en el resto del mundo, son tanto de índole técnica como también estética. La calidad de un mic está definida tanto por su diseño como por la terminación que el fabricante le ofrece al público. Eso es algo que siempre tuvimos pre-

sente y seguirá siendo uno de nuestros principios fundacionales. Así, somos muy exigentes desde el punto de vista técnico, pero también meticulosos y detallistas en el ensamblado manual de cada mic. Y esa propuesta creo que la gente (consciente o inconscientemente) la fue percibiendo, y hoy es uno de nuestros pilares como empresa. ¿Cómo es la selección y el trabajo con los insumos que ustedes utilizan para la fabricación?

La selección de los insumos supone ser muy exigente con la calidad de cada uno de los materiales que componen el mic. Algunas piezas las importamos de EE.UU., otras son fabricadas en la Argentina. Cuando, comparativamente, comprobamos que un insumo puede ser provisto por una empresa local con la misma o mejor calidad que la norteamericana, preferimos trabajar con proveedores locales que producen realmente bien aquí. Creo que esta actitud no sólo permite abaratar costos, sino que también plantea una cuestión estratégica de generación de empleo y profundización de saberes locales que nos interesa apoyar. Sólo es cuestión de encontrar los proveedores adecuados para cada componente necesario. ¿Cómo se vinculan con el mercado internacional?

Actualmente estamos trabajando en Brasil y Bolivia, aunque en una etapa incipiente. Preferimos ir “paso a paso” por un sendero firme y no apresurarnos en la ini-

Guitarristas y Bajistas.ar

PRODUCTOS GUITARRA Humbucker: Alnico AH1 / AH1-T AH2 / AH2-T AH3 / AH3-T Humbucker: Cerámicos P-CLASSIC EXPRESSION IMPACT DISTORTION Strat: Single-Coil Alnico GYSPY VINTAGE BLUES VINTAGE COOL VINTAGE

ciativa, si bien reconocemos la trascendencia que tendría para DS el lograr una salida importante al exterior.

Varios artistas reconocidos han elegido utilizar sus productos. ¿Cómo se da esa relación?

Trabajar con músicos y artistas profesionales es, sin lugar a dudas, uno de los aspectos más importantes, enriquecedores y divertidos en el diseño de micrófonos.

Siempre las últimas pruebas que se realizan en los prototipos son de tipo perceptivas y no técnicas y, para eso, nada mejor que los músicos profesionales para testear los mics y sacar conclusiones.

Así, la relación que DS PICKUPS entabla con los artistas es un ida y vuelta permanente donde, por un lado, se pone a disposición de ellos nuestra experiencia, conocimientos e insumos para “modelar” y buscar ese sonido particular que desean para su instrumento y, por el otro, ellos nos ofrecen un testeo riguroso para nuestros modelos.

Siempre les estoy profundamente agradecidos a todos los músicos que, con sus críticas y sugerencias constructivas, nos confirman que no hay más sano ejercicio que la puesta en diálogo de cada experiencia.

Sólo para citar algunos nombres reconocidos de la escena local, Claudio "Tano" Marciello, Don Vilanova, Ricardo Tapia, Yalo López, Litto Nebbia, Osvaldo Zabala, Ariel Minimal, Raúl Porchetto, Bruno Signaroli (Nonpalidece), Bonzo Morelli, “Fósforo” García (Pez), Martín Porto, Hugo Méndez, Javier Viñas, Luis Cardoso, Maycown Reichembach, Javier Torrecillas, Sergio Arias, Miguel Sigales, Chowy Fernández, Patricio Tomaselli, Florencia Ruiz, entre muchos otros.

Y aprovecho la ocasión para invitar a los músicos a acercarse, recibir un trato personalizado ¡y diseñar juntos los mics más adecuados a sus necesidades y proyectos artísticos!

Strat: Single-Coil Cerámicos SC CROSSROADS SC HOT-STUFF Strat: Hum-Canceling H-STRATO .06 H-STRATO .05 STACK .06 STACK .05 STACK .05 PLUS Tele: Single Coil TELE NECK II TELE NECK V TELE BRIDGE II TELE BRIDGE V Tele: Hum-Canceling H-TELE .05 H-TELE .06 P-90 Custom DS-71 P-90 Vintage DS-70 P-90 Hi-Gain DS-72 AR JAZZMASTER DS-39 BAJO JAZZ BASS II JAZZ BASS V JAZZ BASS V – 5 CUERDAS PRECISION V P-J V SERVICIO CUSTOM SHOP PRESENTACIóN DE LOS MICS Cajas de madera (cedro lustrado) con tapa de acrílico deslizante, que incluyen: • Clara identificación del modelo • Completo set de instalación (incluye tornillos, burletes, resortes, etc.)

• Manual de instalación y diagrama de conexionado ¿Por qué el packaging de DS Pickups es único?

• Diseño exclusivo y elegante presentación • Clara visualización del producto • Respaldo de confianza para el vendedor y cliente • Envase extra seguro • Fácilmente transportable

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DS Pickups | 25

HERNáN gARCíA Por Sebastián Konrad

Yerba mala nunca muerte Oconnor resiste el paso de los años y ocupa un lugar privilegiado en la escena heavy local. Pensando en el séptimo disco de estudio, Hernán García, bajista y productor, nos describe las fortalezas de una banda que ya superó la década de existencia.

Fue un Faim hermoso, nada que ver con los de ahora. En su momento, sufrí mucho cuando lo tuve que vender. ¿Qué bandas te influenciaron en la adolescencia?

Cuando tenía 8 años escuchaba Van Halen, Queen, Kiss, y también artistas pop. Ya de adolescente, me agarró por el lado de Judas Priest, Black Sabbath, Yes, Rush, Led Zeppelin y demás. Comúnmente escucho de todo. A todo le encuentro algo bueno. Hoy en día muchas cosas que escucho o compro tienen que ver con quién está produciendo el material. Varios son discos de hip-hop. ¿Cómo fue comenzar allá por 1998 un proyecto con Claudio O´Connor, un referente del metal nacional?

Bastante duro, pero un muy buen aprendizaje artístico. Sobre todo, pude aprender a tener un grupo en vida a través de los años, que no es poco. ¿Qué cambios (además de los músicos que pasaron por la banda) se produjeron desde aquel comienzo hasta la actualidad?

La verdad que son muchos los cambios, en todo sentido. Desde los músicos, que lamentablemente no podían lograr el compromiso para darle vida a esto, como así también el rumbo de cada álbum, las buenas, las malas, los managers, las disqueras, la panza, y tal vez las canas. ¿Qué pensás que los llevó a ser una de las bandas más reconocidas del ámbito local, y a tocar con Metallica, Megadeth, Heaven and Hell, entre otras bandas?

Creo que puede ser la permanencia, y por otro lado también el valor de nuestra obra. Algo bueno debemos tener...

Transcurría el año 1998 cuando Claudio O´Connor, ex vocalista de Hermética, pensaba en formar un proyecto paralelo a Malón, su banda por aquella época. Malón terminó por disolverse y nació así un proyecto que llevaría su propio apellido.

es Walter Curri, que además de ser un gran guitarrista hacía compra-venta de instrumentos. Entonces, además de verlo tocar, tenía acceso a baterías, bajos, guitarras, etc. Y seguramente algo de fábrica debo haber traído yo.

En forma conjunta con Hernán García encabezaron esta idea, que no se encasilló en el heavy metal tradicional, sino que disco a disco fue experimentando distintos caminos. Acerca de dicha madurez nos habla el bajista Hernán García, quien con el tiempo también tomó las riendas de la producción de la banda.

¿Realizaste estudios o fue un aprendizaje autodidacta?

A nivel estudios te podría decir que no estudié mucho. Yo creo que mi delirio siempre fue escuchar música y tomarme esto muy en serio de chico.

Tal vez sí fue un aprendizaje autodidacta con respecto a los formatos de canciones que escuchaba.

La música nutre mucho a los músicos.

¿Qué te motivó para comenzar a tocar?

Yo creo que fue un poco por tener un tío músico, que

28 | Entrevista a Hernán García

¿Cuál fue tu primer bajo?

¿Por qué creés que cierta parte del público a veces no se muestra a favor de la banda, cuando tocan como soporte en esos shows?

Muchas veces nos ha tocado formar parte de espectáculos con artistas que, en su género, son bastante ortodoxos. A muchos de ellos los admiramos mucho, pero me parece que O’Connor no es para nada ortodoxo ni sectario. Puede que a algunas personas eso no les agrade mucho. O’Connor es un grupo que hace muchos años tomó la decisión de no encerrarse y de poder renovarse artísticamente disco a disco. Esto sin querer te hace un poco diferente. ¿Que te llevó a tomar la decisión de ser productor artístico?

En los primeros discos la producción artística era compartida, hasta el tercero (Dolorización). Ahí sentí ganas de ponerme la cosa al hombro, ser el único responsable, con lo que eso significa. Por supuesto, con el consentimiento de mis compañeros. De ahí en más empecé a producir nuestros discos y a aprender lo que es plasmar una obra en una cinta. ¿Qué cambia en vos al asumir ese rol dentro de la banda?

En realidad no sé qué cambia. Siempre hago lo mismo, trabajo mucho en O’Connor, no conozco otra forma de trabajar...

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¿Producís artísticamente otras bandas en la actualidad?

El único trabajo fuera de O’Connor fue el disco de Los Violadores (Bajo un sol feliz), que para mí fue un gran desafío; primero porque era mi única producción fuera de mi banda, y segundo por que no iba a trabajar con pibes que recién empezaban.

Por suerte tuve buena piel con ellos, son buena gente, No tardaron mucho en entender cómo me imaginaba el disco y qué quería hacer con ellos.

Me gusta lo que logramos juntos, es un buen álbum. ¿Qué planes tienen a futuro con la banda?

Lo más próximo es la grabación de nuestro nuevo disco. Hace cuatro meses que estamos trabajando

en la pre-producción. Lo vamos hacer en los estudios El Pie, donde ya hicimos Naturaleza Muerta (último cd de la banda) y tengo la suerte de seguir trabajando con Juanjo Burgos que, a mi criterio, es el ingeniero de grabación más acertado para una banda como O’Connor.

FRASES PARA DESTACAR “O’Connor es un grupo que hace muchos años tomó la decisión de no encerrarse y de poder renovarse artísticamente disco a disco...”

“Siempre hago lo mismo, trabajo mucho en O’Connor, no conozco otra forma de trabajar...”

EQUIPAMIENTO Spector 80' Gibson rd-artist 79' (circuito activo MOOG) Amplificador SWR SM-900 2 Gallien-Krueger neo-412 (parlantes de 12”) Compresor Drawmer Stereo DISCOGRAFÍA Hay un lugar (1999) Yerba mala nunca muere (2000) Dolorización (2002) Vive siempre (2003, en vivo) El tiempo es tan pequeño (2004) Estamos pariendo (2006) Naturaleza muerta (2008) La década tour (2009, en vivo)

LITTO NEBBIA

Litto Nebbia, uno de los pioneros del rock nacional, recorre toda su historia, desde sus inicios en Rosario. Nos habla de La Balsa y de sus inagotables sueños como músico. Un reportaje imperdible con uno de los personajes más destacados de la música argentina.

Fotografía realizada por Rafa Paz

Por Sebastián Konrad

El arte de componer canciones

Los innumerables árboles, la paz y la armonía que reinan en Tigre, dibujan el paisaje ideal para Litto Nebbia.

Lejos de la ciudad y de las urgencias, él encuentra allí su refugio, su lugar. Con sólo entrar en una de las salas, se logra comprender que su universo gira en torno a la música. La enorme cantidad de discos, de libros y de instrumentos que lo rodean, explican porqué decidió desde joven hacer de su vida una obra interminable.

La experiencia que nutre su extensa carrera es convertida en sabiduría, que se transmite en cada una de sus palabras. La música es inherente a él. La lucha por el arte también. Es por eso que a la hora de realzar una obra ajena, lo hace. Y a la hora de detractar a las discográficas multinacionales y a los personajes que atentan contra la música, es el primero en exponer su postura.

Con ese espíritu incansable nos introduce en su historia, hablando de los mitos del rock, de sus costumbres y sus gustos, hasta llegar a su actualidad como músico.

Tomaste la decisión de venirte a Buenos Aires impulsado por tus sueños, ¿cómo fueron esos primeros momentos?

El éxito de Los Gatos era una cosa arrasadora. No era como ahora, ni siquiera Soda Stereo era así. En ese momento no existía lo masivo y nosotros estábamos primeros en los rankings de 12 o 14 países.

Estábamos relacionados con el comienzo de los Beatles; a todos los lugares donde íbamos había mujeres, era un quilombo. Teníamos mucha gente que nos adoraba, y otros tantos que nos tenían envidia porque no llegaban donde querían.

Vos trabajaste como bajista, haciendo reemplazos, y también con Los Gatos en La Cueva. ¿En ese momento Sandro también estaba con ustedes allá?

Sandro habrá ido un día a tomar algo, nada más. Ahí no pasaba nada, te tomabas un whisky a las 3 de la ma-

30 | Entrevista a Litto Nebbia

ñana, pero no había drogas ni nada. Alguna vez habrá ido, pero no es que “La Cueva es de Sandro”.

Nosotros laburamos nueve meses allá, éramos el número estable con Los Gatos y lo usábamos para pagar la pensión. En esos nueve meses sólo lo vi una vez a Sandro. Se inventa demasiado, y las cosas verdaderas nunca las sabe nadie.

rábamos con quien grababa el disco, todos tocábamos para el otro. Teníamos en claro que la palabra fusión era mezclar las disciplinas, no bajar el nivel. Era producir una alternativa de música. Ahora ocurren pocas reales fusiones, pero falta profundidad de investigación. La fusión es mezclar con naturalidad distintas escuelas, porque todos venimos de lugares distintos.

Allá por los comienzos comenzaste a fusionar tu música con otros estilos. Fuiste un pionero en amalgamar distintas vertientes musicales...

A veces dicen que yo me separé del rock. Yo nunca me separé de nada. Lo que sucede es que yo quería hacer ciertas cosas que nadie quería hacer. Los rockeros de turno, de ese momento, pensaban que la música brasilera no tenía onda, o que Los Beatles no tenían swing.

Yo empecé a codearme con tipos que tenían un espectro cultural más amplio, que eran más abiertos.

En los ´70 toqué con músicos como Domingo Cura, Dino Saluzzi, Chango Farías Gómez, Manolo Juárez, Osavaldito López, “Negro” González, el “Chivo” Borraro, Rodolfo Alchourrón, Néstor Astarita, el “Gordo” Fernández. Ellos tenían otra mentalidad y por suerte los encontré y me mezclé con esos tipos.

Antes había más tiempo, menos vorágine...

Para mí, este avance que ha tenido en el mundo el querer ser famoso y tener plata ha hecho que el arte baje.

Cuando digo esto, no lo tomo con los músicos que me gustan, ni mi vida personal, pero tengo un libro que trae el ranking de todos los meses durante 25 años, donde todos los discos son impresionantes. Hay discos de Frank Sinatra, de los Beatles, The Animals. Si vos agarrás el ranking hoy, es una mier… Antes hacías buena música y también te hacías millonario, no es que no ganaban plata. Entonces me pregunto, porqué se permitió torcer este negocio, que no haya creatividad.

También pasa con el cine, no hay guionistas, no sé qué pasa. Debe ser un momento de la historia de la humanidad que quizás dura 20 años. Desde los ´80 en adelante comienza esto “light”, esto superficial, y cada vez va en mayor ascenso. Para mí esto no tiene futuro, no tiene volumen 2. Ahora hay grupos que siguen 200.000 personas en Europa, pero eso no es arte. Arte es un tipo que se encierra tocando en una pieza, estudia, y después, si puede llegar a tener éxito es una gloria. Sólo se piensa en pasarla bien...

¿Hoy en día hay una apertura mental mayor en los músicos?

Ahora hay una apertura mayor, es natural que entre un violinista a tocar. A nosotros, cuando tocaba con Domingo Cura, nos querían matar. En el ´72 toqué en un boliche dos noches en Villa Gesell, y después de mí tocaba Mercedes Sosa. En esa época cantaba “El Bohemio”, y ella en una charla dijo que no era una zamba porque no tenía la medida. Pero yo soy músico, no modista, y no hago jazz, pero toco cosas así.

Una cosa que hay que rescatar es que, si bien hay apertura a mayor nivel, en aquella época, todos colabo-

¿Antes no se pensaba en pasarla bien? ¡No! No te quiero decir que fuera uno un torturado. Claro que teníamos cosas propias de la edad, pero siempre pretendíamos que el disco que venía fuera mejor que el anterior. Vos fijate que hoy en día hay tipos que tardan 5 años en grabar un disco, y cuando sale el nuevo es

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igual que el otro. Todo tiene que ver con el dinero.

Considerás mejores los discos de antes...

Discos nuevos tengo poquitos, no hay demasiadas cosas nuevas que sean buenas. En Londres fui a una disquería donde me compré muchos discos de bandas nuevas, hasta de tipos que ni conocemos acá. Hay discos que están bien. Todos dicen que suenan bien, pero si hoy no sonás bien tenés que ser un bol…, con toda la tecnología que hay. Lo más feliz que escuché suena parecido a algo. Entonces ahora valorás más todavía qué bárbaro es un disco como “Foxtrot” de Genesis o “A passion play” de Jethro Tull. Cuando escuchás los discos nuevos no pasa nada. Tampoco hay obligación, no es que cada cinco años tiene que cambiar la música en todo el mundo y salir una banda como Beatles.

Son épocas, son etapas. Yo creo que la etapa ´60 en adelante fue muy fuerte, persiste, y aún no hay nada que lo reemplaza. Quizás no deba haber algo que lo reemplace, pero lo nuevo es todo negocio. ¿Creés que en el ambiente del jazz también está devaluada la música?

En el jazz hay tipos que tocan bien técnicamente, que salen de altas escuelas de EE.UU., pero no llegan en cuanto a lenguaje. Les falta calle, les falta eso que encontrás en discos de Bill Evans, Miles Davis, Chico Hamilton. Ellos te pasan por arriba, ahora todo es más confortable. Esto no pasa “porque todo tiempo pasado fue mejor” o porque soy antiguo, es porque los discos de antes están mejor.

Pasaba lo mismo con los tangueros o los jazzeros en esa época...

En esa época con los tangueros ocurrió una cosa. Realmente a los tangueros, en los años ´60, cuando murió Troilo, se les desarmó el trabajo, no tenían trabajo. Ese desarme coincidió con una visión periodística y empresarial que inundó el ambiente, diciendo que “los chicos jóvenes quieren otra cosa, los tipos son todos viejos y el tango es para cornudos”. Se decía cualquier cosa, y los tangueros sintieron que perdieron todos y que la nueva ola “les cortaba las piernas”. Yo me volvía loco

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por el tango, pero hice un grupo como Los Gatos, no iba a comprarme un bandoneón, no se me ocurrió. Se me ocurrió hacer mis canciones con mi problemática, dejarme el pelo largo. Tengo dos anécdotas. Cuando estaban los carnavales de Comunicaciones, los organizadores llevaban un conjunto de tango, uno de boleros y un número de la juventud. Los Gatos tocaban en el de la juventud. Cuando terminó de tocar Aníbal Troilo subimos con Los Gatos, y cuando ellos bajaban ni nos mirábamos con los tipos, como si fuéramos enemigos.

Más de treinta años después tuve la suerte de producir discos del último cantor de Troilo, Tito Reyes, que era quien cantó esa noche. Era un divino, un extraordinario, y me hice amigo de él, y me enteré que era uno de los que bajaba del escenario en ese momento. Y me sentí un tarado. En ese momento pensaba: “mirá con qué cara nos miran estos”, y ellos pensaban lo mismo de nosotros, y en realidad no era así.

La otra anécdota es que en la revista Gente me invitaron a un evento que unía músicos del tango y del rock de esa época. Cuando llegamos estaban los fotógrafos y periodistas, y el moderador lo empezó a plantear como una especie de “match”; a mí me agarró una bronca bárbara y me fui, porque me habían engañado. Yo pensaba en algo fraternal, donde ellos pudieran contarnos sus cosas, sus historias de la noche. A la semana siguiente salió la nota “Tango vs Beat”, y yo en un recuadro salía como el renegado, el que no quería participar, y me prohibieron nueve años en esa revista, como persona no grata. Luego terminé saliendo como personaje del siglo.

Primero era prohibido y luego personaje del siglo, entonces, ¿cómo es? Las confusiones se dan por los medios, porque nosotros no teníamos bronca.

Tiempo después terminaste haciendo producciones con tangueros, ¿cómo fue revertir esa imagen que se había generado?

En RCA, cuando nosotros grabábamos teníamos que ir al estudio, y como el estudio de música estaba en el fondo, teníamos que pasar por los estudios donde grababan los otros estilos. En una de las salas estaban Goyeneche y Troilo. Imaginate que no iba a pensar que iba a terminar produciendo discos de Goyeneche y que iba

a vivir a unas cuadras de Melopea.

A mí me gustaba el tango, y cuando pasamos estaban ellos sentados y no se me ocurrió saludarlos, porque tenían mala cara. Pero era porque estábamos influenciados con que el tanguero nos quería matar por el pelo largo. Pero eso sólo lo inventó el ambiente. Tuve luego la suerte de conocer a muchos de ellos y hacer discos.

En la época más triste y sangrienta de nuestra historia tomaste la decisión de exiliarte. ¿Qué te llevó a viajar a México?

Nunca me enteré porqué, pero estaba prohibido en un montón de lugares, me decían que me iban a matar. De hecho, me llevaron a un lugar de la fuerza y me tuvieron ahí. Cuando decidí irme de viaje, me secuestraron el pasaporte y me lo hicieron ir a buscar otro día al lugar donde me habían tenido. No tenía un mango, no daba más de los nervios. No podía tocar nunca, no me dejaban tocar porque era una persona prohibida.

Llegué a México con 60 dólares. Los mexicanos son extraordinarios. Me ayudaron seis o siete tipos, me consiguieron lugares para tocar y terminé alquilando un departamento. Me dieron un piano y empecé a laburar, pero era un artista nuevo porque no te conocía nadie.

Más allá de ser un músico que ha tocado muchos instrumentos, ¿hay preferencia por alguno de ellos?

Es indistinto para mí. A través del tiempo logré comprender cómo debo tocar la guitarra cuando toco el piano, y al revés, siempre dentro de mi onda. Esto ha hecho que nunca me dedicara a ninguno en demasía y no llegue a ser un virtuoso. Por una cuestión de dedicación, estudios y tiempo, tengo mi técnica como para comprender, tocar e improvisar, pero nunca lo hice con el ánimo de ser un gran instrumentista. Yo soy muy hincha b… con el tema de las armonías, entonces es un mundo, tanto en la guitarra como en el piano. Uno va moviendo la armonía y van saliendo melodías y los contrapuntos que vos inventes, entonces he sido siempre muy buceador a la par. He tenido pocos grupos con guitarras, porque meto tantas cosas con el piano que no podría improvisar con mis compañeros. Entonces, hace unos años hice algo más eléctrico para poder desempolvar las guitarras

Entrevista a Litto Nebbia | 31

y he grabado tres discos. La banda es La Luz, donde tocaba Ariel Minimal, que toca fenómeno. El ida y vuelta en el piano y la guitarra hace que salgan cosas maravillosas de los dos, pero en cierta forma son distintas porque yo no he sido un estudiante ortodoxo, sino que todo lo he ido aprendiendo sobre la base de la composición que me emergía. Soy un tipo que desde muy chico tiene la conciencia que tiene que hacer una canción original, distinta. No debe ser parecida a otra. Hoy en día ya tengo un estilo inconfundible, pero ya desde ese momento busqué la originalidad.

Si me pedís que toque con la viola sobre “So what” de Miles Davis, puede que me salga mal, pero puedo tocar cosas más complejas porque las hago sobre un terreno natural, que lo armo yo. Nunca tuve que tocar nada obligado, nunca hice un laburo donde yo tenga que tocar una música que no siento y deba cumplir. Yo escribo mis partituras, pero no sé leer a primera vista, porque nunca tuve un laburo donde lo deba hacer. Yo toco todo de memoria, cosas que tienen muchísimos acordes. Pero eso forma parte de un lenguaje que se fue armando. ¿Sos de componer más con la guitarra o preferís hacerlo con el piano?

El piano es muy bueno y este lugar tiene un silencio infernal. Te sentás a tocar, suena todo bárbaro, pero un día agarrás la guitarra acústica y sale un tema divino.

Es indistinto. A veces también prendo algo electrónico y hago un tema con un sintetizador o una viola eléctrica.

Trato de usar todo los recursos posibles. Si bien siempre es más accesible el piano, porque está ahí siempre para tocar. ¿En este momento, qué amplificadores utilizás para tus guitarras eléctricas?

Tengo dos amplis de miniatura. Uno Fender y otro Roland Micro Cube. Suenan bárbaro.

A la hora de seleccionar músicos, ¿en qué se basa dicha elección?

Sin un buen baterista uno no puede tocar. Es el pulso, es la sangre. Yo prefiero los bateristas musicales, que son los que les gustan a los compositores. Por ejemplo, Moro era lo mejor que hubo dentro del rock. El tipo se volvía loco por armonías de artistas brasileros y no te daba esa imagen. Él sabía tonos de canciones brasileras y por ahí venía con unos tonitos y una melodía y me pedía que le hiciera canciones.

Para mí se debería incluir que los baterista deban saber tocar el piano, pero no para ser pianistas, sino para que el tipo sepa lo que los compañeros están tocando. Yo siempre trato de tocar con gente que me gusta cómo toca, y que a ellos les gusta lo que hago. Si no, esto parece un laburo, un laburo cualquiera. Si hay un tipo super virtuoso que puede tocar lo que hago, pero no le gusta mucho, yo me aburro.

¿Por qué pensás que surgen tantos talentos de Rosario?

Puedo decir algunos datos, nomás. Estaba el puerto e imperaba la mafia, hasta que vino la limpieza. Yo de chico con mis viejos iba a muchos lugares, lugares donde ningún pibe de mi edad iba. Porque mis viejos tocaban los dos. Tocábamos y la farra terminaba a las 4 de la mañana, y nos íbamos al café y se quedaban hasta las 7 u 8 de la mañana.

Las orquestas se quedaban a vivir dos meses en Rosario, era como un lugar encumbrado. Entonces a mí me parece que eso le ha dado mucho movimiento. Y después, hay una cosa rara que tiene que ver con la localización del lugar. Rosario no es propiamente dicho el interior. Todos piensan que si vienen a Buenos Aires tienen que venir con algo preparado que no sea parecido a algo de acá, es como una lucha.

Nosotros queríamos venir a dar una prueba. Porque si no venías a Buenos Aires no podías vivir de la música.

Había que ser original, traer algo nuevo, y como yo tenía ya mis temas, ese era como nuestro fuerte. Y finalmente empezamos a tener éxito. ¿Qué te llevó a crear tu propio sello?

Ya las discusiones que tenía eran para volverte loco. Yo quería hacer otras cosas, no sólo la música mía. Quería producir cosas que me gustaban de otros tipos, me acuerdo que había producido el primer disco del “Gordo” Fernández (y ahora estamos haciendo el noveno). Yo quería producir discos y que los editara cualquier compañía, y los comentarios eran impresionantes. Me decían: “a quién le puede importar un disco de un gordo tocando la trompeta”, y cosas así. Como nadie le veía futuro, y no me dejaban grabar tantos discos seguidos, quería dialogar con ellos para poder hacerlos.

Pero no se puede dialogar con ellos, entonces me fui teniendo más de veinte producciones, hablé con Interdisc y me los editaron ellos. Terminé peleándome con esos tipos también y me decidí a hacer un sello, poner el estudio en la casa de mi vieja. No me importaba si me iba mal, bien o regular, yo quería hacer nada más que lo que me gusta. Empecé a hacer todo con guita que sacaba de los shows. Tardamos cuatro años en construir de grabación, pero quedó bárbaro, es impresionante cómo suena porque está bien hecho. ¿Por qué te interesaste por el nombre Melopea?

Melopea quiere decir en latín componer canciones. Yo no sabía. A mí me gustaba Melopea, porque la palabra suena abierta, es una linda palabra.

Comencé a usarlo como un nombre de fantasía en lugares donde no quería poner Nebbia, hasta que un día le puse ese nombre al sello. En el diccionario figura que Melopea es el arte de componer canciones, y en un vulgarismo es embriaguez, borrachera. Así que esa palabra es la palabra de la suerte.

Al principio todo era complicado, tuvieron que hacerse de abajo...

Empezamos con tres clientes, gente que se entusiasmaba. Nunca nos quedaba un peso, pero bueno... Yo soy un loco por el cine, sé tanto de cine como de música.

Y conocí un francés que era dueño de un catálogo y lo terminé convenciendo para que me diera las licencias de las bandas sonoras que tenía. En esa época nadie quería escuchar las bandas sonoras. Llegaban las ventas y quizás eran sólo 38 cassettes, y no alcanzaba ni para pagar la tapa. En el medio de eso, estrenaron una película gallega, “Las cosas del querer”, que acá tuvo un éxito infernal, y como la música nos pertenecía hicimos 200 cassettes y se agotaron rápido. Terminamos vendiendo 300.000 copias, y fue una bendición para poder tener mi sello. ¿Cómo es Melopea en la actualidad?

Estamos en las disquerías. Se vende muy poco, se vende el cerebro musical. Nos llama gente y compra a Melopea, compran más barato. Ahora estamos con un pibe que va a arreglar la página, para poder comprar con tarjetas, gente del interior. Nosotros tenemos 640 títulos, hechos en 21 años. Es imposible que tengas el catálogo completo en stock.

Vos mandás a hacer mil discos y nunca podés tenerlos a todos ni stockearlos. En Melopea siempre hay 70 u 80 títulos que están agotados, y cuando viene un cobro bueno los reponemos, pero se caen otros 70 u 80 títulos.

Nunca tenemos dinero para los dos. Entre la novedad y la reposición no alcanza la plata.

La forma de pago de los fabricantes es de lo más cruel.

Te piden un 50% cuando los mandás a hacer o cuando están el otro 50%, y ellos te pagan con cheques a largo plazo. De todas formas sacamos cosas. ¿Cómo es la relación entre vos y los sellos multinacionales?

Desde que produje el disco de Andrés Calamaro, Warner me tomó más bronca. Cuando terminamos el disco que se hizo al estilo Melopea se lo vendí a la Warner, pero a la Warner de España, que tienen otro trato conmigo.

Entonces los de acá se quedaron con mucha bronca.

Este disco fue nominado en 11 ternas del Palacio de las Flores, pero al llegar el día de los premios no ganamos ni uno. No me hacen ganar porque adjudican que yo estoy “en contra de la industria”. ¿Qué discos tienen pensado editar para este año en Melopea?

Este año vamos a sacar los discos de Silvina Garré, del “Gato” Barbieri, de Merced Mustan (un grupo cordobés), un disco de Alberto Podestá (el último tanguero que queda vivo entre los cantores) y un DVD del último concierto de Horacio Salgán y su Quinteto Real.

LA BALSA... A MáS DE 40 AÑOS Es un tema muy delicado; cuando me preguntan sobre la verdadera historia parece que alguien me estuviera acusando de que me robé algo. Pero pasó lo siguiente: estábamos en La Perla y no se podía tocar; entonces nos encerramos en el baño, Tanguito me pasó una frase y un acorde y me dijo: “vos que sabés esos tonos raros me podés ayudar”. En ese momento yo era una máquina componiendo. Él me dijo, tocando un solo tono, “estoy acá muy solo en este mundo de mierda”. Era sólo el comienzo. Yo, para ayudarlo a Tanguito, saqué esa canción con Los Gatos y saqué con Moris y Pipo “Ayer nomás”, porque nosotros teníamos pruebas para grabar y, de esa forma, habiendo grabado, les dábamos la chance a ellos para que se pudieran hacer socios de SADAIC. Entonces salió como salió, y ellos se asociaron. De ahí salió la historia que todos ven.

32 | Entrevista Litto Nebbia

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13) Guitarra vaquera, tipo Hummingbird.

14) Guitarra Eléctrica Nebbia (la que le hizo el joven luthier Ezequiel Galasso).

15) Guitarra Eléctrica Epiphone Jazz.

16) Guitarra Electroacústica Godin.

17) Bajo Eléctrico Yamaha Modelo Precission.

18) Guitarra Dobro Epiphone. * 19) Mandolina Epiphone. * 20) Guitarra Cuatro Venezolano. * 21) Guitarra Triple colombiano. * *Instrumentos misceláneos, que usa oportunamente en alguna grabación que los requiera.

BLUES GUITAR LAS GUITARRAS DE LITTO NEBBIA 1) Guitarra Criolla Sergio Repiso Nro. 706/1970 (hecha en 1970. Es la que usó en el estreno de “El Bohemio” o “ Vamos Negro”, con Domingo Cura).

2) Guitarra Criolla Sergio Repiso Nro. 707/1970 (modelo siguiente a la anterior, que encontró de casualidad en un negocio de instrumentos musicales).

3) Guitarra Eléctrica Honer (el modelo que usa The Prince y utiliza mucho con La Luz).

4) Guitarra Eléctrica Fender Stratocaster.

5) Guitarra Eléctrica Gretsch Tennessean 1962 (la misma de George Harrison en “Do you want to know a secret ?”, primer álbum de The Beatles, o la de Hilton Valentine de The Animals, usada en la versión original de “The House of the rising sun” (La Casa del Sol Naciente).

6) Guitarra Electroacústica Yamaha APX 5NA. 7) Guitarra Epiphone Acústica AJ 15 VS (la que tocó John Lennon en el film “A Hard Day´s Night”, cuando ensayaron para TV “If I Felt”).

8) Guitarra Eléctrica Ibanez, Modelo Joe Pass.

9) Guitarra Eléctrica Gibson SG Modelo Les Paul (la que usó toda la reunión por el aniversario de Los Gatos Salvajes en el año 2005).

10) Guitarra Española Yamaha Classic.

11) Guitarra Eléctrica Yamaha APX10A. 12) Guitarra de 12 cuerdas Fender.

Todo comenzó cuando Litto me mostró el arte de tapa de un LP del '66, "The Originator", de Bo Diddley. En ella figura una de las tantas guitarras cuadradas de este gran músico. La sorpresa vino cuando Litto me dijo textualmente: "quiero algo así, pero no igual. Que sea una guitarra para tocar blues, y que suene a radio vieja cuando está desenchufada." Tomé el desafío y preparé un par de bocetos para ver qué rumbo podía tomar el proyecto. Traté que las ideas no perdieran la esencia de una guitarra austera y simple. Después de ver los bocetos, Litto se inclinó por lo más tradicional y me dio la libertad para definir todos los detalles. La idea fue armar un cuerpo hollow body de nogal, mástil de caoba, y diapasón de ébano. Armé un contorno de nogal, con refuerzos de rosewood, y un taco de caoba que proporcionó rigidez, sustain para hacer blues y control de feedback. Para darle terminación le realicé una cenefa con tiras de madera, y al diapasón le hice unas incrustaciones de cuadraditos en nácar que, por razones obvias, quedaron muy bien con el diseño del instrumento.

Para el audio convocamos a Darío de DS Pickups, y luego de una reunión en el mítico estudio Melopea, nos sorprendió nuevamente a todos con un diseño totalmente custom, llegando exactamente al tono y la res-

puesta que se buscaba. En una etapa intermedia de la construcción, Litto vio la guitarra y me pidió colocarle una inscripción en el clavijero con letra cursiva (Nebbia de Rosario), y hacerle un detalle al cuerpo en algún color psicodélico, característico de los años '60. Me pasó tapas de discos de esa época para que me inspirara un poco, y se me ocurrió hacerle un pickguard basándome en el color de uno de esos artes de tapa. Litto quedó muy contento con el instrumento, y lo estrenó en una serie de recitales en el marco de la reapertura del teatro Maipo. Para mí fue un verdadero placer trabajar para una leyenda como él, y lo que más rescato es haber conocido a una persona tan atenta y solidaria con la gente que lo rodea. ¡Gracias, Litto!

CARACTERíSTICAS TÉCNICAS Mástil encolado Escala 25” ½ Trastes Dunlop 6130 Perfil del mástil en C Radio 12” Micrófonos DS pickups LN Originator (Neck/Bridge) Ezequiel Galasso

LITTO NEBBIA POR LUIS ALBERTO SPINETTA ¿Cómo se conocieron con Litto?

La primera vez que nos cruzamos fue en un programa de TV con Rodolfo García, si mal no recuerdo... Nosotros fuimos de relleno pero Litto ya estaba en Los Gatos Salvajes como frontman, super afianzado y rockeando. ¿Qué fue lo que te impactó de él?

Su figura y su música eran como un sueño para mí. Parecía salido de un film. Aún hoy es el más importante de nuestro rock, sobre todo de una canción popular que no se quedó en "nena, nena".

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¿Por qué elegiste “El rey lloró” para interpretar en Vélez?

Una vez que escuché ese tema por la radio, no lo pude dejar más. Es un ícono de la mejor música en castellano. La versión original llevaba un aire surrealista que rompía con todo. ¿Qué anécdota recordás con Litto?

La anécdota más importante es escucharlo en su casa, en la época de Almendra. Cantaba temas nuevos con la guitarra y nosotros nos quedábamos hipnotizados. Su evolución como pianista habla de lo completo que ha sido su “bocho” musical.

Es el Maestro de todos.

Las guitarras de Litto Nebbia | 33

INFORMES

Nunca hubo tanto rock en una pequeña cajita Un interesante informe sobre dos de los productos que ZVEX nos ofrece.

ZVEX FUZZ PROBE Un pedal de pseudo-fuzz basado en su conocido modelo Fuzz Factory, pero con la incorporación de una placa de cobre para controlar ciertos parámetros con el pie a tiempo real, como si fuera un Theremin, creado por el físico Ruso Lev Sergeyvich Termen en 1919, y su más famoso usuario es Jimmy Page (escuchar Whole Lotta Love).

Zachary, el creador de ZVEX nos advierte con humor que: “este pedal es el más raro que he hecho, debés estar loco si lo utilizás. Ni siquiera yo sé bien cómo funciona”.

ZVEX DISTORTRON El Distortron es el talentoso hermano menor del Z.Vex “Box of Rock”.

Está especializado en simular el sonido de un clásico amplificador Marshall JTM45. Podrás utilizar el Distortron eficazmente con muchos amplificadores diferentes, pero para obtener el sonido que tenía en mente Zachary Vex cuando lo diseñó, deberías probar a través de un Marshall Non-Master Volumen de la vieja escuela. Encontrarás tu camino muy rápido, por un lado por su simplicidad y por el otro debido a la eficiencia de los controles.

LOS CONTROLES DRIVE: Mediante esta perilla se ajusta la cantidad de distorsión deseada. Este está basado en el control de ganancia “Super Hard-On”, pudiendo hacer crujidos cuando se gira. Esto es perfectamente normal.

Por eso la perilla dice: " Crackle Okay ".

TONE: controla el contenido de agudos necesario.

VOL: girándola se obtiene el nivel de volumen de salida.

GAIN Switch: el "Lo / Hi" permite elegir el nivel de ganancia estándar del "Box of Rock", o un nivel suavemente aumentado.

SUBS Switch: el "2-1-3" permite elegir la cantidad de Sub plena del "Box of Rock", o dos diferentes niveles más bajos de subs, en función de las necesidades de tu amplificador.

LOS CONTROLES Disponemos de controles de Volumen, Compresión, Gate, Ganancia y Stability, y la placa de cobre táctil rectangular actúa cuando acercamos y alejamos el pie. Los resultados pueden ser muy distintos, desde un fuzz más bien clásico a una descomposición distorsionada del sonido de guitarra, casi como si tu ampli estuviera en llamas; y hasta podemos prescindir de la guitarra y jugar con las frecuencias que emite el pedal a modo de Theremin.

SONIDO Una locura de pedal que hará felices a muchos “ruidólogos”.

CARACTERíSTICAS Posee una entrada, una salida, una alimentación interna a batería 9V, y la posibilidad de cambiar la placa posterior e instalar una con toma de entrada para transformador de 9V. Una hermosa caja metálica de diseño colorido digno de un niño de 6 años, pero que contiene equipos de alta tecnología para saciar a los oídos más ruidosos. www.hendrixmusic.com.ar Hendrix Music S.R.L

SONIDO El sonido es excelente, muy rico, no comprime los graves y ofrece también muchos medios y agudos. Podés tener un buen sonido tipo Marshall vintage, reactivo, cálido y lleno de armónicos, si disponés de un amplificador correcto. Respeta la guitarra y el amplificador a los cuales lo conectás. El Distortron no produce demasiado soplo. Es interesante mencionar que también puede servir de boost, para empujar otra distorsión. El ajuste suave de la ganancia permite tener un sonido que puede ser claro si bajás el volumen de la guitarra.

UBICACIóN DEL PEDAL Recomiendo que pruebes el Distortron en el último lugar de la cadena de efectos, justo antes del amplificador. Si poseés otros pedales de distorsión, no los dejes de lado. Varios pedales de distorsión sonarán increíbles en el Distortron. Podrás descubrir un nuevo amor para tu antigua colección de pedales.

CARACTERíSTICAS Posee una entrada, una salida, una alimentación interna o externa y una linda caja metálica. También una luz para la alimentación, lo que no todos los pedales tienen. La tecnología es totalmente analógica. www.hendrixmusic.com.ar Hendrix Music S.R.L

34 | Informes Pedales ZVEX

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BIYANg X DRIVE OD8

Mutando Sonidos Por Rodrigo Yacciofani

En esta ocasión vamos a poner a prueba al caballito de batalla de la firma Biyang Sound Electronics. El Tube OD-8 X- Drive es un pedal overdrive que, dentro de sus prestaciones, nos trae la posibilidad de cambiar sus componentes de forma manual, para poder transformar su sonido.

Fundada en 2000, Biyang Sound Electronics Co. Ltd. es líder en el campo de desarrollo y producción de efectos y procesadores para guitarra eléctrica, fuentes de alimentación funcional, y equipos de sistemas inalámbricos para guitarras. Con diez años de experiencia en el desarrollo y fabricación de instrumentos de alta calidad, Biyang Sound Electronics Co. Ltd. ha sido considerado el estándar de excelencia en la industria, no sólo en China, sino también en toda Asia. La línea de efectos cuenta con más de 20 efectos para guitarra de toda clase y, dentro de la serie valvular, nos encontramos con el tube X drive, un overdrive que cuenta con la camaleónica posibilidad de transformar su sonido mediante la combinación de diferentes chips, una utilidad que no se había facilitado al usuario hasta el momento, y mucho menos con fácil acceso.

En los años 70, Maxon utilizó el chip JRC4558, y creó con éxito un muy solicitado pedal de overdrive.

Poco después, Ibanez, Boss y otros fabricantes de pedales comenzaron a hacer uso de este chip y lo hicieron famoso. Con la tecnología, podemos utilizar mejor los chips JRC4558, para obtener un mejor sonido. Al igual que en una pedalera, se pueden ir modificando los sonidos, con la simpleza de cambiar un chip. Tiene un sencillo acceso, y en sólo cuestión de segundos podemos “tener un nuevo pedal”. El pedal cuenta con una carcaza metálica que envuelve una válvula 12ax7, con las tres perillas para controlar el tono, volumen y drive, sumado a una llave metálica para seleccionar diferentes tipos de timbres e intensidades. Dentro de la caja del X-Drive vienen incluidos los diferentes modelos de chips de intercambio manual, para optar por las diferentes características sonoras que éstos le brindan al pedal. El NE5532 le da un timbre de overdrive bien suave y cálido, ideal para tocar blues y funk. Manejándonos con el control de tono y un buen volumen, el pedal le da buena presencia al instrumento, y aumentando la ganancia el pedal deja a la guitarra al frente, con un tono bien gordo y suave. El chip que le

36 | Testeo Biyang X Drive OD8

sigue en ganancia es el JCR4558, y tiene un sonido bien parecido a lo que es un TS9. Rememora el sonido característico, lleno de agudos, que se puede percibir en las tomas de Vaughan. El pedal resalta todos los armónicos en las frecuencias medias y agudas, dando grandes cantidades de ataque y sustain. El TL072 es el chip que nos brinda un overdrive de alta ganancia, bien agresivo y con mucho cuerpo, ideal para tocar hard rock y derivados, con buen ataque y un buen nivel de presencia para tocar a volumen bien alto. Contamos también con una perilla que cambia el modo de nuestro overdrive, pudiendo optar por un sonido con más brillo, TS9, o full, para darle el último toque al sonido final.

RESUMEN Este es un pedal que nos da la posibilidad de optar por diferentes timbres de forma fácil y real. Es una tecnología que no se ve en otros pedales del mismo precio, y resulta muy conveniente tener la posibilidad de cambiar nuestro timbre de overdrive sin la necesidad de tener cinco pedales distintos para una misma circunstancia. Todo esto coloreado por una 12ax7. Biyang, a diferencia de otras empresas que se dedican a la fabricación de pedales de efecto, decidió invertir sus recursos de otra forma. Suele considerarse que las empresas reconocidas aumentan el valor de sus producciones, ya que uno paga la marca y el prestigio que las mismas poseen. En este caso, esta marca se decidió a darle un valor real, donde uno paga los componentes que se utilizan y su fabricación. No hay un valor agregado que exceda las prestaciones del producto. El OD-8 es una buena oportunidad de agregar un tono valvular y versátil a nuestra cadena de pedales, de un modo económico.

Tenés la posibilidad de escuchar los audios de este artículo en nuestra Web www.guitarristasar.com.ar BAIRES MUSIC www.bamusic.com.ar

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ANVILES

Una protección para el músico

En este informe te acercamos todas las variantes para proteger tus equipos, consolas, instrumentos musicales, o cualquier producto que desees transportar. Pro Case se mantiene en el tiempo brindando Por Daniel Makelvintong calidad, y Arnaldo Canusso nos muestra sus productos y nos comenta sobre la empresa.

Con sólo pasar por Tte. Gral J. D. Perón y Talcahuano podés observar las distintas posibilidades que te ofrece la empresa Pro Case. Pensando en el músico, el proyecto comenzó a tomar forma. Los diferentes ánviles, cajas o estuches le dieron al músico la posibilidad de proteger sus pertenencias y de trasportarlas sin riesgo alguno. El impulso que tuvo el buen recibimiento de su producción hizo que las fronteras se amplíen. Ahora no sólo se produce pensando en el instrumentista o el sonidista, sino que la marca comienza a hacerse presente en otros rubros, incursionando en esta última etapa en el mundo del automovilismo (Turismo Carretera).

Arnaldo Canusso es quien está a cargo de este show room, y nos da referencias de sus productos y de la variedad de los mismos. “Si bien existen estuches convencionales, nosotros podemos hacer cualquier tipo de caja que nos soliciten. Realizamos todo a medida y según las preferencias. La semana pasada hicimos un estuche para gaita”, explica Arnaldo Canusso. Y finaliza profundizando sobre la construcción: “utilizamos materia prima de primera calidad, para hacer productos que duren de por

38 | Anviles PRO CASE

vida. Importamos las ruedas para las cajas; son inglesas y vienen con freno, como así también importamos los herrajes (manivelas, ángulos, etc).

Usamos fenólico de 10mm., que, si bien es pesado, hace que el producto sea fuerte y resistente. También lo podemos hacer en 4 o 6 mm., según la exigencia del cliente”. A lo largo del tiempo, distintos artistas dieron fe de la calidad de los productos. Algunos de los que alguna vez recurrieron a Pro Case son: Ricardo Mollo, Diego Arnedo y Jorge Araujo de Divididos, Attaque 77, Gustavo Cerati, Fito Páez (una caja para sus guitarras y un vestidor donde transporta toda su indumentaria), La Renga, León Gieco, Pappo, Jota Morelli. Distintas productoras, canales de televisión y empresas de otros rubros también hicieron uso de su producción: Telefe, Canal 7, Fénix, Rock and Pop, Lapa, Aerolíneas Argentinas, etc.

Algunos de los productos que fabrica Pro Case son: cases de guitarras y bajos, pedalcases, pedalboards, cases amps, cases audio profesional, cases baterías y percusión, cases teclados, cases tipo baúl (multiuso), cases para armas, cases plasmas, y cualquier producto que el cliente requiera.

Queridos guitarristas y bajistas, si desean conservar por el resto de sus vidas sus instrumentos, no tienen más que visitar el local y encontrar los productos que se adaptarán a sus pretensiones.

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ROLAND MICRO CUBE Por Daniel Makelvington

Su tamaño hace posible que este amplificador sea transportado fácilmente, ideal para llevar en viajes. A pesar de su pequeño tamaño, de su poco peso y potencia, es un equipo que tiene mucha nitidez en su sonido. Otras de sus ventajas son las enormes variables que se pueden lograr al mezclar los efectos que posee.

Todos aquellos que viven en departamentos o ambientes pequeños tienen la posibilidad de tener un equipo de excelencia, que ocupa poco espacio y entrega un gran sonido, con muchas variantes, sin necesidad de tener que agregarle pedales para ir sumando efectos.

Con apenas 2 W de potencia y un parlante de 5 pulgadas, contamos con gran pluralidad debido a los 6 controles, que nos otorgan la posibilidad de ir en busca de distintos sonidos. En la parte superior tenemos la entrada convencional para el instrumento, contando con otra en uno de sus costados, que permite conectar un micrófono. En ese mismo sector se encuentra una salida para auriculares, la entrada para la fuente de alimentación, o para colocar las 6 pilas AA, que tienen una duración de 20 horas. Contiguo a éstos poseemos el botón de apagado y encendido del amplificador. Por último, en ambos laterales podemos enganchar la correa que incluye el amplificador, para su versión “viajera”.

EN BUSCA DEL SONIDO Una de las características que distinguen a este equipo son sus efectos. Una de las perillas cuenta con la posibilidad de utilizar delay o reverb, y otra con la alternativa de seleccionar Chorus, Trémolo, Phaser o Flanger. Tenemos otro control de tono en la parte superior, que nos permite graduar los graves y agudos (hi y lo). Las restantes tres perillas son: una para el volumen, otra para la ganancia, y una última que nos brinda un abanico de variedades a la hora de elegir el sonido a través de sus distintos modelos de amplificación.

Las cinco opciones de sonido son: guitarra acústica (acoust i c ) , sonido limpio ( J C

Tenemos la grata posibilidad de acercarles un nuevo test. Roland nos ofrece en este caso su modelo Micro Cube, la versión “miniatura” de los ya clásicos Cube 30 X, 60 X y 80 X, que la firma produce.

Clean), una emulación del Twin Reverb (Black Panel), sonido británico (Brit Combo), Stack Clasic, y una imitación del clásico Rectifier (R-Fier). Se suma una sexta posibilidad, que es la selección del micrófono. Cuenta además con un afinador, que emite un sonido de referencia. La tecnología del equipo hace posible

contar con distintas alternativas. El sistema COSM de Roland es un método de modelado único, que capta cada matiz de los amplificadores originales, desde el preamplificador y circuitos al altavoz.

SIN NECESIDAD DE CONECTAR PEDALES EL Micro Cube va simplificando los problemas que se le presentan a los guitarristas a la hora de ir modificando su sonido. En este caso, no hay necesidad de cargar con los pedales, ya que este amplificador posee seis efectos DSP. Se incluyen todos los elementos esenciales, desde chorus y flanger y phaser, a un efecto de trémolo. Un separado Delay/Reverb le permite marcar distintas cosas, desde slapback y las largas demoras para reverb, y más (además de usar uno de los efectos de modulación mencionada).

AFINANDO NUESTRA GUITARRA No sólo uno puede ahorrarse de cargar pedales, sino que también puede omitir transportar un afinador. En el equipo viene incorporado el sistema Digital Tuning Tenedor. Sólo hay que apretar el botón de sintonización Tenedor (cuanto más fuerte lo golpeo más fuerte es el sonido) y se obtiene un tono de referencia instantánea con soporte para afinaciones bemol hasta dos semitonos.

DISTINTAS ENTRADAS El Micro Cube también viene con una opción de 1/4-inch y 1/8-inch entradas estéreo auxiliar, ideal para conectar un reproductor de CD o de nivel de línea de instrumentos, además de una grabación/salida de auriculares.

SISTEMA DE SALIDAS El Roland nos proporciona una REC OUT / PHONES para la salida de su señal a un sistema de amplificación externo, una grabadora, o auriculares. El REC OUT / PHONES otorga modelos de altavoces con sede COSM, que le permite lograr un sonido de guitarra muy bueno sin la necesidad de un micrófono altavoz de la guitarra voz alta. Aquellos que buscan versatilidad, buen sonido y, por sobre todas las cosas, un equipo liviano que pueda transportarse fácilmente, esta es sin dudas una gran opción. Con muchas utilidades incluidas nos otorga un gran sonido. Su precio, quizás por encima de otros equipos de esta potencia, se justifica por su calidad y por las innumerables alternativas que nos otorga, ya sea con efectos, con su afinador, u otras entradas que posee.

Tenés la posibilidad de escuchar los audios de este artículo en nuestra Web www.guitarristasar.com.ar PROMUSICA www.promusica.com.ar

40 | Testeo Roland Micro Cube

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SCHECTER gUITARS Por Rodrigo Yacciofani

Schecter apareció en la escena en el año 1976, de la mano de David Schecter, quien empezó en el negocio con una pequeña tienda de reparación de instrumentos, donde fabricaba clavijeros, mangos y potenciómetros de repuesto. La empresa empezó a aumentar la producción, al punto de ser uno de los principales proveedores de accesorios y repuestos para las marcas preexistentes, como son Gibson y Fender.

En el año 1979 Schecter sacó al mercado su primera guitarra eléctrica entre los usuarios. Dicha guitarra estaba inspirada en el modelo stratocaster. El producto estaba considerado un standard de alta calidad y, debido a su precio, sólo se vendía en aproximadamente 20 tiendas de los Estados Unidos. Entre los usuarios de estas guitarras, el caso más famoso es el de Mark Knofler, que utilizó las Schecter stratocaster para la realización de su disco “Making Movies”. Más tarde, en el año 2004, una de sus Schecter stratocaster fue subastada a más de 50.000 dólares.

La firma fue comprada en 1984 por una corporación de Texas, que se encargó de llevar a la NAMM la Saturn, un modelo de telecaster que emulaba la legendaria guitarra de Pete Towsend, y el modelo Mercuri tipo stratocaster. En la actualidad, Schecter se destaca por modelos orientados más hacia la música alternativa y el rock pesado, con modelos cuyos formatos remiten a estilos contemporáneos.

OMEN EXTREME DIAMON SERIES Schecter introdujo la serie Diamond en 1998, como parte de sus guitarras de producción masiva. Dentro de la serie hay diferentes modelos, entre los que se encuentra la línea Omen.

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Omen Extreme Model Te acercamos la Schecter Omen Extreme con floyd rose.

Ponemos a prueba esta guitarra mostrándote sus virtudes y debilidades, tras ser probarla con distintos amplificadores.

En este caso, realizaremos el test de la Omen Extreme Fr. Esta guitarra, construida en Indonesia, tiene un cuerpo de caoba y tapa de maple. Su mango es atornillado, construido con maple.

La trastera de palo de rosa cuenta con 24 trastes jumbo. Las clavijas son Schecter, posee llave selectora de tres posiciones, controles de tono y volumen, y push pull en la perilla de tono, para convertir el micrófono del puente en simple bobina. Todos los accesorios son negros (cromados) y la escala es de 25,5 el tremolo es construida bajo licencia Floyd Rose.

Los micrófonos son de la serie Diamond Plus.

Todos los accesorios son negros (cromados), la escala es de 25,5 y el trémolo es construído bajo licencia Floyd Rose. Esta guitarra tiene un cuerpo muy cómodo y luego de tocarla un rato desenchufado se percibe que la combinación del mango en “c”, con un formato de guitarra mucho más moderno en su cuerpo. Es llamativo, ya que cuando uno agarra una guitarra de estas características, espera encontrarse con un mango bastante más flaco y plano.

No obstante, al tocarla amplificada, empieza a tener una lógica debido a la carga de graves que la guitarra posee.

Probamos la Omen con los siguientes amplificadores: Randall RF (75 watts) transistorizado: el Randall es un equipo con una salida bien plana y una distorsión bastante podrida, con buen recorte en las frecuencias medias.

En estas circunstancias pudimos apreciar una respuesta ambigua: por un lado, la guitarra tiene un

tono muy cálido en los sonidos limpios, con mucho cuerpo, y ataque en las tonalidades más graves; en las frecuencias agudas su sonido resulta más flaco.

Marshall JCM 900: en el caso de un equipo valvular estaríamos explorando con la guitarra en otro universo sonoro. Las válvulas empezaron a resaltar los diferentes matices que la misma posee, debido a las maderas del cuerpo y el tipo de micrófonos. Vale destacar que los Diamond Plus tienen muy buena presencia, y un sonido ideal para tocar música alternativa y metal contemporáneo. El denominador común en ambos equipos es la flaqueza en las frecuencias agudas, y la falta de sustain en las mismas. La caoba le da muy buena definición para tocar acordes y bases, destacando secuencias de 4tas. y 5tas.

Sistema Floyd Rose: el floyd en esta guitarra es fiel a la afinación, y viene perfectamente alineado de fábrica para ser utilizado, cosa que no sucede con instrumentos similares, inclusive de mayor precio. Al manipular dicho accesorio la respuesta es favorable.

La morsa cumple una función fundamental evitando desafinaciones, incluso en situaciones de castigo severo, como fraseos de Satriani o Vai, donde se prioriza el uso de la palanca.

Single Coil: la guitarra está equipada con un sistema que permite transformar el micrófono del puente en simple bobina. Esto resulta muy conveniente, ya que agrega un plus de versatilidad al sonido general de este instrumento. Esta variante nos abre un abanico de posibilidades, a la hora de encontrar distintos matices con nuestra llave selectora y control de tono. Se logran limpios con buena definición y calidez.

Tenés la posibilidad de escuchar los audios de este artículo en nuestra Web www.guitarristasar.com.ar

Informe Schecter | 41

LA gUITARRA

Por Facundo López Burgos

El sonido en nuestras manos Este primer informe hace referencia a las distintas técnicas de púas que lograrán diferentes timbres en la guitarra. Te damos algunos secretos para ir perfeccionando tu ejecución e ir sonando mejor.

Probablemente, lo primero que nos viene a la cabeza cuando hablamos de esto sea una pared de amplificadores, pedales, efectos, o hasta pensemos en los grandes setups de guitarristas como The Edge, que salen de gira con un arsenal de procesadores y hasta 20 o más guitarras (¡ojo al piojo!, que ayer lo vi a Mollo en el Luna ¡¡y “peló” como 15!!). Lo cierto es que hay muchos recursos, por demás económicos, para obtener de nuestra guitarra distintos sonidos.

Por empezar, si intercambiamos entre técnica de púa o técnica de dedos, ya el sonido cambia. Más aún, dentro de una misma técnica, el cambiar de púa, su dureza y/o material en el que está construido, afecta al timbre del instrumento.

No se obtiene el mismo timbre utilizando técnica de dedos clásica o fingerpicking y, sin embargo, en ambas estamos utilizando sólo nuestros dedos. A mi modo de ver, un altísimo porcentaje de la sonoridad de nuestro instrumento está en nuestras manos. La mano derecha nos entregará el timbre y la dinámica, mientras que la izquierda le dará expresividad.

Por otra parte, el desarrollo de estas diversas técnicas, no sólo nos permitirá disponer de distintas sonoridades, sino que además nos ayudará a desarrollar nuestra personalidad como instrumentistas. Nos servirá para encontrar ‘Nuestro Sonido’.Comencemos entonces a experimentar: ECUALIZANDO CON LA PúA Prueben tocar las cuerdas desplazando lentamente la posición de la mano derecha desde donde usualmente toquen hacia el puente. Vuelvan luego lentamente hacia el lugar de partida, y continúen avanzando incluso sobre el diapasón hasta llegar al doceavo traste. Notarán cómo varía el timbre de la guitarra, alcanzando un sonido más agudo junto al puente y más grave sobre el traste 12, pasando por un gran abanico de colores. Este recurso resulta por demás interesante para utilizar en rítmicas. Podemos escuchar a Gustavo Bazterrica (Los Abuelos de la Nada) lograr una increíble dinámica y expresividad en sus bases, haciendo uso de él. También resulta muy útil en solos.

Tendremos un color más jazzero tocando sobre el diapasón, o más rockero acercándonos al puente. Si tocamos todo sobre el puente obtendremos un sonido más bien tanguero. Así tocaban los guitarristas de Gardel en sus guitarras con cuerdas de nylon. Si bien lo más probable es que hicieran esto por las limitaciones técnicas de la época (era la única forma de que se escucharan las guitarras), este sonido se convirtió en sello de la guitarra tanguera.

Por supuesto, podemos ampliar el experimento utilizando púas de distintas durezas y materiales, dedo pulgar o índice y medio.

Verán que se encontrarán con un enorme abanico sonoro literalmente al alcance de su mano.

VARIANDO EL VOLUMEN Quienes toquen con púa podrán disponer de un control de vo-

42 | La guitarra

lumen en la mano, con sólo variar la presión con que agarran la púa. A mayor presión, mayor volumen, y viceversa. Resulta por demás interesante y expresivo poder variar el volumen nota por nota.

ATACANDO Para obtener un sonido con cuerpo y ataque debemos practicar de la siguiente forma.

Apoyar la púa (o dedo pulgar) de manera perfectamente paralela sobre la cuerda. Bajar la mano de forma que la púa atraviese la cuerda y quede apoyada sobre la cuerda inferior. Comparar el sonido obtenido con el que tendrían si la púa quedara en el aire, es decir sin apoyarla sobre la cuerda inferior. Notarán un sonido más gordo y con cuerpo, con la sensación de más graves y mayor volumen.

ATAQUE EN RÍTMICA Si escuchan atentamente, al tocar con la púa hacia abajo obtenemos un sonido más agresivo que al tocar con la p ú a hacia

arriba. Es interesante experimentar un patrón en corcheas tocando todas hacia abajo, o alternando abajo-arriba. El primero sonará más ‘rockero’, mientras que el segundo lo hará más ‘pop’. Si escuchan atentamente a Los Beatles (creo que específicamente a Lennon), verán que tenía una particular forma de tocar predominantemente hacia abajo, pero alternando algún toque hacia arriba. Esta forma de tocar ablanda ligeramente el resultado.

Les recomiendo experimentar teniendo como extremos todo hacia abajo (más ‘duro’) o todo alternado (más ‘blando’). Verán que pueden encontrarse intermedios por demás interesantes.

Por último, también incidirá en el sonido obtenido, la forma en que la púa haga contacto con la cuerda, si tocamos con la punta o con el canto.

Como ven, la forma en que utilicemos la mano derecha nos brindará muchos recursos a la hora de obtener distintas sonoridades y timbres con nuestra guitarra.

Facundo López Burgos

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COMPACTOS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los CD’S editados por nuestros amigos y lectores.

Por Daniel Makelvintong

CABEZONES GERMINAL-ESPERA Cabezones continúa su andar de la mano de César Andino. Luego de la partida de tres miembros originales, la banda parece ser un proyecto solista del cantante, sólo que se conserva el nombre. Este nuevo material es un proyecto ambicioso. Se presenta en formato triple, adjudicándole etapas a cada u no de ellos: “Espera”, “Nace” y “Crea”. La primera de ellas es la que sale a la venta y posee material acústico, que el mismo músico produjo junto con Ariel Perini. Fue masterizado en Mendoza en los Estudios Fader por Beguerie. Se incluyen dos versiones: “Sueles dejarme solo” de Cerati y “Entero o a pedazos” de su banda amiga Catupecu. El mismo César Andino describe su disco: "la idea de lo acústico se generó desde la gira que emprendió la banda por el interior del país, tocando en lugares más intimistas, y en respuesta de la gente que quería un disco de estas características"

CLAUDIO MARCIELLO IDENTIFICADO El guitarrista de Almafuerte continúa su camino en solitario. En este 2010 edita Identificado, que reemplaza al anterior De pie, editado en 2004.

Esta nueva placa fue grabada entre agosto y octubre del pasado año en los estudios El Pie. El “Tano” cumple un rol más participativo: se hace cargo de la producción artística, las guitarras acústicas y eléctricas, la voz, el bajo, además de ser el autor y compositor de la totalidad de las canciones, exceptuando "Alma de Budín", cover de Divididos. Claudio Marciello da lugar a que los jóvenes participen en batería. Lo hicieron Melina Marciello (su hija de 23 años), David Valencia y Adrián Espósito.

DIVIDIDOS AMAPOLA DEL 66 “Vengo del placard de otro” necesitaba un reemplazante, y tuvieron que pasar ocho años para que otro disco de Divididos lo sucediera.

Así, en este 2010 la banda de Ricardo Mollo lanza Amapola del 66, su nuevo disco de estudio. El material hace una referencia a la época que data en el título, por el lado de las letras y de la música. Se escuchan influencias de bandas que nacieron por aquella década, y se hace hincapié en abordar temáticas sobre la naturaleza. Este es el primer álbum que graba el baterista Catriel Ciavarella, que se sumó a la dupla Mollo-Arnedo en el 2004. “Todos” es la última de las trece canciones, y hace referencia a la tragedia del colegio Ecos de Santa Fe; un blues demoledor. El disco viene acompañado con un DVD, que registra los momentos en que fue grabado, y también con entrevistas a la banda realizadas por Alfredo Rosso.

CIRO FOGLIATTA ACORDATE DE OLVIDARME Ciro Fogliatta vuelve a la escena del rock con un nuevo disco, tras varios años. En este caso, decide interpretar varios estilos dentro del rock. En este nuevo material, Ciro utilizó una letra del escritor Dalmiro Sáenz, para su canción “Balada para una bala”. Se suman a la lista de temas un rap, dos temas con aires latinos, un blues de su amigo Dicky Campilongo, y un homenaje a Nito Mestre, a través de su versión de Distinto Tiempo, del ex Sui Generis. En el tren de los homenajes, también se decidió tributar a George Harrison por medio de “Canción para George”.

Participan de “Acordate de olvidarme” Juanito Moro en batería, (hijo de Oscar Moro), quien grabó en todos los temas y, como invitado especial, el talentoso guitarrista Gonzalo Aloras.

JAVIER MALOSETTI ELECTROHOPE TEN Electrohope es la última banda que formó el talentoso bajista Javier Malosetti. La formación, que apenas supera el año de vida, se muestra sólida y lo manifiesta a través del sonido compacto y contundente de este material. El propio Malosetti afirma acerca de su nuevo disco: “Ten refleja de lindo modo el espíritu de entrega que profesa Electrohope, la total entrega de los músicos en el afán de llevarlo adelante, mi entrega hacia ellos, y la de todos nosotros hacia el público”. La banda está formada por Javier Malosetti (bajo, guitarra y voz), Nico Raffetta (teclados), Hernán Segret (guitarra, bajo y voz) y Tomi Sainz (batería).

MANUEL WIRZT VENÍ Con su inconfundible impronta, Manuel Wirzt lanza a fines del año pasado su nuevo disco.

El noveno de su carrera es denominado “Vení” y cuenta con doce canciones, con sonido sólido y con mucha potencia. Todos los temas son obras de éste músico argentino, colaborando también Alberto Lucas. Dentro de la lista se incluyen dos versiones de otros artistas: “Ella ya me olvidó” de Leonardo Favio (que fue difundida meses antes del lanzamiento) y “Costumbres argentinas”, un clásico del rock nacional. Hace su aporte en este material Luis Alberto Spinetta en la canción “La vida”. El disco fue grabado y mezclado por Sergio Pérez en Funky Husky Studios, y masterizado por Gustavo Borner en Igloo Music Studios, en California.

S.O.S S.O.S Con un perfil internacional, esta banda lanza su primer material. A pesar de tratarse de una banda nueva, la experiencia de los músicos da como resultado un sonido sólido y una gran riqueza armónica en todas las canciones. Pablo Cartageno, Joana Cartageno, Sebastián Martignano y Federico López componen este cuarteto de músicos.

En el material se amalgaman varios estilos, y se pueden encontrar influencias cercanas a Soda Stereo, Genesis, como así también encontramos un blues potente (“Aniquilándote”). El disco se grabó en “La urbana”, siendo Gustavo y Federico López los operadores.

DANTE PIRáMIDE El hijo de Luis Alberto Spinetta edita su tercer álbum solista, íntegramente producido por él.

Formaron parte de la banda que grabó este nuevo material: Rafael Arcaute (teclados), Guillermo Vadalá (bajo), Carlos Salas (percusión) y Ayelen Zuker (voz), y fueron invitados especialmente Fito Páez (en Alelí), Residente de Calle 13 (en Pa Atrás) y Adrián Dárgelos (en Cumpa – El Mero Mero). Las doce canciones que componen el CD fueron grabadas en La Diosa Salvaje, y fue mezclado en Phonic Monkey. Para el ex Illya Kuryaki, Pyramide es la unidad espíritu, cuerpo y alma.

44 | Últimos CD’S editados

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INFLUENCIAS

Paul McCartney

Sean más que bienvenidos a esta columna que tratará sobre los bajistas que más influenciaron el desarrollo de nuestro instrumento. En este número abordaremos al Por Pablo Santos bajista de la mítica banda inglesa.

En general, tendemos a escuchar o analizar músicos que tienen que ver con el estilo que nos gusta más; algo que puede llegar a limitar nuestra capacidad de expresarnos, musicalmente hablando. Procuren transcribir (¡transcriban! Es mucho mejor que sacar tablaturas de algún pdf pirateado en la net, ya que todo lo que “orejeen” y luego escriban permanecerá mucho más tiempo en vuestros cerebros) otras bases y temas del bajista de turno. Traten de incorporar sus tratamientos rítmicos y armónicos, “yeites” y demás cuestiones inherentes a su estilo, para adaptarlos e incorporarlos luego al propio.

El primer bajista de rock que definitivamente trascendió la idea de tocar sólo notas de acorde o repetir constantemente un riff sin variarlo, fue Paul Mc Cartney. Fan declarado de J. Jamerson, rara vez toca la misma base compás tras compás, algo muy evidente en sus grabaciones post 1965. Pueden escucharse varias tomas de un mismo tema, grabadas en el mismo día, pero difícilmente la misma

línea de bajo en todas ellas. También es muy innovador el rol melódico que llegó a cubrir; algo impensado para los bajistas de rock de aquel entonces.

Los ejemplos 1 (“Rain” de los Beatles) y 2 (“Silly love songs” de Wings) nos muestran cómo variar una base, aunque sea mínimamente, para que la misma no se torne la repetición de un pattern constante, nos aburra a nosotros y al que nos escucha. El ej. 3 es el estribillo del tema “Anyway”. El bajo actúa melódicamente para crear tensión y luego resolverla (la nota Si en el acorde E7•5 resolviendo en la tónica del siguiente compás) y la forma en que la línea “sube y crece” acompañando a la voz…

Alguna vez escuché a David Lebón decir que desconfiaba de un músico al que no le gustase nada de los Beatles. ¡Cuánta razón tenés, maestro! Cualquiera sea nuestra preferencia musical, siempre podemos aprender algo del viejo Paul (y adaptarlo, claro).

PABLO SANTOS es bajista de JAF y director musical de Sole Pastorutti. Tocó en las bandas estables de David Lebón, Alejandro Lerner y Diego Torres. Grabó o participó en presentaciones de: Gloria Estefan, León Gieco, Horacio Guarany, Juanse, Nito Mestre, Ricardo Montaner, Chico Novarro, Los Nocheros, Olodum, Chaqueño Palaveccino, Pappo, Luciano Pereyra, Joaquin Sabina, Luis Salinas, Sarten System, Bebu Silvetti, Mercedes Sosa, Patricia Sosa y Lito Vitale, entre otros. Su libro “Técnicas modernas aplicadas al bajo” va por la 5ta. edición. http://www.myspace.com/santospablo pasantosblo@hotmail.com

46 | Suplemento Técnico

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SHRED gUITAR

Por Silvio Gázquez

Como ya les conté en el número anterior, esta forma alternativa y distinta de tocar pentatónicas ha sido muy usada por muchos de los shredders de los 80’s y 90’s, tales como Paul Gilbert, Vinnie Moore, Greg Howe y Richie Kotzen, entre otros.

Vale decir que hoy en día es moneda corriente para los guitarristas más modernos, y por eso no hay que quedarse afuera.

Repasamos un poco lo que expliqué en la 1ra. parte. La técnica consiste básicamente en tocar tres notas por cuerda, en vez de la tradicional de dos notas. También es muy común emplear saltos de cuerdas, ligados, tapping, double barring, slides… o como vamos a ver en algunos ejercicios a continuación, también se pueden tomar dos notas por cuerda, más una en la cuerda siguiente, para formar arpegios de grandes intervalos. En fin, las posibilidades son inmensas, así que les recomiendo que, una vez que estudien los ejercicios que voy a pasar a continuación, exploren e inventen sus propios licks.

Pentatónicas abiertas 2da. Parte ¿Qué tal, amigos? Bienvenidos a la 2da. parte de la nota anterior. En este número les voy a mostrar otros ejemplos con estas pentatónicas abiertas, en inglés `open pentatonics´.

Ej. 1. En este ejemplo toco un patrón con la técnica de barrido y ligados, y acá sí usamos las tres notas por cuerdas. Noten que el patrón se va repitiendo en grupos de dos cuerdas. La tonalidad es A menor, prueben en otras tonalidades.

Ej. 2. El último lick es otro patrón ascendente utilizando solamente dos cuerdas (1ra y 2da) con la pentatónica de E menor.

Ok, nos vemos en el próximo número. Espero que les sea útil y que jueguen un poco con estas pentatónicas y creen sus propias ideas. Cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo, topogazquez@hotmail.com. ¡Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho!… ¡Saludos!

Ejemplo 1

Ejemplo 2

SILVIO GázquEz Oriundo de Lincoln (prov. de Buenos Aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La Plata, en donde reside actualmente. En el 2008 fue contratado por una compañía de EE.uu. para filmar DVD’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso Guitar Secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online Guitar Idol 2008, y convocado para participar del álbum del Guitar Idol 2008. En el 2009 ganó en Youtube el concurso Petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del Guitar Idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: Shred This (top 45); Mayones Contest (top 15); Give me a Riff (top 10); y Strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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gUITARRA REggAE

Combinaciones Rítmicas Reggae II

En el número anterior vimos dos formas de variar la rítmica; arrastrando el acorde, y estirándolo, anticipando su entrada Por Ariel Pae Villanueva y prolongando su duración al tocarlo.

Hoy veremos dos opciones más. Esta nueva opción es la inversa de la segunda forma: en vez de estirar, alargar la duración, voy a tocar el acorde disminuyendo su duración. Esto lo logro subdividiendo la rítmica, tocando el acorde con figuras de menor valor que la figura que representa la rítmica típica del reggae, tocando más cantidad de veces el acorde.

Se utiliza mucho este recurso cuando tenemos dos guitarras, o cuando hay un piano haciendo la base y la guitarra puede “contestar” a éste con variaciones, generando una base distinta y “descontracturando” la rítmica. Por lo general, cuando uso esta característica rítmica, el sonido del acorde se produce usando Notas Fantasmas o Mudas.

NOTAS MUDAS Apoyo suavemente los dedos sobre las cuerdas para que éstas casi no suenen.

La mano forma el acorde pero éste no llega a sonar nítido porque sólo rozo las cuerdas con la mano.

Veamos el ejemplo 1 para simplificar lo explicado. Aquí tenemos distintos ejemplos para variar una base, mientras hay un piano que toca la base de forma “estática”, sin modificar la rítmica típica del Reggae.

En el próximo número veremos la manera de combinar todo lo visto. ¡Hasta la próxima entonces!

ARIEL “PAE” VILLANuEVA Guitarrista de Riddim y Dancing Mood. Grabó tres discos con Riddim y cinco con Dancing Mood y los DVDs de ambas bandas. Grabó y participó en distintas bandas de reggae como: Abed Nego (con el cantante Pablo Molina –Todos tus Muertos-), Natty Combo, Dread Mar I y con Fausto & Banda Cuenco. Produjo artísticamente el disco de La Mocosa (banda de rock & roll) llamado ‘Moksha’ (2009). Paralelamente dicta clases de guitarra eléctrica. apaev@hotmail.com www.myspace.com/arielpaevillanueva www.apaev.com.ar

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Suplemento Técnico | 49

gUITARRA TANgO

La Síncopa En la entrega anterior había prometido abordar la variación rítmica que faltaba para acompañar un tango.

Por Mariano Botto

Para resumir: hemos visto que en un tango tradicional podemos tocar “en cuatro” (negras), “en dos” (blancas) y la 3ra. variante es “la síncopa”. Estas tres células conforman todo el abanico rítmico de lo que tango rítmico o tango canción, se trata. La célula básica de la síncopa es la siguiente: CÉLULA RÍTMICA Como podemos ver en el esquema rítmico, la segunda nota se acentúa y además se la toca con “staccato”; en otras palabras, la tocamos fuerte y le cortamos el sonido.

En el siguiente ejemplo vemos un caso habitual del uso de la síncopa: Ejemplo 1 Si bien la síncopa es fundamental en el tango, jamás vamos a ver este recurso a lo largo de toda la parte de un tema, menos en un tema entero. Este es un recurso que funciona intercalado con el ritmo “en cuatro” o “en dos”.

En el primer ejemplo vemos que en los dos primeros golpes tocamos el acorde entero, pero otra variante muy común es cuando la síncopa viene anticipada, como muestra el ejemplo a continuación: Ejemplo 2 En este ejemplo puede verse que en el primer compás se anticipa la síncopa con dos semicorcheas, y en el compás 2 la anticipación se produce pero con una corchea. Luego, en el compás 3 con toda una frase.

Escuchen los audios, que allí todo se ve con más claridad y, para los que quieran tocar bien este estilo, vayan a ver músicos en vivo: Aníbal Arias, Juanjo Domínguez, Palermo 5, el Quinteto Ventarrón, entre muchos otros. Ir a ver a esos músicos es una escuela, una verdadera clase de arte y estilo. ¡Hasta la próxima!

Célula Rítmica

Ejemplo 1

Ejemplo 2

MARIANO BOTTO fue asesor institucional y profesor de guitarra de la escuela de música y arte urbano de Lito Nebbia (EMAu, Suterh). Produjo el diseño, confección y armado del “Cuaderno de trabajo para guitarra 1” y el armado de programas para todos los instrumentos de la EMAu. Socio fundador y profesor de guitarra de la escuela de música “El Abridor” (www.elabridor.com.ar), Mariano es director de su propio grupo de tango “Sobre el filo” y profesor particular de guitarra, desde 1998 hasta la actualidad.

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ARMONIA Por Pablo Rovner

Acordes 7ma. de la Escala Mayor En el último número nos interiorizamos en el origen de los acordes tríada que surgen de la escala mayor. En este caso vamos a conocer el mecanismo de construcción de los acordes 7ma. (mal llamados cuatreada) que se construyen sobre esta misma escala.

La tensión de 7ma. surge al adicionar una nueva 3ra. por encima de la 5ta. de un acorde tríada. De esta manera obtenemos un nuevo acorde, cuya nota superior se encuentra a un intervalo de 7ma. con respecto a la fundamental, y según el grado de la escala sobre el cual se construya es que varía el intervalo de 7ma. que se forma (mayor/menor). Con el agregado de la 7ma. obtenemos 4 nuevos grupos de acordes. Estos son: 1ER. GRUPO - Acorde Tríada Mayor + 7ma. Mayor Acordes del I y IV grados; reciben el nombre de: Acorde Mayor con 7ma. Mayor; familiarmente: 7ma. Mayor.

2DO. GRUPO - Acorde Tríada Menor + 7ma. Menor Acordes del II, III y VI grados; reciben el nombre de: Acorde Menor con 7ma.

Menor; familiarmente: Menor 7ma.

3ER. GRUPO - Acorde Tríada Mayor + 7ma. Menor Acorde del V grado; recibe el nombre de: Acorde Mayor con 7ma. Menor; familiarmente: 7ma.

4TO. GRUPO - Acorde Tríada Disminuido + 7ma. Menor Acorde del VII grado; recibe el nombre de: Acorde Disminuido con 7ma. Menor; familiarmente: Menor 7ma. con 5ta. Bemol o Semi-disminuido.

El cifrado de estos acordes puede variar según el libro o el método que estemos leyendo. Estas son algunas de las tantas alternativas de cifrado que podemos encontrar: Acorde Mayor con 7ma. Mayor: Maj7 Acorde Menor con 7ma. Menor: m7 Acorde Mayor con 7ma. Menor: 7 Acorde Disminuido con 7ma. Menor:

maj7 M7 Δ Δ7 mi7 min7 -7 m7(b5)

ø

En el ejemplo que hay en la parte inferior, observaremos la sucesión de acordes 7ma. de la Escala Mayor.

A pesar de que el uso de la tensión de 7ma. otorga un color especial al acorde, el hecho de que este intervalo aparezca como una alternativa posible, la utilización de la misma no es forzosamente obligatoria, pudiendo todavía utilizarse el acorde en su estado tríada cuando la ocasión así lo requiera.

En el próximo número comenzaremos a interiorizarnos un poco en lo que es el uso de los acordes, y la mejor manera de combinarlos para obtener un agradable resultado en la creación de progresiones y cadencias. Mientras tanto, comiencen a experimentar, que allí está la base de la creación. ¡Hasta entonces y bona fortuna!

C Mayor

PABLO ROVNER es egresado del Guitar Institute of Technology (GIT) del Musicians Institute de Los ángeles (California, uSA); y del Conservatorio Félix Varela de La Habana (Cuba). Ejerce la actividad profesional y docente desde hace más de 20 años en guitarra y armonía, y paralelamente es responsable de la selección de músicos para la compañía de cruceros Royal Caribbean Internacional.

Podes contactarte con Rovner por E-mail a info@pablorovner.com

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SWEEP PICKINg

Linksweep

Hoy continuaremos con lo empezado en el número anterior, esto es sweep de 5 y 6 cuerdas. Hasta aquí habíamos visto los acordes tríadas Por Gabriel Caparrós que surgen de la escala de G (Sol).

¡Hola! Bienvenidos otra vez. Vamos a ver ahora sweep picking en 6 cuerdas del arpegio de G (sol), comenzando con las distintas notas que conforman su tríada; primero desde la tónica, segundo desde la tercera, y por último desde la quinta.

Ejemplo 2 B) Otro link de 5 cuerdas, pero ahora con la repetición de dos notas para llegar al seisillo, muy usado por Jasón Becker.

Ejemplo 1 Seguiremos con algunos links de un mismo arpegio, en este caso de G (sol) A) Link de sweep picking con 5 cuerdas más tapping. Es un recurso muy usado por guitarristas como Jasón Becker, Michael Romeo, Tony Macalpine y Kiko Loureiro. En este caso van a tener que hacer el sweep sobre el diapasón donde están ejecutando el tapping; eso les va a ahorrar tiempo.

Ejemplo 3 Bueno, hasta aquí estuvimos trabajando sobre las notas de un mismo arpegio.

En el próximo número veremos ejemplos combinando distintos arpegios, o arpegios con notas de la escala.

Ejemplo 1

Ejemplo 2

Ejemplo 3

GABRIEL CAPARRóS Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de Diego Mizrahi. Es profesor de Guitarra Eléctrica y Flamenca en la Escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la Doble 2, y con Ricardo Alonso (“el Griego”, ex baterista de Pappo). Actualmente da clases particulares de guitarra.

E-mail gabyjazzmetal@hotmail.com

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gUITARRA JAZZ Por Juampy Juárez

Improvisación Contemporánea Lección Nº 1 - Visualización de las terceras Veremos lo que a mi juicio es clave para que el solo de jazz (o de cualquier estilo) describa la canción o tema sobre el cual estamos improvisando.

Es necesario en principio conocer las terceras de cada uno de los acordes del tema. Las terceras son las notas más importantes de cualquier acorde, y es fundamental que éstas aparezcan en nuestras frases o motivos a la hora de improvisar. Si analizamos melodías famosas, veremos que se basan en las terceras de cada acorde. Cito como ejemplo el Standard Autumn Leaves (Hojas Muertas).

swing debemos acostumbrarnos a llevar el pie en los tiempos 2 y 4 del compás.

Es necesario practicar esto usando metrónomo, y también tocando con la mayor cantidad de músicos que podamos.

El jazz tiene su raíz en la música africana, y es el swing su principal fundamento estético y el primer tópico al cual hay que prestar atención. Para lograr tocar con

En las próximas lecciones veremos cómo enlazar estas terceras para que suenen fluidas. Saludos a todos y que lo disfruten.

El ejemplo que les dejo está basado en un Blues en C (Do mayor).

JuAMPY JuáREz ha estudiado con grandes como Pat Martino, Barry Harris, Jonathan Kreysberg, Gene Bertoncini, Jack Wilkins, Paul Meyers, Sid Jacobs, Bruce Arnold, y su mentor, el gran “Pino” Marrone, entre otros. Ha tocado y/o grabado en Buenos Aires, Bangkok, San Pablo y New York. En el pasado ha compuesto música para cine y TV, y ha integrado diversos grupos de rock y jazz.

Como sesionista ha tocado con artistas ya consagrados como Pedro Aznar, Luciano Pereyra, Ciro Martínez, Axel, Lissa de Bandana, Emme Vitale, El Reloj, Gazpacho, Irupé Tarragó Ros, y Lalo de los Santos, entre muchos otros. Es docente, y su proyecto más importante es el Powerjazz Trío (junto a Chino Piazza en batería y Eduardo Muñoz en bajo). Ha escrito un libro con técnicas altamente originales, basadas en el contrapunto en la improvisación. www.myspace/juampyjuarez juampyjuarez@hotmail.com

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BAJO LATINO Por Gonzalo Alfaro

El Bajo y la Clave Juntos por un mismo propósito. Parte 2 En esta oportunidad vamos a continuar con el tema de la edición anterior, repasando distintos ejemplos y variantes rítmicas.

Teníamos un ejemplo de 8 compases de una guaracha en clave 3-2. (El audio está en la página web de la revista. Mp3: El bajo y la clave). En las 2 primeras vueltas de armonía, el bajo marcaba el tumbao clásico sin ninguna variante rítmica. Para lo que sigue en adelante les dejo la línea escrita. Recordemos que las variantes rítmicas que utilicé en esta sección están directamente relacionadas con los acentos de la clave del tema.

Ver ejemplo 1 Ya vimos cómo se mueve el bajo con la clave 3-2 y algunas variantes. Ahora vamos a conocer la clave 2-3. Si invertimos la clave 3-2 tendríamos lo siguiente: Ver ejemplo 2 Dos golpes en el primer compás y 3 en el segundo. De ahí viene el nombre de 23. A esta clave se la llama también “reversa”, porque va en contra de la dirección de la 3-2.

Un tumbao clásico suena bien con ambas claves (escuchar mp3 en la página web), pero si queremos hacer una línea con variantes rítmicas es importantísimo tener en cuenta la dirección de la clave, porque acá es donde surgen los problemas en la acentuación. Les doy un par de ejemplos (audios en la página web).

Ver ejemplo 3 Ver ejemplo 4 Podrán darse cuenta que las líneas de bajo que funcionan bien son las que respetan los acentos de la clave; las que están desfasadas son confusas y dificultan mantener el tiempo. Es por esto que ignorar el sentido de la clave puede traer muchos problemas al momento de tocar con un ensamble.

Por lo general, en las partituras de salsa y latin jazz están especificados los patrones que seguirá la clave al comienzo de ellas, pero si no estuviesen lo mejor que podemos hacer es escuchar los instrumentos y buscar los acentos. En algunos casos esto puede ser muy claro pero en otros no; tomémonos un tiempo para analizar. Lo que recomiendo es poner esto en práctica para que, llegado el momento, seamos capaces de componer buenas líneas de bajo respetando a la vez los acentos que cada tema presenta. Para crear buenas líneas de bajo tenemos que poner un 50% de nuestro lado analítico y otro 50% de nuestra creatividad y buen gusto. Si desean profundizar en estos temas les recomiendo revisar los libros “The Latin Bass Book”, de Oscar Stagnaro, “El verdadero Bajo Cubano”, de Carlos del Puerto y Silvio Vergara y “Salsa Guidebook for Piano and Ensemble”, de Rebeca Mauleón; tres muy buenos libros.

Espero que esta nota les sirva y haya sido de su agrado. Hasta la próxima.

Ejemplo 1

Clave 3-2

Clave 2-3

Ejemplo 2

Ejemplo 3

Ejemplo 4

Clave 3-2 ¡La línea funciona bien acá!

Clave 3-2 ¡La línea NO funciona bien acá!

Clave 2-3 ¡La línea NO funciona bien acá!

Clave 2-3 ¡La línea funciona bien acá!

GONzALO ALFARO Nació en Lima, Perú, llegó a Buenos Aires en febrero del 2006 para formalizar sus estudios musicales. Desde entonces viene tocando en diferentes bandas y trabajando como músico de sesión. Su interés sin límites por la música lo ha llevado a diferentes estilos. Puede desenvolverse sin problemas en una banda de metal, en una orquesta de jazz, o en una de salsa de las más sabrosas. En noviembre del 2009 fue llamado para acompañar a Ralph Irizarry (timbalero de Rubén Blades) en una clínica. Actualmente toca en PRONOIA (metal progresivo). Obtendrás mas información en http://www.myspace.com/prono1a

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BAJO JAZZ

Improvisación sobre la cadencia II - V (Parte 2) ¿Qué tal, amigos? En la nota anterior hablamos de improvisación sobre la candencia V- I el acorde de V grado es un acorde de función dominante.

Por Damián Vernis

La formación de este acorde es: fundamental o tónica, tercera mayor, quinta (suele omitirse), y una séptima menor. Este acorde contiene entre sus notas un intervalo llamado tritono (tres tonos de distancia) entre la tercera mayor y séptima menor. Este intervalo es característico del acorde dominante, ya que no aparece en otro tipo de acordes (mayor, menor, etc.), y es el que tiende a resolver hacia otro acorde, normalmente el primer grado de la tonalidad: G7 - CM7.

Ejemplo 1 Para improvisar sobre el Db7 (acorde sustituto de G7) utilizaremos la escala Lidia Dominante o Lidia b7. Esta escala surge del 4to. grado de la escala menor melódica.

El acorde dominante de V grado puede reemplazarse por otro acorde dominante, situado a una cuarta aumentada de distancia, ya que ambos acordes comparten el mismo tritono. En este caso el grado del acorde será el bII7.

Ejemplo 3 En el próximo número profundizaremos lo visto hasta acá, agregando en la cadencia la función del subdominante, es decir II – V – I.

Ejemplo 2 Ahora observemos un ejemplo de la utilización de esta escala.

Ejemplo 1

Ejemplo 2

Ejemplo 3

DAMIáN VERNIS Bajista, compositor y docente. Estudió con Marcelo Torres, Juan Carlos Cirigliano y Néstor Marconi. En el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “Escuela de Música Popular de Curitiba”. A lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario Parmisano (pianista de Al Di Meola), Ricardo Nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), Nora Sarmoria, Yeye López, Adrián Birlis y Beto Satragni, entre otros. Paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por Europa y Estados unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, Adrián Otero. Podrán obtener más información en www.myspace.com/damianvernis

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BAJO TAPPINg Por Alejandro Giusti

Me llamó la atención que cuando llegaban los solos de guitarra, Rosco empezaba a tocar con la técnica de “dos manos tapping”, y era sorprendente escuchar cómo aportaba armonía desde su instrumento, sin dejar de lado la línea de bajo. Esa presentación me motivó a desarrollar esta técnica.

CONCEPTOS ARMóNICOS Para empezar, quiero aclararles que la mano izquierda sólo toca por las cuerdas tercera y cuarta, y se usa exclusivamente para la línea de bajo (en este caso un bajo caminante o walking). La derecha se encarga de la armonía, y sólo utiliza las cuerdas primera y segunda.

Como tenemos dos notas para completar la armonía, con la mano derecha, lo que más rinde es utilizar la tercera y la séptima (de la tónica se encarga la izquierda). De esta manera, pensando en acordes de cuatro sonidos, nos va a

“Dos Manos Tapping” Blues Recuerdo que, a comienzos de los noventa, vino a la Argentina el trío de Blues del excelente guitarrista Robben Ford, con Tom Breckley en batería y Rosco Beck en el bajo. El trío era una aplanadora… “la aplanadora del blues”. faltar el quinto grado, pero está bien que así sea, porque es la nota menos trascendente del acorde (siempre hablando de quintas justas), ya que la quinta funciona como un refuerzo de la tónica; no es necesario que esté sonando.

En conclusión, lo que define la armonía son las otras tres notas. Por un lado la tónica, es la que le da el nombre al acorde, y se define como el sonido más importante y más grave. La tercera aporta el modo en que funcionará el acorde (puede ser modo mayor o modo menor).Y, por último, la séptima te ubica en qué “función armónica” se va a desempeñar ese acorde (puede ser dominante, subdominante o tónica). Les quería aclarar también que la armonía de blues tiene su primer grado dominante, o “primer grado blues”, que le aporta su sonido característico.

Saludos a todos y hasta la próxima.

ALEJANDRO GIuSTI Compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 CDs con su banda: “Giusti Funk Corp.”, “Barrio Funk”, “Arrabal Eléctrico”, “Plan C” y “Grande de Fuzza”. Entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: Roberto “Fats” Fernández, Pablo Mainetti, Lito Vitale, Pablo Rovner, Daniel “Pipi” Piazzolla, Popy Spatocco, Juan Cruz urquiza, Nicolás Guerschberg, Gustavo Musso, Gustavo Cámara, Diego Clemente, Pedro Menéndez, Richard Nam, álvaro Torres, entre otros.

Alejandro Giusti es autor de dos libros con CD: “Bass Book de Slap”, 1999 y “Candombe Música Afro-Rioplatense”, 2008. Del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music Expert, que se emitía para toda Latinoamérica. Podes conectarte con Alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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