Guitarristas y Bajistas Magazine #22

s a t s i r r a r t i a . u G Bajistas & Imperdibles

NOVEDADES - Página 06 EMMETT CHAPMAN - Página 10 GUITAR EXPERIENCE - Página 14 LUTHERIA - Página 16 NAMM 2010 - Página 18 MASTIFAL - Página 20 NELS CLINE - Página 24 MARCELO TORRES - Página 26 EL OTRO YO - Página 28 TRANSCRIPCION EOY - Página 30 TEST LINE 6 FLOOR POD 2.0 - Página 32 INFORME PEDALES FISHMAN AFX - Página 34 INFORME GIPSY ROSE GUITAR - Página 36 TEST SCHALLER BRIAN MAY - Página 36 COMPACTOS EN CD - Página 38 STUDIO HOME - Página 40 SUPLEMENTO TECNICO SILVIO GAZQUEZ - Página 42 ARIEL VILLANUEVA - Página 44 MARIANO BOTTO - Página 46 PABLO ROVNER - Página 47 GABRIEL CAPARROS - Página 48 LUIS D’AGOSTINO - Página 49 GONZALO ALFARO - Página 50 DAMIAN VERNIS - Página 51 ALEJANDRO GIUSTI - Página 52

Para aplacar tanta tristeza después de quedar fuera del mundial de fútbol de Sudáfrica, en este número de “Guitarristas & Bajistas.ar” decidimos hacer una revista que sencillamente podría ser de lujo. Además de sumar el cambio de formato que la revista ha tenido este año, la distribución por todo el país y por tiendas de música de Chile, a todo eso le agregamos notas con una calidad de contenidos que yo definiría como “imperdibles”, para coleccionar.

Imperdible 1. Como nota de tapa tenemos una interesantísima nota al grupo “El Otro Yo”, que nos brinda un paseo completo por su gran trayectoria de 20 años sobre las tablas, hablando de todo: sus inicios, sus influencias, el disco grabado en México que acaba de salir este año, y su futuro. Además, Cristian Aldana nos “actualiza” sobre el tema del proyecto de la “Ley Nacional de la Música”, y la historia y actualidad de la Unión de Músicos Independientes.

Imperdible 2. Como decía al principio de este editorial, hablando de contenidos, una nota de lujo: nos metemos en la cocina del mismísimo creador del Stick, Emmett Chapman, no sólo para saber cómo vislumbró el instrumento y cómo lo lleva al mercado, sino también el desarrollo de su técnica con la infinita gama de posibilidades de un instrumento que tiene un techo muy alto al cual llegar. Emmett Chapman habla de la perspectiva del instrumento en el negocio de la música, su filosofía personal y la “mística” del stick.

Imperdible 3. “El bajo como forma de vida”, “la vida por el bajo”, “el hombre y el bajo” o “el viaje por la música con el bajo”. Todos estos títulos, y muchos más, podrían haber ido perfectamente para la nota a Marcelo Torres.

Decir Marcelo Torres es decir: Raza: Bajista. Con él podemos pasar desde los principios de la música, cuando el mundo era otro, hasta la música de mañana. Marcelo Torres integró grupos como “Pescado Rabioso” y “Los Socios del desierto” y, como si eso fuera poco, pasa por el jazz y el tango. O sea, “no ha pasado por el rock, el tango, el jazz”. Todos ellos pasan en él al mismo tiempo. Un músico imperdible, con una experiencia envidiable, como para aprovechar.

Director del Suplemento Tecnico Pablo Rovner provner@guitarristasar.com

Imperdible 4. ¿Qué hay en la cabeza de Nels Cline? Eso quisimos saber sobre este músico original, que ha grabado 100 discos (dato nada menor), y esta nota nos ayuda a conocer cómo piensa y hace su música. Además, “Guitarristas & Bajistas. ar” estuvo presente en el show, cubriendo su presentación en “La Trastienda”.

Editor responsable Silvia Ruggero sruggero@guitarristasar.com

Imperdible 5. Pablo Rovner, al pie del cañón con lo que todos los músicos necesitamos, inaugura una nueva columna develando una pregunta que todos en algún momento nos hicimos, y seguramente, si sabemos, necesitamos más: ¡¡¿¿Cómo “#$%##@@ setear la compu para grabar??!!

Publicidad Sergio Vall sergiovall@guitarristasar.com

Y, siguiendo con la lista de imperdibles, divisamos en su vuelo en ‘Zeppellin’ al grupo “Nave Madre”; analizamos la pedalera de Line 6 “Floor Pod” y los pedales de efecto “AFK” de Fischman para guitarra acústica; te ponemos al tanto de las novedades en materia electrónica que salen al mercado, y de las clínicas, seminarios y noticias que están ocurriendo. Te presentamos a “Mastifal”, un grupo que se viene con todo; cubrimos el concierto “Guitar Experience 2010”, y, como broche de oro, el suplemento técnico a cargo de nuestro staff de expertos, quienes revelan sus secretos y recursos para ser un gran músico. I-M-P-E-R-D-I-B-L-E

Coordinador Daniel Pérez dperez@guitarristasar.com Arte | Diagramación Sebastián Perego sebasperego@tutopia.com Colaboradores Sebastián Konrad, Rick Van Horn Guillermo Cides, Fanta Beaudoux, Rodrigo Yacciofani, Silvio Gázquez, Luis D’Agostino, Damián Vernis, Alejandro Giusti, Ariel Villanueva, Mariano Botto, Matías Méndez, Gabriel Caparrós.

06 | Editorial

Mariano Botto

Año 5º - Nº 22 | Julio/Agosto 2010 Soler 4759 4º B (1425) C.A.B.A E-mail: info@guitarristasar.com

Impreso en Cogtal - Rivadavia 767, C.A.B.A. Todos los registros en trámite | ISSN 1850-0986 Distribución en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Vaccaro Sánchez, Moreno 794 - C.A.B.A. Interior del país: D.I.S.A., Luis Saenz Peña 1836 - C.A.B.A.

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NOVEDADES

Todo sobre los últimos productos a tu alcance Un repaso sobre las cosas que más nos interesan a los músicos Noticias sobre eventos, clínicas y seminarios

rocktron pEdaLEs dE EfEcto En esta oportunidad presentaremos dos pedales de distorsión de la gran variedad que nos ofrece esta firma. El primero de ellos es el Metal Planet, ideal para distorsiones potentes. Éste cuenta con un control de volumen, otro de distorsión, y la posibilidad de ecualizarlo por medio de las dos perillas que se ubican en el centro. La otra posibilidad es el Metal Embrace, que nos otorga una distorsión con más armónicos. Su material es resistente, ya que cuenta con una carcasa de metal. Al igual que el Metal Planet, éste también cuenta con sus perillas para ir ecualizando el sonido. www.carme.com.ar

LinE 6 m13 stompbox modELEr Tevelam trae para los guitarristas una nueva alternativa de Line 6. En este caso se trata de la M13 Stompbox Modeler, una pedalera “todo en una”. Ofrece una colección completa de efectos de stompbox, un loopeador con todas las funciones, y una flexibilidad mayor para el músico.

Posee, entre muchos efectos, más de 100 distorsiones y distintas opciones de reverb y delay. De fácil uso, confeccionada con un material resistente y con afinador cromático incluido, esta pedalera es una gran opción para el guitarrista. www.tevelam.com.ar

EpiphonE LimitEd-Edition G-400 dELuxE con maEstro Vibrato Epiphone nos acerca a nuestro país la G-400 Deluxe. La misma es una SG edición limitada, con mango de caoba (22 trastes) encolado y diapasón de palo de rosa con incrustaciones trapezoidales. Contiene además dos mics doble bobina (humbucker) Alnico Classic, detalles dorados y clavijas Grover de alta precisión.

La característica más sobresaliente de esta guitarra es el tremolo Maestro, muy utilizado en los ´60, que le otorga además un 20% más de sustain. Todas vienen en color negro e incluyen la funda Epiphone original. www.importmusic.com.ar

cabLEs snapJack pLuG pLuG Estos cables que ingresan a nuestro mercado cuentan con un sonido profesional y son de alta duración. Esto se debe a su proceso de elaboración y a la materia prima empleada. SnapJack utiliza cable libre de oxígeno de alta calidad, con cables trenzados de cobre helicoidales blindados, y con unos robustos imanes de neodimio con contactos chapados en oro de verdad.

De esta forma se elimina el ruido que se produce cuando se desconecta el cable y el amplificador se encuentra encendido. Esta característica, junto con los conectores adicionales, hace al SnapJack ideal para los músicos que usan múltiples guitarras. www.bamusic.com.ar

duELo dE Guitarristas El reconocido negocio de instrumentos musicales de Lomas de Zamora acaba de anunciar que se llevará a cabo la quinta edición del “Duelo de Guitarristas”. El evento tendrá lugar en el mes de octubre y se entregarán hasta $5000 en premios. Al igual que en los años anteriores, Pop Music organiza este desafío entre guitarristas, como una forma de dar un espacio a los instrumentistas y compartir un buen momento entre músicos. El certamen cuenta con una primera y segunda rondas, y luego se pasa a las instancias finales, desde octavos de final, hasta el duelo que define al ganador. Todos aquellos que quieran inscribirse y demostrar su destreza técnica, sólo deben dirigirse al local y presentar sus datos. Únicamente abonarán los gastos de papelería, ya que participar del concurso no tiene costo alguno. www.pop-music.com.ar

08 | Novedades

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EmmEtt ChApmAN

El Stick y su creador En una entrevista personal

Por Guillermo Cides

Serie de entrevistas realizadas por The Stick Center a diferentes músicos. Aquí presentamos una exclusiva entrevista que realizó Guillermo Cides al inventor del Stick, Emmett Chapman.

Antes que nada, déjame decirte que esta es la primera oportunidad que tengo de entrevistarte y tengo muchas preguntas para hacerte. Intentaré hacer las preguntas que otros stickistas se hacen, pero no se atreven a preguntarte (!). ¿La invención del stick fue fruto de una necesidad individual, o vislumbraste un futuro posible para el instrumento desde el principio? ¿inventaste este instrumento sólo para ti y luego te diste cuenta de su potencial entrada en el mundo de los músicos? ¿o la idea apareció completa con este potencial?

Mi respuesta tiene que tener dos costados, como en la mayoría de los puntos (y esencialmente contrapuntos) que trato de expresar. Sí, inventé el stick y su particular método de tapping con dos manos para mí solo; volaba con mi guitarra. Sin embargo, noto que casi todo lo que hago tiene algún elemento de apoyo, alguna inclinación hacia algo que podría convertirse en popular o hasta "clásico" para otros. Me puedo entusiasmar fácilmente con una técnica especial de tenis -tengo una y es muy buena-; una rutina para hacer café, ¡a todos les gusta!; consejos sobre salud; un nuevo proceso de fabricación, etc. Descubrí el método en 1969, hice el primer diseño de "Stick Eléctrico" bodyless en 1970, pero no me embarqué en la producción de Sticks hasta 1974, en respuesta a pedidos de personas que habían asistido a mis conciertos.

En 1969, ¿conocías a alguien más que hiciera tapping sobre cuerdas? ¿alguna otra persona usaba esa técnica en ese entonces?

Como guitarrista de jazz, con 10 años de experiencia hasta ese momento, y también ensayando con la banda de rock de mi hermano Dan (Vanilla Rain), yo no había escuchado sobre nadie que hiciera tapping sobre cuerdas con las dos manos. Ninguno de mis amigos músicos o guitarristas había escuchado sobre el tapping con dos manos en un fretboard de ningún tipo. Años más tarde, me enteré de que había tres pioneros anteriores que hacían tapping en sus guitarras eléctricas con ambas manos simultáneamente: Harry D'Armond, Jimmie Webster y Dave Bunker, y que todos tocaban un método diferente de tapping, con la mano izquierda perpendicular a las cuerdas, como es común en la digitación, pero con la mano derecha paralela a las cuerdas. Me di cuenta de que mi técnica de la mano derecha permitía el fácil golpeteo de los dedos de ambas manos, tanto para escalas como para melodías y acordes de guitarra, mientras que su técnica anterior requería el movimiento de todo el brazo derecho para poder tocar notas consecutivas sobre el diapasón.

Estos tres guitarristas innovadores hacían tapping sobre sus cuerdas con el antebrazo y los dedos de la mano derecha orientados sólo en esta posición paralela al diapasón y a las cuerdas. ¿Qué sientes al haber inventado un instrumento que años después tocan miles de personas?

Yuta (mi esposa) y yo recibimos un premio a diario con los cumplidos y noticias de los logros y experimentos de nuevos stickistas. Es una fuente de orgullo para nosotros. Tenemos el rol social envidiable de haber hecho realidad nuestro sueño, ¡y con un potencial ilimitado hacia el futuro! Al mismo tiempo, los músicos necesitan de nosotros, entonces dedicamos nuestras vidas a hacer "cualquiera y todas las cosas" para mantener este impulso. Mi más grande frustración personal es que sé que ahora tengo el mejor instrumento que he hecho hasta el momento, pero no tengo suficiente tiempo

10 | Emmett Chapman

para tocarlo y disfrutarlo. Espero que esto sea algo momentáneo, y que en el futuro, Yuta y yo tengamos tiempo para ocuparnos de algunas de nuestras necesidades más básicas, incluyendo mi música, que ha sido un gran tema en mi vida desde mi temprana infancia.

En el mundo, hay más notas tapeadas de las que yo podría tocar en muchas vidas. ¿te sientes más músico que inventor?

Aquí viene otra respuesta con dos aristas. En mi caso, tienes que tomarme como un "todo". Es por eso que nunca pude convertirme en actor. Nunca pude sólo "dar mi mejor paso", sino que doy todos los pasos hacia adelante, o tantos como puedo, y por lo menos uno sale de mi boca. Me siento tan músico como inventor. De hecho, soy ambas cosas en la vida que he decidido llevar. También diseño e invento cosas cuando tengo necesidad de hacerlo, y tengo un negocio con mi esposa. Hago astrología como un hobby ocasional, juego al tenis en los días soleados, y le presto mucha atención a mi familia -tenemos muchos cumpleaños- y hacemos muchas cenas. actualmente, stick Enterprises es una mediana empresa familiar que diriges tú mismo. ¿por qué no decidiste crear una gran compañía, como sucede en el caso de compañías que desarrollan invenciones que se convierten en populares?

Decidí en favor de la grandeza, desde el principio. ¿Por qué no? Desafortunadamente, una decisión así nunca es unilateral. Tomamos nuestra mejor decisión al formar una Corporación Californiana en 1975. Mi primera patente y marcas registradas fueron registradas a fines de la década del '70. Actualmente, tengo 14 patentes activas y 17 marcas registradas. Comenzamos con las ventas en 1974, con la cadena de Sam Ash Music Store como nuestro representante, y con Gibson/Norlin como nuestro distribuidor internacional. Subcontraté tanto trabajo de producción como pude, y lo sigo haciendo. Yo estaba en contacto con muchos editores y con personas en compañías discográficas. Lo que no me di cuenta, fue que el stick no es un producto normal, sino que tiene su vida propia y su trayectoria. En la actual economía mundial, la riqueza se crea mediante la replicación - imprimiendo, moldeando, publicando medios electrónicos e impresos-, y probablemente pronto también clonando. Un producto actual en 3D debe ser fabricado de modos más tradicionales y no es tan lucrativo en esta economía, aunque algunos puedan ser estampados, moldeados, armados al vacío, estirados o ensamblados automáticamente. En el caso de las guitarras, hay una tercera fase de dificultad; es un instrumento musical esperando "soplo de vida" del luthier. Luego llegamos a los instrumentos de trastes para tapping, y el nivel de ajuste fino -la construcción y el diseño básicos que lo hacen posible- es de tres a cinco veces más difícil que con las guitarras. Lo que intento explicar es que el arte mismo hace más lento el negocio, pero esto lo aprendí por experiencia mucho más tarde. Mientras tanto, para seguir adelante, siempre tuve mis propios logros musicales y el progreso musical de otros stickistas. A propósito, estoy concentrado actualmente en encontrar una solución para esta limitación inherente, con esperanzas de expandir la producción y delegar más de la misma en otras manos.

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Nota editorial por Guillermo: tuve la suerte de poder visitar a Emmett cuando estuve de gira en Estados Unidos. Él se ofreció amablemente para calibrar mi viejo stick de policarbonato. Observé cómo Emmett tomó el instrumento en sus manos como si fuera la cosa más delicada. Cuando al día siguiente estaba listo, me lo entregó de una manera muy especial, no simplemente como quien devuelve un objeto. Vi en esa actitud un cuidado particular, como si ese instrumento, de alguna manera siguiera perteneciéndole. Ese hecho inspiró la siguiente pregunta:

cambio. Logran encontrar un lugar para ellos mismos y cumplir sus sueños musicales porque, como artistas, necesitan hacer eso. En cuanto a mi propia carrera, disfruto completamente de mi trabajo, me dejo llevar constantemente por tareas intensas, una detrás de otra, y espero hacerme tiempo pronto para hacer grabaciones con stick y dar conciertos.

como luthier de fretboard tapping instruments, ¿sientes que el trabajo que haces con tus manos sigue perteneciéndote?

Sí, pero no creo que debiera ser así. "Mística" implica misterios, una falta de claridad en la comunicación, y una suerte de marginalización de los canales principales. Y una vez más, nosotros, los stickistas, estamos compitiendo con la "cultura pop" que domina al mundo. Los líderes naturales y los innovadores son reducidos a "figuras de culto", y su vida diaria y sus historias se disuelven en "leyendas". El sueño del stick está muy vivo, pero no puede verse claramente en público por falta de cobertura y de "distribución", la palabra del poder. Siento que no debería haber un mito alrededor del stick y de los stickistas. He experimentado mucho eso. Necesitamos logros y resultados para poner todo nuestro trabajo a la vista.

No, siento que eso tiene una lógica más profunda. Es sólo un "instrumento", después de todo. Se los vendemos a los clientes completos con una cultura, un método, y algo de inspiración. Claro que suelen volver a mí y los reparo, a veces después de 20 o más años, pero los considero sólo instrumentos, como medios para tocar y expresar la música como lo hago yo con mis instrumentos. Considero al stick una herramienta para la recreación humana en un espacio físico reducido, un logro de utilidad que vale la pena, comparado con las canchas de golf, y como un medio para luchar en pos de la excelencia humana: física, mental y emocional, de una manera integrada. Este aspecto de la performance "se comunica" a las audiencias, más allá de las notas de una melodía. No sería sensato afirmar que los músicos que tocan con la particular técnica de tapping que yo desarrollé "me pertenecen", declarándome así como una suerte de dueño espiritual de todos los instrumentos que he fabricado, y que ahora están en manos de otros, cada uno con sus propios sueños individuales. No hago ese tipo de afirmaciones, pero hay algo de lo que estoy seguro, y es que mi música sí es mía. ¿debería el stick ser más popular de lo que actualmente es?

Sí, probablemente. Es difícil saber con certeza cuán popular es. Aparece inesperadamente como tema entre los encuentros más extraños entre personas muy diferentes. El mundo es alimentado a la fuerza con "cultura pop", mientras que una verdadera leyenda tiene una vida propia y puede sobrevivir más tiempo. Sin embargo, los sueños, las leyendas y los líderes naturales son "asesinados" todo el tiempo, si no literalmente, figurativamente, y la cultura pop vuelve a aprovechar su popularidad para alimentar las noticias. No hay garantías de que los sueños de cualquier persona no vayan a perderse en este proceso. Sin embargo, hay un motivo para ser optimistas. A las personas que escuchan música, y a los músicos -ese 20% de la humanidad que no necesita que le digan lo que les gusta- les encanta este instrumento y esta música. todos conocemos la historia de las competencias. ¿tiene esto alguna influencia en tu persona? me refiero a tu trabajo diario.

Sí. Cuando creas algo exitoso, debes defenderlo; no en contra de la competencia, que es sana y constructiva para cualquier sociedad, sino en contra de la explotación y la degradación. Lamentablemente, Yuta y yo debemos dedicar parte de nuestro valioso tiempo defendiendo nuestras reputaciones profesionales y personales de la manera más amistosa posible contra varios ataques: rumores falsos, una "guerrilla de marketing" constante vía Internet. Esto lo hace un pequeño grupo de stickistas que se organizaron en nuestra contra a principios de la década de los '90. Identifican continuamente sus productos y servicios con el stick, mientras intentan desacreditar mis contribuciones a este arte y alterar nuestra atención a los clientes y nuestra buena voluntad. Pero, de todos modos, logramos mantener a diario nuestra inocencia y nuestra buena fe con cada cliente, y atravesar este obstáculo con gracia y profesionalismo. ¿Qué fue lo que más te sorprendió de tu carrera y de la de otros stickistas?

El secreto mejor guardado: nunca llegas a un "altiplano" con un stick. Con la guitarra finalmente llegas a la barrera de la digitación, por lo menos en lo técnico. El stick es más parecido a un piano pero con los dedos directamente sobre las cuerdas, y siempre se puede añadir otra capa en una línea contrapuntual, un pulgar, algo up-hand, down-hand, y sub-técnicas adicionales. Nunca te quedas sin orquestación. Otro secreto: puedes envejecer, o haber perdido la práctica, o hasta tener dificultades con tus manos, y aún así, puedes mantener tu ímpetu musical en el stick. Lo que más me ha sorprendido de algunos stickistas cuyas carreras he seguido, es cómo sobreviven de la manera que sea y preservan sus prioridades artísticas sin importar lo que el mundo de la música les ofrezca a

12 | Emmett Chapman

¿crees que el stick está rodeado de alguna mística?

si miras hacia atrás, ¿cómo describirías todos estos años de trabajo con el stick?

Es un éxito que se define en sus propios términos. La música cuenta la historia, junto con la inspiración de un nuevo medio para la performance en vivo de los humanos. Mientras tanto, yo sigo teniendo una doble vida, como músico y como fabricante.

He conocido a muchos stickistas durante las giras que hice por varios países. Todos sabemos que el stick nació con Emmett Chapman, y que desde entonces ha estado bajo su cuidado constante, con infinita paciencia y minucioso trabajo manual. Una de las preguntas que se repite es: ¿en qué condiciones estará el stick dentro de cien años, cuando tú ya no estés aquí para nutrirlo?

Sospecho de aquellos que especulan con las generaciones futuras, entonces no alimento esa fantasía. Mi recomendación es que simplemente nos realicemos en el ámbito de la familia, de la comunidad, y de los grupos de trabajo o intereses en común, y que dejemos que la historia se cuente sola.

Por el momento, estoy lo suficientemente ocupado preparando a la nueva generación de fabricantes de sticks y de músicos que toquen el stick; estoy creando métodos alternativos, materiales y diseños, con la esperanza de establecer una producción de sticks con vida propia, es decir, que dependa menos de mí, y finalmente que sea independiente de mis esfuerzos.

Hay un aspecto del stick que siento que es el que más potencial tiene por un largo tiempo, y es su poderosa técnica de tapping con dos manos sobre cuerdas eléctricas. El stick no es sólo una invención, sino también un diseño, aunque minimalista, que creo que se acomoda muy bien a mi primer descubrimiento del tapping en 1969 (ambas manos perpendiculares a las cuerdas dispuestas en el fretboard desde los lados opuestos). Luego, está la infraestructura de la instrucción sobre el stick, los seminarios, las clases, los CDs, los videos, los libros, los foros de discusión en Internet, los sitios web, y los conciertos de "Stick Night". Esta "cultura" ya tiene una vida propia, que prospera independientemente de mis esfuerzos, aunque Yuta y yo apoyamos todas estas actividades con mailings regionales, anuncios que publicamos en nuestro sitio web de Stick Enterprises Website (www.Stick.com), en Stickwire, y en las listas de correo electrónico de miembros de Sticknews, y también coordinando eventos con los stickistas organizadores.

Tenemos amigos valiosos y de gran talento, quienes han mezclado sus vidas “en concierto" con las nuestras, para crear esta comunidad de práctica musical en común, y cada vez confiamos más en que ellos inicien y organicen proyectos que involucren a otros stickistas en todo el mundo. Greg Howard es el primero que se me viene a la mente como un amigo que se ha involucrado multi-dimensionalmente a través de los años con proyectos con sticks, eventos y publicaciones extensivas para el beneficio de todos nosotros.

Y tú mismo, Guillermo, tienes mi perdurable gratitud por la dedicación de tus considerables talentos musicales y educacionales con el instrumento que diseñé y fabriqué, tanto en la dimensión cultural (tu creación y tu organización diligente del "Centro de Stickistas" en Argentina desde mediados de los '90, y ahora también en España), como en tu arte personal (las composiciones, los arreglos, tus conciertos como solista, y tu sorprendente amplitud de grabaciones con sticks). De alguna manera, todo se resume en una pasión consumada y en un sueño hecho realidad.

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GUItAR EXpERIENCE Por Daniel Makelvintong

Noche de experiencia en Buenos Aires

Los amantes argentinos de las seis cuerdas tuvieron una nueva posibilidad de contemplar una verdadera demostración de destreza. El 26 de junio, en el teatro IFT, se llevó a cabo el Guitar Experience, bajo el auspicio de Guitarristas y bajistas.ar niendo, al igual que los otros artistas, un espacio para hacer dos canciones. Este guitarrista zurdo es músico profesional, arreglador y director artístico. El siguiente músico en tener su lugar sería Chowy Fernández, oriundo de Puerto Esperanza, Misiones. El joven guitarrista, de 25 años, demostró que, a pesar de su corta edad, posee una vasta experiencia sobre los escenarios. El próximo turno fue de Pablo Soler, quien durante sus dos canciones tocó

Joao Neto

Chowy Fernández

Una lluviosa y fría noche de invierno dibujó el marco ideal para estar disfrutando en un teatro de una gran demostración de habilidad. El telón del IFT se abriría pasadas las 22 horas, para que numerosos artistas latinoamericanos pudieran expresarse a través de sus guitarras, durante más de dos horas.

Los primeros cuatro músicos en subirse al escenario tocaron sus temas sobre pistas grabadas. Estos artistas brasileros, que inauguraron el evento, son: Tiago de Moura, Denison Fernandes, Joao Neto, y un dúo protagonizado por André Viegas, que dio inicio a la velada. En esta primera etapa no se pudo apreciar totalmente la habilidad de los músicos, por las diferencias que existían entre el sonido en vivo y las pistas grabadas. El sonido jugó una mala pasada para estos primeros cuatros artistas. Sin embargo,

Miguel Sigales

el brasilero Denison Fernandes, oriundo de San Pablo, demostró su virtuosismo a través de dos canciones veloces de heavy metal. “Unfinished thought” y “Northway” fueron parte de su lista en Buenos Aires. Ya con la banda sobre el escenario (Bruno Malinverni en teclados, Héctor Pegullo en bajo y Hernán Bessone en batería) y con una dinámica mayor, hizo su presentación Maycown Reichembach, te-

14 | Guitar Experience

ción”.

La banda Machaca Böffe, liderada por Gianni Sabbione (teclados y voz), fue la encargada de cerrar el show, que superó las dos horas. La formación, gestada en el año 2003, tuvo su momento para hacer “Gringo” y “Mi mamá me mima”, perteneciente al flamante disco de igual nombre. De esta forma transcurrió la segunda edición del GuiMaycown Reichembach Pablo Rovner

a gran velocidad, dando fe de sus influencias clásicas gestadas por Yngwie Malmsteen.

Claudio Passamani ocupó el octavo lugar de la grilla. El guitarrista brasilero lució la remera de la selección argentina bajo su chaleco, y una guitarra Jem con los mismos colores haciendo juego. Luego de expresar tímidamente sus deseos para que su equipo nacional gane el mundial, hizo “Game of life” y “Grandioso és tu”. El argentino Fernando Pareta mostró sus influencias de rock, blues y funk sobre el escenario del IFT, dando lugar a nuestro director del suple técnico, Pablo Rovner. El experimentado guitarrista ejecutó “El mayor de los blues” y “El frustrado”, que avalaron su trayectoria y sus estudios en el exterior. Silvio Gázquez, otro de los colaboradores de esta revista, demostró sus condiciones a través de “Summer nights” y “Coming home”, dos canciones contundentes.

Los más de diez guitarristas, que habían superado la hora y media de show, aún no eran suficientes. Hubo lugar entonces para que cuatro artistas más manifestaran sus sensaciones por medio de su instrumento.

Tuvieron espacio Miguel Sigales, interpretando “Rock” y “Atrapasueños”, Juan Cortés con “Robotech” y “Random Select”, y Zé Filho mostrando “A vigança dos nerds” y “Van Halen”. Patricio Tomaselli sería quien cerraría la gran noche de solistas para dar paso a la banda que daría fin al Guitar Experience. El argentino tocó “Fluir” y “Resurrec-

tar Experience, un evento único en Latinoamérica. Una vez más, los músicos tuvieron la posibilidad de realizar un encuentro en común y maravillar a los apasionados de las seis cuerdas.

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LUthERIA

Cariños para la guitarra. Conceptos sobre la afinación.

Nuestra audición ha mejorado mucho en los últimos años. Sólo pensemos que, por ejemplo, en la década del ’60, una persona que escuchara música más de 4 horas semanales era un privilegiado.

Por Eduardo “Fanta” Beaudoux

Hoy la música está por todos lados, nos rodea. Con la aparición de los primeros walkman en los ‘70 nos dijeron que nos íbamos a quedar sordos, pero, en lugar de eso, hoy en día la cantidad de músicos con oídos absolutos o cuasi absolutos es sorprendente.

La afinación de los artistas de la década del ‘60 dista mucho de lo que hoy se considera correcto. Los sistemas de afinación que hoy tenemos, desde el simple afinador de guitarra hasta los sistemas de afinación en una computadora, nos permiten generar material más que correcto para la audición.

Vamos a entrar de lleno en el tema de la nota. Pitágoras descubrió que hay una constante matemática que nos permite conocer la ubicación de los trastes. Este método es usado hoy en día para el cálculo de los trasteados de la mayoría de los instrumentos.

Los armónicos forman parte del sonido de una nota, y en la guitarra los principales están ubicados en la tercera, quinta, séptima y novena posición. Específicamente, el tercer armónico de la quinta y séptima posición son quintas de esas notas, y eso no implica ningún inconveniente para la formación de los acordes. El primer gran problema está en los armónicos de la tercera posición, que son de cuarta, y éstos, en la formación de por ejemplo DO séptima, provocan una desafinación notoria, que podríamos llamar una tirantez en el acorde, no muy agradable.

El otro problema está dado con los armónicos de la novena posición, porque éstos son quintas desafinadas hacia abajo notoriamente, y esto, ante la formación de los acordes, la tirantez es notoria.

Ante esta situación, mucha gente está investigando y existen multiplicidad de foros que se ocupan del tema.

Peterson y su sistema de afinación estroboscópica (con división de cada semitono en mil partes), Buzz Feiten, con el calculador para la corrección de la ceja según el calibre de la cuerda, y otros tantos, están tratando de obtener avances sobre la afinación de nuestra querida guitarra. Algunos instrumentos, como los bajos Musicman, vienen con la ceja con calados que les otorga distintas longitudes para cada cuerda, y algunos afinadores Korg vienen con el sistema Buzz Feiten.

Yo, personalmente, tomé el curso con Buzz Feiten y soy el instalador en Sudamérica, y también poseo un afinador Peterson con el cual trabajo siempre. Este aparato posee (como mencioné) una división en mil

16 | Luthería

partes (de cada semitono) en vez de en cien como el resto de afinadores, y le permite tener algo que ellos llaman sweetness, que son pequeñas variaciones que hacen que los acordes suenen relajados, verdaderamente relajados, y uno cuando se acostumbra a ellos, es un placer.

Un par de empresas norteamericanas han sacado a la venta unas reglas con trasteados, que ellos denominan compensadas, y lo han hecho mediante la comparación de una gran cantidad de guitarras. De esta manera, han obtenido muy buenos resultados.

Empresas como Gibson y Martin usan este tipo de trasteados, primero calculados, y luego comparados. Yo los uso desde hace varios años, y estoy verdaderamente conforme con el resultado.

Para cerrar esta nota, les quiero hacer un comentario sobre la afinación con el sistema estroboscópico.

Esto no es nuevo; ya en la década del setenta yo usaba este sistema para afinar pianos Rhodes.

Antes era una caja inmensa y el sistema era análogo; hoy es digital y más acotado en tamaño. No solamente Peterson posee este sistema. Casi todas las empresas que fabrican afinadores en los años venideros van a tener el sistema estroboscópico. Ya hay algunos en el mercado, pero pocos con división en mil partes.

En esta nota trato de brindarles un panorama sobre la guitarra y el bajo. A lo mejor no es tan sencillo comprender o asimilar estos datos que vierto, pero espero que les interese y se metan en el tema. En la próxima nota voy a tratar de detenerme en estos conceptos ya incorporados, y en la manera física de afrontar este conocimiento, porque hay bastante más y muy interesante en nuestra guitarra.

(Referencia) Temperado: Esta palabra identifica a instrumentos como el piano o clave, a partir de que Bach compusiera el “clave bien temperado”, un ejercicio que contempla el movimiento por todas las tonalidades y una audición afinada en todas ellas. Antes de esto las composiciones debían hacerse en una sola tonalidad y el instrumento afinado para ella.

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NAmm 2010

Reporte sobre guitarras y bajos Por intermedio de nuestro corresponsal exclusivo, Rick Van Horn, seguimos presentando novedades del Namm Show

Por Rick Van Horn

a la edad de 21 años. El mismo Fred Gretsch tomó parte en el lanzamiento. cort www.cortguitar.com

fLEabass www.fleabass.com Fleabass es una nueva marca de bajos diseñados por – ustedes ya adivinaron quién –Flea (bajista de los Red Hot Chili Peppers). Estos bajos apuntan al principiante, con un modelo en escala para los más pequeños, y hasta los colores también intentan atraer particularmente a los más jóvenes. Los bajos están equipados con cuerdas GHS y vienen acompañados con una funda, un cable y un DVD instruccional. aLVarEz www.alvarezgtr.com Esta Alvarez FCF7403 de la serie Fusion posee una caja ultra delgada, que le otorga un sonido acústico sin correr el riesgo de producir feedback.

Posee un circuito Aura IC que le da al ejecutante la opción a cuatro posibilidades de sonido acústico diferentes.

El cuerpo está hecho con tapa de maple, caoba detrás y a los lados, y clavijas de níquel fundido. b.c. rich www.bcrich.com Esta nueva Mockingbird de tapa arqueada posee un mango de 24 trastes con una escala de 5/8”, y micrófonos Rockfield Mafia. Su cuerpo de caoba le da un aspecto de

Cort estuvo exponiendo una edición limitada del bajo GS-AXE-2, diseñado junto y para Gene Simmons, el bajista de Kiss.

El mismo posee un cuerpo de caoba, un duro mango de maple, trastera de palo de rosa, micrófonos Mighty Mite, y clavijas fundidas. Viene en una funda acolchada con la imagen de Gene en relieve. danELEctro www.danelectro.com Todo lo viejo es nuevo otra vez, al menos en lo que concierne a Danelectro. En esta oportunidad, estuvieron exponiendo una reedición modificada de una guitarra #3021 de 1959 de doble corte, con la original cabeza ‘bottleneck’ (cuello de botella), clavijas cerradas y bordes texturados.

También presentaron una reedición de un bajo Longhorn de 1958 con micrófonos ‘lipstick tube’ (lápiz labial) y una terminación vintage.

Fender mostró en el show la serie American Special. Esta serie ofrece modelos económicamente asequibles de Telecaster y Stratocaster. Entre sus características, se inclu-

yen un cuerpo de aliso con un acabado de laca brillante, cuello de maple de 9,5” pulgadas de radio, trastes jumbo, micrófonos Texas Special™, y un sistema de palanca sincronizada tipo vintage.

Jackson www.jacksonguitars.com Jackson debutó tres nuevos diseños conmemorando el 30 aniversario de la serie Randy Rhoades. Cada modelo RR5FR posee cuerpo de aliso, mango neck-through de

La Gibson’s Dusk Tigre es lo último en guitarras de tecnología robotizada. Especialmente una Les Paul con cerebro, la cual posee un sistema motorizado de autoafinación, operado cibernéticamente con preseteos programables, así como también viene con un sistema llamado Chameleon Tone, el cual puede simular otros modelos populares de guitarras con el simple girar de una perilla de selección. El cuerpo muestra un acabado en snakewood. dEan www.deanguitars.com

GrEtsch www.gretschguitars.com

La Dave Mustaine Signature Zero de Dean presenta una nueva forma con un acabado plateado metálico. Tiene un mango de caoba en forma de ‘D’ y trastera de ébano. Mini-

18 | Namm 2010

fEndEr www.fender.com

Gibson www.gibson

violín antiguo, con un acabado satinado, con tapa de maple y herrajes en acabado dorado opaco.

Una considerable muestra de recuerdos apoyó el lanzamiento de la guitarra Gretsch’s Eddie Cochran Tribute. Ésta recrea la guitarra usada por el pionero del rock, quien fue trágicamente asesinado en 1960

clavijas Grover alineadas y micrófonos Dave Mustaine Duncan Live Wire.

maple, trastera cónica de palo de rosa, micrófonos dobles Seymour Duncan® JB en el puente y Jazz en el mango, un sistema de palanca Floyd Rose® FRT-O2000 de doble traba y herrajes en negro. ibanEz www.ibanez.com Un nuevo y exclusivo artículo de Ibanez fue este Ashula híbrido de 6 cuerdas, con las 4 cuerdas inferiores trasteadas y las 2 superiores sin trastear. El mismo posee micrófonos Sonic Arch, así como controles de volumen, balance,

Guitarristas y Bajistas.ar

El modelo Signature Diamond Series Corsair fue creado en colaboración con Porl Thompson de The Cure. Éste posee micrófonos HB-101 diseñados por Seymour Duncan, puente Schecter de rodillos, y un sistema de palanca Bigsby. booster y corte de bajos, y booster y corte de agudos para las cuerdas trasteadas y micrófonos Sonic Arch Mini, controles de tono y volumen activos para las cuerdas sin trastes.

La serie Ambience de electro-acústicas con contrafrente arqueado cuenta con mango de caoba, micrófonos Fishman Sonicore y preamps Presys, puente y trastera de palo de rosa y cuerdas D’Addario. La A300TEB que se muestra aquí presenta un acabado en verde esmeralda transparente eléctrico de alto brillo. oVation www.ovationguitars.com Ovation introdujo la colección de guitarras Demented, las cuales cuentan con arte gráfico creado por DJ Asaba, el guitarrista de Guns ‘N Roses. Las guitarras poseen el fondo del cuerpo redondeado de media profundidad para un mejor balance, y micrófonos Ovation Slimline con sensores individuales por cuerda. El diseño que aquí vemos se llama Bone Yard. schEctEr www.schecterguitars.com

music man www.music-man.com Este nuevo modelo JPX conmemora diez años de colaboración con el guitarrista de Dream Theater, John Petrucci. La nueva forma del cuerpo posee un levemente más fino cuerno superior y un perfil más simétrico del puente. El cuerpo está también ahuecado para agregarle una resonancia acústica.

La terminación en púrpura chispeado de alto brillo es llamada Barolo.

Yamaha www.yamaha.com La línea de electroacústicas de Yamaha se ha expandido hasta incluir la guitarra de tamaño concierto FSX, la cual cuenta con una sólida tapa de abeto Sitka, precisas clavijas de afinación, firmes cuerpos, y un sistema de amplificación incorporado. La FSX720SC que vemos aquí usa un micrófono System 55T. La serie BB es la última línea de bajos ultralivianos de Yamaha. La misma posee una construcción del cuerpo en tres piezas, un mango de 5 cuerdas,

y un especial refinamiento en la madera y en el proceso de maduración. Yamaha le ha dado una nueva vuelta de tuerca a la venerable serie de alta calidad SBG. Las guitarras han sido ‘americanizadas’ con opciones como los micrófonos Seymour Duncan y EMG, puentes Tone-Pro, circuitos

Switchcraft, y otras características destacadas. Cada guitarra es realizada a mano, una a la vez. La SBG1820 que vemos aquí está terminada en un plateado fundido.

mAStIfAL

Una banda en continuo crecimiento Tras lanzar INTERMUNDIA, su cuarto disco de estudio, y de tener su primer dvd en vivo, las tres cuerdas de la banda nos intruducen en el oscuro mundo del metal

Por Sebastián Konrad

¿cómo se interesaron por su instrumento?

prEGuntas sobrE La banda

diego: Cuando era chico me llamaba la atención, porque mi abuela era concertista de piano, y recién en la secundaria, cuando escuché a Kill ´Em All de Metallica fue cuando dije: “quiero tocar esto".

¿cómo fue la evolución de mastifal desde el primer Ep a la actualidad, donde ya lanzaron un dvd en vivo?

matías: En mi casa siempre se escuchó música ligada al rock, entonces quería poder tocar así o aprender, ver de qué se trataba eso y quería una guitarra eléctrica. alex: Primero empecé a tocar la guitarra a los 15 años; me prestaron una guitarra criolla de 1928 que pertenecía a un tío concertista de tango, y todavía la tengo. ¿cuál fue su primera guitarra o bajo (de acuerdo a cada uno) y cuál es su equipamiento actual? diego: Hoy en día uso 2 guitarras Daniels (luthier) de 7 cuerdas. Una modelo Explorer negra y una Flying V mate, ambas con mics con EMG. Un Marshall JCM 900 dual reverb 4100 con caja 1960 B. También tengo un Line6 Pod Pro y una potencia Mesa Strategy 500 con la caja Mesa, pero no la uso en vivo. matías: Ahora estoy usando cabezal Marshall JCM 900 dual reverb, cajas Marshall 1960 a y b, guitarras Daniels, una Warlook Custom Shop de 7 con floyd y mics EMG 81-7 y una Les Paul Custom Shop de 7 con EMG 81-7 y 85-7. Los efectos son Boss CE-1 (chorus), Equalizer Boss ge-7, y Wha Dunlop Cry Baby. alex: Uso un bajo Spector JH-5 USA (5 cuerdas) con mics EMG y circuito activo AGUILAR. Tengo un MUSICMAN STINGRAY de 4 Fretless con piezo eléctrico. A este bajo no lo uso en vivo, pero con él grabé cosas para el nuevo disco. También tengo Cabezal Gallieny Krueger 800 RB. Antes uso una caja directa SANSAMP Bass Drive. Y mis cajas son SWR Goliath 4 x 10” y la Big Ben 1 x 18”. ¿cuál es el secreto o el método que utilizó cada uno para lograr esa destreza técnica? diego: Obviamente no toco igual que cuando empecé, pero no llego ni a los talones de lo que me gustaría poder tocar. Dentro de mis limitaciones, creo que ponerle tantas ganas, ensayar mucho y conocer bien a mis compañeros de banda fue fundamental. alex: Básicamente tocar y, como banda, ensayar mucho. Siempre supe que en un bajista de metal, lo importante es lograr un buen audio, más que la velocidad.

diego: Tremenda, con cambios de formación que enriquecieron mucho el sonido de la banda, que fue variando de disco en disco, y va a seguir haciéndolo. También hubo varios problemas en el camino, pero siempre las ganas de salir a rockear fueron más grandes, y siempre lo superamos y nos volvimos así, fanáticos de Mastifal. ¿sienten que es mucho más difícil alcanzar los objetivos, cuando se decide por un estilo marginado por los medios de difusión? diego: Sí, seguro, mucho más difícil. Pero es más difícil aún cuando no creés en lo que hacés. Nosotros siempre fuimos para adelante y muchos nos dieron la espalda, pero bueno, los años hicieron que esto tenga otra llegada y nos acepten en otros medios y en otros eventos. a pesar de las adversidades, cada día logran tener más seguidores e ir mejorando su producción en estudio y en vivo. ¿cuál es la fórmula para lograr ese crecimiento, esa madurez? diego: Básicamente disfrutar realmente de lo que hacés. Todo lo que se hace, se hace de la mejor forma que esté a nuestro alcance. Apostamos todo y el resultado se nota.

Hemos aprendido a tocar mejor, a escuchar mejor, a trabajar adentro de un estudio de grabación, a trabajar arriba de un escenario. Siempre tratamos de mejorar, creo que se resume a eso. mastifal presentará oficialmente intermundia en El teatro de colegiales, el 14 de agosto. allí mismo se relanzará “holocausto mental”, primer material de la banda, que fue remezclado y remasterizado. sin dudas, una gran fiesta del metal, que contará con bandas invitadas. formación actual miguel a. maciel (voz) diego conte (guitarra) matías munighini (guitarra) alex G. martín (bajo y coros) raúl López (batería)

matías: Llegar del colegio y estar todo el día encerrado tocando a un volumen infernal. Y, obviamente, estudiar.

20 | Mastifal

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NELS CLINE Por Rodrigo Yacciofani

Poder tocar como ángeles, pero a su vez como demonios En su visita a la Argentina el pasado 10 de junio, tuvimos el agrado de entrevistar a Nels Cline, sin dudas el portavoz de la guitarra moderna

Un guitarrista autodidacta con vuelo propio. Actual guitarrista de Wilco, ha grabado en más de 100 discos, y en esta entrevista nos cuenta un poco sobre su historia. contanos un poco de tus comienzos, ¿cómo fue que elegiste a la guitarra como medio de expresión?

Comencé a escuchar rock and roll a mediados de los ‘60, y ya para el año ‘67 estaba completamente inmerso en él.

Escuchaba canciones de pop, rock psicodélico, blues/rock, y conocí a mi primer amor en la música, que fue The Byrds. Pero cuando escuché a Jimi Hendrix sentí que el curso de mi vida había cambiado.

El sonido de la guitarra, en temas como "Eight Miles High" o "Manic Depression" es pura magia. Desde esa época, hasta el día de hoy, la guitarra sigue siendo amada, es un ícono. Yo la agarré desde muy pequeño y todavía no puedo sacármela de la cabeza. ¿cuál considerás que es la mejor forma de incorporar conceptos técnicos, sin perder estilo propio?

Lamento no tener respuesta a esa pregunta. Yo nunca tomé ningún método técnico de guitarra. A través de los años fui probando muchas cosas. Algunas las incorporé y otras las rechacé, pero siempre me guié por mi instinto. Traté de tocar cosas difíciles, fáciles, básicas y avanzadas. Creo que es una amalgama, aunque no me interesa mucho la música que tiene, como ingrediente principal, conceptos técnicos. ¿de qué forma mezclás tu estilo experimental con los fundamentos clásicos?

24 | Nels Cline

Guitarristas y Bajistas.ar

Es simplemente lo que escucho en mi cabeza. Escuché más música de la que estudié. Escuchar y analizar fue parte de mi crecimiento. Me gustan sonidos de todo tipo, y creo que algunos parecen experimentales, pero estoy más interesado en que la música se parezca a algo que tenga una emoción con la cual conectarse, más allá de la mera novedad. A mí me gustan todas las formas de expresión, y quizás por eso se percibe esa mixtura.

equipos, para la gira estoy usando los Fender Twin Reverb. improVisacion a Gran VuELo En buEnos airEs Nels Cline visitó nuestro país con su banda solista, “The Nels Cline Singers”, y brindó un concierto que incluyó doce canciones. El show tuvo lugar el pasado 10 de junio en La Trastienda.

¿Qué pensás que transmite la música, que no se puede decir con palabras?

La música es abstracta, el sonido es infinito. Las palabras pueden ser muy específicas, incluso utilizándolas de forma poética. Están cargadas con cierta información y asociaciones. Los sonidos también, pero el sonido vaga de tal manera que llega a ser universal, trasciende el lenguaje de la palabra. ¿cuál es el parámetro que utilizás para elegir a los músicos que te acompañan en “nels cline singers”?

Tengo la suerte de tocar con muchos músicos geniales. En mi banda está Scott Amendola (baterista), a quien conocí mucho antes de formar el grupo, y ya hace nueve años que estamos tocando juntos. Creo que tienen que tener el olfato para poder improvisar e interpretar en diferentes estilos y formas. No tienen que tener miedo y, lo más importante, ser inmóviles ante cualquier prejuicio, poder tocar como ángeles, pero a su vez como demonios. de todos los estilos que has trabajado, ¿en cuál te sentís más cómodo para aplicar tus recursos?

Creo que me siento más cómodo tocando a dúo. Es donde no se presenta en ningún plano alguna discusión. ¡¡No sé porqué!!, pero siempre me resulta muy satisfactorio; es una forma de interpretación de un nivel altísimo en un formato realmente básico. ¿Qué equipamiento estás usando para tocar en este momento?

Tengo muchas guitarras ahora, pero en eléctricas prefiero las Fender Jazzmasters Vintage, o las copias con el hardware viejo. Tengo un millón de pedales, pero mis favoritos son: Klon Centaur Overdrive, un Electro-Harmonix 16 Second Digital Delay, pedal de volumen Boss, Z-Vex Fuzz Factory, un viejo Boss VB-2 vibrato pedal, Boss DD-3 Delay, Digitech Whammy (el primero que salió), Fulltone Deja-Vibe, Z-Vex Box of Metal, Electro-Harmonix Holy Grail Plus Reverb, Boss CS-3 Compressor. En cuanto a

Guitarristas y Bajistas.ar

Apenas superadas las 21 horas, las luces se apagaron para dar inicio al concierto que se extendió durante un lapso aproximado de dos horas. La formación que impresionó al público argentino y que acompañó al guitarrista de Wilco, está conformada por el baterista Scott Amendola (quien también estuvo a cargo de la percusión y sintetizadores), por el bajista Trevor Dunn (conocido por su trabajo con Mr. Bungle, un proyecto que incluye al cantante de Faith No More, Mike Patton), quien deslumbró con su virtuosismo en contrabajo y bajo eléctrico, y por la ex tecladista, cantante de Sean Lennon y la Plastic Ono Band, Yuka Honda.

Durante el desarrollo del show, la banda utilizó temas de su disco más reciente, “Initiate”, como plataforma para dar vuelo a improvisaciones con distintas intensidades y texturas. Sin dudas es para destacar la canción “Forge”, de unos diez minutos, que cuenta con una introducción ambiental que fue graduando su intensidad hasta el quiebre de guitarras y sintetizadores. “Amanette”, el siguiente tema, dejó pista libre a una increíble interpretación de “free jazz”, que mostró a Trevor Dunn en su máximo esplendor, ejecutando melodías a gran velocidad en su contrabajo.

Nels Cline, un “guitar hero” de bajo perfil, dio fe de sus recursos a la hora de ejecutar sus complejas obras. También hubo lugar para que se disculpara por su desconocimiento de nuestro idioma. “Es imperdonable”, sentenció el guitarrista, manteniendo su mirada hacia el piso, como lo hizo en gran parte del show. El concierto alcanzó para saber que Nels no prioriza tomar el protagonismo a través de su simpatía o contacto con el público, sino que se limita a tocar su guitarra de forma magistral.

Durante todo el show, el sonido fue compacto y nítido. Para ello, Trevor Dunn utilizó un cabezal Gallien Kruegger 800RB, con cajas SWR 4x10. Scott Amendola tocó con una batería Grestch New Classic, y como retorno de sus sintetizadores eligió un equipo Hiwatt B100 15. Nels Cline armó su set con el legendario Fender Twin Reverb. Cuando parecía que el show había llegado a su fin, la banda volvió a escena con Yuka Honda, e interpretaron “Something about David H”. Esta canción fue el único bis, y la banda recibió una respuesta alentadora por parte del público. Todas las personas que estuvieron atentas en sus mesas durante el show, regalaron a la banda una merecida ovación.

Nels Cline | 25

mARCELO tORRES

“El Bajista actual tiene que estar preparado para incursionar en todos los estilos”

Por Sebastián Konrad

Luego de una extensa carrera musical, Marcelo Torres analiza el pasado, el presente y el futuro de la música. Tras volver a tocar con Los Socios del Desierto el pasado año en Vélez, y haber compartido proyectos con Lito Vitale y Adriana Varela, entre otros, el experimentado bajista nos comenta sus vivencias y sensaciones.

Marcelo Torres comenzó a tocar el bajo a los 12 años, en épocas donde el rock daba sus primeros pasos. Pescado Rabioso, Invisible y La máquina de hacer pájaros hacían eco en su cabeza e iban delineando su aprendizaje autodidacta. A los 21 años, luego de trabajar desde muy joven, decidió “tomar un viaje para toda su vida a través de la música.” ¿cómo era ser músico en los ´70?

Tuvimos la suerte de haber tenido bandas buenas en el país. En esos tiempos estábamos fuera del circuito internacional. No venía nadie a tocar acá y eso revalorizaba la producción local, a pesar de que el rock no era una música consumida masivamente. ahora que el rock es consumido masivamente, ¿notás algún progreso en lo musical?

El concepto de progreso es muy extraño en todas las áreas artísticas, es algo muy relativo.

Sin embargo, puedo decir que se ha progresado, ya que se ha industrializado. Ahora hay megaconciertos, y todo está muy armado. Con respecto a la música, quizás haya bandas buenas, pero no son difundidas. Las que uno escucha masivamente dejan mucho que desear. Se estandarizan los gustos, entonces las bandas tienden a sonar parecido.

¿cuáles son las diferencias que se establecen entre tener un proyecto solista o tocar con Vitale o adriana Varela, en otras bandas?

Es una sensación dual, porque cuando uno toca para otro grupo, cuando uno no es el responsable, se relaja. En cambio, cuando hacés tu banda te sentís responsable de todo.

Estás tocando tu música, pero no tenés la relajación que tenés cuando estás en la banda de otro. Siempre uno está pendiente de que todo salga bien.

Todo lo que uno tiene que hacer en afán de poder tocar va en contra del momento en que tocás. A veces la cabeza te falla un poco o te manda una señal, ya que estás pensando en cuestiones que no son las musicales.

En diciembre, spinetta decidió festejar sus 40 años en la música e incluir a todas sus bandas en el evento. ¿cómo viviste ese momento al volver a tocar con los socios del desierto sin “el tuerto” en la batería?

Tuve diferentes sensaciones. La más importante es volver a encontrarme con Spinetta, fue algo muy fuerte. Yo considero al “Flaco” como uno de los músicos más importantes de Argentina y del mundo también. El hecho de que haya tantos músicos convocados fue increíble. Las reuniones o ensayos eran de maestros. La unión con Javier en batería fue muy buena. Al estar Spinetta en el núcleo del proyecto daba garantías de que no hubiera nada extraño. Fue lindo tocar; él estuvo cinco horas y media tocando y se lo vio con una tranquilidad y una felicidad enormes.

¿El músico tiene otra mentalidad?

Si estabas en los ´70 y querías tocar un tema te tenías que esforzar mucho.

Ahora, al ser tan simples los temas, cualquier pibe piensa que es muy fácil tocar y agarra una guitarra, empieza a tocar dos acordes y tiene la suerte que lo escucha alguien y ya está.

De todas formas, eso no tiene futuro, no tiene consistencia. En esa inmediatez no queda demasiado. Lo que es real es que siempre hay gente que está dispuesta a escuchar y está bueno jugarse a hacer un buen proyecto artístico y musical. ¿cómo se encara el hecho de abordar distintos estilos a través de tus años en la música?

Cuando toco me comprometo con lo que estoy tocando. Si toco tango estoy al máximo, y si toco rock o jazz también. Tengo el mismo compromiso artístico ante los diferentes estilos. Lo que cambia es el grado de intensidad. No es lo mismo tocar a un volumen determinado con Los Socios del Desierto, ya que hay una dinámica muy amplia, que tocar tango donde no hay batería y el ritmo lo lleva el bajo con el piano.

Actualmente Marcelo Torres se encuentra ultimando detalles de un disco grabado conjuntamente con Pablo Laporta (percusionista). El nombre del material es “Átomo” y se estima una salida aproximada para el mes de septiembre. Para dicha grabación el bajista utilizó un bajo con sistema midi, que tiene varios sonidos de teclados que se disparan desde el instrumento. Por otra parte, su proyecto solista sigue encaminado y se están tocando temas nuevos en vivo, que serán incluidos en su tercer disco, aunque aún no hay fechas definidas para su grabación.

Equipamiento:

¿nunca fuiste mecánico o dedicaste demasiadas horas a la parte técnica?

Bajo (Alejandro Rubio año ´87) Bajo MTD (Michael Tobías Design) Bajo Acústico Carvin Bajo Fender Precision Bajo Fender Jazz Bass Cabezal Marshall (con una caja de 4 parlantes de 10´) Ampeg B1 (combo) Lexicon multiefecto Sistema midi Yamaha

Ahora mismo no toco tanto porque me dedico más a componer, quiero tocar más el piano.

Todo músico o artista tiene sus momentos. Existen momentos de mucha intensidad. En la plena formación uno toca muchas horas, pero no se puede soportar mucho tiempo tocar tantas horas, por una cuestión psíquica.

banda actual: Abel Rogantini en piano Diego Alejandro en batería Marcelo Torres en bajo

Lo ideal es no encasillarse en un estilo determinado, sino ampliar las fronteras...

El bajista actual tiene que estar preparado para incursionar en todos los estilos. Lo importante es conectarse con el feeling, los parterns, el ritmo específico de cada estilo. Una vez que cumplís con eso, después sí uno puede incrementar elementos que no son de ese estilo. Es un poco lo que hice con todos. Si hay una música que te exige musicalidad, todo lo demás no sirve, ser mecánico no tiene sentido.

26 | Marcelo Torres

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EL OtRO yO

Unidos en la vida y en la música Los hermanos Aldana ya llevan más de veinte años con la música. Siguen adelante redescubriéndose en cada disco.

Por Sebastián Konrad

Luego de editar “Ailabiu EOY”, Cristian y María Fernanda repasan su historia y nos cuentan acerca de su lucha constante por la música independiente. ¿cómo fueron sus comienzos con la música? cristian (guitarra): Empezamos haciendo covers y ambos tocábamos la guitarra. Los profesores nos enseñaban zamba o cosas clásicas, que era común en esa época. Hoy ya existen profesores que te enseñan estilos determinados. Luego, pasamos a sacar canciones nacionales que nos gustaban. En la secundaria creamos un grupo que se llamaba Revolución. maría (bajo): De chica empecé a tocar piano y guitarra, también con profesores particulares, hasta que ambos nos anotamos en el Conservatorio Julián Aguirre. Ahí ya tocábamos cosas más clásicas. ¿Qué bandas los influenciaron de chicos? maría: Una vez, dentro del conservatorio, empezamos a escuchar post-punk. Las bandas que se escuchaban acá, de los ´80, y de afuera, The Cure, Yoy División, Sex Pistols. En ese momento tuve una banda más punk, que se llamaba Los Apáticos. cristian: Empecé con una guitarra criolla, común. Después pasé a una Faim, la típica Faim. Cuando me decidí por la música me compré una Ibanez, cuando ya la banda estaba avanzada. De hecho, el primer disco lo grabé todo con esa guitarra. ¿Qué motivó el cambio de instrumento en maría? cristian: Me acuerdo que la decisión que María tocara el bajo fue repentina.

Nosotros teníamos un show en el SAdeM, con “Mal Recetados”, y en esa época María tocaba el teclado. Pensamos que ella iba a ser tecladista, y ahorramos mucho tiempo para comprar un sintetizador. Sin embargo, el bajista, cuatro días antes del show avisó que no tocaría, y decidimos que María tocara el bajo y empezamos como trío. maría: Tocaba el bajo al principio con una guitarra Faim que tenía dos cuerdas, hasta que Cristian me compró un bajo Yamaha y un equipo Peavey. De todas formas, nunca dejé de lado el teclado, porque en los discos también grabo teclados. ¿cuál es el equipamiento que utilizan en la actualidad? cristian: Yo ahora uso Gibson y Hamer. De Gibson tengo una Lucille y una Les Paul Custom negra. La Hamer es una tipo Explorer, que está muy buena.

Efectos, uso Electro-Harmonix Memory Man, un Radial Tube Drive, algunos pedales de Cluster, el Digital Delay Boss. Amplificadores, tengo un Mesa Boggie DC-10 y un DC-3, un Marshall JCM 2000 y un Fender Twin Reverb. Voy cambiando los equipos a medida que se rompen y así voy descubriendo distintos sonidos. maría: Tengo un Fender Precision, pero más que nada para grabar. En vivo estoy usando un Hamer que está bueno y es muy livianito. De Electro-Harmonix uso un compresor, un Booster y el Bass Ball. Además, una pedalera Roland, conectada a un sintetizador, una distorsión Metal Zone de Boss, un rack de delay. Todo eso amplificado con un cabezal Mesa Boggie Bass 400, con una caja con dos parlantes de 15´.

El otro Yo siempre fue una banda que se caracterizó por divertirse tocando. ahora, a más de dos décadas, ¿cambia un poco la esencia de la banda al tener otras responsabilidades? cristian: Nosotros tratamos de tener esa esencia de grupo de garage, de juntarse con amigos y tocar. Cuando se acerca un show vamos ordenando los ensayos, y si tenemos que grabar nos juntamos más seguido para componer. Con el tema de los instrumentos está bueno tener algo nuevo, porque incentivás al otro a tener algo nuevo. Lo que nos diferencia de las primeras etapas es que vamos en búsqueda de un mejor sonido. Cuando tenés una banda y tenés la posibilidad de elegir los instrumentos que vas a usar, te podés permitir tener muchas más posibilidades. Decidís qué es lo mejor que querés usar. maría: Pasamos por tantos instrumentos que nos vamos perfeccionando. Pasar de una guitarra de dos cuerdas a un Fender Precision es una gran experiencia. Es un placer poder llegar a comprarte cosas con la música e ir sonando mejor. ustedes siempre fueron músicos independientes y están muy interiorizados en el under. ¿hoy en día hay buenas bandas que despierten su atención? cristian: Viva Elástico, Él mató a un Policía Motorizado y 107 Faunos. Esos son los últimos discos que me regalaron, y bandas que luego vi en vivo y me gustaron. Hay una movida interesante en el under. ¿El panorama actual ayuda al músico, o va en contra de sus intenciones a la hora de emprender un proyecto? maría: Por un lado es más difícil, y por el otro más fácil. Ahora es más fácil grabar un disco, pero a la vez es más difícil conseguir lugares donde tocar, sobre todo después del 2004. No encontrás muchos lugares, y encima terminás poniendo plata.

28 | Cristian y María Aldana de El otro Yo

Guitarristas y Bajistas.ar

como una solución a ese problema decidieron crear la umi... cristian: Sí. La UMI se formó en el año 2000, entre distintos músicos. Todos teníamos el mismo problema, de no poder tocar o grabar discos. A partir de la creación se generaron buenos convenios para poder autogestionar. Hoy hay más de 4200 músicos asociados, y se empezaron a generar convenios para hacer dvds, tarjetas digitales, estudios de grabación, de mastering, fabricación de remeras, palos de batería. Se buscan todo tipo de descuentos para el músico que decide autogestionarse, sobre todo en la fabricación de discos profesionales, para que todos puedan grabar un buen disco. Queremos democratizar el tema, para que todos sepan sobre temas como derechos de autor (intérprete y productor), para poder conocerlos y defenderlos. contra un mercado tan cerrado el músico encontró una alternativa para poder grabar y difundir su material... cristian: La UMI ofrece una distribución que está buena, es muy profesional. Ahora se cerró un convenio con AF Classic, que es una distribuidora importante en todo el país y en el exterior. Eso te da una posibilidad de poder llegar, más allá de la difusión, a todo el país. Existen también otras vías, como Internet. Aunque la mejor publicidad es tocar en vivo. ¿creés que internet favorece al músico, o es una amenaza? cristian: A algunos grupos los ayudó, porque tienen más posibilidades de que los escuchen y los vean en todo el mundo. Estamos viendo un cambio en el formato del soporte físico. Ahora se equilibró el formato de Internet con el clásico, el del disco.

Este 2010 es testigo de un nuevo material editado por la banda de los hermanos Aldana. El reemplazante de “Estallando tu lado salvaje”, editado en 2008, fue grabado en México y cuenta con diez canciones. La banda continúa experimentando sonidos y este disco es una nueva demostración de ello.

Este año lanzaron un nuevo material, ailobiu EoY, ¿qué sensaciones les dio este disco? maría: El disco suena muy bien, logramos un sonido que está bueno. Todos los discos, los temas y los sonidos del Otro Yo son diferentes. Nos jugamos a experimentar algo nuevo siempre. Esta vez yo quedé conforme porque el sonido es actual, no nos quedamos en el tiempo. No es algo que nos planteamos, sino que fue natural. cristian: Es la primera vez que grabamos un disco fuera del país. Esta vez lo hicimos en México, en los estudios de los chicos de Molotov, con un ingeniero de sonido estadounidense que se llama Jasón Carmer. Logramos un sonido muy moderno en el disco gracias a él. Lo masterizamos en Montreal, Canadá.

Realmente los dos meses que estuvimos en México grabando valieron la pena; fue una experiencia buenísima. a la hora de componer, ¿todo recae en cristian o en ustedes dos, o hay una mayor participación? maría: Compartimos con la banda. En general, el que más compone es Cristian.

Gaby aporta y Ricky (que no está hace mucho) también colaboró en versionar muchos temas, y eso es como si hubiera compuesto. Las puertas están abiertas a todos los integrantes para sumar con letras o música. El mayor caudal de composición lo tiene Cristian, pero nadie está exento de participar.

Volviendo al tema de la umi, este año se está debatiendo sobre la Ley nacional de la música y ustedes hicieron su aporte... cristian: La UMI está trabajando junto a músicos convocados, la FAMI y la FIMA, que es una federación de músicos de toda Argentina (que también integra la UMI). Hace más de cuatro años que trabajamos en la Ley Nacional de la Música, para crear el Instituto Nacional de la Música y generar fomento para la actividad musical. ¿En qué estado se encuentra actualmente esta ley? cristian: Es un proyecto que se está por presentar este mes. Estamos expectantes por eso. Se hizo un congreso el 4 y 5 de junio, en el cual estuvieron Teresa Parodi, Liliana Herrero y el director de la Biblioteca Nacional. Hubo alrededor de 200 personas, festejando y trabajando para que esta ley se promulgue. Espero que sea consensuada por todos los partidos, porque es una ley necesaria para nuestra música. también fueron parte del movimiento que apoya la Ley de medios. cristian: Sí, y quedándonos hasta las 2 de la mañana (el día que se votaba en el Congreso) logramos, gracias a Claudio Lozano, que nos dieran un 2% para crear este Instituto en el que estamos trabajando. O sea que una parte del financiamiento del Instituto ya está. En www.musicosconvocados.com, podés encontrar a todos los músicos que apoyan esta ley. Está bueno generar un circuito de música estable, que se pueda tocar todos los días de la semana todo tipo de música, y que el lugar te de el sonido y las luces. con vistas al futuro, ¿cuáles son los proyectos que tiene la banda? cristian: Ahora estamos con una gira y tocamos en varias provincias y el interior de Buenos Aires. En julio nos vamos a Uruguay y en agosto a México, donde también salió el disco. Todas estas fechas están en el marco de la gira “Hacia la quinta dimensión”, mientras esperamos el 2012. Además, este año transformamos nuestra página de Internet en una red social.

Allá podés entrar como si fuera un Facebook; te hacés amigos, podés subir videos, subir fotos. Tenés un chat donde la gente se conecta. Sirve también para que las bandas puedan difundir su música.

Guitarristas y Bajistas.ar

Cristian y María Aldana de El otro Yo | 29

EL OtRO RIff

Los Riffs de Viola de El Otro Yo por pablo rovner

En esta oportunidad vamos a transcribir algunas intros de temas de esta tan particular banda, cuyas influencias oscilan entre el punk de los ‘70/80 y el rock alternativo de los ’90. Estos son algunos de sus hits, en los que podemos ver la variedad de formas con las que encaran la guitarra como instrumento armónico, melódico, y siempre con un impacto percusivo.

10.000.000

tRANSCRIpCIONES - EL OtRO yO

Al comienzo de este tema, la guitarra mantiene la posición clásica del rock, de tocar el clásico acorde de A (La), haciendo cejilla con el dedo índice en el 2do. traste, y para mover la melodía alterna las notas en la 2da. cuerda.

arriba En esta oportunidad la guitarra utiliza un recurso típico del funk, que es el rasgueo constante en semicorcheas, con púa alternada sobre las cuerdas más agudas, presionando algunas y muteando otras dentro del mismo pulso, el cual es un recurso que también podemos escuchar en forma recurrente en ‘The Edge’, el guitarrista de U2.

comEta Este poderoso riff logra un gran impacto, sobre todo por la forma de pulsar la púa hacia abajo sobre cada una de las notas. Es un recurso muy recomendado a la hora de querer lograr una mayor proyección de una melodía en particular.

30 | Transcripciones - El Otro Yo

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fLOOR pOD

La nueva opción que nos ofrece Line 6 Haremos referencia entonces a la pedalera Floor POD, que es una alternativa de la anterior POD 2.0, en su versión “de escenario”

Por Daniel Makelvintong

Dentro de la controversia que generan las pedaleras, Line 6 continúa en la búsqueda de acercarnos la mayor cantidad de variantes en cuanto a sonidos, que se asemejen bastante a los originales que se emulan en esta multiefecto.

Para poder adaptar su anterior versión a esta para utilizar en vivo, debieron suprimirse algunos efectos, para poder incorporar así un pedal de expresión en su extremo derecho y los tres pedales selectores.

Además, posee un afinador que se ve reflejado en un led ubicado en la parte central del producto.

distintas VariantEs El usuario tiene la opción de seleccionar un sonido particular a través de la perilla que nos ofrece distintos modelos de amplificadores. En ella se encuentran 12 posibilidades, sonidos basados en: Soldano X88R, Mesa Boggie Dual Rectifier Tremoverb, cabezal Mesa Boggie Dual Rectifier, dos sonidos originales del Line 6 (In-

32 | Test Line6

sane y Crunch), Marshall JCM 800, Arbiter Fuzz, Marshall Plexi, Budda Twinmaster, Vox AC30, Fender Blackface Twin Reverb y Clean (otro sonido original de la firma).

Yendo a los efectos, podemos encontrar diversas alternativas, en la función Smart Control FX. Dentro de la misma se encuentran Delay, Reverb y Sweep Echo en una de las perillas, pudiendo seleccionarse un solo efecto.

Phaser, Tremolo y Flanger /Chorus se agrupan en otra de las perillas, donde también existe la posibilidad de acceder a uno de los sonidos que se verá reflejado a través de un led rojo y pueden graduarse las intensidades. Otros efectos que nos otorga este producto de Line 6 son: Noise Gate, Compressor, Distortion Boost, Wah y pedal de volumen. Junto con la entrada y salida (salida izquierda y derecha) que trae en su parte trasera, se encuentran también una entrada para conexión de mp3 o cd, salida para auriculares, una llave selectora que permite diferenciar salida por consola o amplificador, un master para el volumen, y la conexión de la fuente que posibilita el funcionamiento de la misma.

Esta alternativa que nos ofrece Line 6 y que nos acerca Tevelam es una buena alternativa para tener un sonido con distintas variantes, que sea liviano y práctico a la hora de ser transportado. visita nuestro website en www.tevelam.com.ar

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fIShmAN AfX

Especialmente diseñados para guitarra acústica Los nuevos pedales de efecto AFX de Fishman nos ofrecen toda la riqueza, sonido natural y atención al detalle que sólo Fishman puede ofrecer

Por David Urrutia (www.jamesound.com)

Disponibles en versión Chorus, Delay y Reverb, los pedales AFX poseen una amplia gama de efectos, sin colorear el sonido original del instrumento. Cada ajuste de efecto está cuidadosamente refinado para mezclarse con el sonido original, sin disfrazarlo.

Alojados en una caja metálica robusta, son ideales para su uso en vivo o en estudio. Cada pedal tiene 8 presets, un control de nivel para mezclar el efecto con el sonido, dos ajustes de efecto y un interruptor de bypass. La ruta de la señal es totalmente analógica, permitiendo encadenar varios pedales sin añadir ruido.

Todos los pedales AFX incorporan un procesador digital de 32 bits para conseguir una calidad de sonido sobresaliente, entradas y salidas jack 1/4, control de ganancia, una luz de saturación/aviso de batería baja y la posibilidad de funcionar a baterías o con una fuente de alimentación externa. matrix infinity pickup system Sistema de amplificación para guitarra acústica. Preamplificador alojado en el pin. Todas las conexiones internas se hacen sin soldaduras y su instalación implica muy poca modificación en la guitarra. Los controles de volumen y tono se encuentran en un pequeño bloque que se instala en la boca de la guitarra.

Preamplificador con un LED de estado de la batería, que va alojado en un compartimento aparte dentro del cuerpo de la guitarra. La captación del sonido se hace a través del afamado micrófono Acoustic Matrix ubicado debajo del puente. Disponible en dos medidas diferentes: 3,2 mm. (guitarra clásica) y 2,3 mm.(guitarra acústica). aura acoustic imaging Los nuevos pedales Fishman utilizan la tecnología acústica de la proyección de imagen de AURA Acoustic Imaging en formato de pedal de efectos, permitiendo a guitarristas acústicos reproducir fácilmente y con precisión el sonido de su instrumento, como si estuviera sonorizado en un estudio profesional.

Fáciles de instalar y usar, los pedales AURA eliminan el ruido típico de escenario y evitan los montajes de micrófonos de alto nivel, permitiendo conseguir grabaciones increíbles en casa o en vivo.

Diseñado para el uso con guitarras que llevan un piezoeléctrico en el puente o micrófonos de contacto en la boca. Disponibles en los tres tipos principales de guitarra acústica: dreadnought, nylon, y 12 cuerdas.

Cada pedal de proyección de imagen AURA ofrece 16 imágenes, seleccionadas de su extensa biblioteca online para cubrir la gama de los modelos más populares de la guitarra acústica. Un sistema simple e intuitivo que ofrece control de volumen, mezcla y fase, permitiendo la operación sencilla.

AURA utiliza los algoritmos digitales desarrollados en los laboratorios de audio de Fishman, para crear una imagen del sonido natural que los micrófonos capturan en un estudio profesional. Esta imagen, cuando suena a través de un amplificador, mixer o sistema de PA, se mezcla con el sonido del micrófono de la guitarra para producir una mejora inmediata y drástica en el sonido amplificado. En la grabación se utilizan preamps high end de la talla del Millennia HV-3D-4 y mics de alta gama como Neumann, DPA y Schoeps.

34 | Reporte Fishman AFX

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GIpSy ROSE Por Ariel Mansilla (www.gruporomulogarcia.com.ar)

Pensada para un público adolecente Estos sets Gipsy Rose de guitarras eléctricas, acústicas y bajos, tienen un look super original y vistoso. Probalos, no te lo podés perder!

Los mismos incluyen correa, funda, stickers, y dvds de enseñanza. Cabe destacar que estos productos poseen características de instrumentos profesionales, considerando tres elementos fundamentales a tener en cuenta: primero: las maderas, claves en el sonido, ya que muy pocas guitarras ofrecen maderas de calidad como las Gypsy Rose, en este segmento de productos. Segundo: los accesorios, muchas veces asociados con el look, pero directamente ligados con el correcto funcionamiento del instrumento. Los sets incluyen accesorios con detalles únicos, a su vez robustos y de precisión. Tercero y fundamental: el precio. Una intensa búsqueda de materiales y métodos de construcción da como resultado un instrumento excelente, con garantía y precio increíble.

Los productos Gypsy Rose son novedosos y con la mejor relación “precio–calidad” que el mercado musical puede ofrecer en instrumentos de estas características.

El Grupo Romulo Garcia se ha posicionado en el mercado musical. Hoy en día importa y distribuye en forma exclusiva marcas de renombre internacional como Ampeg, Crate, Dean, Ddrum, Schecter, SX, AXL Guitars, Medeli, Crafter, Taurus, Accord, Lumase, entre otras.

SChALLER BRIAN mAy Por Rodrigo Yacciofani

En esta oportunidad, vamos a analizar las cualidades de la Schaller Red Special Modelo Signature, del guitarrista de Queen, Brian May. diseño original La guitarra conserva características visuales idénticas a la que Brian May construyó con su padre en el año 1963.

El cuerpo de la guitarra es de caoba, con mango encolado en el mismo material y trastera de palo de rosa. Las clavijas son blindadas y el puente es un trémolo con dos tornillos de apoyo. Posee tres micrófonos simple bobina, control de tono, volumen general y seis llaves (tres para activar o desactivar los micrófonos de forma independiente y otros 3 para cambiar la fase de los mismos).

La red special Lo primero que uno percibe al ejecutar esta guitarra es que el peso del cuerpo es similar a una Les Paul o una Pro Jet. La tensión de esta guitarra resulta muy blanda, apta para realizar cualquier tipo de técnicas. El mango es bastante cómodo; quizás los que están acostumbrados a tocar con guitarras más contemporáneas tarden en hallar comodidad en los trastes más agudos, debido a la terminación en la unión del cuerpo con el mango.

Sin embargo, una vez conectada aparecen una infinidad de sonidos, dependiendo de la combinación que usemos de micrófonos con sus respectivas fases. El sistema de llaves posibilita seleccionar cada micrófono por separado, lo cual permite realizar todas las combinaciones posibles. Este instrumento tiene un sonido muy versátil y característico y, dependiendo del cambio de fase que utilicemos, podemos sacar sonidos con buena definición en los medios-agudos, pero también graves con buen cuerpo y sustain. Cuando pasamos al canal distorsionado nos encontramos con un sonido cargado de armónicos. Los micrófonos soportan grandes cantidades de ganancia sin perder el timbre propio del instrumento. Utilizando el cambio de fase se pueden lograr sonidos con prestaciones similares a Telecasters o modelos 335. Sin dudas, si te gusta Queen es la guitarra por excelencia. Más allá de ser una guitarra signature, se puede utilizar para tocar estilos variados, con sonido propio. Podés consultar sobre este producto en nuestro website en www.daiamnet.com.ar

36 | Informe Gipsy Rose y Test Schaller Red Special

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COmpACtOS

Los últimos lanzamientos discográficos La sección más esperada por muchos, donde los ponemos al tanto de los CD’S editados por nuestros amigos y lectores

Por Daniel Makelvintong

dread mar-i ViVi En do

Los tipitos EL cLub dE Los martEs

andrés calamaro on thE rock

mastifal intErmundia

Esta banda de reggae que tiene casi veinte años de trayectoria, edita su cuarto disco de estudio. Como lo hicieron anteriormente, mantienen su tendencia y eligen realizar los trabajos de forma independiente con su sello TAMS Records. Este nuevo material, que sustituye a Amor-es-, posee veinte canciones, que fueron grabadas en los estudios Panda por el ingeniero Emil Cura entre los meses de diciembre de 2009 y enero del corriente año. Vivi en Do, refleja la importancia de vivir, de una forma espiritual y más ligada a la música.

La banda oriunda de Mar del Plata lanzó su duodécimo disco a la venta en el mes de abril, tras ser grabado entre noviembre y diciembre del pasado año. Federico Bugallo (bajo y coros), Walter Piancioli (piano, guitarra y voz), Raúl Ruffino (guitarra y voz), y Pablo Tevez (batería y coros), conforman el cuarteto que se mantiene inalterable desde su creación. Lito Vitale hizo su aporte grabando los pianos y teclados en su propio estudio. Además, este material cuenta con la producción artística de la dupla Alfredo Toth - Pablo Guyot.

Uno de los personajes más conocidos de la escena nacional lanza este año su nuevo disco. En comparación con sus antecesores, “On the rock” es un disco donde la presencia de la guitarra toma un papel más protagónico. Algunos de los invitados por el Salmón son Enrique Bunbury, que participa en el tema “Te solté la rienda” de José Alfredo Jiménez, popularizado por Maná. Otro de los músicos que colaboraron con Andrés Calamaro es Pablo Lescano, reconocido músico de cumbia, quien adaptó la canción “Las tres Marías”, donde también se encuentra Vicentico.

Luego de cuatro años de esfuerzo, Mastifal lanzó en mayo su cuarto disco de estudio y fue presentado oficialmente en The Roxy Live. Fernando Scarcella, baterista de Rata Blanca, participó como drumdoctor en la sesión de grabaciones realizadas en La Nave de Oseberg, e Iván Sención (Jeriko, Watchmen) como coach de voces. Algunos de los músicos invitados son Alejandro Zon y “Pato” Sarralde, de Sauron. Miguel A. Maciel (voz), Diego Conte (guitarra), Matías Munighini (guitarra), Alex G. Martín (bajo y coros), y el recientemente ingresado Raúl López (batería), forman parte de esta potente banda.

La bicicleta de pipo La bicicLEta dE pipo

El bordo historias pErdidas

fito páez confia

Emmanuel horvilleur amor En poLVo

Desde el partido de San Martín esta joven banda se lanza mediante su primer material. Tras largos trabajos realizados durante fines del 2008 y parte del 2009, La Bicicleta de Pipo registró sus primeras ocho canciones en los estudios Crazy Rabbit, pertenecientes al guitarrista de Jasón. Gonzalo Alonso (voz y guitarra), Fernando Mosquera (bajo), Pablo Nasillo (batería), Iván Clauss (guitarra) y Diego Corvalán (teclados) formaron parte del proceso de grabación. Entre sus canciones, pueden encontrarse poderosos riffs en “Sexto andén” y algo de funk en “De mal a manera”, alcanzando el mejor clima en “Fuga de fe”.

El nuevo material de El Bordo fue grabado entre los meses de diciembre y marzo en los estudios del Abasto-Mansión Monsterland. Las once canciones están compuestas por Ale Kurz, líder, guitarrista y cantante de la banda. El nombre del disco corresponde a la historia de dos personas que fueron detenidas y separadas. Tras su liberación continuaron sin saber de sí, hasta que 20 años después pudieron verse nuevamente las caras. “Siento (el cielo va a brillar)” se transformó en el primer corte de difusión de este nuevo material.

El músico rosarino, principal figura de la fiesta del Bicentenario de la Patria, lanzó un nuevo disco. El mismo fue grabado en distintos estudios: uno en La Cumbre, Córdoba; otro en Trancoso, en Bahía, Brasil; un tercero en los estudios "Nas Nuvens" de Liminha, en Río de Janeiro; y en su estudio Circo Beat, entre julio y diciembre del 2009. El reemplazante de “Rodolfo” cuenta con doce canciones, donde “Tiempo al tiempo” ya circula por todas las radios como primer corte de difusión. El título de este nuevo cd grafica un Fito Páez muy optimista, que resalta constantemente la esperanza, el optimismo y la alegría.

El cuarto material del ex llya Kuryaki & The Valderramas ya se encuentra en la calle.

“Amor en Polvo” salió en los últimos días del mes de junio, y fue producido por el músico y su hermano Lucas Marti. El material fue grabado en su propio estudio, “Avesexua”, y cuenta con trece canciones, que amalgaman algo de funk, rock y música electrónica. Se destacan baladas como “El lento” y “Llamarada” y la canción “12:30”, que se convirtió en el primer corte de difusión.

38 | Últimos CD’S editados

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StUDIO hOmE

Seteando nuestra PC desde cero por pablo rovner

En esta nueva columna nos vamos a interiorizar un poco sobre cómo setear nuestra PC para lograr un mejor rendimiento del Hardware en lo que hace al trabajo con audio.

Para eso necesitaremos retocar algunos parámetros y valores que nuestro sistema (Windows®) setea por defecto al instalarse, para evitar que el sistema se lentifique con recursos innecesarios a medida que vamos incrementando la exigencia de memoria RAM. Este artículo está dirigido directamente a aquellos que usan el sistema XP de Windows, ya que aún hoy en día, inclusive luego de la aparición del Vista y el 7, sigue siendo el sistema operativo más presente en las casas argentinas. antivirus. Una de las decisiones más importantes a tomar es la de evitar, en lo posible, tener la computadora en la que trabajamos conectada a Internet. Y en caso de que no nos quede otra alternativa, por contar con una sola PC para todo, debemos tratar de utilizarla simplemente para revisar nuestro correo u otras pocas cuestiones básicas, tratando de evitar la navegación errante por sitios que desconocemos y que puedan llegar a ser motivo de que nuestra computadora sea infectada, lo cual puede suceder hoy en día con tan sólo abrir una página web o clickear en un link, pues la sofisticación de los virus, espías y troyanos que andan dando vueltas actualmente por la red es cada vez mayor y son cada vez más numerosos. Por esta razón es importante que mantengamos nuestra computadora siempre protegida con un buen antivirus y antispyware. De todos modos, el hecho de no tener nuestra computadora conectada permanentemente a Internet nos permitirá la posibilidad de utilizar el antivirus en modo manual, y que no se active automáticamente con el inicio de Windows, pues el hecho de que se encuentre monitorizando el sistema constantemente en segundo plano consume también mucha memoria, de manera que conviene activarlo sólo previamente en el caso de que deseemos conectarnos a Internet o debamos conectar a la PC un dispositivo desconocido (pendrive, disco rígido externo, etc.), el cual pueda encontrarse infectado con anterioridad.

Efectos Visuales. Tal vez el cambio que más nos duela en este proceso de modificar ciertas características que vienen por defecto en nuestro sistema, es el de sacrificar su aspecto. Sin embargo, en el diseño mejorado del XP con respecto a los sistemas anteriores de Windows, también se ve una cierta cantidad de recursos que podemos aprovechar para mejorar el rendimiento de nuestra máquina. Para esto debemos seguir la siguientes ruta: Inicio > Mi Pc (botón derecho del mouse) > Propiedades > Opciones Avanzadas > Rendimiento > Configuración. Esta acción abre un nuevo cuadro de diálogo con el nombre de ‘Opciones de Rendimiento’. En la pestaña de ‘Efectos Visuales’ vamos a seleccionar el casillero que dice ‘Ajustar para obtener el mejor rendimiento’. Una vez que damos clic en ‘Aceptar’ podremos apreciar el cambio que se produce en la estética del sistema, volviendo a adoptar las características estéticas del viejo sistema NT, el cual es justamente el antecesor del XP en la familia de Windows. servicios en segundo plano. En el mismo cuadro de diálogo iremos ahora a la pestaña de ‘Opciones Avanzadas’, y en la sección de Programación del procesador seleccionamos la casilla que dice ‘Servicios en segundo plano’, lo cual, a diferencia de lo que pudiera interpretarse, no prioriza los servicios en segundo plano por sobre los primeros, sino que reparte equitativamente los recursos del procesador entre ambos.

Esto aumenta el rendimiento del sistema en aproximadamente un 20%. memoria ram. Más abajo, en la misma pestaña, encontramos la sección ‘Memoria Virtual’, a la cual el sistema le asigna un valor por defecto, el cual asegura una óptima performance del sistema, pero sin embargo debemos modificar estos números y adaptarlos a las características propias de nuestro equipo.

Para eso haremos click en el botón ‘Cambiar’, y en la memoria caché del sistema setearemos como mínimo un 50% y como máximo un 300% más que la memoria instalada. La cantidad de memoria que utiliza el equipo la podemos encontrar siguiendo la ruta: Inicio > Panel de control > Sistema > en la pestaña ‘General’ (donde se abre por defecto), donde dice ‘X de RAM’. De manera que, si nuestra computadora tuviese 256 Mb de memoria RAM, el mínimo debería ser 384 y el máximo 768 (256 x 1,5 = 384 / 256 x 3 = 768) y la unidad seleccionada en la parte superior del cuadro debe ser siempre aquella en la cual está instalado el sistema. Para que los cambios surjan efecto debemos hacer clic en el botón ‘Establecer’. imagen de fondo. Otro recurso que lentifica el sistema son las imágenes de fondo en el escritorio (wallpapers), que también consumen recursos necesarios para la mejor performance del sistema. Apoyando el mouse sobre el fondo del escritorio y haciendo clic derecho en el Mouse, o abriendo el ‘Panel de Control’ desde el menú de ‘Inicio’, accedemos al cuadro de diálogo de ‘Propiedades de Pantalla’. Allí nos dirigimos a la pestaña ‘Escritorio’, y en el menú desplegable de ‘Fondo’ seleccionaremos ‘Ninguno’.

También es recomendable establecer el fondo de la pantalla en color negro, pues de esta manera el monitor ahorra energía y el brillo de la imagen es menor, y por lo tanto lastima menos la vista. protector de pantalla. Los protectores de pantalla (screen-savers), si bien no consumen muchos recursos y pueden llegar a ser útiles (tanto para proteger la pantalla de los viejos

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monitores, como para el ahorro de energía y la protección del hardware en largos períodos de inactividad), al trabajar con audio pueden llegar a ser objeto de interrupción de un proceso de grabación. Podemos anularlo en el mismo cuadro de ‘Propiedades de Pantalla’. En la pestaña ‘Protector de Pantalla’, al activar el menú desplegable, seleccionaremos la opción ‘(Ninguno)’.

Energía. En la misma pestaña encontramos más abajo la sección ‘Energía del Monitor’. Allí haremos click en el botón ‘Energía…’ para abrir el cuadro de diálogo de ‘Propiedades de Opciones de Energía’. Aquí nos encontramos con un caso similar al mecanismo del protector de pantalla, por tratarse de procesos que, al estar por defecto activados, Windows tiende a desconectar automáticamente ciertos dispositivos en caso de que no estén siendo utilizados, y que eventualmente es necesario que permanezcan en funcionamiento en medio de una grabación. Por lo tanto, es recomendable desactivar estas funciones seleccionando la opción ‘Nunca’ del menú desplegable de las opciones: ‘Apagar monitor’, ‘Apagar los discos duros’ y ‘Pasar a inactividad’. calidad de color. Otro lugar donde podemos ahorrar recursos es en la ‘Calidad de Color’ pues, aunque algunos juegos o programas de diseño requieran de una mayor definición de la imagen para funcionar, en lo que hace a sonido este atributo no hace ninguna diferencia, y de esa manera el sistema utiliza menos recursos para dibujar la pantalla. Para eso, en el mismo cuadro de ‘Propiedades de Pantalla’, donde modificamos la imagen de fondo iremos a la pestaña de ‘Configuración’, y en el menú desplegable de la sección ‘Calidad de Color’, seleccionaremos la configuración de 16 bits. sonidos de Windows. Si bien los sonidos de Windows no son un gran delimitador de recursos, las constantes alertas sonoras del sistema pueden llegar también a interferir o distraer en el medio de una sesión de grabación, por lo cual es recomendable anularlos. Ruta: Inicio > Panel de Control > Dispositivos de sonido y audio > Sonidos. En el menú desplegable de ‘Combinación de Sonidos’ debemos seleccionar ‘Sin Sonidos’, y cuando nos pregunta si deseamos guardar la configuración anterior haremos click en ‘Cancelar’, pues de querer, en una situación futura, restaurar los sonidos originales de Windows, lo podremos hacer directamente desde ese mismo menú desplegable. messengers. En cuanto a los Messengers, de tener alguno o varios instalados, es importante que los tengamos seteados para activarlos manualmente, y que no lo hagan en forma automática con el inicio de Windows, pues de lo contrario, el mismo, aunque no se encuentre activado, sigue trabajando en segundo plano. En el menú de Preferencias del respectivo programa debemos desactivar la casilla que dice ‘iniciar automáticamente con el inicio de sesión de Windows’, la cual se activa generalmente por defecto con la instalación del programa. En el Windows Messenger podemos encontrar dicha opción en el Menú principal en la barra de Herramientas > Opciones > Iniciar sesión. Allí debemos deseleccionar la casilla que dice ‘Ejecutar Windows Messenger automáticamente cuando inicio sesión en Windows’. Por otra parte, es importante asegurarnos de haber desconectado el Messenger antes de comenzar cualquier sesión de grabación, pues algunas de las alertas de este programa no están vinculadas con la anulación de sonidos del Windows y pueden colarse en medio de una grabación. cambio rápido de usuario. Es recomendable que una computadora sea manejada por un solo usuario, o bien que todos aquellos que compartan un mismo equipo usen el mismo, ya que Windows, al iniciarse, carga automáticamente las configuraciones de todos los usuarios, y aunque no se encuentren en uso, éstas consumen muchos recursos en segundo plano. Por lo cual, será importante desactivar el ‘Cambio rápido de usuario’, para ahorrar de esta manera otra importante cantidad de recursos. Ruta: Inicio > Panel de control > Cuentas de usuario > Cambiar la forma en que los usuarios inician y cierran sesión. informes de rendimiento del disco duro. Por defecto, Windows XP ejecuta automáticamente la herramienta ‘diskperf‘ para coleccionar datos físicos de las unidades de disco. Sin embargo, esta no es una utilidad que concierna al usuario doméstico, por lo cual podemos desactivar su uso y así aumentar la velocidad de acceso de nuestros discos duros. Para esto, desde el menú ‘Inicio’ abriremos la herramienta Ejecutar y, escribiendo allí la orden ‘diskperf –n’ (con un espacio de por medio entre diskperf y –n) esta función quedará automáticamente deshabilitada. caché de escritura en disco. Windows activa por defecto el caché de escritura en disco duro, manteniendo los datos en un buffer previo a su transferencia. Desactivar esta función aumentará el rendimiento, permitiendo así la escritura directa sobre el disco. Ruta: Inicio > Panel de control > Sistema > Hardware > Administrador de dispositivos > Unidades de disco. Allí debemos desplegar la raíz ‘Unidades de Disco’, y sobre cada una de las unidades que aparecen instaladas haremos sistemáticamente doble clic, y en la pestaña de ‘Directivas’ deseleccionaremos la casilla que dice ‘Habilitar caché de escritura en el disco’. Si por defecto se encontrase ya deseleccionada, la dejaremos tal como está. modo dma de los discos duros. El modo DMA es un sistema en los discos rígidos más modernos y acelera el proceso de transferencia de datos. Sin embargo, en algunas computadoras, el sistema no lo setea por defecto en DMA, y en este caso deberemos modificarlo manualmente. Ruta: Inicio > Panel de control > Sistema > Hardware > Administrador de dispositivos > Controladoras IDE ATA/ATAPI. Allí haremos doble clic en el ‘Canal IDE Principal’, y en la pestaña Configuración Avanzada nos aseguraremos de que en el ‘Modo de Transferencia’ esté seleccionado ‘DMA si está disponible’.

De lo contrario, debemos buscarlo en el menú desplegable que se abre en dicha opción y decidirnos por dicha opción. Una vez hecho esto haremos clic en Aceptar y repetiremos el mismo proceso con el ícono de ‘Canal IDE Secundario’. defragmentación. Otra buena recomendación es defragmentar el disco rígido relativamente seguido. La frecuencia con que debe hacerse es relativa, y depende del uso que se le de a cada máquina. Si hablamos de una PC de uso profesional, en la cual instalamos y desinstalamos programas permanentemente y el tráfico de archivos es alto, lo conveniente será defragmentar el disco todas las semanas, pero si la misma no recibe un uso tan exigido, se puede llegar a estirar este proceso hasta una vez por mes. El proceso de defragmentación reescribe el disco rígido ordenando toda la información que se encuentra archivada en él, recuperando espacio sin uso y reparando sectores defectuosos, asegurando de esta manera una mejor performance del dispositivo.

Bueno, ¡amigos audio-cibernéticos! Esto es todo por esta entrega. En la próxima oportunidad nos abocaremos más de lleno al proceso de instalación de elección e instalación de un software multipista.

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Seteando nuestra PC | 41

ShRED GUItAR

Pentatónicas abiertas 1ra. Parte por silvio Gázquez

¿Qué tal, amigos? Bienvenidos a la 3ra. lección de esta columna llamada Shred Guitar. En este número les voy a enseñar otra forma de tocar las archi usadas escalas pentatónicas, por lo tanto, si estás cansado de tocar siempre el mismo dibujo de dos notas por cuerda, te recomiendo seguir leyendo esta nota… A esta técnica la vamos a llamar pentatónicas abiertas, en inglés “Open pentatonics”, y para tocarlas vamos a emplear varias técnicas, como por ejemplo ligados, barridos, hybrid picking, etc.

Esta forma alternativa y distinta de tocar pentatónicas ha sido muy usada por muchos de los shredders de los 80’s y 90’s, tales como Paul Gilbert, Vinnie Moore, Greg Howe y Richie Kotzen, entre otros. Vale decir que hoy en día es moneda corriente para los guitarristas más modernos, y por eso no hay que quedarse afuera.

La técnica consiste básicamente en tocar tres notas por cuerda, en lugar de la tradicional de dos notas. También es muy común emplear saltos de cuerdas, ligados, tapping, double barring, slides… o, como vamos a ver en algunos ejercicios a continuación, también se pueden tomar dos notas por cuerda, más una en la cuerda siguiente, para formar arpegios de grandes intervalos. En fin, las posibilidades son inmensas, así que les recomiendo (una vez que estudien los ejercicios que les voy a pasar a continuación), que exploren e inventen sus propios licks.

Ej. 1. Empecemos con un ejemplo usando arpegios con la pentatónica menor de A. Acá van a notar que no siempre vamos a usar las tres notas por cuerdas.

Vean qué interesante, podemos sonar con una simple escala utilizada como si fuera un simple arpegio de séptima menor o mayor pero, si vemos detenidamente, las notas forman arpegios tales como Am7/11, Dm7/11, etc.

Es esencial la técnica de púa. Vean que hago un movimiento hacia abajo, después ligo la otra nota, otro golpe de púa hacia abajo, y a la próxima cuerda la toco con el dedo mayor (mano derecha), o sea que combino púa y dedos. Esta es una forma de tocarlo; otra forma sería solamente con púa, y la otra con hybrid picking, lo que sería con un golpe de púa, ligo la otra y el resto de las notas con los dedos índice, mayor y anular. Como yo lo hago sería una especie de semi hybrid… Al próximo arpegio lo toco todo con barrido.

Suplemento técnico

Ej. 2. Tomamos el ej. 1 y lo tocamos en otra tonalidad de la escala pentatónica menor de E, en este caso comenzando de la nota E en la 5ta. cuerda. Y también agrego una parte descendente.

Ok, nos vemos en el próximo número con la 2da. parte de esta nota. Espero que les sea útil y que jueguen un poco con estas pentatónicas y, lo más importante, creen sus propias ideas. Cualquier duda o consulta no duden en escribir a mi casilla de correo, topogazquez@hotmail.com. ¡Hasta el próximo número, y a practicar, se ha dicho! ¡Saludos!

SiLViO GázqUEz Oriundo de Lincoln (prov. de Buenos Aires), ha tocado en varias bandas de la ciudad de La Plata, en donde reside actualmente. En el 2008 fue contratado por una compañía de EE.UU. para filmar DVD’s instruccionales de guitarra llamados Virtuoso Guitar Secrets. Y ese mismo año fue elegido finalista del concurso online Guitar idol 2008, y convocado para participar del álbum del Guitar idol 2008. En el 2009 ganó en Youtube el concurso Petruccifever contest y fue elegido por segunda vez finalista del Guitar idol 2009. También participó ese año en otros concursos, con muy buenos resultados: Shred This (top 45); Mayones Contest (top 15); Give me a Riff (top 10); y Strings on Fire with Hernan Li, en el cual fue 1º en el ranking de los jueces. www.silviochops.com www.myspace.com/silviogazquez www.youtube.com/user/papuza

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GUItARRA REGGAE

Fusionando Estilos II Combinaciones Rítmicas por ariel pae Villanueva

Continuamos en esta oportunidad con el concepto de mezclar estilos distintos; hoy con un concepto totalmente rítmico, pensando en la guitarra de base. En Blues se utiliza mucho el concepto de tocar un acorde y generar dinámica al no mantenerlo ‘estático’. Esto lo logro arrastrando el acorde desde un semitono atrás (un casillero atrás) o un semitono adelante (un casillero adelante).

El ejemplo 1 es el arrastre de un acorde en Blues y cómo lo aplico en una base de Reggae (Ej.1).

Suplemento técnico

Otra manera es tocar el acorde antes del tiempo al que en realidad le correspondería ‘entrar’, dando la sensación de que ‘estiramos’ el acorde; lo anticipamos y ampliamos su duración. El ejemplo 2 nos muestra la rítmica típica de Reggae y su posterior modificación ‘estirando’ el acorde (Ej.2).

En el próximo número les pasaré más combinaciones para ampliar lo que venimos desarrollando. Espero que estos ejemplos les sirvan como disparador para que puedan tocar ustedes sus propias variaciones. ¡Salud y hasta la próxima!

ARiEL “PAE” ViLLANUEVA Guitarrista de Riddim y Dancing Mood. Grabó tres discos con Riddim y cinco con Dancing Mood y los DVDs de ambas bandas. Grabó y participó en distintas bandas de reggae como: Abed Nego (con el cantante Pablo Molina –Todos tus Muertos-), Natty Combo, Dread Mar i y con Fausto & Banda Cuenco. Produjo artísticamente el disco de La Mocosa (banda de rock & roll) llamado ‘Moksha’ (2009). Paralelamente dicta clases de guitarra eléctrica. apaev@hotmail.com www.myspace.com/arielpaevillanueva www.apaev.com.ar

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GUItARRA tANGO

El Tango en 2 por mariano botto

En los números anteriores hemos visto el acompañamiento típico del tango; en “negras” (comúnmente llamado “en cuatro”). En esta nota agregaremos otra de las maneras fundamentales para el desarrollo de un buena base de acompañamiento: tocar “en dos” (o en blancas). En muchísimos tangos encontramos esta manera de tocar, aunque al recurso jamás se lo utiliza a lo largo de todo un acompañamiento. Lo mismo ocurre con la “síncopa”, ritmo que veremos en la próxima entrega, para completar la manera básica de tocar tangos (fig. 1 y 2).

Fig.1

Fig.2

El uso más frecuente de este recurso puede ser: durante el comienzo de algunos temas; en tangos canción o “melódicos”; y en algunas partes del desarrollo de cualquier tango. A la primera célula rítmica conviene tocarla bien “pesada”, y dejarla sonar a lo largo de toda su extensión y, en la segunda, los acordes se extienden en la duración de “negra”. Este último caso generalmente se aplica en principios de temas, que luego se desarrollarán con más ritmo (fig. 3).

Fig.3

En el ejemplo 4 vemos un arreglo típico tocado “en 2”, en donde los bajos se conectan entre sí por su proximidad y de manera descendente (fig. 4).

Suplemento técnico

Fig.4

¡Qué mejor ejemplo que el de los discos! Les transcribo en el ejemplo 5 la primera parte de “Mi Buenos Aires Querido” (Carlos Gardel - Alfredo Le Pera), del disco “Tango” de Hugo Díaz (fig. 5).

Fig.5

MARiANO BOTTO fue asesor institucional y profesor de guitarra de la escuela de música y arte urbano de Lito Nebbia (EMAU, Suterh). Produjo el diseño, confección y armado del “Cuaderno de trabajo para guitarra 1” y el armado de programas para todos los instrumentos de la EMAU. Socio fundador y profesor de guitarra de la escuela de música “El Abridor” (www.elabridor.com.ar), Mariano es director de su propio grupo de tango “Sobre el filo” y profesor particular de guitarra, desde 1998 hasta la actualidad.

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Acordes Tríada en Escala Mayor por pablo rovner

Poco a poco nos insertamos un poco más en el mundo de la armonía y los elementos que la componen.

En esta ocasión, vamos a hablar un poco de los acordes tríada que surgen de la Escala Mayor.

Los acordes tríada son el resultado de la superposición de dos 3ras. diatónicas sobre una nota base. Si realizamos esta superposición sobre cada uno de los grados de la Escala Mayor, obtenemos 7 acordes tríada, los cuales en el análisis armónico se cifran con el número romano que corresponde al grado de la tonalidad sobre el cual se construyen, y a su vez, a cada uno de estos se los nombra según su fundamental (fig.1).

tonalidad de c mayor

La segunda y tercera notas del acorde se definen según la distancia interválica que presentan con respecto a la fundamental (fig.2).

La estructura de los acordes que se generan dentro de la Escala Mayor varía según los diferentes tipos de intervalos de 3ra. que separa a sus notas en cada caso. De tal análisis obtenemos tres grupos de acordes: 1er. grupo. acordes mayores: tónica + 3ra. mayor + 3ra. menor (5ta. justa con respecto a la fundamental). Acordes del i, iV y V grados (fig.3).

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ARmONIA

2do. grupo. acordes menores: tónica + 3ra. menor + 3ra. mayor (5ta. justa con respecto a la fundamental). Acordes del ii, iii y Vi grados (fig.4).

3er. grupo. acorde disminuido: tónica + 3ra. menor + 3ra. menor (5ta. disminuida con respecto a la fundamental). Acorde del Vii grado (fig.5).

El cifrado de los acordes puede cambiar, y es por eso que frecuentemente nos encontramos con diferentes variantes para representar al mismo acorde. acorde de c mayor: C; acorde de c menor: Cm, Cmi, Cmin, C-; acorde de c disminuido: Cdis, Cdim, C°.

Finalmente, el desarrollo acordal de la Escala Mayor queda expuesto de la siguiente manera: c mayor

Por ser producto de la Escala mayor, a su vez conocida como diatónica, a los acordes surgidos de la misma se los denomina acordes diatónicos, y por este motivo, una progresión formada por acordes diatónicos recibe el nombre de progresión diatónica.

Bueno, espero que de a poco se vayan haciendo un panorama de lo que es la armonía. De todos modos, no se impacienten, ¡que todavía falta lo mejor! Les mando un abrazo y nos estamos viendo en la próxima entrega. ¡Saludos!

PABLO ROVNER es egresado del Guitar institute of Technology (GiT) del Musicians institute de Los ángeles (California, USA); y del Conservatorio Félix Varela de La Habana (Cuba). Ejerce la actividad profesional y docente desde hace más de 20 años en guitarra y armonía, y paralelamente es responsable de la selección de músicos para la compañía de cruceros Royal Caribbean internacional. Podes contactarte con Rovner por E-mail a info@pablorovner.com

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Titulo | 44

SWEEp pICKING

Linksweep por Gabriel caparrós

¡Aloha! Bienvenidos una vez más a mi columna de guitarra; hoy veremos algo bastante más avanzado de lo que veníamos viendo: basta de sweep de 2 y 3 cuerdas… ahora veremos sweep de 5 y 6 cuerdas con varias variantes y, como siempre, una progresión para cuando estén más cancheros.

Algunos consejos sobre la técnica Sweep Picking: A) En esta técnica hay que prestar mucha atención en cómo ponemos la palma sobre el puente de la guitarra: ni muy apoyado ni nada apo yado, sutilmente, para que simplemente no suenen al aire las cuerdas y suene prolijo.

B) El movimiento de la púa no tiene que ser tosco. Una vez ejecutada una cuerda la púa tiene que estar ya apoyada en la próxima cuerda antes de ser ejecutada.

Ahora bien, vayamos al ejemplo. En el ejemplo vamos a ver todos los arpegios de los acordes de la tonalidad de G (sol) en 5 cuerdas, que son: G, Am, Bm, C, D, Em y F#dis. Eso sí, tengan paciencia, no lo intenten hacer rápido al principio; traten primero de que les salga bien lento. Antes de tocar esto, deberían saberse de memoria las notas de la quinta cuerda, para que les sea más fácil.

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Bueno, colegas, esto ha concluido aquí, espero que les guste y lo disfruten. Nos vemos la próxima con más Sweep Picking, ¡métanle y no me aflojen ahora! ¡Arrivederci!

GABRiEL CAPARRóS Trabajó como profesor de guitarra en la escuela de Diego Mizrahi. Es profesor de Guitarra Eléctrica y Flamenca en la Escuela de Música Blue House. Trabajó como sesionista en diversas bandas, entre ellas, quique del Bianco y la Doble 2, y con Ricardo Alonso (“el Griego”, ex baterista de Pappo). Actualmente da clases particulares de guitarra. gabyjazzmetal@hotmail.com

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El Blues Menor por Luis d’agostino

Así como en la edición anterior analizábamos extensiones armónicas para una secuencia de Blues Mayor, hoy nos vamos a abocar a otra estructura que podemos llamar ‘fija’, que es la del Blues Menor.

El Blues Menor también tiene una forma de 12 compases. Y esta forma permanece estable en cualquier tonalidad.

Si tomamos como ejemplo la tonalidad de Do menor, la secuencia será: Cm7/Cm7/Cm7/Cm7/Fm7/Fm7/Cm7/Cm7/Ab7/G7/Cm7/G7 Existen algunas pequeñas variantes que se pueden realizar sobre esta forma. Algunos músicos reemplazan el Cm7 del cuarto compás por un C7. De esta manera, se crea una pequeña tensión que nos lleva al Fm7. Lo mismo pasa en el compás sexto, donde el Fm7 puede ser reemplazado por un G7 por el mismo motivo.

Ahora hablemos un poco de las extensiones. Cualquier cifrado puede ser alterado, siempre y cuando se respete la familia a la cual ese acorde pertenece, y por familia me refiero a que un acorde mayor no puede ser reemplazado por uno menor sin una discusión previa. Por familias me refiero a: Mayor (maj7), Menor (m7), Dominante o acorde de séptima (7), semidisminuido (m7b5) y disminuido (º), y las extensiones más fáciles de incluir son aquellas que se encuentran en el centro tonal sobre el cual estoy tocando (en nuestro caso, Do Menor).

Siguiendo esta simple regla, sobre Cm7 agrego la novena mayor (9) y la oncena mayor (11), y lo mismo sobre Fm7 (en los ejemplos de posiciones o voicings, los diseños para Cm7 o Fm7 pueden intercalarse entre sí buscando la nueva tónica). Sobre Ab7 agrego la trecena mayor (13), la novena mayor (9) y la oncena aumentada (#11) y, sobre el G7, la novena menor (b9) y la novena aumentada (#9). Si se toman un momento para buscar estas notas, verán que todas pertenecen a la escala de Do Menor Natural.

Espero que disfruten de este material, y seguiremos la próxima con más info.

Un fuerte abrazo y que estén muy bien.

Cm7

Cm11

Cm9

Cm9

Cm(add9)

Cm(add9)

Cm9

Cm11(maj7)

Fm7

Fm7

Fm9

Fm9(11)

Fm7(11)

Fm9

Fm7(11)

Fm9(maj7)

Ab7

Ab9(#11)

Ab9(13)

Ab7(b5)

Ab13

Ab9(13)

Ab9(13)

G7

G7(b9)

G7(#9)

G7(#5,#9)

G7

G7(#5)

G7(#5,b9)

G7(#5,#9)

Ab9

LUiS D’AGOSTiNO Nacido en la ciudad de Buenos Aires, Luis se radicó en los UK en 1999, donde vivió hasta el 2008, año en el que retornó a la Argentina.

Durante su estadía en Europa recorrió todo el circuito del jazz de los UK, presentándose en escenarios tales como el Royal Festival Hall, queen Ellizabeth Hall, National Theatre, Art Festival of Edimburg, Pizza Express (Soho, Londres), 606 Club (Chelsea, Londres) Pizza on The Park (London) y diversos festivales europeos. En la actualidad enseña en forma privada, es endorser de guitarras Yamaha, para quienes realiza clínicas y conciertos en todo el país, y bajo el sello editorial Ricordi ha publicado dos libros: Toco Solo (libro sobre armonía funcional aplicada a la guitarra) e improvisación: una guía para el músico de rock, blues y jazz. Podes contactarte con Luis por e-mail a luisdagos@msn.com

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GUItARRA JAzz

BAJO LAtINO

El Bajo y la Clave (juntos por un mismo propósito...) por Gonzalo alfaro

“¿Cómo se pide la salsa?”, pregunta el cantante a su público… Éste responde: “Sa! Sa! Sa! Sasa!!”, acompañando este canto con las palmas. El que haya ido a un concierto de salsa sabe de lo que hablo. Este llamado a la música no es nada más que la Clave, el corazón del ritmo afro-latino; el motor de cualquier ensamble de este estilo.

La clave es un patrón rítmico de 2 compases que define la forma de encarar rítmicamente una canción, y está presente al ser tocada por alguno de los instrumentistas, o tácitamente en los acentos. Nos comentaba un timbalero de bastante experiencia que, si no conocemos la clave en la que está la canción que tocamos, no sabemos dónde estamos parados. La clave nos permite frasear a todos los instrumentistas, desde la percusión y el bajo, pasando por el piano, hasta los arreglos de viento, e incluso hasta el cantante. Todos contribuyen acentuando sobre ó alrededor de los golpes de la clave. Es muy importante hacer este análisis, para poder ubicarnos dentro del tiempo de esta música, que es tan sincopada (Fig.1).

En una armadura de compás de 2/2 podemos ver los golpes de la clave, 3 en el primer compás y 2 en el segundo. De esta disposición es que viene su nombre, la clave “3-2”. Esta es la clave del Son, una de las formas más tradicionales de la música afro-cubana, que está muy presente en la salsa portorriqueña.

Existen otros tipos de claves, pero por ahora vamos a concentrarnos en esta.

Debajo de la clave, en blancas, vemos el pulso que nos permite contar. Es correcto contar de esta forma para poder obtener la fluidez del ritmo. Si contamos en negras (4/4), nuestra marca tendría que ser muy rápida e incómoda, y esto nos quitaría el “swing”. Es por esta razón que la mayoría de estas canciones se escriben en compás de 2/2 ó clave partida.

En esta clave encontraremos dos tiempos que llevan su propio nombre: “Bombo” y “Ponche”. Estos dos tiempos son los que marca el bajo en un Tumbao Clásico (llamado también Bombo-Ponche Tumbao). Al ligar continuamente las notas del tiempo 4 hacia el 1 del siguiente grupo de 2 compases, se deja de marcar el inicio de la frase musical, y esto nos hace correr el riesgo de perdernos en el tiempo. Si analizamos la clave sabremos dónde estamos tocando y no nos pasará eso (Fig.2).

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La salsa, como muchos otros ritmos latinos, es bailable; por lo que es necesaria una base sólida y constante.

En esta oportunidad, voy a tocar el tumbao clásico sobre una armonía común en este estilo, a fin de empezar a incorporar este nuevo ritmo. En la próxima edición vamos a ver algunas variantes para no tocar siempre lo mismo. En la página web de la revista les dejo el audio del ejemplo (Fig.3).

Espero que este artículo haya sido de su agrado. Hasta la próxima.

GONzALO ALFARO Nació en Lima, Perú, llegó a Buenos Aires en febrero del 2006 para formalizar sus estudios musicales. Desde entonces viene tocando en diferentes bandas y trabajando como músico de sesión. Su interés sin límites por la música lo ha llevado a diferentes estilos. Puede desenvolverse sin problemas en una banda de metal, en una orquesta de jazz, o en una de salsa de las más sabrosas. En noviembre del 2009 fue llamado para acompañar a Ralph irizarry (timbalero de Rubén Blades) en una clínica. Actualmente toca en PRONOiA (metal progresivo) http://www.myspace.com/prono1a

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Improvisación sobre la cadencia V - I por damián Vernis

Hola a todos, hoy les presentaré algunas herramientas para improvisar sobre una combinación de acordes muy usada en música popular y música en general.

Ej. 2 (con la escala alterada)

Primero veamos los acordes que surgen de la armonización de la escala mayor a 4 voces.

Cmaj7 I

Dm7 II

Em7 III

Fmaj7 IV

G7 V

Am7 VI

Bm7(b5) VII

Frases más desarrolladas melódicamente Ej. 3 (con la mixolidia)

Tomaremos el V y I grado, es decir G7 y Cmaj7.

Sobre esta cadencia realizaré unos ejemplos de frases simples en blancas, utilizando los intervalos de 3ra., 2da. y 1ra. de la escala mixolidia. De esta manera, no estaríamos tocando alteraciones.

Escala Mixolidia

Las notas de la escala mixolidia son notas en común con las del modo jónico que usamos sobre primer grado, es decir que tocamos la misma escala para los dos acordes.

Ej. 4 (con la alterada)

Ejemplo 1 (con la escala mixolidia)

En el siguiente ejemplo buscaremos tocar frases más disonantes sobre G7, utilizando los intervalos b3, b2 y 1 de la escala conocida como alterada o modo superlocrio, que podemos encontrar sobre el séptimo grado de la escala menor melódica.

Escala Alterada

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BAJO JAzz

Con la siguiente frase, casi ninguna nota es en común con el acorde del modo jónico que usamos sobre CM7. Entonces, a diferencia del ejemplo 3, no podríamos seguir tocando con la misma escala para los 2 acordes. Es importante tener en cuenta que en estos ejemplos estamos alterando los acordes dominante 7 desde las ideas que tocamos melódicamente, ya que también los acordes pueden ser ejecutados alteradamente desde el instrumento armónico, como por ejemplo guitarra o teclado. Si improvisamos con la escala alterada sobre los dominantes ya alterados por el instrumento armónico sonaría bien, pero no tan interesante como cuando en un acorde dominante limpio de alteraciones generamos las disonancias desde las frases que nosotros creamos en ese momento.

DAMiAN VERNiS Bajista, compositor y docente. Estudió con Marcelo Torres, Juan Carlos Cirigliano y Néstor Marconi.

En el año 2000 viajó a Brasil, donde tomó clases en la “Escuela de Música Popular de Curitiba”. A lo largo de 15 años ha tocado y grabado con músicos tales como: Mario Parmisano (pianista de Al Di Meola), Ricardo Nolé, La Marga (Leandro Bulacio y Facundo Ferreira), Nora Sarmoria, Yeye López, Adrián Birlis y Beto Satragni, entre otros. Paralelamente realizó trabajos en distintas compañías de cruceros por Europa y Estados Unidos (2004 - 2008), y actualmente es el bajista estable de la banda del ex-cantante de Memphis, Adrián Otero. www.myspace.com/damianvernis

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BAJO tAppING

¡Un Bajo con Bourée! por alejandro Giusti

Uno de los más conocidos compositores de bourées fue Johann Sebastian Bach, quien nació 1685 en Alemania, en el seno de una familia de destacados músicos y compositores.

Esta partitura es un fragmento de, probablemente el más popular de sus ‘Bourées’. La preparé y digité para ser tocada con la técnica de ‘dos manos tapping’. Es muy interesante el desarrollo contrapuntístico de toda la partitura. Fíjense que cuando la voz superior asciende, como por ejemplo en las tres primeras notas, la línea inferior desciende, produciéndose lo que se llama “movimiento contrario”: las voces se mueven en direcciones opuestas y van armonizando perfectamente.

Ese concepto lo desarrolla a través de toda la partitura, creando una trama de exquisito refinamiento melódico, y al mismo tiempo (sin proponérselo), un manual del contrapunto que se usa hasta nuestros días.

Empieza con una negra en anacrusa y su movimiento es sincopado, siendo similar a la gavota, aunque normalmente es más extensa.

Suplemento técnico

Saludos a todos, espero que les sea útil, y será hasta la próxima.

ALEJANDRO GiUSTi Compositor, bajista y docente. Lleva grabados 4 CDs con su banda: “Giusti Funk Corp.”, “Barrio Funk”, “Arrabal Eléctrico”, “Plan C” y “Grande de Fuzza”. Entre los músicos más destacados que grabaron en estos discos podemos mencionar a: Roberto “Fats” Fernández, Pablo Mainetti, Lito Vitale, Pablo Rovner, Daniel “Pipi” Piazzolla, Popy Spatocco, Juan Cruz Urquiza, Nicolás Guerschberg, Gustavo Musso, Gustavo Cámara, Diego Clemente, Pedro Menéndez, Richard Nam, álvaro Torres, entre otros. Alejandro Giusti es autor de dos libros con CD: “Bass Book de Slap”, 1999 y “Candombe Música Afro-Rioplatense”, 2008. Del 2001 al 2004 formó parte del programa televisivo Music Expert, que se emitía para toda Latinoamérica. Podes conectarte con Alejandro en su website www.alejandrogiusti.com.ar

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