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Los retratos de Martin Schoeller

David du Chemin. Desde “No fun...

MARTIN SCHOELLER

Los retratos de Martin Schoeller son conocidos por sus primeros planos ultra, con el tono, el estado de ánimo y la consistencia de la composición que han revivido las páginas de muchas de las publicaciones más queridas de Estados Unidos y Europa en los últimos 20 años. Pero estas reveladoras fotografías son solo la parte más reconocible de su obra sorprendentemente llena de acontecimientos.

Martin Schoeller ahora ha acumulado todo el trabajo que desafía la clasificación porque se ha aventurado en todas las subculturas, excepto en eventos recientes no vistos, alteraciones de la justicia social, celebridades y muchas otras subculturas.-categorías. Como vemos en Martin Schoeller 1999–2019, estas imágenes son un verdadero museo de historia reciente: un proyecto diverso, ingenioso, dinámico, disciplinado y concienzudo que es el trabajo de una perspectiva humana.

El enfoque de Martin Schoeller

“Como todos los fotógrafos de retratos, trato de capturar el momento en que el sujeto deja de pensar. Intento ir más allá de la representación del rostro del sujeto, en busca de algo inesperado. “- Martin Schoeller es un fotógrafo de retratos nacido en 1968. Es un fotógrafo de retratos conocido por sus retratos de primeros planos extremos.

Martin Schoeller trabajó como asistente de Annie Leibovitz en los años 1993–1996 y desde 1998. Sus trabajos han aparecido, entre otros, en National Geographic, Time, Rolling Stone , GQ, Entertainment Weekly, Esquire y The New York Times Magazine. Se unió a Richard Avedon como fotógrafo de retratos en New York en 1999. Continúa trabajando en Nueva York. Schoeller exhibe internacionalmente y sus fotos se almacenan en colecciones que incluyen la Galería Nacional de Retratos en la Institución Smithsonian en Washington.

Biografía de Martin Schoeller

Martin Schoeller es alemán . Desde muy joven, Martin Schoeller se vio influido por la extraordinaria obra del retratista August Sander, conocido por sus fotografías de pobres, obreros y burgueses.

Luego, su mirada se dirige a las extraordinarias fotos de Bernd y Hilla Becher, quienes luego crearon la famosa escuela Becher.

El trabajo de Martin Schoeller se exhibió en los Juegos Olímpicos de Beijing 2008 y se presenta regularmente en los Estados Unidos y Europa.

Sus retratos se exhiben y coleccionan en todo el mundo. Han sido objeto de varias exposiciones y forman parte de la prestigiosa Galería Nacional de Retratos del Instituto Smithsonian en Washington. Los retratos de Schoeller dan a todas las expresiones faciales humanas una nueva dimensión. Es por eso que los retratos existentes son su razón de ser, dice David Remnick, ganador del premio Pulitzer en 1994 y editor de la revista New Yorker Magazine .

El primer libro de Martin Schoeller, Gros Plan, fue publicado en 2005 por teNeues.

Continuó sus retratos para el New Yorker, adquiriendo nuevas series, encargadas por revistas o dictadas por investigaciones faciales que atraían a la sociedad moderna. Así es como quiero trabajar en campeonas de culturismo femenino. Así se crean culturistas, una

bill murray

serie de monografías en ediciones limitadas, muy buscadas por los coleccionistas de fotografía contemporánea.

Para los culturistas, trato de mostrar la debilidad que veo y siento en mis modelos cuando estoy con ellos; se dio cuenta de emociones complejas escondidas bajo una máscara física extremadamente funcional. Estas mujeres son un reflejo de nuestro deseo moderno de grandeza, fuerza y agresividad; y cuidado a toda costa. Estamos en una era de excedentes. Martin Schoeller vive y trabaja en Nueva York y es considerado uno de los maestros de la fotografía moderna.

Martin Schoeller es mejor conocido por su serie de retratos en primer plano que capturan de cerca los íconos de la cultura estadounidense. De Clint Eastwood a Barack Obama, pasando por Paris Hilton o Bill Murray, Martin Schoeller ofrece al espectador la fijación, en los ojos de estas personalidades que se han convertido en monstruos vivientes.

Definitivamente una mirada fresca e intransigente a esos rostros que crees que te sabes de memoria. Sus retratos ofrecen el mismo marco apretado y la luz brillante, casi médica, de celebridades y extraños. De esta forma, explora el universo de los gemelos monocigóticos durante una serie para National Geographic o las mujeres campeonas de fisicoculturismo.

Entrevista con Martin Schoeller

—¿Cómo empezaste en la fotografía? ¿Qué edad tenías cuando empezaste y qué hacías antes de eso? —Terminé la escuela secundaria en Alemania y no tenía idea de lo que quería ser. La educación en Alemania es gratuita, así que me matriculé en la universidad. A pesar de esto, casi nunca fui allí.

Trabajé con un hombre discapacitado con esclerosis múltiple. Lo cuidé, me fui de vacaciones con él, lo lavé y lo alimenté. Yo era básicamente un trabajador social. Por la noche, era cantinero y mesero.

Hay ventajas en el sistema educativo europeo; tienes seguro de salud y puedes ganar dinero sin pagar impuestos. Un amigo mío estaba postulando a la escuela de fotografía en Berlín y dijo: “¿Por qué no postulas conmigo? Tal vez nos lleven a los dos y podamos ir juntos.

Había pensado que los fotógrafos eran geeks hasta entonces. Cada vez que organizaba una fiesta en la escuela secundaria, los fotógrafos se paraban en la esquina, esperaban a que alguien se avergonzara, salían corriendo y tomaban fotografías.

Realmente nunca me han gustado los fotógrafos; Siempre los he considerado como voyeurs. Pero mi amigo aplicó para la escuela y pensé: “¿Por qué no? Podría ser genial. “

Mi actitud era que no era probable que me aceptaran de todos modos. Las probabilidades eran de una en veinte y 800 personas aplicaron. Nos dieron ciertas misiones, y completé todas estas misiones en el tiempo que nos dieron. Eventualmente me aceptaron a mí y no a mi amigo. —¿Tenías un talento como artista visual que no sabías que tenías? —Estaba abrumado de que me aceptaran. Mirando hacia atrás, no creo que mis fotos fueran mejores que las de mis amigos. Sin embargo, por alguna razón, fui seleccionado. Me sentí halagado.

Yo estaba como, “Oh, Dios mío. Tal vez es algo en lo que podría ser bueno si realmente lo intento. Mi papá siempre decía que tenía buen ojo. No sabía a qué se refería con eso, pero siempre sintió que yo tenía buen sentido para los muebles, los espacios y el diseño; buen gusto.

Más tarde, vino a Nueva York y ayudó a Annie Leibovitz. ¿Cómo sucedió esto y qué aprendiste? —Cuando terminé mis estudios de fotografía, ayudé a un fotógrafo de naturaleza muerta en Frankfurt, luego trabajé para un fotógrafo muy famoso en Hamburgo, quien me despidió después de tres meses.

Estaba completamente abrumado por la situación. No sabía que alguien podía trabajar tan duro. La carga de trabajo y las responsabilidades eran increíbles. Fue una combinación de cosas que no funcionó.

Mi conclusión de esto es que ayudar es mucho trabajo por tan poco dinero, tienes que trabajar para alguien a quien respetas y te encantaría hacer algún día. Mis tres fotógrafos favoritos en ese momento eran Annie Leibovitz, Steven Meisel e Irving Penn.

Ahorré $2,000, me mudé a Nueva York y los llamé a todos. No pasó nada. Me quedé sin dinero y tuve que ir a casa y trabajar de nuevo para el hombre discapacitado.

Regresé unos meses más tarde después de ahorrar algo de dinero y encontrar trabajo gratis durante un mes para un fotógrafo de naturaleza muerta. Conocía a alguien que trabajaba en el estudio de Annie y las cosas funcionaron.

Había enviado tantas solicitudes y finalmente alguien en Annie’s me dijo que viniera a presentarme. Y en ese momento, Annie acababa de despedir a alguien. El primer asistente me quería mucho. Le dijo a Annie que pensaba que yo sería un buen asistente, así que comencé como tercer asistente y trabajé para ella durante tres años.

—¿Se convirtió en segundo o primer asistente más tarde?

Martín Schoeller: Sí. Al poco tiempo de comenzar se fue el segundo asistente, y poco después se fue el primer asistente. Nuevamente me vi atrapado en una situación en la que estaba completamente fuera de mi cabeza. Hizo que trabajar con Annie fuera bastante tenso.

—¿Fue un trabajo intenso como primer asistente? —Sí, fue muy intenso. Aprendes mucho trabajando con Annie porque te da mucha responsabilidad. Yo estaba a cargo de la iluminación para ella. Es muy particular en su iluminación, pero no es muy técnico.

No siempre sabe cómo lograr lo que quiere, pero sabe lo que quiere, que es lo más importante. El problema era que a veces no podía complacerla y ella decía: “No, no me gusta esta iluminación. Traté muy duro de complacerlo, pero no siempre tuve éxito.

Así que aprendiste mucho de ella. Escuché que aprendió la iluminación de sus asistentes. —Sí, pero mis predecesores se fueron tan pronto después de que comencé que no tuve tiempo de aprender de ellos.

—Fue difícil, pero ¿aprendiste mucho? —Aprendí mucho de ella. Siempre digo que nunca hubiera tenido la carrera que tuve sin trabajar con ella.

—¿Los contactos te ayudaron a hablar en tu primer trabajo? —No, creo que los contactos de los fotógrafos profesionales suelen estar sobrevalorados. Al trabajar con Annie, trabajas con el tipo de revistas que no te contratarían como fotógrafo joven.

Ningún fotógrafo consigue su primer trabajo con Vanity Fair o agencias de publicidad. Puede haber una excepción en el mundo de la moda, pero como fotógrafo empiezas con revistas de negocios y un presupuesto más reducido.

—¿Estabas solo, pero su nombre no ayudó al principio ? —Me ayudó un poco. La gente siempre tenía curiosidad por escuchar lo que estaba pasando detrás de escena en el estudio de Annie. Probablemente me ayudó a conseguir más entrevistas en persona cuando se enteraron de que estaba trabajando con Annie Leibovitz.

Sin embargo, cada editor de fotos es responsable en última instancia de las fotos que entrega, y no quieren mostrarle al editor una fotografía deficiente. —Tenías que tener el trabajo. —Sí, tienes que conseguir el trabajo.

—¿De dónde vienen tus ideas para las bellas artes, como las gemelas y las culturistas? ¿Cuál fue la motivación para hacer estas series? —Las culturistas femeninas vinieron de uno de mis asistentes. Amaba el culturismo, aunque no puedo decir lo mismo. Me mostró una revista un día y me encontré con estas culturistas y estaba en shock. ¿Por qué una mujer haría algo así, para parecerse más a un hombre?

Fui a un concurso de culturismo con mi amigo y hablé con algunas mujeres. Vi que a menudo eran madres con hijos y trabajos de tiempo completo. Me sentí muy intrigado. Encontré interesantes sus apariencias e historias de vida, así que pasé cinco años buscando a estos culturistas profesionales en todas las diferentes competencias del país.

—¿De dónde vino la idea de los gemelos? —Los gemelos eran una misión para National Geographic. National Geographic hizo un número sobre los gemelos y me contrató para fotografiarlos. Cuando escuché por primera vez sobre la misión, pensé: “Oh, Dios mío, los gemelos. ¿No es eso lo más antiguo de la fotografía? Pero no le digo que no a National Geographic; es una gran revista.

Me enviaron a Twinsburg, Ohio, donde tienen un festival gemelo cada año. Cuando tomé las primeras Polaroids y las puse una al lado de la otra, la atracción de dos personas diferentes que se parecían tanto me hizo pensar:

“Hmm, tal vez es algo diferente. Fue la idea de fotografiar gemelos por separado y no juntos como una sola entidad. Lo encontraba cada vez más fascinante.

Después de completar la misión, todos parecían tan intrigados por estos gemelos, así que continué con el trabajo. Encontré dos juegos de gemelos donde uno de ellos se sometió a una cirugía de reasignación de sexo.

Encontré cuatrillizos idénticos, lo cual es extremadamente raro. Luego desarrollé todo esto en un libro; así nació este libro.

—¿Qué tan interesantes encuentras las obras de arte en comparación con las misiones comerciales? —Realmente no pienso en los términos bellas artes, artista y fotógrafo. Me veo como un fotógrafo. Creo que soy más un fotógrafo que un artista, porque creo que el objetivo de un verdadero artista debe ser tener una idea que nunca antes se haya hecho. Esta es mi definición de artista. Creo que hay muy pocos fotógrafos a los que yo llamaría artistas.

Creo que la mayoría de ellos son solo fotógrafos. Bueno, no solo los fotógrafos, pero no se ajustan a la factura de los artistas. Por eso no hay tanta fotografía en los museos.

—¿Diría que las definiciones son asignaciones comerciales, luego artista?

Creo que mucha gente está contenta con el hecho de que se consideran artistas; se convierte en una gran parte de su identidad. No siento esa necesidad. No me avergüenzo de hacer publicidad.

Estoy feliz de ver mi trabajo en museos y que se venda en galerías. Como fotógrafo, simplemente intenta crear el mejor trabajo posible, sea cual sea la tarea.

—¿Cuáles son los pros y los contras de estar tan ocupado? ¿Hay alguna desventaja? —Creo que lo que la gente subestima es que cuantas más misiones tienes, más tripulación necesitas. Usted tiene una responsabilidad con sus empleados. Te encuentras en situaciones en las que tienes que ganar mucho dinero para mantener esa máquina que has construido.

Una vez escuché cuando trabajé con Annie que ella tenía $50 u $80,000 en gastos generales al mes para limpiar solo para cubrir los gastos. Eso fue hace 20 años también. Tienes que ganar mucho dinero solo para alcanzar el punto de equilibrio.

Tienes que hacer aún más para mantener algo para ti. Se vuelve más fácil, pero no realmente. Si alguien es propietario único, puede quedarse con todas las ganancias.

—¿Es difícil negarse a trabajar en esta etapa? —Me considero muy afortunado de haber tenido tanto trabajo continuamente. Pero ese no suele ser el caso si tengo tres trabajos a la semana. Como fotógrafo que ha existido durante mucho tiempo, se le da por sentado. A la gente le gusta tu trabajo, pero eso no significa necesariamente que te den trabajo. Vienes con ciertas asociaciones.

Por ejemplo, tal vez hiciste una sesión costosa para alguien hace tres años cuando las revistas tenían más

brad pitt

dinero. Mis tarifas son las mismas que las de todos los demás, pero tal vez hice algunos disparos intensos.

Ahora todo el mundo te considera un fotógrafo caro. Además, a la gente le gusta descubrir gente nueva. No necesariamente quieren contratar a alguien que trabaje para el concurso.

Así que nunca hay un punto en el que puedas moverte a lo largo de la costa, aunque Annie tiene uno con sus contratos. Pero es muy raro. —Es muy raro, sí. Estos contratos siempre pueden expirar al final de un año. No hay garantía en la fotografía. Siempre les digo a los fotógrafos jóvenes: “No crean que tienen una portada de Vanity Fair y ya está; eres tan bueno como tu última foto.

Puedes tomar diez fotos geniales y la gente dirá que eres bueno. Sin embargo, eso es lo que esperan de ti. Si tomas dos o tres fotos malas, la gente las recuerda más que las buenas.

—¿Cómo conociste a Hasted Kraeutler? —No recuerdo muy bien cómo me encontraron, o si los encontré. Ha pasado tanto tiempo desde que olvidé cómo nos presentaron.

—¿Va bien la relación? Han manejado algunos de sus programas. —Todo está bien. Lo que pasa con los proyectos personales es que si los desglosas financieramente, son un completo pozo de dinero. Nunca recuperarás el dinero que gastas en estas fotos.

—¿Son caros los espectáculos? —Oh sí. Probablemente gasté 250.000 dólares en el proyecto del culturista. Ni siquiera quise agregarlo. Creo que vendí quizás tres copias por $10,000 cada una. La galería recibe la mitad de eso, así que gané $15,000 en ventas impresas.

—Es un verdadero trabajo de amor.

Martín Schoeller: Sí. Es por eso que siempre les digo a los jóvenes fotógrafos que ser fotógrafo de arte no es una buena idea; son muy pocos los que pueden vivir de ella.

—¿Está considerando proyectos personales de bellas artes en este momento? —Tenía un proyecto que puse en espera. Tengo un niño de cinco años en casa y me cuesta dejarlo mucho tiempo. Pero tal vez el próximo año podría ir a visitar a otro grupo indígena, con suerte National Geographic, y juntarlo en forma de libro algún día. —¿Qué país visitarías? —Ya veremos. Probablemente todavía el Amazonas. O incluso Brasil. Veremos.

—¿Qué tipo de equipo utilizas en términos de cámaras e iluminación? —Siempre filmo todos mis primeros planos en película con una RZ, 6×7 y 140, en Portra 800.

—Así que la película siempre te da algo que prefieres.

—Sí. También tengo una cámara Phase One. Solía filmar todo hasta hace unos tres años. Mi cámara favorita de todos los tiempos tiene que ser la Fuji 6×9, con la lente de 90 mm. Es una cámara de telémetro.

Es como una Leica de gran tamaño. Me resulta fácil concentrarme. Siempre me ha encantado esta cámara. Tengo cinco. Los usé exclusivamente para todas las fotos horizontales. Usé un RZ para las verticales y Fuji 6×9 para las horizontales.

—¿Por qué tienes cinco? —Tomaría tres en el camino, pero algunos estarían rotos. Tengo uno en reparación, el que pensé que necesitaba reemplazar, luego le di uno a mi asistente cuando se fue. Probablemente compré más como siete u ocho.

—¿También disparas en digital? —Sí, ahora me he vuelto digital. Siempre prediqué la fotografía analógica porque sentía que los tonos de piel se ven mejor con película; es más indulgente y más natural; más tridimensional si filmas en película. Mi antiguo asistente me convenció de probar estas cámaras digitales y hemos probado un montón de ellas.

Me encontré con el Phase One, en ese entonces era un Mamiya con el respaldo Phase One, y debo decir que fue la primera vez que sentí que los tonos de piel eran realmente buenos.

—¿Hace cuánto tiempo fue eso? —Hace unos tres años.

—Entonces, ¿utiliza digital para formato medio, no hace 35 mm? —Tengo una Nikon digital, pero rara vez la uso. Lo uso si necesito disparar cualquier cosa a alta velocidad, como correr o saltar; cosas en las que necesitas poder disparar diez fotogramas por segundo. Normalmente disparo con la película IQ280 de 80 megapíxeles. A veces es un gran dolor en el culo. Pero cuando la cámara funciona y todo funciona, es casi como rodar en 4×5.

—¿Has rodado alguna vez en 4×5? —No, pero fotografié mucho en 8 × 10. A todos los culturistas los fotografié en 8 × 10. Por eso el proyecto era tan caro.

—¿Qué empresa utiliza para la iluminación y qué luces específicas utiliza? Sé que usas el de Kino. —Uso el Kino Flo para mis primeros planos. Para la luz estroboscópica, uso el Profoto Acute. Son más ligeros y fáciles de viajar. Pero al final, cualquier cosa que brille me queda bien.

—¿Has probado los monolights de Profoto, los D1s? —No, nunca lo intenté. Siempre tengo miedo de que mis luces se apaguen.

¿Qué le parece vivir en Estados Unidos contra Alemania? ¿Qué le gusta o disgusta de Estados Unidos y qué le falta a Alemania?

cate blanchett

christopher walken

—Cada vez que estoy aquí elogio a Alemania y la igualdad en Alemania. Toda la infraestructura funciona: el 80% de la gente está sindicalizada, todos tienen seguro médico, la economía va bien, puedes ir a cualquier parte en tren, las carreteras son mejores y la brecha entre ricos y pobres no es tan grande, y nosotros no tengas guerras

Vivir en Nueva York a veces se siente como vivir en un país del tercer mundo. Hay profundos baches en medio de Nueva York. Y cuando vas a Queens, hay mucha basura en el camino. Creo que, en general, el sistema europeo es mejor que el sistema estadounidense; es mas justo Pero cada vez que estoy en Alemania, quiero volver a los Estados Unidos porque extraño la sensación de optimismo y humor.

A los alemanes les gusta quejarse. Es un poco más pesado y más lento. Se tarda medio día en completar el papeleo para alquilar equipos en Alemania. Le falta la rapidez y la ligereza de vivir en los Estados Unidos y la espontaneidad que conlleva.

—¿Eres ciudadano ahora? —No, todavía solo tengo una tarjeta verde. A los alemanes no les gusta la doble nacionalidad.