MONDO
MAYO 2020 Nº282 mondosonoro.com
FOTO: A. GARCÍA.
SUR
En el aire Al igual que el maldito virus, sus primeros efectos letales en la industria de la música, han sido dejarlo todo en el aire. Si hay algo que está bloqueando la capacidad de reacción del sector es la incertidumbre. Queremos hablar de un periodo de transición, pero ¿cómo?
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a pasado la cuarentena y vamos camino de los tres meses desde que todo explotó por los aires. Aún así nos cuesta escribir con certeza sobre una situación que a día de hoy sigue todavía instalada en la incertidumbre. Para el público en general y todos los profesionales de la industria, el calendario de festivales ha sido la primera fase de nuestra particular desescalada. “Necesitamos saber si se va a realizar o no el festival, no solamente por la devolución de la entrada, sobre todo porque tenemos reservas de hotel y viaje organizado en esas fechas y de esa forma poder
cancelar y no perder el dinero” Comenta Carmen Álvarez de Córdoba, en sus planes estaba como para muchos combinar música y vacaciones en uno de los festivales costeros. Cierto es que la mayoría de festivales han cancelado o aplazado ya, la línea roja va por el mes de julio. Por ejemplo, el último en mover ficha ha sido el Monkey Weekend de El Puerto de Santa María. Al habla Tali Carreto, que nos comenta los posibles escenarios que se abren a la cita veraniega y también a su hermano mayor el Monkey Weekend de otoño. “Nosotros hemos aplazado porque nuestras fechas coincidían en plena desescalada, valoramos
irnos a septiembre pero nos seguimos topando con los dos mismos obstáculos. La situación que vivimos y sobre todo, la falta de certezas, de criterios claros sobre qué y de que forma se puede hacer. Tanto para el Monkey Weekend como para el Monkey Week estamos trabajando en varios formatos, en varias hipótesis, y eso es también agotador”. Está claro que los festivales de medio formato tienen más capacidad de maniobrabilidad que los grandes que prácticamente dan por perdida la edición del verano de 2020. Otro aspecto es el contractual, en el hipotético caso de que la evolución del virus propiciara la celebración de eventos de este tipo en los próximos meses, muchos festivales, sobre todo los que dependen de Ayuntamientos e Instituciones, tienen procedimientos de licitación que han quedado en el aire también. “En el momento de la declaración del Estado de Alarma, todavía teníamos contratos por adjudicar, algo que también está jugando en contra de la celebración del festival en su fecha, al margen de la situación sanitaria, claro” Apostilla José Luís Pérez del Festival Pulpop. El caso es que mientras tenemos esta charla todos esperan la comparecencia del Ministro de Cultura, así que de momento dejamos el tema en el aire. Continuará.
MONDOSUR
encierro
FOTO: A. GARCÍA.
para salir del
DANI LLMAS. FOTO:JULIA LLAMAS
Canciones
Homenaje confinado de Dani Llamas a Grant Hart
Arco con los que marchan Como todo lo que está ocurriendo, Los que marchan es una canción que no estaba en los planes de Arco. El músico granadino siente la necesidad de despedirse de los que se han ido sin poder decir adiós.
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ace unos días estrenamos este sobrevenido video single que Arco ha grabado en su casa en estos días y con el que Antonio recuerda a todos “Los que marchan”, a todos los que nos han dicho adiós en soledad. El granadino se pone frente a la cámara y a corazón abierto expresa esa impotencia que nos recorre a todos ante una situación que nunca pudimos imaginar. Esta nueva canción de Arco no estaba prevista, como tampoco lo estaba la realidad que nos ha invadido estas últimas semanas… Nace durante una noche de este encierro en la que el artista siente la necesidad de poner en orden sus sentimientos, contando y cantando su particular homenaje a los que marchan. “Es una canción que nace de la necesidad. La que surge una noche en la que intento dar solución al dilema que hay en mis emociones. Por un lado intentaba transmitir optimismo a mi gente, a mis seguidores a través de mis #2 mayo 2020
videos en las redes sociales, pero por otro sentía una gran pena por todos los que se estaban marchando sin tener una despedida de sus seres queridos. Escribí esta canción para saldar esta deuda que yo y todos tenemos con esas personas que no ha podido despedirse. Una canción que espero que ayude a muchos a ordenar sus sentimientos, lo mismo que a mi ha ayudado a ordenar los míos” El vídeo ha sido producido, dirigido y editado por El Estudio de Marcela, a partir de las imágenes grabadas por el propio Antonio y Nati, su mujer, en su casa en Málaga. Arco ha grabado la voz desde casa y la producción y arreglos corren de nuevo a cargo de Tato Latorre. La ilustración de la portada es obra de Luis Toledo de Laprisamata Studio.
La portada del single es de Luís Toledo, y es una ilustración de la calle Escalinata en Madrid, precisamente en uno de esos portales está nuestra edición de MondoSonoro madrileña.
Grant (Wild Punk, 2020) es el nuevo trabajo de Dani Llamas. Un deuda pendiente con su amigo Grant Hart. El músico jerezano interpreta canciones del ex Hüsker Dü a modo de obituario y de paso recupera de las cenizas uno de los legados del rock alternativo más preciado. Un disco gestado en estado de alarma, tratándose de Hart no podía se de otra manera.
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ani Llamas coincidió con Grant Hart en una gira conjunta que hicieron por nuestro país en febrero de 2011. Una semana junto a un mito en la que les ocurrió de todo, imprescindible este relato que hizo Dani para El Agente Provocador, y que paradójicamente escribió tres días antes de la muerte del músico de Minnesota en septiembre en 2017. La deuda era doble: recordar a ese compañero de gira y reivindicar, siempre Dani Llamas lo ha hecho, una gesta, una escena, un movimiento que abanderaron Grant Hart y Bob Mould. La emergencia, el aquí y ahora, siempre ha sido una máxima en la música y en la vida de Grant Hart, así que la declaración del Estado de Alarma, entendió Dani Llamas que era un buen momento para llevar a cabo este proyecto. “Hemos grabado todo en casa, y he mezclado yo el disco con los medios que he podido. Le hemos puesto muchísimo amor y el resultado es un disco de versiones bonito y artesanal. Lo hemos hecho para nosotros y para los fans de Grant.” El resultado una selección de 10 versiones de canciones que Grant escribió desde 1984 hasta 2012, de Hüsker Dü a Nova Mob pasando por sus discos en solitario. Un álbum especial, para un tiempo convulso y que estrenamos en MondoSonoro. mondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur
La Cena se vuelven a reunir en la distancia
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epararnos para volver a estar juntos con más energía, con más ganas. Ese es un mantra que nos ronda a todos en este tiempo de confinamiento. Y los miembros de La Cena han querido compartir su experiencia. La banda se despidió en 2015 y las circunstancias han propiciado que en este mes de aislamiento haya surgido el contacto online, una reunión para tocar de nuevo en la distancia y una canción, “Continuar”, la que abría su segundo y último trabajo, para retomar una singladura que prometía mucho. La Cena fue unade nuestras bandas demoscópicas, la esperanza blanca del pop malagueño. Canciones para nadie era el título de aquel disco, demasiado premonitorio. Igual el destino les depara una segunda vida. Otro símil de este tiempo.
El Big Up! 2020 se quedó en casa El 18 de abril se celebró una edición muy especial del Big Up!. Esa particular ruta por el talento musical emergente se tuvo que hacer esta vez desde casa. Dan Millson, Ruto Neón, Valdivia, Carlos Zambrana, Bonaire y J Arrin trataron de atravesar la pantalla y poner en valor su propuesta ante el frío medio online.
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ese a que la convocatoria de este año ha sido en circunstancias excepcionales, se han recibido setenta propuestas en cuatro días. El Big Up! ya es conocido en toda la escena musical no solamente murciana si no a nivel nacional. Seguramente ese nuevo formato en streaming haya animado a muchas bandas a presentarse dadas las circunstancias. El caso es que el 18 de abril Dan Millson, Ruto Neón, Valdivia, Zambrana, Bonaire y J Arrin presentaron su propuesta a través de Instragram para valoración de ese comité de expertos y profesionales de la industria que participa cada año en el Big Up! y entre el que nos encontrábamos MondoSonoro. También para todo ese público que en otras ediciones toma las calles de Murcia en busca de los artistas y que ahora entraron directamente en las casas. Sobre el papel y a primera vista en la selección de artistas destacaba, sobre todo, la personalidad de cada
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una de las propuestas. Arrancó el cartagenero Carlos Zambrana que alternó guitarra clásica y eléctrica para poner en escena un repertorio de autor con temas como La Ciudad, de su primer trabajo. El británico afincado en Madrid Dan Millson demostró oficio y una voz poderosa además de canciones con mucho recorrido, es el caso e ese hello, hello que rápidamente todos coreamos en What Are We Looking For. Y sí, había que preguntarse qué veníamos a buscar en este BigUp! Casa, quizá canciones como las de Bonaire, el proyecto de María Abellán. La madrileña se acompañó de escenógrafa para ilustrar esas postales en las que refleja su música y nos dejó con la duda de la proyección que tienen a este lado de la pantalla. Algo que dejó claro Ruto Neón, el más atrevido de los seis, aprovechó que ya sí era hora de un buen trago de Estrella de Levante. Time es un hit y a su neo psicodelia no le sentaron mal las subidas y bajadas del ancho de banda. Tras el estruendo y la cacharrería Valdivia nos devolvió a la esencia del Big Up!, esa desnudez que en este formato sugiere muchas vestimentas, las canciones de Irene las tienen. Por último, otra de las apuestas murcianas. Ya conocíamos las producciones de Jaime Arriaga así que el despliegue no nos sorprendió porque Veneno es un tema que apunta muy alto. J Arrin puede ser el nuevo El Guincho, puede ser lo que él quiera. En resumen, el Big Up! no quiso dejar pasar una edición en blanco porque ya saben que esto del talento y la inspiración llega cuando llega.
TOP10
Redacción Sur
1 Viva Belgrado Bellavista Aloud 2 Niños Mutantes Ventanas Ernie 3
Habitar La Mar Comedia Yoica Habitar la Mar
4 Ballena Odisea Subterfuge 5
Trepat Canción Divina Miel de Moscas
Chencho Fernández Balas de plata Warner 6
Verona Capital Silencio Lunar Discos
8
Kracauer
7
Diferencia y repetición
Subterfuge
9 Los Marañones La máquina del tiempo Perdición 10 O ‘Funk ‘illo O ‘ Funk ‘illoterapia Spyro Music
mayo 2020 #3
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#4 mayo 2020
MARÍA DE JUAN. FOTO: IRENE CRUZ.
ESCAPARATE
MONDO SUR
María de Juan “La palabra de moda ahora es reinventarse” A María de Juan le gusta el teatro, y le viene de casta, también la moda, el diseño y la imagen. Su propuesta propone una experiencia coral y 24/7 (Son Buenos, 20) una especie de diaro de instantes. Talentosa de voz educada, la granadina huye de lo sofisticado en busca de lo esencial del momento. Arrancó su gira con éxito en Granada y Madrid y se truncó en Londres donde el COVID19 no la dejó terminar de despegar. Las horas del día. ¿Cómo surgió ese leitmotiv para el álbum? 24/7 es un disco conceptual que gira en torno al tiempo, componiendo el disco me di cuenta de que siempre anoto la hora en la que cojo el cuaderno, tras meses de trabajo observé que la temática o la esencia de los textos y letras que escribí estaban ligadas a la hora en las que las escribía, las canciones en las que me sentía más perdida solían ser por la mañana, iba encontrándome con el paso de las horas hasta llegar a la tarde y por la noche sacaba mi animal más salvaje y a su vez, mi parte más cariñosa y vulnerable. Para meter en situación al oyente decidí poner una hora que reflejara esos sentimientos en el título de cada canción.
Hay cierta esencia en tu disco a Esclarecidos y Presuntos Implicados en matices, ¿son grupos que te molan o simplemente es que te ha salido así? Pues me gustan y respeto mucho a ambos grupos pero la verdad es que esos matices que puede que te hayan llevado a ellos en mi disco han sido coincidencia. He querido hacer una cosa muy anglosajona en castellano y esto es lo que ha salido, mis influencias tiran más por Massive Attack, The Cure, Jorja Smith, St Vincent … y a la hora de escribir me he fijado mucho en Ricardo Lezón, o Cristina Rosenvinge (entre muchísimos otros) La esencia de Lana del Rey se deja también intuir en muchas de las canciones del disco, ¿es, quizás, tu referente más millenial? Me encanta Lana del Rey y sí es verdad que me fijo mucho en ella, aunque quizás en la que más me he fijado para hacer este disco es en Jorja Smith y entre mis “referentes millenials” metería sin lugar a dudas a Jessie Reyez y a Fka Twigs, ahora también me he enamorado de Nathy Peluso. Pop, neosoul, guiños jazzy y algo de raíz flamenca ¿no? Siempre he sentido el flamenco desde pequeñita pero nunca he partido de una raíz flamenca musicalmente. Artistas referentes en el mundo de la fusión y la experimentación como Enrique Morente o Antonio Arias , me inspiran continuamente a
la hora de escribir y en este disco el sol y la luna juegan un papel tan importante que ha sido inevitable que Lorca esté presente. 21:37 Cantándole a la luna es una especie de sortilegio brujo, ¿te va mucho lo paranormal? ¡Sí! Me considero una persona muy abierta espiritualmente, amo lo “paranormal” cantándole a la luna es el ritual que divide el disco en dos; el día y la noche, se esconde el sol y sale la luna entre cantos tribales y magia nocturna, también uno de mis momentos favoritos en directo. La presentación en directo en Granada y Madrid fue un éxito. Luego llegó el Covid19, la suspensión en Londres y la incertidumbre ¿Cómo llevas todo esto? Tuvimos la suerte por los pelos de presentar el disco en Madrid y Granada y fue una pasada. Salió todo muy bien. La presentación en Londres nos pilló en medio del apocalipsis y fue una bajona fuerte. Los planes de verano también han creado mucha incertidumbre y desilusión, pero bueno, la palabra de moda es reinventarse y ahora estoy más centrada y animada en buscar la forma de seguir difundiendo mi disco y mi música.
—ozantoño torres
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JAVIER ARNAL. FOTO: LUIS SANDOVAL
SHIDOW. FOTO: LUIS SANDOVAL
SHIDOW
JAVIER ARNAL
Vienen de: Jaén Publican: Accomplished Dreams (Sonico Records, 2020) En la onda: Ryan Adams, Band of Horses, Wilco… los galones adquiridos (y todas las cicatrices marcadas) en su trayectoria previa con Automatics, banda exponente en los 90 de un ruidismo que nada tiene que ver con el concepto calmado y detallista de su nueva aventura. “A nivel personal, de Automatics queda todo. En cuanto al ep, está claro que ha influido la experiencia, desde el inicio en composición y a nivel de producción y grabación. Todo esto ayuda y se refleja de alguna manera en los resultados, pero con la salvedad de saber diferenciar y ver que no quieres llegar al mismo final, con sonidos y arreglos distintos”. Unos arreglos y unas texturas cálidas e introspectivas que no son fáciles de transportar a un concierto. “No es sencillo llevar al directo a la perfección lo grabado. Tampoco soy partidario de ello. Se consigue llevar, pero dándole el significado del directo”. Su puesta sobre los escenarios está siendo muy satisfactoria para la banda. Tanto que andan ya preparando lo que será su primer largo. “Esperemos que en lo siguiente que hagamos podamos seguir sorprendiendo y aportando las sensaciones que nosotros mismos sentimos y queremos transmitir. Hemos venido para quedarnos”. —JUanma cantos
SORRY KINI. FOTO: ARCHIVO.
RR ”Cuando termina un capítulo y decides comenzar otro, siempre la soledad es tu mayor compañía, hasta que decides qué camino tomar”. Javier Hernández Aranzana, bajista de los desaparecidos Automatics, regresa a la actualidad con Accomplished Dreams, un ep que suena, en perspectiva a su dilatada carrera como músico, más atemporal que nunca. “No sé si en el sentido de ir hacia atrás en el tiempo o hacia adelante, pero es lo que me apetece hacer en este momento y de cara a un futuro sin límites. Es un primer paso hacia donde queremos ir”. Un proyecto que ha sido madurado a fuego lento para, como el propio título afirma, cumplir un sueño. “Este sueño se ha cumplido para mí, y no por arte de magia, sino por trabajo y perseverancia. Queda seguir desarrollándolo y cada paso nuevo que se dé será un sueño cumplido. He tenido altibajos y se me han pasado muchas cosas por la cabeza en este trayecto, pero el ver cómo quedaban los temas, según lo íbamos grabando, servía de motivación para seguir haciéndolo”. Javier (compositor de los temas, guitarrista y cantante, aparte de alma y líder de la banda) ha puesto al servicio de Shidow, tal vez incluso inconscientemente, todos
Viene de: Almería Publica: El impostor (2020, Autoeditado) En la onda: Tom Waits, Corcobado, Micah P Hinson…
SORRY KINI Vienen de: Málaga Publican: I am sorry Kini (2019) En la onda: Mogwai, Totorro, Delta Sleep...
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RR Poco, o demasiado poco, se ha hablado de los tres discos de Javier Arnal, un señor que tras vivir incontables experiencias en la música, comenzó su carrera en solitario, a los cincuenta años “La experiencia con Chatarreros y Javier Corcobado, acaba cuando él se va a vivir a México. Decido retirarme de la música aunque volví para grabar y tocar una época con Christina Rosenvinge. De ahí volví a entrar en este mundo en distintas posiciones hasta que finalmente me establecí en Tabernas.” En ese pueblo de Almería, Javier se gana la vida, animando y alegrando la jornada a los cientos de miles de visitantes de uno de los muchos poblado del Oeste que sobreviven a la nostalgia y el recuerdo. “A los veinte años me enamoré de esta zona y ya me quedé definitivamente cuando vine a grabar ‘Editor de sueños’ de Javier. Ahí conocí a mi mujer, Vera Acacio” Lo que podría sonar a retiro voluntario suena a reto cuando el señor Arnal cuenta que todavía se pone nervioso al salir a ese escenario cada día. Quizás este momento vital - “disfruto con mi trabajo” – le permite ver todo con mucha más lucidez que los eternos llorones que se ven como autores de luz a los que el público no comprenderá nunca. “Recuerdo épocas en que se llamaban artistas malditos a gente que grababa con Warner. A mis 56 años he visto mucha pose e imposturas. Yo no quiero ser underground pero no voy a hacer nada en contra de mi voluntad para dejar de serlo.” Estos principios son los que le ha llevado a autoeditar El impostor, un disco, grabado como los anteriores, en un ocho pistas en casa, junto a Vera, e incluso con el eco de las voces de sus hijas de fondo. “Puede que este sea mi disco más personal, en el que más haya intentado expiar mis canciones en forma de canciones. Por su parte ‘Canciones defectuosas’ , el primero, salió buscándome, midiendo el peso de mis vivencias aunque también obsesionándome con la instrumentación y cantando en inglés sin tener ni idea. ‘Tus besos’ como me dijo Vera, citando a David Lynch, es extraño por fuera y salvaje por dentro’ Una trilogía fuera de tiempo y lugar, de un intérprete inclasificable. Tres colecciones de canciones que duelen y enamoran. Un viaje de ida, y perdonen la licencia, que a mí me ha cambiado la vida.
—roJas arQUelladas
RR El proyecto Sorry Kini, con una década de experiencias nacionales e internacionales a la espalda y con el afilado debut I am sorry Kini aún humeante, se encuentran en la actualidad, como todos, en confinamiento, pero en estado de efervescente creación. La banda está acostumbrada a los procesos telemáticos tan omnipresentes en la actualidad: “Somos una banda a distancia (Málaga-Madrid-Innsbruck), hemos sobrevivido a base de fe, mucho Skype y archivos. Abro cada pista de audio que recibo con el entusiasmo del que se exilió y recibe una carta de su familia. Sin este compromiso mutuo, no habría Sorry Kini”. El grupo, que se formó en Málaga y se consolidó en Innsbruck (Austria), como nos cuenta Guillermo Antúnez (batería), le debe también mucho al Sahara: “La casa invisible (centro cultural de Málaga) organizó un evento para recaudar fondos destinados a favor del Sahara libre. Aunque todos fuimos al mismo colegio, yo conocí allí a Álvaro Benito (guitarra). Nos preparamos un par de versiones y descubrimos una gran complicidad”. En la formación entraron y salieron muchos amigos, pero pronto el cuarteto lo completaron Óscar Pérez (Guitarra) y Pablo Antúnez (bajista y hermano de Guille). En piezas como Collide, Wedding guest o Cachete, muestran la facilidad que tienen para tejer paisajes sonoros rebosantes de luz, pasando de los susurros y la más suave brisa, a tornados instrumentales que nos engullen y centrifugan en un parpadeo. Post-rock progresivo que va más allá, con atmósferas sónicas y fragmentos cantados en segunda línea que desprenden, por momentos, esa energía tan definitoria y magnética de grupos como Mogwai o Migala, con toques de ASIWFA y Elephant gym. Atentos a ellos. —david pérez marín
mayo 2020 #5
DEMO. TEST.
¿Quién manda en el grupo? En la banda manda el astronauta de la portada del disco y el reparto lo hace Stanley Kubrick. No tenemos una forma de funcionar definida ya que nuestras exigencias son básicas y mínimas, sin caer en ser unos cutres. Con una charla de 10 min. en el local o una conversación informal tomando una birra se marca el rumbo y tareas de la banda. ¿Qué opináis de la prensa musical? ¿Cómo reaccionáis cuando os hacen una mala crítica? Somos una banda egoísta y lo que hacemos principalmente es para goce y disfrute nuestro. La prensa musical, al igual que otras estructuras de la música, es una parte de esta, pero no el todo. Las bandas no deberíamos de rayarnos demasiado con aparecer o no en los medios y si de buscarnos la vida para cumplir nuestros objetivos. Tampoco deberíamos delegar todo el peso de opinión en la prensa musical, cualquiera que vaya a un concierto o consuma música también es “prensa musical”, ¿no?.
Cromo
Procedencia: Murcia (2019). Grabación: Demo Estilo: Punk. Integrantes: Manu (bajo) Vanesa (batería) y Guillermo (guitarra y voz). Contacto: cromopunk@gmail.com ¿Con qué adjetivos, tags, etiquetas o palabros musicales (y no musicales) os gusta más que se defina vuestra propuesta? Marciana, murciana, ilicitana, astral, sideral, infernal, astronauta, extraterrestre, campestre, punk, diy. ¿Cuánto tiempo necesitáis para demostrar al público que sois vosotros lo que estaban esperando? Alrededor de dos minutos, que es la media de duración de nuestros temas. Con esto puedes imaginarte de qué va Cromo. Un concierto de media hora aproximadamente, unas risas, todo urgente, directo y sin florituras. El público escuchará lo mismo que en el disco (pero peor tocado). Verá a tres colegas con actitud, pasándolo bien,
viajando y bebiendo por la cara. Pensarán “yo también podría hacerlo” y ya no serán público sino otra banda en la ciudad. ¿Qué es lo que más respeto os impone a la hora de dedicaros al “rock&roll’? Cumplir con todos los estereotipos de este. Tirar la TV por la ventana del hotel, beber mucho alcohol, engancharse a la droga, tener sexo con fans, salir bien en las fotos, ganar mucho dinero y perderlo todo, que nos engañe el manager, no cumplir los plazos de la compañía, las clínicas de desintoxicación, nuestro disco “Despedida” y después “El regreso”. Y en el peor de los casos compartir cartel con Loquillo o dejarnos el pelo largo cuando saquemos nuestro disco más íntimo.
¿Qué le pedís a un grupo de música para que os llegue? ¿Qué ofrecéis vosotros? Pues pedimos actitud, que se lo crean, pero sin fliparse. Que sean reales y no vayan del palo. También mola que sean capaces de ser autónomos (aunque luego deleguen en otras personas). Nos da igual lo bien o mal que sepan tocar, pero sin pasarnos en lo mal. Ofrecemos alopecia espacial y la respuesta de la 2. ¿Sois hormiguitas de ensayo o cigarras? Somos cigarras nos encanta el ruido y el jaleo. La banda es una excusa para eso. El tiempo que dedicamos a un tema o a preparar el directo es proporcional al tiempo que dura. Un tema de punk de dos minutos no puedes dedicarle más de una tarde de ensayo, si en ese tiempo no lo ves claro quizá es que ese tema no sea tan bueno y no merezca darle más vueltas. No nos da pena descartar temas, se nos da mejor hacer uno nuevo que un refrito con sobras.
Talking Heads
Juanlu
(Compro Oro) #6 mayo 2020
Y los concursos. ¿Creéis que son justos? Nunca nos habíamos planteado este tema hasta esta pregunta y estamos l@s tres de acuerdo con que pasamos de ellos. Nos parece muy bien que existan y que las bandas participen. Próxima grabación. Título ¿alguna pista? Grabaremos en verano y saldrá en septiembre/octubre. No sabemos todavía muy bien cómo haremos, pero una edición en vinilo seguro.
Radio Futura
Fear Of Music Sire, 1979
EL. TRIPARTITO.
¿Qué concierto hubierais preferido no haber realizado? De momento ninguno, somos 4x4. Venimos del Punk D.I.Y. y la gran parte de nuestros conciertos giran en torno a este circuito. En él se suele tratar a las bandas bastante bien, cuidándolas en todos los aspectos. Quizá vamos con más “alerta” cuando salimos de ahí y nos metemos en circuitos donde hay mayores medios e infraestructuras que en conciertos organizados por colegas en antros para 30 personas.
Los Claveles
La ley del desierto / La ley del mar Ariola, 1984
Mesetario Grabaciones Grabofónicas, 2013
DE ALLÁ /
DE AQUÍ /
DE MÁS AQUÍ /
Se nota en este disco un cambio en la banda. Mezclando mogollón de músicas, con bajos y percusiones muy agresivas. Fue un disco referente para nosotros al principio, a la hora de definir la música que queríamos hacer, muy rítmica y donde la gente se lo pasara muy bien.
A medida que uno va cogiendo años y va investigando sobre la música española descubres discos como éste. A mi, Escuela de Calor me voló la cabeza. Creo que mezcla lo anglosajón con el carácter español y latino que nosotros le queríamos dar a Compro Oro.
Yo descubrí a Los Claveles a través de la banda sonora de Animals, película de Marçal Forés junto con algunos grupos más. Estos grupos me hicieron ver que había una nueva ola de la música alternativa en nuestro país y sobre todo que miraban en cuanto al sonido más hacia aquí.
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ya está aquí
Mientras las ciencia busca la vacuna, cuatro artistas sevillanas han encontrado La Cura. Un colectivo en el que confluyen el audiovisual y las artes escénicas con intuición creativa. Si los artistas están llamados a la reinvención, La Cura sintetiza ese proceso en su laboratorio. Se estrenan con Perdío, video performance de Bazofia, el proyecto de Lorenzo Soria (Califato 3/4, Industrias94, Fiera). Un proyecto coral. Pero. ¿Cuáles son sus patas? La Cura es un proyecto que nos tiene a nosotras cuatro como núcleo. Hemos creado un equipo de trabajo creativo, un colectivo que nos acoge en nuestros distintos ámbitos de la creación. La idea era entrelazar nuestros lenguajes para amplificar el universo de la historia que queríamos contar. Alejandra es fotógrafa y diseñadora gráfica, Carmen se formó como fotógrafa, realizadora y operaria de cámara, Pilar es directora de arte y decoradora escenográfica; y Verónica es intérprete y creadora de artes vivas. Perdío es nuestro primer proyecto como La Cura así que habrá que tener paciencia y construir esta estructura a merced de lo que vayamos buscando y sintiendo. La Cura. Un remedio para los tiempos que vienen ¿no? Estamos en momentos de reinvención ¿qué opináis? Sí, siempre lo estamos, pero parece que ahora la situación ha obligado un poco más a prestar atención a todo el bulli bulli que teníamos dentro. La mayor reinvención del ser humano sería hacerse responsable y coherente consigo mismo, pero para eso hay que escucharse y escuchar “a jierro” y nunca hay tiempo… La revolución es personal, cada acto cuenta porque todo tiene consecuencias. La humanidad no va a cambiar, pero cada persona, según el contexto que le rodee, tiene la oportunidad
#8 mayo 2019
“La humanidad no va a cambiar, pero cada persona tiene la oportunidad de ón” descubrir y tomar acci
de descubrir y tomar acción. Cada persona está en una fase de la yincana, así que… suerte. Anne Bogart habla de que nos encontramos en un vacío que va de una mitología a otra y que por lo tanto es un momento muy creativo, repleto de posibilidades para crear nuevas estructuras sociales, nuevos paradigmas alternativos y para incluir influencias culturales dispares. En un panorama así dan ganas de jugar a inventar, ¿no? “La preparación del director” de Anne Bogart es una maravilla. Entiendo que La Cura se abre a la colaboración con otros artistas. Por ejemplo los músicos. ¿Es así? ¿Nos ceñimos solamente a videoclips? Nosotras somos creadoras además de peonas. Esta iniciativa nació porque todas teníamos ganas de materializar ideas propias y sentíamos que podíamos complementarnos. Cada idea creativa es un mundo y tiene unas necesidades, nosotras escuchamos esas necesidades y aparecen las colaboraciones igual que aparecen los colores. Pueden ser músicos, pero también personas que se dediquen a la interpretación, la escritura, la iluminación o la carpintería, habrá que ir escuchando. La música es una influencia muy importante para las cuatro y convivimos con ella, tenemos a gente muy buena a nuestro lado que nos inspira una barbaridad. Que aburrimiento, solo videoclips ¿no? Nosotras además lo hemos bautizado como vídeo performance porque ha nacido bebiendo de las influencias de Perdío, pero no ha nacido concretamente para Perdío. Ha sido un proceso de creación entre Bazofia y La Cura. Lorenzo creó unas listas de reproducción para que el equipo se envolviera en la atmósfera en la que más tarde íbamos a grabar, el día del rodaje estuvo lanzando temas a todo volumen para apoyar las acciones que les íbamos pidiendo a las intérpretes y tras el montaje del vídeo metió una nueva capa de sonidos para apoyar la acción. Ha sido un proceso en equipo muy potente. . El audiovisual y las artes escénicas han pasado a tener una relación artística en lugar de instrumental ¿es fruto de ello La Cura? El nuevo cambio de mitología del que hablábamos
PERDÍO. FOTO. LA CURA.
La cura, antes ha hecho que el audiovisual cobre una nueva dimensión, una herramienta casi esencial en la expresión, y aquí estamos toda la gente curioseando para ver cómo podemos utilizarlo en pro de nuestro propio lenguaje. También es cierto que lo visual es lo que nos une y de momento es el camino que hemos elegido y deseamos explorar. De momento vuestro estreno ha sido con Bazofia. Califato 3/4 ha sido para nosotros la revelación… Vemos que la escena sevillana está muy estimulada ¿cómo lo veis? Bazofia es una de las cabezas de dragón de Lorenzo Soria que también pertenece a Califato 3x4, Industrias94 y Fiera. Todas estas personas son nuestro entorno y convivimos en un mismo contexto. Sevilla la llana es una ciudad donde siempre están pasando cosas, estar aquí ya es una sobreestimulación continua. El clima, la sociabilización, la inquietud, la intrínseca energía de la ciudad ya es hacia fuera. La escena sevillana siempre ha sido muy florida y muy diversa en todas sus áreas de la creación, pero desde los 80 no hay una estructura cultural mínimamente sólida que deje que los proyectos se desarrollen y consoliden, tal vez eso provoque que haya efervescencia en las iniciativas. Vivimos una escena donde las generaciones se mezclan al igual que lo hacen los lenguajes artísticos. Es una escena rebelde, fuerte, casi infatigable, pícara, con carácter de hermandad e incansable en nuevas propuestas. Aquí hay oro molío. Habladme de próximos proyecto. ¿Cuál es la siguiente dosis curativa? Estamos sumergidas en el vídeo que acompañará el tema de “Palomita Blanca” de Sebastián Orellana y que grabaremos bajo la dirección de Pilar durante la primera semana de junio si las fases de desescalada nos lo permiten. Vamos a rodar en blanco y negro dentro de un bosque. Será una creación con muchas luces y sombras. Paralelamente estamos experimentando/jugando con algunas ideas para seguir desarrollándonos como equipo y disfrutando del proceso de creación sin la presión de ningún fin concreto, pero poquito a poco. —a. garcía
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Una canción D
URANTE UN TIEMPO estuve realizando un experimento sociológico que versaba sobre cómo reaccionan diferentes colectivos sociales a canciones que no entran dentro, a priori, de sus gustos, su estilo y vivencias. Hete aquí el resultado por capítulos. La primera sesión tuvo lugar el viernes 18 de octubre del pasado año y fue con personas enfermas de Alzheimer; una enfermedad neurodegenerativa que se manifiesta con deterioro cognitivo y trastornos conductuales. Elegí Fade to grey de Visage; un clásico dentro de los sonidos más electrónicos y como no, el tema estandarte, junto con el grupo, del movimiento New Romantics. Había acordado con los educadores que si algún paciente se sentía mal o quería salirse; no problem. Sólo pretendía ver como reaccionaban ante una canción que, lo más seguro, no estuviera en su marco referencial. Un hombre de mediana edad empezó a bailar. Otra señora sonreía, pero me llamó la atención una mujer de pelo blanco, ojos claros, gafas gruesas y gesto sonriente, que comenzó a llorar. Una terapeuta ocupacional se acercó: — ¿María? ¿Le pasa algo? María Dolores Guerrero, 81 años, así llamada, movió la cabeza y dijo: — Mi hija, mi hija Lola, ¿Dónde está mi hija Lola? Entonces la monitora me miró y dije que si había que sacarla, que no importaba; era lo que habíamos pactado. Pero María Dolores no quería irse. Los demás miraban impávidos y sin hacer el menor gesto, como si la canción no les dijese nada. No – pensé- , no he acertado en esta selección; es un tema demasiado raro me dije. Cuando finalizó, María Dolores, con los ojos
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muy abiertos, exclamó — Esa canción. Miraba la libreta con el detalle de María Dolores llamando a su hija. Cuando Lola llegó a recogerla, pues estábamos en un Aula del Centro de Participación Activa de Sevilla, le pregunté. Al principio no sabía de qué le hablaba, ni le sonaba el título ni el artista ni nada. Ni idea me dijo. — Pues no sé. De verdad, es que “esto” es tan imprevisible. Con esto se refería a la enfermedad, claro. Entonces fui de nuevo al portátil y decidí ponerle la canción. Cuando escuchó este tema, empezó a llorar. No la recordaba con ese título ni al artista, ni tan siquiera la letra, pero el ritmo de la misma la rememoró a su juventud. Era uno de sus temas preferidos durante un tiempo. Pero la había olvidado por completo. Había tenido que ser su madre, quien en un arrebato de recuerdos, la había trasladado a esos años en que veía a su hija salir en busca del chorbo. No me lo podía creer. Los recuerdos. Una chica jovencita, voluntaria desde hacía unas semanas, lloraba a lágrima viva. La trabajadora social del colectivo, de mi edad, me preguntó que porqué había escogido esa canción tan rara. En realidad no supe qué contestarle. Y mira, había dado en el clavo. El tema de Visage siempre me ha parecido enigmático, al igual que esta enfermedad, y por esa correlación decidí elaborar mi primera sesión con una canción como ésta de por medio ¿Acerté? Pues sí, porque levanté recuerdos, y porque la música, sin más preámbulos, sin etiquetas, ayuda a mejorar nuestro día a día. A la siguiente semana me fui a un Centro de Acogida de Mujeres Maltratadas, y les puse Fotonovela de Iván. Pero eso es otra historia.
me trajo hasta aquí
Un experimento de Osantoño Torres
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CONCIERTOS
MONDO SUR
León Benavente Lugar: Sala Industrial Copera (Granada). Fecha: 07.03.20. Público: Lleno
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omo frase premonitoria de lo que se ha venido encima a la industria musical en los últimos días “Vamos a volvernos locos” llegó a Industrial Copera para inducir una catarsis colectiva en la que aún podíamos mezclarnos, sudar y saltar sin miedo. León Benavente tienen esa capacidad, con un show diseñado para no respirar ni dar un respiro al público, la energía nace en el escenario, casi podríamos decir, en el micro de Abraham Boba, y se expande volando alto para caer entre un público que ya estaba saltando en el primer tema. León Benavente han encontrado la fórmula del éxito y tienen la experiencia y la profesionalidad suficientes como para experimentar con sutiles variaciones con las que consiguen que prácticamen-
te todos sus temas sean “un hit”. Hasta el punto de que, en este último disco, han introducido sonidos más urbanos y cadencias más actuales que ya les habían funcionado anteriormente en temas como Ser brigada y vuelven a funcionar perfectamente en este último álbum. Ante un glamuroso escenario de dorado cortinaje, la elegante sobriedad de la banda se contrapone con fuerza, creando un potente espectáculo visual donde luces, contraluces y reflejos, conforman una imagen casi teatral en la que León Benavente brilla con luz propia ante una Copera llena hasta la bola. Desde Cuatro monos, tema con el que abrieron la noche, un público con muchas ganas de baile empezó a saltar al unísono para no parar ya en todo el concierto. Un setlist donde primó la presentación del último disco, pero que no dejó atrás los temas más exitosos de la banda, como Estado provisional, Ánimo
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valiente, Aún no ha salido el sol o Tipo D. En el caso de estos leones sería interminable la lista de hits que no faltaron en su repertorio, ofrecido en algo más de hora y media y que terminó con unos bises donde la exaltación llegó al máximo con los primeros acordes de Ser brigada y siguió subiendo la tensión escénica hasta tocar techo con Gloria, que dejó exhausto a un público que no había parado de saltar durante toda la actuación de León Benavente. Nada difícil, por otro, lado si pensamos en la contagiosa manera de moverse de un Abraham Boba que derrama una apabullante energía a la que es imposible resistirse. Si en su trabajo debut ya se consideró una “superbanda”, ahora el apelativo le viene como anillo al dedo para ilustrar la puesta en escena de uno de los grupos con una carrera más fulgurante en la que todos sus trabajos han cosechado un enorme y unánime éxito
musical. Sin duda, estamos ante uno de los grupos con mejor directo de la escena nacional. Momento estelar, como siempre, el que vivimos con Abraham Boba bajándose del escenario para saltar entre el público. Un gesto siempre bien recibido, especialmente entre unas primeras filas que se fundieron con él como posesos dentro de una danza no apta para cuerdos. Junto a él, con idéntica energía tras sus respectivos instrumentos, Luís Rodríguez, Edu Baos y César Verdú formaban parte de esa locura musical en la que funcionan como un perfecto engranaje y establecen esa comunicación entre ellos que tanto hace disfrutar al público en los conciertos. Nada como ver a una banda pasarlo bien sobre el escenario para pasarlo aún mejor desde abajo dentro de esa bendita locura. —maría villa mayo 2020 #11
BARRECE WHITEFIELD. FOTO: DAVID PÉREZ MARÍN.
Rockin Race Jamboree Lugar: Auditorio de Torremolinos (Málaga). Fecha: 06 al 10.02.20. Público: Lleno
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usto con la ITV recién pasada, nos montamos un año más en nuestro DeLorean y recorremos setenta años de historia para aterrizar de pleno en los efervescentes y elegantes años 50. Torremolinos se retoca el tupé y anuda la corbata de bolo, se pinta un lunar en la cara y los labios del más rojo carmín, con el mar en calma de fondo y el sol como sombrero. Entre el reflejo cromado de Cadillacs, Buicks, Mercurys y Chevrolets de época, pin-ups, cowboys y cowgirls, Marilyns, Elvis y teddy boys venidos de media Europa, se contonean a ritmo de Rock & Roll, abarrotando cada uno de los emplazamientos y actividades paralelas que, de miércoles a domingo, nos han hecho vibrar en esta exitosa 26 edición del Rockin Race Jamboree. Nuestro recorrido particular por este Rockin Race 2020, comienza en el auditorio principal, con Anita O’Night desbordando pasión rockabilly y rompiendo una de las cuerdas de su guitarra en los primeros rasgueos. Acompañada por The Mercury Trio, ponen a prueba los termómetros con Get ready! o My way back home, pasando con la misma clase y garra por piezas hot jazz o el country más genuino. El espíritu de Janis Martin sigue volando sobre nosotros con la legendaria Ro-
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sie Flores electrificando la velada desde que pisa las tablas, erizándonos la piel con sus seis cuerdas y voz rota, rebosante de energía y mil vidas en cada interpretación. Solo por la desgarradora Simple case of the blues que nos brinda a corazón abierto, ya cobra sentido este jueves o cualquier otro. Alcanzamos otra de las cimas reviviendo la inolvidable actuación de The Blaster de la pasada edición, con un Long white Cadillac que Rosie filtra por sus poros, haciendo saltar chispas de su guitarra y con un saxo que la acompaña como una sombra humeante. Pero el momento estelar llega a fuego lento, con un Cryng over you al que se une James Intveld (dueto mágico que se repetirá en el show del autor de la letra el sábado), parando el tiempo y proclamándose la diva texana, tras esas lágrimas inconsolables, como reina indiscutible del festival. De leyenda a leyenda y Doug Kershaw aparece en escena como un tornado de 84 años, con un Diggy Diggy Lo en el que late la esencia de toda la música Cajun. Exprime su violín y se contonea hasta que la energía aguanta, flanqueado a la perfección por una banda de altos quilates, con Deke Dikerson al mando, que, si antes demostró su maestría al contrabajo junto a Rosie Flores, ahora hace lo propio a la guitarra eléctrica. Paul Ansell’s Number Nine impregnan la madrugada de aroma a western, con un repertorio sobresaliente, en el que destaca una Red light en la que nos hubiéramos quedado a vivir una tempo-
rada. El relevo lo toma el gran Robert Gordon que, con su traje, voz grave y dotes actorales, se mete la luna en el bolsillo en cada interpretación. Del The Way I Walk de Jack Scott, al Heart full of soul de los Yardbirds, pasando por las adictivas Lover boy, Sweet Love On My Mind o el coreado I fought the law de los Clash. Antes de ocupar un segundo plano y acompañar a Gordon en cada movimiento desde la retaguardia, Darrel Higham abre el show, liderando un puñado de temas que dejan patente su poderío y magnetismo en vivo, con una Dark Haired Woman como bandera que aún resuena entre las paredes del auditorio. La sorpresa del cartel viene de la mano del trío británico The Jets, con hits atemporales que van del Love makes the world go round, a You ain’t nothin but fine o un Heartbreaker que canta el auditorio al completo, sanando hasta el último corazón roto. Puro rockabilly ochentero plagado de melodías y armonías vocales, con un doo wop a capella de cierre como guinda de una jornada inaugural memorable. Retomamos el festival con chaqueta de lentejuelas roja y con master class de Charlie Rich Jr en su piano de cola, seguido de The Hi-Jivers, encargados de inyectarle nervio y pasión al viernes con cortes afilados como Got me wrong o Always talkin down.
El toque más tradicional, del country al hillbilly, lo pone hoy el combo granjero formado por Dave and Deke Dikerson, justo antes de que el Rockin Race aúlle como nunca con Barrece Whitfield, desgañitándose y sudando soul a cada paso, formando un dream team para el recuerdo con la endemoniada Mambo Jambo Arkestra. Dani Nelo y compañía soplan azufre y hacen que nuestros pies sientan en cada embestida la lava ardiente del mismísimo centro de la tierra, con un elegante Barrence repartiendo dentelladas en la madrugada desde el Bloody Mary inicial, hasta llegar a la locura colectiva final de Caveman, con el aullador de Boston (disfrazado de Pedro Picapiedra) y la Mambo Jambo Arquestra al completo quemando las naves. Los suecos Fatboy, que ya nos dejaron quemaduras en el Rockin Race 2017, vuelven a tocar techo en esta edición, hechizándonos en cada uno de sus paisajes sonoros. De Last train home a una Bad news from pretty red lips que sigue atrapada en nuestra cabeza. Chapamos por hoy con los portugueses TT Syndicate, dándole Café solo a la madrugada y manteniendo la pista de baile al rojo vivo hasta el último suspiro. James Intveld es el claro triunfador de la jornada del sábado, con ese temple y maestría que le caracteriza. De la guitarrera Polk Salad Annie, en la que le saca brillo a su acústica hasta deslumbrarnos, pasando por una Modern Don Juan que desemboca en el galope de la fron-
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MFC Chicken suben las revoluciones del festival a base de garage y rock & roll en vena, con un tributo a los Fabulous Wailers que es un canto rodante en llamas: Del Louie Louie, a Tall cool one, pasando por Rosalie o una Lucille que no deja títere con cabeza. Con aparición de Anita O’Night, echando más gasolina al homenaje de los pollos a la mítica banda de Tacoma.
JAMES INTVELD Y ROSIE FLORES. FOTO: DAVID PÉREZ MARÍN.
teriza Kermit Vale. Aparca su guitarra y, al más puro estilo crooner, termina por ganar la partida con Relentless y la esperada King Cry-baby.
El broche de oro a nuestro Rockin Race Jamboree lo sellan The Country Side of Harmonica Sam, tejiendo historias atemporales con el pulso de la tradición americana, pasando del honky town, al country más campestre, con el steel guitar de Peter Andersson y la garganta prodigiosa de Harmonica Sam en primera línea. A clásicos instantáneos suenan canciones como If that’s the way It’s gotta be, My first broken heart o una Lookout heart que vuelve a demostrar que, aunque un corazón roto nunca se suele curar del todo, la buena música es el mejor bálsamo y viento a favor para saltar de la mano a un nuevo tren en marcha, en busca de la tierra prometida, la pieza del puzzle que complete tu historia o como quieras llamarlo.—david pérez marín
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MONDOSUR
FUEL FANDANGO. FOTO: DAVID PÉREZ MARÍN.
NADA SURF. FOTO: SERGIO MERCADER / C’M0N MURCIA).
Fuel Fandango
Lugar: París 15 (Málaga). Fecha: 21.02.20. Público: Lleno
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Deja que la vida brote / donde menos te lo esperas, deja que se abra camino /y trepe como enredadera. Deja que me lleve el aire / hacia un futuro nuevo, deja que vuelva al origen / y que desaparezca el miedo”. En cuestión de segundos, con tan solo esas dos primeras estrofas de Mi danza lanzadas al aire, tema que abre su flamante y sobresaliente Origen (20), el dúo cordobés/canario, Cristina “Nita” Manjón y Alejandro Acosta (bien flanqueados por dos percusionistas/baterías y un guitarra), encienden la mecha de una parranda explosiva que hará que, durante hora y media, las 3000 personas que abarrotan París 15, pierdan todo miedo, abrazando un jaleo que nos llevará a las raíces y más allá. Fuel Fandango están aquí. Dibujan en cada interpretación un mapa de lunares de neón en el cielo estrellado malagueño, colgando farolillos del techo de la sala y cambiando la luna por una gran bola de espejos en Silencio, otro de los hits inflamables de su nuevo trabajo, con Alex regando una enredadera electrónica que no parará de extenderse, en llamas, por cada rincón de la sala, hasta romper puertas, ventanas y apoderarse de la madrugada. Nina es pura combustión instantánea y, por mucho que nos pida “que alguien me coja la mano, / que alguien me clave en el suelo”, es imposible mantenerla a ras de tierra un solo instante. Vuela y taconea por los cuatro vientos, bailando sin parar, agitando abanicos y fundiéndose entre quejíos con los ritmos africanos, una lluvia de sintetizadores y las omnipresentes percusiones flamencas. Con esa continua pregunta de ¿Hay alguien ahí, ahí? y la tormenta sintetizada aún resonando en muestras cabezas, nos cuentan, emocionados y agradecidos por la gran acogida, que la primera vez que tocaron en Málaga en una pequeña plaza, hace ya más de once años como Fuel Fandango, había menos de diez personas. Cosecha de admiración creciente y respaldo que se han ganado y trabajado como pocos hasta el día de hoy, sembrando semillas con sello propio que ahora son todo un bosque andante que late fuerte y acelera el pulso por allí donde pasa. Tras su EP debut de 2009 y posterior álbum homónimo de 2010, han
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ido tejiendo un mantón musical a base de funk, flamenco y copla, añadiendo capas extras de soul y rock en Trece lunas (2013), y tocando techo electrónico, disco y house en Aurora (2014). Siempre con pasión, respeto por la tradición y una frescura que no entiende de lastres ni cadenas. Y ahora tocaba seguir blandiendo las alas y cruzar, como canta la también cordobesa María José Llergo (¿futura colaboración?), “esas aguas de ultramar que mecen y ahogan miles de sueños”, para buscar en la madre África las raíces y “Origen” que siempre palpitó en su música y en este nuevo trabajo se desborda por cada pista. Pero antes de seguir Por la vereda y con un Despacio que hace temblar los cimientos de la sala, nos conectan tres clásicos imprescindibles de su cancionero, Medina, Trece lunas y La primavera, desatando la locura y un florecer de neones que invita a que el fin del mundo nos pille bailando. Con La grieta prosigue el deshielo y encontramos cierta calma sanadora, con Nita cantando a la indiferencia que te puede hacer más fuerte, creando en cada verso una libertad inmarchitable, para, sin pausa, hacer que “florezcan rosas” entre “agua y fuego, arena y viento”, descubriendo senderos y “palpando la vida” en Estamos solos. La recta final es un levitar continuo que pone al miedo Contra la pared una y otra vez, con la banda fundiéndose y la cordobesa (casi en trance) bailando los ritmos tribales que Alex remata al bajo, para terminar de arañarnos por dentro con su voz desnuda, traspasando “montañas, la lluvia y el sol” en una Nature que nos ciega en una nueva explosión electrónica. Los fuegos artificiales, sin parpadeo posible, alcanzan su máximo esplendor con cientos de caballos en la niebla galopando sobre nosotros en Salvaje, seguida de la compañera de surcos Toda la vida, con miles de gargantas cantando ese mismo sueño compartido. Cogemos aire y Nita nos estruja el pecho interpretando, a corazón abierto, una Despertaré de belleza deslumbrante, inundando cada palmo de la sala con sus cuerdas vocales y “anudando claveles entre nuestros huesos”, para terminar este canto al amor y la naturaleza, girando sobre sí misma y provocando un Huracán de flores que acaba con todo atisbo de pena o preocupación que flotara en el horizonte. —david pérez marín
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Nada Surf Lugar: REM (Murcia). Fecha: 05.03.20. Público: Lleno
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tra vez Nada Surf en Murcia, no sé cuántas irán ya. Esta, jueves de marzo y en sala. Pues, venga. Su fórmula está más que vista, pero funciona. Además, venían a presentar el estupendo Never Not Together (City Slang / Ernie Records, 2020). No llega a las cotas de excelencia de sus tres primeros discos pero, sin duda, es el mejor de la banda en la última década. Hablamos en la puerta un rato con amigos antes de entrar. Al lado, hay dos chicos que seguramente rocen la treintena: uno con camiseta de Sonic Youth y el otro con sudadera GAP. “Estos son indies de verdad, no los Vetusta o los Izal esos que escuchas tú”, le dice el primero al segundo. Y razón no le faltaba. Aunque ahora ya nadie sabe lo que es realmente el indie, desde que en ese garaje dejaron entrar a coches trucados. Olvidemos aquella mítica era de los 90, que empieza el concierto. Y lo hace con So Much Love; nuevo hit y ejemplo perfecto de lo que es la banda neoyorkina: euforia, constancia, luminosidad, emoción… y, sobre todo, melodía. Algo de lo que van sobradas otras clásicas que fueron cayendo después: Hi-Speed Soul, Killian’s Red, Inside Of Love, Hyperspace… Todo esto, intercalando novedades como Live Learn and Forget, Something I Should Do (de ecos post punk), Looking For You o Just Wait (con John Vanderslice, quien hizo de telonero). Un set preparado para llegar en todo lo alto a los bises, con la edulcorada Always Love, la macarra Blankest Year y la mejor canción que han hecho en su carrera: Blizzard of 77 (guitarra y voz de Matthew Caws, más coros de Daniel Lorca, todo sin amplificar). Saliendo, se cruzan los dos amigos del principio y el más entendido dice: “No han tocado “Popular”, tío”. A lo que el otro responde: “¿Ah, no?”. También se olvidaron de la nueva y excelente Ride In The Unknow, pero seguramente sea poco indie para echarla de menos. —víctor martínez
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