MONDOSONORO SUR JULIO 2020

MONDO

DELAOSSA & ESASY-S.FOTO: JESÚS MARTÍNEZ

JULIO 2020 Nº284 mondosonoro.com

Verano

SUR

en la placita El verano de 2020 habrá que vivirlo día a día. Sin grandes planes. En ese espacio reducido pero universal que Easy-S y Delaossa describen en La Placita. Con ese acontecer que Jota de Los Planetas relató en Un buen día. Veinte años separan estos dos himnos generacionales, conectados por la crónica de un tiempo detenido.

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istanciamiento social. Lo que en otro tiempo sonaba a desequilibrio, ahora marca la nueva normalidad y dibuja un verano de diario, con muchas páginas en blanco que rellenar.

Con todos los festivales aplazados, la programación musical se ha refugiado también en la distancia corta.

Habrá música aunque nos se pueda bailar. Habrá conciertos, con un calendario de ciclos por toda nuestra geografía y algunos muy sugerentes. ¿Quién no tenía ganas de disfrutar de la música sin el bullicio festivalero?.

Pues toma. En Granada se celebran Conciertos en La Cuarta Fase del 3 de julio al 8 de agosto. En Almería el Cooltural Go mantendrá el alma del festival con conciertos en lugares singulares de la ciudad durante todo el verano. También el ciclo Alhauthor de Málaga busca singu-

laridad en el formato. En el Puerto de Santa María, Soko convierte una gran terraza de verano en un escenario todo el verano. En Murcia Las Noches del Malecón se reinventan, qué palabra, y el Batel de Cartagena acoge las Xtraordinarys Nights. Parece que hay oferta para las noches, el día lo tendremos que planear nosotros, y eso es un reto apasionante para todos los que ya llevamos años con un verano organizado de sol a sol. Sí, diríamos que 20 años con un plan estival fijo, esas dos décadas que separan la generación que apuntaba en su diario la secuencia de Un buen día de Los Planetas y la que comparte en las redes una jornada en La Placita con Delaossa y Easy-S. Aprovechamos para poner ambos temas sobre el papel y descubrir que cualquier tiempo pasado no fue mejor. (Sigue en la página 7)

MONDOSUR

Granada entra en la Cuarta Fase ANTONIO ARIAS Y FERNANDO ALFARO

Cooltural Go salva el verano en Almería RR El Auditorio de Batel de Cartagena acoge todo el verano las Xtraordinary Nights. Será en la Terraza de la Muralla y entre una programación larga y variada queremos destacar los programas dobles que formarán AA Mama y Nunatak, Río Viré y El Niño de la Hipoteca, Road Ramos y Karmacadabra, Ayoho y Arde Bogotá, Fernando Rubio & The Inner Demons y Los Marañones o María de Juan y Mavica.

RR Para muchos este verano toca sobrevivir en tu ciudad.

El ciclo Alive (Viva la vida) se ocupará de reanimar la música en vivo en Granada (Palacio de Congresos), Sevilla (CAAC) y San Fernando (Bahía) con una nómina de artistas que copa toda la escena nacional. Miss Caffeina, Iseo, Amaral, Viva Suecia, El Kanka, Carolina Durante, Delaossa...

RR Las Noches del Malecón, el ciclo de conciertos que nació el pasado verano en Murcia, celebra durante el mes de julio una nueva edición en la que se reinventa y adapta a las circunstancias actuales Serán eventos con aforo reducido y limitado, creando un ambiente íntimo, cercano y seguro entre los artistas y el público. M-Clan, Carlos Sadness, Maldita Nerea, Coque Malla, Carolina Durante, Viva Suecia, Second o El Kanka serán algunos de los artistas que actuarán ,junto al Paseo y Jardín del Malecón.

#2 julio 2020

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ooltural Go! la vacuna del Cooltural Fest contra la crisis cultural y sanitaria, tomará el casco antiguo y las plazas de Almería capital durante los tres meses de verano con los conciertos de Amaral, Carolina Durante, 091, Viva Suecia, Rayden, Compro Oro o Coque Malla entre más de treinta propuestas.

El Cooltural se ha caracterizado por dinamizar la música en directo en Almería. El aplazamiento de su tercera edición no va a dejar a los coolters sin disfrutar de su cartel este verano y así nace Cooltural Go. Un ciclo que invita a seguir adelante pese a la situación creada por el Covid19. La organización del Cooltural Fest junto con el auspicio del Ayuntamiento de Almería presentaron este ciclo de conciertos que se extenderá del 17 de julio al 12 de septiembre y que acontecerá en lugares singulares de la ciudad. Precisamente la presentación de este Cooltural Go se celebró en uno de estos espacios, La Muralla Jairan en el parque de la Hoya. El histórico conjunto arqueológico forma parte del proyecto de remodelación y activación del casco antiguo y será allí donde, el sábado 15 de agosto una de las formaciones de cabecera de la escena almeriense, Compro Oro, estrenarán el espacio junto a los madrileños Carolina Durante.

Pero este no será el punto de partida del Cooltural Go, ya que las actuaciones abarcarán diversos lugares de la zona centro de la capital, siendo la inauguración oficial el viernes 17 de julio con Kingdom y Miss Caffeina en la plaza Vieja. En esa misma plaza se producirán también varios encuentros para los más pequeños bajo el emblema Cooltural Kids, una iniciativa ma ya habitual en cualquier festival nacional y sin duda, recibida con entusiasmo por cualquier familia amante de la música con niños.

Las ya célebres rutas gastromusicales de las anteriores ediciones, repartirán durante los meses de Julio y Agosto por las céntricas plazas de San Pedro, Manuel Pérez García o Pablo Cazard, los conciertos de María de Juan, La Trinidad o Fizzy Soup entre otras formaciones.

Viva Suecia, Coque Malla, 091 o Amaral serán probablemente las citas más populares entre el respetable y, por ende, donde mas prisa habrá que darse para adquirir localidades. Y es que, será aquí donde los asistentes deberán ser ávidos con sus entradas y reservas, ya que las medidas excepcionales de esta malnacida nueva normalidad parece que han traído algo bueno. Nos ha obligado a ser personas más respetuosas, comprensivas y previsoras con todo, pero es que la música en directo se merece eso y más.

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a están en marcha los Conciertos en La Cuarta Fase o lo que es lo mismo, el primer ciclo de conciertos en Granada tras el parón del Covid19. Hasta el 8 de agosto pasarán por la Plaza de las Tres Culturas de CajaGranada Marlango, Arizona Baby, La Bien Querida, Josele Santiago, Neuman, Fernando Alfaro con Antonio Arias, Arco, Sr Chinarro, Fon Román y Cecilia Krull.

La promotora Wild Punk en colaboración con Bankia y la Fundación CajaGranada impulsan este ciclo en apoyo a la música en directo y en aras de esa nueva normalidad viable para un sector precisamente en banca rota. El aforo y el formato será reducido para cumplir con las medidas de seguridad sanitaria siguiendo la “guía de buenas prácticas para el reinicio de la actividad escénica y musical” publicada por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM).

Según esto, el formato de casi todos los conciertos será electro acústico lo que dará también singularidad al repertorio de los grupos.

Un terreno que dominan muy bien artistas como Marlango y sobre todo Arizona Baby que se encargaron de abrir el ciclo el 3 y 4 de julio respectivamente. Luego llegarán encuentros en la cuarta fase interesantes como el de Josele Santiago y David Krahe o esa causa abierta que han venido a llamar El Pueblo contra Antonio Arias y Fernando Alfaro. Otro que tiene proceso abierto es Sr Chinarro, que presenta nuevo disco al igual que Neuman que ya ha avanzado su primer single. Artistas que le pilló el estado de alarma en estado de gracia y que ahora buscan volver a la normalidad en un ciclo que también contará con Cecilia Krull, La Bien Querida, Fon Roman y Arco que pondrá el cierre el 8 de agosto.

CICLO ALHAUTHOR

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n Málaga, concretamente en Alhaurín de la Torre, han apostado por la música con sello y marca de autor para ese formato reducido en cuerpo y alma que manda la norma. Carmen Boza, Anni B Sweet, El Kanka, Rayden, Arco, Rufus T. Firefly, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Mr. Kilombo pasarán del 25 de julio al 11 de septiembre por la Finca El Portón en lo que han venido a llamar un festival boutique . La reinvención no tiene límites. Allí estaremos.

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ANNI B SWEET

RR Mala Rodríguez, Juanito Makandé, El Canijo de Jerez, Fuel Fandango, Camela, SFDK, Juan Magán, Henry Méndez, Antílopez, Guitarricadelafuente, Maikel Delacalle, Lérica, Lennis Rodríguez y Locodice son solo algunos de los destacados artistas que pasarán por el escenario de SOKO Puerto Santa María, una terraza de verano convertida en el espacio de ocio seguro más grande de Andalucía.

LA TRINIDAD. FOTO: SERGIO ALBERT

VERANO.

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#4 julio 2020

FAUSTO TARANTO. FOTO: ARCHIVO.

ESCAPARATE

MONDO SUR

Fausto Taranto

Llegó al estudio y en una toma grabó y consiguió que una idea que yo tenía se convirtiese en puro arte.

“Nunca hemos tenido un líder” Algo de visionario tiene el título del último trabajo de Fausto Taranto, La Reina de las Fatigas. Pocos días antes de una pandemia mundial vio la luz y dejó a todos sus seguidores con ganas de una gira que esperemos que pronto puedan llevar a estos granadinos por todo el territorio nacional. Con unos pilares firmes ahora aprietan niveles de sensibilidad y maestría compositiva. Una combinación que hace que nunca flamenco y metal hayan fluido de una manera tan natural Tras vuestro segundo disco y la marcha de Paco Luque muchos os dieron por muertos ¿Cómo vivisteis esta situación?

Sinceramente nos parecía algo normal, en los grupos siempre hay “cabezas” más visibles que otras. Paco, al pertenecer a Hora Zulú, pues podía parecer el que manejaba el timón del barco, pero Fausto Taranto nunca ha tenido un líder. Teníamos clara la idea de la música que queríamos hacer desde un principio y la marcha de Paco no nos ha supuesto ningún tipo de problema a la hora de crear La Reina de las Fatigas.

Te diría que incluso ha sido el disco más natural en cuanto a creación, ya que la banda después de cinco años sabe perfectamente cómo y a que sonar.

Sin embargo, descubrimos un grupo, que, dentro de una línea, presenta vertientes más metaleras y más flamencas a la vez ¿Ha sido algo intencionado o el periodo compositivo os llevo por esos campos?

Como te comentaba antes, es el disco más natural en cuanto a composición, si es cierto que Quini Valdivia ha tomado más

peso en las composiciones y él sí es un entendido del metal, sobretodo el metal que apareció con el nuevo milenio. Y en cuanto a las partes más flamencas si ha sido un poco cosa mía indagar un poco más en el género y hacer que haya momentos más “puros” que en trabajos anteriores.

De hecho hay toques puros y cantes puros donde Lolo de la Encarna y Tomás García destacan ¿Cómo se os ocurre dar esos espacios al flamenco ortodoxo?

Lolo lleva años tocando en directo con nosotros pero nunca habíamos grabado con él. Ha sido una pasada, lo coge todo al vuelo y tiene una información del flamenco que nosotros no abarcamos. Las dos piezas instrumentales son de su autoría y nos las ha regalado para este disco, haciendo que el álbum tenga más matices y respire un poco entre tanta caña.

En cuanto a Tomás García, lo conocí en un homenaje cuando él tendría 17 años. Me comentó que me conocía y que le gustaba la banda. Al rato se subió a cantar y me dejo impresionado. Me enamoré de su voz y le dije que lo iba a meter en un disco mío.

Mucha gente piensa en vosotros como en una ramificación del rock andaluz, sin embargo en este grupo la frescura de influencias metálicas más actuales juegan casi al 50% con ese legado. ¿Habéis escuchado bandas nuevas en estos tiempos?

Se nos etiqueta como Rock Andaluz por que a la gente le recuerda a ello, pero nosotros huimos de esa vertiente. Nosotros hacemos Metal/Andaluz, porque sinceramente no veo ningún parecido musical con ese género que no sea la voz aflamencada. Sinceramente somos los únicos que hemos mezclado el metal más contundente con el flamenco más de raíz y sin que suene forzado. En cuanto a las bandas nuevas hemos escuchado muchas pero no creo que sean el motivo de nuestra influencia más metalera.

Sin embargo, saber que la gente reconoce vuestro sonido con tres discos en la calle ¿es sentir gran parte del trabajo hecho?

Hay mucho trabajo todavía por hacer y por demostrar, pero es cierto que el grupo tiene identidad propia y con poco que escuches ya sabes quienes somos. Es un honor poder tener una personalidad tan propia y definida como la nuestra.

Volviendo a los tiempos que vivimos, vuestro disco trajo una pandemia debajo del brazo ¿Cómo la habéis vivido? ¿Cómo va la gira pospuesta?

El disco salió a la calle el 6 de marzo. El estado de alarma empezó el

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Más allá de lo musical, todo el artwork del disco luce muy elaborado. ¿Podemos decir que habéis cuidado a la criatura hasta en esos aspectos?

Podemos decir que tenemos grandes amigos artistas y hemos abusado de ellos, Javier Sutil es un diseñador e ilustrador con el que alucinamos y en una noche “toledana” coincidimos con él y lo engañamos para que trabajase con nosotros. Si es cierto que hemos cuidado todos los aspectos en este trabajo pero en cuanto al artwork hemos influido muy poco en la idea de Javier, alguna idea y poco más.

Los temas de siempre pero creo que mucho más poéticos en ciertas canciones ¿Siempre se pueden decir las cosas de otra manera?

Es el disco en el que más temáticas abordo. Hablo de desamor y crítica social como en trabajos anteriores, pero también he tenido espacio para reflexionar sobre el miedo a algo que se hace por primera vez, de los mentirosos y falsos, del uso de las redes sociales, de la sociedad y como se mueve en rebaño, e incluso de la industria musical. En este disco hay mucho disparo envenenado camuflado poéticamente. Pero el lenguaje creo que es el de siempre. —rojas arquelladas

JAVI TEJERO. FOTO: JAVIER MARTÍN RUIZ.

día 14 y nuestra gira arrancaba el día 20. La hemos aplazado a octubre, pero no queremos anunciar nada ya que no sabemos si va a haber rebrote, ni sabemos las condiciones en las que se podrá tocar para esa fecha. Por otra parte el disco se colocó la semana de su salida en el puesto 24 de los discos más vendidos a nivel nacional y durante toda la pandemia se mantuvo ahí, ya que no se podía ir a tiendas ni hacer demasiadas compras. En estos meses también hemos fichado por un sello de Madrid que ha confiado plenamente en nosotros aun estando en una pandemia mundial y eso demuestra su interés en la banda. Haciendo balance, no nos ha venido muy bien la pandemia en cuanto a la gira pero también nos ha traído cosas buenas.

JAVI TEJERO Viene de: Granada Publica: Pontiac-Sprinfield (JT Records) En la onda: Lapido, Bob Dylan, Roy Orbison…

RR Javi Tejero ha sido padre y ha parido un disco durante la crisis sanitaria.

Doble alegría en tiempos inciertos. El granadino propone un baño de poesía eléctrica ante la amenaza de brotes virales. Y una carretera secundaria para perderse en días de aislamiento. Porque Pontiac-Sprinfield, su tercer álbum, es un viaje musical y emocional por aquella ruta americana que narró Kerouac. Aquí se postula como un Willie Nile de la Vega nazarí. O un discípulo aplicado de Dylan y José Ignacio Lapido.

“El disco llegó justo antes del confinamiento y además un día después de que viniera mi hija al mundo. Sí, es un viaje en todos los ámbitos, parte del cual está basado en un viaje que hice por Estados

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Unidos el verano anterior. Partiendo de Chicago, fui bajando el curso del Mississippi, recorriendo sitios tan musicales como San Luis, Nashville, Memphis o Nueva Orleans. Como cualquier obra, va adquiriendo nuevos significados con el tiempo, y en estas circunstancias se inunda de nostalgia y anhelo”, detalla el músico.

La Extraña ciudad que describe Tejero en el single podría ser Granada o tal vez un punto imaginario de su particular Ruta 66: “Hay una calle concreta donde empecé a elaborar la letra mientras esperaba en mi coche, pero lo cierto es que no habla de ningún sitio concreto. Habla más bien de la sociedad, del egoísmo que veo muchas veces, de las actitudes

sin sentido, de mis impresiones como individuo respecto al colectivo”.

Se produce un alumbramiento de rock fronterizo de hechuras importantes en canciones como Pontiac-Springfield o la trotona Only road. “Puede ser también un desmarque respecto al corsé de cantautor que me han colgado siempre, aunque tampoco es que me molestara demasiado. Mis referencias son bien conocidas y se van enriqueciendo. Pero, en definitiva, yo lo veo como un elemento que he añadido a mi discurso porque me ha gustado y me he sentido identificado. La vida es muy corta como para no hacer la música que te dé la gana”, remata, orgulloso de sus criaturas.

—eduardo tébar

julio 2020 #5

a todos y al mismo tiempo.

Lo más curioso es que el disco lo llamamos Nosotros por la novela distópica de Evgueni Zamiatin. Nos gustaba el concepto del individuo que, dentro de la masa y la globalidad que le rodea, sigue siendo especial y puede hacer cosas especiales. La fecha de salida era el 20 de marzo de 2020 y estaba fijada muchos meses antes.

Y de pronto, se declara el estado de alarma unos días antes... La realidad superó la ficción.

La distopía es una fuente de inspiración habitual en la electrónica.

Tenéis ejemplos a mano: Los Pilotos, Omega dB… Está claro que el tema de las distopías tiene una fuerte atracción en muchos artistas. De una forma simbólica, en ellas puedes identificar muchos aspectos de la vida en la que nos movemos y eso siempre es interesante.

Matsu “Es posible que nuestra electrónica funcione mejor en otros países” Matsu debutan con Nosotros (WeAreWolves, 2020), un epé exquisito al que ellos otorgan consideración de primer álbum. Lejos ya de lo que alguna vez fueron cimbrones provocados por Pixies o Red House Painters, aquí las pistas dibujan un fresco magmático, con ecos de Boards of Canada, Nils Frahm, Rival Consoles, Kiasmos o Pantha Du Prince.

Viniendo de una generación educada en los contornos del rock alternativo, ¿cuánto tiene esta reinvención por la vía de la electrónica de transición dulce o de inopinada salida de armario?

Ciertamente hemos sido una generación muy apegada al rock alternativo y seguimos disfrutando con él, pero paralelamente también hemos escuchado música electrónica de forma más o menos continuada. En los últimos años, esa balanza ha cambiado su inclinación y prácticamente la mayor parte de la música que escuchamos es música contemporánea y electrónica. Hay un momento en que dejamos de coquetear con la electrónica y decidimos sumergirnos por completo en ella.

Al tratarse de un proyecto bicéfalo, ¿cómo unificáis criterios tras esas veladas de experimentación en casa, a fuego lento?

La realidad es que ambos hemos encontrado en la electrónica un lenguaje común. Hay pequeñas diferencias en la forma que tenemos cada uno de usar este lenguaje, pero no hacen más que enriquecer el proyecto. Hay una compenetra-

#6 julio 2020

ción entre nosotros casi perfecta durante el proceso compositivo.

Curiosamente, hay temas del disco en los que no podríamos decir quién hizo una cosa y quién hizo la otra.

El proceso compositivo suele partir de una idea sencilla que vamos desarrollando poco a poco de manera individual. Cuando esa idea toma algo de cuerpo, pasa a las manos del otro, que la recoge con nuevos oídos y la vuelve a trabajar. Casi siempre llega un momento en que sentimos la necesidad de analizarla juntos. A veces, el proceso es largo y requiere de muchas idas y venidas. Otras veces, en cambio, las ideas encuentran su lugar rápidamente. ¿Preserváis cierta intuición pop al componer?

Un amigo nos decía que la electrónica es el nuevo pop, y es cierto que nosotros, a la hora de componer, tendemos instintivamente a estructurar los temas de una forma un tanto pop, con sus estrofas y estribillos pero, a medida que el trabajo adquiere entidad, estas estructuras se van diluyendo. No sentimos la necesidad o dependencia de hacerlo así, pero nos ocurre en ocasiones.

¿Beat o melodía?

Aunque trabajamos mucho las percusiones y le damos una gran importancia, siempre es la melodía el hilo argumental de nuestra música.

Vuestro ambient busca en ocasiones una suerte de baile introspectivo.

Es totalmente así. Trabajamos las atmósferas y buscamos crear en algunos momentos una especie de ensoñación, pero casi siempre llega el punto en el que aparece un ritmo que te lleva a ese baile introspecivo.

Reproducir ese ciclo sueño-vigilia en la misma canción nos encanta.

El hecho de que una cara termine en Yo y la otra Nosotros resulta significativo.

Sí. La primera cara del vinilo termina con Yo, que seguramente sea la canción más bailable del disco. Tiene como un rayo de luz en su conjunto. La otra cara termina con Nosotros, que es una canción más oscura y con unos ritmos más tribales. A pesar de estas diferencias, ambas canciones se conectan porque tienen una melodía reconocible en la segunda parte de la canción, algo así como un riff, y además esa melodía está grabada con el mismo sintetizador y un sonido similar.

En cualquier caso, este trabajo aparece en un contexto distópico. O tozudamente real: esto nos ocurre

A pesar de venir de Granada, y por tanto de coexistir en una escena, ¿consideráis que esta música es más de nicho en el circuito internacional?

Seguramente. Nosotros encontramos más referentes en el circuito internacional y es posible que nuestra música pueda funcionar mejor en otros países. En algunas zonas de España, como Barcelona, la electrónica ha evolucionado de formas muy interesantes y hay una escena muy activa.

Debutáis en el sello sevillano de I am Dive.

Esteban y José son absolutamente encantadores. Admiramos a I Am Dive en muchos sentidos: desde la música que hacen hasta la forma que han tenido de enfocar su carrera y cómo se han proyectado fuera de España.

Matsu aún permanece en fase de cobaya en laboratorio. ¿Mutará entre la concienzuda labor de grabación y la incontrolable experiencia en directo?

Llevamos unos meses trabajando en el directo de Matsu. Nuestro objetivo es movernos con cierta libertad de improvisación, pero siendo fieles a las estructuras del disco. La idea es que el directo complete la experiencia iniciada con la escucha del disco tanto a nivel sonoro como visual. ¿Habrá disco de remezclas?

Sí. De hecho, hay disco de remezclas y está ya masterizado. En él participan algunos músicos que admiramos de la escena electrónica nacional. Ahora mismo estamos planteando posibles fechas para su salida y posibles formatos. Queremos poner en valor el disco de remixes porque creemos que merece la pena y completa el universo sonoro que comienza con Nosotros.

—eduardo tébar

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Un buen día en la placita Un artículo de Osantoño Torres

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ay dos himnos generacionales que ayudarán a entender el verano que se nos viene encima; hablamos de Un buen día (2000) de Los Planetas y La placita (2019) de Delaossa. Ya lo dijo Michi Panero: «En esta vida se puede ser de todo menos un coñazo». Este verano que entra, mascarilla mediante, será de las pandillas, quedar con la chorbi a tal hora y en echar la tarde atrás sentados sobre el banco o alrededor del arriate en cualquier plazoleta. En el hit de planetario lo refería así: Había quedado de nuevo a las diez Y he bajado en la moto Hacia los bares de siempre Donde quedaba contigo Y no hacía nada de frío Porque el tiempo meteorológico aquel buen día más recuerda un septiembre cálido, que un julio tórrido.

Sin embargo, DelaOssa tiene es de ir casi sin ropa. A poco que lo animemos este se nos viene arriba y sale a la calle en cuerichis regurgitando con mucho flow: Pero sigo en el barrio, en la placita Bajo temprano con mi prenda favorita.

Porque un verano sin colegas es como un árbol sin raíces. Y hay colegas, y luego EL COLEGA en mayúsculas. Para Delaossa;el Dani, un fiera…

Eh, yo, Dani, Esto es por to’ los años que pasamo’ junto’ Por toa’ las noches que volvímo’ a casa dando tumbo’ Por toa’ las tardes de hospital y momentos chungos ¿Se queda Jota atrás? Ni lo pienses. Ahí está el Jiménez que lo acompaña en eso de ponerse fino filipino.

He estado con Erik hasta las seis Y nos hemos metido Cuatro millones de rayas Claro que las dos décadas que llevan de uno a otro track no cambia mucho en el modus divertimenti social. Dice La Placita: Ya no nos colamo’ en el festi, ah Ahora ya no hay Sherrington, hay Hendrix, ah Ahora hay fat booties, not skinny En el show y en el dealing, ‘tamos caros como Patek Philips.

Empecemos por donde comienza cualquier día, o mejor dicho; Un buen día. Te levantas asobinao, miras al techo. La modorra del verano es muy mala y, encima, no tienes el cuerpo para jotas.

Sí, ya, algunos palabros son para echar mano al diccionario Español-Urbano, pero aún no está a la venta.

El Jota lo hace de otro modo;

Me he despertado casi a las diez Y me he quedado en la cama Más de tres cuartos de hora Y ha merecido la pena,

Luego han venido estos por aquí Y nos hemos bajado A tomarnos unas cañas Y me he reído con ellos

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Después de la tormenta siempre llega la calma. Y si uno se lanza a releer las aventuras del personaje Marvelita, el otro pasa la tarde como todo buen millenials la echa atrás. A saber; Cuando tú estabas comiendo palomitas viendo la peli Yo estaba en el barrio aprendiendo a rapear con mis trennies Y ahora te lo pongo bien high.

Peñas, grupis, cuadrilla, basca, banda… pandi a fin de cuentas, que es lo que siempre queda del verano. Antes estaba la motito para moverte de aquí en allí…

Había quedado de nuevo a las diez Y he bajado en la moto Hacia los bares de siempre …aunque las motos ya sólo las usan los del Glovo.

Para los millenials todo es más grande; hasta el desplazamiento. Porque no se chulea lo mismo en un Vespino que en un carro de esos con columnacas guachis de dejar patitiese ar Cabesa, que es el que siempre tiene el buga más penco.

Quiero un Ferrari, dentro fumar resina Luego venderlo porque no hay gasolina Y rapear hasta que me muera en la ruina En fin, espero que este ejercicio de traslación musical os sirva para escuchar uno y otrot track. Las comparaciones son odiosas, lo sé. Pero como decía el poeta inglés Edwar Thomas; el pasado es la única cosa muerta cuyo aroma es dulce. Y bien cierto que es. ¿Nos vemos en la Placita? ¿O leemos Spiderman? julio 2020 #7

Orgullo y prejuicio Un reportaje de Pablo Tocino

A propósito de la tan traída nueva normalidad. Y que este año la fiesta del Día del Orgullo no sale a la calle. Entramos nosotros en ese proceso normalizador que en el mundo de la música sigue teniendo sus luces y sus sombras. Las siglas LGBT a menudo se identifican como una tendencia, estilo o cuota. Nuestro colaborador Pablo Tocino, recaba la opinión de un grupo de artistas de nuestra escena y descubrimos que en sus canciones hay orgullo pero alrededor de ellas también mucho prejuicio.

“

Lo que me interesa es su música, no tengo por qué saber con quién se acuesta”. Oímos esa frase cada vez que un artista sale del armario, como si decir que no eres hetero (en una sociedad que presupone que lo eres) fuese hacer ostentación, como si por decir eso les estuvieses contando detalladamente lo que haces en la cama. La verdad es que me recuerda a ese momento de ‘Los Simpsons’ en que las strippers le restriegan el culo a Smithers mientras éste se tapa los ojos, y me haría hasta gracia si no fuese porque es tremendamente hipócrita: cuando el artista es hetero y habla de sus parejas (o de sus polvos), mágicamente nadie está haciendo ostentación de nada. Me haría hasta gracia si no se “recomendase” todavía a los artistas a fingir que son heterosexuales. Porque esto ocurre. El panorama es tal que no te salvas ni aunque apenas te signifiques políticamente: el propio Pablo Alborán ha sido el punching-ball de la ultraderecha la última semana. Ante esto, es comprensible que muchos artistas tengan miedo y prefieran mantener en privado su sexoafectividad (no solo sexualidad, que a los de “no nos metemos en la cama de nadie” les encanta usar esa trampa). Pero cada vez más artistas musicales deciden no ocultarse y usar su altavoz para luchar... y aquí entran distintos debates y distintas maneras de hacerlo: hay quien apuesta por una vía más explícitamente reivindicativa, y hay quien apuesta por normalizar. He querido saber la visión de distintos artistas musicales de nuestro país, y las respuestas son de lo más variadas. “Aunque mis letras no hablen sobre mi identidad de género, el que se permita estar en ciertos sitios, relacionarme con cierta gente del mainstream, sonar en la radio, etc, ya es reivindicación”, me dice Jedet, que a sus canciones ha sumado hace poco la publicación de su libro Efecto mariposa. Un planteamiento parecido tiene María Escarmiento: “al tener un espacio para expresarme como persona no-heterosexual, ya la historia que vaya a contar me reivindica, solo por tener ese espacio para representarme”.

Samantha Hudson, que a finales de marzo el estre#8 julio 2020

nó el videoclip de Hazme el favor (vente conmigo a bailar), nos cuenta que su forma de reivindicar en las canciones ha cambiado porque ella misma ha cambiado: “en Soy maricón era una adolescente enfadada que estaba comprendiendo cómo funcionaba la sociedad, estaba en plan cuántas cosas estoy aprendiendo: ah, ¡así funciona el racismo! Pues tengo que hacer un post. Y es como cuando hacías un collar de macarrones y se lo enseñabas a tu madre muy contenta. Ahora, aunque sigo hablando de ciertos temas, es cierto que a nivel de música soy más hedonista, de bailar, de placer... si toda tu vida gira en torno al mismo tema, te acabas volviendo loca”. Con ella hablamos también de si el público mainstream infravalora a una artista a raíz del drag: “seguramente, pero también te digo, ¿para qué quiero yo que me escuchen hombres cis heteros que se van a verbenas a saltar con la cerveza en la mano?

Qué necesidad. No, no. A mí me gusta mi público de señoritas elegantes y cortesanas, súper guapas y súper educadas (rie) Ese es mi público y eso es a lo que yo aspiro. Además yo estoy contentísima en el underground. Mientras no sea el underground de estar muerta de hambre, claro.”

“Yo soy yo, entonces en mis canciones soy como soy en mi vida diaria. Tú eres un artista y luego hablarás de lo que quieras de tu vida, si quiero decir que me como una polla, pues lo digo, porque es como mi vida, ¿sabes lo que te digo? Como el que dice que le encantan los culos de las tías”, me contaba Pablo Cobo (Chico Blanco) cuando le entrevisté hace poco a raíz de la publicación del excelente Gominola.

Pablo denunciaba además el reduccionismo y la forma en que se intenta sacar tajada de todo esto: “titulares tipo el nuevo artista LGBT, me tocan un poco la polla, porque parece que reduces el arte a si esa persona es LGBT o no. Y también hay muchas ganas en los medios de ponerlo como “cool”, como si fuese una moda, y de coger a tíos que no son siquiera LGBT y poner las nuevas masculinidades... como si estuviese de moda serlo-pero-no-serlo”. Lo cierto es

“ Yo soy yo, entonces en mis canciones soy como en mi vida diaria. Tú eres un artista y luego hablará de lo que quieras de tu vida. Titulares del tipo: Nuevo artista LGBT, me tocan un poco la polla”.

Pablo Cobo (Chico Blanco). que, como dice Pablo, esto no es ninguna “moda”, y quien venga con esa idea igual sale un poco trasquilado: “no sé hasta qué punto vende; una vez que lo dices, te cierras otros mercados”, me contaba Álvaro Romero (RomeroMartín), “yo, al hacer este proyecto, sabía que me estaba cerrando muchas puertas, pero necesitaba hacerlo por mí, por sacar mi mierda”.

“En mi caso, no se puede decir que produzca de una manera porque me gusten los tíos sino por la música que he escuchado, pero es que esa música es lo que se entendía como música para maricones de principios de década: Gaga, Kesha, Rihanna, Christina, etc”, me dice Alberto Asencio (Eurosanto), “y mi forma de reivindicarlo es apropiándome de ese sonido: fue creado por señores heteros pero quienes lo consumimos fuimos nosotros, y ahora lo estamos reproduciendo en nuestros proyectos musicales”. Eurosanto, que sacó hace poco Cyberpet junto a Rakky Ripper y Putochinomaricón, tiene para repartir también cuando hablamos de esos artistas que se ven obligados a un armario para no perder una fanbase femenina (“igual es hasta positivo que “pierdas” a esos fans, porque no lo son: son gente homófoba que te seguían porque fantaseaban sexualmente contigo”), y apuntando también a la responsabilidad del propio colectivo: “tiramos más hacia chicas heteros que hacen pop electrónico. Hay muchos artistas gays que hacen eso pero se comen mondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur

ROCÍO SAIZ (OH SEE! FEST). FOTO: JAVIER ROSA.

una mierda porque pasamos de ellos, en vez de llevarlos a la cima, como hemos hecho con nuestras divas gays”. Warmi está de acuerdo: “es una lástima que haya artistas que tengan que perder libertad de mostrarse como realmente son por poder seguir viviendo del arte”. El cantante malagueño, que incluso en el confinamiento ha sacado dos singles (Flipando y Lento) y que anuncia ya el siguiente (Melawego junto a La Yeezi) para finales de julio, anima a sus compañeros a romper armarios y “pronombres neutros”, aunque también entiende que no se vean capaces de hacerlo: “son víctimas de este sistema que premia lo hetero y lo mainstream, la industria les está diciendo que si quieren mantener su estatus deben ajustarse a la norma y a lo que el público masivo se supone que quiere de ellos. Ahí influye también la masculinidad frágil que algunos puedan sentir por su homofobia interiorizada”.

“Al hacer este proyecto, sabía que me estaba cerrando muchas puertas, pero necesitaba hacerlo por mi, por sacar mi mierda”. Álvaro Romero (Romeromartín) Precisamente de pronombres nos habla también María Escarmiento “la gente no suele mezclarlos en las canciones, y me gusta mucho cuando me encuentro que ocurre”, nos dice la madrileña, que en sus últimos singles los ha ido alternando: del “las niñas que me gustan no me suelen dar bola” de Castigo pasamos a Chulo. “En nuestras letras se confunden los géneros”, nos dice Juanlu de Trèpat, que sacaron su nuevo disco Canción divina justo antes de la cuarentena: “quien nos conoce sabe que si hay una lucha en Trepàt está en las letras. Y aunque nuestra ambición no vaya más allá que la de contar histomondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur

rias vividas, esto se convierte en una lucha no premeditada que puede ayudar a la reivindicación. No queremos una sociedad machista, violenta u homófoba. Queremos una sociedad que piense. Que cuando escuche nuestras letras se divierta y baile, claro… pero que piense.”

La Dani tiene una de las reflexiones más interesantes al respecto: “es verdad que yo lo que hago es contar mi vida, pero soy consciente de que eso no es lo normativo y que sí estoy reivindicando. Y reivindico agustísimo, vaya. También lo que pasa es que yo empecé a sacar canciones sin mucha pretensión, y de repente me vi que “era cantante”. Entonces, cuando me he visto con este altavoz, y sabiendo lo importante que es dar visibilidad, tener referentes, sentirte representado... en el disco que estoy haciendo voy a ser mucho más explícito y reivindicativo. No es canción protesta, claro, es reggaeton puro y duro, pero reggaeton de un hombre con identidad queer dirigiendose a otro hombre”. Este disco llegará tras el éxito de las canciones que La Dani ha ido sacando estos últimos tres años, canciones como Gordo y apretao. Le pregunto específicamente por esta canción porque, aunque se extiende a toda la sociedad, es verdad que en el colectivo de chicos gays/ bi existe un especial poder de los cuerpos normativos, una autoimagen inestable, una necesidad de validación de tu propio cuerpo, etc. “Fíjate que con‘Gordo y apretao pasa un poco lo mismo: yo la hice como algo súper normal para mí, porque me gusta especialmente ese tipo de hombre, pero soy consciente también de lo que representa. ¿Pero sabes lo que creo? Si yo hago una canción sobre un tío alto, rubio y de ojos azules nadie lo va a analizar, porque es lo normativo, pero hago esto y parece que es que tengo una filia. En absoluto; tendré la misma filia que a quien le gusta el tío normativo de ojos azules. El problema lo tienen los que no ven sexy a un tio gordo, no yo. Yo no tengo ningún problema.

Yo tengo muy buen gusto, de hecho”, me dice riendo.

confunden “En nuestras letras se conoce los géneros. Quién nos cha en sabe que si hay una luas”.

Trepát está en las letr Juanlu Torné (Trepàt) “Más allá de que si estuviste en este nicho, tocaste en esta discoteca o tu público era éste, confío en que con el tiempo se me valore en general como artista. Pero igualmente, cuando el público te dice “gracias por decirlo, gracias por esto”, ves que es necesario”, me comentaba Javiera Mena hace unos meses, a raíz de su regreso con ‘Flashback’. “Y es que la palabra “lesbiana” sigue sonando para mucha gente como algo negativo, ¡con lo hermosa que es!

Yo quiero decir “lesbiana” una y otra vez. Somos tan pocas las que lo decimos que hay que animar al resto”. Ciertamente, la falta de visibilidad lésbica es algo generalizado, y el mundo de la música no es una excepción, con pocas artistas en las que se puedan ver reflejadas chicas adolescentes que están descubriendo que les gustan otras chicas. “El arte es la muestra de la propia sociedad, y romper con los papeles que se presuponen como mujer en una sociedad de base patriarcal es más complicado. Queda trabajo por hacer, aunque también es cierto que cada vez hay más referentes públicos que, ya sean bi, lesbianas o gays, hablan sin tabúes de la necesidad de ser y vivir como sientas”, nos dice María Pelaé, para quien La Niña ha supuesto su explosión, siguiendo el éxito con Y quién no. “Tenemos más miedo.

Las pocas que somos visibles recibimos muchísimos insultos; el concepto cultural con respecto a ser lesbiana, y sobre todo lesbiana “masculina”, es muy negativo. Además, en una gran empresa, por ser mujer le “caes bien” -ya me entiendes- al jefe, pero se entera de que eres lesbiana y frunce el ceño”, nos cuenta Rocío Saiz. “yo respeto cualquier tipo de armario, pero animo a mis compañeras a julio 2019 #9

CHICO BLANCO. FOTO: ARCHIVO.

TREPÀT. FOTO:CRISTINA BELTRÁN. ROMEROMARTÍN. FOTO: ARCHIVO.

MARÍA PELAE. FOTO: ARCHIVO.

que, en la medida que puedan, salgan también”. ¿Y qué podemos hacer desde los medios? “Huir de estereotipos sexistas y de lo binario, para que desde vuestro canal se ayude a pintar un imaginario de sociedad diversa, respetuosa y feliz” propone Miriam Cobo (Trèpat), “seguir reivindicando la figura de la mujer en la música y todo aquello que se aleje de lo heteronormativo”.

Y si hablamos de que hay poca visibilidad lésbica en la música, la de hombres y mujeres trans es aún menor.

Hablo sobre esto con Jedet, y le comento que me he dado cuenta de que yo mismo apenas conozco cantantes trans españolas. “¡Yo tampoco! Es que se va ganando visibilidad, y oye, ahí tienes a Kim Petras, pero en general no tenemos para nada el espacio que merecemos, queda muchísimo para poder lograrlo.

“El arte es la muestra de la propia sociedad y romper con los papeles que se presuponen como mujer en una sociedad patriarcal es más complicado”.

María Pelae.

Y el hecho de que no se nos oiga no tiene tanto que ver con que los oyentes no nos busquen; a los oyentes les llega lo que una discográfica paga para que les llegue. Y no hay apenas contratos de discográficas para personas como nosotras, no se nos pone en la radio, en las revistas, en la tele... es con eso con lo que tiene que ver. Parece que solo existimos cuando se acerca el Orgullo, pero el resto del año también tenemos que comer, los medios deberían darnos visibilidad el resto de los meses”.

“El argumento fácil es que somos pocas en la sociedad, pero no es cierto”, añade la cantautora Alicia Ramos, con dos discos a sus espaldas, “y a medida que la sociedad va siendo consciente de las identidades trans y éstas se legitiman, más vidas trans van saliendo de la marginalidad a la que estaban condenadas hasta anteayer. La visibilidad de la infancia trans ha jugado un papel determinante.”.

Alicia va más allá, en consonancia con lo que comentaba antes sobre el yugo de la clase social: “Remedios Zafra, en su ensayo El entusiasmo, habla de un #10 julio 2020

mandato histórico que impide que las personas pobres creemos, la creación es patrimonio de quien detenta el poder, la creación empodera y confiere calidad de sujeto, de persona, de voz. Y se supone que no debemos tener capacidad de juicio, ni voz, ni ser sujetos de derecho. Que haya personas trans creando supone una transgresión inesperada. También hay veces que la gente se autocensura y decide no hablar sobre una artista en un medio, no programarla en su sala o no llevarla a su festival porque teme que su público no lo va a entender, ejerciendo así una especie de transfobia pasiva que perpetúa una inercia sin querer”.

En el caso de artistas bisexuales pasa, claro, como con las personas bisexuales en general: o bien son viciosos o bien están confundidos. Si es mujer, es que en realidad es hetero; si se es hombre, es gay pero no se atreve a decirlo. “Al final es que te tienen que gustar los hombres a la fuerza”, ironiza María Escarmiento, “yo he tenido una relación súper larga con una chica y una súper larga con un chico; nunca he entendido el estigma contra la bisexualidad, ¡para mí lo inexplicable es que solo te guste un sexo!”. También hablamos con ella sobre la existencia de posibles “escenarios LGBT”, un concepto que están manejando algunos promotores: “no lo sabía pero mi instinto lo rechaza. Está genial darle un espacio, pero por qué apartar ese espacio de los demás”. Rocío Saiz (Monterrosa) concuerda con ese re-

“Se puede ser trans, lesbiana, negra, gitana... Los verdaderos problemas vienen cuando eres pobre. Ahí si que duele”.

Alicia Ramos. chazo a la “cuota LGBT” en lo musical: “no queremos ser, los maricones, las mujeres, ese 1% de bandas diversas en festivales. Quiero que me contraten porque nuestras canciones les gusten a la gente. No quiero que en el consumismo se usen las luchas de nuestros colectivos”.

Cuando hablé con Álvaro Romero, me dijo que de Pedro Lemebel había aprendido que “a nivel político la homosexualidad no va ni con derechas ni con izquierdas, va con cada uno”. Teniendo en cuenta

“No queremos ser los maricones, las mujeres, ese uno por ciento ese uno por ciento de bandas diversas en festivales Quiero que me contraten porque mis canciones le gusten a la gente. No quiero que en el consumismo se usen la luchas de los colectivos”.

Rocío Saiz que se habla mucho ahora de “feminismo liberal”, quería plantear otra pregunta: ¿tiene sentido un activismo LGBT “de derechas”? ¿Una lucha LGBT neoliberal? Enrique Aparicio (Monterrosa) lo tiene claro: “ser homosexual no te hace inmune al resto de privilegios. Se es homosexual pero también se es muchas cosas más; si eres un hombre cis blanco rico, qué sé yo, propietario de una cadena de hoteles, y además eres gay, pues quizás te preocupe más mantener tus privilegios que luchar por quienes no los tienen. Es tu decisión decidir qué eres antes: ¿maricón o rico? ¿Blanca o lesbiana? ¿Y cuál es tu posición en el mundo, hacia dónde te acerca lo que tú eres?”. Alicia Ramos concuerda con él: “se puede ser trans, lesbiana, gitana, negra, lo que sea, que los verdaderos problemas empiezan cuando eres pobre. Ahí sí duele.”. Por eso, Enrique opina que nuestro activismo no puede estar desligado “de la crítica al capitalismo, al neoliberalismo y al patriarcado, porque es todo la misma lucha. El enemigo es el mismo, el enemigo es VOX, es Santiago Abascal. No nos olvidemos de eso. Hay pasos intermedios que pueden no convencernos, pero no nos podemos detener en ellos mucho si queremos realmente ser eficaces.” Alicia recuerda cómo esto ha ocurrido “incluso en el seno de la UE, que se supone que garantiza estas libertades, ahí tenemos a Hungría o Polonia. Eso puede ocurrir aquí pasado mañana”. Y, ¿qué podemos hacer ante ese peligro, ante el retroceso de derechos que creíamos conseguidos? “Cualquiera puede acceder a información, falsa o no. Evidentemente, es estupendo que no haya censura, pero hay que ser conscientes de que ese acceso sin filtro hace mas fácil que nos engañen”, me dice Rocío Saiz. “Creo que una buena idea es no dar por hecho ideas porque las oigamos, sino buscarlas, ver distintas fuentes... y comprobar por ti mismo lo absurdo de los planteamientos de la ultraderecha”. mondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur

MONDOSUR

lo que dice

la CALLE lo que dicen las Canciones Un experimento de Osantoño Rodríguez

Nuestro colaborador Osantoño Torres hace un zoom a tres canciones de artistas que han participado en nuestro reportaje. Trepàt, Romeromartín y Chico Blanco. Le acompañan en la reunión personas del colectivo LGBT en una charla como siempre, con tintes de experimento .

E

ste experimento lo hice en el mes de mayo, mediante videollamada (¡Bendita sea en estos días!). Contacté con varios amigos y conocidos para hacer con ellos lo siguiente; escuchar tres canciones de tres grupos y artistas andaluces cuyas letras, contenido o conciencia social llevan a la cultura LGTB. Por orden; Manolo Castro, (63 años, sevillano), un luchador por los derechos LGTB en los 70, aunque se considera tradicional en la música y las modas. Elvira Manso, malagueña, feminista y lesbiana, 52 años. También contacté con un alumno de mi tiempo como profesor de teatro; Pablo Márquez, (26 años, sevillano) activista de la causa. Susi La Pussy, 37 años, drag-queen gaditana y por último Melisa Urbano (42 años, Córdoba), mujer transgénero. Las tres canciones elegidas son, por orden, el Power de los granadinos Trepàt, un grupo destacado cuyas canciones versan entre el post-punk y la electrónica. Romeromartin con su Saeta del Pirómano conformando un gran ejemplo de su estilo musical flamenco-electrónico y hedonista. Y por último; el Gominola de Chico Blanco, house y la música urbana por un tubo.

Suena Trepàt: “Vente conmigo, tócame el culo de nuevo” y Manolo da un respingo en su asiento.

MANOLO: ¿Pero esto qué música es?

YO: jajajá, Manolo; son los Trépat; purito post-punk andaluz.

MANOLO: Trepar por las paeres es lo que voy a hacer yo. Yo soy más de la sutileza musical.

PABLO: (Con sorna) Siempre hay una rancia que todo lo crítica.

MANOLO: Mira, marijoven, ¡De rancia nada! que cuando tus padres andaban tonteando, yo gritaba por esas calles de Dios pidiendo libertad y derechos y llevándome más palos que una sábana tendida. ¡Más respetos a las viejas!.

Cierto; Manolo Castro siempre luchó por la causa.

Nació en el 58 y a finales de los 70 se unió a todo tipo de luchas reivindicativas para con el colectivo.

La siguiente que pongo es la Saeta del Pirómano de Romeromartin, un grupo de una calidad excelsa y mondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur

cuyas canciones mezclan diferentes conceptos como son la música electrónica con el flamenco nada ortodoxo. Cuando digo el título del track; salta Manolo, of course: MANOLO: ¡Ya sabía yo que tú, con lo satánica que eres, ibas a traer algo así!

Todos nos reímos. Anda que si le pongo la Nana del Culo donde canta eso de “Yo no pongo la otra mejilla/ pongo el culo, compañero” le da un jari. Manolo habla siempre en femenino, pero como una forma habitual ya interiorizada. Incluso, a sabiendas que soy héteronormativo, él siempre me trata en femenino. Veo como sonríe Elvira que, hasta el momento, ha estado silenciosa.

SUSSI: Uy, cuando sube la canción, que flash me da.

MANOLO: ¿Qué dice de la periferia?

Nadie le responde y cada uno sigue en sus comentarios. Lo habitual en las videollamadas, vamos.

ELVIRA: Me gusta cuando los artistas experimentan con diferentes sonidos.

MELISA: Está bien esto. No me gustan las etiquetas.

Que el colectivo es muy amplio y también eso de ser referente queda un poco antiguo ya.

SUSSI LA PUSSI: De hecho para mucha gente eso de LGTBQ+ es como de marearse con tantas letras. Pero tiene un sentido; cada uno lucha por la inclusión de las siglas que lo representan para su visibilidad. Aunque entiendo el hartazgo de nomenclaturas, pero lleva su lógico.

Manolo no sale de su asombro ante la conversación.

MANOLO: ¡¡Ozantoño, Aquí has reunido a todas las activistas y modernas del mundo para soltar soflamas!! ¡¿Alguien me va a responder si ha dicho periferia? ¿De cuando en una saeta ha usado esa palabra? ¡Vamos, Antonio Mairena no levantes la cabeza!

La Saeta del pirómano es un poema de Braulio Ortiz.

Terminando la canción, y como debo ser conciso para no hacer un artículo largo a más no poder, pongo el tercer tema; Gominola de ChicoBlanco. urban con rollete UK garage, eurodance y hasta el house de los 90 y 00. Es un tema brillante y vibrante. El primero que opina es Pablo.

PABLO: Me encanta. (Baila con la cabeza) Suena tremendo. Mola.

MANOLO: ¿Reguetón, Ozantoño?

YO: No es reggaetón, Manolo; es urban music MANOLO: No sé ni lo que me has dicho.

Al momento, cuando suena algo de fondo opina Elvira Manso.

ELVIRA: Uy, ¿eso es el dirilalalá?

YO: Sí, es un sampler del famoso Saturday Night de Whigfield.

ELVIRA: Oye, pues me encanta, de verdad.

MELISA: Oye, Ozantoño, estoy mirando las fotos del chaval, y menudo cañón de chorbo. ¿Cuántos años tiene?

YO: Creo que 21 añitos.

PABLO: A ver, a ver, que a mí esas edades me molan.

Y ya todos se ponen a buscar las fotos del chaval en internet y pasando de bailar. Cosas del directo.

PABLO: Madre qué pibón, ¿tú lo conoces, Ozantoño?

YO: No, personalmente no.

Veo a Manolo atorado, bufando, mirando para un lado y para otro.

YO: A ver, Manolito, ¿qué te pasa, hombre?

MANOLO: ¡Coño, que se mha quedado trabucado el internet y no puedo ver cómo está el chaval!.

Cuando terminan de escuchar la canción, todos lanzan un aplauso y gritos.

ELVIRA: Me gusta hacer este tipo de cosas, Ozantoño.

Ha estado guay.

MANOLO: Mira, eso me alegra. Tanto tener como referente a Alaska que es una rancia facha, y aquí en la tierra tenemos gente más interesante que pueden aportar mucho más por la causa que todas esas de Madrid.

YO: ¿Ya te ha gustado lo del culo? ¿Y la saeta rara? ¿Y el reggaetón?

Todos ríen viendo a Manolo atacado.

MANOLO: Mira, prima, no me toques la ello, no me la toques, que estaba yo muy tranquila en casa y me has sacado de ver mi “Más vale tarde” para ponerme todos los modernos del mundo mundial. Y me voy que a ver si hoy también poner a parir a la Ayuso. Adiós.

Y terminamos la videollamada. julio 2020 #11

Ruanda Records

o la leyenda de como Nuevos Medios se encontró con Stone Throw en el piano bar de un hotel africano

El 11 de diciembre de 2017 entre cables, máquinas, cristales y códigos no escritos, el productor cordobés Ciclo fundaba el sello Ruanda Records en Málaga. Su llegada sorprendió incluso a los más iniciados y trajo al juego una forma de expresión clásica pero vanguardista.

P

odría parecer una década, pero en realidad solo han pasado tres años desde que Ferrajú inaugurase con su Beat Tape Disembodied, el catálogo de un sello cuyos habitantes respiran un aire distinto al margen de modas y formas y sin duda, visionario.

Y es que Ciclo llevaba tiempo con la idea de crear un punto de encuentro para presentar al mundo dos trabajos ya construidos, Loto y Papiro junto al Mc cordobés Guerrita y Supremo Conocimiento del Mundo con Dheformer Galinier.

En noviembre de 2017 el sello se consolidaría del todo con un viaje a las ciudades italianas de Nápoles y Verona con el propósito de rodar dos clips para Supremo Conocimiento del Mundo”, de allí saldría el video de Cuello de Gitano. A estas alturas Ruanda Records tenía casi todas las piezas fundamentales para ensamblarse, pero aún faltaba una muy importante al margen de lo musical “Guerrita propuso a Ricardo Martín, amigo suyo, para ayudarnos a gestionar el sello en todo lo relacionado con las redes y la web y esta figura sería clave para el comienzo de Ruanda, Richi hizo todo el trabajo duro, muy necesario para arrancar un proyecto así” Con el inicio de 2018 vería la luz In loving memory of Yancey, un tributo al desaparecido J Dilla con motivo de su aniversario. El disco contó con la colaboración de dieciséis productores distintos pero muy afines a lo que podríamos denominar el aura de Ruanda. Poco tiempo después, y aprovechando el flujo natural de esos códigos no escritos, publicaron Piorrea el trabajo de Virush y Pedro LaDroga.

En la primavera de ese año presentaron una de sus referencias más importantes, Supremo Conocimiento del Mundo el disco producido por Ciclo con el que se descubriría en formato Lp una milésima parte del universo musical de Galinier.

De hecho, fue este quien abrió la puerta #12 julio 2020

a otro de los nombres de Ruanda “En Abril publicamos “We The People” de Franco Carter, un artista que entró en la órbita de Ruanda gracias a Galinier, fue el quien lo propuso y sin duda encajó muy bien con la mentalidad del sello” La desembocadura natural de un disco es poder brindarlo en directo y Supremo Conocimiento del Mundo fue un trabajo cuya importancia les empujó a presentarlo en vivo de la mano de Álvaro Tobar y su promotora Thiiird Culture.

Un reportaje de Daniel Botello no de preparar La Viña 2004 el disco de Galinier que subiría unos peldaños más el catálogo del sello “Una de las cosas buenas de trabajar con Galinier es que hace en una semana lo que otros hacen en un año. Sin duda es la persona más especial con la que he trabajado, es único” La Viña 2004 marcó un antes y un después en la escena musical, eso es indiscutible. Cualquiera que se deje llevar por sus códigos se encuentra de bruces

diggin, descubres “Me encanta cuando haciendo nocidos de los sellos independientes no muy co ra Ruanda 70s y 80s. Eso me gustaría que fue que supuieran de aqui a muchos años. Un sello que existió, los más curiosos.”.

Esa primavera, la música facturada en nuestro país ganó mucha verdad.

Cuando la gira terminó Ciclo decidió que no tenía por qué sacar referencias con tanta asiduidad, en su lugar, tomó la determinación de cuidar al mínimo detalle cada trabajo. Y lo cumplió con creces, ya que fue en ese momento cuando apareció por la puerta de Ruanda Records Manu Beats.

“Siempre admiré su trabajo, conozco pocas personas con tanta sensibilidad al arte como él y de hecho Tenemos una visión y gustos muy similares, es de las personas con las que más empatizo creativamente hablando. Siempre quiero saber su opinión y es parte fundamental de este proyecto” Ese mismo verano ambos productores trabajaron en Lupin III una preciosa beat tape que vería la luz en octubre y cuyos samplers se muestrearon de las composiciones de Yuji Ohno para la genial serie de animación.

Con el Logo 2.0 de Ruanda recién estrenado, llegó noviembre y con este, el tur-

con una historia muy personal sobre la pérdida, pero repleta de amor y sabiduría. El concepto musical y estético del trabajo es brillante, líricamente es una de las cumbres del rap escrito en castellano y luego está la única colaboración vocal del disco “Respecto al feat con NWise, le dijimos, que tenía que estar en cuestión de una o dos semanas por cuestión de tiempo. Hubo un momento que di por hecho que no saldría. Lo demás es historia” Y es que cuando los narradores del audiovisual captan la esencia de algo y lo convierten en cine obtienen un lingote.

Eso es lo que Alejandro Valderas Ojo de Cristo plasmó con Mercedes Benz, el cineasta, conocedor de la estética y filosofía del sello, puso ante la cámara a gran parte de los creadores de Ruanda y sencillamente hizo magia.

“Para la grabación del video, vino NWise a Málaga, y coincidió que Dano tocaba en Granada y se acercó. Fue un placer poder juntar a gente con tanto talento y ver su implicación.

Pienso que fue un antes y un después

en Ruanda” La conexión de Manu Beats, Ciclo y Gxnzx como Nigeria nos brindó el magistral Andalucia Espiritual vol.1 un trabajo gestado durante tres días con esencia colectiva y abierto a más creadores en futuras entregas, de hecho, es un concepto de librería musical que enlaza perfectamente con el arte de portada de Takumi Tomita. “El título es un guiño a los discos del pianista y compositor andaluz Felipe Campuzano, que tanto nos ha influenciado y hemos sampleado” La primera gira allende los mares de un miembro del sello vino de la mano del disco Carter meets Saez, gracias a ello Franco y el productor y mc uruguayo Saez giraron por Argentina y Uruguay.

Finalmente, como cierre de un año y comienzo de otro la segunda Beat Tape de Manu Beats, Manila vio la luz sorprendiendo una vez más al público por su exquisitez ”Es un trabajo hecho con música filipina, el video de Crisis del ft con N-Wise fue obra nuevamente de Alejandro Ojo de Cristo Valderas y todo el artwork corrió a cargo de Sceno” Durante la cuarentena Ruanda Records publicó Deluho la última referencia de Gazeloide y Ferrajú y bien mirado, podría ser la guinda a un círculo que se completa para abrir uno nuevo. Un punto de partida donde Elphomega, habitual del sello, y Ciclo andan preparando una auténtica bomba. “no llevo bien, la sobreexposición del artista. Nosotros seguimos creyendo en trabajos con un concepto detrás, estamos muy lejos de la cultura del single-video”.

En Ruanda Records las cintas (manufacturadas una a una en el sello con su propia pletina) agradecen el auto reverse y cada disco permite dejar pinchado el repeat all una semana o más y esto lo consiguen muy pocos. ¿Sabéis por qué?

Porque Ruanda is for the Children.

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DEMO. TEST.

diante nuestra música, intentar sumergir al oyente en las diferentes texturas de nuestras composiciones tanto a nivel instrumental como a nivel de letra e indudablemente divertir al espectador.

Para ello, somos los primeros que solemos divertirnos encima de un escenario.

También pretendemos transmitir amor en forma de música y más ahora en estos tiempos que corren de desescalada.

Durante este confinamiento, nos hemos dado cuenta de que éramos felices y no lo sabíamos, así que ahora pese a adaptarnos a esta “nueva normalidad” nos gustaría seguir celebrando la vida y que mejor que en un directo.

Maenoba

Procedencia: Málaga (2019). Grabación: 74 Estilo: Pop Rock alternativo. Integrantes: Alex Tesla, Carlos Redondo, Ian Montiel y Juanma Angru. Contacto: info@maenobamusic

¿Con qué adjetivos, tags, etiquetas o palabros musicales (y no musicales) os gusta más que se defina vuestra propuesta?

En Maenoba nos gusta experimentar con los sonidos intentando envolver al oyente en diferentes atmósferas. Buscamos muchos colchones sonoros donde dejar fluir las estructuras de las composiciones. Ciertamente nos movemos entre el pop rock alternativo, pero si se nos ha llegado a etiquetar como pop rock con tintes atmosféricos. ¿Cuánto tiempo necesitáis para demostrar al público que sois vosotros lo que estaban esperando?

Pese a nuestra corta trayectoria en todos los conciertos que hemos realizado no hemos dejado indiferentes a nadie.

Somos frescos, con ritmos contundentes, distorsiones desgarradoras y letras que perduran en la cabeza.

Pensamos que para poder demostrar que somos lo que estaban esperando, tan sólo necesitamos rodar nuestro EP 74 todo lo posible tal y como teníamos planeado antes de esta crisis sanitaria que hemos vivido. Deseamos poder retomar

la normalidad dentro de poco y poder sumar algunas fechas más a nuestro calendario. ¿Qué es lo que más respeto os impone a la hora de dedicaros al “rock&roll’?

La verdad es que nada, solemos ir experimentando con los sonidos para intentar tener uno propio. Nos encanta eso de ir mezclando un poco de aquí y un poco de allí a ver que va saliendo. No dejamos de hacer rock alternativo, pero si es cierto que tenemos diferentes matices, pop, shoegaze, grunge incluso ciertas pinceladas de post rock. ¿Qué le pedís a un grupo de música para que os llegue? ¿Qué ofrecéis vosotros?

Ciertamente dentro de Maenoba se han juntado diferentes gustos musicales.

Lo bueno de esto es que hemos ido escuchando y acercándonos más a cada uno, según lo que el compañero escucha.

Si es cierto que todos coincidimos en lo mismo, para nosotros un grupo que nos transmita y nos haga viajar dentro de su directo, nos tiene ganados. En Maenoba intentamos sobretodo transmitir me-

¿Quién manda en el grupo? ¿Cómo os repartís los poderes y las responsabilidades?

Intentamos tomar todas las decisiones a nivel de grupo, con lo bueno y lo malo que conlleva. Dependiendo de la situación, podemos encontrar una respuesta inmediata a la hora de tomar una decisión o podemos tirarnos días hasta ponernos de acuerdo, pero en general solemos estar alineados. Respecto a las responsabilidades, todos intentamos ayudar en base a lo que mejor sabe hacer cada uno y también en función del tiempo libre del que dispongamos en cada momento. Por ejemplo, Ian se encargó de todo el artwork de 74, Alex está trabajando en la página web de la banda, Juanma fue el encargado de generar el dossier y apuntarnos a todos los concursos de banda en los que podríamos encajar y Carlos está realizando un gran trabajo de promoción. ¿Sois hormiguitas de ensayo o cigarras? ¿Cuánto tiempo le dedicáis a componer temas y preparar los directos?

Cuando nos ponemos a componer, normalmente es Carlos quien trabaja las estructuras de los temas en casa en un pequeño home studio, sacando los primeros acordes. Luego lo lleva al local y ahí es cuando empezamos a trabajar los cuatro e intentamos buscar ese sonido característico de Maenoba, mucho uso de Delay, distorsiones y sobre todo gravedad. Somos muy meticulosos en cuanto a la composición, preferimos hacer un tema bueno que seis temas por aumentar repertorio así que podemos considerar-

Aphex Twin

#14 julio 2020

¿Qué opináis de la prensa musical? ¿Cómo reaccionas (o reaccionarías) a una mala crítica?

Pensamos que la prensa musical es la voz principal de los músicos, absolutamente necesaria. Es lo que hace posible que muchas horas de esfuerzo y dedicación pueda ser descubierto por la gente.

Por nuestra parte, cuando recibimos alguna mala crítica, lo único que hacemos es repasar qué hemos hecho mal, qué podemos mejorar y ponernos a trabajar tanto a nivel individual como de grupo para seguir creciendo. ¿Qué concierto hubieras preferido no haber realizado?

De todos los conciertos se saca algo positivo. Siempre intentamos defenderlo lo mejor posible. Es cierto que nos hemos encontrado con conciertos “muy guerrilleros” en los que la mezcla no se escucha muy bien arriba en el escenario, otros en los que nosotros mismos hemos hecho de técnicos y hemos intentado mezclar todo lo mejor posible, pero como decíamos anteriormente, de todos hemos aprendido algo y lo hemos gozado igualmente.

Y los concursos. ¿Crees que son justos? ¿Realizáis algún conjuro mágico a la hora de “meter tu maqueta en un sobre”?

Partiendo de que el arte es subjetivo, creemos que no merece la pena pararse a pensar si el resultado de un concurso ha sido justo o no, ya que no todo el mundo entiende la música de la misma manera.

Simplemente intentamos hacer lo que más nos gusta lo mejor que podemos.

Próxima grabación. Título ¿alguna pista?

Desde el confinamiento hemos empezado a elaborar varias estructuras que formarán parte de nuestro segundo trabajo.

No sabemos muy bien si las sacaremos como sencillos, como pequeño EP o incluirlas para un futuro LP, de momento seguimos centrados en poder mover todo lo posible 74, nuestro primer trabajo.

Esplendor Geométrico

Drukqs Warp Records, 2001

EL. TRIPARTITO. Bronquio

nos más bien hormiguitas de ensayo.

Aunque hay que decir que siempre que empezamos los ensayos, somos más cigarras que hormigas.

El Hombre Burbuja

La paz está en las matemáticas Recordings from the Other Side, 2000

Necrosis en la Poya 1986

DE ALLÁ /

DE AQUÍ /

DE MÁS AQUÍ /

Es una elección típica pero es que este disco es la polla. Tiene más de treinta temas. Y recoge por un lado las canciones más locas del estilo Aphex Twin y por otro las que llevan pianos más bonitos como por ejemplo las de Avril 14th.

Es uno de los grupos más respeteados de la electrónica industrial a nivel europeo. En España pasaron más desapercibidos porque era una propuesta demasiada ajena a lo que se escuchaba aquí. Tienen un universo bastante interesante. Tuve la suerte de tocar en La Melona antes de ellos.

Es un disco que siempre ha estado presente en mi vida. Son de mi pueblo, son de Jerez, y es el disco que siempre llevaba en el coche mi madre. Además son gente que conozco, eran amigos de mi hermano. Y sobre todo, porque me parece un discazo.

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Una canción

me trajo hasta aquí Un experimento de Osantoño Torres

EL ACOSO ESCOLAR ES UN PROBLEMA QUE AFECTA A UNO DE CADA TRES ESTUDIANTES en todo el mundo, según señala la UNESCO. En España los datos tampoco son para tirar cohetes; un total de 1.054 casos de acoso escolar fueron denunciados en 2019 en España, según datos recogidos Cuerpo Nacional de Policía, Guardia Civil y cuerpos de Policía Local, lo que implica una variación de un 11,65% respecto al año inmediatamente anterior. Por ese motivo mi tercera sesión va con jóvenes que han padecido dicho trance. El grupo lo componen un total de 10 chavales de entre 13 y 18 años, seis chicos y cuatro chicas. Muchos de ellos no quieren que se sepa su nombre completo, y a otros les da igual. Cuando comienza a sonar la canción los más mayores sonríen, les suena.

VÍCTOR: ¿Es la de Amaia?

YO: Sí.

ANA MARÍA: Es que a mí esa chica…

En el proceder del single se miran, sonríen, algunos canturrean como es el caso de Iván, 16 años. Marta, 17 años, mueve la pierna. Víctor es el más joven, 13 años recién cumplidos. Cuando finaliza a algunos se les escapa una lágrima. Los miro y pido que digan su impresión.

#16 julio 2020

SANDRA: Ese final… En él me veo muy retratada. Yo también prefiero contar mi secreto bajo un relámpago. Más que nada porque decir que has sufrido bullying queda muy guay en la tele, pero cuando te toca…

IVÁN: Es que es eso. En la tele muchas campañas de ánimo y apoyo, pero en verdad, cuando lo vives y lo cuentas, para la peña eres un pringado. Un chivato.

Eso es así.

MACARENA: He escuchado esta canción miles de veces, pero nunca me la imaginé sobre mi “historia”.

YO: Cada canción podemos adaptarla a una cosa u otra. Siempre y cuando la letra dé para ello. La Bomba de King África es lo que es y no hay más donde rascar, of course.

Todos ríen MARCOS: Hay muchas canciones que creo adaptables a mi “situación”, pero nunca me imaginé esta. Pero encajar encaja, sí.

Pedro, un joven de 18 años, que ha repetido 2º de bachillerato y escuchaba con atención, levanta la mano y opina: PEDRO: Sinceramente que a mí este tema ni fu. Eso era antes. Con esta escucha, no sé, le he pillado una cosa especial. Y hasta ha llegado a emocionarme.

Conchi, de 14 años, apenas habla pero

AMAIA “EL RELÁMPAGO” “Ese final. En él me veobién muy retratada. Yo tam eto bajo prefiero contar mi secre nada un relámpago. Más qusufrido porque decir que has ay en bullyng, queda muy w toca...” la tele. Pero cuando te tiene un nudo en la garganta. La miro de soslayo y le doy la palabra.

CONCHI: Nunca he hablado de lo mío con nadie. Se me hace raro. Al final es que si se lo dices a todo el mundo te llaman friki, amargada y tampoco es plan de ir rayando a la peña con nuestras comidas de tarro.

LUIS MANUEL: A todos nos pasó igual.

Yo acabo de cumplir 18 años, y hace tres que viví el infierno ese. Pero, ¿sabes?

Cada día me hago más fuerte. Ya pronto dejaré el puto instituto y me iré a estudiar fuera del pueblo. Al principio lo pasé fatal. Pero un día me dije; “¿Quién? ¿Estos me van a amargar a mí la vida? ¡Los cojones!”. Eché cara al asunto, y aquí estoy.

PEDRO: Oye, ¿Y por qué esta canción de Amaia?

YO: Porque lo peor que puede pasarle a alguien que está viviendo vuestro trance es callarlo. Hay que contarlo, hay que decirlo a vuestros padres, profesores, amigos, y encontrar gente que os apoye.

El culpable no es el acosado, sino el acosador.

En ese momento Marcos, de 17 años, respira hondo y dice: MARCOS: En verdad me siento muy bien aquí. No sé, mirar a gente que ha pasado lo mismo que yo y ver que no

tenemos nada en común. Eso es guay.

Víctor sonríe y deja caer una pequeña lágrima.

VICTOR: Nunca pensé así de la canción de Amaia, pero es cierto que ahora tengo un subidón rarete. Guay, pero rarete.

En ese momento, Conchi, la misma que apenas habla, con una pequeña lágrima instalada en sus ojos dice: CONCHI: ¿Podemos escucharla otra vez?

Y vuelvo a enchufarles el track. Y cuando Amaia sube el tono de la canción y torna en un crescendo musical, la sala se llena de una coral con todos al unísono con eso de “Debajo del relámpago, voy a contarte mi secreto”. Y ese secreto es que ya no lo van a callar más, y que si pueden ayudar a otros a que no lo callen, también. Y si tú estás leyendo esto y tienes un hijo o hija, primo, sobrina o alguien del vecindario que lo esté pasando, haces bien en ayudarlo, en apoyarlo y darle todas las recomendaciones. El bullying es una de las mayores causas para depresiones en la adolescencia. Un apoyo, un ánimo y un “estoy aquí” ayudan más que sentir lástima por ellos cuando escuchamos esas noticias por la televisión. Y si no es esta canción, cualquier otra. Lo suyo es canalizarlo para fuera. Esa es la esencia y la grandeza de la música.

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CONCIERTOS

Sala: La Chistera (Monachil - Granada).

Fecha: 21.06.20.

V

arias decenas de cancelaciones, desde marzo a octubre, una confirmación aplazada a 2021 en Vagos Metal Fest (Portugal), junto a grupos como Behemoth o Testament entre otros, y un proyecto sólido que se va haciendo sitio a base de constancia y tesón, han sido determinantes a la hora de que, la banda de rock granadina Sölar, haya tenido que salir por la tangente e inaugurar una tendencia a la que, en cuestión de días, se han sumado grupos, salas y festivales: el streaming con entrada.

No han sido pioneros en el concepto (días antes disfrutamos de conciertos como el de Los Punsetes, o Desakato, también previa compra de tickets), pero casi. En cuestión de días asistimos a una lluvia de confirmaciones que hacían incluso temer otra burbuja, la de los streaming. Sí lo han sido sin embargo en la manera de presentar su espectáculo, a cinco cámaras y con una producción de lujo de manos de Óscar Parada (Radioactividad) y retransmitida por Tickets Concerts. El lugar elegido, la sala La Chistera (MonachilGranada), que ha apostado en este último año por una gran variedad de estilos en sus espectáculos y ha llevado grupos locales, nacionales e internacionales hasta las faltas de Sierra Nevada.

Antes del concierto, la banda había sabido crear cierta expectación, anunciando en sus redes y en las entrevistas concedidas a medios de comunicación, el estreno en exclusiva de dos nuevos temas, que formarán parte de su quinto trabajo discográfico. Éste, lo grabarán este verano en El Castillo Alemán, con

#18 julio 2020

SÖLAR. FOTO: MARÍA VILLA.

Sölar Carlos Hernández Nombela, como desveló Pepe Travé, vocalista de la banda, al presentarlos.

Y, para no hacer esperar al público que accedió con ganas de ver novedades, la apertura fue precisamente con uno de ellos Que todo arda, que nos llevó directamente al sonido Seattle de bandas como Foo Fighters y nos hizo empezar a mover la cabeza frenéticamente, a pesar de estar viéndolo desde el salón de casa, eso sí, gin tonic en mano, para ambientar la experiencia.

A partir de ahí, una incursión en sus primeros trabajos, con dos temas que formaron parte de su tercer disco, pero cantados, esta vez, en castellano, idioma en el que la banda ha encontrado definitivamente la comodidad suficiente como para atreverse con composiciones mucho más elaboradas.

Sin hacer esperar al ciber público, Sölar seguía con Un mundo nuevo, anunciando que será otro de los temas a grabar próximamente, con lo que, el primer tercio del concierto había sido suficiente para cumplir prácticamente sus promesas e intenciones. A partir de ahí, una incursión en “meta-morfé. Más allá de la forma”, cuarto trabajo de la banda, del que repasaron todos sus temas. No en vano, el concierto se anunciaba como “Fin de gira presentación”.

Antes de llegar a la mitad del concierto, con la voz ya más atemperada, y los niveles de sonido visiblemente más adecuados, nos sorprendían con una versión adaptada al castellano de My Way de Limp Bizkit donde el bajo nos emocionó con su profundidad y sonido demoledor. A partir de ahí, un sonido que se iba viniendo arriba por momentos, favoreció también la soltura de la banda, que a esas alturas del concierto se percibía mucho más cómoda a pesar de la ausencia

de público físico.

Un pequeño “fallo”, al desconfigurarse la pedalera del cantante en la última estrofa, nos situó ante la realidad de que el directo es directo, aunque lo veamos desde casa y, estas cosas pasan. Para compensar el pequeño parón, de apenas unos segundos mientras reiniciaba todo el aparataje y explicaba por el micro la situación, el siguiente tema entraba como un martillo pilón. Era nada menos que No tienes nada que hacer, single editado por Clifford Records durante la cuarentena que ha sido el inicio del trabajo de esta banda con Carlos Hernández, con tan buenos resultados.

El tema, con afiladísimos riff y experimentaciones sonoras que nos sorprendieron desde su publicación, sonó compacto y potente a manos de Víctor, guitarra solista de la banda. Pasado el ecuador del concierto, ya era sólo exprimir todos los temas que hemos ido disfrutando de su último trabajo, con algunos tan emblemáticos para ellos como Comunidad, para cerrar con Hiperactivo.

Restaba presentar a la banda en un alarde de virtuosismo de sus miembros, que se despedían con su ‘momento de gloria’, de público tan lejano entre sí como Canadá, México, Colombia, Argentina, Italia y prácticamente toda la geografía española, al que imaginamos aplaudiendo desde el salón, tras haber disfrutado de un concierto con todo lujo de detalles.

Recomendadísima experiencia que, ojalá, siga sirviendo para el fin que mejor le viene, estar cerca del público cuando la cercanía física no es posible. Pero eso sí, que nunca, jamás, sustituyan al calor humano y la cercanía de salas y festivales, que tanto echamos de menos. —isabel alonso mondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur

SHOTTA. FOTO:LA TRINCHERA.

Atrincherados Sala: La Trinchera (Málaga). Fecha: 18.06.20.

T

ras el rotundo éxito de la primera edición de AtrincheradosLive, conciertos en streaming desde La Trinchera, en el que participaron Little Pepe, Capaz o el Gordo Master, con más de 1200 suscripciones, la sala propuso una segunda edición con el funk como eje fundamental.

En esta ocasión el presentador fue Andreas Lutz, vocalista de O’funk’illo, el que hizo de maestro de ceremonias, mientras que la banda base fueron los

malagueños, Jammin’ Dose. El sevillano comenzó la emisión lanzando un mensaje de apoyo a la industria de la música. La primera actuación de la noche corrió a cargo de la Vicky Kind Band. La vocalista de la mítica banda malagueña Mama Kin, acompañada de su inseparable guitarrista Fran Pacheco, irrumpió en muchas casas con una voz propia de cualquier formación norteamericana. Posteriormente tuvimos un toque flamenco con Alba Molina y Fran Cortés Chiquetete. La sevillana interpretó algunos de sus temas más conocidos como No puedo quitar mis ojos

de ti. La tercera actuación fue la de Jammin’ Dose dando un cambió radical con temas animados y enérgicos como Lonely Wonder o The Hater. Y para final nos quedamos con dos de los momentos más esperados, la aparición del sevillano Shotta con éxitos como Felicidad o Por mi, y la colaboración de Andreas Lutz con Jammin Dose con canciones como Satisfied.

La Trinchera ya trabaja en algunos conciertos en streaming que serán publicados próximamente.

—rafael lópez

GUADALUPE PLATA. FOTO: JM GRIMALDI.

MONDOSUR

Guadalupe Plata Sala: PlantaBaja (Granada).

Fecha: 20.06.20.

E

l Día de la Música sirvió de excusa para ese ensayo clínico que era aplicar la nueva normalidad a los conciertos en sala. Una iniciativa de ACCES (Asociación Estatal de Salas) promovía diferentes actuaciones en distintas salas del país que se podían seguir en streaming (otros experimento) puesto que el aforo permitido era testimonial. En Granada, la sala PlantaBaja abría sus puertas cerradas desde marzo. Que mejor para abrirse paso entre las telarañas del confinamiento que Guadalupe Plata. El público, unas cincuenta personas, dispuestos en sillas, a un metro de distancia y en esa posición casi inerte que te provoca asistir a un concierto sin poder mover el trasero, reproducía a la perfección esas escenas de terror serie b que tanto les gusta a Jimena y Perico recrear en sus fotos de promo. Si un grupo podía mimetizarse en esta anormalidad eran ellos. Sin mediar palabra, #20 julio 2020

arrancaron marcando la distancia que hay que tener a un Nido de Avispas, aunque el zumbido era del ampli de Perico de Dios que todavía no había cogido la incandescencia. Como es habitual el ahora dúo, estáticos en cuerpo, en alma se iban a mover por su repertorio con amplitud, de arriba a abajo y viceversa. Como una serpiente, de su debut largo, describía el movimiento que había entre el publico, reptando hacia la barra con el sigilo de un ofidio en busca de su presa. Que difícil medir los espacios donde antes no existían. En esto Guadalupe Plata ha avanzado mucho y sus temas lucen más compactos, y sí, lucen incluso con el fuego de la fragua de No te vayas de su disco más sombrío incluso. Ya con todo el mundo hecho a las circunstancias, el trance se apoderaba de las sillas con 500 mujeres como si verdaderamente tuviéramos el diablo en el cuerpo. Porque Jesús está llorando y el blues de los ubetenses es el mejor incienso para este tiempo de duelo y quebranto. Ya lo dice la norma, las salas se pueden abrir, pero no se puede bailar ni siquiera cuando Perico te incita con

eso de Baby me vuelves loco o echa a volar esa Milana en clave de swing.

Enfilamos la parte final de esta especie de misa pagana con esa incursión que los Guadalupe Plata han hecho río abajo. El Mississippi ha desembocado en el Caribe y la Calle 24 podría ser una perpendicular de la Calle 54. De hecho se sube, al escenario el Pantera, guía espiritual en la carretera de Guadalupe Plata, cuentan las malas lenguas que se trata de un disidente cubano, aunque para sus menesteres cambia la botella de ron por la de anís y se instala detrás de la Zarzamora. Huele a muerto, Huele a rata. Es lo que tiene dormir con serpientes durante todo este tiempo, con la amenaza de ese virus silencioso. Son las doce, atrás quedó esa primavera gris, suena la Corralera del Verano, precisamente el lado gris de Guadalupe Plata. Los bises están permitidos, así que vuelven al escenario, y vuelven para fundirse de nuevo a negro con Cementerio. La sala se vuelve a quedar vacía, con las sillas dispuestas como un campo santo. —arturo garcía mondosonoro.com — @MondoEdSur — facebook/mondosonoro.sur