Bence Magyarlaki ⁄ Isabel Alonso Vega
corps (entre-deux)
Isabel Alonso Vega ⁄Bence Magyarlaki
(entre-deux) corps C’est autour de la question du corps vécu que les sculptures d’Isabel Alonso Vega et de Bence Magyarlaki se rencontrent. Chacun interroge, de manière singulière, l’expérience de notre être au monde. Si l’être conscient est au monde par son corps, il l’est aussi par des pulsions et des affects. Ce sont ces différents fragments que donnent à voir Isabel Alonso Vega et Bence Magyarlaki. A Jardin Rouge, Isabel Alonso Vega expérimente différents médiums et immortalise dans ses sculptures et ses dessins l’intangible, l’incertain. En habitant intensément le présent, l’artiste partage l’idée que la force de l’art est de questionner sans cesse notre représentation du corps, physique et mental, matériel et spirituel. Le corps est perçu comme un ensemble d’atomes, comme une représentation de flux. Ce n’est pas le ciel mais la dissolution des choses dans la poussière qui constitue le véritable lieu de sa pratique. Ses œuvres scrutent nos rapports à la peur et aux souffrances. Elles sont les agrégats de lieux lumineux et étrangement beaux, de corps déliés et quelques peu effrayants… Isabel Alonso Vega met en lumière, par son travail allégorique, la place de l’ombre dans nos émotions. C’est le grand mythe de l’âme qui se déroule sous nos yeux. Sa nature insolite semble logée de manière éternelle dans les boîtes de l’artiste.
Au cours de sa première résidence au Maroc, Bence Magyarlaki s’est intéressé au rapport du corps et de l’architecture, en explorant la tension entre le confinement architectural et le corps matériel. Dans un processus intuitif d’unification du langage, l’artiste utilise la mémoire corporelle comme lieu de production. Chaque forme est donc l’expression d’une sensation dont on se souvient ou que l’on revisite, Bence Magyarlaki transfigure ces formes en des corps traversants, hors de considération de genre ou d’appartenance. Au lieu de penser notre enveloppe comme oppressée par l’architecture, l’artiste propose de transformer le corps en lui-même, de manière indifférenciée. Après une pause en Europe, il revient à Jardin Rouge pour faire parler la partie intérieure de nos corps et leurs éloquences sensuelles. Le mouvement apparait, les formes s’arrondissent. Ses sculptures parlent d’un autre intime. Il s’agit de penser l’organisme et parmi les organismes de penser l’homme comme être vivant, les organes deviennent alors la métaphore. Plutôt que l’harmonie de corps organiques, Bence Magyarlaki éprouve notre regard et donne à observer un ensemble de tensions maintenues dans un bien fragile équilibre. Dans une projection de l’imaginaire, ce corpus d’oeuvres permet de contempler la paradoxalité du corps. Les sculptures d’Isabel Alonso Vega et de Bence Magyarlaki, aux contours équivoques, aux noms incongrus, disent en réalité toute la liberté de leurs créateurs.
Isabel Alonso Vega dans son atelier, Jardin Rouge, Marrakech - 2020
(entre-deux) corps The sculptures of Isabel Alonso Vega and Bence Magyarlaki meet around the question of the living body. Each of the artists questions, in a singular way, the experience of our being in the world. If conscious being is in the world through its body, it is also in the world through impulses and affects. Isabel Alonso Vega and Bence Magyarlaki offer these different fragments to see. At Jardin Rouge, Isabel Alonso Vega experimented with different mediums and immortalized the intangible, the uncertain in her sculptures and drawings. By intensely inhabiting the present, the artist shares the idea that the power of art is to constantly question our representation of the body, physical and mental, material and spiritual. The body is perceived as a set of atoms, as a representation of flow. It is not the sky but the dissolution of things in the dust that constitutes the real place of her practice. Her works examine our relationship with fear and suffering. They are aggregates of luminous and strangely beautiful places, of untied and somewhat frightening bodies... Isabel Alonso Vega highlights the place of shadows in our emotions through her allegorical work. It is the great myth of the soul that unfolds before our eyes. Her unusual nature seems to be eternally housed in the artist’s boxes.
During his first residence in Morocco, Bence Magyarlaki was interested in the relationship between the body and architecture, exploring the tension between architectural confinement and the material body. In an intuitive process of language unification, the artist uses the body’s memory as a place of production. Each form is thus the expression of a sensation that is remembered or revisited. Bence Magyarlaki transfigures these forms into crossing bodies, out of consideration of gender or belonging. Instead of thinking of our envelope as oppressed by architecture, the artist proposes to transform the body into itself, in an undifferentiated way. After a break in Europe, he returns to Jardin Rouge to bring out the inner part of our bodies and their sensual eloquence. The movement appears, the shapes become rounder. His sculptures speak of another intimacy. It is about thinking the organism and among organisms to think of man as a living being, the organs then become the metaphor. Rather than the harmony of organic bodies, Bence Magyarlaki tests our gaze and makes us observe a set of tensions maintained in a very fragile balance. In a projection of the imagination, this body of work allow us to contemplate the paradox of the body. The sculptures of Isabel Alonso Vega and Bence Magyarlaki, with their equivocal contours and incongruous names, in fact express all the freedom of their creators.
Bence Magyarlaki in his studio, Jardin Rouge, Marrakesh - 2020
Shelter II - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 30 x 30 x 13 cm
Shelter III - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 30 x 30 x 13 cm
Shelter I - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 30 x 30 x 13 cm
Shelter V - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 20 x 30 x 20 cm
Shelter VII - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 20 x 20 x 13 cm
Shelter VIII - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 30 x 30 x 13 cm
Isabel Alonso Vega
Propos recueillis à Jardin Rouge, résidence artistique de la Fondation Montresso à Marrakech, en février 2021.
Ton travail questionne la matérialité des choses. Lorsque je fabrique une boîte en plexiglas faite de panneaux transparents tachés de suie, cela crée l’illusion d’un objet en trois dimensions. C’est le résultat d’une recherche mystique qui tente d’aborder mes propres peurs et le sentiment de douleur chez l’humain. Dans mon travail la peur s’incarne par un nuage de fumée à la fois volumineux et menaçant qui semble émerger de l’inconnu. De manière intuitive on peut imaginer ce qui l’a provoqué, sans pour autant le voir de manière tangible. C’est en quelque sorte une métaphore qui traduit notre besoin de regarder cette fumée qui habite nos esprits mais n’existe nulle part ailleurs. C’est la raison pour laquelle j’utilise la fumée et la suie, la trace noire du feu. C’est à la fois d’un noir intense, tout en étant quasiment immatériel et assez fragile. Ma pratique s’apparente un peu à celle d’un taxidermiste, qui convoquerait la peur pour en faire un trophée. Il donne à voir ce qui est intangible, ce qu’on voit à peine. Y a-t-il aussi un questionnement sur notre capacité à percevoir les choses ?
de poids et de légèreté, avec des éléments semblant flotter dans l’air. J’essaie d’explorer ces aspects de la réalité qui n’existent pas de manière tangible, qui ne peuvent être décrits par des mots. Mon but est de parvenir à les matérialiser. La production se répartit entre des dessins et sculptures encapsulées à l’intérieur de boîtes en plexiglas transparent. Comment s’articule le lien entre les oeuvres ? Les oeuvres font écho à des concepts similaires, comme par exemple s’écarter de la réalité. Qu’il s’agisse de la peinture ou de la sculpture, mon travail se réfère toujours à la même idée sous-jacente. Je tente de matérialiser des choses en les rendant belles, d’un point de vue purement esthétique, mais sans utiliser un matériau qui le soit. La fumée ou les matériaux que j’utilise peuvent sembler effrayants pour la plupart des gens. La fumée évoque la douleur et le chagrin de par sa couleur noir profond, due au carbone qu’elle contient. Mon travail est comme une déclaration. Qu’est ce qui t’a incitée à passer à la sculpture ?
Dans mon travail, je m’efforce d’aborder les notions
“C’est le résultat d’une recherche mystique qui tente d’aborder mes propres peurs et le sentiment de douleur chez l’humain” J’ai commencé à faire des dessins tout en ayant déjà en tête l’idée de travailler en trois dimensions. Donc j’ai toujours considéré que mes pièces existaient en volume, y compris les dessins. Tu utilises des techniques traditionnelles comme le noir de fumée qui est un pigment employé pour la fabrication de l’encre de Chine, ou la feuille d’or. La plupart du temps je travaille avec de la fumée réelle. C’est arrivé par accident la première fois, lorsque j’avais brulé quelque chose et j’étais frappée de constater à quel point l’objet était noirci - par la suie - et qu’il s’en dégageait comme une étrange beauté. Le résultat m’a émue et cette anecdote illustre bien la façon dont je procède lorsque je travaille. Pour moi la fumée est une ressource au sein de mes recherches sur la noirceur qui est envisagée en tant que concept. Le noir est la couleur de référence dans ma production et la manifestation d’une idée en contradiction. Mon travail évoque l’obscurité qui résulte de l’ignorance. Parfois je peins avec de l’or fin, qui exprime plutôt l’idée d’un trésor, un objet précieux. Mon travail s’apparente à une réflexion
mystique et abstraite sur mes propres peurs que je détourne et utilise comme matière brute en jouant avec des formes tangibles et organiques. Je dirais qu’il s’agit d’une recherche. Je matérialise la peur par ces nuages menaçants existant seulement dans nos esprits, qui se dissolvent à partir du moment où ils sont touchés. L’exposition se tient à la suite d’une résidence à Jardin Rouge. A Jardin Rouge je me consacre à une recherche intensive et je m’autorise à expérimenter de nouvelles choses que je n’ai pas forcément à exposer par la suite. Je peux étudier et réfléchir à d’autres directions pour mon travail, ce qui est précieux. Même lorsque j’utilise d’autres matériaux, je me retrouve souvent à faire les mêmes choses ! Lors de la dernière résidence, je me suis servie de draps en soie blanche que j’ai tachés avec de l’encre. Je voulais tester quelque chose, sans trop savoir où je m’aventurais. Lorsque je suis revenue en résidence, tout m’est apparu soudain très clair et j’ai pu donner un titre à la pièce.
Shelter IX - 2020 Or et acrylique sur plexiglass 50 x 50 x 13 cm
Isabel Alonso Vega
interview conducted at Jardin Rouge, the artistic residence of the Montresso Art Foundation in Marrakesh, in February 2021.
Your work is a reflexion on materiality. When I make a plexiglass case with transparent superposed layers, stained with soot, it creates an illusion of a three dimensional body. It is the result of a mystic research which tries to deal with personal fear and human pain. In my work fear is presented as a huge and dreadful smoke cloud that breaks out from an unknown place. You intuit what provokes it and yet you cannot see it. It is like a metaphor in which watching at the smoke, which only exists in our minds, is needed. That is why I work and experiment with smoke and with soot, the black trace of fire. It looks intensely black but at the same time it is almost immaterial and very fragile. My work has something of a taxidermist, who would assemble fear as a hunting trophy. It allows us to look at things that are almost invisible. Is it also an investigation into our ability to sense things that surround us? In my work I try to deal with weight and lightness, with floating bodies. I try to explore these parts of reality that don’t exist, where no words can be used. And I try to make them material.
Your production divides itself between drawings and sculptures put inside transparent plexiglass boxes. How do they connect together? They connect together because they refer to the same ideas, like dropping from reality for instance. I always keep on doing the same things you know, whether I draw or paint. I try to materialize the things and make them look beautiful, esthetically speaking, but using something which is not (beautiful). I use smoke or materials that can appear scary for most people. Smoke is connected with pain and sorrow because it has this strong black color, it has to do with the carbon inside. My work is like a statement to me. How did you come to make sculpture? I started with the drawings but I already had this idea of three dimensional work in my mind. So I always considered I was doing three dimensional pieces. You work with traditional techniques such as lamp black which is a pigment used for Chinese ink or gold leaf.
“It is the result of a mystic research which tries to deal with personal fear and human pain” I work with real smoke most of the time. Actually It happened by accident as I burnt something and I was struck by how black it was - because of the soot - and the strange beauty of it. I was very moved by the result, this tells you is how I work basically. Smoke to me is seen as a resource in my research through blackness. I use black as my main colour and as an opposing idea. My work talks about darkness and the cloud of unknowing. Sometimes I paint with real fine gold which represents the idea of a treasure, almost like in children fairytale books. Most of the time, there is a fearless fight for this treasure and this is the concept I am interested in when using gold as a material. My work is a mystic abstract work that uses personal fear as a raw material playing with real and organic forms. It is an human investigation I would say. I picture fear like some huge and dreadful smoke clouds that only exist in our minds and that would dissolve the moment they are touched. The exhibition comes after a residency at Jardin Rouge.
At Jardin Rouge I have been doing a lot of research and I allow myself to experiment and do new things that I don’t have to show. I can investigate, which is great. Even if I take different materials, I often end up doing the same! Last time I did research with white silk sheets and ink stains and at some point, when I came back, the whole meaning appeared very clear to me and I was able to title the work.
Roots 13, 3 - 2020 Encre de Chine sur papier 100 x 70 cm
Roots 5 - 2020 Encre de Chine sur papier 100 x 70 cm
Roots 8 - 2020 Encre de Chine sur papier 100 x 70 cm
Roots 13, 3 - 2020 Encre de Chine sur papier 100 x 70 cm
Room between two lungs - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 200 x 60 x 50 cm
Sliders-1 - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 200 x 15 x 17 cm
Sliders-2 - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 132 x 85 x 17 cm
Sliders-3 - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 131 x 105 x 17 cm
Bence Magyarlaki
Propos recueillis à Jardin Rouge, résidence artistique de la Fondation Montresso à Marrakech, en février 2021.
Tu travailles avec des matériaux mous qui ont la particularité d’être récupérés sur du mobilier abandonné. C’est de cette façon que j’ai amorcé mon travail de sculpteur. A l’université je réalisais des grandes installations qui s’apparentaient à des sculptures acoustiques, elles étaient conçues pour les performances. A cette époque, j’avais la possibilité d’explorer différentes directions, j’ai collaboré avec un ami pendant un an. Nous avions des idées qui impliquaient le théâtre, les écrits de Samuel Beckett, la scénographie, l’image sonore en mouvement et des sujets qui n’étaient pas forcément en lien avec l’art dit “traditionnel”. Après mon diplôme, je devais trouver un moyen de faire des pièces moins volumineuses et me procurer les matériaux. J’expérimentais avec le plâtre et le béton mais ils sont tellement lourds qu’il me fallait trouver un moyen de les rendre plus légers ou tout au moins réaliser un intérieur qui soit mou. Lorsque je vivais à Lisbonne, j’ai trouvé beaucoup de mobilier abandonné avec des couleurs altérées assez incroyables, j’ai donc commencé à en collecter des morceaux. Ces objets évoquent la mémoire parce qu’ils expriment
l’absence d’une personne qui les a précédemment utilisés. Je tenais à explorer le souvenir d’une intimité entre le corps de cette personne et les objets. Lorsqu’on évoque un canapé ou un lit, on pense à toutes ces choses intimes : se reposer, rêver, faire l’amour... Et puis nous naissons et nous rendons notre dernier souffle dans un lit. Les formes géométriques sont mises en torsion pour imiter des formes anthropomorphiques. C’est ma façon à moi d’indiquer qu’il ne s’agit pas seulement d’un matelas. J’interagis avec cet objet de la même manière qu’un danseur le ferait avec un corps humain ou la chair d’une personne vivante. Lorsque je suis dans mon studio, j’ai souvent la sensation que c’est un moulage qui s’opère entre moi et ces objets mous. C’est ce que la forme finale exprime, elle en garde une trace. Parfois ce processus est simple, mais il arrive que la matière soit semblable à de la chair. En regardant mon travail, de nombreuses personnes me disent qu’il s’agit d’entités féminines. Je suppose que c’est parce que le corps féminin est traditionnellement objectifié au sein de l’histoire de l’art, souvent représenté
“Je les envisage comme des présences, ou des êtres, et non comme des objets inanimés“ démembré et d’ailleurs, cela en dit long sur notre société. En tant qu’artiste, je souhaite remettre en cause ces partis pris en créant des pièces qui ne s’apparentent pas à un genre ou à l’autre. De cette façon, j’espère provoquer un peu de confusion lorsque le public pose son regard sur mon travail. En fin de compte, je voudrais évoquer les sujets qui m’intéressent le plus : la façon dont nos corps existent socialement et politiquement dans la société et la possibilité de s’affranchir de cette architecture patriarcale qu’on nous a assignée. Tu exprimes le mouvement par des sculptures qui sont, par définition, statiques. Le mouvement est important car il insuffle la vie. Je les envisage comme des présences, ou des êtres, et non comme des objets inanimés. Les sculptures se tiennent tout en défiant la gravité, de la même manière qu’un corps humain le fait, c’est à dire qu’elles ont des postures et des attitudes. Elles s’apparentent également à des capsules, avec une matière molle à l’intérieur, elles ont en elles quelque
chose d’assez délicat et vulnérable. La couche externe de la résine crée une peau, matérialisant la limite entre l’intérieur et l’extérieur. Chaque force interne devient visible à la surface par les plis, les pincements et les fissures qu’elle laisse apparaître. C’est une force entropique qui est à l’oeuvre dans la plupart de mes pièces. Les sculptures ne sont pas en train de prendre possession de l’espace, au contraire, je dirais qu’elles se contiennent et cela m’évoque une sorte de “plasticité psychologique”, comme en écho au fait que nous devons nous adapter en société. Les sculptures sont en rapport à la fois avec l’architecture et le corps humain. La sculpture a une présence physique très forte, elle occupe l’espace comme un corps le fait. La sculpture est à la croisée de l’architecture et du corps en mouvement, à la fois souvenir et monument, et aussi tout simplement une trace de l’activité humaine. La première série de sculptures initiée à Jardin Rouge, Corps transitoires, explorait la
relation entre la sculpture et l’architecture de manière directe. J’avais prélevé des volumes géométriques issus d’éléments architecturaux liés aux ouvertures, tels que les portes, les arches, les fenêtres. Ils ont en commun d’être des passages entre l’extérieur et l’intérieur, c’est à dire que le corps ne les occupe jamais complètement puisqu’il se contente de les traverser. Je voulais coupler cette idée avec le fait que le corps humain comporte également des ouvertures et des zones pleines. J’avais en tête de créer un langage pour faire dialoguer l’architecture et le corps. De cette façon, l’architecture devient malléable, elle n’est plus seulement un contenant immuable. Avec la deuxième série, Corps utopiques, j’ai opté pour une approche quasi chirurgicale en taillant la “peau” des éléments architecturaux pour voir ce qu’il y avait à l’intérieur. C’est un peu comme si je leur infligeais des coupures pour révéler leurs organes. J’ai nommé cette série Corps utopiques après avoir lu un entretien de Michel Foucault dans lequel il compare les différents possibles du corps, qu’il s’agisse de le contenir en permanence ou au contraire de se détacher de la physicalité. Il utilise le terme corps utopique pour évoquer le potentiel du corps humain à être ailleurs. Pour moi, il y avait là quelque chose de très poétique : le corps utopique pourrait être un bon moyen de reconsidérer la façon dont nous nous incarnons et dont nous interagissons avec les autres. Cette série Corps utopiques a été produite lors de ta résidence à Jardin Rouge, au sein de la Fondation d’art Montresso. J’ai envoyé ma première candidature en 2019. C’est un endroit incroyable, assez isolé et très beau. On
met à la disposition des artistes toute l’aide dont ils ont besoin - ce qui est assez rare lorsqu’on est un jeune artiste comme moi. Je suis très reconnaissant parce que j’ai beaucoup appris lors de ma résidence. Les techniciens, avec leur expertise, m’ont aidé à trouver des solutions. Grâce à eux, j’ai pu réaliser pour la première fois des sculptures monumentales et techniquement complexes. Et puis l’équipe artistique, dont la Directrice, m’a donné de précieux conseils. Elle accompagne et aide à prendre les décisions tout en étant très attentive aux besoins, aux doutes et aux envies qu’on peut avoir. J’ai le sentiment que c’est le début d’une aventure et je suis ravi de présenter ma première exposition là-bas. Il y a un jeu visuel sur les matériaux : certaines sculptures évoquent le marbre. C’est presque une invitation à toucher. Oui, il y a ce trompe-l’oeil concernant la matière première, l’éponge. La surface évoque une matière malléable mais en réalité il s’agit de différentes couches avec de la résine. En fin de compte cela ressemble vraiment à une pierre naturelle. On pourrait également penser que les sculptures sont très lourdes, ce qui n’est pas le cas. Je souhaite que le public se questionne sur le matériau employé, et qu’il puisse le découvrir par lui-même en touchant les oeuvres. La sculpture requiert cette immédiateté physique avec le spectateur, qui se doit, quant à lui, d’être constamment en mouvement, explorateur et agir comme le désir le fait.
The space between; wounded architecture - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 282 x 202 x 42 cm
Bence Magyarlaki
interview conducted at Jardin Rouge, the artistic residence of the Montresso Art Foundation in Marrakesh, in February 2021.
You work with soft materials that come specifically from discarded furniture.
you dream, you make love... Basically we are born and we die in a bed.
This is how I started my journey as a sculptor. At university I was doing large scale installations that were acoustical sculptures designed for performances. I was able to explore a lot of directions, I had a collaborative practice with a friend of mine for a year. We had ideas involving theater, the writings of Samuel Beckett, set design, sound and moving image and other elements that do not come necessarily from traditional fine art. After graduation I had to find a way to do smaller works to be able to purchase the materials. I was experimenting with plaster and concrete and they were so heavy that I needed to find a way to make them lighter or at least build them with a lighter inside. When I was living in Lisbon, I found a lot of discarded furniture with amazing decaying colors, that is when I started collecting furniture parts. These objects have to do with memory because they express the absence of a person that once used them. I wanted to explore the record of an intimacy that happened between someone’s body and these objects. If you think of a couch or a bed, it is always a place where you rest,
Geometrical forms are twisted in order to look alike human shapes. It is my way of indicating this is not only just a mattress, I work with them the same way a performer or dancer would work with the human body or flesh. When I am in the studio I often think of my process as some kind of molding between me and these soft objects. What the final form expresses it is the trace of that touch. Sometimes the folding is simple, but other times the material itself is so flesh like, and in itself becomes a body. When looking at my work, a lot of people tell me it is a female body. I guess that is because in the history of art traditionally, it is overwhelmingly the female body that is objectified and represented in an often dismembered way, and that says a lot about us as a society. As an artist, I am interested in challenging these reactions by creating something that is actually completely un-gendered. This way I am hoping to confuse people’s gaze and end up talking about topics that interest me the most: how our bodies are socially and
“I think of them as presences, or beings, not as inanimate objects” politically constructed, and how we might find ways to break free of this socially ascribed, patriarchal gendered architecture that contains us. You achieve to express movement with sculptures that are static per se. Movement is important because that is what renders material live. I think of them as presences, or beings, not as inanimate objects. They stand defying gravity like a human body does, they assume postures and behaviors. At the same time they are capsules as they have a soft material inside of them, they contain something quite delicate and vulnerable. What the outer resin layer creates is essentially a skin, that marks a liminal surface between inside and outside. So each internal force of this body becomes visible on its outer surface through its folds, pinches and crevices. This force is an entropic one in a lot of my work. They are not exploding all over the place, they rather contain themselves I would say, and for me this relates to a sort of psychological plasticity that we have to adapt in society.
These sculptures are both linked to architecture and the human body. Sculpture is a very physical thing, it occupies space the same way a human body does. Sculpture stands between architecture and the body in motion, it is both a memento and a monument, but also quite simply a trace of human action. The first series I started working on at Jardin Rouge was called Transitory bodies, here I was trying to explore the relationship between sculpture and architecture in a direct way. I took geometrical volumes from the openings in architectural space such as doors, archways and windows. If you think of these spaces, they are passages between the outside and the inside, meaning the body never occupies them fully, but passes through them. I wanted to pair this idea with openings and closures in the body to initiate a language where architecture and the body can come together. So in this instance architecture becomes malleable, it is not purely a fixed container, it is as flexible as the psyche or living tissue. With the second series, Utopian bodies, I wanted to open up
the containers to step away from this geometrical, mathematical, rational container even further. I had almost a chirurgical approach by cutting the skin of architectural elements to see what is underneath. It is like I am inflecting wounds to reveal the inner foldings of the body: the organs. I called this series Utopian bodies after reading an interview with Michel Foucault where he compares different states of being a body, whether in constant containment or constant dis-attachement from physicality. Utopian body is used by him as the body’s potential to be elsewhere, in a place outside all places, a body that is infinite in its duration. I thought this concept was very poetic: the utopian body seems to be a good starting ground for us to reassess our own embodiment, and the way we relate to others through it. The Utopian bodies series was initiated while you were on Jardin Rouge residency program at Montresso Art Foundation. I first applied to the residency program in 2019. It is incredible because you come here to this beautiful, remote place, and there is so much help that you get - that is not usual being a young artist. I am very grateful as I learnt a lot, with the assistance of the skilled craftsmen who work there. They always come up with solutions for things that are extremely challenging when you work alone. I pushed my sculptures to larger dimensions and higher technical complexity than ever before. The whole artistic team here is very helpful, and the Art Director’s guidance is pure treasure. She navigates your steps and helps making decisions while being so attentive to your needs, doubts and desires. It really feels like the beginning
of something for me and I am really excited about having my first show here. There is an optical illusion with materials: some sculptures look like marble. It appeals to the sense of touch. Exactly, there is this trompe l’oeil regarding what the material is, and that roots back to the base material; the sponge. The surface carries the exact same gestures as this very soft malleable material, but in the end it’s laminated with resin, so it really looks like natural stone. You also have the impression of something very heavy, whereas the sculptures stay quite light. I want people to have these doubts about the material, but then also to discover by touching the work. This is the kind of physical immediacy that I believe sculpture demands for its viewership: it always needs to be active, exploratory and operate the same way as desire does.
Organ II ”Gocce” - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 44 x 44 x 40 cm
Migrant body - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 85 x 72 x 80 cm
Variations to a gesture-1 (Black Iron) - 2020 Plâtre polymère polyuréthane et fibre de verre 52 x 42 x 15 cm
⁄Isabel Alonso Vega
⁄ Bio Née en 1968, Isabel Alonso Vega est diplômée des Beaux-Arts de l’Université Complutense de Madrid. Elle vit et travaille à Madrid. Isabel Alonso Vega emploie la fumée comme matérialisation de la lumière et de la poussière. Vaporeuses, évanescentes, ses formes sculpturales ne possèdent aucune masse, ni densité. L’intangible apparaît ainsi statique, mais semble se dissoudre d’une perspective à l’autre. Au-delà de l’allégorie, ses oeuvres émergent alors comme des remparts contre nos peurs les plus ineffables. Son travail a été exposé dans de nombreuses galeries en Europe telles que Löwenbrau Kunst Zurich (Zurich, Suisse), Ulf Larsson Gallery (Cologne, Allemagne), White Noise Gallery (Rome, Italie), etc. En 2018, Isabel Alonso Vega entre dans les collections Norlinda y José Lima, de Gerry Bonetty ou encore de Bracken Darrel.
Born in 1968, Isabel Alonso Vega graduated in Fine Arts from the Complutense University of Madrid. She lives and works in Madrid. Isabel Alonso Vega uses smoke as a materialization of light and dust. Vaporous, evanescent, her sculptural forms have no mass or density. The intangible thus appears static, but seems to dissolve from one perspective to another. Beyond allegory, her sculptures emerge as ramparts against our most ineffable fears. Her work has been exhibited in numerous galleries in Europe such as Löwenbrau Kunst Zürich (Zürich, Switzerland), Ulf Larsson Gallery (Cologne, Germany), White Noise Gallery (Rome, Italy), etc. In 2018, Isabel Alonso Vega enters the Norlinda y José Lima, Gerry Bonetty and Bracken Darrel collections.
⁄ CV
Expositions individuelles
Expositions collectives
2019 “Senza Fuoco” White Noise Gallery. Rome. 2016 “Genius” Urgel3 Madrid. 2015 “The Bear’s fur” Materna y Herencia Gallery, Madrid, Spain 2013 “Smoke” Kleiner Salon, Berlin, Germany 2012 “Smoke” Kleiner Salon, Berlin, Germany 2008 “Smoke” Elephantarte Gallery, Madrid, Spain 2006 Aixerrota-Arte. Cubita Gallery, Bilbao, Spain 2006. Vinçon Gallery, Madrid, Spain 2004. “The wound-flower” Inside Art Gallery, Figueras, Spain 2003. “The wound-flower” NA(B) Madrid, Spain 2002. “The wound-flower”Peironcelli Gallery, Madrid, Spain 2002. Centro Colón Gallery, Madrid, Spain 2000 Peironcelli Gallery, Madrid, Spain
2018 “Clouds Fire and Rein” Gallery Ulf Larsson, Cologne, Germany. 2018 “Behind the Smoke” Löwenbräukunst Hub Zürich, Mylona gallery. 2016 Art Farm Pilastro 2016 Far off Art Fair Cologne 2015 Nando Argüelles Gallery, Sotogrande, Cádiz, Spain 2015 Art Madrid Art Fair 2015 Spain 2015 Kleiner Salon Berlín, Germany 2009 Elephantarte Gallery, Madrid, Spain 2008 Flecha Art Fair, Madrid,Spain 2007 Flecha Art Fair Madrid, Spain 2006 Flecha Art Fair Madrid, Spain 2004. Inside Art Gallery Figueras, Gerona, Spain
Foires 2020 Just Mad 2020 Art Rotterdam, NL 2019 Art Verone, IT 2019 Just Mad, ES 2019 Context Miami, USA 2019 Art Madrid NB7 2019 JustLX (White Niose Gallery, Rome) 2019 Just Madrid (White Niose Gallery, Rome) 2018 Context Miami 2018 Positions Berlin (Gallery Ulf Larsson, Cologne) 2018 Art Verona (White Noise Gallery, Rome) 2018 Art Marbella (Flecha) 2018 Affordable Art Hong Kong (Retrospect Gallery, Australia)
⁄ Bence Magyarlaki
⁄ Bio Bence Magyarlaki est un artiste hongrois né en 1992, actuellement basé à Paris. Ses sculptures explorent la tension entre le confinement architectural et le corps gestuel et social. Dans le processus intuitif d’unification du langage architectural et corporel, l’artiste utilise la mémoire corporelle comme lieu de production. Chaque forme est donc l’expression d’une sensation dont on se souvient ou qu’on revisite, faisant souvent référence à l’intimité de son propre corps, ou à sa parenté et sa position relative par rapport à un autre. Au lieu de considérer le corps comme oppressé par l’architecture - qui apparaît ici comme une représentation du contrôle sociétal - l’artiste propose le potentiel transformateur du corps en lui-même et sur les structures sociales qui contrôlent et brident ses désirs.
Bence Magyarlaki is a Hungarian artist born in 1992, currently based in Paris. His sculptures explore the tension between architectural containment and the gestural, social body. In the intuitive process of uniting architectural and body language, the artist uses body memory as his site of production. Each shape therefore is an expression of a sensation remembered or revisited, often referencing the intimacy of one’s own body, or its relatedness and relative position to another. Instead of considering the body as opressed by architecture - that appears here as a representation of societal control - the artist is proposing the body’s transformative potential within itself and on the societal structures that control and police its desires.
⁄ CV
Expositions collectives Education 2014 – 2017 BA (Hons) Fine Art - 1st Class Honours Central Saint Martins College of Arts and Design, London 2013 – 2014 Moving image and media design, 91. Stúdió, Budapest, Hungary Nominations: The MullenLowe NOVA Awards, nominated 2017 The International Takifuji Art Award, nominated 2017 Expositions individuelles 2020 Foco Gallery, Lisbon 2020 Martch Art project, Istanbuld
2019 In Limen, Memory - Teatro Romano, Lisbon Recreational Grounds, London 2019 S2 Third Base Residency Exhibition Third Base Studios, Lisbon 2019 Capitulo I. - Auditório Municipal Augusto Cabrita (AMAC), Barreiro 2018 Open studio exhibition, PADA Studios, Lisbon 2018 Feedback group exhibition, The Switch Gallery, Lisbon 2018 Anexo 6, Lisbon 2018 UX deconstructed - curated by Carolina Grau, UX Art Space, Lisbon 2018 Instants Between Now, documentary film on Ines Zenha commissioned by La Junqueira Artist Residency, Lisbon 2018 Mapping Violence, documentary commissioned by #MoocLive Centre Virchow-Villerme in collaboration with Université Descartes, Paris
2017 Twilly’s Minimalist Playground Saatchi Gallery, London 2017 Degree Show I. - Central Saint Martins College, London 2017 Big Space - Central Saint Martins College, London 2017 Painting Beyond Itself - 14TH CINEMA, London (curator) 2017 Film in Performance | Performance in Film 14TH CINEMA, London (curator) 2016 Scriptless Film, Gasworks Gallery, London (curator and artist) 2016 Sound & Vision, Copeland Gallery, London
(entre-deux) corps, février - 2021 Salle des Casques, Jardin Rouge Marrakech, Maroc
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