DOMINGO 25 SALA BERLANGA | FILMOTECA
11 30 h LOS AÑOS AZULES · SECCIÓ OFICIAL .
18 00 h EL BONARENSE · CICLO LUNA DE VALENCIA:PABLO TRAPERO .
20 00 h SEXY DURGA · SECCIÓ OFICIAL .
22 30 h EVEN LOVERS GET THE BLUES · SECCIÓ OFICIAL .
SALA JOSÉ SANCHO | FILMOTECA
16 00 h CORTOS | PROGRAMA 5 (90’) · SECCIÓ OFICIAL .
CIDADE PEQUENA NOTHING STRANGER L A S A N TA C H E D O R M E L A F I L M D E L’ E T É
18 00 h CORTOS | PROGRAMA 7 (82’) · SECCIÓ OFICIAL .
IL SILENZIO
N E G AT I V E S PA C E CUCLI LIFE IN BOXES F LY N N VLINDICTE THE RABBIT HUNT
20 00 h CORTOS | PROGRAMA 8 (86’) · SECCIÓ OFICIAL .
JENNY NO JUNGLE GUSLA A VA R D Y NOVEMBER
22 30 h CORTOS | PROGRAMA 10 (73’) · SECCIÓ OFICIAL .
À N O I T E FA Z E M - S E A M I G O S THE NEVERENDING WALL VA L E N T I N A BUSINESS
CENTRE DEL CARME
22 30 h SIX MEN GETTING SICK (4’) + THE GRANDMOTHER (33’)+ THE ALPHABET (4’) .
· CICLO EL JOVEN DAVID LYNCH
SOLAR (CALLE CONDE DEL MONTORNÉS 15)
22 30 h METAGRAFFITI · ART & THE CITY .
O C T U B R E C E N T R E D E C U LT U R A C O N T E M P O R À N I A
11 00 h TEMPORADA BAJA (70’) · SECCIÓ OFICIAL WEBSERIES .
17 00 h PROGRAMA 3 · SECCIÓ OFICIAL WEBSERIES .
18 45 h PROGRAMA 4 · SECCIÓ OFICIAL WEBSERIES .
LOS AÑOS A Z U L E S
“Els van dir que entre els 20 i els 30 la vida sencera es definix. Però la seua única certesa és que el sostre s’està caiguent”. Així presenta la mexicana Sofía Gómez Córdova Los años azules, el seu salt a la direcció en format llarg. Una producció que ens demostra que, amb pocs elements, es poden contar grans històries. Un sol espai (una casa desmanegada en la ciutat) i un grup de personatges, són ingredients suficients. Bo, potser també siga necessari disposar, com Sofía, d’un sentit precís del pla, la posada en escena, la construcció de personatges, així com un domini del tempo dramàtic i del valor simbòlic d’eixe espai. En eixa casa atrotinada viuen Diana, Jaime, Angèlica, Andrés i Silvia. Tots són distints entre si i, no obstant això, tenen moltes coses en comú. El que els uneix és el fet d’estar en eixa dècada, la dels vint, en la que u se sent perdut, tractant de trobar-se després del caos d’emocions que s’agiten en el seu interior. I com a testimoni omnipresent d’eixos conflictes, les parets d’eixe edifici que sembla que va a afonar-se. Una casa que és símbol de la brevetat de la vida. Una presència que dóna compte d’un passat en què no haurien nascut, notari del seu present que és pròleg, al mateix temps, d’un futur que no comptarà amb ells. Una casa i, bé... un gat. I què fa eixe gat escodrinyant-ho tot? Sofía Gómez Córdova és llicenciada en Arts Audiovisuals per la Universitat de Guadalajara (Mèxic) on treballa com a docent. Los años azules va guanyar els premis a la Millor Direcció i Millor Actriu, així com el premi FIPRESCI en el passat festival de Guadalajara.
“Les dijeron que entre los 20 y los 30 la vida entera se define. Pero su única certeza es que el techo se está cayendo”. Así presenta la mejicana Sofía Gómez Córdoba Los años azules, su salto a la dirección en formato largo. Una producción que nos demuestra que, con pocos elementos, se pueden contar grandes historias. Un solo espacio (una casa desvencijada en la ciudad) y un grupo de personajes son ingredientes suficientes. Bueno, quizá también sea necesario disponer, como Sofía, de un sentido preciso del plano, la puesta en escena, la construcción de personajes, así como un dominio del tempo dramático y del valor simbólico de ese espacio. En esa casa destartalada viven Diana, Jaime, Angélica, Andrés y Silvia. Todos son distintos entre sí y, sin embargo, tienen muchas cosas en común. Lo que les une es el hecho de estar en esa década, la de los veinte, en la que uno se siente perdido, tratando de encontrarte tras el caos de emociones que se agitan en su interior. Y como testigo omnipresente de esos conflictos, las paredes de ese edificio que parece que va a derrumbarse. Una casa que es símbolo de la brevedad de la vida. Una presencia que da cuenta de un pasado en el que no habrían nacido, notario de su presente que es prólogo, a la vez, de un futuro que no contará con ellos. Una casa y, bueno… un gato. ¿Y qué hace ese gato escudriñándolo todo? Sofía Gómez Córdova es licenciada en Artes Audiovisuales por la Universidad de Guadalajara (México) donde trabaja como docente. Los años azules ganó los premios a la Mejor Dirección y Mejor Actriz, así como el premio FIPRESCI en el pasado festival de Guadalajara.
SEXY D U R G A
Que el cine serveix per a acabar amb les nostres idees preconcebudes sobre el món no havia sigut tan evident com amb aquest llargmetratge. Una simple esbossa argumental li basta al director indi Sanal Kumar Sasidharan per a crear una obra pertorbadora. Una parella fuig en meitat de la nit per a agafar un tren. Una furgoneta es deté al seu costat i s’ofereix per a portar-los. A partir d’ací, comença per a ells un viatge de malson. Enfront dels tòpics, el cine indi és molt més que Bollywood. Una indústria contra la qual aquest treball pareix el seu revers tortuós. Si les pel·lícules hindi es regeixen per la llum i el color, en Sexy Durga reina la foscor. Si allí triomfen les trames d’amors feliços, ací les relacions humanes ens mostren el seu costat més cru. Inclús la música, alegre i brillant, es converteix en un macabre instrument de tortura i el ritu religiós ens mostra el seu costat més atàvic per a convertir-se en un aquelarre aborronador. Kumar Sasidharan furga en els soterranis de la societat índia per a fer un retrat aspre, sense concessions. En eixa societat, la dona es troba, de nou, desprotegida. Kumar Sasidharan juga amb les expectatives de l’espectador torcent amb àcida ironia els seus pors més profunds. L’inquietant no sorgeix del que ensenya, sinó d’allò que creiem que ocorrerà. Sanal Kumar Sasudharan es va graduar en Dret i va començar a exercir com a advocat. El seu interès pel cine li va portar a formar la seua pròpia productora per a realitzar pel·lícules a través de crowdfunding. En 2014 gana el premi al millor director del festival de Kerala per Oraalppkkam.
Que el cine sirve para acabar con nuestras ideas preconcebidas sobre el mundo no había sido tan evidente como con este largometraje. Una simple línea argumental le basta al director indio Sanal Kumar Sasidharan para crear una obra perturbadora. Una pareja huye en mitad de la noche para coger un tren. Una furgoneta se detiene a su lado y se ofrece para llevarles. A partir de aquí, comienza para ellos un viaje de pesadilla. Frente a los tópicos, el cine indio es mucho más que Bollywood. Una industria contra la cual este trabajo parece su reverso tortuoso. Si las películas hindi se rigen por la luz y el color, en Sexy Durga reina la oscuridad. Si allí triunfan las tramas de amores felices, aquí las relaciones humanas nos muestran su lado más crudo. Incluso la música, alegre y brillante, se convierte en un macabro instrumento de tortura y el rito religioso nos muestra su lado más atávico para convertirse en un aquelarre desgarrador. Kumar Sasidharan escarba en los sótanos de la sociedad india para hacer un retrato áspero, sin concesiones. En esa sociedad, la mujer se encuentra, de nuevo, desprotegida. Kumar Sasidharan juega con las expectativas del espectador torciendo con ácida ironía sus miedos más profundos. Lo inquietante no surge de lo que enseña, sino de aquello que creemos que va a ocurrir. Sanal Kumar Sasudharan se graduó en Derecho y empezó a ejercer como abogado. Su interés por el cine le llevó a formar su propia productora para realizar películas a través de crowdfunding. En 2014 gana el premio al mejor director del festival de Kerala por Oraalppkkam.
WEBSERIES
L’última edició de Cinema Jove en la seua secció de webseries ha deixat clara una cosa: la xarxa està que crema. El fet mateix de que, com hem vist aquestos dies i sense anar-nos-en massa lluny, al nostre país les grans cadenes de televisió generalistes comencen a invertir capital i a promocionar sèries enfocades exclusivament a l’entorn web, és la millor prova que la ficció en la xarxa interessa i molt.
La última edición de Cinema Jove en su sección de webseries ha dejado clara una cosa: la red está que arde. El hecho mismo de que, como hemos visto estos días y sin irnos demasiado lejos, en nuestro país las grandes cadenas de televisión generalistas empiecen a invertir capital y a promocionar series enfocadas exclusivamente al entorno web, es la mejor prueba de que la ficción en la red interesa y mucho.
A poc a poc, se’n va passant de les paraules, de les expectatives, als fets, a les realitats. Com ha quedat evidenciat en aquestes tres jornades de projeccions, amb el progressiu augment de la qualitat de la producció d’aquestos formats, el transvasament d’espectadors fidels a les velles formes d’emissió a la xarxa està creixent. De quina altra manera s’entendria que dos grans del cine com Michael Fassbender i Ridley Scott recolzaren un projecte com Zero, de l’espanyol David Victori? La facilitat dels nous sistemes digitals fa que qualsevol projecte es puga portar avant. “Ja no hi ha excuses”, diu Victori en una entrevista que teniu a la web del festival (cinemajove. com) . Altres sèries com Restoration, la macabra The Coffee Advisors o Dans un autre monde donen compte de les noves possibilitats que hi ha en la xarxa.
Poco a poco, se va pasando de las palabras, de las expectativas, a los hechos, a las realidades. Como ha quedado evidenciado en estas tres jornadas de proyecciones, con el progresivo aumento de la calidad de la producción de estos formatos, el trasvase de espectadores fieles a las viejas formas de emisión a la red está creciendo. ¿De qué otra manera se entendería que dos grandes del cine como Michael Fassbender y Ridley Scott apoyaran un proyecto como Zero, del español David Victori? La facilidad de los nuevos sistemas digitales hacen que cualquier proyecto se pueda llevar adelante. “Ya no hay excusas”, dice Victori en una entrevista que tenéis en la web del festival (cinemajove.com). Otras series como Restoration, la macabra The Coffee Advisors o Dans un autre monde dan cuenta de las nuevas posibilidades que hay en la red.
Però més que els mitjans tècnics, el que mana són les bones idees. Mateixa qualitat i factura, però altres gèneres. Del thriller de Hidden, curiosa adaptació del relat Deu negrets d’Agatha Christie, a la comèdia, la reina de la xarxa. Noche de paz, Perverts Anonymous, Discocalypse, Real Cops o la uruguaiana El maravilloso parque Hoolister, han garantit i donaran al llarg del dia bons moments al nostre públic. La xarxa es mou. I l’any que ve... moltes més. Ens veiem en la www
Pero más que los medios técnicos, siguen mandando las buenas ideas. Misma calidad y factura, pero otros géneros. Del thriller de Hidden, curiosa adaptación del relato Diez negritos de Agatha Christie, a la comedia, la reina de la red. Noche de paz, Perverts Anonymous, Discocalypse, Real Cops o la uruguaya El Maravilloso Parque Hoolister, han garantizado y darán a lo largo del día buenos momentos al público de Cinema Jove. La red se mueve. Y el año que viene… muchas más. Nos vemos en la www
E N T R E V I S TA
Amb El ataque de los robots de nebulosa-5, el seu primer curt, triomfava en Sundance. El seu últim treball, La disco resplandece, arriba al nostre festival.
Con El ataque de los robots de nebulosa-5, su primer corto, triunfaba en Sundance. Su último trabajo, La disco resplandece, llega a nuestro festival.
Vist amb el temps , què va significar per a tu El ataque...? Per a mi va significar poder alliberar-me de la sinistra oficina en què havia de passar la major part del meu temps, en un polígon industrial habitat per “entrepreneurs”, amb una única finestra que donava a l’interior d’un magatzem de pells; va significar que, des d’eixe moment, vaig poder viure de allò tan estrany com “fer pel·lícules”
Visto con el tiempo, ¿qué significó para ti El ataque…? Para mi significó poder librarme de la siniestra oficina en la que tenía que pasar la mayor parte de mi tiempo, en un polígono industrial habitado por “entrepreneurs”, con una única ventana que daba al interior de un almacén de pieles; significó que, desde ese momento, pude vivir de algo tan raro como “hacer películas”.
En La disco resplandece un grup de xics parla de les seues coses mentre recorre distints llocs del seu entorn quotidià. Pareix que apostes per relats més oberts. A què es deu eixa evolució? És només un camí diferent que m›abellia caminar. Fa molts anys, quan vaig començar a obsessionar-me amb Buñuel, vaig llegir l›entrevista amb Bazin en la que parlava dels moments “dona’m un misto “. Moments en què no succeeix gens rellevant, que ell exemplificava en un personatge que li demana un misto a un altre. Em va agradar molt eixa resposta i sempre l’he tingut present i anys després vaig veure en aquest projecte l’oportunitat de mostrar únicament moments “dona’m un misto”
En La disco resplandece un grupo de chicos habla de sus cosas mientras recorre distintos lugares de su entorno cotidiano. Parece que apuestas por relatos más abiertos. ¿A qué se debe esa evolución? Es sólo un camino diferente que me apetecía caminar. Hace muchos años, cuando empecé a obsesionarme con Buñuel, leí la entrevista con Bazin en la que hablaba de los momentos “deme una cerilla”. Momentos en los que no sucede nada relevante, que él ejemplificaba en un personaje que le pide una cerilla a otro. Me gustó mucho esa respuesta y siempre la he tenido presente y años después vi en este proyecto la oportunidad de mostrar únicamente momentos “deme una cerilla”.
L’humor és un element imprescindible en les teues pel·lícules. L’humor és un element imprescindible en la meua vida, i és una cosa amb la que amb el temps m’he tornat més radical. No m’interessa res que no continga humor. No m’interessa prendre’m el cine seriosament, ni com a espectador ni com a cineasta. M’agrada que allò poètic es genere espontàniament a partir de la bestiesa. En el teu cas, el curt és un format amb entitat. Per què tornes a ell? Jo fa molt que intent referir-me a lo meu com “pel·lícules”, no “curtmetratges”. Al final, es tracta d’una pel·lícula, i la seua durada està determinada per si mateixa i no per la imposició comercial dels 90 minuts. Crec que això d’acabar la pel·lícula quan a un que li dóna gana i no quan el mercat sent que té els minuts suficients per a cobrar una entrada i fer un número determinat de passes fa que siguen pel·lícules més lliures.
El humor es un elemento imprescindible en tus películas. El humor es un elemento imprescindible en mi vida, y es algo en lo que con el tiempo me he vuelto más radical. No me interesa nada que no contenga humor. No me interesa tomarme el cine en serio, ni como espectador ni como cineasta. Me gusta que lo poético se genere espontáneamente a partir de la chorrada. En tu caso, el corto es un formato con entidad. ¿Por qué vuelves a él? Yo hace mucho que intento referirme a lo mío como “películas”, no “cortometrajes”. Al final, se trata de una película cuya duración está determinada por sí misma y no por la imposición comercial de los 90 minutos. Creo que eso de terminar la película cuando a uno que le da gana y no cuando el mercado siente que tiene los minutos suficientes para cobrar una entrada y hacer un número determinado de pases hace que sean películas más libres.
CARLOS LOSILLA A principis d’aquest segle, el concepte de “cinema invisible” es va convertir en un poderós fetitxe cinèfil, un dels últims que podien atorgar nova vida a les mutacions que estava experimentant el fet de veure pel·lícules i parlar/escriure sobre elles. D’alguna manera, el millor cine tenia a veure amb allò oculte, amb allò que es feia difícil de veure, com sempre havia succeït des dels temps d’Henri Langlois i les catacumbes de la Cinémathèque, però ara es tractava de la més estricta contemporaneïtat. Cineastes com Tsai Ming-liang o Claire Denis, Lisandre Alonso o Pedro Costa, no tenien accés a les pantalles comercials d’aquest país i això impedia a l’espectador mitjà entendre el nou cànon, inclús saber de què anava això del “cine contemporani”, perquè només els festivals i les filmoteques permetien veure algunes de les millors pel·lícules del moment a un cert nombre de privilegiats. Eixe panorama ha canviat molt des de llavors, fins al punt que bona part d’aquell cinema invisible s’ha fet cada vegada més visible. La distribució i l’exhibició s’han renovat amb apostes valentes que ara com ara permeten l’estrena de molts dels autors més importants del segle XXI, alhora que certes programacions alternatives omplin buits que abans pareixien insalvables. Qui ens haguera dit fa quinze anys que hui podríem veure en sales els treballs de cineastes com Rita Azevedo Gomes, Hong-Sang Soo o Kelly Reichardt? I no obstant això, hi ha açò que roman inalterable: l’encabotament d’una certa intel·lectualitat -inclús d’una certa crítica davant les propostes més arriscades de la contemporaneïtat, d’un cinema que continua avançant en les seues innovacions estètiques però cada vegada troba menys suport d’un públic encara no educat en eixe territori. No ens enganyem, doncs potser cada vegada s’estrenen més d’eixes pel·lícules que en aquell temps cridàvem “radicals”, però els que ens veiem en eixes sessions som els de sempre, una elit al seu pesar que encara no ha aconseguit convèncer a la resta que eixe cine és el que verdaderament importa, a vegades ni tan sols als seus propis companys de professió. Pense en enguany i en el fet de que no haguem sigut encara capaços de reivindicar adequadament pel·lícules tan importants com Personal Shopper, d’Olivier Assayas, o La ciutat perduda de Z, de James Gray. I pense en que eixe és hui el verdader “cinema invisible”, no importa si s’estrena o no, no importa d’on procedisca: és el cine la transcendència del qual encara no sabem apreciar, potser perquè en l’imaginari d’això que cridem “cultura espanyola” el cine continua sent un art subsidiari de tots els altres.
EL OTRO CINE INVISIBLE L’ A LT R E C I N E M A I N V I S I B L E A principios de este siglo, el concepto de “cine invisible” se convirtió en un poderoso fetiche cinéfilo, uno de los últimos que podían otorgar nueva vida a las mutaciones que estaba experimentando el hecho de ver películas y hablar/escribir sobre ellas. De algún modo, el mejor cine tenía que ver con lo oculto, con lo que se hacía difícil de ver, como siempre había sucedido desde los tiempos de Henri Langlois y las catacumbas de la Cinémathèque, pero ahora se trataba de la más estricta contemporaneidad. Cineastas como Tsai Ming-liang o Claire Denis, Lisandro Alonso o Pedro Costa, no tenían acceso a las pantallas comerciales de este país y ello impedía al espectador medio entender el nuevo canon, incluso saber de qué iba eso del “cine contemporáneo”, pues sólo los festivales y las filmotecas permitían ver algunas de las mejores películas del momento a un cierto número de privilegiados. Ese panorama ha cambiado mucho desde entonces, hasta el punto de que buena parte de aquel cine invisible se ha hecho cada vez más visible. La distribución y la exhibición se han renovado con apuestas valientes que hoy por hoy permiten el estreno de muchos de los autores más importantes del siglo XXI, al tiempo que ciertas programaciones alternativas llenan huecos que antes parecían insalvables. ¿Quién nos hubiera dicho hace quince años que hoy podríamos ver en salas los trabajos de cineastas como Rita Azevedo Gomes, Hong-Sang Soo o Kelly Reichardt? Y sin embargo, hay algo que permanece inalterable: la cerrazón de una cierta intelectualidad –incluso de una cierta crítica— ante las propuestas más arriesgadas de la contemporaneidad, de un cine que sigue avanzando en sus innovaciones estéticas pero cada vez encuentra menos apoyo de un público todavía no educado en ese territorio. No nos engañemos, pues puede que cada vez se estrenen más de esas películas que en aquel tiempo llamábamos “radicales”, pero los que nos vemos en esas sesiones somos los de siempre, una élite a su pesar que aún no ha conseguido convencer al resto de que ese cine es el que verdaderamente importa, a veces ni siquiera a sus propios compañeros de profesión. Pienso en este año y en el hecho de que no hayamos sido aún capaces de reivindicar adecuadamente películas tan importantes como Personal Shopper, de Olivier Assayas, o La ciudad perdida de Z, de James Gray. Y pienso en que ese es hoy el verdadero “cine invisible”, no importa si se estrena o no, no importa de dónde proceda: es el cine cuya trascendencia aún no sabemos apreciar, quizá porque en el imaginario de eso que llamamos “cultura española” el cine sigue siendo un arte subsidiario de todos los demás.
S ecci ó n O ficial de L argometrajes Diez largometrajes compiten por la Luna de València en la 32 edición de Cinema Jove. Las películas provienen de países como Sudáfrica, Sri Lanka, India, México, Argentina, Brasil, Austria, Polonia, Bélgica y Colombia. 23 junio - 01 julio Sala Berlanga (Edificio Rialto)
Plaza del Ayuntamiento 17
S ecci ó n O ficial de C O R T O M E T R A J E S Compiten 64 cortometrajes, entre los que se encuentran títulos seleccionados en Cannes, Toronto, Locarno, Rotterdam, Berlín, Annecy y Hot Docks Canadá. 23 junio - 01 julio Sala JOSÉ SANCHO (Edificio Rialto)
Plaza del Ayuntamiento 17
S ecci ó n O ficial W E B S E R I E S Proyección de 13 series online de Argentina, Canadá, Australia, EEUU, Alemania, Italia, Francia, Reino Unido y Uruguay. 24 junio - 25 juNio OCTUBRE CCC
Calle Sant Ferran 12
ENCUENTRO AUDIOVISUAL DE JÓVENES
Exhibición de 29 cortometrajes realizados por estudiantes de infantil y primaria; ESO, Bachillerato y estudiantes de ciclos formativos y universidades. 29 junio - 01 julio COLEGIO MAYOR RECTOR PESET
Plaza del Forn de Sant Nicolau 4