Revista AMI EDIÇÃO 18 by Revista Ami

Vibrante e reprodutĂvel A EssĂŞncia do moderno

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instagram @secreto.sagrado.feminino ami | 3

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ADRIANO BRAGA CEO +55 21 984764386 adriano@asxconsultlog.com.br ami | 7

ÍNDICE ESPECIAL ANIVERSÁRIO 5° ANO.

FICHA TÉCNICA ANA VITORINO - Editora Chefe e Cultural THAIS FILGUEIRA - Editora de Moda e Fotografia JACY JUNIOR - Colunista Haute Couture JESSYCA AMENO - Repórter Cultural e Fotógrafa em MG ANA GRANDÉS - Diagramadora WILLIAN BRAGA - Tradutor e Revisor Inglês

AMI PORTUGAL MÁRCIA BARROS - Núcleo cultural RUY MORAES - Fotógrafo de moda ANNA DE CASTRO - TEXTO E CRÔNICA CAPA: Foto THAIS FILGUEIRA Modelo: DANIELLY CARDOSO

Agradecimentos: Albina Pompermayer, Attílio Colnago, Cris Aguiar , Caio Mota, Danielly Cardoso, Dirce Braga, Jacy Junior, Luiz Fernando Moreira, Mariana Bermudes.

edição18° Revista Ami 5° ano contatorevistaami@gmail.com www.issuu.com/revistaami

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COR

VIA

APRENDIZADO CRIA AMOR DET COLA VIDA anos de muita...

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ARTE

MODA

AGENS ULTURA O RABALHO STILO AÇÃO EDICAÇÃO

TERMINAÇÃO

ABORAÇÃO

BELEZA ALEGRIA

VIVÊNCIA

Ana Vitorino ami | 11

Al Hirs 12 | ami

schfeld ami | 13

Albert Hirschfeld

quadro branco. No entanto, existe um corpo inteiro do trabalho de Hirschfeld em cores. As pinturas coloridas de Hirschfeld foram encomendadas por muitas revistas, muiMais conhecido como Al Hirschfeld, foi tas vezes como capa. Os exemplos são um famoso ilustrador do jornal The New TV Guide, Life Magazine, American MerYork Times. cury, Look Magazine, The New York Times Magazine, The New Masses e Seventeen Com estilo único, ele ainda é conside- Magazine. Ele também ilustrou muitos lirado uma das figuras mais importantes vros em cores, principalmente entre eles do desenho e da caricatura contempo- Harlem As Seen By Hirschfeld, com texto râneos, tendo influenciado inúmeros ar- de William Saroyan. tistas, ilustradores e cartunistas. Suas caricaturas eram regularmente desenhos Hirschfeld começou jovem e continuou de linhas puras em tinta preta, para as desenhando até o fim de sua vida, narquais ele usava uma pena de corvo ge- rando assim quase todas as principais nuína. figuras do entretenimento do século XX. Hirschfeld desenhou as maiores estrelas de Hollywood, como por exemplo Charlie Chaplin, Woody Allen, Ethel Merman, entre tantos outros. Em todos os seus desenhos traçava o nome de sua filha, Nina, para que os leitores do The New York Times pudessem procurar.

Durante sua carreira de oito décadas, ele ganhou fama ilustrando os atores, cantores e dançarinos de várias peças da Broadway, que apareceriam com antecedência no The New York Times para anunciar a abertura da peça. Embora o teatro fosse o seu campo de interesse mais conhecido, de acordo com Em 1924, Hirschfeld viajou para Paris e o negociante de arte de Hirschfeld, MarLondres, onde estudou pintura, desenho go Feiden, ele realmente atraiu mais os e escultura. Quando ele voltou para filmes do que as peças ao vivo. os Estados Unidos, um amigo, lendário agente da imprensa da Broadway, Richard Maney, mostrou um dos desenhos de Hirschfeld a um editor do New York Herald Tribune, que recebeu comissões de Hirschfeld para o jornal e, posteriormente, The New York Times. Os leitores do New York Times e de outros jornais anteriores à impressão em cores são mais familiarizados com os desenhos de Hirschfeld, que são de tinta preta no

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om a idade avançada de 17 anos, enquanto seus contemporâneos aprendiam a afiar lápis, Hirschfeld tornou-se diretor de arte da Selznick Pictures. Ele ocupou o cargo por cerca de quatro anos. Em 1924, Hirschfeld mudou-se para Paris para trabalhar e liderar o Vida boêmia: Hirschfeld também cultivou barba, exigido pelas exigências de viver em um apartamento de água fria. Isso ele reteve pelos próximos 75 anos, presumivelmente porque "você nunca sabe quando o seu queimador de óleo fica estressado".

Aladdin (1992). Ele foi o tema do documentário indicado ao Oscar, The Line King: The Al Hirschfeld Story (1996).

Hirschfeld é conhecido por esconder o nome de Nina, escrito em letras maiúsculas (“NINA”), na maioria dos desenhos que ele produziu após o nascimento dela. O nome apareceria em uma manga, em um penteado ou em algum lugar no fundo. Hirschfeld se envolveu na “insanidade inofensiva”, como ele chamava, de esconder o nome dela pelo menos uma vez em cada um de seus desenhos. O número de NINAs ocultas Além da Broadway e do cinema, Hirsch- é mostrado pelo número escrito à difeld também atraiu políticos, estrelas da reita de sua assinatura. Geralmente, se TV e celebridades de todos os tipos, de nenhum número for encontrado, NINA Cole Porter e Nicholas Brothers ao elen- aparece uma vez ou o desenho foi conco de Star Trek: The Next Generation . Ele cluído antes de ela nascer. também caricaturou músicos de jazz Glenn Miller, Duke Ellington, Count Basie , Dizzy Gillespie , Billie Holiday e Ella Fitzgerald - e os roqueiros The Beatles , Elvis Presley , Bruce Springsteen , Bob Dylan , Jerry Garcia e Mick Jagger . Em 1977, ele chamou a capa do álbum Draw the Line do Aerosmith. Hirschfeld desenhou muitos pôsteres de filmes originais, incluindo os filmes de Charlie Chaplin, bem como O Mágico de Oz (1939). O segmento " Rhapsody in Blue " no filme da Disney Fantasia 2000 foi inspirado por seus desenhos, e Hirschfeld tornou-se consultor artístico do segmento; o diretor do segmento, Eric Goldberg, é um fã de longa data de seu trabalho. Evidências adicionais da admiração de Goldberg por Hirschfeld podem ser encontradas no design de personagens e na animação do gênio de Goldberg em

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Nos primeiros meses após o nascimento de Nina, Hirschfeld pretendeu que as NINAs ocultas atraíssem seu círculo de amigos. Mas, para sua completa surpresa, o que ele não havia percebido era que a população em geral também estava começando a vê-los. Quando Hirschfeld pensou que a "mordaça" estava diminuindo entre seus amigos e parou de esconder NINAs em seus desenhos, cartas para o New York Times variando de "curioso" a "furioso" o pressionaram a começar a escondê-los novamente. Ele disse que era mais fácil esconder os NINAs do que responder a todo o correio. De tempos em tempos, lamentava que o artifício tivesse ofuscado sua arte. No livro de Hirschfeld, Show Business is No Business, Feiden relata a seguinte história para ilustrar o que Hirschfeld quis dizer quando se referiu à “contagem de NINA” como uma loucura inofensiva: “A mania de contagem de NINA foi bem iluminada quando em 1973 um estudante da NYU continuou chegando de volta à minha galeria para olhar o mesmo desenho todos os dias por mais de uma semana. O desenho era o retrato caprichoso de Hirschfeld do Central Park de Nova York. Quando a curiosidade finalmente me tirou o melhor de mim, perguntei: ‘O que há de tão fascinante nisso? Desenho que mantém você aqui por horas, dia após dia? Ela respondeu que havia encontrado apenas 11 dos 39 NINAs e não desistiria até que todos estivessem localizados. Respondi que o ‘39’ próximo à

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assinatura de Hirschfeld era o ano. Nina nasceu em 1945. “ Em sua antologia de 1966, The World of Hirschfeld, ele incluiu um desenho de Nina, que ele intitulou “Nina’s Revenge”. Esse desenho não continha NINAs. Havia, no entanto, dois ALs e dois DOLLYs (“os nomes de seus pais rebeldes”). No segmento Fantasia 2000 , o tubo do creme dental Duke the Builder continha um NINA em homenagem a Hirschfeld. Hirschfeld morreu dormindo em sua casa, em 20 de janeiro de 2003, em Nova Iorque. Trabalhou até dois dias antes de sua morte, quando desenhava os Irmãos Marx.

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A short evening look from the Yves Saint Laurent spring/summer 1977 haute couture collection.Credit...© Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris / Alexandre Guirkinger

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A cocktail dress tribute to Piet Mondrian from the Yves Saint Laurent fall/winter 1965 haute couture collection.Credit...© Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris / Alexandre Guirkinge

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YVES HENRI DONAT MATHIEUSAINT LAURENT

Foi um designer de moda francês, fundador da marca Saint Laurent e um dos nomes mais significativos da alta-costura do século XX. Nasceu na Argélia, então possessão francesa, era filho do presidente de uma companhia de seguros e seu gosto pela moda lhe foi despertado pela mãe.

Em 1962, Yves deixou a Dior para fundar sua própria Maison, a YSL, financiada por seu companheiro Pierre Bergé, um hábil homem de negócios, e se tornou um dos designers de moda mais importante do século XX.

Entre os anos 60 e 70, a marca YSL tornou-se conhecida em todo o mundo, Aos 17 anos, deixou a casa dos pais para por seu refinamento, por sua praticidade trabalhar com o estilista Christian Dior, conjugada com sofisticação e precisão de quem herdou o controle criativo da da alta costura, matéria na qual Yves foi casa Dior após a morte de seu mentor mestre. A grande sacada do estilista foi em 1957. a criação do Prêt-à-Porter, a moda inE com apenas 21 anos de idade assumiu dustrial, que se caracterizava pelo bom a direção da mais importante Maison corte, bom gosto e que eram acessíveis da moda francesa e o desafio de salvar ao público geral. o negócio da ruína financeira. Foi o que lhe abriu as portas para o mercado da Outra grande realização de Yves foi a moda e da alta costura internacional. criação de coleções de caráter masculinos adaptados às mulheres, o chamaAlgum tempo depois de fazer sucesso do “smoking feminino”. Isso foi relevante na Dior, St. Laurent foi convocado para no que diz respeito ao comportamento o exército francês, durante a Guerra de da época, pois as mulheres começaram Independência da Argélia. Por 20 dias, a usar calça comprida, o que a socieele foi maltratado e ridicularizado pelos dade francesa rejeitava até então. colegas soldados e por isso teve que ser internado num hospital mental francês, Em 1966, foi o primeiro a popularizar o onde ele foi submetido a tratamento Prêt-à-porter, a moda de bom gosto e psiquiátrico, incluindo terapia por ele- bom corte, a preços mais acessíveis que trochoques, devido a um esgotamento a alta-costura, em sua boutique Rive nervoso e afastado de seu ateliê por um Gauche, em Paris. grande tempo.

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An embroidered evening jacket from the Yves Saint Laurent spring/summer 1990 haute couture collection.Credit...© Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris / Alexandre Guirkinger

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Foi também o primeiro estilista do mundo a usar manequins negras em desfiles de moda. Um dos símbolos máximos da sofisticação e do bom gosto em moda por quase quatro décadas, amigo de algumas das mais ricas e famosas mulheres do mundo, St Laurent, com a parceria administrativa de Bergé, transformou a Saint Laurent num ícone da moda, que apresentou mais de setenta coleções de alta-costura e lançou uma infinidade de produtos que levam sua marca e são vendidos em toda parte do mundo. Em janeiro de 2002, o estilista anunciou que estava deixando o mundo da moda durante a apresentação de um desfile seu, que trazia uma retrospectiva de todas suas criações, ao longo de seus quarenta anos de carreira. Ives Saint Laurent faleceu em Paris, França, no dia 1 de junho de 2008, vítima de câncer no cérebro.

“Nada é mais belo do que um corpo nu. A roupa mais bela que pode vestir uma mulher são os braços do homem que ela ama. Mas, para aquelas que não tiveram a sorte de encontrar esta felicidade, eu estou lá.” Yves St. Laurent

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A Chicago crocodile-embossed leather jacket from the Yves Saint Laurent for Christian Dior fall/winter 1960 haute couture collection. Credit...© Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris / Alexandre Guirkinger

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A green fox fur coat from the Yves Saint Laurent spring/summer 1971 haute couture collection.Credit...© Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris / Alexandre Guirkinger

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A short daytime look from the fall/winter 1963 Yves Saint Laurent haute couture collection.Credit...© Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, Paris / Alexandre Guirkinger

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o MUSEU YVES SAINT LAURENT MARRAKECH FICA PERTO DO JARDIM MAJORELLE, SÂO QUASE 4.000 M² É MAIS DO QUE APENAS UM MUSEU Perto do Jardim Majorelle, adquirido por Yves Saint Laurent e Pierre Bergé em 1980, o museu YVES SAINT LAURENT em Marrakech, um novo edifício com uma superfície total de quase 4.000 m², é mais do que apenas um museu. Inclui um espaço de exposição permanente de 400 m², apresentando a obra de Yves Saint Laurent em uma cenografia original de Christophe Martin. O museu também abriga uma sala de exposições temporárias, uma biblioteca de pesquisa com mais de 5.000 obras, um auditório com 140 lugares, uma livraria e um café com terraço. VALE MUITO A VISITA!

Rue Yves Saint Laurent 40090 Marraquexe Marrocos 10h às 18h, exceto quarta-feira última entrada às 17h30 INFO@MUSEEYSLMARRAKECH.COM

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CAIO MOTA 34 | ami

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Caio Mota Fotografia, maquiagem, design, styling fazem parte de quem sou. Durante o isolamento social, veio da necessidade de externalizar tudo que me habita, toda a imaginação que permeia meus dias. Neste momento sombrio que vivemos, diante de infinitas más notícias nos apedrejando a cada dia, consegui botar nesse projeto a concentração necessária para amenizar o sofrimento deste momento, criando uma rotina introspectiva e irreal. O processo criativo é como peças de um quebra-cabeça louco e lúdico que vão se encaixando no decorrer do ensaio, até alcançar o resultado final. Utilizo nosso acervo, junto ao material de trabalho e o que estiver ao alcance, fazendo ou não sentido diante das minhas perspectivas. A realidade está dura, desumana, mas colorir a face, os meus dias e de quem me acompanha tem sido um respiro. Poder fazer disso meu modo de vida é um privilegio, que reconheço e agradeço muito por ter.

@ocaiomota

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Caio Mota

Cássio Magne Co-Produção

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Foto Produção geral Figurino Maquiagem Direção de arte Cenografia Montagem Locação Edição

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Cantus Firmus Attilio Colnago

“ Nada nesse mundo é permamente exceto a mudança e a transformação” Heráclito (535/475 ac) ami | 45

F s u t n a C C o i l itt Cantus Firmus

Desenhos. Attilio Colnago

Por um longo tempo venho desenvolvendo trabalhos na área de artes visuais que trafegam entre o desenho, a pintura e a gravura. Porém, partir de 2018/19 na preparação de obras para a mostra “Cantilena para Joy” realizada na Galeria de Arte Espaço Universitário/UFES, o desenho chegou de forma definitiva na minha produção. Nas “Cantilenas” foram iniciados os diálogos carregados de estranhezas com personagens que bem convivem com os fantasmas que transitam incertos pelo cotidiano, construindo desenhos com grafites, que emergiam do papel imaculadamente branco. Na série em curso intitulada “Cantus Firmus”, talvez, levado pelo complicado momento do mundo envolto nesta pandemia, precisei tonalizar os papéis em meios tons, que vão sendo aos poucos povoados por seres que nascem da penumbra e, de alguma forma, buscam a sua luz.

O cantus firmus (do latim canto fixo) constituía-se no uso de uma melodia já existente que servia como base temática para um novo arranjo polifônico, utilizado nas composições do século XIII ao século XVI. Acredito que esta série se organiza a partir desta ideia central, tendo como a linha melódica os personagens surgidos nas “Joys” aliados a técnicas de desenho que mesmo presentes por tanto tempo em minha produção, mostram-me caminhos ainda não trilhados. Sempre afirmei que sou um artista de ofício, e estar envolvido com pesquisas tanto de técnicas quanto de materiais me instrumentalizam ao uso competente de recursos que são utilizados e renovados continuamente.

Quanto aos personagens, se dou vida a tantas e diversas criaturas é porque tantas e estranhas criaturas habitam em mim e, com elas armo o teatro que vai sendo traduzido em desenhos. Acredito que os personagens e seus afãs começam a emergir desde a tonalização dos papéis, a preparação das pontas metálicas, ou no simples apontar dos grafites.

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s u m r i F o g a n l o C Medusa 2020 ContĂŠ sobre papel tonalizado - 83x54cm

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F s u t n a C C o i l itt A paixão pelo corpo humano sempre foi o foco de meus estudos e produção. Desde as “Cantilenas”, não mais interessa o corpo que se molda ou se reconstrói para se mostrar, “Vanitas Vanitatum et omnia Vanitas” (Eclesiastes 1:2). O foco agora se encontra fora deste parâmetro - figuras sem definição de gênero e que colocam em evidencia as marcas do tempo, suas partes doídas e escuras, que fazem um contraponto com a imposição de uma ideia de eterna juventude e beleza. De acordo com Paulo Sodré “não importam para o autor de Cantilenas para Joy o sexo, o gênero, a idade, a moral; não importa definir se é humano ou besta, se bom ou mau (...) o que está em pauta são as pessoas e sua dimensão humana animal sagrada, porque em nós se alojam homens, mulheres, bestas, graal e cachaça, compartilhados em sótãos, salas, porões, quartos e pocilgas. ” (Cantilena para Joy, EDUFES, 2019. P. 51)

Desta forma crio personagens que perambulam na dialética proposta por Láquesis e Átropos - perenidade e fragilidade -, na relação conflituosa do homem com sua própria morte, uma criatura de passagem, na finitude que nos define. Acredito que os desenhos se configuram quase um “dernier portrait” do que ficou retido nestes personagens que nos encaram e contam histórias (as nossas e as de alguém), a partir do que ficou como memória do que não mais está presente, mas que o corpo registrou na passagem das paixões e do tempo. Do que ficou adormecido e agora borda enigmas nas peles sulcadas pelo tempo. As figuras se corporificam como seres solitários, donos de si e enclausurados em si mesmos, com olhares que se melancolizam ao encontrar com os teus. Por vezes não ao alcance dos olhos, mas percebidos pelo coração... Fica o desafio de como desenvolver a série Cantus Firmus extraindo do desenho as possibilidades imagéticas sem incorrer em ilustrações. Como construir corpos e faces tão díspares, tornando em musa os fantasmas do cotidiano, como fazer/saber se comportar como um novo Orfeu e ter a possibilidade de trazer figuras para uma nova vida, em forma de tons e texturas que a riqueza das técnicas pode propiciar.

A sensação de encontrar estes personagens pode se dicotomizar: a repulsa por estes seres ou o passeio pelo devaneio técnico e ornamental. Quem ultrapassar este portal poderá trazer para perto e para dentro a fusão do humano com o divino, uma comunhão entre corpo e alma. Estamos em um momento para procurar sanar as dores do corpo e do espírito, promover um alento, tanto no sentido humano quanto espiritual que nos impele a refletir na profunda certeza sobre as coisas pelas quais vale a pena viver. Cumpro agora o que creio ser a tarefa de hoje, contextualizar o momento e o novo, tendo como ponto de partida a história e a tradição, revistas pelo presente e, sem cerimônias, no meio do caos, abrir espaços para o pensar e o contemplar.

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s u m r i F o g a n l o C Cloto 2020 ContĂŠ, grafite e tĂŞmpera de cera sobre papel tonalizado - 83x54cm

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F s u t n a C C o i l itt Cantus Firmus I 2020 ContĂŠ sobre papel tonalizado - 152 x 58 cm

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F s u t n a C C o i l itt Cantus Firmus II 2020 ContĂŠ sobre papel tonalizado - 152 x 58 cm

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Portrait

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Fotógrfa THAIS FILGUEIRA @thais_filgueira

Direcão de Arte ANA VITORINO @anavitorinoestilo

Beleza CRIS AGUIAR @crisaguiarmakeup

Figurino CONCEITO101 @conceito.101

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Locação LUIZ MOREIRA @revista.ami

Modelo MARIANA BERMUDES @maribermudes

Modelo DANIELLY CARDOSO @danielly8734

Agencia NAV MODEL MANAGEMENT @navmodels

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Jacy unior J A moda sempre se mostrou apta a permanecer de pé diante de grandes eventos que assolaram o mundo. Nos bastidores de tais eventos, a alta-costura segue firme em seu propósito austero de manter o savoir-faire em seu DNA. Duas grandes guerras (lê-se 1914/1918 e 1939/1945), o crash na bolsa de NY (1929) e em nossos dias, o que será da moda no pós pandemia? O que nos reserva o mundo que outrora não via nada além do “EU" embalado em quantidades exorbitantes de roupa, num consumo voraz e impiedoso?

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“Tailleur bar" DIOR 1947 by Jacy Junior

John Galliano para a Dior (HC 2011) by Jacy Junior

Creio que o foco principal de hoje em “O que podemos esperar? Eu me perdiante, seja intrinsecamente o ser pes- gunto, em meio a tantas incertezas. Ansoal de cada indivíduo que constitui o sioso com o que virá. “Olímpio fashion”. Teremos nosso olhar voltado para o ser Reis, príncipes, chefes de estado, líde- humano, seremos capazes de nos por res religiosos e pessoas comuns, sucum- no lugar do outro? Consumir menos e biram diante da ameaça real que nos viver mais, deixando cair por terra todo obrigou a introduzir a máscara como egocentrismo e observar mais em redor. acessório de primeira necessidade em Façamos o teste! nossos guarda-roupas. Dito isso, o calendário de toda indústria foi repensado (vejo com bons olhos), observando o consumo que já não será mais o mesmo. Será que foi necessário algo tão ruim, para nos ensinar a sermos melhores e olhar mais para o indivíduo do que a própria moda em si? Tais respostas virão com o tempo. Enquanto não vêm, a moda se reinventa, alterando datas, prazos, confirmando mais do que nunca a tecnologia em seu favor, com a digitalização dos grandes nomes da couture, podemos confiar que o acesso às coleções será mais democrático.

#FICAEMCASA (SE POSSÍVEL)

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au pochoir

Henri Matisse

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Henri Matisse

gereau, presidente da Sociedade de Pintores e Gravadores. Insatisfeito com as repreensões do professor passa então a frequentar o curso do pintor Gustave Moreau, que o aceita como discípulo.

O Fauvismo foi o primeiro movimento Henri Émile Benoit Matisse nasceu em moderno do século XX, criado por MatisCateau-Cambrésis, no Norte da França. se e André Derain. Foi assim denominado por um crítico francês que, em 1905, Henri Matisse foi um pintor, desenhista, os chamou de fauves (feras selvagens) ao se referir às suas cores fortes e chogravurista e escultor francês. cantes. Suas obras são consideradas uma das expressões mais importantes da arte de vanguarda. Juntamente com Picasso e Marcel Duchamp, Matisse é um dos três artistas seminais do século XX, responsável por uma evolução significativa na pintura e na escultura. Pablo Picasso o considerou seu maior rival, embora fosse seu amigo. Matisse, como outros artistas do movimento, rejeitava a luminosidade impressionista, e usava a cor como fator principal da pintura, levando-a às últimas consequências. Apesar de nunca ter se juntado aos Cubistas, sofreu algumas influências deste grupo. Foi um dos fundadores do “Fauvismo” – o primeiro movimento moderno do século XX.

Henri Matisse abre uma academia em Paris em 1908 e começa a ganhar fama no exterior. Matisse tinha, em sua casa, um busto de gesso feito por Rodin, um quadro de Gauguin, um desenho de Van Gogh e, o mais importante, Três Banhistas, de Cézanne. Na percepção de Cézanne da estrutura e cor pictóricas, Matisse encontrou sua principal inspiração. Muitas de suas pinturas entre 1899 e 1905 fazem uso de uma técnica pontilhista adotada de Signac.

Segundo Régine Pernoud, Matisse "era um artista no sentido medieval do termo. Seu trabalho era muito simples, escolhido para exprimir o que ele mesmo Formado em Direito, Matisse exerceu a sentia. Era um trabalhador sem obstinaprofissão, mas nas horas vagas tomava ção. Em seus cadernos de trabalho, váaulas de desenho, mas em 1891, Henri rias páginas têm apenas alguns riscos. Matisse abandona a carreira e retorna a Finalmente, esses traços, reconhecíveis Paris, onde inicia os estudos preparató- por todos, mostram de maneira evidenrios para a admissão na Escola de Belas te sua significação, o resultado de muiArtes. O aprendizado começa com Bou- tas horas de trabalho".

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Em 1941, adoentado por um câncer, foi hospitalizado em Lyon, onde os médicos deram, a ele, seis meses de vida. Sem poder viajar, utilizou experiências recolhidas em suas viagens para aperfeiçoar sua originalidade. Sua enfermeira, Monique Bourgeois, aceitou ser sua modelo. Nesse período, Matisse inventou a a técnica de colagem com papéis coloridos a qual se dedicou durante os últimos anos de sua vida, quando também implementou a série Jazz. Jazz é um dos mais belos livros produzidos pela arte moderna. Para Matisse, ele significou a resposta ao desafio lançado pelo editor e crítico de arte grego Tériade para a realização de um livro de arte só com papéis colados. A história desta edição durou cinco anos desde seu início, em 1942. Tanto o formato quanto o título só foram definidos após 1944 e a decisão de também criar e publicar um texto veio em 1946. Em 1947 foram impressos os 250 exemplares assinados por Matisse com as imagens au pochoir – uma variação da serigrafia – realizadas por Edmond Vairel e os manuscritos gravados e impressos por Draeger Frères.

O exemplar 196, cujas pranchas são expostas e pertence ao acervo dos Museus Castro Maya IBRAM/MinC. Recortando papéis previamente coloridos a tinta guache, o artista desenvolveu um processo de desenho direto na cor com a tesoura que resultou em 20 pranchas de imagens variando da abstração a figuras de grande vivacidade, mescladas a um texto manuscrito impresso em fac-simile no qual ele trata de observações sobre assuntos diversos anotados ao longo da vida. O próprio autor esclarece que a composição aborda assuntos ligados ao circo, contos populares e viagens, com ritmo identificável aos sons de uma orquestra de jazz. Matisse chegou a cogitar denominar a obra de “O Circo” e nela reconhecemos alguns de seus personagens típicos como o palhaço, o engolidor de espadas, o atirador de facas. Porém o livro acabou recebendo o título Jazz que o referenciava à cultura norte-americana, emergente e menos compromissada com a tradição e, por isso, naquela época fortemente associada aos valores do moderno. As imagens do Jazz personificam a própria linguagem da modernidade: vibrante e reprodutível, baseada no ritmo e na improvisação. O repertório de cores vivas e curvas vertiginosas a serviço da emoção e do movimento, essência do moderno, fazem dele um dos ícones da arte do século XX.

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“Quem quiser dedicar-se a pintura deverá começar por cortar a própria língua” porque será que sinto necessidade de utilizar outros meios para além daqueles que me são mais habituais? Desta vez gostaria de apresentar os meus guaches recortados em condições que lhes sejam mais favoráveis. Para isso devo separá-los por intervalos com um carácter diferente. Pareceu-me que o texto manuscrito se adequava melhor a esta utilização. A excepcional dimensão da escrita parece-me obrigatória para estabelecer uma relação decorativa com o carácter das colagens. Estas páginas, por isso, servem apenas para acompanhar as minhas cores, do mesmo modo que as margaridas contribuem para a composição de um arranjo de flores da maior importância. O seu papel é assim puramente espetacular. Que posso então escrever? Eu não poderia, no entanto, preencher estas páginas com fábulas de La Fontaine, como dantes fazia, quando era ajudante de advogado, com os autos que nunca ninguém lê, nem mesmo o juiz, e que existem apenas para usar uma quantidade de papel timbrado proporcional à importância do processo. Só me resta, assim, relatar observações, notas tomadas ao longo da minha existência de pintor. A quem tenha a paciência de ler, peço, para com elas a indulgência que se concede em geral aos escritos dos pintores.

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Acredito em Deus quando trabalho. Quando sou submisso e modesto, sinto-me de tal forma ajudado por alguém que me induz a fazer coisas que me ultrapassam. Contudo, não sinto por ele nenhuma gratidão porque é como se me encontrasse perante um prestidigitador cujos truques não conseguisse perceber. Sinto-me então frustrado do benefício da experiência que deveria ser a recompensa do meu esforço. Sou ingrato sem remorso.

FELICIDADE. Encontrar em si mesmo a felicidade, de um bom dia de trabalho, da luminosidade que esse dia possa trazer à obscuridade que nos envolve. Pensar que todos aqueles que venceram, recordando as dificuldades do início do seu percurso, exclamam com convicção: esses foram os bons tempos. Porque para a maioria de nós: sucesso = prisão e o artista não deve jamais deixar-se aprisionar. Prisioneiro? Um artista não deve jamais ser prisioneiro de si mesmo, prisioneiro de um estilo, prisioneiro de uma reputação, prisioneiro do sucesso, etc... Não escreveram os Goncourt que os artistas japoneses do período de ouro mudavam de nome várias vezes durante a vida? Gosto disso: eles queriam salvaguardar a sua liberdade.

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Aos jovens pintores, pintores incompreendidos ou tardiamente compreendido ódio não. O ódio é um parasita que devora tudo. Nada se constrói com ódio, mas sim com amor. A emulação é necessária, mas o ódio... O amor, pelo contrário, sustenta o artista. “Grande coisa é o amor, um bem imensamente grande, único capaz de tornar leve o que é pesado, e suportar com igual alento o que é desigual. Porque transporta o peso sem que seja um fardo, e torna saboroso e doce o que é amargo... O amor aspira sempre mais alto e a não ser retido por algo que o diminua. ”Nada é mais doce que o amor, nada é mais forte, nada é mais alto, nada é mais largo, nada existe de mais amável, de mais pleno, nada de melhor no céu e na terra, porque o amor nasce de Deus e só nele repousa, acima de todas as criaturas. Quem ama voa, corre e enche-se de alegria; é livre e nada o retém.”

Henri Matisse faleceu em Nice, França, no dia 03 de novembro de 1954.

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