LaCarne Magazine N125

EXPERIENCIAS

Horteralia 2022

música, diversión y disfraces

de noviembre, y contará con una pregonera de lujo, la espectacular Malena Gracia. Estamos convencidos que habrá alguna sorpresa inesperada durante el evento, como nos tienen acostumbrados en ediciones pasadas.

Horteralia es el festival pionero en Espa ña en la mezcla de música, diversión y disfraces. Una idea copiada por otros festivales como el Canela Party, aunque escu dándose en otra temática.

El festival Horteralia goza de buena salud, y de hecho supera la docena de ediciones, y es ya un clásico para los cacereños y extremeños. Prueba de ello es la doble edición, Cáceres y Madrid, en la línea que han tomado otros festi vales como Primavera Sound

Horteralia 2022, un encuentro musical desacomplejado

Los ciudadanos de la provincia del norte de Extremadura volverán a gozar de un excelen te vestuario de hombreras, riñoneras, alhajas, camisas floreadas, chándales de colores chi llones, plataformas, pantalones imposibles y complementos varios en perfecta fusión con una paisaje arquitectónico medieval, en la que un Targaryen podría acompañar a Boris Izagui rre en la pista de baile pasando desapercibidos, al ritmo de Raffaella Carrà en un encuentro musical desacomplejado.

El festival Horteralia se ha convertido en una cita para eliminar estereotipos, para sacar el lado más irónico y desenfadado de uno mismo, para reivindicar el postureo, para quitarse complejos, para celebrar la libertad en un con texto sin prejuicios de ningún tipo independien temente del origen, raza, religión, o sexo.

El festival repite fecha, último fin de semana

El hortefan viene desde diferentes puntos de la Península Ibérica. Cataluña, Madrid, Andalucía, Portugal son algunos de los orígenes de los participantes del encuentro. Como muchos de ellos aprovechan para conocer la ciudad y pasar el fin de semana, la organización cuenta con fiesta de bienvenida (viernes), y fiesta de clausura (sábado, después del festival), donde en anteriores ediciones han llevado a cabo djs de la talla de Cherry Coke o Supersexy Sound System

Las novedades de este año es que contarán con la presencia de los ganadores del concurso Hortevisión. Y es que la organización lleva a cabo su propio festival horteurovisivo, porque no podemos negar que son muy fans de Eurovisión, y el mayor ejemplo es la presencia en esta edición de La Década Prodigiosa o Soraya

El recinto será el Pabellón Multiusos de Cáce res, y los menores de 12 años no pagan acompañados de sus tutores legales. El inicio del recital será a las 14:00h del sábado 26 de no viembre.

A continuación vamos a conocer cada uno de los artistas que forman parte del festival.

Horteralia 2022 Programación completa

SORAYA

La de Valencia de Alcántara va sobrada de ca risma en un escenario. Con una carrera conso

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lidada en el mundo del pop nacional, es toda una currante de los escenarios que se ha ido haciendo a sí misma. Cercana al público, esti mada por fans de todo tipo (eurovisivos o triun fitos, entre otros).

Su faceta más electrónica es la que mayores éxitos le ha llevado. Ha sabido rodearse de maestros del dance como Dj Sammy, Juan Magan, Wally López o Antoine Clamaran Además ha colaborado con artistas de la talla de Jon Secada, Kate Ryan, Bombay o Edurne, lo cual amplia más la excelencia de su ca rrera en el Pop.

7 álbumes de estudio, apariciones en cine, pu blicidad, series, tv, la convierten en la principal cabeza de cartel.

VARRY BRAVA

Los de Orihuela tienen el alma “Hortera”. Y es que canciones como Plis don gou, Luces de Neón, Raffaella, Hortera o el Himno del Mundial para el diario Marca de la selección en 2014 demuestran que tienen todos los ingredientes para hacernos pasar una velada estupenda.

Los valencianos tienen un rollito de Glam, de New Romàntic, de Italo-Disco, de lentejuelas, de Electrónica, de Pop ochentero que gusta tanto y que les ha llevado a optar por entrar en Eurovisión. Son los perfectos segundos escuadras tras una trayectoria de 6 discos y una maqueta, y más de 10 años de carrera.

MELODY

La sevillana tiene una carrera extensa. De tra dición musical y familiar, se hizo famosa sin caer en un juguete roto con El baile del gorila y De pata negra. Se codeó con Disney tras formar parte de la B.S.O de Hércules, y en su proceso de madurez musical ha colaborado con la Selección Española, con asociaciones de mujeres maltratadas, o con la Fundación de Ayuda contra la Drogadicción.

Su estilo entre Rumba y Pop ha evolucionado hasta codearse con el Reggaetón, la Cumbia o el Tropical Pop. Ha formado dueto musical con su hermano llamándose Melek 2, cantan

do tanto en castellano como en inglés. 6 discos en su carrera, aparición en cine y tv comple mentan una artista de altísimo nivel.

RAÚL

El cantante vasco fue otro aspirante a eurovi sión gracias al cual le vino la fama. Sueño su boca es su mayor hit, siendo el que le lanzó al estrellato siendo muy joven. A partir de ahí una carrera extensa con 6 álbumes de estudio y numerosos singles.

Como Melody, también se aventuró en el cine, formando parte de la B.S.O. de Spirit. El corcel indomable. Su temática principal es el amor, y su música oscila entre varios estilos dentro del Pop. En la actualidad recorre teatros cantando Boleros y Rancheras, y participando en algu nos programas de tv.

ZAPATO VELOZ

La formación original con sede en Asturias ha sido sustituida por la actual procedente de Va lencia. Se conservan las letras y el cachondeo, pero las personas no son las mismas.

30 años se cumplen de su hit Tractor amarillo, 6 álbumes en su carrera siendo pioneros en el estilo del pop comedia, tan arraigado en nuestro país, y que ha generado diferentes bandas y artistas. Lo mismo los veíamos vestidos de granjeros, que de butaneros o de marineritos cantándonos una jota llamada La almeja.

LA DÉCADA PRODIGIOSA

Pioneros en esto del mashup. Sí, porque ellos a mediados de los ochentas ya lo practicaban,

aunque ellos los llamaban popurrí de canciones de diferentes épocas. Fueron a Eurovisión con Made in Spain (la chica que yo quiero)

Como Melody y Raúl, también tuvieron su con tacto con Disney, realizando un álbum llamado Disneymanía. Entre Lp’s y singles cuentan con más de 30 trabajos realizados, y mantiene al gunos de los miembros de la formación inicial.

Actualmente realizan una gira por teatros, han desarrollado un musical, han trabajado en un espectáculo con José Manuel Parada, y han sabido actualizarse y mantenerse activos a los nuevos tiempos.

KU MINERVA

Minerva Pérez Garrido es una de las cantan tes más destacadas de Eurodance nacional. Estoy llorando por ti es su hit, del cual ha ha bido diferentes versiones, con Sofía Cristo o incluso con Paco Pil

Se ha actualizado poniendo su voz a temas reggaetoneros, también la hemos visto colaborando con Viceversa para hacernos su versión particular No controles de Olé Olé, y es que la catalana ha sabido sacarle la máxima rentabilidad a sus singles y colaboraciones estrella.

MALENA GRACIA

La carrera de Malena Gracia es tan amplia que podíamos dedicarle un especial a ella sola. Su carrera musical se resume en su hit internacio nal Loca, pero ella empezó estudiando solfeo bajo los mejores maestros, sintiéndose cómo da en sus inicios con la Copla y Canción Es

pañola antes de ser una estrella mundial en el Pop y Dance.

Y es que tuvo a maestros como Valerio Lazarov entre otros. Las Sexbomb, Las Corsarias, son otros de los proyectos de los cuales parti cipó en el ámbito musical. Es una cantante, ac triz, musa, pin up, vedette, bailarina, conoce el mundo de la farándula y el espectáculo como nadie desde unos orígenes humildes hasta la actualidad, donde se siente cómoda entre teatros.

RAFFAELLA STARS

Espectáculo extremeño homenaje a la artista italiana. Dirigido por el Dj Koke Bermejo, y acompañado por las cantantes Law Rock (tributo a Mecano) o Beatriz Prieto (La Banda de West y también hemos visto cantar con Esto pa), a los bailes y fantasía la drag queen emeritense Priscilla Osiris (ganadora del concurso nacional de los Carnavales de Águilas).

PETARDJ’S

Proyecto encabezado por el cómico Edgar Hita y la actriz y bailarina Andrea Sampayo En sus cabezas lo que les mueve son la músi ca petarda, y te afirman que te van a montar la marimorena.

Desde Rubí (Cataluña), la fiesta está asegura da con sus disfraces y bailes sacados del bazar de al lado de casa, porque son tan mamarra chos que no necesitan más para alegrarte la noche.

CHERRI COKE

Si el Primavera Sound tiene a Dj Coco Deejay fetiche que sin él no se entiende el festival, lo mismo pasa con Coke Bermejo.

Un veterano de la noche cacereña con una altísima experiencia en la organización de eventos y fiestas en la capital del norte de Extremadura. Dinamizador y carismático, es un icono LGTBIQ+ en su tierra. Un loco de la música que a nadie deja indiferente.

Linkoln Park

manteniendo viva la esencia del Nu Metal de

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Fotos por Eva María Aroca

Una de mis bandas favoritas de la ado lescencia, y que me hubiera encantado tener la oportunidad de ver en directo, era Linkin Park. Tenía un sonido tan novedo so y brutal para su época, que todo el mundo quedaba alucinado escuchando su famoso Crawling. ¿Estáis de acuerdo conmigo en que entre finales de los 90 y principios de los 2000 fue una época de muy buena música en general? Al menos yo lo recuerdo así.

Lamentablemente no he tenido la oportunidad de ver a esta gran banda en directo, además de que aún no me creo que Chester, su líder, ya no esté entre nosotros. Eso fue un golpe

duro para la música, sin duda alguna.

Pero, afortunadamente, existen bandas tributo que mantienen viva la esencia de bandas originales, como es en este caso la banda madri leña Linkoln Park, mantiendo viva la esencia del Nu Metal de Linkin Park, a quienes pude disfrutar en directo el pasado 23 de septiembre en la sala KHALUM, que, personalmente, creo que es una de las mejores salas para dar conciertos que existen en la actualidad en Madrid: espaciosa, con muy buena calidad de sonido y buena organización, además son gente muy amable, así que, amigos músicos, os lo recomiendo si estáis buscando un lugar donde dar un buen concierto.

Linkoln Park, make Chester Proud

Sin lugar a dudas, seguro que Chester desde las estrellas está más que orgulloso de que haya bandas profesionales que mantienen viva la esencia del Nu Metal de Linkin Park

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Linkin Park

El espectáculo comenzaba aproximadamente sobre las 22:00 horas, y fueron cerca de dos horas sin parar de cantar y de saltar.

Empezaron con una Intro seguida de la can ción Papercut, con un público entregado desde el primer segundo. El ambiente se iba calen tando.

Linkoln Park continuaron con From The Inside, canción del álbum Meteora, con la que pudi mos comprobar que la combinación de ambas voces, y como se entienden ambos cantantes en el escenario, dieron un resultado brutal en directo de este gran temazo.

Muy entregados con With You, una de mis canciones favoritas, con la que yo estaba muy entregada también. Además, como anécdota, os cuento que en la sala me encontré con una compañera y amiga de las clases de Danza

Árabe, y, amigos, nosotras encajamos pasos de danza árabe con lo que sea, (risas).

Lying From You vino después, para dar paso a otra de mis favoritas, By Myself, con una interpretación explosiva.

Los chicos de Linkoln Park, además de ser brutales en el escenario, en donde se puede sentir que se sienten cómodos como en casa, también son muy cercanos con el público. Saben cómo darnos ese subidón con la música, además de charlar y bromear con los espec tadores, haciendo que la experiencia sea muy divertida para pasar una gran noche.

Saltando de Hybrid Theory a Meteora, continuaron con Points of Authority.

Del álbum Minutes to Midnight, le llegó el turno a What I’Ve Done y New Divide, canción con la que Linkin Park pusieron banda sonora a la película Transformers

Empezó a sonar después Castle Of Glass, esta vez del álbum Living Things, algo más pausado, relajando un poco el acalorado ambiente de un público que estaba “on fire” pasándolo en grande con esta gran banda tributo.

Leave Out All The Rest y Talking To Myself si guieron a continuación, siendo esta última canción una con la que es casi inevitable ponerse algo triste recordando a Chester, pues, si no me equivoco, es una de las últimas canciones que compuso antes de acabar con su vida.

En fin, que la fiesta no decaiga, y no hay mejor manera de honrar su legado que sintiendo la música de la misma forma que él lo hacía, así que así fue, seguimos disfrutando esta vez con el turno de Numb, volviendo al álbum Meteora.

Para interpretar el siguiente tema, The Ca talyst, subió al escenario un amigo de los chicos de Linkoln Park que estaba entre el públi co, y nos hizo bailar al ritmo de esta diferente canción. Seguido de No More Sorrow, y a continuación, una canción que todos esperábamos con ansias, la mitiquísima Crawling

Tras semejante subidón, Linkoln Park volvie ron a bajar un poco el ritmo, pidiéndonos a todos que encendiéramos las linternas de nues tros teléfonos móviles para que con Pushing Me Away, y One More Light, rendir un pequeño homenaje al gran Chester.

Seguido de Breaking The Habit y Given Up, en la que sencillamente me dediqué a escuchar plenamente a esta gran banda tributo.

Ya íbamos llegando al final del espectáculo, pero la gente quería más, pues estaban disfru tando de lo lindo rememorando las canciones de una banda que rompió moldes en la década de los 2000. Sin duda, se han convertido en toda una leyenda. Leyenda que los chicos de Linkoln Park se encargan de mantener encendida, haciéndonos vibrar con sus actuaciones sobre el escenario.

Les llegó el turno a las canciones Cure For The Itch, Somewhere I Belong, Tinfoil, Powerless, Burn It Down, y Lost In The Echo, temas que he de decir que personalmente no conocía dema siado, y sencillamente me dediqué a escuchar y relajarme un rato.

Pero entonces empezaron los acordes de A Place For My Head e In The End, y nuevamente la sala llena de gente bailando y saltando. Yo, la primera, por supuesto.

Ya sí que llegábamos al final de este gran con cierto, con los temas One Step Closer y Faint, y he de decir que fue una pasada de espectácu-

lo. Si me gustaron tanto los chicos de Linkoln Park, supongo que si hubiera llegado a ver en directo a Linkin Park, hubiera estado flipan do durante años. Y tú, ¿has visto alguna vez a Linkin Park en concierto? ¿Cómo fue la experiencia? ¿Qué te han parecido Linkoln Park?

También me parece entender más a Chester y la situación que él estuviera viviendo en su mente, pues a través de las canciones me da la sensación de que iba lanzando mensajes que parecían decir sus intenciones, y eso me parece devastador. Siempre en nuestra memoria, y en nuestros corazones.

Gracias a Linkoln Park por la labor que hacen. Además, están de gira, así que quizás tengas la oportunidad de verlos en directo.

¡No

te lo pierdas!

Gracias también a la sala KHALUM por hacer eventos de este tipo y por su amabilidad. Y, por supuesto, gracias a vosotros, los lecto res, por seguir ahí leyendo mis artículos y ex periencias para LaCarne Magazine, las cuales intento contarlas de la forma más cercana po sible.

Un abrazo a todos, y ¡Hasta la próxima! Facebook Instagram

AMFest 2022 un festival alternativo de calado internacional

tos, nuevos sonidos, tenemos a los currantes de Aloud Music.

Los barceloneses se han acostumbrado a tener eventos de todo tipo. La fiebre de los festivales asociada a una ciudad cosmopolita y con gran turismo todas las épocas del año, favorece la existencia de este tipo de reuniones en la ciudad.

A veces la sensación entre tanto festival es que hay que saber bien elegir, sobre todo aquellos que amamos la música y a la vez valoramos otros aspectos ajenos a ella, pero que también son importantes en el desarrollo de tal elenco artístico.

El tejido festivalero es amplio, realmente abru mador, permitiéndonos disfrutar estrellas mundiales a precios prohibitivos, pero también des cubrir futuras estrellas de gratis o a precio de dos cervezas. En definitiva lo que es Barcelona, que puedes encontrar casi cualquier cosa a cualquier precio. Y en eso de trabajar para enseñarnos nuevos artistas, nuevos proyec-

AMFest 2022, un festival alternativo de calado internacional Aloud Music los conocíamos por su relación con otros festivales, por ejemplo el BAM, quien siempre tiene hueco para las bandas del sello, pero también la famosa sala underground ex tremeña The Rincón Pio Sound, donde parte de su programación está ligada al sello disco gráfico.

Como extremeños afincados en Barcelona, co nocíamos la agencia y algunos de sus grupos, pero no el festival, hasta que en primavera nos llegó a nuestras manos el flyer del AMFest.

Investigamos y descubrimos que era su noveno aniversario (ya que la edición del 2020 quedó cancelada), y tuvimos claro desde un principio que teníamos que ir. Las bandas eran completamente desconocidas para nosotros. Había mos visto a Goodspedd You Black Emperor y de Carpenter Brut teníamos sus discos, pero del resto ni idea.

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internacional

Nos parecía absolutamente maravilloso encontrar un festival con múltiples bandas descono cidas provenientes de diferentes continentes, con niveles musicales altísimos, y donde la mezcla de estilos era evidente: Rock, Metal, Gótico, Electrónica, Experimental, Punk, Pop, es decir, para todos los gustos. Eso sí, con una esencia en común: la potencia de las guitarras, el Noise como eje primordial, el prefijo “Post” y el desgarro sonoro.

A medida que fuimos indagando, descubrimos el decálogo del festival, lo cual nos llamó mucho la atención, y nos pareció absolutamente fascinante. Hemos recorrido muchos festivales a lo largo de la Península Ibérica (Festimad, FIB, Primavera Sound, Sònar, Vida Festival, BAM, Festigàbal, Superbock Superrock, NOS Alive, Festival Sudoeste, Extremúsika, Contempopránea, Zorrock, Udumbara, Womad, entre otros muchos festivales más pequeños), y en pocos de ellos tienen una filosofía tan elaborada y afectuosa con trabajadores, público y bandas.

En la actualidad se repite una dinámica cons tante: exclusividad, grupos en packs que se

repiten (festivales franquicia), explotación labo ral, consumismo musical, y escaso decoro con el público, AMFest ofrece todo lo contrario a esta mala praxis.

Con AMFest, el “feedback” organización vs público es natural y fundamental. Desde que pisabas el recinto, tenías la sensación de encontrarte en un lugar casi familiar (público fiel, tranquilo, respetuoso, no desfasado). Buen tra to de trabajadores, tanto en las zonas de barras como de comida, sin necesidad de colas y con ubicación que te permitía disfrutar de los con ciertos; unos baños limpios y en condiciones pulcras y sin colas; sin apelotonamiento en los escenarios, pese haber mucho público (poder disfrutar un grupo en primera fila y sin pantallas no tiene precio), y lo mejor de todo sin tiempo de espera.

La zona de descanso con sillas, butacas, ta buretes, césped artificial y luces. La sensación de comodidad es importante, y este festival lo tiene, además de un sonido contundente y ex quisito, de manera que se escuchaba la música en buenas condiciones desde cualquier lugar del recinto.

Los horarios, perfectos para la conciliación familiar y laboral, pero también para el descan so de los vecinos y para poder desplazarte en transporte público. Un acierto, sin duda.

La paridad, ¿quién dice que no se puede cum plir? Por supuesto que AMFest la cumple, y no esperábamos menos de ellos.

¿Qué nos gustaría? Puestos a pedir, un paisaje diferente. La Farga es una nave industrial (como también lo es Fabra i Coats de ediciones anteriores), como buen centro de exposiciones, y con las atmósferas, las texturas, la brutalidad, la oscuridad, y la tensión que crean muchas de las bandas del festival, consideramos que es un lugar pobre y que quizás un marco natural o arquitectura medieval sería una confluencia perfecta entre música y paisaje para un festival tan especial.

Festivales portugueses como Paredes do Coura o Entremuralhas tienen esa descripción a

Celeste

la cual nos referimos. Durante la pandemia, sa bemos que AMFest se hizo en el castillo de Montjuic, un emplazamiento magnífico, aunque sin duda el transporte público es limitado has ta aquella zona. Por eso, desde aquí proponemos el Convent de Sant Agustí de Barcelona. No nos gusta de ninguna manera como empla zamientos salas de conciertos como Apolo o Sidecar, por no tener encanto ninguno para un festival de estas características.

A continuación narraremos por día los concier tos en los que estuvimos:

Crónica del festival por días

JUEVES 6 DE OCTUBRE

Sólo pudimos estar en dos conciertos, pero uno de ellos era de las bandas que más ilusión nos hacía ver y mirar. Sueño cumplido. Era el día más metalero.

IRIST, El inicio violento

Vienes del curro, corriendo casi porque es uno de tus grupos favoritos, y nada más entrar te encuentras con el tremendísimo Burning Sage que tiene ese rollo Sludge Metal tan salvaje. Te permites corear y gritar, y pensar que en un mejor horario hubiera sido apoteósico.

Después vibramos con las guitarras y esos co ros de Creation, seguimos flipando con Insu rrection. Qué riffs más cañeros e ideales para ir acostumbrando los músculos de tu cuello, ya que vienen unos días complicados para las cervicales.

De sus últimos temas fue Dead Prayers, otra barbaridad de track con el que casi te tienes que pellizcar para darte cuenta que el festi ya está aquí, y vas a disfrutar un montón.

NARA IS NEUS, La escalera nuclear Elevada en un altar sustentado por escaleras, la de Sabadell nos realizó un live de Electróni ca Shoegaze ambiental para introducirnos en atmósferas y texturas que nos trasladan a un apocalipsis emocional a base de soundscapes dronizados y verberados, pasados por múltiples filtros y pedales.

Entornos industriales para una nave industrial como es la Farga, generando la B.S.O ideal de la situación geopolítica actual de amenaza nu clear.

VIERNES 7 DE OCTUBRE

Nos enfrentamos a un día lluvioso, casi desea do por la sequía que nos rodea. Nos causó dudas de cuántas personas asistirían al evento, pero no, el quórum no se vio afectado y asumi mos la segunda jornada del festival.

Fue la que más nos gustó, para nosotros era la más exótica. Podemos resumir el día entre una batalla encabezada por grupos que represen taban la oscuridad (Svalbard y Cult of Luna) y la luz (Foxtails y Tricot), el infierno y el cielo, el negro y el blanco, los orcos y los elfos…

SVALBARD, La dama roja Serena Cherry nos embaucó con todo un re cital de post hardcore. Escudada en los coros por Liam Phelan, nos sumergieron en el Punk más extremo a base de latigazos como Click Bait, Grayscale, Revenge Porn o Disparity

De voz sonora y grave, nos embrujó convirtien do al público en sumisas mareas de cabellos flotando a ritmo de riffs en perfecta coordinación, como si de un hechizo se tratara. No todo es Trip-Hop lo que viene de Bristol, algo más oscuro y tenebroso disfrutamos aquella tarde/ noche de octubre.

FOXTAILS, Luminosidad grunge Blue Luno fue probablemente la frontwoman más comunicativa del festival. El primer con cierto de la banda en Europa, y un sueño cumplido que demostraron con gran contundencia. El público surfeó y bailó pogos gracias a tema zos como Paper Tiger, Gazelle, Space Orphan o Bbq.

Mostraron sensibilidad hacia la diversidad de género, y nos enloquecieron con la claridad de sus melodías, acompañadas de la fuerza del Screamo entre pinceladas de Rock Alternativo noventero.

CULT OF LUNA, El ascenso de la intensidad Se notó la madurez y la experiencia de los sue-

cos. Menudo directo más contundente, tanto en la música como en la puesta en escena.

Andreas Johanssom, a base de zarpazos al bajo, y Johannes Persson, repartiendo latigazos con su guitarra a la par que nos deleitaba con la fuerza de su voz, convirtieron para noso tros su directo en el mejor del festival.

The Silent Man, Blood Upon Stone, Light Son

The Hill o Cold Burn. La violencia de las baterías (dos en concreto), la frigidez de los sintetiza dores, la niebla del ambiente, las progresiones extensas e intensas, una experiencia inolvidable. La tensión, el sudor, la vibración son con secuencias directas de la perfecta coordinación de una banda de un nivel descomunal.

TRICOT, El método japonés

Desde el imperio del sol nos encontramos con esta banda que, pese a su pequeño tamaño, su nivel musical alcanzaba tal envergadura que nos dejaron boquiabiertos. Su facilidad para llevar el J-Pop al extremo más Hardcore o Math Rock era de una exactitud inaudita.

Melodías llenas de colorido se intercambiaban con riff brutales. Cómo agradecemos estos exo tismos, estos giros de guión, estos trampantojos, estas salidas de tono, estas campanadas de unas bandas orientales cuyas maneras de hacer resultan excitantes, asombrosas y admirables. Disfrutamos temas tan chulos como Pool, Yosoiki, Anamein o 18,19.

SÁBADO 8 DE OCTUBRE

Es un festival, descrito por ellos mismos, don de los “silencios” recogen un papel importante. Los silencios son directos protagonizados sobre todo por artistas solistas, o bien forma ciones con un líder de fuerte protagonismo y carisma.

Este día disfrutamos de la simbiosis entre silen cio y apocalipsis, aunque realmente no sabemos qué fue más desolador emocional y musi calmente, si los silencios o los infiernos vividos.

MAYBESHEWILL, El reencuentro de la progresión

La formación se volvió a unir para presentarnos

No Feeling is Final. Fue llegar y besar el santo con un directo apabullante, donde el rock progresivo y el post rock entusiasmaron al público. Minimalismo llevado al extremo, pero también a la emoción.

La compenetración de los teclados junto con las guitarras nos dejó sensaciones bellas. Los ingleses son un grupo consolidado en AMFest. Era la tercera visita, y se notó con la comodi dad y la seguridad que mostraron en su directo. Canciones tan rotundas como sensibles CoConspirators, Zarah, Not for want of trying o When we are Both Cats.

IKARIE, La imponencia de la oscuridad La presencia imponente de su cantante Pablo Egido fue terrorífica. Vivimos la sensación de «A la oscuridad o te unes o huyes».

Nosotros nos unimos y disfrutamos de la pre sión, del desgarro, de las sombras, del purgatorio, con unas guitarras tensas, un sonido do loroso, un paisaje desolador, un Doom lleno de cicatrices y costuras subsanadas con ungüentos de Post Metal.

Probablemente el directo más tenebroso y denso del festival, con canciones tan destacadas como Maldición, Barro, Las cenizas o La he rencia. En el mundo de Ikarie no luce el sol del Levante, se impone la noche más cruda.

ANNA VON HAUSSWOLFF, Ambient hacia el sepelio

La magia de un entierro (dado que sabíamos de sus problemas vocales y nos esperábamos lo peor). La compositora sueca nos brindó un concierto de esos que recuerdas por su encan to. Introducciones, atmósferas, capas y textu ras fantasmagóricas entremezcladas con sensaciones pop clarificadoras, para zarandearnos entre vaivenes de la penumbra y la luz.

Con una fuerte presencia, se permitió el lujo de adentrarse entre el público para hacerlo partí cipe de su hechizo musical. Nos iluminaba y a la vez nos estremecía con una banda de un talento indescriptible.

Canciones radiantes, como ella, The Myste rious Vanishing of Electra, Sacro Bosco, Ugly and Vengeful o The Truth, The Glow, The fall.

LINGUA IGNOTA, Quebrantos de una despedida

Una actuación conceptual realmente devasta dora. Cada expresión de la norteamericana demostraba una aflicción, un sollozo.

Entre voces heterogéneas y llantos afligidos acompañados del piano de cola y atmósferas oscuras, transmitiéndonos sensaciones y emo ciones de pérdida, de desaliento, de pena, de daño. Todo rodeado de leds/velas artificiales en un ambiente íntimo tenebrosamente depu rador.

Un show que no dejaba término medio: o te adentrabas en su destierro o huías del recogimiento. Su dramatismo es de Champions, y nos dejó canciones como Nothing but the Blood of Jesus, Pennsylvania Furnace, Many Hands o Do You Dubt Me Traitor.

CELESTE, Los ciclopes de Lyon

La llegada del apocalipsis musical vino de Fran cia. La banda entró en batalla desde el minuto uno con esa mezcla entre Slugge y Black Metal, a veces con pinceladas de Post Hardcore o Death Metal.

Los tapones en los oídos sufrían con cada brutalidad que salía de las manos de los músicos galos. Los rayos de luz que emitían de sus cabezas señalaban a las víctimas del poderío de sus riffs y la bestialidad de la voz de Johan Girardeu mordía por cada canción que tocaban.

Cette Chute Brutale, Des Torrents Des Coups, Comme Des Amants en Reflet o Nonchalantes de Beauté no defraudaron.

CARPENTER BRUT, El baile de sangre

Cómo el Synthwave puede llevar a la pista de baile a fans del Black Metal, Sludge, Doom o el Post Metal. Pues sí, Franck Hueso lo consi guió con una puesta en escena de rosa y fondo rojo, acompañado de sus habituales Adrien Grousset (guitarrista) y Florent Marcadet (ba terista).

Un derroche de Electrónica bailable conquis tando al público que lo dio todo de principio a fin, algo aparentemente increíble en fans de estas características. Fue sonar Turbo Killer y darte cuenta cómo los movimientos de cabeza se complementaban con saltos a ritmos de los bombos. Frenesí y éxtasis todo en uno.

Antes escuchamos canciones de su último disco, Leather Terror, con temazos como The Wi dow Maker, disfrutamos de la versión Maniac, y comprobamos cómo conjurar al demonio desde la mismísima discoteca, como si estuviéra mos en una película de terror.

DOMINGO 9 DE OCTUBRE

Último día de festival, y las fuerzas ya flaquea ban, pero no podíamos faltar y estuvimos en nuestros tres últimos conciertos. Nos íbamos

a perder a Godspeed You! Black Emperor, pero nosotros venimos a descubrir, y a los ca nadienses ya los habíamos visto años atrás. Tocaba elegir.

MIDWIFE, La voz del más allá La voz que te canta a través de un teléfono, como si otra dimensión se comunicara con no sotros. Madeline Johston nos dejó un directo conmovedor, donde el Ambient y el Dream Pop combinaron a la perfección con el Shoegaze.

Intimismo, purificación, creatividad, experimentación, pesimismo, curación es lo que nos trans mitió Name, God is a cop, 2018 o Christina’s World, como si de un ángel de la guarda nos cantará desde lo desconocido con guitarras mi nimalistas, tempos suaves y calmados, y fragi lidad de letras y melodías.

SLOW CRUSH, Los hijos del nugaze

Isa Holliday fue la encargada de ponerle la sencillez y la fineza en la voz a la brutal energía que desprendían sus compañeros de ban da. Un directo agradable. Fueron al grano y lo consiguieron.

Tremble, Aurora, Glow, Blue sonaron exquisi tos por parte de los belgas herederos directos de My Bloody Valentine y Slowdive.

Concierto de contraste que también se comprobó en el movimiento de la banda. Mientras su frontwoman bailaba hipnótica e incluso sen sual, por otro lado sus compañeros sudaban y embrutecían el escenario.

A.A. WILLIAMS, El aura introspectiva

La compositora inglesa se presentó con una banda formada por algunos componentes de Maybeshewill. Un directo plano, de Post Rock, con esencia nostálgica y una sensación de frial dad entre el público.

Presentó su último disco, As The Moon Rests, y nos gustaron temas como The Echo, Melt, Love and Pain o Evaporate. Para nosotros, una despedida sombría para un festival sobre saliente.

AMFest 2022 - Aftermovie

La percepción es que AMFest ha dado un paso de gigante. Se ha convertido en un festival alternativo de calado internacional, y prueba de ello es que uno de los idiomas utilizados entre sus asistentes era el inglés, algunos de ellos venidos de diferentes puntos de Europa a disfrutar del evento.

Seguirá creciendo, sí, eso esperamos, pero también deseamos que se mantenga el decá logo, el buen trato, el cariño, la fe con la que han construido nuestro mejor festival del 2022.

Midwife

Ludovico Technique fascinación, misterio y oscuridad

mente en plataformas digitales, pero sin tener muy claro (al menos yo) si finalmente íbamos a poder disfrutar de su música en formato físico.

Hace unos meses os presentaba a la banda Ludovico Technique, liderada por el neoyorkino Ben Vanlier, más conocido como Ben V, en un artículo en el que hacíamos un repaso de su carrera, escuchando sus éxitos más sonados, como el tema Absence, hasta llegar a su último single, llamado Silence, que fue lanzado el pasado ocho de abril (una fecha muy importante para mí, por cierto).

Durante aproximadamente un año y medio, la banda ha estado lanzando singles periódica

Ludovico Technique, Fascinación, Mis terio y Oscuridad en su nuevo álbum, Haunted People

Según la estrategia de Ben, si iba lanzando canciones de esta manera podía mantener a la audiencia contenta por más tiempo al estar esperando escuchar música nueva cada pocos meses, mientras que tener todos los temas de una vez, al lanzar el álbum, existía el riesgo de que el público perdiera el interés en poco tiempo.

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Finalmente nos sorprendió con un post en sus redes sociales preguntando si estaríamos interesados en escuchar las canciones que fue lanzando poco a poco, recogidas en un álbum físico. Obviamente la respuesta era un SÍ rotundo.

Así que su álbum titulado Haunted People ya está a la venta desde el 23 de septiembre. Y vaya si al final lo ha lanzado en formato físi co. No sólo lo podemos encontrar en Cd, sino también en vinilo, y ¡¡¡hasta en cinta de cas sette!!!

Ludovico Technique, déjate embrujar

El álbum está compuesto por trece canciones en total. Once que ya conocíamos, y dos can-

ciones nuevas: Empty y Useful, a cada cual me gusta más.

El álbum es una pasada de principio a fin para quienes nos gusta el goth alternativo. Con un sonido oscuro, limpio, con bonitas melodías, con buenas guitarras, y unas letras de cancio nes que se grabarán a fuego en tu memoria, sin dejar de lado el sonido electrónico que ca racteriza a la música de Ludovico Technique

Empezamos con una de sus nuevas canciones, Empty, con la que da comienzo el álbum, con mucha vibra Post Punk de los ochenta. Esta canción es una maravilla para los sentidos, para quien guste del estilo de bandas como Sisters of Mercy

Es momento de Poisoned, segundo tema del álbum, una canción muy bailable y muy pegadiza, y con una letra con la que, a mi parecer, nos identificamos muchos. Pero sin duda esta canción es un veneno que querrás probar (cantar y bailar) una y otra vez.

El tercer tema de Haunted People es de mis favoritos, para ser sinceros. Con esta canción me derrito por completo, Embrace, lo tiene todo, una letra romántica, aunque puede ser interpretable de varias maneras, una melodía suave, pero con mucha fuerza. Este tema me seduce por completo, y no olvidemos el videoclip, pues, además de un gran compositor, Ben V es un gran artista detrás de la cámara, y creo que en toda su conjunción, Embrace es un gran trabajo.

En definitiva, mi imaginación ahora mismo es un lugar muy divertido, pues Ben vive en Nueva York, sí, pero mi mente es mía (inserta aquí una risa entre pícara y malvada).

Y que siga la diversión, pues con el cuarto tema, si no te habías enamorado de la música y el misticismo de Ludovico Technique, con Becoming Numb caerás en la tentación pero a conciencia. Un tema que, tal y como empieza con ese sonido del bajo, la voz susurrante de Ben V, un estribillo fácil y pegadizo, con buena melodía en la guitarra, es un tema que te atra pará.

Haunted, quinto tema del álbum, un tema épi co, con un encanto que me transporta a una oscura época victoriana, con esos coros de fondo. Un tema que escuché por primera vez en la noche de Halloween del pasado año, y que escuché en bucle durante días.

Burn Everything es un tema Techno, y con una letra que, a pesar de parecerme triste, pues no me gusta que nadie hable de sí mismo de esa manera, es cierto que cada vez más personas, incluida yo, nos hemos sentido así en algún momento de nuestra vida. Quizá por eso no me gusta ver a nadie con semejante sufrimiento, pues los que hemos pasado por ese infierno no queremos que nadie más pase por lo mismo.

Es una canción oscura, pero muy profunda. Aunque las canciones de Ludovico Technique sean en gran mayoría así, en las que se habla sin pudor de la depresión y la tristeza es una forma de hacerlo visible, y de dar norma

lidad a que muchas personas pasan por situa ciones de depresión y ansiedad. Lo veo como una forma de sacar lo que él lleva dentro para aliviar su mente, y al mismo tiempo servir de ayuda a otros.

Personalmente, para mí, esto es digno de ad mirar, que alguien sea capaz de transformar su infierno en arte, y ayudar a los demás, y más cuando vivimos en una sociedad en la que va mos todos de allá para acá, corriendo como pollos sin cabeza, con la mente en piloto auto mático. Una sociedad en la que volver a nues tro centro, desconectar de todo, y regresar a nuestro estado natural, es muy necesario.

Corriendo un velo, continuamos hablando de Haunted People, para dar paso en esta oca sión a la canción I Was. Es una canción que me llega al corazón, la siento con una delicadeza y una gran fuerza a la vez, es para bailarla junto a alguien, lento. Es una canción preciosa.

Le sigue Live As Myself, una canción cañera, con mucha potencia, en la que vuelve a ha cer uso de unos coros que suenan a cantos de ultratumba, haciendo una canción llena de misterio y con una voz grave por parte de Ben que me encanta. Tengo un “algo” con las vo ces graves que me vuelven loca de lo mucho que me gustan. En fin, ¡pasemos a la siguiente canción!

Otra de mis favoritas, Noise is Gone, vuelve a ser una canción muy bailable, y con la que me doy cuenta de que tengo muchas ganas de disfrutar de un concierto de Ludovico Technique. Reconozco que me lo estoy pasando ge nial mientras escribo la reseña sobre Haunted People.

Pasamos al décimo tema, Silence, el último single que lanzó el pasado ocho de abril, y qui zá el tema más Electrónico del álbum, pues in

cluso hace uso de efectos para la voz, pero es un tema que me sorprende para bien. Creo que sería ideal para una B.S.O. de alguna película de terror.

Con una bonita melodía de piano comienza Up To The Flames, una canción con un sonido úni co, pero que me recuerda ligeramente a una mezcla de Depeche Mode con Type 0 Negative

Otra de mis favoritas es Dreaming, sobretodo porque la sentí ideal para crear una coreogra fía de Tribal Fusión, ya sabéis que también soy bailarina (y que bailo hasta la canción del tele diario). Es un tema suave, pausado, pero con guitarras, y en este caso le acompaña también una voz femenina. Es una canción para seguir soñando…, y bailando.

Y para cerrar este gran álbum, uno de los te mas que aún no habíamos escuchado, Useful, y que puedo decir es una canción que me enamora, me chifla. La voz de Ben me recuerda tanto a Peter Steele al principio, me dejo llevar por esta canción y la disfruto cada segundo. Oh, sí, suena tan bien.

Yo no sé si es el encanto de Ben, o un encantamiento que me ha echado a través de su mú sica, pero a mí con este nuevo álbum me ha ganado por completo. Se ha vuelto a superar a sí mismo. Me encanta todo de Ludovico Techinique.

Es un estilo único dentro del Metal Gótico e Industrial. Es diferente, suena limpio y elegante. Y sí, creo que me he enamorado (risas). Aunque viva al otro lado del charco, no estaría nada mal que viniera de gira por Europa.

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Barón Rojo

El Último vuelo por América

Colombia, Bolivia, Chile, y Argentina.

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Mientras Barón Rojo ya se va despidiendo en ciertas regiones de España, y podemos observar en el YouTube el concierto junto a la Banda de Música Juventudes Musicales–Universidad de León como parte de la gira El Último Vuelo, la agrupación oficializó para noviembre la Gira de despedida americana 2022, que tiene como destinación El Salvador, Guatemala, Costa Rica, Ecuador,

Recordamos -según lo que dicen- a un tacitur no y malhumorado leyenda, Manfred von Richthofen, el afamado piloto polaco de la Primera Guerra Mundial, de los más memorables en la Historia de la aviación militar, que derri bó más de 90 naves enemigas. Casi todas las veces pilotando un bello triplano de color rojo brillante. Dicho personaje es quien da pie al so brenombre del Barón Rojo, a posteriori, una de las mejores bandas del Rock español de todos sus tiempos.

Barón Rojo, El Último vuelo por América

A mediados del año, FM ROCK Producciones anunciaba las fechas para tierras bolivianas: Barón Rojo en las 4 escenas más fuertes del país: 17 en Santa Cruz, 18 en Cochabamba, 19 en La Paz, y 20 en Potosí. Después de más de 40 años de carrera, a la cabeza de los hermanos De Castro, a la mítica banda de Rock y Heavy todavía le queda combustible para la gira.

Los hermanos Carlos y Armando De Castro se mantienen al frente de la formación desde

sus inicios, y se siguen conservando en for ma después de tantos años, y su secreto es que viven del Rock y no utilizan otro tipo de estímulos, así de claro. Creadores de genui nos himnos del Rock duro y del Heavy Metal en español, Barón Rojo ha marcado a varias generaciones, dejando tras de sí un magnífico legado musical, desde Volumen Brutal, Metalmorfosis, En un lugar de la Marcha o Barón Al Rojo Vivo, entre muchos otros álbumes. Según la información recabada en redes sociales y portales especializados, en un principio la banda tenía que haber finalizado su gira de despedida a finales de 2020, pero llegó la pandemia y les cambió los planes. En estas más de 4 décadas de carrera, la banda ha tenido momentos de muchísimo éxito, y otros en los que su carrera estuvo a punto de desaparecer. Armando contaba en repetidas entrevistas lo duro que fue la marcha de Sherpa Campuzano y José Luis “Hermes” Calabria, y que toda la primera mitad de los años noventa fue una travesía por el desierto bastante difícil, en el que mucha gente apostaba por la desapari ción del grupo con la marcha de los antiguos componentes.

Cito textualmente una declaración de él: “tuvimos que demostrar que eso no podía ser así, seguimos con la antorcha encendida y con ese nombre porque no tuvimos otra opción, ya que habían registrado todos los nombres posibles para cortarnos cualquier otra salida”.

Los Rockeros van al Infierno

El tiempo les ha dado la razón, y en los últimos 41 años la gente está totalmente identificada con la historia de Barón Rojo, entonando himnos apoteósicos como Hijos de Caín, Siempre Estás Allí, Barón Rojo, Resistiré, Cuerdas de Acero, Breathoven, Con Botas Sucias, entre muchos otros más que forman parte del sound track en la vida de millones de fanáticos a lo largo de los tiempos.

Entre anécdotas y memorias, con mucho co razón recuerdo el primer arribo de la banda a tierras paceñas, bolivianas. Fue en el 2000, cuando marcaron su presencia a lleno total en

el Teatro Al Aire Libre de la ciudad de La Paz, cerca del cielo.

Además de conocer por primera vez su músi ca, quedé alucinado con Barón Rojo, que fue la primera conferencia de prensa en mi carre ra, ya que laburaba en la extinta Radio Graffiti, una emisora local que me dio la oportunidad de hacer las prácticas laborales, recién egresado de Ciencias de la Comunicación Social, y por bono o yapa -como decimos por acá-, terminar frente a frente con los Barón Rojo, hablando cara a cara con los maestros, y conversando de sus grandes éxitos editados en 1999 en el álbum doble Cueste lo Que Cueste.

Barón Rojo anunció su retirada en 2020, justo cuando se cumplía el 40 aniversario de la ban da, y debido a la pandemia COVID19 la gira se pospone hasta nuestros días. Con esa efervescencia post cuarentenas, la gran fanatica da y familia Heavy Metal está preparando sus alas para colmar salas y espacios a lo largo de nuestra América.

Para las nuevas y antiguas generaciones, la formación actual está conformada por José Luis Morán (bajo), Rafa Díaz (batería), Armando De Castro (guitarra y voz) y Carlos De Castro (voz y guitarra). Quienes tienen ansias de saber más detalles de la intensa historia de la banda, les recomendamos prenderse a la película de Barón Rojo. Es muy interesante y narrativamente cinematográfica al cien por cien.

Las expectativas son altas, ya que todo ha cambiado en el planeta desde 2020, partiendo de la concepción del diario vivir hasta la forma de presenciar un show En Vivo y Directo.

Las 16 fechas que tienen programadas para la Gira de despedida americana 2022 estarán cargadas de esa mística de haber sido Barón Rojo auténticos, aquellos que penetraron en 1980 con una propuesta difícil de entender: una banda española que se encontraba junto a los grandes del género, como Iron Maiden o Scorpions.

De Ser austeros los hermanos De Castro, como ellos reconocen: “Nos miraban mal porque no

bebíamos ni nos drogábamos. A veces sufría mos una presión ambiental fuerte. Nosotros le decíamos a la gente: ‘Bueno, tú, drógate, noso tros, no’. No me voy a dejar la salud y el dinero en esas cosas. Prefiero gastarme el dinero en guitarras”, ha dicho Armando de Castro.

Barón Rojo ha volado tan alto que su legado prevalecerá para siempre en la Historia del He avy en español. Si bien las drogas y el alco hol no desfragmentaron a la banda, los celos, envidias, egos y demás sentimientos encontra dos partieron la formación original en dos, y los problemas paralelos se han convertido en un devenir constante en el perfil del grupo, quie nes, a pesar de volverse a reunir en 2010, justo cuando se celebra el 30 aniversario, duraron poco con la reunión.

Volvemos a invitar a la gran fanaticada del Barón Rojo, desde aquellos headbangers ochen teros, noventeros y dos mileros, hasta los de nuestros tiempos, para que se lancen a vibrar las energías musicales y poderosas canciones que nos emanan los caballeros del Metal. Si eres un señor adulto de 60 años, o si estás en la flor de la juventud con 22 añitos, es menester darse un premio metálico, y lanzarse del para caídas en el Último Vuelo por América, la Gira que nos despide del Barón Rojo hasta siem pre.

Reitero nuevamente el agradecimiento y las felicitaciones a FM ROCK Producciones en nombre de todos los metaleros de corazón en Bolivia, quienes, sin importar el tiempo y espacio, seguimos en el camino del Metal, y su apreciación fundamental a través de grandes ocasiones como ésta, de seguro llenando las cuatro fechas por suelos bolivianos de El Últi mo Vuelo por América

velada con

Víctor Fraile

en la Sala Jazzville

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Foto por Eva María Aroca

Hacía ya algo más de un año que escuché su música en directo por primera vez, y había que repetir. No tenía duda. La voz dulce y desgarrada, y la pasión que pone en sus directos, son dignos de ver tantas veces como sea posible.

Estoy hablando de nuestro amigo Víctor Fraile, que tras un periodo de pausa sobre el es cenario volvía a deleitarnos con su repertorio de su álbum debut, Diarios de un Instante, y alguna que otra nueva canción que serán del próximo álbum, en el que Víctor ya se encuentra trabajando.

Fue la noche del sábado, 15 de Octubre, en la acogedora sala Jazzville, en Madrid, muy cer

quita del Parque del Retiro.

Velada con Víctor Fraile en la Sala Jazzville

Cierto es que la última vez que vi a Víctor Fraile en directo no fue hace un año, sino el pasado mes de junio, cuando acompañó al gran maestro Morti en un concierto mágico, en el que Morti insistió a Víctor que cantara alguno de sus temas.

En esta ocasión, muy especial también, pues era todo dentro de un ambiente entre colegas y familiares (a veces pienso que eso pone más nerviosos a los artistas que el hecho de actuar delante de personas que no ha visto jamás, ¿qué opináis?).

Había un ambiente agradable, de estar por casa, y el sonido de la sala, como bien me habían comentado, era espectacular. Todo en general creó una atmósfera íntima, con risas y emociones muy vivas, haciendo que pasára

mos un rato de lo más agradable, y, la verdad, se me hizo corto.

El protagonista de la noche empezaba con esa misma canción, El Protagonista, y también fue protagonista, no menos importante, David Pérez, quien acompañaba a Víctor Fraile en esta velada tocando el piano.

Víctor hizo un repaso por todos los capítulos de su “diario”, incluso los más personales y más difíciles, como cuando se dispuso a cantar Mil Espinas, canción que él mismo aseguró que no iba a volver a cantar, pero que es un capítulo muy importante de su vida como para dejarlo de lado.

He de decir que ese momento fue realmente muy emotivo, y muchas personas de los que estábamos en la sala derramamos una lagrimi ta. Gracias, Víctor, por cantar esta canción de nuevo.

También hubo momento para las risas cuando

justo antes de escuchar la bonita canción Au rora, David Pérez con su melódica, y Víctor Fraile con la guitarra, hicieron una breve ver sión de la famosa y prohibida Lambada También pudimos disfrutar de canciones como Telón de Acero, Todo lo que Aprendí, que, para mí sorpresa, mi hijo de ocho años, quien me acompañó en esta bonita noche, se sabía de principio a fin toda la letra.

Alcalá de Henares, ciudad cervantina que vio crecer a Víctor Fraile, y que él le tiene tanto cariño y buen recuerdo, que le dedicó su canción Esta Ciudad.

Por supuesto, no podían faltar sus temas Hay Niños Que Saben Matar, El Cielo sobre Mí, Hombre, que es una de mis favoritas de Víctor, por su forma de interpretarla, su letra, la melodía… Todo es bonito en esta canción.

Es una canción que tiene un sentimiento que siento de una forma muy cercana y personal. Eso es lo bonito de la música, que cada indi viduo, al escuchar una canción, la haga suya. Ésa es la magia y el arte de conectar con la música que crea el artista.

Y, cómo no, tenía que sonar su primer tema, con el que conocí a Víctor Fraile, su famosa Son de Luna

También hubo tiempo para escuchar un par de canciones nuevas, que obviamente yo no iba a desvelar aún y no grabé, porque ya las lanzará Víctor Fraile cuando las tenga que lanzar. Pero que sepáis que yo, junto a los asistentes esa noche en la sala Jazzville, ya las hemos escuchado.

Sin duda alguna, fueron unas horas muy especiales.

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investigación

Bob Marley la gran figura del Reggae y la evolución de la

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Hola de nuevo, boombomeros. En la entrega anterior dejábamos a Bob Marley abandonando The Wailers para volar solo, hacia una carrera que le catapultará a estrella internacional, y que colocará al Reggae en la industrial mundial de manera comercial. Vamos a ello!

Bob Marley, la gran figura del Reggae y la evolución de la música jamaicana Nos encontramos a principios de los 70 y recogiendo los éxitos de Catch A Fire, un álbum importantísimo en la carrera de nuestro artista, pues abre su música a nuevos sonidos, acercándose a músicas menos tradicionales como el Rock.

Ese mismo año se publicó Burnin‘, un disco muy novedoso, pues ya hacía uso del Rock de

la música jamaicana

manera muy natural mezclándolo con el Reggae, algo que se convertiría en el caracterís tico sonido Marley. Rápidamente se convirtió en un éxito, principalmente gracias a su tema I Shot The Sheriff, consagrando definitivamen te a Bob Marley como artista internacional (Eric Clapton hará años después una versión de este tema que el mismo Bob Marley calificó como superior a la suya. Sinceramente no sé dónde lo vio, porque a mí la de Bob me parece insuperable…).

A pesar de que Bob había abandonado la for-

mación de The Wailers, seguían colaborando juntos hasta 1974, año de la ruptura definitiva del grupo como tal. Bob se queda con el nom bre de Bob Marley and The Wailers, que ahora estaba compuesto por los hermanos Carlton y Aston Barnett (batería y bajo), Junior Marvin (guitarra), Tyrone Downie y Earl Wya Lind (teclados) y Alvin “Seco” Patterson (percusión). Además, al grupo se unieron la I Threes como coristas: Judy Mowatt, Marcia Griffiths y Rita Marley, dándole un halo místico con sus voces a todas la canciones en las que participaban.

Como ya hemos dicho, con esta formación Bob se catapultó a la esfera internacional. Corría el año 1975, y su primer éxito internacional fue la archiconocida No Woman No Cry, del disco Live!. Un año después de autoexiliaba a Ingla terra durante dos años, y en esta época grabó discos tan importantes como Exodus y Kaya, dos de los álbumes más famosos de nuestro artista.

Después volvió a Jamaica, donde no paró de sacar discos, siendo el último de ellos Survival, un álbum muy político con temas tan famosos y comprometidos como Africa Unite o Wake Up and Live. Su último álbum de estudio fue Uprising (1980), y Confrontation será su álbum póstumo.

Bob Marley moría el 1 de mayo de 1981. Tenía 36 años. En julio de 1977 fue diagnosticado con un melanoma maligno bajo la uña de un pie. Meses más tarde le confirmarían que tenía un tipo de cáncer muy agresivo. La solución inicial que le propusieron fue la amputación de ese dedo, pero él, excusándose en su religión (y en que le gustaba más el fútbol que a un niño un lápiz), no lo aceptó. Tan sólo consintió una extracción en la zona.

Estaba de gira y así siguió. Sin embargo, el cáncer fue avanzando, y tras un concierto multitudinario en el Madison Square Garden de Nueva York se derrumbó y fue llevado al hospi tal, donde el diagnóstico ya fue metástasis en cerebro, pulmones e hígado.

Daría su último concierto el 23 de septiembre de 1980 en Pittsburg. Su salud estaba cada vez más deteriorada, e intentó un tratamiento alternativo en Alemania, pero no funcionó, y cuando volvía a su país tuvo que ser internado de urgencia en un hospital de Miami, donde fi nalmente moría. Recibió un funeral de estado en Jamaica el 21 de mayo de 1981.

Políticamente fue una figura bastante compro metida con varios temas, casi siempre relacionados con la situación de Jamaica, país que era un auténtico polvorín social y político en los años 70. Tras la independencia del país, rápi-

damente se impusieron dos partidos políticos nacionales: el Partido Nacional del Pueblo (so cial-democrático) y el Partido Laborista Jamaicano (centro-conservador de derechas).

La rivalidad entre ambos propició el terreno para una guerra civil callejera entre los partida rios de ambos partidos. Fueron unos años de mucha violencia, incluso el ejército y la policía tomaron las calles. Ante tal nivel de violencia se propuso un concierto en pro de la paz y unión nacional. Se concluyó que sería el 5 de diciembre de 1976, y que Bob Marley, a pesar de ser completamente apolítico, participaría.

Dos días antes, y estando en su propia casa, Bob sufría un atentado donde saldrían heridos tanto él como su esposa, su manager, y Lewis Griffith. Se piensa que el atentado fue un modo de castigo por apoyar la lucha política, supues tamente por apoyar al Primer Ministro Michael Manley, que fue quien organizó el concierto.

Sea como fuera, Bob Marley se subió al esce nario dos días después de ser atentado, y dan do un concierto espectacular. Consiguió, en una escena ya mítica, que los líderes de ambos partidos acabaran dándose la mano en el esce nario (la imagen habla por sí misma, un pequeño hombrecillo con rastas y un fumadote bas tante considerable, dando saltitos y animando a dos blanquitos a dejar la violencia a un lado y avanzar juntos… en serio, buscáoslo).

En cuanto la religión, bueno, todo el mundo conoce un poco la trayectoria de Bob Marley en este tema, tan poco me voy a extender mucho porque, sinceramente, me da pereza… Bob Marley era panafricano, es decir, creía en la unidad de los africanos de todo el mundo, con creencias muy arraigadas en tradiciones religiosas rastafaris (el uso de ganja como portal para la meditación, Dios es poderoso y todo ese blablabla que acompaña a las religiones… a todas, no solo a la de los negros, no seais racistillas).

Si bien Bob Marley tiene muchísimas canciones de amor a Jah y Selassie, también encon tramos muchas otras con temas comprometi dos con el sufrimiento de la sociedad negra, antiimperialistas, de diásporas africanas, li beración del continente africano… Exodus, Zimbabwe o Redemption Song serían buenos ejemplos de ello.

Además es innegable que sacó la música Reggae rastafari de las áreas socialmente desfa vorecidas y la llevó a todo el mundo. El Reggae sin Bob Marley pudo quedarse en una música de arrabal cantada como salmos por fanáticos y gente agarrada a la religión como último re curso.

Bob Marley es una figura clave (si no la figu ra en sí) en la evolución de la música jamaicana. Ya vimos en la entrega anterior cómo sus sonidos se movían entre los sonidos más clásicos como el Rocksteady y el Ska; sin embargo, consigue darle una vuelta al sonido Re ggae haciéndolo fusionar, principalmente, con el Rock y el Soul del momento. Puede parecer algo muy manido, pero en el momento fue una auténtica revolución que no ha conseguido su perarse.

Por eso os pido que dejéis atrás los prejuicios que me consta que muchos tenéis con artistas como Bob Marley, que se volvieron comerciales (y en este caso bendita comercialidad), o que tuvieron unas vidas reprochables en muchos aspectos, porque habitualmente nuestra cultura nos hace poner el punto de mira en el diferente, en este caso en “el negro que fumaba porros y era un fanático de la religión esa de los rastas”.

Escuchar a Bob Marley es un placer para los sentidos, no sólo por los ritmos que ejecuta, también por esa voz suave y dulce que no tiene nada que envidiar al mejor cantante de Soul. Así que, amigos, ya sabéis: Jammin’!

A Flock of Seagulls más que un raro peinado

Al principio, Mike se encargaba de los teclados y la voz principal, mientras que Ali tocaba la ba tería y Frank el bajo.

En 1979, en la ciudad de Liverpool, In glaterra, Michael Score, peluquero de profesión, forma junto a su hermano Ali y Frank Maudsley la banda A Flock of Seagulls.

El nombre lo toman de la canción Toiler on The Sea de la banda Punk Rock The Stranglers, y del libro Jonathan Livingston Seagull del escritor americano Richard Bach.

A Flock of Seagulls, más que un raro peinado

Más tarde incluyen al guitarrista Willie Woo y a Mark Edmonson en batería, reemplazando a Ali Score, ya que éste abandona momentáneamente la banda por diferencias con su her mano Mike.

Ya en 1980 Woo abandona la banda, dándole lugar nuevamente a Ali, y Edmonson es reem plazado por Paul Reynolds en guitarra. Ésta sería la formación clásica de A Flock of Seagulls, y con la cual grabarían los primeros éxi tos.

La banda pronto comienza a tocar en pequeños pubs, dándose a conocer hasta que consiguen un contrato con el sello Cocteau del productor

Bill Nelson, con el cual publicaron su primer simple en 1981 llamado (It´s not me) Taking. Al mismo tiempo grabaron para las famosas John Peel Sessions de la BBC.

El simple no tuvo mucho éxito, pero les sirvió para captar la atención del sello Jive, con el cual publican su segundo simple, Telecomuni cation, también bajo la producción de Bill Nelson, y logrando ser un éxito en las pistas de baile.

Ese mismo año, A Flock of Seagulls publica el EP Modern Love is Automatic con la produc cion de Mike Howlett, incluyendo Telecomuni cation y temas que estarían en su disco debut más tarde, como ser el instrumental D.N.A, Mo dern Love is Automatic y You Can Run

Para marzo de 1982 se publica el simple I Ran

(So Far Away), producido también por Mike Howlett.

Si bien no tuvo tanto éxito inicialmente en el Reino Unido, sí lo tuvo en Estados Unidos gra cias al video musical dirigido por Tony Van Den Ende, el cual tuvo gran repercusión en la cadena MTV, lo cual llevó a la banda a hacer una gira de promoción por aquel país.

Al mes siguiente se publica A Flock of Seagulls, el primer disco de la banda bajo la pro ducción de Bill Nelson y Mike Howlett.

El disco tuvo buen suceso en Reino Unido, y sobre todo en Estados Unidos, gracias a sus elementos de Synthpop y la imagen de A Flock of Seagulls, y sobre todo a la buena produc ción en cuanto al sonido del disco. A tal punto que el mismo Phil Spector quedó maravillado

con este trabajo.

Contiene el éxito I Ran (So Far Away), D.N.A, que ganó un premio Gammy en 1983 como mejor interpretación instrumental, y Space Age Love Song también de gran difusión.

A fines de 1982 alcanzan finalmente el éxito en Reino Unido con el simple Wishing (If I Had a Photograph of You), que integraría el segundo disco, Listen, publicado en 1983, el cual grabaron en Alemania en el Conny Plank Studio, otra vez junto a los productores Nelson y Howlett, obteniendo críticas positivas en general.

En este trabajo también se incluye el tema (It´s not me) Taking, que es original de 1981, y que había sido grabado para el sello Cocteau, sien do el mismo regrabado para este disco.

El video de este tema tuvo gran difusión en la cadena MTV, convirtiéndose además en el primer video musical donde al final estaban inclui dos los créditos de sus protagonistas.

En agosto de 1984 se publica el tercer disco, llamado The Story of a Young Heart, produci do esta vez por Steve Lovell, y el último con el guitarrista Paul Reynolds.

Un mes antes se lanza el simple The More You Live, The More You Love, que se convirtió en el

último éxito de A Flock of Seagulls, tanto en Europa como en Estados Unidos.

Otros simples del disco fueron Never Again (The Dancer) y Remember David, ambos con menor repercusión.

Luego de la gira presentación del disco, el guitarrista Paul Reynolds, descontento con el presente de la banda, se aleja de la misma, siendo reemplazado por Gary Steadman de la banda Classix Nouveaux, además se sumó Chris Chryssaphis en teclados.

Con esta formación graban en 1985 el disco Dream Come True, esta vez con la produc ción del propio Mike Score junto a Wayne Brathwaite. El disco se publica en 1986 en Es tados Unidos.

Tanto Mike como su hermano Ali y el bajista Maudsley, habían dejado Inglaterra y se esta blecieron en Estados Unidos, pero Frank tiempo después volvió a su país. Esto dividió al nú cleo principal de A Flock of Seagulls. A su vez los hermanos Score no se estaban llevando bien, y Ali dejó a su hermano Mark viviendo en Filadelfia, y él se mudó a Boston.

La grabación fue bastante conflictiva, ya que la relación entre los hermanos Score no era la mejor, siendo el bajista Frank Maudsley el nexo entre los dos.

Antes de la publicación del disco se lanzaron dos simples: Who´s That Girls (She´s Got It) y Heartbeat Like a Drum, en cuyos videos están presentes los tres miembros por última vez en mucho tiempo.

El fracaso a nivel comercial de los dos últimos discos, más la tensa relación entre sus inte grantes, terminó de disolver A Flock of Seagulls hasta 1988, cuando Mike Score reformula A Flock of Seagulls con nuevos integrantes, como Ed Berner en guitarra, Kaya Pryor en batería, Mike Radcliff en bajo, y Mike Railton en teclados. Con esta formación graban el sim ple Magic en 1989.

En 1994 se publica solamente en Estados Uni dos el nuevo disco de A Flock of Seagulls llamado The Light at the End of the World, producido por Mike Score. Para la grabación del disco, el baterista Pryor y el bajista Radcliff son reemplazados por A.J Mazzetti en batería y Dean Pichette en bajo.

El disco, que tenía temas como Burnin Up y Rainfall, no alcanzó tampoco el éxito esperado, pero sí fue bien recibido por los fanáticos de la banda.

En 2000, con nuevos cambios de integran tes, participan en el disco tributo The World’s Greatest 80’s Tribut to Madonna, con la can-

ción This Used to be My Playground

En 2003, la formación original con los herma nos Score, Paul Reynolds y Frank Maudsley se volvieron a juntar para tocar por única vez para el programa Bands Reunited de la cade na VH1.

Ya en 2014, Mike Score publica su disco como solista Zeebratta, produciéndolo junto a Joe Rodríguez y Mikal Read. Al principio se publicó en formato de descarga digital, y luego se publicaría en formato físico.

En mayo de 2018, A Flock of Seagulls se vuelve a juntar con sus cuatro miembros origi nales para grabar el disco Ascension, con la producción de John Bryan y Sare Havlick.

El disco contiene versiones grabadas con la Orquesta Filarmónica de Praga de once temas de los tres primeros discos y un tema nuevo, alcanzando los primeros lugares en la lista de discos clásicos de Bilboard y en Reino Unido.

Para el 2021 se publica otro disco en conjunto con la Orquesta Filarmónica de Praga, llama do String Theory, conteniendo versiones sin fónicas de éxitos como Messages, Remember David, The Story of a Young Heart y Say you Love Me.

Hasta la fecha es el último trabajo de A Flock of Seagulls, una banda icónica de principios de los 80’s. Distinta si la comparamos con otras bandas de esa época del mismo estilo, como OMD, Human League, Depeche Mode, etc.

Sus letras con tintes irónicos, apocalípticos, y con historias de ovnis y extraterrestres, más su música con un estilo propio, marcaron la dife rencia e influyeron a otros artistas.

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entrevistas

The Survival League

haciendo grande el FreeStyle desde Extremadura

The Survival League es un evento cultu ral único en Extremadura, y con un po tencial musical que sobrepasa todos los límites que podáis imaginar. Integran en sus fi las a algunos de los freestylers con más flow de España, haciendo de las conocidas batallas de gallos una auténtica obra de arte, y lanzando a toda la juventud un mensaje muy valioso sobre respeto, pasión por la música, y fraternidad, que tanto se necesita hoy en día.

Aunque en Extremadura siempre ha habido verdaderas estrellas del Hip Hop y del Frees tyle, The Survival League ha conseguido com pilar todos los valores positivos de este género musical en un mismo escenario, y eso es algo digno de ver.

Queríamos conocer todos los detalles de este fantástico proyecto 100% extremeño, y para eso hemos hablado con Raúl Velasco, uno de sus organizadores, y con varios de los Mcs que participan de forma activa sobre el escenario de The Survival League ¿Estáis preparados? ¡Pues lanza la base, Dj!

Extremadura

Raúl Velasco, un placer poder charlar contigo y conocer en profundidad The Survival League. Las primeras preguntas son casi obligatorias, ¿cómo y cuándo nace este proyecto?

El proyecto nace a través de otro proyecto social que tenemos, que se llama Asociación Batalla de Gallos Extremadura. Nosotros lle vamos trabajando más de 2 años por la geografía extremeña, en los barrios, donde hay mayor riesgo de exclusión social. Utilizamos la música, la cultura hip hop, como enlace vinculante para que los adolescentes de los barrios puedan tener acceso a la cultura y actividades positivas para ellos.

A través de este proyecto vimos que había una gran tendencia en Extremadura a la batalla de gallos, y por ello nos decidimos a coger a los 8 mejores Freestylers de Extremadura, y poder hacer con ellos una liga por toda la región.

Para todos aquellos que aún no conocen The Survival League, dinos, ¿qué es The Survival League y en qué consiste? The Survival League es un show dinámico, diferente, atractivo para todos los públicos, y poco visto en Extremadura. En plan técnico, es una liga de Freestyle, donde hay 8 Mc (raperos) que compiten entre ellos. Si habéis visto la película de Eminem 8 Millas, pues representa la misma línea que hacía Eminem en esta pelícu la. Los 8 Mcs hacen una competición dialéctica entre ellos, donde el show está amenizado por un Dj que va lanzando la música, y un Speaker que es el maestro de ceremonias. Todo ello va puntuado por 3 jurados con altos conocimientos en Freestyle. Eso es técnicamente. Visual mente es como un combate de boxeo, pero los Mc se debaten dialécticamente.

Dar el primer paso en un proyecto así puede dar un poco de vértigo. Llegado el momento, decidís tiraros a la piscina y realizar la primera edición de la primera liga de The Survival Lea gue. ¿Cómo fue esa primera edición? ¿Cuáles fueron las mayores dificultades con las que os encontrasteis?

Los primeros pasos, como en todos los proyec-

tos, son difíciles. Siempre estás con la duda de si lo estás haciendo bien o mal, si al público le gusta tu proyecto o no. En esta primera edición estamos muy contentos. Hemos estado en 14 puntos de nuestra región haciendo nuestro for mato liga, y hemos realizado más de 15 shows fuera de nuestra liga con más de 30 actua ciones en total en nuestro primer año de vida en Extremadura. El trabajo ha sido laborioso, porque estamos presentando un proyecto dife rente, muy enfocado a la gente joven y ado lescente. Tal ha sido el éxito que hemos tenido en nuestro primer año, que nuestra marca se ha expandido a 4 puntos más del país (Ma drid, Barcelona, Córdoba, y Palma de Mallorca), donde nuestra marca se está posicionando como una alternativa al ocio de la gente joven.

La mayor dificultad que nos encontramos real mente es poder ofrecer nuestros shows a loca lidades donde hay pocos colectivos de jóvenes, o donde los ayuntamientos no acceden a llevar proyectos para este publico. Nuestra finalidad

es fomentar un ocio alternativo para la gente joven.

Y después de esta primera edición llegaron todas las demás. ¿Qué diferencias hay entre ese primer show y los que vinieron después? ¿Cómo ha evolucionado The Survival League? La primera jornada de nuestra liga se hizo el 15 de enero de 2022 en el Palacio de Congre sos de Badajoz, con un público muy entregado. Nosotros queríamos hacer una presentación a lo grande. Contratamos a los mejores a nivel mundial de esta modalidad (Chuty, Skone e In vert), y nos apadrinaron nuestra primera jornada. El primer evento fue todo un éxito rotundo ante más de 800 espectadores. En el primer show nos faltaba rodaje, aprendizaje. A día de hoy, en los shows de The Survival League participan 16 personas entre artistas, equipo de producción, montadores, staff, que trabajan para que el show salga con todas las garantías posibles. Es un reto para el equipo de organiza ción y producción, que al final tiene que sacar un show bastante potente ya que nos hemos

marcado un reto nunca visto en nuestra región. Un dj, Hip Hop, mucho Flow, y un speaker que le da mucha vidilla al show. ¿Cómo hicisteis la selección de tod@s los participantes de The Survival League?

Pues me alegro que me hagas esta pregunta. El dj es un viejo conocido amigo mío, Evil Man, y desde el primer minuto que le comentamos el proyecto nos dio el sí. Para mí era importante contar con gente de mi confianza para arran car el show. El Speaker, que es Criterioh, es un antiguo Mc de la famosa marca Red Bull, y uno de los pioneros de este movimiento del Freestyle a nivel internacional. Tenemos la gran suerte que esté viviendo ahora en Extre madura, en Arroyo de San Serván, ya que él es de Palma de Mallorca, y esté al 100x100 en

“The Survival League es un show dinámico, diferente, atractivo para todos los públicos, y poco visto en Extremadura”

nuestro proyecto. Es mi mano derecha, como se suele decir, con el cual tiene que haber consenso para todas las decisiones de The Survival League. Después, los Mc los elegimos un poco a dedo por decisión de Criterioh, que los conocía del movimiento en Extremadura del Freestyle. Después de todos los chicos, había un caso en particular de uno de los MC, que es el más joven. Jades es un chico de Cáceres que solo tiene 15 años. Este chico viene de los talleres sociales de Batalla de gallos Extremadura. Queríamos darle la oportunidad de que nuestro proyecto social tuviera una vincu lación con nuestros shows, y los chicos tuvieran la oportunidad de poder entrar en nuestra liga y tenerlos motivados a la hora de trabajar con ellos.

Que The Survival League sea un producto ex tremeño, con tanto nivel y con tanto potencial cultural, tendría que ser un orgullo para toda Extremadura y para sus Instituciones. ¿Cómo os han recibido en el sector del Hip Hop en esta comunidad? ¿En qué estado se encuentra la escena actual?

La verdad que estamos muy orgullosos de poder decir que nuestra marca es marca Extre madura, y que lo que estamos consiguiendo es fruto del gran equipo humano que estamos

trabajando en este proyecto. El sector del hip hop en la región nos ha recibido muy bien. Para ellos somos un soplo de aire fresco, y estamos para aportar o para sumar al movimiento cultu ral urbano. A día de hoy, la música urbana es la más escuchada por jóvenes y adolescentes.

Nuestros estudios dicen que en el 98% de este colectivo es la música que más reproducen en formato digital, y el género de las batallas de gallos es el Streaming que más se reproduce a nivel mundial en los canales de Youtube des pués del fútbol (imaginaros cómo viene este movimiento entre la gente joven a nivel mundial).

En el show encontramos improvisación por parte de los raperos, pero también batallas de gallos. En esas batallas se decide quién es el ganador, pero ¿quién lo decide? ¿El público, un equipo de jueces, ambos? Danos más de talles de cómo se lleva a cabo la elección del ganador.

En nuestra liga llevamos un jurado profesional con altos conocimientos en las batallas de ga llos. Puntúan todas las pruebas que le vamos proponiendo a los chicos. Son un total de 5 pruebas, y al final el que más puntos suma es el ganador de esa batalla. Los 8 Freestylers no

se enfrentan entre sí en una jornada de liga, compiten 1vs1, y es una suma global de todas las jornadas.

Las batallas de gallos atraen a mucho público, sobre todo joven, e imaginamos que será una parte importante para que The Survival League

funcione a la perfección. ¿A qué tipo de públi co va dirigido este show? ¿Cómo reaccionan cuando se están produciendo las batallas? Nuestro público, como bien dices, suele ser jo ven y adolescente, pero también tenemos un público familiar. Vemos a muchos padres con sus hijos disfrutando del show.

“Cerramos liga el día 9 de diciembre en Mérida, a las 19 horas en el parque de las 7 sillas, al cual estáis invitados a ver nuestro show. Queremos hacer un final de fiesta a lo grande.“

Positivamente nos hemos encontrado que en nuestros eventos el público no suele consumir alcohol, y esto nos hace realmente felices. A nuestra propuesta la hemos llamado OCIO SA LUDABLE, jejeje.

Nos alegra mucho que The Survival League haya nacido en Extremadura, ya que no tenemos constancia de que haya otros espectá culos de este tipo en la región. Sin embargo, habéis estado en escenarios de toda la geografía española. ¿Cómo han recibido fuera de la región a The Survival League? ¿Encontráis diferencias entre el público de uno y otro sitio? Fuera de la región la marca se ha posicionado como una de las propuestas más importantes del Freestyle a nivel nacional. No dejan de llamarnos de otras ciudades para que llevemos nuestra propuesta a su ciudad. A día de hoy estamos ya en 5 puntos del país. A largo plazo queremos seguir creciendo. Este año hemos realizado más de 50 eventos por todo el país. Ha sido una locura que una propuesta con un año de actividad pueda realizar tantos eventos. No lo habríamos conseguido sin el trabajo de nuestro equipo de producción y nuestros artistas.

The Survival League sigue a pleno rendimiento. ¿Cuáles son los próximos destinos del espectáculo? ¿Cómo se presenta el 2023? ¿Tenéis ya fechas cerradas? Cerramos liga el día 9 de diciembre en Mérida, a las 19 horas en el parque de las 7 sillas, en el cual estáis invitados a ver nuestro show. Queremos hacer un final de fiesta a lo grande. Para este día vamos a invitar a nuestro evento a dos artistas con gran nombre en el panorama nacional: Mr Ego y Kmbra. Queremos dejar el listón bastante alto para empezar el 2023 con toda la energía posible. En el 2023 volvemos a hacer gira por España con la marca Carrefour en sus centros comerciales, y ya tenemos por Extremadura algunas fechas para arrancar el año de la mejor manera.

Además de Extremadura y el resto de España, ¿os habéis planteado llevar The Survival League a otros países? ¿A qué lugares del mundo os gustaría llevar este espectáculo? Pues es complicado por tema logístico abrir fronteras, pero nunca digas de esta agua no quiero beber, ya que queremos crecer a pasos firmes. Sí es verdad que queremos aunar fuerzas con el país vecino (Portugal), y ver la posi

bilidad de que nos conozcan por allí.

Estamos deseando ver una nueva edición de The Survival League, ya sea en Extremadura o en cualquier otra parte del mundo. Enhora buena por el proyecto y mucho éxito en vuestro camino. Os deseamos mucha suerte y éxito, y esperamos que volváis a LaCarne Magazine para contárnoslo. Un fuerte abrazo y larga vida a The Survival League. Daros las gracias a vosotros por darnos la po sibilidad de proyectar nuestro show en vuestra revista. Agradecer eternamente a los Sponsors que nos han acompañado en este 2022, que sin ellos este proyecto no sería igual, y desearos a todos unas felices navidades y un pros pero año nuevo.

The Survival League, Criterioh

Fernando Fernández aka Criterioh, ade más de ganador de la Red Bull Batalla de Gallos de Zaragoza, y de formar par te de otros proyectos musicales, eres también el speaker de The Survival League. ¿Cómo y cuándo te llega esta propuesta? ¿Cuál es tu función como speaker en The Survival League, y cómo consigues que el público lo dé todo en el show?

Después de un año trabajando junto a Raúl Velasco en talleres educativos sociales a través del freestyle en Asociación Batalla de Gallos de Extremadura, un día me propuso la idea de formar una liga para potenciar el talento regio nal que tenemos en Extremadura, y que, por la zona geográfica donde estamos ubicados, no nos tienen en mucha consideración, ni te nemos las mismas oportunidades, y, como es obvio, me pareció perfecto estar organizando e ideando formatos y demás junto a Raúl. Es algo que me hubiese gustado disfrutar como competidor cuando yo empecé, y, bueno, pues orgullo de formar parte de este proyecto.

Como bien dices, también cumplo la función de Speaker, y más que nada me limito a dinamizar un poco el evento, explicar formatos al público, presentar a los participantes, jueces, Dj y demás miembros del staff, y estar un poco alerta en que no haya fallos de ningún tipo, que con la gente siempre es una lotería. Es un movimiento bastante joven aquí en Extremadura, y aún estamos enfrentándonos a públicos que no

“En el 2023 volvemos a hacer gira por España con la marca Carrefour en sus centros comerciales, y ya tenemos por Extremadura algunas fechas“

tienen mucho conocimiento de esta disciplina, pero es muy bonito ver cómo los que ya están dentro de esta cultura disfrutan al igual que las personas que asisten por primera vez a un evento de los nuestros.

Mi función como Speaker no es solo hablar, hay que analizar el tipo de público que tienes cada día, lo que ellos quieren, lo que no, ha cerles ver que cuanta más energía den a mis chicos, mejor lo harán, porque es un arte que se basa en la retroalimentación con los asisten tes, y, oye, la verdad es que llevamos un año maravilloso donde nos hemos encontrado a un público entregado y con ganas de show.

Desde tu punto de vista personal, ¿qué importancia tiene The Survival League para la es cena del Hip Hop? ¿Cómo ves el nivel de los MC’s del show desde tu papel de presentador? Pues desde mi punto de vista creo que el pa pel que hacemos para la escena de freestyle nacional es bastante importante. En el circuito de batallas, quitando 4 o 5 organizaciones, el resto, por falta de presupuesto, trabajan de modo amateur en parques, cosa que es necesaria para el crecimiento de un artista, porque no hay que olvidar que todo empezó ahí.

Pero qué pasa, que los chicos que destacan en la calle, cuando dan un paso más allá y se enfrentan a un micrófono, un escenario, unos focos, un público exigente y demás, pues no rinden igual, porque la diferencia es bastante grande. Entonces nosotros estamos dando en cada región donde estamos llegando (poco a poco queremos llegar a todas) la oportunidad de que tengan una liga profesional donde curtirse, aprender, y estar en movimiento constante para que cuando llegue ese salto del que hablaba antes sea menos difícil. Creo que era necesario que alguien invirtiese en el talento desde abajo, no solo cuando los artistas ya es tán consolidados.

Y desde dentro, esta primera temporada en Ex tremadura hemos visto una evolución increíble de todos los participantes, más allá de su puntaje o posición en la tabla. Todos han cogido un rodaje, experiencia y nivel que de otra forma no podrían haber desarrollado de igual mane-

ra. Es muy bonito ver cómo crece todo.

¿Qué le dirías a los lectores para que asistan como público a The Survival League?

Les diría que esta cultura es inclusiva, de amor, respeto y tolerancia. Todos sois bienvenidos, ¡y tenéis que apoyar el talento local! Todas las personas y artistas que admiráis y seguís empezaron como nuestros chicos, desde abajo, con toda la ilusión del mundo. Tal vez entre nuestros jóvenes talentos tengamos a futuros exponentes de esta cultura. Entre todos pode mos hacer que esto crezca como se merece. Además, vais a pasar dos horitas de diversión, desconexión, música y amor de parte de un equipo maravilloso de trabajo, y casi todos nuestros eventos son gratuitos.

The Survival League, Apolo K

Fco. José Alberto aka Apolo K, llevas en este mundo del freestyle bastante tiem po, y has participado en numerosas ba tallas de gallos. ¿Cómo y cuándo llegas a The Survival League?

Llevo en este mundillo desde el 2017, y fue el año pasado cuando me contactaron. Recuerdo que estaba en mi casa limpiando el patio y era por la mañana. La llamada fue de Criterioh Me comentó el proyecto que había en mente,

que yo era uno de los competidores que quería que estuviese, que habría muchos eventos, que más adelante me daría más información, y que necesitaba saber mi confirmación para formar parte del proyecto. El simple hecho de poder competir más de seguido ya me pareció positivo y me entusiasmó la idea de sumarme al proyecto, por lo que sin dudarlo le di el sí.

¿Qué reivindicaciones o valores se resaltan en

las improvisaciones y batallas de gallos? ¿Qué líricas son las predominantes en el espectáculo de The Survival League?

Para mí el valor que más se da en este tipo de espectáculos es el respeto entre los competido res, y se da después del combate. Una vez que nos hemos atacado verbalmente lo mejor que hemos podido, nos damos la mano y muchas veces un abrazo, representando que lo que ha ocurrido en la batalla se queda en la batalla,

como los peleadores que llenos de sangre se abrazan con el final del último round.

Hay mucha variedad lírica en una batalla de gallos. También influye en el nivel y en el estilo de cada batallero, por supuesto. Aunque lo normal es que la jerga predominante sea la propiamente urbana que se da en el lenguaje más vulgar y callejero. Por supuesto, también se utilizan palabras mal sonantes y contenido explícito y ofensivo. Al fin y al cabo es la base de este juego.

Aun así, nos solemos adaptar al público que tenemos para ser más entretenidos y empatizar con aquello que le provoca disfrute al público. No hay que olvidar que esto consiste en disfrutar y hacer disfrutar.

¿Hay mucha tensión durante las batallas de gallos en The Survival League? Por tu expe riencia, ¿cómo es la relación de los MC’s des pués de competir sobre el escenario?

A gusto personal, tendría que haber más. El conflicto, visto desde un punto de vista ficticio, llama la atención. Al principio es normal que choque para el espectador más novato en esto, pero, una vez que entienden la trama, lo dis frutan más. Además, que el calentarnos en el enfrentamiento hace que nos tomemos más en serio la batalla, y consigamos dar más nivel. El público se “enchicha” porque siente la tensión real, y le es más fácil meterse en la situación de

enfrentamiento que se intenta proyectar.

Fuera de la lucha que se da en el escenario, la mayoría somos amigos y nos llevamos muy bien. Al fin y al cabo, compartimos mucho tiempo antes de los eventos. A veces, después de los mismos, salimos de fiesta juntos, y entre al gunos hablamos o nos vemos de diario, ya que existe amistad real.

Aquí se ve el respeto y el buen rollo que hemos hablado antes. Sabemos separar la batalla con nuestros «personajes» de nuestros tratos per sonales como personas. Batista, por ejemplo, es de mis mejores amigos, y mi mejor amigo en el mundo de las batallas. Cuando nos subimos al escenario nos matamos de las peores maneras posibles, y al acabar la batalla nos con tamos nuestros desamores más recientes, nos reímos de nuestras tonterías, y nos vamos a salir por ahí.

The Survival League, Longitudinal

Jesús Guisado aka Longitudinal, eres ra pero desde que eras un crío, y ya eres bicampeón de Extremadura de batalla de gallos. Actualmente formas parte del elenco de The Survival League, y nos gustaría que nos contaras cómo has llegado hasta aquí. ¿Cono-

cías ya el proyecto? ¿Cuándo y cómo entraste a formar parte de este gran proyecto de Hip Hop?

¡Hola! El cómo he llegado hasta aquí es una pregunta curiosa, porque la realidad es que no lo sé. Simplemente soy un chico al que le gus taba el Freestyle y las batallas, se adentró en ese mundo, fue apuntándose a batallas y me jorando. Y por ahora estamos aquí.

No conocía el proyecto The Survival League hasta este año, pero también creo que es nor mal, ya que somos la primera generación que participa en este proyecto. A principios de año nos escribieron sobre el proyecto, y que esta ban interesados en mí y en otros 7 compañeros para formar una liga, e ir yendo a eventos por toda la comunidad, y decidimos aceptar, ya que tenía una gran pinta todo.

¿Cómo ves el nivel de los MC’s a los que te en

frentas en cada show? Suponemos que cada batalla se convierte en un auténtico reto a su perar, ¿no?

Pienso que mis compañeros tienen un gran nivel, aunque, con todo mi respeto hacia ellos, pienso que actualmente no somos los 8 con mayor nivel de Extremadura. Es complicado escoger quiénes son los 8 mejores, ya que la valoración de un arte siempre será subjetivo, pero para ello, cada temporada descenderán dos de la liga, y ascenderán los que más se lo estén currando, por lo que por ese lado, per fecto.

Cada batalla aun así es un reto, sí, sobre todo cuando compito contra Sakra, que para mí es el rival más fuerte de toda la liga.

¿Cómo es el ambiente sobre las tablas durante las batallas de gallos en este espectáculo? ¿Y el público? ¿Cómo reacciona ante esas bata

llas?

En cuanto a encima del escenario, es súper acogedor con el resto de participantes, porque, aunque habiendo competitividad, ya que todos queremos ganar (es la base de una competi ción), nos mostramos un respeto total, cele brando las rimas de los demás, incluso la de los rivales. Nos apoyamos y ayudamos siem pre que podemos. Es muy bonito ver cómo en unas competiciones que desde fuera se ven tan agresivas, desde dentro se viven súper có modas, e incluso familiares.

El público los hay de varios tipos: los hay que vienen a vernos a nosotros y ya saben a lo que se enfrentan, o los que se pasan de casualidad, y se quedan porque les llama la atención. En ambos casos salen siempre sorprendidos para bien, ya que dentro de la comunidad nunca se había visto una organización tan buena como la que lleva la liga, y la gente que no conoce

lo que hacemos, se queda alucinada al observar cómo improvisamos mediante palabras que aparecen en una pantalla, imágenes, cualquier estimulo…

En múltiples ocasiones, al terminar un evento o una batalla, se nos acerca gente de todas las edades a darnos la enhorabuena, comentando que consideran de una gran dificultad lo que realizamos, que tenemos una gran imaginación, agilidad mental y creatividad.

Barsinë Música hecha con el Corazón

Barsinë, Música hecha con el Corazón

No todo en el confinamiento ha sido malo. En ese tiempo, muchas personas han pasado por un proceso de reactivación mental, y la creatividad ha florecido dando lu gar a piezas maravillosas y caminos que hasta ahora no habían explorado, aunque siempre hubieran estado ahí. Y ése ha sido el caso de nuestro amigo Germán González, con quien ya tuvimos la oportunidad de hablar hace algún tiempo, junto a su banda SKUNK D.F.

En esta ocasión nos presenta su nuevo y fascinante proyecto: Barsinë, una nueva banda que empieza a dar sus frutos, y con la que Germán siente que ha vuelto a sus raíces.

Quédate con nosotros a conocer a esta nueva gran banda, que ya han hecho su presentación oficial el pasado 28 de Octubre en la sala Moby Dick, de Madrid. Te va a encantar desde el pri mer segundo.

¿Cómo y cuándo surge la idea de crear Barsinë? A ti, Germán, te conocemos por ser tam bién el vocalista de SKUNK D.F., pero, ¿podéis hacernos una presentación de la banda al completo?

Bueno, pues yo los presentaría como “mis ami gos de toda la vida”. Ya éramos un grupo en los 90’s, y tenemos un contacto muy estrecho por nuestra amistad. Casi todos ellos vienen de Elecktra, sacaron 4 discos en la década de los 2000 (el primero conmigo).

La música siempre ha surgido muy fácil entre nosotros, y a raíz del confinamiento empeza mos a trabajar en temas sin ninguna ambición de publicar nada…. Pero empezamos a generar tanto material, y (para mi gusto) de tanta calidad, que ya se planteó el dar el paso al es tudio. Cambiamos de nombre, y decidimos cuidar al máximo todo lo que íbamos a ofrecer al público.

Germán, ¿cómo te sientes con esta nueva for mación, Barsinë? ¿Qué significa para ti este

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nuevo proyecto?

Pues siento como que vuelvo a casa, a mis raíces, y que hago exactamente lo que quiero ha cer. Esta música es algo que siempre ha estado latente entre nosotros, y tengo tanta confianza con mis compañeros que todo es muy fácil.

¿Cómo definiríais el estilo de Barsinë? El encanto de la sencillez.

¿Cuáles son las influencias y la inspiración para crear la música de Barsinë? Nosotros somos de la vieja escuela del Rock y el Metal, aunque somos muy abiertos. Tenemos gustos muy variados. Pienso que para crear tienes que escuchar muuuucha variedad de estilos.

Barsinë ya habéis lanzado cinco sencillos, que ya podemos escuchar en plataformas digitales. Habladnos más acerca de ellos. Siento que to dos son temas que emanan emociones muy profundas. ¿Qué queréis transmitir con vuestras canciones?

Precisamente eso, transmitir, que es la función de cualquier arte. A nosotros nos parecen cinco joyas, y cada una tiene su alma y estilo.

Personalmente yo trabajo muchísimo las letras, hasta niveles enfermizos, pero también me he encargado de la pre-producción y de los arreglos orquestales. Ha sido un currazo para todos porque Parra, el batería, vive en Málaga, así que hay mucho trabajo individual en casa, y pocas veces nos juntamos todos físicamente.

¿Tenéis pensado lanzar algún sencillo más an tes de acabar el año? ¿Tendremos el álbum en un futuro cercano?

Por desgracia hemos agotado ya las cancio nes de la grabación en Cube, pero ya tenemos otros cinco buenos temas que hemos tocado en nuestra presentación de Madrid. Aún no hay fechas, pero es muy probable que volvamos al estudio para completar un disco.

Vuestro último sencillo es Lázaro, en el que colabora nuestro gran y querido amigo Morti. ¿Cómo surge la idea de trabajar juntos? He de decir que el resultado es una canción maravi llosa, épica, se ha convertido en una de mis

favoritas. Muchas gracias. Yo siempre he seguido mucho a Morti, y me encanta su estilo, sobre todo en su etapa con Skizoo

La verdad que nos conocíamos de “Hola y Adiós”, no había ninguna confianza, pero con seguí su contacto y se la tiré. Él aceptó encantado, y ha sido una experiencia increíble. Me siento muy honrado de que quisiera formar par te del tema. De hecho, ya hemos hablado de colaborar en más ocasiones….

¿Qué planes tiene Barsinë de cara a 2023? ¿Cómo veis la escena musical en el futuro? Nosotros queremos disfrutar este viaje paso a paso, vivir el presente, y ver hacia dónde nos lleva este proyecto tan bonito. Vamos a seguir haciendo música, eso está claro, pero no tene mos pretensiones de hacer giras, ni nada parecido. Los conciertos que se hagan serán pocos y bastante exclusivos.

Si pudierais elegir con quién compartir una gira, ¿a quién elegiríais? Sin duda, con alguien cercano.

¿Alguna otra colaboración en mente, o que os gustaría hacer si tuvierais la oportunidad? Sí, ya hemos pensado en alguien, pero como no hay nada cerrado, es mejor no adelantarse.

Y para finalizar, ¿algún dato adicional que queráis añadir, o enviar algún mensaje a nuestros lectores?

Muchas gracias por concedernos esta entrevista lo primero, y agradecer a toda la gente que nos está apoyando, y que aprecian la música hecha con el corazón.

Muchísimas gracias por todo! Os deseo mucho éxito. Me encanta vuestra mú sica.

Estoy segura de que te ha encantado, así que ya sabes, no te pierdas ninguna novedad acer ca de Barsinë, y comienza a seguirles en sus redes sociales: YouTube, Instagram Germán, Instagram Barsinë, Facebook y Spotify

El Discipulo

un referente del Movimiento Hip Hop hecho en

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Entre declaraciones de guerra, cambios bruscos en la vida del planeta, y esferas que resplandecen por las azoteas brillando en la infinidad, logré contactar con El Discipulo, un personaje fundamental dentro del Movimiento Hip Hop gestado en Cuba.

Un honor para mi persona entablar conversación desde La Paz – Bolivia hasta Minnesota – Estados Unidos con El Discipulo, un MC y beatmaker, portavoz de la Cultura y forjador de libertades.

El Discipulo, Rap Cubano Sin Fronteras Bienvenido. Muchas gracias por aceptar esta exclusiva con LaCarne Magazine. Primero que todo, muchas gracias por la oportunidad de lle-

gar a sus lectores. Quisiera corregir algo con lo que llevo batallando mucho tiempo, jajaja ¡El nombre! sin tilde. Sería: El Discipulo. ¡Vamo’ pa’ allá! Luego de casi tres años y medio de sobrevivir bajo la alerta del COVID 19, personal y musicalmente, ¿cómo está?

Actualmente estoy oficialmente “medio feliz”, así mismo como lo lees. Te cuento, en el 2019 fui invitado a Colombia nuevamente, esta vez de la mano de los proyectos Melah y Cartel Urbano, con la ayuda también de US Cuban Artist Exchange.

Esta última, aprovechando la oportunidad de estar en Colombia y la existencia allí de una Embajada estadounidense funcionando, nos invita al proyecto Mano Armada a Estados Unidos para una residencia artística. A mí me dan la Visa, pero a Papá Humbertico no, inex plicable.

Estaba recién casado cuando salí para Esta

en Cuba

dos Unidos el 30 de agosto del 2019, cumplien do un año exactamente de noviazgo, y la decisión era que no regresaría a Cuba hasta haber obtenido la residencia en los Estados Unidos, para entonces empezar así el proceso de reunificación familiar (un clásico cubano). Pero en eso llegó el COVID. Ni residencia, ni trabajo, ni planes, ni nada. Fue todo un caos. Durante ese tiempo hice mucha música triste, música que estoy soltando ahora.

Terminando la etapa fuerte del COVID, por fin obtengo mi residencia y empiezo a trabajar es tablemente. A finales del 2021 regreso a Cuba. Durante esas semanas grabé junto a Papá Humbertico una sesión En Vivo de La Cinta, canción hecha para el clásico compilatorio Sonido Turbio Vol. 5, también con DJ Lápiz una sesión En Vivo de Lejos de ti no Puedo Estar. Realicé una colaboración con Milton MC Donald llamada Prendo Uno para su álbum Vedado State, producido en su totalidad por Papá

Humbertico

Mi esposa decidió emprender “La Travesía”, peligrosísimo recorrido que hacen muchos mi grantes cubanos y latino americanos para entrar por México de manera irregular a los Esta dos Unidos. Esa travesía fue bien complicada, pues la deportaron a Cuba desde México. Fueron momentos muy duros.

Ella, muy decidida a volver a hacer el peligroso recorrido lo antes posible, y yo deseando que todo esto no fuera realidad, pero sus deseos fueron más fuertes. Impulsados, además, por la dura y cruda realidad de la Isla, que en todos los aspectos superan la ficción. Fue así que dos semanas después de emprender el segundo recorrido, logró entrar a los Estados Unidos, y ahora estamos juntos todavía sin caer de la nube.

Por eso te digo que oficialmente “medio feliz”’ en el plano personal, todavía en el intento de reunificar la familia, pero ya un paso adelante.

La música ha ido a la par de estos sentimientos, que nacen de las situaciones que se nos presentan en la vida. Afortunadamente acom pañado en la mayoría de las veces por Yoyo aka Mala Bizta, quien me malcría sobrema nera con música, video y diseños a un nivel descomunal. Me siento muy confiado y relajado porque estamos disfrutando muchísimo de todo el proceso creativo. Oficialmente medio feliz, musicalmente satisfecho y curioseando. el discipulo

¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? Me llamo Yoandy González Marrero. Nací en Barrera, un pueblo pequeño muy cerca de las playas del este de La Habana, perteneciente al municipio Guanabacoa.

¿Cómo se inicia El Discipulo a la vida musical? Cursaba el sexto grado y jugaba en el patio de mi casa con un par de amigos, Yuri y José Alberto. De momento llega Onelia, una alegre mujer que siempre estaba organizando actividades con los muchachos de la escuela prima ria. Ella nos comenta que esa misma noche (de jueves, 1999) en el Liceo de Barrera, unos gru-

pos de Rap iban a cantar, que si hacíamos una canción podíamos participar.

Yo enseguida escribí una canción y la dividí en tres partes. Otro amigo nos prestó un casete con algún beat americano (muy populares y difíciles de conseguir en ese entonces). Así fuimos ensayando la canción frente a nuestros padres y vecinos ese mismo día, varias veces.

Llegó la noche y nos tocó cantar. Salimos, y el primero que rapeaba se confundió y olvido la letra. Imagínate, en blanco todos. Nos regre samos a la cabina del DJ que hacía a la vez de camerino. Yo me sabía la canción comple ta porque la había escrito ese mismo día, así que de nuevo salí y la terminé solo, muerto de miedo, pero hablando alto y a mucha gente por primera vez a los 12 años. Una experiencia descomunal para mí. Esa misma noche, con sus respectivos grupos, empezaron allí Papá Humbertico y Anderson

El Discipulo, junto a Papá Humbertico, con formaron una leyenda viva del Rap en Cuba, Mano Armada, y se edificó Real 70, un pilar fundamental dentro del Movimiento Hip Hop de habla hispana. ¿Cuál es la breve historia de El Discipulo hasta el presente? Con Papá Humbertico y Anderson la herman dad llegó muy temprano. Mano Armada nace por el 2005, pero ya desde antes andábamos súper conectados: Rap, baloncesto, política, Historia de Cuba, rebeldía, todo eso en un pue blito campestre de La Habana. La gente nos veía como unos locos. Todo eso nos hizo escribir sobre lo mismo, coincidimos en muchas cosas, y así fuimos conectando.

Días, semanas, meses y años en Real 70 vien do y compartiendo con la crema y nata del Rap de La Habana, y de muchas otras ciudades cubanas y latinoamericanas también. Poco a poco pasaron por ahí personajes muy repre sentativos del Movimiento de Hip Hop en general. Cuando salió Revolución Dentro de la Revolución (primer disco de Mano Amada), no estábamos pensando en hacer un proyecto como tal, solo necesitábamos un nombre para esa unión, digamos, ocasional.

Lo que pasó después demuestra cuán inge nuos fuimos. 4 o 5 años pasaron y resultamos haciendo varios discos de Estudio: Luz y El Mundo no Gira a tu Alrededor (2010), A las Armas Valientes Corred (2011), DosmilDoce (2012), en el 2013 fundamos Real 70 Crew (DJ Lápiz y Elokuente desde Soldier Squad, Chico Pro desde La SQrsal, El Pelón y Soandry des de Hermanos de Causa, Anderson, Papá Humbertico y yo), y sacamos Terapia de grupo.

Al año siguiente, estando en Colombia, sacamos Señales de Humo, y en el 2015 Los últimos románticos. Luego de regresar a Cuba, hicimos Habanero (2018) y Prohibido (2019) (primer álbum de Rap cubano lanzado en vini lo).

Eso nos tiene entretenidos hasta la actualidad. Además de nuestros trabajos independientes, siempre tenemos algo en proyecto para sacar. Tenemos un álbum grabado que no ha visto la luz.

El Discipulo, El Rap es Guerra ¿Cuáles fueron sus influencias artísticas y musicales?

En la parte sonora me influenció mucho Let’s Get Free de Dead Prez, y The Score de The Fugees. La parte de la escritura sí fue influen cia cubana. Cuando escuché La Causa Nostra de Hermanos de Causa y Paisanología de Los Paisanos, ¡automáticamente mi manera

de pensar y ver el mundo cambió! Siempre es cucho esos discos para centrarme y animarme a seguir.

¿Por qué su nombre artístico El Discipulo? Discípulo es quien recibe lecciones de algo o de alguien. Yo, entendiendo que el ser humano nunca deja de aprender, y adoptando la cultura Hip Hop como forma de vida, no dudé en po nerme El Discipulo, que cariñosamente se ha transformado en El Disci.

Nocturno y Recurso del Kraken, junto a Mala Bizta y El Pelón, son realmente obras de arte musicales y visuales, una joya para el Movi miento en habla hispana. ¿Qué nos puede co mentar de su proyecto actual, que también ha lanzado Lo Bueno del Vino?

Afortunadamente para mí, este par de salva jes han dedicado y decidido parte valiosa de su tiempo a colaborar conmigo en esta nueva eta pa de mi vida. Con ambos me une una amistad y hermandad de antaño. El Pelón (Hermanos de Causa) es un clásico y una excelente perso na por encima de cualquier mérito artístico, con una habilidad increíble para hablarte en parábolas y en códigos callejeros sobre la realidad cruda del acontecer mundial.

El Yoyo aka Mala Bizta (La Invaxión), música, visuales y artes asegurados, calidad esquina under muy pro, te puedo decir que lo de El Pelón y yo es sólo escribir y grabar, hace El Yoyo todo lo demás, y a una velocidad increíble.

Es un tipo muy talentoso y creativo, además de ser una excelente persona. Yo estoy muy contento de que califiques de obra de arte estos trabajos de nosotros juntos porque a mí me encantan, además del orgullo que siento de trabajar con ellos.

Se vienen más cositas interesantes de este junte, que ha sido posible gracias a Internet, porque aún no coincidimos los tres a la vez en un Estudio. Eso sería muy interesante.

¿Cuál es la discografía de El Discipulo hasta el momento? Esta es mi parte (2005), 100 Kilos de Rap (2007), Hip Hop en Serio (2009) y Matemá-

tica con Letras (2012). Tengo uno producido por mí en su totalidad que no ha visto la luz aún, solo el sencillo Poema Nacional Peor.

El nombre del álbum es Tierra De Menos Comunes. Está terminado desde el 2018, y lo sol taré cuando la vida me dé una señal, (ja ja ja). Todo lo que he hecho en la actualidad son sencillos. Siempre trato de acompañarlos de algún visual.

Actualmente El Discipulo radica en Minneso ta – USA, desde donde nos regala más Rap duro, estrenando el nuevo sencillo Ir junto a la producción de MalaBizta, que presentan un vi deoclip, al mejor estilo de El Discipulo. ¿Qué nos puede comentar de la producción y realización?

El Yoyo me envió el beat, enseguida lo escribí y le mandé las voces. Él armó el proyecto y empezó a mezclar. Beni Marquez (realizador de audiovisuales venezolano con quien ya venía hablando para colaborar) me deja saber que va a tener un tiempo para hacer algo juntos, que le mandara algunos temas para él escoger a cuál le haríamos visual.

Así hice, y él escogió, entre otros, Ir. Ensegui da coordinamos, él buscaba hacer algo onda cortometraje, y yo, cansado de rapearle a la cá mara, coincidimos en eso. Nos reunimos aquí en Minneapolis, Minnesota, y a rodar. Hicimos otro clip continuación del de Ir que saldrá muy pronto.

El Rap Es Guerra, entre otros bastantes temas como La Cinta, Poema Nacional Peor, El Se creto no Es Secreto, son temas que me gustaron mucho. ¿Qué canción suya de El Discipulo es la preferida a la fecha? ¿Algunos temas que formen parte de su público?

La canción favorita mía siempre es la última que he hecho. En estos momentos es una que habla sobre la nueva vida en Estados Unidos, el choque cultural, y la manera de enfrentar la angustia y la depresión que vienen de la mano de esta condición de emigrante, con música del Yoyo, pero aún no sale.

El público siempre me hace volver a canciones como El Rap es Guerra, Me Gusta, Estoy Loco,

Ella, Rap y Yo. Nunca es parejo el querer, el público quiere las que ya conoce, y uno quiere soltar lo nuevo en los shows.

Lo Que Hay, una producción junto a DJ RC, desde Uruguay, ¿cómo nace? ¿Qué anécdotas puede rememorar de la producción?

Con Dj RC conectamos después de haber cola borado en La sombra del Samurai, junto a Kashmir Jones y Yoyo aka Mala Bizta. Él hizo los scratch en esa canción. Automáticamente hablamos sobre un tema juntos, me envió el beat, y enseguida lo escribí y grabé.

DJ RC lo mezcló y masterizó. Estuvimos escu chándolo casi un año antes de soltarlo. Es una canción que va sobre la alerta que hacemos,

muy independientemente, los cubanos sobre el sistema político de Cuba y la realidad interna. No es lo que deseamos para el resto de Lati noamérica.

Uno de mis videos favoritos es El Recurso del Kraken. Dentro de su videografia, ¿qué videos son sus preferidos? ¿Algunos que nos quiera recomendar en especial? Ése de El Recurso Del Kraken es uno de mis favoritos también. El de Ir, y el que viene a conti nuación, me tienen muy enganchado. Siempre recomiendo Concéntrate junto Papá Humbertico, perteneciente al álbum Prohibido, dirigi do por Carlos Lechuga y Claudia Expósito, con la fotografía a cargo de Ilumino Films

En el momento actual hay una infinita gama de creatividad y producción. Para los melómanos y ávidos de sonidos, según sus gustos, ¿qué álbumes o artistas nos recomienda para adjun tar al playlist y coleccionar?

Está súper fresco todavía el disco Vedado State de Milton MC Donald, producido por Papá Humbertico. También el Sonido Turbio Vol.5, Gemas de Núcleo aka Tinta Sucia, Producto Interno Inteligente de El Elokuente, Chico Pro sería un buen MC a escuchar para quienes no lo conozcan. MC Julo de Cartagena, Co lombia, me gusta mucho desde hace tiempo.

El Discipulo, Poema Nacional Peor

¿Qué es la música para El Discipulo?

La música para mí es ese profundo suspiro, que sin saber cómo, te recarga y te hace se guir, y a la vez es como ese lugar en donde dejas fluir tus ideas de manera creativa. Yo me comunico mejor con música de fondo, y si es 4 por 4 ya, ¡pa’ bajo!

Sistema Nervioso es un excelente tema que se le puede dedicar a la dictadura Castrista Comu nista, que viene expandiendo sus garras hasta mi patria Bolivia. Pude conversar con El Funky sobre la prisión que acaece Maykel Osorbo, en carcelado por el régimen comunista, y el tema Justicia Remix relata este instante de privación de libertades. ¿Qué nos puede comentar de su Estado Profundo y la resistencia musical desde el Hip Hop Real?

La mayoría del Rap cubano que consumo nace desde ese sentimiento de liberación y de cambio. Entiendo que las personas son libres de hacer lo que les plazca, y a la vez entiendo y profundizo en esa característica tan especial que tenemos nosotros los cubanos, que es vivir hace más de 63 años en una dictadura tota litaria disfrazada de cordero, que a la vez que oprime y explota a su pueblo (dentro y fuera de la isla), vende una imagen de justicia social y paz al mundo que no existe ni dentro del país ni en las distintas comunidades de la diáspora cubana.

Por eso elijo las canciones con alma y con causas para escuchar, y, por supuesto, son las que trato de hacer. Siento un respeto inmenso por los que de una manera u otra levantan su voz

para que otros despierten, asumiendo las con secuencias.

Los tentáculos del totalitarismo están llegando desde Cuba a muchos países de Latinoamérica y el resto del mundo, con el mismo disfraz de cordero con el que los enamoró, de esa re volución utópica de Fidel. Siento profunda vergüenza por eso, y animo a mis hermanos lati noamericanos a que no se dejen llevar por las promesas de ningún político. Venga de donde venga.

Reitero aquí que Cuba no es ejemplo de nada, y eso lo demuestra la enorme lista de presos políticos, la enorme cifra de los cubanos que huyen diariamente lanzándose al mar o haciendo “La Travesía”. Familiares de la oligarquía Castrista o exiliados o suicidados o asesina dos, lideres opositores desaparecidos.

Teniendo eso siempre muy en cuenta, y asu miendo la responsabilidad de generar un cambio, es que entramos al Estudio a crear.

El Discipulo tiene colaboraciones en canciones con amigos colegas, desde DJ Lápiz, Urbano Vargas, etc. ¿Qué temas son los que más gus ta haber realizado en especial? Tengo afortunadamente muchas colaboracio nes con artistas maravillosos. Una que recuer do con mucho orgullo es Somos Guerreros con Promoe de Loop Troop, del disco DosmilDoce. También El Rap Es Guerra ha sido muy importante junto a Los Aldeanos, Papá Humbertico y Anderson.

De las colaboraciones más actuales, una de mis preferidas es Recurso del Kraken con El Pelón y Yoyo aka Mala Bizta.

¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Cultural Musical? Yo creo que lo más importante es que lo sien tan, que disfruten el proceso. Me gustaría inspirar a que no se queden callados si sienten que tienen que comunicar algo.

Dar a conocer nuestra realidad nos hace evo lucionar. Muy por el contrario, aceptarla de ma nera pasiva y conformista nos hará quedarnos

quietos, y eso es muy dañino para cualquier Movimiento cultural.

Durante su recorrido musical como El Discipu lo, ¿qué evento o Festival lo han dejado marcado en el Alma?

He tenido muchos eventos que de muchas maneras son especiales para mí, pero el que más me emociona y el que mejor recuerdo es el evento por los 10 años de Mano Armada, en el Liceo de Barrera, donde mismo cantamos en 1999 por primera vez con nuestros respectivos grupos. Hay un resumen sobre esa celebración en el canal de YouTube Real 70 TV.

Como KRS One dijo: “Rap es algo que haces, Hip Hop algo que vives”. ¿Qué proyectos tiene El Discipulo para final 2022 rumbo al 2023?

Estoy muy tranquilo haciendo música, cono ciendo la cultura de Minneapolis, contactando con amistades y colaborando sin prisas. La re sidencia permanente en Estados Unidos me permite viajar con mucha más libertad, y sin duda es algo que aprovecharé en un futuro no muy lejano.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos segui dores de El Discipulo. Muchas gracias a la revista por el espacio para comunicarme con sus lectores y con la familia hip hoppera. Por favor, estén pendientes a mis redes sociales por las cuales estaré compartiendo mi música.

Esperamos confiados lo antes posible el material intitulado Tierra De Menos Comunes, obra que verá la luz pública cuando El Discipulo lo sienta en el Alma, donde las palabras se resguardan e inmortalizan con el tiempo.

Muchas energías positivas en el proyecto junto a El Pelón y Yoyo aka Mala Bizta, y larga vida a Mano Armada.

Vendetta Squad rap visceral aderezado con mucho flow

vuestros nombres reales, pero explicadnos un poquito, ¿cómo os conocisteis y cómo surgió el proyecto Vendetta Squad?

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Vendetta Squad es un grupo formado por dos Mc’s y un Dj. N. Marconi y Tanque son los líderes de este proyecto, con sede en Pueblonuevo del Guadiana, donde im pera la crudeza y de aparente agresividad en sus voces y letras.

A veces recurren al Grime, otra veces a guita rras rockeras para dejarnos marcados con su flow. Llevan años en Youtube con sus cancio nes y sus videos, pero apenas tenemos infor mación de ellos. Es hora de que conozcamos su extensa trayectoria.

Vendetta Squad, rap visceral adereza do con mucho flow

José María Espejo y José Antonio Jaramillo son

Pues nos conocemos desde siempre, pero fue en torno a los 10/11 años cuando nos perca tamos de nuestra afinidad musical. En un entorno donde lo común era escuchar rumba o flamenco, nosotros intercambiábamos CD’s de Rock, Nu Metal, Rap…

A posteriori, ya en el instituto empezamos am bos a escribir y enseñarnos nuestras letras. Y no fue hasta 2011 que Jara (N.Marconi) se de cidió a sacar su primer trabajo, La primera en la frente, y me pidió colaborar con él. Accedí, nos gustó el resultado. Fue entonces cuando yo (Tanque) me decidí a sacar mi primer traba jo en solitario, donde Jara me apoyó y ayudó en todo momento.

Es ahí donde nace realmente Vendetta Squad, en esas noches de viajes a Calamonte para gra bar, escribir y crear música. Decidimos crearlo,

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viendo nuestra afinidad y compenetración, y, por supuesto, nuestras ganas de hacer música y disfrutarla. Luego con los años y la necesidad de un Dj para los directos, se nos unió José Dios, y hasta hoy.

No hacéis Rap político, pero sí que hacéis in directamente crítica social, ya que algunos de los temas que tocáis en vuestras canciones son actuales y primordiales en la sociedad, como por ejemplo la salud mental, la toxicidad, los egos (sobre todo en redes), la desinformación… ¿Cómo definiríais a vuestra música?

Tanto Tanque como a mí no nos nace hablar de política directamente, más que nada porque no creemos en ella. Pero es imposible abs traerse de lo que pasa en el mundo. No mos tramos al culpable, sino las consecuencias de sus actos…

El valor de un plato de comida, la falta de oportunidades entre los jóvenes, la escasez de ayu da en la salud mental, o la competitividad exis

tente frente a la colaboración social.

No es algo que nace de la nada, es algo que escribimos porque lo vivimos directamente, y nos afecta. No os puedo decir que los políticos son, o hablarte de si tren sí o tren no… Te puedo decir lo que vivimos por su culpa, y eso hacemos.

Por tanto, no le ponemos etiqueta a nuestra música. Es difícil definir nuestra música porque nuestra música es más nosotros que nosotros mismos.

¿Es cierto que vuestro estilo es más crudo, e incluso duro y grave? ¿Cuáles son vuestras in fluencias?

En las letras tratamos de ser lo más sinceros posible. Tratamos de plasmar en una frase algo que llevamos dentro, y la mejor manera es ser visceral.

Al final, el tinte que tomen nuestras canciones suele estar condicionado por el estilo musical que estemos escuchando, es inevitable. Cuan do tienes épocas que escuchas Boom Bap, pues el cuerpo te pide hacer un Boom Bap; por contra parte, últimamente hemos vuelto un poco a esa niñez, y grupos como Linkin Park, Blink 182, Green Day, Nirvana…, están influ yendo bastante en nuestra música.

Una de las características de las nuevas generaciones es la importancia que le dais a las re des, sobre todo a YouTube. Comprobamos en todos los artistas de la escena urbana el trabajo que invertís en la realización de video clips. En concreto, vosotros tenéis un filmmaker fetiche, Mike Films. Varios raperos de Badajoz tenéis depositada vuestra confianza en él. ¿Por qué os gusta tanto? ¿Qué tiene de diferente res pecto a otros directores?

Mike hace magia. Es fácil y divertido. Nos llamó la atención su trabajo en tiempo, y sin conocer lo, ni saber cómo trabajaba, ya nos gustaba.

Una vez lo conoces y ves cómo trabaja, te fi deliza, es imposible no hacerlo. Mike es una persona con la que te reúnes, haces una lluvia de ideas en función a un tema, te escucha y te propone. Una vez hecho esto, lo demás es

suyo.

Nosotros somos personas que confiamos en la profesionalidad de los demás, creemos que lo mejor es que él pueda explotar toda su creatividad con los pequeños matices que le aporta mos, y así es. Stewart es una máquina.

Vayamos a vuestros productores. Por un lado, tenemos a los HXRXKILLER, Beats by Hyppe, Tellingbeatz, Encore, EB y otros. ¿Cómo es trabajar con todos ellos? La mayoría de productores los conocemos a través de Internet. Contactas con ellos, te muestran su trabajo, y al final decides lo que más se adapta a tu estado emocional en ese momento.

Vendetta Squad también tenéis varias colabo raciones con Scorpio, Rayse, UgePitel, o Ezker. ¿Cómo surgen estos intercambios? ¿Forman parte de vuestra crew? Pues surgen de la amistad. Son artistas que conoces gracias a la música. Escuchas un tema suyo un día, te mola, hablas con ellos, y se entabla una amistad que se refleja en esas colaboraciones. Otras veces son amigos que se lanzan a rapear, como Ezker, que lo conocí currando en campamentos.

Con Miguel (Scorpio), pues nos grabó nues tro primer trabajo, y nos ha mostrado todo su apoyo desde el inicio y hasta hoy. También nos llevó de viaje a Dublín jajajajaja. Rayse, Uge, Nacho, KWT… te podría decir mil, pero con todos y cada uno de ellos hay algo que te hace decir: “Tío, vamos a hacernos un tema”.

Todos los que están alrededor forman parte de la Vendetta.

Vayamos al tema de los festivales. Vendetta Squad habéis pasado por Guomad, Extremú sika (acabáis de volver), y múltiples eventos y conciertos exclusivos de la escena underground rapera. ¿Dónde os sentís más a gusto, en festivales o en salas? ¿Cómo es la expe riencia de tocar en eventos con tanto público? ¿Qué diferencia hay en vuestro show con res pecto a las salas? A ver, por partes:

Realmente Vendetta Squad nos sentimos a gusto en cualquier escenario, ya sea en el de una sala o en el de un festival. Quizás la comodidad nos lo dé el lugar y el público más que cualquier otra cosa. Tocar en un festival

es totalmente distinto a cualquier sala. Es todo como más amplio, grande…, denomínalo como quieras.

La verdad que es una experiencia fantástica ver que tanto gente que te conoce como gente que

te acaba de conocer están disfrutando con tu música, algo al que le dedicamos mucho tiempo. Es una sensación que nos llena el alma. Nosotros valoramos mucho nuestro tiempo, y cuando vemos que la gente invierte el suyo en nosotros, no podemos estar más agradecidos.

Creemos que la diferencia más notable es el tamaño del escenario. Nosotros somos dos cuer pos inquietos, nos movemos mucho por todo el escenario, y eso en una sala es más limitante, pues los escenarios son más pequeños que los de un festival.

Overdose, S.A.D vol01, Reisilencia, La Ven detta, Mensualidades y Aula Magna. 6 trabajos. ¿Qué diferencia hay entre unos y otros? Principalmente la madurez. Todos los traba jos tienen en común los temas que tratamos, pero evidentemente cada trabajo se hizo con edades y situaciones diferentes, y cada cual de ellos está impregnado de esa madurez y expe riencia.

En cada trabajo buscas cosas nuevas, innovar, evolucionar, y a la vez crear algo que al publico le sorprenda. Evidentemente no podemos ha cer el mismo disco con 19 años que con 30.

Estamos Redys, Roronoa, She is a Storm, Feel Alone son temas con presencia de guitarras, incluso mezcláis rimas en castellano e inglés. ¿Una nueva manera de hacer? ¿Un giro más acústico a vuestra carrera? ¿Ampliar horizon tes usando otro idioma?

Sí. El motivo por el cual hemos introducido gui tarras es simplemente porque desde bien pe queños nos ha gustado el Rock, el Nu Metal, etc. Siempre cuadrando lo nuevo con nuestra esencia.

Creamos más música de la que sale realmente. Lo que sale es lo que creemos que es bue no, siempre a nuestro gusto. Ahora con más madurez, y dejando que nos influya más aún ese estilo, hemos decidido introducirlas. Bus camos más melodías y pensamos que hay que innovar también, no estancarse es crecer.

De hecho, nuestro primer tema que salió a la luz como grupo fue una colaboración con Scorpio de Crimen Perfecto, y todo el beat son guitarras eléctricas.

No descartamos la posibilidad de hacer algo en acústico, no es la idea principal, pero siempre estamos abiertos a poder colaborar con cual-

quier musico que toque la guitarra y hacer al gún concierto en acústico. Todo lo que sea hacer música es bienvenida.

El tema de introducir el inglés pues es porque nos gusta. Nosotros escuchamos mucha mú sica en inglés. Hay cosas que para poder ex presar en español nos ocupa gran parte del patrón, sin embargo en inglés dices lo mismo, y lo clavas donde quieres exactamente.

Tenéis buen rollo y habéis compartido escena rio con otros raperos como OldnuBoyz o VRu bio. ¿Cómo está la escena rapera pacense? ¿Eso de las rivalidades entre Mc’s es cierto, o es más un rollo de USA?

Creemos que la escena pacense está empezando a darse notar otra vez. Cada vez son más los artistas que bien de una manera u otra están moviéndose para hacer música, videos, conciertos, etc.

Con Oldnuboyz y VRubio hemos compartido varias veces escenarios, y la verdad que ge nial. Somos colegas, tenemos muchos puntos afines a la hora de poder construir algo en la ciudad, y siempre estamos maquinando cosas por separado, pero con la finalidad de hacerlo juntos. Son buena onda.

Creemos personalmente que no hay rivalidad entre MC’s como tal, y si la hay, es mera envidia. Aquí cada uno vamos a hacer música sin perjudicar a los demás, al menos la Vendetta. Creo que si hay algo de beef entre algunos de ellos es mas por lo personal que por lo artístico. No sé si me explico.

Ha sido un placer conversar con vosotros. Nos vemos en los escenarios. El placer es totalmente nuestro. Muchas gra cias por la oportunidad, por vuestro gran trabajo, y por darnos voz. Nos vemos en los escena rios. Un abrazo.

Anima canalizando el Metal y el Rock Progresivo

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Las emociones son gratas cuando el esta do anímico acompaña, y emprende vertientes frondosas de aguas cristalinas, puras y llenas de Metal.

Anima surge el año 2005 gracias a Boris Algarañaz, compositor e intérprete de todos los temas de la banda, quien nos abrió las puertas de su confianza y colaboración en exclusiva para LaCarne Magazine

Anima, Rock Progresivo desde la ciudad del Illimani, La Paz

Luego de asimilar lo sucedido tras abrir el show de The Gathering en La Paz – Bolivia, el pasa do 24 de septiembre, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente?

La apertura para The Gathering fue algo que todavía seguiremos asimilando. Fue muy especial, no sólo por el hecho de haberlo logrado, que ya es muy fuerte, sino también por todo lo que giró alrededor de ese día.

El reencuentro luego de quilombos, pandemias, y el paso de la vida misma, el retorno del Fer y el ingreso del Duro en la batería, terminaron de aportar la energía necesaria para ese día, así que cargados ahora, con la mente puesta en el nuevo disco que queremos salga este año.

Una breve reseña de Anima. ¿Cómo nace el grupo? ¿Por qué del nombre?

El 2007, Boris Algarañaz comienza a com poner, interpretar y grabar cerca de 14 temas a modo de maquetas, pero con la idea clara. Así, poco tiempo después se sumaron la Paty y Diego para ayudar al Boris a finalizar el disco.

Inicialmente la banda fue pensada sólo para

sacar discos y no tocar En Vivo, hasta que, lue go de poco tiempo de su salida, vimos la necesidad y urgencia de tocarlo En Vivo, por lo que solicitamos la ayuda de Jimmy (Undead) en la guitarra, y luego de Fernando en la batería para poder lograrlo.

El nombre de la banda hace referencia al Ajayu, al Alma, a esa parte etérea de cada uno, representada en forma de viento e identificada por su sonido.

¿Cuál es la formación actual de Anima?

Actualmente Anima está conformada por Sergio Durán en la batería, Iván Suarez en el bajo, Camilo Espinoza y Jaime Zambrana en las guitarras, Diego Machicao y Patricia Jordán en las voces, Fernando Sarmiento como técnico sonidista, y Boris Algarañaz, quien es el compositor de la música de la banda.

¿Qué estilos musicales han influenciado en el

sonido de Anima? ¿Cuáles fueron sus referen tes y artistas que los han marcado?

Los estilos musicales que influyeron en la ban da siempre estuvieron relacionados con el Me tal y el Rock Progresivo principalmente, pero con variedad también. Cada uno de los miem bros de la familia tiene su propio antecedente musical, hecho que creemos le da más color a la banda y es clave en sonido de Anima para las tocadas en vivo.

Pero son bandas como The Gathering, Amorphis, Tiamat, Hypocrisy, Therion, Devin Townsend, Moonspell, Ulver, Pink Floyd, Crippled Black Phoenix, Anathem, clásicos noventeros que nos mostraron cómo.

Anima, Convertirse en un fantasma

¿Qué nos pueden comentar de su trabajo dis cográfico? ¿Cómo les fue con su ópera prima? ¿Algunas anécdotas de su realización y difu sión?

Es un disco que no sólo lo disfrutamos mucho nosotros mismos hoy en día, sino que repre senta una etapa muy importante. Toda esa época fue muy divertida y nos trae grandes recuerdos, del cómo se fue armando todo este sueño, el cual poco a poco fue haciéndose rea lidad.

La verdad que la recepción del disco fue bue na. Hay gente que realmente disfrutó y sigue disfrutando de ese primer disco. Tuvimos co mentarios buenos de la gente aquí, por lo que pudimos ser partícipes de varias tocadas. El Internet ayudó a que se distribuyera el álbum por sus propios medios, y así gente se topó con nuestro disco y también lo disfrutó.

Así fue cómo un día nos escribió un amigo mexicano, Rogelio Silva Pallen, que justa mente estaba estudiando audiovisuales y que había escuchado nuestra canción The New Born Fear, y que le había gustado un montón, por lo que nos pidió, a modo de trabajo para sus estudios, hacernos el video de la canción. Así, gratis y en buena onda, por lo que ese vi deo y esa canción, la cual es una de las más representativa de la banda, tiene también su historia.

Así mismo, esta necesidad de tocarlo En Vivo que surgió entre nosotros, hizo que podamos sumar grandes músicos y amigos a la banda. Así fue cómo Iván y Camilo se unieron para re lanzar el disco hace ya unos 7 años aproximadamente.

Luego de tres años, han regresado a los escenarios y se encuentran preparando el segundo álbum de Anima. ¿Cómo se encuentra la nue va producción? ¿Algún adelanto que quieran compartir?

Está próximo a su cierre. Siempre aparece algo más, pero queremos terminarlo antes de que finalice este 2022. Pudimos abrir nuestro set del 24 con Fotografía, que es la primera canción del nuevo disco, y que, de hecho, primero la grabamos durante las cuarentenas, cada uno desde su casa, así que tiene su historia tam bién.

Un sólido 70 por ciento ahorita. Tenemos un par de meses para trabajar hasta la fecha que

nos pusimos para tocarlo en su mayoría, pero estamos ansiosos y felices de tocar las nuevas, por lo que estamos trabajando a full para ello.

¿Cómo titulará la nueva obra de Anima? ¿Cuántas canciones nos preparan? ¿Ya tienen el track list definido?

El título del nuevo disco todavía está en definición. Tenemos un par de ideas claras que segu ramente se definirán una vez que hayamos ter minado de grabar, y esté cuasi listo para salir, pero también será parte de toda esta idea que tenemos del cierre de esta maravillosa etapa, y más bien provea el envión para el futuro y las nuevas etapas que vengan dentro de la banda.

¡Son 15 canciones! Ya definidas, y a las cuales les estamos añadiendo todo lo necesario para que salgan como queremos, y como lo tiene pensado su principal compositor. Por la cantidad de canciones será un disco doble, que es peremos la gente pueda y sepa disfrutarlo tanto como nosotros al hacerlo. Requerirá de tiempo

para el que lo escuche seguramente, pero sa bemos que, una vez se establezca la conexión, el disfrute estará asegurado.

¿Para cuándo pretenden estrenar la nueva producción?

Estamos trabajando para que lo podamos ha cer a principios de diciembre, para lo cual estamos organizando una presentación en un conocido local de Sopocachi, aquí en La Paz, para presentarlo. Pronto publicaremos el lugar y la fecha exacta para que la gente esté aten ta, y pueda compartir y celebrar su salida con nosotros.

Anima,

El miedo recién nacido

Haciendo una retrospectiva, ¿qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué temas los identifican con su público?

Luego de estos 15 años desde la salida de nuestro primer disco, hay gente que realmente logró cierta conexión con algunos de los temas,

y que nosotros mismos disfrutamos mucho to cando, y eso lo advirtió la gente. Canciones como La Enfermedad del Alma, Sin Salida, la mencionada The New Born Fear, Becoming a Ghost y Transcisión, entre otras, siempre tuvieron ese plus con la gente, tanto en el disco como En Vivo.

Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados? Además de la mencionada apertura para The Gathering, que es histórica para la banda, la presentación que hicimos en el Teatro Nuna, cuando volvimos a relanzar el disco, fue muy especial igual. La banda estaba completa.

Sabemos que en nuestro país el Movimiento Musical tiene grandes y firmes bandas que paso a paso van dejando huella y legado. Según sus gustos, ¿qué agrupaciones nos recomiendan para tomar en cuenta y prestar atención? Bolivia tiene un enorme potencial en cuanto a bandas y músicos. Venimos de una escena con muchos amigos con excelentes bandas que vale la pena destacar, como Lilith, Black Candles, Dystopia, Mortsure, Effigy of Gods (RIP), Supressor, Metastasys, The Ragdoll Architect (RIP), Azotador, Libellula, Scoria, Nordic Wolf, Lengua Negra, Umbra (excelente banda de nuestro Iván), Undead (en la que participamos Jimmy, Boris y Diego), Haller (banda de Camilo), entre muchas otras.

Y en definitiva recomendamos seguir a las bandas que se presentaron y que se presentan todavía en el Illimani Metal Fest, el mejor festival del país, donde se pueden encontrar un montón de bandas nacionales, de diferentes ciudades del país, y que tienen muchísimo talento y ganas de salir adelante.

Para los amantes del Metal en este amado planeta, y esas memorias que tanto enriquecen la Historia del Rock, ¿cómo resumen su experien cia tras compartir escenario junto a los grandes The Gathering?

Para nosotros, como histórico. Al iniciar la ban da, jamás imaginamos un día llegar a abrir un concierto de The Gathering, una banda que fue clave en el inicio metalero de la mayoría de nosotros. Es más, hace algunos años, casi

toda la banda, más nuestra amiga Dani en las teclas, les hicimos un tributo que lo presentamos también en el Teatro Nuna y en el Cine 6 de Agosto, y la respuesta fue muy positiva, además de que la propia experiencia fue muy enriquecedora.

La Enfermedad del Alma Antes de subir al escenario, ¿alguna cábala o grito de guerra que les guste practicar?

Con un buen corto de por medio para el coraje, siempre recordamos el por qué estamos ahí, por qué hacemos música, para disfrutarlo, para agradecer que estamos y entregar todo en el escenario, al grito de: ¡Fuerza Anima!

Como buenos melómanos, ¿qué álbumes o artistas recomiendan para adjuntar al playlist y coleccionar?

Además de las bandas que nos influenciaron directamente y las que recomendamos de la escena nacional, debemos mencionar ban das como Porcupine Tree, Katatonia, Opeth, Mastodon, Voivod, Pantera, Death, Sentenced, Paradise Lost, My Dying Bride, Dark Tranquillity, Samael, In the Woods. Pero también bandas como Joy Division, The Smiths, The Cure, Caifanes, Robi Draco Rosa, entre muchísimas otras.

Luego de los años recorridos, unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirían a las personas que quieren in cursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia? Animarse a hacerlo. Juntarse con unos amigos y hacer música es algo que puede definir a la larga varias cosas en cada uno y en conjunto, que es lo mejor de todo.

Y eso es algo que por lo menos hay que in tentarlo. Lo demás puede ser historia. Así que todos aquellos jóvenes que estén queriendo iniciar su vida musical, solamente decirles: ¡adelante! Con constancia y dedicación lograrán los objetivos que se tracen.

¿Qué proyectos tienen para final el 2022 camino al 2023? ¿Alguna primicia que quieran compartir?

Por el momento, estamos de lleno en terminar

el disco, que, como decíamos, queremos que le falte poco. Hay varios motivos para presionarnos, desde organizar la presentación para diciembre, y antes de que nuestro Duro levante anclas y parta hacia nuevos puertos.

Luego, para el 2023, tocarlo En Vivo lo más posible. Esta vez realmente queremos llegar a más lugares y a más gente tanto aquí en nues tro país. Tenemos muchas ganas de tocarlo en otras ciudades de Bolivia, así como afuera del país, y para ello debemos moverlo lo más po sible tanto tocándolo En Vivo, como compar tiéndolo en las diferentes redes sociales, que hoy en día están al alcance de todos en todo el orbe.

La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos segui dores de Anima.

Un gran saludo y agradecimiento para ti, Alfonseka, y para la LaCarne Magazine (que por cierto es una revista muy interesante, y que encomendamos seguir) por el espacio, la opor tunidad que nos dan de llegar a más gente con nuestra música, y para que nos conozcan un poco más.

Esperando poder volver algún momento por aquí, ya para promocionar directamente el nuevo disco, tenemos planes de estrenar las canciones nuevas por diversos medios, y esta revista está obviamente entre los lugares donde lo haremos. ¡Así que, hasta la próxima!

Emocionados por la confianza depositada en la revista, estaremos gustosos de ha cer una reseña del álbum doble que vienen cocinando a fuego vivo la banda paceña.

Deseándoles el mejor de los éxitos con su se gunda producción que pronto verá la luz pública, y esperando que las energías musicales del Metal nos abracen en un fraterno mosh o headbanging, nos despedimos hasta una nueva oportunidad con actitud positiva y el Alma recargada de optimismo.

Kanitrou

un emblema del Hip Hop en el Sur de Chile

punta pie nos sacará las durezas o temores estancados en el corazón, y ablandará el Espíritu o Ajayu, como le decimos por estas tierras a nuestra almita en pena, envenenada muchas veces por el miedo, la flojera, y el engreimiento.

Las cuencas y ríos de la mar musical mu chas veces son complicadas o difíciles de surcar sin barcaza, sin norte fijo, sin equipamiento necesario. Es por eso, que, para partir al Sur del continente Sudamericano, en este recorrido que iniciamos en los Andes altiplánicos de La Paz – Bolivia, nos armamos de Hip Hop, retomamos la palabra como guía, y nos aventuramos al viaje, directo a Temuco en busca del rapero, beatmaker y productor cono cido popularmente como Kanitrou

En el recorrido, el artista sureño acaba de pre sentar el espectacular videoclip de Pájaro Azul, un tema single que nos masacrará el ego, a

KANITROU, Rap y Filosofía desde el Sur de Chile

Precisamente la obra se inicia con el verso re petido que dice en sánscrito “Avalokiteśvara”, y que, como bien el autor nos invita a saber del significado, pues nos conectamos de inicio con este hermoso Bodhisattva de la compasión, que significa en nuestro idioma: “Señor que mira hacia abajo”. Entonces, encomendados por el Maestro Ascendido Buda, damos inicio a la presente travesía, en exclusiva con LaCarne Magazine.

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Luego de casi tres años en cuarentenas, y la pandemia debido al COVID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo se encuentra en el aquí y ahora?

Personalmente me encuentro bien, junto a mi hija y mi compañera de vida, mi familia (papá, mamá, hermanos) está piola, pese a que me dio COVID dos veces. La primera vez fuerte y la segunda no tanto. Todo bien por suerte, agradecido. Monetariamente ahí andamos, clase trabajadora, hay que darle siempre a cualquier huevada.

Musicalmente haciendo cosas, acabamos de estrenar el video de Pájaro Azul. Tengo un nue vo single ya grabado, pero por arreglar. Esta mos haciendo musiquita. Tenemos un par de tocatas agendadas, salimos a Osorno (17/11) y en Temuco (3/12), tratando de girar los discos Humores (2020) y Malabar (2021).

Carlos Humberto Cartes Arraigada, una breve reseña de Kanitrou, ¿dónde y cuándo nace? ¿Cuáles son los inicios de Kanitrou en la mú sica?

Nací en Temuco, el primero de marzo de 1985. Vivimos por Trapiales, un pueblo nuevo, como hasta que cumplí un año y medio. Después nos cambiamos por el sector Estadio Germán Bec ker, cerca del Teatro Municipal de Temuco.

Musicalmente, ahí con los mismos cabros, vivía cerca de una población que se llama La Yaiba. Conocí a unos cabros que ya rapeaban, tenían teclado SV, estaba el Alexis -me acuerdo de varios- que hacía pistas en su instrumento, El Huevo, El Bicho, El Negro Andrew. Con ellos caché lo que era hacer Rap.

Mi primera incursión fue haciendo Beat Box, y como al año me atrevía a hacer Freestyle. Pasó un tiempo, y traté escribir, pero no me salía, era brígido. Todavía me gusta el Freestyle, no así las Batallas. La primera vez que rapié fue en la ciudad Imperial, creo que entre 2002 o 2003.

¿Por qué del a.k.a. de Kanitrou? Yo me llamo Carlos. Entonces, la hermana de un amigo me puso “Carlitro”, “Carlitro de Vino” me decían cuando tenía 15 o 16 años.

Luego mutó en “Canitrot”, que era un personaje del Japenning (célebre programa de humor chileno, creado en 1978 y de gran éxito durante las décadas de 1980 y 1990). Llevaba tiempo freestyleando, y a ese nombre le puse la “u» para que rimara con “Flow”, y ahí quedó Kani trou, cachai (jajaja). Ésa es la anécdota de mi irrelevante a.k.a.

¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Kanitrou? Yo tengo como crianza metalera. Ésa es como mi raíz. Yo me crié con un primo hermano 9 años mayor que yo que se llama Marcelo, quien tocaba el bajo en bandas de Metal. Viví con él desde que tuve uso de razón, y él escu chaba Metallica, Anthrax, Slayer, Megadeth. Después mi hermano se fue de la casa, y ahí tomé otro rumbo musical. Me fijaba en la tele y la radio.

Ahora ya más de viejo me gustan los Dead Can Dance, su sonido me encanta. Igual he descu bierto Pink Floyd. En letras, Jorge Gonzáles, el máximo en Chile. Spinetta, Charly García, Aznar.

¿Qué artistas lo han marcado e impactado? De más chico escuché Soda Stereo, Queen, Michael Jackson, Los Fabulosos Cadillacs, en MTV veía Illya Kuryaki, y lo que me impactó para volver al Metal fue Marilyn Manson. En tre mis 12 o 13 años vi el video de The Beautiful People una y otra vez, peleando con mis papás para que me compren el disco Anticristo Súper Estrella, lo vacilé caleta. Nirvana también me gustaba.

Ya en mi adolescencia escuché Rap más pun kie, como le decía yo, Nach por las letras, de Chile: Panteras Negras, Rezonancia, Makiza, Tiro de Gracia. También me gustaban el Punk y sus textos, no así la música, Evaristo (ex La Polla Records). Otro artista que me marcó fue Ose Him de la Jauría de las Rimas, también Violadores del Verso

Ver a SFDK acá en Temuco, gracias a la pro ducción de Jotaose Lagos, fue impactante. Ese loco del Zatu me marcó.

La Música me Sana

¿Cuál es su discografía? Discos reales, porque antes había maquetas desde 2006, Apuntes de mi grupo La Tarea en 2008, La Deuda con La Tarea (2011), en 2014 sacamos Tesis con El 4to Karamazov, en 2018 editamos Furtivo con Akka

Mi primer trabajo solista en 2020 presento el EP conceptual Humores, inspirado en la Teoría de los Temperamentos de Hipócrates, y en el 2021 estreno mi primer álbum solitario, Malabar. También hay temas sueltos.

¿Cómo le fue en cuanto a su ópera prima Mala bar? ¿Cómo estuvo el proceso de producción?

El proceso de producción de ese disco en general pasó el 2021, en plena pandemia. Me en cerré y empecé a hacer muchas bases, apren dí a tocar el teclado a los 31 años, y de ahí

comencé a crear mis propias pistas. Grabado y mezclado en casa por mi persona, masterizado por DJ Pérez.

Anunció en sus redes sociales el rodaje del tema Praxis, una excelente canción que se desprende del álbum Malabar. ¿Qué nos pue den comentar de la canción y realización? Praxis salió así. Empiezo casi siempre con la batería, como que el bombo me habla y tira para dónde voy. Busco un bombo, una cajita, se me marca el tempo y después le chanto su Hi Hat, y lo voy adornando. A Praxis le puse elementos de música clásica: un oboe, un fa got, chellos, violas, y creo que clarinete.

Hay una mezcla gorda que hice, sumando el bajo y la batería clásica, el loop va de Do me nor a Fa menor en cada una de las secuencias jugando entre medio con los acordes y las no tas. Lo de la letra salió enfrentando el silencio de la instrumental con la boca.

Pude disfrutar en su canal YouTube del vi deoclip Principio, canción del EP conceptual Humores. ¿Cómo nace la obra? ¿Algunos de talles de su producción?

Hace 5 años atrás, cuando estaba en ese proceso, hice la instrumental para Bilis Negra, y yo sabía que iba a ser una pieza melancólica. La dejé guardada como tres años, y un día la encontré. Se me había olvidado que la tenía.

Estaba buena y quería grabarle un saxo, que lo grabó un amigo vecino, y yo sabía que el tema se iba a llamar Melancolía.

Empecé a buscar información, y de pronto me apareció la palabra “bilis negra” en mi investi gación, aparece “humores”, y de ahí me metí en el mundo del tema más profundo. Sabía que existía Hipócrates como padre de la medicina moderna. No lo conocía, entonces fue muy ba cán. De la canción Bilis Negra pasé a querer hacer los cuatro. Fue un punto de partida im portante para el trabajo que yo quiero realizar.

Acaba de estrenar el videoclip del single Pájaro Azul, una excelente canción y una obra visual de alto nivel narrativo, impactante y creativamente excelente. ¿Qué nos puede comentar de la producción y dirección de la obra? La producción y dirección están a cargo de @ cenitfilm junto al hermano Jacob Sandoval. Él hizo todo de la parte técnica (dirigió, hizo cá mara, iluminación y post producción). La idea original es mía, los tres personajes -los tres centros, de nueve, del eneagrama- que son el miedo, la pereza y la vanidad. El vestuario y maquillaje están a cargo de @cromaticalibre, quien ahora me representa y se hace cargo de mis visuales.

¿Qué nos pueden comentar de la Escena en su región?

Aquí en Temuco hay muy buen Rap. Hablando de la escena en general, se mueve harto. Quizá por mi cercanía con él lo encuentro tan bueno.

Tuvo la oportunidad de regresar al En Vivo y Directo, ¿cómo le fue? ¿Algunas anécdotas que nos puedan compartir? Salimos después de dos años, aquí en Temu co, con la presentación del álbum Malabar, que la tuvimos que hacer tranquila, piola y chi quitita. Había un aforo de 80 personas y se lle nó. Estuvo bien bacán, la pasamos a toda raja. Como anécdota, ¡un “perejil” se robó un cable!, lo demás fue todo hermoso, la tocata fue ma ravillosa.

La Música Me Sana, Tupananchiskama, Estoy Aquí, Sembrador, Poco Veneno No Mata son

unas de las canciones que me gustaron, entre las anteriores ya mencionadas. ¿Qué temas son sus referentes?

Yo creo que La Música Me Sana, por el coro pegajoso. En Vivo la vacilan más, pero a veces las canciones que más llegan te dejan medio inmóvil. De las canciones que nombras, a mí también me gustan.

En el Malabar del Rap

Desde Chile para el mundo, ¿qué agrupaciones o MC’s nos recomienda para tomar en cuenta y prestar colección?

El Piño Amargo de La Tarea, El 4to Karamazov, Jotaose Lagos, Segundo Aliento, Eficrack, Damanik Otto, y de mujeres, por ejem plo: La Belén, HDR

¿Tal vez alguna cábala o grito de guerra para entrar al Escenario? Como intentar repetirme del disfrutarlo, pasarlo bien, porque hay una tensión que es inevitable.

Yendo más allá de la música, y adentrándonos en el Séptimo Arte, ¿qué películas recomienda dentro de sus preferidas? Sólo contra Todos de Gaspar Noé, director de Irreversible, y tiene la precuela que es Carne Ciudad de Dios me encanta, una de mis películas favoritas. Nikita en versión france sa es una peliculaza, El Profesional igual me gusta, Azul Profundo es buenísima.

Rocky I, Robocop I es un peliculón, de las más buenas, ¡es chacal! Paul Verhoeven su director, hizo una crítica a las armas, las drogas, el alcohol, la delincuencia, los empresarios, las constructoras de ciudades. ¡Buenazo!

Caminando por la vereda de la literatura y na rrativa, ¿cuáles son sus libros de referencia o escritores icónicos? Que sean como icónicos: Dostoyevski, igual mente Tolstoy o Gustave Flaubert. El poeta Pablo de Rokha como escritor, o Humberto Maturana, Claudio Naranjo, Gabriel Salazar.

A parte de tener una carrera consolidada como portavoz de la palabra y poeta del Hip Hop, hace instrumentales a pedido. ¿Cómo le va en cuanto a producción musical? ¿Dónde contac-

tarlo para adquirir sus beats?

Los cabros han comprado pistas, y eso es bacán. Me mandan los temitas y es pulento. Me contactan por un mensaje interno al Instagram o a su correo que sale, ahí vemos qué es lo que quieren, me mandan una referencia. De pendiendo de ésta, veo cuantas capas tiene y de ahí, yo te doy un presupuesto.

¿Qué es la música para Kanitrou? Es algo muy importante, como lo más importante después de mi familia. Es maravillosa, me ha llevado de viaje, conocer personas. Aunque sea a las duras y maduras, podemos decir que estamos -entre comillas- viviendo del Hip Hop. Yo también hago talleres de producción musi cal a niños, no sólo tocatas y discos.

¿Qué proyectos tiene Kanitrou para el resto del 2022 camino al 2023?

Yo creo que vamos a soltar el videoclip de Pra xis, espero que eso suceda. A veces los recur sos para armar un set de calidad y sacar el trabajo como se merece cuestan.

Antes del cierre, su mensaje final y palabras sabias.

Tratar de seguir buscándonos a nosotros mis mos en un sentido, pero también ver la Comu-

nidad. Como diría el Dalai Lama: “ser sabia mente egoístas”. Partir de adentro para afuera sin olvidarse de los que están ahí.

Creer en uno, lo que pasa adentro, no hacer caso si te dicen “raro”, y, si lo hacen, lo más probable es que ellos sean raros. Nadie lo dice de una manera positiva, sobre todo si eres de 6 o 7 años y te estás formando. Que venga el profesor y los padres a decir eso, es un golpe complicado.

Una tarea enorme de los que somos papás y mamás, tratar de construir una confianza en los seres que vienen, y uno la construye siendo más que diciendo. Uno es lo que hace y no lo que dice.

La despedida para la gente que disfruta su mú sica y para los nuevos seguidores de Kanitrou. Agradecido de que le den atención a lo que hago. Ojalá que pueda ir a tocar, algún día, al lugar donde ustedes están, el En Vivo es lo máximo.

Disculpas por expandirme tanto, disculpas por no haber escrito, pero creo que grabar el audio en la mejor calidad mp3 fue la manera más real de poder responder las preguntas, porque me

senté en un momento a tratar de escribir, pero las respuestas me salían muy cortas, muy lacónicas, muy fomes, y así creo que me explayo mucho mejor. ¡Un abrazo grande!

El rapero, beatmaker y productor Kanitrou, de seguro es ya un emblema de la región de la Araucanía, el Sur chileno, quien viene sembrando su legado, desde el grupo La Tarea hasta sus álbumes solistas.

Por otro lado, en sus mensajes musicales nos invita a esa sanación casi yóguica, tratando de conectar el cuerpo, la mente y el espíritu con la toma de consciencia. En este caso, esa respi ración y meditación en forma de soga musical que nos brinde paz y brillantez al momento del diario vivir.

Éxitos en la producción y realización de Praxis, que con mucho calor estaremos esperando flo recer y Ser para ver.

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