LaCarne Magazine N113 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº113 - NOV 2021 - AÑO 11

EXPERIENCIAS

20 canciones inspiradas en extremadura - Eskimo Callboy - Carla Lourdes

investigación

sharon jones - krautrock

ENTREVISTAS

kinnia - humus jam - pepelo - la escuela de frankfurt marco basualdo - Marcos Tabera - Konfession terrateniente

Gran premio pura energía y sentimiento

MÁS INFO

SUMARIO

N113 aÑo 11 NOV 2021

experiencias entrevistas 06 20 canciones inspiradas en Extre- 38 Kinnia, música épica, fiesta y alegría madura 46 Humus Jam, Reggae y buen rollo 12 Eskimo Callboy, brutales y diver- asegurado tidos 52 Marcelo Navía aka Pepelo, y la 14 Carla Lourdes, el Pop corre por genialidad musical sus venas 58 La Escuela de Frankfurt, música sin género investigación 64 Marco Basualdo, El Último Coca18 Sharon Jones, la nueva reina del lero, Rock Cholo de La Paz Soul 70 Marcos Tabera, representando la 22 Krautrock, la difícil tarea de música Folk-Fusión boliviana crear una nueva identidad artística 76 Konfession, profundo Metal desde El Alto de Bolivia

82 Terrateniente, Rap Duro desde la Zona Sur del Perú

28 Gran Premio

pura energía y sentimiento

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, omar vega, la chica boom, Jorge Ares, Lucía de Anta, Martín arizaga

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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20 canciones inspiradas en Extremadura

20 Canciones inspiradas en Extremadura LEER MÁS

on motivo del Día de Extremadura el pasado 8 de septiembre, y sin entrar en polémica de si es más apropiado el 25 de marzo por lo que supuso históricamente para la población extremeña, hemos decidido hacer un repaso por canciones de ayer y de hoy relacionadas o inspiradas en la tierra que nos ha dado vida a nosotros, como creadores del artículo, y en donde se sitúa la revista en la cual escribimos. Un homenaje musical a todos aquellos que, hayan nacido o no, se sientan extremeños. No están todos los que son, nos dejamos atrás a Pilar Boyero, Mili Vizcaíno, Milo ke Mandarini, Efecto Verdolaga, Manantial Folk, Acetre, Gene, Gecko Turner, Bebe y un largo etc.

1.- Extremoduro – Extrema y dura

Probablemente la canción “extremeña” más conocida a nivel estatal, y además llevada a cabo por el grupo más importante del rock nacional. Robe y los suyos son y serán el mejor exponente publicitario de nuestra tierra.

2.- Los Ganglios – Vivencias propias

La banda montijana, con el permiso de Extre-

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moduro, han sido la formación extremeña con mayor éxito fuera de nuestras fronteras. Hijos musicales de Robe & co, separando las distancias y los estilos, eran la propuesta más gamberra y creativa musical y audiovisualmente de plano nacional.

5.- Los Niños de los Ojos Rojos – Regreso a la comarca

La banda cacereña con mayor recorrido internacional. No ha habido continente que no hayan pisado, y sobre todo que nos hayan hecho bailar a base de sonidos celtas y contemporáneos.

3.- El Desván del duende – Maceta de colores

Parece increíble que la canción más importante de la banda pacense no tenga videoclip oficial. Una canción que supo llegar a un público muy amplio y diverso, con la que cuajaron éxitos a base de positivismo y buen rollito.

6.- Calentón – Blanca y Negra

4.- Perroflauta – El Candil

Acetre, Los Niños de los Ojos Rojos, Manantial Folk, Familia Vargas, y Candido Quintana se juntaron junto a Markos Bayón y Gecko Turner para darle una vuelta de tuerca exótica al Candil.

Detrás de este temazo Rock tenemos a la banda placentina y a los archiconocidos Sínkope. Rock castúo para reivindicar un tren digno, en una de las eternas reivindicaciones de la región y de los extremeños con respecto a los gobiernos autonómicos y centrales.

No podía faltar otra de las formaciones que mayor futuro tuvieron en su carrera musical fuera de nuestras fronteras.

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7.- Los Jacobos – Disculpe, puede usted cerrar Almaraz

meño. Gente fuerte, trabajadora y luchadora. Grandes beats nos encontramos aquí.

Los de Plasencia son uno de los grupos Punks más veteranos de la escena extremeña, pero además de los más sarcásticos, divertidos, irónicos y combativos con diferentes causas de la región. Son sin duda una de las piezas angulares del Rock regional.

11.- Juan Pedro Sánchez– Arrempuja Estremaúra Una de las voces famosas e impulsoras de nuestra lengua, el “estremeñu”. El popular periodista nos presenta un Rap para concienciar sobre la lengua, sobre nuestra tierra y sus carencias

8.- Contrarreloj – Extremadurismo

Seguimos con Rock. Desde el punto de vista más Pop, una nueva banda emergente, dominadores de las redes sociales, fueron trending topic el pasado 8 de septiembre. La versión cacereña de El Canto de El loco.

12.- Ruiseñora – Una dehesa

Pasamos al campo de la Electrónica. La fusión perfecta de una pacense y un canario para llevar la Psicodelia popular por todo el Estado. Es una de las propuestas más creativas, avanzadas y enriquecedoras que han surgido de la región.

9.- Yago y Prosav – Verde, Blanca y negra.

Vayamos al Rap. Unión de dos Mc’s para dejarnos bien claro cómo está actualmente nuestra tierra y las carencias que tenemos. Directo y a la yugular. Ver Video

10.- Vila & Mc Yeuh (feat Evil Man) – Segarras

Y seguimos con ritmos Hip Hop. Una canción dedicada a los trabajadores del campo extre-

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13.- Fônal – Martinlandrán

La formación cacereña, que se mueven entre la Electrónica y el Pop, nos brindan con un tema dedicado a una población en concreto del norte de Cáceres. Una canción mágica que recuerda a fábula o a cuento.

14.- Supersexy Sound System – El tren

Seguimos en la pista de baile. Quién dice que no se puede brincar y reivindicar con aires de rave. Los hermanos pacenses comprometidos con las causas perdidas de la región siempre introducen ritmos electrónicos a exigencias olvidadas a la tierra.

15.- Lu Pevi – Himno de Extremadura por Rondeña

La líder de la formación Folk Chulumi es una de las voces maestras encargadas de la recuperación de las músicas y tradiciones de la tierra. Una gran conocedora de la costumbre y la cultura popular de la región. Es una de las imprescindibles actualmente en la música tradicional extremeña Ver Video

16.- Huecco – Abuelo

Iván hace un homenaje a su abuelo en esta canción de gran belleza. En definitiva, habla de la despedida y de nuestra tierra. Un track personal, intimista, hecho con mucho cariño.

17.- Luis Pastor – Flor de Jara

Dicho por él, la mejor canción que ha escrito. Habla de la naturaleza, pero qué naturaleza?, la extremeña, y qué mejor homenaje a la región que hablar de nuestros campos, nuestras sierras, nuestra flora y fauna, y nuestro paisaje. Eso es Flor de Jara, una obra maestra de nuestro mayor representante de la canción de autor nacional.

18.- Pablo Guerrero – Extremadura

Sobrecogedora canción sobre la región. Es un himno. Y es que su creador es una eminencia de la canción protesta. Es una autoridad musical y poética en la región, y no podía faltar en nuestra lista. Ver Video

19.- Niño Indigo – Tu vestido verde

Un heredero directo de los dos anteriores es Julio Cesar Fuentes. El compositor extremeLaCarne Magazine

ño hizo un homenaje agridulce sobre Sierra Gata tras los grandes incendios del 2015. Una reivindicación hacia el respeto por la naturaleza, y un mensaje lleno de vida ante aquella triste desolación, que además contó con la participación de muchos amigos, como Javier Álvarez, Chloé Bird o Fônal entre otros.

20.-Tontxu – Que bonitas son las serragatinas

El cantautor vasco hace un homenaje a la Sierra de Gata adaptando la Jota de Alcuéscar o la Jota de Guadalupe. Afincado en Cáceres, es un extremeño más de adopción, donde ha encontrado en nuestra tierra un lugar de enraizado, desasosiego, amor, tranquilidad y paternidad.

Bonus track. Derby Motoreta burrito kachimba – El salto del gitano

El tema de los sevillanos, cuyo cantante es emeritense, donde hay referencia a Delibes, pero a nosotros, los extremeños, las palabras salto del gitano o buitres nos recuerda a nuestro Peña Falcón en Monfragüe, y la leyenda sobre los ladrones y bandidos que robaban a los comerciantes locales a punta de navaja, la “kinkidelia” de tiempos atrás, y que guarda similitud con el video, y letra de la banda.

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Eskimo Callboy brutales y divertidos LEER MÁS

uando me llega la notificación del radar de novedades de Spotify, siempre pienso, “Bueno, ya estamos con que Spotify sabe la música que me gusta, y la que no”, y es verdad que a veces… no acierta ni una. Sin embargo, una de las sugerencias es una banda que ha llamado mi atención, Eskimo Callboy, por su estilo, brutales y divertidos, pasando por el disco dance, y con unos videoclips que harán que rías a carcajadas con ellos. Me parecen muy originales, al menos yo no les había escuchado antes, y ahora estoy

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deseando “montar una fiesta” (privada, con poca gente, con medidas Covid, y todas esas cosas) para colar algunas de sus canciones. Estoy hablando de una banda procedente de Castrop- Rauxel, Alemania, que, mezclando voces limpias, guturales, metalcore y música electrónica, han puesto la nota de color y fantasía a mi vuelta al cole. Ellos son Eskimo Callboy. ¡Muy buenas a todos. Arrancamos!

Eskimo Callboy, brutales y divertidos Como os venía contando, para mí es la primera vez que escucho a esta banda, que llevan en activo, para mi sorpresa, desde 2010, cuando lanzaron su primer EP con EMP, Eskimo Callboy EP, así que ya tienen once años de carrera a sus espaldas. Este mismo EP fue

relanzado un año más tarde a través de Redfield Records, pero no fue hasta el año 2012 cuando lanzaron su primer álbum, Bury Me In Vegas. Con algunos cambios en la alineación de la banda desde sus inicios, ya tienen cinco álbumes de estudio, siendo el último lanzado en 2019 bajo el nombre Rehab. Pero justo en septiembre de 2020 lanzaron un nuevo EP llamado MMXX (2020, en números romanos), con una canción llamada Hypa Hypa, acompañado de un videoclip que ha sido nominado a mejor video en los HEAVY MUSIC AWARDS 2021. Viendo el estilo de sus videoclips, que me resulta fácilmente comparable con algunos programas humorísticos de la televisión de España, como por ejemplo “La Hora Chanante”, es casi imposible que no se me escape una carcajada con ellos cuando aparecen vistiendo esos chándales ochenteros y esas pelucas. Pero, aparte de todo eso, musicalmente suenan brutales. Ellos mismos denominan su estilo como “Porn Metal”, considerándola música de fiesta y algunos excesos… Como no, su música ha sido objeto de críticas por parte de algunas personas, que la consideran ofensiva y misógina. Sin embargo, el propio vocalista, Sebastian Biesler, dijo que sus letras no son más que clichés usados de forma satírica, que simplemente fluyen dejando que la diversión sea la protagonista. En fin, ya sabemos que es imposible agradar a todo el mundo, y menos en estos tiempos, donde hay que andar con pies de plomo para no ofender a nadie. Pero, hablando claramente, ¿cuándo habéis visto una banda de Metal alemán que no dé de qué hablar? No sé… se les olvida Rammstein, quizá… y la música de Rammstein gusta, ¿verdad? Y otro ejemplo, en este caso los suecos Ghost. En sus primeros años, cuando aparecieron como una nueva banda satánica, de la que se decía que sus conciertos eran rituales satánicos.

Pero, por favor… Yo personalmente me lo he pasado genial en los conciertos de Ghost, son todo un espectáculo. ¿Es que nadie se acuerda de los tiempos de Ozzy? En fin, Eskimo Callboy, brutales y divertidos ya han causado polémica, ya tienen la mitad del trabajo hecho como buena banda de Metal. Que cada uno se genere su propia opinión.

We Got The Moves, su nuevo sencillo Volviendo al presente, y a ese “radar de novedades”, que por esta vez le estoy agradecida, (risas) os presento el nuevo tema de estos chicos, que tan solo en una semana tuvieron más de dos millones de visitas en YouTube. We Got the Moves, así se llama la canción, que tiene un sonido potente, limpio, y brutal, y que, nuevamente, el videoclip es para olvidarse de todo un poco y reír. ¿Qué os ha parecido? Desde luego que originales son. Musicalmente me gustan bastante, así que ya están añadidos a mi playlist. Sabemos que para 2022 tienen preparado una gira europea llamada Hypa Hypa, en la que serán acompañados por los finlandeses Blind Chanel, que participaron en el pasado festival de Eurovisión. Si os ha gustado conocer, o saber más acerca de esta carismática banda, Eskimo Callboy, no dejéis de seguirles en sus redes sociales para estar al tanto de todas las novedades. ¡Hasta la próxima!

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Carla Lourdes el Pop corre por sus venas

que normalmente consta de una estrofa, un puente, y un estribillo con mucho gancho que se queda en la cabeza.

n esta última década, ha habido numerosos estilos que han dado un golpe en la mesa, como el Reggaetón y el Trap, pero hay un género que desde hace varias décadas ha permanecido y es uno de los géneros más consumidos: el Pop. El Pop surgió ya en los años cincuenta, pero hasta el nacimiento de la banda The Beatles, en los años sesenta, no tuvo un gran apogeo. Como todos los estilos musicales, tiene elementos que lo definen, como la corta duración de las canciones y con una estructura básica,

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Además, el Pop no sólo es reconocible por su estructura, también por los instrumentos que participan, como la guitarra acústica, guitarra eléctrica, batería, bajo, teclados y sintetizadores.

Carla Lourdes – El futuro de la música Pop pasa por la mano de artistas independientes

Numerosos artistas como Lady Gaga, Ed Sheeran o Ariana Grande, podrían ser considerados como los máximos representantes de este género, pero no son los únicos, ya que es

ve en la joven cantautora berciana independiente Carla Lourdes. El Pop corre por sus venas, y esto se nota en sus canciones. Carla es una cantautora berciana de 24 años, y la música siempre ha estado con ella desde muy pequeña, y, aunque al principio sólo la escuchaba, decidió interpretarla con sus instrumentos principales: violín y piano. Según dice la propia artista, la música para ella ahora mismo es “un lugar seguro al que volver constantemente. Cuando compongo me siento completamente yo misma y a salvo”. Decidió publicar sus canciones gracias a que un amigo le animó a compartir su música en youtube, y se dio cuenta que más personas se sentían identificada con sus letras. Así, con una sola canción, empezó su futuro, y, tras la buena acogida que tuvo su primera canción en la plataforma, comenzó a compartir más canciones con vídeos caseros e íntimos durante tres años, hasta que, finalmente, ha decidido dar un paso adelante y publicar sus canciones de manera profesional. Su último trabajo publicado ha sido Plan de Altar, un single de género Pop con sonidos modernos y actuales, y con una estructura armónica propia del género. el género preferido de muchos artistas. De hecho, en estos últimos años ha habido una serie de cantautores que han conseguido su sueño gracias al Pop, y, no nos podemos engañar, es un estilo que engancha y que a la mayoría le gusta, y que nunca pasa de moda. El por qué no se puede saber a ciencia cierta, pero lo que sí se sabe es que, al igual que el Rock, el Pop nunca morirá. Pero el Pop no sólo tiene representantes internacionales de renombre. Actualmente, junto con el trap, artistas independientes admiten que es su género favorito a la hora de componer. Quizás esto sea por la influencia de grupos que escuchan desde que son jóvenes, que son pioneros del Pop. Esta influencia se

Está teniendo una gran acogida en las plataformas digitales. Lo cierto es que, según dice la propia artista, el sonido está inspirado en música de Zahara y en grupos que consume constantemente, al contrario de otros singles que tienen un sonido más personal. Plan de Altar en absoluto será su último single, la propia artista ha revelado que tiene más canciones terminadas que pronto compartirá, y seguro que no nos dejará indiferentes.

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Sharon Jones la nueva reina del Soul LEER MÁS

n esta nueva entrega, queridos míos, os voy a hablar de una artista actual, aunque ya fallecida, que consiguió rescatar los mejores sonidos de las divas clásicas del Soul, pues revitalizó el estilo, rescatando su esencia más pura e intensa. Hablamos de la genuina e increíble Sharon Jones.

Sharon Jones, la nueva reina del Soul

Sharon Lafaye Jones nació el 4 de mayo de 1956 en Augusta, Georgia. Se crió junto a sus 6 hermanos (era la menor), y cuatro primos que su madre acogió al morir la hermana de

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ésta. En esta época Sharon tuvo su pequeña epifanía, cuando su madre le llevó a ver el espectáculo de un amigo suyo, nada menos que James Brown. Claro, la muchacha se quedó totalmente noqueada, y seguro que pensó “yo también quiero hacer eso”, y no le salió mal la jugada. Pronto, toda la familia se mudó a Nueva York, concretamente al barrio de Bedford Stvyvesant, en Brooklyn. Como casi todos nuestros artistas, comenzó cantando Góspel en la iglesia local, y, con la entrada de los 70, solía apuntarse a concursos de talentos respaldados por las bandas de Funk locales (buscando su estrella rutilante). También empezó a trabajar como corista, nor-

con la capacidad interpretativa de Sharon, y decidieron grabar también una pista en solitario con ella: Switchblade, que junto a The Landlord se incluirían en el álbum Soul Tequila, junto a la banda The Soul Providers. Este grupo estaba formado por miembros de bandas de Brooklyn como Antibalas o Mighty Imperials. Más tarde pasarían a llamarse The Dap-Kings, una de las mejores bandas de Soul del momento (que también eran la banda de la desaparecida Amy Winehouse), y ya banda oficial de Sharon Jones. Viendo el potencial que tenía Jones, Roth y Ledman abrieron un sello discográfico, Desco Records, desde donde se lanzó el Soul Tequila, pero a última hora decidieron cambiarle el nombre por Gimme The Paw, donde también se incluían temas como You Better Think Twice o Damn It’s Hot. Gracias a éste y otros discos, Desco pronto adquirió una legión de fans, pues conseguían mantener un sonido muy clásico con sus artistas. Incluso algunos compradores pensaban que eran discos antiguos porque no tenían fecha (¡pero de nuevos que eran!).

malmente como Lafaye Jones, pero como veía que no le llegaba la oportunidad de ser solista, se puso a trabajar muchos años como funcionaria de prisiones (ahí es nada) en la cárcel de Rikers Island, y también como jefa de seguridad de la compañía de coches blindados Wells Fargo. La oportunidad, muy tardía en mi opinión, le llegó en 1996, cuando apareció en una sesión respaldando como corista a la leyenda de la música negra Lee Fields. Esta sesión fue organizada por Gabriel Roth y Philippe Lehman. Convocaron a tres cantantes, pero sólo se presentó nuestra Sharon, así ella sola completó todas las partes de acompañamiento. Claro, los otros dos se quedaron flipando

Esta compañía se rompió en 2000, y Roth creó Daptone Records, siguiendo el legado musical de Desco. El primer lanzamiento de Daptone, en 2002, fue un disco completo de Sharon, Dap Dippin’ with Sharon Jones and The Dap Kings, y fue un auténtico éxito, tanto entre la crítica como entre el público, pues parecía (y así era) que Sharon Jones reencarnaba el Soul y Funk más clásicos. A este disco seguirían Naturally (2005), 100 Days, 100 Nights (2007), y I Learned The Hard Way (2010). Estos álbumes catapultaron a Sharon y su grupo a la élite de la esfera Soul y Pop del momento, y con ello llegaron las colaboraciones de la talla de Lou Reed, Fatboy Slim o Michael Bublé, entre muchos otros. En 2013 fue diagnosticada con cáncer. La operaron y consiguió recuperarse con una fuerza vital. Mítica será la imagen de Sharon rapada tras sus tratamientos dándolo absolutamente todo sobre el escenario. Increíbles los LaCarne Magazine

conciertos que dio en 2014 en España. En 2015 se celebró el visionado de un documental sobre su lucha contra el cáncer en el Festival Internacional de Toronto, donde anunciaba que el cáncer había vuelto. Ese mismo año, viendo las elecciones presidenciales, sufrió un derrame cerebral, que ella achacaba a la victoria de Donald Trump. Pero su cuerpo no lo soportó más, y el 18 de noviembre de 2016 nos dejaba. Sharon Jones saltó a la fama con 40 años, y una voz tan poderosa que le permitió convertirse en una reina del Soul. Arrebatadora y enérgica, tenía un estilo retro con personalidad propia que le hacían alejarse del resto de artistas, creando una especie de estela musi-

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cal (poneos un disco de Sharon Jones y después uno de Freedonia, por ejemplo). Por no hablar de sus directos, siempre incendiarios. Sharon rugía, taconeaba, susurraba, gritaba y bailaba sin parar. Sí, empezó tarde, pero desde finales de los 90 se convertiría en la voz fundamental del Soul actual, revitalizando el género y dándole un sonido nuevo que solo podemos definir como el sonido Sharon Jones. Y es normal que consiguiese todo eso, porque, en palabras de la propia artista, “el Soul es la música del corazón”, y quién mejor que ella para ser su nueva reina. Encontraréis más videos de Sharon Jones en el YouTube de Sharon Jones & The Dap-Kings

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Krautrock

la difícil tarea de crear una nueva identid

finales de la Segunda Guerra Mundial se llevaron a cabo muchas reconstrucciones en varios países de Europa, pero no solo a nivel edificio, sino también a nivel cultural. En el caso de Alemania post guerra, la cultura estadounidense, como el Rock and Roll, el Jazz o el Rhythim and Blues era lo que más dominaba. La juventud alemana necesitaba de alguna forma crear algo que los identificara artísticamente, y separarse de a poco de las influencias que provenían de otras partes. La prensa británica, en un tono totalmen-

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te despectivo y ofensivo, empezó a llamar a este tipo de movimiento artístico Krautrock. “Kraut” significa repollo, apodo que les pusieron los aliados a los Alemanes durante la Segunda Guerra Mundial.

Krautrock, la difícil tarea de crear una nueva identidad artística El krautrock no es un estilo de música específico, sino todo un movimiento cultural y artístico de la época. Estamos hablando de finales de los 60’s, y desarrollándose sobre todo en los 70’s en varias regiones de Alemania. Los artistas, y sobre todo los músicos, buscaban una identidad propia, y la fueron encontrando en la experimentación de sonidos, mezclando lo electrónico y lo acústico, y creando

El Krautrock tenía como mensaje el “hágalo usted mismo” (do it yourself), y de esta manera influenció a otro movimiento surgido principalmente en Gran Bretaña en los 70’s, que sería nada más ni nada menos que el punk. También fue la semilla de lo que fue más tarde el Ambient Music, Space Music, o la Música Electrónica en general. Fueron los primeros en usar los sintetizadores análogos y modulares, y otros tantos instrumentos creados por ellos mismos, como en el caso de Kraftwerk, banda surgida en esta época, y que más tarde se convirtiera en banda de culto.

dad artística nuevas estructuras en las canciones a través del minimalismo. También se implementaron las presentaciones musicales de las bandas surgidas dentro de este movimiento con proyecciones audiovisuales. El “cantante” pasó a ser algo secundario, ya que toda la atención estaba puesta en la música, y esto hizo de alguna forma que el Krautrock estuviera por fuera de lo comercial. Las canciones podían durar el doble o triple de lo normal, y su estructura era algo novedoso, ya que se podía crear un ambiente cuasi hipnótico gracias a lo que se llamó “Motorik”, que es la repetición constante de una parte de la canción que se extiende como si fuera una intro.

Con respecto a Kraftwerk, podemos apreciar claramente el toque minimalista del Krautrock sobre todo en sus primeros discos, como por ejemplo el famoso Autobahn, un gran disco que marcó presencia a mediados de los 70´s. El tema que da nombre al disco dura casi 23 minutos, siendo algo característico de este movimiento, ya que la gran mayoría de los temas musicales eran bastante extensos en duración. Dos de los miembros originales de Kraftwerk, Claus Dinger y Michael Rother, abandonan el proyecto y forman uno propio llamado Neu!, convirtiéndose en una banda clásica de Krautrock gracias al sonido ”motorik” y minimalista, tan característico de este movimiento. Otra de las bandas precursoras del Krautrock es Can. Comenzó su carrera siendo una banda con un sonido muy potente, basándose en guitarras distorsionadas, luego transformándose en algo más psicodélico, y poco a poco fueron introduciendo lo tecnológico creando un sonido que mezclaba algo de Funk y Jazz a su trabajo. También la banda colaboró haciendo temas para diferentes películas de la época. Dentro del movimiento Krautrock también tenemos a la banda Popol Vuh, liderada por el pianista Florian Fricke. Su estilo era dominado por los sintetizadores, y su música más volLaCarne Magazine

cada al ambient, creando una atmósfera más étnica y hasta meditativa por momentos. Por último tenemos a una de las bandas que más ha evolucionado desde aquella época, como Tangerine Dream. Fue un grupo fundado por el músico Edgard Froese, que ya venía haciendo música experimental con otros artistas de la escena Krautrock. Además, han creado música para muchas películas. Es una de las pocas bandas que se ha mantenido desde aquella época, más allá de que hoy en día ya no cuenta con ningún miembro original. Podemos decir que el Krautrock no es para cualquiera. Tiene elementos que lo hacen muy poco comercial, y eso lamentablemente hoy en día no es objeto de consumo por la mayoría de los mortales, quedando fuera de lo convencional. Pero es una oportunidad para abrirse a nuevos sonidos para aquellos que nunca escucharon a estas bandas. Un viaje en el tiempo, en una época de exploración y rebeldía, donde quedaron plasmados sonidos que años más tarde serían una influencia para las nuevas bandas.

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gran premio

pura energía y sentimiento

ran Premio es pura energía y sentimiento, y lo puedes comprobar en su nuevo trabajo, Canciones de amor, odio e indiferencia, un Ep con 6 temazos que acaban de presentar en una gira por la geografía española. Últimamente, de Málaga (España) están saliendo bandas y artistas con un gran potencial musical, y Gran Premio se perfilan como representastes de la nueva ola de grupos post COVID, músicos trabajadores y con gran pasión por lo que hacen, que han tenido que adaptarse a la sequía de conciertos debido a las medidas sanitarias mundiales, y que se han tenido que reinventar para adaptarse a los

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nuevos canales de promoción y distribución. Influenciados por el power pop, el noise pop, el shoegaze y el indie rock, Gran Premio nos presentan 6 temas maduros y guitarreros, con letras muy trabajadas que llegan a lo más profundo de quien las escucha. Gran Premio es la respuesta perfecta a estos tiempos de cambio, y por eso no dudamos en hablar con ellos para conocerlos un poco más, y traeros esta completa entrevista. Si alguien no lo tiene claro aún, hacednos caso, sólo tenéis que escucharlos para convenceros de que son un grupazo.

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Gran Premio, pura energía y sentimiento Texto por S. Plata

Amigos de Gran Premio, bienvenidos a LaCarne Magazine! Antes de entrar en profundidad a hablar de vuestro proyecto, nos gustaría que nos contarais vuestro pasado musical. ¿Cómo fueron vuestros primeros pasos en la música? Tendríamos que remontarnos a los años 90, cuando estábamos cada uno con nuestros proyectos por separado. De ahí la fuerte predilección por los sonidos de aquella década. Eran años bastante diferentes en cuanto a grabación y promoción del material. La falta de software para producir y de internet para promover tus canciones, te limitaban bastante a la hora de mostrar lo que hacías en el local. En el caso de Ñete, las primeras andanzas fueron a partir del 2000, cuando poco más tarde fundara su grupo Stone Pillow. ¿Y cómo nace Gran Premio? ¿Ya os conocíais de antes? ¿Cómo terminasteis formado la banda? Han tenido que pasar unos 20 años para conocernos a principios de 2020. Las diferentes plataformas que ofrecen las redes sociales para poder buscar a otros músicos que compartan tus mismas inquietudes es una gran ventaja. Así fue como Antonio (bateria) y yo, Alvaro (vocalista), nos conocimos. Poco después apareció Víctor (bajista). Nos lo presentó Fabricio, propietario de las míticas salas de ensayo Gravity Music en Málaga. Ñete era nuestro compañero de sala en otro lugar que compartíamos más adelante (Castle Rock). Él estaba en otro grupo, y, ya se sabe, el roce hace el cariño. Lleváis relativamente poco tiempo, y, si a ello le sumamos una pandemia mundial, las cosas no deben haber sido fáciles a la hora de ensayar y demás. ¿Cómo os habéis organizado con las restricciones? ¿Qué ha sido lo más difícil para vosotros como banda? Los primeros ensayos tuvieron lugar un par de meses antes de estallar la pandemia, así que seguimos trabajando desde casa, grabando los primeros temas, haciendo videos, y pre-

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sentándonos a concursos durante el periodo del duro confinamiento. Lo más difícil quizás fue encontrar los momentos de inspiración, y evadirse con todo lo que estaba ocurriendo alrededor, pero en cierto modo valió de motivación para llevar a otro lugar a quien nos escuchara. Nos sentíamos como la orquesta del Titanic. Y aun así, Gran Premio os habéis puesto las pilas, y habéis grabado a finales de este mismo verano un nuevo Ep con seis temas titulado Canciones de amor, odio e indiferencia. El título de por sí puede dar alguna pista, pero, para l@s que aún no lo han escuchado, ¿qué podéis decir sobre su contenido? A parte de las tres formas de sentir que dan nombre al disco, realmente lo que hay son canciones cargadas de mucha ilusión. Son una selección de los temas que queríamos mostrar en nuestro primer trabajo, con guitarras muy arriba intentando transmitir la energía que en estos momentos sentimos, dejando fuera muy a nuestro pesar otras tan válidas que nos definen igualmente. Como comentábamos, este trabajo está compuesto por seis temas que cuenta con muchos sonidos Pop y guitarras muy presentes. ¿Podríamos decir que es ésta vuestra seña de identidad? ¿Qué otros sonidos y características definen a Gran Premio? Le prestamos bastante atención a las estructuras, y sobre todo a las melodías y letras. Intentamos además que una de nuestras características principales sea el sonido directo, llegar al público en el escenario con las canciones

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“A parte de las tres formas de sentir que dan nombre al disco, realmente lo que hay son canciones cargadas de mucha ilusión.” que previamente has grabado en estudio. ¿Cómo se gestaron los seis temas que componen Canciones de amor, odio e indiferencia? ¿Estaba ya todo el trabajo hecho cuando fuisteis al estudio a grabar? ¿Dejasteis algo para la improvisación? Las canciones estaban más o menos terminadas, pero abiertas a su vez a cualquier cambio que nos pudiera sugerir Paco Loco, pero en general le gustó como estaba casi todo. Se implicó en todas, pero especialmente en Lista Negra dedicó bastante tiempo en buscarle diferentes sonidos de teclados que decoraran su canción favorita confesa. Habéis grabado Canciones de amor, odio e indiferencia con el gran Paco Loco. Habladnos de esta experiencia con Paco y vuestro paso por su estudio. ¿Qué es lo que más os ha gustado de trabajar allí y con este gran productor? ¿Cuánto tiempo os ha llevado todo el proceso de principio a fin? Mandamos unas demos a Paco Loco tal y como él quería. No valían maquetas, canciones súper editadas o que sonaran superficial. Él quería escuchar a la banda en el local, conocer el sonido crudo para luego poder transmitir eso mismo al disco. Reservamos tres días a principios de verano pensando en re-

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frescarnos en la piscina (mala suerte, estaban de obra). Cuando despertamos el primer día y entramos en el estudio, nos encantó todo, y no tardamos en sentirnos como en casa. Esa confianza nos vino muy bien para poder grabar las canciones en directo, y utilizando el menor número de tomas posibles. Así que, gracias a eso, y al trabajo incansable de Paco, pudimos grabar un sexto tema (¡Oh Nicoleta!) en un ep que en principio iba a ser de 5 canciones. Fueron tres días increíbles en los que reímos, grabamos y viceversa. Sólo parando para comer la deliciosa comida de Muni Camón (su mujer), y dormir. De estos seis temas que componen Canciones de amor, odio e indiferencia, ¿podéis adelantarnos si habrá algún videoclip? ¿Tenéis ya alguna idea para algún tema? La verdad es que íbamos a presentar el EP más tarde en septiembre, e íbamos a dedicar tiempo en hacer el videoclip de la primera canción, No soy Johnny Castle, hasta que empezaron rápidamente a venir las oportunidades para tocar en los primeros conciertos y

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festivales en verano. Tuvimos que adelantar la presentación a primeros de agosto, y con ello dejamos pausado el proyecto del videoclip. Ahora que acabamos toda la programación nos pondremos con ello. A pesar de la situación sanitaria y la pésima situación de la cultura, en la actualidad Gran Premio ya habéis dado algunos conciertos en Málaga en los que habéis presentado los temas de Canciones de amor, odio e indiferencia. ¿Cómo han sido las sensaciones de Gran Premio sobre el escenario? ¿Cómo habéis visto al público en estos primeros conciertos? Pues, como bien dices, a pesar de la situación sanitaria, al ser los primeros conciertos que dábamos como Gran Premio, nos sentíamos muy afortunados de poder estar enseñando el trabajo realizado durante este tiempo en directo. Al final de la primera canción del primer concierto nos quedamos sorprendidos de escuchar aplausos, llevábamos 1 año tocando esos temas en el local sin respuesta alguna al finalizar. Nos supo a gloria, así que cuando tuvimos la oportunidad de tocar en la Sala Velvet con público en pie, bailando y coreando las canciones, tuvimos una de las sensacio-

nes más espectaculares desde que llevamos tocando. Vuestra carrera acaba de comenzar, pero lo ha hecho de la mejor forma posible: con un disco recién salido del horno, y ganando el concurso de bandas emergentes Indie Cool con vuestro tema ¡Oh Nicoleta! ¿Cómo se os quedó el cuerpo y vuestras caras cuando os lo comunicaron? ¿Qué tiene este tema en concreto para que guste tanto? Todavía estamos en shock, la verdad. Solo pensar en que te seleccionen entre más de 230 bandas nacionales y algunas internacionales, da un poco de vértigo, pero si con ello quedas entre las 5 primeras elegidas por un jurado del nivel de Rufus T Firefly, Carlos Hernandez, Alis, Dover, Marga Ariza, etc., etc., es una pasada. Y si además ganas el concurso del público nombrándote así mejor canción de ese año, ni te digo. ¡Oh Nicoleta!, como te decía antes, fue la canción inesperada del EP. Esa canción llevaba en el adn nacer y gustar! gran premio Además, también formaréis parte del cartel del

“cuando tuvimos la oportunidad de tocar con público en pie, bailando y coreando las canciones, tuvimos una de las sensaciones más espectaculares desde que llevamos tocando.” Ronda Cool Fest el próximo verano, y acabáis de tocar en Pinar Market & Fest que se celebra el Málaga. De momento, la cosa pinta muy pero que muy bien. ¿Cuál es vuestro siguiente objetivo? ¿Algún festival grande, teatro o sala que tengáis en mente? Nos encantaría algún día tocar en festivales de nuestra ciudad como el Oh Seeh!, el Ojeando, Suena el botánico, etc., pero en general cualquiera en el que podamos compartir escenario con grupos a los que solemos escuchar y admirar. Todo llegará, y, tal y como estáis trabajando, creemos que Gran Premio no tardaréis mucho en alcanzar todo lo que os propongáis. Además de los conciertos ya mencionados, LaCarne Magazine

¿dónde podremos disfrutar de vuestro directo? ¿Queda algún concierto de la gira de presentación de este Ep? El próximo concierto será el 12 de noviembre en La Polivalente Lagunillas. Tenemos muchas ganas de este en concreto porque será la primera vez que lo hagamos en formato acústico e intimista. De esta forma veremos cómo quedan desnudas y la respuesta del público. Y ahora, a corto plazo, de aquí a que acabe el año, ¿cuáles son los próximos planes de Gran Premio para hacer llegar vuestra música al mayor número de público? Aquí entráis en juego los medios de comunicación y la prensa especializada. Sólo podemos esperar a gustaros o llamar la atención de algún/a locut@r de radio para que pinche nuestras canciones. Muchísimos grupos que conocemos, y de los cuales estamos influenciados, los hemos descubierto por estos medios. ¿Y a largo plazo? ¿Tenéis ya en mente nuevos temas para un trabajo de larga duración u otro Ep? ¿Cómo está de salud la creatividad de Gran Premio?

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Tenemos muchas nuevas ideas en cuanto a canciones esperando a ser cocinadas en el local. Ya veremos si en un futuro no muy lejano hacemos un Lp, ep, o incluso ir publicándolas single a single. Parece que vuelve de nuevo a llevarse ese sistema, como en los años 60. Nos ha encantado conoceros un poco más, y estamos convencidos de que Gran Premio va a dar mucho de qué hablar. Estáis haciendo un muy buen trabajo, y estamos convencidos de que la suerte y el éxito os acompañarán en vuestro recorrido. Esperamos vuestro regreso a las páginas de LaCarne Magazine. ¡Un fuerte abrazo, amigos! Encantados de estar hablando de nuestro trabajo para los lectores de vuestra revista. Nos hace mucha ilusión. Muchísimas gracias!

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Kinnia

música épica, fiesta y alegría

o sé si os pasará a vosotros, pero cuando comienza el otoño (en esta parte del mundo), siempre siento una fuerte necesidad de estar más en contacto con la naturaleza. Para mí es una estación ideal para visitar los bosques y la calidez de sus colores, y no se me ocurre mejor música para esta estación tan especial para mí que la música de la banda Kinnia, que con su estilo único y su armonía ha logrado ganarse muchos corazones.

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Es por eso que agradezco inmensamente a Jezabel, creadora de esta banda tan singular, que se pusiera en contacto conmigo para llevar a cabo esta entrevista. También decir que me alegro muchísimo de haberla descubierto, pues, además de tocar el violín de maravilla en Kinnia, Jezabel es compositora de bandas sonoras para cortos y películas, además de componer también música más espiritual, basándose en la geometría sagrada, y, amigos, eso es un mundo que a mí personalmente me apasiona. Así que desde aquí le digo a Jezabel que tenemos pendiente una entrevista en la que nos enseñe más sobre su estilo personal.

falte el aliento, y que le pone el broche final al álbum. Es un disco con un sonido limpio y único, que en conjunto es un verdadero cuento, una verdadera historia épica que querrás vivir y escuchar una y otra vez. Así que, si os parece, servíos una Guinnes bien fría, y disfrutemos conociendo más y mejor a Kinnia. Primero de todo, muchísimas gracias por concederme la entrevista. En especial a Jezabel, por ponerse en contacto conmigo. Para que los lectores os conozcan un poco mejor, ¿nos podéis hacer una presentación? ¿Quiénes sois KINNIA? Muchísimas gracias a ti, y a LaCarne Magazine, por hacernos un hueco en vuestra revista para hablar de música, nuestros discos, etc… Kinnia somos una banda de Folk celta con un sonido muy personal, que bebe de distintas influencias y géneros, que hace que les guste a personas que disfrutan tanto el Rock como el Metal, como la música medieval o tradicional irlandesa. Estamos muy contentos de la acogida que tiene nuestra música cuando tocamos en directo. Hemos conseguido un estilo que toca el corazón de todas las personas, sin importar gustos musicales, género o edad. ¡Esperemos que esta entrevista sirva para llegar a muchas más personas y se unan al Clan de Kinnia!

Kinnia, música épica, fiesta y alegría

Volviendo a Kinnia, que recientemente lanzaron su segundo álbum Drink For The Fallen, un álbum que te invita a soñar en mundos de fantasía a través de sus letras y melodías sin parar de bailar, con canciones como Drink For The Fallen, que le da título al disco, Grace O´Malley, una canción preciosa con una melodía que transmite mucha paz. Destacar también “Wings of Liberty”, que te transportará hasta la mismísima época medieval. Y para una fiesta irlandesa en toda regla, Step It Out Mary, con la que bailarás hasta que te

La gente comenta que os caracteriza la energía y la alegría que transmitís en los conciertos, que realmente disfrutan cantando y bailando al ritmo de vuestras canciones. ¿Qué es lo que más disfrutáis vosotros cuando estáis sobre el escenario? Efectivamente, es algo que nos sigue maravillando cada vez que subimos al escenario, cómo la gente se contagia de la alegría que transmiten nuestros conciertos. Antes todo el mundo bailaba, se creaba una atmósfera muy especial. Ahora, con las medidas Covid, todo es muy diferente. La gente está sentada en sillas separadas, no se les permite moverse, con las mascarillas no podemos verles la cara…

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Obviamente, no es lo mismo que antes. Pero aun así, nos dejamos la piel y el alma en transmitir esa épica, alegría, esperanza, emoción que es Kinnia en cada una de nuestras canciones, y en los conciertos que hemos dado este año. Todo el mundo ha reaccionado muy bien. Si la gente disfruta, nosotros lo disfrutamos, es un intercambio de energía. Y como nosotros disfrutamos tocando, la gente lo nota. En el escenario, entre nosotros, hay mucha sinergia, y, aunque tenemos personalidades muy diferentes, se complementan a la perfección en cada concierto. Si no me equivoco, tenéis dos álbumes en el mercado: Kinnia de 2016, y Drink For The Fallen de 2021. Siendo este último un álbum que nos invita a entrar en un mundo de fantasía, pero ¿qué vamos a encontrar realmente en Drink For The Fallen? ¿De qué tratan vuestras canciones? Los dos álbumes son muy diferentes, ya que marcan también dos épocas muy distintas de la banda. En un principio, Kinnia nació como una banda de música tradicional, sobre todo

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irlandesa, pero con influencias de música escocesa, inglesa, etc. Versionábamos y adaptábamos temas tradicionales con nuestro propio estilo. Y eso es lo que se puede encontrar en nuestro primer disco. Versionamos temas tan conocidos como Whiskey in the Jar con nuestro propio estilo. En Drink for the fallen, por el contrario, la gente lo que va a encontrar son temas originales compuestos por nosotros. Se mantiene cierta influencia que podríamos llamar “celta”, pero es mucho más. En este nuevo disco se vuelcan las influencias de los componentes de la banda, dando un sonido rico y único, que no se identifica con nada, simplemente es Kinnia. Podéis encontrar canciones taberneras, con mucha épica, baladas en estilo Fantasy Folk, canciones como The Witch´s Compass, con un estilo Folk Metal, The Tower, con un estilo oriental sorprendente… El disco, además, ofrece un viaje por distintos ambientes, desde tabernas medievales, bosques míticos, barcos piratas capitaneados por la legendaria Grace

Contadnos un poco vuestra trayectoria. Creo que habéis participado en varios certámenes de música celta representando a España, y actuado en festivales medievales. ¿Cierto? Sí, al ser una banda tan versátil, encajamos en distintos tipos de festivales. Hemos tocado en festivales de prestigio en el mundo del folk, como La Noche de los Candiles, o el Festival Internacional de Música Celta de Alcalá de Henares. También hemos colaborado varias veces con el programa Espacio en Blanco, gracias a Radio 3 hemos tocado en lugares mágicos como La Cueva del Agua. Pero el festival que más nos ha marcado a todos, sin duda, por la experiencia que supuso, fue el Festival Lost Age, en Bulgaria.

O´Malley, y mucha fantasía, mucha épica, mucho Folk… Os recomendamos ver en YouTube dos videoclips: Drink for the fallen, que da nombre al disco y es muy tabernero, y Wings of Liberty, una balada con toques épicos, para ver de primera mano distintas canciones de la banda. ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? Como decíamos, cada uno de los miembros de la banda viene de unos géneros distintos: Música Medieval, Música Celta, Rock, Metal, Música Clásica… Por tanto, la música de Kinnia bebe de todas esas influencias. Intentamos no influenciarnos por otras bandas para que no condicione nuestro sonido, pero sí que hemos tenido como ligera fuente de inspiración bandas a las que admiramos mucho, como Nightwish, Faun, Trobar de Morte, The Chieftains, Blackmore´s Night, Luar Na Lubre… Como ves, son influencias de bandas con estilos muy diferentes, desde el Metal al Folk irlandés, pero nos encantan, ya que nuestro estilo recoge todas esas influencias, y muchas más.

En 2019, Plovdiv fue Capital Europea de la Cultura, con ese motivo se organizó un festival de música Folk con bandas de toda Europa, y Kinnia fue la banda que representó a España. Allí pudimos compartir escenario con bandas que admirábamos, como Irfan o Brisinga, y fue una experiencia absolutamente increíble. Además, nuestro concierto tuvo muy buena acogida, y la gente lo disfrutó mucho. Habéis compartido escenario con bandas como Luar Na Lubre o Capercaille, al igual que cada uno de vosotros, que habéis colaborado con otras bandas también importantes en el mundo del metal. ¿Cómo es para vosotros vivir esa experiencia? En el Festival Internacional de Música Celta de Alcalá de Henares efectivamente compartimos cartel con esas bandas, así como con Albaluna, una banda portuguesa con la que coincidimos en otro festival y surgió una buena amistad. Pero, como bien dices, todos tenemos una relación con el mundo del metal por nuestro pasado en otras bandas o bien por colaboraciones. Jezabel, por ejemplo, colaboró con Saurom en el último Leyendas del Rock, con Avalanch en su gira 2019, y en el último disco de Adamantia. Jose ha colaborado con Celtibeerian, y además ha tocado en festivales LaCarne Magazine

de mucho prestigio, como el Wave Gothic Treffen. Jorge estuvo al mando de una banda de Metal, Crownless. Roberto Cappa, a la percusión, viene de Dark Moor. Alberto es bajista de La Leñera, y ha colaborado con multitud de bandas de Metal. Y Pablo ha cantado previamente en bandas de Metal como Dark Hill y Aëndil. Todo ese bagaje nos influye a la hora de crear e interpretar las canciones de Kinnia, por eso nuestro Folk tiene cierta influencia Folk-Metal que le encanta a nuestro público. ¿Con quién os gustaría poder hacer una colaboración en un futuro? Coincidimos todos en que nos encantaría colaborar con Saurom, Faun, Luar Na Lubre, Gwendal, nuestros amigos de Salduie y Trobar de Morte… Y adelantamos que alguno de estos sueños puede que se cumpla pronto ¡si todo va bien! ¿Cuáles son los planes de futuro de Kinnia? Ahora mismo el futuro es incierto para todos, y hay una incertidumbre que lo envuelve todo, no sólo en el mundo de la música. Como todos, hemos tenido que hacer muchas renuncias, sacrificios, perder conciertos, etc. Aun así, nunca nos rendimos, siempre estamos activos, trabajando, creando…, y habrá Kinnia para rato. Actualmente nos encontramos preparando nuestro tercer álbum, que os sorprenderá, ¡seguro! ¿Cuáles son las canciones más representativas de Kinnia? Es un disco tan variado que cada canción tiene algo único y especial, y cada uno tenemos nuestras favoritas, pero sí que se han hecho más conocidas, sobre todo, Drink for the fallen, que da título al disco, captura la esencia de Kinnia en esta etapa, y es la canción de uno de nuestros videoclips. También gustan y destacan mucho Gambling with the dwarves, Grace O´Malley, Wings of Liberty. Y otras que gustan mucho son The

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Witch´s Compass, que además es el himno oficial del programa La Escóbula de la Brújula. Las hogueras de San Juan, que es el único tema en castellano de este disco, es el tema más místico y con toques de fantasía, que además cuenta con la colaboración de Lady Morte. Y de repente hay dos temas con “sorpresa”, porque suponen un “giro de guión” que a la gente le encanta, como son The Tower, con toques orientales, e Hypocras!, único tema instrumental del disco, de la que no vamos a decir nada. Simplemente tenéis que escucharla. Finalmente, el disco acaba con una adaptación de un tema tradicional, Step it out Mary, al que le hemos añadido nuestro propio toque, haciéndolo tremendamente especial. Os va a gustar mucho! Tenemos otras muchas canciones del disco anterior, y otras que tocamos en los conciertos únicamente, pero éstas que os citamos creemos que son las más destacadas. ¿Cómo veis el mundo de la música a raíz de la

Foto por Felipe Cárdenas

crisis del Covid? Aunque parece que ya vamos viendo la luz… A raíz de la pandemia, el mundo del arte y la cultura han sufrido mucho. Para nosotros, como para otros tantos artistas, fue perder trabajo y todo lo que habíamos conseguido con años de esfuerzo y dedicación. Los músicos durante el confinamiento tuvimos una labor terapéutica y catártica. Muchos grabamos videos, ofrecíamos nuestro trabajo con todo el corazón para animar a la gente. Kinnia no fuimos una excepción, trabajamos cada uno desde casa para ofrecer canciones a nuestros seguidores. Pero una vez acabó la pandemia, estuvimos sin poder tocar mucho tiempo. El alcance de esto es muy grave, es una situación que ya dura mucho tiempo, y no sólo ha afectado a los músicos, sino a todos los que intervienen para que pueda haber música en directo: salas, técnicos de luz y sonido, promotores, etc. Miles de personas sin trabajo durante meses y meses… Desde aquí mandamos todo nuestro apoyo,

estamos muy concienciados con la situación. Lo de que se va viendo la luz es relativo. Es cierto que se han podido hacer algunos conciertos en algunas pocas salas, pero, con aforo reducido y restricciones varias, la rentabilidad es mínima, por no decir inexistente. Ahora mismo cualquier banda que depende sólo de su esfuerzo (sin una gran compañía ni patrocinios detrás) y de tocar en salas, lo tiene muy complicado. Hay bandas que se disuelven, músicos que abandonan, salas que siguen cerrando simplemente porque no pueden más. La situación parece que ha mejorado un poco, pero sigue siendo terrible. Por eso necesitamos el apoyo del público, que acuda a los pocos conciertos que se celebran. También se ha demonizado mucho el mundo de la música y de la cultura en general, cuando ha sido el sector que más se ha tomado en serio la situación, y todos, salas, músicos, técnicos, han tomado todas las medidas posibles. Lo de que la Cultura es Segura no solo es un lema, es un hecho. No sólo es segura, sino que es esencial.

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Resulta incomprensible que, mientras se siguen cancelando conciertos “por si acaso”, a pesar de que se cumplan todas las medidas, en bares, etc., la gente puede estar cómodamente apiñada sin que pase nada. Es un poco raro, ¿no creéis? Y, por último, ¿algo que queráis añadir, o enviar algún mensaje al mundo? Sí, que muchísimas gracias por recibirnos en vuestra revista! Queremos animaros a que conozcáis más a Kinnia, creemos que os gustará, y ojalá podáis venir a vernos a algún concierto! El próximo será el 12 de Noviembre en la sala Elefante Blanco, en Madrid. También queremos haceros llegar un poco de la esencia de la banda: con nuestra música queremos transmitir alegría, compañerismo, unión entre los seres humanos, conexión con la naturaleza, y, sobre todo, esperanza y ganas de seguir soñando. Creemos que todo eso es imprescindible ahora mismo para mantener el ánimo alto!

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De todo corazón, mucho ánimo para los que seguimos luchando por mantener la cultura viva, y la llama de la música en los corazones de todos, a pesar de la adversidad!

Mil gracias de nuevo a vosotros por todo. Y a los lectores, ya sabéis, como siempre os digo, si os ha gustado conocer a esta gran banda, os dejo por aquí sus enlaces a redes y plataformas digitales para que siempre estéis al tanto de sus novedades. ¡Hasta la proximal!

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Humus Jam

Reggae y buen rollo asegurado

a formación andaluza Humus Jam es una de las bandas de Reggae de Andalucía. Su seña de identidad es el optimismo y la alegría, sin dejar atrás la realidad social en la que vivimos, y siempre aderezado con la sátira y la ironía para contarnos historias a modo de canciones, con ritmos que van desde el Reggae, Ska o el Rap. Ubicados en Sevilla, son cercanos, son naturales, son sencillos, son buena gente, y solo falta conocerlos un poco más. ¿Vamos a ello?

Humus Jam, Reggae y buen rollo asegurado

Es un placer teneros entre nosotros. Sois una banda relativamente joven, empezasteis en 2017. ¿Cuál es vuestra procedencia musical o

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qué referencias tenéis anteriores? Humus Jam nace como proyecto musical en 2017, cuando Diego Fernández (nuestro cantante, guitarra y sampler) aúna a un grupo de músicos amantes de Reggae, del Rap, del Ska, y del Jungle para darle forma a unas letras y melodías que necesitaban ser escuchadas y bailadas. El trabajo fue dando sus frutos, el tiempo pasó, y el grupo maduró, hasta que en 2020 se conforma con los 5 miembros de la banda actual Diego Fernández (voz, guitarra y sampler), Ramón Bajona (guitarra), JM Jodar (teclado), Juantxu Manzano (bajo), y Manu Molg (batería). Todos hemos pasado por otras bandas y por distintos estilos, lo que nos aporta un “colorcito” que cada vez explotamos más en nuestras composiciones. Somos sabedores del sonido que buscamos, y el punto en común en el que los 5 nos encontramos cómodos, pero siem-

Tres meses después, Diego devolvía la llamada a Juantxu para preguntarle si quería hacer una prueba con Humus Jam. Finalmente, a mediados de 2020, la banda decide incorporar una batería analógica para ganar calidad, matices y sentimiento a nuestras canciones, y Manu Molg ya era conocido por la banda por ser vecino del local en aquellos tiempos, y nos gustaba “tela” cómo tocaba el de la Rinconada.

pre partiendo de esa cocktelera de gustos e influencias que cada uno aporta. Entre las filas de Humus Jam tenéis a un extremeño, Juantxu Manzano, pacense y mundialmente conocido como «El Abogado del Diablo». ¿Cómo os conocisteis unos y otros? (risas de Juantxu…”que cracks”…jjj). Los sevillanos JM Jodar y Diego Fernández iniciaron de la mano este proyecto junto con otros músicos. Más tarde llegaría desde Albacete Ramón Bajona, que se une al grupo después de coincidir por amigos en común, risas entre colegas, bares, y gustos musicales. Después llegaría nuestro diablo (el extremeñísimo) Juantxu Manzano, que, en 2019, tras escuchar nuestra primera maqueta en un grupo de Facebook de grupos sevillanos, se puso en contacto con Diego, y le dijo que quería ser el bajista de la banda. A lo que Diego contestó con una negativa, ya que el puesto en aquel momento estaba cubierto.

En vuestro primer disco, del mismo nombre a vuestra formación, destacamos el single La Maldad, un tema que nos recuerda muchísimo el Out of Space de Peter Tosh. Habladnos de vuestro primer disco y cómo se gestó. En cuanto a La Maldad, es una melodía rescatada del tema I chase the devil -de Max Romeo, al que imprimimos nuestro particular punto de vista, y una letra propia en castellano. Es el único tema completo que hemos rescatado de nuestra primera maqueta para llevarlo al directo. En cualquier caso, como estamos muy orgullosos de aquel primer trabajo, rescatamos pinceladas para el directo, a modo de guiños, para la gente que nos sigue desde el principio. Fue un trabajo casero, pero hecho con mucho amor, que trató de dar forma a esas canciones de Diego Fernández que necesitaban salir a la luz. A partir de la buena aceptación de vuestro trabajo homónimo sacasteis un disco de remixes. En dicho Lp nos presentasteis el single “Sin Más”, un single más maduro y con su sonido muy bien trabajado. Además, los remixes también los elaborasteis vosotros mismos. Un yo me lo guiso, yo me lo como. ¿Os mostráis abiertos a la cultura rave o electrónica? Por supuesto que nos encanta orientar nuestra música al baile. Sin duda, las remezclas son un medio para ello, de ahí la necesidad de sacar ese trabajo. De hecho, tendremos en breve una nueva remezcla que será una bomba, en colaboración con unos productores y Dj´s extremeños muy conocidos por el público. Os aseguramos que LaCarne Magazine

tenemos más ganas que nadie de desvelar de quién se trata, y estamos seguros de que os va a “flipar”. Con vuestro segundo disco, Elixir, está funcionando bien en redes y su sonido es más reflexivo y adulto. Qué diferencias con respecto a los anteriores trabajos? Y habladnos un poco de él. Como bien decís, es un trabajo más maduro, que refleja la buena conexión de los miembros de la banda, y el crecimiento de Diego en sus letras y melodías. Si bien es cierto que Elixir ha contado con mejores medios que el resto de anteriores trabajos, hemos conseguido un gran sonido. Fue grabado entre Radioantro (Camas – Sevilla) por Diego Fernández y Legalize Sound (Coronil – Sevilla) por el gran Mario García (capo de Cool Up Records, sello Sevillano de Reggae y Dub). El mismo también lo mezcló y masterizó entre su estudio Legalize Sound en Sevilla, y los estudios Camden Records en Londres. Todo esto dota a este EP de 6 canciones de una calidad importante. Incluso la portada y contraportada del EP se salen, aunque está feo que lo digamos. Lo que hizo Bony Estuche (Diseñador, promotor y Dj Cordobes) con el arte final del disco es una maravilla. Con respecto a la actualidad, ¿está siendo el sector de la música el gran perjudicado de la pandemia? ¿La cultura es segura? ¿Tenéis muchos conciertos confirmados? El confinamiento nos pilló en plena grabación de Elixir, y ya sentimos que todo, lógicamente, se retrasaba, pero nadie podía imaginar las muertes y el destrozo social, económico y cultural que supondría esta puñetera pandemia. Entendemos que el sector de la cultura es absolutamente seguro, son de los que más han implementado la seguridad sanitaria, y han sabido adaptarse rápidamente a la triste realidad sobrevenida para mantener unos mínimos. Pero no dejamos de acordarnos de tanta y tanta gente que lo está pasando tan mal. El que menos tiene es el que peor lo está pasan-

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do. A estos les cantamos mucho. Las redes y tecnologías han permitido nuevos caminos de comunicación cultural, pero este mundo nuestro necesita del calor del concierto, del calor humano. Ya queda menos. Para cuando esta entrevista salga, ya habremos realizado nuestro primer concierto con posibilidad de baile,y aforo implementado, en la mítica sala EVEN de Sevilla. En cuanto a nuestra agenda de conciertos, tenemos 5 fechas confirmadas antes de fin de año, por lo tanto, con disponibilidad en la agenda todavía (interesados, “no cortarse en llamarnos”). Aunque los próximos 3 meses Humus Jam vamos a centrarnos en la graba-

un mensaje de esperanza. Creemos que es el mensaje que más se necesita, y probablemente el que más necesitamos nosotros, tanto transmitir como escuchar. Nuestros próximos 3 singles tratan sobre perseguir tus sueños, los beneficios del reggae en tu vida, y una irónica crítica policial. Es decir, al COVID ni agua (como a la ultraderecha). ¿Sois muy dados a realizar colaboraciones con otros artistas? Rosa Ródenas, que colabora con su voz con vosotros también es vuestra manager. ¿Os gustaría colaborar con alguien en especial? ¿Tenéis alguna colaboración sorpresa para el próximo disco? Sí, sí, nos encanta aprender y tener cerca gente que nos gusta y admiramos, y no solo del mundo de reggae y el rap, ni siquiera solo del mundo de la música. En cuanto a Rosa Ródenas, hizo un trabajo genial en los coros de 3 temas de Elixir. Tiene una voz genial y sabe trabajar con frescura. En el nuevo trabajo están previstas un par de colaboraciones, y estamos trabajando en ellas. Son de artistazos nacionales que admiramos, pero aún no vamos a revelar nada de éstas. Antes, como os comentábamos, tienen que salir singles que son la bomba y sorpresas remezcladas. Hay muchos planes y realidades para haceros bailar, y disfrutar todos.

ción de un nuevo trabajo, que está compuesto por otros 6 temas. Sacaremos single a single entre la navidad de 2021 y el verano de 2022. ¿Está afectando la pandemia a vuestras canciones? ¿El nuevo disco tendrá mucho de la realidad Covid19? No mucho, la verdad. Afecta al ritmo de nuestros ensayos y al ánimo general, como a todo el mundo. Nosotros precisamente lo combatimos componiendo y con la alegría contagiosa de la banda (entre otras cosas). Tratamos diferentes temas en nuestras canciones. Si bien la ironía, el sarcasmo y el compromiso social es lo que más nos gusta, nuestras letras tratan de ser alegres y mantener siempre

En cuanto a colaboraciones que nos gustarían, lógicamente tenemos sueños como Alboroise, Laguna Pai, The Dubbeez o Lentourloop entre mil más, pero también tenemos la suerte de vivir en una Sevilla con un movimiento musical brutal en múltiples géneros. Estamos rodeados de amigos, conocidos, y vecinos de la talla de SFDK, Tote King, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Califato 3x4, O’Funkillo, Antónimo, Chukky, La Selva Sur, Raimundo Amador, La Destilería, Rosario la Tremendita, Cool Up Records, Andalusian Corner Crew, etc, etc. Es decir, las posibilidades de colaboración solo en nuestro barrio son incontables, pero también tenemos ganas de contar nuestras cosas, y tenemos muchas. LaCarne Magazine

De todos los conciertos y festivales donde habéis estado, ¿de cuáles tenéis un recuerdo o experiencia especial? De algunos no tenemos todos los recuerdos que quisiéramos, pero hasta en esos festivales sabemos seguro que disfrutamos mucho. Como banda guardamos un recuerdo muy especial del concierto que Humus Jam dimos en el “Encuentro de las Alternativas” en el parque del Alamillo de Sevilla. Fue sencillamente genial y adrenalínico, se convirtió en una locura divertidísima, con el público entregado al 200 por 100. Vamos a aprovechar estas líneas, a sabiendas de que el epicentro de esta revista es extremeño, para mandar un recuerdo y un abrazo a todos los promotores musicales valientes de vuestra/nuestra bella Extremadura, animándoles a que cuanto antes vuelvan los pequeños eventos, los grandes y los festivales (somos adictos a los festivales). Por amistad personal, de parte de la banda, con Agustín y lo especialmente dura que le han puesto “la cosa” al festival Contempopránea. Un abrazo especial. Vamos a por la pregunta friki. ¿Vuestro nombre tiene alguna relación con los garbanzos? jajajajaaj. Nos lo han preguntado en alguna ocasión, pero no. El alimento hummus nos gusta mucho, pero con picos o regañás, no con zanahoria y puerro. Nosotros somos HUMUS JAM, más de suelo orgánico y mermelada. ¡Gracias, amigos, nos vemos en los festivales! Gracias a vosotros siempre. Un placer. ¡Nos vemos en los festivales, en las salas, en los bares y en los parques! Mucho amor para todas y todos.

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Marcelo Navía aka Pepe y la genialidad musical

gran referente dentro de la Escena Contemporánea boliviana.

os contactamos con un amigo y hermano querido desde tiempos universitarios, cuando cursábamos un Taller de Teatro en la Universidad Católica Boliviana allá por el año 98 (si la memoria no falla). Ahí nació el amable y amigable trato entre nosotros. Desde ese momento sabía que él tenía proyectos musicales y actitudes para la Ingeniería de Sonido. Marcelo Navía, quien se especializó en masterización y creó el Studio Lado b, por otro lado mantiene su lado artístico y compositor como Pepelo, un proyecto musical que acabó de estrenar material, y se mantiene como un

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Muchas gracias por la colaboración y confianza en exclusiva para LaCarne Magazine, un fuerte abrazo desde las alturas paceñas.

Marcelo Navía aka Pepelo, y la genialidad musical en el sonido junto a su Lado b Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos, personal y musicalmente ¿cómo te encuentras actualmente? Me encuentro bien. No fue fácil, todavía no lo es del todo, pero me siento tranquilo, aclimatado en esta nueva época, por sobre todo con salud y con ganas de seguir en este mundo de

emociones, sentimientos y pensamientos sin necesidad de conformar a nadie. En general es un proyecto instrumental (ya que el canto no es algo que se me dé muy bien). El nombre es mi apodo familiar de la infancia, la forma de decir mi nombre cuando aprendí a hablar. ¿Qué estilos musicales han influenciado en su sonido? Principalmente el Rock, el Rock de distintas épocas y de distintos subgéneros. El Folk norteamericano, el Metal, el Indie y el Pop también están en mi radar, y de los cuales obtengo bastante influencia. ¿Cuáles fueron tus referentes musicales? ¿Qué bandas o artistas te han marcado? Desde The Beatles y Pink Floyd, pasando por Anathema, U2, Cerati, Draco Rosa, Peter Gabriel, y obviamente bandas más actuales como The Pineapple Thief, Riverside, Sigur Rós Mogwai y Ben Harper.

elo la música y el audio. Una breve reseña de tu historia musical hasta el proyecto actual. ¿Cuándo y dónde nace Pepelo? ¿Por qué del nombre, Pepelo? Mi inicio musical surge el año 1998, el año que llegué a La Paz. Es una ciudad muy receptiva y rápidamente conocí amigos con afinidades musicales similares, y en poco tiempo comenzamos a ensayar. El grupo se bautizó con el nombre de Yapa. Luego compartí con otros amigos y bandas paceñas: Fauna Set y Trilce marcaron mi camino hasta el año 2003. Luego fui a estudiar Ingeniería en Sonido a Santiago de Chile, y en ese trajín nace el proyecto Pepelo. Pepelo es un proyecto muy personal que nace el año 2007. Surge como una necesidad catártica, una forma de explorar y dejar fluir mis

El Rock boliviano me ha cautivado desde un principio, Octavia y Llegas encabezan la lista, pero luego hay un montón que fueron y son un referente para mí: Rantés, Ragga – Ki, La Chiva, La Logia, Quirquiña, Oz, Le Vow, Mammut, Ra Beat, Go Go Blues, Wapb’s, Krauss, Atajo, Ícaro, Reverso, Taki Ongoy, Efecto Mandarina y tantas otras. ¿Cuál es su discografía completa a la fecha? Tengo dos discos: Despedida del Absurdo, Pt. I (2007) y Despedida del Absurdo, Pt. II. (2020). Un EP titulado Cottage (2021), y este año lanzo el tercer disco: Homenaje, Pt. I, un disco muy especial que está estructurado en base a samples (fragmentos) de varias canciones del Rock boliviano. Algunos sencillos ya están disponibles en plataformas digitales, y confío que el disco salga en septiembre u octubre. También tengo un puñado de canciones que surgieron el año 2005 que incluí en las plataformas digitales, aunque no se compusieron con el nombre de Pepelo. El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada LaCarne Magazine

de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad cultural en Bolivia? Distinta, intrigante, sorprendente. Obviamente la pandemia ha cortado varios lazos comerciales, perjudicando de manera notable la actividad cultural, pero en contraparte, ha gatillado un oleaje gigantesco de obras y expresiones (principalmente lo noto en la música, que es el ámbito donde me desenvuelvo). Nunca escuché tanta música hecha en Bolivia, descubrí un montón de artistas, y muchos haciendo cosas increíbles. La participación de muchas mujeres es otro detalle que desbordó, y me parece fantástico, produciendo, componiendo, interpretando… Ellas irrumpieron con fuerza, y espero que eso se mantenga.

dotas? Es un canal bastante técnico, dedicado a la Ingeniería de Audio principalmente. Es un espacio al que le tengo mucho cariño. Empezó como una forma de compartir mi conocimiento sin compromiso, y fue creciendo de una forma que no pensaba que iba a suceder. Actualmente ronda los 7000 suscriptores, 75 videos, casi medio millón de vistas, y recientemente se hizo efectiva la primera monetización del canal. Imagino que seguiré subiendo videos. No lo hago muy frecuente por un tema de tiempo, pero le pongo gran empeño.

Actualmente con Lado b, Studio Profesional que diriges, un espacio lleno de actividad y recorrido. ¿Cómo se encuentra la actividad dentro de la Ingeniería de Mastering? ¿Qué nos puedes comentar de la especialidad que realizas como profesión? ¿Y Borealis Audio? Mi principal trabajo es el audio mastering. La situación actual mermó un poco el Estudio, pero hasta ahora sigue siendo mi principal actividad y sustento. Es un gusto que Lado b sea el primer y único estudio especializado en mastering en Bolivia. Además, me dio la oportunidad de trabajar con varios artistas a nivel nacional e internacional.

Marcelo Navía como Lado b ha participado en la realización de una buena parte de la escena musical. ¿Qué artistas y grupos han pasado por sus manos y oídos? ¿Algunas anécdotas que pueda compartir? Tuve la oportunidad de trabajar con más de 200 artistas y masterizar más de 1000 canciones hasta la fecha. Para mencionar algunos: Octavia, Llegas, Luzmila Carpio, Kala Marka, Veneno, PK2, Llajtaymanta, Ruphay, Efecto Mandarina, Ra Beat, Irreversible, Sin Ley, Miguel Orías, Quirquiña, Carlos Fischer, Rantés, Go Go Blues, Animal de Ciudad, Raúl Ybarnegaray, Matamba, Son Fusión, Vadik Barrón, Atajo, Ciudad Líquida, Canela Palacios, Reverso, Antezana, La Luz Mandarina, El Papirri, La Burkina, etc.

Borealis Audio surge dentro de Lado b. Cuando uno se va especializando, nota que necesita ciertas herramientas para potenciar el trabajo. Muchas de estas herramientas no son de fácil adquisición, ahí surge Borealis. Combiné mis inquietudes, mis gustos y mi formación en Ingeniería para desarrollar mi propia marca de equipos de audio.

También me parece importante destacar algunos trabajos para diversos artistas latinoamericanos, donde destacan Aurelio Tamayo, Polanco, Singer Jah, Edwin Hossomel, Radio Palenque, Pureza Natural, Arian Abadi, Joaquín Madriz, El David, Carlos Vallarino, Neema, Idania Dowman, Diablo Rojo, Héctor Morales, entre otros.

Eso sí, vivimos en un mercado pequeño, y es complicado que la marca sea rentable, pero es un honor que varios colegas (algunos en el extranjero) valoren y adquieran mis productos.

El 6 de agosto se estrenó una nueva canción (Carrusel), cover de Efecto Mandarina, producido para Sonidos de Acá (Homenaje Al Rock Boliviano), junto a una gran parte de la Escena Rockera contemporánea de más constancia, profesionalismo y entrega, además de producción actual. ¿Cómo te fue con esta hermosa experiencia? Fue una linda experiencia. Justo la convocato-

Tu canal YouTube está dedicado a la Ing. de Sonido y esa ciencia que practicas. ¿Qué nos pueden comentar de su videografía? ¿Cuántos videos se han realizado? ¿Algunas anéc-

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ria salió en pleno proceso del disco Homenaje, Pt. I. Como estaba concentrado en el disco, al hacer el cover tenía la idea bastante clara, y siguió la misma línea. Es más, la canción entrará como bonus track de mi nuevo disco. Espero que estas actividades sean recurrentes porque ayudan mucho a potenciar la movida musical. Tu nuevo álbum me pareció impactante, donde usas samples de 58 canciones con sus derechos respectivos de los 31 artistas o autores. Homenaje Pt. I es una obra que merece tu breve descripción, ¿cómo surge el álbum? ¿Cómo lo produjiste? ¿Qué artistas y temas has incluido en tus samples? Desde hace mucho tiempo tenía ganas de hacer covers del Rock boliviano; sin embargo, mi limitación vocal fue también una limitante a la hora de plasmar esa idea. A lo largo de

los años fui sacando las canciones que más me gustaban en guitarra, y analizando cómo se podría homenajear a mis artistas favoritos. En 2020, por la pandemia, Sonidos de Acá impulsó varias actividades que me dieron algunas pautas, y a principios de 2021, masterizando el nuevo disco de Ra Beat, noté que usó algunos samples muy interesantes. Todo lo anterior me dio la idea de usar samples de canciones que me gustan, y brindar un homenaje al rock boliviano. Salió un disco muy particular, único en nuestro medio, y del cual estoy muy satisfecho. Lo disfruté un montón al crearlo, y su ejecución fluyó de maravilla. Al conocer la gran mayoría de las canciones desde muchos años antes, la fragmentación y combinación de las mismas se dio de una forma muy natural.

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Los artistas que incorporé: Antezana, Atajo, Canela Palacios, Coda 3/Octavia, Efecto Mandarina, Enfant, Entrada de Emergencia, Grillo Villegas/Llegas, Icaro, La Burkina, La Chiva, La Luz Mandarina, Mammut, Negro & Blanco, Oz, Quirquiña, Ra Beat, Rantés, Reverso, SMJ, Surmenage, Taki Ongoy, Tres Minutos, Fauna Set, Effigy of Gods, e incluso canciones mías antiguas. ¿Qué canciones que se han convertido en referentes para la gente que te apoya en toda Bolivia y el Mundo? ¿Qué temas te identifican con tu público? Me es difícil responder. Cada persona vive la música de forma distinta. Creo que las canciones mías que tuvieron una buena acogida

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son: Eduardo, Lucía, Virgen, La Flor Invisible y Viaje, Pt. II. También destacar Azul, que en realidad es una composición de Hugo González y Mateo Caballero. Durante tu recorrido musical como Lado b, ¿alguna producción que te sea especial? Hay varios discos que se volvieron significativos para mí. El trabajo que realicé para Luzmila Carpio en un disco recopilatorio fue un lindo reto: rescatar audios de cassettes, de vinilos, de discos compactos, restaurar audios, compaginar. Fue un trabajo que puso a prueba todas las habilidades de la masterización. Trabajar con artistas como Octavia y Llegas

fue un gusto aparte. Verlos de joven como fan y luego tener la chance de sentarme con ellos a conversar fue una tremenda alegría. Masterizar un disco de El David (Guatemala) es otro lindo caso. Actualmente, una canción que forma parte del disco Sin Final Feliz ronda los 10 millones de reproducciones. Saber que eres parte de eso es mágico. Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero. ¿Cuáles son tus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionarse en el arte? Paciencia y perseverancia, que disfruten el camino. No es un camino fácil, pero es un camino maravilloso de transitar. No hay que ir muy atrás para darse cuenta de lo magnífico que es el arte, fue un pilar fundamental para afrontar el año 2020. ¿Cómo te acomodaste desde la música a la época de cuarentenas que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias puedes comentarnos? Fue una inspiración en varios aspectos. Brindó ciertas condiciones para la creación que tal vez de otra forma no hubiese ocurrido. Desde el inicio de la pandemia, estaré publicando 2 discos completos y un EP. Pero más allá de eso, la música en general siempre está presente en mi vida, un elemento fundamental que me acompaña en casi todas mis actividades. ¿Cuál es la frase, lema, dicho o verso que te anima a seguir en la batalla de la música o en el juego de la vida? Sinceramente no tengo una frase puntual, simplemente trato de caminar por la vida, disfrutando lo que tengo, peleando por lo que quiero, extrañando lo que perdí, tratando de ser una buena persona. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro del planeta, ¿qué proyectos se vienen

para Pepelo? ¿Y para el Lado b? Pepelo, como ya comenté un poco, es un proyecto catártico muy personal. Surge cuando necesita surgir, no sabría decir cuándo saldrá algo nuevo de Pepelo. Sin embargo, el disco de samples dejó varios proyectos a medio armar con otros artistas. Tengo la impresión de que en algún momento saldrá una segunda versión del Homenaje, Pt. I. Con Lado b estoy viendo de expandir mis horizontes, ofrecer el servicio de mastering por otras plataformas como SoundBetter. Espero cada vez se consolide más el proyecto, a tal punto que pueda tener personal aprendiendo en el Estudio y transmitir todo el conocimiento que pueda. Palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue tu música, y para los nuevos admiradores de Marcelo Navía aka Pepelo. Por un lado, agradecer a LaCarne Magazine y a ti, Alfonseka, por la nota. Recuerdo cuando estaba por entrar al Socavón sólo para ver Octavia el año 1998. Nos encontramos y me llevaste a ver un concierto de The Way en el Equi antiguo, fue un gran momento que me hizo conocer nuevas propuestas musicales. Y a los lectores en general, simplemente mandar un cordial saludo y un mensaje positivo para que se cuiden, cuiden a los suyos en estos tiempos raros y complicados. Si mi arte y mi trabajo les han beneficiado de alguna forma, estoy más que satisfecho con eso. The Way fue mi banda entre 1995 – 2000, donde tocaba el bajo y cantaba con un rapeo duro, acompañado de fuertes acordes de Metal y ritmos de Rock. En aquella velada mencionada en el Pub Equinoccio (de la calle Belisario Salinas) hicimos de las nuestras, saltando y loqueando hasta más no dar. Gracias por las memorias eternas que se sellan en el Ajayu (Espíritu), y muchas veces se quedan grabadas para siempre en el corazón. Abrazos blindados.

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La Escuela de Frankf música sin género

da más información sobre La Escuela de Frankfurt.

a Escuela de Frankfurt es una agrupación donde se abarca diversos estilos musicales, una agrupación que no se encasilla por ningún género en específico, y donde cada integrante no se adjudica ningún instrumento, ya que todos tocan diferentes instrumentos en la banda. Marcos Paye es el cantante y fundador de esta agrupación argentina, y es quien brin-

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La Escuela de Frankfurt, música sin género

La biografía que poseo de la agrupación dice que La Escuela De Frankfurt se formó en Buenos Aires en el año 2019. ¿En qué contexto decidieron iniciar el grupo? Sí, es cierto. La Escuela De Frankfurt se formó en 2019, pero el proyecto venia ya desde un poco más atrás, un año por lo menos. La intención que tiene este proyecto es el de generar música sin género, sin etiquetas. Hartos

permitió darnos a conocer en el medio. Ya estamos grabando nuestro segundo EP, y estamos listos para salir a defenderlo. En cuanto a su música, ustedes desde un principio decidieron generar música sin género, pero sería bueno hablar sobre sus influencias y las tendencias musicales que recorren en sus composiciones. Creo que generar música sin género significa hacer lo que te gusta, y que se sienta identificado el que quiera. Nos intriga que nuestra música sea escuchada por diferentes públicos, eso está muy bueno. Nos pasó mucho que nos digan ¿qué estilo hacen?, no se entiende… ¿es rock, es indie, de qué van? Y nos pasa que es eso, hacer música y nada más, sobre todo por esto que me preguntas. En La Escuela De Frankfurt hay muchas influencias, y eso también contribuye a que el genero no esté definido. De repente nos gusta Blur, The Cure, Queen, Mac Demarco, The Beatles, REM, Radiohead, The Hives, es infinito el paladar de la banda, por eso optamos por fluir y que salga lo que tenga que salir.

furt de escuchar qué estilo hacen, y de que te encasillen por eso, decidimos rotar en los instrumentos y realizar música sin pensarlo. Si sale un rocanrol, una balada, un reggae o lo que sea que salga, estará bien. Porque lo importante es hacer música y transmitir los sentimientos, nada de andar buscando la onda para encajar. Eso no va con nosotros. La pandemia nos obligó a ser creativos y a aprovechar el tiempo, decidimos mover las fichas y empezar a grabar nuestras canciones, sacar nuestro primer EP, Música Desde La Paria, que fue el puntapié inicial, y que nos

Algo curioso es que cada integrante no se define por un instrumento, ¿es así? ¿Por qué esa variedad e intercambio de tareas en la agrupación? ¿Quiénes integran la agrupación? Si, es así, en la banda todos rotamos y tocamos diferentes instrumentos. Hacemos lo que es mejor para la banda. En nuestro primer EP, por ejemplo, ni Fer Maure ni yo cantamos, nos dedicamos más a la composición y a tratar de que se ejecute lo más parecido posible a lo imaginado. Nosotros nos dedicamos a grabar guitarras, bajos y coros, de alguna manera dejamos que así empiece a tomar forma todo. Los integrantes fijos somos Fernando Maure, Sebastián Adrián y Marcos Paye, después tenemos un grupo de músicos que nos acompañan en los shows y en las grabaciones de nuestros EP, que son Joel Salto, Javier Fernández, Edu Arroyo, René Lezcano, Ian Messina, Leo Bargas. Los nombro porque ellos son parte fundamental de La Escuela De Frankfurt, porque están LaCarne Magazine

siempre que se los necesita, es una hermosa comunión que tenemos con los músicos.

en un tema más rockero, una canción que nos gusta mucho por su comportamiento.

En el 2020 La Escuela De Frankfurt sacan su primer EP titulado Música Desde La Paria. Quisiera me comentaras de este primer trabajo de La Escuela De Frankfurt . Sé que hay invitados, coméntame. Música Desde La Paria, es un a ver qué onda nuestras canciones. Empieza con Canción Paria, una canción corta introductoria a algo raro que lo sucederá. Sigue con Canción de Todos los Días, un tema que, si bien es un formato canción, luego de la mitad se transforma

Luego sigue Canción Surrealista, acá nos ponemos a mostrar que se puede hacer una canción sin letra y a la vez te puede entretener, creo que musicalmente tiene todo, y todos se lucen, súper recomendada. El EP finaliza con Canción Para Ariel, que es nada más y nada menos que un homenaje a un querido amigo que ya no está acá, pero que vive en nuestros corazones.

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En nuestro primer EP grabaron 9 músicos, y,

respondiendo a tu pregunta, sí, la mayoría invitados. ¿Cómo se da habitualmente el proceso de composición de su música en La Escuela De Frankfurt? ¿Es un proceso grupal, o alguien viene a los ensayos con los temas ya armados? El primer EP sí, fue mas individual, y la composición fue completamente mía. En este segundo trabajo ya estamos siendo producidos por Mariano Di Cesare, quien es un musico y productor muy prestigioso en nuestro país, quien también está al frente de los proyectos Mi Amigo Invencible y El Príncipe Idiota, que es su alter ego. También decidimos que figuren nuevos músicos y voces nuevas, como las del segundo trabajo que sale a fin de año. Estamos creciendo en todo sentido a partir de esta producción increíble de Mariano. Musicalmente, es un mundo que te produzcan tus canciones. Recomiendo mucho, mucho, este nuevo disco, aunque ya pueden encontrar el adelanto, que es Escapando, en todas las plataformas digitales. Se dice que La Escuela de Frankfurt no es solo música, que se involucran con otros conceptos de la cultura, del cine… ¿Qué hay de cierto en esto? Sí, claro está, el arte es eso, es comunión, es compartir, y nosotros generamos un lindo vínculo con las otras ramas del arte. Con nosotros colaboran cineastas como Nicolas Yofre o Ian McQueen, su alter ego, multi premiado cineasta argentino, quien dirigió nuestro video clip Escapando. Tratamos de que todo se desasne en el camino, y lo que nos encontramos lo vamos sumando. Trabajamos también con la fotógrafa Yesica Benjamín, quien nos guía en el trabajo de la ilustración y los conceptos artísticos. Nuestro arte de tapa lo realizó el artista plástico y muralista argentino Javier “Toto” López Galván. Tenemos una gran conexión con el mundo artístico.

“En un show de La Escuela De Frankfurt nunca vas a ver una formación estable, la idea es siempre representar lo que hemos grabado en nuestros discos.” ¿Cómo es un show de La Escuela de Frankfurt? ¿Dónde se han presentado y qué tal ha sido la reacción del público, de los medios? En un show de La Escuela De Frankfurt nunca vas a ver una formación estable, la idea es siempre representar lo que hemos grabado en nuestros discos. Si grabaron 9, 12 o 15, la idea es representar eso, y si de fondo se pueden ver los cortos de nuestros amigos cineastas, mejor. La idea es que sea un recital distinto, que gane siempre el arte es nuestra función. Siempre acompañados de un publico desprejuiciado que solo va a divertirse. Este 9 de octubre vamos a estar presentando algunos temas del nuevo EP, que saldrá a fin de año. Estamos armando un show hermoso para la gente de Buenos Aires. Nos vamos a presentar en Despertándonos Bar Cultural, un espacio que está dedicado al arte. Con el publico nos va muy bien. Creo que encuentran algo distinto en nosotros. Bueno, al menos eso nos dicen. Y con la prensa también muy bien, hemos tenido la oportunidad de que nos entrevisten desde Venezuela, Perú, México, Chile, Uruguay y España. Obviamente que también desde nuestro país, donde son muy cálidos con nosotros. A inicios del 2021 La Escuela De Frankfurt lanzaron un single titulado Escapando como adelanto de un próximo álbum. ¿Cómo vendrá este nuevo álbum en cuanto a concepto musical y compositivo? Bueno, Escapando es un viaje en todo sentido. La producción de Mariano Di Cesare fue increíble, y eso nos abrió muchas puertas en el ambiente. También es algo completamente distinto al primer EP, y eso hace que seamos fieles a lo que predicamos, no tener un estilo. LaCarne Magazine

De hecho, cuando escuchen nuestro nuevo EP, no se va a parecer nada al primero, es otro concepto distinto el que trabajamos esta vez. Distinto desde la composición hasta la producción, y los invitados son increíbles, pero hasta ahí puedo contar, ya desvelamos la producción y participación de Mariano Di Cesare, así que dejémoslo ahí, que sea sorpresa. Este álbum de La Escuela De Frankfurt cuenta con un importante productor, que también se encargará de tocar algunos instrumentos. Háblanos sobre esto y sobre los demás invitados que encontraremos en el álbum. Bueno, sí, no hace falta que yo lo diga. Mariano es una máquina de hacer canciones, un productor increíble y generoso, porque también graba los instrumentos. Yo creo que todos tienen que tener la oportunidad de grabar con él, es súper profesional y tiene una manera de trabajar que es increíble. Sin dudas es un antes y un después para nosotros, y respecto de los invitados del nuevo EP, no puedo decir más, pero imagínate si Mariano lo produjo, lo que viene es excelente. Con todo esto de la pandemia, debe ser difícil para La Escuela De Frankfurt realizar presentaciones. ¿Han estado en algunos shows online? ¿Qué han hecho para mantenerse activos hasta que las condiciones ya permitan realizar presentaciones a gran escala? No, shows online no. Nos han propuesto en dos oportunidades, pero estábamos enfocados en generar canciones y enriquecer el repertorio. Digamos que aprovechamos la pandemia para crear y grabar. En esta nueva etapa que de apoco estamos saliendo de esta pesadilla, tenemos varios shows de cara a lo que queda del año. Es hora de mostrar nuestras canciones en los escenarios. A nivel latinoamericano, ¿qué respuestas tuvieron del exterior? ¿Tienen propuestas para hacer giras? A nivel latinoamericano, genial, tiene buena repercusión la banda. Nos han entrevistado

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radios de México, Perú, Uruguay, Chile, Venezuela y España. También algunos vivos de Instagram y ese tipo de herramientas de difusión nuevas y alternativas. No podemos quejarnos. Por el tiempo que tiene la banda, estamos en un claro ascenso. Respecto de los festivales, estamos invitados a tocar en el Fenixx Fest, y tenemos muy buena relación con bandas de estos países que te mencioné, con las cuales estamos preparando cosas, siempre supeditado a como siga este flagelo del coronavirus. ¿Cuáles son los planes de La Escuela de Frankfurt para el 2022? Los planes para el 2022 son grabar nuestro tercer EP y girar mucho. Tocar por lo pronto en nuestro país, ya que acá ahora se esta abriendo todo para los espectáculos, y si en los países hermanos se libera, por qué no meter algún show también. Desde ya, gracias por la entrevista, y les dejamos este espacio para que les dejen un mensaje a los seguidores, y futuros seguidores de La Escuela De Frankfurt. Bueno, muchas gracias por la entrevista. Han sido muy cálidos con nosotros, y decirle a quienes estén leyendo la nota y no nos conozcan, que pasen por nuestras redes sociales, que nos sigan en Spotify o YouTube, que es donde encontrarán lo más importante que tenemos, que es la música que hacemos para todos ustedes. Recuerden que acá toca y graba el que quiere, música sin género…

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Marco Basualdo

El Último Cocalero, Rock Cholo de La Paz

os contactamos con Marco Basualdo, voz de la banda paceña El último cocalero, que me encanta por su actitud rebelde. Su álbum debut del 2002 metafóricamente me voló los sesos con certeros temas como Leaving Las Velas, El Comandante Mamani, Me Verás Cayerme en la Buenos Aires, o Guerreros del Agua. El álbum completamente es una bomba de tiempo, que atemporalmente nos lleva a sentirnos identificados con sus temática y líricas sarcásticas, en un Estado Profundo que quiso agringarnos. Justo en esos años (2003) cayó el presidente apodado Goni, que se escapó a USA, un “Little Trump”, podríamos decir.

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Sus políticas neoliberales dejaron secuelas, pues al día de hoy al boliviano le cuesta mucho digerir e identificarse sin recelos con la palabra “Chola” o “Cholo”. No somos tan libres: preferimos decir lo de “cholita”, pues sin diminutivo puede ser mal interpretado en el diario popular, peor en voz alta. Es lo que conocemos como “la doble moral”, porque el “Cholaje Paceño” y Aimara, en especial, son los nuevos controladores o “Todo Poderosos” en estos suelos del Kollado, ex imperio de los Incas. Para colmo, tampoco tenemos empatía al incario. Al fin puedo retribuir favores, pues Marco Basualdo me hizo las mejores entrevistas en su oficio periodístico que desempeña con total firmeza. Un crack dentro de la Movida Socio – Cultural y Política. Junto a su compañero al bajo, Arturo Choque, son miembros fundado-

el inconfundible Pappo.

Marco Basualdo – El Último Cocalero, Rock Cholo de La Paz

Luego de tantos meses de encierros, cuarentenas, y la pandemia debido al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente? La cuarentena, que se vino después de los sucesos del 2019 en cuestiones políticas, nos ha servido para inspirarnos en nuevas canciones que fuimos puliendo pese a las restricciones. Las peleas entre bolivianos, la cuarentena, el encierro, el temor, fueron motivos de reflexión seguramente para todos, y nosotros, que componemos en base a lo que vivimos en nuestro tiempo, no podíamos estar exentos a lo sucedido, e hicimos algunas canciones sobre todo lo vivido en estos últimos años.

res de la original agrupación que ha vuelto a escenarios, y al parecer prepara el gran esperado nuevo álbum, que dos décadas vamos aguantado en silencio armonioso los seguidores de El Último Cocalero. Otrora, Marco Basualdo es el único periodista y activista cultural que se propuso realizar, y editar un libro sobre la Historia del Rock en Bolivia, que ha sido publicado en 2004, y aumentado, mejorado, y re-publicado en 2015. La historia se escribe con sangre desde el epicentro de los hechos, y mejor aún si uno sabe lo que hace o dice. Un fuerte e indómito abrazo a la distancia que, aun viviendo entre las mismas montañas, nos aparta y hermana como las aguas de los ríos que cruzan la hoyada paceña. En exclusiva para la poderosa LaCarne Magazine, la voz de un rockero “sucio y desprolijo”, como decía

Una breve reseña de El Último Cocalero. ¿Cómo nace el grupo? ¿Por qué del nombre El Último Cocalero? ¿Cuál es la formación actual de la banda? Nacimos en 1996 con Arturo Choque. Éramos compañeros en la Carrera de Comunicación Social de la Universidad Católica Boliviana, y junto a un baterista llamado Rodrigo Goyochea y el guitarrista Marcelo Lara formamos la banda El Último Cocalero, que se puso este nombre porque por aquellos años el hombre cocalero era como un símbolo de la soberanía y dignidad boliviana, en referencia la injerencia yanqui. Hoy seguimos en el grupo Arturo y yo, junto al guitarrista Ricardo Inofuentes y el baterista Alejandro Alfaro, grandes músicos. ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de El Último Cocalero? Nos gusta el Rock y Blues básicamente, aunque también hemos explotado el Funk, e incluso el Rap. Tratamos de experimentar con todos los géneros posibles, no vemos grato encasillarnos en un solo estilo. ¿Cuáles fueron sus referentes musicales para El Último Cocalero? ¿Qué bandas o artistas los han marcado? LaCarne Magazine

Tenemos diversos gustos. Yo vengo del Rock argentino de los años 80, que se caracterizó por ponerle una identidad al Rock en español. Pienso que hay muchas cosas por decir, y en nuestros códigos, en nuestro país, hay mucho por denunciar, pero no siempre se ha hecho. El resto de la banda tiene gustos similares, Rock sin adornos, letras directas. No podemos comulgar ni con los covers porque no nos sale bien la imitación. Preferimos ser auténticos, tampoco somos muy prolíficos en ello. Ese disco debut de El Ultimo Cocalero & Los Hijos de Rocha es una joya para el Rock boliviano, desde mi humilde opinión. ¿Qué nos pueden comentar de su trabajo discográfico? ¿Algunas anécdotas de la producción? Fue el disco que pudimos grabar gracias al concurso del Marathon Rock organizado por el Pub Equinoccio en el 2002. No lo esperábamos, francamente. En ese entonces tampoco éramos una banda de músicos versátiles, pero sí con mucha honestidad, que creo que fue finalmente lo que evaluaron los jurados para hacernos ganadores. Lo grabamos en cuatro noches con mucho vino para aplacar los nervios. Yo en lo personal jamás había entrado a una sala de grabación. Y entre esas copas nació una canción titulada Una Raya Más Al Tigre, simplemente porque teníamos el tiempo y las condiciones. Pude observar en sus redes sociales que El Último Cocalero están preparando nuevos versos para grabarlos, y lanzar, al parecer, una nueva placa discográfica, ¿Alguna primicia que quieran compartir? Sí. Como te dije, en pandemia compusimos y ya sumamos un buen número de canciones como Siempre Hay Una Solución, Motoquero Pitita, El Perro Arrepentido, además del Blues de la Cara Conocida y La Línea Blanca que quedaron pendientes desde hace algunos años. En octubre entramos a grabar, y calculo que a fin de ese mes tendremos el producto final. El 2019 tuvieron el gusto de compartir un show único junto a muchachos privados de libertad-

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tallerista que cursé en el Recinto Penitenciario de San Pedro, en La Paz. Apoyando la presentación de un material registrado con parte del Tallerap La Libertad Tras Las Rejas. ¿Cómo les fue en dicha experiencia socio-cultural? ¿Algunas anécdotas del hito musical? A nosotros nos encanta tocar en ambientes no convencionales, y aquella experiencia fue por demás enriquecedora. Compartir con la población carcelaria, conocer sus vivencias en el enclaustramiento, aunque sea sólo por unos instantes, es reveladora para las historias que queremos contar. Fuimos testigos de la participación en escenario de estos raperos, y sin dudas que sus

narraciones también dejaron enseñanzas para nosotros, que vivimos en libertad. Aplaudimos este tipo de actividades, y siempre estaremos dispuestos a tocar en este tipo de eventos. Ahora pude observar que El Último Cocalero se presentaron en espacios Culturales tanto en la ciudad de El Alto, como en La Paz, donde aparecen nuevos espacios estatales para la expresión musical. Desde su perspectiva y experiencia en Bolivia, actualmente ¿cómo encuentran el Movimiento Cultural de Música Contemporánea? Es importante que existan espacios, aunque géneros como los que hace mi grupo no sean de receptividad masiva, hay que ser honestos

en ello. Asimismo, existen otras propuestas que lamentablemente no son del todo aceptadas, pero ello no tiene que significar un cierre, todo lo contrario, se trata de habituar al público a cultivarse incluso con aquello que desconoce. Por eso estos espacios son importantes. Pude disfrutar en su integridad del álbum debut. Me encantó por completo, es una reliquia en mi colección de música (sección Bolivia), además que se mandaron Una Raya Más Al Tigre, dedicada al poderoso The Strongest, el único equipo Tri – Campeón en la historia de fútbol profesional del país. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué temas los identifican con

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su público? Gustan mucho Living Las Velas, que narra una pequeña vivencia de la noche paceña, y otro sería El Último Cocalero, que en su momento se traducía como un grito de protesta ante el avasallamiento de las políticas impuestas por el Imperio. ¿Cómo han encarado la situación mundial del COVID19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical? A mí en particular me afectó mucho. No soy un tipo de encierro, y siento que al resto de la banda también. Pero también nos sirvió como fuente de inspiración para componer, además de ponernos las pilas para grabar algunos temas pendientes al ver que la vida no estaba garantizada ni a un corto plazo. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras que sienten la rebeldía como estilo de vida, y vibran la lucha desde el arte, y la magia de la música. Bueno, hacer realidad lo que se propongan en mente. Y hacerlo honestamente, sin disfraces ni poses. Yo he sido testigo de una infinidad de bandas muy buenas, con un talento enorme entre sus integrantes, en fin, pero que no encontraron su identidad, una impronta que los haga únicos en lugar de perseguir un ideal, que es tan sólo una ilusión. Es difícil, las condiciones a veces te desaniman, pero hay que intentarlo. En el supuesto de estar sin red o acceso a internet, ¿qué discos recomiendan para irse de viaje o vacaciones? O tal vez, ¿de revuelta y protesta? O ¿de joda con los cuates? En español, así te quedan las letras. Sugiero algunos de Pappo por su lenguaje callejero, y algunos de Pescado Rabioso o Spinetta solista por su poesía. De Rock boliviano, sin dudas el primer y segundo disco de Wara. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que les

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anima a seguir en la batalla de la vida o en el juego de la vida? No tenemos uno, pero tal vez uno de los títulos de nuestro venidero disco: “Siempre hay una solución”. El futuro en cuanto a la pandemia, las cuarentenas, el COVID-19, y la forma de vivir son tan inciertos como todo en la escuela de la vida. ¿Qué proyectos para la banda en lo que queda del 2021 y llega el 2022? Lanzar y promocionar el disco, y seguir presentándonos en esos escenarios a los cuales las bandas exitosas rehúyen. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de El Último Cocalero. Muchas gracias por la entrevista, hermano. Suerte a todos y los esperamos en futuros conciertos. Iniciando la primavera en Los Andes paceños, ayer 21 de septiembre 2021 se celebró también el denominado Día de la Amistad, y hoy, que cerramos edición en LaCarne Magazine, puedo asegurar sentirme bien cercano, aunque a la distancia, estrechando un abrazo caluroso con un gran amigo – hermano de dos décadas aproximadas. Gracias infinitas por incluir el proyecto Marraketa Blindada en el Libro del Rock Boliviano, una joya para los que sabemos de esto. Además, que el único re editado y editado en Bolivia. Te recuerdo en las aulas de la Universidad. Estabas en semestres arriba, pero ya brillaba esa estrella de Marco El Último Cocalero Basualdo, un colega que siempre supo levantarme el Ajayu (Alma) con sus numerosas entrevistas para sin fin de medios impresos, por donde el hábil comunicador y narrador social desempeña el buen e intenso oficio del foto – periodismo in situ.

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Marcos Tabera

representando con altura la música Folk boliviana desde Nueva York

a música es infinita e incalculable, llena de enigmas y expositores. Nunca es suficiente para poder saciar los oídos del Alma, que por su melomanía y apertura ecléctica siempre llevarán a nuevos niveles el Ajayu (Espíritu), y nos abrazarán las melodías, ritmos, versos, armonías que encandilarán el amanecer dentro del Ser. Para un poeta perdido en la hoyada de La Paz, es un honor y orgullo poder comunicarse a la distancia con amigos, colegas, compatriotas y artistas musicales que hacen patria

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en otra Pacha Mama. Varias similitudes nos hermanan, entre ellas el barrio de Miraflores, donde ambos crecimos en líneas de tiempo distintas, pero sobre las mismas veredas, calles, avenidas y parques. Así lo siento y entiendo a Marcos Tabera, que lleva en la carrera musical cuatro décadas sin claudicar, saliendo de la ciudad del Illimani, de sus contrastes y desencuentros, para anclarse en la Gran Manzana, en la ciudad que nunca duerme, en el coloso de Norte América, la alocada New York city. Muchas gracias por la confianza y colaboración para la exclusiva con LaCarne Magazine.

Marcos Tabera, representando con

¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti? Después de Latinoamérica vino Khonlaya. Fui su primer vocalista, fue mi gran escuela, mi gran influencia, mezclada con mi gusto por el Rock, Blues, Trova y Folklore. Nació mi amor por la música autóctona de Los Andes. Una breve reseña de tu carrera hasta el presente. ¿Cómo surges en el proyecto musical de tu vida? Marcos Tabera Soliz nació el 25 de abril de 1964 en la ciudad de La Paz, Bolivia. Hijo del legendario maestro Prof. Germán Tabera y la Sra. Emma Soliz. Es el cuarto de seis hermanos. Marcos Tabera inició en la música a sus 15 años, junto a cuatro amigos de su barrio, Miraflores. Formó el grupo Latinoamérica interpretando Folklore de la región, siendo las armonías vocales su característica. Alternaban en peñas emblemáticas de la ciudad, como La Peña Naira, Markatambo, Los Escudos, El Internacional, etc.

k-Fusión altura la música Folk-Fusión boliviana desde Nueva York

Luego de casi un año y medio de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, Marcos Tabera, ¿cómo estás actualmente? Hola, querido hermano, gracias por preguntar. Estoy bien y en la lucha permanente. Gracias por la entrevista. Espero que tú igualmente estés bien. ¿Cómo naces a la vida musical? Hace aproximadamente 40 años formé el grupo Latinoamérica junto a Sergio Guillén, Reynaldo Rojas, Cayo Kunkar, Jonhy Pardo y Jorge Young. Era un grupo de Folklore Latinoamericano.

Marcos Tabera, pionero en la música fusión en Bolivia

Recuerdo conocernos aproximadamente en 2015. Con admiración y respeto mutuo pasaron los años, y hasta cambiamos en plenas calles paceñas nuestros discos, material que lo atesoro en mi colección de música boliviana. Quedamos en hacer una colaboración que se mantiene pendiente. ¿Cuál es la discografía de Marcos Tabera (y los años de edición) a la fecha? El año 1983 Marcos Tabera es reclutado como el primer vocalista del grupo Khonlaya. Este Centro Cultural es considerado por Tabera la escuela de su arte. Junto a Jorge Komori, Franz Zúñiga, Luciano Callejas, Carlos Murillo, Javier y Quito Melgarejo son la agrupación estelar de este grupo pionero en la música Fusión en Bolivia. El año 86 Marcos Tabera se lanza como solista, abriendo el primer concierto en el Estadio Hernando Siles de La Paz del grupo Air Suplay. Graba dos discos para Discolandia, y en 1987 se va para Buenos Aires – Argentina, LaCarne Magazine

donde gana un concurso de canto auspiciado por la Radio Bartolomé Mitre. En 1989 graba dos covers de Air Suplay y SuperTramp para Discolandia, y emigra a Nueva York. En la selva de cemento es músico de Estudio, y es vocalista de varios grupos latinoamericanos como Klandestino y Alterandino, grabando dos discos de Rock. El año 2003 graba el álbum Charango Boliviano, y encabeza junto a Eddy Navía la difusión del charango boliviano. Luego, en 2009, Marcos Tabera graba el disco Rock Andino y la canción oficial del Bicentenario de La Paz (Que viva mi La Paz) a instancias de su hermano, el periodista Gabriel Tabera. Marcos Tabera inicia otra etapa en su carrera en 2014 junto a Oscar García (Pro-Audio) grabando tres álbumes: El Inmortal, Sublevados, Sublevados En Vivo, y produciendo dos conciertos con los mismos nombres. Oscar García es el arreglista y director musical de casi todas las obras de Tabera, quien llegó a estrenar Charango Boliviano en Telemundo, Que viva mi La Paz en Univisión, Pajpaku, Blues del Charango en CNN, y fue motivo de un especial de una hora en Canal América de Nueva York hace unas semanas. Todas estas producciones audiovisuales estuvieron a cargo de Tonchy Antezana, cineasta boliviano. Sublevados es otro colectivo creado por Marcos Tabera. Son músicos y artistas con diferentes proyectos que se unen para producir y actuar con la premisa de avanzar creativamente juntos, sin jerarquías, de forma horizontal, y ¡libres en los aportes creativos! Me encantó el videoclip de la canción Pajpaku, en dirección y contenido muy genial. Marcos Tabera, coméntanos de la producción audiovisual que has realizado a la fecha, ¿cuál es tu videografía? ¿Algún video en especial que cuente con anécdota para compartir? Soy muy afortunado, tener un amigo como Tonchy Antezana es una maravilla. Pajpaku, Blues del Charango y Semilla fueron dirigidos

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por Tonchy con mucho aprecio y calidad. ¡Fueron estos videos que me abrieron las puertas de muchos medios nacionales e internacionales! En tu Canal YouTube de Marcos Tabera pude disfrutar un excepcional recital junto a la dirección del Maestro Oscar García (Pro Audio), y magistrales performances como la canción Charazani junto al Centro Cultural Mojjsa Uma. ¿Cómo te fue con la hermosa experiencia de grabar en directo en el Teatro Municipal Alberto Saavedra en la ciudad de La Paz? La producción del concierto y su grabación fue la confirmación de que Oscar García y su equipo están a un gran nivel. No sólo la parte creativa, también muestran a través del concierto una calidad de producción ¡extraordinaria! Puede observar en tus redes sociales que para el 03 de octubre estarás representando en el Hispanísimo. ¿Qué nos puedes comentar de tu experiencia recorrida dentro de la Movida Musical desde Bolivia a USA? ¿Qué rememoras en estos años de escena y propuesta internacional? Este 2021 el Hispanísimo se emitirá por el Canal América de Nueva York a Dominicana, Puerto Rico, España, USA, México, y en vivo a todo el mundo por YouTube. Los directores del canal y el evento me nombraron su director musical, cosa que agradezco y valoro profundamente. Presentaré Semilla y tendré el honor y alegría de presentar también el trabajo de Mojjsa Uma, grupo que admiro y respeto mucho. Nuestros respectivos videos saldrán al aire el 03 de octubre a la 1:00 PM, y se espera una audiencia de, más o menos, ¡16 millones de televidentes! También me sorprendió y alegró el proyecto que laburan junto a Pro Audio y un colectivo de gente desde Turquía, Jamaica, México, USA. ¿Cómo has encarado la situación mundial del COVID19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical? Con el poeta, músico y escritor Oscar García, LaCarne Magazine

director de Pro Audio, estamos produciendo un nuevo disco. Ya grabamos dos canciones, Semilla y Altiplano. Estamos en plena grabación de una Fusión con música árabe, donde participarán músicos árabes que viven acá en Nueva York. Haremos lo mismo con Reggae y músicos jamaiquinos, y, por último, una Fusión con música mexicana. Esto porque mi música suena ya en estos países, y quiero llegar con una propuesta de integración musical con diferentes culturas. Los arreglos de Oscar son espectaculares y abren muchas puertas. ¿Qué canciones originales son tus preferidas para interpretarlas hoy y siempre? ¿Qué temas identifican a Marcos Tabera con su público y se han convertido en sus referentes? Todas las canciones que escribí son especiales, pero mis favoritas son El Inmortal, Sublevados, Pajpaku, Blues del Charango, Semilla y Altiplano. ¿Cómo te fue con la nueva experiencia de hacer música en “vivo”? ¿Has participado de alguna nueva forma de hacer música en directo? ¿Ya están volviendo a escenarios los músicos? No me gusta la “virtualización” de la música, estoy afuera de la Industria. Creo que la música como expresión artística no debe depender del mercado y sus necesidades. Ahora las Redes Sociales y las plataformas digitales son como las Radios FM’s o Canales de Música por TV-Cable en los 90’s. ¿Cuál es la experiencia de Marcos Tabera dentro de la Nueva Era en el uso que le estás dando a las plataformas digitales para la difusión de tu mensaje musical? Las plataformas son necesarias, pero debe existir la base real, el público real. Aunque sea pequeño, es el importante. El tema Semilla, estrenado aproximadamente en mayo, tuvo una linda e importante acogida por parte del público ávido de sonidos y propuestas originales. Hermosas melodías y versos que acompañan la narrativa dirigida por el cineasta Antezana. Luego del estreno, ¿cómo

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te fue con la canción y el video? Semilla es una canción que creció mucho pese a la pandemia, y sin promoción llegó muy lejos. Este 03 de octubre, en el Hispanísimo, será la oportunidad para difundirla. Desde tu perspectiva y experiencia, en Bolivia y USA actualmente ¿cómo encuentras el Movimiento Cultural de Música Contemporánea? ¿El público y mercado? No me preocupa el mercado, la música para mí debe cumplir un rol histórico en los diferentes procesos que la sociedad vive. Debe ser activa y profunda, aún a costa de ser “invisibilizado” por el Poder & Sus Socios, los dueños de la Industria & Los Medios. ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida. No tengo ningún lema. Sin embargo, siempre recuerdo las palabras de mi padre, el inmortal Profesor Germán Tabera: “No hay noche sin amanecer. La consecuencia y la dignidad deben ser tu mayor tesoro”. ¿Cómo se encuentra la producción del nuevo material discográfico? ¿Algún adelanto que puedas compartir? Estamos grabando el tercer corte del nuevo disco. Pronto lanzamos Altiplano en las radios y veremos la posibilidad de hacerle su video. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta tu música y para los nuevos seguidores de Marcos Tabera. Querido Alfonseka, te agradezco mucho el contacto. Tengo muy bien guardado tu disco. Respeto y valoro mucho tu carrera, y tus propuestas honestas y profundas. Tu camino es un ejemplo de tenacidad y coraje, ¡mil gracias, hermano querido!

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Konfession

profundo Metal desde El Alto de Bolivia

a ciudad de El Alto es vecina y hermana a la ciudad de La Paz, una línea imaginaria divide la frontera entre ambas. La joven urbe alteña se ha caracterizado por su lucha social ante los Estados Profundos, siendo el epicentro de la caída de algún Gobierno de turno allá por el 2003. También fue el núcleo para la llegada del migrante campesino y de provincia, que, con el paso del Siglo XX, ha ido ganando identidad urbana, pero siempre manteniendo sus raíces pre-colombinas, ancestrales, aimaras y originarias.

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Dentro de estos estos avatares que se enclavan en la historia de cada país, región y continente, sobresale la actitud de su población: muchas veces aguerrida, el proletario que se entremezcla con el comercio y el hampa, las masas de gentes que luchan por salir de la extrema pobreza y la delincuencia, los grandes empresarios que levantan fortunas y edifican los llamados “cholets” (mansiones al mejor estilo de la chola y del cholo altiplánico), en contraste al lumpen apabullado por el sistema capitalista y salvaje. El Alto es una selva de cemento sui –generis, cual película Hollywoodense. El hacer cultural y artístico en medio de tremendo caos, típico de las megas ciudades que se expanden como un rayo, es alucinante. En este camino encontramos Tu Amor Es

y necesidades en nuestro planeta. Personalmente nos obligó a reinventarnos para seguir adelante. Konfession nos encontramos bien este último tiempo, sirvió para poder terminar varios proyectos que habíamos descuidado. Una breve reseña de la banda, ¿cuándo y dónde nace Konfession? ¿Cuál es la formación actual del grupo? Konfession nace en septiembre del 2007. Acabamos de cumplir 14 años haciendo esto. La banda nace en un Festival (Festi Vida) en Ciudad Satélite (El Alto), lo cual hace que cuatro chicos llenos de sueños y anhelos realicen música de forma más seria. Con una propuesta social y un mensaje positivo, sobre todo. Gracias a Dios, desde ese entonces Konfession pudimos participar de grandes eventos en nuestra ciudad y en otros departamentos, y recientemente en Festivales Internacionales. Actualmente la banda está conformada por Rodrigo Xavier (voz), Ramiro Trujillo (bajo), Miguel Álvarez (segunda guitarra), Paul Aguilar (primera guitarra) y Carlos Delgado (batería).

Luz, el nuevo álbum del grupo Konfession. Gracias al vocalista de la banda, Rodrigo Xavier, quien se ha encargado de contactarnos y revelarnos una excelente propuesta de Rock / Metal, y a quien le agradecemos su confianza y colaboración para la exclusiva con LaCarne Magazine.

Konfession, profundo Metal desde El Alto de Bolivia

Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos de bioseguridad, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente? Hola, ¿qué tal? Creo que el mundo ha cambiado radicalmente este último tiempo. La pandemia ha calado y desnudado varias falencias

¿Qué estilos musicales han influenciado en su sonido? Konfession ha tenido varias influencias musicales. Pasa que a cada uno de nosotros nos gusta distintos géneros musicales rockeros. A Ramiro, el Rock Latino, Paul es más metalero, a mí me gusta más el Punk y Nu Metal. Toda esa mezcla se plasma en la banda. ¿Cuáles fueron sus referentes musicales para Konfession? ¿Qué grupos o artistas los han marcado? Admiramos a muchas bandas, entre ellas a P.O.D., Creed, Evanescense, Skillet, Paramore, Logos, y, de Bolivia, a Alcoholika, Track, Querembas, A Pie. ¿Cuál es la discografía de Konfession a la fecha? El 2011 lanzamos nuestro primer disco llamado X Tu Amor, el cual cuenta con 10 tracks, LaCarne Magazine

con invitados como Jenny Castellón, Juan Pablo Flórez (Rantes), Juan Pablo Villalba. El 2021 lanzamos nuestro segundo disco llamado Tu Amor Es Luz, que contiene 10 temas, y con invitados como Wildo Castro (Saises), Juan Carlos Guerra (A Pie), Luttio Ray (Zwaardio), David Gonzales (Bramido). ¿Qué nos pueden comentar de su videografía? ¿Algunas anécdotas de las producciones? Konfession tenemos siete videos oficiales, y las ideas de los clips las realizamos enteramente nosotros. El último video clip que hicimos la grabamos en el Huayna Potosí (el Glaciar Francia, un lugar mágico), caminamos más de cuatro horas hasta llegar al lugar. En la travesía ocurrieron varios accidentes (caídas, golpes, mucho frío), pero sobre todo el recuerdo de estar en tan bello lugar. La portada de Rap de Precisión me llamó la atención en este océano digital, donde la información es incalculable. ¿Cómo surge el proceso creativo del cover – art? ¿Quién es el autor? ¿Escuchó el material para la inspiración respectiva? La portada la realizó Henry Mamani Cori, diseñador gráfico paceño actualmente radicado en México. Le pedimos realizar la portada en base a un concepto que nosotros le transmitimos. Nos mostró varios diseños, de los cuales nos gustó más el que quedó. Él escuchó nuestros temas y es gran amigo nuestro, por lo cual pudo plasmar exactamente lo que se quería transmitir. “Un chico con alas”, tratando de mostrar un ser real de este mundo: casual con virtudes y defectos, pero las alas hacen que te lleve a otra dimensión, a otro plano espiritual. El punto de unión exacto con algo sobrenatural, en este caso nuestro ser interior en busca de Dios. Hablando del nuevo material, un magistral trabajo que cuenta con siete tracks de puro Metal de altura, una obra con actitud y optimismo, ¿quién se encargó de la composición y producción musical? El autor de todas las letras es mi persona, y también el encargado de las bases melódicas.

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La grabación, los arreglos, mezcla y producción musical son hechas por Paul Aguilar, que es el productor y guitarrista de la banda. Un disco que puede ser descrito en tus propias palabras para la audiencia. ¿Qué nos puedes comentar de las canciones? Por favor, una breve reseña de la obra. Un disco “corto” que tenía que contener un par de tracks más, pero quedó ahí. Corazón de Cristal.- Un ser perdido sin un rumbo fijo que perdió el sentido de vida, pero que busca encontrar esa razón de existencia que alguna vez le dio paz. El Eco de tu Voz.- Habla de la devastación del mundo y de la humanidad. Generalmente ya tengo armada una base en letra (y después lo melódico), pero en este tema tenía antes lo instrumental, y fue un desafió ordenarlo. Armamos una mezcla de varias situaciones que están devastando nuestro planeta. Tratamos de reflejar ello en la canción, y creo personalmente que es una de las mejores le-

tras que me ha tocado escribir. Vale mencionar la parte que hablamos de un amigo nuestro que fue vilmente asesinado. El tema es reflexivo al cien por ciento, hablamos del racismo y la discriminación. Mi Dios.- Busca una reconciliación con ese Ser Supremo en el que nosotros creemos. Al margen de la religiosidad, donde no queremos ahondar, es buscar a nuestro Dios. Rompiendo Mis Miedos.- Habla de superar temores, superar miedos, y de romper todas esas cadenas que suelen enclaustrarte en un mundo vano y superficial. Sin Tu Amor.- El amor es un sentimiento, creo yo, puro y leal. Sin el amor no podemos soportar ciertas situaciones complicadas. El amor que sea nuestro motivo y motor. Todo Por Amor.- Esta canción fue hecha en Argentina, la cual narra el padecimiento y sufrimiento del Ser (el cual nosotros creemos como Cristo), lastimado, quebrado, roto, y todo por amor a ti y a mí.

Hasta el Último Golpe.- Canción que muestra una batalla entre el bien y el mal, reflejar un espíritu de positivismo y optimismo. La vida golpea duro, pero debes seguir adelante. Tú puedes vencer. El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad cultural en Bolivia? Entre 2020 y 2021 tocamos en muchos eventos virtuales dentro y fuera del país, lo cual fue algo nuevo para nosotros. Lamentablemente son eventos de orden Independiente, ni la Alcaldía ni la Gobernación, ni el Gobierno Central ha podido apoyar a los artistas nacionales este tiempo. ¿Cómo se han acomodado desde la música a la época de pandemia que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias pueden comentarnos? En plena pandemia Konfession lanzamos un video clip (El Eco de Tu Voz) que nos abrió puertas, el cual habla de la devastación de la

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humanidad y un mensaje a la consciencia. En un mundo donde la industria musical te llena de sonidos vacíos, Konfession quiere mostrar una propuesta con letras positivas, sobre todo propuestas de valores y reflexión. Cielo Gris, un tema fundamental para nuestros tiempos y nuestros muertos. ¿Cómo les fue con la canción luego de su presentación y difusión? Cielo Gris es un tema que lo hicimos para un Festival. No se la promocionó masivamente, pero en los medios que lo difundimos nos fue bien. Cielo gris lo escribí tras la pérdida de mi señor padre. Este último tiempo creo que todos perdimos seres queridos, lo cual nos enseña que debemos valorar la vida, sobre todo respetarnos, disfrutar día a día con la familia sin rencores, y aprender a perdonar.

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El Eco de Tu Voz lo acabo de apreciar, y me cautivó de pleno como Cielo Gris, dedicado a nuestros seres queridos que van partiendo en estos tiempos de tribulación. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como banda? ¿Qué temas los identifican con su público? El Eco de Tu Voz es un tema alucinante, pero lo tocamos pocas veces porque es nuevo. Mencionaría dos temas del primer disco y uno del segundo que ya lo tocamos bastante, y que en cada presentación no los piden: Latidos Desde Mi Corazón y Ángel (del álbum Por Tu Amor), y Corazón de Cristal (del álbum Tu Amor Es Luz). Durante su recorrido musical, ¿qué eventos o Festivales los han dejado marcados de por vida? Bolivianxtrem Rock, Rock Bol, Illimani Me-

tal Fest, Chukutafest, Fiesta de la Música, Xpansion Bolivia e internacionales: Lowfest (Colombia), Conexión Tour (Chile), Rock + Vida (Ecuador), Cyberfest (Mexico), Colectivo Gospel (Honduras) y Guerreros Fest (Perú). Creo que tuvimos eventos alucinantes, pero el que se quedará por siempre tatuado en mis recuerdos es el de la presentación de nuestro disco el año 2011 en el ex – Cocert en San Pedro (ahora Café Refugio), donde tuvimos un lleno total, la gente compró los discos, remeras, etc. El público hizo fila para estar en el concierto. En el supuesto de estar sin red o acceso a internet (algo casi imposible hoy en día), ¿qué discos recomiendan para irse de viaje o vacaciones? La Industria del Poder de Logos, y Satellite

de P.O.D. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla musical y en la escuela de la vida? “No me rendiré, pelearé hasta el último golpe”, frase de uno de los temas del último disco. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro del planeta, ¿qué proyectos se vienen para Konfession? Dando los últimos retoques de un nuevo video clip para el tema Corazón de Cristal, el más escuchado de este álbum en Spotify. Preparando un nuevo EP en vivo llamado X Tu Sangre, y, como primicia, pues estamos en la producción de un video clip animado, el cual está siendo realizado en Trujillo (Perú). Esperamos presentarlo el siguiente año. Se puede apreciar su material en Spotify. ¿Cuál es su experiencia? ¿Qué uso le está dando Konfession a las plataformas digitales para la difusión de su mensaje musical? Hoy por hoy creo que Spotify es la plataforma musical más importante para distribuir el material, y todas las plataformas digitales ayudan para que el artista pueda llegar a más gente. Hoy ése es el medio. Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Konfession. Agradecidos contigo por la cobertura y el apoyo a bandas nacionales. Es tan importante estos medios (LaCarne Magazine) para uno, porque así mostramos quiénes somos y revelamos algo más de nuestro arte. A la gente que no nos conocía, búsquenos en las redes como Konfession, les aseguramos que tendrán una buena dosis de buen Rock. Bendiciones extremas.

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Terrateniente

Rap Duro desde la Zona Sur del Perú

ientras caemos en el inmenso confín de la actualidad mundial, entre dichos y hechos, entre vacunas y teorías de la conspiración, entramos en una etapa aún más incierta, ya que no se sabe a ciencia cierta lo que se nos viene en cuanto a la ambigua “bioseguridad” y sus antagónicas realidades. Es por eso mejor asegurarse los cinturones para precipitarse en la “montaña rusa” del Internet, que nos eleva y transporta a velocidad de la luz hasta infinitos parques de diversión, distracción y sanación: la música con sus protagonistas. Agradecido de recibir las respuestas de un

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digno representante dentro del Movimiento Hip Hop del Perú, en un momento en el que se me cae la esperanza y se resquebraja el Alma, para poder absorber sus palabras como aliciente que inyecta una medicina espiritual al descabellado escenario en que nos encontramos: la “plandemia” continúa cobrando vidas y sembrando zozobra, pero aún respiramos y vibramos para contarlo.

Terrateniente, Rap Duro desde el Zona Sur del Perú

Gracias Terrateniente nuevamente por la confianza y colaboración para la presente exclusiva junto a la entretenida y bien ponderada LaCarne Magazine. Luego un año y medio de sobrevivir al COVID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo está actualmente? Antes que todo muy agradecido a la revista LaCarne Magazine por la invitación, muy agradecido. Claro, el COVID afectó a todo el

lapso de tiempo me ayudó a sanar muchas cosas personales, y en lo musical, ni que se diga. ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Cómo nace a la vida musical Terrateniente? Mi nombre es Darwin Junior Aguirre Cárdenas, nací en Arequipa, la zona Sur del Perú. Mis primeros pasos en la música fueron en la secundaria, para ser exactos en tercero y quinto de secundaria, cantando en actuaciones del colegio (para sumar puntos y poder aprobar algunas asignaturas, ja ja ja). Acabando el colegio ya la cosa se puso más interesante, y pasó de ser un pasatiempo a tomarlo en serio. ¿Qué influencias artísticas ha recibido Terrateniente? Mi primera y mayor influencia es el cantante de los cantantes, el hombre que respira bajo el agua, hablo de Héctor Lavoe. Se preguntarán: ¿pero él qué tiene que ver con el Rap? Pues sus letras me inspiraron a poder componer mis primeras letras.

mundo, y más aún a este rubro artístico. En lo personal quedaron muchas fechas pendientes en distintas ciudades de mi país, que hasta el día de hoy sigo a la espera que todo se pueda regularizar para empezar con los shows. En el tiempo de cuarentena obligatoria donde no podíamos salir a ningún lado, me dio, si se puede llamar así, “un ataque de ansiedad”. Estaba acostumbrado a no parar en casa, y, bueno, que de la noche a la mañana te digan que no puedes salir me afectó bastante. Aproveché ese estado de ánimo para poder escribir seis canciones melancólicas que formaron parte de un EP titulado D.O.P. (De Otro Planeta), disponible en todas las plataformas digitales. Este trabajo fue grabado en plena cuarentena. Tenía muchos sentimientos encontrados, y, bueno, el resultado pueden encontrarlo reflejado en este trabajo musical. Creo que ese

Después de eso tuve mucha influencia de Puerto Rico, como Tempo, Mexicano 777, Caba, Tego Calderón, Vico C, y de República Dominicana, como Lápiz, Vakero, MonkyBlack. ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti? De hecho, en primer lugar pondré la Salsa, pero la Salsa Dura, la Salsa de Callejón, como se la conoce. Para muchos músicos el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística. ¿Cuál es su ciudad, área, zona, barrio, al que representa? ¿Qué nos puede comentar al respecto? La ciudad en la que nací se llama Arequipa, la segunda o tercera ciudad más importante del Perú. El barrio en el cual me crié y siempre representaré se llama Socabaya. La primera tarima fue en la canchita de fútbol. Muchos recuerdos. En el comienzo pedían que tocara mis temas en aniversarios de la hinchada de mi ciudad, LaCarne Magazine

y, bueno, con todo gusto participé. En fin, son muchos recuerdos agradables de cómo se empezó. Su carrera artística dando vida a Terrateniente. ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? ¿Por qué de su a.k.a. Terrateniente? Se pasaron por muchas cosas ¿sabes? Nos cerraron puertas, nos veían por encima del hombro. Creo que podría decir que sufrimos cuadros de racismo en ese entonces por la forma de vestir, por el barrio del que veníamos, pero eso no fue impedimento de hacer lo que más nos gustaba, y hoy por hoy podría decir que, si se habla de la Zona Sur del Perú, y más aún de Arequipa, se tiene que hablar del Terra. Terrateniente salió de la nada. Recuerdo que en el colegio lo escuché del profesor Francisco Salinas (Q.E.P.D.), y fue como que al escuchar esa palabra me dije: ¡Aguanta! Esa palabra me gusta. Investigué de qué se trataba, y, bueno, un “terrateniente” es aquella persona que tiene tierras en todos lados, y, bueno, yo cuento con gente en todos lados. Esa línea es el significado de mi a.k.a. Terrateniente. Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía de Terrateniente (y los años de edición) a la fecha? Actualmente cuento con 11 materiales discográficos, uno por año. Es decir, desde que empecé hasta el día de hoy no paré de producir. Actualmente en mi canal YouTube cuento con 150 temas (si no me equivoco) que vienen desde el principio. Cada año muestro la evolución de mi trabajo, y ustedes podrán notarlo si se dan una vuelta por el canal. ¿Qué canción suya es la preferida a la fecha tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue la música de Terrateniente? Sin dudar el tema “trampolín”, por así decirlo, es la canción Quiero. Ese tema me llevó del escalón 1 al 10 desde su fecha de estreno. Recibí muy buena aceptación de parte de mi país y de países extranjeros. Es con el que

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cierro mis shows más importantes, es la crema del pastel ¿sabes? Es cuando la gente grita apenas escucha el comienzo de la canción. En fin, Quiero es una valla muy alta que en lo personal no puedo superar con otro tema. Se volvió un himno, y, bueno, cuando ya no esté en este mundo me iré tranquilo. Creo que eso busca un artista, ese tema que te inmortalice, ese tema que siempre te mantenga vivo, incluso cuando ya no estés en carne y hueso. Terrateniente, acaba de estrenar el álbum SURgente, un disco que refleja una actitud insurgente, rebelde, evolución -en varios aspectos- en su carrera. ¿Cómo nace la nueva

cual le mando un abrazo muy fuerte. En este álbum podrán encontrar colaboraciones con muy buenos representantes de mi país como Terco92, Umano, Ratter, Bastian, Apolo54, Manu Mezza, y por supuesto DJ Rumores. Esta producción fue totalmente independiente. Quise imponer en este disco el sonido West Side con el que hasta el día de hoy vengo trabajando. ¡Larga vida al West! Pude observar el video oficial de Terrateniente, SURgente ft DJ Rumores, primer single promocional de su nueva obra. ¿Cómo le fue en la producción del video? ¿Alguna anécdota del rodaje? Y en julio estrenó Sobrinos, nuevo single del álbum. ¿Qué nos puede comentar del nuevo video oficial y de la producción audiovisual? Así es. El primer video del disco fue el track número dos, que lleva el mismo título del álbum. El video fue realizado por Karlos Linares, otro joven productor de videos de mi ciudad. Grabado en su totalidad en NoyziBlack. Y claro, estrenamos Sobrinos, simplemente un gran video bajo la producción de 054 Visual de Jorge Estrada, y con quien estoy trabajando actualmente.

producción? Cuéntanos del contenido lírico y rítmico (musical) del flamante disco, ¿cómo y dónde se realiza la obra? ¿Por qué del título? Comparte colaboraciones, ¿quiénes son sus invitados? ¿Cómo le fue con la producción Independiente y de Autogestión? Sin duda SURgente es el mejor disco que saqué, o al menos yo lo siento así. Todos los ritmos son creados desde cero, sin ningún sample, y lo mejor, yo fui la mente detrás de cada beat, o sea, hice la tarea por dos, jugué el papel de beatmaker y liricista. Este disco fue grabado y producido por NoyziBlack, un productor joven de mi ciudad al

¿Qué tal le ha ido con la difusión de SURgente? ¿Cómo le va a Terrateniente en las plataformas digitales con el nuevo álbum? Simplemente la aceptación de la gente fue muy buena. Estamos recibiendo casi 4 mil reproducciones diarias, hay días que más, en la plataforma Spotify. El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como sus expositores o cultores -portavoces-, ¿cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop en Perú? El Rap en Perú simplemente habla por sí sólo. Tenemos a Rapper School dando la cara por todos nosotros, representando como se debe ¿sabes? Desde que conocí el Rap en Perú siempre fueron ellos. Con esta “ola” del Trap y Movimiento Urbano, muchos olvidaron sus raíces, pero siempre LaCarne Magazine

hay gente como yo y muy pocos que aún lo mantenemos como se debe, haciendo el trabajo sucio por así decirlo. Durante su recorrido musical como Terrateniente, ¿qué evento o Festival lo han dejado marcado? El que más recuerdo es el Festival Un Millón Más Na, hecho en la ciudad de Lima en el Parque de la Exposición. Unas nueve mil almas estaban ahí, fue muy excitante ese momento. En ese evento compartí tarima con Akapellah, Ion Secuaz, Afaz Natural. También recuerdo otro evento como Lima Hip Hop Fest, donde estuve con artistas como Lil Supa, Gabylonia. ¿Qué hubiese sido de Terrateniente sin el Hip Hop? ¿En qué otra carrera se hubiera envuelto? No me imagino mi vida sin el Rap ¿sabes? El Rap me lo ha dado todo, es como un hermano mayor o un padre para mí. Me hizo fuerte en momentos donde todo se me venía encima, me hizo un hombre y estaré agradecido de por vida. Tal vez si no hubiera conocido el Rap estaría vendiendo hasta piedras. Sé llegar al corazón de la gente en mis canciones, y eso hubiera empleado para venderle arena en el desierto a los camellos, sabes a lo que me refiero. Creo que sí sería vendedor de cosas, sería el mejor vendedor de cosas. O estaría involucrado en el ámbito deportivo como periodista. Me gusta mucho el fútbol y su historia, puedo debatir mucho tiempo de ello. O sería trompetista en una Orquesta de Salsa. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o juego de la vida? Tengo un refrán de Tego Calderón que lo aplico desde que lo escuché: “el que de luchar se cansa, sus sueños nunca alcanza”. Como KRS One dijo “Rap es algo que haces. Hip Hop algo que vives”. Si en la medida de las posibilidades se puede obrar y mantener

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actividad alguna, ¿qué proyectos tiene Terrateniente para el presente 2021? Este 2021 se vienen buenos temas. El que más rescato es la segunda colaboración con

ba, saldrá con un buen videoclip realizado por Jorge Estrada / 054 Visual. Si Dios lo permite estaré a fin de mes (septiembre) por su tierra Bolivia. Espero todo se concrete, y poder estar en dos fechas que son en La Paz y Cochabamba. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Terrateniente. Sólo tengo palabras de agradecimiento, sólo eso. Es muy difícil ser Artista Independiente. Hubo días donde se piensa en dejar todo, pero 11 años de carrera no se pueden dejar ir así tan fácil. Muchas gracias a la banda de México, la gente de Ecuador y Bolivia por consumir mi música. Bienvenidos a la familia a la gente que se sumará. Sé que hay alguien que escucha mis oraciones cada noche cuando estoy con las mejillas empapadas, y, sé que ese alguien pronto me hará un milagro. Sin nada más que decir, muchas gracias por la invitación, los quiero. Nunca se mueran.

Terrateniente me confirmó su fecha por las tierras que me vieron nacer. Terrateniente estará el 16 de octubre en la hoyada paceña, y lamento no poder presenciar su actuación debido a que la mala pata me hizo trastabillar en las redes del COVID19, siendo sacudido y embrutecido por el bicho asesino que han creado los “anti – humanos” de la China. Como le comenté a Terrateniente por el chat Instagram, sobreviví para contarlo, pero los daños colaterales me alejan de lugares públicos a espera de la vacuna -debo esperar tres meses desde la recuperación, al menos eso dicen fuentes confiables-, además que mis pulmones y corazón ya no son los de antes. Cuídense y cuiden a sus seres amados. ¡Paz y Amor para todos y todas ustedes! Warriors de Rapper School. Antes hicimos una que pueden encontrarlo en mi disco UnderGrammys, y quedó ahí. Pero este nuevo tema que se viene con El Quiroz será bom-

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Cultura Crea Turism celebra su tercera edición

ultura Crea Turismo, uno de los programas más ambiciosos que pone en marcha el Área de Cultura y Deportes de la Diputación Provincial de Cáceres celebra su tercera edición (el pasado año no pudo realizarse) y lo hace con parada en los municipios de Villanueva de la Vera, Arroyo de la Luz, Alcántara y Hoyos, todos ellos con un importante reclamo patrimonial. Fernando Javier Grande Cano, diputado del Área, ha presentado la programación que comenzará el 2 de octubre y se prolongará hasta el 24 del mismo mes. “Como seguramente todos recordarán, este programa nace por el convencimiento de que La Cultura puede funcionar como verdadero motor de turismo, no solo para el municipio donde directamente se intervenga, sino también para toda la comarca y zona de influencia” ha señalado Grande Cano.

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Por este motivo el programa que se ha diseñado pretende dinamizar todos los sectores de las poblaciones, desde el comercio local, pasando por las bibliotecas, los museos o centros de interpretación, los establecimientos hosteleros, y, en definitiva, toda la ciudadanía. “Sin la complicidad del municipio hubiera sido imposible poner en pie este complicado programa. Por ello hemos tenido un contacto constante y directo con sus responsables municipales, a los que agradecemos enormemente su colaboración y entusiasmo, y también con los gestores culturales y animadores socioculturales de cada uno de los municipios” ha destacado Grande Cano. Cultura Crea Turismo continúa con el mismo formato de ediciones anteriores, un fin de semana completo en cada uno de los pueblos destinatarios del programa.

Duración aprox.: 1 hora. Bajo inscripción previa. Visita Turística Guiada Las localidades que recorreremos poseen una historia y patrimonio dignos de ser descubiertos por todos los que se acercan por estos parajes. Acompáñanos en este recorrido interpretado y nos adentraremos en el legado cultural que a lo largo del tiempo ha dado forma a uno de los pueblos más representativos de la comarca. Público objetivo: todos los públicos. Duración aprox: 1 hora y media. Bajo inscripción previa.

mo Una gran variedad de actividades se irán sucediendo entre las 10:30h de la mañana del sábado, con la apertura de un mercado agroalimentario de productos saludables y artesanos, hasta las 15:00h del domingo, que se cerrará con un Showcooking Literario. Para que no os perdáis nada, aquí os dejamos todas las actividades que se llevarán a cabo en cada una de las localidades.

Actividades y programación

Cuentacuentos Conoce Tu Provincia Descubre y disfruta las increíbles y divertidas historias y cuentos que recorren la hermosa provincia de Cáceres a través de nuestro cuentacuentos, un personaje muy particular y divertido que nos abrirá una ventana a este sorprendente y desconocido lugar. Público objetivo: Infantil, familiar.

Visita Literaria Teatralizada Las rutas literarias nos harán viajar a algunos de los momentos más bellos e importantes de la historia de la literatura ocurridos en Cáceres. Siguiendo los pasos de escritores como Cervantes, Richard Ford, Unamuno, Pío Baroja u Ortega y Gasset que, fascinados por nuestra provincia, encontraron en sus paisajes, sus tradiciones y sus gentes la inspiración para crear obras de la talla de Los Trabajos de Persiles y Sigismunda, Manual para viajeros por España, Por tierras de Portugal y España, Memorias de un hombre de acción o El Espectador. Globo Cautivo Vive una experiencia única divisando desde las alturas los bellos parajes que acogen las localidades donde se desarrolla el programa de Cultura Crea Turismo. El vuelo cautivo en globo es una actividad que por su majestuosidad y magia no dejará indiferente a nadie que quiera observar estos paisajes desde una perspectiva privilegiada. Bajo inscripción previa. Encuentros con el Autor Una actividad en la que nos sumergiremos en la literatura de cada una de las localidades en la que tendrá lugar el programa de actividades LaCarne Magazine

de Cultura Crea Turismo. Descubriremos las obras y autores que, inspirados por el paisaje que abraza estas localidades, han creado obras que perdurarán en el tiempo. Público objetivo: todos los públicos. Duración aprox: 1 hora. Bajo inscripción previa. Showcooking Literario Conoce las recetas que hemos elaborado inspiradas en los Paisajes literarios del territorio para unir dos de los placeres que en muchas ocasiones van unidos, la gastronomía y la literatura. Público objetivo: todos los públicos. Duración aprox: 1 hora y media. Bajo inscripción previa.

Cultura Crea Turismo – Programación y Horarios

Los municipios y días donde se desarrolla esta tercera edición, con un programa similar cada uno de los fines de semana, son los siguientes: 2 y 3 de octubre en Villanueva de la Vera 9 y 10 de octubre en Arroyo de la Luz 16 y 17 de octubre en Alcántara 23 y 24 de octubre en Hoyos SÁBADOS DE OCTUBRE (días 2, 9, 16 y 23) A las 10:30h de la mañana del sábado se procederá a la apertura del Mercado Agroalimentario de productos saludables y artesanos que se mantendrá hasta el domingo. A las 11:30h una batucada pasacalles que animará a todos los vecinos para que se sumen a todas las actividades que se sucederán a lo largo de todo el día: cuentacuentos, actuaciones de Jazz, Flamenco, Teatro de Calle, Danza Contemporánea y se cerrará la jornada con un Concierto Final, a las 21:00 h. Mañana: 10:30h – 21:00h: Mercado agroalimentario de productos saludables y artesanos. Photocall. 11:30h: Batucada pasacalles. TAMBARRADA. 12:00h – 13:00h: Cuentacuentos: Conoce tu

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provincia. 13:00h: Concierto de Jazz o Flamenco: SWING TON NI SONG, DON DEL AIRE y EYSA 13:30h: Teatro de calle: SUSURRADORES DEL VERSO. Tarde: 16:30h – 18:00h: Visita turística guiada. 18:00h: Espectáculo infantil: CIRCAO 19:00h: Concierto de Jazz o Flamenco: SWING TON NI SONG, DON DEL AIRE y EYSA 21:00h: Concierto final cabeza de cartel. DOMINGOS DE OCTUBRE (días 3, 10, 17 y 24) El domingo a las 10:00h de la mañana se abrirá con una actividad destinada a grandes y pequeños, el globo cautivo, para después continuar con talleres infantiles, visitas literarias teatralizadas, encuentros con autores y un showcooking literario. Mañana: 10:00h – 12:00h: Globo cautivo 10:30h – 15:00h: Mercado agroalimentario de productos saludables y artesanos. Talleres de Artesanía. Photocall. 11:00h – 12:15h: Visita literaria teatralizada. 12:15h – 13:30h: Talleres infantiles.

CONCIERTOS FINALES POR MUNICIPIOS

CHARLY GLEZ – Blues, Pop, Coutry (Hoyos Y Villanueva de La Vera) GENE GARCÍA – Soul (Alcántara) BLOOM ENSEMBLE – Danza Contemporánea (Arroyo de la Luz) Las localizaciones de las actividades se concentran en torno al centro de la localidad, donde normalmente se encuentran las plazas y calles más grandes. Se ha diseñado un programa de mano para cada una de las localidades, donde aparece detalladamente toda la información de horarios, actividades y localizaciones.

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Imaginario de Eva Poy en la Sala de Arte El Brocense

partir del próximo 22 de octubre se podrá visitar en la Sala de Arte el Brocense de la Diputación Provincial de Cáceres, la exposición Imaginario de la artista murciana Eva Poyato. Se trata de una muestra de carácter multidisciplinar que combina distintas técnicas tales como la escultura en distintos materiales, la pintura, la pintura objeto o el dibujo.

Imaginario de Eva Poyato en la Sala de Arte El Brocense

Un proyecto que surge de la necesidad de la artista de mostrar su mundo interno, un mundo lleno de pequeñas historias que una primera mirada podrían parecer infantiles, lúdicas, superfluas o ingenuas, pero tras las que vislumbramos un profunda capacidad de conexión con el espectador que hará que que-

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ramos quedarnos a vivir en ellas. Sorprende la capacidad de la artista de reaprovechar todo lo que tiene a su alrededor. En las esculturas se hace más evidente este trabajo de reciclaje, pero también en su obra sobre papel. Le gusta utilizar sus manos para crear y su mesa del taller siempre está llena de papeles, telas, chapas, maderas, ramas, alambres, anzuelos, semillas y un sinfín de pequeños objetos que de pronto cobran forma en un papel, lienzo o escultura. En sus composiciones predomina la limpieza, el orden y un cierto minimalismo. Todos los elementos (personajes, nubes, árboles, casas, barcas, aviones …) posan como por pura casualidad en fondos limpios de color, estudiados a conciencia. La sencillez de las imágenes hacen que nuestra sonrisa surja como si un muelle invisible hiciera saltar un resorte y la

oyato pusiera en marcha, sintiéndose uno libre de cargas, mientras saboreamos el vuelo limpio y escaso de ataduras que las imágenes de Eva nos transmiten.

to de cine”. Festival Internacional de Cine de Gijón en el Espacio Guisasola. Gijón (2015), participando también en exposiciones colectivas en Alemania, EEUU o China.

Eva Poyato (Cartagena, 1972 ) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad San Carlos de Valencia con Máster en Obra Gráfica en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos ( A Coruña), disciplina en la que ha impartido y coordinado diversos talleres y seminarios así como talleres de arte para niños. También se ha dedicado a la ilustración.

También ha obtenido diversos premios y consideraciones como los obtenidos en varias ediciones de los Premios de Pintura Arte Joven de Murcia entre los años 1996 y 2000, el Premio Corzón S.L. en los XII Premios Nacionales de Grabado, la mención Honorífica del XXXII Premio Internacional de Grabado “Carmen Arozena” o las estancias en la Casa Falconieri de Cerdeña y en el Centro de Arte Kloster Bentlage, Rehine, Alemania.

Entre su exposiciones individuales destacan Un mundo raro en la Galería Fernando Guerao de Murcia (2006); Una casa, un árbol, un pájaro en el Centro Cultural de Ceutí. Murcia ( 2008); Ningún lugar esta aquí en el Museo de la Universidad de Alicante (2012) o “Un cuen-

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