05 / 2016 #204 aĂąo XI www.revistallegas.com.ar
teatro
arte bares mĂşsica letras cine noche buenos aires
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Continúan en cartel las obras de teatro recomendadas por Llegás: El Movimiento, los sábados en La Materia, espacio cultural y Los Milagros, los viernes, sábados y domingos, en el cultural San Martín.
OBRA DE TAPA Nubia Ozzi nació en Buenos Aires en 1985. Su obra
SUMARIO
fue seleccionada y reconocida en diversos salones. Entre otros, con el Premio al Artista menor de 30 años en Dibujo en el Salón Pequeño Formato-Quinta Trabucco (2013); Premio Estímulo Bonifacio del Carril-Academia Nacional de Bellas Artes (2012); Premio de Arte Joven Fundación Williams (2012); Salón Municipal Manuel Belgrano-Museo Sívori (2012/11/10); Competencia Internacional de Arte Gráfico (Polonia, 2011); Premio al Grabador JovenSalón de Grabado Museo de Bellas Artes de Tandil (2010); Nominated artist -Salon Carbunari-Florean Museum- Rumania (2010) y Salón Nacional de Grabado-Palais de Glace (2009). Detonación puede visitarse en el marco del Premio Itaú. Detonación, 2015, Instalación: óleo sobre blo-
4-5 TEATRO Ricardo Bartís, de charla con Llegás, despliega su mirada sobre la actualidad política y su diseminación en la esfera teatral.
6-8 TEATRO ¿Qué obra ir a ver? Estos son nuestros recomendados. 10-11 CINE Llega “Pantallas Emergentes” una propuesta diferente para los amantes del séptimo arte.
12-14 Arte Orozco, Rivera, Siqueiros. La exposición pendiente y la conexión sur. Hasta el 7 de agosto en el MNBA.
16-17 MÚSICA Por un rato nos olvidamos de la escena local y le dedicamos este espacio a ese loco artista llamado Prince.
ques de yeso en pared y fragmentos rotos en el piso, 200 X 150 X 80 cm. Hasta el 22 de mayo - Palais de Glace - Posadas 1725 / Av. del Libertador 1248 Martes a viernes de 12 a 20 / Sábado, domingo y feriados de 10 a 20 Gratis.
18 NOCHE Más allá de la avenida que nunca duerme, el Stand Up gana terreno en bares y otros espacios alterntivos. Pasen y rían.
20 BARES Cerveza de la buena, de la rica, de la artesanal. Eso ofrece On Tap, un bar nacido en Palermo que ahora llega a Colegiales.
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? QUIENES SOMOS
Editor Responsable Gustavo Gaona EDITOR DE TEATRO Juan Ignacio Crespo DISEÑO Daniela Sawicki COLABORAN EN ESTE NUMERO Luz Marchio (arte), Martín D’Adamo (bares y noche), Martín Caamaño (música), Ximena Brennan (cine), Julieta Bilik, Paula Boente, Juan Ignacio Crespo y Mara Teit (teatro). TIRADA DE ESTA EDICION 12 mil ejemplares Publicidad: Ricardo Tamburrano (15 5958 7489, ricardotamburrano@gmail.com y teatro.llegas@gmail.com) llegás a buenos aires es una publicación mensual de distribución gratuita, Propiedad de GyH Contenidos Srl, Chile 1507, Piso 2. CP. 1100, CABA. Fundada el 5 de agosto de 2004. Se distribuye en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Registro de marca 2519629. Registro de la propiedad intelectual exp. 347083. ISSN 1668 – 5326. La programación de las agendas puede sufrir cambios por parte de los organizadores. Llegás no se responsabiliza de los mismos.
teatro
me preparé para que el Estado fuera mi enemigo I nora lezano
En un reportaje ansiosamente coyuntural, Ricardo Bartís despliega su mirada sobre la realidad política y su diseminación en la esfera teatral.
“Estoy trabajando en algo que se va a llamar Hambre y Amor basado en Hedda Gabler. Quiero discutir con ese Canon clásico que la considera una obra excelente, cuando en verdad es una obra de mierda, tiene un montón de problemas y dificultades, es una obra que informa, que tiene una valorización barroca de la información, del texto”. Desde la cocina del Sportivo Teatral ( próximo a cumplir 30 años de existencia) Ricardo Bartís no sólo cruza como marcador central al Monstruo cristalizado de Ibsen con la intensión de provocar una
fractura expuesta y sacarlo del terreno sino también se lo nota dispuesto a enfrentarse con el Monstruo-Idea-Total: El Estado. La conflictiva relación entre el Teatro y esta supra-institución está más complicada que nunca. La traza ideológica se fisura y en el intersticio emerge como un Alien imposible la problemática Material. Poniendo en un segundo plano los lenguajes de la representación, las fuerzas de la actuación y demás temáticas recurrentes en Bartís, esta entrevista circula en la zona de la praxis política concreta (siendo esta ahora metáfora
de lo teatral y no al revés). Él y otros representantes de este mundillo (movilizando a algunos a abandonar la calidez del Living familiar neurótico, el pliegue onanista del lenguaje sobre sí mismo y la ironía como mecanismo de defensa) han desplegado una batalla directa sobre representantes ligados a la cultura. Es seguro que pronto el enemigo caiga. Veremos luego qué se hace con ese cadáver y qué posición asumen los vencedores. Tomando como herramienta de análisis la acción de los cuerpos (in/a)fectados en el
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campo social, Ricardo Bartís desmonta los discursos políticos y a sus enunciadores coyunturales “aguantando los trapos” frente a los escribas de la nueva administración que prometen alterar todos y cada uno de los sentidos fijados previamente. ¿Qué relación debería mantener hoy el campo teatral con el Estado? -Yo me preparé para que el Estado fuera mi enemigo. El estado no es neutro, es un nivel de concentración gestionaria. Hay distintos estados. La materialidad del teatro está en conflicto con el Estado: la relación siempre es equivoca. Con la figura del monarca, por ejemplo, se demuestra que el Estado ha sido motivo de teatralidad. Habría una relación con el tema de la ley. Nosotros, entendimos que no había Padres; pasada la dictadura había que dar de vuelta, había que pensar lo teatral sin esos cánones. Me refiero a su relación con el texto, la actuación, a la afirmación del modelo rioplatense. Aún las influencias del teatro del absurdo Pinterianas no parecían contener una necesidad de lenguaje más autónomo, más estallado, a una nueva forma de encarar el trabajo. Eso produjo fuertemente un movimiento del teatro, de la forma que el Estado tuvo que mirar ese segmento. Esto empezó a generar espacios de teatralidad y se empezó a reconocer un núcleo de personas que se empezó a interesar por esto. Y el Estado empezó a mediar con buenas intensiones, siempre las tienen, y algunas son genuinas y a veces son hipócritas. La secretaria de cultura ha sido trampolín para mucha cantidad de chantas. La situación de Lopérfido, por ejemplo: ver cómo él intenta instalar una nueva lectura de la teoría de “Los dos demonios”, ver su énfasis, su enjundia, es más impactante que leerlo. Además de sus antecedentes, en términos estrictamente teatrales, es un lejano veedor de nuestro trabajo, es alguien que ha ido creciendo a la sombra de la producción de teatral. Siempre estuvo en una situación gestionaria menor, en una idea vampírica de la actividad. Lopérfido recorta un presupuesto muy alto que estaba asignado a Proteatro, habrá que ver porqué. Nosotros hacíamos una experiencia lateral en los 80 y los 90, había tensión con la legalidad. Después vino Cromañón y produce un descalabro. El teatro empieza lentamente a establecer ciertos criterios uniformes, me refiero a búsqueda de lenguaje, a las interrogaciones. Se empieza a uniformar, empieza a imponerse que hay
que hacer tantas funciones, a dar cuenta de qué cantidad de público concurre a las salas, ahí empieza lentamente por esa necesidad de legislar el criterio de gente, de cantidad, que es ajeno a la producción. Pero no se hace teatro para eso, se hace uso de un “Pero cierto sector del teatro se acostumbró a construir en base a que me tienen que dar algo en vez de generar su propia existencia a base a pérdida” arte milenario para el aprovechamiento de una interrogación acerca de algo. Por ejemplo, debe haber 500 grupos ensayando algo en este momento. El estado debería dar cuenta de eso. Pero cierto sector del teatro se acostumbró a construir en base a que me tienen que dar algo en vez de generar su propia existencia a base a pérdida, sí de pérdida! ¿Y entonces qué tipo de oposición habría que tener? -Habrá un tipo de respuesta individual. Hemos tenido un sector muy amplio de personas que no era solo del ámbito teatral, que eran coincidentes al desprecio que nos produce Lopérfido, que por lo menos ha tenido que renunciar al Festival. Yo no tengo ninguna simpatía por este gobierno, me parece de una violencia, autoritarismo y me propone un tipo de país del que estoy enormemente triste. Nos acostumbramos a que sean etapas. Esta es una situación de gran retracción de los derechos, nada de lo que se diga puede representar el dolor de que un policía de civil te diga en la puerta de tu trabajo: Vos no entras! En el plano de lo teatral no son casuales ciertas figuras y lenguajes que están hechos al servicio de consolidar el vínculo con el punto de vista. Lo mismo se produce en los almuerzos de Mirtha Legrand: hay una representación y una bajada de línea de cómo coger, como pensar, etc. Me parece una mierda. Eso configura pensamientos de mierda que apuntan a lo peor de los seres humanos. Hay todo el tiempo que tras esa ingenuidad y vulgaridad aparece un signo afirmativo. Eso es lo preocupante del PRO, su ausencia de formación cultural. Son tipos muy vulgares. Son personas cercana a la idea de gestión, en términos de optimización no al servicio de la gente, si no de las empresas. A mí me parece que hay salir del modelo del “Vamos a Volver”, pero yo tampoco no
quiero caer en esa trampa, ahí no pensaríamos críticamente los que tenemos otra visión del mundo qué pasó con esa experiencia popular que devino en esto. A mí me excede. El teatro no debería hacer nada en particular, no debe dejarse joder. No debemos asustarnos. Nosotros hemos avanzado mucho, lo mínimo seria sostener los lugares conseguidos; demandarle a las estructuras existentes, tornarlo más personal. Finalmente en un nivel estrictamente estético ¿Qué consecuencias acarrea este proceso? -El teatro va a padecer en términos de lenguaje estas realidades. Porque todo el tiempo que se cuestiona qué es lo real, que es tan subjetivo y discutible, el teatro se debilita porque no tiene materia de opinión y realidad para dramatizar, burlarse o tomarle el pelo. Se va a profundizar un segmento de la modernidad frio teatralmente. Hay un teatro que eligió un formato para evadir el problema del relato, resolver el problema de la representación muy influenciado por prácticas europeas que colocaban la actuación muy atrás y no priorizaban lenguajes o dinámica que surgieran del entramado de la masa escénica, ni de todos los lenguajes que la escena contiene. Por otro lado va a parecer como si fuera un valor alternativo, un teatro para mí totalmente ahogado por la verbalidad, un discurso “progre”, contestatario, que dice de manera metafórica. Uno está en conflicto con lo real, si lo querés afirmar dedicate a otra cosa, pero no al teatro. Acá es una cosa más directa (para nada virtual), que me obliga a estar a 5 metros, donde veo personas transpirando. Hay alguna gente que hace un tipo de teatro que piensa la actuación como el tema sobre el cual se puede aportar que no es el espacio, que no darán un mayor campo de estímulo. Desde esa actuación en vínculo con la dirección, si no tiene algún vínculo la actuación queda expuesta simplemente a su propia calidad y eso es un problema para los grandes actores, parecería que ya no tienen el estimulo del lenguaje como algo superador de su propia eficacia individual. Hay una alianza perversa donde el director no dirige, porque no sabe, deja que el actor resuelva y éste resuelve con lo que tiene, no se va a arriesgar. En general la relación tiende a ser burocrática. Juan Ignacio Crespo
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CUMBIA PARA CAMALEONES
La enfermera, la “mami”, se pasea por las habitaciones de un hospital del conurbano semivacío en ese día de paro. El poli, el cana, el yuta, custodia al preso, que está esposado a la cama de enfermo. Entre los tres, el triángulo de amor y una cumbia insistente que invita a soñar. En todo se escurre el secreto, lo ilícito.
Valeria Correa -actriz que forma parte del grupo Piel de Lava junto a las talentosas Laura Paredes, Pilar Gamboa y Elisa Carricajo- trama acá la historia de un trío romántico, tirante, traicionero y desamparado. La directora elige para este trabajo personal un mundo de paredes descascaradas, deseos intermitentes, chanchullos y píldoras, en una
obra que se apoya en actuaciones fuertes. La complicidad susurrada entre los personajes de Lalo Rotavería y Julián Vilar, ese intercambio amistoso entre preso y guardián que, con sus roles desdibujados, hablan de ilusiones y de mujeres, es uno de los momentos más potentes y sutiles de la obra, antes de entregarse al tironeo de tres. Laura López Moyano, eléctrica y brillante, completa el trío actoral. Correa mantiene bien presente el fuera de escena. Se siente el hospital con sus recorridas de turno y su patio para fumar, y también las calles desiertas de ese “falso domingo”. Después está la cumbia. La melodía pegajosa de la cumbia apretando los cuerpos, inventando posibilidades, regalando piropos y endulzando los labios en los momentos de encuentro que son fugaces y clandestinos. paula boente Dramaturgia y Dirección: Valeria Correa. Interpretación: Laura López Moyano, Lalo Rotavería y Julián Vilar. Teatro Sisimico, Lavalleja 960; Sábados a las 21; localidades $150.
La premisa es harto conocida Romeo y Julieta incluso, son tan sólo nombres, una abstracción sin cuerpo único donde alojarse, que todos los actores portan en algún momento sin distinción de género ni jerarquía. Es un acto político poner a ocho actores interviniendo con su imaginario contemporáneo, con la información que da la propia corporalidad, textos que arrastran la poesía de cientos de años. Crece la ficción en este diálogo, sin personajes y sin relato, con el mito del amor hasta el delirio, con la desmesura que permite la tragedia, durante casi dos horas en una sala independiente en la ciudad más teatral del mundo. El deseo de representar un Shakespeare en una ciudad plagada de espectáculos que remiten a este autor de inquietudes universales. Romeo y Julieta ha sido siempre una excusa más que válida para representar las problemáticas y los caprichos del amor romántico, que como constante humana universal parece atravesar intacta el tiempo y el espacio. Entonces, ¿qué convierte
a esta obra en una relectura distinta? Juan Prada plantea un juego diferente al de las versiones esperadas ya que expone la condición del actor, e impone a la actuación por sobre todas las cosas. Hay un regodeo exquisito en el compromiso del cuerpo del actor como instrumento, del atlético entrenamiento de un grupo de personas que se dedica a generar ficción.
Mara Teit Dramaturgia y dirección: Juan Prada Actúan: Nicolás Barsoff, Roberta Blázquez Calo, Mariano Kevorkian, Sergio Mayorquin, Andrés Rasdolsky, Agustina Rodriguez Eyras, Paula Uccelli, Frida Jazmín Vigliecca Música: Baltazar Oliver Abasto Social Club Yatay 666 Domingos a las 20:30; $150.
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VÉRTIGO
El clown es la instancia más vulnerable dentro de las dinámicas teatrales, no sólo porque opera en un vacío total en comunión contante con el aquí y ahora, el espacio, el tiempo, los objetos y el publico sino que lo hace con una libertad impensada. Siete payasos, dos músicos y un director omnipresente, eso es Vértigo. Tomando como punto de partida el lenguaje específico que Marcelo Katz viene trabajando en sus numerosos espectáculos, y la improvisación, como impronta fundamental de la pedagogía del clown, estaremos cada jue-
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ves, en presencia de nuevas historias que se irán generando en la misma relación viva de los actores y sus personales y particulares poéticas. Después de más de 25 años de trabajo como payaso, nos ofrece en forma de espectáculo, una experiencia clown extrema donde valoriza el tiempo presente absoluto plagado de riesgo, donde se generan insólitas situaciones de la mano de intérpretes que en total apertura física/cómica/emocional, ofrecen imaginarios inesperados e interpelan directamente al público y sus reacciones.
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Y de este lado, del lado de los movilizados espectadores, el director, como una especie de manipulador sutil que interviene para que el contacto sea justo y preciso, para que el desborde guarde su belleza y su potencia. M. T. Actúan: Cecile Caillon, Lourdes Herrera, Gastón Jeger, Damián Luna, Diego Benjamin Pérez, Mariano Russo, Agustín Saiegh, Hernán Salcedo Músicos: Camila Ibarra, Tano López Dirección: Marcelo Katz Espacio Aguirre Aguirre 1270 Jueves a las 21; $130.
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cine
resistencia under ATOCIGADOS POR CARTELERAS DE ESTRENOS QUE SÓLO INCLUYEN AL CINE COMERCIAL, LLEGA “PANTALLAS EMERGENTES”, UNA PROPUESTA PENSADA PARA DISFRUTAR DESDE OTRA ÓPTICA. En el arte en general, y en expresiones tan particulares como el cine, hay un canal, una vía que hace algunos años no se exploraba; quizá por falta de necesidad, por desconocimiento o por temor. Este canal tiene que ver con el boom de la autogestión y la difusión de obras tan clásicas para los fanáticos de culto como desconocidas para la gran mayoría de espectadores. Hace un tiempo en Buenos Aires se empezó a gestar un fenómeno que crece a pasos agitados hoy y que se está volviendo cada vez más empático para la gente: los ciclos de cine. Lejos de tener un fin pedagógico o educativo (aunque sabemos que el cine se ha prestado para el aprendizaje y las reflexiones en varias disciplinas), estas
jornadas cinéfilas son llevadas a cabo por colegas que respiran el séptimo arte casi desde la cuna y cuyo deseo es poder acercar otras obras a un espectador ávido de empaparse de algo diferente. Dentro de la enorme cantidad de proyecciones no comerciales que se llevan a cabo en la ciudad, aquí compete mencionar a CinemaScope Presenta, La Nave de los Sueños, Muere Monstruo Muere, Mondo Trasho y Sadem Ciclo de Cine, las cinco flamantes estrellas que componen un proyecto joven pero fuerte: la Red Argentina de Ciclos de Cine. Los integrantes tienen en común la proyección de películas regularmente también en forma aislada: cine de género, cine olvidado, joyas rescatadas, cine trash y biza-
rro, cine nacional y hasta anime. Cada cual con lo suyo logró tener su propio público. Así lograron crecer y fidelizarse como estandartes defensores de la cultura del cine independiente. En cada jornada vemos casi siempre los mismos rostros: actores, actrices, técnicos, amigos, todos referentes de un circuito muchas veces bastardeado pero plagado de artistas talentosos. Como los hay de la música, de los libros, de los autos; también están los fanáticos del cine que conforman esta cofradía y cuyo objetivo más grande será el de llegar al interior del país llevando esas películas que muy pocos conocen. Mientras tanto ya tuvieron su lanzamiento oficial en abril en el Teatro Mandril, acompañados por el director Javier
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Diment (El eslabón podrido, 2015), que proyectó en carácter de pre estreno su documental “El sistema Gorevisión”, que auspició de puntapié y catalizador de la esencia de la agrupación. Esta es una época un tanto particular para nuestra cultura y “Pantallas Emergentes” viene a trastocar lo establecido, junto al trabajo de miles de muestras, festivales y cineclubes de todo el país. Por la módica suma de 25 o 30 pesos y, en ocasiones, con entrada “a la gorra”, cualquiera puede acercarse a los diferentes lugares en los que estos gestores se hacen presentes todos los meses como habitués del circuito de los márgenes, propicio para el intercambio. Estos lugares son mayoritariamente el Teatro Mandril, la cuna de eventos independientes y proyecciones bizarras por excelencia; La Gradisca, justo al lado de la Universidad del Cine, en la zona
de San Telmo; con anterioridad el auditorio de la Biblioteca Nacional; y el Sadem Art, un mítico pub donde músicos de toda índole suelen tener su repertorio propio, entre otros. “Pantallas Emergentes” ha llegado para quedarse y terminar de establecerse como aquel espacio que los artistas independientes buscan para exponer sus obras por fuera de los festivales más grandes. El público también estará agradecido de poder dialogar cara a cara con aquel director que siguió durante años o pensó que nunca iba a cruzar. En “Pantallas Emergentes” todo esto es posible.
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XIMENA BRENNAN
ARTE
saltar al vacío OROZCO, RIVERA, SIQUEIROS. LA EXPOSICIÓN PENDIENTE Y LA CONEXIÓN SUR: 43 AÑOS DE ESPERA Y UNA LARGA HISTORIA PARA CONTAR. A partir de mayo, desembarca en el Museo Nacional de Bellas Artes, OROZCO RIVERA SIQUEIROS Y LA CONEXIÓN SUR. Como una suerte de revancha a los embates del tiempo, más que una exposición, se
trata de una lectura sobre la construcción de la identidad latinoamericana en tanto región. Lo cierto es que la historia de esta muestra está ligada a parte de la historia no solo de México sino de Chile y ahora,
de Argentina también. Nacido como movimiento político en los años 20, el muralismo había sido impulsado por el gobierno del militar Álvaro Obregón y el secretario de Educación, José
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PANCHO VILLA,1931. OROZCO FLORES CLEMENTE. ÓLEO SOBRE TELA. 69 X 51.3 CM.
TORMENTO DE CUAUHTÉMOC (CROQUIS) 1950. ALFARO SIQUEIROS JOSÉ DAVID. LÁPIZ SOBRE PAPEL OBRA 121.5 X 182.5 CM.
Vasconcelos, con el objetivo de unificar al pueblo mexicano post revolución. Lideraron la iniciativa Siqueiros, Rivera y Orozco, quienes tuvieron que enfrentar la resistencia de los sectores más conservadores de la sociedad del DF, incluidos los mismos estudiantes universitarios. En determinados contextos, hablar de ciertas cosas equivale a saltar al vacío y ellos estaban dispuestos a hacerlo. Los murales que narraban la vida
de los trabajadores y la lucha por la libertad se presentaban como una democratización del arte. Era un arte que visibilizaba aquello que muchos querían olvidar. Muchos años después, en 1973, las obras de los tres grandes del muralismo mexicano, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, aterrizaban en Chile. El presidente mexicano Luis Echeverría Álvarez y el chileno Salvador
Allende habían acordado la muestra, eran obras de caballete. Pero el Golpe de Estado del 11 de septiembre de ese mismo año frustró la inauguración fijada para el 13 de septiembre. Las obras tuvieron que embalarse nuevamente para esperar a ser trasladadas a México. En ese breve lapso el edificio fue ametrallado por el ejército. Increíblemente, no fueron dañadas. El resto, se sabe, fue todo silencio y oscuridad. Hoy para saldar esta deuda histórica esta exposición retoma su gira y llega a Buenos Aires. Quien visite esta exposición podrá dar cuenta del registro de una mirada profunda que nos confronta con realidades aparentemente de otro tiempo. Pero esa mirada lejana nos devuelve, no obstante, la visión sobre nosotros mismos. Las obras aquí expuestas reflejan la acumulación de la falta en todas sus dimensiones. Los trabajadores, luchadores incansables vuelven de la mano de algunos bocetos, óleos, litografías y pinturas realizadas en madera aglomerada y con piroxilina. La muestra se organiza en dos núcleos: “La exposición pendiente”, curada por Carlos Palacios, curador del Museo de Arte Carrillo Gil, y “La conexión Sur”, a cargo de Cristina Rossi. En la primera parte, se agrupan 76 obras que formaron parte de “Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura mexicana”. Pensa-
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PREMIO FUNDACIÓN MEDIFÉ ARTE Y MEDIOAMBIENTE
Si sos artista y trabajás en torno a temáticas relacionadas con el medio ambiente esta propuesta es para vos. La Fundación Medifé lanza una convocatoria abierta a quienes realicen prácticas afines -individuales o colectivos- de todo el país para presentar proyectos de Arte contemporáneo que aborden cuestiones relativas a las problemáticas medioambientales, en un amplio sentido del término. Podrán presentarse intervenciones en espacios públicos, obras site specific, fotografías, videos, instalaciones, pinturas, esculturas y trabajos que incluyan diseño y/o arquitectura. Del 15 de mayo al 15 de septiembre. www.bienalfundacionmedife.com.ar
NARRANDO EL MARGEN NUEVA RESURRECCIÓN, 1946. ALFARO SIQUEIROS JOSÉ DAVID. PIROXILINA SOBRE MADERA COMPRIMIDA. MARCO 119.5 X 89 X 6 CM.
da en cuatro momentos, este sector aborda las diferentes interpretaciones sobre el retrato, los horrores de la guerra, la mirada social y las experiencias muralistas. La segunda parte, “La conexión sur, registra la trama de intercambios entre los tres maestros mexicanos con el medio y los artistas argentinos. Aquí podrán verse pinturas, dibujos, esculturas, grabados, bocetos y documentación de acciones realizados por Antonio Berni, Carlos Alonso, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Romero, Diana Dowek, Juan Carlos Distéfano, Demetrio Urruchúa y Juan Carlos Castagnino, entre otros. Como dice Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes: “Esta muestra posee un significado que trasciende el ámbito de las artes, y tiene algo de reparación, de justicia histórica. A la vez, permite interrogar esas poderosas visiones bajo la pregunta por el devenir
de las artes y de los pueblos latinoamericanos en un nuevo contexto histórico”. De alguna manera, aquí se presentan nuestras propias fisuras como sociedad. Cabe preguntarse, en todo caso, ¿puede la injusticia ser algo ajeno? LUZ MARCHIO
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OROZCO, RIVERA, SIQUEIROS. LA EXPOSICIÓN PENDIENTE Y LA CONEXIÓN SUR Hasta 7 de agosto Museo Nacional de Bellas Artes Av. del Libertador 1473- martes a viernes de 11:30 a 19:30/ sábado y domingo de 9:30 a 19:30 www.bellasartes.gob.ar
Comienza el Festival Fanzín del Rojas – 1ra. Edición- con la exposición de reconocidos historietistas y dibujantes: Muriel Bellini, Lucía Brutta, Ernán Cirianni, Lautaro Fizman, Natalia Lombardo, Ariel Lopez V, Pedro Mancini, Nicolás Mealla, Juani Navarro, Juan Panno, Jorge Quien, entre otros. Argentina tiene una amplia trayectoria historietística, que alcanza casi cien años y centenares de autores. Tantas décadas de riqueza en estilos, géneros y temáticas fueron el caldo de cultivo para nuevas generaciones, quienes desde hace más de 20 años vienen renovando el género. Centro Cultural Rector Ricardo Rojas- Av Corrientes 2038. Del 4 al 29 de mayo- Lunes a sábado de 8 a 21. Gratis. www.rojas.uba.ar
MÚSICA
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el último disco de Prince
LA INESPERADA NOTICIA DE LA MUERTE DE PRINCE NOS CORRE POR UN MOMENTO DE LA ESCENA LOCAL PORTEÑA E INVITA A ZAMBULLIRNOS EN LA CARRERA DE UN ARTISTA CASI INDEFINIBLE.
El pasado viernes 21 de abril murió Prince. Además de una muerte totalmente inesperada -Prince estaba en plena actividad, haciendo shows de su gira Piano & Microphone- fue en circunstancias que en apariencia resultan difíciles de relacionar con su persona, sobre todo teniendo en cuenta la glamorosa figura que el músico construyó durante todos estos años: Prince fue encontrado muerto en el ascensor de Paisley Park, el imponente complejo ubicado en las afueras de su Minneapolis natal, que oficiaba de estudio de grabación, de sala de conciertos, de bunker comercial y también de hogar. Cuesta creer que al momento de su muerte estaba solo en la inmensidad de ese Xanadu. Pero, por más sórdido y extraño que parezca, esa muerte empieza a plagarse de sentido si echamos un rápido vistazo a algunos pasajes de su obra. Purple rain, su disco más exitoso, abre con un recitado que habla del mundo del más allá,
“donde siempre se puede ver el sol, de día o de noche” y da paso a uno de sus grandes hits, “Let’s go crazy”, cuyo estribillo reza: “¿Vamos a dejar que el ascensor nos lleve hacia abajo?”. Por otra parte, una de sus canciones más sentidas, “Sometimes snows in april”, que relata la muerte de Tracy, alter ego de Prince en el film Under the cherry moon -cuya banda sonora es el genial disco Parade- no solo hace referencia al mes de abril, el mes cruel de Eliot, el mismo en el que Prince moriría, sino que uno de sus versos dice algo que podría aplicarse a su precipitada muerte a los 57 años: “dicen que las cosas buenas nunca duran”. Sobre la predestinación de la muerte de esta clases de artistas visionarios y sobre todo sobre la importancia de la obra de Prince para la música universal en general y en nuestro país en particular es algo de lo que se podría hablar horas y horas. Pero
resulta inquietante detenerse unos minutos en el último disco que Prince editó en vida, un álbum que cobra relevancia en medio de una obra prolífica -casi inabarcable si contamos la cantidad de material inédito que Prince guarda en su mítica bóveda- compuesta por más de cuarenta discos. Luego del amague de retiro con el disco 20ten de 2010, Prince volvió con todo en 2014 editando en simultáneo Art Official Age y Plectrumelectrum, junto al power trío femenino 3erdEyegirl. Pocos meses después, ya en 2015, editó Hit n Run Phase One -nombre que había utilizado en su tour de 1986 y del 2000- y a fines del año pasado Hit n Run Phase Two, que terminaría siendo su último álbum. Es decir que en el lapso de un solo año Prince sacó cuatro discos. En tiempos donde los artistas suelen tomarse de dos a tres años “estratégicos” para sacar un nuevo trabajo este tipo de gestos resaltan todavía más. Pero a decir verdad esto
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es algo que para los fans de Prince ya es moneda corriente. En el 96 había sacado Emancipation, un álbum conformado por tres discos de 60 minutos exactos de duración y el rockero Chaos and Disorder. En el 98 uno triple con material descartado de todas las épocas (Crystal Ball), el acústico The truth y New Power soul, sin contar los discos de Chaka Khan y Larry Graham que produjo y salieron en simultáneo con este último. Pero volvamos a Hit n Run Phase Two, que tenía casi todo para ser un disco más y sin embargo hoy resulta histórico e inolvidable. A pesar de su título poco particular, subsidiario de un álbum anterior, y del horrible dibujo de la tapa, Hit n Run Phase Two desde el momento mismo de su salida -y sin sospechar que Prince moriría menos de un año después- ya daba muestras, con solo oírlo, de ser un disco memorable. Y lo del título y el arte de tapa no es una cuestión menor y superflua si pensamos que por el nivel de las canciones Prince hubiese podido promocionarlo como un gran regreso, como un nuevo hito, tal como lo había intentado con Rave un2 the joy fantastic en 1999 (sin éxito) y en 2004 con Musicology, cuya estrategia fue más eficaz que el resultado artístico de un álbum bastante complaciente y dispar. Pero con Prince las cosas nunca son como se esperan. Lo primero que sorprendió de Hit n Run Phase Two fue la diferencia con
su predecesor. Tal vez Hit n Run Phase One sea el peor disco de toda la carrera de Prince. Y si no el peor seguro el más intrascendente. Salvo tres temas - “Shut this down” , “1000 X’s & 0’s” y “June”- se trata de un álbum que oscila entre reversiones de Art official age y un pop estridente sin demasiada sustancia. En realidad editó este disco para ayudar a impulsar Tidal, la plataforma de streaming de Jay Z, competencia de spotify donde la música de Prince brilla por su ausencia. Por eso cuando salió la segunda parte de este disco las expectativas eran más bien pocas. Nada parecía indicar que sería su mejor disco en años, al menos desde el notable 3121 de 2006. Con Hit n Run Phase Two, Prince volvió a un sonido 100% analógico y a un concepto de canción en el que hacía mucho que no ahondaba. Pero lo más sorprendente, y sobre todo con el diario del lunes abierto, es que en el disco haya tantas referencias y guiños a los comienzos de su carrera y a los momentos dorados de su obra. El primer tema, “Baltimore”, ya había sido lanzado cuando se produjeron los disturbios raciales en esa ciudad. Se trata de un tema mid tempo con un arreglo de cuerdas al final que recuerda a esos finales épicos en un contexto totalmente pop como los de “Raspberry Beret”, “Cristopher Tracy’s parade” o “Glam Slam”. Le sigue “Rocknroll loveaffaire”, que empieza con un arreglo de brasses a la Steely Dan y pron-
to se convierte en un riff casi idéntico al del teclado de “1999”. Además la guitarra acústica y el groove de la canción remiten indudablemente a “Take me with you” de Purple rain. Dos temas después llega “Stare”, donde las referencias se vuelven explícitas. En un momento aparece sampleado el corte de guitarra de “Kiss” y en otro los jadeos y la coda de “Sexy dancer”, uno de los hits de su segundo álbum. A “Stare” le sigue una versión aggiornada e irresistible de “Xtraloveable”, uno de sus temas más descaradamente lascivos, descartado de la época de Dirty mind, su tercer disco, y que siempre amagó con editar en otros álbumes y recién ahora encuentra su lugar. Y como si fuera poco, más allá de tanta autorreferencialidad, Hit n Run Phase Two tiene esa clase de canciones inclasificables, marca registrada de la casa, que aunque ya escuchamos mil veces siempre queremos volver a escuchar bajo otra piel en cada nuevo disco de Prince. En este caso el podio queda reservado para la sugestiva “Look at me, look at u” y la enorme “Groovy potential”. Es dificil asimilar que esto ya no volverá a ocurrir, que a pesar de todo el material inédito acumulado en la bóveda ya no habrá otro nuevo disco de Prince pergeñado en las jornadas interminables de Paisley Park. Sí, ahora Paisley Park está solo en nuestro corazón. martín caamaño
M i
Sábado 21
La banda de Ale Sergi y Juliana Gattas festeja 15 años de vida a puro pop en un show íntimo y festivo. Repasarán toda su carrera sin obviar sus grandes éxitos en la que promete ser una noche inolvidable. Artista invitado: Roli Belinda. A las 21hs en Niceto Club (Av. Niceto Vega 5510). Entradas: $330
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Jueves 26
Por tercera vez la banda electrónica visita la Argentina, ahora con nueva cantante tras la partida de Alice Glass. La dupla canadiense luego de Crystal Castles I, II y III, está por lanzar su cuarto disco de estudio del que aún no se conocen grandes detalles. A las 21hs en Groove (Av. Santa Fe 4399). Entradas desde $650.
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Jueves 2
Nuevo show del proyecto del prolífico Lucas Martí en el que diferentes cantantes femeninas de la escena local e internacional interpretan canciones que él compuso especialmente para ellas. Presentarán el flamante álbum Presión social. A las 21hs en el CCK (Sarmiento 151). Entrada gratis.
NOCHE
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risas desde las vísceras
I pequi zervino
EL STAND UP YA EXCEDE LOS LÍMITES DE LA CALLE CORRIENTES Y ES POSIBLE ENCONTRARLO EN LUGARES COMO LA KERMESSE, EN BARRIO NORTE, DONDE SE DESARROLLA EL CICLO VISCERAL. Todo es subjetivo, absolutamente todo. La objetividad sólo existe en el término que la nombra y no significa más que un imposible contrapuesto a toda base de existencia de un sujeto. Por ejemplo, la división tan extendida de género, hombre-mujer, que de alguna manera atraviesa a todo el planeta, goza de esa supremacía por una cuestión de subjetividad. Ni hablar con otros tipos de dicotomías, como, alegre-triste, pesimista-optimista, rugbier-futbolista, cocinero-delivery dependiente. En cambio, podrían imponerse otras que organizaran la sociedad de una manera menos tajante y más relajada. En ese sentido podríamos empezar con la siguiente: los que hacen reír-los que se ríen. Al llenar una planilla de datos personales, este ítem debería ser tenido en cuenta, sobre todo porque cada vez está más extendido este fraccionamiento, y queda evidenciado sobre todo en un show de stand up, tan en boga por estos tiempos. La moda del stand up ya lleva varios años en ciertos países y en Argentina crece exponencialmente, por lo cual no parece que vaya a tomar el mismo camino que, por ejemplo, la moda del paddle. Muchos actores que hoy son afamadas estrellas de Hollywood han dado sus primeros pasos como comediantes de este estilo, y en Argentina podría decirse que los
precursores fueron personajes como Tato Bores o Enrique Pinti. Aunque la expansión vino después, y la Avenida Corrientes fue un trampolín de desarrollo para este género, cruza entre lo teatral y lo terapéutico. A su vez se desarrolló un circuito off que ayudó a expandir los límites más allá de la avenida de las luces y hoy los shows de stand up se multiplican, quizás por la poca infraestructura que se necesita para montar un espectáculo de este tipo o, justamente, por el inminente avance del nuevo paradigma: los que hacen reír-los que se ríen. Entre estos shows se destaca Visceral Stand Up, un ciclo a veces mensual, a veces quincenal, que se lleva a cabo en La Kermesse, un teatro bar que bien puede verse como la réplica de los clubes de comedia de los años 80 en Estados Unidos, donde se cultivó el género. El hecho es que aquellos viernes en los que se alinean los planetas, surge Visceral, comandado por el comediante Julián Roqué, y en el cual participan varios otros artistas de la escena local, con el noble fin de hacer reír al público asistente. Para el 13 de Mayo se prepara una edición de luxe, con el cierre a cargo de Nico Biffi, uno de esos comediantes que no te dejan tomar cerveza porque en cualquier momento te hace
escupirla de la risa. Ah, es que mientras el show tiene lugar, se puede tomar algo e incluso comer picadas, pizzas y empanadas. Con tantos viernes en la vida, sólo unos pocos tienen Visceral Stand Up. Quizás la semana te pegó fuerte y preferís tirarte en el sillón a ver nada por televisión. Eso podés dejarlo para otro día, Visceral Stand Up no. Sólo hay que acercarse a Anchorena 1347 y bajar las escaleras (stand up downstairs?) hacia el sub-suelo donde funciona La Kermesse. Una vez dentro, los que hacen reír se encargan de todo; los que se ríen no tienen más que cumplir con su función, que seguramente no demandará ningún esfuerzo. Eso sí: para un comediante lo mejor son las risas con ruido, la risa silenciosa es como el mar sin olas o un rogel sin dulce de leche. MARTÍN D’ADAMO
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Visceral Stand Up La Kermesse Teatro Bar Anchorena 1347 Viernes 13 de Mayo, 21:30 hs. Entrada: a la gorra Facebook: Visceral Stand Up
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BARES
arriba la birra LA ELABORACIÓN DE CERVEZA ARTESANAL CRECE. POR ESO ON TAP ABRIÓ UN SEGUNDO LOCAL EN COLEGIALES QUE SE SUMA AL DE PALERMO, PORQUE LO QUE IMPORTA ES LA CERVEZA. Desde principios de este joven milenio en nuestro país fueron apareciendo numerosos Brew Pub, es decir recintos donde elaboran y venden su propia cerveza. Sin embargo existen también tabernas donde no se produce la seductora bebida pero se ofrecen variedades de todo tipo. Tal es el caso de On Tap, situado en Palermo, y que por su concurrida asistencia se replicó en el lindero barrio de Colegiales. Justo en la intersección de Freire y Zabala abrió su nuevo local, con todas las similitudes de su gestor, aunque por ahora, algo más liberado para la circulación. Esto no quiere decir que llegando a las diez de la noche vayas a encontrar una mesa, pero al menos el tráfico humano aún no se ve tan afectado como en el local de la calle Costa Rica, donde en momentos se asemeja a un recital de la banda del momento. El nuevo local en esquina, que anteriormente fuera una galería de arte, ahora exhibe el arte de la birra, el de saborearla, comparar sus variedades, seleccionarla y sobre todo disfrutarla. Para la indecisión se ofrece una pequeña cantidad, como para degustar y así poder elegir la pinta más conveniente para el propio paladar. La oferta de cerveza incluye
una veintena de diferentes tipos, provenientes de las mejores microcervecerías, siempre del ámbito local y que pueden pedirse por su nombre o por número. Entre la amplia variedad de rubias, rojas y negras, se destacan la ahumada Finn Amber Roggen (justamente la 14), la Breoghan Golden y la Beata Ipa, sin ningún ánimo de despreciar tantas otras muy recomendables también. Según el tipo, algunas forman parte de la oferta permanente mientras que otras se incluyen en las opciones según la estación del año. Para quien no guste de la cerveza (¡que libere la silla!), hay algunos tragos y sobre todo suculenta y bien elaborada comida, que incluye hamburguesas caseras, papas especiales y opciones más refinadas que pueden verse en la foto que acompaña a esta nota, y ejercen un buen maridaje a la hora de combinar sólidos con líquidos. Los precios son razonables: una pinta cuesta al día de hoy (mañana nunca se sabe), $ 65, y durante el happy hour, que dura hasta las 20:30 hs, sólo $ 50. Para empezar a picar se recomienda una porción abundante de papas Francia, por $ 60. El flamante local parece una maqueta sacada de un cuento feliz, con su techo a
dos aguas y una prolijidad que hace que casi se perciba el olor a nuevo. Goza de cierto estilo anglosajón que encaja perfecto con la costumbre de consumir bebidas frías aún en épocas de bajas temperaturas como las que se avecinan. No es un gran espacio, pero tiene dos plantas, que incluyen una terraza y mesas en la vereda, además de una cuidada decoración, que como elemento más llamativo incluye una bicicleta desarmada contra la pared, con las herramientas necesarias para hacerla andar. No es casual: su logo ostenta una bicicleta, que deja al descubierto su condición de bici friendly. El nuevo On Tap es, para quienes gustamos de los sabores puros de las cervezas no industriales, una buena noticia. Porque no importa si hace calor o frío, lo que importa es la cerveza. MARTÍN D’ADAMO
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On Tap Colegiales Freire 1101 Martes a Domingo desde las 18 hs ontap.com.ar
B/R !
BARES Y RESTAURANTES bares@revistallegas.com.ar
DOÑA
Bulnes 802, esq. Humahuaca Reservas: 4862-9278 Doña es una cantina que intenta homenajear a los grandes bodegones de Buenos Aires desde la mirada del presente, rescatando ese espiritu que nosotros recordamos de nuestra infancia.
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LA REINA KUNTI
Humahuaca 3461. Abasto. Reservas e informes al 4863-3071. Delicias vegetarianas de la cocina védica. Un rincón para espiritualistas donde el aire que se respira es más liviano. Chutneys, arroces varios, ensaldas y pastas. Deliveryc atering. Martes a sábados de 10:30 a 0:30.
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TIEMPO DE GITANOS
Restaurante - Tablao Flamenco El Salvador 5575, Palermo hollywood, tel.4776-6143 12 años con el mejor show flamenco y la cocina española imperdible, para venir con amigos de tapas, aprovecha y presenta el aviso de esta pagina para obtener un 2x1 en entradas al show. www.tiempodegitanos.com.ar
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Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja. Reservas: 4863-7923 Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas, vinos y buena música para condimentar.
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filo
San Martín 975. Retiro. Reservas 4311-0312 / 1871. Cultura gastronómica ítalo-véneta, lugar de diversión, para mirar y ser visto. Música, siempre. Excelentes las pizzas y la mejor barra de tragos. Más información en: www.provision@filo-ristorante.com
Guarda la Vieja!
Musetta Caffé
Musetta Caffé. Billinghurst 894, esquina Tucumán. Información y reservas: 4867-4037. Disfrute de los mejores desayunos, meriendas, almuerzos y cenas. Lunes de 10 a 20; martes a viernes de 10 al cierre; sábados de 17 al cierre. Más información en www.musettacafe.com
Doña Una pequeña cantina en una esquina del barrio de Almagro Especialidad en pastas caseras amasadas en el salón Picadas con productos artesanales Abierto de martes a sábados de 12 a 15:30 y de 20 a 00:30 hs Lunes y Domingos de 12 a 15:30 hs Bulnes 802, esquina Humahuaca, Almagro, Buenos Aires reservas al 4862-9278
Guarda la Vieja! Comedero & Bebedero ubicado en una clásica esquina de Almagro, con un ambiente ideal para relajarse con amigos o en pareja. Exquisitos platos caseros, picadas, tragos, cervezas y vinos. La música condimento ideal de la noche. No cobramos cubierto. Pago solo efectivo.
Billinghurst 699 esquina Guardia Vieja. Teléfono: 4863-7923 Abrimos todos los dias. Horario: Domingo a Jueves de 18 a 2 hs. Viernes y Sábado: 18 a 5 hs.