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CYAN. Ganadora Óperas Primas 2018 del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas los Viernes a las 20:30. Corrientes 2038. Dramaturgia y dirección de Pilar Fridman. Ciclo Teatro Off Shore. Se presentan 3 obras escritas por Florencia Aroldi. Sábados 21:30 hs. Teatro El Piso. Hidalgo 878. Entrada A la Gorra.
OBRA DE TAPA Ofrenda al Volcán Bertrand, Catamarca. Juan Pablo Marturano nace en Buenos Aires en 1975. En 1999 obtiene el título de Profesor Nacional
SUMARIO 4-11 TEATRO Un almuerzo argentino la nueva creación de Bernardo Cappa
de Escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes
de la factoría de su taller de montaje, vimos Oslo de Gonet y Pondonor de
Prilidiano Pueyrredón.
la dupla Garrote-Spregelburd, además, Mariana de la Mata cuenta que
Al año siguiente, se traslada a Italia e ingresa a
hace sino ensaya, dirige o actua.
la Accademia di Belle Arti di Carrara, donde se especializa en la talla en mármol.
12-13 BUENOS AIRES Darío “el Krtu” Coronda un artista callejero que sigue
Es becado en Japón para dedicarse principalmente a
dejando su huella plasmada en las paredes urbanas: cueste lo que cueste
la talla en granito y piedras duras.
hay que conocerlo.
En 2013, presenta una serie de obras relacionadas con los montes Fuji y Aconcagua. Obtiene el título de
15 TEATROS EN PRIMERA PERSONA De la mano de tres chicas,
Doctor en Artes en la Tama Art University de Tokio.
Teatro Del Borde reactiva su potencia con aires de renovación hacia un
Recibió el Segundo Premio de Escultura en el
horizonte que lo deje en continuo estado de creación.
Salón Nacional de Artes Visuales de la República Argentina, Palais de Glace 2015.
17 LETRAS Socios fundadores una editorial independiente que crece y crece.
Esta obra puede visitarse en Defensa 1136, San
Les mostramos las nuevas criaturas de Iosi Havilio, “Jacki o la internet
Telmo. Hasta el domingo 2 de Diciembre.
profunda” y “Prendan el horno”, de Martina Juncadella.
Lunes a viernes de 11 a 18hs. Sabados de 12 a 18 hs. Domingos de 12 a 17hs.
19 CINE Rojo. La nueva película de Benjamin Naishtat, bajo la mirada de Carlos Diviesti, recrea la cruda y revisitada época de los setenta.
20-21 MUNDO CASTING Juan Risso relata el universo de CastingClub, que durante una década es una usina generadora de trabajo, para los actores y para los que no lo son.
Visitá www.revistallegas.com.ar / En Facebook: Revista Llegás
? QUIENES SOMOS
EDITOR RESPONSABLE Ricardo Tamburrano DISEÑO Daniela Sawicki y Julieta Golluscio COLABORAN EN ESTE NUMERO Juan Ignacio Crespo,Paula Boente, Julieta Bilik, Martín Caamaño, Luz Marchio, Martín D´Adamo y Carlos Diviesti. TIRADA DE ESTA EDICION 6000 ejemplares PUBLICIDAD: Ricardo Tamburrano (15 5958 7489, ricardotamburrano@gmail.com y teatro.llegas@gmail.com), llegás a buenos aires es una publicación mensual de distribución gratuita, Propiedad de Ricardo Tamburrano, Pje. Spegazzini 574, CABA. Fundada el 5 de agosto de 2004. Se distribuye en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Registro de marca 2519629. Registro de la propiedad intelectual exp. 347083. ISSN 1668 – 5326. La programación de las agendas puede sufrir cambios por parte de los organizadores. Llegás no se responsabiliza de los mismos.
TEATRO
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teatro y peronismo: mentir es un saber argentino CON UN ALMUERZO ARGENTINO, BERNARDO CAPPA VUELVE A LA CARGA SOBRE ESE MISTERIO POLÍTICO INMORTAL Y UBICA ALLÍ EL GERMEN DE LA ACTUACIÓN NACIONAL. Kafkiano y con mirada de roedor Bernardo Cappa susurra post-función de Un almuerzo argentino: “Yo no soy peronista, pero los actores sí y le dan esa impronta”. Laclau, el peronismo como Significante Vacío que puede significarlo Todo. Totalización. ¿Sigue siendo posible esto en la época de los flujos, los rizomas y la deconstrucción? Casi es fascista preguntar si algo es posible, si algo tiene Sentido. Si algo Es. ¿Y el Peronismo es? ¿Qué? Sabemos que es Incapturable (referencia intencional a Szuchmacher y al teatro). Sabemos que el representante de Dios en la tierra lo es. Que es una obstinación. Que sus feligreses son incorregibles. Que es un recuerdo que da votos. También es una máquina de poder indestructible. Un virus en el lenguaje y como el propio lenguaje siguiendo el diagnóstico de Burroughs. Para Cappa en estas descripciones se encuentra un gen de la potencia de cierta actuación local, la mentira poetizada: “El peronismo es una metáfora hecha de metáforas. Perón es el viejo, el pocho, el tirano prófugo, la prohibición de nombrarlo lo llenaron de nombres. En el peronismo el lenguaje encuentra
su mejor forma Argentina, para que algo se comprenda no debe ser nombrado por su nombre sino por su metáfora, la metáfora representa mejor a la cosa que el nombre de la cosa. Igual hacemos en el teatro, hacemos que matamos y el signo que usamos para representar el crimen representa además las emociones que están en juego, y los pensamientos q esa acción contiene, se multiplican sus sentidos. En el teatro nada es lo que parece ser. El peronismo logró ser innombrable. No hay palabra que pueda definirlo, mucho menos un concepto. Es esa cosa. En Argentina se puede nombrar lo que no tiene nombre diciendo la cosa. Esa cosa tejida de afectos hechos con emociones basura es el peronismo. El peronismo es la mejor ficción. Perón y Eva sus mejores actores, que como en Hamlet siguen actuando aún muertos. Perón supo como nadie representar al hombre de familia tipo argentino, supo emitir los signos que generaban las mismas emociones que se sentía al escuchar a un familiar, a un padre, a un tío, no sólo que lo representó sino que amplificó los gestos, los tonos, el manejo del aire, de la
respiración. Le dio forma. Esa forma de actuación es la forma en que los vínculos forman una trama social, un relato, esa forma de traficar emoción, de negociar angustia es la particularidad del entramado social en Argentina, la singularidad del entramado social argentino es la velocidad con que se trafican emociones, no se puede hacer más lento decía René Lavand y no se le veía el truco, mentir es un saber argentino del que se apropió el peronismo” ¿Y ahora qué pasa? Estamos viviendo una época insólita. De Sci-fi. Una distopía de Dick. Hace 3 años la élite gobernante no es justicialista. Los peronistas en sus diversos varietales están dinamitados, dispersos. No encuentran unidad ni plan superador, o sea enunciado trascendental. No desensillaron hasta que aclare, el caballo los tiró y los arrastra en el descampado. Mientras tanto Cambiemos parece traficar otras formas de representación y ficción política, entendiendo perfectamente que la épica no les corresponde, ni
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I gentileza: julieta coppola
los relatos. Tienen que inventar una nueva escena para nuevos dramas. “Macri es el opuesto. Macri es performer: representa la no representación. Es la verdad. Y la verdad es el mal. Macri es Calígula, hace lo que el pueblo le pide que haga. Cumple el deseo de la histeria, que todo termine mal, deja que se actúe la queja, es más, da motivos para la queja. En Argentina pareciera que hay dos modelos, no se sabe si es cierto, por supuesto que eso tiene metáfora, la grieta, la imagen de una grieta que separa en mitades un país es muy bella, de un lado unos vestidos de azul y amarillo y del otro los otros vestidos de rojo y blanco ¿Cuándo nos mataremos? Mientras tanto la teatralidad, los guiños, las invitaciones a pasarse de bando, los encuentros furtivos con los del otro bando, las discusiones, el excitante sexo culposo de los amantes, los crímenes verdaderos que no se ven, que no se verán nunca, los muertos sin nombre, a los que no se puede contar bien, mientras tanto el horror. La acción tiene consecuencias pero nunca se sabe bien cómo ni cuándo. Argentina es una obra de teatro perfecta. Un drama. Esa tensión dramática es la que sostiene el relato político. Cuando dejemos
de representar las fuerzas que hacen posible ese drama y las acciones tengan las consecuencias que deben tener, cuando actuemos en consecuencia tal vez encontremos una alternativa”.
la actuación nacional con mayor o menor fortuna. Y es ahí que siempre, inevitablemente, vuelve el peronismo, su espectro que merodea, sus retóricas. Su Necesidad imperiosa.
Un almuerzo argentino es una grieta maniquea. Peronistas y ex peronistas devenidos antiperonistas alrededor de una mesa en la época posterior a la muerte de Eva Duarte. Todos representan que representan: la eterna fidelidad partidaria o la acusación de totalitarismo y corrupción. Hay algo decadente y actual en estos personajes que giran en torno a una deuda impagable y la búsqueda de salvación externa (el FMI o algún familiar, sea lo que sea no es Capital propio. Ni real). Y esta parece ser la imagen del drama Nacional. ¿Con qué lengua escénica montar esto? ¿Con qué gramática? ¿Con que idioma? Ya ponemos en duda cualquier expresión ligada a lo nacional, lo propio, lo local. Sí! Hablamos de globalización. ¿Queda una actividad como el teatro fuera de esta captura? Creadores como Bartís, Kartún, Pompeyo Audivert, y el propio Cappa, entre otros, tratan de buscar cierto “argentinismo” en sus trabajos. Y no exclusivamente en los temas. Buscan el signo de
-¿Es acaso esta búsqueda la última frontera contra un teatro enorme que reproduce la imagen "del imperio" o en épocas hiperglobalizadas ya no hay imágenes nacionales? -El teatro en Argentina padece el problema que al mismo tiempo convierte a Buenos Aires en una de las ciudades dónde más teatro se produce en el mundo. Un teatro singular. De una poesía bastarda. La necesidad histérica de diferenciarse de la mersada. A la inteligencia teatral le avergüenza la condición de lo argentino, entonces intenta diferenciarse, como lo hace la clase media, que intenta diferenciarse del peronismo, ironiza. El peronismo hace metáfora, la clase media alta ironiza. Ser inteligente parece ser una obligación de clase. Esta pretensión de ser, nos vuelve solemnes, el teatro entonces se llena de obligaciones de contenido. Tiene que tener. Tiene que dar. Tiene que conmover. Tiene que devolver lo que el público fue
TEATRO
a buscar, un público muy demandante por cierto, que va a confirmar su lugar dentro de la cultura. Doy clase en la UNA y es muy común escuchar que a los alumnos hay que formarlos, hay que formarles el cuerpo para que actúen y la cabeza para que piensen, dejando de lado el pensamiento poético, dejando de lado la creación como forma de pensamiento y de aprendizaje, para expandir la experiencia de la existencia. Coordinar el aprendizaje no es lo mismo que enseñar. Quienes se acercan a la UNA ya saben actuar y pensar, buscan dónde hacerlo. La
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UNA forma para el modelo de representación imperante, para las demandas de una clase, se condiciona a la moda. Y la moda es en Argentina una religión. No estar a la moda es ser un paria. Sometemos al teatro a las demandas del público. Sometemos su poder para representar modelos de clase. Para poner en escena ideas. O emocionalidades que laven culpas, que enternezcan los vínculos. Así nos vemos buenos y comprensivos frente a un mundo lleno de violencia. Lo sometemos a la gramática del enunciado de nuestra ideología. Lo llenamos de de-
manda, de nuestra exigencia de clase. Nos sale muy bello. Muy inteligente. Muy intenso. Muy comprometido. Armamos equipos de amor, de respeto, comandados por un genio, tenemos por suerte muchísimos genios, siempre agotamos. No damos más de talento, estamos cansados de todo lo que nos hace hacer el talento, hemos leído casi todo, amamos a los escritores que publica Anagrama con sus tapas geniales, viajamos mucho, viajamos siempre, usamos la ropa que hay que usar, somos tan Lacan, tan Hegel, tan Zizek que a veces nos dan ganas de abrazar nuestro reflejo en el Riachuelo y nadar para siempre en nuestro imagen. Nos olvidamos de estar. Nos da miedo estar. Nos da miedo meter los dedos en el enchufe, y dejarnos atravesar por los afectos que hacen posible el horror que criticamos. Perón habrá sido un facho y Macri el mal, pero nosotros no estamos dónde decimos estar. No me excluyo. Muchas veces me falta coraje, no estoy afuera de lo que critico. Daría lo que no tengo para ser uno de esos genios. Ya cerca de los cincuenta el reflejo empieza a dar su verdadera imagen, no me gusta. Hubiera querido ser otro, como todos. No me peguen, hago muecas graciosas. Guardo en mí la esperanza de dejar algún día de hacerme el boludo y estar dónde digo que estoy. Dejarme de joder contando reservas en Alternativa teatral y dedicarme al vínculo con la mirada, ahí está la potencia del teatro y no en las cantidades. El público es una boludez.” JUAN IGNACIO CRESPO
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UN ALMUERZO ARGENTINO Interpretes: Trinidad Asensio, Juan Manuel Charadia, Gabriela Dey, Amilcar Nahuel Ferrero, Pablo Fetis, Nicole Kaplan, Federico Lozano, Melisa Omill, Guillermo Osuna, Horacio Pucheta,
I gentileza: julieta coppola
Lucila Rosende Dirección: Bernardo Cappa TEATRO HASTA TRILCE Maza 177 Entrada: $ 200,00 Domingo - 13:00 hs Reservas: 4326-3606
Inauguramos una nueva gestión Ubicado en el corazón de San Telmo. Una bellísima casa colonial restaurada pero conservada en su fachada original y parte de su interior. Cuenta con una sala teatral totalmente equipada, una sala de ensayo con pisos de madera, vestuarios, un hall recibidor con barra para tomar un rico vino o cerveza artesanal mientras se espera el ingreso a la función y un bar en el primer piso muy cálido e íntimo. Chile 630 San Telmo - informes y reservas 011 4300-6201 JUEVES 21 HS.
TODO FUE AGUA
de Leo Azamor y Augusto Patané Actúan: María Colloca, Franca Bolleta, Mercedes Cech, SofiaNemirovsky Dirección: Leo Azamor
SÁBADOS 20 HS.
SECRETOS
de Raquel Diana Actúan: Gabriela D' Agostino, Guadalupe Fernández, Alicia Ferrari, Guadalupe Leone, María José SalussoliaCarrion Dirección: Gabriela Vernieri
SÁBADOS 22 HS.
(Proximamente)
DOMINGOS 20 HS.
““ME LEVANTO UNA MAÑANA Y U SOY TAN EFÍMERO COMO EL VIENTO” Dramaturgia y dirección Emiliano Aguirre Actúan: Daniela García Letelier, Ariel Fernández, Ariel Bianchino, Delfina Cecchetti, Guillermo Pájaro, Facundo Olleros Franzini Asistente de dirección: Micaela Mantiñan
PERDÓN. P ¡¡ESTAMOS E EN GUERRA!
de Sergio Vodanovic Actúan: Julieta Álvarez, Daniel Avinceta, Patricio Barragán, Adriana Cerruti, Juan Pablo Cicilio, Cesira Coniglio, Micaela Gaudino, Marcelo Gril, Federico Laporte, Ariel Li Gotti, Ezequiel Olaz, Tatiana Rosé, Florencia Rossi, Fernando Skarbun, Mariano Zega Dirección: Daniel Godoy
Alquiler de sala para ensayos, clases y eventos. Precios promocionales de alquiler de sala en enero y febrero. Recibimos propuestas paraprogramación 2019 www.delborde.com.ar
TEATRO
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OSLO
Hugo llega de visita desde los paisajes gélidos y melancólicos de Noruega. Vive en Oslo y viene a Buenos Aires a quedarse unos días en la casa de Sergio. Son amigos de la infancia pero hace años que no se ven. Nelson, el compañero de piso, y su novia también serán parte de esa convivencia torpe en la que los cuatro comparten recuer-
dos, opiniones, cervezas y silencios. Lo extranjero enrarece lo cotidiano hasta volver a todos extraños para sí mismos. Con un historia pequeña pero profunda, situaciones bien aprovechadas y un elenco sólido, Fernando Gonet crea esta micro tragicomedia absurda sobre la soledad y la propia identidad. De la lejana región nórdi-
ca a la cercanía del mundo interior, el título de la obra es un anagrama que baraja sus opciones hasta el infinito, un viaje en círculo que lleva al punto de partida. El director y dramaturgo -que recorrió una extensa carrera actoral en teatro y cine, se formó con Guillermo Cacace, Mauricio Kartun y Rafael Spregelburd y presentó “El peor de los males”, entre otros trabajosexplota el contraste de los personajes en escenas domésticas muy efectivas entre el huésped taciturno que viene de tierras distantes y los habitantes de esa casa porteña. Imperdible la dupla con su amigo verborrágico y canchero. A lo largo de la obra, la incomodidad se pone en primer plano. La propia persona es un territorio inhóspito por conquistar, una superficie desolada en la que no siempre nos sentimos a gusto. PAULA BOENTE Dramaturgia y Dirección: Fernando Gonet. Actúan: Soledad Canamasas, Martín Durand, Oscar Munner, Leonardo Singereisky. La Gloria Espacio Teatral, Yatay 890; jueves a las 21; desde $150
PUNDONOR ¿Cuál es el límite de la cordura? ¿Y el de la dominación? ¿Cuán invisibles son las relaciones de poder que unen a cada persona con las instituciones y entre sí? ¿Hasta dónde es útil (y hasta dónde perverso) comprender los mínimos resquicios del funcionamiento del sistema? ¿Cómo dejar de reproducir la opresión de unos sobre otros? ¿Es posible des-alienarnos? Éstas y muchas otras preguntas son las que recorren la mente del espectador durante la (¿última?) clase de Claudia Pérez Espinosa, una profesora universitaria, doctora en Sociología por la UBA que ha dedicado su vida a “la Academia”. Esa entelequia, de la que como platea formamos parte, representa el fantasma que recorre su mente y más allá de estudiantes, intelectuales o colegas funciona como un micromundo que da cuenta del comportamiento estigmatizante de toda la sociedad. Señalar y excluir tranquiliza,
y aunque haya supuestas posibilidades de redención, la sentencia es firme. Loco se es, o no se es. La puesta naturalista sólo se corre de su registro hacia el final para resolver el conflicto dramatúrgico a través de un recurso evasivo que ofrece, lejos de la sutileza que recorrió toda la obra, definiciones. Allí es cuando logra ¿apaciguar? a los espectadores quienes hasta entonces estuvieron inquietos, expectantes, ansiosos por la compleja humanidad que Andrea Garrote, en la piel de Pérez Espinosa, les supo ofrecer. Por todo eso vale la pena Pundonor. Y el final, mejor olvidar. POR JULIETA BILIK Dramaturgia: Andrea Garrote. Dirección: Andrea Garrote y Rafael Spregelburd. Interpretación: Andrea Garrote. Espacio Callejón, Humahuaca 3759; sábados a las 20.30; $300 y $260.
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LADO B
el ocio lleva tiempo UN EJERCICIO REFLEXIVO DE AUTOCONOCIMIENTO PLANTEA MARIANA DE LA MATA EN EL QUE CONFLUYE LA BÚSQUEDA HONESTA DE QUE HACER CON EL TIEMPO LIBRE Recibí con alegría la pregunta ¿Qué hago cuándo no estoy actuando, no estoy dirigiendo, no estoy dando clases? Con el correr de las horas y los días la pregunta empezó a angustiarme, no aparecía nada muy claro. El tiempo del ocio y el del trabajo artístico son la mayoría de las veces territorios confusos para mí. Así que lo único que pude responderme con cierta certeza fue: descansar. También pensé: nada, siempre estoy haciendo teatro. Pensar el tiempo del trabajo y el tiempo del ocio cuando la profesión está vinculada al deseo es más bien desconcertante. Tiempos que se mezclan o se superponen. ¿Cuándo estoy descansando y cuándo estoy trabajando? ¿Cuando me siento en mi escritorio con la intención de corregir un texto, o cuando estoy tomando una cerveza con mis amigas y estalla una idea que queda resonando? ¿Cuando estoy ocupada en resolver una escena o cuando voy distraída por la calle y encuentro la imagen que la resuelve? ¿Dónde encuentro un personaje?¿En la repetición obsesiva del ensayo durante meses o el día que me subo al colectivo y me mira los ojos? ¿Cuándo el fraseo del texto está en su ritmo exacto?¿En la función o cuando lo susurro mientras limpio mi casa? Mario Levrero en su Novela luminosa, en El diario de la beca, dice: “El ocio sí que lleva tiempo. No se puede obtener así como así, de un momento a otro, por simple ausencia de quehacer”. La reflexión viene a cuento de haber recibido una beca que le permitirá liberar su agenda de trabajo y dedicarse exclusivamente a la escritura. Levrero es uruguayo así que me queda cerca: obtener una remuneración por dedicarse al trabajo artístico por estos lados es una excepción. El trabajo está precarizado y el trabajo artístico está siempre al borde de caerse del mapa. Esto complejiza considerablemente el problema.
Resuena en mi cabeza feminista: “eso que llaman amor, es trabajo no remunerado”. Hay otra división del tiempo que tengo más clara. El tiempo adentro de la sala o afuera de la sala. El tiempo adentro del ensayo o afuera del ensayo. El tiempo de hacer funciones o de no hacerlas.
“Cuando miro para atrás una semana o veinte años me veo en algún ensayo. Y si la única respuesta afuera de ese tiempo que puedo esbozar con obviedad es la del descanso, entonces aparece el mar.” Cuando empecé a estudiar actuación, pasaba muchas horas ensayando fuera de las clases. Iba a La Escuela de Teatro a la mañana y por las tardes ensayaba las escenas que había que trabajar. No siempre estaba claro qué era lo que hacíamos en el ensayo, muchas veces era más bien estar buscando sin saber mucho qué. Quería estar en ese espacio, aunque aún no tuviera claro cómo habitarlo. Más adelante, empecé a actuar y dirigir. Horas y horas en las salas, en los teatros, en las casas. Horas y horas pensando y probando alrededor de algo tan difuso y escurridizo como es una escena, una obra, cuando aún no tiene su forma ni su estructura. Horas en el ensayo, pensando en ese pedazo de realidad tomando forma, muchas veces a deshora, a contramano del ritmo productivo de la ciudad, en espacios oscurecidos artificialmente cuando afuera el sol raja el asfalto. Con el paso de los años fui aprendiendo y aceptando la pertenencia a ese tiempo fuera del tiempo. Si no es el ensayo, es la función cuando
estoy actuando, cuando estoy dirigiendo. O esas temporadas de escritura donde mi casa se vuelve bunker. Cuando miro para atrás una semana o veinte años me veo en algún ensayo. Y si la única respuesta afuera de ese tiempo que puedo esbozar con obviedad es la del descanso, entonces aparece el mar. Nací y viví mis primeros años cerca del mar, y nada se parece tanto a un sonido interno, a la respiración hecha paisaje. Cuando vivía en Mar del Plata, agarrar la bici para ir hasta la costa era una actividad habitual. Ir sin más plan que llegar a sentarme en la orilla o sobre una piedra a mirar, a escuchar. Sigue siendo así cuando voy de visita. En bici o caminando, nada me presenta menos dudas que salir con dirección a la costa. Tener un destino y cumplirlo sin preguntas. Eso sí que es descanso, ese paseo con rumbo definido. Llegar a la costa y mirar el mar durante el tiempo que se quiera, que se pueda ese día. MARIANA DE LA MATA ES ACTRIZ, DIRECTORA TEATRAL, DRAMATURGA Y DOCENTE.
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VIGILANTE Unipersonal sábados a las 21:30hs en La Materia UN TIRO CADA UNO Obra de su grupo de escritura feminista CABEZA, los domingos 4 y 11 de noviembre a las 17hs en Roseti.
I gentileza: consuelo iturraspe
BUENOS AIRES
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la calle es su lugar EL ARTE COMO BUSQUEDA Y EL ESPACIO PUBLICO COMO LIENZO, ES EL METODO DEL ARTISTA DARIO CORONDA, ALIAS KRTU, EN EL CAMINO DEL HALLAZGO DE SU IDENTIDAD El artista callejero es un mediador urbano. En cierto modo se aboca a la tarea de amigar al ciudadano con su entorno, deshaciendo la uniformidad, negando la opacidad a través de mensajes profundos y estéticos. El creador que desarrolla su arte en el espacio público comparte a la vez que interpela, regala y transgrede, ofreciendo el susurro de su grito con inigualable abnegación. Tal vez no se vuelque con total consciencia a esta filantrópica tarea, y sus motivaciones, los resortes que lo impulsan a la creación, provengan de historias íntimas e insondables vivencias. De un modo u otro, todo yace en la obra: la búsqueda del artista, la necesidad del espectador, y el elemento mágico que da vida al núcleo de la existencia. Krtu, alias Darío Coronda, o viceversa, es uno de estos superhéroes que combaten la aflicción con sus pinturas, regalando inmensidad, creando universos que se superponen con toda naturalidad a lo más terrenal de nuestro mundo. A través de su pasión por
el muralismo, despliega su arte sobre las paredes, imprime colores que en el mundo del asfalto siempre son motivo de atención, saliendo de los cánones típicos de las tonalidades grises, interrumpiendo como un arcoíris, noble, puro, y que suele decir mucho más que una lluvia entre los rayos del sol. Krtu, o Kartu, hace de su trabajo artístico un estilo de vida, y en esa vocación tan marcada su camino ha sido siempre esbozado por pinturas y trazos, desde la infancia, pasando por su incursión en arquitectura, recalando en Bellas Artes y luego volcado profundamente al arte callejero. “Desde chico me atrapó el mundo de la pintura. Siempre dibujaba tratando de aprender cada día un poco más, hasta que llegó un momento en el que sólo me incliné a pintar, y pensando siempre que no hay límites para crear, que todo puede empezar en un pequeño cuaderno pero nunca se sabe dónde puede terminar. Los años de
bellas artes me dieron mucha técnica y experiencia en el hacer, pero allá por el 2010, inicié un camino nuevo hacia el muralismo, street art, o arte callejero.” No es casual que entonces le diera un giro a su pasión por el arte, ya que por esos tiempos chocó con un descubrimiento inesperado, que llegó de boca de su primo Mauricio. “Yo nací en el ’76, y me enteré en el 2010 que no era hijo biológico de mi madre de crianza. Desde entonces estoy en esa búsqueda. Uno de los factores que me llevó a refugiarme en el arte fue justamente eso, porque viví momentos muy duros, no comía, no tenía ganas de nada, tuve ataques de pánico, lo único que sí me daba ganas era de pintar o dibujar. Ya lo venía haciendo desde antes pero a partir de ese momento me aferré mucho más a eso”. En ese camino que Darío inició buscando sus orígenes, su obra tomó un rol protagó-
nico, en cada uno de sus trabajos hay una señal que deja como si fuera un sendero de guijarros que lo ayudan a trazar el camino de esa búsqueda de identidad, y a la vez no descarta que sirvan como guía para quienes puedan estar en esa misma indagación, del otro lado del punto de partida. A veces promociona mucho lo que hace, pensando más que nada en poder llegar a sus orígenes. Impulsado por esta cuestión de la búsqueda, además de hacerse los análisis para el CONADI (que no arrojaron vínculos con desaparecidos de la dictadura), participa activamente de convocatorias relacionadas con identidades robadas o desaparecidas, por ejemplo como artista visual en el 40º aniversario de la creación de Abuelas de Plaza de Mayo, o en la reciente realización de un mural con los rostros de Riki y Yoyi, dos jóvenes desaparecidos en 1978, en un edificio de la calle Borges donde vivieron y fueron secuestrados por un grupo de tareas. A través de su familia adoptiva pudo averiguar algunas cosas, aunque su padre apropiador, probablemente quien más supiera acerca su madre biológica, falleció años antes de que su verdad saliera a la luz. La historia de Darío, además de atravesar una realidad extendida en nuestro país, se va almacenando en muros y paredes, en casas y calles, que se vuelven depositarias de su clamor, que es también el clamor de los que buscan lo que se arrebató. Él mismo sitúa su obra “donde la determinante espacio-tiempo juega constantemente con identidades, encontradas y muchas veces no tanto. Mi obra tiene mucho que ver con ese lado de la identidad. En cuanto a temáticas, hay un dejo de vacío, y de miradas que quizás no son tan felices sino algo tristes, y que arrastran una tensión”.
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Con esa tesitura fue moldeando su camino, atravesado -como su obra- por una incesante búsqueda sin destino certero, aunque siempre asociado a la pintura y la creación, volcado principalmente al muralismo, que junto al amor, fueron los motivos que lo trajeron desde Córdoba a tierras porteñas. “Jamás me hubiera imaginado en Capital Federal, pero al venir a vivir en una gran ciudad, con una propuesta cultural que sale de las baldosas, comenzaron a abrirse otras miradas, otras escalas. Empecé trabajando en el taller del pintor cordobés Roger Mantegani, donde afiancé mucho mas la técnica hasta que salí por primera vez a los espacios públicos de Buenos Aires.” A esta altura queda claro que Krtu no guarda los secretos con el celo de un mago; su honestidad para describir el modo en que se aboca a sus obras lo pinta de cuerpo entero, con perdón del pleonasmo.
“Mi manera de trabajar es la obra desde adentro y afuera; puedo comenzar con bocetos dentro del taller que tengo en Palermo y me pueden llevar afuera, o estar en la calle pintando y que la misma calle me lleve dentro del taller a bosquejar para ver qué sucede. Puedo saber cómo empezar pero no dónde voy a terminar; es como una construcción del día a día, cargada de incertidumbre porque muchas veces quizás no me sale nada, pero con la consigna del hacer siempre, que es el modo en que comienzan a aparecer ideas. Acostumbro salir en bici por ahí o caminar y observar paredes, espacios, esquinas, casas, y cuando veo algo que me atrae mucho pienso una idea, voy a ese lugar y propongo a los dueños intervenir las paredes con el permiso de ellos o de los vecinos de la zona.” Krtu es un artista cuya técnica se aplica a su vida. La incertidumbre en la que toda creación recae en algún momento de su génesis, sólo es posible de atravesar cuando se está en movimiento. Krtu busca el camino para continuar su obra, tal vez una pincelada, un gesto, una repentina presencia. Darío busca sus orígenes, y en el viaje va construyendo un camino que lo visibiliza, le da esperanza y, sobre todo, le brinda una identidad única e irrepetible. MARTÍN D’ADAMO
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KRTU www.dariocoronda.com Facebook: Dario Coronda Krtu
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TEATRO EN PRIMERA PERSONA TEATROS
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huellas invisibles SOBRE LOS ADOQUINES DE SAN TELMO SE REAFIRMA TEATRO DELBORDE BAJO EL ALA DE UNA NUEVA GESTIÓN, UNA NUEVA MIRADA QUE PROMETE SEGUIR AVENTURANDO PROYECTOS EN LA ACTIVIDAD TEATRAL Delborde, es un teatro que se inició hace casi quince años, es el proyecto de un grupo de amigxs dedicados a las artes escénicas. Durante largo tiempo fue gestionado por Teresa Sarrail quien hoy nos pasa la posta para administrar y programar esta bellísima sala ubicada en Chile 630, en el corazón de San Telmo. Se trata de una casa colonial de dos pisos restaurada pero conservada en su fachada original y parte de su interior. Hoy cuenta con dos salas de teatro y un bar. Las que hoy nos ponemos al frente, también nos dedicamos a las artes escénicas desde hace muchos años y ahora asumimos el desafío de la gestión. Aprender a facilitar el deseo del otro y las ilusiones es maravilloso y un absoluto delirio, un reto que nos llena de alegría porque sentimos que de alguna manera colaboramos en el encuentro de las obras con su espectador. En delborde nos proponemos también representar al barrio, construir un lugar reconocido por los vecinos, una opción cultural con propuestas diversas que hoy llevamos adelante a través de una vasta programación de espectáculos de jueves a domingo, peñas de música medieval, talleres y seminarios.
Nuestra idea es ampliar la oferta de talleres de teatro para adultos, adultos mayores, niños y seminarios específicos sobre actuación, dirección teatral y teatro de objetos. Por lo que, estamos recibiendo propuestas para que una multiplicidad de actividades complete nuestra grilla en el 2019. Sabemos que atravesamos una coyuntura difícil que complica la actividad teatral que tan artesanalmente llevamos adelante los teatrerxs independientes. También, tenemos muy claro las dificultades de sostener un espacio cultural, pero decidimos darle un empujón a todos los temores y no por valentía precisamente, ni por inteligencia, sino porque creemos en el trabajo y en lo enriquecedor del arte para nuestros espíritus. Algo así como un sentimiento que sobrevive a todo, que cuando ha existido no se acaba, una llama que no se apaga nunca. ¿Estéticas? Sí, por supuesto pero variadas, operas primas, clásicos, nacionales, internacionales, chicos, adultos; es decir, no partir del prejuicio en la selección y programación, porque al fin de cuentas como dice Galeano: “somos un mar de fueguitos”. delborde es un espacio cálido e íntimo, es un refugio donde el tiempo no tiene el
apuro de la ciudad. Es un lugar maravilloso para el disfrute y la felicidad. Llegar a ver una obra, esperar en el bar tomando una cerveza artesanal o un café express, leer la última revista Llegas y enterarte de las novedades de la cartelera porteña, salir del teatro y caminar por las callecitas de San Telmo es una experiencia que nos gusta y disfrutamos de poder generar. Hace escasos meses que iniciamos esta tarea, esperamos que delborde espacio teatral sea un lugar donde artistas y público se puedan encontrar. Seguimos huellas invisibles, lo efímero es nuestra naturaleza, sin embargo la última función siempre nos proyecta a un nuevo horizonte escénico con una fortaleza impensada. MONICA DRIOLLET - CINTIA MIRAGLIA BARBARA GARCIA DI YORIO
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TEATRO DELBORDE Chile 630 www.delborde.com.ar 4300-6201
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LETRAS
socias del desierto “PRENDAN EL HORNO”, DE LA ACTRIZ Y POETA MARTINA JUNCADELLA, Y “JACKI O LA INTERNET PROFUNDA”, SEXTA NOVELA DE IOSI HAVILIO, SON DOS DE LAS NOVEDADES DE LA FLAMANTE EDITORIAL INDEPENDIENTE SOCIOS FUNDADORES. DOS LIBROS DISIMILES QUE SIN EMBARGO COMPARTEN ALGUNOS TÓPICOS. A pesar de la presunta seriedad de su nombre, que más bien pareciera remitir al apéndice de otro rubro, Socios fundadores es una editorial independiente creada en 2016 por cuatro escritores jóvenes que además de publicar a otros, se autopublican. Como característica distintiva en cada libro participa un artista plástico que ilustra las tapas y, en algunos casos, también el interior, lo que hace que cada volumen reluzca en su singularidad. Dos de sus últimas novedades -Prendan el horno, segundo poemario de Martina Juncadella, una de las socias fundadoras, y Jacki o la internet profunda, sexta novela de Iosi Havilio- dan cuenta del ecosistema híbrido que compone el catálogo de la editorial.
que gesticula con los brazos/durante toda la función”, escribe. Pero la potencia del texto radica en utilizar ese marco para pergeñar versos aleatorios, como salidos de la nada, precisos en su envidiable intensidad: “no es bueno/ser la madre/del hombre que amás/por eso/se terminan yendo”, “caminar al revés es bailar”, “lo bocanada de aire/que se aspira y tarda/es lo espeso que sorprende el espacio entre las cosas”, “escribo en la cabeza/con una furia que no llega al papel”. Este último se repite al menos una vez y funciona como clave de lectura. Prendan el horno enuncia desde ese espacio indeterminado que se abre entre el pensamiento y la expresión, entre la escritura y la interpretación.
En Prendan el horno Juncadella se calza el traje de actriz, terreno que conoce bien porque ella misma es actrizPero en vez de encaramarse en la fábula autobiográfica este lazo con la verdad es lo que le permite distanciarse de ella. Un ocultamiento más que una revelación (el chiste identitario en el poema final entre su apellido y los camiones de caudales puede ser una pista). Ya en el primer poema -los poemas no tienen títulos y se concatenan unos con otros como las cuentas de uno único collar- la voz poética configura su carta de presentación: tiene 42 años, es madre, libre y, después de un temporada en el infierno psíquico - “no me voy a hacer más electroshock en mi vida”feliz. Pero tampoco debemos tomar al pie de la letra esta voz. Prendan el horno puede ser leído como una performance, como el ensayo de la actriz interpretando a otra. La actuación en el libro es tema y procedimiento. Su trama tenue es la de una actriz que viaja a Brasil a hacer una obra. En los poemas abundan referencias al ámbito teatral (ensayos, funciones, escenarios, personajes, telones): “el loco de la obra/ no es el actor/ es el espectador/
Por su parte en Jacki, Havilio vuelve a travestirse como ya lo hizo con la narradora mujer de Opendoor y de Paraísos. Pero la de Jacki es otra clase de voz, más cercana al desboque delirante de La serenidad o Pequeña flor, sus últimas novelas. Capítulo extirpado de un proyecto de largo aliento en progreso que narra los avatares de una crítica literaria, Jacki es el chat alucinado que sostiene dicha crítica con una joven autora extranjera. La sesión de skype es el dispositivo que utiliza Havilio para firmar su versión contemporánea de una forma que a esta altura es ya casi un género en sí mismo: el monólogo interior o fluir de la conciencia. Este artificio le permite divagar sobre lo que se le ocurra, temas que pueden ir desde la crítica (el buen ensayista es el que “escribe y se rompe el coco para decir algo que no esperaba… en cambio el otro repite sin gracia lo que sabe”), Pinocho (“un tratado sobre la mujer”), Aira (la anécdota “aireana” de la narradora que festeja un procedimiento de Yo era una chica moderna y después descubre que el libro estaba impreso con las páginas desordenadas) o el acto mismo de leer (“leer es... violentarse!) que,
como Jacki del otro lado de la pantalla, es lo mismo que hacemos nosotros. Pero sobre todo es el manifiesto de Havilio de su concepción de la escritura como gesto, como salto al abismo, como mutación, como coqueteo con la locura. Más allá de las diferencias, Jacki y Prendan el horno comparten una misma pulsión: el simulacro de darle voz a una mujer ya adulta en el límite de su sensibilidad. Más allá de las diferencias, Jacki y Prendan el horno comparten una misma pulsión: urdir el simulacro de darle voz a una mujer adulta en el límite de su sensibilidad. MARTÍN CAAMAÑO
PRENDAN EL HORNO
Martina Juncadella Socios Fundadores
JACKI O LA INTERNET Iosi Havilio Socios Fundadores
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CINE
lo fatal ROJO, DE BENJAMÍN NAISHTAT, RECONSTRUYE LA ÉPOCA PREVIA A LOS AÑOS DE PLOMO EN IMÁGENES Y SENSACIONES DONDE LATE EL HORROR. Los vecinos se llevan los muebles de una casa vacía o desgarrada, metódicos, casi sin hacer ruido. Pero no son como los que llegan del campo y traen sombras para el techo, podríamos decir que a ellos no les falta nada. Es un saqueo organizado. Perturbador. Luego, un abogado de Granada, esa ciudad de la provincia donde los vecinos se llevan lo impropio a la luz del día, le da una lección a un muchacho altanero que llega seguramente de la Capital, y provoca un escándalo sordo donde el único damnificado es el extraño. Más perturbador aún, porque la cosa no quedará ahí, se teñirá de rojo. Como la sangre, como los comunistas que la Triple A tiene que combatir, como el sol del atardecer en el desierto. Rojo, primario, pasional, hórrido. El rojo es el único color que restalla cuando la monocromía se apropia del campo abierto, es algo fatalmente inexcusable, inevitable, perentorio. Aunque de qué sirven los adjetivos cuando estamos muertos. Tránsfugas de manual, esposas al borde de un ataque de nervios, hijas reprimidas, hijos
violentos, interventores cipayos, profesoras francófilas, detectives de la televisión que se creen brujos o próximos a la santidad, mujeres deseosas, hombres con peluca. Egoístas que comen caramelos bañados en chocolate y que son capaces de pegarte un tiro si querés sacarles uno. Fondas cuya impostura las hace creerse restaurantes. Y un crimen clavado en la superficie de la conciencia. A ROJO no le preocupa ser un policial ni desarrollar una intriga. Algunos espectadores se sentirán defraudados entonces, porque ROJO no es una película de género. A ROJO le interesa observar el eclipse sobre la playa sin vidrios protectores para los ojos, tal vez porque prefiera cegarse como castigo al silencio, igual que en ciertas tragedias. ROJO tampoco critica el accionar de sus personajes, los mira hacer, los ve preocuparse pero no actuar, escruta la rareza de su normalidad y le da forma (o la anamorfiza) para encontrar un por qué. Si es un por qué conocido no es lo fundamental, todos conocemos en mayor o menor medida qué nos hizo desembocar en la dictadu-
ra: lo sustancial en ROJO es recuperar una época, hacernos partícipe de los momentos previos a ciertas decisiones que creemos que nos exceden y de las que intentamos quitarnos la complicidad de encima. Por eso parece fragmentaria e inconducente, por eso sus personajes son desagradables y excéntricos, por eso su forma simula ser del pasado y su actualidad tiene espuma en la boca. Porque ROJO es una película política, no por su discurso sino porque toma decisiones incómodas aunque necesarias, esas que evitan que los colores se destiñan por acción de la luz, de una luz puntual, de esa luz incandescente que hasta vuelve ceniza la memoria. CARLOS DIVIESTI
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ROJO (Argentina/Brasil/Francia/Holanda/Alemania, 2018). Dirigida por Benjamín Naishtat. Con Darío Grandinetti, Alfredo Castro, Andrea Frigerio, Diego Cremonesi. 109 minutos.
MUNDO CASTING
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aunque usted no lo crea CASTING CLUB CELEBRA SUS DIEZ PRIMEROS AÑOS EN EL RUBRO, SU DIRECTOR, JUAN RISSO, ANALIZA EL SISTEMA VIRAL INAGOTABLE QUE ACONTECE CON LA ACTUACIÓN COMO PRODUCCIÓN DE TRABAJO Capital Federal es un lugar inmenso. Buenos Aires también. Ni hablar de las provincias, ciudades del interior, capitales y pueblos de todo el país. En todos esos mundos habitan personas que actúan. Muchas son actorxs y actrices y hacen teatro. Otras recién comienzan. Muchas otras nunca lo saben y siempre se lo dicen. Y hay muchas que alguna vez de casualidad se encontraron actuando y les gusto. ¿Todos somos actorxs? En el mundo del casting este universo convive día a día. Actores que se replican todo el tiempo. Niños y grandes. Buenos aires tiene una actividad teatral intensa y el interior del país también. El circuito alternativo y de estudio de teatro, es enorme. El comercial y el oficial también es grande pero mas chico. Hay producción importante de TV y contenido de ficción para series. En los últimos años el desarrollo de plataformas WEB abrió el juego para que se multipliquen las producciones y surjan muchos contenidos nuevos. También se filman muchas películas y cortometrajes. Si bien uno ve “siempre a los mismos” por ejemplo en la tele, la realidad es otra. Surgen obras, grupos, series, películas y siempre pero siempre aparece alguien nuevo. Alguien que no conocemos y puede estar preparándose hace mucho tiempo o estrenando su profesión en ese momento. Eso es real. Aunque usted no lo crea. Por los castings circulan todos ellos. El ejercicio de actuar frente a una cámara tiene siempre algo espectacular. Es poco tiempo. Pero alguna vez hablando con un actor amigo el me decía que esa practica lo entrenaba. Y puede que el casting sea eso. Trabajo es seguro, pero también entrenamiento. Y entrenar es trabajar. En estos años comprobé algo de esto haciendo casting en Mar del plata, en Tandil, en canchas de futbol, en estudios por miles de veces, en la calle, en bares, en templos musulmanes, en hipódromos, en clases de teatro, en universidades de teatro, en universidades de diseño, en obras de tea-
tro, con directores de cine, con directores de TV, con directores de publi, con estudiantes haciendo sus cortometrajes, con profesionales haciendo sus cortometrajes, en festivales, en fiestas, mientras estoy en la plaza y etc. Muchos actorxs son arquitectos, médicos, músicos, psicólogos, veterinarios, artistas plásticos, albañiles, etc.
“... cuando digo actorxs, digo a todxs aquellos que de una u otra manera tienen el deseo de ubicar su actitud bajo la dirección de una coordenada... miles de cosas que puedan suceder en un mundo que surge de la imaginación.” Actores que hacen de médicos. Médicos que hacen de bomberos. Arquitectas que hacen de maestras rurales en escuelas, comunidades mapuches que generan una atmosfera para una película. Jorge “Gigante” González que viene de Formosa para ser mas gigante que sus 2 mts con 31 cm, y que a través de post producción lo van a hacer mas alto para una comercial de la UEFA. Agustina, 5 años. La conozco en un rodaje y me llama la atención. Es colorada. Picara. Mira atenta y se divierte. Al año estaba haciendo un protagónico en un show infantil para Latinoamérica. Llega ahí por su cuenta. Si bien tiene la suerte de tener unos padres que no la obligan a nada, agustina tiene 6 años y tiene claro que quiere ser actriz. Hoy tiene 15. Ya es experta en cine, teatro y TV. Y recién empieza. Santiago. Festejando el pic nic el día de la primavera en Vicente López. Sobre el rio. No tiene mas que 15 años. Y comparte con amigos ese día que no va al colegio. Lo vemos en una foto que le tomamos y lo empezamos a llamar. Tiene algo de Hobbit. Santiago hoy es actor profesional. María. La chica de “sobretodo”. 18 años. La conozco en el IUNA. Digo la chica de “sobretodo”, porque así fue que renombre el archivo de su foto. Después con
los años siempre nos fuimos encontrando. María la rompe. No para de hacer proyectos. Eduardo. Guitarrista y hasta el día que lo foteamos en la calle manejando un kiosco. Hoy entra y sale de clases de teatro y filma comerciales y acaba de filmar una película. Ayer es como hoy. Y hoy es como ayer. Todo parece lo mismo, pero va mutando todo el tiempo. La gente se multiplica por todos lados. Es increíble lo que sucede en relación a la cantidad de actorxs que existen. Y cuando digo actorxs, digo a todos aquellos que de una u otra manera tienen el deseo de ubicar su actitud bajo la dirección de una coordenada. Y si bien a veces puede ser, ir de allá para acá, o decir una mini frase, o abrazar a alguien, o pararse en un escenario y ser como un pastor evangélico, o jugar a la pelota, o tener una escena con sus padres, o las miles de cosas que puedan suceder en un mundo que surge de la imaginación. Siempre, pero siempre es agradable el momento en que sucede ese “instante”. Y verlo mucho mas. ¿Azar? Puede ser. Mucho. Pero también es actitud y mucha concentración. El azar obviamente que es parte. Pero estar concentrado. Mantener la calma cuando se respira, tener el cuerpo organizado y escuchar. Sin dudas que son herramientas que le juegan al azar cabeza a cabeza. Mientras yo escribo esto. Alguien posiblemente en algún lugar este creyendo que estudiar teatro puede ser un norte. Y de algo de eso se trata. De ir encontrándose con muchos que están buscando. Yo no busco. Encuentro. Gracias por compartir estos primeros 10 años de castingclub. JUAN RISSO
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Para enviar material: info@castingclub.com.ar Asunto: Llegas Una foto de cara y otra de cuerpo entero
Estas imagenes forman parte de un archivo de scouting que desde el 2004 hasta la actualidad tomo,sobre todo a la ciudad de Bs As bajo la direccion de castingclub.
B/R !
BARES Y RESTAURANTES bares@revistallegas.com.ar
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TEATRO