Revista musicazul - marzo 2018 by musicazul

Magazine Musical MARZO 2018

IAMX www.musicazul.com Capitรกn Cobarde, Sandra Bernardo, Nunatak, Kylie Minogue, Mujeres, Triรกngulo de Amor Bizarro, Franz Ferdinand, Cuello y mรกs

ร ndice Noticias 4 Entrevistas IAMX 5-8

Jimmy Barnatรกn & The Cocooners 9-12 Mujeres 13-17 Nunatak 18-21

Discos

Nunatak 23 Dinero y Cuello 24 Franz Ferdinand y Sandra Bernardo 25

Conciertos Mando Diao 27

Triรกngulo de Amor Bizarro 28 Capitรกn Cobarde 29 Metallica 30

Reportajes 31-32 Agenda 34-42

Editorial

Noticias Slowdive

¡Hola!

Los ingleses Slowdive nos visitarán para presentar en directo su nuevo disco homónimo Slowdive (Dead Oceans, 2017), largo publicado más de dos décadas después de su última referencia Pygmalion (Creation, 1995) que les posiciona como una de las bandas cabecera de la escena shoegaze a nivel internacional. Junto a ellos estarán presentes los parisinos Dead Sea, nuevos representantes del género. Los conciertos tendrán lugar los días 6, 7 y 10 de marzo en Barcelona (Apolo), Madrid (Joy Eslava) y Vigo (Auditorio Mar de Vigo), respectivamente.

No nos habíamos ido porque siempre puedes encontrarnos en la web (www.musicazul.com) pero recuperamos la revista. Tras una primera experiencia donde disfrutamos mucho y aprendimos más, sentimos la necesidad de hacerlo de nuevo. Y es que, como dicen, “el hombre es el único animal que tropieza dos veces en la misma piedra”. Pero no queremos tropezar, sino seguir caminando, avanzando y disfrutando de la música en todas sus variantes. Conciertos, festivales, discos, entrevistas, reportajes... Y sin importar el género musical, claro, simplemente escuchando artistas que nos gustan y que gustan a otros. Porque, como dijo Nietzsche, “La vida sin música sería un error”. Disfrutamos, sentimos, vivimos y amamos la música. Y por eso estamos aquí, porque somos música.

Mallorca Live Festival Mallorca Live Festival cierra su cartel con la incorporación de Black Lips, Henrik Schwarz, Macaco, La Casa Azul, Morgan, Sobrinus y El Petit de Cal Eril, entre otros, acompañando a otros artistas anunciados previamente como The Prodigy, Primal Scream, Izal, !!! (chk, chk, chk), Kase.O, Solomun, Muchachito, La Raíz, El Columpio Asesino, L.A., Sexy Sadie y Polock, entre otros. En total serán 40 artistas y más de 20 horas de música en directo repartidos en 3 escenarios en los que tendrán cabida la música independiente, la electrónica, el mestizaje y los sonidos urbanos más destacados del momento. El festival se celebrará los días 11 y 12 de mayo en el Antiguo Aquapark de Calviá (Palma de Mallorca), consolidándose como el evento musical más importante de las Islas Baleares.

Alfredo RM, Director de Musicazul

O Son Do Camiño Bajo el nombre de O Son Do Camiño nace un nuevo festival en nuestro país. Los días 28, 29 y 30 de junio el espacio de festivales del Parque Monte do Gozo de Santiago de Compostela albergará las actuaciones de artistas internacionales como The Killers, Lenny Kravitz, Jamiroquai, Martin Garrix, Two Door Cinema Club, Franz Ferdinand y Mando Diao, y nacionales como León Benavente, C. Tangana, La M.O.D.A., Carlos Sadness, Toundra y Rufus T. Firefly. La música gallega estará representada por Novedades Carminha, Triángulo de Amor Bizarro, Eladio y los Seres Queridos, Bala y True Mountains, entre otros. El evento contribuirá a dar a conocer al mundo la llegada del Xacobeo 2021, promoverá la imagen de Galicia a través de sus principales atractivos, reforzará el tejido empresarial y cultural y generará un notable impacto en el turismo de la provincia gallega. Los abonos están a la venta desde 39€ más gastos.

Kylie Minogue La cantante, compositora y actriz Kylie Minogue cuelga el cartel de “entradas agotadas” en su concierto exclusivo en Barcelona (viernes 16 de marzo en la sala Bikini). La gira de la artista australiana precede a la salida de su nuevo disco Golden (BMG, 2018), largo que será publicado el viernes 6 de abril. Con citas en Londres, Manchester, Barcelona, París y Berlín, traerá una producción completamente nueva para estos directos tan especiales, donde ofrecerá un show cercano en formato sala, alejándose de sus habituales actuaciones en pabellones de todo el mundo. Han participado en este número (por orden alfabético): Alfredo Rodríguez, Araceli Rodríguez, Beatriz H. Viloria, Clara Larrey y Nacho Serrano. Agradecimientos: BCore Disc, Blis Records, El Volcán Música, Jane The Planet, Live Nation, Music As Usual, Retroalimentación, Son Buenos, Sonido Muchacho y Warner Music. [musicazul] no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus participantes en los textos publicados.

www.musicazul.com - musicazul@musicazul.com - marzo 2018

Fotografía: Kimberly Richards

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Entrevistas

IAMX Y se hizo la luz

“No creo que los artistas tengan que sufrir constantemente, eso es un mito, pero ser capaz de conectar con esa fuente interior de emoción es bastante importante”. Convertido en IAMX desde 2004, el británico Chris Corner ha pasado unos años duros, de los que dio testimonio en Metanoia (Orphic/Caroline International/Universal, 2015). Ahora, en plena metamorfosis de camino hacia la mejoría, ha nacido Alive In New Light (Orphic/Caroline International/Universal, 2018), nuevo trabajo con el que, por fin, volverá a nuestro país. Metido ya en los ensayos para su gira europea, un optimista y renovado Chris nos atendió vía telefónica desde Los Ángeles para hablarnos de un disco cargado de detalles. Hace apenas unos meses que publicaste el álbum instrumental Unfall (Orphic/Caroline International/ Universal, 2017). ¿Cómo surgieron estas nuevas canciones en tan poco tiempo? ¿Tenías ya alguna idea mientras preparabas Unfall? Hice el disco instrumental porque me daba mucho miedo hacer de golpe un disco de IAMX cargado de emociones, porque componer me transporta mentalmente a otro lugar, puede ser muy intenso. Pensé que quería ser creativo pero no sentir demasiado. Hacer un disco instrumental, tan técnico, fue bastante liberador y divertido, y me dejó en un buen lugar para después grabar Alive In New Light. Volqué muchas ideas en Unfall que quizás habría intentado meter a presión en un álbum vocal que probablemente no necesitaba meter. Por esta razón, creo que este nuevo disco ha salido mejor, porque no estaba sobrecargado de ideas. Metanoia (Orphic/Caroline International/Universal, 2015) fue tu disco más personal y honesto. ¿Cómo ves y sientes esas canciones ahora, tres años más tarde? Me siento bien con ellas. No suelo escuchar mis viejas canciones, me gusta mirar hacia delante y no soy una persona nostálgica. Cuando hago un disco, escucho esas canciones tantas veces que no necesito volver a escucharlas nunca más. Pero ese período fue muy turbulento, una época muy oscura para mí, y me hace muy feliz que ese disco me ayudara a superarlo. Hablar sobre mi salud mental y mis problemas de manera pública fue transformador, sentí que se acercaba una metamorfosis, y por eso adoro el disco. A veces se hace difícil escuchar esas canciones, porque son muy personales y privadas, pero todo mi trabajo es bastante personal e íntimo. Estoy acostumbrado a ello. Puede ser difícil escucharlas. ¿Se te ha hecho difícil alguna vez escribirlas? Sí, a veces. Cuando escribo algo, si me siento de esa manera, de forma muy intensa, desafortunadamente, es un éxito, cuando sientes algo así. Y ese es uno de los problemas de ser un artista, que a veces tienes que sentir esas cosas. Eso no quiere decir que tengas que sufrir siempre, no creo que los artistas tengan que sufrir constantemente, eso es un mito, pero ser capaz de conectar con esa fuente interior de emoción es bastante importante. Cuando siento esas cosas, aunque sea por un solo momento, sé que hay algo en la canción con la que otro ser humano podrá conectar. Y si no siento esas cosas, puede que no sea una buena canción.

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Entrevistas | IAMX Puedes conectar con gente que haya pasado por lo mismo. Sí, eso fue importante con ese disco. También lo hice para, con suerte, enseñarle a la gente que escucha mi música que podía superar las cosas. No pasa nada por estar deprimido, tener estos problemas, pero se pueden superar. Si yo lo hice, tú también puedes. Es importante que la gente hable sobre estos asuntos. La salud mental no es un tema del que se hable demasiado en España, al menos no en público.

Sí, es una locura, “Me encantaría porque una vez se que mi música revienta la burbuja, es ridículo lo orgullosa se escuchara en que puede ser la todas partes” humanidad. No es más que otro órgano que hay que cuidar, y hablar sobre ello es un paso más de cara a reformular tu química y ayudarte a superarlo. No veo cuál es el problema. Hay que tomar medidas para ser más francos con este tema y poder curar una enfermedad que siempre ha estado ahí, podríamos lidiar con ella. Has descrito IAMX como una “terapia pública”. ¿Sigues sintiendo que es así? Presentas este disco como el de la metamorfosis, donde ya no eres quien solías ser pero aún no sabes exactamente hacia dónde vas. Sí, es un período emocionante. Sabes que las cosas están cambiando y te sientes positivo y esperanzado. Y realmente no quieres llegar al final, pero quieres disfrutar del camino. Creo que definitivamente me he liberado del bagaje de esos años, de la depresión, y que ahora estoy sobrio. Es como ser adicto a las drogas, nunca acabas de librarte del hábito, pero aprendes a lidiar con él, y eso es suficiente, está bien. De hecho, creo que puedes llevar una vida mejor lidiando con ello. Esto va a sonar terrible, pero creo que cuando la gente sufre una verdadera transformación y atraviesa una crisis, puede haber un cambio realmente positivo y puede ser mejor persona. Yo me siento mucho más fuerte de lo que era antes y este disco habla de ese estado mental en el que me encuentro ahora; me siento más en paz conmigo mismo, más ligero y optimista.

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Algunas de tus nuevas canciones vuelven a sonar en la serie ‘Cómo defender a un asesino’. ¿Cómo es tu relación con la televisión y el hecho de que suenen esas canciones, con esos mensajes tan importantes? ¿Crees que ayuda? Creo que ayuda, sí. Me encantaría que mi música se escuchara en todas partes, pero acepté hace mucho tiempo que no es un estilo para todo el mundo y el gran público no conecta con ella, lo tengo asumido y no me importa. Sin embargo, cuando aparece alguien que la entiende, como el creador de la serie, Peter Nowalk, me siento afortunado, porque pilla el mensaje y tiene una posición de poder desde la cual puede combinar un tipo diferente de música con una serie bastante comercial, y eso es muy valiente, tiene todo mi respeto. La serie no es de mi estilo, pero creo que él es una persona increíble y me alegra que dé a conocer la música de IAMX.

me transmitió cuando lo vi. Por otro lado, IAMX siempre ha tenido un elemento erótico y sexy con el que jugamos mucho sobre el escenario y pensé que sería interesante mezclar eso con consoladores, tener formas de martillos… A mí me resultó sexy cuando vi la portada, porque parece que tiene un cierto rollo sadomasoquista, no sé por qué, y tiene gracia porque creo que no era la intención del diseñador (Ryan Clark), no le van ese tipo de cosas, pero entendió muy bien el proyecto. Aún estamos trabajando en ello, pero el plan es tener este merchandising disponible en los conciertos, espero que esté listo para las fechas españolas, sería estupendo.

Una de las sorpresas que trae este disco es la voz de la tatuadora Kat Von D, quien canta contigo en cuatro temas. Ella había publicado algunos vídeos cortos en los que hacía cosas raras a cámara lenta con música de IAMX de fondo. Alguien me lo comentó, porque yo no me meto mucho en redes sociales, estoy ahí pero no ando buscando cosas. Entonces la abordamos y le preguntamos que si estaría interesada en algún tipo de colaboración, “Pensé en porque su imagen y estética se parece a la mudarme a nuestra, y me enteré de España cuando que, además, tenía una voz preciosa y tocaba dejé Berlín” el piano. Me emocioné bastante, la abordé y dijo que sí. En ese punto, tomé el control y compuse el dueto ‘Stalker’, con esta idea retorcida en la cabeza de hermano-hermanaamante-romance extraño. ¿Y está conectada su colaboración con el arte del disco, en el que reinan el rojo y el negro, y el merchandising erótico que vais a sacar? Cuando recibimos la portada me encantó, esa idea de un objeto (un martillo) que simboliza el poder, la destrucción y la cabezonería masculina que se ve controlado o envuelto en un manto de amor y belleza (las lentejuelas). Representa la idea del amor sobre el odio, y ese es el mensaje que

¿Y tiene el título que ver también con el hecho de que ya estás totalmente asentado en Los Ángeles, donde te mudaste desde Berlín hace ya tres años? ¿Cómo te está tratando esa nueva luz? Muy bien, la verdad. El clima me aporta estabilidad y ayuda mucho. Suena a cliché, pero realmente cambia tu estado de ánimo, o al menos lo equilibra. Creo que por eso mucha gente viene aquí, porque puedes trabajar en una industria creativa como el cine o la música y el clima lo compensa. Lo cierto es que pensé en mudarme a España cuando dejé Berlín. ¡Serías más que bienvenido! Lo sé, si me encanta España, pero no hablo español y, una vez allí, me gustaría meterme de lleno en la cultura, y en aquel momento sentía que no tenía

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la energía para aprender un nuevo idioma. Por eso elegí Los Ángeles. Pero, quizás en el futuro… Eres muy metódico a la hora de preparar tus directos, y dado que ya estás con los ensayos, ¿qué puede esperar el público español de tus próximos conciertos, conociendo el concepto, el arte del disco y el significado de cada aspecto? Hay algunos detalles especiales que no te voy a revelar ahora, tendréis que esperar a verlo, pero van a ocurrir cosas geniales: Kat va a participar en algunos de los conciertos, lo cual va a ser divertido, vamos a tener un juego de luces más refinado y limpio… Las giras siempre empiezan con buenas intenciones, con la idea de mantener el control y estar centrados, pero en cuanto vemos a esos maravillosos fans gritando, todo se va al garete. Tenemos un montaje guay y la banda va a ser básicamente la misma: John [Siren] a la batería, Sammi [Doll] a los teclados y Janine [Gezang] a los teclados y el bajo, y además va a tocar más el bajo, lo cual va a ser emocionante. Y yo voy a intentar centrarme en cantar esas canciones. Esta vez estoy muy emocionado, porque creo que mi situación es mucho mejor. Durante la última gira yo estaba intentando averiguar si podía seguir saliendo de gira, y ahora me siento renovado. Por tanto, creo que va a ser divertido y que va a haber mucha conexión con el público. Estoy deseando empezar. Texto: Beatriz H. Viloria Fotografías: Gretchen Lanham

Jimmy Barnatán & The Cocooners.

Recorriendo el mundo a base de blues “Creemos que podemos enseñar la pasión que nos produce hacer la música que hacemos”. (Jimmy Barnatán).

Pocos artistas tenemos en nuestro país, quizá ninguno, que sean tan inquietos como Jaime Barnatán Pereda, cantante, actor y escritor de éxito. De madre cántabra y padre argentino, el conocido como Jimmy Barnatán no para, tanto que compagina la música, el cine y la televisión sin despeinarse. Junto a su banda The Cocooners se patean la Península de punta a punta con su furgo La Cocoonera, un vehículo en el que mal no lo tienen que pasar. Largometrajes, cortometrajes, medio-metrajes, series, obras de teatro y discos aparecen en su carrera como artista, esa que sigue labrando a base de canciones. Para ello, mezcla sin prejuicios música de raíz americana, rythm & blues, soul y funk en su nueva gira “El Jefe” que le tendrá ocupado durante los próximos meses. Todo un personaje que sigue su particular camino embaucado en un peculiar mundo, logrando nuevos adeptos a una banda que lidera con una clase magistral. Siempre se te ha catalogado como un artista polifacético por compaginar tu carrera musical con tu carrera como actor ¿en qué faceta te sientes más cómodo y con cuál más identificado? Me siento muy cómodo haciendo todo lo que hago. Y no creo que tenga que decidir qué me gusta más. Esto no es un “¿A quién quieres más? ¿A papá o a mamá?”. Son distintos canales para una misma necesidad de expresión. También eres escritor, hecho que no mucha gente que sigue tu carrera musical y cinematográfica sabe, ¿qué puedes contarnos sobre tus libros publicados? Empecé a publicar libros muy joven. Con 23 años publiqué mi primera novela “Atlas” (Editorial Trama) a la que le han seguido “New York Blues” (Editorial La Esfera de Los Libros) y “La Chistera de Memphis” (Editorial Huerga y Fierro). Hablo de las historias pequeñas, de los personajes secundarios a los que quiero darles relevancia. Me interesa mucho reivindicar lo asombroso de lo cotidiano. De alguna manera, en todos los libros hay una misma historia velada. O una misma realidad. Hablar de las proezas pequeñas. De los triunfos de la gente normal. O ni siquiera de los triunfos, sino de lo asombroso de lo cotidiano, más bien. Todas las personas que nos cruzamos por la calle tienen una historia que contar. Todos tienen una novela. No solo los protagonistas... El año pasado lanzaste tu último LP bajo el título de Bourbon Church (Gaztelupeko Hotsak, 2017), ¿cuáles fueron las sensaciones tras la gira de presentación? ¿Cómo funcionaron los conciertos que ofreciste durante la temporada? Maravillosas. Las sensaciones fueron increíbles. Notamos que las salas se llenaban, que cada vez hay más gente que nos escucha y que les gusta lo que hacemos. Funcionó muy bien la pasada gira y con esta nueva esperamos que vaya a mejor. El blues está más vivo que nunca en este país. En el citado álbum contaste con la colaboración de Cesar Strawberry, Samuel Barranco y José Lucía. ¿Cómo surgió la posibilidad de trabajar con estos artistas? César y yo somos muy amigos desde hace muchos años. Siempre había tenido el sueño de cantar con él y Def Con Dos y se hizo realidad. Así de simple. José Lucía es un actorazo con el que estamos trabajando la banda y yo en la obra de teatro “La Cabeza del Bautista” en la que combinamos el blues en directo y la obra de Valle-Inclán. Le propusimos la colaboración y le encantó la idea. Creo que uno de los momentos mágicos de la música es cuando se producen sinergias de este tipo. Actualmente preparas un nuevo disco, la Banda Sonora de “El Jefe”, ¿qué puedes adelantar de dicho trabajo? ¿Qué podrá encontrarse el público en tus nuevas composiciones? Un disco muy especial y ecléctico. Nos hemos puesto a las órdenes de Sergio Barrejón, el director de la película. No en el terreno de la composición, pero sí en el del tono que debía tener cada tema, acorde

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Entrevistas | Jimmy Barnatán & The Cocooners con el guión de “De alguna la película. Nos manera, en todos decía: “Para esta secuencia necesito los libros hay una un tema más melancólico. Para misma historia esta otra, uno velada. O una más cañero…” misma realidad” Y nosotros, a partir de ahí, nos poníamos a componer. Es muy fácil currar con un director que tiene muy claro lo que quiere. Mantenemos, obviamente, los géneros por donde siempre reptamos, pero hemos querido dar un paso más… Quedan temas más duros. Hemos introducido sintetizadores, sonidos distintos… ¡Estamos muy contentos con el resultado!

también irradia en el escenario.

Vuestra nueva gira ha pasado por Madrid, Santander, León, Palencia y Burgos ¿cómo funcionaron dichos conciertos? ¿Cuáles son las sensaciones de la banda sobre los escenarios?

Compaginando la gira, también eres uno de “Los Remakers”, además de poner música a este programa de televisión ¿de dónde sacas tiempo para hacer tantas cosas?

Hacemos un espectáculo de contacto. De mucha interacción con el público. Solo así, creemos que podemos enseñar la pasión que nos produce hacer la música que hacemos. Y la gira ha empezado de la mejor manera posible. En la sala Sol de Madrid abarrotada. En casa, en Santander, con toda nuestra gente alentando… Y tiene pinta de que va a seguir así. El público ha conectado muy bien con los nuevos temas. ¡Estamos muy contentos y esto solo acaba de empezar!

(risas) Hay veces que ni yo mismo lo se. Pero… “Y sin embargo se mueve”, que decía Galileo.

Próximamente tenéis fechas confirmadas en Salamanca, Socuéllamos, Gijón, Comillas, Logroño, Ponferrada, Soria, Huesca, Barcelona, Badajoz, Algeciras, Toledo, Granada, Almería, Málaga y Guadalajara. Todo esto durante los meses de febrero, marzo, abril y mayo, ¿cómo preparáis dichos shows? ¿Es dura la vida en la carretera? ¿Qué esperáis de dichos conciertos? Estamos acostumbrados a tocar dos y tres veces por semana. La vida en la carretera, por lo menos en nuestro caso, es motivo de alegría. Somos una familia, una familia alternativa. Una que hemos elegido. Y, aunque hay momentos de tedio inevitables, disfrutamos al máximo de cada minuto. Incluidas las horas de asfalto en la furgoneta, La Cocoonera. Insisto, nos llevamos muy bien. No hay fisura alguna. Creo que eso

Tras los conciertos en esas ciudades, ¿tenéis pensado actuar en algún festival veraniego? ¿Encajáis en el habitual circuito de festivales o sentís que siempre tocan los mismos grupos?

Para finalizar, esta es tu pregunta, ¡puedes comentar lo que quieras! Pues nada, agradeceros vuestras preguntas y decirle a la gente que nos siga en las redes sociales. Somos muy activos y siempre publicamos ahí las fechas de nuestros conciertos, además de mil y un chorradas que se nos ocurren en la furgoneta mientras vamos de un sitio a otro. Lo dicho, un abrazo grande y muchas gracias. Texto: Alfredo Rodríguez Fotografías: Susana Poncela

Por supuesto. “Espero muchas El verano será tardes de comedia frenético como los últimos y alguna que otra cuatro años. Y trama sentimental” habrá muchos festivales, claro que sí. Creo que el circuito de festivales es muy amplio en cuanto a géneros se refiere. ¡Hay lugar para todos!

Y hablando de sacar tiempo, te incorporas a la serie “Servir y Proteger” de TVE1, donde interpretas a Fede, inspector de la Unidad de Investigación Tecnológica de la comisaría del Distrito Sur. ¿Qué esperas de tu papel en dicha grabación? Estoy feliz de volver una serie después de tantos años. Y a esta en concreto. Nunca había interpretado a un policía. Espero muchas tardes de comedia y alguna que otra trama sentimental. Muy ilusionado con esta nueva andadura televisiva. Comentando un poco de todo, hemos leído que rechazas el uso de las armas, ¿qué opinión tienes del uso de las mismas en Estados Unidos tras un acontecimiento como el sucedido la semana pasada? Pues que evidencia que hay algo podrido en esa sociedad, que por otro lado tiene cosas maravillosas y geniales. Estoy rotundamente en contra de que uno pueda comprarse una pistola en un supermercado. El que esté a favor debería mirárselo y ponerse en manos de profesionales.

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Mujeres La música sin amigos sería un error « Nuestra intención fue hacer un disco “a petar de caras A”, como decimos nosotros ».

Hemos estado cerca de quedamos sin una de las mejores bandas de garaje del país, qué digo del país, del continente, qué digo del continente, del mundo, y ni nos habíamos dado cuenta. Poco después de la mítica velada que compartieron con Erwin Flores en Madrid, en marzo de 2016, Mujeres pasaron por una intensa etapa de cambios, que decía Bowie. Perdieron casi de una tacada a su baterista y a su guitarrista, y por un momento el asunto de la continuidad del proyecto se les hizo bola. Pero Yago y Pol, Pol y Yago, esos dos colegas de la uni que formaron el núcleo terco de Mujeres hace ya diez años se miraron a los ojos y siguieron viéndose ese brillo especial y delator: aún tenían ganas de más, de mucho más. Y así, con la firme convicción de que su grupo era un sentimiento demasiado importante como para dejarlo morir, grabaron su nuevo trabajo con el regreso de Arnau a la batería. Tras presentarlo por varias ciudades españolas aprovechamos su glorioso paso por Madrid (casi mil personas en Joy Eslava) para charlar con Yago sobre eso, sobre su grupo y sobre su disco. Un plástico genial llamado Un Sentimiento Importante (Sonido Muchacho, 2017), que te da un abrazo de colega para decirte que la vida sin música sería un error, pero que la música sin amigos también lo es.

(Yago Alcover, Mujeres). Este ha sido el disco que más os ha costado sacar, ¿eh? Ha requerido mucho esfuerzo. Siempre hemos sido un grupo bastante lento sacando discos, como hemos girado muchísimo solemos lanzar uno cada tres años. Y esta vez se nos fue nuestro batería, y después un miembro original, Martí, que además de guitarrista era compositor y hacía voces. Con su marcha todo el peso vocal recaía sobre mí y… ¡Uf!, me sentí como en bragas. Eso fue bastante tremendo, la verdad. ¿Y cómo afrontaste esa falta de armonías vocales? Fueron varias cosas, que en realidad tienen que ver con lo mismo. El formato trío nos obligaba a ser más directos en todos los sentidos, y entonces vimos que había que simplificar. Es decir, si por ejemplo entra un coro, tenemos que hacer que todo suene más marcado y contundente. “Siempre hemos Perderemos matiz, pero ganaremos en pegada. Esto ha pasado igual con la instrumentación. Los discos de Mujeres solían estar muy llenos, y ahora como funcionado no tenemos la guitarra de Martí lo que teníamos era que ganar músculo. Por eso hay más fuzz por ahí en medio, que es algo que Mujeres no habíamos de forma muy usado mucho, y así hemos sido más directos, de canciones más redondillas y intuitiva” claras. El disco se grabó por pistas pero parece que nace de sensaciones de directo, no de un proceso de composición clínica, de estudio. Me alegra que me hagas esa pregunta porque siempre nos han dicho lo típico, que éramos un grupo de directo, y que el reto de los discos era reproducir eso. Por eso los primeros discos los grabamos en directo, por esa creencia de que así mantenías una espontaneidad y calidez. Pero nos hemos dado cuenta de que no, de que el disco tiene su propio lenguaje y por eso los discos perviven y los directos no. Se trataba de consolidar las canciones un poco más. El anterior disco ya lo hicimos por pistas, y creo que maduramos muchísimo a la hora de grabar y producir. En “Un Sentimiento Importante”, al reducir opiniones ha sido incluso más ágil. Y creo que a pesar de ser un álbum de grabación por pistas, con la pesadez de repetir tomas, etcétera. Hemos conseguido que tenga una cierta frescura. Sí, hay mucha frescura y gancho inmediato. Nuestra intención fue hacer un disco “a petar de caras A”, como decimos nosotros. Que todas las canciones fueran potenciales singles de los que te puedas enamorar instantáneamente. Quizá las dos últimas se salen un poco de ahí, pero hostia, de la uno a la ocho… Eso es muy intencionado.

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Entrevistas | Mujeres En la canción ‘No Es Tu Sitio’ hay una caja de ritmos. Es la primera vez que la usáis, ¿verdad? Pues sí. Pol y yo venimos haciendo otras cositas aparte de Mujeres, que no tienen que ser necesariamente con caja de ritmos, pero nos encanta Suicide y llevábamos un tiempo queriendo hacer algo así con el grupo. Los discos están para eso, para probar cosas. Y ha quedado un poco como eso, como el experimento del disco.

se dice. Habla de lo que significa seguir estando con alguien, o dejar de estar con alguien. Esa es la pátina del disco. ¿El grupo llegó a peligrar? Sí. De esto hace algo más de un año y medio. En verano de 2016, justo antes de la gira por México se produce la ruptura, de golpe. Martí lo deja a una semana del viaje y se nos rompen los esquemas. Al final no fuimos a México y nos quedamos

ves que no todo va a ser fácil porque no tienes ni puta idea de nada. Hacernos con el control de la banda ha sido nuestra misión, y este disco es un poco reivindicación de eso. Queremos familiaridad, verdad, una cierta desvergüenza si quieres. No queremos nada pretencioso. ¿Con qué sello hubo desavenencias? Con el primero. No fue un drama tampoco, no nos jodieron la carrera ni nos robaron, pero sí nos dimos cuenta de que ellos iban por un lado y nosotros por

De alguna manera me parecía que los anteriores Mujeres sonaban a garaje americano, ya fuera cantado en español o en inglés. Pero este disco suena español a tope, como conectado de alguna manera a nuestro punk más primigenio. Sí, ha sido un recorrido. Al principio éramos ese grupo que seguía la estela del garaje americano de finales de la primera década de los dos mil coronada por los Black Lips. Fuimos un poco esa banda que abrió la puerta a que eso se pudiera hacer aquí. Pero de un tiempo a esta parte veníamos diciendo que nuestros discos eran muy poliédricos, que no eran de garaje-garaje. A los hechos me remito: nunca hemos sido un grupo de festivales de garaje, nunca hemos teloneado a estrellas extranjeras del rollo… Se nos ha relacionado más con el mundo indie, con el mundo pop, y ya el disco anterior abría la puerta a música de los cincuenta. Coño, que tenemos baladas al estilo Buddy Holly, que no tiene nada que ver con el garaje. Y en el anterior disco ya abrimos un poco la puerta al power pop, a ese rollo ’77 pero sin ser muy machacón, más hacia los Buzzcocks o The Jam. Y de golpe, es cierto que los temas en castellano nos salían un poco como caricaturas de la música retro española, Brincos, Salvajes y tal, y al empezar a hacer este nuevo disco nos dimos cuenta de que estábamos en plan punk español acelerado. Al escucharlo, mucha gente nos ha comparado con grupos que ni hemos escuchado. No sé si el castellano os ha llevado ahí, pero noto más romanticismo a la hora de cantar. Una nostalgia romántica por la amistad, o algo así. El tema titular pone los putos pelos de punta en ese sentido. Muchas gracias, así da gusto. (risas) Es el gran tema del disco. Está marcado por nuestros diez años, pero también por la ruptura y la pérdida. Eso recorre las letras, en lo que se dice y en cómo

Eso es un poco lo que simboliza la portada del disco, con ese escorpión enorme sobre la Península Ibérica. Hemos llevado un ritmo de 40 o 60 bolos por año. La mitad de los fines de semana estás fuera, todos compaginando eso con nuestros curros… Tienes que tener muchas ganas. Hemos hecho mucha ciudad pequeña. Si vamos a Zaragoza también vamos a Huesca, si vamos a Valencia también pasamos por Alicante y Castellón… y así va saliendo más y más respuesta de la gente. Eso es lo precioso. Por eso también hemos hecho el disco en castellano, por tener un reencuentro con nuestros fans españoles que sea más cercano. Nos hemos sentido queridos. Que el disco tenga cierto punto de homenaje a los fans españoles, no significa que vayáis a girar menos en el extranjero, ¿verdad? No, de hecho el disco lo vuelven a editar fuera en digital y en físico en Francia y Bélgica con otra portada diferente, que va a ser azul en lugar de roja. Y vamos a hacer una gira por ahí, sí. ¿Cómo recuerdas la noche con Erwin Flores de Los Saicos?

tranquilos. Pero al pensar en el resto de conciertos de ese verano fue cuando se planteó la continuidad de la banda. De ahí que haya más abrazo y más sentimiento que nunca en el disco, porque va de sobrevivir y seguir adelante. Es como cuando sobrevives a la muerte y te haces más fuerte. La espontaneidad de los videoclips del disco mola muchísimo. Siempre hemos funcionado de forma muy intuitiva. Cuando empezamos el grupo salió todo muy rodado y se nos fue un poco de las manos. (risas) Luego, cuando las cosas se pusieron jodidas por la crisis, por desavenencias con la discográfica,

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otro. De repente te decían cómo tenías que hacer las cosas y era como: Creo que no, que lo voy a hacer como yo pienso que tengo que hacerlo. Y eso tío, cuando empieza… Al principio parece que todo es la hostia, llega alguien que te quiere pagar el disco, todo es una novedad, todo es cojonudo… pero luego mira lo que duran los grupos. Mantenerse es dificilísimo. ¿Cuántos grupos duran diez años con un cierto nivel y un cierto estatus? Es duro, es duro el tema de la música. Luego está el círculo vicioso de la misma gente tocando siempre en los mismos festivales… En fin. Y la carretera, que consume mucho.

Pues la verdad que muy bien, la recordamos muchísimo porque fue una cosa megamítica. La sala me pareció de lo más extraña, eso era un after-hour ¿no? (se refiere a Boite Live, ndr.) Estaba a petar, la gente a tope y súper encima del escenario, y con Erwin pues una risas que te cagas, cuando le subieron a hombros al final con ‘Demolición’ fue inolvidable… El señor tiene ya una edad para aguantar eso, ¿eh? También quiso estar para la ocasión Danny Lee de los Night Beats, pero no pudo ¿sabes que es muy fan vuestro? ¿Sï? No me jodas, no sabes la ilusión que me hace que me digas esto, te lo digo en serio. Ya intentaremos contactarle. Joder, y creo que sé por qué puede haber pasado esto, qué fuerte. Cuando

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Entrevistas | Mujeres empezamos nos abrimos un perfil en MySpace, y empezamos a tratar bastante con una peña yanqui que eran de Seattle. “Mantenerse Los Night Beats son de Y de repente es dificilísimo” Seattle. esta peña que te digo nos pidió unas cuantas copias de nuestro disco para venderlas por allí porque por lo visto gustábamos bastante en la escena de garaje de la ciudad. Por la misma época nos contactó un tal Charles Moothart, que tenía un grupo en aquel momento que se llamaba Charlie & The Moonhearts.

cosas de publishing las llevan de puta madre. No sé si fue gracias a eso o a otra cosa, que conseguimos la pasta suficiente para cubrir la sesión de grabación de este nuevo disco. (risas) Estas cosas siempre dan un poco de pereza, porque dices a ver dónde me estoy metiendo. Parece que te hacen un favor pero al final el favor lo haces tú, porque te compran porque saben que eres barato. Y en realidad a ti no te ayuda para nada porque siempre sale gente que dice que eres un puto vendido. Pero qué hostias, dijimos “somos imbéciles si no hacemos esto”.

Nunatak Un nuevo paso hacia la cima “Nuestra idea más allá de etiquetas, es que nuestra música llegue a todos los rincones” (Adrián Gutiérrez, Nunatak).

¡El melenas que acompaña a Ty Segall! Exacto, el mismo tío que luego acabó tocando con el puto Ty Segall, macho. Pues nos escribió diciéndonos que éramos la polla y esto y aquello… era la época de nuestra primera demo. Con nuestro segundo elepé estuvimos muy cerquita de sacarlo en Estados Unidos. Joder, al principio de nuestra carrera estuvimos tan cerca de la movida yanqui… En aquella época a nosotros nos petaba toda esa escena de una forma brutal, y bueno luego al final terminó siendo más lo de Burger y tal, y todos esos grupos que vinieron después. Pero vamos, que guardo muy buen recuerdo de todas nuestras giras por Estados Unidos, de haber estado con peña muy, muy máquina. Conocer a Shannon & The Clams, fiestas locas en Austin… muchas locuras.

Al final se trata de ser práctico y entender que te estás dedicando a esto, y que tampoco hay que perder pasta. Que quieres comer, estar cómodo, y que si se te rompe un amplificador no las pases putas para comprarte otro. Texto: Nacho Serrano Fotografías: Álex Sardá

Para terminar, ¿cómo es que os cogieron ‘Lose Control’ para un anuncio? Es verdad… esto debió ser por la gente de Canadá, nuestro anterior sello, que todas estas

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Entrevistas | Nunatak En este loco mundo donde todo está globalizado la música va y viene, muchas veces pasando totalmente desapercibida para la mayoría de la gente. Hace años con los casetes teníamos acceso a los grupos que escuchaban nuestros hermanos y colegas pero ahora, en cambio, basta un par de clicks de ratón para escuchar un grupo, sea de Bogotá, Verona, Wisconsin, Reikiavik o Murcia. De esta ciudad española proviene Nunatak, una formación que aspira a comerse el mundo con su tercer disco Nunatak y el Tiempo de los Valientes (Warner Music/Son Buenos, 2018). Con sus diez nuevas canciones quieren seguir subiendo peldaños en su particular carrera musical y para ello, además de fichar por una multi, tienen un buen puñado de temas que sirven como carta de presentación. En estos momentos están preparando sus conciertos en salas y festivales, pero traen la lección aprendida tras sus dos primeros álbumes. Sus brillantes canciones les avalan, la voz de su frontman es un extra añadido y su instrumentación les cubre las espaldas. Precisamente con su cantante y guitarra, Adrián Gutiérrez, charlamos sobre el lanzamiento de su citado tercer disco y todas las novedades que rodean su actividad musical.

Publicáis vuestro tercer disco bajo el título de Nunatak y el Tiempo de los Valientes (Warner Music/Son Buenos, 2018). ¿Cuáles son las sensaciones que tenéis tras vuestros dos primeros álbumes?

canciones, no como un criterio compositivo. Nosotros hacemos las canciones que nos gustaría escuchar, melodías que nos llenan e historias que nos emocionan.

la faceta de estudio nos ha “Sabremos enamorado. Nos ha exigido hacer valer mucho para sacar nuestra mejor cara y nos ha ayudado la confianza a encontrar un sonido muy puesta en representativo de Nunatak, con melodías elaboradas, nosotros” gran cuidado con los coros y una apuesta por la percusión y ritmos marcados, todo ello acompañado de instrumentación más eléctrica, con más garra, sin perder la esencia orgánica e íntima con la que empezamos a andar. En vuestros dos primeros álbumes los sonidos folk eran predominantes, con la guitarra acústica y el ukelele siendo los principales protagonistas, sin embargo, en vuestras nuevas canciones trabajáis más sonoridades con una mayor instrumentación, navegando en estilos como el pop y el rock ¿qué os llevó a incluir nuevos sonidos en el disco? Es pura evolución, nosotros escuchamos mucha música y nuestros gustos van evolucionando, nos inquietan muchos estilos y siempre tenemos curiosidad por experimentar. En Nunatak y el Pulso Infinito comenzamos un viaje hacia la electrificación de Nunatak, que continuamos en este disco, en el que creo que conviven ambos mundos, el orgánico y el eléctrico, en amor y compañía.

Creemos que estamos ante nuestro mejor trabajo hasta la fecha. Lo hemos trabajado a fuego lento y en nuestra ciudad, con tranquilidad y mucha dedicación, también hemos llegado a él en un estado de forma más alto, con más experiencia y con las cosas más claras. La producción de Raúl de Lara ha sido clave a la hora de encontrar un sonido con más garra y más cercano al directo. Estamos muy ilusionados con el disco. Habéis adelantado cuatro canciones, ‘Romper El Cielo’, ‘Nadie Nos Va A Salvar’, ‘A Miles De Kilómetros’ y ‘Aún Respira’, ¿cómo han sido los comentarios de vuestros seguidores a través de las redes sociales? Muy positivos, estamos muy contentos con la acogida y deseosos de que se estrene ya el disco completo. El citado tercer disco está formado por diez nuevas canciones de las cuales más de la mitad podrían sonar en radios, independientemente si son comerciales o no, como ha pasado recientemente sonando en medios como Los40 y Radio3 ¿os apetece llegar a más público con el nuevo disco?

Volvéis a trabajar en la producción de las canciones con Raúl de Lara, productor murciano que conoce vuestro sonido ¿qué aportó a la grabación del nuevo disco? ¿Pensasteis en trabajar con otro productor o no se barajó esa opción?

Por supuesto, nuestra idea más allá de etiquetas, es que nuestra música llegue a todos los rincones, pero entiendo como una consecuencia de nuestras

Es la primera vez que trabajamos con Raúl como productor, y la verdad es que si ya nos encantó su labor en la producción de nuestro directo, en

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Seguís trabajando con el sello Son Buenos pero ahora formáis parte de la disquera multinacional Warner Music para editar vuestro tercer álbum ¿qué supone dar el salto de una discográfica humilde de vuestra zona a trabajar en una con presencia internacional? La familia ha crecido, sí. Ahora tenemos un equipo más fuerte, Nunatak crece y su equipo también. Para nosotros supone una gran oportunidad y un gran reto que afrontamos con ilusión y mucho trabajo, creemos que tenemos un buen disco bajo el brazo y que sabremos hacer valer la confianza puesta en nosotros.

El disco sale en formato CD y digital, pero destaca que editáis el mismo en vinilo transparente ¿es importante para vosotros publicar ediciones físicas o sigue siendo más fácil hacerlo de manera digital? En Nunatak hay verdaderos amantes del vinilo y hasta la fecha no habíamos podido editar ninguno. Estamos locos de contentos. Las ediciones digitales está claro que están en auge y parecen imparables, pero sigue habiendo gente que aprecia poder tocar los discos, sentirlos… esa especie de ritual que conlleva el sacar un disco, pincharlo, leer el libreto, ver las fotos, ver las colaboraciones, las letras… ¡Nosotros somos esa gente! También cuidáis mucho el diseño del disco, corriendo el mismo a cargo de Daniel Rabaza de Munster Studio ¿cómo se planteó este trabajo conjunto? ¿Estáis contentos con el resultado conseguido? Seguíamos desde hacía tiempo el trabajo de Dani en Munster y nos encantaba. La idea inicial con la que se trabaja era la valentía, representada con una mirada de mujer y tras varios enfoques llegamos a la portada actual, la cual nos encanta, estamos muy contentos. Vuestras primeras presentaciones en directo tendrán lugar en tiendas Fnac de Madrid, Barcelona, Valencia, Málaga y A Coruña, pero también en El Corte Inglés de Murcia y en la tienda de discos Bora Bora de Granada ¿qué supone para vosotros estas citas? Firmar discos, ofrecer showcase ante vuestros seguidores, tener contacto directo con ellos haciendo fotos… Pues no te voy a engañar, llevamos mucho tiempo sin subirnos a un escenario y hay una mezcla de nervios e ilusión. Tenemos muchas ganas de presentar las canciones tanto a lo grande en salas y festivales, como en estos showcases más acústicos. Será una buena ocasión para conocer las primeras impresiones de nuestros seguidores cara a cara. Después, la gira tiene fechas en festivales como SanSan Festival, Let’s Festival, FIV y WAM Murcia ¿qué esperáis de estas citas en directo? ¿Cómo serán estos conciertos? Ahora mismo estamos inmersos en el fin de la producción de directo de nuestro nuevo repertorio,

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Entrevistas | Nunatak otra vez con Raúl de Lara. Hemos dado un salto técnico importante y ambicioso, creemos que nuestro directo va a subir al siguiente nivel. Está siendo muy intenso, pero el resultado que ya vamos vislumbrando apunta muy, muy bien. Estamos acumulando unas ganas de tocar bestiales. Suponemos que la gira de presentación por salas comenzará tras el verano ¿cuáles son los planes para el otoño y el invierno? ¡Exactamente! Ya tenemos casi todas las fechas de salas, que muy pronto anunciaremos. La música vive en las salas y nos encanta poder explayarnos

y sin prisas, tocar un repertorio más largo, una experiencia diferente a nuestros conciertos de festivales, con canciones que no solemos tocar y con el público bien cerca. Muchas gracias, podéis añadir lo que os apetezca, ¡esta pregunta es para vosotros! Nada más que invitar a todos a escuchar nuestro nuevo disco Nunatak y el Tiempo de los Valientes, que sale a la venta física y digital el viernes 2 de marzo. En este disco hablamos de historias de valentía, de todas aquellas personas que se enfrentan a sus miedos con valor y siguen adelante. Texto: Alfredo Rodríguez Fotografías: Juan Pérez-Fajardo

Discos | Marzo 2018

Discos

Dinero A 10 Años Luz

Cuello Regalo Doble

(Warner Music, 2018)

(BCore Disc, 2018)

Ya nos habían puesto los dientes largos, los oídos a punto y el corazón a prueba adelantando las canciones ‘Romper El Cielo’, ‘Nadie Nos Va A Salvar’, ‘A Miles De Kilómetros’ y ‘Aún Respira’, pero los murcianos nos enamoran totalmente con los diez cortes incluidos en su nuevo largo Nunatak y El Tiempo de los Valientes (Warner Music, 2018) que ahora podemos disfrutar deliciosamente. Buena parte de culpa la tiene su productor Raúl de Lara (Second, Inlogic, Layabouts), quien ha logrado una combinación perfecta para crear el mejor disco hasta la fecha del sexteto. Partiendo de la base de que sus anteriores trabajos deberían haber tenido más reconocimiento, con su exquisito álbum tienen que ir a por todas sin tenerle miedo a nada. Y es que, como indican en su propio título, es su tiempo, porque son unos valientes. No tienen nada que perder pero sí mucho que ganar. Para ello, gozan de una gran capacidad musical con sus respectivos instrumentos como muestran y demuestran una vez más, sin ir más lejos con el intenso bajo y los teclados enigmáticos en ‘Nadie Nos Va A Salvar’, el violín y la acústica en ‘El Tiempo De Los Valientes’ y el ukelele, las maracas, la clave y la trompeta en ‘Sigues En Pie’. Por no hablar de la enamoradiza garganta de la que puede presumir Adrián Gutiérrez, quien hace gala de su portentosa voz plagada de sonoridad, marca de la casa. Además, las brillantes frases en varias de sus nuevas canciones (“Esta vez seré yo quien parta tu mundo en dos, esta vez seré yo quien parta tu muro en dos”, “Rompimos el cielo y el ruido brotar, todas las estrellas que empiezan hoy a brillar”, “Somos dos notas de un acorde prohibido, disonancia perfecta en un precioso ruido”) aumentan la calidad recogida en sus diez composiciones. Conjugando todas las aptitudes nos encontramos con nuevos sonidos que mezclan pop y rock, dejando un poco de lado su vena más folk, acertando en la combinación de estilos que agradan su atrevimiento. Con más de la mitad de las canciones incluidas en el LP preparadas para sonar en cualquier radio de nuestro país, comercial o independiente, sorprenden en cortes como ‘Sigues En Pie’, donde la combinación de instrumentos y el ritmo conseguido pondrá a bailar a todo humano que escuche su melodía. Cabe destacar la interpretación de ‘Aún Respira’, cuya letra corre a cargo del cartagenero Carlos Madrid, siendo uno de los cortes más emotivos que recoge el listado de canciones. Muchas cosas podrían decirse sobre el grupo y este disco en particular, pero destaca el cariño y el sentimiento que le han puesto, reflejándose en el compendio total.

Diez años, ciento veinte meses, muchos días, unas miles de horas y muchos más segundos después el ahora cuarteto Dinero celebra una década en activo con el disco A 10 Años Luz (Warner Music, 2018). Puede que algunos no lo crean, pero el grupo afincado en Madrid suma y sigue, llenando de rock salas y festivales con sus intensas y emotivas canciones. Los años pasan pero ellos, como el buen vino, envejecen bien. Sorprende la cantidad de colaboradores, hasta diez en las catorce canciones que forman el álbum, pero más aún la calidad de las segundas voces. Con buen acierto echan la vista atrás, repasan su repertorio y se reinventan. Puede tomarse como un recopilatorio, efectivamente, también como un álbum en directo, que lo es, porque está registrado en vivo en el Estudio Uno de Madrid bajo la producción del cantante y guitarrista Sean Marholm, pero lo mejor de todo es la elección de sus colegas musicales. Por encima de todos destaca Dani Martín (sí, el exlíder de los disueltos El Canto del Loco), quien brilla junto a Marholm combinando de manera sobresaliente sus gargantas en ‘Bajo Cero’. Obviando su procedencia, se dejan los prejuicios a un lado y demuestran que el mainstream y el underground (si es que podemos considerar a Dinero un grupo underground, claro) están más cerca de lo que parecen. Mención especial para ‘El Drogas’, quien aporta su mítica voz con carraspera continua en la intensa ‘Duelo de Titanes’. La joven Carolina de Juan, conocida artísticamente como Nina, además de lucirse con Morgan hace lo propio en ‘Armas Sin Filo’, corroborando su gran momento de forma. La que se considera su mejor canción (por lo menos la más exitosa y celebrada en sus directos), ‘En Invierno’, queda reservada para Mikel Izal, dando buena muestra de sus habilidades vocales, las mismas de las que hace gala el omnipresente Iván Ferreiro en ‘Una Noche Más’. El gallego, culo inquieto en lo que a colaboraciones se refiere, vuelve a ser el mejor referente del pop nacional con su carisma. Uno que no podía faltar es Gonçal Planas (Mi Capitán) aportando su calidad en ‘El Momento Perfecto’ y el cantante, guitarrista, teclista y letrista de Mucho, Martí Perarnau, en la guitarrera ‘Año Cero’. El productor y músico Charlie Bautista se apunta a la poderosa ‘Mata Hari’ y el que fuese compañero de Sean, Ekain, Juan y Alain, Alejandro Ovejero, hace lo propio en la explosiva ‘Dinamita’. En resumen, un disco que hará que goces de algunas de las mejores canciones de Dinero como nunca te habías imaginado.

Cuarto disco de Cuello, y cuarta hostia en la cara que se recibe a gusto. No hay manera de que bajen el listón los valencianos, al menos hasta ahora, un lustro después de iniciar esta aventura con el indomable Mi Brazo Que Te Sobre (Bcore Disc, 2013). Regalo Doble comienza con ‘El Solitario Dueño De Mi Emoción’ según lo acostumbrado: endiabladas inflexiones de guitarra que vuelven a dar buena cuenta de la inagotable imaginación de José Guerrero a los trastes y una fiereza rítmica áspera y seca, que acompañan a unas letras que, y aquí quizá venga la novedad, resultan menos crípticas y dadaístas que en otras ocasiones. Y decimos “quizá” porque Guerrero no se entrega a la obviedad ni mucho menos: es probable que seamos nosotros, sus fans, lo que estemos empezando a estar familiarizados con su universo lírico. Esas comparaciones con Queens of the Stone Age en los medios tiempos que se hacen por ahí están algo justificadas en ‘El Cuidador’, una pieza con la neura obsesiva del robotrock. Pero el punkcore más impetuoso está en el ADN del cuerpo central de Regalo Doble, con esas arrolladoras ‘Saltando El Muro Del Silencio’, ‘La Frase’ o ‘Acumulación de Triunfos’. Tampoco falta el noventerismo ilustrado de la inconfundible venita Pixies/Mascis de Guerrero, que brota en las geniales ‘La Psicopatía del Pulmón’, ‘Juego Dominante' o ‘Días de Carrusel'. Y las bajas revoluciones también resultan matadoras, con esa preciosa ‘Su Calma Sin Sangre' que se erige como la descendiente menos lejana del blues en el cancionero de Cuello desde ‘Visado de Reina’. Si José es consciente o no de la libertad que trasmite como cantante y guitarrista, de lo libre que es como artista, es otra pregunta para apuntar para un próximo encuentro. Pero quizá este disco tenga la pega de no ofrecer alguna sorpresita, algún ensayo con el sonido (¿dónde está la mano de Paco Loco?), la instrumentación o el repertorio que marque más la diferencia con el resto de la discografía del cuarteto, algo que permita decir nuevas cosas buenas de su música. Sin embargo, donde Guerrero no falla es en hacer que su banda se comporte de la misma manera que su instinto creativo y ejecutor y nos dé ratos de extraordinaria evasión, un escapismo rabioso que, si no consigue reconfortarte porque tienes un mal día, al menos es cien por cien fiable si buscas una buena descarga de adrenalina para tu carcasa de carne y huesos.

Alfredo Rodríguez

Nacho Serrano

Nunatak Nunatak y El Tiempo de los Valientes (Warner Music, 2018)

El disco del mes

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Franz Ferdinand

Sandra Bernardo

(Domino Recording Co., 2018)

(El Volcán Música, 2018)

En su quinto larga duración los escoceses Franz Ferdinand intentan recuperar el tiempo perdido y los pasos atrás dados con su tercer y cuarto álbum, pero no lo consiguen. Para su nuevo disco Always Ascending (Domino Recording Co., 2018) tienen la suerte de haber encontrado dos nuevos y solventes miembros, Julian Corrie y Dino Bardot, que suplen la dolorosa baja del carismático Nick McCarthy, pero no llegan a su magistral debut homónimo Franz Ferdinand (Domino Recording Co., 2004). Han pasado cinco años desde su anterior lanzamiento sin contar su disco FFS (Domino Recording Co., 2015) junto a Sparks, pero los de Glasgow bucean entre sus peores canciones para pescar algunas de las mejores de su nuevo lanzamiento. Y sí, `Always Ascending´, `Lazy Boy’ y `Feel The Love Go´ suenan brillantes en su registro de estudio y posiblemente suenen mejor en sus conciertos, pero las otras siete composiciones que completan el listado de diez cortes hacen que rezumen los bostezos generalizados. Puede que sea la grabación que necesitaban para coger aire, respirar y mirar el futuro con optimismo, pero está claro que con unas canciones tan misteriosas y con tan poco gancho no embaucarán a nuevos seguidores. Con su nuevo gusto por los teclados y los sintetizadores, el sonido de las guitarras y el del bajo quedan en un segundo plano, como puede comprobarse en los matices electro-pop conseguidos en `Lois Lane’. Puede considerarse un disco con vistas a tiempos futuros, pero lo que tenemos en el presente nos hace echar en falta sus buenos momentos pasados que por el momento siguen sin recuperar a pesar de poner empeño. Y aunque puedan sentirse orgullosos de haber explorado nuevas sonoridades a la hora de crear su nuevo disco, puede que hasta ellos mismos sean conscientes de tener entre sus manos una colección de canciones con sabor agridulce. Si escuchas pausadamente la sensación será buena, pero no disfrutarás las mejores composiciones del quinteto, porque no lo son.

En la descripción de su perfil en la red social Facebook indica Como si Matisse, Gauguin y Frida Kahlo se pusieran a pintar música entre ellos. Combinando música con pintura, el debut largo de la madrileña Sandra Bernardo titulado Trópico Ideal (El Volcán Música, 2018) es una sugerente y emocionante colección de sonoridades que te atrapan desde su primera escucha. El tema pictórico viene desde su imagen, donde aparece en una de sus fotografías promocionales desnuda con su torso pintado cual lienzo de un pintor. Con la calidad de los pintores franceses y la mexicana, pero aportando su musicalidad en lugar de sus pinceles, la cantante y compositora dibuja diferentes trazos sonoros con una brillantez inusual en nuestro país. Buena parte de culpa la tiene un listado de secuaces musicales curtidos en mil estudios y escenarios como son Aitor Castells (co-productor, instrumentista y arreglista), Sebastián Merlín (percusionista y multiinstrumentista), Frank Santiuste (trompetista), Pablo Novoa (guitarrista) y Joan Garriga (acordeonista), quienes colaboran en la original frescura tropical con la que deleita nuestros oídos gracias a ritmos positivos, luminosos, cálidos y llenos de energía. Con su EP Gardenia (2015) puso alerta a muchos pero ahora, incluyendo en su LP dos de sus mejores canciones, ‘Fruta’ y ‘Lola’, trae el calor en el momento preciso, justo cuando la Península está sumida en un intenso invierno. Sus ritmos playeros y veraniegos, surgidos de sus viajes a México, Australia y Estados Unidos, tienen ecos a islas paradisíacas, orillas de mar, palmeras y atardeceres. Con una gran combinación de instrumentos (desde charango a sintetizador, pasando por arpa, theremin, slide guitar, percusión, bajos y guitarras, entre otros), las canciones están influenciadas por clásicos como Caetano Veloso y contemporáneos como Bomba Estéreo, llenando de sensualidad y ritmo cada una de sus notas. En los tiempos que corren donde casi todo está globalizado, el disco de la joven madrileña debería escucharse por igual a ambos lados del océano Atlántico, gracias a los diversos estilos que lo forman.

Alfredo Rodríguez

Always Ascending

Trópico Ideal

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Conciertos

Triángulo De Amor Bizarro Playa Club. A Coruña. 06.01.2018 Promotor: Retroalimentación

Mando Diao

La Riviera. Madrid. 22.02.2018 Promotor: Live Nation Citando el título del último trabajo de los suecos, Good Times (BMG, 2017), corren buenos tiempos para Mando Diao. Retomado el camino más eléctrico después del electrónico Aelita (Universal Music, 2014) y realineados tras la marcha de uno de sus cantantes y fundadores (Gustaf Norén), la banda visitó algunos festivales nacionales y, por fin, ha vuelto este mes a nuestras salas con carteles de “entradas agotadas”. Y es que había ganas de que volvieran. No pudieron disfrutar del aforo completo de La Riviera madrileña los canadienses The OBGMs, grupo invitado, que con mucha simpatía y más punk rock se encargó de caldear el ambiente con los temas de su debut homónimo. Coreografiando al personal y metiéndose entre los asistentes, lo cierto es que ellos acabaron metiéndose al público en el bolsillo. Media hora más tarde de lo previsto, hicieron acto de presencia unos apuestos Mando Diao, cuyo estilismo más rockero tras la era Aelita no era simple postureo; arrancaron rasgueando guitarras con ‘San Francisco Bay’, una cara b de 2006. Y lo harían el resto de la velada, porque los suecos tenían preparado un repertorio con el que saltarían a los puntos más lejanos de su cancionero. Retrocedieron hasta Hurricane Bar (Mute Records, 2004) para recuperar ‘White Wall’ y ‘All My Senses’, con la que recordaron su primer concierto en la capital, en la sala Moby Dick. Minutos de nostalgia absoluta al encadenar la trepidante ‘The Band’ y la más melódica ‘Mr. Moon’, piezas claves y estupendas del debut Bring ‘Em In (EMI, 2002), donde se sigue imponiendo, sin despeinarse, la voz cálida y desgarrada de Björn Dixgård (por quien parece que no pasan los años). Sobre sus cuerdas vocales recae ahora todo el protagonismo, y además de darle un nuevo tono a títulos inmortalizados por Gustaf, Björn fue el perfecto frontman, tanto con la guitarra a cuestas para rememorar ese pasado garajero como para encajar entremedias la actualidad marcada por más movimientos de cadera que de flequillo en ‘Good Times’ y ‘One Two Three’, micro en mano. Y con el mismo carisma le pondría la dosis de emoción adecuada a ‘Break Us’, baladón que abre su último álbum y que arrancó únicamente acompañada por el piano de Daniel Haglund. A medida que caían los últimos temas, el quinteto empezó a reunirse más en el escenario y pidió más ruido del público (y los cánticos futboleros que tanto gustan a los foráneos), preparándole para el karaoke de ‘Gloria’, que desde Give Me Fire! (Universal Music, 2009) se mantiene inexorable. ‘Ochrasy’, de Ode to Ochrasy (Mute Records, 2006), fue una elección curiosa para retirarse unos minutos y tomar aire para los últimos bailes a ritmo del sabor funky de ‘Shake’, que es un buen candidato pero no gana al éxito indiscutible de la pista de baile de los suecos, ‘Dance With Somebody’, culpable de saltos, palmas y gritos varios. En forma y seguros de sí mismos, Björn y compañía sacaron a relucir sus distintas facetas, en un repaso a casi 20 años de carrera con un bache del que, afortunadamente, han sabido salir reforzados.

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Texto: Beatriz H. Viloria

Durante veinticuatro meses los gallegos Triángulo De Amor Bizarro han estado ocupados paseando las canciones de su exitoso largo Salve Discordia (Mushroom Pillow, 2016) por toda la geografía española, cruzando incluso el océano Atlántico para celebrar su gran momento de forma en territorio americano. También recibieron el Premio Ruido de manos de la Asociación de Periodistas Musicales de nuestro país, además de las mejores críticas de su citado álbum por parte de los medios musicales especializados. En esta ocasión los coruñeses jugaban en casa para recordar su magistral debut largo homónimo Triángulo De Amor Bizarro (Mushroom Pillow, 2007), trabajo que les puso en el punto de mira de la escena independiente nacional, dando mucho que hablar en el momento de edición y en los años posteriores. El ciclo de conciertos “Retroalimentación” albergó una vez más su directo en el Playa Club a orillas de un revuelto océano en una noche de lluvia que sirvió para celebrar la festividad de los Reyes Magos. La primera parte del directo contó con un invitado de lujo, Julián Ulpiano, primer batería del ahora cuarteto, quien acompañó a Isabel Cea al bajo y las voces, Rodrigo Caamaño a la guitarra y las voces, Rafael Mallo a la batería y Zippo al teclado y la guitarra. Sin dilación, sonaron apabullantes ‘El Himno de la Bala’, ‘El Crimen: Cómo Ocurre Cómo Y Cómo Remediarlo’, ‘¿Quiénes Son los Curanderos?’, ‘El Fantasma de la Transición’, ‘Mal Como Efecto de Mala Voluntad’, ‘Estrella Azul de España’, ‘Ardió la Virgen de las Cabezas’, ‘Cómo Iluminar una Habitación’, ‘Isa VS El Partido Humanista’ y ‘Para los Seres Atados (A las Condiciones Terrenas)’ en poco más de media hora. Poniendo todo en orden estuvo presente Carlos Hernández, productor del disco y técnico de sonido del grupo, quien tuvo que ajustar su panel de control en los primeros compases para que sonase como tenía que sonar. El habitual ruido desbocado del grupo, junto con su intensidad sobre las tablas, fueron la premisa de su brutal puesta en escena, apoyados por un público ávido de sensaciones. Tras un necesario parón para coger aire, regresaron a la tarima con su formato habitual para aplastar con sus canciones a los presentes. Quince nuevos cortes fueron los que arrasaron y fueron recibidos con saltos y empujones por buena parte de un público que celebró la madrugada con varias rondas de alcohol y bastantes decibelios de música. Mezclando su habitual shoegaze con noise y rock psicodélico, los cada vez más reconocidos TAB celebraron una noche mágica que perdurará en los corazones, en las cabezas y en los tímpanos de muchos. Texto: Alfredo Rodríguez Fotografía: Alfredo Rodríguez

Conciertos | Marzo 2018

Metallica

WiZink Center. Madrid. 03.02.2018 Promotor: Live Nation Los californianos Metallica consiguieron un récord de asistencia en su concierto en el WiZink Center de Madrid, siendo el segundo de su particular gira “Worldwired Tour” y el primero de los tres shows en nuestro país, repitiendo mañana lunes en el mismo recinto y el miércoles en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Congregando a 16.767 personas en el céntrico recinto multiusos, llegaron con el cartel de “entradas agotadas” desde hace casi un año que se pusieron los tickets a la venta. Con un aval de 37 años de carrera musical y unos 120 millones de discos vendidos en todo el planeta, son una de las cuatro bandas cabecera de la escena thrash metal internacional que, junto a Megadeth, Slayer y Anthrax, forman el conocido como “The Big Four” del género. Su nueva visita estaba enmarcada en el tour mundial donde presentan su nuevo álbum Hardwired… To Self-Destruct (Universal Music, 2016), largo que recupera la senda metálica ensombrecida con su octavo largo St. Anger (Elektra Records, 2003) que tuvo su maquillaje musical con su noveno lanzamiento Death Magnetic (Universal Music, 2008).

Capitán Cobarde

Le Club. A Coruña. 17.02.2018 Promotor: Blis Record Liderando su banda, el cantante y guitarrista Alberto Romero Nieto, conocido por su nombre artístico Capitán Cobarde en su nueva etapa musical, llegó hasta tierras gallegas dentro de la gira de presentación de su nuevo disco Carretera Vieja (Maldito Records, 2017). Respaldado por la guitarra, el bajo y la batería de sus “Niños Perdidos”, el artista sevillano echó mano de casi una veintena de canciones de su repertorio para goce y deleite de sus seguidores coruñeses. Obviando sus inicios punk y rock urbano, centró su show en el folk-rock, americana e incluso blues de los que hace gala en la actualidad gracias a cortes como ‘La Primavera’, ‘Muertecito Estoy De Ganas’, ‘Aire’ y ‘Somos Pájaros’, dedicada esta última a su querido loro Rosendo. Destacó su cercanía y autenticidad con los presentes, ratificando su carisma sobre el escenario, sudando como si saliese del gimnasio en lugar de lo alto de la tarima. Para ello se sirvió del sombrero que se quitó y se puso en repetidas ocasiones, algunas tras su intensa manera de tocar la guitarra acústica. Con un nutrido número de alocados fans situados en las primeras filas, cantó y arengó a los mismos desde lo alto, dando buena cuenta de su gran estado de forma en lo que a voces se refiere. Su ecléctica propuesta salió a relucir en determinados momentos de la noche, entonando aires flamencos en algunos compases, siguiendo con un rock tradicional que hizo brillar gracias a su fuerza. Tras coger aire en el backstage, regresó a las tablas para finiquitar un intenso show con un triplete de singles marca de la casa como fueron ‘Mi Pequeño Frankestein’, ‘Alegría’ y ‘Hay Un Sitio’, haciendo cantar, saltar y vibrar a toda la sala.

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Texto: Araceli Rodríguez Fotografía: Alfredo Rodríguez

Como no podía ser de otra manera, los norteamericanos irrumpieron en el escenario rectangular ubicado en el centro de la pista mientras sonaba la habitual ‘The Ecstasy Of Gold’ del compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone, dando paso a un repertorio de algo más de dos horas donde sonaron temas de toda su discografía, desde su debut Kill ‘Em All (Megaforce Records, 1983) hasta su citado nuevo largo editado en noviembre de 2016. En los primeros compases de la velada, ‘Hardwired’, ‘Atlas, Rise!’ y ‘Seek & Destroy’ hicieron entrar en calor a los presentes en una de las noches más frías de la estación invernal. Alternando nuevas (sonaron hasta siete cortes de su último trabajo) con viejas composiciones, supieron mezclar a la perfección su pasado más histórico con su presente más actual. Con un Lars Ulrich más certero que en otras giras, ofrecieron un gran show en el que destacó un trabajado juego de luces, imágenes y videoclips proyectados en unos cubos que subían y bajaban de una estructura colgante del techo del imponente recinto (echando un vistazo en YouTube e Instagram se aprecian las grabaciones de muchos asistentes que subieron sus recuerdos visuales). En lo musical no se salieron demasiado del guión establecido previamente en su cita lisboeta, echando mano de la percusión en un momento tribal que recordó a los Mayumana más intensos, los cuatro componentes sorprendieron a propios y extraños con su interpretación étnica. Pero no sería la única salida de línea, puesto que Robert Trujillo y Kirk Hammett revisaron el corte ‘Vamos Muy Bien’ de los madrileños Obús (sí, no es broma) en una curiosa interpretación que dejó a muchos perplejos por lo bizarro del momento. No faltaron los clásicos básicos (‘Fuel’, ‘Sad But True’, ‘One’, ‘Master Of Puppets’) acompañados por las linternas de los smartphones sustituyendo a los clásicos mecheros junto a las melenas de los cuarentones que abundaban en la pista. Llegó el final del concierto con la bandera española en las pantallas que adornaban el gran escenario, recibiendo una atronadora ovación tras su potente show. Hubo comentarios de todo tipo a la salida, desde los que se quejaron por el bajo sonido, hasta los que no estaban satisfechos con lo presenciado, pero la mayoría llevaba una sonrisa de oreja a oreja, sudor en su cuerpo y la sensación de haber disfrutado de otro gran concierto de uno de los monstruos del rock internacional. Texto: Araceli Rodríguez

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Reportajes Mujeres y música El Día Internacional de la Mujer Trabajadora, también llamado Día Internacional de la Mujer debido

a la decisión de la ONU de institucionalizarlo en 1975, conmemora la lucha de la mujer por su participación, en pie de igualdad con el hombre, en la sociedad y en su desarrollo íntegro como persona. Se celebra el día 8 de marzo, teniendo el apoyo de más de 2.200 mujeres periodistas profesionales de distintos medios, agencias y gabinetes que denuncian en un manifiesto el machismo en el sector. En un documento oficial instan “a todas las compañeras a que se sumen a la movilización en la medida de sus posibilidades y circunstancias”. En la música también existe el machismo y por eso 45 festivales a nivel internacional se comprometen a sumar bandas de mujeres para combatir la brecha de género. Poco a poco el mundo intenta cambiar en un lugar más igualitario entre mujeres y hombres como muestra la iniciativa europea de la asociación británica PRS Foundation, Keychange, la cual cita a las mujeres para transformar el futuro de la industria musical y animando a los festivales a lograr un equilibro de 50/50 para el año 2022 en la dirección artística de sus programaciones. Como se explica en el sitio oficial de Keychange, diversos eventos en todo el mundo se han sumado a la iniciativa, comprometiéndose a la igualdad de oportunidades para mujeres y hombres, no sólo para formar parte de los carteles, sino también en lo referente a conferencias, producción, comunicación y organización. Entre la lista de los 45 festivales dos tienen lugar en nuestro país, concretamente el Granada Experience -entre el 11 y 15 de abril en Granada- y el BIME -entre el 25 y el 28 de octubre en Bilbao (Bizkaia)-. Precisamente, los organizadores de este último evento, Last Tour, también organizadores de otros festivales como el Azkena Rock de Vitoria-Gasteiz, sufrieron las críticas por la escasa presencia de mujeres sobre sus escenarios. Desde diversos medios de comunicación se citó que géneros como el punk y el rock sigan “totalmente masculinizados”, cuestiones que se debatieron en unas jornadas organizadas por Orbain Kultur Elkartea. Dicha agrupación abordó este tema desde una perspectiva feminista y retomó la consigna nacida en Estados Unidos en los años 90, “Girls to the front!”, con la que se empezó a desterrar a los chicos a las últimas filas en los conciertos para animar a las mujeres a ocupar la primera línea de los mismos. También en nuestro país, en septiembre de 2016 nació la Asociación MIM (Mujeres en la Industria de la Música) con el objetivo de velar por el cumplimiento de la igualdad efectiva de mujeres y hombres en el sector de la industria musical. Su finalidad es su disolución, pues desean que llegue el día en que no sea necesaria su asociación, debido a que hombres y mujeres tengan el mismo tratamiento, los mismos salarios, las mismas oportunidades y las mismas posibilidades en el mundo de la música. Con más de 100 socias, diversas comisiones trabajan para lograr su objetivo: la igualdad.

En lo que a artistas femeninas se refiere, unas de las más representativas en la Península en los últimos años son Hinds, cuarteto madrileño que está dando mucho que hablar a lo largo y ancho del planeta. Publicarán su segundo disco I Don’t Run (Lucky Number, 2018) el próximo viernes 6 de abril, pero con su debut largo Leave Me Alone (Lucky Number, 2016) han brillado con luz propia. Han tenido que sufrir distintos ataques machistas por parte de medios y público, pero ellas van a lo suyo con ilusión, trabajo y constancia. Catalogada su música como garage, navegan como pez en el agua en las redes sociales, han tocado en festivales internacionales como Coachella, Glastonbury y SXSW, entre otros, girado por multitud de países (desde Norteamérica a Sudamérica, pasando por Europa, Japón y Australia) y siguen logrando éxitos que pocos artistas en nuestro país consiguen. También luchan contra la violencia machista, como en un vídeo que realizaron para el Ayuntamiento de Madrid, concretamente una campaña contra las agresiones sexuales en las fiestas, pretendiendo concienciar de las agresiones machistas. Otras formaciones como Savages, cuarteto formado hace siete años en Londres, siempre tienen que contestar entrevistas donde alguna pregunta está relacionada con el hecho de ser una banda formada íntegramente por mujeres. Sobre esto, su cantante Jehnny Beth declaró: “es muy habitual que los periodistas nos pregunten sobre feminismo y música. No creamos la banda con un planteamiento feminista, pero entendemos que hemos cristalizado algunas ideas cercanas al feminismo porque somos, en definitiva, cuatro mujeres haciendo rock’n’roll. Es inspirador conocer a otras mujeres cuando termina un concierto y te dicen que vernos tocar les despiertan ganas de hacer cosas, tanto como ver a chicas jóvenes gritando ‘She will, she will’ en primera fila del concierto. Más repercusión tienen en el sentido femenino Pussy Riot, colectivo ruso que pone en escena actuaciones de provocación política sobre temas como la situación de las mujeres en Rusia. Sin ir más lejos, en febrero de 2012 tres miembros de la banda fueron arrestadas y condenadas a dos años de cárcel. Las componentes moscovitas denunciaron malos tratos mientras estaban bajo custodia, si bien, fueron muchos los que catalogaron su detención como una simple farsa publicitaria. Amnistía Internacional calificó la condena como “un golpe amargo contra la libertad de expresión”, afirmando que “los cargos y el veredicto distorsionan los hechos y la ley”. Pero lo cierto es que María Aliójina, Yekaterina Samutsévich y Nadezhda Tolokónnikova, las tres artistas detenidas y juzgadas, que nunca deberían haber sido acusadas de un delito de incitación al odio, sino recibieron unas medidas injustas por ser mujeres. El 8 de marzo se conmemora el Día Internacional de la Mujer Trabajadora, una jornada que nos recuerda que, a pesar de todo lo que se ha luchado y conseguido, las mujeres siguen buscando sus derechos y oportunidades que las igualen a los hombres. Porque no se trata de ser más o menos, sino iguales. Y eso, tanto en la vida como en la música, es necesario para que todos tengamos las mismas oportunidades. Alfredo Rodríguez

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Agenda marzo 2018 1 jueves

2 viernes

3 sábado

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3 sábado

4 domingo

5 lunes

6 martes

Agenda | Marzo 2018

7 miércoles

8 jueves

Cannibal Corpse + The Black Dhalia Murder + Arkadia Mon Live | Madrid Los Plutones Mardi Gras | A Coruña The Baboon Show Lata de Zinc | Oviedo Tricky Bikini | Barcelona

Chris Robinson Brotherhood But | Madrid José Luis Pardo plays Eric Clapton Clamores | Madrid Milky Chance Apolo | Barcelona The Baboon Show Mardi Gras | A Coruña

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9 viernes

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9 viernes

10 sábado

Sho-Hai Apolo | Barcelona Sofia Ellar Joy Eslava | Madrid The Baboon Show Putzuzulo Antes Fabrika | Zarautz Toteking + Shotta & DJ Nexxa Mon Live | Madrid

Agenda | Marzo 2018

Yann Tiersen Teatro Principal | Zaragoza

domingo [37]

Black Label Society La Riviera | Madrid Eruca Sativa El Sol | Madrid Yann Tiersen Auditorio Mar de Vigo | Vigo

martes

14 miércoles

15 jueves

16 viernes

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16 viernes

17 sábado

18 domingo

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Agenda | Marzo 2018

Esmerine La[2] | Barcelona

lunes

21 miércoles

22 jueves

23 viernes

Esmerine El Sol | Madrid

martes Agoraphobia Moby Dick Club | Madrid Esmerine Dabadaba | San Sebastián Roy Paci & Aretuska La[2] | Barcelona The Script + Ella Eyre Sant Jordi Club | Barcelona

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24 sábado

25 domingo

28 miércoles

30 viernes

Captains + Ambre Moby Dick Club | Madrid Exit Mardi Gras | A Coruña Myrath + Manigance Bóveda | Barcelona

Myrath + Manigance Caracol | Madrid

Agenda | Marzo 2018

Angra + Geoff Tate’s Operation Mindcrime + … Mon Live | Madrid Guitar Wolf Mardi Gras | A Coruña Sho-Hai La Choza | Gran Canaria

sábado

Grises Los guipuzcoanos Grises presentarán su nuevo disco De Peces y Árboles (Hook Ediciones Musicales, 2018) en Madrid (El Sol), Valladolid (Black Pearl) y Miranda de Ebro (Ebrofest) los días 1, 2 y 3 de marzo, respectivamente. El quinteto llevará sus nuevas canciones grabadas y mezcladas por Eñaut Gaztañaga y masterizadas por John Davis que vieron la luz el pasado mes de enero. Los días 16 y 24 estarán en Donostia (Dabadaba) y Bilbao (Stage Live)

Eruca Sativa Madrid (El Sol), Barcelona (La Nau) y Bilbao (Bilborock) serán las ciudades donde actúen los argentinos Erica Sativa los días 13, 15 y 17 de marzo, respectivamente. En su primera visita a nuestro país presentarán su nuevo disco Barros y Fauna (Sony Music, 2016) formado por catorce canciones grabadas en los East West Studios de Los Ángeles (USA) bajo la producción de Adrián Sosa.

martes

Omar Souleyman Machine Head Capitol | S. de Compostela Reversión MardiGras |ACoruña

jueves

El músico Omar Souleyman visitará la capital para presentar su nuevo disco To Syria, With Love (Mad Decent, 2017). Conocido por actuar en bodas y en festivales, el sirio fusiona techno con Dabke (música de fiesta popular árabe), Chaabi, electrónica y sintetizadores. Con unos 500 álbumes en vivo, gran parte de los mismos son grabaciones realizadas en bodas y regaladas a las parejas, que luego se copian y se venden en quioscos locales. El show tendrá lugar el viernes 23 de marzo en la sala Copérnico de Madrid.

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