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Revista mensual. Año 23, número 267, julio 2015.
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Por más que un título como La Maldición de la Mona Lisa (2008) invite a pensar en una trama misteriosa sobre extraños fenómenos o conspiraciones, este filme no trata en absoluto de eso. Es, en realidad, un ensayo filmado por el famoso crítico de arte británico Robert Hughes (1938-2012) acerca de lo que, según su opinión, ha convertido al arte (específicamente a la pintura) en un negocio, alejándolo así de la función que tuvo durante siglos, que era la de embellecer el mundo y enaltecer al hombre. El sugerente título tiene su origen en un acontecimiento que, según Hughes, resulta decisivo en la historia del arte: el préstamo de la Mona Lisa que el gobierno francés de Charles de Gaulle le hace en 1963 (en tiempos de Kennedy) a la National Gallery de Washington. Ahí, el entonces joven crítico observa, con asombro, cómo miles y miles de norteamericanos desfilan rápidamente frente al cuadro sin siquiera observarlo. Y lo hacen, nos dice, con el único afán de poder contarle a sus amigos que estuvieron frente a la pintura más famosa del mundo. Luego de 50 años de seguir el desarrollo del arte, el crítico realiza este ensayo documentando a detalle la forma en que el dinero ha transformado al arte: “He visto, con creciente disgusto, la comercialización del arte, el vasto crecimiento en los precios y el efecto de ello en artistas y museos. El enredo del gran dinero y el arte se ha convertido en una maldición sobre la manera como el arte es creado, controlado y, sobre todo, en la manera en que se le percibe”, nos dice Hughes en un trabajo en el que entrevista a artistas, curadores, directores de museos y coleccionistas, para sustentar sus puntos de vista y, al mismo tiempo, hacernos reflexionar y hasta reír con su mezcla de enojo, ironía y nostalgia. Yo he visto este documental una y otra vez y me sigue sorprendiendo no sólo por la elocuencia de este gran conocedor del arte, sino por sus grandes valores de producción (BBC), que le han valido muchos premios y reconocimientos. En estos momentos en que se presenta en Bellas Artes una exposición de Leonardo Da Vinci para la que, según me dicen los que han ido, hay infinitas filas, pero no cumple con las expectativas, no puedo sino evocar a Robert Hughes y preguntarme sobre los verdaderos motivos por los que hoy tanta gente se abalanza a los museos: ¿irán a ver o irán a ser vistas?
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Crystal Castles regresó sin Alice Glass, quien recientemente abandonó el dueto que conformaba con Ethan Kath, cediendo su lugar a una nueva cantante conocida simplemente como Edith (que no ha dado la cara). El nuevo sencillo del renovado dúo se titula “Deicide” (el segundo single de esta nueva era) y formará parte de un nuevo disco que está por salir. ¿Cuándo conoceremos a la misteriosa Edith?
Otro regreso importante es el de Public Image Ltd, quienes presentarán disco en mayo (es el décimo, y se titula What The World Needs Now) y que ya vienen calentando el ambiente con “Double Trouble”, una nueva canción de Johnny Lydon y compañía. Parece que estamos en 1982.
Un dueto entre Juan Gabriel y Luis Miguel está por llevarse a cabo. Fuentes allegadas aseguran que se trata de una canción inédita llamada “Nada cuesta soñar”, que el compositor de “Querida” ya le envió al cantante para su escucha. ¿Será una broma? Lo decimos por el título. Si no lo es, se supone que la canción saldrá en el segundo disco de duetos de El Divo de Juárez.
Y en otras colaboraciones esperadas pero quizás no por el mismo tipo de público, Disclosure invitó a colaborar a Lorde en Caracal, el segundo disco de la agrupación inglesa de electrónica que verá la luz en septiembre próximo.
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Amaia Montero habló después de varios años, sobre Leire, su sustituta en La Oreja de Van Gogh. En un programa español de espectáculos, la cantante comentó que se le hizo muy precipitado que buscaran una nueva cantante cuando ella se marchó y que la susodicha le parece simplemente “correcta”.
Sigue la lluvia de adaptaciones. Ahora toca el turno a Fatal Attraction, thriller ochentero que presentaba a una obsesionada Glenn Close, que metía en problemas a un infiel Michael Douglas. La versión serie será producida por FOX y escrita por un grupo de guionistas extraídos de las filas de Mad Men. Los protagonistas aún no se confirman.
Alison Brie, poco a poco se consolida como una de las actrices más populares de Hollywood. Tras su participación en series como Community y Mad Men, la actriz ahora ha dado el salto al cine en películas como Get Hard (junto a Will Ferrell) y el próximo estreno Sleeping With Other People, una comedia sobre adictos al sexo.
Y aunque apenas se estrenó Terminator: Genesis, la nueva película que revitalizaría la saga creada originalmente por James Cameron, y ya se dio a conocer la noticia de que está en planeación una serie que le sucederá. Muy al estilo Marvel, los productores buscan vincular series y películas en un universo propio.
(Obituario) Chris Squire, bajista fundador del grupo británico de rock progresivo Yes, falleció el pasado 27 de junio en un hospital de Phoenix, Arizona, víctima de una forma de leucemia poco común. El músico de 67 años fue el único miembro que participó en todas las grabaciones de Yes, incluyendo los clásicos Fragile, Close to the Edge y Tales from Topographic Oceans además de ser autor de uno de los mayores éxitos de la banda: “Roundabout” (“Carrusel”). Descanse en paz. Walter Schmidt
Pero los crossovers no se limitan a series y películas. David Duchovny no se conforma con regresar a la TV con dos nuevas temporadas (ya confirmadas) de los X-Files, también ha lanzado Hell or Highwater. un disco compuesto e interpretado enteramente por él.
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Todos la recordamos como La Mujer de Benjamín, como la ama de casa moderna de Cilantro y Perejil, por su papel en Perfume de Violetas y recientemente, por No Se Aceptan Devoluciones, aunque los más melodramáticos también la ubicarán por su participación como heroína de telenovelas. Actualmente, la actriz se encuentra presentando la intensa obra La Muerte y La Doncella al lado de Arturo Ríos y Daniel Martínez en el Foro Shakespeare en la ciudad de México. Arcelia nos reveló sus gustos:
Disco favorito The Essential de Michael Nyman Band.
Caricatura favorita Mafalda.
Bebida favorita El agua simple.
Superhéroe favorito No soy de esa onda, pero de la vida real, el sub-comandante Marcos.
Película favorita Breaking the Waves de Lars Von Trier.
Frase célebre “Ojo por ojo y todos nos quedamos ciegos” de Ghandi. Villano favorito Un dictador como Pinochet.
Animal favorito Manatí.
Ciudad favorita Pátzcuaro.
Serie favorita Cuéntame Cómo Pasó una serie española.
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Libro favorito Ensayo Sobre la Ceguera de José Saramago.
Ligue cybercasual Como salido de la serie de ciencia ficción Black Mirror, llega esta app que te sirve para identificar a quién te cruzas por la calle. Sí, en cuanto estés cerca de alguien que esté usando la misma aplicación, el sistema te mandará su información y datos, y, si eres mujer podrás enviarle un mensaje. Para los chicos, la app tiene un costo cuando quieren platicar en privado, pero no se preocupen, la inversión lo vale si es que se topan con una mujer hermosa y quieren contactarla. Por lo pronto, cada vez está creciendo más el número de usuarios y pronto sabrás hasta con quiénes estás subiendo en el elevador.
App Happn iPhone/ iPad Gratis.
encuentros cercanos
Nick Cave siempre ha pregonado no ser un artista plástico, pero ahora se tendrá que tragar sus poéticas y oscuras palabras porque la marca de juguetes Plasticgod, acaba de lanzar una serie de figuras de colección de esta mala semilla del rock. Son 6 diferentes modelos muy al estilo LEGO, cada una bautizada con canciones del artista. Como para jugar con tu nueva amiguita darks a que eres Nick Cave y a esperar a que salga una muñequita de Siouxsie para que jueguen a la casita gótica.
FInd Near Me Applewatch / iPhone Gratis
SI ya tienes tu Apple Watch, sácale provecho con aplicaciones como ésta. Find Near Me, como su nombre lo indica, te guiará hacia los destinos cercanos que requieras, al momento, y sin atarear a Siri. Con un vistazo a tu smartwatch, podrás saber si tienes cerca el cajero automático donde necesitas ir por unos billetes o si hay algún restaurante interesante a tu alrededor. En fin, una verdadera guía para el turista urbano, en la palma de tu mano… o de tu muñeca.
El tigre que hay en ti Si tu fascinación por los animales es tan grande que te quieres fusionar con uno o simplemente quieres ver cómo te verías combinado con un águila, un tigre o un gato, esta interesante app fusiona tu rostro con el de tu tótem adoptivo. No te garantizamos que te veas como un Thundercat o un X-Men, pero el resultado es muy divertido. Una de esas aplicaciones simples, pero ideales para pasar el rato.
Instaface iPhone/ iPad Gratis
Así se veían los teléfonos en las películas de ciencia ficción de nuestros padres. Pero no sólo vale la pena por su diseño retro-futurista, el Swissvoice Epure Dect Phone ofrece un sonido cristalino y además, es inalámbrico y posee funciones múltiples como las de cualquier Smartphone actual. En pocas palabras, un look del pasado con todas las ventajas de la modernidad.
Nunca pensamos verlo así: el terrible extraterrestre mercenario en versión figura de acción Pop! (aunque en la película Alien versus Predator se revela que los hay “de buenos sentimientos”). Este Depredador de vinil es una de las nuevas adiciones al universo de la famosa serie, la cual prácticamente está lanzando al mercado en versión juguete a todos los iconos del cine y la televisión. Otro acierto para los fanáticos que viven la intensidad de la cultura pop.
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De la colección Sexto Piso Ilustrado, llega esta edición de una de las obras cumbres de Joseph Conrad. La novela donde se inspiró la clásica Apocalypse Now viene bien acompañada de los trazos del artista conceptual mexicano Abraham Cruzvillegas, lo que le otorga un gran plus a esa obra que transcurre en un desolado Congo donde todo pierde sentido. Sin duda, la atmósfera enigmática, sombría y salvaje de la clásica narración que data de 1899, es bien retratada en las ilustraciones: por otro lado, los textos son una traducción actualizada por el escritor (también mexicano) Juan Sebastián Cárdenas.
El Corazón de las Tinieblas Joseph Conrad Sexto Piso Ilustrado, 2015 Este divertido libro escrito originalmente por el autor (un profesor de filosofía francés) como un manual de filosofía práctica y social para su hija, sugiere que dejemos de teorizar todo y apela a las pequeñas e íntimas experiencias diarias como el camino para conseguir la felicidad. De lo más trivial a lo más complicado, son justamente esos pequeños detalles que pasamos por alto los que nos hacen plantarnos frente al espejo y conocernos algo más. A través de un centenar (más uno) de inspiradores ejercicios que parecen dictados por el personaje principal de la película Amélie, el lector llevará a cabo micro-experimentos caseros tan simples como la vida misma: caminar en la oscuridad, mirar el polvo contenido en un rayo de sol… todo un fitness filosófico que tiene algo de autoayuda, viene enmarcada en un formato muy cool. Extra: las ilustraciones que acompañan cada uno de los consejos están increíbles.
101 Experiencias de Filosofía Cotidiana Rogér Pol-Droit Blackie Books, 20015
Alma Guerrero
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Alma Guerrero
“Léela, por favor” me dijo un amigo en el que confío mucho, al menos en sus recomendaciones literarias. Y sí, la segunda novela del español Ricardo Rodríguez se deja leer y mucho más. Se trata de una historia que consigue fascinar desde sus primeras páginas. El relato salpicado de personajes como el mismo Sócrates, un tipo gris y ávido de reconocimiento, pero con un miedo crónico a que la gente lo mire; Diógenes, su alocado y extravagante cómplice; la terrible familia (de Sócrates): una esposa realmente insufrible, un progenitor estafador y sin escrúpulos; y finalmente su hermano, quien chantajea a su propio padre. Sin duda, una muy buena novela de intriga y suspenso bien resueltos.
El Secreto de Sócrates Ricardo Rodríguez Piel de Zapa, 2015
Alma Guerrero
Este mes, cortesía de Casete Records, tenemos de promoción 4 discos de In Colour, el aclamado nuevo álbum de Jamie XX, una de las mentes maestras detrás de la banda británica The XX. ¿Quieres saber por qué vale la pena? Checa nuestra sección de reseñas en esta misma revista. Para ganar uno de los 4 CDs, simplemente envía una foto donde aparezcas con algún disco del sello Casete.
Andrés Calamaro Paracaídas & Vueltas Ed. Planeta, 2015 “El Salmón” es un artista incontenible; su capacidad para componer canciones es increíble, por lo que su obra supera los 30 discos (más muchísimo material publicado en la web). Ya era de extrañarse que no hubiera pasado a la página escrita, más aun cuando es un tipo culto y con gran poder de observación y análisis. Por supuesto, que decidió debutar con una obra atípica y escurridiza. Hay crónicas de viaje, excelentes homenajes a colegas y amigos fallecidos, apuntes diarios de su vida como músico, algún verso furtivo e incluso fotografías. Con esa sagacidad y humor que le caracteriza, ha descrito el proyecto: Es mi Guía Michelin del pensamiento roquero evolutivo. La compilación acepta textos que datan de 15 años atrás hasta algunos que apenas tienen unos meses. Un libro variopinto que mereció la pena de ser publicado, pese a las dudas de su autor, que también ofrece la posibilidad de leerlo a partir de cualquier parte. Como era de esperarse no faltan las loas para Dylan y los Stones, pero también los escritos dedicados a Cerati, Spinetta y Enrique Morente son imperdibles.
Con Defender tu Samsung Galaxy S6 jamás había estado tan seguro, ya que este protector no dejará que la invada el polvo y le otorga protección adicional contra las caídas. Se trata de una verdadera armadura creada por la marca OtterBox que hará que tu teléfono esté libre inclusive de ralladuras y que además luzca increíble. Tenemos uno para ti, sólo envíanos una foto tuya con algún producto de la marca Samsung. Para ganar cualquiera de estos obsequios promocionales, envía un mail a mancilla@circulmixup.com.mx No dejes de visitar nuestras redes sociales, recuerda que es requisito seguirnos en FB y Twitter para ser uno de los ganadores.
Juan Carlos Hidalgo
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8 Pyra + Ángel Mirón Valderde
17 Los Pellejos
1ro de agosto DLD
11 y 12 Prehistóricos + Dromedarios Mágicos
17 Yuri
3 de agosto The Vaccines
Caradura
Bajo Circuito
11 y 12 Opeth
Circo Volador
11 OV7 & Kabah
Auditorio Banamex
11 Ely Guerra Lunario
11 y 12 31 Minutos
Teatro Metropólitan
Bajo Circuito
Auditorio Nacional
Palacio de los Deportes
El Plaza Condesa
19 Motionless in White El Plaza Condesa
24 Ximena Sariñana Teatro Metropólitan
24 Mikel Erentxun El Plaza Condesa
25 Cuca
Teatro Metropólitan
29 Yelle
*Todos los eventos son en D.F. excepto donde se indique
Lunario
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Enrique Blanc / @Blancdeblancs
El grupo pop argentino más importante de los últimos años regresó a México a promover en vivo su más reciente disco Safari, lo que aprovechamos para someter a Juliana y a Ale a nuestro proustiano interrogatorio:
“Pedestrian at Best” es el segundo track de Sometimes I Sit and Think, And Sometimes I Just Sit, el fantástico primer elepé de la australiana Courtney Barnett quien, con dos EPs previos y este reciente manojo de intensas canciones, nos ha hecho saber que ha llegado para quedarse, convertida en una de las voces más refrescantes del rock de hoy. Me gusta que la canción arranque con un dibujo de ruido que nos anticipa que no vamos a oír nada convencional. Enseguida la batería marca el ritmo y el riff de la guitarra arranca determinado a continuar sin reparos hasta el límite de casi cuatro minutos de incontenible rabia y suspicacia femenina. Y luego acomete su voz, en algo que parece ser un mero diálogo colmado de lucidez y lenguaje que no se repliega en ningún momento. Parece ser una confesión sin prejuicios de por medio, aquella que una mujer hace a un hombre para dejarle saber quién es y a qué puede atenerse. Su estribillo clama: “Ponme en un pedestal y sólo te decepcionaré / Di que soy excepcional y yo sólo te explotaré / Dame todo tu dinero y yo tan sólo haré origami, cariño / Creo que eres una broma, pero tampoco te encuentro tan divertido.” Me convence la determinación con que Courtney Barnett dice las cosas y la capacidad oral que tiene para hacerlo; así como la consistencia de su contraparte musical que no cede terreno, empatando con la obstinación que exhibe su voz. En su segundo verso asevera: “Mi monólogo interno es análogo saturado / Está rasguñado y divaga, me he vuelto afín a la idea / Es todo un sueño fuera de lugar, filosofía agridulce / Ni siquiera sé cómo acabé aquí.” Pero, como puede esperarse tras escuchar "Pedestrian at Best", el álbum de la Barnett tiene mucho más que ofrecer: La deliciosa balada “Depreston”, la desenfadada “Elevator Operator” y la cínica “Nobody Really Cares if You Don’t Go the Party”, todas parte del testimonio musical de una chica cuya fuerza expresiva evoca la de PJ Harvey o Patti Smith.
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¿Qué es lo que más te gusta hacer? Juliana: Cantar. Ale: Cantar. ¿Qué distingue tu personalidad? J: El humor. A: El ser prolífico. ¿Qué admiras de los seres humanos? J: También el humor. A: Que funcione. ¿Alguna cualidad que valores en ti? J: No me valoro…sniff. A: Cuando soy puntual. ¿Tu mayor defecto? J: Soy indecisa. A: Cuando soy impuntual. ¿Personaje que más admires? J: Alaska y Amanda Miguel. A: José Luis Rodríguez “El Puma”. ¿Mayor extravagancia? J: Siempre quiero fruta. A: Miranda! ¿Mayor mentira que se ha dicho sobre ti? J: Que dejé Miranda! A: Que mi grupo es malo.
¿Qué te hace llorar? J: Todo. A: También José Luis Rodríguez “El Puma”. ¿Un disco importante? J: Purple Rain de Prince. A: Alguno de Bryan Ferry. ¿En quién te gustaría reencarnar? J: En “El Puma…” A: A mí en Génesis, la hija de “El Puma”… ¿La peor miseria de la humanidad? J: La mentira y la hipocresía. A: La avaricia. ¿Qué te produce asco? J: Cuando hay espuma de algún color en el mar. A: Que se pasen de sal en la comida. ¿Tu libro favorito? J: Free Play, un libro de improvisación artística. A: La biografía de Serge Gainsbourg. ¿Una película? J: Dulce y Melancólico (Sweet and Lowdown). A: Alta Fidelidad (High Fidelity).
El cuarto tema de Black Metal, el más reciente álbum de Dean Blunt, se asoma como una joya pop de belleza inasible. El título de la tonada es “100”, e irremediablemente recuerda a The Smiths, sólo que en lugar de Morrissey, quien toma el micrófono es un rapero con todo el swag, esforzándose por encontrar el tono
adecuado; y lejos de Johnny Marr, la guitarra es rasgada por un tipo que, sin duda, sufre de bipolaridad, pues así como ejecuta exquisitos arpegios se desbalaga generando distorsión sin clemencia. En dicho tema se concentra una de las muchas personalidades de
Dean, un artista a quien las categorías le parecen limitantes y que desde su plato previo (The Redeemer, al cual antecede The Narcissist II) daba muestras de lo amplio que es su rango de posibilidades sonoras, gracias a una obra plena de heridas y rimas tras una ruptura amorosa. Blunt (por cierto, mitad del dúo Hype Williams) es un músico de cuidado que advierte no hacer música complicada a pesar de que muchos así lo consideran. Difícil de tratar a la hora de dar entrevistas e impredecible en sus presentaciones en directo, de voz honda y aspecto intimidante, luce como alguien a quien muy difícilmente le confesarías tu más reciente quiebre emocional. Sin embargo, créeme, el hombre comprendería cabalmente todos tus sollozos –desde el tierno y nostálgico hasta el delirante y tosco– pues en este plato de tapa negra y título heavy, el inglés va de la ensoñación pop a la oscuridad experimental en apenas unos minutos. Sí, tal como tú haces cada vez que te enamoras. Así que a prepararse, porque Black Metal ofrece apenas un puñado de ganchos para que los escuchas ocasionales se acerquen a él; después, la obra envuelve a los interesados con una maraña de sentimientos encontrados donde el folk de “50 Cent”, el rapeo minimalista con base rítmica quebrada de “Hush”, el dub de “Punk” y las densas armonías de sintetizadores –mezcladas con voces demoniacas y saxofones lascivos– de “Grade” conviven de modo extrañamente pacífico sin que su autor ofrezca muestras de delirio. Que se acerquen quienes se consideren listos: Blunt, un autor versátil para oídos poco convencionales, los aguarda.
Dean Blunt Black Metal Rough Trade, 2015 15
Si desde su formación un grupo de rock se plantea la importancia de dar con un sonido propio, con el paso del tiempo el asunto se complica todavía más; tienen que considerar que es imposible para muchos convertirse en superestrellas. ¿Tendrá algo de malo saberse, digamos, en el segundo nivel del panorama internacional?
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La historia de The Cribs, el proyecto de los hermanos Jarman (dos gemelos y uno menor), se presta para analizar tales temas. De arranque, siendo ingleses, su sonido posee fuertes conexiones norteamericanas, pero ha sido demasiado influido por las figuras con las que han colaborado. Debe ser tremendo tener como miembro a Johnny Marr y luego convocar a gente como Alex Kapranos y Lee Ranaldo; el pasado álbum lo trabajaron con Steve Albini y Dave Fridmann. ¿Acaso dudaban demasiado sobre lo que debían hacer paso a paso, disco a disco? Casi sin que nos demos cuenta ya son de unos veteranos que han resistido a capa y espada. Han contado que una vez más se preguntaron si valía la pena seguir adelante, revelaron que superaron incluso problemas personales y Ryan Jarman se mudó a Nueva York con su mujer. Y precisamente de aquel polvorín de la cultura
contemporánea sacó al veterano new waver Ric Ocasek para que los produjera; un tipo que ha sabido lidiar en el estudio con No Doubt, Guided by Voices y Bad Brains, entre otros, pero que logró aclamación total por las dos veces que trabajó con Weezer. Por su parte, Gary Jarman (bajo y voz) dejó entrever que el punto de partida de estas canciones fue el legado de una banda tan influyente como The Replacements, pero también mucho pop de los años ochenta. El proyecto –grabado en Nueva York– no tenía mala pinta, recurrieron mucho más a los sintes, pero a la postre pesan en demasía las hechuras del célebre productor (que se come a la banda); “Finally Free” y “Pacific Time” son prueba irrefutable y hasta parecen canciones de Weezer de los primeros años. Con todo, For All My Sisters es un sexto disco de estudio que ofrece 12 canciones que buscan menos guitarreo, una vibra más optimista y exploración de una paleta distinta.
The Cribs For All My Sisters Arts & Crafts, 2015
Los hermanos Sierota visitaron México para promocionar su primer y exitoso álbum Talking Dreams, el mismo que los saco del anonimato, los llevo a ser la banda sorpresa del Vans Warped Tour y de ahí, todo para arriba. Cansados por la bienvenida que les dio el tráfico del D.F., pero con una actitud de hermano pequeño de tu mejor amigo, Jamie (guitarra) y Noah (bajo) se sientan a conversar. Reconozco que me quedé con ganas de hablar con la chica de ojos azules que escuché reír al otro lado de la puerta (Sydney, voz principal), pero rápidamente caí en que esta es una banda con todas sus letras y que charlar con los dos mayores ya fue interesante; más considerando que todos (padre incluido) participaron en la composición de la música y letras del disco. Hay una clara influencia de los 80 en su música, incluso guiños a The Breakfast Club en el video de “Come Together”. En esa época sus padres probablemente no los habían ni planeado. ¿De dónde viene esa influencia? Jamie: Viene justamente de nuestros padres. Nuestra mamá ama a The Cure y papá era muy de U2, The Police y bandas por el estilo. Tuvimos mucho de eso mientras crecimos y, como amábamos tanto esa música,
con internet pudimos encontrar otras bandas y meternos mucho en New Order, The Smiths, Talking Heads... Conocíamos muchas bandas porque nuestros papás las ponían todo el tiempo, pero después encontramos por nuestra cuenta toda esta otra música que era nueva para nosotros. Odio las definiciones, pero, ¿cómo se definirían ustedes? Jamie: Es complicado lo de las etiquetas, porque una radio pop toca nuestras canciones y después te dicen que eres new wave... Creo que somos un cruce entre muchas cosas que nos gustan. ¿Cuál fue la importancia del productor Mike Elizondo en este sonido tan maduro? Noah: Mike es cool porque es un músico talentoso que capta muy bien lo que el artista está haciendo en el estudio; él nos alentaba a tocar lo que quisiéramos, e iba haciendo algunas sugerencias, pero más bien se preocupaba por crear un ambiente donde fuera fácil hacer música... Él (Mike) produjo a Maroon 5, que suena casi demasiado perfecto, y a Gary Clark Jr., que es mega orgánico. ¿Cómo fue el approach para lograr su propio sonido? Jamie: Nosotros llevábamos años tocando en vivo; una vez en el estudio no queríamos perder eso metiendo 10 guitarras en una canción. Mike trató de ser minimalista y basarse en nuestro sonido real, que no es ese rock-blusero ni tampoco lo otro. Por lo tanto quedamos en ese “intermedio” de manera natural. Si bien el disco salió el 2013, explotó más tarde con los hits “Cool Kids” y “Come Together”, hits que hoy los mantienen lo suficientemente ocupados como para hacer otro disco en un corto plazo. Pero definitivamente tenemos para rato con estos muchachos –de verdad– talentosos.
Echosmith Talking Dreams Warner Music México, 2015
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Ocurrió en 1971. Una pandilla de delincuentes denominada The Rolling Stones, proveniente de Londres y con un historial de fechorías descomunal, escapó de la ley de las buenas costumbres una vez más para darle rienda suelta a su espíritu salvaje. Testigos anónimos comentaron que los rufianes fueron vistos en los Muscle Shoals Studios, así como en la casa del líder de la pandilla, grabando un puñado de temas donde, aún hoy puede notarse, el mal gusto impera entre guitarrazos y gritos despavoridos. Concentradas bajo el título de Sitcky Fingers, Mick Jagger, Keith Richards,
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Charlie Watts, Mick Taylor y Bill Wyman confeccionaron una decena de amenazas al recato donde se barajan nombres como “Bitch”, “Brown Sugar”, “Sister Morphine”, “Wild Horses” y “Can´t You Hear Me Knocking”; puras odas a la vulgaridad ideadas en antros de mala muerte. Producidas por Jimmy Miller, las canciones presumen el cochambre que sólo el rock and roll posee, aunque las blasfemias del country y el blues también tienen cabida. Empaquetado por un tal Andy Warhol (sujeto de moral holgada con residencia en Nueva York), quien diseñó una portada de pésimo gusto donde una bragueta opera como protagonista, el álbum presume en la contratapa la lengua que de ahí en adelante serviría como firma en los múltiples actos vandálicos de sus prosaicos autores. Como recordatorio de lo bajo que un ser humano puede caer, la obra ha sido reeditada recientemente, acompañada de un disco extra donde aquellos disolutos desparraman aún más su decadencia con tomas alternas (sobresale una versión acústica de “Wild Horses” y un lectura extendida de “Bitch”), temas registrados en directo
(en una cloaca llamada Roundhouse, también en 1971, con la inclusión de “Love in Vain” y “Honky Tonk Women”) y una versión de “Brown Sugar” donde Eric Clapton –otro capo de la mafia The Rolling Stones inglesa– se encarga Sticky Fingers (Deluxe) de la guitarra. El Universal Music, cuadernillo que Reedición, 2015 acompaña este monumento a la miseria contiene múltiples fotos de los forajidos, sólo para no olvidar que el infortunio cuenta con rostro bien definido. Sobra decir que los desfachatados han encumbrado este álbum como uno de los mejor acabados no sólo en la historia de los Stones, sino de la música rock en su totalidad. Así que hágase usted de una copia bajo su propio riesgo y, por lo que más quiera, enséñeselo a sus hijos hasta que sean mayores de edad, no vaya a torcer el andar de inocentes que, de buenas a primeras, esquiven la ruta del bien para bailar como el tal Jagger suele.
Porter está de regreso con Moctezuma, álbum que dibuja paisajes sonoros desde la mística del origen de nuestra historia como mexicanos (sí, ando profunda). Al respecto, platicamos con los chicos, quienes recién publicaron este disco en formato físico (ya disponible en Mixup) y, al parecer, ya no extrañan las enseñanzas de Don Juan (Son): Su nombre me recuerda la canción “Hey Porter” de Johnny Cash ¿tienen alguna relación, o de dónde surgió el nombre de Porter? Fer: No tiene que ver con Cash, queremos que el público le otorgue esa validez emocional. Porter nos gusta porque es fácil de escuchar, internacional y corto. ¿Seguirán cantando en inglés y en español, o piensan explorar otros idiomas? Bacter: Con la lengua náhuatl. No sabemos si seguiremos haciendo canciones en inglés. Fer: Por ahora, estamos identificados con la cultura mexicana, en los pasados dos discos había mucha influencia extranjera; sin embargo, en la evolución musical de la banda decidimos centrarnos más en los sonidos mexicanos. Por lo tanto, ¿consideran que la elección de un idioma tiene que ver con la mejor manera de transmitir un mensaje? Villor: Claro, sin embargo lo más importante es la música. El lenguaje español nos permite acercarnos a la gente desde el tema de la cultura, la cotidianidad y la historia. Bacter: Además, considero que es muy difícil transmitir a alguien un mensaje en una lengua que no es la tuya. ¿Quiénes conforman la banda, consideran que esta será la alineación final? Villor: No pienso en alineaciones, sino en lo que estamos viviendo ahora para llevar todo esto al máximo nivel. Fer: Esa palabra de alineación me suena muy mediática, cómo te formas y cómo te ven. Porter ¿Cómo lograrán mantenerse a la Moctezuma vanguardia? Independiente, 2015 Bacter: Con identidad, si no tienes una identidad propia no podrás transmitirla. Fer: Hacer lo que nos gusta, tratar de experimentar, tener libertad sin reglas. Somos una banda independiente, no tenemos recursos de la industria.
Foto cortesía de Revista Chilango
Daniel Jay
El nuevo trabajo del artista cuyo radar sigue conectado a los años 80, mantiene mucho del soul que le da personalidad a su música. El dominicano-neoyorkino George Lewis Jr. se aleja esta vez del synth pop con mood de fiesta machacona y apuesta por la masculinidad con ocasionales arranques de furia y baile, pero más instalados en una suerte de hard-pop (“When the Lights Turn On”) que impera en gran parte del disco, o las semi-baladas “To the Top” (que podía haber sido firmada por Loverboy), y “Alone” (donde colabora Lily Elise, participante de The Voice) que además muestra el lado más pop del artista. “Eclipse”, el tema que también da título al disco, es otra balada oscura que podría haber sido parte del soundtrack de la película ochentera de adolescentes vampiros, Lost Boys. El resto del disco transcurre entre canciones sentimentales e intensas, como “Old Love/New love” (mi favorita del álbum), donde la influencia de grupos como ABC y el rhythm and blues se acomodan en una interesante base rítmica y guitarras funky. Un disco como de ésos que se hacían antes; y es que actualmente pocas bandas apuestan por ganchos pop, coros majestuosos y actitud de rockero sensible. Sí, lo de hoy son la psicodelia y las letras ácidas que incitan a firmar peticiones de charge. org, justo la antítesis de este disco de romances perdidos en la pista de baile.
Twin Shadow Eclipse Warner, 2015
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Pablo y Román conocieron a Melissa porque ella grababa hermosos covers con un ukulele y los subía a Youtube. Aunque ellos se encontraban en Guadalajara y ella en el D.F., decidieron reunirse en la ciudad de México para comenzar Matisse, la banda que ahora los tiene en la misma dirección. Román y yo empezamos a trabajar en un restaurante en La Condesa para tener algo de dinero, recuerda Pablo. Antes de hacer canciones para cantarlas ellos mismos, los hombres de la banda compusieron para cantantes como Cristian Castro, Alejandra Guzmán y Carlos Rivera: Es un gusto muy similar cantar y que te aplaudan o escuchar la canción que compusiste en la voz de alguien más, reconoce Román. Provenientes de Mexicali y Hermosillo, respectivamente, nunca pensaron que terminarían en la capital del país: El D.F. le asusta a cualquier provinciano. Aunque ahora nos encanta porque aquí está todo.
Coinciden en tener la misma intención al hacer música: Compartir un sentimiento que traes guardado. Antes de Matisse hubo un factor clave para decidirse a comenzar el proyecto: Hemos tenido la fortuna de que artistas empaticen con las canciones que hemos hecho y nos hayan dado la confianza de que las graben, apunta Román. Lo que estamos haciendo es algo bien real y esperamos que nos ponga en un buen lugar, porque lo estamos haciendo de la manera más acústica, más orgánica, más de corazón, interviene Melissa. Tenemos un sonido propio que creemos nadie tiene hoy en día. Consideran tener un público muy extenso: Puede ser una persona desde los 15 años hasta los 60. Cualquiera que tenga una experiencia de vida y se identifique con alguna de las canciones. Insisten en que la música va de compartir, transmitir, cambiar y empatizar: Bach, Mozart y Beethoven buscaban mover sentimientos. Cualquier música se trata de mover fibras en el corazón. El único deber de la música es mover eso. Nuestras canciones son tristes, pero de esa tristeza que se disfruta. A mi me encanta la música triste porque me pone contenta. La música libera muchísimo. Te genera adrenalina, añade Melissa. Tienen objetivos claros y cada uno comparte el suyo: Pablo: Que este disco le llegue a todos los oídos posibles, hacer muchos shows y que la gente nos pueda ver en vivo. Melissa: Ganar un Grammy. Román: Esto se ha vuelto esto un trabajo, pero no le quita el romanticismo, vivir de lo que amamos es importante. El concepto de éxito es muy diferente para cada quien, para nosotros pudiera ser vender muchos discos.
Matisse Matisse Sony Music, 2015
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Victor Manuel y Ana Belén regresan con un nuevo disco, después de 30 años de no haber grabado juntos en estudio. Canciones Regaladas es un material donde rinden tributo a muchos de sus artistas favoritos; de Alaska y Dinarama a Leonard Cohen, pasando por nuestro José Alfredo. Platicamos con ellos vía telefónica y esto es algo de lo que nos contaron: ¿Qué podemos encontrar en este nuevo material? Victor: Canciones Regaladas es un reflejo de la música que escuchamos, artistas
como José Alfredo Jiménez y Rubén Blades, siempre han estado en nuestra vida. A nosotros nos han “regalado” canciones valiosísimas como “La puerta de Alcalá”, “Contamíname”, Ana también ha recibido muchas canciones regaladas, y yo también he recibido regalos de no sé dónde, pero que me han construido a mí como autor y como cantante. Son estas canciones las que entraron a su casa. Victor: Bueno, desde hace muchísimos años, siempre hay un conocimiento de la música que se hace en América, porque nuestros padres cantaban canciones mexicanas y yo escuchaba con normalidad a José Alfredo Jiménez, a Cuco Sánchez, a Pedro Vargas y todas esas canciones que se te van quedando en el interior y que de repente salen a la superficie de nuevo. Hablas de tres íconos mexicanos, y ¿por qué elegir a José Alfredo? Victor: Creo que es el más grande, el que más canciones extraordinarias tiene, más material y que murió siendo tan joven, ¡no se puede ser tan bueno! Me llama la atención que retoman a autores de habla inglesa como Leonard Cohen y a Billy Joel. Victor: Siempre estamos con ellos, la verdad es que uno siempre vuelve a lo mismo. Vuelves a escucharlos y
siempre te sorprenden, porque son grandes. Ana ¿cómo te sientes de volver a grabar en estudio? Ana: Ha sido muy divertido, elegí canciones que han significado mucho en mi vida, que me han emocionado. La música, es el vehículo más inmediato para traerte un recuerdo, una imagen, pues escuchas los primeros acordes de una canción y de inmediato te remite a ese momento, ¿Qué notas en las nuevas generaciones respecto a la música? Ahora hay diferentes formas de escuchar y consumir música; nosotros teníamos carencias, por lo menos en este país, teníamos que trabajar tanto para conseguir el último disco que sacaba un artista que nos gustaba muchísimo y que nunca era fácil hallar; si un amigo iba afuera, iba a Francia o a Londres, le decías “oye, consígueme este disco, el último de los Rolling, el último de tal”. Ahora, hay muchas maneras de conseguir un disco, lo puedes comprar físico o en versión digital.Desde luego lo que si está claro es que la tienen más difícil que nosotros porque ahora es más difícil vivir de la música.
Victor Manuel y Ana Belén Canciones Regaladas Sony Music, 2015
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Tiene mucho tiempo que no doy entrevistas, me confiesa Natalia. Es la víspera del lanzamiento de su nuevo álbum y se nota emocionada, no sabe qué va pasar con su nuevo material de canciones originales, el primero tras el homenaje a Agustín Lara. Algunas semanas después de que se realizó la entrevista, Hasta la Raíz, es ya todo un éxito artístico y comercial y sus pasadas presentaciones han sido sold out: Fue un regreso muy mío, es “mi disco”, la consecuencia de un proceso personal, de búsqueda muy profunda de lo que quería decir y comunicar a través de mi música. ¿Tienes alguna reflexión sobre lo que significa este disco en tu carrera? Mi reflexión en este disco fue: ¿Cuál es mi origen? ¿Qué le quiero decir a mi público? Es lo que defiendo, no trato de ser algo que no soy, sino reflejar de dónde vengo. Por ejemplo, la canción que da título al disco, “Hasta la raíz”(que hice con Leonel García), habla de nosotros, ni siquiera es mía. ¿De nosotros, de ti y de mí? Ja, ja, me refiero a todos; son canciones muy mías, pero es el material más transparente que he hecho, con momentos súper vulnerables de alma y de ser, pero igual con desapego. Cuando la gente compra el disco, deja de ser mío, es de todos. Es lo que a mí se me hace bien interesante. “Palomas blancas” se me hace una de tus canciones más emotivas. De hecho ése era otro de los probables nombres del disco. Es una canción que compuse en Las Vegas, después de Los Grammy, llegué a la habitación y “escupí” la canción. Está llena de metáforas, habla mucho de las raíces y de todas esas cosas que no quieres que se vayan. ¿Hubo un concepto detrás o es una colección de canciones aisladas? Es una colección de canciones, pero no me permití escribir cualquier cosa, hice un compromiso conmigo misma de hacer canciones que pudiera dejarle a México. Que la gente dijera “me gusta” o “me choca”, pero que provocaran algo. Son canciones que hice hace tres años, son mi experiencia. “Nunca es suficiente”, canción que compusiste con María Daniela (la del Sonido Lasser), me recordó a Jeanette (la de “El muchacho de los ojos tristes”). Eso me han dicho, es algo que traíamos las dos inconscientemente. Hay una historia detrás, un día María Daniela me habló y me dijo: “Me están pidiendo canciones para Paulina Rubio”. Le dije: “mejor vente a mi casa, nos tomamos unos vinos y componemos algo”. “Acabamos confesando nuestras penas de amor, nos pusimos súper borrachas y cuando terminamos la canción, vimos que no se la podíamos dar a Paulina, ¡Paulina qué!. Y bueno, al final ella me dijo: “Que se te quede, suena increíble en tu voz”. Hay una canción que se me hace muy melancólica: “Vámonos negrito”. Esa canción trae la nostalgia de estar lejos de México. La hice en Colombia, venía cantándosela a mi trompetista cubano en la
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camioneta de regreso del show y él me dijo: “Es una gran canción”; llegué a mi cuarto y la grabé. Además es bien personal, fue en un momento en que quería decirle cosas a una nueva persona que estaba lejos. ¿Es este 2015 tal como te lo imaginabas cuando niña? Superó mis expectativas. Para mí es muy abrumador ver cómo está cambiando el mundo, la sociedad, las redes sociales…toda la información tan accesible y cómo van de rápidas las cosas alrededor. Quizás siempre fue así, pero no lo podíamos ver. Eso me hace pensar lo irreal que será el 2030. ¿El pop se seguirá retroalimentando del pasado eternamente? Mi mayor inspiración viene del pasado: Billie Holiday, Louis
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Armstrong, el bossanova; me gustan mucho las cosas viejas. Los nuevos proyectos musicales de electrónica igual me llenan mucho. Las cosas que conocimos en la infancia siempre son una influencia. Ahora que me cambié de casa puse un CD y me sigue encantando la experiencia, tengo libreros llenos de discos. ¿Tienes algunas reservas en cuanto a este alud tecnológico? Pues sólo espero que no se pierda la conexión con la humanidad. Apenas les puse una regla a unas amigas: “Cuando estemos comiendo o en la mesa, nadie puede usar teléfono, convivamos”.
Natalia Lafourcade Hasta La Raiz Sony Music, 2015 (También disponible en vinilo)
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Los Toreros Muertos regresan y su celebración de 30 años en el camino viene en formato disco, en un material en vivo donde se incluyen los más grandes éxitos del grupo español. Platicamos con Pablo Carbonell, el cantante del legendario combo. ¿Qué se siente celebrar 30 años cuando antes se burlaban de esas bandas que llevaban 30 años tocando? En realidad no nos burlábamos de
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esas bandas, era el espíritu iconoclasta, incorporamos muchos géneros: twist, rock, etc. Cada canción era como si fuera tocada por un grupo diferente. A la distancia se malinterpretan algunas cosas, como que el nombre del grupo era una crítica hacia la fiesta brava… De hecho estamos en contra de las corridas, pero también del futbol. Cuando vengan los extraterrestres en un futuro y vean las copas pensarán: “qué civilización más absurda, por qué se juntaban todos a celebrar ir tras una pelota” Se me hace que te estás burlando de lo que dije sobre los toros… Me quedo con lo que dijo Sabina: “Nunca discuto con un anti-tauromaquia porque sé que tiene razón". En los 80 estábamos viendo la TV y vimos un anuncio del terremoto de México y de repente, después de contar la catástrofe, el locutor dijo “Hay honda preocupación por saber si se celebrará El Mundial de Futbol”. ¿Cómo es posible? ¿A quién le importa el futbol cuando ha pasado algo así? ¿Fue intención de Los Toreros Muertos
deconstruir el pop de "la movida"? Yo era un payaso, no tenía grupo y miraba a las bandas de "la movida" y les tenía envidia. Me burlaba de una manera disimulada. Lo mismo me daba escuchar a Zappa que Talking Heads o Los Secretos, Velvet Underground me gustaba mucho, Sex Pistols…Nos tocó ir a ver La Gran Estafa del Rock and Roll y estábamos enloquecidos, nos influenció mucho. Veníamos de la calle pero no teníamos una frustración como Johnny Rotten, dentro de nuestro parámetro social éramos privilegiados, no éramos revolucionarios ni nada raro. ¿No hay un componente social en sus canciones, verdad? “Mi agüita amarilla” es como el karma, como ser conscientes de cuánta basura dejamos. Simplemente con no usar una bolsa del súpermercado podrías salvar a un pececito de colores.
Los Toreros Muertos Los Toreros Muertos en Vivo Terrícolas Imbéciles, 2015
A estas alturas, el pionero del synth-pop no tiene que demostrarle nada a nadie. Bueno, quizás a sí mismo. Así, lo que podemos esperar de un disco suyo como solista, es justamente un material sin ataduras ni guiños a absolutamente nada. El antecedente de este álbum se remonta unos años atrás al también instrumental VCMG, al lado de su fugaz socio en Depeche Mode y genio del electro-pop, Vince Clark. Este nuevo disco funciona como un soundtrack atmosférico, minimalista y muy lejos del sutil barroco de su grupo actual, cuya estructura pop y recientemente de rock, no se atisba por ningún surco de este trabajo. El artista se mueve por terrenos experimentales y lúdicos, por sonidos viscerales que si bien se asemejan a tantos proyectos aleatorios de electrónica arty que deambulan en los pasillos de los museos esperando una beca, no se pierde entre ruidos aleatorios y la supremacía humana se eleva sobre loops y sonidos que podrían ser anarquía auditiva amateur en manos inexpertas. Por momentos angustiante (el track “Spiral” es un manjar de desesperación electrónica), por ratos delicado (la hermosa “Europa Hymn”), este álbum de 16 canciones, en el que igual destacan la obsesiva “Stealth”, la atmosférica “Exalt” y “Creeper”, es una buena Martin Gore muestra de electrónica moderna MG para escucharse entre sueños Casete, 2015 o como banda sonora de una caminata lunar, de la mano de un piloto de guerra que le ha ganado cientos de batallas al pop.
Es uno de los íconos del techno-pop, género con el que ha cosechado grandes éxitos tanto en plan solista como con el dúo Erasure al lado de Vincent Clarke (ex Depeche Mode). Con motivo de su visita a México el próximo 29 de agosto, platicamos con Andy. Te entrevistamos desde la primera vez que viniste a México con Erasure. Serías un bebé entonces… No, somos de la edad, ¿cómo te sientes de regresar a cantar a México? Estoy feliz, muy emocionado por regresar allá, es como otro sueño que se hace realidad. Piensas en algo y de pronto se materializa, y cada día está más y más cerca. Me encanta. ¿Qué piensas del público mexicano? Es Increíble, estoy muy agradecido por la pasión y entrega que me han dado. Es un gran público, muy emotivo. Y aunque no hablo muy bien español, hemos tenido buena comunicación. ¿En qué consiste tu repertorio actual? Interpreto canciones de Erasure y de mis discos solistas Electric Blue y Non Stop; quizá haga una canción de Queen, es una sorpresa. ¿Y cuándo tendremos un nuevo álbum tuyo? En octubre será el lanzamiento de mi nuevo álbum llamado Libertine. ¿No has pensado en cantar en español? Eso podría ser algo muy bueno, me parece una idea excelente, podríamos hacer un disco de Erasure con piezas lentas en español. Aparte de tu trabajo solista, ¿continuarás con Erasure? En Mixup está Si, voy a ver a Vince (Clarke) muy pronto disponible su y nos vamos a reunir en noviembre para reciente trabajo trabajar en un nuevo álbum y también con Erasure: hacer algunas presentaciones en vivo. A tu público le gustaría saber sobre tu salud. Estoy muy bien, fantástico, estoy listo para salir. Estoy muy agradecido de estar vivo y poder estar con mis amigos, me siento bendecido, muy afortunado. Eres muy valiente por ser abiertamente gay y hablar desde el principio de tu Erasure condición de VIH positivo. The Violet Flame Trato de ser honesto de corazón en todo lo que hago. Casete, 2014
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They Might Be Giants
They Might Be Giants Glean Idlewild, Lojinx, 2015 John Flansburgh y John Linnell son adorablemente excéntricos, simpatiquísimos freaks que a fuego lento han ido fraguando un universo delirante en el que caben múltiples referencias estilísticas. A estas alturas ya son unos sobrevivientes que llegan a su álbum número 17, pero continúan llenos de recursos expandiendo su pop mutante hacia el indie rock, folktrónica y todo lo que se les ocurra (en está ocasión hay incluso swing posmoderno –“Let Me Tell You About My Operation– y una especie de danzón low-fi que le da título y cierre). ¡Que maravilloso es ese rock raro y periférico! Estos tipos engrandecen una cofradía pirata en la que viaja gente como Violent Femmes, Eels, Cake y Firewater, entre otros. Recomendable si te gusta: Ver la entrada de Malcolm in the Middle y no el show completo; pensar que pudiste ser muy alto si te hubieras comido el brócoli cuando niño. Juan Carlos Hidalgo
El cliché de los buenos vinos ha sido particularmente eficaz para describir a bandas como Swans y Wire. Estos últimos han mantenido una carrera sólida desde finales de los setenta. El mejor homenaje hacia su trayectoria son los artistas que se han influenciado con su post-punk elegante: ¿R.E.M. y The Cure son poca cosa? El decimocuarto álbum de estudio del cuarteto británico es una bofetada a la era del selfie y la información instantánea; “Shepherds Are Wanted to Mesmerise Sheep” canta Colin Newman en el filoso abridor, “Blogging”. Por su parte, “Burning Bridges” es una gema de rock pop con esa tristeza reconfortante tan propia de Wire y unos arreglos que aseguran la trascendencia de esta canción, al igual que la del denso track final, “Harpooned”. Aunque por momentos la música se sienta demodé (como en “High” o “Joust & Jostle”), la inteligencia de la banda es un bocado que no debe pasarse de largo.
Wire Wire Pink Flag, 2015
Recomendable si te gusta: Las canciones que mencionan a Londres; el punk que no necesita de estoperoles y sí de ideas.
Alfredo Quintana Garay
Este cantante de 37 años originario de Chicago nos presenta su cuarto álbum, después de Eyes Wide Open (2007), We Move (2009) y Hi Fly (2011), discos que lo establecieron como una figura importante dentro de la escena del jazz norteamericano actual. Las diez canciones que incluye este nuevo trabajo fueron compuestas por el mismo Sachal “inspiradas por las experiencias que he vivido con mis amigos durante las giras”, confesó recientemente. Su temática es el amor, el deseo y los corazones rotos, pero con una actitud optimista. Sachal Vasandani ha sido votado mejor cantante de jazz por la revista Downbeat. Vale la pena el viaje. Recomendable si te gusta: Escuchar discos al lado de tu pareja o de una fogata; los sonidos sin movimientos intrincados; la música para Sachal encuentros agridulces.
Slow Motion Miracles Sony Music, 2015
Walter Schmidt
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Godspeed You! Black Emperor Asunder Sweet and Other Distress Constellation, 2015
Los (no)benditos bares del purgatorio deben contar con bandas como este combo de Montreal. A veces pareciera que sus canciones duran 10 o 12 ¡años! Los riffs del tema abridor, “Peasantry or Light! Inside of Light!”, se pasean cerca de 11 minutos y nos dicen que Godspeed You! no pretende cambiar de instrumentos ni de cantina. Han logrado crear un subgénero dentro de Constellation Records que les permite transpirar sus cuerdas, guitarras saturadas y temas crípticos con cada álbum. Esta vez ofrecen su LP más corto hasta el momento, cuatro temas que suman poco más de 40 minutos pero que nada agregan a lo que hayamos escuchado de ellos. Sí, hay tensión y evocación cinematográfica, suspense y algo de delirio pero ¿es necesario seguir en el mismo bar? En ocasiones, sí. Recomendable si te gusta: Leer la Biblia sin interrupciones vocales; los discos que causan confusión a los empleados que acomodan los CDs en Mixup. Alfredo Quintana Garay
ChocQuibTown El Mismo Sony Music, 2015
Este trío vocal colombiano integrado por los hermanos Gloria “Goyo” y Miguel “Slow” Martínez y Carlos “Tostao” Valencia, se ha convertido en el embajador de la nueva música colombiana. Su estilo es una fusión de ritmos tradicionales de su país (bunde, cumulao, aguabajo), con salsa, reggae jamaicano y hip hop norteamericano, todo condimentado con elementos electrónicos. Mucho ritmo, mucha percusión en trece canciones cantadas en un lenguaje sencillo lleno de localismos y con un mensaje de tolerancia, libertad y amor. De algún modo son la respuesta en una versión latinizada de los Black Eyed Peas.
Recomendable si te gusta: Bailar como poseso, pero al mismo tiempo reflexionar sobre temas sociopolíticos mientras sostienes en una mano un libro sobre las venas abiertas de América Latina y en el otro, una copa cargada. El fan de Carey llega a la tienda de discos, busca las novedades Mariah Carey y se topa con este disco”¿Una Numer 1 to Infinity compilación más? ¡pero son los Sony Music, 2015 número 1!” exclama, mientras revisa el tracklist. Instantes después, sale del lugar con el disco bajo el brazo. En ese momento, Mariah, que anda de paseo por México y quiere comprar un disco, pasa por la tienda, ve al fan saliendo y corre a abrazarlo. “Gracias por comprar mi disco, son 18 canciones que fueron número 1, más un nuevo tema”. “Lo sé, Mariah… yo sé todo de ti..”. La invita a cenar y ella acepta; mientras toman una copa, suena de fondo “Infinity”, una nueva canción incluida en este best of. En ese momento Mariah despierta. Todo ha sido una pesadilla, está en su mansión, voltea ver la portada de su nuevo disco, donde luce espectacular y se pregunta por qué sueña esas cosas. Recomendable si te gusta: Los discos que parecen diseñados para que cuando lo quieras quitar, te des cuenta que la siguiente canción también la quieres escuchar; sentir que tienes el mismo disco que seguro Luis Miguel ya compró. @nosoymoderno
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Walter Schmidt
Leonard Cohen Can´t Forget: A Souvenir of a Grand Tour Sony Music, 2015 El canadiense se imaginaba después de los ochenta, perseverando en la disciplina zen; pero como su manager vació sus cuentas, regresó al oficio y los escenarios pero el arte lo rejuveneció y ha entrado en un envión al que puede considerarse como un estado de gracia (si es que alguna vez salió de él). Ya no experimenta, pero sus canciones son serenas, sublimes y hermosas (muy embriagadas de blues).Tras el reconocimiento total de Popular Problems (2014) no se detiene y sabe que está haciendo un regalo a sus miles de seguidores: dos piezas nuevas, “Got a Little Secret” y “Never Gave Nobody Trouble”, y dos versiones nunca antes grabadas, “Choices” de George Jones y “La Manic”, original de Georges Dor –un clásico quebequense-. En total, 10 temas que proceden de la gira del Old Ideas (2012). Aquí hay poesía, profundidad y estilo, mucho estilo. Juan Carlos Hidalgo
Will Butler Policy Terrícolas Imbéciles, 2015 En su debut como solista, Will Butler confirma el ecléctico sentido musical que transpira su trabajo como multi instrumentista de Arcade Fire (sí, él es el hermano de Win). Esto queda claro desde un principio: a la adrenalina eléctrica que nos recibe con “Take My Side”, sigue el andamiaje de sintetizadores que sustenta “Ana”, amalgamando unos metales no muy distantes del Bowie de Young Americans, de ahí a la cabizbaja balada “Finish What I Started”, mientras “Something’s Coming” se acerca a Talking Heads con un toque de Devo –que no son malas referencias al explicar el estilo vocal de Will–. Para no quedarse picado con las apenas 8 canciones publicadas originalmente en Policy, se recomienda buscar la edición “deluxe”, que suma 5 temas inspirados en noticias del diario The Guardian dándole más sentido de álbum. Recomendable si te gusta: imaginar a un Arcade Fire con más instinto garage, ir al súper y probar de todas las muestras. Arturo G. Aldama
Tiësto / Clublife Vol. 4: New York City / Universal Music, 2015 Con una curaduría inspirada en la vida nocturna de las grandes capitales, llega el volumen cuatro de esta serie creada por el famoso DJ holandés, ahora dedicado a explorar la onda de los clubes de neyorquinos. @justmuzik
El grupo continúa sumergido en el pop electrónico guapachoso, desde la apertura que da título al disco, que cuenta con una batería machacante y una especie de rap sincopado que se convierte en “sonido disco”, pasando por “Caderas”, otro tema bailable que coquetea con el reggaetón y que da pauta a “Somos dos”, una canción alegre y contagiosa que recuerda al extinto grupo La Factoría (¿les suena del tema “Todavía me acuerdo de ti”?). Se trata de fiesta encapsulada que también remite a Calle 13 y por momentos a los Tom Tom Club. Destacan además “To My Love”. Un disco de fiesta total, impecablemente producido y que consigue trasladar al disco el gran acto en vivo del grupo.
Bomba Stéreo Amanecer Sony Music, 2015
Recomendable si te gusta: Poner música fashion así estés sufriendo por la arena de la playa donde estás rodeado de modelos en bikini; enseñarle a tus homies que hay algo en Colombia que no es Shakira.
Daniel Jay
Siempre es agradecida cualquier novedad sobre David Bowie, esa figura de la música que ha sabido mantener su divinidad a pesar de la volatilidad de David Bowie la cultura. Si bien se trata de un título más de la Nothing Has Changed enorme lista de compilaciones que el músico ha Sony Music, 2015 lanzado, Nothing Has Change tiene un encanto particular. El álbum fue editado en tres versiones, dos en CD y una en vinilo, con diferente contenido pero con una misma idea: incluir por primera vez en un mismo material, las canciones más representativas de toda la carrera de Bowie, además de un tema inédito: “Sue (Or in a Season of Crime)”. La versión en vinilo es la más atractiva, pues consiste en dos discos de 12 pulgadas, cuidadosamente manufacturados para percibir cada detalle de los 20 temas (o éxitos) aquí contenidos; como extra, posee una portada exclusiva en la que se aprecia a un Bowie frente al espejo en la abrumadora época de Ziggy Stardust. Un material necesario para coleccionistas, fanáticos o primerizos.
Pablo Pulido
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El grupo comandado por Matthew Bellamy apuesta, como de costumbre, por un disco conceptual donde sigue explorando esa histeria “conspiranoica” que ahora tiene como pretexto la invasión de los drones y el control mental. Todos sabemos que son grandes instrumentistas, pero Muse opta por no desbocarse y, si bien mantiene la solemnidad y el barroquismo de sus anteriores y explosivos trabajos, es claro que la consigna fue generar buenas canciones y no el lucimiento individual. Temas como “MK Ultra” harán guiñar un ojo de complicidad a quienes estudian el tema del nuevo orden mundial, mientras que los momentos de grandilocuencia brillan como antaño en “Mercy”, que nos remite al Muse de varios discos atrás. No se trata de un estricto flashback musical, pero sí de un disco en clara deuda con su pasado.
Muse Drones Warner Music, 2015
Recomendable si te gusta: Pensar que todo es una conspiración, hasta lo del drone que “atacó” a Enrique Iglesias; suponer que con este disco ahuyentarás a los reptiloides. Borja Pérez
Lo suyo es provocar. Desde sus famosos trabajos con el seminal grupo de metal industrial electrónico con ínfulas sadomasoquistas, hasta éste, su disco debut, el bizarro cantante no puede pasar desapercibido. El viaje inicia con un corte rápido (homónimo al disco), sin tregua, cubierto con una capa de teclados atmosféricos que recuerdan a The Sisters of Mercy. Letras con contenido sexual explícito (como de diálogos de película porno), efectismo salvaje y bases electrónicas realmente densas. “Praise Abort”, canción de la cual ya hay un (no es para menos) perturbador video, es otro de los tracks que sobresalen en un disco donde abundan los arreglos orquestales contrapuestos a guitarras realmente duras (“Fat”) y donde una balada enferma como “Home Sweet Home” nunca está de más. Fans de Rammstein, tranquilícense, el tipo sigue siendo duro y pervertido.
Lindemann Skills in Pills Warner Music, 2015
Mientras llega el 2016 y con él el anhelado y prometido nuevo disco de Oldfield, el músico se preocupa por no dejarnos desamparados y presenta un nuevo compilado que recupera sus años en Warner Music a través de 18 temas que gustarán a iniciados o no iniciados en la música del creador de Tubular Bells. 18 canciones en la versión sencilla del album deberán bastar para calmar las ansias al contar en un solo disco los también llamados “WEA years”. El disco incluye remixes, algunos singles no muy fáciles de conseguir y versiones diferentes a las publicadas en los discos. Una joya para fans del rock progresivo, la electrónica, el pop, el folk y…¿qué género no fue tocado por las manos del música inglés?
Mike Oldfield The Best Vol. 2: 1992-2003 Warner Music, 2015
Recomendable si te gusta: Escuchar música bajo las sombras de la luz de la luna; imaginar que Mario Bros. escucha Tubular Bells antes de dormir parea recordar su aventuras en las cañerias.
Daniel Jay
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Recomendable si te gusta: Ir a las fiestas de Halloween disfrazado de gente normal; hablar con voz gutural hasta para pedir tu orden en un restaurant; escuchar algo pesado y bailable a la vez.
Carlos Berriozabal
Cuenta la leyenda sobre Simply Red un tipo que estuvo Big Love presente en el primer concierto de The Sex Warner Music, 2015 Pistols en Manchester a fines de los años 70. Pero, Mick Hucknall, a diferencia de los otros asistentes que terminaron formando bandas como Joy Divison o The Fall (se dice que cada uno de los pocos asistentes al concierto acabaron haciendo música), se decantó por la antítesis y vendió más de 50 millones de discos haciendo pop suave totalmente comprometido con el soul, el R&B, el jazz y el sonido Motown. Décadas después, el artista sigue en activo y regresa con toda su banda de “soul de ojos azules” (después de casi 10 años sin asomar su pelirroja cabellera), con un disco exquisito que incluye maravillas como “The Ghost of Love” (los arreglos de cuerdas son de otro nivel) y una colección de nuevas y finas canciones que no desentonan con la historia de la agrupación. Recomendable si te gusta: Imaginar que la música la diseña un sastre etéreo; las canciones con alma; las pelucas rojas.
Daniel Jay
“We could be heroes” dice en la canción pero no, no es un cover de David Bowie, se trata de ¿un homenaje? de una de las canciones (en ésta llamada, claro, “Héroes", se hace acompañar de su paisana Tove Lo) de un disco ideal para la fiesta, para salir de antro o simplemente escuchar progressive house excelentemente bien producido por el artista sueco en su disco debut, en el que además colaboran Calvin Harris (ajá, el novio de Taylor Swift) y Ryan Tedder, cantante de One Republic. No dejes de escuchar “Payday”, “All this love” o “Tear the Roof Up”, tres de las canciones más interesantes del disco. Electrónica amigable para los oídos acostumbrados a los hits del verano.
Alesso Forever Universal Music, 2015
Recomendable si te gusta: Que te digan que eres un “forever”, pero nunca un “forever alone”; la música electrónica que gusta tanto a conocedores como fans de ocasión.
Borja Pérez
¿Cuánto le deberá el sonido de The XX a Jamie? Confieso que esperaba un poco más de melancolía, pero en su lugar bien valió la pena esta apropiación del house con reminiscencias a The Art of Noise y sonidos que divagan entre distintos estados de ánimo. En “SeeSaw” y “Loud Places” colabora Romy, integrante de las dos equis quien por obvias razones nos hace recordar al grupo, pero también están “Stranger in a Room” (donde colabora Oliver, el otro individuo de The XX) y “I Know There’s Gonna Be (Good Times)” donde el Dj y artesano sónico juega con el calypso, el hipJamie XX hop en una especie de reggae oscuro que rompe un poco In Colour con la dinámica del disco, pero…¿no se trataba de eso? Casete, 2015 ¿de romper la monotonía tiránica de su grupo? A Jamie parece no importarle nada más que seguir esculpiendo sonidos apropiados tanto para la piesta de baile como para las literas de alguno que otro chico deprimido vestido de negro. Recomendable si te gusta: Dibujar letras "x" en el aire; vestirte de negro aunque sea la graduación de tus sobrinos; ir a las fiestas y en lugar de bailar, dedicarte a escuchar la música y reírte de cómo se mueven los demás en la pista.
Francesca Belmonte Anima Casete, 2015 Sin duda este disco es una gran (y buena) sorpresa, tanto que dan ganas de irse a gritarle a la gente que “el trip-hop no está muerto”, ya que esta inglesa, colaboradora asidua de Tricky presenta un disco cargado de elementos de ese género, con un plus sensual, emotivo y consecuentemente pegajoso, sin la frialdad de algunos de los pioneros del género. Una especie de Nelly Furtado conoce a Mono (los franceses que cantaban “Life in Mono”). Según su mentor (Tricky), es la mejor persona con la que ha trabajado y, bueno, su pop bizarro lleno de sintetizadores sugerentes que se despliegan en las 15 canciones de su disco debut (Escucha “Are You” por favor), no deja lugar a dudas de que está haciendo las cosas finas. Recomendable si te gusta: Mandar cartas a la Real Academia Española para que incluyan “triphopear” como verbo; viajar sin salir de tu cuarto. Borja Pérez
@nosoymoderno
Escuchar seguidos los seis primeros discos del grupo (cosa nada complicada ya que sus canciones son muy cortas) es como leer una historia que comenzó en 1974, donde los protagonistas son unos chicos de NY (totalmente diferentes al “NYC Boy” de los The Ramones Pet Shop Boys, aclaro) que con pocos conocimientos The Sire Years musicales y sólo 3 acordes, se convirtieron en una Rhino, 2014 de las bandas más influyentes y en pieza clave del punk y todo lo que este trajo consigo. Tristemente, el grupo nunca trascendió el nivel de culto en su momento, pese a que intentaron convertirse en estrellas de rock, incluso trabajando con Phil Spector (se incluye aquel famoso disco, titulado End of the Century). Esta caja-estuche de CDs compila esos primeros discos réplicas de los vinilos originales, en versiones remasterizadas y con verdaderas joyas que los fans nunca nos cansamos de escuchar (“Judy is a Punk”, “Sheena is a Punk-rocker”, “Susy is a Headbanger”, etc.). Complementa la compra con el recién salido Many Faces of The Ramones, una caja con 3 CDs que incluye rarezas y además, las canciones originales de esas canciones de las que el grupo realizó versiones. @nosoymoderno
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Elias Nahmias
Relatos Salvajes está compuesta por un magnífico prólogo y 6 historias individuales con varios elementos en común: todas suceden en la Argentina de hoy, todas revelan el carácter cínico de los personajes y, lo más importante, todas plantean qué sucedería si los argentinos se dejan llevar por sus impulsos más irracionales. Con estos simples elementos, la película inmediatamente trasciende los localismos y convierte los relatos en situaciones universales que nos afectan a todos los seres humanos atrapados en la vida urbana donde muchos de los principios que nos rigen fácilmente se pueden transformar en una pesadilla. Las historias cubren muy bien distintos aspectos de la vida moderna y supuestamente civilizada, donde aflorará el lado oscuro del ser humano. Imagínate que te encuentras con el político que llevó a tu padre a la ruina y que puedes cobrar venganza; que sufres en carne propia el submundo de las grúas y el estacionamiento, donde Ricardo Darín (para mi gusto el mejor actor latinoamericano) entra en el laberinto sin fin de la burocracia automovilística; ¿qué pasa cuando insultas a un conductor que tiene un carro viejo porque no maneja a alta velocidad como tú? ¿o si eres la mujer que descubre, el día de su boda, la posible infidelidad de su esposo?. Lo atractivo y lo que llevó a Relatos Salvajes a ser nominada por mejor película extranjera en los últimos Oscars es que todas las historias se desarrollan hasta sus últimas consecuencias.
Relatos Salvajes (Blu-ray) Dir: Damián Szifrón Comedia Negra
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La Cenicienta (Cinderella) Dir: Kenneth Branagh Fantasía
Pasan los años y el cuento de hadas sobre esta jovencita que pierde a su padre y es desposeída de su herencia no deja de tocar fibras profundas en nuestro DNA, pues el sentimiento de despojo y de menosprecio está presente en nuestra psique. Esta versión tiene un toque de elegancia y clase gracias a la dirección del actor y director shakesperiano Kenneth Branagh, quien aporta una nueva dimensión al cuento infantil, respetando la versión original de 1950. Aunque todos conocemos la historia, inmediatamente nos vemos atraídos por las aventuras de Ella (Lily James) que por accidente conoce al príncipe que ha decidido casarse y dar a todas las mujeres del reino la oportunidad de ser elegidas. La madrasta (Cate Blanchett) y hermanastras hacen lo imposible por ocultarla, pero Cenicienta cumplirá su destino a pesar de todo. La película es visualmente muy atractiva, especialmente la secuencia del baile en el magnífico castillo.
El Destino de Júpiter (Jupiter Ascending) (Blu-ray 3D) Dir: Andy Wachowski / Lana Wachowski Ciencia Ficción
Los hermanos Wachowski, quienes desde la trilogía de Matrix no han logrado volvernos a deslumbrar, aquí lo intentan con la mejor de las intenciones. Júpiter Jones (Mila Kunis) es la legítima heredera de un reino intergaláctico del que se quieren apoderar tres hermanos. Su misión es recuperar el trono que le corresponde para salvar a la humanidad que está a punto de ser extinguida. Su aliado es Caine (Channing Tatum), un ser mitad licántropo mitad humano, que cada vez que ella está en peligro aparece mágicamente para rescatarla. La película toma prestado de todo: Star Wars, Brazil y Star Trek. Características especiales: Varios documentales, "El destino está dentro de nosotros", "Guerrero interplanetario", "De la Tierra a Júpiter".
Chappie es como Robocop, pero en un tono mucho menos solemne (y más torpe). La historia comienza Chappie cuando unos criminales roban un (Chappie) robot destinado a labores policiacas Dir: Neill Blomkamp y éste acaba siendo adoptado y, Drama/comedia/ consecuentemente, desarrollando sentimientos. El director de District 9 acción y Elysum combina de buena manera la ciencia ficción con su acostumbrada crítica social y una dosis de existencialismo en la era de la inteligencia artificial. Y aunque a veces falla en la narrativa, la fábula futurista sale bien librada y tiene buenos momentos, como en el que vemos a nuestro robótico protagonista (Sharlto Copley) aprendiendo a comportarse como un pandillero o imitando a He-man y Los Amos del Universo. Hugh Hackman (el eterno Wolverine) acá la hace de villano (un tanto caricaturizado) y también aparece en la película Sigourney Weaver. Algún crítico dijo que es como una versión de la clásica Cortociruito (Short Circuit, John Badham, 1986), pero para fans de cine indie.
*Por respeto al lector, no incluimos ninguna foto de Britney Spears rapada.
Demi Moore lució así en G.I. Jane (conocida en México con el cursi nombre de Hasta el Límite).
Natalie Portman personificó a una guerrillera futurista en V de Vendetta.
¿Qué mejor para Sigourney Weaver que enfrentarse a un Alien sin tener un pelo de tonta?
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Home: No Hay Lugar Como el Hogar es la divertida (y animada) película basada en el libro infantil de Adam Rex, en la que Jim Parsons participa. En esta nueva apuesta de animación –ya disponible en formato casero–, el actor hace la voz de Oh, un alienígena en problemas. Platicamos con él sobre su aventura en este terreno y su trabajo con los otros actores involucrados. ¿Cómo te sentiste cuando viste terminada la película? Para ser honesto, fue una gran sorpresa; trabajar en una película de animación es interesante, nada que ver con algún otro trabajo. El proceso es bien diferente a otros
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proyectos. Cuando vi el resultado final y la dulce historia que resultó, quedé prendado. ¿Te gusto el mensaje? Claro, va sobre no juzgar a las personas, no ponerles etiquetas, permitiéndoles ser como son. Hay muchas cosas maravillosas que se pueden descubrir sobre la gente si se tiene la mente abierta. Es un buen filme para toda la familia. Es imposible que Tip y Oh, los protagonistas, no les gusten a los chicos; y los padres también pueden captar ese humor que impregna la película. ¿Llegaste a grabar cosas con Rihanna? Hicimos un par de sesiones grabando juntos y también grabé algunas cosas con Steve Martin. Ambas experiencias fueron maravillosas. Fue muy inspirador; Rihanna es una persona con la cual realmente se puede platicar, es muy cálida; y Steve es un gran actor y una persona muy inteligente de la que aprendes mucho porque no sabes qué esperar. ¿Qué dirías de Rihanna como actríz? Que estuvo increible. Trae una carga emocional muy fuerte, mucha fuerza y vulnerabilidad, es una persona maravillosa y complicada a la vez.
Home: No Hay Lugar Como el Hogar Dir: Tim Johnson Animación
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Rock a la naranja
Si los fueras a ver en vivo y no te toca un buen lugar, seguro sólo verías una mancha anaranjada a lo lejos que se mueve por todo el escenario. Pero no hay de qué preocuparse, este DVD captura los pormenores de 3 de los conciertos de la banda, y será como si estuvieras en primera fila o, mejor aún, de frente a los integrantes del grupo de power punk pop de la chica de pelo naranja (Manchester, Brixton y Birmingham) durante su gira del 2007 por Inglaterra. El resultado es un documento musical excelentemente bien producido que refleja aquél, el mejor momento de la agrupación estadounidense.
Paramore Alive in the UK
Slash Live at the Roxy Recién lo vimos en México, manteniendo vivo el legado de Guns ´N Roses y dándole vuelo a su guitarra. Pues bien, este material recoge la actuación del guitarrista (al lado de Myles Kennedy and The Conspirators) en el legendario club angelino apenas en septiembre pasado, como parte de la gira del disco World on Fire. El tracklist incluye mucho material de Slash proveniente de sus proyectos post- Axel Rose (“Automatic Overdive” o “Halo”, por ejemplo) pero no podían faltar los clásicos de G´ N R como “Sweet Child O´Mine”, “Rocket Queen” y el cierre con “Paradise City”. En total, 20 canciones y más de dos horas de rock and roll y potente nostalgia. Por cierto, se dice que habrá reunión de los Guns originales, si es que Axel ya perdonó a Slash por haber colaborado con Michael Jackson.
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A finales del mes pasado se dio a conocer la mala nueva: el bajista Chris Squire, considerado el miembro más emblemático de Yes, había fallecido. Afortunadamente para la música, el artista del bajo legó para la posteridad y para la enciclopedia del rock progresivo, su participación en clásicos del género como los discos Fragile y Close to the Edge, los cuales fueron interpretados en su totalidad apenas el año pasado, en un inolvidable concierto que ahora adquiere mayor importancia al ser quizás el último show registrado por Squire. El material incluye los dos legendarios álbumes tocados por un conjunto de virtuosos que quieren dejar bien clara su importante contribución en la historia de la música. El arte de sus primeros años se mantiene intacto, aunque seguramente en la intimidad de su hogar, Jon Anderson (el cantante) y los miembros actuales se relajan, abandonan esa seriedad cósmica y se ponen playeras que dicen “Yo sobreviví al punk”.
Yes Live at the Mesa Arts Center
Pedro Peirano es uno de los creadores de 31 Minutos, la genial serie chilena que tanto ha gustado en México. Además, hace la voz de muchos de los personajes emblemáticos, como Tulio Treviño, y también canta los éxitos del programa. Platicamos con él previo a la presentación en México del show basado en la serie. ¿Cómo reacciona la gente con la puesta en escena? Todo es en vivo, es divertido por los desafíos que implicó. El público participa, con aplausos, gritos… esa interacción es la que hace que el show en vivo sea tan importante y que la respuesta sea positiva. Obviamente, Los Muppets son una gran influencia, ¿de la TV mexicana qué te gustaba? 31 minutos es un programa que está súper influenciado por la televisión mexicana que veíamos cuando chicos; aunque era para adultos, veíamos La Carabina de Ambrosio; Nos gustaba la edición mexicana de Plaza Sésamo y El Tesoro del Saber, donde salían títeres que interactuaban con las personas… Y México les correspondió con un disco tributo. ¿Qué te pareció? Fue algo espontaneo de parte de músicos mexicanos, fue muy emocionante. “Mi castillo de blanca arena” (Siddhartha) fue una versión que me gustó mucho; igual la de “La regla primordial”, que hizo Rubén Albarrán de Café Tacvba. Cuando nos mostraron las canciones derramamos lágrimas. Y dime algo… ¿alguna vez soñaste con ser rockstar? Para mí estar arriba de un
Para calentar motores, en escenario es algo que no Mixup puedes encontrar: tenía presupuestado, yo soy guionista, ja, ja, esto es un Yo Nunca Vi regalo extra. Ni en mi sueño más Televisión raro me lo imaginé… Tributo a 31 Ya que eres guionista, cuéntanos Minutos. cuales son tus guiones de series (CD) favoritos Las Un guión que involucra al temporadas espectador. Como Breaking Bad, completas que tenía una conexión con el de la serie. espectador, lo hacía pensar. (DVD) ¿Tus personajes vienen de tu niñez? Calcetín con rombos-man es muy lúdico… Es el personaje más básico. Agarras un calcetín y lo pones a hablar. Yo tenía un calcetín con rombos que me gustaba, no tenía par pero nunca me atreví a tirarlo, siempre tuve la esperanza de encontrar el otro. ¿Y César (de “Baila sin cesar”) existe? Claro. Muchos Césares se han enojado, pobres. César es un egoísta, bailar es compartir… ¿Has visto la serie The Newsroom? Sí, es como 31 Minutos pero hardcore. Entonces, si me gusta el programa, ¿me gustará el show en vivo? Claro, no está hecho para sacarle la última plata a los niños, es algo que hacemos como un verdadero recital, con todas las de la ley, la gente la pasa increíble, nadie queda defraudado. ¿Alguna vez a ti te decepcionó alguno de tus héroes? Sí, cuando era muy niño, era muy fan de Capulina. Una vez, fui a un programa en Chile que se llamaba El Programa del Tío Alejandro donde pasaban siempre un segmento de Capulina; entonces, yo estaba esperando que saliera mi ídolo pero no sabía que él era mexicano y que lo que transmitían era grabado. Ahí estaba yo con toda la emoción del mundo esperándolo y de repente dicen “¡Ahí viene Capulina! y luego “Corte, ¡esto fue Capulina!” y yo “¿Dónde está Capulina? Fue desolador, una de las decepciones más grandes.
31 Minutos Presenta: Radio Guaripolo, se escenificará los próximos 11 y 12 de julio en el Teatro Metropólitan del D.F.
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The Last Ship El Último Barco Primera temporada
¡Todos en el mismo barco!
El apocalipsis sigue siendo recurrente en el cine y las series actuales, ¿cuándo parará? Quizás hasta que el tema se asemeje tanto a la realidad que sea de mal gusto. Pero mientras tanto, series como The Last Ship (basada parcialmente en un libro ochentero de terror) siguen explotando la veta. En esta primera entrega de 10 episodios, somos testigos de una catástrofe que diezma a la población mundial (como si sueño húmedo de los iluminatti se tratase). Entre los sobrevivientes está la tripulación de un barco militar, el USS Nathan James, quienes se enfrentan a un terrible nuevo mundo. La serie está producida por Michael Bay, el director de cine acción palomera más importante de Hollywood, por lo que los sobresaltos y las explosiones están garantizadas. Actúan Eric Dane, Adam Baldwin y Rhona Mitra.
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*Nota: Las portadas pueden variar.
The Returned Primera temporada
Otra más del apocalipsis: personas que se daban por muertas, comienzan a regresar a la vida en un pequeño pueblo (¿por qué nunca pasa en una gran ciudad, por qué los extraterrestres siempre abducen a granjeros y no a los presidentes?). A partir de ese extraño hecho, comienzan a suceder horrendos crímenes. Si te suena mucho a otras series actuales sobre resurrecciones como The Leftovers, a su favor The Returned cuenta con que se trata de una producción francesa, por lo que el tono es muy diferente a lo que la mayoría vemos (además de toparnos con caras nuevas). Por otro lado, si no te gustan las cosas tan digeridas, la historia está armada con un toque a la David Lynch que le otorga ese estatus oscuro e inteligente del que muchas series del género suelen carecer. La primera temporada consta de 8 episodios centrados individualmente en cada uno de los interesante personajes que “regresan”.
Prison Break Las temporadas completas
Durante cuatro temporadas esta serie fue de lo más cardiaco del mundo. Las desventuras en prisión (y fuera de ella) de los hermanos Scolfield (uno incriminado injustamente y el otro recluido voluntariamente en prisión para salvarlo) acapararon la atención de los fanáticos de las series y su finale, con una especie de mini-película especial (también incluida en este pack) cerraba todos los cabos sueltos. Ahora, seis años después enmedio del probable lanzamiento de una quinta temporada, se lanza esta colección para volver a vivir la conspiración carcelaria más entretenida de la T.V. Sería ocioso mencionar todos los premios que ganó la serie en su momento, mejor descúbre el porqué por ti mismo y cómete todas las uñas de los nervios.
Rust Cohle, True Detective (Primera temporada)
“La vida es lo suficientemente larga como para que seas realmente bueno en una sola cosa. Así que ten cuidado en qué eres bueno”.
Gil Grissom, CSI Las Vegas “Las mejores intenciones están cargadas de grandes decepciones.”
Larry David, Curb your enthusiasm
“Una cita es una experiencia que tienes con otra persona y que te hace apreciar estar solo”.
Blair, Gossip Girl
“Quien haya dicho que el dinero no compra la felicidad no sabía dónde ir de compras”.
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*Las imagenes de las portadas podrían variar.
En el mundo hay muchos misterios como “¿qué hay en el centro de un hoyo negro?” y “¿cómo es que Chabelo ha sobrevivido a Chespirito, Zabludowsky, Christopher Lee y otros?” Pero también hay verdades universales conocidas por todos y una de ellas es que año con año llega un juego de la Fórmula 1.
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Codemasters, estudio británico con amplia experiencia desarrollando juegos que licencian deportistas como Rafael Nadal, Colin McRae y eventos deportivos de rallies, nos trae F1 2015, entrega que marca un nuevo rumbo en la franquicia gracias a que utiliza un motor gráfico conocido como EGO. Por supuesto, F1 2015 incluye a todos los equipos de la temporada 2015, sin faltar el del reconocido español Fernando Alonso, que corre para McLaren-Honda. Asimismo, se ha agregado a todos los conductores, autos y circuitos de la temporada 2014 como un incentivo de compra. El modo Pro Season es mucho más retador y es que no incluye asistencia ni HUD, además de que la tracción y la transmisión son mucho más realistas que antes. Para los amantes de este deporte de caballeros, F1 2015 es una compra obligada, en especial cuando uno de sus circuitos es nada más y nada menos que el Autódromo Hermanos Rodríguez, orgullosamente mexicano.
God of War III Remastered
Godzilla El rey de los monstruos llegó a Japón en 1954 pero no a destruir la pacífica isla oriental, sino a destruir las carteras de los entusiastas que, por extraño que parezca, se enamoraron de la lagartija superdesarrollada. Con más de 40 juegos y 30 películas (al menos siete producciones occidentales), Godzilla llega por primera vez al PlayStation 4. La más reciente entrega de Godzilla tiene cinco modos de juego. En Destruction Mode, el jugador controlará al rey de los monstruos para destruir escenarios y obtener la G-Energy que posteriormente servirá para incrementar las habilidades del personaje. En el modo King of the Monsters se peleará a través de seis escenarios con viejos conocidos como Mothra, Jet Jaguar, King Ghidorah, Gigan y otros. Por supuesto, no podía faltar un modo en línea, así que en el modo Multiplayer los usuarios podrán enfrentarse en duelos uno a uno o, para hacer las cosas más interesantes, en duelos de tres personas donde todos pelean contra todos. Si bien las gráficas no son lo mejor que le hemos visto al PlayStation 4, con su cámara dinámica, sus escenarios destructibles y, sobre todo, la oportunidad de utilizar a todos los monstruos icónicos de la serie de Godzilla, esta es una buena oportunidad para que tanto fans como curiosos se pongan las escamas del reptil gigante.
Han pasado ya unos cuantos milenios desde que Kratos sufriera por la traición de los dioses, pero solo han transcurrido diez años desde que God of War llegara al PlayStation original. Para celebrar, Sony publicó God of War III Remastered para PlayStation 4, donde el sanguinario espartano continúa su violencia en contra de las deidades griegas, aliándose a momentos con otros personajes de leyenda. Esta remasterización incluye gráficas de nueva generación, por lo que la sangre (y los minijuegos eróticos) podrán disfrutarse aún más.
Hay quien afirma que Adolf Hitler no se suicidó en su bunker, sino que viajó a Argentina y vivió una larga y próspera vida. Bueno, pues en Zombie Army Adolfito sí murió en su bunker... y volvió a la vida… en forma de zombi… ¡y trajo consigo a todo su leal ejército de no muertos! Zombie Army Trilogy es la compilación para PlayStation 4 y Xbox One de la sensación de culto que llegara originalmente a PC. Este es un shooter en tercera persona con gráficas decentes en las que hay 15 misiones, 12 personajes, 25 armas y cinco mapas multijugador.
Zombie Army Trilogy
Ryu Vs. Mario
El plomero italiano se ha enfrentado a grandes enemigos: Donkey Kong, Bowser, Smithy, Sonic y hasta a su hermano Luigi, pero está por medirse con el peleador de artes marciales más icónico de los videojuegos: Ryu, uno de los protagonistas de Street Fighter. Previo al E3 2015 se coló en la red de redes un video en el que se reveló que el peleador japonés será un personaje a elegir en Super Smash Bros.
Más de Need for Speed
Los simuladores automotrices como Gran Tuismo y Forza son geniales… para algunos. Los que nos cuidamos de que no nos pegue el de al lado en la caótica Ciudad de México, eso de chocar en un videojuego y preocuparte porque en la siguiente carrera arrastras con el golpe de la anterior no es vida. Para nosotros está Need for Speed y celebrando su vigésimo aniversario, a finales de año llegará una nueva versión para PS4, XO y PC.
Conquistando al Lejano Oriente
A diferencia de lo que pudiera suceder con nuestros múltiples malinchistas, los japoneses son muy nacionalistas y prefieren lo hecho en casa sobre cualquier producto de importación, en especial en los videojuegos. No obstante lo anterior, en 2006 Gears of War logró el milagro y se convirtió en el primer videojuego occidental de la historia en aparecer en el top ten de ventas.
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El otro día leí una entrevista que David Cortés le hizo a Walter Schmidt para el diario “Milenio” que terminaba con un comentario divertidísimo de Walter respecto a que este siglo es “muy ranchero”. Lo que decía es que de niño se imaginaba el año 2000 con “carros voladores y cosas así” y que, fuera de las computadoras, no encontraba en estos tiempos nada de moderno. Más allá de lo gracioso, Walter tiene razón. Durante casi todo el siglo XX, el futuro se imaginó como algo muy distinto de lo que terminó siendo. Viajes a la luna o a través del tiempo, robots, extraterrestres, pistolas láser, uniformes brillantes, ciudades en otros planetas, vida sin enfermedades, hibernación, telequinesis, eliminación de las fronteras y los países, todo eso se suponía que debería estar pasando ya. Blade Runner, esa maravilla de película que, me parece, es la visión del futuro más cercana a la realidad en muchos sentidos, se situaba en el 2019, es decir, a 4 años de este año (la novela ¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas?, en la que el filme está basado, está peor en ese sentido, pues la acción se ubica en 1992). El mundo no camina parejo, eso es un hecho. Las disparidades en el acceso a la tecnología, por ejemplo, son abismales dependiendo de la pertenencia a una clase socioeconómica, a un grupo generacional, a una actividad laboral, a un país, a una zona del mundo… Recuerdo una película, malísima por cierto, que se llamaba Año Uno, en la que unos cavernícolas, Jack Black y Michael Cera, llegaban a Sodoma, que ya era una ciudad que concentraba una población importante. O bien, cuando los españoles llegaron a América y se encontraron con algunas civilizaciones mucho menos desarrolladas, pero también con tribus nómadas. Sin embargo, la realidad es que el rayo láser, de ser la materia prima de unas espadas altamente mortíferas, acabó convirtiéndose en una tecnología para la salud. Seguimos esperando las patinetas voladoras de Marty McFly, aunque nos dicen que “ya casi” llegan. Si bien ya existe la ingeniería genética, estamos muy lejos de poder tener una víbora eléctrica o creada artificialmente. Los robots no han pasado de ser una atracción de feria y definitivamente no están pensando en exterminarnos. Y si nos vamos a cosas más triviales, bueno, ahí está la ropa. En vez de trajes espaciales de materiales hipersintéticos, tenemos ropa “deportiva”.Y no me refiero a la que utilizan los deportistas de alto rendimiento, sino a esas cosas horribles que usa todo aquel que se rehúsa a vestirse bien. Pues sí, el futuro nos salió ranchero, ni modo…
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