LaCarne Magazine N98 by LaCarne Magazine

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Nº98 - AGO 2020 - AÑO 9

Soldados Urbanos

rap boliviano en Argentina

investigación

EXPERIENCIAS

Little Richard - WEST END BLUES

616 - AMOEBA SPLIT - ESTIVALIA

ESPECIAL

YIYO - TRAUMA - ERICK CAYUELA - DIABOLOUS - JUAN EL JUANA RED CALLING

CONCIERTOS DE PEDRILLA - RUBÉN RUBIO Y High Paw

ENTREVISTAS

N98 aÑo 9 ago 2020

SUMARIO

experiencias 06 616, Una nueva forma de amar 08 Amoeba Split reedita su segundo

entrevistas 26 especial Conciertos de Pedri-

10 ESTIVALIA celebra una nueva edición

Extremadura

disco

100% extremeña

lla - Rubén Rubio y High Paw

44 Yiyo, un referente de la cultura en 46 Trauma, Rock Metal y crítica social 50 Erick Cayuela: no hay luz sin

investigación oscuridad 14 Little Richard, Buen viaje, mi reina! 54 Diabolous, Doom Stoner como forma de vida 18 West End Blues, la fusión de dos géneros 58 Juan el Juana, Flamenco en Alemania

60 Red Calling, Hard Rock y Metal desde EE.UU.

38 Soldados Urbanos rap boliviano en Argentina

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, omar vega, Eva maría aroca, alfonseka, israel s. marcelo, rafa dorado, juan manuel pérez * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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616

Una nueva forma de amar LEER MÁS

ola de nuevo, amigos! ¿Cómo va todo? Sinceramente deseo que todo os vaya bien. Os envío mis buenas vibras desde Madrid. Esta vez os traigo lo que para mí ha sido todo un regalazo para los oídos. La banda en cuestión es 616, y es que ¡suenan de maravilla! Os acordaréis que hace un par de meses escribía sobre el nuevo trabajo de Ville Valo y el regreso del Love Metal. Bien, pues hablando con mi hermano sobre Ville (a ambos nos encanta HIM) descubrimos a esta banda estadounidense (concretamente de Milwaukee) liderada por el joven y talentoso Matthew Lidwin.

616: UNA NUEVA FORMA DE AMAR

Está claro que para los fans de la banda finlandesa HIM el estilo creado por Ville, el deno-

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minado “Love Metal”, con sus melodías y sus letras nostálgicas que hablan del amor y de la muerte, han dejado una profunda huella en nuestra forma de sentir, de expresarnos. Quizá somos unos románticos empedernidos. Pero lo que está más que claro es que nos han dejado un legado del cual se han nutrido músicos excepcionales, como es el caso de Matthew Lidwin y su banda 616, y el fruto es una nueva era y un largo camino dentro de este estilo musical que, si te toca el corazón, quedarás marcado para siempre. Es totalmente estilo Goth Rock, y es que, créeme, los escuchas con los ojos cerrados y creerás estar escuchando a HIM, porque hasta la tesitura de la voz de Matthew es bastante parecida a la de Ville. Me encanta su voz y sus graves… Sin duda alguna me enamoré de su música, y se ha ganado un hueco en mi corazón ¡Y en mi playlist! Así que, sigue leyendo, porque si eres fan de HIM, no te puedes perder esta banda.

tuvo una trayectoria durante diez años comprendidos entre 2008 y 2018. Tenían influencias de Black Sabbath, Lacrimas Profundere, The 69 Eyes, y, por supuesto, HIM. Básicamente, 616 viene a ser la misma banda, pero con un aire nuevo. Cuentan con el apoyo de Bam Margera, con quien comparten un tema (le recordaréis del show televisivo Jackass). Recordemos que Bam también es un gran fan de la banda nórdica de Ville Valo, y que además fue el director de varios de sus videoclips. Conozcamos un poco más sobre esta banda, que fuera de comparaciones y demás, sinceramente, creo que tienen un brillante futuro por delante. Matthew es el líder y creador de la banda, es un chico con mucho talento y profesional. Él compone, toca el bajo, la guitarra, la batería y los sintetizadores y canta. Pero en esta ocasión cuenta con la compañía de otros músicos con quienes ya ha dado forma a lo que hoy es 616. Ellos son Emmanuel Sotela a la guitarra, Claudio Fabián a los sintetizadores, Keith Robinson al bajo, y Brady Hearn a la batería. Bajo el sello Cleopatra Records nos deleitarán con un álbum completo para finales de 2020 llamado Head Over Evil Heels, y que actualmente se encuentran grabando en el estudio. Anteriormente, Matthew era líder de una banda del mismo estilo llamada EDEN. La banda

También han trabajado con Gas Lipstick, ex baterista de HIM, actualmente en Flat Earth. Estoy segura de que te has enamorado de su música, y que sus canciones se te han grabado en la memoria y en el corazón. Espero que os haya gustado conocer más sobre esta banda norteamericana, y con este estilo musical que a mí tanto me enamora. Y es que cuando parecía que la historia del “Love Metal” se había apagado, pues se recibe con mucho gusto y admiración a bandas como 616 por mantener vivo ese espíritu, y desde aquí les deseo un gran futuro y muchos éxitos. No olvidéis seguirles en sus redes sociales, y escuchar su música en plataformas digitales. Un gran abrazo!

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Amoeba Split reedita su segundo disco LEER MÁS

moeba Split reedita su segundo disco “Second Split”, con un tema extra inédito.

No es que Galicia haya destacado precisamente por ser un punto geográfico referencial en lo que a aportación al género del Rock Progresivo se refiere, pero sí que la categoría sobresaliente de las bandas surgidas en el noroeste peninsular está fuera de toda duda. No hablamos de cantidad sino de calidad. NHU, Outeiro, Kozmic Muffin, In Nomine, o los que nos ocupan, los coruñeses Amoeba Split, destacan muy por encima de la media.

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Tras un primer y más que estimable disco, Dance of the Goodbyes (2010), en el que se integraban en un todo coherente buena parte de elementos del progresivo clásico sinfónico y de fusión, los Amoeba Split tardarían 6 años en publicar su segundo esfuerzo, Second Split, que ahora reeditan con la adición de un tema inédito en la etiqueta, también gallega de reciente creación, áMARXE Música. La banda está liderada en el aspecto compositivo por Ricardo Castro Varela (hammond, piano, moog, mellotron) y Alberto Villaroya López (bajo, moog, piano eléctrico y guitarra de 12 cuerdas), con la batería y percusión de Fernando Lamas completando el triunvirato creativo, e integrada asimismo por Rubén Salvador (trompeta, fliscorno), Pablo Añón (saxo alto) y Eduardo «Dubi» Baamonde (saxo tenor, flauta).

en percatarte de que su sonido es mucho más expansivo e igualmente plantea elegantes arreglos de cuerda de connotaciones camerísticas, como desgarra la arrolladora fuerza del sonido puramente analógico del Hammond o el Moog, siempre al quite en sorprendente arreglos, sobre los que se superpone una sección de vientos enloquecedora y protagónica que remite de igual modo al primer Chicago, como a Gilgamesh, David Shire, Lalo Schriffin o Mahavishnu Orchestra, y un bajo líder a lo Hugh Hopper a su paso por Soft Machine, que soporta todo el complejo andamiaje de este majestuoso edificio. No hay rellenos ni tiempos muertos, tampoco una cantidad excesiva de información que apabulle al oyente en los largos desarrollos de algunos de sus temas.

Amoeba Split y «Second Split», un disco que te atrapa Todo está perfectamente equilibrado, fluye con naturalidad, y conecta casi de inmediato con el “escuchante” que percibe esa sensación de cabeza fría y corazón caliente, tremenda complejidad instrumental y arreglista en la partitura combinada con una interpretación apasionada. Además, teniendo importantes invitados a vibráfono, teclados, un cuarteto de cuerdas, y la guitarra de 12 cuerdas de Félix Arias (Lovely Luna).

«Second Split», una reedición con un nuevo tema extra Second Split es un álbum en el que todo brilla, desde el exquisito y polifacético nivel compositivo, a la aportación de cada uno de los instrumentistas, sin olvidar el aspecto técnico de grabación, mezcla y masterización que aportan al álbum ese aroma retro, en el mejor sentido, de clasicismo, de producción cocinada a fuego lento hasta que la salsa ligue. Ubicados por la crítica acomodaticia en el género de fusión jazzrockera y psicodélica, o, lo que es lo mismo, estilo Canterbury, no tardarás

Desde los primeros compases de «Clockwise», Amoeba Split te atrapan en su red y ya no tienes escapatoria, y lo mejor de todo es que no quieres escapar. La primera edición del disco se agotó con relativa rapidez después de cosechar excelente críticas y diversos premios internacionales. Ahora tenemos una segunda oportunidad de hacernos con un álbum llamado a convertirse en todo un clásico de la música progresiva a nivel internacional. Además, con el regalo de un tema inédito, “News from Karelia”, de 5 minutos.

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ESTIVALIA

celebra una nueva edición 100% extremeñ

l pasado 20 de Julio se presentaba la nueva edición de Estivalia, uno de los programas estrella del verano que lleva a cabo la Diputación Provincial de Cáceres. Ésta será la XXXII edición de Estivalia que, a pesar de las dificultades debidas al Covid-19, se celebrará en 20 municipios de la provincia de Cáceres del 1 de Agosto al 17 de Septiembre. La Diputación de Cáceres ha mostrado su apoyo al sector cultural, y por ello en esta edición todas y cada una de las actuaciones estará protagonizada por artista, grupos y compañías de teatro exclusivamente extremeñas. El diputado de Cultura y Deportes, Fernando J. Grande Cano destacaba, durante la presentación del programa de Estivalia, el gran esfuerzo que todos los ayuntamientos llevarán a cabo para que todas las representaciones teatrales, y todos los conciertos, se lleven a cabo cumpliendo con el aforo reducido y con

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todas las medidas higiénico-sanitarias actuales. Las calurosas noches de verano serán amenizadas por música y teatro siempre en espacios al aire libre, independientemente del número de habitantes de las localidades en las que se lleven a cabo. Estivalia pasará en esta nueva edición por los municipios de Aceituna, Alagón del Río, Berzocana, Cachorrilla, Cañaveral, Castañar de Ibor, Gargantilla, Herguijuela, Herreruela, La Moheda de Gata, Montánchez, Oliva de Plasencia, Peraleda de la Mata, Riolobos, Saucedilla, Sierra de Fuentes, Tejeda de Tiétar, Valdastillas, Vegaviana y Villamesías. Disfrutaremos de diferentes estilos como el Folk, el Flamenco, el Jazz o la Copla, además de las distintas representaciones teatrales. Los grupos, artistas y compañías de teatro (todos extremeños) encargados de amenizar las

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noches de verano en esta edición de Estivalia serán Acetre, Alberto Moreno, Chamaleon Teatro, Compañía de Teatro Jesús Custodio, De Amarillo Producciones, El Efecto Verdolaga, El Pelujáncanu, Emulsión Teatro, Estela de María, EX3 Producciones, Familia Vargas, La Trupé Flamenca, Llares Folk, Manatial Folk, Panduro Producciones, Solima, Talandango y Vintage Sextet. Para que no te pierdas nada, aquí te dejamos todas las fechas, localidades y sus distintas actuaciones y representaciones teatrales. ¡Toma nota!

PROGRAMACIÓN ESTIVALIA 2020 1 de Agosto VEGAVIANA Manantial Folk (Folk) Lugar: Plaza a las 22:30h BERZOCANA Talandango (Folk) Lugar: Plaza España a las 23:00h

4 de Agosto ALAGÓN DEL RÍO La Troupé Flamenca Lugar: Plaza de los Ríos a las 22:30h VILLAMESÍAS Estela de María (Copla) Lugar: Atrio de la Iglesia a las 23:00h 6 de Agosto RIOLOBOS El Efecto Verdolaga (Folk) Lugar: Campo de fútbol a las 22:30h 7 de Agosto HERRERUELA Cía. Teatro Jesús Custodio “La Barraca” Lugar: Plaza de la Constitución a las 23:00h 8 de Agosto CACHORRILLA Vintage Sextet Music (Jazz) Lugar: Plaza de la Iglesia a las 23:00h ACEITUNA Solima (Copla) Lugar: Plaza de España a las 22:00h 9 de Agosto OLIVA DE PLASENCIA Alberto Moreno “Homenaje a Bambino” Lugar: Plaza del Llano a las 23:00h.

14 de Agosto LA MOHEDA DE GATA Chameleon Teatro “Me llamo Lola” Lugar: Plaza a las 23:00h 15 de Agosto TEJEDA DE TIÉTAR Acetre (Folk) Lugar: Plaza a las 22:30h 21 de Agosto PERALEDA DE LA MATA Emulsión Teatro “Enredos de Familia” Lugar: Plaza a las 22:30h 25 de Agosto HERGUIJUELA Familia Vargas (Flamenco) Lugar: Polideportivo a las 23:00h 29 de Agosto SAUCEDILLA Cerandeo (Folk) Lugar: Plaza a las 22:30h SIERRA DE FUENTES De Amarillo Producciones“El carro de los cómicos” Lugar: Plaza Mayor a las 22:30h 30 de Agosto GARGANTILLA El Pelujáncanu (Folk) Lugar: Plaza a las 22:00h 4 de Septiembre MONTÁNCHEZ Raquel Palma (Copla) Lugar: Plaza de España a las 22:30h 5 de Septiembre CASTAÑAR DE IBOR EX3 Producciones “Las Peregrinas” Lugar: Pista Roja Polideportivo a las 22:00h 6 de Septiembre VALDASTILLAS Llares Folk Lugar: Plaza a las 22:00 h. 7 de Septiembre CAÑAVERAL Panduro Producciones “El Princi-pato” Lugar: Plaza Ayuntamiento a las 21:00h

Más información en los siguientes enlaces: Web Diputación de Cáceres Facebook Diputación de Cáceres LaCarne Magazine

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Little Richard Buen viaje, mi reina!

a decíamos el mes pasado que Little Richard fue un personaje con letras mayúsculas (podéis ver la primera parte en Little Richard, a ritmo de Rock & Roll). Vamos a continuar las peripecias de su agitada vida para que veáis que no me quedo corta, e indagar un poco en su vida personal.

Little Richard, Buen viaje, mi reina!

Para nuestro artista, los 60 llegaron llenos de nuevas experiencias. Él ya tenía cierto renombre en la escena musical del momento, así que su popularidad le permitía viajar mucho.

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Little Richard siempre fue un tanto excéntrico (estaba un pelín tronaillo), y cuando fue invitado a Australia aseguró ver cómo los motores del avión estaban al rojo vivo, y que eran ángeles los que sostenían el avión. No contento con esta declaración, aseguró que tras la actuación vio una bola brillante de fuego en el cielo. Para él era una señal de Dios para que se arrepintiese por tocar música secular, y por su salvaje estilo de vida. Pero el colmo fue que, al regresar a EE.UU., le informaron de que el vuelo en el que debería haber viajado inicialmente se había estrellado en el pacífico…, para qué queremos más. Completamente convencido de que Dios le estaba mandando señales, hizo un concierto

de gira, y como protagonista indiscutible, con The Everly Brothers, Bo Didley y The Rolling Stones.

Los años 70

Con la llegada de los 70 y sus nuevos sonidos, Little Richard quedó un poco arrinconado, pero esto no amilanó a nuestro protagonista, que siguió y siguió jugando con la música. Fijaos, en esta época contrató a un joven Jimi Hendrix, la influencia de Little Richard en él es indiscutible. Sin embargo, nuestro protagonista sufría a causa de la industria musical, era muy consciente de que su calidad de negro le hacía no estar bien promocionado. No entendía cómo en EE.UU. siempre tocaba en lúgubres y oscuros clubes, cuando en Europa era tratado como un rey. Por eso se centró, casi únicamente, en espectáculos en directo, que con el tiempo se volvían más y más extravagantes. Los festivales de Rock se peleaban por tener al andrógino Little Richard en sus carteles. Sin embargo, a finales de los 70, afectado de problemas fónicos, decide abandonar el Rock and Roll y volver a la música evangélica. «de despedida», y se matriculó en el Oalwood College en Alabama para estudiar teología. ¿Cómo os quedáis? Pero la música no la abandonó. Pronto formó The Little Richard Evangelistic Team, con quienes recorrería todo el país predicando la palabra de Dios. Incluso sacó un disco, King Of The Gospel Singer. En 1962 es invitado junto a Sam Cooke a una gira por Europa. En un primer momento comenzó tocando Góspel, pero tras la actuación de Súper Sam le entró el gusanillo en el cuerpo, y en el segundo pase se arrancó con «Long Tall Sally», volviendo absolutamente loco al público. A la vuelta a EE.UU. se le había pasado el misticismo de golpe. Un año después estaba

Agobiado con problemas financieros, se ve obligado a volver a la actividad a mediados de los 80. Por primera vez en su carrera consiguió conciliar su parte evangélica con la rockera, y de esa buena comunión salieron grandes éxitos. Siguió y siguió, cantando, colaborando, actuando en películas, programas de televisión, shows de radio, por no hablar del mogollón de giras que se echó a la espalda. Y así siguió, entrando incansable en el nuevo siglo.

El incansable Little Richard

Sin embargo, en 2010 le operaron de una cadera y quedó bastante afectado, pero él siguió ofreciendo espectáculos cargados de puro fuego, y de un enorme evangelicismo que se acompañaba con muchísima sensualidad. LaCarne Magazine

Little Richard fue un personajazo, de eso no cabe duda. Desde pequeño siempre estuvo rodeado de mujeres, y de pequeño jugaba a vestirse como ellas, por lo que recibía enormes palizas de su padre. Durante su adolescencia mantuvo relaciones sexuales con ambos sexos, pero a los 15 años su padre le echó de casa por gay. Su vida sexual siempre fue bastante turbia, a menudo practicaba el vouyerismo con sus parejas. Fue realmente expulsado de Oakwood College por enrollarse con un estudiante, y en 1962 fue arrestado por espiar hombres que iban a mear a los baños de la estación de autobuses de Trailways, en California. Era muy asiduo a orgías. En los 80 afirmaba que Dios había curado su homosexualidad, incluso escribió un libro en donde la denominaba antinatural y contagiosa… Él se consideraba omnisexual (o pansexual). En cuanto al desbarre (que sé que os gusta, morbosillos), hasta mediados de los 60 fue un sano abstemio. Sin embargo, a partir de ahí empezó a ingerir grandes cantidades de alcohol, fumar yerba e inyectarse. En los 70 era un completo adicto a la cocaína, a la heroína y al PCP (polvo de ángel). Decía gastar una media de 1000$ diarios. Su vida siempre estuvo ligada a la religión. Siendo muy pequeño ya se autoproclamaba «sanador de la fe» a través del Góspel. Como ya hemos visto en otras entregas (Marvin Gaye, Aretha Franklin), nos encontramos con un tipo que vive atormentado por sí mismo, por la educación social y religiosa tan arraigada que tuvo y de la que no consiguió desprenderse, y que le llevaba a actuar compulsivamente y con patrones enfermizos. No debe ser fácil tener alma de pecador y cabeza de santurrón. Seguramente vivir en una encrucijada personal le hizo tener esa personalidad tan arrolla-

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dora. Siguió actuando hasta entrados los 80, hasta que su salud realmente dejó de permitírselo, y el pasado 20 de mayo su cuerpo ya no pudo más.

El legado de Little Richard

El legado de Little Richard es inmenso. Apodado The innovator, The Orginator o The Architect of R&R (apodos que se inventaba el mismo… Little Richard 1 Raperos 0), su música influenció a casi todos los posteriores sonidos de la música del Siglo XX. Pionero del Rock and Roll, pieza clave en la fusión de este con el Boogie Woogie de Nueva Orlenas, con el R&B, con el Góspel, con el Soul y el Funk…, así como a todos los artistas adscritos a estos estilos musicales. Introdujo las características que marcarían las pautas del Rock and Roll: el alto volumen, un estilo vocal donde se enfatiza la fuerza y el ritmo, uniformidad en todos los tiempos («Tutti Fruti» se convirtió en la base estándar de los sonidos rock, y cuyo testigo cogerá rápidamente Chuck Berry). Su estilo cantando también era bastante peculiar. Nunca antes nadie había sacado esos lamentos y gritos (algo que James Brown tendrá muy en cuenta, sólo tenéis que echarle un ojo a su brillante actuación en directo de «Please, Please Please»). Sus letras eran juguetonas, siempre referentes al sexo. Little Richard es una subida del voltaje al viejo R&B, y por eso es uno de los artistas cruzados (misma popularidad entre blancos y negros) más importantes de la historia de la música. Todo aquel que utilizaba un ritmo suyo, lo reconocía públicamente, porque musicalmente era muy respetado, y no nos extraña nada. Ha sido uno de los pocos artistas negros que ha tenido reconocimiento en vida. Por todo esto y por mucho más, no creemos que nadie en el mundo haya hecho tantos méritos para entrar por la puerta grande, tanto del cielo como del infierno. Buen viaje mi reina!

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West End Blues la fusión de dos géneros

Por Juan Manuel Pérez

ntes de entrar en materia acerca de West End Blues, repasaremos primeramente el contexto histórico-musical.

Contexto histórico de West End Blues

El desarrollo temprano del jazz es objeto de un amplio debate. Las evidencias registradas de los primeros años del siglo XX es escasa. Gran parte se proporcionó años después, y fue maquillada por los intereses de quienes las contaron. Sin embargo, está claro que las circunstancias particulares de Nueva Orleans en la segunda

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mitad del siglo XIX reunieron los elementos a partir de los cuales se desarrolló un nuevo estilo musical entre la comunidad negra. La importancia del río Mississippi como ruta comercial antes de la expansión de la red ferroviaria había traído empleos, riqueza, y una afluencia de inmigrantes. La población incluía descendientes negros de antiguos esclavos, colonos europeos (más españoles y franceses que del resto de Europa), y un importante grupo «criollo», un término que originalmente se refería a inmigrantes de segunda generación, pero que se aplicaba cada vez más a personas de raza mixta. La música estaba en todas partes en esta sociedad: especialmente canciones de trabajo y canciones de blues de ritmos africanos y ras-

media docena de teatros y salas de conciertos.

Louis Armstrong

Louis Armstrong reclamó una fecha icónica para su cumpleaños: 4 de julio (Día de la Independencia) de 1900. Una investigación reciente ha descubierto que modificó su acta de nacimiento al 4 de agosto de 1901. Su padre abandonó a la familia, y Armstrong fue criado por su abuela y luego por su madre, la cual se cree que trabajó en la prostitución. A los 7 años, comenzó a trabajar entregando carbón en el barrio rojo. Cuando tenía 12 años, fue arrestado por disparar el revólver de su padrastro en la calle en la víspera de Año Nuevo, y fue enviado durante 18 meses al Hogar para niños de Colourful Waif. Ya había comenzado a tocar corneta, tocando, entre otras músicas, composiciones de Bach, Haydn, Liszt, Rachmaninov y Mahler.

gos melódicos, e himnos con armonías europeas. Las bandas de metales y viento, sucesores de las bandas militares de la guerra civil, se entretuvieron en los salones de baile y las áreas recreativas al aire libre favoritas, como el lago Pontchartrain, cuyo «West End» dio su nombre al trabajo en discusión. Los grupos que tocan instrumentos de cuerda punteados e inclinados (mandolina, guitarra, violín y bajo) serenatan en fiestas privadas. Los pianistas tocaban ragtime en los bares y en el área de luz roja de Storyville, conocida simplemente por los residentes como «el Distrito». En el otro extremo de la escala social, se podían escuchar conciertos y óperas en una de

Después de su liberación, trabajó conduciendo un vagón de carbón y tocó con bandas en Nueva Orleans, especialmente en los barcos de vapor de Mississippi con Fate Marable, en la banda de Joe (más tarde ‘Rey’) Oliver y, cuando Oliver se mudó al norte de Chicago, con Kid Ory. El paso decisivo en su carrera tuvo lugar cuando Oliver lo invitó a unirse a su Creole Jazz Band en Chicago. A principios de la década de 1920, Armstrong dividió su tiempo entre Chicago y Nueva York, donde tocó en la banda de Fletcher Henderson. El jazz temprano se desarrolló en una atmósfera altamente cargada, tanto social como moralmente. Después de originarse en la comunidad negra del sur, el jazz se hizo cada vez más popular en los Estados Unidos, tanto entre el público blanco como entre el negro, y los músicos blancos pronto formaron sus propias bandas de jazz. LaCarne Magazine

La opinión pública vio los nuevos estilos musicales, y los bailes que los acompañaron en los salones de baile y los bares clandestinos de la prohibición estadounidense, con gran alarma. Ya en agosto de 1921, Anne Shaw Faulkner, jefa del Departamento de Música de la Federación General de Los Clubes de Mujeres, advirtió sobre la influencia maligna del jazz, y en particular «la influencia desmoralizadora del uso persistente de la síncopa, combinado con tonos parciales inarmónicos», que podría conducir a la incapacidad para «distinguir entre el bien y el mal, lo correcto y lo incorrecto». Además de la migración hacia el norte de músicos de jazz negro (parte de la Gran Migración que vio a un millón y medio de afroamericanos moverse hacia el norte entre 1915 y 1930), las mejoras en las técnicas de grabación durante la década de 1920 también fueron decisivas en la difusión del jazz temprano. Accesibles, portátiles y de calidad cada vez mejor, los registros de 78 rpm proporcionaron música que se podía escuchar repetidamente. Irónicamente, fue la Banda de Jazz Dixieland Original totalmente blanca la que abrió el mercado, haciendo sus primeras grabaciones en 1917. En ese período, el repertorio de la banda consistía en gran parte en bailes modernos, a diferencia de la melancólica tradición de la voz. West End Blues ilustra la fusión de los dos géneros, con instrumentistas solistas que combinan virtuosismo con un estilo vocal expresivo. Hot Five, de Louis Armstrong, era un grupo solo de estudio, que se reunió por primera vez en 1925 para hacer discos para el sello Okeh. Armstrong fue el único miembro del Hot Five original que tocó en la sesión de 1928 que creó el West End Blues. El nuevo grupo incluía a Jimmy Strong (clarinete), Fred Robinson (trombón), Earl Hines (piano), Mancy Carr (banjo) y, en realidad, un sexteto, Zutty Singleton (percusión).

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West End Blues fue una composición de blues de 12 compases de Joe ‘King’ Oliver con palabras añadidas posteriormente por Clarence Williams. Fue reproducida por los Dixie Syncopators de Oliver, y grabada por ellos el 11 de junio de 1928. La versión de Armstrong fue grabada poco más de quince días después, el 28 de junio. Armstrong estableció nuevos estándares, que otras bandas pronto imitarían. La evidencia sorprendente del impacto que hizo proviene del propio ‘Rey’ Oliver: el 16 de enero de 1929, Oliver volvió a grabar la pieza, reproduciendo lo más cerca posible los solos de trompeta y piano de Armstrong y Hines, interpretados en este caso por Louis Metcalfe y Luis Russell, respectivamente.

WEST END BLUES

West End Blues utiliza una típica línea de trompeta, clarinete y trombón de Nueva Orleans, con una sección rítmica de piano, banjo y percusión. Armstrong fue un líder en el alejamiento del antiguo estilo de contrapunto de jazz de Nueva Orleans, con sus líneas entrelazadas para

El solo de trompeta final se interrumpe a mitad de la secuencia, pero el patrón de blues continúa, con el piano solo y la coda creando una extensión de la forma de 12 compases.

TONALIDAD Y ARMONIA

La obra está compuesta en Mi bemol mayor, sin que haya ningún tipo de modulación durante su transcurso. Estructura de acordes de 12 compases con acordes de sustitución, basados en el patrón: I: I: I: I: IV: IV: I: I: V: V: I: I / V En la coda hay una secuencia descendente basada en el acorde VI (do menor), sobre un pedal dominante, aterrizando en un séptimo grado disminuido invertido en F.

clarinete, trompeta y trombón, hacia un estilo dominado por solistas. Una banda de baile en vivo típicamente incluiría un bajo de cuerda o una tuba para reforzar el ritmo (como en la grabación original de Oliver). Las condiciones de estudio permitieron a Armstrong prescindir de esto, poniendo aún más énfasis en los instrumentos solistas. Durante el solo de clarinete, Armstrong presenta el canto scat: vocalización sin palabras. A menudo se le atribuye a Armstrong su origen en su influyente grabación de 1926 de «Heebie Jeebies», pero hubo ejemplos anteriores.

ESTRUCTURA de West End Blues

Blues de 12 compases, cinco coros de largo, con dos cepas contrastantes, introducción y coda. En la versión vocal las dos cepas se alternan claramente, pero en la versión de Armstrong, el solo de piano de Hines no hace referencia a la melodía de la cepa 2, presentada por el trombón en las barras 18-30.

Los últimos tres acordes forman una variante cromática de una cadencia plagal.

MELODÍA

Las líneas melódicas en West End Blues varían en función del músico en el que nos fijemos. Las líneas de piano y trompeta acrobáticas de Armstrong y Hines tienen carácteres diferentes, y ambos están en marcado contraste con los contornos mucho más suaves de los solos para trombón y clarinete de Robinson y Strong. Las melodías de blues se caracterizan por notas o frases que están «fuera de sintonía» con los cambios en la armonía del fondo, ya sea persistiendo como disonancia contra un nuevo acorde, o anticipando una resolución. Este efecto se escucha en el West End Blues en el plano de tónica persistente, contra la armonía dominante y espectacularmente en el compás 59, donde el plano B alto persiste a través del cambio de acorde, como el punto de partida repetido para la improvisación de Armstrong. La improvisación de Armstrong combina técnicas aprendidas de músicos de jazz (trompetisLaCarne Magazine

tas y clarinetistas) con influencias de la ópera. Armstrong incluyó arias de ópera en su primera colección de discos, y frecuentemente citaba arias populares y otras canciones conocidas en sus pausas en solitario. Armstrong también podría haber escuchado el florecimiento italiano inspirado en la ópera de la música de piano romántica, evidente en la música de Thalberg (un destacado virtuoso del piano del siglo XIX) y Chopin. Estas diversas influencias se pueden ver en el uso de saltos de una octava o más, el equilibrio en notas muy altas antes de un descenso, la mezcla de decoración diatónica y cromática, los ascensos y descensos de curvatura irregular, la prevalencia de apoyaturas, la subdivisión libre del ritmo en grupos rítmicos irregulares, y la incorporación de figuras mordentes.

TEXTURA

Monofónico al inicio (compases 1-6). Posteriormente, melodía y acompañamiento (homofonía dominada por la melodía). Acompañamiento típico de acordes repetidos para banjo y piano, a veces con líneas de acompañamiento de movimiento lento para clarinete y trombón con «rellenos» ocasionales. Terceras paralelas entre trompeta y clarinete (compases 8-9), y tritonos paralelos entre clarinete y voz en el cambio cromático (compás 41). Antifonía entre clarinete y voz scat (compases 31-42). Pedal dominante en los compases 6466.

RITMO

Swing es un término de jazz muy debatido. Como dice la canción de 1931 de Duke Ellington, «No significa nada si no tiene ese swing». A Louis Armstrong se le atribuye la introducción del swing en el jazz (Norton online Jazz). Cuando se le pidió al trompetista Cootie Wi-

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lliams que definiera el swing, dijo que prefería «tratar de describir la teoría de Einstein». El swing se escucha más obviamente en el ritmo largo y corto en el que se subdividen los latidos, más o menos equivalente a grupos repetidos de temblores en el tiempo compuesto. Se anota como temblores o (como en esta transcripción) como temblor-semicubierto punteado. Sin embargo, los músicos que usan swing también anticipan (‘empujar’) o retrasan (‘inclinarse’) las notas para aumentar la calidad expresiva y ‘oral’ de la frase, y para formar grupos de tres o cuatro notas con rubato en lugar de tocar en tiempo metronómico. Las variaciones en la acentuación también contribuyen a la sensación de oscilación. En West End Blues, con su ritmo oscilante y su estilo expresivo de interpretación y vocalización, la síncopa toma formas más variadas. Muchas frases terminan con una nota poco convencional extendida de manera persistente. También en la sección de scat encontramos compases sin síncopa, y compases con síncopas en la mitad de la frase. La misma mezcla se puede encontrar en el solo de trombón, compases 19-30. En ambos pasajes, todas las síncopas ocurren cuando la frase desaparece, en lugar de alcanzar su punto máximo. Los pocos momentos de sincopación en el solo de piano, de manera similar, ocurren hacia el final de las frases.

BIBLIOGRAFIA

Feather, Leonard (August 21, 1987). From Satchmo to Miles. Tirro, Frank (2001). Historia del jazz clásico. Cogswell, Michael. Armastrong: The Offstage Story. Ted Gioia, The History of Jazz (Oxford, 1997).

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egresa a Cáceres uno de los programas estrella de la Diputación de Cáceres. Los Conciertos de Pedrilla se celebrarán del 17 de julio al 21 de agosto. Así lo comunicaba la presidenta de la Diputación, Charo Cordero, y el Diputado de Cultura, Fernando J. Grande Cano, en su presentación el pasado 1 de julio en los jardines de la Casa Museo Guayasamín.

Vuelven Los Conciertos de Pedrilla con todas las medidas de seguridad

Según la propia presidenta, sólo se han modificado las fechas en el calendario, ya que, desde la propia Diputación de Cáceres, se comprometieron a no suspender ningún evento cultural. Eso sí, esta edición de Los Conciertos de Pedrilla se celebrará con todas las medidas de seguridad necesarias. Por ese motivo, en esta edición no se entregarán programas de mano como en ediciones anteriores. En esta ocasión, se podrá descargar a través del código QR que aparece en los carteles. También, como medida de seguridad, sólo se podrá asistir a las actuaciones con invitación previa. Habrá 350 localidades, y las invitaciones podrán recogerse en la propia Casa Museo Guayasamín (que dispondrá de un total de 100 invitaciones), y el resto (250 invitaciones) a través del enlace que Diputación ha puesto a disposición de todos los ciudadan@s:

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https://brocense.dip-caceres.es/events/event/ Como cada verano, los habitantes de Cáceres y su provincia podrán disfrutar de la música en directo durante todos los viernes del 17 de julio al 21 de agosto. Los conciertos del mes de julio darán comienzo a las 22:30h, y en el mes de agosto, a las 22:00h, teniendo en cuenta que habrá que acceder al recinto una hora antes como medida de seguridad. En esta especial edición de Los Conciertos de Pedrilla, disfrutaremos de la cultura y la música en directo en un fantástico escenario al aire libre, como lo son los jardines del Museo Casa Guayasamín. Blues, Flamenco, Fusión, y Reggae llenarán de música las calurosas noches de verano todos los viernes de julio y agosto. No os perdáis la programación de esta nueva edición de Los Conciertos de Pedrilla.

JARDINES DEL MUSEO PEDRILLA Acceso con invitación

*Nota aclaratoria: las invitaciones sólo se podrán solicitar durante la misma semana del evento. JULIO (a las 22:30h) 17 de julio – Rubén Rubio (Fusión) 24 de julio – Flor de Canela (Fusión) 31 de julio – High Paw Ft. Cool Up Records & The Sherlock Horns (Reggae)

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AGOSTO (a las 22:00h) 7 agosto – Antonio Rey (Flamenco) 14 agosto – John Lee Sanders Blues Band (Blues) 21 agosto – La Selva Sur (Fusión)

SOBRE LOS GRUPOS

mos la programación completa, y toda la información de los artistas que pasarán por esta edición de Los Conciertos de Pedrilla.

RUBEN RUBIO

(FUSIÓN) – 17 DE JULIO A LAS 22:30H

Los habitantes de Cáceres podrán disfrutar, un año más, de una nueva edición de Los Conciertos de Pedrilla del 17 de julio al 21 de agosto.

El bajista cacereño Rubén Rubio fusiona el jazz con el funk, el latin, el rock, e incluso ciertas pinceladas de flamenco, todo ello en un directo muy enérgico y con alta carga positiva.

A pesar de la crisis sanitaria, la Diputación de Cáceres se ha comprometido con la cultura y con los ciudadan@s adaptando el calendario en lugar de cancelar los eventos culturales. los conciertos de pedrilla

Ha recibido numerosos premios a nivel nacional por su trabajo “Biondo”, lidera su propia banda con la que ha recorrido gran parte de la geografía española y ha participado además en numerosos festivales.

Los Conciertos de Pedrilla se celebrarán un año más en los jardines de la Casa Museo Pedrilla, pero con algunas novedades. Por motivos de seguridad, el aforo estará limitado a 350 localidades, y sólo se podrá asistir previa invitación, que se podrán recoger en la Casa Museo Pedrilla (100 invitaciones) o bien solicitarla a través del enlace https://brocense.dip-caceres.es/events/event/ (250 invitaciones).

Ha trabajado con grandes artistas como Miguel Ríos, Ana Belén, Pasión Vega, Julián Maeso, Inma Serrano, Javier Vargas, Oscar Oceransky, Pedro Guerra, Javier Álvarez, Chenoa, Hilario Camacho, Jeanette y Raimundo Amador entre otros muchos.

*Nota aclaratoria: las invitaciones sólo podrán solicitarse durante la misma semana del concierto La programación completa no se entragará en mano, como en ediciones anteriores, por los mismos motivos de seguridad, pero podréis consultarla y descargarla a través del código QR que aparece en el cartel. El horario de las actuaciones será a las 22:30h durante julio, y a las 22:00h durante agosto. Os recordamos que habrá que acceder a las instalaciones de los Jardines de Pedrilla una hora antes como medida de seguridad. Un año más, y pese a la pandemia del COVID-19, podremos disfrutar de la cultura y la música en directo durante las noches estivales todos los viernes de julio y agosto. Y para que no os pierdas nada, aquí os deja-

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En esta ocasión podremos disfrutar de su espectacular directo en Los Conciertos de Pedrilla en el que nos presentará su nuevo y más reciente trabajo que lleva por título “Inexorable”. Para ello se acompañará de una banda compuesta por algunos de los músicos extremeños de gran talento como son David Lerman González (Saxo). Antonio Pintor (Batería) y Alberto Barrero (Guitarra). Facebook Website Twitter

FLOR DE CANELA

(FUSIÓN) – 24 DE JULIO A LAS 22:30H Núria Balaguer (voz), Paula Vegas (piano y coros), Xerach Peñate (batería y coros) y Marta Bautista (contrabajo, bajo eléctrico y coros) son las integrantes de Flor de Canela. Su sonido se caracteriza principalmente por influencias del jazz que además fusionan con

folclore latinoamericano, pop, rumba o soul entre otros. Un mestizaje de sonidos que hacen de Flor de Canela una banda con estilo propio. Han pasado por grandes festivales como la XXI Edición del Festival Fetal, el Festival Jazz en los Distritos de Madrid, en el Música Als Parcs de Barcelona, Huesca es Jazz, Sala Galileo Galilei (Madrid), Universidad de Valladolid, Festival Gigante y Womad LPGC. En 2019 presentaron un Ep de cinco temas en el que contaron con la producción de Juanma Latorre, guitarrista y compositor del grupo Vetusta Morla. Este año han estado presentando su directo en los conciertos de Radio3 En sus directos la banda explota todo su potencial y hacen de las improvisaciones su sello más personal. Podréis comprobar la gran calidad del directo de Flor de Canela en Los Conciertos de Pedrilla. Website Facebook YouTube

HIGH PAW FT. COOL UP RECORDS & THE SHERLOCK HORNS

(REGGAE) – 31 DE JULIO A LAS 22:30H High Paw (cantante y MC) se acompaña de una gran banda para mostrarnos un espectáculo potente e variado, donde viajamos desde los ritmos cálidos de Jamaica como el rocksteady hasta sonidos más modernos como el hip-hop. Solid As The Clock (2020) es el primer LP en solitario de la cantante gallega High Paw. El álbum vio la luz oficialmente el 17 de Marzo. El disco consta de 7 canciones y un “bonus track en el que High Paw trata diferentes temáticas e inquietudes sobre ritmos de Digital Reggae y Rub a Dub. Evocando a las elegantes y reivindicativas dj de los 80, nos encontramos ante un disco muy divertido pero también muy crítico, con estribillos pegadizos y versos con líricas contun-

dentes. Os aseguramos que la noche del 31 de julio disfrutaremos a lo grande del directo de esta gran banda y del estilo reggae en Los Conciertos de Pedrilla. ¡No te lo puedes perder! Facebook

ANTONIO REY

(FLAMENCO) – 7 DE AGOSTO A LAS 22:00H Defensor acérrimo de la tradición de la guitarra en solitario, Antonio Rey se mueve con soltura entre taranta, la soleá y la guajira. “Dos partes de mí”, es el espectáculo que el músico nos presenta en formato quinteto, en el que hace referencia a su origen flamenco y su destino paralelo como músico universal. Este concierto nos permite asomarnos al insólito mundo sonoro de Antonio Rey: un lugar donde se encuentran la rigidez de la tradición jonda y la soltura expresiva del jazz, donde se abrazan Andalucía y África. En este espectáculo se acompaña por grandes artistas como Toni Rey (segunda guitarra) Mara Rey (voz y palmas) José Rey (percusión y coros) y Óscar de los Reyes (bailaor) Antonio Rey se corona en este espectáculo como Midas de su tierra, para enriquecer a los presentes con su cofre del tesoro, que es su guitarra. No te pierdas su espectacular directo el primer viernes de agosto en Los Conciertos de Pedrilla. Facebook

JOHN LEE SANDERS BLUES BAND

(BLUES) – 14 DE AGOSTO A LAS 22:00H El norteamericano John Lee Sanders es cantante, compositor, guitarrista, saxofonista, pianista y compositor. Un músico muy completo que ha trabajado con grandes leyendas de la música de los últimos LaCarne Magazine

cincuenta años como Steve Wonder, Chuck Berry o Jimmy Page entre otros muchos. En la actualidad este gran músico se acompaña de una la gran banda The Blues Messengers, formada por Akin Onasanya (batería), Álvaro Fernández “Dr. Robelto” (bajo), Pablo Hernández (saxo) y Gecko Turner (guitarra y percusión).

especial conciertos

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Si sois unos apasionados del Blues, no os podéis perder el directo de John Lee Sanders el próximo 14 de agosto en Los Conciertos de Pedrilla. Website Facebook Twitter

LA SELVA SUR

(FUSIÓN) – 21 DE AGOSTO A LAS 22:00H Para cerrar esta edición de Los Conciertos de Pedrilla a lo grande, disfrutaremos del directo vibrante, festivo, singular y personal, repleto de letras sinceras y comprometidas de la banda sevillana La Selva Sur. Podremos disfrutar de su último trabajo “La gran orquesta kamastrónica de la zanfoña galáctica» en el que nos proponen con sus 11 temas un viaje transoceánico por lugares como La Habana, Kingston, Nueva Orleáns, Bucarest, Londres, Belgrado o Jerez. La Selva Sur ponen el broche final a esta edición de Los Conciertos de Pedrilla con su música y reflexión a ritmo de swing, reggae, ska, frenesí balcánico, salsa, rap y lo que se les ponga por delante, con matices sureños, aires de tropa gitana, cenefas de scratch o guiños soul, donde le cantan al amor a la esperanza y a la tierra.

l viernes, 17 de Julio, Rubén Rubio abrió esta nueva edición de Los Conciertos de Pedrilla, en el que nos presentó su más reciente trabajo, Inexorable.

Difrutemos de este último concierto con la fiesta que nos tienen preparada La Selva Sur el 21 de agosto en Los Conciertos de Pedrilla.

Queríamos saber más sobre su nuevo disco, y sobre este primer concierto que, a pesar de la crisis sanitaria, se llevará a cabo en un marco incomparable como lo son Los Jardines del Pedrilla. Eso sí, con todas las medidas de seguridad.

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Sin más, os dejamos con Rubén Rubio para que él mismo os cuente más acerca de este concierto, y sobre su nuevo trabajo, Inexora-

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bio

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Rubén Rubio en Los Conciertos de Pedrilla

Rubén Rubio, ¡qué ganas teníamos de hablar contigo! Has estrenado tu nuevo trabajo, Inexorable, y queremos que nos cuentes cómo ha sido acogido. ¿Qué críticas has recibido hasta ahora? Hola a todos! La verdad es que todavía es un poco pronto para valorar las reacciones, ya que todavía no he tenido tiempo de hacer los envíos del disco, y tan sólo se ha podido escuchar un tema del que se ha hecho un videoclip.

El single ha sido «Chrono», y la acogida de ese tema ha sido muy buena, pero habrá que esperar un poco más a que la gente tenga el disco y lo escuche. Sabemos que comparar un trabajo anterior con uno nuevo no es fácil, pero dinos, en cuanto a composición y grabación, ¿qué tiene de diferente Inexorable de tu anterior trabajo, Biondo? ¿Qué músicos te han acompañado en Inexorable? Pienso que la diferencia principal ha sido el paso de estos años, y lo que en mí hayan influido.

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Los temas están más pensados, la instrumentación es más variada, además de muchos más colaboradores que en Biondo. Hay más de 30: Celia Romero, Juanlu García, Javier Sánchez, Woody amores, Roberto Elekes, Miguel Lamas, David Lerman, Kin Rivera Jr, Hector Alviz, Vahan Sofyan, Jose Luis Congosto, Manuel Pérez, Jorge Suarez, Luis Verde, Jorge Pérez “Patax”, Luis Regidor, Moises Porro, Pepe Rincón, Marcos Liviano, Enriquito, Álvaro Rodríguez, Javier Abril, Cope Gutiérrez, Ivan Melón, Emilio Ibañez, Miriam Solís, Mario Carrión, Javi Marciano, Juanjo Frontela, Amed Torrecilla, Alberto Barrero y Jorge Cid. Cuéntanos un poco más sobre Inexorable. ¿Es un disco conceptual? ¿Qué vamos a encontrarnos en él? Pues sí, todos los temas del disco están o van en relación al fenómeno tiempo. Eso que se nos escapa entre los dedos y que nunca para. Por eso es Inexorable. Algo que al final a todos nos afecta, para bien o para mal. En Inexorable hay 14 cortes. Hay temas más Jazz, otros más Funk, un poquito de Rock, alguno más aflamencado, alguno más cercano al Folk o al Pop.

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También he buscado que alguno de ellos tenga una continuación con temas del disco anterior y tengan cierta similitud. Por otro lado, podemos encontrar temas que se acercan más a la BSO de una película que otra cosa… En concreto hay tres que se desarrollan básicamente sobre un mismo motivo rítmico y sus variaciones. Se titula “El tiempo en contra”, y está divididos en tres partes. En general, el disco es un poco una mezcla de todas las cosas que me van influyendo. ¿Qué ha sido para ti lo más complicado a la hora de hacer este disco? ¿Cuánto tiempo le has dedicado hasta que lo finalizaste? De este disco, lo más complicado ha sido poner de acuerdo a tantísima gente, ya que han participado más de 30, pero ha habido otros 10 o más que estuvieron apunto en algún momento, o participaron en la producción. El proceso ha sido al contrario que con Biondo, que fue muy corto porque fueron pocos meses. En el caso de Inexorable han sido casi dos años. Este viernes, 17 de julio, serás el encargado de abrir Los Conciertos de Pedrilla, propues-

ta cultural llevada a cabo por Diputación de Cáceres, e imaginamos que nos presentarás Inexorable en directo. ¿Qué nos espera a los que vayamos a verte? ¿Cómo te estás preparando para este directo? Principalmente, lo que me gustaría que se llevase la gente del concierto es la sensación de haber pasado un rato agradable, que hayan disfrutado con con lo que allí hayamos contado en el escenario, y que tengan ganas de repetir. Encima del escenario estarán acompañándome Juanjo Frontela a la batería, Alberto Barrero a la guitarra, David Lerman al Saxo, Pepe Rincón a la Trompeta, y Álvaro Rodríguez al teclado. ¿Es tu primera vez en Los Conciertos de Pedrilla? ¿Cómo ves esta iniciativa antes de, y tras la pandemia del Covid-19? Este escenario no es nuevo para mí. He tocado en él dos o tres ocasiones con anterioridad, aunque ésta será la primera que lo haga como solista. El lugar es mágico. Esta iniciativa la veo muy positiva, ya que sirve para abrir camino a la música en directo en esta nueva normalidad, y que todos vean que la cultura puede seguir programándose a pesar de esta situación.

Afortunadamente, algunos conciertos como éste se llevarán a cabo (y con medidas de seguridad), pero la crisis sanitaria ha afectado a muchos sectores, especialmente al de la cultura y la música. ¿Cómo te ha afectado a ti particularmente ahora que tienes un nuevo disco para presentar en directo? Además de este concierto, ¿tienes fechas cerradas, pospuestas, canceladas…? Esta crisis sanitaria me hizo valorar en muchas ocasiones si seguir adelante con el lanzamiento o dejarlo para cuando todo volviese a la normalidad. Sin embargo, viendo que iba para largo, decidí arriesgar y sacarlo de todas maneras, pese a saber que no iba a tener muchas oportunidades de tocarlo en directo. Pero, sorprendentemente, al poco tiempo de lanzar el crowdfunding y ponerle fecha de salida, comenzaron a salir actuaciones y gente interesada en presentarlo, así es que estoy muy contento. En general, entre mi proyecto y otros con los que trabajo, tengo unas cuantas fechas cerradas, pocas para la época en la que estamos. Pospuestas hay también unas cuantas, y canceladas ha habido muchísimas por desgracia. Seguro que, como cada año, el Pedrilla estará hasta arriba de público. Esperamos que el sector de la música y la cultura vuelva a reactivarse cuanto antes. Rubén Rubio, te deseamos mucha suerte y mucho éxito con Inexorable. Gracias por tu tiempo y un fuerte abrazo. Muchas gracias a vosotros por este ratito, y gracias también a Diputación de Cáceres, no sólo por contar conmigo, que estoy encantado y me siento muy afortunado, sino por continuar con toda la programación e intentar que nuestro sector no caiga aún más. Un saludo para todos, y espero veros pronto en alguno de mis conciertos.

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especial conciertos de pedrilla

High Paw FT. Cool up records & The Sherlock Horns

l 31 de Julio, esperamos que no os perdiérais el conciertazo de High Paw FT. Cool up records & The Sherlock Horns en Los Conciertos de Pedrilla, organizado por la Diputación de Cáceres. Letras irónicas, y mucho, mucho reggae para la noche del viernes. La cantante de Vigo, High Paw, llegará acompañada de la banda Elephants Yard para presentarnos su último trabajo, Solid as The Clock. Hemos hablado con High Paw sobre este último disco, sobre la banda Cool up records & The Sherlock Horns, y muchas otras cosas

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más. No te pierdas todo lo que nos ha contado.

High Paw FT. Cool up records & The Sherlock Horns en Los Conciertos de Pedrilla

¿Qué tal estás, Pau? Un placer hablar contigo. Cuéntanos un poco tu historia con la música, y en especial con el Reggae y el Soul. ¿Cómo fueron tus comienzos y posterior evolución? El placer es mío. Gracias por apoyar el proyecto. Mi historia con la música es antigua. Mis padres siempre escucharon y vivieron la música de manera intensa, y tengo muchos

el origen de todo esto en la isla de Jamaica. Hasta que con 21 años me metí de pleno (en aquella época escuchaba sobre todo Roots) en la cultura del Reggae, adaptando mis letras en riddims. Sueles acompañarte por los chicos de la banda Elephants Yards. Háblanos de ellos. ¿Quiénes componen esta banda y cómo llegaste a ellos? Elephants Yard somos un colectivo de Vigo que surge alrededor del estudio The Dub Yard. Este estudio, que regenta Javi (el bajista), es un poco un punto caliente de encuentro de músicos y otros agentes de la cultura Reggae. Empezamos montando un repertorio de clásicos de Reggae, y a partir de ahí funcionamos en colectivo y por proyectos.

Foto por Oscar Rodríguez

recuerdos de mis padres disfrutando de todos los estilos en casa, en el coche…, con lo cual en mi casa ya me rodeé de diferentes sonidos y formas de utilizar la voz (opera, Sara Vaughan, Otis Redding…), y me gustaba probar. La actitud de lxs cantantxs al contarte el mensaje, y cómo calaba éste en mí me fascinaba, me atravesaba. Con 15 años teníamos con amigos una banda de Punk Rock, y ahí ya me planteaba dedicarme a esto en exclusiva. Desde esta época más punki ya venía escuchando Rocksteady, Ska e investigando sobre

Las personas que conformamos esta célula estamos musicalmente activas en varias bandas: Ricardo Mourinho (baterista) es además cantante de Natural Green ,y es gaiteiro y flautista de Folk; El Sutta (guitarrista) es además productor de dub y cantante de Calypso; Laura Mercy (corista) viene siempre conmigo, también con el formato con DJ; Zalo toca las teclas en bandas de Funk, y es arreglista de otros proyectos; Javi (bajista) tocó en proyectos como Zamaramandi o Transilvanians, que son parte de la semilla del Reggae galego; Rui toca la percusión y la batería en bandas de Reggae, además de cantar; Pedro es el saxofonista, y además es guitarrista y gaiteiro en grupos de Folk; y Héctor es trombonista en varias bandas de Reggae, Ska y Punk. Cuando se trata de mis letras o mis canciones, y el repertorio es ése, nos llamamos High Paw y Elephants Yard. Sin embargo, hemos actuado de backing band de Vivian Jones, por ejemplo, como colectivo Elephants Yard y, como hay varios cantantes en el colectivo, a veces hacemos sets especiales para acompañarlos. Hace unos meses salió a la luz tu último trabajo en solitario Solid As The Clock, en colaboración con Cool Up Records.Dinos, ¿qué vamos a encontrarnos en este trabajo? ¿Qué imporLaCarne Magazine

tancia ha tenido para ti este sello discográfico y qué ha significado para High Paw? Este trabajo es el resultado de dos encuentros en El Coronil, Sevilla, con el sello Cool Up. Con sonido Rub a Dub, y letras irónicas que presentan problemáticas que me parecen relevantes, hemos empacado 8 canciones con una portada del genial Mr.John Vanilla, diseñador del sello. Está editado en vinilo y CD, con lo cual fue una apuesta potente porque veíamos claro que el trabajo estaba muy bonito. La verdad es que surgió todo de manera muy natural cuando bajé a Sevilla para tocar invitada por ellos. En el estudio hubo muchas ideas y decidimos darle la forma de disco, completando con otra sesión de 4 días de estudio un par de meses más adelante. Son unos chavales hiper majos, dispuestos a hacer las cosas con gusto, y que trabajan muy bien distribuyendo su música, con lo cual no me quise resistir. También has contado en el disco con la colaboración del cantante Payoh SoulRebel. ¿Os conocíais de antes? ¿Cómo ha sido trabajar con él? No conozco personalmente al Payoh, pero es un cantante que admiro desde hace tiempo por su talento musical super versátil y su voz

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de Soulman, que, como decía al principio, me cuenta cosas de una forma que me atraviesa. Como el suele trabajar con Cool Up, estábamos haciendo el disco, y se puso sobre la mesa la colaboración. La idea caló y surgió «Process», una letra que anima a disfrutar del camino y a valorar cada paso hacia el objetivo, que además puede ir cambiando por el mismo camino… Tenemos muchas ganas de verte el próximo viernes 31 de julio en Los Conciertos de Pedrilla. Cuéntanos qué tienes preparado para este concierto y quiénes te acompañarán. ¡¡Ganas tengo yo de veros!! Para este concierto, en el que presentaremos Solid as The Clock, vamos una tropa Cool Up: Tenor Mario, uno de los dos productores del sello, es además cantante; Franyah, el otro productor, selectah y coleccionista del sello; la sección de vientos, The Sherlock Horns, está compuesta por dos instrumentistas cacereños hiper prolíficos que son Toni Martin y Pedro Caballero, trombón y saxofón respectivamente. Al parecer se vendieron todas las entradas, con lo cual estamos con los nervios y la emoción que esto requiere!! Los Conciertos de Pedrilla es una gran iniciativa y un gran apoyo al sector de la música y la cultura tras la pandemia del Covid-19. ¿Qué

te parece este tipo de programas? ¿Crees que se pueden seguir haciendo conciertos de forma segura en la actualidad? Creo que la programación y oferta cultural han sufrido en esta coyuntura la consecuencias directas del poco cuidado y valoración que se tienen por el trabajo en Cultura en el territorio español. Siendo sinceras con nosotras mismas, tendríamos que admitir el impacto emocional al acudir a un concierto o espectáculo artístico cualquiera, y, poniendo ese cuidado emocional como prioritario, no abandonar ni relegar la promoción de esos espectáculos a su suerte. La Cultura es segura, porque ninguna persona o promotora va a obviar protocolos, ni medidas de seguridad sabiendo que eso perpetuaría el estigma que ya sufrimos en el mundo del espectáculo (al no considerársenos personas trabajadoras como el resto, vida nocturna, Cultura en segundo plano y no como algo vital…).

llevarme las manos a la cabeza y aprovechar para hacer trabajo de estudio, para el cual no suelo tener tanto tiempo. Así que estamos acabando de darle forma a un nuevo EP con la banda. El sector musical creo que, como siempre, se irá adaptando a las circunstancias con un modus operandi cortoplacista y clasista. Por desgracia, me da la sensación de que agentes potentes en la industria musical tendrían que renunciar a mucho para que la cosa mejorara para todas. Y creo que ya, en una situación normal, no se lo plantearon, así que ahora que todo está en el aire, menos. ¿Habrá próximos conciertos de High Paw dentro o fuera de España? ¿Cómo se presenta para ti el futuro cercano? Como decía, estoy un poco sin esperar nada, y van surgiendo conciertos por el país galego y alguna excursión como ésta a Cáceres.

Iniciativas como ésta son oasis muy necesarios para que la gente que trabajamos presentando espectáculos podamos continuar nuestra vida.

La incertidumbre (aunque las personas que nos dedicamos a la música solemos lidiar con ella), que en este caso es horizontal, hace que las expectativas se hayan relajado.

Además, la apuesta por estilos como el Reggae, que sigue siendo aquí bastante underground, hace del ciclo algo muy interesante por acercar a estos espacios diversas formas de entender la música.

Para mí no es un problema porque vivo de manera humilde, y no tengo muchas responsabilidades, entonces soy privilegiada, y me puedo permitir una actitud animada sin dejar de inventar cousiñas para ir sobreviviendo.

Tras esta crisis sanitaria, es una buena señal (tanto para artistas como para el público) que se sigan haciendo conciertos y se siga apostando por la cultura. En tu caso, y en cuanto a lo musical, ¿cómo te ha afectado? ¿Cómo crees que irá el sector musical de ahora en adelante? Como les pasó al resto de mis compañeras, mi agenda de conciertos se llenó de tachones, y las perspectivas del año se adaptaron a una realidad bastante oscura.

Muchas gracias por tu tiempo, Pau. Te deseamos mucha suerte y éxito y, ¡qué tu música no pare! ¡Un fuerte abrazo! Gracias a vos por el trabajo de recopilación y difusión que nos da a conocer, y nos ayuda a seguir luchando al sentir apoyos.

Personalmente soy una artista muy activa en directo, y venía con un ritmo de conciertos bastante bueno en verano, pero, ante la cancelación de muchísimos eventos, decidí no

Y gracias a la gente que lee y curiosea, que se acerca a un concierto sin conocer al grupo, que apuesta, y apoya los proyectos locales, y que sigue dejándose ir con las experiencias musicales. ¡¡¡ Unha aperta forte, un amor¡¡¡

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Soldados Urbanos rap boliviano en Argentina

Soldados Urbanos, rap boliviano en Argentina

onocí en persona a Iván Real aka Dr. Ivas, del grupo Soldados Urbanos, a mediados del 2015 en el proyecto “HIP HOP en mi Barrio”, evento organizado en La Paz, Bolivia, por la O-KRU. Acababa de regresar de Argentina, donde cimentó el proyecto musical junto a su hermano Farit aka Fardbeats y otros compatriotas. En exclusiva para LaCarne Magazine, conversamos junto a uno de los hip hopperos más activos de la Nación Boliviana del Rap.

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Dr. Ivas, un gusto que accedas a la charla rap. ¿Cómo se encuentra la Argentina en este 2020? Hola, cómo va? Saludos a tod@s. Argentina está bien, con este cambio de presidencia volvemos a empezar, con la cuarentena que nos agarró este año 2020, donde estamos todos cuidándonos. ¿Cuáles son los inicios en tu vida dentro de la Cultura Hip Hop? Uy! Mis inicios son a los 10 años con mi hermano escuchando casetes, VHS, Betamax, que en ese momento estaban a full, y es toda una vida de agudizar el oído.

Si estamos en otro país, recordamos de dónde venimos: paceños (chukutas) haciendo música. Que respeten nuestro “level” en Argentina. ¿Cuál es la discografía de Soldados Urbanos? Bueno, esto empezó fundando Big 2 Brothers Prod. y Urban Bros. Records, donde se crearon los primeros temas, y se editó un compilado de varios raperos que están en Argentina. Ese CD lo llamamos Big 2 Brothers Hip Hop (2008), con 12 temas de rappers que por primera vez cantaban. Luego salió el disco de mi banda llamado Puño & Letra (2010). Posteriormente, el segundo disco, La Conquista (2012), donde la rompimos con el tema del mismo título. Esta canción llegó a Bolivia por las redes sociales, y acá fue por todas las radios bolivianas. El tercer disco, Nuestros Pasos, se editó en 2014. Contiene “Atento, atento”, el tema que tuvo su video oficial y auspiciante productor (Galletita Films y Sudaka Family). Gracias a ellos pudimos realizar el video, y nos fuimos con ese disco a tocar por La Paz y Santa Cruz en Bolivia. También a Perú (Puno y Tacna). Migraste a la Argentina en busca de mejores días y vida. ¿Cómo te sientes representando junto a Soldados Urbanos al rap boliviano en suelo extranjero pero Latinoamericano? Sí, difícil irme de mi país, pero fue el destino, porque en ese momento Bolivia estaba en una situación política complicada. Y me siento una herramienta para poder abrir caminos a la nueva era de adolescentes que están en la cultura, mostrando sus vivencias para poder expresarse. Fue difícil en otro país hacer escuchar nuestras letras, nuestras vivencias. Hasta que llegamos al punto de formar Soldados Urbanos, que es y será la primera banda boliviana que hizo rap en Argentina, yendo a muchas provincias de este país hermoso, donde mucha gente nos recibió con un trago y un churro, cuantiosos aplausos porque veníamos de la capital…

Luego sacamos el CD Viajando con el Rap (2016), que fue grabado en La Paz por Fardbeats, y se hizo conexiones con Marraketa Blindada (La Paz), Niña Doble C (Santa Cruz), y con Mafia Natural (Perú). BIG 2 BROS. Una iniciativa para producir y representar el Hip Hop con actitud y creatividad. ¿Qué anécdotas quedan a la fecha? El sello sigue activo, y continuamos grabando ahí. Fue construido con amor al Hip Hop, y es un espacio donde podemos expresarnos para difundir nuestra música en Argentina, Bolivia, y sus alrededores. Sacamos a muchos MC’s en el primer disco, que salió como compilado de artistas. Desde ya varios se hicieron sus estudios caLaCarne Magazine

seros en casa, porque dimos una lección de cómo grabar y cómo hacer la producción musical, armar un coro, o de qué pueden hablar y cómo componer sus historias. El compatriota boliviano lleva sus costumbres y tradiciones a todos lados. ¿Cómo anda el rap boliviano en Argentina? Las costumbres no se relegan. Acá hay mucha gente de Bolivia, de los 9 departamentos, y no se puede olvidar. Acá mejor y más costumbres conoces, como de Cochabamba, Santa Cruz, Beni, Tarija y demás… las comidas que tenemos en nuestro país. Acá el rap boliviano no es bien escuchado porque nuestra gente se encierra pensando que todo está en las redes sociales, y eso es mentira. Tienes que aprender y saber cómo llevar tu instrumento y tu conocimiento, porque acá se reúnen entre grupos y no sale nada, sólo el ego entre ellos.

Es como ser posero del Hip Hop, y todo lo que éste hable se lo lleva el viento, así como sus temas que nadie los conoce, pero bien que hablan mal detrás de cada persona, y yo de esa gente me alejo no por hacerme al creído, si no porque soy positivo en mi música, lo hago con amor, respeto a lo que ya logré, y vi el cariño de las personas que se sienten orgullosos que en Argentina hay Rap boliviano, y es Soldados Urbanos. Te fuiste de Bolivia junto a tu hermano para hacer familia y una vida en Argentina. Regresaste en 2015 para reencontrarte con tu gente y la cultura. ¿Cómo recuerdas esta experiencia de retorno como un Soldado Urbano? Sí, como te digo no fue fácil, pero gracias a Dios y el trabajo que conseguimos salimos adelante para ayudar a mi familia, a mi mamá. Ella es comerciante en la calle Murillo, y fundadora de la “Asociación de Comerciantes Unión Murillo”, y te darás cuenta qué orgulloso me siento de mi madre.

Quién es mejor o quién lleva más tiempo. Por eso es que no se puede surgir. Estamos desplazados por todo lado, eso es lo malo. Allá en La Paz vi esto, y acá es lo mismo, transmitiéndolo a los que vienen a Buenos Aires, y eso no me gusta.

Ella luchó para que cada persona tenga su puesto de venta. Ella es muy importante en mi vida y en mi lucha, la admiro porque siempre quiso que sus hijos sean personas de bien, que construyamos familias, que se sienta orgullosa de nosotros…

No pueden comparar Bolivia con Argentina. Cuando van a nuestro país van con mentiras, dicen que son los mejores, o que no hay rap boliviano en el país vecino. O sea, puras mentiras.

Ahora soy padre, y a mi hijo le cuento historias de cómo era yo de niño, y de mi mamá, una madre luchadora de pollera y orgullosa de su país.

Hay un montón de MC’s, pero la pena es que no experimentaron salir de acá a mostrar allá su arte. No lo hacen, y así no se escucha su música, dicen que aman al Hip Hop, que esto no lo hacen por lucrar… ¿Cómo puedes darte tiempo de hacerlo y no cobrar? Esto es arte, es como un trabajo independiente donde vos te desarrollas como humano, pero otros lo ven distinto y hablan como si fuera esto una moda, como para conseguir chicas y listo.

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Cuando volví el 2015 con el disco Nuestros Pasos, fue emocionante porque mucha gente quería saber de nosotros, de dónde veníamos, de cómo hacíamos nuestras letras, o de cómo llegamos a Argentina. Me gustó mucho y grabamos el disco Viajando con el Rap, con todo un recorrido por Bolivia…, pero fue algo repentino quedarme allá. En ese momento había en redes sociales gente negativa que nos decían en publicaciones: “Ustedes no pisaron ni una tarima acá ¿Por qué hablamos de Bolivia?”.

Y quería demostrar a esa gente que, como en Argentina, cantamos acá en mi país, lo podíamos hacer igual: organizar eventos, compartir esta cultura, por eso me quedé en Bolivia, y nos conocimos personalmente contigo, Alfonseka, como también con Sdenka (O-KRU), y muchas personas más con las que hice amistad. Desarrollé lo que aprendí acá, que es a unirnos, formar algo pesado, y que suene. ¿Cuáles son tus reflexiones de la Cultura Hip Hop boliviana hasta este momento? Como siempre, hay ovejas descarriadas que hablan mal detrás de uno, y que no quieren que crezca esta cultura. Somos tantos cantando, y ni uno salió a representarnos internacionalmente hasta ahora. Que nos personifiquen como tiene que ser, con algo tradicional, con nuestras lenguas, porque muchos imitan las jergas de México, no hacen nada por nuestro país, no sacan adelante nuestra cultura, y eso me da pena. Es una lástima cuando veo un boliviano imitando a un mejicano. En Argentina también vi todo esto… Acá me enseñaron a compartir su

cultura, aprendí a respetarme. A veces me dijeron que debería nacionalizarme argentino. Yo no olvido mi bandera tricolor, y me respetan por eso mismo, porque siempre demuestro esos colores que me vieron nacer hasta la muerte. Durante una buena temporada compartimos en la Feria Dominical de las Culturas el trabajo de promocionar y distribuir nuestro material. ¿Qué recuerdas? Desde empezar con la banda ya había el sueño de tener gorras, poleras, bolígrafos, posters, stickers, y otras cosas de arte para mostrar nuestro talento. En la Feria de las Culturas fue hermoso cada domingo encontrarnos con diferentes personas que te ayudan cuando te ven en un puesto, y vender el producto: tienes que desarrollarte en ese momento para ofrecer tu música y tus pensamientos. También nuestra amistad, dos raperos vendiendo todos los domingos en la “Feria Dominical del Prado”. Después venían a vernos, a LaCarne Magazine

chismosear, ja ja ja. Pero bueno, fue un gusto estar ahí. Agradecer a Alfonseka por darnos el espacio y conocer nuevas experiencias, nuevos caminos que fueron gratos en ese momento. Cuando estuve ahí me sentía como un niño aprendiendo de nuevo, pero una cosa cambiaba, que era mi país donde estaba, ver a mi gente cómo crecen y evolucionan. ¿Cómo se mueve y desenvuelve un artista independiente? En La Paz, con tantos raperos (son un motón) y ni uno vendía su producto. Creo que desde que llegué la gente vio algo nuevo que traje, algo de evolución en pensamientos e ideologías que tenía en la cabeza. Así como vendíamos mercadería de la banda, no se imaginaban que nosotros estábamos plasmándonos de por vida. No estábamos de pasada. También poder trabajar con la Alcaldía de La Paz, con el Ministerio de las Culturas, “Hip Hop en mi Barrio”, participando en el CD compilado de varios rappers de La Paz, y me emocioné. Logré una meta que tenía: estar en un disco

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que representa mucho lo que hace nuestra compañera O – KRU, luchando por espacios que sean más urbanos. También fuimos a tocar a universidades. Fue algo increíble y lo único que puedo recordar de esos eventos es alegría, decir que prometí llegar lejos. Que aplaudan lo que hacemos fue algo que no tiene palabras: sólo decir “gracias”. ¿Quiénes actualmente integran Soldados Urbanos? Ahora somos tres 3 integrantes: Fardbeats (especializado en las instrumentales), Art Flave y Dr. Ivas (en el micrófono). ¿Cómo anda el rap latinoamericano en Argentina? Argentina es un país muy abierto, donde el Hip Hop se expandió a todas edades que pueden hacer música: freestyle, beat box, graffiti, break dance y DJ. En diferentes barrios hay “movidas”. Cuando fuimos a cantar a las provincias, observamos el estilo propio de cada barrio, unos peligrosos y otros con buena onda, la verdad que explotan, y también hay gente de diferentes países. En todo lado saben que existe el Hip Hop (ya

no solamente americano) sudamericano. La verdad que estamos orgullosos que se conozcan o escuchen las vivencias y culturas en nuestras canciones. Así como emigramos a otro país, así hay que mover la música. ¿Cuáles fueron sus influencias musicales? Las influencias de Cypress Hill que te movía la cabeza y hasta ahora la muevo (ja ja ja…): N.W.A, Wu Tang Clan, Big Pun, K.R.S. One, L. B., DMX & Ruff Ryders. Después ya vino Sindicato Argentino del Hip Hop, Control Machete, Orishas y etc. ¿Qué consejos les darías a los jóvenes que gustan del Rap y desean incursionar en la creación y producción artística? De orientar a los jóvenes es difícil, muchos lo ven como un hobby. Si quieren hacer algo, háganlo desde el principio con instrumentales propias. Ahí se darán cuenta que es algo nuevo. Eso vale mucho para mí, hacer algo mejor para toda gente que respetas, y darles palabras exactas de lo que estás haciendo, amor a la música. ¿Qué es el Hip Hop para ustedes en estos momentos de haber recorrido un camino, y sembrado un legado paso a paso que será parte de la historia de la música contemporánea de Bolivia? Es un orgullo y un logro. Sé que falta mucho, pero de algo se empieza. Representar a Bolivia como una banda internacional es un sueño. ¿En qué proyectos musicales se encuentran actualmente? En estas fechas estamos grabando mi maqueta, que saldrá este año, y el otro proyecto es de mi hermano Fardbeat, que está preparando su disco de beats libres para poder tocar y ayudar a muchos que no tienen una base instrumental. Contribuir a la gente que le gusta el Hip Hop. Art Flave sacó su disco 3.0. Escúchenlo que

está bueno, el tema que dice “Sube el Nivel” pega a full, escúchenlo por YouTube. Bastantes temas han sonado en varios lugares de Sudamérica junto a su propuesta internacional. ¿Cómo ven desde el Hip Hop la cuestión de fronteras, banderas, patrias, monedas? Fronteras no las veo. La verdad que cada uno hace su vida, y ve cómo lo hace. Donde esté o donde vaya, siempre llevará eso en sus corazones. ¿De qué país somos? Yo lo veo como que todos somos iguales con un color de bandera diferente. Otros piensan diferente, y te das cuenta que así no llegamos a nada. Por eso cuando vas a otro país, ahí ves el amor por tu patria. Reconocer de dónde eres y dónde estás. Para mí no hay fronteras en mis palabras porque esto ya explotó, ya estamos arriba con la música. ¿Qué se extraña de la madre patria cuando uno vive en otro país? A mi madre que la amo, a la comida, a los amigos (ja ja ja…). Se extraña más de dónde eres, de dónde vienes y de dónde te quieren. Es triste estar lejos del país. Un mensaje de despedida y palabras al mejor estilo libre para los seguidores de su música y del rap boliviano. Muchas gracias primeramente a tú persona, y a toda esa tropa de hip hoppers. Muy pronto estaremos con mucha música representando nuestra bandera tricolor. Donde estemos seguiremos con pilas para fluir en nuestras rimas. Mucho flow y Rap para ustedes. Que sigamos vivos y contagiados de nuestra cultura Hip Hop. Desde Buenos Aires, Argentina, un saludo inmenso y grande.

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Yiyo

un referente de la cultura en Extremadura LEER MÁS

iyo, como todos en el mundo de la cultura en Extremadura conoce a Agustín Nieto, es uno de los empresarios hosteleros de la cultura de Extremadura y cacereña más importante en las últimas 3 décadas. La movida cacereña antaño, festivales de música, o el arte contemporáneo van ligados a sus negocios, bien como Belle Epoque o Espacio Belle Artes. Por motivos extra culturales y empresariales,

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Yiyo ha tenido obligatoriamente que estar fuera de la vida pública, social, cultural y del ocio de Cáceres y la región, pero ya está de vuelta con nosotros, y queremos saber las sorpresas, inquietudes, y opiniones que nos depara la nueva normalidad de Agustín. Nos alegramos mucho poder hablar con él para realizar nuestro cuestionario, y poder reflexionar sobre diferentes temas.

Yiyo, un referente de la cultura en Extremadura

En primer lugar, bienvenido, Yiyo. ¿Qué es para ti la libertad? Estar, sentir, decidir… por uno mismo.

Con la nueva normalidad, y después de haber superado un confinamiento de verdad, ¿cómo afrontas tu futuro? Con las mismas expectativas de siempre: ser feliz haciendo lo que me gusta, y disfrutando del ocio, la cultura y las personas. Vivir aprendiendo, y ofreciendo, en la manera que se permite, todo lo que tenga relación con la creatividad, el emprendimiento, el ocio, y lo cultural. ¿Qué has echado de menos todo este tiempo que has estado ausente de la vida social y pública? La libertad!! Colaborar en la vida ocio cultural de mi ciudad, estar con la familia y seres queridos. La cafeína, cerveza… jjjjjjj ¿Sientes que has perdido una batalla? ¿Qué has ganado en todo este tiempo? No, no siento haber perdido ninguna batalla. Yo no entré en ninguna batalla. Siento que he sido usado como ejemplo y cabeza de turco en un conflicto de muchos años, en el que yo estaba en el momento menos oportuno. He recuperado valores perdidos, aprendí a convivir de nuevo, y necesitar menos cosas materiales y más sentimentales. Y, cómo no, apreciar más la salud.

Belle Epoque, Espacio Belle Artes y Festivales

Has estado al frente de numerosos festivales, Maquinarte, Viriatorock… De todos los que has organizado, ¿con cuál te quedas? ¿Te gustaría sumergirte de nuevo en este tipo de eventos? Me quedo con el trabajo de producción de todos, me encanta organizar, pero Maquin@rte fue un proyecto precioso e interesante.

No considero top lo que he podido desarrollar u ofrecer. He podido hacer lo que realmente me gustaba en cada momento o época, siempre intentando hacerlo lo mejor posible en el terreno más alternativo e independiente. Quiero dedicar el tiempo que nos dejen al arte y el ocio más exclusivo. El pistoletazo de salida de tu «nueva normalidad» es la exposición sobre la cuarentena de Fermín Solís. ¿Es fácil comenzar con la presencia de amigos y conocidos? En mi trayectoria siempre han sido muy importante los amigos y conocidos con ganas de hacer, de crear y de disfrutar juntos.

Cultura y ocio en Extremadura

¿Se puede vivir de la cultura en Extremadura? Llevo sobreviviendo del ocio y la cultura hasta día de hoy, pero recalco “SOBREVIVIENDO”. ¿Qué es para ti la justicia? ¿Qué justicia??? ¿La de intereses? ¿La de ricos? ¿La de pobres? ¿La de políticos? Creo que no le corresponde el nombre. De todos los artistas que has programado, ¿de cuáles conservas mejor recuerdo? ¿Hay alguien con el que no repetirías? Siempre recuerdo la época de la sala Belle Epoque y de los grupos que empezaban como Sidonie, Vetusta Morla, Love of Lesbian, El Columpio Asesino… Aprendí a no ser rencoroso. ¿Algún consejo que darnos antes de despedirnos? No estoy yo para dar consejos…. Pero no hagáis mucho ruido.

Continúo trabajando con mi empresa de eventos Belleart s.l, y la asociación ocio cultural Belleart en todos los proyectos posibles.

Muchas gracias, ¡nos vemos en tus bares! En cualquier bar o evento, ¡pero que sea pronto!! Y muchas gracias por hacerme sentir bien y recordar. Salud y Felicidad.

Belle Epoque y Belle Artes han sido y son referentes en la programación de la cultura en Extremadura y Cáceres. ¿Tienes ganas de seguir en el top de la programación cultural? ¿Nos guardas sorpresas de cara a los meses venideros?

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Trauma

Rock Metal y crítica social baterista y fundador de la banda Trauma de Venezuela. LEER MÁS

rauma es una banda de una amplia trayectoria en la escena de su país, Venezuela.

Aquí tenemos a Henry Rodríguez, quien es baterista y fundador de la banda, para que nos brinde una amplia información sobre todo lo que ha acontecido con esta veterana banda, la cual ha tenido que superar obstáculos para poder seguir adelante.

Trauma, Rock Metal y crítica social

Trauma es una agrupación que lleva 26 años dando batalla. ¿Qué nos puedes contar al respecto? Háblanos brevemente sobre los inicios de la banda. Saludos, mi nombre es Henry Rodríguez,

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A mediados de los años 90′s me puse en contacto con Jean Carlos Parra y Alexander Sosa (El Hueso), ambos vocalistas. Comenzamos a escribir letras mientras conseguíamos guitarrista y bajista. Al contactar a Christian Zachma en la guitarra y Jorge Paz en el bajo, empezamos a trabajar en lo que sería nuestro primer larga duración: Reino de Naciones Oscuras. ¿Cómo describes el estilo musical de la banda? Lo pregunto ya que encuentro algunas tendencias musicales. No tenemos un estilo definido, ya que nos paseamos por varias corrientes de la música Rock y Metal: Hardcore, Punk, Grindcore, Death Metal, Noise. Durante el 1997 graban su primer material,

to a Trauma? Sí, hemos sufrido diferentes cambios de alineación a lo largo de nuestra carrera, el único que ha permanecido en la banda desde sus inicios he sido yo. Alexander Sosa (El Hueso) y Jean Carlos Parra, ambos fundadores, han sido intermitentes. Los integrantes actualmente de la banda: Jorge Galet (guitarra), Romny Gutiérrez (bajo), Alexander Sosa “El Hueso” (voz) y Henry Rodríguez (batería). En la actualidad, el bajista Romny Gutiérrez se encuentra en un proyecto de Death Metal. El resto de nosotros está enfocado totalmente en la banda. Muchas bandas relacionadas con el estilo musical que ustedes propagan hablan sobre problemas sociales, personales, ecológicos… ¿Las letras de Trauma plantean soluciones? Las letras de Trauma son el fiel reflejo de lo que vivimos a diario en nuestro país y a nivel mundial.

Reino De Naciones Oscuras. Cuéntanos un poco sobre este trabajo, cómo fue su aceptación, cómo se distribuyó… Luego de tener 3 años ensayando y tocando en varios estados del país, nuestro manager para la época, Hebert Rodríguez, nos llevó al estudio de Ramiro Parra para grabar en formato de cassette el primer trabajo, obteniendo muy buena aceptación a nivel nacional. Ese primer tiraje fue distribuido en gran parte de Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos, ya que Hebert tenía contactos e intercambiaba material con fanzines y sellos en dichos países.

Cambios de alineación en Trauma

Toda banda, en su mayoría, siempre sufre cambios de alineación. ¿Ha sucedido esto con Trauma? ¿Quiénes integran la banda hoy? ¿Algunos de sus integrantes está inmerso en algún otro proyecto, o dedican tiempo comple-

Aparte de criticar fuertemente al sistema, hacemos énfasis en la miseria humana. Al mismo tiempo que protestamos estamos aportando un poco a la solución, llamando a la reflexión. Su música ha aparecido en muchos compilatorios, y esto, creo yo, es algo bueno para la banda. ¿Qué beneficios les ha aportado estos compilatorios donde se han incluidos? Cada compilado te permite dar a conocer más tu música.

Los últimos trabajos de la banda

Conspiración del Sistema salió en el 2016, otro buen material de la banda. Danos detalles. El disco Conspiración del Sistema contó con música de Jorge Galet y Romny Gutiérrez en 3 temas, los cuales fueron grabados por Markos Mejía (guitarra), David González (bajo), Jean Carlos Colina (voz), Henry Rodríguez (batería). Además, contó con la colaboración de las voces de Fer Esteban Torres de Optofobia, Jean Carlos Parra de Vértebra y Trauma, LaCarne Magazine

Cesar Zabala Cubillan de Extrema Realidad, y Juan Carlos Orellana Álvarez de Verminous, quien grabó desde Chile. El Artwork del disco y logotipo fue realizado por el master de la oscuridad John Quevedo Janssens, Ilustrador. Fue grabado, mezclado, y masterizado por Grindsound Recording por Markos Mejía. Hay bandas que llegan a tantos años de carrera, pero entremedio se han separado o se han tomado largos descansos. ¿Ha pasado esto con ustedes? Por la banda han pasado diferentes músicos, lo cual nos ha llevado a tener algunas pausas en todos estos años, pero a la final seguimos trabajando. Háblanos sobre su nuevo disco, La Miseria De Muchos Es La Tiranía De Unos Pocos. ¿Sigue la misma línea que sus anteriores trabajos? Contó con la colaboración de grandes amigos y aliados como Zardonic en el intro “Zona de Guerra”. Contó con tres vocalistas: Nicolás Bautista Vargas de Son of Parasite (Colombia), Tomas González de Brutal Destripation (venezolano radicado en México), y Jean Carlos Parra de Trauma. Este trabajo fue grabado, mezclado y masterizado por Ronald Guerra en Digi Records. Guitarra y bajo por Romny Gutiérrez, y batería por Henry Rodríguez. Este trabajo fue editado por los sellos Fucking Noise Productions, Suppor Cancer Productions, y The Hills Are Dead Records en 2019. Próximamente será editado por Profaner Records desde España. Todos nuestros trabajos han sido muy distintos por la sencilla razón que han estado diferentes músicos, por lo tanto, cada disco ha tenido su línea particular.

Los directos tras la crisis sanitaria

¿Cómo andan las cosas en cuanto a concier-

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tos? ¿Cómo es un concierto de Trauma? Me imagino que en estos últimos meses esto haya mermado debido a la situación que atraviesa el mundo por la Covid-19. Para este año 2020 ya teníamos varias fechas confirmadas en diferentes estados del país, pero debido a la pandemia todo está suspendido. Los conciertos de Trauma son 100% Mosh. ¿Cuáles consideras los principales atributos y defectos de la escena del rock y del metal de Venezuela? Los atributos, gran variedad de bandas con mucho talento. Uno de los mayores defectos, la crisis económica del país. Volviendo a su CD La Miseria De Muchos Es La Tiranía De Unos Pocos, ¿cómo va la distribución? ¿Cómo ha sido recibido por la gente? ¿Algún comentario positivo o negativo? La distribución está a cargo por los sellos Fucking Noise Productions (Colombia) y The Hills Are Dead Records (Portugal), con una muy buena aceptación. La mayoría de los comentarios han sido positivos.

Este último álbum ha sido reditado por algunos sellos fuera de Venezuela. Coméntanos. Este disco no ha sido editado en Venezuela, sino en el exterior desde Colombia, Portugal y próximamente en España.

Próximos proyectos de Trauma

Próximos proyectos que tienen en mente, ¿grabación de algún video, conciertos, giras…? Cuando finalice la pandemia retomaremos todo el trabajo que tenemos pendiente, videos, grabaciones y conciertos.

Hablando de otros temas, ¿cuál es su punto de vista acerca de la podrida sociedad en la que estamos viviendo, y de las retorcidas mentes que mueven a las personas? Son las élites quienes ponen y quitan gobiernos, en complicidad de las podridas cúpulas políticas de la sociedad, que sólo velan por sus intereses personales, condenando al ciudadano a la desidia y al abandono.

Bien, esto sería todo. Agradecerles por el tiempo en responder la entrevista. Si desean añadir algo más, pues aquí está el espacio. Saludos y agradecimientos a Omar Vega, LaCarne Magazine, y a todo su equipo por la oportunidad de llegar a todos sus seguidores.

La iglesia, en su negra historia, también aporta una buena tajada de toda la miseria que sacude al mundo.

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Hoy seguimos siendo los mismos inquisidores bárbaros del pasado, pero con diferentes métodos para esclavizar, torturar, manipular, y aniquilar, todo en nombre del supuesto progreso.

Un abrazo fraternal desde Maracaibo, Venezuela, de parte de toda la banda.

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Erick Cayuela no hay luz sin oscuridad

sonalmente he de decir que me encanta esta mezcla, su potente voz, y esa fuerza con la que interpreta sus canciones. LEER MÁS

uy buenas a todos! Espero que estéis bien, y volviendo poco a poco a la “nueva normalidad”. Esta vez he tenido el placer de entrevistar a Erick Cayuela, un artista muy joven y prometedor que, a pesar de tener, por el momento, sólo dos singles, pronto podremos escuchar su primer álbum completo. Su estilo es único, con toques de Metal sinfónico, e influencias Goth, Pop y R&B. Per-

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Vamos a conocer a Erick un poco más. ¿Me acompañas?

Erick Cayuela: no hay luz sin oscuridad

Lo primero de todo, muchísimas gracias por concederme esta entrevista y así poder descubrir tú música que me encanta y con la que llevo en bucle varios días. Empezamos con una fácil. ¿Quién es Erick Cayuela? Soy un cantante, compositor, y letrista nacido aquí en España en 1997.

Macrí (personalmente ambas me encantan). ¿Cuáles son tus influencias musicales? ¡Totalmente! Qué honor que me lo digas, pues sin duda Mónica es un gran referente a nivel nacional y como voz hispana, además de Fangoria también, por ejemplo. Pero tengo otras referencias e influencias, como David Bowie, Marilyn Manson, o algunos grupos y cantantes de Rock sinfónico, como Nightwish, Evanescense o Sarah Brightman. También me encantan artistas más melódicos y más Pop o R&B, como Mariah Carey o Christina Aguilera. Actualmente tienes dos singles: “Tú” y “No Olvides”. Sinceramente llevo en bucle con éste último varios días. Cuéntanos más sobre ellos, ¿qué mensaje quieres transmitir con tu música? No creo que haya un único mensaje a transmitir. Creo que cada canción es como el guion de una historia, y cada una habla de un caso diferente. El tema estrella es el desamor (como en estos dos singles), pero me gusta hablar de otros temas que el público se sienta identificado con la nueva música, como la muerte, las diferencias entre personas, la soledad, etc.

Pero sobre todo un artista hecho a sí mismo con constancia y esfuerzo, a pesar de que nunca me lo ponen fácil. ¿Cuánto tiempo hace que te dedicas a la música? Llevo toda mi vida cantando desde pequeño, y siempre involucrado en la música, ya sea en el ambiente académico, o por simple hobby. Pero oficialmente y profesionalmente lo cuento desde que publiqué mi primer single en el año 2016. Escuchando tu música, me recuerda un poco al sonido de Mónica Naranjo, o incluso Laura

¿Qué o quién te inspira a la hora de crear tu música? Me inspira el momento que vivo actualmente, me inspira mi estado emocional, mi entorno, las experiencias vitales, o muchas veces parto de un texto y de ahí desarrollo una idea convertida en canción. ¿Tienes alguna manía a la hora de componer? Manías como tal no, pero sí me gusta seguir unos pasos. Me gusta estar tranquilo, en silencio, y sobre todo encontrar el día en el que las musas están de tu lado, porque en muchas ocasiones te sientas delante de un papel en blanco y no sale nada, y te bloqueas, y de repente en cualquier momento me puede venir una melodía LaCarne Magazine

a la cabeza, y debo grabarla enseguida para que no se me olvide.

hacía dinero vendiendo discos, hoy día prácticamente ni recuperas la inversión.

He visto que has hecho alguna versión en directo. ¿Qué canción elegirías actualmente para hacer una versión? Precisamente teníamos previsto una serie de conciertos a piano y voz, y salvo mis dos canciones publicadas hasta la fecha, las demás del repertorio son versiones.

También el estilo musical ha cambiado mucho, el trap “reggetonero” tiene un poco enloquecido al público masivo (risas). Pero hay público para todo.

Hay estilos muy dispares, que van desde Rocío Jurado y Camilo Sesto hasta Luz Casal, Fangoria o la propia Mónica Naranjo. Así que haría alguna de ésas. ¿Cuáles son los planes de futuro? ¿Tendremos un álbum completo de Erick Cayuela? Debo decirte que sí. Habrá álbum completo que verá la luz espero que muy pronto. Por ahora comenzamos con un EP, que es un formato más reducido, pero que incluirá nuevos temas que se sumarán a los dos singles anteriores. Aún no tenemos del todo distribuido el álbum, ni cuántos temas incluirá exactamente, pero en ello estamos, trabajando con el equipo. ¿Qué es lo que más te gusta de estar sobre un escenario? El escenario es un sitio sagrado, es un lugar que produce respeto, que no miedo, pero en mi caso me lo tomo muy en serio. Es decir, subirse a un escenario no es un juego, tienes una responsabilidad con el público, que merece que des lo mejor de ti. A mí lo que más me gusta es la adrenalina que produce, es adictiva. ¿Qué opinas del mundo de la música hoy en día? Hoy en día, la industria ha cambiado mucho. Han cambiado las formas de hacer música, de venderla, y de promocionarla. Las plataformas digitales han devaluado mucho las ventas físicas, y el mercado discográfico atraviesa una crisis permanente. Antes se

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Dices que te gusta la oscuridad, ¿qué es lo que te atrae de ella? Es que la oscuridad es lo que más brilla. En la oscuridad yo veo belleza, porque esos “fantasmas” que nos acompañan me inspiran mucho y me atraen. No estaría cómodo con elementos de color o alegres, porque no me definen. Sustituyo el color por el brillo del oro o la lentejuela, que nunca sobra. Y, por último, ¿algún dato adicional sobre ti que quieras añadir, o lanzar un mensaje a la gente de ahí fuera? Para terminar, agradeceros vuestra entrevista. Me encanta que haya medios especializados en música. Y al público, decirle que estén atentos en redes y demás para escuchar la nueva música. ¡Nos vemos muy, muy pronto! Muchísimas gracias a ti, Erick, estaremos pendientes de las novedades. Aquí ya tienes una fan! Espero que os haya gustado tanto como a mí conocer a Erick y a su música. Si es así, no olvidéis seguirle en sus redes sociales y recordad que también podéis escucharle en plataformas digitales. Un abrazo a todos, y hasta la próxima!

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

Diabolous

Doom Stoner como forma de vida vida LEER MÁS

iabolous es creado por el guitarrista Javier “Resternak” con la idea de crear algo diferente a lo que hace en su otra banda, que es de Black Death Melódico. Aquí, en Diabolous, se encamina por el Doom y el sonido Stoner. Diabolous ya ha estado presente en varios eventos y festivales de su país, México, donde la aceptación ha sido buena. Todos los integrantes de la banda Diabolous se han encargado de contestar la entrevista (Javier “Resternak”, Frank “Ripper”, Guillermo Don y Marisol “Agata Jacob”).

Diabolous, Doom Stoner como forma de 54 LaCarne Magazine

Saludos, y bienvenidos a LaCarne Magazine. Sé que la banda se formó bajo otro nombre. Me gustaría que comentaran sobre los inicios de Diabolous. La banda se forma en febrero de 2012 por Javier “Resternak” con el nombre de Sacrilege Temple. Semanas después de haber iniciado el proyecto, el baterista sale de la banda, meses después el bajista, y así se dio paso a replantear lo que se quería, para que a mediados del año 2012 ingresara la vocalista y guitarrista de ese momento, y así marcando la línea de la voz femenina que hasta la fecha mantiene la banda. Es en ese momento cuando se decide cambiar el nombre a Diabolous por la reestructura de miembros que se estaba produciendo.

días, y empezar a componer material para este nuevo proyecto, empieza a mezclar riffs entre Doom clásico y Stoner, para llegar a lo que es Diabolous. ¿Cómo definirían el estilo musical de Diabolous? Los inicios fueron más al Stoner Doom, pero hablando de la actualidad con la alineación de estos momentos, la banda ahora se define como Doom Metal con toques Stoner, con riffs predominantes en el Death Metal, y algunos otros en el Black Metal, ya que son influencias de los 4 miembros actuales. En el año 2013 graban su primer trabajo discográfico, un EP titulado Diabolous. ¿Qué tal fue recibido este primer trabajo de la banda? El recibimiento fue excelente. Nos sorprendió demasiado, ya que la banda no tenía mucho tiempo en la escena, pero, con la tecnología de nuestro presente, el material fue escuchado por muchas partes del mundo, y se recibían muy buenas críticas de varias partes de Europa, Estados Unidos, Brasil, Perú, y por obvio en nuestro país. Nos abrió muchas puertas para ser parte de varios festivales, y empezar a darnos a conocer demasiado. El nombre de Diabolous surge de la intención de combinar las palabras “diavoli” (diablo/diabólico) y “deus” (dios), y de esa forma expresar la dualidad de los seres humanos (bueno/ malo, luz/oscuridad, amor/odio, etc.). Sin embargo, la combinación final se hace con la terminación “ous”, generando la idea de lo endiablado o lo diabólico. Javier “Resternak” también es parte de Canserberia. Entonces, ¿qué diferencia hay entre estas dos bandas? Javier “Resternak” ya tenía la idea de formar un proyecto alterno a Canserberia. Quería algo opuesto totalmente, ya que Canserberia es una banda de Death/Black melódico. En esta nueva banda quería armar un Doom de la vieja escuela, pero con el pasar de los

¿Cuáles son los principales tópicos que abordan las letras de los temas de Diabolous? No es una temática clásica de hablar de Satán, de brujas… Son letras oscuras, de horror, de mentes retorcidas, escabrosas, crónicas del ser humano, de la naturaleza humana. Los integrantes es algo que van y vienen en muchas bandas. ¿Podrían contarnos un poco acerca de por qué se produjeron los cambios de alineación dentro de la banda, hasta llegar a la formación que hoy en día sustentan? ¿Qué factores son los que priman para ser miembro permanente de Diabolous? ¿Quiénes están actualmente? Las historias son diversas en las salidas de integrantes pasados, pero las negativas serían el no tener un nivel para estar en una banda, las ganas nulas por crecer con los demás inLaCarne Magazine

tegrantes, las vibras que chocan y que hacen que una banda no pueda crecer. Como se dice vulgarmente, el frijol en el arroz. El factor para ser miembro actual de la banda es, y ha sido, el entendimiento, la amistad, la química, el intercambio de ideas con una apertura y libertad de aportar para poder hablar de cualquier cosa que tenga que ver con la banda, las ganas de seguir haciendo música, de ir en ese mismo camino el cual tenemos los 4 miembros actuales. La alineación actual se conforma por: Javier “Resternak” – Guitarra/Coros (2012 a la fecha), Frank “Ripper” – Batería (2015 a la fecha), Marisol “Agata Jacob” – Voz/bajo (2019 a la fecha) y Guillermo Don – guitarra (2019 a la fecha). Diabolous ha compartido con varias bandas en conciertos y algunos festivales. ¿Cómo se han sentido y qué experiencia han ganado al compartir y participar de estos importantes festivales? Nos hemos sentido súper bien. Hemos ganado la satisfacción de tocar en varias ciudades, conocer gente de la escena, amistades que nos han generado varios caminos, ser reconocidos, el acercamiento de la gente que nos comenta lo que les ha gustado la música, el tocar en vivo y ver la reacción de la gente, los fanáticos que tenemos, el gusto de hacer música, y estar en una banda en la cual todos somos amigos. El mundo vive una situación muy difícil en la actualidad por la pandemia del coronavirus, y esto, claro, ha frenado y ocasionado estragos en todos los sentidos. ¿Cómo ven esta situación con relación a la escena? ¿Creen que se salga pronto de esta catástrofe viral? Lamentablemente varios lugares de la escena metalera han sido afectados por la pandemia. Hablando de las bandas, pues se encuentran y nos encontramos movidos, ensayando, haciendo live sessions, streaming, tiempo de estar componiendo, hermanarnos para hacer conciertos virtuales entre varias bandas, y se-

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guir difundiendo el metal. Adaptarnos a las herramientas de estos cambios por la pandemia. Esperamos que esta pausa de presentaciones en vivo pase pronto para poder estar de vuelta en los escenarios, lo cual es algo que nos gusta mucho. Las noticias son buenas, y al parecer no falta mucho para estar de vuelta. Háblennos de su primer álbum, Infinite Doom. Es un álbum más al Stoner con los toques del Doom Metal. Plasmamos lo que se quería en ese momento, y estamos totalmente satisfechos con lo logrado. La grabación fue en MAT Studio con el buen Miguelito. Fue una experiencia agradable totalmente. Nos entendía las ideas, la vibra de poder trabajar con él, una persona abierta en todos los aspectos, y estamos súper agradecidos con su trabajo y con su amistad. Parte de nuestro trabajo tiene su toque, y en donde quiera que esté, le mandamos las mejores vibras. “RIP Miguelito”. Hace un tiempo escuché que se encontraban trabajando en su segundo álbum. ¿Ya está listo este material? ¿Cuándo saldrá? ¿Mantendrá la misma línea musical que el trabajo anterior, su 1er álbum? Se está trabajando en la música nueva. Debido a la actualidad por la pandemia, nos hemos

El durar tanto tiempo en la escena tiene que ver con el gusto y el trabajo por seguir haciendo música día a día, es una forma de vida para nosotros. Por otra parte, el único problema que vemos es que no hay disqueras de metal, y que hay organizadores que sólo apoyan a sus amigos, aunque esas bandas sean de un nivel muy bajo. Pero, por otro lado, hay los organizadores que apoyan la escena y se hace un gran equipo entre bandas y ellos para hacer crecer la escena nacional.

pausado, se tenía la idea de meternos al estudio entre mayo y julio para sacar el material para fines del año, pero, bueno, todo se pospondrá para finales de este año e inicios del año 2021. En el aspecto de la línea musical, seguimos con la misma idea que se tiene, pero ahora más oscuro, un Doom Metal más denso, con finos toques Death Metal, y sin quitar los riffs Stoner. Cambiamos la afinación para sonar más diabólicos, se tienen rolas muy buenas, y a nuestro parecer este nuevo material será mejor a lo anterior.

Con la tecnología uno llega a todo el mundo, y eso es lo que nos ha ayudado a nosotros, y nuestra música ha dejado huella, nuestro trabajo es el que habla y lo que somos. ¿Cuáles son los próximos pasos de la banda, aparte del nuevo disco? Un posicionamiento más fuerte en nuestro país, y más por el nuevo material que estamos por realizar. Seguir distribuyendo y promocionando nuestro material en México como fuera de nuestro país. Hay varias puertas que se nos han abierto, organizadores con los que hemos tenido pláticas para ser parte de eventos, festivales importantes fuera de México.

¿Cómo es la escena en México, y cómo se vive el Metal Extremo? ¿A qué se debe la proliferación de tantas bandas de Metal en su país? Hay una cantidad brutal de bandas de todos los géneros del Metal, y con una creatividad muy buena. En la escena Doom Stoner hay un círculo que va creciendo cada día más.

Gracias por responder nuestras preguntas, ¿algunas palabras que quieran hacerles llegar a los lectores? ¿Palabras de despedida? Un agradecimiento a LaCarne Magazine y al buen Omar Vega. Un saludo a todos los lectores, y comentarles que el metal siga en sus venas y que no lo dejemos caer. Escuchen y estén atentos a las nuevas noticias de Diabolous.

Al mexicano le encanta el Rock pesado y todas sus ramas, he ahí el porqué salen tantas agrupaciones, pero como en todo hay muchas bandas que sólo duran algunos años, bandas que sacaron un disco en 20 años, y las que seguimos vigentes ya con muchos años.

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Juan el Juana Flamenco en Alemania

con las cuales tocábamos en Zaragoza y por todo Aragón, hasta que me fui a vivir a Madrid, que es donde conocí el flamenco como tal.

uan el Juana es un músico de Zaragoza afincado en cualquier sitio de Europa donde se pueda cantar. Flamenco, sobre todo, pero no solamente. Si te gusta la Electrónica, el Blues, la música de raíz, pero, sobre todo, si estás dispuesto a dejarte llevar por las emociones sin tener en cuenta ataduras ni etiquetas, “here comes your man”. Tan inclasificable como los Pixies.

Juan el Juana, Flamenco en Alemania

¿Cómo surgió lo de cantar? Me gustó cantar de siempre, siendo muy pequeñito. Nunca recibí clases porque por aquel entonces no te podías apuntar a canto. De adolescente empecé a componer canciones, y a cantar con bandas de rock y de pop

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Ya había escuchado flamenco, porque parte de mi familia viene de Córdoba, y, quieras o no, esos días de verano escuchando las guitarras, el cante o el zapateao, te influyen, pero fue en Madrid donde me enganché. Entonces, totalmente autodidacta…. En realidad, no. Seguí haciendo Blues y Rock, pero decidí estudiar un par de años con Paco del Pozo en Casa Patas. Luego estuve viajando por Sudamérica, y cantando en donde podía, aunque nada de manera oficial. Hasta que llegué a Alemania y conocí a Ismael de Barcelona. Nos pusimos a hacer música en serio, a buscar conciertos primero en el Centro Cultural Machado, luego en Düsseldorf, Bonn, etc., y me puse además a impartir clases de cante gracias a Nati Blanco.

Ya empezaba a vivir de la música, aunque sin descuidar mis estudios en la Universidad. ¿En la Universidad? Pues cuéntame. Siempre me gustó componer de forma autodidacta, tal y como te he contado, pero ponía mucha atención a las letras que escribía. Me hubiera gustado estudiar algo relacionado con el arte, pero por circunstancias familiares acabé licenciándome en periodismo. Hablando de Casa Patas, debido a la Covid cierra definitivamente. Bueno, hay que distinguir entre la Fundación, que es donde yo estudié, y el tablao. Desgraciadamente, el tablao ha cerrado, pero la Fundación Casa Patas continúa. Qué decirte sobre el tablao… Va a ser el fin de varios templos de la cultura, y se van a ver afectados los artistas. Es una tragedia, pero tenemos todos que tirar para adelante.

Pues seguro que sí. ¿Y hacia dónde tira Juan el Juana? Vienes de Alemania, estás en Zaragoza. Sé que tienes todavía algunas actuaciones en Alemania… Pues mira, me voy para Sevilla a estudiar en la Fundación Cristina Heeren. Después de lo de Casa Patas, he estado trabajando en Alemania, creciendo como músico, y creo que ha llegado un punto en el que necesito estar en Andalucía para impregnarme de flamenco y aprender con los mejores. Quién sabe si estando en el sur, en Sevilla, que es la gran capital, puedo ir haciéndome un huequecito. Pues claro que sí. El arte hoy en día está sobrado de gente acomodada, y necesita de músicos con iniciativa y valentía. Te deseo todo lo mejor como músico y como amigo.

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Red Calling

Hard Rock y Metal desde EE.UU. LEER MÁS

ard Rock con tintes de Metal Alternativo, ésta es la propuesta de la banda norteamericana Red Calling.

Red Calling es una agrupación que lleva en escena algunos años. Coméntanos sobre aquellos inicios, y de cómo comenzaron a darse a conocer. Red Calling surgió luego de que se disolviera una orquesta de Latín Rock en español, de la cual todos formábamos parte anteriormente.

Luego de un EP en el 2014, para el 2016 lanzan su primer álbum con el que comienzan a conocerse más ampliamente.

Nos dimos cuenta de que nosotros 4 teníamos el mismo gusto por el Hard Rock y Metal, y decidimos iniciar este proyecto en febrero del 2010.

La banda se encuentra actualmente trabajando en su próximo EP, que será lanzado cuando se culminen las grabaciones interrumpidas por el problema del virus.

Empezamos tocando en galerías de arte y bares pequeños en el área de Tampa (Florida. U.S.A.), y poco a poco fuimos extendiéndonos a otros condados y ciudades de Florida.

Mientras, vamos a conocer más de esta banda por medio de Jessica Pons, quien es vocalista, guitarrista y tecladista de Red Calling.

Nuestro primer single, “Let me Fade”, fue bien recibido en las estaciones de radio locales y estatales.

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Posteriormente se nos dio la oportunidad de tocar en teatros pequeños en varias ciudades de Florida, para abrir a bandas nacionales

tiroteos masivos (pueden chequear la canción “The Hunter” de nuestro primer álbum), experiencias personales, situaciones de vida o muerte, y algunas veces, aunque suene trillado, de amor y desamor. Algunas de las influencias de la banda incluyen a Led Zeppelin, Steven Wilson, Muse, Depeche Mode, Radiohead, Alter Bridge, Breaking Benjamin, The Gathering, Thrice, Lacuna Coil, 10 Years, Deftones y Korn. En el 2014 ustedes sacan su primer EP, que lleva por título Break the Silence. Háblame un poco sobre este trabajo discográfico, temas, la forma en que lo han promocionado… Break the Silence fue nuestro primer EP, o “reproducción extendida”, conformada por los 5 primeros temas que grabamos profesionalmente en el estudio de grabación Red Room en Tampa, Florida, cuyo dueño es John Wesley, guitarrista de la banda de Rock Progresivo Porcupine Tree.

como 10 Years, Lit, Otep, Adema, Candlebox, Saliva, Adam Gontier de Three Days Grace, Hed PE, Mushroomhead, Smile Empty Soul, Taproot, entre otros. Eso sirvió de plataforma para poder empezar a tocar en festivales de verano como Rockapalooza en Michigan, y Megaton en Ohio. ¿Cómo clasificarían la música de Red Calling? ¿De qué suelen hablar en sus canciones? ¿Cuáles son sus principales influencias? Nuestra música podríamos clasificarla dentro del género de Hard Rock/Metal Alternativo debido a que usualmente añadimos elementos electrónicos, líneas melódicas de piano y sintetizadores a la base de riffs pesados de guitarra y bajo, y baterías estridentes. En nuestras canciones la banda busca transmitir mensajes reales y crudos con los cuales muchas personas pueden identificarse. Nuestros temas hablan de ansiedad, depresión, inseguridad, miedos, temas como los

Los temas fueron grabados, producidos y mezclados por el ingeniero Mark Prattor y John Wesley. El sencillo promocional de esta producción fue “Let me Fade”, tema que promocionamos en las radios locales, y el cual cuenta con un vídeo promocional que pueden encontrar en Youtube. ¿Este primer trabajo discográfico salió de forma auto-producido e independiente? ¿Han recibido ofertas de algún sello nacional para grabar? ¿Han enviado sus grabaciones a algún sello discográfico dentro o fuera del país? Sí, Break the Silence fue una producción totalmente independiente en todos los aspectos. Hemos trabajado de esta manera desde nuestros inicios, y realmente nunca hemos tocado las puertas de ninguna disquera porque por mucho tiempo consideramos que si era posible ser independientes y generar ingresos a través de la venta de mercancía de la banda y de los shows en vivo. Con el auge de las redes sociales y al ver el LaCarne Magazine

declive de las ventas en la industria musical, no nos parecía muy rentable entrar en un contrato con una disquera, sobre todo porque en su mayoría los términos y condiciones de dichos contratos no son muy favorables para las bandas a nivel económico ni creativo. Ahora las cosas son un poco diferentes, las ganancias por streamings y ventas de tickets en conciertos y festivales han aumentado notablemente, y ahora hay contratos mixtos en los que las bandas ya no salen tan perjudicadas como antes. Podría ser algo que consideremos en un futuro cercano, aún estamos estudiando los efectos del coronavirus en la industria, que parecen ser bastante fuertes. Un gran atractivo de la banda es el hecho de la gran capacidad y feeling vocal de quien desempeña esa labor en la banda, o sea Jessica Pons, eso sin desestimar al resto de los músicos. ¿Cómo está conformada actualmente la banda? La banda está actualmente conformada por Jessica Pons en la voz, guitarra y teclados; Javier Pons en la guitarra principal y programación electrónica; Luis Pons en el bajo; y Deven Starr en la batería. Deven apenas se integró a la banda en mayo del 2019, reemplazando a la baterista y fundadora de la banda Destiny Covault, quien no pudo continuar con los compromisos de la misma, ni atender los eventos y shows con la frecuencia necesaria. Red Calling, su primer álbum de larga duración, salió en el 2016. ¿Cuál fue el concepto detrás de esta grabación? Red Calling no es un álbum conceptual en sí, pero predominan temas muy personales, como el no volver a eso que nos hace daño, el volverte más fuerte, el abrir los ojos ante la vida, romper el silencio ante las injusticias, etc. En fin, hacemos repetidas referencias a un “despertar”. Durante la grabación de este nuestro primer larga duración maduramos mucho musicalmente.

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Con este álbum empezamos a experimentar con elementos electrónicos y backtracks, diferentes técnicas de grabación, diferentes equipos electrónicos y sintetizadores. Este álbum fue grabado en Starlight Studios en Orlando, Florida, mezclado y masterizado por Evan Coffman, quien ha mezclado y producido bandas internacionales como Twenty One Pilots y A Rocket to the Moon. Fue realmente una escuela, aprendimos muchísimo de él. Han participado en varios eventos, como el Rockapalooza y Megaton. ¿Qué tal la acogida en estos eventos y qué impresión se llevaron de los mismos? Afortunadamente tuvimos una acogida muy positiva y cálida por parte del público en estos festivales de verano. Conocimos muchísimas bandas nacionales, excelentes músicos, y ga-

namos nuevos seguidores. Fueron experiencias geniales debido a que tuvimos la oportunidad de tocar delante de miles de personas por primera vez, y de verdad es una sensación inigualable. No hay nada mejor que tocar en festivales, es la mejor manera de darse a conocer en este país. El ver de primera mano cómo se manejan estos eventos y las bandas a nivel profesional, fue muy pedagógico, aprendimos muchas cosas que luego empezamos a poner en práctica. También han compartido escenario con muchas reconocidas bandas. ¿Qué ha significado esto para el grupo? ¿Qué experiencias y aprendizajes han obtenido en cada concierto? Tocar con bandas reconocidas definitivamen-

te ayuda a abrir más puertas y a solidificarte como grupo a nivel profesional. Como comenté anteriormente, el tocar en eventos de mayor envergadura nos dio la oportunidad de aprender cómo se manejan las bandas profesionales, desde la prueba de sonido, la mercancía en venta, el manejo de los equipos para armar y desarmar de la manera más eficiente y rápida, el estar preparado para cualquier falla técnica en el escenario, etc. En cada concierto se aprende algo nuevo, y eso te hace crecer cada vez más. El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas. ¿Son muy activos en esto de la promoción audiovisual? Al principio no éramos muy activos, pero, con el auge de las plataformas como YouTube e Instagram, la promoción audiovisual ahora es vital para cualquier banda. LaCarne Magazine

Estamos tratando de sacar un sencillo con su respectivo video más seguido, pero tratamos de crear contenido de baja producción semanalmente, como grabación de ensayos, vídeo saludos, etc. Actualmente el contenido de social media se consume demasiado rápido, y hay que mantenerse activo creando contenido para poder aumentar los seguidores y mantener a los que se tienen. Dada la situación y crisis actual del mundo debido al Covid-19, ¿cómo ven en su opinión la actualidad de la escena rock y metal en Estados Unidos? ¿Cómo esta de salud la escena norteamericana en la actualidad? Aún es demasiado pronto para atrevernos a medir el impacto que el virus ha tenido en la industria musical en este país. Apenas este fin de semana (junio 5, 2020) es que van a reabrir los bares, clubs y teatros, lugares donde se desarrolla principalmente la escena musical. Decenas de festivales de verano y cientos de giras y conciertos fueron cancelados o pospuestos, representando pérdidas millonarias. Esperamos que el impacto no haya sido devastador, realmente es casi imposible medir desde ya las consecuencias de este hecho sin precedentes en la historia de la música moderna. Sólo nos queda esperar y ver. Muchas bandas en la actualidad están utilizando en gran medida Internet y las redes sociales como medio de promoción de su música. ¿Qué opinión tienen sobre esos medios de difusión? Internet y las redes sociales son de inmensa ayuda para alcanzar y dar a conocer tu música de manera muy efectiva y directa a un público específico, ya que te permite trabajar con datos demográficos, y dirigir tu música a potenciales seguidores a nivel mundial. Las redes te abren puertas en lugares remotos. Nosotros particularmente hemos tenido

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una muy buena acogida en Inglaterra y otros países de Europa, a pesar que nunca hemos puesto un pie allí. Pero nada puede reemplazar los conciertos y presentaciones en vivo. Ahí es donde las bandas demuestran su calidad, talento y nivel profesional. Pienso que se debe trabajar en ambas áreas de manera simultánea, una complementa a la otra. ¿En algún momento imaginaron que este proyecto fuera a ser tan importante como lo es ahora? No, este proyecto empezó realmente como un hobby en el 2010. Pero siempre hemos sido apasionados por la música, es una forma de expresión necesaria, y una extensión de nosotros. Fue alrededor del año 2014 cuando decidimos hacer las cosas en serio, y eso nos llevó a grabar nuestra música profesionalmente, y luego las cosas se fueron dando poco a poco. No hace mucho lanzaron el single “I Had it All”. ¿Qué ofrece éste que no hayamos escuchado

Su nuevo EP se ha interrumpido debido al coronavirus. ¿Para cuándo crees que ya el público podrá disfrutar de este nuevo trabajo discográfico? Esperamos poder terminar de grabar nuestro nuevo EP muy pronto. Es un poco difícil decir aún cuándo debido a las restricciones que hay para viajar y muchos estudios que aún están cerrados al público. Pero esperamos que pueda ser este mismo año. Adicional a la grabación de su próximo trabajo discográfico, ¿cuáles son otros objetivos y planes de la banda para lo que resta de este 2020? Tenemos planeado lanzar para finales de verano otro sencillo que ya está grabado, junto a un vídeo promocional para estar activos en las redes.

antes? ¿Qué nos pueden comentar sobre la producción de este single, y de por qué esta canción es el tema escogido para el promocional del próximo trabajo de la banda? “I Had it All” es un tema en donde implementamos riffs de guitarras estructuralmente más complejos y pesados, y una mayor cantidad de elementos electrónicos y programación. Yo particularmente pasé de usar la guitarra de seis cuerdas, a una de siete cuerdas por primera vez con esta canción en particular. Este nuevo sencillo, junto a otros temas que formaran parte del nuevo EP, fue grabado en Timeline Studios en Nashville, Tennessee, USA. El tema fue grabado, mezclado y masterizado por Scott “Scooby” Bush, actual guitarrista de la banda de rock Cinder, y ex integrante de la banda The Nixons, cuyo baterista era Ray Luzier, actual baterista de la banda Korn. Escogimos este tema como nuevo sencillo porque sentimos que los riffs de guitarra y la batería son bastante intensos y pegadizos, y nos gusta mucho tocar este tema en vivo.

Apenas las cosas vuelvan a la normalidad esperamos poder empezar a tocar en vivo localmente, y empezar a planificar una gira en el sureste del país para el 2021. Bien, esto sería todo, muchas gracias por tu tiempo. Para finalizar, aquí tienes espacio para cualquier comentario final. Muchísimas gracias a ti y al equipo de LaCarne Magazine por esta oportunidad que nos brindan, y por todo el apoyo a nuestra banda. Pueden contactarnos cuando quieran y chequear nuestra música, vídeos y tienda virtual en nuestra página web. ¡Mantengámonos unidos, fuertes, y con una actitud positiva ante todos estos eventos que están sucediendo a nivel mundial! La comunidad del Rock y Metal es una hermandad muy fuerte y sé que sobrevivirá todo esto.

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