LaCarne Magazine N96 by LaCarne Magazine

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Nº96 - JUN 2020 - AÑO 9

Muddy Waters el padre del Blues de Chicago EXPERIENCIAS

FESTIVALES DE PRIMAVERA VILLE VALO

investigación MUDDY WATERS

ENTREVISTAS

LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN BOLIVIA - SPATARO - EUTANASIA BRUTAL - MIKAN - NICHOLAS PERRY - SWIM TO DROWN SELLOS MUSICALES EN BOLIVIA

N96 aÑo 9 jun 2020

SUMARIO

experiencias 06 Festivales de Primavera para

28 Spataro, Metal argentino con iden-

10 Ville Valo, el regreso del Love Metal

plinar

Verano/Otoño

tidad propia

32 Mikan, músico y artista multidisci36 Eutanasia Brutal presenta su trabajo al mundo

investigación 40 Nicholas Perry, envolvente folk 14 Muddy Waters, el padre del Blues de con sintetizadores Chicago 44 SwiM to Drown, la evolución del Nu Metal entrevistas 48 Sellos musicales en Bolivia, 20 La Música Electrónica en Bolivia ¿qué hay detrás? en la actualidad

muddy waters

el padre del Blues de Chicago

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, omar vega, ángela sumy, Eva maría aroca * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Festivales de Primavera APLAZADOS para Verano/Otoño

algunos de ellos aplazados pero sin fechas, como es el caso de Guoman.

l Covid 19 ha cambiado nuestro modo de vida temporalmente, pero seguramente, como pasó tras la crisis del 11 S, el bichito cambiará el mundo sobre todo en medidas sanitarias, y en aquellos eventos (y en el caso que nos ocupa, de los festivales) donde se congregan miles de personas. Desde el 14 de marzo empezamos nuestro confinamiento en España, y eso ha implicado todo tipo de suspensiones y aplazamientos de eventos de distinta índole que se realizaban en primavera. Nosotros nos centraremos en lo referente a festivales de música. Womad, Palomos, Horteralia (edición Madrid), Festivalino, SubeRock son todos festivales extremeños que se han suspendido, y

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De otros que se realizan en verano, como Mayorga Rock, no tenemos noticias. Si todavía no te has organizado, tranquilo, te hacemos una agenda con las nuevas fechas de los festivales primaverales que pasan a verano u otoño:

Organiza tu agenda festivalera de Primavera para Verano/Otoño PRIMAVERA TROMPETERA 2020 18-19-20 junio

El festival Primavera Trompetera de Jerez de la Frontera se venía realizando a mediados de abril, ofreciendo un cartel con el mestizaje y electrónica (en diferentes vertientes) como buques insignias, y pretendiendo ser el sustituto actual de lo que fue el Espárrago Rock. Sin ningún festival con el que competir, su

nueva fecha es a finales de junio, un riesgo evidente en lo que sería el fin de semana que abre el verano. Visitar Web

ROCK IN RIO LISBOA 20-21-27-28 junio

Uno de los festivales estrella de Portugal, de hecho, dicho festival cuenta con una parte del público procedente de Extremadura, Andalucía o Castilla y León. El retraso de dicho festival ha sido de un mes, de finales de la primavera al inicio del verano. No se verá muy afectado en cuanto a su público se refiere. Visitar Web

ITHAKA FESTIVAL 26-27-28 junio

El importante festival de música electrónica y avanzadas, de reciente creación y que se realiza en Medellín, está en «stand by» debido a la pandemia. La venta de entradas está parada, pero siguen presentando parte del cartel a la espera de que sucederá en el futuro. Un festival que recoge electrónica, playa fluvial, naturaleza, y arquitectura en un paisaje idílico. Visitar Web

GRANIROCK FEST 2020

3-4 julio (CANCELADO) El festival más potente de rock en Extremadura. El año pasado programaron mejor que el todo poderoso Extremúsika, y este año prometen con Ska-P de cabezas de cartel, y una representación extremeña de lujo con The Buzzos, Descalzas, y los ganadores del Bellota Rock (festival hermanado) No Procede. LaCarne Magazine

Las expectativas son altas, pero la incertidumbre sigue al acecho para toda Quintana de la Serena. Visitar Web

FESTIVAL MÚSICOS POR LA NATURALEZA

Gijón será el nuevo lugar de peregrinación para aquellos amantes del Sònar que decidan permanecer 10 días más en España. Con un público fiel, no creemos que el cambio de fecha les afecte demasiado, en todo caso incluso ampliar su público.

(Suspendido 4 de julio)

Ver Web

Dicho festival, que se realiza en Hoyos de Espino, ha decidido suspender la edición del 2020.

PRIMAVERA SOUND

El festival, que cuenta con artistas de primer orden, iba a ser en una jornada única, y por el que han pasado Bob Dylan, Mark Knofler, Beach Boys, Sting o Pet Shop Boys. Un festival de ambiente familiar y destinado a un público extremeño, castellano y madrileño. Ver Web

ROCK FEST

2-3-4 julio (¿Aplazado?) El festival de hard rock y heavy metal más importante de España, que se realiza en Santa Coloma de Gramenet, está en vilo. De momento, han surgido rumores de su cancelación, pero los comunicados oficiales de la organización hablan de un posible aplazamiento. Teniendo en cuenta la edad de los cabezas de cartel, y ser población de riesgo delante del coronavirus, es lógico pensar que acabará realizándose en otra fecha. Ver Web

L.E.V. FESTIVAL 2-3-4-5 Julio

El festival top de música electrónica y artes audiovisuales de la primavera, que se realizaba en el puente del 1 de mayo, pasa a realizarse la primera semana de julio.

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26-27-28-29-39 agosto El festival TOP de España y del sur de Europa. El festival que más atrae al público extranjero también ha cambiado de fecha, de junio a finales de agosto. Meter un festival en agosto en Barcelona puede ser la saturación máxima por coincidir con otros eventos importantes de la ciudad que atrae al turista, como es la Festa Major de Gràcia. En Barcelona ya están acostumbrados a las grandes aglomeraciones, y este agosto no será menos. Ver Web

NOS PRIMAVERA SOUND (OPORTO) 3-4-5 septiembre

La sucursal de Primavera Sound en Portugal se pasa a la primera semana de septiembre. Un festival que tienen su público fiel en Portugal, y también entre todas las provincias españolas próximas a Oporto, como son Galicia, Castilla o Extremadura. Puede ser un inconveniente para el festival Tomavistas, aunque ofrecen carteles diferentes y ambos tienen un caudal potente de público como para no verse afectados. Ver Web

TOMAVISTAS 2020 3-4-5 septiembre

El festival madrileño que se venía realizando

a finales de mayo pasará a realizarse a finales de verano, en la primera semana de septiembre. Un festival que tampoco se verá afectado en cuanto a su público. Los madrileños estarán de vacaciones o de vuelta de ellas, y con ganas de seguir disfrutando del buen tiempo y la buena música. Incluso por su cercanía a Primavera Sound a lo mejor algún turista se deja caer por Madrid. Ver Web

WARM UP ESTRELLA LEVANTE

SAN SAN FESTIVAL 9-10-11 octubre

El festival más potente de Semana Santa. Todo aquellos que preferían música, sol, playa a la vigilia, nazarenos y las plegarias, tenían esta opción. Pero como todos sabemos, han cambiado de fecha, y la elegida es el puente del Pilar. Benicasim cuenta con las infraestructuras creadas por otros festivales para desarrollar un festival fuerte, y de hecho éste lo es.

1-2-3 octubre

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El mítico festival murciano, que se realizaba también en el puente de mayo, se caracteriza por ofrecer un cartel diferente al que ofrecen otros festivales en la misma época, como son el Viña Rock o el Extremúsika.

VIÑA ROCK 2020

Pero además han evitado coincidir con todos los anteriores eligiendo una semana antes. Sol, gastronomía, y cercanía a la manga es también lo que nos ofrece este festival. Ver Web

EXTREMÚSIKA 2020 9-10-11 octubre

El festival con mayor presupuesto de la región, y que se realizaba en el puente de mayo, decidió cambiar sus fechas, no como consecuencia de la pandemia, sino para evitar competir con otros festivales. Ellos han elegido el puente del Pilar, es decir, 9-10-11 de octubre. Una buena fecha inicialmente porque antes de que pasara todo, había pocos festivales, y el tiempo todavía es apetecible. Desgraciadamente este festival tiene una maldición, porque ahora muchos festivales también coincidirán en fechas otoñales. Ver Web

8-9-10-11 octubre Si hay un festival referente en el mundo del rock español es el que se realiza en Villarrobledo. Con 25 años de experiencia, es el festival TOP, y competir con él es una tarea dificilísima. Las nuevas fechas implicarán probablemente que el tiempo sea mejor, menos frío, más sol y calor, y probablemente las lluvias, si las hay, serán menos copiosas. El viña tiene un público fiel, y coincidir con él es un problema. Ver Web

MALLORCA LIVE FESTIVAL 8-9-10 octubre

El festival insular que se realizaba la segunda semana de mayo, también ha elegido el puente del Pilar para desplegar su cartel. Este festival no compite directamente con los 3 anteriores, pues Mallorca tienen un caudal turístico tal, y un margen de población lo suficientemente amplio para no verse afectado por la coincidencia de fechas con otros festivales. Ver Web LaCarne Magazine

Ville Valo

el regreso del Love Metal LEER MÁS

uy buenas a todos los lectores! En esta ocasión os traigo lo que probablemente ha sido lo que está haciendo mi confinamiento un poquito más feliz, musicalmente hablando, y es que nada más y nada menos que el señor Ville Valo, líder de la banda finlandesa HIM, ha regresado en solitario, pero esta vez para continuar enamorándonos con su propio estilo musical, que tanto echábamos de menos los fans de dicha banda.

Ville Valo, LOVE METAL IT´S BACK!

Fue en 2013 cuando HIM nos decía “adiós” con su último álbum Tears on Tape, aunque no fue hasta 2017 cuando hicieron su gira de despedida, con la que visitaron España haciendo paradas en Madrid, Barcelona y Santander.

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La primera vez y la última que los he visto en concierto, como fanática que soy de ellos desde sus inicios, era una ocasión que no me iba a perder por nada del mundo. Aunque sabiendo que era una cita un poco amarga, ya que no íbamos a poder escuchar su particular estilo “Love Metal” en material nuevo. Os confieso que lloré, para mí fue todo un drama, y sé que para muchos fans también. Después hemos tenido la ocasión de volver a ver a Ville en solitario con su tema “Olet Mun Kaikuluotain”, una bonita canción en finlandés. También ha trabajado en varias colaboraciones, como en la versión del tema oficial de ABBA “Knowing me, Knowing you” junto a MGT. Finalmente hizo su regreso oficial a los escenarios gracias a la banda Agents, de la cual surgió la formación Ville Valo & Agents, con quien participó en los premios Emma Gaala en Finlandia en el pasado año 2019, y con

me encanta desde el primer segundo, con ese ritmo a la batería, las guitarras, el estribillo tan pegadizo, y la melodía que me recuerda tanto a temas como “Heartkiller”, aunque quizá se note que Ville está ahora en una etapa más tranquila de su vida. Sin ninguna duda, en cuanto escuché este tema, una explosión de adrenalina y felicidad se apoderó de mí. ¡El “Love Metal” está de vuelta! Continuamos con el segundo tema, “Runaway From The Sun”, con la que volvemos a soñar y a ponernos nostálgicos y románticos con ese sonido que es… tan de HIM. Esta vez es una balada sin olvidarnos del rock, y las características “palmadas” de Ville en el estribillo, al igual que en el tema “All Lips Go Blue”

quienes ya había trabajado antes, muchos años atrás, en su juventud. Aquí podéis ver a Ville Valo & Agents en la Emma Gaala: https://youtu.be/AaPuNS67mKA

Ville Valo y su nuevo trabajo GOTHICA FENNICA VOL. 1

Así se hace llamar el nuevo trabajo de este “galán tatuado” que tantos corazones derrite, tanto por su música y letras, como por su atractiva presencia. Cuenta con tres temas completamente nuevos con ese inconfundible sonido que tan nostálgica me hace sentir, y que tantos recuerdos me trae a la mente, y que a continuación escucharemos. Desglosamos los 3 nuevos temas de Gothica Fennica Vol. 1 Empezamos con “Salute the Sanguine”, que

Y, por último, el tema “Saturnine Saturnalia” es un tema envolvente, con un sonido de guitarras más oscuro que en los otros dos temas anteriores, con ese toque misterioso y místico que Ville le da a la música, y los coros con su característica voz grave que tanto me gusta. Estoy más que feliz con el resultado de este nuevo trabajo, del que sabemos muy poco, ya que ha sido toda una sorpresa que de repente estaba en las redes sociales, y fue como recibir un regalo. Se rumorea que tocando el bajo se encuentra Migé Amour, también bajista desde el principio en HIM, y gran amigo de Ville, pero eso son sólo rumores. Mientras esperamos más novedades acerca de este nuevo proyecto musical de Ville, podemos seguir deleitando nuestros sentidos con estos tres nuevos temas que nos han encantado a todos los fans. Espero que os haya gustado la lectura y recordad, amigos, Love Metal Forever!

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Muddy Waters el padre del Blues de Chicago

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n este entrega vamos a hablar de Muddy Waters, un personaje imprescindible en la historia de la música moderna, que abrió camino al Rock and Roll, y a todo lo que de él derivó.

El padre del Blues de Chicago, Muddy Waters

Muddy Waters nació como Mckinley Morganfield el 4 de abril de 1913. No se sabe exactamente dónde, pero parece que fue en Rolling Fork, Mississippi. Su madre murió al poco de nacer él, así que fue criado por su abuela Della Grant, quien le apodó Muddy (lodoso) pues le encantaba jugar con el agua tibia de los bayous cercanos (el Waters vendría después, en la adolescencia, cuando empezó a tocar la guitarra y la armónica). Creció en la plantación Stovall, cerca de Clarksdale, Mississippi, donde pronto se familiarizó con la músca de los bluesman locales famosos Son House y Robert Johnson. Los restos de la cabaña donde vivió en la plantación están en el Museo del Blues del Delta, en Clarksdale. Empezó pronto cantando en la iglesia, y con 17 compró su primera guitarra, y comenzó a tocar por aquí y por allí en las plantaciones después de los trabajos. En 1941, el antropólogo Alan Lomax fue hasta la plantación Stovall para hacer una serie de grabaciones a músicos de blues y country de la zona. Fue a la cabaña de Muddy y en el porche le grabó a pelo, voz y guitarra. Fueron un par de canciones que después le envió en un disco junto a 20$. Un año después volvería a grabarlo.

Ambos trabajos se utilizaron para una investigación de la Biblioteca del Congreso, pero también se lanzaron comercialmente con el nombre de Down On Stovall’s Plantation (que serían reeditados por Chees Records en 1993, y remasterizados en 1997).

En busca de fama y fortuna

Y así comenzó, haciéndose un nombre en la zona. Sin embargo, en el Delta era un bluesman más, así que en 1943, cogió el petate y se marchó a Chicago en busca de fama y fortuna. Allí encontró su sonido, y además definió para siempre el sonido del Blues eléctrico, ya veréis. En Chicago comenzó trabajando en un fábrica casi a tiempo completo, y por las noches tocaba donde podía. Pronto el Bluesman más famoso de la ciudad, Big Bill Broonzy, le descubrió y decidió darle una oportunidad dejándole abrir sus espectáculos. En 1944 compró su primera guitarra eléctrica y formó su primera banda, en la que ya contó con los talentísimos Little Walter (una triste historia que ya os contaré) a la armónica, y Jimmy Rogers como segunda guitarra. El sonido de Muddy Waters era muy innovador, pues rompía con la tristeza y melancolía del Blues de ciudad. Nuestro bluesman mostraba el optimismo relacionado con los negros después de la posguerra. Además, su uso del Slide se convirtió en un sello de identidad del sonido Waters. El Blues eléctrico había encontrado a su gurú. En 1946 consigue un contrato con la discográfica Aristocratic, que después pasaría a ser la famosísima Chess Records, la meca del Blues eléctrico, y en 1947 salieron a la luz sus primera grabaciones «Gypsy Woman» y «Little Anna Mae». Sólo le acompañaba Sunnyland Slim al piano. Sin embargo, el éxito no le llegaría hasta un año después con los temas «I Feel Like LaCarne Magazine

Going Home», «I Can’t Be Satisfied», y «Rollin’ Stone».

La banda de Muddy Waters

A principios de los 50, la banda de Muddy Waters era la estrella principal de Chess Records, y en 1953 grabaron el mayor éxito de nuestro artista: Hoochie Coochie Man (4000 copias en un sólo día). Empezaba a alcanzar el estatus de leyenda, siendo cada vez más cotizado en las salas de la ciudad por su sonido innovador y fresco. En esta época aparece en escena un nuevo Bluesman lleno de carisma, que competía directamente con Muddy, Howlin’ Wolf. La rivalidad entre ambos era amistosa, pues cuando Howlin’ llegó a Chicago, se quedó en casa de Muddy, además ambos tuvieron los mismos maestros. La rivalidad entre ambos representa los años dorados del Blues eléctrico. Willie Dixon era el encargado de escribir canciones para ambos.

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Estos nuevos sonidos abrieron, como ya he dicho, el camino al nacimiento del Rock and Roll. Muddy Waters se uniría también a este nuevo sonido con «Mannish Boy». Nuestro hombre tenía muy buena visión para la música. De hecho, fue quien dio la primera oportunidad a Chuck Berry, insitiéndole que fuera a ver a los hermanos Chess. Mudddy siguió creando: «Got My Mojo Working», «I Just Wanna Be Make to Love»…, pero la popularidad del Rock and Roll le arrinconó un poco. En este momento decide dar un paso más, e invitado, viajó a Inglaterra donde la música negra tenía bastante acogida. Allí, acostumbrados al Dixie, el Folk y el Jazz tradicional, el nuevo sonido sureño pero eléctrico de Muddy enloqueció a la peña, causó un gran impacto entre los jóvenes músicos ingleses, que rápidamente absorbieron el sonido, entre ellos miembros de bandas como los Rolling Stones (llamados así por la canción de Muddy), Cream o Fleetwood Mac.

Los últimos años de Muddy Waters

tratos sin leerlos, renunciando a sus royaltis, y con ellos, a sus beneficos. Chess Records le daría la fama, pero desde luego era su esclavo. A menudo le pagaban con coches (podéis echar un ojo a la película «Cadillacs Records») o le «regalaban» una casa, cuyas escrituras no le pertenecían. Nunca recibió ingresos reales de sus éxitos. Parece ser que era bastante buena gente. Al haber sido criado en condiciones muy duras, nunca tuvo reparo en ayudar y acoger en su propia casa a quien lo necesitara. Además, ayudó a muchos músicos a triunfar, incluso a muchos que (sin querer) arrinconaban su sonido.

Una figura imprescindible

Muddy Waters es una figura imprescindible en la historia y desarrollo de la música moderna. Los 60 siguieron con éxitos. Grabó su primer disco en directo en el Festival de Jazz de Newport, con una apabullante actuación de «Got My Mojo Working». También se adentró en sonidos más folk con el álbum Folk Singer, e hizo alguna que otra gira europea más. Si bien conforme iban pasando las décadas su popularidad iba bajando, siempre se mantuvo en la ola, y parte de éxito se lo debemos también a muchos músicos jóvenes que le descubrieron en los 70, y no desaprovecharon la oportunidad de tocar con él (The Band, Eric Clapton, Van Morrison, Bob Dylan, The Rolling Stones…). Durante todo este tiempo, Muddy Waters no perdió ni un ápice de su esencia. Su última aparición fue en 1982, en un concierto junto a Eric Clapton. Fallecía el 30 de abril de 1983 por un infarto al corazón en Westmont, Illinois. Sin embargo, casi todos los manágers y discográficas con las que trabajó se aprovecharon de él y de su falta formación. Firmaba los con-

Fue el primero en sacar el Blues del Delta y enchufarle electricidad. Sin su aportación musical, el Rock and Roll nunca hubiera sido viable. Prueba de ello es el reconocimiento (nunca suficiente) que tuvo y tendrá entre los músicos de Rock (Jimmy Hendrix, Eric Clapton, Angus Young, Keith Richard y muchos más veían en la figura de Muddy su mayor inspiración). Sin embargo, la industria musical, una vez más se aprovechó del negro sureño, hubo muchos plagios y poco reconocimiento… Seguro que muchos de vosotros y vosotras conocéis mejor el tema de Led Zeppelin «Whole Lotta Love» que «You Need Love» de Muddy, en quien ellos dicen inspirarse, pero lo que hicieron fue una copia blanca, con mucha clase eso sí, pero una copia (y no es la única). La triste historia de siempre, vamos. Por esto es importante recordar y tener presente a estos artistas, que vivieron con la música como motor vital, y que, sin ser conscientes de ello, nos ofrecieron una página musical en blanco para desarrollar. LaCarne Magazine

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La Música Electrónic en Bolivia en la actualidad

sobre la situación actual que atraviesa el mercado de música electrónica en Bolivia. Esta charla fue organizada por Alejandro Ustárez, Efraín Candia y Luis Soria.

a industria musical ha sido una de las grandes afectadas debido a la pandemia del COVID-19. En Bolivia, los músicos, y en este caso los DJ’s/productores y la música electrónica han sentido los efectos de dicha pandemia.

Se contó con la participación de DJ’s/productores bolivianos como Nina Schatz, JoC H, Pituko, Ra Beat, entre otros. Además de organizadores de eventos, e incluso oyentes de este género musical que participaron del mismo.

Imposibilitados de realizar sus actividades de forma habitual, con una situación totalmente agravada para quienes viven exclusivamente de la música, y conscientes de que sus actividades (eventos, presentaciones en vivo) tardarán mucho tiempo en volver a la normalidad, es que se organizó una charla virtual para tratar algunos puntos importantes para DJ’s/ productores bolivianos.

Varios fueron los puntos tocados, sin embargo, se trataron algunos de vital interés:

El 4 de abril de 2020, a las 11 am (Hora Bolivia) se llevó a cabo un conversatorio virtual

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El primero de ellos enfocado a la situación actual de la música electrónica debido a esta pandemia. El segundo, referido a la conformación de un gremio de DJ’s/productores, sonidistas, organizadores de eventos, etc, que respalde su trabajo y les pueda brindar visibilidad y apoyo ante el gobierno. El tercero, concerniente al tema de los impues-

tora paceña, quien se dedica y vive exclusivamente de la música, lamenta la situación que actualmente atraviesa la industria musical: “Es una situación difícil para las personas que vivimos de eso. Yo me he dedicado ‘full time’ a las tocadas y a la producción musical. Y fue una situación compleja para el rubro desde los problemas políticos de octubre, porque tuvo mucha implicancia en el rubro artístico, ya que nos llevó a una pausa intensa y obligatoria. Y bueno, ahora a principio de año se intentó retomar las actividades, pero nuevamente nos vemos perjudicados por una situación que escapa de nuestras manos”, relata. Otro DJ/productor que también se encuentra afectado es Álvaro Arce “Ra Beat”, quien afirma que, si bien este año se inició con pie derecho en la organización de actividades relacionadas con la música, esta pandemia cortó totalmente dicho avance:

tos para la realización de eventos, y el apoyo gubernamental/municipal hacia la escena de música electrónica en el país. Y el último punto, enfocado a las acciones futuras que deberán tomar DJ’s/ productores para hacer frente al COVID-19.

Una escena afectada por la pandemia

La escena electrónica boliviana, y en sí la escena musical del país, se vio afectada desde finales del año pasado con la paralización de actividades, debido a los problemas políticos y sociales que atravesó Bolivia en el marco de sus elecciones. Lamentablemente, el poco tiempo que tuvieron los DJ’s/productores bolivianos y organizadores de eventos para volver a la normalidad y reanudar sus actividades, se vio nuevamente truncada por una situación totalmente ajena al control humano: la pandemia del COVID-19.

“Yo vivo únicamente de hacer música, hago spots, jingles u otro tipo de cosas que dan rentabilidades más rápidas, pero, como todos, tengo mi pasión hacia la música y la música electrónica, y justamente enfocado en eso es que con las tres productoras con las que trabajo, desde hace año y medio estamos trayendo artistas y haciendo eventos. Después de esta pandemia, la música va a tener una reinvención, porque ahorita todos los artistas vamos a estar bloqueados por un buen tiempo de las presentaciones en vivo. Yo calculo unos cuatro o seis meses en que la escena va volver un poquito a la normalidad, si no es hasta fin de año. Y tenemos que ver las maneras de cómo vamos a generar económicamente nuestros recursos”, refiere. Y es que también los organizadores de eventos han sido perjudicados. Así lo corrobora Ariel Arancibia, creador y administrador de la organizadora de eventos “Sun Stage”:

Yohana Henry “Nina Schatz”, DJ y producLaCarne Magazine

“Muchos proyectos se han ido pausando y estancado, pero eso no implica que se hayan cancelado. Va a ser difícil retomar el paso, pero da otra oportunidad de hacer otro tipo de cosas. Una forma de seguir apoyándonos es continuar con estas reuniones virtuales, porque quienes organizamos eventos también nos vemos limitados”, explica Ariel. Por otro lado, José Mancilla, organizador del evento “Sumjorck Fest” en la ciudad de Potosí, relata los planes que lamentablemente tuvo que cancelar debido a esta pandemia: “Hace tres años que llevo realizando el primer evento masivo de música electrónica en Potosí (Sumjorck Fest), incluso en las últimas ediciones contamos con el apoyo de la Alcaldía. Siempre realizábamos el evento en abril, pero por esta situación lo tuvimos que reprogramar, y bueno, aún no sabemos para qué fecha”, explica.

La conformación de un gremio enfocado en el rubro electrónico

nada al Estado. En cambio, acá (en Argentina) sí contamos con un gremio y con leyes que nos representan frente al gobierno. Yo formo parte del gremio justamente por radicar un buen tiempo acá en Argentina”, explica. Por otra parte, José Henry “JoC H”, Dj/productor paceño y cofundador de 3600 Stage, junto a su hermana Yohana Henry “Nina Schatz”, recalca la importancia de la creación de un gremio que pueda representar legalmente a DJ’s/productores y organizadores de eventos bolivianos ante instancias gubernamentales: “He vivido esa época en la que había rivalidades entre productoras, pero ahora hay una nueva generación. Una nueva energía, una nueva filosofía de trabajo, que se enfoca en apoyar la música, en compartir la música de nuestros colegas nacionales. Es un trabajo totalmente independiente, no muy lucrativo, sacrificado.

Los Dj’s/productores y organizadores de eventos electrónicos no sólo se enfrentan ahora a esta problemática mundial, sino que desde años pasados han tenido que hacer frente a muchas trabas, sobre todo legales, en la realización de eventos y fiestas.

No contamos con un gremio de música electrónica en Bolivia, que sería interesante porque creo que si nosotros nos unimos en ese sentido, podemos conseguir apoyo de parte de las autoridades, y gestores culturales, y no solo sustentar esta escena desde nuestros bolsillos, sino también tener un apoyo externo que ayudaría al crecimiento”.

Alejandro Ustárez compara la situación actual en Bolivia, referida al marco legal, con lo que pasa en Argentina, país en el cual reside actualmente:

Álvaro Arce “Ra Beat” apoya la noción de José Henry al recalcar ese compañerismo y apoyo existente entre quienes forman parte de esta escena electrónica:

“Los músicos en Bolivia no tenemos una asociación que nos establezca como legales ante el gobierno, lo cual no nos da derechos sociales ni médicos, básicamente no existimos para la sociedad a nivel legal.

“En un momento hablaban de que había mucha rivalidad y competitividad, cosa que ya no es perceptible ahora porque ha habido una unión de la mayoría de los artistas de música electrónica a nivel nacional.

Y el músico, el técnico en sonido, el DJ, los que hacen eventos, es gente que vive de noche, y ese ritmo de vida te va cobrando al cuerpo y mente. El hecho de no ser un gremio legal nos deja en un punto en el que no podemos exigir

Cada uno respeta los cronogramas y calendarios, hay ‘Label Partners’… Así podemos ayudarnos entre las distintas producciones, es interesante ese movimiento.

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Pero básicamente creo que todos nacemos con este amor innato hacia la música electrónica, de hacer crecer el mercado y cultivar el oído de la gente, para que no escuchen solo cosas netamente comerciales, sino otras cosas que cultiven su gusto musical”, afirma. Y pese a toda la información que existe acerca de esta escena electrónica en Bolivia, aún existe una mentalidad cerrada de parte de algunas personas, quienes únicamente relacionan a la música electrónica con drogas, alcohol y fiestas “sin sentido”. Cuando en realidad lo que se debería tener en cuenta es el aporte cultural que esta escena brinda al ámbito social/cultural paceño y boliviano. Así lo explica “JoC H”: “Más allá de la idea de que sólo son fiestas para ir a tomar (alcohol), la música electrónica es cultura, es arte. Todo lo que conlleva es un trabajo bien duro, desde la parte del marketing, línea gráfica, el traer artistas internacionales, hacer eventos, dar clases en muchos casos. Entonces, entiendo el trabajo, el sacrificio, y sería bueno generar un bloque sólido de apoyo y de gestión para que no sólo seamos anónimos y estemos en un rinconcito, sino que tengamos una voz más fuerte para llevar a cabo proyectos que puedan tener más gente”.

Los impuestos y el apoyo municipal/ gubernamental hacia la “movida” electrónica

El apoyo gubernamental que se desea lograr mediante la conformación de un gremio sería un gran paso para poder ayudar a DJ’s/productores y organizadores de eventos. Sobre todo en el tema de los impuestos, el cual todos los participantes de la charla afirman que es bastante perjudicial a la hora de realizar eventos grandes o con artistas internacionales.

Nina Schatz, quien lleva organizando eventos junto a su socio y hermano “JoC H” durante seis años, reconoce las trabas puestas en este aspecto: “Si vamos del lado más matemático, hay una situación de complejidad en el hecho de que como gestores de eventos tenemos que tener un cálculo de cómo vamos a hacerlo, tenemos que tener una cierta rentabilidad. El tema impositivo es bastante complejo, ha sido un gasto bastante fuerte dependiendo de cómo vas. Si vendes todas las que facturas (las entradas), recién te devuelven la garantía. Es un succionador de vida, es difícil trabajar con el tema impositivo dadas las regulaciones actuales. Muchas veces hemos hechos eventos que no necesariamente nos han dado una rentabilidad de volvernos millonarios, porque eso es complicado en Bolivia y Sudamérica; sin embargo, vamos trabajando a la medida de la posibilidad. Sería ideal tener una regulación diferente o un apoyo para todo el rubro, y desde el punto de vista cultural deberían tratarlo, ya que, si te están estrangulando con los impuestos, entonces te limitan a hacerlo de manera “legal” o que apoye”, explica. Álvaro Arce, quien también lleva varios años organizando eventos junto a varias productoras, explica a detalle cómo se da esta carga impositiva para la organización de eventos con artistas internacionales: “Esto no sólo se da en la industria de la música electrónica, sino en general. El porcentaje de garantías es el 35% del show que debes poner como empresario para poder hacer un evento legal acá en Bolivia. Entonces a partir de que se generó esa ley y marco impositivo, los espectáculos en el país han caído indudablemente. Imagínate, si traes un artista que te vale 100.000 dólares, tú tienes que pagar una garantía de 35.000 dólares, aparte de que estás pagando un impuesto LaCarne Magazine

del 16% por cada entrada. Entonces, eso ha acortado un poco el despegue de la industria de entretenimiento a comparación de otros países, donde llegan artistas de gran magnitud con el gobierno apoyando y quitando esos aranceles, como en Perú, por ejemplo. Acá es muy difícil trabajar pagando legalmente los impuestos. Obviamente, cuando llegan DJ’s de talla internacional, puedes trabajar con empresas como Super Ticket, que te tramita todo. Tú no tienes que sacar ni un NIT, no tienes que hacer una empresa y registrarla, ya que Super ticket te hace toda la gestión para facturar las entradas de ese evento”, explica. Es por ello que, para la realización de un evento grande, el NIT es un requisito esencial para dicha “legalidad”. Así lo explica José Henry: “Para el primer evento de 3600 Stage que tuvo un alcance mediático fuerte, tuvimos que registrarnos legalmente y sacar un NIT, sobre todo porque teníamos un DJ internacional, y si no tienes los papeles en orden, los de impuestos te pueden caer en medio de la fiesta y todo eso. Precautelando todo eso, nos hemos registrado legalmente. Es un trabajo fuerte porque se invierte dinero, ya que hay que sacar una garantía según el valor del artista. Ahora, también ha habido otros casos con artistas internacionales que quizá no tenían una repercusión tan fuerte, y lo hemos manejado de manera más ‘underground’, de una manera selecta, privada, casi como eventos privados para que no llegue a los oídos de la Alcaldía. Ha sido un atajo que hemos tenido que viabilizar. Impuestos es muy duro, te cobran bastante dinero, y no siempre es rentable trabajar con un NIT en todos los eventos. Por eso para los eventos más pequeños intentamos hacerlo de una manera más ‘under’”. Por ello, para evitar dicha carga impositiva en eventos pequeños y que no representan una

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ganancia económica como tal, muchos han optado por organizar fiestas más privadas y exclusivas para el público realmente conocedor de géneros específicos de música electrónica: “La escena ‘under’ es algo interesante que tenemos nosotros dentro de la cultura Techno, House, Bass. El hecho de poder trabajarlo de manera privada tiene que ver con que la escena ‘underground’, es como una tribu en la que nos caracterizamos por compartir estas experiencias con gente que entiende la esencia de la escena, y es interesante producir eventos para este tipo de público que quiere sentirse seguro, porque a veces trabajar en eventos demasiado grandes, o trabajar con el Estado, es invasivo, hay mucho control. Nuestra escena es tranquila, pero nos manejamos en otras frecuencias, otras vibras diferentes a las de eventos multitudinarios de otro tipo. Nosotros nos enfocamos en disfrutar la fiesta, por eso es interesante tener nuestras fiestas y que no involucren ningún agente externo. Lo que queremos es compartir con la gente en un ambiente cómodo con música que nos haga viajar, porque de eso se trata la música ‘underground’”, refiere JoC H. Si bien la palabra “ilegalidad” puede tener una connotación negativa para personas que quizá no conozcan el ambiente ‘underground’ en la música electrónica, quienes sí forman parte de esta escena son conscientes de que esa palabra se encuentra relacionada con la esencia básica de la música electrónica, reflejada de manera histórica en las raves de Chicago y Detroit, allá por los años 80. Así lo explica el DJ/productor Paul Jové “Pituko”: “Una de las partes más interesantes es la parte ‘ilegal’, es decir, estar fuera del sistema, que nosotros mismos podamos ‘bancar’ los eventos sin tener que avisar todo al sistema. Me gusta, porque nos mantiene constantes

con rebeldía, y desde ahí nace la música, es una forma de expresión contra el sistema. Obvio que para eventos más grandes hay que trabajar con entidades del sistema necesariamente”. Y es que la escena de música electrónica se encuentra entre una balanza, entre la parte legal centrada en eventos grandes, y la “ilegalidad” de eventos más ‘underground’. Alejandro Ustarez da su opinión al respecto: “Es bueno tener la parte legal, porque eso nos va a permitir llegar a inversiones de tipo privado, pero también, como dicen, hay una parte que no necesariamente debe ser legal, que tiene esa esencia ‘tribal’ de la música electrónica, que está más ligada a generar redes de apoyo en las escenas locales e internacionales con las que te puedes terminar contactando. Las grandes franquicias no van a articular contacto, en cambio con las redes pequeñas es mejor”, explica. Pero no todo es color gris, si bien existen bastantes trabas en el tema de impuestos en Bolivia, también existe un apoyo de parte de las Alcaldías de los distintos departamentos, sobre todo enfocadas a la realización de eventos que apoyen a DJ’ s locales: “Lamentablemente el apoyo con artistas internacionales es el que no hay, pero si uno gesta el evento con solo artistas nacionales, y cuando estás inscrito en el Ministerio de Culturas, si hay posibilidad de acceder a una gestión con apoyo de que no te cobran impuestos”, refiere Nina Schatz. Otro testimonio es el que nos relata José Mancilla, un joven organizador de eventos de la ciudad de Potosí, quien relata cómo recibió el apoyo de la Alcaldía y Gobernación de aquel departamento en la realización de su evento: “El sacar un NIT y demás es algo complicado, pero nos vemos obligados a tener que hacerlo. Yo fundé un festival el Sumjorck, que fue el primero de música electrónica acá en Poto-

sí, que fue un festival enfocado a géneros Big Room, Hardstyle, a géneros más de festival. Fue un gran reto porque sabemos todos que acá es un riesgo hacer cosas por primera vez, y más aún de música electrónica. Yo saqué el NIT para dar factura. En el primer evento, todo fue una inversión terrible, desde hacer el escenario, un buen sistema de sonido, etc. Esa vez tuvimos una pérdida que fue de 3000 a 4000 Bs, pero fue más ese amor a la música. Años siguientes pudimos realizarlo, pero con ayuda de la Alcaldía y Gobernación de Potosí, y esto nos ayudó mucho en lo monetario, ya que antes tuvimos pérdida y queríamos hacer cada año este evento, pero la Alcaldía y Gobernación nos dieron esta ayuda, en las cuales ellos nos financiaban esta inversión, en el sistema de sonido, poder traer a los DJ’s de otros departamentos, hasta poder pagar su estadía, la alimentación, pagarles por los servicios. Estos eventos los sacamos a nivel gratuito, a veces se nos hace difícil poder invertir, pero puedes rescatar lo que inviertes, con estas alternativas que nos han ayudado a hacer ese evento”, explica. Otro ejemplo bastante interesante mencionado en la charla fue el del festival de Arte Digital “Kiebre”, organizado en años pasados por DJ Quien – MKTLW: “El Kiebre me parece un ejemplo interesante de apoyo cultural, con todo lo que conllevaba el evento. Era una semana de ‘aptaphi’ sonoro, que permitía que mucha gente participe, que se acerque por curiosidad por los ‘mappings’, y tengan un contacto más personal con el evento. No se trata sólo de hacer la fiesta y lucrar, sino fomentar la cultura y fomentar el arte”, recalcó JoC H.

¿Qué le espera a la música electrónica LaCarne Magazine

en Bolivia luego de esta pandemia?

Y es que si algo caracteriza a estos artistas y organizadores de eventos es su perseverancia a pesar de las dificultades. Nina Schatz, recalca, por ejemplo, la importancia de trabajar con y para la música durante el periodo de cuarentena, y en los siguientes meses de “distanciamiento social”: “Me da más tiempo y espacio mental para ponerme a producir. Por ejemplo, con el ‘label’ de Erofex ya pusimos nuestro granito de arena, también con Pituko. Se trata de convertir la vibración negativa que hay en el mundo entero de una manera productiva y de sanación para nuestro entorno, ya sea como artistas, como ‘listeners’, y está bueno que tengamos espacios así y movimientos de esta naturaleza, para que no perdamos esta fuerza que tenemos. Es importante tomar conciencia, ya que esto puede ayudarnos a sobreponernos en una crisis. El dinero viene y va, se lo puede trabajar en el tiempo, pero nuestra salud mental es únicamente nuestra responsabilidad porque es lo que tenemos y es nuestra esencia”. En ese sentido, Ra Beat propone una reinvención de la música en los meses venideros: “Tenemos que aprovechar las fuentes de recursos con que podemos generar ingresos, va a demorar varios meses en que podamos salir al vivo otra vez. Esta vuelta va a ser bien paulatina, la gente va a quedar de miedo, como con una herida social que nos va a dañar bastante como individuos. Entonces nosotros tenemos que replantearnos varias cosas, tenemos que reinventar la música, el ‘streaming’ no es la solución adecuada porque de pronto un DJ de media talla va a tener 150 personas viéndolo, y la cuestión es ¿qué estas generando con eso? Estás generando un aporte a la coyuntura social, pero no estas generando recursos.

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“Es importante tomar conciencia, ya que esto puede ayudarnos a sobreponernos en una crisis. El dinero viene y va, se lo puede trabajar en el tiempo, pero nuestra salud mental es únicamente nuestra responsabilidad” Lo que hay que buscar quizá es un patrocinio, un ejemplo de ello es ‘Cosquin Rock’, que está dando series y conciertos online que están siendo patrocinados por un banco, el banco genera recursos para pagar a esta empresa y a los artistas que participan. Y por eso yo levanto la interrogante: ¿Qué es lo que viene para los que estamos viviendo de la música? Van a tener que pasar unos buenos meses, porque esto no va a terminar el 30 de abril. Quizá una sugerencia sería unir un colectivo solido de ‘streaming’ o ‘lives’ bien producidos, bien hechos, y así generar un contenido mayor que permita que puedas venderlo”, finaliza. La charla fue extensa y, como se mencionó en un principio, se trataron varios temas interesantes. Sin embargo, el presente artículo quiso recopilar los temas más importantes y que de seguro serán tratados por los DJ’s/productores y organizadores de eventos, para lograr una visibilidad ante entidades gubernamentales, y, por otro lado, para sobreponerse a esta crisis causada por la pandemia. Porque al igual que para el resto de los rubros, e incluso dentro de la industria musical, la escena electrónica boliviana, con todo lo que implica, se verá enfrentada a un gran reto los próximos meses, y quien sabe, quizá por el resto del año. Mientras tanto, el compromiso de cada boliviano debe reflejarse en el apoyo a nuestros músicos de todos los géneros, en el apoyo de las iniciativas locales, y en la capacidad de estar unidos pese a las dificultades.

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Spataro

Metal argentino con identidad propia Spataro, Metal argentino con identidad propia pataro es una banda creada por su baterista, quien después de su paso por varias bandas de su país, decide crear su propia agrupación.

Saludos a toda la banda, y bienvenidos a este medio. Bien, sé que la banda comenzó por el 2016 por iniciativa de Fabián. Coméntanos sobre estos primeros pasos de Spataro. Hola, gracias por el espacio. Sí, la banda comenzó a fines del 2016, después de varios intentos fallidos.

Spataro ya ha estado presentándose por gran parte del territorio de la geografía de la Argentina, y ya cuentan con un disco en mano, y planes de un nuevo trabajo.

Decidí armar una banda con los músicos que yo quería. Con todos los músicos ya había tenido contacto en el pasado, y pensé que eran los mejores para armar este proyecto.

Su fundador, Fabián Spataro, responde la entrevista para conocer un poco más a este grupo argentino.

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En principio fue hacer un repaso por las bandas que había formado parte. Obviamente Hermética, por la importancia que tuvo y tiene en el Metal argentino, se llevó una gran parte,

banda, la banda empieza a tener una química muy personal, y si bien estamos influenciados por infinidad de bandas, creo que Spataro hoy por hoy cuenta con una personalidad propia, más allá de las bandas en las que estuve.

El primer disco

Se conoce que excelentes músicos conforman la actual alineación de Spataro. En este aspecto, ¿quiénes conforman la banda, y qué experiencias previas tienen antes de haber entrado como músicos fijos en esta agrupación? La banda está formada por Mario Martínez en bajo y voz, Gastón Benetton en guitarra, Ezequiel Mendoza en voz líder y guitarra, y yo, Fabián Spataro, en batería, todos músicos que ya tienen muchos años de estar en la escena y de luchar por el Metal. Si no me equivoco, es para el 2019 que sacan su primer álbum. Háblame un poco sobre este disco, temas, la forma en que lo han promocionado… Sí, el disco es un resumen de los dos años que la banda se mantuvo activa. Son todos temas de composición propia, y tiene 3 covers: “Masa Anestesiada” de Hermética, “Hombre de Bien” de Mordaz, y del tango “La Ultima Curda”. pero la idea no terminaba ahí. Yo tenía varios temas que había compuesto en diferentes etapas, y quería que tuvieran su oportunidad. Enseguida la banda tomó esos temas, y le dio una identidad propia, y con los ensayos fueron surgiendo nuevas composiciones con una participación de todos los integrantes. Fabián Spataro pasó anteriormente por diferentes bandas de Argentina, dígase Hermética, Vago, Dammation, y otras más. Ahora en Spataro, con un estilo algo parecido al de estas bandas mencionadas. ¿Por qué crear una banda con similitudes a estas mencionadas? ¿Alguna especie de tributo? Como te decía anteriormente, si bien arrancamos con la excusa de repasar un poco de cada

El disco cuenta con 15 temas y unos invitados de lujo: Alejo León, Adrián Subotovsky, Juan Huenchuñir, Ritchie Siebenberg, Norberto Rodríguez, y Florencia Benetton. ¿Qué representó para la banda plasmar este disco? ¿Están satisfechos con el álbum? ¿Sienten que los representa en total forma? Sí, estamos muy contentos de tener ya nuestro disco en la calle, y que haya podido ver la luz en un país como Argentina, donde la crisis económica es muy profunda, y el apoyo de los medios por el Metal es nulo. Así y todo, nosotros seguimos firmes en nuestro camino, y felices con lo que hacemos.

La escena en Argentina

En cuanto a conciertos, ¿están muy activos en esta materia? ¿Cuáles han sido los conciertos LaCarne Magazine

más importantes de la banda, y con quién han tenido el gusto de compartir escenario? Increíblemente la respuesta de la gente fue buenísima. Tenemos casi 200 shows encima, hemos andado por todo nuestro país, visitamos varias provincias como Rio Negro, Neuquén, el interior de Buenos Aires, Ayacucho, Tres Arroyos, San Luis, San Juan, anduvimos por todo el cono urbano y capital federal, y la verdad que siempre anduvimos solos o con bandas amigas. No hemos pagado para tocar con ninguna ESTRELLA…. Y así y todo seguimos en el camino. ¿Cómo ves la escena en Argentina? ¿Qué bandas destacarías? La escena en la Argentina no escapa a cómo está Argentina hoy en día. Es muy difícil, muchos se aprovechan de las bandas nuevas, cobrándoles fortunas para que toquen como soporte, pero también hay que destacar que hay mucha gente que le pone el pecho a esta movida, y sabemos que hay gente que pierde plata, pero sigue apostando al metal. ¡Hemos hecho grandes amigos en esta etapa, gente de fierro! Y chantas va a haber siempre, es inevitable. En cuanto al tema lírico, quisiera que comentaras en qué basan sus letras, y si éstas, de alguna manera, tratan de denunciar la corrompida sociedad en que vivimos. Por lo general yo me encargo de las letras. No significa que sea una única condición, de hecho, Mario hizo una letra de un tema del disco, pero la mayoría las hago yo, y me inspiro en mi visón de lo que vivo. Simplemente es una mirada de nuestra realidad, y en ella se mezclan infinidad de sentimientos, aunque la bronca que genera tanta impunidad es un sentimiento muy recurrente.

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El futuro de Spataro

Creo que la banda tuvo, o tiene aún, respaldo de algunas firmas de instrumentos. Coméntanos y dinos cómo se logró esto. Hemos tenido la suerte que algunas empresas confían en nosotros, como Pick Palos, que me provee de palillos, y Martin Blust las cuerdas. La verdad que es una gran ayuda, y más en los tiempos que vivimos. ¡Además de ser buenísimos productos! ¿Hay algunos adelantos para un posible nuevo álbum? En caso afirmativo, ¿se podría adelantar algún detalle? Sí, estamos componiendo temas para un próximo disco, y la verdad que estamos explorando, y eso nos pone muy felices. Somos inquietos en la composición, estamos buscando cosas nuevas, al menos para nosotros. No creo que quedarse en la zona de confort sea una buena idea. ¿Cuál es su principal meta como banda en general y cómo ves el futuro de Spataro? Nuestra principal meta es que nuestra música llegue a la mayor cantidad de gente posible, tocar mucho en vivo, disfrutamos mucho del vivo, de las giras, y seguir creciendo como músicos. Gracias por responder estas preguntas, ¿algunas palabras que quieras hacerles llegar a los lectores? Los agradecidos somos nosotros por el espacio, es fundamental para una banda que no cuenta con el apoyo de un cagaguita. Y a los lectores me gustaría decirles que ojalá puedan ver a la banda en vivo, que tenemos un canal en YouTube: Spataro Banda, que nos sigan, y que luchen por sus sueños, pueden alcanzarlos. ¡Mil Gracias!

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Mikan

músico y artista multidisciplinar LEER MÁS

gran trabajo detrás de todo lo que vemos y escuchamos. Hemos podido verle en varias ocasiones en televisión, y esperamos volver a verle pronto sobre los escenarios.

n esta ocasión tengo el honor de haber podido entrevistar a una persona a quien admiro mucho, y con quien llevo hablando desde hace ya varios años. Estoy hablando de MIKAN, un chico de Barcelona, residente en Santander, que descubrí hace varios años a través de las redes sociales (@ mikanoficial), y que desde el principio me llamó la atención, por su estilo y porque vi que teníamos muchas cosas en común, musical y espiritualmente hablando.

Cuenta con el amadrinamiento y amistad de la mismísima Alaska (Fangoria), y sin duda alguna, si te gusta el estilo de Fangoria, Mikan te va a sorprender positivamente.

Él es uno de los artistas del panorama nacional que más me gusta, por sus canciones tan pegadizas y bailables, y porque siempre ha sido muy cercano y amable conmigo.

Mikan, músico y artista multidisciplinar

Realmente es un artista de los pies a la cabeza, y que merece ser reconocido por su

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A continuación, podéis escuchar su tema “Sobrenatural”. Fue la primera canción que escuché de él, y con la que ya me enganché a su música para siempre. https://youtu.be/kPyVLcjiuhk

Lo primero, muchas gracias por concederme la entrevista, que como te dije, tenía muchas ganas de hacerte, y es que ya era hora de hablar un poquito sobre ti. Cuéntanos! ¿Quién es Mikan? Soy un artista multidisciplinar. Me dedico a la

general. Luces y Sombras era la prueba de que el pop y la electrónica germánica pueden convivir en un mismo CD, de ahí el título. Filias y Fobias ha sido un salto al vacío y el romper con todo, a nivel vocal y con letras mucho más frescas. Tiene mucho detrás. (Aquí puedes escuchar su tema “Crush” que se incluye en su último álbum Filias y Fobias) https://youtu.be/wpOygqBP27o

Influencias musicales e inspiración

Mikan, ¿cómo definirías tu música? No me gustan las etiquetas, pero Electrónica bailable, electropop, eurodance. ¿Qué o quién te inspira a la hora de crear tú música? Soy ecléctico, desde Rammstein hasta Cher. No me cierro a nada, bueno, miento, sí me cierro a un estilo concreto y muy actual en el que no encajo en absoluto.

música (como cantante y letrista), y al diseño gráfico. Todo lo que rodea al espectáculo que llevo en directo, pasa por mí (proyecciones, escenografía e incluso indumentaria). ¿Cuánto tiempo hace que te dedicas a la música? De forma profesional, desde 2014, pero vinculado al sector, desde siempre. Me formé en lírico, he realizado portadas y packaging a bandas desde joven. Son 3 álbumes los que tienes en el mercado: Señas de Identidad (2015), Luces y Sombras (2017), y Filias y Fobias (2019). ¿Qué tienen en común y en qué se diferencian? En común, que me acompaña en la producción Jaume García Ferrer y Javier Losada, a parte de los diferentes guiños al ocultismo y universo Crowley, que me fascina. Señas de Identidad nació sin pretensiones, como un juego, y creo que eso se refleja en

No tengo la suerte de que vengan las musas a iluminarme si no estoy sentado y dedico horas y horas… Los que tienen la suerte o facilidad de hacerlo, bravo! ¿Tienes alguna manía a la hora de componer? Estar aislado completamente de todo y echarle horas. En esa fase necesito silencio porque soy bastante irritable cuando estoy al 100% con algo. ¿Cuáles son tus influencias musicales? Como te he dicho antes, soy ecléctico, escucho todo tipo de música excepto un estilo concreto y actual con el que no comulgo. Mis influencias son claras: Cher, MM, Spagna, Modern Talking, Blutengel, Gothminister, Rammstein, Fangoria, o incluso Rocío Jurado. Hay momentos para todo. Sabemos que Alaska (Fangoria) es tu madrina musical. ¿Qué relación mantienes con ella? ¿Habrá en un futuro una colaboración juntos? Es mucho más sencillo de lo que parece. Nos conocemos desde hace años porque somos LaCarne Magazine

seguidores y tenemos infinidad de filias, e incluso fobias en común. A raíz de coincidir y hablar de nuestros gustos, se entabló una bonita amistad, aunque yo la veo como una Diosa. No puedo ponerla en un plano terrenal. Ella es mucho más que mi madrina musical y de boda, es una persona que ha marcado nuestras vidas. Lo de la colaboración sería maravilloso, pero piensa que eso está en manos de Warner.

El mundo de la Música y actualidad

Mikan, ¿qué opinas del mundo de la música hoy en día? En España, somos los grandes abandonados, los titiriteros y a los primeros a los que acuden los políticos y la gente para alegrar sus días. Vengo de hacer una intensa promoción de 4 meses a nivel nacional, gestionada por una agencia que me ha abierto las puertas de medios mainstream que jamás pensé llegar, una inversión que, para un artista independiente totalmente sin ninguna discográfica de las grandes detrás que nos respalde, es un salto al vacío tremendo. Nadie sabía que ocurriría lo del Covid-19, y que perderíamos las presentaciones y los bolos hasta 2021. Sin duda, necesitamos ayuda. ¿Cuál es la canción que más has escuchado

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en el último mes? No me vale como respuesta “Resistiré” del Dúo Dinámico cada día a las 20:00. He escuchado de todo, pero nosotros somos más de «Dramas y Comedias». ¿Con ganas de volver a los escenarios pronto? Es una droga. Lo necesito a nivel emocional. Es la llegada a meta de cualquier proyecto musical. Por último, ¿algún dato que quieras añadir, o te gustaría lanzar un mensaje al mundo? Agradecerte el apoyo, y el hueco para poder tener acceso y que puedan conocerme vuestros lectores. Fuerza, luz y buena estrella para todos. Muchísimas gracias a ti de nuevo. Me ha encantado poder saber un poquito más de ti. -------------Espero que os haya gustado leer la entrevista a Mikan. Ya sabéis que le podéis seguir en sus redes sociales, y escuchar su música en plataformas digitales. Un abrazo, y, como dice Mikan, buena estrella!

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Eutanasia Brutal presenta su trabajo al mundo

conocen la banda todavía, nos podrías contar un poco de sus inicios en el Death Metal. LEER MÁS

a banda venezolana Eutanasia Brutal nos brinda otra dosis de brutalidad.

La agrupación aún sigue promocionando su último trabajo, el disco Legiones De Odio, pero ya enfocados en la preparación de un nuevo material. Su bajista y vocalista, Charry Franco, da respuesta a la entrevista.

Eutanasia Brutal y sus dosis de brutalidad

Eutanasia Brutal es una banda con algo de tiempo en la escena, que hasta ahora ha sacado 2 EPs y un primer álbum. Para los que no

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Un cordial saludo para la revista LaCarne Magazine por la entrevista. Nuestros inicios en el Death Metal fue en una época bastante movida, influenciada principalmente por las bandas Death, Cannibal Corpse, Soffocation, Criminal, entre otras de la vieja escuela, con un sonido un poco más joven y crudo, enfocados en grabar. Hoy en día la banda es un trío, pero sus comienzos fueron con más integrantes. ¿A quiénes encontramos en el presente formando Eutanasia Brutal? Osmel Sosa – Guitarrista, Yesel Bastardo – Baterista, Charry Franco -- Bajo/Voz. En el año 2005 se editó el EP Genocidio Nuclear. Coméntanos sobre este trabajo. ¿Qué

significado tiene el álbum en cuanto al arte, letras y título? En cuanto al arte, su significado en el álbum se basa en la destrucción masiva de la sociedad, o de lo que conocemos como humanidad. Las letras se basan en el descontento de los dogmas implementados políticamente y religiosamente, justificando así las muertes causadas por las mismas. Dando por título a las atrocidades cometidas en la guerra: Genocidio Nuclear. Luego de este primer EP, la banda se mantuvo con muy poca actividad. ¿A qué se debió esta inactividad de la agrupación? Motivos personales, aunque durante ese tiempo se intentó siempre retomar la misma senda que poco a poco se logró.

Una nueva etapa de Eutanasia Brutal

Para el 2009 lanzan un nuevo EP titulado SublimiDeus XII. Háblanos sobre este material. Habla más que todo sobre el sometimiento de nuestros antepasados, quienes fueron pisoteados, masacrados, y privados de su libertad durante la época de esclavitud, donde forzadamente implementaron la doctrina cristiana para así hacerse dueño de nuestras riquezas. ¿Quiénes son los responsables de la letra y música de la banda? ¿Sobre qué tópico se basan para escribir sus temas? De las letras me encargo yo (Charry), y la música entre todos los integrantes. Nuestras letras se basan, más que todo, en el descontento social que es donde nos sentimos más identificados por un mismo sentimiento. Hablando de la puesta en vivo de la banda, LaCarne Magazine

han estado en algunos festivales nacionales. ¿Qué nos dicen de lo que es una presentación en vivo de Eutanasia Brutal, y cómo es transmitida esa energía para dar a conocer el mensaje e ideología de la música que hacen? El público y los productores siempre han sido muy abiertos a lo que hacemos, y a lo que queremos transmitir, tratando de mantener siempre la misma energía para darle a nuestro público lo mejor. ¿Cómo ha sido la recepción y apoyo de los fans con la banda? Bastante receptiva. Hemos contado con muchísimo apoyo, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, apostando a lo que hacemos. Hasta donde conozco, el último trabajo de la banda es el álbum Legiones De Odio. Sería bueno nos comentaras sobre este álbum… En el álbum se trató de mantener la misma senda que hemos tenido desde los inicios, un sonido más compacto y una letra más directa, reflejando el mismo descontento social.

El panorama musical en Venezuela

Se puede decir que el año 2018 fue bueno para la banda, nuevo álbum y la nominación en la categoría Mejor Video en la edición de los Premios Melomaniac de ese año. ¿Qué representó esto para la banda y a sus integrantes como músicos? Fue bastante emotivo, y nos llenó de mucho orgullo ser nominados en las categorías mejor video y en la de mejor bajista. ¿Cómo ven la actualidad de Venezuela en cuanto a la escena del metal? ¿Cuáles son las mayores dificultades que sufren sus bandas y productoras en la actualidad? ¿Cuáles consideran puedan ser acciones concretas para mejorar este panorama? En Venezuela aún seguimos apostando al movimiento metalero. Hay muchas personas aportando directa e indirectamente para que todo siga en pie. Dentro de las dificultades destaca la hiperinflación que nos limita el día a día, y para mejorar

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el panorama, lo mejor es seguir trabajando para no decaer antes las dificultades. Una acción concreta sería salir de esta dictadura y radicar todo lo que esté mal. Toda banda siempre busca un paso para poder obtener más logros y catapultarse como una de las grandes bandas de su país y que su fama se difunda por gran parte del mundo. ¿Cuáles serían los próximos pasos en la carrera musical de la banda? ¿Cómo han sido planificados y ejecutados los aspectos de internacionalización y difusión de la música de Eutanasia Brutal? Entre las metas propuestas está seguir con el trabajo consecuente de aportar material a la escena, para así seguir difundiendo nuestra música con el apoyo nacional e internacional, abriendo puertas para shows nacionales como internacionales.

Reflexiones de la banda

¿Cómo han sido todos estos años como banda? Siempre hemos sido una banda tratando de aportar y seguir en pie a pesar de cualquier obstáculo. Activos con la movida, y a cualquier proyecto del momento. ¿Planes de la banda? ¿Algún nuevo álbum, video clip…? Sí, ahora estamos trabajando en el nuevo álbum, y en proceso de grabación con el artwork del mismo incluido. Gracias por su tiempo en responder esta entrevista, pero no queremos despedir sin que la banda emita un comentario final hacia nuestros lectores, y en general a toda la escena. Bueno, ante todo, gracias por el soporte, y a todos los que tomaron su tiempo en leernos. Siempre agradecidos con cualquier oportunidad que nos brinden.

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Nicholas Perry

envolvente Folk con sintetizadores

ola a todos! He tenido el placer de poder conocer más en profundidad a Nicholas Perry, una gran persona, gran padre, y un gran músico que ha sido capaz de tocar mi alma (tal y como se lo dije a él) desde el primer segundo que escuché su música en su álbum Into The Fire. Le he conocido a través de las redes sociales hace poco más de un mes, gracias a las recomendaciones musicales de quien ya considero mi amigo Niels Nielsen, (Dead Soul, MCC, In Flames y un largo etc.) Es cierto que ha sido todo muy fluido desde entonces, ya que mientras yo escuchaba su

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álbum en Spotify, Nicholas comenzó a seguirme en mis redes sociales, y desde entonces empezamos a hablar de su música, de la música en general, de los niños, ya que ambos tenemos hijos, de cocina y, bueno, muchas cosas. Estoy realmente muy feliz de haber podido entrevistarle, de poder enseñaros su música, que estoy segura que os va a llegar al corazón.

Nicholas Perry, envolvente Folk con sintetizadores

¿Quién es Nicholas Perry? Soy un inglés de 32 años. Vivo en Suecia desde hace 10 años. Me mudé aquí después de descubrir que tenía una hija aquí con una mujer sueca con la que estuve una noche. Ella no sabía quién era el padre, y finalmente

creciendo con influencias como los Beatles, Bob Marley, Otis Redding, mucha música soul, reggae, rock, punk, hip hop… Francamente, vivo para la música. Comencé a tocar en mi ciudad natal cuando tenía 15 años. Generalmente tocaba en los pubs locales por cerveza gratis. Comencé en un par de bandas de reggae y punk, y luego comencé a tocar más conciertos en solitario. Guitarra acústica y voz. Solía hacer mucha música con mi hermano mayor, quien me presentó una gran cantidad de música, desde el Aphex Twin, Grandaddy, Bright Eyes y Animal Collective. Todo esto se convirtió en una gran influencia para mí.

Nicholas Perry y su disco «Into The Fire»

¿Qué nos puedes contar sobre Into The Fire? ¿Qué vamos a encontrar en este álbum? Mis canciones en Into The Fire tratan sobre el amor a mi esposa e hijas, la vida y la muerte, mis batallas con las enfermedades mentales, y el abuso de drogas.

se puso en contacto conmigo un año y medio después de haberla conocido. Para ese entonces yo vivía en Corea del Sur, estaba trabajando como profesor de inglés. Me mudé a Suecia tan pronto como recuperé los resultados de mi prueba de ADN. La madre y yo tratamos de intentar tener una relación, pero realmente no terminó bien. Tuvimos otra hija juntos, y luego nos separamos. Un año después conocí a mi futura esposa, y hemos tenido una hija juntos. Entonces vine a Suecia para ser padre. Es una larga historia que mejor se cuenta con una cerveza o siete. ¿Cuánto tiempo hace que te dedicas a la música? He estado haciendo música desde que tenía 11 años. Siempre me ha encantado la música,

Escribir canciones es la única forma en que realmente puedo tratar de entender lo que sucede dentro de mi cabeza. Como las cosas que estoy haciendo mal, y lo que necesito arreglar en mí mismo. (Aquí podéis escuchar su tema que lleva el mismo nombre que el álbum Into The Fire) https://youtu.be/7rPItRup-to ¿Cómo definirías tu música? ¿Qué o quién te inspira a la hora de crear tu música? Cuando tenía 18 años obtuve mi primer sintetizador, y sólo grababa en viejas máquinas de cinta. Todas mis canciones solían ser sobre amor no correspondido y drogas. Mi música ha sido inspirada en gran medida por John Martin, Nick Drake y Bright Eyes, pero estaba escuchando mucho a Fleet Foxes y Bon Iver cuando escribí este álbum. Siempre he sido un fanático de las armonías. LaCarne Magazine

Mi música es principalmente música folklórica (creo), pero uso muchos sintetizadores, así como cualquier cosa que pueda tener en mis manos. ¿Tienes alguna manía u obsesión a la hora de componer? En estos días, cuando hago música, horneo mucho, principalmente pan. También hago muchos platos de cuchara, no parece muy rock and roll, pero eso es lo que sucede cuando tienes niños. En mi juventud, tomé demasiadas drogas, así que es un buen cambio relajarse. Sin embargo, mi obsesión principal es la música. Hago música todos los días.

El trabajo destrás del disco

He descubierto tú música a través de Niels Nielsen. Si no me equivoco, él ha masterizado el álbum. ¿Cómo ha sido trabajar con Niels? Cuando grabé el álbum, estaba compartiendo estudio con Niels Nielsen mientras él estaba haciendo la preproducción de Ghost para su E.P. Square Hammer. Trabajé en la canción «creo» haciendo el trabajo MIDI, y ayudando a Niels a completar la visión de Tobias (cantante y compositor de Ghost) para la canción. Niels y yo tenemos gustos similares en música y síntesis, y siempre he tenido mucho respeto por él. Fue a través de Niels Nielsen que conocí a Ludvig Kennberg, que era el baterista de Ghost y Dead Soul. El mejor baterista de todos los tiempos. Realmente le gustaba mi música, y quería grabar conmigo. Terminamos grabando durante 4 o 5 meses, y contando con otros músicos maravillosos para tocar el violonchelo, el violín y el piano. Niels se ofreció a dominarlo por mí. Él es una leyenda. Como te dije la primera vez que hablé contigo, tú música me “tocó el alma”. ¿A qué público va dirigido tú música? ¿Qué quieres transmitir? Es extraño, porque cuando escribo música, generalmente es mi forma de procesar ciertos

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pensamientos o problemas lo que me preocupa. Soy malo para resolver problemas cuando se trata de mis emociones, así que la música es la forma en que puedo expresarlas. Así que supongo que mi música es para personas que enfrentan los problemas por los que estoy pasando. Personas que entienden el amor, la depresión, o simplemente están confundidos. *Aquí os dejo el primer tema que escuché de Nicholas Perry, “Weigh My Eyelids Down”

no en Inglaterra. Hará una canción, y luego me la enviará, y seguiremos trabajando así. Así que hemos hecho un proyecto llamado Deartháir, que está disponible en Spotify. La canción que está allí ahora es increíble, me llevó una eternidad mezclarla, y tuve la suerte de que Ludvig Kennberg tocara la batería. ¿Alguna anécdota o acontecimiento que te haya sucedido trabajando en Into The Fire? Mientras trabajaba en Into The Fire, perdí a un buen amigo por una sobredosis. Caí en una depresión profunda, por lo que hacer el disco realmente me ayudó con eso. ¿Cuál es la canción que más has escuchado en el último mes? En el último mes he estado escuchando mucho el nuevo álbum de mis amigos (también de Linköping) llamado Gammelsta en Spotify. Está en sueco, y tiene un ambiente sueco muy tradicional, creo que Nisse (Niels) también lo dominó. Y por último, ¿algún dato que quieras añadir o lanzar un mensaje a la gente de ahí fuera? A todas las personas por ahí me gustaría enviarles mi amor. Si alguien alguna vez está en Suecia y necesita un lugar para quedarse, llámeme. También, lávese las manos y sea amable, y tenga cuidado.

https://youtu.be/1Wu67k4hFak

Entre Suecia e Inglaterra

Vives en Linköping (Suecia). ¿Qué tiene de especial esta bonita ciudad que surgen tan buenos artistas de ella? Hay algo en el aire, estoy segura. Suecia es un país que aprecia la música. Si quieres tocar música en tu vida, está bien. De donde vengo, en Inglaterra, la gente te dirá que consigas un trabajo «real», pero no en Suecia.

Muchas gracias, Nicholas, por ofrecerme esta entrevista, y a mis lectores, espero que os haya gustado leer más acerca de esta gran persona, y gran músico, que tiene mucho que ofrecer. --------Recordad que podéis seguirle en sus redes sociales (Facebook, Instagram) y que podéis escuchar su música en plataformas digitales. Un abrazo muy fuerte para todos y ¡Hasta la próxima!

En este momento le envío música a mi hermaLaCarne Magazine

Swim to Drown la evolución del Nu Metal

y para hablarnos de él hablamos con Álvaro (guitarra), quien respondió la entrevista. LEER MÁS

wim to Drown es una agrupación procedente de Zaragoza, en España. Sus comienzos datan del 2010, pero fue bajo otro nombre, y tras el paso del tiempo, de la evolución musical y de actitud, cambian al actual nombre. Su propuesta musical bebe del Nu Metal, presentándonos ritmos pesados, bases electrónicas, scratches, y voces guturales y melódicas. Se encuentran con un nuevo disco en mano,

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Swim to Drown, la evolución del Nu Metal

Los inicios de Swin to Drown se remontan al 2010 y fue bajo el nombre de Flytrap. ¿Por qué el cambio al actual Swim to Drown? ¿Algo que ver con la evolución musical? Así es. Mientras que Flytrap se centraba en un estilo más Nu Metal, Swim to Drown trata de mezclar este estilo con Metalcore, electrónicas y otros estilos. No es hasta el 2016 en que sacan su primer material en forma de EP. ¿Por qué tanto tiempo en lanzar la primera producción?

Luego de este lanzamiento, comenzaron a presentarse por España y a compartir escena con importantes bandas. Háblanos sobre esta época, y las bandas con las que han interactuado. ¡Tenemos muy buen recuerdo de esa época! Tocamos varios shows con gente increíble como A.N.I.M.A.L, Infected Rain, o Brothers Till We Die. Estábamos muy ilusionados de la buena acogida que tuvo el EP. Por desgracia, consideramos que no lo movimos lo suficiente, y que podría haber dado mucho más de sí. En el 2018 se comienza a preparar el nuevo álbum. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso de grabación de Fortress? Para este disco, al igual que para el EP, repetimos con Lucas Toledo para su producción y grabación. Para los que no lo conozcáis, es un gran productor de Zaragoza, al cual consideramos un miembro más de la banda a la hora de grabar, ya que nos ayudó a consolidar el sonido actual de la banda.

En realidad, el primer disco fue Playground Masscare. Un LP que sacamos en 2013 con Flytrap. Si comparas con producciones más recientes, se puede ver la diferencia de estilos bastante clara, jajajaja. ¿Hacia dónde nos lleva este Ep? ¿En qué línea musical está enfocado? Nosotros consideramos que está enfocado a la evolución lógica del estilo Nu Metal de Flytrap. En aquel momento estábamos muy influenciados por sonidos de bandas como 36 Crazyfist o Emmure, y queríamos llevarlo a nuestra música.

Volviendo al tema de la grabación, cuando comenzamos aún quedaba algún tema por pulir, como por ejemplo “Nightingale Floor”, que lo acabamos de terminar el día antes de grabarlo, jajaja. Finalmente obtuvimos un resultado estupendo, del cual estamos muy orgullosos. Con su nuevo disco ya con varios meses en el mercado, ¿cómo describirías su nuevo trabajo en comparación al anterior material, el EP? Definitivamente, en el periodo entre el lanzamiento del EP y Fortress nosotros crecimos como músicos. Esto se plasma en el disco al ver Fortress. Tiene unos sonidos más complejos que el EP, y quizás algo más de experimentación. ¿Cómo están recibiendo este álbum los fans más cercanos de Swim to Drown, así como LaCarne Magazine

aquellos que no los conocían tanto? Entre la gente más cercana a la banda tuvo una muy buena aceptación, bueno, y en general ha gustado bastante. Aunque siempre encontramos personas que opinan que deberíamos mantener un sonido más simple, como el del EP, o, todo lo contrario, jajajaja. En fin, hay gente para todo. ¿Cómo se distribuye el trabajo de composición en la banda? ¿Es algo colaborativo, o más bien tarea de un compositor principal? Normalmente comenzamos por un riff de guitarra, al que vamos agregando el resto de los instrumentos, y finalmente componiendo el tema. Así que la composición suele ser bastante colaborativa, aunque hay excepciones a veces.

Nosotros seguimos por nuestro lado, y nunca se sabe si llegaremos a entrar en esos lares algún día, jajaja. La banda, según tengo entendido, pertenece al roster de Vampire Productions, ¿es así? ¿Cómo les ha ido ser parte de la familia Vampire Productions con Jennifer Grant al frente? Sí, así es. Estamos muy contentos con ellos, y nos ayudaron mucho con el Verkami y la posterior difusión del disco. Además, nos han conseguido numerosos conciertos, y Jenn ayudó muchísimo a Juan con la organización del Party Crusher Fest III. Definitivamente recomendamos trabajar con Vampire.

¿Sigue el formato de seis miembros en la banda? ¿Quiénes son en la actualidad Swim to Drown? Así es.

Adicional a la promoción del álbum, ¿cuáles son otros objetivos de la banda para este 2020? En un inicio pretendíamos sacar algo de material nuevo para presentar a nuestros nuevos miembros, además de algún videoclip, entre otras cosas.

Pese a muchos cambios que ha tenido la formación, seguimos siendo 6.

Pero, finalmente, con esto del COVID-19 parece difícil…

Ahora mismo somos: Tony (Voz), Juan (Bajo), Xus (DJ), Álvaro (Guitarra), y los dos nuevos miembros, Flay (Guitarra) y Allex (Batería).

Muchas gracias por acceder a este diálogo, y les deseo que se mantengan con el buen trabajo. Si tienes algún mensaje o comentario final para los lectores de la revista, pues aquí tienes el espacio. A los lectores, espero que escuchen el disco y lo compartan, se lo agradeceríamos un montón.

¿Cómo crees que ha cambiado la escena musical desde que se formó Swim to Drown hasta hoy en día? ¿Qué cambios has notado, tanto buenos como malos? Bueno, ahora con lo del COVID-19 ha habido un cambio brusco, desde luego, jajajaja. Pero en cuanto al tema musical en general, vemos que a la gente le va mucho el rollo Trap en lo comercial, y hay muchas bandas que están influenciándose. Por otro lado, si hablamos de la escena Metal, hay de todo, como siempre. Aunque sí que se ven bastantes bandas con influencias del Djent o el Beatdown, entre otros estilos.

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¡Muchas gracias a vosotros por contar con nosotros, y cedernos este espacio y apoyar la escena!

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Sellos Musicales en Bolivia ¿qué hay detrás? LEER MÁS

ué hay detrás de los sellos musicales? El pasado domingo 12 de abril, a las 7 pm (hora Bolivia), se llevó a cabo un conversatorio virtual referido al tema de manejo de un sello musical. Mismo que contó con la intervención de Efraín Candia (Erofex) y Ronald Rojas (Hypnotica), ambos managers de sellos digitales de música electrónica y DJ’s/productores. A finales del 2014, Ronald creó el sello musical “Subliminal Senses”, que se encuentra enfocado al Tech House y sus variantes. Mientras que Efraín Candia es manager de Neurotrance Records (enfocado al Psy Trance) y Audioreaktor (sello enfocado al Tech House). Con años de experiencia en el rubro, ambos artistas decidieron dar una charla sobre los diferentes aspectos que se encuentran detrás de la organización y trabajo de un sello musical.

Identidad y enfoque: el primer requisito esencial El primer aspecto esencial que ambos managers recalcaron, se refiere a tener un sello con una identidad definida, es decir, darle un nicho de mercado.

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Es así, que tanto Subliminal Senses como Audioreaktor y Neurotrance tienen una línea definida en cuanto a los subgéneros que definen sus sellos. Por lo que todo “demo” enviado debe seguir la línea musical establecida. En el caso de Subliminal Senses, Ronald Rojas explica que a raíz de esta identidad es que decidió dividir los lanzamientos de Subliminal Senses en Subliminal Senses Black (orientada al Melodic Techno) y Subliminal Senses White (orientada al Progressive House). Esto, en palabras de Ronald, para “ganar un público definido” que a futuro pueda seguir los lanzamientos del sello por el subgénero musical en el cual se centran. Aunque acepta que a un principio, el no tenía esa idea, ya que recibía “demos” de diferentes subgéneros y los lanzaba, pero con el tiempo fue organizando de mejor manera el sello: “Me costó definir el estilo de mi sello. En un comienzo recibía ‘demos’ y los lanzaba, pero ahora ya cuenta con una identidad definida que es Tech House Hipnótico y Modern Tech House. Yo lo definí por mi contorno de amigos, ya que me empezaron a llegar más ‘demos’ orientados al género del Tech House”, relata.

La recepción y organización de los demos

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“Otra herramienta importante para la promoción de redes sociales son los eventos realizados por cada sello musical, ya que ayudan bastante a que se vaya consolidando el nombre de la marca como tal, promocionando a los artistas, e incluso la música que será lanzada.” La materia prima de los sellos musicales, son, por supuesto, los “demos” enviados para ser aprobados (o rechazados), y planificar su posterior lanzamiento. Un proceso bastante importante que tiene como objetivo central una correcta organización del material. El primer paso de dicha organización es la recepción. En este punto, tanto Ronald como Efraín explicaron que cada uno maneja una forma distinta la recepción de “demos”. En el caso de Audioreaktor, Efraín explica que cuenta con un formulario en su página web, el cual deben llenar los artistas interesados en el sello. Mientras que un requisito esencial en el ‘label’ o sello de Ronald tiene que ver con el compromiso que manifiesta el artista al mandarle su “demo”: “Valoro bastante que cuando me manden su demo, éste no tenga más reproducciones, que yo sea el primero en escucharlo. Esto habla bien del artista por su compromiso con el sello, y por supuesto da una buena imagen de su producción, ya que si veo que tiene varios ‘plays’ me hace pensar que quizá en otros sellos han rechazado su trabajo, y eso influye mucho”. Otra parte básica en los sellos musicales tiene que ver con la calendarización de actividades o lanzamientos de producciones: “Es bueno tener un calendario de organización. Por ejemplo, yo programo los lan-

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zamientos cada diez días en “Free Download” (para su descarga gratuita), y cada quince días lanzamientos exclusivos para venta (en tiendas digitales). Organizo por carpetas los demos que debo revisar, los que ya están aceptados, los que deben ser lanzados”, explica Ronald. Sin embargo, recalca que esta situación de la pandemia del COVID-19 ha hecho que tenga que reprogramar su calendarización, dando prioridad a los tracks de “Free Download”. Esto, a raíz de que las ventas bajaron considerablemente: “Si bien ya no hay movimiento en las ventas por esta pandemia, cada viernes estoy lanzando producciones de ‘Free Download’. Si bien esto no genera ganancias monetarias, sí genera ganancias con seguidores, con el crecimiento de mis redes sociales a través de los ‘repost’ y demás”, afirma Ronald. Por otro lado, Erofex realiza su calendarización con bastante tiempo de anticipación: “Recibo el demo y planifico una fecha de lanzamiento en unas cuatro o cinco semanas. Yo me doy ese tiempo para hacer todos los ajustes, tanto en ‘mastering’, diseño, etc”.

Diseño gráfico y mastering

La importancia de la línea gráfica es muy importante en el lanzamiento de una producción, en este caso se conoce como “arte” a la portada del single o EP, en el cual debe trabajar un diseñador gráfico. Otro aspecto reside en el “mastering” o arreglo de sonido que realizan los sellos o distribuidoras dependiendo del caso. “Hay sellos que te piden la música ya masterizada, y otros que lo masterizan ellos mismos”, recalca Efraín.

Las herramientas indispensables: las redes sociales, los eventos y el

marketing personal

Pero llegó el día en que empecé a tener más confianza en mí, y empecé a soltarme, hacía videos en los que yo aparecía, ya hablaba sin miedo, presentaba al sello, y eso es muy importante, perder el miedo”.

Es así, que ambos managers destacaron la importancia de Instagram y la utilización de los ‘hashtags’ correctos para incrementar la llegada a su público objetivo.

En ese sentido, y refiriéndose al marketing personal, para ambos managers es muy importante el trabajo y presentación de los artistas en las redes sociales, ya que para la época en la cual vivimos, las redes sociales son su carta de presentación ante el mundo:

En plena era digital, las plataformas más importantes para el trabajo y expansión de los sellos musicales son, por supuesto, las redes sociales.

También son importantes las plataformas de Facebook y Soundcloud. Éste último sirve bastante para crear expectativa en los lanzamientos, ya sea una semana o 10 días antes, como se acostumbra. Otra herramienta importante para la promoción de redes sociales son los eventos realizados por cada sello musical, ya que ayudan bastante a que se vaya consolidando el nombre de la marca como tal, promocionando a los artistas, e incluso la música que será lanzada. Parte esencial de esta promoción y trabajo de marketing, lo deben realizar también los artistas que desean lanzar sus producciones, promocionado su trabajo, al sello, y difundiéndolo en sus redes sociales, y con su círculo de amistades. “Hay artistas que ‘taguean’ sus producciones del sello. Ellos mismos envían a su entorno de amigos DJ’s sus lanzamientos para que toquen en sus sets incluso, pero sobre todo este aspecto se da en las redes sociales”, relata Efraín. Es así, que Ronald relata desde su propia experiencia que, muchas veces, algunos artistas no se animan a mostrar su trabajo al público en sí, ya sea por timidez o falta de confianza, y esto repercute en que tanto su trabajo como el artista mismo no sean bien conocidos: “Es importante que el artista pierda el miedo y haga su marketing propio. Por ejemplo, yo al principio tenía miedo de mostrar Subliminal Senses, pensaba en el qué dirán, y eso me limitaba, tenía miedo mostrar ese trabajo.

“El artista debe tener un perfil profesional, debe trabajar sus redes sociales, tratar de llegar a toda la gente posible, tratar de participar en eventos”, explica Erofex.

Sellos Musicales – Los contratos y el tema “legal” Y como en todo aspecto, la parte legal o de los contratos es muy necesaria entre el sello y el artista. Esto, más que todo, para evitar problemas a futuro relacionados con el ‘copyright’ o derechos de autor: “

«Es importante que todos los sellos tengan ese contrato, ya sea que lancen producciones “Free Download” o a la venta. Más que todo por el tema de derechos de autor, porque muchos artistas usan vocales de otros artistas, ‘samples’, y es importante tener un respaldo legal”, añade Ronald. Explica, además, que, si bien muchos sellos optan por realizar contratos legales “firmados por un abogado”, existe una mayor predominancia de contratos realizados sin recurrir a instancias jurídicas, algo así como un contrato de confianza, en el que, sin embargo, las firmas de las partes participantes serían el vinculante legal. “El contrato que hago es privado, y lo validamos mutuamente con nuestras firmas, y ahí reside la legalidad, y ahí está también la cuestión de confianza de ‘label manager’ a artista. Incluso hay ocasiones especiales en las que no firmo contrato por la confianza y cercanía”, explica Ronald. LaCarne Magazine

En dichos contratos, además del tema de derechos de autor, se trata el tema de las regalías o ganancias, las cuales son distribuidas de forma equitativa 50/50 entre el sello y el artista.

“Es una lista de la gente que quiere recibir la música que estamos lanzando. Hacemos como una plantilla, y estas personas se encargan de hacer llegar la música a las personas.

La única excepción se da en el caso de los remixes, en el cual el artista recibe el 10% del total. Cada sello establece el monto exacto a partir del cual se generará la ganancia para el artista y para la empresa:

Hay un ‘feed back’. Esto hace que tu música llegue a varios lugares”, explica Efraín.

“Los artistas firman por el lanzamiento de la pista. Tu nombre ya queda con el sello, y tienes el derecho de usar el nombre del sello para tu presentación y demás, pero no significa que eres exclusivo del sello, nadie está obligado a eso”, explica Efraín.

“La distribuidora te hace un resumen de ventas, te da un reporte de ventas. Además de que la distribuidora te avisa si el track ha salido en charts o top 100”, explica Ronald.

Además, recalca que luego de que la producción es lanzada, cada tres meses o el tiempo que vea conveniente, el artista pide un extracto de las ventas para obviamente recibir la ganancia correspondiente, misma que le es depositada a través de Pay Pal.

Sellos Musicales – De la mano con las distribuidoras El trabajo de un sello musical no estaría completo sin el apoyo de las distribuidoras musicales. Tanto Ronald como Efraín destacaron el trabajo y la alianza que debe existir con éstas, al ser las agencias encargadas de distribuir (valga la redundancia) dichas producciones en tiendas digitales como Beatport, Itunes, Spotify y demás. Muchas de ellas brindan servicios extras, dependiendo del costo. Algunas mencionadas por Hypnotica y Erofex fueron “Label Works”, “Proton Music”, “Triple Point”, “Indiefy”, entre otras. Uno de estos servicios “extras” tiene que ver con el “Promo Mail” que maneja cada distribuidora, mismo que consta de una base de datos de Dj’s, promotores de eventos, productores de música, radio shows, radios FM, podcasters, etc:

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Otro de los beneficios de las distribuidoras se refiere a la parte de las ventas del single o EP:

Sellos Musicales – El gran reto

Como toda la industria musical, la pandemia del COVID-19 ha afectado bastante a los sellos musicales, estancado sus ventas de manera total. Es en ese sentido que los ‘label managers’ tienen muy en cuenta esta situación, pero a pesar de ello, refieren que deben seguir trabajando en la construcción de sus sellos, si bien sin tener ganancias monetarias, pero generando nuevos conocimientos y aprendizaje. “Esta pandemia ha afectado a toda la industria musical del mundo. La venta de música se ha cortado, y no hay nada que hacer. Lo que nos queda es mandar conocimiento, crear cultura, crear radio shows hacer los ‘stream sets’, presentar lanzamientos de descarga gratuita. No vamos a ganar plata de eso, pero se trata de aprovechar el tiempo al máximo, recolectar más tracks estudiar, producir, subir música”, afirma Ronald Y tal como refieren estos ‘label managers’, tener un sello musical no es algo que simplemente debe hacerse por moda, sino que implica un compromiso 24/7, por todo el trabajo y organización que existe detrás de cada sello.

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