LaCarne Magazine N91 by LaCarne Magazine

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Nº91 - ENE 2020 - AÑO 9

Organic representando el

Metal de Puerto Rico EXPERIENCIAS

música en extremadura xuan zem

investigación

ferror records - andrew poppy - dizzy gillespie

ENTREVISTAS

joan chávez - gilgamesh - fireskull - pecado - mandoble

N91 aÑo 9 ene 2020

SUMARIO

experiencias 06 Un año gris para la música en Extremadura

10 Xuan Zem, la llama que nunca se apaga

investigación 14 Algunos tesoros de Ferror Records

entrevistas 24 Organic, representando el Metal de Puerto Rico

28 Joan Chávez en el Centro Machado

de Colonia

30 Gilgamesh, la primera banda de mujeres de México

38 Fireskull, denunciando la violencia en México

16 Dizzy Gillespie, todo un revolucio- 42 Pecado, Paganus Metal desde Canadá nario del Jazz 46 Mandoble, Metal sinfónico desde 20 Andrew Poppy, de The Lost Jockey Argentina a Hoarse Songs

24 organic,

representando el Metal de Puerto Rico

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, rafael dorado, israel S. marcelo,

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Un año gris

para la música en Extremadura

mpezábamos el año anunciando en este mismo medio la escasa presencia de artistas extremeños en los festivales de la región (Ver en La realidad de los festivales extremeños). Era nuestro aviso a navegantes, y el anticipo de lo que ya estábamos presenciando, cómo la cultura y la música en Extremadura está como el país, en proceso de recesión. No hace ni un año que importantes salas de la música extremeña cerraban por diferentes motivos, salas que eran referentes en cuanto a la contratación de músicos nacionales y regionales. Por supuesto nos referimos a la Sala Mercantil y Aftasí, las dos situadas en la ciudad más grande e importante de la región. Por si no fuera poco, nos vino la resolución de la Justicia con respecto a los hosteleros de Cáceres. Por supuesto, en los últimos años, la deriva autoritaria de la Justicia no emitía seña-

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les para ser positivos, y no fue otra que la prisión para todos estos empresarios con penas que no contentaban a nadie, ni a hosteleros, ni a vecinos, ni a usuarios de la música en Extremadura y cultura de la región.

El problema del ruido en el Cáceres de la Madrila ha sido un despropósito político y ciudadano, donde no se ha buscado la solución por ningún lado. La dejadez ha provocado que quienes tomaran la decisión fueran los menos indicados, no solucionando el problema, sino empeorándolo, ya que las familias de esos empresarios ahora están padeciendo las consecuencias de tal sentencia, y a las familias afectadas por el ruido no les mejorará su salud perdida viendo cómo esos empresarios van a la cárcel.

Además, a ello se suma que el Gobierno deniega los primeros indultos a los afectados. Total, que La Belle, Submarino, Barroco, entre otros lugares que tanto aportaban musicalmente la ciudad, están cerrados o sin sus principales propietarios. En el apartado de festivales tampoco hemos mejorado en la música en Extremadura. De hecho, uno de los festivales más turísticos e importantes de la zona norte de Extremadura, VeraSummer, desapareció el año pasado por falta de apoyo económico. Y si hablamos de Contempopránea, nos daría como para varios artículos porque el festival más importante de Extremadura estuvo a punto de desaparecer por actuaciones irresponsables de nuestros políticos. Sin olvidarnos de Acústicos al Fresquito, que lleva varios años en la cuerda floja. Las noticias por parte de grupos punteros de nuestra región tampoco han sido buenas. Primero nos llevamos la tremenda noticia de la

desaparición inesperada por todos del buque insignia de la música en Extremadura, Los Ganglios (Ver Los Ganglios - La Cumbia de Rafael y Xoxé), justo cuando estaban en su momento más álgido, siendo fichados por Rosalía para sus videos, colaborando con otros artistas, y con una gira por todo el Estado. Junto a la mala noticia de los montijanos, no nos acabamos de creer la sorprendente desaparición de nuestro malagueño adoptado como un extremeño más, Alexandre Lacaze, que, tras una larga enfermedad, nos dejó hace unos meses, dejando un gran legado en forma de canciones y poesía. Además, vemos cómo nuestros músicos ponen todos sus esfuerzos en formar parte de LaCarne Magazine

El festival itinerante Músicos en Movimiento ha realizado su cuarta edición este año, y han llenado de música extremeña 19 localidades de la provincia de Badajoz. Organizado por Óscar Elías y Paco Croche, a través del Área de Cultura y Deporte de la Diputación provincial de Badajoz, es una de las iniciativas extremeñas más prometedora de los últimos años.

Girando Por Salas, cuando esta iniciativa de fondos públicos tiene sus luces y sombras, como explica Juanjo Castillo en su artículo, y también los sindicatos CNT y SMAC! También hay que sumar la gestión de las fiestas populares. El caso más grave es el de Cáceres, cuyas fiestas de San Fernando están repletas de grupos tributos, sin apenas apoyo hacia grupos noveles o artistas que desarrollan nuevos trabajos y quieren que crezca la música en Extremadura. Pero no todo son noticias malas! La productora, o, como ellos se definen, creativity company Amantesdementes sigue ofreciendo alternativas de ocio relacionadas con la cultura con notable éxito en la región, desde Mayorga Rock, pasando por Horteralia, Navalñam, la gestión de Caballerizas Jardín, la revista Avuelapluma, o las campañas de publicidad de Alimentos de Extremadura o D.O.P Miel Villuercas Ibores. Tenemos la suerte de tener el festival Bellota Rock, de los pocos festivales que cuenta con una programación íntegramente extremeña, y cuyos finalistas forman parte de otro festival extremeño como es Granirock. Es de agradecer a su organizador, Samu Bellota, su maravilloso trabajo, y a José Francisco Valle como responsable de Granirock, que confía en la labor del festival hermano.

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También hay otras iniciativas interesantes que poco a poco se van consolidando. La Danceteria Live es un proyecto auto gestionado que fusiona la promoción musical y turística. Realizan montajes audiovisuales, con actuaciones en directo y en streaming de artistas electrónicos, en parajes de Extremadura, que van desde paisajes arquitectónicos clásicos, parajes medioambientales, o lugares urbanos e industriales. Micro Abierto Badajoz es una iniciativa del artista pacense Pepe Peña, que consiste en dar a conocer a personas que tienen algo que aportar al arte. Un altavoz para cualquier disciplina artística, con la restricción de grupos musicales, todos los miércoles en la Sala Atenea de Badajoz. De Pepe Peña (de él y su banda ya hemos hablado anteriormente) hay que remarcar que es un agitador cultural, también es el responsable del ciclo de Jazz de la Residencia Universitaria Hernán Cortés en la ciudad de Badajoz. Piñata Productions son los responsables de llevar el rock y el punk a la provincia de Cáceres. Sin duda es una de las grandes noticias que nos da la ciudad. Un pelín más arriba, en concreto en Plasencia, tenemos a Patxi Rodríguez como el activista cultural más importante de la zona norte de Cáceres. Su casa es Plasencia, y todo el rock y punk también pasan por él. Dicen que con el año nuevo viene vida nueva. Esperemos que el balance para la música en Extremadura sea positivo para este nuevo tiempo.

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Xuan Zem

la llama que nunca se apaga LEER MÁS

l vibrafonista asturiano Xuan Zem es uno de esos compositores que hacen gala de una extraña habilidad para zigzaguear entre diferentes estéticas musicales, y conseguir permanecer ajeno a todas ellas. Ya nos había puesto sobre aviso con su primer registro bajo el nombre genérico de ZEM (La Casa Del Misterio, 2007), en el que convivían, bajo un paraguas de jazz heterodoxo y fusión, una clara preferencia por las estructuras del rock progresivo, así como una fuerte predisposición hacia la música popular. El resultado de tal atrevimiento combinatorio se saldaba no sólo con una homogeneidad estilística poco habitual, sino, y más importante, con una capacidad natural para la estructura y la narrativa musicales lejos de histrionismos

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esnobistas. En aquel disco incorporaba músicos de diverso pelaje, como el Ilegal Jorge Martínez, con el que en 2012 colaboraría en su disco Jorge Ilegal y los Magníficos. Ahora presenta La Llama (Youkali Music), una obra que lanza al viento sonoridades clásicas, jazzísticas, progresivas, y de raíz, y que viene a reafirmarnos en lo débiles que son las fronteras estilísticas en la música actual para el que tiene las ganas (y el talento) de asimilarlas todas. Junto a Xuan Zem, vibrafonista y compositor de todo el material contenido en este disco, figuran Luis Rodríguez al bajo (componente de León Benavente y el grupo de Nacho Vegas), el baterista Rubén Mol (ex Ilegales), Miguel Herrero (teclados y vientos), y el, palabras mayores, trío Pardo/Benavent/Di Geraldo. Sus intereses se expanden hacia el flamenco (“Viva Llama” con Enrique Morante en una de sus últimas colaboraciones) y las músicas del

Aunque a mí lo que me parece realmente provocativo de ese vídeo es la música en la que hace una colaboración impactante, no podía ser menos, el excelente barítono Luis Cansino, y en arreglos que recuerdan al final del tema a los trabajos en solitario del ex Cardiacs William D. Drake en “The Rising of the Lights”. Menos chispeantes y más bucólicos quizá, pero no por ello menos satisfactorios, son “Waltz In F.”, tema a modo de interludio que prologa el medio tempo de “¿Y Si…?” (con Tino di Geraldo), y una sección de vientos impagable que enlaza, casi sin solución de continuidad, con “Espiral” (de nuevo con la participación de Jorge Pardo y Carles Benavent) y “El Bautizo” (Tino di Geraldo). mundo (“Anda Luz” con Jorge Pardo y el antiguo miembro de Máquina y Música Urbana Carlos Benavent, de ecos hindúes en su prólogo y “D.E.P.”, de nuevo con Jorge Pardo y su flauta de aires derviches en su inicio, hasta que el tema implosiona y nos acerca casi a la grandilocuencia de una Big band), aunque mantienen el complejo andamiaje de fusión progresiva en temas sorprendentes como el explosivo “Rattrapante”, que abre el disco, con Tino di Geraldo, o “Jump Hour”, cuyo vídeo fue censurado en YouTube cuando acumulaba miles de visitas en tan sólo un par de días por ser demasiado provocativo.

La Llama trenza un discurso fluido, cristalino, bello y tenso de ambición nómada, pero al mismo tiempo enmarcado en un armazón sonoro perfectamente amurallado de intensidad musical, sin necesidad de recurrir a extraños ademanes. Una explosión de creatividad impactante, que recorre muchas de las representaciones de la música del siglo XX, para acabar recalando en un estilo personal, complejo en su concepto a la vez que inmediato al oyente. O dicho de otro modo, que hace fácil lo difícil.

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Algunos tesoros de

Ferror Records LEER MÁS

n estos “malos tiempos para la lírica” que corren, es admirable que todavía existan soñadores como Ferror Records, capaces de embarcarse en una aventura discográfica para dar difusión a proyectos musicales de difícil clasificación, y con la creatividad como emblema. Dos de esos soñadores son los ferrolanos Serxio Peck (teclista de la banda Carrero Bianco), y el escritor y divulgador musical Fernando Fernández Rego, administrador de esa fuente inagotable de información que es

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La Fonoteca (https://lafonoteca.net), y más recientemente autor de un libro de ambición enciclopédica titulado Unha historia da música en Galicia, 1952-2018, que recorre de forma detallista toda la música producida en Galicia a lo largo y ancho de casi 60 años. Ambos fundaron Ferror Records en 2015 en su Ferrol natal. Su catálogo, nutrido especialmente por proyectos de la zona noroeste del país, bordea el pop pero da cabida también a estilos colaterales, concretamente dos que al que esto escribe le han fascinado recientemente.

La magia de Koroiev en Ferror Records

Koroiev es el proyecto unipersonal del coruñés Roberto Casteleiro, que presenta su ter-

cer disco, primero para la factoría de Ferror Records. El álbum, titulado Valverde, se nutre de infinidad de influencias, y trasciende cualquier tipo de calificativo más allá del de “buena música”. Pero para situarnos, hablamos de un trabajo que, aunque incorpora instrumentos acústicos y eléctricos, resulta puramente electrónico instrumental de hechuras ambientales y melódicas, algo que ya es patente desde el tema apertura, “Aquí”, con interés esporádico por las estructuras rítmicas, así como un poder de sugerencia casi cinematográfico. No puedo evitar escuchar ciertas conexiones con las evoluciones británicas de los primeros Ian Boddy o Mark Shreeve en temas impresionantes como “Modia”, de una elegancia pasmosa en forma de bucle infinito, sobre el que se van superponiendo capas atmosféricas y melódicas, y que toca de soslayo la escuela de Berlín en su versión más británica de los 80 con el aroma de esos ritmos programados tan retro, para, en su parte final, incorporar tratamientos de ritmos y voces étnicas, no lejanas en planteamiento del que a finales de los 60 practicara Holger Czukay en su obra maestra “Canaxis”, y, aunque en lugar de cantos de lamentación vietnamitas aquí la procedencia de las voces es puramente galaica, el efecto es similar. Asimismo, también sobrevuela el disco la épica orquestal de Vangelis en los arreglos de una maravillosa versión del “Canto del Cisne” de Schubert, y no podemos dejar de citar alusiones medievales en “Cantiga 248”, o directamente folklóricas de aire gallego en “Illa da Vaca”, que recurre a tímbricas que, sin intentar imitar, recuerdan poderosamente a los de la gaita gallega, o las rítmicas “pandereteiras” del título homónimo perfectamente imbricados en un contexto electrónico. También los aires techno de “Antichton”, que inmediatamente después, en “Lagoa do Esperón”, se vuelven ominosos y disonantes. Un trabajo fascinante de múltiples aromas que se escucha sin esfuerzo y deja poso. Fantasía y maestría sonoras.

La versatilidad indisciplinada de Loe Lof Lon

El vasco, pero residente en Asturias, Gori Varalez, personifica un proyecto bajo el particular nombre de Loe Lof Lon, que, según él mismo cuenta, fueron las tres primeras palabras que escribió su hija de tres años. Hasta el momento cuenta con tres trabajos ya en Ferror Records. Su estilo es casi un antiestilo, o una forma premeditada de huir del encasillamiento, y entronca con la esencia experimental e industrial de los 80, construyendo sonidos que casi por sinergia van dando lugar a otros, consiguiendo crear atmósferas ruidistas unas veces, o totalmente percusivas e industriales otras, pero siempre muy expresivas y discursivas. Conventional Elements, publicado en 2107, te lleva desde el Kraut al downtown neoyorkino casi sin solución de continuidad. En “LOE LOF LON Meets Wayne Rex”, Gori se reúne con el baterista e improvisador estadounidense para perpetrar un catálogo de improvisaciones a veces directamente ruidistas, y otras tamizadas por filtros jazzy. Pero lo mejor para mí de Loe Lof Lon acaba de salir, Bad Beats, un trabajo sólo publicado en vinilo que es un catálogo de inventiva desde el primer segundo. Por alguna extraña razón, lo vinculo a toda la curiosidad experimental de los años 80 en España, en proyectos como Macromassa o los Mecánica Popular de “Baku:1922”, que para los amantes de las etiquetas se traduciría en una especie de Psico-heavy-folk-industrial, donde no falta un fino sentido del humor. Seguiremos atentos en el futuro a las evoluciones de Ferror Records, y a buen seguro descubriendo más de sus tesoros.

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Dizzy Gillespie

todo un revolucionario del Jazz Gillespie.

ejillas súper hinchadas, gafas redondas, trompeta torcida, y una sonrisa eterna… En esta entrega vamos a hablar de todo un revolucionario del Jazz, de gran Dizzy Gillespie. Uno de los principales arquitectos del Bebop junto a Charlie Parker, pero cuyos logros musicales irán más allá con la creación del Jazz afrocubano. Además, desprendía carisma por todos los poros de su piel. Os presento al gran Dizzy

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Dizzy Gillespie y sus comienzos como músico

John Birks “D” Gillespie nació el 21 de octubre de 1017 en Cheraw, Carolina del Sur. Fue el más joven de 9 hermanos. Su padre, James, era el líder de una banda local, por lo que Dizzy tuvo muy pronto contacto con la música. Comenzó a tocar el piano con 4 años. Con 12 años aprendió a tocar el trombón y la trompeta, momento en que descubrió al que sería su ídolo, Roy Eldrige (al que incluso llegó a sustituir como trompeta en 1937).

En 1941 Cab despidió a Dizzy. Discutieron porque Cab acusaba a Dizzy de haberle salpicado de saliva, y Dizzy, ojo, acabó clavándole un cuchillo a Cab en la pierna…, casi nada. Durante esta época, Dizzy comenzó a escribir música para Woody Herman y Jimmy Dorsey, y pasó a rular entre diferentes orquestas, siendo un habitual de la de Ella Fitzgerald. En 1943 entró en la banda de Earl Hines, y después en la de Billy Eckstine (que os tienen que sonar sí o sí o tenemos un problema grande). Aquí será donde se encuentra de nuevo con su inestimable compañero, Charlie Parker. Esta historia ya la sabéis: ambos dejaron la orquesta de Eckstine y se unieron creando un combo de trompeta, saxo, piano y batería, y así nacía el Bebop. Ya sabéis, el primer estilo de jazz moderno.

Dizzy Gillespie, el virtuoso de la trompeta

La unión con Charlie Parker será una de las más famosas de la historia del Jazz. Si bien Bird se convirtió pronto en un personaje reconocido, mucha de su fama es gracias a Dizzy.

Decidido a ser músico, solicitó una beca en el Instituto Laurinburg de Carolina del Norte de dos años que le concedieron. Estudió armonía y técnica musical. En 1935 consiguió su primer trabajo profesional con la Orquesta de Frank Fairfax. De aquí pasó a las de Edgar Hayes y Teddy Hill. En 1937 ya era segunda trompeta. Su primera grabación fue King Porter Stomp, con la Orquesta de Teddy Hill. En 1939 pasa a la orquesta de Cab Calloway, donde popularizaron juntos el tema Pickin the Cabbage. Sin embargo, esta unión duró poco tiempo.

Sin la maestría en capacidad armónica e inspiración interpretativa de éste, Charlie Parker nunca hubiera podido desarrollar su arte de igual manera. Le entendía, y eso no era fácil. Dizzy era un virtuoso con la trompeta, y era capaz de utilizar recursos técnicos casi ilimitados. Además, componía y componía y componía. Se abría un nuevo camino con temas como Groovin´High (considerada la primera composición Bop), Woody’n You (grabada con Coleman Hawkins en el Teatro Apollo en directo en 1944, siendo la primera grabación formal de Bop), o Salt Peanuts. A partir de este momento, Dizzy empezó a formas diferentes grandes bandas. LaCarne Magazine

Su Bebop Six (que también incluía a Charlie Parker) tuvo tal éxito, que en 1946 conseguirían un contrato con Bluebird. A parte de la combinación perfecta con Bird, Dizzy creó muchos combos con diferentes músicos: John Coltrane, Lalo Schifrin, James Moody, J.J. Johnson o Milt Jackson entre muchos otros. A finales de los 40, mientras se formaba el Bebop, se acercó a la música latinoamericana, principalmente a la cubana. Pronto empezó a introducir elementos latinos en su jazz, creando un nuevo estilo que sería conocido como Jazz Afrocubano. Un estilo que mezclaba el folclore cubano con el lenguaje popular del Jazz. Trabajando en diferentes orquestas conoció a Chano Pozo (congós) y Mario Bauza (piano). Con ambos crearía un sinfín de obras magistrales, y juntos introdujeron por primera vez auténticas polirritmias afrocubanas al idioma del Bebop. El Jazz Afrocubano es considerado una variación del Bebop, y siempre fue muy popular, pues después del Dixie, el Jazz se podía volver a bailar. Sus obras más famosas fueron Manteca, Tin Tin Deo, o Cubano Be, Cubano Bop.

Más que un músico

En 1955 muere Charlie Parker. Esto fue un palo enorme para Dizzy, que consideraba un genio a Bird. En estos momentos se encontraba muy afligido, y encontró una vía de escape en las ideas de fe de Bahá’ í, una religión basada en el valor esencial de todas las religiones, y la unidad e igualdad de todas las personas. Tras el asesinato de Martin Luther King, en 1967, finalmente se convirtió, viéndose a sí mismo como un ciudadano global y humanitario, interesándose cada vez más por su herencia africana.

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Todo esto se vio reflejado en su personalidad: un hombre generoso, amable, y con una inmensa fuerza interna. Uno de los rasgos más característicos de Dizzy era su trompeta torcida. Durante una fiesta de cumpleaños de su mujer, los bailarines Stump y Stumpy cayeron sobre la trompeta de Dizzy, doblando la campana hacia arriba. Esta torcedura alteró el

cambiaría su nombre por el de Blues House. Su gabinete estaría compuesto por Duke Ellington como Secretario de Estado, Louis Armstrong como Secretario de Agricultura, Mary Lou Williams como Embajadora en el Vaticano, Thelonius Monk como Embajador itinerante, y Malcom X como Fiscal General. Su lema era “los políticos deberían tener más ritmo”, y se vendieron un montón de pines en la campaña, cuyo dinero fue a parar a diferentes fundaciones. Hoy en día son piezas de coleccionismo. En 1971 se presentó, pero finalmente se retiró.

El legado de Dizzy Gillespie

Dizzy Gillespie fue todo un personaje como veis, pero si hay algo en lo que sobresale es en su humildad. A pesar de ser un verdadero revolucionario, siempre se escondió tras la figura de Charlie Parker, y, a pesar de ello, se convirtió en una leyenda durante toda su carrera de más de 50 años. Además, era buena persona. Siempre estuvo presente. Fue el primero en utilizar un bajo eléctrico en un grupo de Jazz, en 1956 fue nombrado Embajador de Buena Voluntad del Departamento de Estado de Estados Unidos (la primera vez que los EE. UU. daban reconocimiento oficial a una orquesta de Jazz), participó en dos películas (Jivin’ in Be-bop de 1946 y El invierno en Lisboa, que se estrenó en 2004), y cuenta con un mogollón enorme de premios y condecoraciones. tono del instrumento, y a Dizzy le encantó. Al día siguiente tenía la trompeta arreglada. Sin embargo, no olvidaba el sonido de la noche anterior. Así que encargó una trompeta doblada hacia arriba en un ángulo de 45 grados. Y esa imagen se nos quedará en la retina por siempre jamás. El carisma, ya sabéis. En 1964 se postuló como candidato independiente por escrito a la presidencia del Gobierno. Prometió que si llegaba a la Casa Blanca

Pero en 1991 sufría la primera de muchas crisis de un cáncer de páncreas que se lo llevaría el 6 de enero de 1993, con 75 años. Como veis, Dizzy Gillespie es una de las personalidades más curiosas de la historia del Jazz moderno. Vivió una época convulsa, consiguió no caer en el mundo de las drogas, y con su espectacular legado (alrededor de 40 discos y más de 50 años de conciertos) nos dejó crónica viva de su tiempo. LaCarne Magazine

Andrew Poppy

de The Lost Jockey a Hoarse Songs LEER MÁS

ablar de Andrew Poppy es hacerlo de una de las mentes más inquietas y ubicuas de la escena contemporánea británica, y por ende internacional. Comenzó siendo pieza fundamental de The Lost Jockey, al lado de Orlando Cough y John Barker como compositores, y de un plantel de músicos que incluían piano, cello, marimba, clarinete, órganos, sintetizador, y voces femeninas. Dos discos y una casete es el escaso legado de este proyecto, que renovó los aires del minimalismo repetitivo estadounidense recogiendo la herencia, tanto del complejo pa-

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tronaje rítmico de Steve Reich, como de las sugerencias melódicas de Philip Glass, o la lentitud contemplativa de Terry Riley, así como de la rápida asimilación que del estilo hiciera Michael Nyman en el Reino Unido, aportándole un gusto por las orquestaciones barrocas, y además de todo ello insuflándole la fuerza e inmediatez del rock. El propio Andrew Poppy se refiere a The Lost Jockey “como un partido de fútbol en el cual había cinco equipos, en lugar de dos, jugando en el mismo campo y con las reglas del rugby”, prueba del contraste y casi contraposición de ideas que había en el seno de la banda, algo que curiosamente no se adivina en la escucha de los discos, que fluyen de forma natural, como si hubieran salido de la misma mente creativa. “Mi pretensión en The Lost Jockey estaba

en solitario, su discografía se va despegando paulatinamente de la influencia minimalista, desde los excelentes “The Beating of Wings” (1985) y “Alphabed (A Mystery Dance)” (1987) en el sello ZTT de Trevor Horn, y avanza a la búsqueda de la investigación electroacústica en diferentes formatos con “Recordings” (Bitter + Twisted Records, 1992), “Ophelia” (Impetus Records, 1995), y “Rude Bloom” (Artgallery 1995). Ahora nos llega, 7 años después de “Shiny Floor Shiny Ceiling”, su último trabajo: “Hoarse Songs” (Field Radio, 2019). Una colección ecléctica de 10 temas en la encrucijada de varias estéticas, que parecen recorrer todas las inquietudes que le han motivado como artista desde sus inicios como compositor.

muy relacionada con la música rítmica y de cámara que posteriormente se vería conectada con las influencias de otros miembros del ensemble, que procedían del rock y el jazz. Una conexión que iría desapareciendo paulatinamente”. Su interés en el minimalismo repetitivo de la escuela norteamericana viene de lejos: “La forma es que los compositores americanos han hecho piezas de 30 minutos a partir de una única armonía, patrón rítmico, o textura es una continua inspiración y modelo: “In C” de Terry Riley”, “For Samuel Beckett” de Morton Feldman o “Drumming” de Steve Reich me siguen apasionando hoy”.

Andrew Poppy, un periplo desde The Lost Jockey hasta Hoarse Songs

A partir de la salida de The Lost Jockey, y ya

Hay insinuaciones claramente minimalistas y repetitivas en “XY”, que se transmutan por momentos en una declaración pop-art, porque Poppy sabe pintar con sonidos, pero también su interés por la tonalidad y la armonía permanecen inalterables en «Song Tide (Interrupted)» o “Riderless”, así como un componente experimental, como sinónimo de búsqueda, que transita a lo largo de toda la obra. A pesar del resultado percibido como un todo perfectamente homogéneo, una escucha activa permite disgregar los diferentes elementos en forma de contrapuntos, instrumentación, color y forma, incluso en términos matemáticos que darán diferentes perspectivas de escucha: “Sí, mi música anterior quizás es más accesible. Pero esto es algo inconsciente, me refiero a que no me propongo lo que voy a hacer en cada momento, simplemente es que no me gusta estancarme y repetir los mismos clichés!” “Hoarse Songs” es, en definitiva, el nuevo trabajo de un compositor caleidoscópico en su madurez.

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Organic representando el Metal de Puerto Rico P

uerto Rico es un país del que han salido y siguen saliendo excelentes bandas, y una muestra de esto es la agrupación Organic. Ésta es una banda ya con algunos años de recorrido, y cuenta con algunas producciones discográficas. Organic es una agrupación que realiza metal extremo, pero algo curioso es la no utilización de guitarras, así que lean la entrevista para conocer todos los detalles, que fue respondida por su baterista, Juan Leal.

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Organic, representando el Metal de Puerto Rico

Organic es una banda representativa de la música extrema de Puerto Rico, ya con varias producciones bajo el brazo, y excelentes presentaciones. El lugar de la banda es indiscutible. Sin embargo, dada la poca cobertura y alcance de los medios, hay detalles de la banda que escapan a la gente, y es por ello que quisiéramos iniciar haciendo algunas preguntas de tipo histórico. ¿Dónde y cuándo nace Organic? ¿Cuál fue su formación original y qué cambios se han dado en la banda hasta esta formación actual? Organic nace como Organic Infest en el año

¿Quiénes están hoy día en la banda? Todos hemos tenido experiencias previas con otras bandas aquí en Puerto Rico, y proyectos, pero previo a Organic Infest/Organic existió una banda que tenían Freddy y Chewy, la cual se llamaba Darken, que era Thrash Metal. Luego, en el ’91, entro yo, y decidimos cambiar el nombre a Organic Infest. En el año 2007 ya Freddy no pertenecía a la banda, entra Tony, nuestro bajista, y decidimos quedarnos solamente como Organic. Los integrantes desde el 2007 al presente son Tony (bajo), Chewy (bajo con distorsión y vocales), y un servidor Juan (batería). Desde el 2007 hasta el presente no usamos guitarra eléctrica, Chewy ha tomado ese rol con el bajo con distorsión. Organic entonces surgió de las cenizas de Organic Infest. ¿Qué nos puedes contar al respecto? ¿Alguna diferencia en lo que hacían anteriormente con Organic Infest? La diferencia fundamental es que ahora como Organic tratamos de abarcar todo lo que es el género del metal, y sus diferentes estilos. Y segundo, la integración del bajo eléctrico con distorsión sustituyendo la guitarra eléctrica.

1991. Los miembros originales de Organic Infest en el 1991 somos Chewy (bajo y voz), Freddy (guitarra), y un servidor, Juan, en la batería. Organic Infest empezó como una banda de Brutal Death Metal, influenciados por el boom de la escena de Death Metal de finales de los 80’s y principios de los 90’s, principalmente la escena sueca de Estocolmo y las escenas americanas de Florida y Nueva York. Después, para principios de los años 2000, ya era más influenciado por la escena europea de Death Metal. Y desde el año 2007 hasta el presente estamos más influenciados por todo lo que abarca el género del Metal. ¿Qué experiencia previa tienen los músicos que actualmente conforman la agrupación?

Varias producciones discográficas avalan la historia musical de Organic, los cuales no dejan duda sobre el nivel de la banda y su grado de composición. ¿Qué nos puede comentar la banda en relación a sus influencias musicales y de carácter lírico? Las influencias musicales de nosotros son bien variadas. Cubren, por ejemplo, desde Rush y Kansas, hasta King Diamond y Coroner, y siguiendo hasta Death y Dark Funeral. Tratamos de cubrir todo lo más que podamos con nuestra música, sin ser una copia obvia de nadie. Líricamente las letras pueden ser de carácter ficticio, pero también de hechos de la vida real e históricos. ¿Hasta qué punto las influencias musicales deben incidir en la personalidad y composiciones de una banda, y, específicamente para Organic, cómo trabajan para que riffs, sonido o estructura de canciones de sus gustos personales no se inyecten en sus composiciones? El proceso de componer y montar nuestras LaCarne Magazine

canciones es uno, bien como el nombre de nuestra banda, bien orgánico y natural, dejando que la música fluya. Por experiencia, cuando éramos más jóvenes era inevitable que sonáramos en cierta forma como nuestros ídolos. Ya en la actualidad, y después de tantos años, tratamos no de inventar algo nuevo, porque ya la mayoría de los estilos están hechos, pero sí tratar de ser lo más originales que podamos. Ahora que hablamos de su sonido, ustedes no utilizan guitarra, sólo dos bajos y batería. Explícanos sobre esto. Bueno, esto fue más una necesidad que a propósito hacerlo. Tuvimos muchos problemas con guitarristas, y no quedó más remedio que conseguir un bajista, el cual es nuestro hermano Tony. Y Chewy usa su bajo poniéndole distorsión. Él tuvo que aprender técnica nueva para hacerlo sonar como lo hace como una verdadera guitarra eléctrica. ¿“The Fate Of All Flesh” es su último trabajo discográfico? Coméntanos sobe este material. “The Fate Of All Flesh” es el disco que verdaderamente representa el estilo de Organic, y nuestro mejor disco hasta ahora. Estamos montando música nueva para lo que será nuestro próximo disco. Según he leído, Organic ha podido compartir con grandes bandas como Monstrosity, Divine Empire, Dying Fetus, Impetigo y Nuclear Death. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar junto a bandas de tal envergadura? Hermano, ésas han sido grandes oportunidades. Como, por ejemplo, el show con Nuclear Death e Impetigo. Fue el primer show de metal extremo en Puerto Rico, y nosotros fuimos el acto de apertura. Eso fue en el año 1992. Ha sido un honor compartir con todas esas bandas. Ya con algunos años en la escena, conciertos y experiencias a sus espaldas, asumimos están siempre pendientes de todo lo que ocurre en la escena de su país, y en función a ellos, esta pregunta es casi que obligatoria. ¿Cómo ven la actualidad de Puerto Rico en cuanto a la escena del metal?

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No como quisiéramos, pero el panorama es prometedor. Hay muchas bandas buenísimas. Las mayores dificultades para las bandas es dónde exponer su música. No hay muchos sitios donde tocar. Para los productores, su mayor dificultad es competir contra la masa, no poder promocionar sus shows como se debe, debido a que en Puerto Rico los medios están dedicados a la música comercial. Acciones concretas para mejorar el panorama, tengo que decir que más unión entre productores y bandas. En la unión está la fuerza. Siendo Puerto Rico un territorio no incorporado estadounidense, ¿esto los ha favorecido de algún modo para tocar o difundir su material en ese país del norte? En lo personal, pienso que no ha sido una desventaja, pero tampoco ha sido una ventaja. Estamos de igual a igual con todos nuestros hermanos del Metal en el mundo. ¿En qué momento se encuentra Organic como banda? ¿Crecimiento, consolidación, evolución, expansión, etc.? En este momento queremos crecer, consolidarnos, y expandirnos fuera de nuestro país, y sí, siempre estamos en constante evolución dentro de lo que es el metal. ¿Cuáles son los planes de la banda para este 2020? Estamos en el proceso de montar la música para lo que va a ser nuestra próxima producción, luego salir a tocar todo lo más que se pueda, tocar fuera de nuestro país, y expandir y promocionar el nombre de nuestra banda a nivel de la escena de metal mundial. ¡Gracias por responder estas preguntas! ¿Algunas palabras que quieres hacerles llegar al público? Saludos a todas y todos nuestras hermanas y hermanos del metal desde Puerto Rico. Gracias por la oportunidad de dar a conocer nuestra banda.

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Joan Chávez

en el Centro Machado de Colonia Folkwang de Essen (Alemania).

oan Chávez es un músico colombiano que reside en Colonia. Nació en Bogotá, donde estudió música en la especialidad de contrabajo. Siempre le interesó la improvisación, por eso ha enfocado su carrera musical hacia el jazz, que es precisamente lo que le motivó a trasladarse a Europa. Su último trabajo, “Magdalena”, ha sido grabado, mezclado y producido por la Universidad

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Todos los temas están compuestos y arreglados por Joan Chávez excepto Llorona, tradicional de México, y Alfonsina y el mar, de Ariel Ramírez y Félix Luna. Es un trabajo en el que se nota el talento, la dedicación y el cariño, y se disfruta desde la primera a la última canción. Han contribuido a ello el pianista Richard Brenner y el batería Moritz Baranczyk, que junto a Joan forman la base del proyecto musical. Colaboraron Christian Ugurel (saxofón), Mo-

ritz Wesp (trombón), Álvaro Severino (guitarra acústica), Santiago Sandoval (guitarra eléctrica), y Pablo Sáez como batería en “Llorona”.

Jazz con Joan Chávez

¿De dónde vinieron las ganas para fundar el grupo de jazz? Mi función dentro de las diferentes formaciones en las que he trabajado fue la de músico acompañante, pero siempre tuve las ganas de liderar un proyecto propio. Estaba esperando a tener la suficiente madurez, y fue aquí en Alemania que me sentí con la capacidad de llevarlo a cabo. Ya hacía tiempo que realicé arreglos y composiciones para pequeños formatos, pero sentí que llegaba el momento de fusionar la música colombiana con jazz europeo, que son los estilos que más trabajé en los últimos años. ¿Cómo hacéis para ensayar? En la universidad conocí a Richard (pianista), y nos reunimos para practicar. Luego apareció Moritz (batería), y con él seguimos improvisando y empezamos a practicar las polirritmias. Los tres somos los que ensayamos regularmente, y, dependiendo de las posibilidades, llamamos a un cuarto o quinto componente. Es muy difícil vivir de la música, más aún si te dedicas al jazz, incluso siendo muy buen músico, como es el caso. Encima, vienes de un país donde el jazz no es tradición. Joan, lo tienes todo en tu contra…. En cualquier parte del mundo es difícil vivir de la música. A la falta de estabilidad laboral se le suma la ausencia de público. Es difícil en Colombia, y es difícil en Alemania, aunque bien es verdad que en esta parte de Europa hay más tradición por la música en vivo. A pesar de que Bogotá es una ciudad muy grande, no hay tanta escena del jazz. Esto está cambiando a mejor, pero aun así Alemania le lleva una distancia de varias décadas. Aquí hay muchos sitios donde tocar,

grandes músicos, y un público amplio y generoso. Con todo y con eso, es muy difícil. ¿Qué opinión te merecen los circuitos y festivales de Europa? Tuve la suerte de tocar en algunas partes del mundo como Turquía, Taiwan, por supuesto Colombia y Europa… Pienso que la música está viva en cualquier parte, pero sorprende que en Europa, a pesar de estar formada por países muy pequeñitos en comparación con donde yo vengo, hay una riqueza musical sorprendente. Hay festivales muy buenos en pueblos pequeñitos, y en las grandes urbes festivales donde se puede disfrutar de los mejores artistas de la escena internacional. Es difícil entrar en los circuitos importantes, pero es un camino que está empezando para mí. Logré tocar en el Festival de Jazz de Baviera de este año (Bayerische Jazzweekend 2019), y espero que ése haya sido el comienzo. ¿Cuáles son tus próximos proyectos y actuaciones? Afortunadamente tengo varios proyectos que incluyen giras por Alemania e incluso Colombia. Entre estos proyectos cabe destacar al grupo Die Parzäros, formado por tres colombianos residentes en Alemania. El disco lo hemos grabado con el sello Jazz HausMusik. También colaboro habitualmente con Álvaro Severino, que acaba de lanzar un disco con el sello Discos Pendiente, y que lleva como título “Ngen-Kürüf”. Por mi parte nada más, Joan, tan solo animar a los que estén leyendo este artículo a que descubran tu trabajo, porque me parece de lo más interesante que se está haciendo ahora mismo dentro de la escena.

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Gilgamesh

la primera banda de mujeres de México

ilgamesh es un personaje legendario de la religión sumeria de la mitología mesopotámica. El Poema de Gilgamesh, conocido también como Epopeya de Gilgamesh por su género literario, es considerada la gran obra literaria más antigua del mundo. Pues Gilgamesh es el nombre que le han dado a esta banda, y la primera banda conformada por mujeres en México. Sus inicios datan de finales de 1992, así que es ya una

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banda con una enorme trayectoria, y a la que se le debería rendir o hacer algún gran reconocimiento, pues creo no ha sido nada fácil para estas tres mujeres mantener la agrupación por tanto tiempo, y a la que han dedicado gran parte de sus vidas. Les dejo la entrevista que fue respondida por su baterista, Alejandra Mavir.

Gilgamesh, la primera banda de mujeres de México

Según he leído y buscado, Gilgamesh es la primera banda de metal extremo formada por solo mujeres en México. ¿De quién fue la idea de formar la banda y cuál fue la reacción del

tas de parte de algunos del público, pero igual algunos personajes de la escena de la ciudad nos empezaron a apoyar, jalándonos a tocadas, y haciéndonos entrevistas cuando vieron que iba muy en serio y que había compromiso de nuestra parte. Así nos fuimos conectando poco a poco, y nos fueron aceptando. Bien, por el gusto y pasión por la música de este género es que las hermanas Adriana y Alejandra deciden crear la banda. ¿Qué nos puedes contar al respecto sobre estos inicios? A Luisa la ubicábamos porque asistía a conciertos al igual que nosotras. Un amigo nos la presentó. Aparte de tener una personalidad muy abierta, con la cual surgió una buena amistad, sacamos todas esas inquietudes que teníamos de formar una banda, y hacer la música que, como dices, nos apasionaba. Pertenecíamos de alguna forma como audiencia a la escena metalera de la ciudad de México, y sentíamos que podíamos aportar algo a la escena ya como banda, que teníamos ideas y mucha energía que expresar.

público al ver una banda conformada sólo por mujeres? La idea surgió de las tres integrantes. Adriana y Alejandra somos hermanas. Habíamos intentado hacer alguna banda antes, pero no se concretaba. Al conocer a Luisa, con la que tuvimos una gran conexión musical, y al platicar, vimos que tenía las mismas inquietudes de hacer una banda. Todas ya estábamos aprendiendo a tocar un instrumento y nos gustaban casi las mismas bandas, asistíamos a los mismos conciertos, teníamos la misma visión de tocar y de una banda, más la amistad que surgió. así creamos a Gilgamesh. La reacción fue de incredulidad, prolongados silencios cuando tocábamos, ofensas machis-

Tomamos manos a la obra, realizamos lo que soñábamos, tocar, hacer música. No fue tan fácil al inicio, ya que había que tener equipo suficiente para ensayar, un lugar de ensayo. Al no contar con el apoyo de los padres, teníamos que ensayar clandestinamente, aprender a hacer música desde cero, sabíamos qué género queríamos tocar, pero no lo podíamos aterrizar bien, no queríamos sonar a otras bandas. No buscábamos ser originales, pero tampoco sonar igual a otras. Sacar nuestros sonidos nos llevó unos meses. Se considera muy machista al mundo del metal. ¿Esto ha influido en el desarrollo de la banda? ¿Cuál fue la mayor complejidad que afrontó la banda en sus inicios? Sí influyó. Eran contadas las chicas que asistían a conciertos o compraban música. No había bandas de metal integradas totalmente por mujeres, y al principio recibíamos al empezar a tocar muchos gritos con frases machistas, como “que se encueren”, o la presión del público para comenzar a tocar era mayor a la que se hacía a las bandas de hombres. En algún momento, un ingeniero de sonido no nos quiso LaCarne Magazine

ecualizar por ser mujeres, las bandas con las que alternábamos nos veían raro, y tenían una actitud un poco retadora (no todas, claro).

en algunos lugares donde nos invitaron a tocar, las gentes se sabían las rolas, y eso nos llenó de satisfacción.

Cuando sacamos el demo, el sello con el que lo co-producimos quería poner que éramos una banda de mujeres, explotar esa parte de ser mujeres, cosa que no aceptamos. Creemos en la equidad de género, y no queríamos ventajas por ser chicas. En algún momento nos dijeron que teníamos una imagen andrógina por no salir enseñando cuerpo. Nosotras simplemente éramos en el escenario como éramos en la vida común y corriente. Al final, estas circunstancias nos hicieron más fuertes, y nos determinó a seguir porque después que tocábamos, cambiaban las actitudes de las personas, a actitudes de aceptación y de un trato más equitativo y de respeto.

En cuanto a la alineación, la base de la banda desde su mismo comienzo ha sido siempre la misma. Algo, en lo que pienso, que ha mantenido este conjunto tan unido. ¿No lo crees así? Así es. No es fácil encontrar a personas con las cuales puedas sentirte tan compenetrado para hacer música y buscar los mismos objetivos. Intentamos en algún momento integrar a más chicas, pero nunca hubo estabilidad de su parte, y nos quedamos así finalmente.

Su primer material fue un demo en 1995 que salió en formato casete, con el que lograron ser escuchadas en gran parte de México y hasta fuera de sus fronteras. ¿Cómo se logró grabar este demo? ¿Qué sensación puede experimentar un músico después de parir su primer material? El sello Visión D nos ofreció grabar el demo. Nosotras quisimos tener una co-producción para así tener derechos sobre nuestro material. Creo que el sello sólo ayudó un poco a darle algo de difusión, ya que salió de una forma muy austera y bastante casera. Digamos que la maquila de portada y reproducción fue con fotocopias y en esteros personales. La reproducción de las cintas fue bastante manual, aunque la grabación sí fue en un estudio, con el ingeniero Guillermo Delgado, que en esa época fue integrante de Cenotaph, grabado en 8 canales. La fidelidad del sonido de la grabación se fue perdiendo por no ser maquila profesional. Fueron aparentemente pocas copias las que sacamos, pero la piratería ayudó a reproducir más. No sé si lamentablemente o afortunadamente, pero llegó a muchos lados. El grabar el demo trajo consigo que nos escribiera gente de varios lugares, de muchos fanzines y de gente interesada en que fuéramos a tocar fuera de la Ciudad de México. Nos abrió más puertas. Algo emocionante fue ver que,

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“Guerreras del Rock” fue un compilado que

salió en el 1998, material muy limitado, pero donde Gilgamesh tuvo participación. Coméntame. Ese material salió en formato de casete, como en aquellas épocas. En este compilado básicamente participa por lo menos una mujer en alguna de las bandas. Digamos está dedicado a las mujeres rockeras. Gilgamesh es la única banda de metal que aparece ahí. Lo editó un rockero de aquí, León Vago, que también es músico. Fue limitado el tiraje porque tenía más propósitos de que fuera un material de promoción para las bandas, y no tanto para comercializarlo. Y la canción con la que participamos fue “La Vida Frágil”. La grabación no fue muy buena, se escucha algo saturada porque León no tenía mucha experiencia en es-

cuchar, y menos en grabar, a bandas de metal, pero por lo menos en México en esas fechas había muy pocos estudios e “ingenieros” capacitados para grabar a bandas de metal, y él se aventó el paquete porque tenía el equipo para hacerlo. La banda ha recorrido gran parte de México, y compartido escenario con muchísimas bandas de varias tendencias dentro del metal. ¿Qué ha significado esto para ustedes? Mencióname algunas de estas grandes bandas con las que han compartido. Pues es muy grato que nos inviten a tocar. Tenemos la oportunidad de viajar, de hacer más amigos, conocer a más bandas, intercambiar música, y hacer lo que nos gusta. Hemos al-

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“Para nosotras esto es vivir, hacemos algo que nos motiva, y que sigue siendo un sueño que constantemente se va cumpliendo. No queremos dejar a la deriva nada por hacer.” ternado con Master, Vomitory, Incantation, Dover, Anarchus, Blackthorn, Atoxxxico, Hardware, Cenotaph, The Chasm, Anaked Soul, Avzhia, Xibalba, Mictlan, y con muchas bandas nuevas que están sonando duro. Gilgamesh se ha mantenido durante muchos años en escena, con sus altos y bajos. ¿Crees que puede ser una ventaja para la banda que sus miembros sean todas mujeres? No lo creo. Cuando grabamos y nos empezaron a llamar a tocar, veíamos que querían explotar que éramos una banda de puras mujeres poniéndonos la etiqueta de “Female metal band” o banda femenina. Nosotras siempre nos hemos negado a eso. Para nosotras no hay un sonido de banda femenina, y si buscamos y creemos en la equidad, pues hay que vivirla y sostenerla. No quisimos que eso nos diera ventaja, y que por puro morbo nos buscaran como banda. Siempre pedimos a organizadores de conciertos, y en el demo, que no se mencionara nada respecto a que éramos mujeres. Unos no nos hicieron caso, otros sí. En México, por nuestros nombres, es fácil identificar que somos mujeres, pero en otros países quizá no. Fuera de ensayos y conciertos, ¿cómo es la vida normal y corriente de estas tres mujeres? Como la de muchas personas. Luisa es bibliotecónoma y trabaja en un museo en Oaxaca, y Adriana y Alejandra somos diseñadoras gráficas, trabajamos independientes. Unas casadas, otras no. Otras con hijos, otras no. Aún asistimos a conciertos como cuando éramos jóvenes. Quizá no con la misma frecuencia, y cumpliendo las responsabilidades, y superando la vida.

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La banda estuvo desintegrada por un tiempo. ¿A qué se debió el periodo de inactividad de la banda? Yo, Alejandra, la baterista, tuve familia, un hijo. Aquí en México tener una banda generalmente es invertir dinero y tiempo. Al ver que ya no tenía el tiempo y dinero para la banda, decidí salir. Les pedí que continuaran, no fue así. Pensé que regresaría pronto a tocar, y tampoco fue así. Ésa es la razón, y aunque mucho tiempo después intentamos regresar, no se concretaba hasta ahora. ¿Qué las motivó a reagruparse nuevamente y continuar adelante? Nos ofrecieron tocar con la banda Derketa, para abrirles. Eso nos motivó a regresar. Al principio sólo sería para esa tocada. No se realizó, y pues quisimos continuar, aunque con mucha indecisión. Al final dijimos que continuaríamos pese al gran esfuerzo que tenemos que hacer por la distancia en kilómetros que hay ahora entre nosotras, con la ventaja de que ahora existen estos medios de comunicación que ayudan bastante. Actualmente, las tres integrantes viven en ciudades distintas. ¿Cómo se hacen para mantener el ensayo, las composiciones y los conciertos? Nos turnamos para reunirnos en las diferentes ciudades donde vivimos para ensayar. Y a veces, cuando vamos a tocar, aprovechamos para reunirnos a ensayar también. Usamos la actual tecnología para pasarnos las rolas, y así vamos completando la música. Tenemos ahora que confiar en las aportaciones de cada una. Realmente tenemos que hacer mucho trabajo individual, cada una en sus casas, y ensayar con las grabaciones si ha resultado bien. Regresemos a lo musical nuevamente. En el 2017, el sello Dark Recollections Productions reeditó algunos temas antiguos de la banda. ¿Cómo se logró esto? Danos detalles. Re editar el demo que sacamos en 1995 era el material único que saldría, pero quisimos meterle un plus. Quizá no fue tan buena idea, el propósito era sólo re editar el demo. Buscamos lo que teníamos, lo más inmediato en

canciones, rescatamos una rola que teníamos y que nunca grabamos, otra que fue grabada y no se le dio difusión, una intro que usamos para abrir cuando tocamos, y una nueva que hicimos. Por ello le pusimos “Recolecciones”. Esto fue para aprovechar la re-edición pensando que no volveríamos a sacar algo más de material, pero, claro, ahora no pensamos igual. En fin, ya está hecho. ¿Cuáles son los principales tópicos que abordan las letras de sus temas? Principalmente la muerte espiritual, el dolor, la tristeza, las injusticias, la frustración, la marginación, discriminación, la hipocresía de la religión, la anti religión, algunas leyendas, la libertad, la rebeldía… En 2019 salió un Split. Es su trabajo más reciente, y del cual me gustaría nos comentaras un poco. El Split se realizó con la banda Jesucristo Mentiroso, banda de Salamanca, Guanajuato. Ellos nos propusieron el Split, y pues metimos las canciones que complementan la reedición del demo para darles más difusión, ya que son más desconocidas que las del demo. Aceptamos por la amistad que hay, y porque nos ayuda a darnos difusión, ya que tocamos géneros un tanto distintos. Ellos tocan grindcore, nosotras death doom, y pues para demostrar que no creemos en las divisiones entre bandas sólo por el género que tocan. Algo curioso y un poco extraño es por qué con tantos años en escena, aún no hay un álbum completo de Gilgamesh. ¿Qué las dilata a lanzar un disco? Es cierto, es muy poco grabado para tanto tiempo. En el pasado estuvimos muy activas, y realizamos más canciones, solo que fue un descuido el no grabarlas. Tocábamos mucho y pusimos toda la atención a las tocadas, y descuidamos grabar lo que teníamos, y aunque nos sugerían grabar, pues no piensas que el tiempo es contado, y que quizá no habrá más oportunidades después. Estamos componiendo ahora, y rescatando canciones que valen la pena. Esperando que no nos pase lo mismo del pasado, esta vez no tocamos tanto como lo hicimos antes, pues ahora las responsabili-

dades no nos lo permiten. ¿Cómo ves la escena en México? ¿Qué bandas destacarías en la actualidad? ¿Crees que hay apoyo de los medios hacia el metal en general? La escena es rica en bandas. Han salido, y muy buenas, con ideas propias, y que tocan en vivo con bastante entrega. Ahora más bien falta más publico que tenga la misma entrega, los conciertos no siempre se llenan, la gente es algo apática. Tiene que ver la economía del país también, pero creo está en un muy buen momento México en cuanto a creatividad y calidad en bandas. Cada vez hay más organizadores arriesgando su capital para hacer eventos de calidad. A veces pueden fallar las estrategias de publicidad para informar a la gente de los conciertos, a pesar de las redes sociales y los actuales medios de comunicación. Creo que sí hay más apoyo ahora. Destacaría a Oscurity Reveled, Stone Demons, Evil Carnage, Rex Defunctis, Aphontenophobia, Abruptus, Aislación, Exanime, Euroboros Solemn, Uhkumo, The Ripper, Warfare, Altar of Blood, Nocturnal Call, Evidence. ¿Cómo dirías que suena ahora Gilgamesh en comparación a aquella época de los 90’s? Quizá suena un poco más limpio y concreto. Nos hemos atrevido a experimentar. En una canción, “Dumah”, en un fragmento usamos una voz limpia sin dejar la crudeza que nos gusta. Nuestra música no tiene muchos adornos, es muy directa, en eso no ha cambiado. Ahora buscamos componer con más orden, porque aparte resulta más fácil así. Y el sonido de la distorsión es más alto, un poco menos atascado. Obviamente, ahora hay mejor equipo que antes, y eso ayuda a tener un sonido más poten-

“Estamos en un buen tiempo en nuestras vidas para continuar. Aún tenemos energía y creatividad” LaCarne Magazine

te y claro. ¿Gilgamesh se ha convertido en parte de sus vidas, o sus vidas personales en parte de la banda? Ambas cosas. Tenemos que organizar nuestra vida teniendo en cuenta a la banda, reservar su tiempo para practicar, ensayar, viajar para tocar, y demás actividades que trae tener una banda. Y bueno, una banda también refleja un poco tu vida, lo que piensas, cómo vives la música. En el trabajo, la familia y amigos, saben que tienes una banda, y los gustos que tenemos por esta música, y hay un apoyo de parte de ellos. Ya no se les hace raro como cuando éramos jóvenes. Nuestra vida personal está involucrada a la banda, así como la música al día a día. Nosotras somos tocando como somos en nuestra vida cotidiana. Entiendo que ustedes son personas con muchas responsabilidades, madres, trabajo…, y realmente la música exige mucho tiempo, más aún si estás comprometido en cuerpo y alma. ¿Dime qué es lo que las motiva continuamente a seguir con esta labor? Estamos en un buen tiempo en nuestras vidas para continuar. Aún tenemos energía y creatividad, y podemos empatar las responsabilidades con la banda, y es que no sabemos a futuro que pasará. Para nosotras esto es vivir, hacemos algo que nos motiva, y que sigue siendo un sueño que constantemente se va cumpliendo. No queremos dejar a la deriva nada por hacer. Al final de cuentas es porque nos gusta, aunque tengamos que hacer algunos sacrificios, que son un placer hacerlos. Siendo la primera banda integrada completamente por mujeres, ¿crees que sea un ejemplo para otras bandas dentro del país? Creo que sí. No nos ponemos en el papel de ejemplo, pero sí puede ser. Nosotras hemos tratado de tener compromiso con la escena, con la música, ensayar duro, y también si se puede apoyar a otras bandas. Ahora hay chicas que nos conocen y manifiestan su apoyo

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y gusto por la banda. Eso nos da tanto gusto, que entre chicas no se sienta que hay una competencia, sino que podemos ayudarnos, apoyarnos, y que si hay más bandas de chicas, habrá un ambiente con más mujeres que se atreverán a hacer bandas, asistir a conciertos, y sentirse con más confianza. A estas alturas de su carrera, ¿cuál ha sido el mayor logro obtenido por Gilgamesh en todos estos años? ¿Y de cada una de ustedes? Creo que grabar y dejar algo para la posteridad, que nos llamen a tocar, y que se sepan las rolas la audiencia, que nos consideren como parte de la escena del metal en México. Recibir ahora apoyo, porque cuando empezamos lo tuvimos escasamente, conseguir reconocimiento a través del apoyo que nos dan ahora. De nosotras es permanecer y sentir todavía este gusto por hacer música, tener la energía para tocar, a pesar del tiempo y nuestra edad. Con miras hacia el futuro, ¿para qué se prepara Gilgamesh actualmente? ¿Hay planes para algún posible álbum, giras, videos…? Estamos en proceso de componer rolas, y más adelante grabar qué mejor que un álbum. Y también nos gustaría hacer algún Split con alguna banda, ya sea de chicas, o quizá de otro país. Por ahora, las giras quizá se den en un futuro, ya veremos. Por ahora la meta inmediata es hacer rolas y grabarlas. Bien, quiero agradecerte a ti y a las demás integrantes de la banda por mantenerse tanto tiempo fieles a esta causa. Si deseas añadir algo más, pues aquí te dejo el espacio. Mil gracias. Muchas gracias, Omar Vega, y a LaCarne Magazine por la entrevista y el apoyo a través de está, y saludos de todas las integrantes de la banda. Gilgamesh es Luisa Bocanegra – guitarra y letras, Adriana Mavir – bajo y voz, y Alejandra Mavir – batería.

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Fireskull

denunciando la violencia en México LEER MÁS

l Thrash Metal llega con la agrupación mexicana Fireskull, quienes comenzaron a mediados del 2013. Luego de varias audiciones, la banda queda formada por sólo tres personas, y comienzan a darse a conocer por varias ciudades de su país. Han podido compartir escenario con importantes bandas de su país y de la escena internacional en importantes eventos como Milicia Infernal, Milicia Infernal de Mujeres, Monstruos del Metal Mexicano… Aquí está Enrique Hernández (Henryke Castaneda), uno de sus fundadores, quien responde la entrevista.

Fireskull, denunciando la violencia en México

Saludos y bienvenidos! Fireskull inicia en el

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2013. Sería bueno que nos comentaras brevemente sobre los inicios de la banda. Saludos, amigos de LaCarne Magazine! Soy Enrique Hernández (Henryke Castaneda), baterista y fundador de Fireskull. Fireskull surge de una idea ya muy antigua de mi parte de hacer una banda de Thrash, y la búsqueda de elementos para crearla. Después de varios fracasos con elementos que no tenían tiempo ni interés con el proyecto, voy a encontrar eco en Adrián Guerrero (guitarrista), que buscaba baterista para hacer un proyecto thrasher también. En ese momento, Adrián llega con una bajista con la que está tratando de formar su banda, pero que no se quedará con nosotros, y no nos queda más remedio que comenzar a ensayar solo los dos. Desde el principio coincidimos en el estilo de Metal que deseábamos hacer. Después de varias audiciones, como media docena de bajistas, encontramos a Citlali Castillo, que desde el principio muestra interés y compromiso con el proyecto, además de

En Ecatepec, a la gente le gustaba escucharnos tocar covers, pero no queríamos quedarnos sólo tocando eso. Así que cuando comenzamos a componer nuestro material, nos fuimos moviendo cada vez más dentro de Ciudad de México, y dejando los eventos locales. Tocamos mucho en los venues que existían en ese momento para comenzar a dar a conocer nuestra propuesta de Thrash Metal, por lo que tocábamos con bandas de todo género de Metal, no solo Thrash, lo que nos brindó la oportunidad de llegar a más público. ¿Qué elementos tomarían de su propuesta si quisieran explicar el concepto musical de Fireskull? Pues tratamos de agregar elementos que no son precisamente propios del Thrash tradicional: breakdowns, compases irregulares, algunos cambios en las estructuras que tenemos en nuestra música…

demostrar tener cierta experiencia para trabajar en una banda, a pesar de su juventud, y coincidir con la visión de Metal que queríamos realizar. Todo esto que les comento ocurre en Ecatepec, municipio del Estado de México, que se encuentra a 20 km de la Ciudad de México. Donde Fireskull surgirá. Comenzamos armando covers de S.O.D, Celtic Frost, Anthrax, Kreator, Death Angel y Slayer para ir acoplándonos musicalmente. Sin embargo, muy pronto comenzamos a idear nuestro propio material. ¿Cómo fue esa época para la banda en términos de proyección y entrada en el circuito metalero? Como te comenté, iniciamos tocando algunos covers, y nos comenzamos a mover en tocadas de Ecatepec, Pachuca y Tecamac, y en un par de lugares en la Ciudad de México, lo que hizo que la banda comenzara a ser conocida localmente y en la Ciudad de México.

La banda actualmente la componen tres integrantes. ¿Quiénes conforman hoy la banda? ¿Qué tal el recibimiento de la bajista? Te lo pregunto porque se vive en un mundo algo machista. Fireskull actualmente está conformado por Citlali Mora en bajo y voz, Adrián Guerrero guitarra y voz, y Enrique Hernández (Henryke Castaneda) batería. En cuanto a Citlali, el recibimiento ha sido muy positivo. El público mexicano le ha brindado mucha aceptación. De hecho, notamos que es mayor que cuando Adrián cantaba sólo él. En México hay un despunte de bandas con elementos femeninos o integrados solo por mujeres. Hay muchos medios de comunicación relacionados al Metal que son llevados por mujeres, también organizadores y managers femeninas. ¿Dónde podemos enfocar las letras de sus temas? ¿Hacia qué temática están enfocadas? Las letras son de diferente temática, depende de quien la haya escrito. Las letras son de cada uno de nosotros, y cada uno tiene una perspectiva diferente a los temas abordados, y forma de escribir sus letras. La música la componemos juntos, pero las letras no.

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Te puedo comentar de las letras de este álbum, que son sobre la crítica social, crítica a la supuesta moral de la sociedad sobre la situación de violencia que vivimos en México, la violencia que tenemos en medios de comunicación, así como la manipulación de estos. También el pensamiento y emociones humanas, como el suicidio. Tenemos una letra de budismo Vajrayana, sobre una deidad colérica que es la Dakini. Fireskull es una banda que ya ha participado en varios eventos y lugares de su país. Coméntanos. Pues han sido eventos de Metal muy variados, tanto con bandas de la Ciudad de México como nacionales y extranjeras. Con diferentes organizadores y organizaciones, diferentes venues de todo tipo. A veces buenos eventos, buena organización, buen equipo, buena promoción, buen público. En otras ocasiones pareciera falla todo jajaja, pero siempre habrá algún detalle. Yo pienso que es natural que ocurra esto, no hay evento perfecto. Depende en ocasiones cómo tomes cada experiencia y puedas tomar lo mejor de esto. Todo esto nos ha ido dando cada vez más experiencia como banda sobre el escenario. Como el que nuestra propuesta sea conocida entre más público, y en la escena. Ustedes han compartido escenario con importantes bandas de la escena mexicana como internacional. ¿Qué ha representado para ustedes como personas y músicos el haber compartido con bandas como Luzbel, Leprosy, Neil Turbin ex cantante de Anthrax…? Nuestra primera experiencia fue con Neil Turbin. Fue muy buena, pues también fue nuestra primera presentación con mayor número de gente hasta ese momento. Tocamos con bandas importantes del Thrash de Ciudad de México, y sirvió para que el nombre de Fireskull comenzara a ser conocido. Fue un reto de igual forma, ensayamos con mucho ahínco, pues era una responsabilidad grande abrir a esta leyenda del Metal.

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En cuanto a otras leyendas mexicanas del Metal, pues fue una muy buena experiencia compartir escenario con ellas, fue una muy buena oportunidad de que nuestra música fuese escuchada por estas bandas legendarias. ¿Cómo han percibido la respuesta del público y de la prensa especializada hacia el trabajo que hace la banda? Hasta ahorita ha sido positiva. Hemos estado en varios programas de radio relacionados al Metal y al Rock. Y el público, mayormente, se ha mostrado receptivo a nuestra propuesta, lo que nos ha hecho continuar moviéndonos en el mayor número de lugares para ser escuchados. ¿Cómo es la escena metalera de México, para aquellos que por distancia no estamos tan al tanto de lo que allí sucede? En la Ciudad de México la escena es muy variada al estar en una de las ciudades más

co. En cuanto al público, la provincia está muy abierta y recibe muy bien a bandas que van de visita. Cada estado tiene su propia escena. Nos han hablado de escenas muy bien organizadas en provincia que nos gustaría conocer, y que aún no hemos podido ir. La publicidad y promoción es un aspecto en una banda tan importante como su música e imagen. Hablando de estos puntos, ¿cómo son manejados y en quién recae la responsabilidad de la promoción de la banda? ¿Cómo es el manejo de sus redes sociales? ¿A través de qué medios se llega a información de Fireskull? Los tres elementos de Fireskull participamos de una forma u otra. Sin embargo, es en tu servidor en quien recae la mayor parte de la promoción de la banda. Y en las redes sociales es Citlali Mora la encargada mayormente. Los medios son la radio en Internet, y las redes sociales Facebook, Instagram, y YouTube.

grandes del mundo. Es posible que bandas del sur no conozcan a bandas del norte, y viceversa. Es importante estar tocando constantemente y en diferentes lugares. Los organizadores también son muy diferentes. Algunos tienen ya ciertos venues, y no salen de ellos para organizar sus eventos. Algunos sólo están en uno, otros tienes uno o dos. Lamentablemente ha crecido mucho el que organizadores pidan vender boletos o dinero a bandas emergentes, supuestamente como aportación para tener “un buen show”, renta de equipo, P.A, etc. Es cierto que está bien que se apoye al organizador con algo, pero algunos de ellos caen en abusos, sobre todo con bandas emergentes. Si quieres ser escuchado en más venues, pues hay que estar participando con diferentes organizadores y adaptarte a su forma de trabajo. Aclaro que hablo de Ciudad de Méxi-

Hablemos de grabaciones. ¿Cuentan ya con algún material promocional u oficial? Coméntanos. Sí, así es. Tenemos nuestro álbum LP “Dakini”, que es nuestro disco debut. Fue terminado en febrero de este año, y sacado físicamente en agosto de este 2019. Muy probablemente se suba parte de él a las plataformas conocidas. Con miras hacia el futuro, ¿para qué se prepara Fireskull actualmente? ¿Hay planes para el lanzamiento de algún álbum? Sí, tenemos ya material nuevo. Estamos de hecho en la grabación de un demo con tres piezas nuevas. No tardará mucho en que saquemos el siguiente álbum. Fireskull está ya componiendo nuevo material. Muchas gracias por sus respuestas. Éste es el momento de dejarle un mensaje a los lectores Un saludo a todos los seguidores del Metal que leen esta entrevista! Y que se den la oportunidad de escucharnos. ¡Un abrazo Metalhead!

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Pecado

Paganus Metal desde Canadá Pecado, Paganus Metal desde Canadá

ecado es una agrupación que se formó en el 2010 en Canadá por el colombiano James Astaroth, quien anteriormente, en su país natal Colombia, había sido integrante de otra banda, Armaggedon. Después de cambiar en varias ocasiones de integrantes, varias presentaciones por Estados Unidos, y sacar su primera producción, la alineación se establece, y desde inicios de año se encuentran promocionando su última producción, el disco 7Psalms-7Sins. Para conocer más sobre esta banda de death metal, les dejo la entrevista respondida por su guitarrista, vocalista y fundador, James Astaroth.

Saludos y gracias por aceptar esta entrevista. Para comenzar nos gustaría que nos contaran cómo y cuándo surgió la banda. La banda la formé yo, James Astaroth, hace aproximadamente 8 años acá en Canadá, después de pasar por tiempos obscuros y difíciles de acople a este país, y con problemas familiares bastante delicados. James, tu eres el fundador de la banda. ¿Te fue muy difícil encontrar los miembros adecuados para Pecado? Me fue difícil, y me ha sido difícil. La gente acá es perezosa a morir. No tienen sueños, quieren ser famosos practicando una vez al mes, y a mí particularmente me han tocado músicos borrachos que ni pueden tocar en escenario, y me cansé de eso. A veces tocamos dos miembros como Inquisition, y otras veces invito a algún músico a tocar segunda guitarra o bajo. La banda se formó en Colombia, pero según

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tengo entendido actualmente radican fuera de ese país. Coméntame. No, la banda la formé en Canadá, lo que pasa es que en Colombia alguna vez empecé a armarla, pero decidí viajar y hacerlo acá. Actualmente mi baterista y segunda guitarrista son canadienses. En cuanto a su sonido, aprecio mucha influencia del Death Metal oscuro y blasfemo. ¿Cómo definirían su propuesta musical? ¿Y cuáles son sus principales influencias? Bien, yo nunca me propuse tocar un cierto estilo de Metal, si no lo que me saliera de mis dedos y mente. Yo dejo que la gente defina nuestro estilo sin ofenderme. Si me pidieras una definición, yo bautizaría esto como PAGANUS METAL. Es lo que se me ocurre ahora. Las influencias son muchas, pero están entre otras Venom, Bathory, Celtic Frost, Slayer, Masacre (Colombia), Parabellum (Colombia), Mayhem, Dark Funeral y otras. En el 2017 realizaron presentaciones en Estados Unidos. Coméntanos. Sí, tocamos en un importante festival en Miami llamado Black Kult Fest, y abrimos para Profanatica y otras grandes bandas. En Washington también en “Tri Cities”. Y nos invitaron a Tampa, e hicimos dos shows más en St. Petersburg y Fort Lauderdale, apareciendo en el Washington Herald y TV en Washington. Ese mismo año, 2017, lanzan el material “Christ Invasion”, compuesto de sólo 4 temas. ¿Cómo fue el recibimiento de este material por parte de la escena nacional e internacional? Bien, Christ Invasion fue sólo una producción de 100 copias, las cuales se vendieron casi de inmediato, y estuvo de número 1 en emisoras canadienses por algún tiempo. También se despacharon copias a Europa y Asia, donde recibimos muy buenos comentarios, al punto de ser el gancho para también mandar nuestra mercancía allá a esos países. ¿Dónde podemos enfocar las letras de sus temas, hacia qué temática están enfocadas? Las letras son totalmente anti-religiosas, con esencia del Yo como Dios supremo, apoyado en el lenguaje que nos da la tierra y los

bosques para determinar que la naturaleza es nuestro único pilar de sustento, así como una clara guerra contra el libro llamado “Biblia”. En el 2018 comenzaron con la preparación del álbum “7Psalms-7Sins”, el cual fue lanzado este año 2019. ¿Este disco tuvo la aceptación que esperaba la banda por medios y fanaticada? Total! Esa producción nos volvió a llevar a las emisoras canadienses como número 1, y nos catapultó a Colombia, donde fuimos llamados a abrirle a Masacre en sus 30 años de existencia y celebración. Se han despachado más de 200 CD’s fuera de Canadá, y ya hay invitaciones desde esos lados. Ustedes pertenecen a la agencia The Celestial Agency. ¿Qué tal les ha ido con esta compañía? ¿Los apoya en total promoción? Bien, ellos tratan de ayudar, pero, en síntesis, yo he logrado con las uñas todo lo que hasta el momento tenemos (siendo honesto): tours, ventas, entrevistas…, todo. Ya con algunos años en escena me imagino que han tenido algunos cambios de alineación. ¿Quiénes integran actualmente la banda? Actualmente: Leigh Lyons (batería), Megan Wood (guitarra rítmica) y James Astaroth (voz y guitarra líder). ¿Sus integrantes están de lleno en la banda o tienen algún otro proyecto paralelo? Están de lleno por ahora, pero no descarto volver a dos miembros de nuevo. Hablando nuevamente del álbum “7Psalms7Sins”, ¿qué me puedes decir de su ficha técnica, dónde se grabó, cuántos temas, portada…? Se grabó en Calgary, Canadá, en Nate Reno Studios, con 7 canciones. La carátula es mi idea, y hecha por Collin Wood. ¿Cómo ves la escena Death Metal de hoy en día, qué le falta, qué tiene de positivo, qué debe mejorar desde tu óptica personal? Pues en mi opinión, tantas mutaciones estúpidas le han hecho mucho daño a la real escena metalera. Está bien ser innovador, pero saboLaCarne Magazine

tear los estilos es un crimen. Me quedo con el Thrash, Death y Black Metal. Obviamente respetando nuestros padres eternos, Black Sabbath, Motörhead, Judas…, etc. Porque si notas, yo estoy innovando, no mutando. Toda la escancia del Metal está en este P… & PECADO. A lo largo de su carrera han realizado muchísimas presentaciones internacionales. Quisiera que nos hablaras sobre estas giras. ¿Qué anécdotas nos pueden comentar de estos eventos, y en general cuáles han sido los mejores conciertos ofrecidos por la banda? Todos esos shows fueron eslabones importantes para nosotros. Destacaría mucho nuestro show en Medellín, Colombia, con Masacre, y el de Miami con Profanatica. Una anécdota, recuerdo mucho que tocando con Profanatica, su líder después del show se acercó y me dice… “¿que fuck es esta banda?, me has robado el show”. Bien, pues para mí fue como meterme un cohete en el culo, y me dio los ánimos que jamás he sentido. Han podido compartir escena con importantes bandas internacionales. ¿Qué ha significado esto para ustedes como músicos y en lo personal?

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Fueron sueños que creí eran inalcanzables y que se lograron con muchísima disciplina. Ahí afuera hay un montón de bandas buenísimas, y la competencia es ardua, por eso me acojo a la disciplina. Creo que eso y la humildad han sido claves, también la originalidad. Con miras hacia el futuro, ¿cuáles son los planes de Pecado? ¿Están trabajando en algo actualmente, giras, conciertos…? Estoy ahora escribiendo el tercer CD, el cual calculo estará afuera en febrero. Para enero tenemos un mini-tour de nuevo a Estados Unidos, será hasta ahora en New Orleans (Louisiana) y Huston (Texas). México está listo, pero falta definir el mes, y Noruega está en conversaciones aún. Muchas gracias por el tiempo que has dedicado a responder estas preguntas. ¿Unas últimas palabras? Muchísimas gracias a ustedes, y aprecio mucho que estén apoyando la escena Metalera. Espero visitar España y Cuba muy pronto, otro de mis sueños. Hasta pronto. ¡Hails!

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Mandoble

Metal sinfónico desde Argentina

a primera presentación oficial de Mandoble la realizan en mayo del 2016, a casi un año de haberse formado esta banda procedente de Argentina. Luego vinieron más presentaciones, videoclips, y el lanzamiento de su primer álbum a inicios del 2019. También fueron invitados al concierto de una importante banda internacional. Mandoble es una banda con una propuesta orientada al metal sinfónico, con puestas en escena muy teatrales, y que actualmente se encuentran trabajando en una nueva producción discográfica.

Mandoble, Metal sinfónico desde Argentina

Hola! Un placer hablar con ustedes y tenerlos aquí, en este medio. Para dar inicios con

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la entrevista, ¿qué nos pueden hablar sobre sus sensaciones con este primer álbum “The Gears Strat to Move”? Es muy difícil describir las emociones que nos ha generado el lanzamiento de este álbum. El proyecto Mandoble tenía muchos años antes de consolidarse como banda, y este álbum significó la consolidación y el cierre a su vez de esa etapa de gestación. Hicimos un concierto de presentación con una gran concurrencia, el cual tuvo una gran respuesta del público. Estamos muy contentos con el resultado artístico del disco, tanto a nivel musical como visual. Fue muy duro realizar esta producción, ya que es un disco conceptual de 4 historias que se hilan entre sí. Hubo mucha producción y gestión para darle la forma final, así que concretarlo fue una enorme alegría y satisfacción. Para los que no os conocen, ¿podrías hablarnos brevemente cómo les dio por formar una banda de este corte musical? El metal sinfónico es un gran universo lleno de posibilidades expresivas: la fuerza del metal,

también a integrar el trabajo artístico. Nuestro primer vídeo tuvo una gran aceptación en general, y nos ayudó a incursionar en la escena y conseguir nuestras primeras fechas. Se ha convertido en el tema más esperado de nuestros conciertos. A casi un año de formados fue que salieron a escena con su primera presentación. Coméntame sobre este primer concierto, ¿cómo fueron recibidos y qué tal les fue? Fue en un evento de anime, la Otaku Matsuri. Fue muy lindo concierto con muy buena respuesta del público. El primer paso fue con el pie derecho.

la pasión de la ópera, la majestuosidad de la orquesta sinfónica, y todas las posibles combinaciones que se pueden generar son una combinación irresistible para nosotros. ¿Cómo no hacer metal sinfónico? Es nuestra pasión. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio metalero? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer, o todo se dio de buena forma? Todo camino artístico está lleno de tropiezos, aciertos y desaciertos, que al final son los que nos conforman como banda, pero al final siempre le ponemos toda la garra, y eso, junto con la respuesta del público que nos acompaña siempre, los “Mandoblers” como cariñosamente les llamamos, nos lleva hacia adelante. En el mismo año de formados sacan un primer video clip, y para mí el trabajo audiovisual es algo que siempre ayuda a promocionar una banda. Háblame de este primer vídeo del tema “The Aviator”, y qué aceptación tuvo. Sí, definitivamente el trabajo audiovisual es algo que no sólo ayuda a promocionar, sino

Luego vinieron una serie de conciertos y algunos festivales. Háblanos sobre esto. Ese mismo año se nos dio la oportunidad de participar de un circuito organizado por el gobierno de la ciudad, llamado “Bandas Por Barrio”, en el que se promovía el escenario Rock de la ciudad. Resultó muy positivo, y fuimos banda destacada del mes y fuimos a la televisión. Luego fuimos participando de varios festivales con otras bandas locales en las que nos fuimos de a poco armando. Con este primer álbum, “The Gears Strat to Move”, de inicios del 2019, se les abre aún más las puertas en su país, y logran compartir con una gran banda. Coméntanos sobre esto. Lacrimosa es una banda muy admirada por todos nosotros, especialmente por Melitza, para quien es su banda más influyente y más querida. Fue una experiencia muy hermosa, enriquecedora y emocionante. La organización, la banda, y todo en general fue genial. Esto también nos abrió la puerta a participar de uno de los festivales de metal más importantes de la Argentina, “Campana del Infierno”, en el que vamos a estar el 17 de noviembre. ¿En qué se han inspirado a la hora de escribir las letras del disco? Son historias inspiradas algunas en experiencias personales, y otras, producto de nuestra imaginación. ¿Quiénes componen hoy la banda y qué influencias reconocen desde lo grupal? LaCarne Magazine

Hoy la banda está conformada por Melitza Torres (voz), Sherman Guala (guitarra), Bastian Van Campos (bajo) y Kevin (batería). Actualmente estamos en proceso de búsqueda de incluir a alguien en el violín. En cuanto a influencias, Mandoble abarca todo lo que es el Symphonic Metal, desde el Gothic hasta el Black Metal, pasando por el Power Metal también, influenciados por bandas sonoras de videojuegos, películas, el Anison y el Anime. ¿Qué elementos particulares piensan que los distingue en su propuesta musical? Lo teatral principalmente. También a nivel musical hemos encontrado nuestro propio sonido. La estética, tanto musical como visual, se encuentra supeditada a lo que la historia quiere contar. Cada vez estamos más orientados hacia ese lugar expresivo. ¿Cómo se han comportado los medios, (revistas, webzine, radios…) hacia ustedes? ¿Qué puntos positivos y negativos resaltaría de estos medios? ¡Los medios se han comportado muy bien con nosotros! Nos encantan las entrevistas, y las invitaciones que nos hacen a las radios para promocionar nuestra propuesta. Como algo negativo, no necesariamente, podríamos pedir que sea más aún. A mayor difusión y apoyo, mejor va a ser para la escena del metal. ¿A qué tipo de público pretenden llegar con su propuesta? ¿O piensan en abarcar el mayor número de personas que escuchen metal? No apuntamos a un público en específico, pero sí apuntamos a una expresión fuerte y contundente en cuanto a la experiencia, tanto en nuestro material grabado como en nuestros conciertos. Y esa expresión queremos que la disfruten tantos como sea posible, porque, en un mundo tan hostil, tener hermosas experiencias con la música es un regalo que queremos darle a la mayor cantidad de personas. Bien, hablemos de su primer álbum nuevamente. ¿Algún video para promocionar este disco? Sí, por supuesto, “All Saints’ Day”, que es el primer capítulo de la historia que comprende “The Gears Start to Move”, que está inspirado

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en el gran Houdini. La situación en toda Latinoamérica es de mucha crisis, y Argentina no escapa de esto. ¿Se le dificulta mucho a una banda de rock y de metal en su país programar sus giras? Sí, por supuesto que se dificulta, especialmente porque en el caso de la escena emergente es casi toda autogestión, y a veces hay que invertir mucho. Sin embargo, seguimos haciéndolo porque es nuestra pasión. Según noticias, pues creo están trabajando en un nuevo material discográfico. ¿Cómo será este nuevo álbum en comparación con el primer trabajo? Estamos trabajando en canciones nuevas. En comparación con el primer trabajo, en el nuevo material el concepto gira en torno a un tópico diferente, y se va perfilando más hacia el teatro y la combinación de lenguajes. ¿Cuál es el próximo paso de la banda aparte de la producción del nuevo álbum? Ahora el 13 de diciembre estamos preparando nuestro primer show verdaderamente teatral, con actores en escena, luces, videos, vestuario y decoración especial. Este concierto va a marcar más fuertemente esta nueva etapa de Mandoble que apenas comienza. ¿Qué podemos esperar de Mandoble en un futuro no muy lejano? Más canciones, conciertos teatrales, y algún nuevo video musical. Muchas gracias por acceder a este diálogo. Es nuestro deseo que se mantengan con el buen trabajo. Aquí está el espacio por si desean añadir algo más. Muchas gracias a ustedes. Esperamos compartir nuestra música con más personas de todo el mundo. Nos despedimos con nuestro lema: “Mandoble Prevalecerá”.

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