LaCarne Magazine N89 by LaCarne Magazine

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Nº89 - NOV 2019 - AÑO 9

los ganglios la cumbia de rafael y xoxé EXPERIENCIAS

cables sueltos - luzbel - premios graffiti

investigación sarah vaughan

ENTREVISTAS

muknal kisin - facundo barreyra - the ripper forbidden rites demolición - anabanta

N89 aÑo 9 nov 2019

SUMARIO

experiencias 06 Cables Sueltos segunda versión 10 Luzbel, y su nuevo EP 12 Premios Graffiti a la música uruguaya

investigación 16 Sarah Vaughan, la reina Bebop 20 Los Ganglios, La Cumbia de Rafael y Xoxé

entrevistas 26 Muknal Kisin, pioneros del Black Metal prehispánico

30 Facundo Barreyra en el Centro Machado de Colonia

32 The Ripper, pasión por el Heavy Metal

36 Forbidden Rites, Death Metal mexicano y chipriota

44 Demolición, y su evolución hacia el

Metal Progresivo

48 Anabanta, pioneros del Metal Gótico en México

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, angela sumy, cristobal torres, israel s. marcelo, victoria burgio

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Cables Sueltos segunda versión

l sábado 21 de septiembre, se llevó a cabo la 2da versión de Cables Sueltos, evento organizado por el colectivo BMT con el objetivo de promover el movimiento electrónico en la ciudad de La Paz. Las puertas del Centro Cultural Cruz del Sur se abrieron desde las 4 pm, en lo que prometía ser un encuentro ameno (de 6 horas) para los amantes de la música electrónica. En esta ocasión, el evento se enfocó en tres géneros marcados como son el House, Techno y Bass Music con sus distintas variantes. Al igual que la primera versión, Cables Sueltos buscó la apertura de nuevos espacios para la promoción del género electrónico, además de servir como una plataforma de visibilización para artistas dedicados a este rubro. Dicho evento fue organizado por Adrián Muñoz “Skipi” y Sergio Quisbert “Sezé”, DJ’s y creadores del colectivo BMT: “Cables sueltos II tiene el objetivo de promocionar nuevamente distintos géneros de la música electrónica, brindando espacio a artistas nuevos y artistas reconocidos del medio”, explica Quisbert.

Cables Sueltos - Entre la experiencia y la innovación Tal como refiere Muñoz, el line up contó con una dualidad de artistas, entre los que destacaron nuevos talentos de la escena y artistas con años de experiencia:

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“En este evento hay una dualidad, van a participar artistas que recién están empezando, o que han mezclado mucho, o que han dejado de hacerlo y ahora están volviendo”. Cables sueltos II contó con la participación de Sonor, Skipi & Sezé , Talinha, Morana, Kathhe, A.K.Andy, y Dj J.A.M. El warm up del evento estuvo a cargo de Skipi & Sezé, quienes comenzaron a crear el am-

biente musical con su tradicional b2b (back to back) de House y Techno. Luego hizo su ingreso Daniel Mendoza, “Kathhe”, un DJ que comenzó su carrera en la música electrónica escuchando Ítalo Disco, y posteriormente especializándose en géneros Hard: “Ahora me especializo en el Happy Hardcore, que es un género más australiano, una variante ‘feliz’ del Hardcore. También hago un poco

de lo que es el Melodic Deep House. Hoy me hubiese gustado poner el Happy Hardcore, pero es un poco fuerte, así que decidí variar y poner algo suave como el Future Funk”, explica. Otro DJ que se presentó en dicho evento, y por segunda vez consecutiva, es José Andrés Montecinos, “DJ J.A.M.”, quien, a diferencia de la pasada versión –en la cual se enfocó en el género del Electro House –, mostró un set con géneros más underground como el House LaCarne Magazine

y Techno: “Empecé mi carrera hace unos 2 años y medio más o menos, y básicamente me especializo en Electro House, Techno, Tech House, pero me gusta todo tipo de géneros. Hoy voy a presentar un set con Techno y House”, explica Montecinos, quien desde hace algunos meses también forma parte del colectivo BMT, habiendo realizado varias presentaciones en sus eventos. A las 7 pm hizo su ingreso Juan José Estrada, “Morana”, un DJ emergente que desde su adolescencia empezó a sentir interés por la música electrónica: “Prácticamente desde que era niño me gusta toda la onda de lo que es la música electrónica, sobre todo lo que es fusión o música híbrida. Es a los 15 años donde empecé a incursionar en el Trance, en el Techno, en la música del momento, para años después conocer toda esta movida que ha sido BMT, con Sergio y con Skipi”, recuerda. En esta ocasión, Morana presentó un set “technero” con toda la potencia y oscuridad que caracteriza a este género. También formó parte del evento Andrea Mayta, “A.K.A.ndy”, una DJ que comenzó su ca-

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rrera hace poco más de tres meses, habiendo participado en eventos con el colectivo BMT y realizando sus primeras presentaciones en los mismos: “Hace medio año despierta en mí el interés por ser DJ, pero así, en práctica, como unos tres meses. Me gusta mucho el Deep house, Progressive y Tech house”. Al igual que Morana, A.K.Andy presentó un set de Techno, destacando el apoyo brindado: “Me parece una buena iniciativa (el evento), es una buena oportunidad para los DJ’s emergentes que recién estamos comenzando, y para difundir la escena de música electrónica”. Como penúltimo número hizo su ingreso Javier Rosell, “Sonor”, un DJ/productor con años de experiencia en la escena electrónica boliviana: “Empecé como DJ el año 2004, y como productor a partir del 2010, después de haber estudiado producción de música electrónica en el exterior. Ahora toco House y Techno”. Por un lapso de tiempo, Sonor realizó un alto en lo referido a tocadas en eventos y fiestas electrónicas. Sin embargo, este 2019 retomó estas activida-

Algo para destacar, es que Talinha ha realizado varios sets para radios internacionales (sobre todo de Perú) con su nuevo estilo, logrando una buena aceptación por parte del público: “Yo ya había participado en varios sets internacionales que han estado en buenos rankings, y por eso he tratado de hacer algo diferente como es el Bass, mostrando el folclore boliviano. He comenzado este año 2019, ya que me animé a poder hacer algo de Bass, y la verdad, me ha ido muy bien”, explica. Posterior a la conclusión de Cables Sueltos a las 22 horas, se realizó un After Party en SUPAY, en el cual se contó con la presencia de los DJ’s LuArt, Skyfall, Dafth who, J.A.M., Skipi & Sezé, quienes realizaron varios b2b (back to back).

des, regresando mucho más recargado, con nuevos proyectos, propuestas y sobre todo música: “En realidad, la movida en la ciudad de La Paz ha cambiado un poco, y por eso he preferido retraerme y ocuparme más de cosas personales que también tienen que ver con la música, pero no he estado tocando mucho. Pero ahora si estoy volviendo con más fuerza, con material nuevo, con propuestas nuevas”. Para el evento, Sonor presentó un set de Progressive House: “Hoy voy a presentar un set de Progressive House que va a ser bien movido, bien bailable, que no va ser tan underground como usualmente toco”. Para cerrar la noche, Carolina Baltazar presentó su nuevo proyecto, “Talinha”, enfocado al Bass Music, mostrando una nueva faceta artística de esta DJ, quien también es conocida como “Dadacope”: “Mi nuevo proyecto trata sobre juntar la música electrónica como es el Bass con música folclórica. Hago algunos mashups y voy produciendo música que tenga que ver con eso. Yo sigo como Dadacope, pero tengo ese interés de hacer Bass”.

Para quienes asistieron a Cables Sueltos, el After Party tuvo un costo de 15 bs (2 dólares), mientras que la venta en puerta fue de 25 bs (3,5 dólares). “El after ya es lo nuestro, estamos en nuestra esencia. Los que asistan a Cables Sueltos tienen descuento, y, con los artistas que han mezclado antes, estamos pensando hacer un b2b tremendo y ver que tal conectamos entre tantos DJ’s”, comenta Skipi. Una sorpresa que se lanzó en dicho evento fue el de las “coins” (monedas) de BMT: “En este evento de Cables Sueltos II hemos repartido 15 monedas que son únicas e irrepetibles, y son un número limitado. ¿De qué trata una moneda de BMT? Descúbrelo en el siguiente evento”, explica Sezé, realizando una invitación para que la gente pueda participar y asistir a los distintos eventos organizados por BMT, adquirir las monedas, y esperar las sorpresas preparadas a raíz de esta iniciativa. Es de esa forma que, con la segunda versión de Cables Sueltos, nuevamente se mantiene la premisa de promover el talento de los artistas bolivianos de música electrónica, revalorizando el trabajo y las nuevas propuestas de DJ’s y productores de diversos géneros. ¶

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estas alturas resulta estéril decir que existen dos Luzbel. Sin ninguna necesidad de acudir a la nostalgia, y con una labor creativa constante, Raúl Greñas ha demostrado que él es Luzbel, a prueba de cambios de alineación, obstáculos y litigios rabiosos.

Retorno a la obscuridad: solamente hay un Luzbel

Después de lanzar El templo del odio (2016), marcando el primer álbum inédito de Luzbel en más de dos décadas (el último fue La rebelión de los desgraciados, 1994; aunque El comienzo fue publicado en 1997, no era un disco nuevo como tal), la agrupación sufrió la partida de Mike de la Rosa, cuya inclusión siempre dividió a los fanáticos entre los que les gustaba su estilo y quienes no disfrutaban su presencia en el escenario. El anuncio de Mike González como la nueva voz de Luzbel tomó a muchos por sorpresa, y aunque el también vocalista de Aiam y Erogena hizo un gran esfuerzo para ganarse a la fanaticada con relativo éxito, todos sabían que la verdadera prueba de fuego vendría con las nuevas canciones que dieran inicio formal a su propia era. Esto finalmente llegó con El retorno a la obscuridad (2019), un EP de cuatro canciones inéditas que dejan ver el gran estado en que se encuentra Luzbel compositivamente hablando.

Inicia la era de Mike González con Luzbel

El proceso creativo fue realizado ya con Mike González como miembro de la banda, por lo que estamos ante canciones hechas exprofeso para su timbre, cadencia y estilo, dando como resultado cuatro piezas muy consistentes que evidencian a una banda perfectamen-

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Luzbel

y su nuevo EP, El reto te establecida. Mike González ejemplifica a la perfección al vocalista consciente de sus recursos. Sabe lo que es capaz de dar y lo explota al máximo. Es increíble el enorme rango que posee su voz. Escucharlo en Earth’s Crying (2001) de Erógena, y luego en El retorno a la obscuridad, hace pensar que estamos ante dos vocalistas diferentes.

el proyecto alterno que Raúl Greñas formó a principios de los 90 durante un periodo en el que Luzbel estuvo inactivo, lanzando dos verdaderas joyas: El vigilante (1990) y El valle azul (1992).

El retorno a la obscuridad abre la puerta para un nuevo disco de Luzbel

El retorno a la obscuridad está perfectamente producido. Su mezcla permite escuchar todos los instrumentos y percibir qué es lo que aporta cada uno a la canción, como en Íncubo, donde varias voces corean de fondo en el estribillo y usan piano durante el solo de Greñas, consiguiendo una pieza musical de altura, y no una saturación de instrumentos sin sentido. El bajo de Humberto no desaparece ante los riffs de Greñas, sin que tampoco suene por la fuerza. Hay un gran equilibrio en el sonido de ambos músicos. El trabajo de Jorge Curiel en la batería sigue siendo encomiable, sobre todo porque su función no es tocar piezas a mil por hora con ritmos intrincados (que perfectamente podría interpretar sin ningún problema), sino mantener el beat de las canciones con la perfección milimétrica que lo caracteriza incluso en vivo.

orno a la obscuridad El retorno a la obscuridad marca también el reencuentro de Raúl Greñas y Humberto Vázquez, el “nuevo” bajista que a inicios de 2019 se unió a Luzbel debido a la partida de Víctor Nava, quien por cuestiones personales tuvo que hacerse a un lado. Humberto Vázquez es un bajista que participó en tres discos cardinales del heavy metal mexicano. Grabó el único álbum hasta la fecha de Cuero y Metal: Juicio Final (2016), y fue el bajista de la banda de culto Argus,

Por su parte, Raúl Greñas sigue manteniéndose como un referente del heavy metal mexicano. Pasajero de tu vida posee una introducción excelsa, que evidencia el gran estado en el que se encuentra su técnica, confirmando el compromiso que este músico le rinde a su guitarra. Aunque es breve (¡apenas 18 minutos!), El retorno a la obscuridad funciona muy bien para demostrar el actual estado de Luzbel: confirma que sigue siendo una agrupación de gran calado, que no está dispuesta a vivir del pasado, aumentando favorablemente la expectativa de un futuro nuevo álbum.¶

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Premios Graffiti a la mĂşsica uruguaya 2019

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esde el año 2003, los Premios Graffiti nacieron con el objetivo de premiar al rock uruguayo. Con el tiempo se volvieron el premio más representativo de la música nacional. Por este motivo hoy los Premios Graffiti son los premios a la música uruguaya, integrando a todos los géneros musicales, y cada vez ampliando más la gama de premios, no solo a músicos, sino a otro tipo de artistas. La fiesta de los Premios Graffiti este año tuvo lugar como primera instancia en Sala Zitarrosa, el día miércoles 31 de julio, entregando 20 Premios Graffiti con shows en vivo de artistas que ganaron en la ceremonia pasada del año 2018, tales como Florencia Núñez, quien fue ganadora a mejor compositora; Diego González, ganador a Mejor artista nuevo; y Kung Fu Ombijam, que fue nominado a mejor álbum Hip Hop y mejor artista nuevo (2018). También contaron con shows en vivo de Sebastián Casafúa presentando su disco “Caudillo”, y Maxi Suárez en la presentación de su disco “Naif”. Esta presentación también fue un homenaje a la Sala Zitarrosa por sus 20 años.

Contaron con el lanzamiento de “Mi primer Graffiti” para premiar el talento de los uruguayos, donde había que enviar un video cantando una canción de música nacional o inédita de cualquier estilo musical, y por votación popular se elegiría al mejor artista y tendría la posibilidad de presentarse en la ceremonia de lanzamiento. La segunda parte de los Premios Gaffiti fue en el Auditorio Nacional del Sodre Adela Reta, un lugar muy cálido y agradable con una vista espectacular al escenario, que también estaba muy destacado, colorido y luminoso. Aquí se dieron 14 premios, donde 3 eran por votación popular. En esta segunda parte se presentaron en vivo ganadores de este año y del anterior, como La Triple Nelson, Alfonsina, El Astillero, Mónica Navarro, Miguel Ángel Muniz y Raúl Tesla, entre otros artistas. Un momento emotivo de la ceremonia fue el homenaje a Claudio Taddei el día martes 27 de agosto, quien falleció el 9 de agosto, y el homenaje a la canción “A redoblar”, que cumplió 40 años. Sin más preámbulo, podéis ver los ganadores y nominados de los Premios Graffiti 2019 desde AQUÍ. ¶

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Sarah Vaughan la reina Bebop LEER MÁS

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Sarah Vaughan se acercó al micrófono y cantó «Body and Soul». Hacia el final de la canción moduló la melodía sobre una sorprendente cascada de novenas disminuidas. En ese momento, todos los músicos presentes sin duda pensaron: esta chica es más que una cantante, ¡tiene un músico en su garganta!”. Leonard Feather, crítico de Jazz. En esta estrega os voy a hablar de esta mujer que fue más que una cantante, fue una auténtica dama del Jazz, cuyo talento vocal le llevó a convertirse en la musa y reina del Bebop,

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y que consiguió tener una carrera extensa y brillante que le proporcionó el apelativo de La Divina. Hablamos de la inimitable Sarah Vaughan.

Sarah Vaughan, la reina Bebop

Sarah Vaughan nació el 27 de marzo de 1924 en Newark, Nueva Jersey. Procedente de una familia muy musical (sus padres eran aficionados, y la pequeña Sarah siempre estuvo en contacto con ella), sus primeros aprendizajes musicales se dieron en la iglesia de su congregación, la Iglesia Baptista de Mont Zion, donde empezó cantando Góspel. Pronto le apuntaron a clases de piano y órga-

adorada Ella Fitzgerald) interpretando la canción Body and Soul. Evidentemente ganó: 10 dólares y la posibilidad de actuar como telonera de las grandes orquestas del local durante una semana. Durante estas actuaciones conoció a personajes importantes, como la propia Ella Fitzgerald. Además, sorprendió a todo el mundo con un estilo completamente personal basado en un canto eminentemente instrumental, en que hacía uso de la melodía como si fuese un saxo o un piano. Su vibrato le hacía controlar su voz como hacían los músicos en sus improvisaciones. Pronto pasó a trabajar para la orquesta de Billy Eckstine como pianista y cantante. Esta orquesta contaba con músicos de la talla de Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Fats Navarro o Dexter Gordon, entre otros. Esta banda fue la verdadera incubadora del Bebop y la verdadera escuela musical de nuestra protagonista, que ya se encontraba inmersa en la vorágine del Jazz. Su primera grabación fue Wait to pride. Y pasó de la incubadora a la cuna del Bebop, que fue la orquesta de Earl Hines. no, convirtiéndose en órgano principal de su iglesia con tan sólo 14 años. Como veis, es muy común que los músicos negros de EE.UU. se inicien en sus congregaciones religiosas, producto de la tradición africana, donde la música está presente en todas las actividades de la comunidad. Además, siendo adolescente se escabullía por las noches para ir a los clubes nocturnos de la ciudad, donde actuaba como pianista o cantante. Finalmente abandonó los estudios.

Los primeros éxitos de Sarah Vaughan

Con 18 años, en 1943, se presentó al concurso de valores del Teatro Apolo (el mismo al que se presentó y gano años antes nuestra

Esta etapa fue decisiva para el futuro de muchos de los músicos del momento, así lo expresaba Sarah: “tocábamos la música que queríamos, lo que sentíamos dentro. Intentábamos educar el oído al público. A veces lo conseguíamos y otras no, no tenía importancia. Éramos felices tocando de aquella manera”. La primera de las grabaciones que tenemos de esta época es Night in Tunisia, de Dizzy Gillespie, con quien incluso grabó un disco, pero no tuvo mucho éxito. En 1945 realizó una nueva grabación, Lover man, junto a Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En la época pasó desapercibida. Sin embargo, fue descubierta años después, abriéndosele LaCarne Magazine

un sinfín de puertas.

Los mejores años de Sarah Vaughan

Conforme iban avanzando los años, Sarah iba forjando un estilo muy personal, anclado en la tradición, pero salpicado por tendencias Bop, Hardbop, e influencia de músicas brasileña y latina. Además, era una artista habitual en el Café Society, un club nocturno de Nueva York que, a diferencia del Cotton Club, se vanagloriaba de tratar igual a blancos que negros (a los clientes, claro… los artistas seguían siendo monos de feria). En este local se produjo la primera interpretación de Billie Holiday de Strange Fruit (ya sabéis ¿no?). En 1949 era ya una artista consagrada como estrella individual. Contratada por Columbia, estuvo 5 años grabando grandes éxitos y colaborando con todo el mundo. Esta compañía quería hacer de Sarah una cantante pop todoterreno para cualquier estilo, y podía, pero a ella no le interesaba y se aferraba al Jazz con una fuerza desmesurada. Por eso, en 1954 rompió su contrato con Columbia, y se buscó una discográfica menos ambiciosa que le dejara hacer lo que ella quería. Esa discográfica fue Mercury Records, con quien estaría hasta 1960, y que nos dejó las mejores grabaciones de la artista. Además, pudo hacer colaboraciones inolvidables con artistas como Cannoball Adderley, o la orquesta de Count Basie. Mítico fue el concierto con la orquesta de Count en el Carnegie Hall, con artistas invitados como Billie Holiday o Lester Young, entre otros. Sin duda fue la época más prolífica de Sarah, con incluso varias giras europeas.

Los últimos años

Y así siguió su carrera, siempre pegada al Jazz, al alcohol y al tabaco, que finalmente le

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“tocábamos la música que queríamos, lo que sentíamos dentro. Intentábamos educar el oído al público. A veces lo conseguíamos y otras no, no tenía importancia. Éramos felices tocando de aquella manera”. ganó la batalla. En los años 80 le detectan los primeros síntomas de cáncer pulmonar de rápida evolución. Moría el 3 de abril de 1980 en Los Ángeles. Su vida privada fue movidita. Vivió en la época del Bebop, por lo tanto, la fiesta nocturna y los excesos estaban más que asegurados, y Sarah no se quedó atrás. Se casó tres veces, siempre con hombres relacionados con el mundo del Jazz. No pudo tener hijos, pero adoptó a una niña que años más tarde se convertiría en la actriz París Vaughan. Y fue miembro de la hermandad de mujeres negras Zeta Phi Beta. No se saben muchos más datos de su vida… Ya sabéis, ser mujer negra en un mundo de hombres, incluso teniendo un talento sobrenatural, pues no era fácil, y el Jazz ha sido un auténtico “campo de nardos” compitiendo por ver quién tenía el instrumento más grande, y, mientras, ellas a la sombra… Sarah Vaughan ha sido una de las mejores cantantes que ha dado la música al mundo, con un talento descomunal, y que fue considerada por muchos como una músico para músicos, pues fue más reconocida por sus compañeros que por el público en general…, y es una pena, la verdad. Por eso os invito a que bajéis las luces de la habitación en la que estéis, y que os regaléis 2 minutos y medio de soledad con Sarah y su How High the Moon. Si esto no os conmueve, no sé qué más deciros. ¶ LaCarne Magazine

Los Ganglios

La Cumbia de Rafael y Xoxé LEER MÁS

n la cumbia dedicada a Félix Rodríguez de la Fuente y a Jacques Cousteau, Los Ganglios cantaban «llevamos su recuerdo en el corazón«. Ése es el legado y la añoranza que nos han dejado los hermanos de Montijo. En su canción más latina, halagaban a los dos científicos por su labor naturalista y por la herencia inmortal que nos han dejado a todos, algo similar es lo que han hecho en el mundo audiovisual nacional los extremeños.

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Desde Extremoduro no había habido grupo capaz de llegar con su música a un público tan amplio a base de creatividad, originalidad de letras, pintorescos clips, innovación y su manera de llevar a Extremadura por todo el país hasta conquistar a todo el mundo, desde Rosalía a Primavera Sound, pasando por Ladilla Rusa u Horteralia. Precursores en un estilo capaz de llevar el punk, la electrónica más macarra, el aire retro o los ritmos latinos, para generar obras de arte audiovisuales a lo que ellos llamaron Porc, y que ha influenciado musicalmente a cantidad de grupos que van desde Ojete Calor, Joe Crepúsculo, Joan Colomo o las Bistecs, y visualmente a tops mundiales como Rosalía.

No nos podemos olvidar de la guapa de los ninjas de la formación, Leli Loro. La de Göteborg ha sido fundamental en la trayectoria grupal, y la inventora del nombre de la formación, Los Ganglios. Presente con los hermanos desde sus inicios con otra formación llamada Punctum, y posteriormente montando su proyecto alternativo Die Katapult. A medio camino entre Extremadura y Cataluña, han tenido siempre, desde una visión imaginativa, canciones dedicadas a Badajoz, Barcelona o Extremadura como lo podéis comprobar en «Badajoz 2222″, «Passeig de

Gràcia», «Vivencias propias» o «El regalo«. En éste último, relatan el periplo del trayecto Barcelona-Badajoz en autobús a la vez que le cantan a los famosos caramelos zaragozanos. Reivindicativos contra el sistema con tracks como «Color de rosa», «La última palabra» «Los arquitectos» o «Misógino ultra católico«. Sin pudor para hablar de la fiesta y algunas sustancias que van asociadas a ella, y adentrarnos en su rave particular a base de temazos como «Subiduki» o «Las drogas«. La pasión por los animales (a su manera) por parte de Los Ganglios era evidente, no solo por «Vivencias propias», sino por otras tan LaCarne Magazine

“Aquel fue el momento en el que nos dimos cuenta de que estábamos ante el mejor grupo de la tierra del siglo XXI.” importantes en su trayectoria como «Babieca hiede» o «El apilcultor«. Y de sexo, también motivo de sus letras con total simpatía y libertad en «Al final» o «Don Quijote P«, como con la literatura nacional en «Fortunata y Jacinta«. Siempre tenían algún detalle con algún personaje famoso como Alejandro Sanz en “S.A.N.Z.”, Julio Iglesias en “Infocreación”, y David Bisbal en “Galletas y cereales”. Se supieron rodear de gente muy creativa: Mariana Scaravilli, cuarta componente oficial del grupo, guitarrista y teclista de la formación cogiendo más responsabilidad cuando Leli tuvo que dejarlo por su maternidad; la cantautora Lorena Álvarez fue la responsable de uno de sus videoclips en «Buena idea«; o Edu Pou, baterista de la formación en algunos de sus conciertos, músico de Za! (una de las bandas más creativas, experimentales y originales del panorama nacional), que aparece en el videoclip “Los arquitectos”. Llenaban allá por donde iban, y su éxito se estaba extendiendo hasta el punto que otros artistas les reclamaban para sus trabajos, como en este mismo año los pudimos escuchar haciendo de Kitt en el videoclip de Ladilla Rusa, hacer de Barack Obama para Tele5, o ser los directores creativos del último video de Rosalía. Probablemente uno de los momentos más destacados de la trayectoria de la banda fue cuando tocaron en Festigàbal, uno de los festivales más importantes del underground catalán. Aquel año el éxito de público del festival tuvo eco en todo el país, hablando principalmente de la actuación de los extremeños, y cómo mi-

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les de barceloneses bailaron y gritaron «soy extremeño», aquello llegó a diarios como el Confidencial. Estuvimos allí y escribimos un artículo de aquel momento tan emocionante y memorable para la banda. Los montijanos siempre se mostraron agradecidos a la tierra, tocaban siempre que venían: Almendralejo, Cáceres, Badajoz, Montijo…, pero quizás les faltó reconocimiento por parte de los grandes festivales de la región. Womad nunca les abrió las puertas, Extremúsika tampoco, a Granirock quizás no les dio tiempo, al menos Horteralia y Contemporánea les dieron la oportunidad. En Contempopránea fue quizás desilusionante para los fans, era en Badajoz, junto a Pet Shop Boys, y les dieron el peor horario, a las 20:00 de la tarde abriendo el sábado. Los que estuvimos allí lo disfrutamos igual, pero de día y sin poder saborear los visuales de Los Ganglios. Y no podemos olvidar como fans cuando los vimos llenar hasta reventar el pequeño escenario del Primavera Sound. Nuestra sorpresa fue mayúscula, en Extremadura todavía tocaban en lugares pequeños, sin repercusión entre los festivales de la tierra, y en cambio en Barcelona ya los escenarios se les quedaban pequeños. Aquel fue el momento en el que nos dimos cuenta de que estábamos ante el mejor grupo de la tierra del siglo XXI. Estéis donde estéis, vayáis donde vayáis, nos habéis alegrado la existencia, habéis hecho más por la cultura de Extremadura que 40 años de políticas en la región. Os echaremos de menos. ¶

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Muknal Kisin

pioneros del Black Metal prehispánico Franklin Fajardo, tecladista, es el encargado de dar respuesta a la entrevista.

sta agrupación, de nombre Muknal Kisin, son de Honduras, y su formación data de poco tiempo.

El nombre de la agrupación es de origen Maya, y significa “Sepulcro Maligno”, y es una banda que, en su propuesta, que es el Black Metal, resaltan mucho la cultura prehispánica de su región, y es la primera banda de este género en su país que abordan esta temática, y que en sus canciones utilizan letras prehispánicas.

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Hola, y sean bienvenidos a la revista LaCarne Magazine. ¿Algunas palabras antes de comenzar? Muchas gracias, Omar, por la oportunidad brindada en la revista LaCarne Magazine, y así poder dar a conocer nuestro trabajo y llegar a muchas más personas que disfrutan del buen Metal, y en está ocasión hecho en Honduras. La banda Muknal Kisin está cerca de cumplir los dos años de formada. ¿Cuándo se formó la agrupación, y qué los motivó a crear una banda con estas características?

propuesta de Black Metal prehispánico. Con ese estilo podríamos alcanzar a un público selectivo, e incluso a personas que no son seguidores del Black Metal. Y como elementos de nuestra música, tomaríamos en cuenta nuestros riffs en guitarra, que son muy rítmicos y melódicos, los cuales son acompañados de elementos técnicos en batería, unos teclados atmosféricos, y una interpretación espontánea de nuestro vocalista, que es muy diferente en cada uno de nuestros temas musicales. Tengo entendido que el nombre de la banda es de origen Maya, ¿qué significa y por qué lo escogieron para el nombre de la banda? El nombre de la banda se origina del Maya Quiche, Muknal “Sepulcro”, Kisin “Maligno” (mal). Lo escogimos por nombre ya que el enfoque de la banda sería la cultura Maya, y por el género musical que interpretamos tendría que ser un nombre que concordara como tal, y así tener una idea más compacta de lo que queríamos mostrar.

Muknal Kisin fue formada el 9 de diciembre 2017. Nos motiva la idea de mostrar nuestro país de una manera diferente, nuestra cultura y mitología ancestral Maya, y exponer su lado oscuro a través de un género extremo como lo es el Black Metal. Ustedes definen su música como black metal melódico. ¿Qué elementos tomarían de su propuesta si quisieran explicar el concepto de Muknal Kisin? Inicialmente podríamos decir que cada uno de nosotros tenemos como influencias bandas de Black Metal con estas características, y llegamos a un acuerdo de expresar nuestra

Imagino entonces que en sus letras abordan temas relacionado con su cultura ancestral. ¿Es así? Así es, Omar. Nuestras letras están enfocadas en relatos antiguos, rituales, personajes históricos y oscuros, tales como deidades del Xibalbá. ¿Quiénes conforman la banda en la actualidad, y antes de estar en esta banda qué experiencia previa tenía cada uno de los músicos? Néstor Borjas: Vocalista. Ex Asderel (2008 – 2010), banda de black metal de la zona norte de nuestro país. Javier Brito: Guitarra Líder. Ex Etreum (2005 – 2008), banda de Black Metal melódico de la zona norte del país. Eduardo Solano: Bajo. Muknal Kisin es su primera banda como músico. Orlin Bueso: Guitarra Rítmica. Líder de la banda de Black Metal melódico Satyrus, se integra a la banda en el mes de julio del presente año. Jonathan López: Batería. También en Omnicide, Ex Imperio LaCarne Magazine

(2006 – 2008), Ex Stigmatas of Dissaor (2005 – 2008), Ex Corruption. Franklin Fajardo: Teclado. Ex Stigmatas of Dissaor (2005 – 2006), Black Metal de la zona norte. Según comentarios llegados, pues se dice que ésta es la primera banda de Black Metal en Honduras en abordar el tema prehispánico. Coméntanos. Así es, Omar. Somos la primera banda con un enfoque total hacia la temática prehispánica, desde nuestro nombre, logo y nuestras letras. Con esa visión cultural nace Muknal Kisin. Y a la hora de componer, con esta amalgama de influencias de la cultura prehispánica, y sus raíces…, ¿cómo logran ese tipo de proceso compositivo? Cada tema nuestro tiene su propia esencia. Comenzando desde las melodías hasta la incorporación de las letras, cada canción lleva un análisis previo entre todos para la incorporación del tema de enfoque de la letra. ¿Cómo ven la escena de su país en la actualidad? ¿Hay signos de crecimiento o todo sigue siendo a niveles subterráneos? Actualmente la afluencia de bandas ha sido bastante considerable comparando con la década pasada, pero la asistencia de público disminuyó. Los promotores de eventos son muy pocos los que actualmente montan show de alto nivel. Actualmente la escena Black Metal está siendo apoyada por Templo de Lucifer Productions, Abysmo Productions y Vulture Producciones, y los eventos que son montados por las mismas bandas para mantener la escena con conciertos. Ya han dados algunos conciertos en eventos de su país. ¿Cómo vienen de actividad en vivo? Al inicio, para nuestro debut el primero de septiembre 2018, fuimos invitados al primer “Black Metal Fest” en Honduras. Allí fuimos bien aceptados por los asistentes,

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a la vez causamos mucha curiosidad por llevar una nueva propuesta prehispánica en nuestro país. Luego se vinieron un par de fechas más para la banda, y así ir ganando más seguidores y continuar mostrando nuestra propuesta. Hasta que llega la oportunidad de tocar en un nuevo festival de Black Metal, está vez el

de la autodestrucción a la que se encamina el planeta? ¿Crees que exista solución para mantener y conservar nuestras raíces y cultura? El ser humano es el cáncer del planeta. Nos estamos encargando de acabar con el planeta poco a poco. A través de los años sabemos que en nuestras manos está la manera de detenerlo, pero la avaricia de los gobiernos les impulsa a destruirlo. Claro que, si existe solución para mantener nuestras raíces, es a través de ir fomentando la educación cultural, comenzando con nuestros hijos, para ir cultivando el amor hacia nuestras raíces ancestrales, y la otra manera sería a través de la música y teatro para llegar de una manera audiovisual. ¿Cuentan ya con algún material, ya sea Demo, EP…? Actualmente nos encontramos en preparativos para realizar un EP, que contará con 4 temas. Con miras hacia el futuro, ¿para que se prepara Muknal Kisin actualmente? ¿Hay planes para lanzamiento de un posible álbum, estáis trabajando en algo actualmente? Muknal Kisin se prepara para dar mucho más de que hablar a través de nuestra música. Tenemos un claro enfoque en lo que estamos haciendo y a donde queremos llegar. A su vez preparar el que sería nuestro primer álbum, el cual incluirá 9 temas musicales.

Shadowthrone, donde tocamos con bandas de Centroamérica (Costa Rica, Guatemala y El Salvador) y bandas de Black Metal de Honduras. Fue nuestra primera presentación en la capital de nuestro país, donde fuimos muy bien recibidos.

Gracias por responder estas preguntas. ¿Algunas palabras que quieras hacerles llegar a los lectores de LaCarne Magazine? Muy honrados por hacernos partícipes en la revista, y a su vez gracias por tomarse el tiempo de conocernos un poco a través de este espacio en LaCarne Magazine, e invitarlos que puedan dar un vistazo a nuestra fanpage de Facebook. ¶

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Cambiando de tema, ¿qué piensas acerca LaCarne Magazine

Facundo Barreyra en el Centro Machado de Colonia

acundo Barreyra es bandoneonista y percusionista, y nos ha visitado en el Centro Machado de Colonia. Se formó en Buenos Aires, donde estudió composición. Como percusionista estudió con músicos de la talla de Daniel Piazolla y Phil Maturano, entre otros. Como bandoneonista, ha tenido a Néstor Marconi entre sus mentores. Los mejores profesores para un músico excepcional, único, como pudimos comprobar en el Centro Machado de Colonia. Desde hace dos años vive en Alemania, donde imparte clases de música, actividad que compagina con diferentes proyectos artísticos. Estimado Facundo, cuéntanos cómo fueron

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tus inicios en la música. Tengo curiosidad si fue antes la percusión o el bandoneón. Empecé con tres años tocando un bombo legüero que me regaló mi abuela. Acompañaba a mis hermanos guitarristas, y hacíamos música folclórica argentina. Era como un juego para mí, y fue muy interesante porque sin saberlo y a través de ese juego, aprendí lo que traen las culturas latinas de la música africana, concretamente las polirritmias, como si fuera un juego, pero sintiéndolo físicamente. Me iba acostumbrando a ese vértigo donde las cosas encajan no de una manera cuadriculada, sino flotando. Como cuando tocas 2 contra 3 y hay momentos que destacas el 2, otros el 3, en otros momentos te sitúas en el medio de los dos… Heredé de mi familia, tocando con mis hermanos, una auténtica riqueza. Ahora que vivo en Alemania, me doy cuenta de la falta que hace esa sensación rítmica que

que yo necesitaba transmitir con mi música, así que me desplacé 400 km para poder comprar un bandoneón, y así comenzó esta nueva etapa de mi vida. Mira si me marcó que ahora te estoy respondiendo a esta pregunta desde Alemania, lo que confirma que hubo un gran cambio. Desde hace dos años resides en Alemania y vives de impartir clases. Pero te vi muy cómodo en el escenario, y muy feliz… Para mí, poder crear (componer) es lo más importante. Y creación no entendida como algo estético. Crear un buen día, crear una buena comida, crear una buena relación, realizar un buen trabajo en aquello a lo que te dedicas, disfrutar, aprender y buscar la excelencia en cada cosa que uno haga. La creación está presente detrás de cada pequeño detalle de nuestro día a día. En una sonrisa, por ejemplo.

Foto por Lisa Franz

no viene de un entendimiento intelectual. La gente en Alemania es tremendamente estudiosa y hay mucho talento, pero falta ese entendimiento con el cuerpo. ¿Y cómo surgió lo del bandoneón? Con el bandoneón empecé de adulto. Mi padre era y es un gran melómano, y tengo el recuerdo de muchas canciones que todavía resuenan dentro de mí. No me refiero sólo a los tangos, pues el bandoneón también es característico del folclore argentino, como las chacareras, etc. Total, que a los 28 años (ahora tengo 41) me pude comprar un bandoneón. Quise comprarme un cello, e incluso aprobé el primer año en el Instituto de Música de Avellaneda, pero la situación en Argentina en general, y la del músico en particular, no era demasiado buena en aquella época. No me alcanzó el dinero. Sentía que el bandoneón y la percusión sintetizaban en cierto punto lo

Creación es todo lo contrario a la destrucción, esa idea que tienen los políticos con el poder. Para mí, el auténtico poder es el que tiene que ver con la creación. La destrucción es sinónimo de miedo y manipulación. Esto último no es ni interesante ni productivo. Jamás lo defenderé. Este verano has tocado en Argentina, así como aquí en Europa. ¿Cómo te fue? A lo largo del año hago música con el violinista y compañero Thomas Breitsameter. He estado trabajando para el Mühldorfer Sommerakademie con mi proyecto Tango Kammermusik, con arreglos musicales firmados por mí. Y en Argentina toqué en el Teatro Municipal de Quilmes, en La Plata, y en el Club Alemán de Buenos Aires. Esperamos que hayáis disfrutado conociendo a Facundo Barreyra y su trabajo. En el Centro Machado de Colonia estará invitado por siempre. ¶

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The Ripper

pasión por el Heavy Metal LEER MÁS

esde Cuajimalpa de Morelos, en la Ciudad de México, tenemos a la banda The Ripper. La banda se forma por la pasión de cuatro jóvenes hacia el heavy metal, y tomando como referencia a los grandes de este género como lo son Judas Priest, Motorhead, Accept, WASP, Iron Maiden, Dio, Black Sabbath, Deep Purple, y Rainbow en-

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tre otras. Luego de ser soporte del concierto de la banda femenina The Iron Maidens, comienzan a tener una mayor difusión, logrando tocar en Ciudad de México, así como en otras ciudades de su país. En su apenas corta carrera han podido compartir escenario con importantes bandas: Omen, Lvzbel, Transmetal, Strike Master, Neil Turbin (Anthrax), Gream Reaper, Ross the Boss (Manowar), o Mike Vescera (Loudness, Obsession). Nestor Baez es su vocalista, y quien da respuesta a la siguiente en-

trevista.

The Ripper, pasión por el Heavy Metal

Según he leído, los orígenes de la banda se remontan al 2014. ¿Cómo ha sido su incursión en el medio metalero? ¿Tuvieron muchos tropiezos para darse a conocer, o todo se dio de buena forma? Pues no ha sido un camino fácil. Hemos lidiado con muchas circunstancias, formas, y maneras en que se maneja la escena nacional, pero nos llena de satisfacción lo que hemos hecho y nos motiva, pues cada gota de sudor y sangre es bien recompensada en cada presentación. Las oportunidades de mostrar nuestra propuesta al inicio son muy escasas, por lo que es necesario recurrir a eventos donde hay que invertir para que nos puedan escuchar. Como toda satisfacción, requiere un esfuerzo y una inversión de tiempo, y obviamente de dinero, para tener mejor equipo y a su vez también poder incursionar en los espacios de la escena metalera. Según tengo entendido, en un comienzo, la banda solo tocaba covers. ¿Podrías contarnos cuáles eran esos covers? ¿Fueron una influencia real para la banda? Claro, como la gran mayoría de las bandas, iniciamos tratando de interpretar esa música que nos apasiona. Iniciamos con temas ya conocidos, pero siempre disfrutados, como son Breaking the Law (Judas Priest), Paranoid (Black Sabbath), Black Night (Deep Purple). Y así poco a poco fuimos tratando de sacar más temas, como fueron Phantom of the Opera (Iron Maiden), Whiplash (Metallica), Ace of Spades (Motorhead), hasta llegar a tener temas que disfrutamos bastante como Bark at the Moon y Crazy Train (Ozzy Osbourne), Highway Star (Deep Purple) entre muchos temas más. Obviamente, al inicio no fue tan bueno como esperábamos que sonara. Fue un largo trabajo, pero poco a poco nos acoplamos. Efectivamente son nuestro principal referente para nuestra música. En el 2015 presentan un primer demo con el que se dan a conocer más ampliamente. Há-

blanos sobre este material. Fue algo muy extraño, por así decirlo. Siendo una banda con extrema energía y principalmente salvaje, este demo lo grabamos en el estudio de una Iglesia Cristiana de la localidad, lo cual generó algo curioso en la atmósfera de la grabación. Fue nuestra primera experiencia en grabar, salimos traumados, pues nos dimos cuenta de lo complicado y pesado que es. Al final fue nuestra primera carta de presentación para tocar puertas y pedir espacios. Fueron Gustavo (baterista) y Diego (bajista) quienes se encargaron de diseñar una funda de cartón con un diseño de calavera en tonos negro y rojo. Quedó bastante bien. En tanto a la calidad del audio, el estudio hizo lo que pudo, pues era nuestro primer acercamiento a algo profesional, no contábamos con la experiencia de cómo materializar nuestro sonido, pero daba una primera muestra de nuestra música. Ustedes ganan un concurso para poder compartir concierto con la banda The Iron Maidens. ¿Cómo fue este evento del concurso? ¿Participaron muchas bandas? Diego (bajista) fue quien, en este ir y venir de tocar puertas y buscar oportunidades, se encontró con una convocatoria para ser teloneros de las Iron Maidens mediante un concurso. Pues bien, nos inscribimos y tal cual. Fue nuestra primera cita con un escenario, con ansias y un tanto nerviosos. Nuestra participación fue bastante buena, mas sabemos que no la mejor, pues hubo bandas con mucho mayor experiencia que nosotros sonando muy bien. Concursaron bandas de Hard Rock, Heavy y hasta de Death Metal, todas con muy buenas propuestas. Para nuestra fortuna, la mecánica del concurso nos favoreció, y el destino quiso que fuéramos los elegidos. Hoy día sabemos que no somos los mismos que concursamos esa vez, fue nuestro punto de partida. ¿Y qué representó para ustedes el haber compartido escenario con otras grandes bandas, tanto nacionales como internacionales? El haber compartido escenario con bandas de talla internacional y grandes referentes nacionales nos ha dado experiencia en diferentes circunstancias. Han sido como nuestras evaluaciones donde ponemos a prueba de lo que LaCarne Magazine

estamos hechos y somos capaces de hacer en el escenario, convenciendo con nuestra propuesta a público en ocasiones muy complicado. Eso es una de las mayores satisfacciones que hemos tenido. En cuanto a influencias, me imagino que sus referentes sean las grandes y clásicas bandas del heavy metal. Coméntanos. Por supuesto, somos The Ripper, claro guiño a nuestra influencia por parte de Judas Priest. Moy (guitarrista) es un fan a muerte de Motorhead, y su aporte a la banda lo demuestra, entendiéndose que no es una banda clásica de heavy metal, sí es un referente fundamental que influye en nuestra propuesta. Otras bandas de heavy que son de nuestro gusto en común y clara influencia son Iron Maiden, WASP, Manowar, Metal Church, Running Wild, y Grim Reaper. En lo personal, ¿qué cosas te gustan y qué odias de la sociedad actual? ¿Y del movimiento metalero? De la sociedad actual podemos decir muchas cosas, tal vez más negativas que positivas, pero al final somos parte de la misma, y estamos inmersos en un sistema donde nuestro escape de la realidad es lo que nos apasiona, en nuestro caso, la música. Somos una sociedad muchas veces hipócrita. Todo depende. El mexicano se adapta a todo,

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y ante cualquier adversidad hay quien defiende ideas que a otros les parece mal y viceversa. Todos somos jueces y verdugos. Ese equilibrio es lo que se disfruta y se agradece. En tanto a la escena metalera, lo más chingón es ir conociendo gente, hacer nuevos amigos, conocer experiencias, todo lo que se pueda aprender de un buen camarada. Sin embargo, son raros estos círculos de amistad que superan los egos, envidias y frustraciones que hay entre los mismos, pero no es que no se den. Nosotros hemos tenido la oportunidad de conocer muy buenas personas, y siempre es bueno tomar una cerveza con ellos. Lo más enfermizo de la escena son los que se aprovechan de la necesidad de las bandas por ser escuchadas. Hay de todo, hay quien, si da oportunidad, te cobra por tocar y te manda a abrir el evento donde no hay nadie que escuche tu música. En fin, es cosa de ir explorando e ir aprendiendo conforme a la marcha. ¿Quién escribe las letras de los temas y qué tópicos abordan? Como The Ripper somos un todo. Es decir, tenemos la filosofía como banda de que todo lo que se crea es de los cuatro. Los cuatro hacemos aportaciones de ideas, y entre los cuatro complementamos o damos el visto bueno para que se quede tal como inició la idea. Desde un himno al Rock and Roll y Heavy Metal con mucha energía y cerveza, hasta una carrera

del infierno. Tratamos de abordar varios temas, no encerrarnos en hacer crítica social o algo por el estilo, simples ideas que surgen de momentos personales o viajes mentales que tenemos. ¿Quiénes son actualmente los integrantes de la banda? Al momento estamos por completo con The Ripper: Nestor Baez – Mr. Banshee – Voz. Diego Regino – Bassbreaker – Bajo. Gustavo Regino – Helldrum – Batería. Moisés Nogueda – Hellripper – Guitarra. ¿Cómo ha sido la respuesta del público hacia la banda The Ripper? ¿Es lo que esperaban? Nuestra propuesta, en tanto a la escena metalera, es bien vista. Cada vez nos escuchan más en diversos lados, y la crítica es positiva en su mayoría. Creemos que hemos tenido una muy buena respuesta, y eso nos motiva para seguir y contagiar con nuestra propuesta a mucha más gente. En cuanto a su escena, ¿cómo ven la actual escena mexicana en cuanto a conciertos, apoyo de los medios…? Así como nosotros, que hemos sido independientes, el medio tradicional (TV, Radio) no es una opción. Existen medios independientes que también hacen su labor a través de redes sociales, Blogs, Radio por Internet, revistas digitales, etc. Esto es una gran ayuda, pues

es por estos medios que nuestra música ha logrado llegar a otros continentes. La escena existe, los medios están, todos independientes, pero con una gran pasión y una gran labor. Hace algún tiempo entraron a estudio a grabar lo que será su primera producción discografía. ¿Cómo va este proceso, o ya el disco está listo? Ya está listo. Estamos en plena gira de promoción del mismo. Nuestro álbum debut, Hell Rising, ya es una realidad y está disponible en formato físico y en las principales plataformas digitales. Incluso acabamos de liberar nuestro primer video oficial del sencillo Royal Death, para que lo chequen en YouTube. Han tenido oferta de algún sello para su distribución, o esto será de forma independiente por ustedes mismos? Todo ha sido fruto de nuestro esfuerzo. Es un disco patrocinado por nuestra propia sangre, sudor y lleno de heavy metal. Siendo una banda aún bastante joven, ¿cuál es la contribución de The Ripper como banda a la escena metalera underground en México? Poco a poco nos hemos ganado ya un lugar en la misma, y es nuestra música que se suma a la creciente escena metalera mexicana llena de grandes y muy buenas propuestas. ¿Qué podemos esperar de The Ripper en el futuro? Mucho más Heavy Metal Callejero o pandillero, como nos han dicho. Al menos a medio plazo, sencillos del próximo disco y ya casi listos para grabar. Esperamos seguir en el camino, y poder llegar a pisar más escenarios y contagiar con nuestra energía a muchas más personas. Bien, esto es todo. Muchas gracias por tus respuestas. Por favor, ¿podrías darnos algunas palabras finales? Muchas gracias por considerarnos y abrir este espacio para nosotros. Nos enorgullece mucho y llena de motivación para seguir con nuestro camino lleno de Rock and Roll y Heavy Metal. ¶

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Forbidden Rites

Death Metal mexicano y chipriota Forbidden Rites, Death Metal mexicano y chipriota

orbidden Rites es una agrupación que el año pasado lanzaron su álbum debut, pero lo curioso es que los integrantes de la banda se conocen desde hace muchos años atrás, y la idea de dar comienzo al proyecto es de esa época pasada. Su propuesta es Black/Death Metal, y es una agrupación que la podemos ubicar en México y Chipre. Su álbum debut está teniendo muy buenas reseñas por los medios, y esto es algo que le ha dado más ánimos a la banda. Sobre su disco, la historia y algo más de Forbidden Rites, conoceremos por medio de su bajista y vocalista, Vlad Marín.

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Saludos y comencemos inmediatamente con la entrevista. La banda se forma en 1996 con músicos de otras bandas. ¿Esto fue así? Coméntanos de aquellos inicios. Saludos, Omar, y gracias por prestarnos el espacio. Es correcto. En aquellos años Raúl (guitarrista), Juan Carlos (guitarrista) y Hugo (baterista) se juntan con la inquietud de empezar a crear algunos “himnos de guerra” haciendo honor a la amistad que ya se tenía desde tiempo atrás, y por supuesto, un interés en común, la música extrema. En esta época ellos llegaron a crear algunos temas muy interesantes, que curiosamente ya se asemejaban al sonido y concepto actual de la banda. Yo, por aquel momento me encontraba trabajando con otra banda, Xastur. Por supuesto conocía a los tres, y sabía que estaban lanzando un proyecto juntos, pero

Pienso que el proceso creativo en Forbidden Rites fue muy natural. Si bien la pauta principal era la de crear música extrema con un concepto en particular, dejamos fluir los sonidos, ritmos y matices conforme surgieran. Todo concluyó en un estilo que algunos han denominado pesado, oscuro y con melodía al mismo tiempo, recordando a algunas bandas de los años 90’s, sobre todo de corte sueco. Me parece que esta percepción no es del todo incorrecta, puesto que los cuatro miembros de la banda estamos muy influenciados por bandas como: Dissection, Sacramentum, Necrophobic, Dawn, Unanimated, Gates of Ishtar, Misericordia, etc. con quienes desde jóvenes siempre alucinamos. Según leí en la biografía, Forbidden Rites es una banda mexicano-chipriota. ¿Cómo es esto? Explícanos. Es un calificativo que nuestra disquera “Grimm Distribution” está manejando para exponer que el álbum debut de la banda fue concebido colaborando desde ambos países. nunca me imaginé que años más tarde formaría parte también de la alineación. Algunos años trascurrieron, y debido a diversas causalidades, Juan Carlos y Raúl se encuentran en otra banda, Ardra Ill, y Hugo pegaba a los tambores en Brightness of the Night (ambas bandas ya extintas). A lo largo de estos años pasamos de una banda a otra dentro de la escena, pero el antecedente, y sobre todo la inquietud de continuar con ese viejo proyecto de 1996, que tenía muy buen sonido, siguió hasta por fin concretarse ahora a finales del 2017. ¿Por qué hacer Black/Death Metal, considerando que hay otros estilos extremos y brutales? Realmente no fue algo predeterminado. En nuestro caso particular, no nos juntamos un día y dijimos, ¡hey! vamos a hacer una banda de black, death, heavy, etc.

Nuestro baterista, Hugo Olivos, hace tiempo ya que radica en Chipre, visitando esporádicamente México. Todo en Forbidden Rites fue estructurado en su mayoría desde la distancia, comunicándonos a través de la magia de las redes. Siendo así, que las voces y guitarras en “Pantheon Arcanum” están grabadas en México, pero todas las baterías en la isla del mediterráneo. Forbidden Rites ha pasado por un largo periodo de inactividad. ¿Cuáles han sido los motivos por los que han tenido que parar durante todo ese tiempo? Principalmente la incursión en otras bandas. Algunas de ellas siguen con nuevos miembros, otras pasaron a la historia sin incluso haber grabado algún tipo de material. Dedicamos también mucho del tiempo a propósitos de carácter profesional en otros ámbitos, no necesariamente relacionados con la LaCarne Magazine

música. ¿Y qué los ha motivado a reagrupar nuevamente la banda y continuar hacia adelante? Después de tanto tiempo picando piedra, de experiencias, de satisfacciones, pero también de tropiezos en este bello arte, queremos por fin posicionarnos como una banda importante en la escena. Tenemos mucho que decir y que ofrecer al público metalero. Así como toda banda con aspiraciones, nos mueve la idea de dejar un legado en la música, hasta el fin de nuestros tiempos y de la forma más profesional que nuestro esfuerzo nos permita. La banda está compuesta actualmente por músicos de una amplia trayectoria. ¿Quiénes son Forbidden Rites? Juan Carlos Martínez, guitarrista (ex-Ardra Ill, After Glow, Jezabel, Randart, Whisper in Water, Iron Hell, Age of Death). Raúl Campos, guitarrista (ex-Ardra Ill, Cannabis, Jezabel, Practice Mode, La Malinche, La Otra Mitad). Hugo Olivos, baterista (actual: Vomitile, exJezabel, Brightness of the Night, Hateborn, Inhearted, Arrayan Path, Disaster Syndicate, Black Vomit, Highgate Rockers, Fortunate Son). Vlad Marín (ex-Xiuhtecuhtli, Xastur, Groom, Betrayer, Aharies, Artifitial Moon). Sus influencias abarcan aquellos sonidos de los años 90’s. ¿Por qué tomar como referencia o influencia aquellos años? Nos parece que en esos años se dio la “crema y nata” del metal underground. Al menos para nosotros fueron tiempos grandiosos, en los que las cosas se hacían de otra manera. Las propuestas se centraban más en “decir algo” y no en tener una producción espectacular.

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Aún era común usar las cintas (cassette) para compartir álbumes interesantes entre amigos, intercambiábamos cartas con metaleros de otros países, el CD estaba en su apogeo, los fanzines fotocopiados… En fin, una época de mucha nostalgia, pero, sobre todo, tiempos en los que surgieron discos que ahora son verdaderas joyas del metal. Hablemos de las letras de sus canciones. ¿Cuál es la temática que abordan en las mismas? Principalmente sociedades secretas o discretas que custodian un conocimiento oculto para el resto de los mortales, muchas veces con fines de dominación, ceremonias antiguas y prohibidas, metafísica, filosofía, rituales como la nigromancia, la hematomancia, la magia del caos, la invocación, la magia elemental, entre otros. Cabe mencionar que en la cuestión lírica contamos con el apoyo de 2 grandes escritores:

¿Cuál es el concepto general que Forbidden Rites, como banda de Black/Death, pretende entregarnos? Black/Death oscuro y melódico que evoca el universo de las sociedades secretas, rituales y filosofía ancestral. Su álbum debut fue el “Pantheon Arcanum”. ¿Cómo fue su proceso de concepción? ¿Cuáles fueron las fuentes de inspiración, tanto lírica como musicalmente? “Pantheon Arcanum” prácticamente se compuso en segmentos. Raúl y Juan Carlos hacían el trabajo de guitarras, proponiendo las frases y la base melódica. Posteriormente enviaban los archivos de audio a Hugo, quien se encargaba de plasmar la parte rítmica. A continuación, se agregaban las líneas de bajo para complementar la maqueta. El resultado se compartía con Alonso y Sergio, ellos, en base a la temática y a las sensaciones que les trasmitía determinada canción, escribían la propuesta lírica. Alonso Guzmán, quien nos apoyó con las letras para seis canciones, y Sergio Campos, el cual escribió otras dos. Cambiemos de tema. ¿Qué tipo de ideología identifica a los miembros de la banda? ¿Esto es parte de sus vidas o es algo sólo dentro del grupo? No profesamos ninguna religión, y tampoco somos parte de un culto o algo por el estilo. Nuestra inclinación por estos temas a lo largo del tiempo ha sido de corte filosófico y de interés artístico. Compartimos el gusto por la lectura. A título personal te puedo decir que me mueve el piso toda la estética del misticismo. Esa idea de poder acercarse un poco a lo que hay detrás del velo material. Confieso que durante un periodo de mi juventud me centré en estudiar todos estos temas, pero desde el punto de vista antropológico.

Después yo reestructuraba los versos, acomodaba la parte rítmica de la letra y grababa la voz. Al final, entre todos hacíamos ajustes y agregábamos detalles. En cuanto al proceso de grabación, pasó algo similar. Contando ya con una métrica sólida, se graban todas las baterías en Steel Fortress Studio (Nicosia, Chipre). Luego grabamos el bajo, guitarras, fx y voz en Soundvillage Records Studio (Toluca, México), en donde también se realiza la mezcla de todas las partes. Por último, los tracks son enviados a Stage One Studio (Alemania) para su masterización. Contamos con el talento de Luciferium War Graphics (Seattle, EU) para realizar el arte del disco. Pienso que la música misma ha sido nuestra mayor fuente de inspiración en todo este proceso, ya que más allá de ser un arte, resulta LaCarne Magazine

un estilo de vida para nosotros.

teligente para mantener el interés del público.

¿Han efectuado giras en apoyo a “Pantheon Arcanum”? ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción del álbum? Es correcto.

Mi opinión es que nunca se debe perder el suelo, y como artistas debemos siempre preguntarnos ¿para qué estoy haciendo esto? Y tratar de nunca perder la autenticidad.

Afortunadamente, para las presentaciones en vivo contamos en México con un refuerzo en los tambores, Manu Aldape, baterista también de Desangre, Arkhe Mortem y Cold Blood Ensemble, quien de forma ultra-profesional nos acompaña en territorio nacional para la promoción del disco en distintas ciudades.

También tiene que ver mucho con involucrarse con la gente adecuada. En mi experiencia, muchas de las bandas prometedoras que caen en declive resulta ser por la falta de visión de los miembros.

Tratamos de asistir periódicamente a la radio y participar en diversos medios, tal como el tuyo, que amablemente nos ofreces. Esto es de vital importancia para nosotros, ¡gracias! Este disco fue lanzado por un sello europeo, ¿es así? Sí, afortunadamente logramos llamar la atención de Grimm Distribution (Ucrania), con quienes también estamos muy agradecidos y nos ha encantado su forma de trabajo. Anteriormente ya éramos seguidores de algunas bandas del sello, e imagínate el gusto que nos dio saber que íbamos a poder trabajar con el sello que está haciendo mucho ruido en la escena europea actual. ¡Alucinante! ¿Qué les ofreció este sello que otros no lo hicieron? ¿Están satisfechos con el trabajo que está haciendo el sello por la banda? Estamos encantados, y es uno de los factores que nos motiva a seguir esforzándonos para ser mejores. Cuando una disquera deposita su confianza y sus recursos en tu proyecto, no te queda más que retribuir entregando el 100% de tu energía para hacer que el barco navegue con más fuerza. Como bien sabes, hay muchas bandas que con el tiempo han perdido su esencia y su identidad. ¿Por qué crees que esto sucede? Tendríamos que analizar caso por caso. Este medio es difícil. Hay que ser muy tenaz e in-

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¿Crees que, en nuestros días, las bandas de metal tocan por sentimiento o por moda? Yo creo que ambas. Y no me atrevería a afirmar que una razón es más válida que la otra. Es verdad. Actualmente hay más gente involucrada, más propuestas, más herramientas, más espacios y más jóvenes que tocan de forma increíble. forbidden Es válido, muchas de estas bandas que surgen por moda al poco tiempo se desintegran, pero aquellos que traemos el metal en las entrañas seguiremos.

A mí me gusta verlo como un reto, no es fácil sobresalir entre tantas bandas, eso te obliga a superarte sí o sí. ¿Cuáles crees que son las principales diferencias entre el metal de los años 90’s y el actual? Lo más notorio es la infraestructura. En los 90’s no existían tantas facilidades para aprender y hacer música. Tenías que trabajar el doble para alcanzar el sonido que estabas buscando. Las horas de grabación en estudio no eran tan costeables, la comunicación con otros músicos y metaleros era más lenta. Esto te obligaba como artista a conectar más con tu capacidad creativa, a tomarte tu tiempo y a usar más el ingenio. Hoy disponemos de herramientas que nos han facilitado la vida de forma increíble, esto me parece grandioso, pero agregaría que, en sentido negativo, podríamos estar entrando en una etapa de “inmediatez”, en donde todo se hace de forma instantánea, situación que, por supuesto, se refleja en el metal, proyectos que así como surgen se apagan, desinterés por

parte del público, etc. Todo dependerá de que sigamos siendo más los aferrados que queremos mantener viva la esencia de la música extrema. ¿Cuál es el próximo paso de Forbidden Rites? Por el momento seguir promocionando “Pantheon Arcanum”, tanto en presentaciones en vivo como en redes. Tratándose de un lanzamiento del 2018, resulta ser aún un disco joven, y tenemos que lograr que madure un poco más. Llegar a más oídos, visitar más lugares, conocer a más gente, y hacer muchos amigos en la escena, lo cual es una de las grandes satisfacciones de este oficio. Por supuesto, seguimos haciendo nueva música para empezar a estructurar el segundo disco de la banda, pues esperamos supere en sentido positivo al “Pantheon Arcanum”. Bien, esto ha sido todo. Gracias por tu paciencia. ¿Algún mensaje que entregar a los lectores? Agradecer de nuevo a todo el equipo de LaCarne Magazine, y de forma particular a ti, Omar, por brindarnos el medio para que nuestros hermanos de metal en todo el mundo conozcan un poco más de lo que Forbidden Rites propone. Sigamos nutriendo la escena. Que bandas, público, medios y promotores seamos una unidad para mantener vivo el espíritu del metal por muchas generaciones más. Escuchen el “Pantheon Arcanum”, cómprenlo, sígannos en nuestras redes. Esperamos poder tocar alguna fibra en su interior con nuestra música. ¡Saludos! ¶

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y su evolución hacia el Metal Pr LEER MÁS

esde el centro del mundo, en Ecuador, aquí está la banda Demolición. Una agrupación de una amplia trayectoria en su país, y una de las más representativas. Sus inicios datan de mediados de la década de 1980, así que es amplio el camino recorrido por esta banda, que en su comienzo hacían Thrash y Heavy, y hoy en día con el pasar del tiempo han evolucionado hacia un Metal más progresivo. Lean esta entrevista que fue respondida por Leonardo Piedra (baterista y fundador de Demolición), y así conocerán más de esta agrupación.

Demolición, una evoluvión hacia el Metal Progresivo Los inicios de la banda datan de mediados de

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la década de 1980. ¿Qué nos puedes contar de esa época, y cómo logran armar una banda en aquel tiempo? Empezamos haciendo covers, como muchas bandas. Poco a poco reclutando músicos y buscando eventos donde podíamos abrir shows de bandas que estaban sonando en aquel entonces. Fue sin duda muy duro porque, en nuestro país, el hecho de ser metalero conllevaba ser marcados de una manera más incidente y no era bien visto. Sumado a todo esto, la falta de tecnología y recursos, que hoy por hoy existen por todos lados, hicieron el camino cuesta arriba. Al principio Demolición hacía un thrash y heavy metal, luego de un tiempo deciden hacer power metal progresivo. ¿Por qué este cambio en su propuesta musical? Nosotros fuimos una de las bandas pioneras en introducir estos géneros a la escena metalera local, pero a raíz de las tendencias y de la diversidad de estilos que nos han influido a través del tiempo, empezamos a involucrarnos

ocurra componer en inglés o en otro idioma, pero nuestra base es el español. La banda ha estado presente en varios compilatorios. Quisiera que nos brindaras alguna información sobre estos compilatorios. El primer compilatorio se llamó “Mental Explosión”, producido por un locutor de una radio de rock de la época llamado Fernando Navarrete, conocido en aquel entonces como el Dr. Rock. Participamos con el tema “Noviembre Negro”. Después, un magazine llamado La Zona del Metal nos hizo partícipes de 2 temas: “Noviembre Negro” y “Dulces Sueños”. Por último, en el 2013, participamos en un recopilatorio llamado La Antología del Rock, organizado por Al Sur del Cielo, nuevamente fue “Noviembre Negro” el tema.

rogresivo con lo progresivo sin perder la esencia de la banda. La banda participó en un concurso organizado por MTV. ¿Cómo fue esto y qué tal resultó el concurso? A raíz de este concurso, que fue Capitulo Ecuador, compusimos 2 temas inéditos con los cuales participamos, uno llamado “Divino Designio”, y el otro llamado “Concierto”, quedando entre las 12 mejores bandas por nuestro desempeño, el mismo que no tuvo una clasificación de géneros musicales (entiéndase que años después MTV lanzaría su programa HEADBANGERS, lo cual hubiese sido genial). ¿Qué los motivo a cantar en español, en comparación con la mayoría de las bandas de nuestra región, que lo hacen en inglés? Demolición siempre se ha manejado en contra de la corriente y de las vicisitudes. Para nosotros, más allá de trascender con nuestra música, está el detalle de dejar un legado para las generaciones metaleras latinas. Eso no significa que en algún momento se nos

Al final del mismo año ellos produjeron un concierto de fin de año en un escenario llamado La Concha Acústica. Este evento fue grabado también, en el mismo aparecieron 2 temas: “Divino Designio” y “Noviembre Negro”. ¿Cuáles son los principales tópicos que abordan las letras de los temas de Demolición? ¿Estos temas de alguna forma reflejan la violencia y destrucción que se vive en la sociedad actual, o sólo son experiencias cotidianas? Inicialmente, en los primeros temas abordamos la violencia y la injusticia de una sociedad corrupta, pero en este primer material que lanzaremos con 8 temas nuevos, el enfoque es la humanidad y su desorientación entorno a la supervivencia del mundo, sin dejar a un lado la corrupción, y todos los efectos que nos vuelven tristemente seres humanos. Bien, quisiera que me hablaras de las diferencias que notan de aquella banda de mediados de los 80’s y la actual. Pienso sin duda que los 2 formatos fueron importantes en su momento. El antiguo por la pasión, la constancia y la ilusión de creer en algo, pero ahora el mundo en si exige mucho LaCarne Magazine

más que las ganas. Ahora debes tener el conocimiento, el estudio y el fuego para hacerlo realidad, y es ahí donde se conjuga la experiencia y la madurez de la banda. Si no estoy en un error, ustedes han compartido escenario con A.N.I.M.A.L. (Argentina), Transmetal y Cenotaph de México, Destruction (Alemania). ¿Cómo fue la experiencia de tocar junto a bandas tan reconocidas? El compartir escenarios con bandas importantes siempre será una gran experiencia. Hay muchos detalles que hacen que sea increíble, ya sea en sonido, trato y sin dudas el público asistente. Siempre será emocionante porque somos más sentimentales que cualquier otra cosa, lo nuestro es tocar. ¿Han tocado fuera de su país natal? Hemos tenido propuestas en países hermanos que no han llegado a un acuerdo, pero en nuestro país lo hemos recorrido todo. En el tema de discografía, las producciones han sido pocas. Cuéntanos un poco sobre los trabajos realizados hasta ahora por Demolición. El orden cronológico de las composiciones fue el siguiente: Concierto, Divino Designio, Pasión Mortal, Condenados, Cocaxicación, Neonazis, Dulces Sueños, Noviembre Negro, Malicia, y en la actualidad nuestro primer material tendrá los temas: El Deseo de Tántalo, Los Tres Pilares, Ultimátum, Oscuridad Interna, Tiempo Final, Grito Sin Voz, Mamotreto y Un Día Más. ¿Se encuentran en la producción del nuevo material? ¿Para cuándo estará listo? Las canciones están grabadas hace 5 meses en una pre-producción de 3 años. Pienso que en un par de meses saldrá a la luz. ¿Qué podemos encontrar en este nuevo disco? ¿Saldrá de forma independiente o algún ello ya se ha interesado en la banda?

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Vamos a encontrar una evolución musical y una propuesta alejada de las tendencias, mucho más Rock Progresivo del que no se acostumbra escuchar dentro de nuestro país. Hemos producido independientemente nuestros trabajos, pero sin duda buscaremos alguna disquera que se interese por el producto. Me imagino que con el tiempo que lleva la banda los cambios de integrantes han sido varios. ¿Es así? ¿Quiénes son los que están hoy en la banda? Ha habido muchos cambios, la actual formación la conforma: Cesar Cofre (vocalista), Alejandro Suntaxi (guitarra), Renatto Zerega (guitarra), Luis Fernando Fabara (bajo) y Leonardo Piedra (batería). Ecuador cuenta con muy buenas bandas, y algunas de gran trayectoria. ¿Qué me puedes decir de la situación actual de la escena en tu país? Que es muy duro. Cuando se trata de un país pequeño, siempre la gente se arropa hasta donde le alcanza la sabana, por eso no es nada raro que una banda con nuestra trayectoria haya pasado desapercibida a la escena mundial durante 33 años. Bueno, creo que esto sería todo. Si hay algo que crees debes decir, pues adelante y deja algún mensaje a los lectores. Esperamos tener el placer de compartir nuestra música al mundo próximamente, y mejor aún, compartir escenarios en otros países. Sin duda, ustedes los periodistas y fans hacen que la música trascienda en el tiempo. Esperamos poder contar con su apoyo de ahora en adelante, tenemos una gran ilusión y pasión por el Metal Progresivo. Saludos desde Guayaquil, Ecuador! ¶

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Anabanta

pioneros del Metal Gótico en México Estamos agradecidos por el espacio para hablar sobre Anabanta. LEER MÁS

nabanta posee temáticas oscuras en sus letras, y un sonido diferente al de otras bandas de la escena actual. Una agrupación con poco más de dos décadas en la escena, y de la cual se puede decir es la banda pionera del Metal Gótico en su país, México. La agrupación cuenta con más de 15 discos, y sus presentaciones han llegado a muchos países de Centroamérica y Suramérica. Su fundadora y vocalista, Duan Marie, responde la entrevista, donde conoceremos más sobre Anabanta.

Anabanta, pioneros del Metal Gótico en México

Saludos y sean bienvenidos a este medio. ¿Algunas palabras antes de dar inicio a la entrevista?

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Anabanta es una banda con muchos años ya de formados, sería bueno que nos diera algunos detalles de sus inicios en aquel 1997. Anabanta es una banda creada en 1997 en el colegio, ya que los tres fundadores se conocieron en la preparatoria. Es la historia de tres amigos unidos por la música, con la firme convicción de dedicarse a esta manera de forma de vida, pensamiento que definitivamente se ha reafirmado infinidad de veces, tras 22 años de ser creada. Se dice que Anabanta es la banda pionera del Metal Gótico en México. ¿Qué de cierto hay en esto? Anabanta es la banda pionera de Metal Gótico en México y Latinoamérica, ya que tras su creación, la banda tuvo inquietudes que no cabían del todo en el metal, curiosamente tampoco del todo góticas, así que, al darnos cuenta de ser parte de ambos géneros, nos dimos cuenta que éramos parte de un subgé-

Son muchos discos los que posee la banda en toda esta amplia carrera musical, y sería algo extenso hablar de cada álbum. Brevemente, dennos un repaso por cada disco. Los discos de “Letanías I, II, III y IV” están cargados de metal y las canciones abordan temas como la muerte -como mexicanos hay un sentido un tanto diferente- amor, pasión, fuerza y poder. El disco “Hermanos de Sangre” se ha trabajado a la par de seguidores de la banda que escriben poesía, y son discos con la influencia de sonidos andinos y folclóricos mexicanos. Los demás discos son fusión entre ritmos latinos y ritmos de oriente medio, además de temáticos a modo de historias completas, hechicería “Los Reunidos”, y el despertar espiritual, “Despertares”.

nero nuevo hace 22 años. ¿Qué elementos particulares piensan que los distingue en su propuesta de este Metal Gótico? Los elementos que han caracterizado a Anabanta desde el inicio fueron la influencia de la poesía y los tintes nostálgicos de los acordes, la dulzura de una voz femenina, cobijada con letras bañadas de metáfora, con guitarras estridentes y la fuerza de la batería, además de siempre cantar en español, haciendo versiones en inglés y francés, pero a la par. En cuanto a su alineación, me imagino que en todos estos años ha habido cambios. ¿Quiénes son Anabanta en la actualidad? Hemos tenido muchos cambios, han sido 22 años. Los integrantes en la actualidad: Duan Marie – Voz, Mario De La Fuente – Bajista, Israel Sorkin – Baterista y Diego Romero – Guitarrista. Hablemos sobre el tema lírico de la banda. Anabanta se ha influenciado de diferentes tintes musicales.

Conciertos y giras es otro tema a destacar de la banda, ya que son muchas las presentaciones tanto en México como en el exterior del país. Ustedes participaron en el primer festival gótico realizado en Perú. ¿Qué tal les fue en este evento? ¿Con qué bandas compartieron? Anabanta es una de las bandas más activas de México, haciendo presentaciones dentro del territorio mexicano, incluso en recintos exclusivos de otros géneros musicales, teniendo una excelente aceptación. La banda ha tenido oportunidad desde hace más de 15 años de asistir a diferentes conciertos de Metal Gótico dentro de México. Estuvimos en el primer Festival Gótico de Lima junto a Leaves Eyes y Atrocity, siendo una grata sorpresa poder representar a toda Latinoamérica, y teniendo un recibimiento excepcional por parte de los asistentes a dicho Festival. El Orion Fest fue otro festival que se realizó en Ecuador en septiembre del 2005. Coméntanos sobre este evento. En el Orion Fest fue tremenda experiencia.

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Pudimos compartir con la banda Orion y Sarcasmo, bandas muy fuertes dentro del movimiento ecuatoriano de Metal. No es un público fácil, pero Anabanta ha sido muy bien recibido en Festivales de Metal con diferentes vertientes. Han estado en giras también por Bolivia, Colombia… Me imagino que la banda ha tenido buena aceptación. ¿Ha sido así? En Bolivia y Colombia también tenemos mucho apoyo por los seguidores de la banda, y ha sido una tremenda experiencia también haber compartido escenario con Xandria, Vader, Thy Anticristh y Saurom. ¿Qué experiencias os han dejado estas giras como persona y como banda? Las experiencias han sido alimento para que musicalmente la banda se encuentre grabando nuevo material. Esa retroalimentación nos ha inspirado en trabajar aún más fuerte y poder visitar otros países. Al tener fechas de manera constante, la mayor

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parte del tiempo compartimos incluso más que con la familia. Nos hemos vuelto 4 cómplices, 4 amigos compartiendo la misma pasión, la misma emoción que te da el hacer lo que más nos gusta. ¿La banda se ha convertido en parte de sus vidas, o sus vidas personales en parte de la banda? Se ha convertido en ambas. Creo que no podemos hablar de la banda sin mencionar que es parte importante de nuestras vidas personales, debido a que compartimos mucho tiempo juntos, ya sea por las presentaciones o diferentes actividades que tengan que ver con Anabanta. Afortunadamente, el 99.9% del tiempo estamos inmersos en la música, esto porque también dentro de la banda damos clases de música o tenemos interacción de igual manera con seguidores de la banda, esto en gran parte a la apertura por las redes sociales. Hablemos de grabaciones nuevamente. Su

más reciente trabajo será el álbum “Despertares”. ¿Para cuándo estará disponible este material? ¿Cuántos temas lo integran? ¿Bajo que sello saldrá? Actualmente nos encontramos trabajando en “Despertares”, que tendrá 9 canciones. Estará listo para el mes de octubre bajo el sello de Sun Empire Productions. De este disco ya se han dado a conocer dos temas: “Despertar” y “Cenizas”. Con 22 años ya cumplidos con Anabanta, ¿cómo definirías la evolución de la escena del metal y el rock en México? ¿Cómo crees que esta evolución ha impactado en el sonido actual de Anabanta? La evolución en el sonido de Anabanta está más relacionada a la interacción de sonidos latinos que hemos tenido la oportunidad de absorber con nuestras visitas a diferentes países, además de las influencias musicales de cada uno -progresivo, hard rock, heavy metal, metal sinfónico, o power metal por mencionar algunos- para lograr el sincretismo del cual partimos con “Despertares”.

Durante estos años de existencia, ¿cuál ha sido para ustedes el mejor momento como banda? El mejor momento para la banda es el de ahora, ya que nos encontramos creando más música, letras y coordinando con otros países a los que esperamos poder visitar pronto. ¿Crees que Anabanta ha servido de escuela para algunas bandas en la actualidad? Esperamos que en estos 22 años podamos haber inspirado a otras bandas para realizar sus propias historias. Definitivamente seguimos trabajando para que los espacios sean más y darle la apertura al Metal en todas sus vertientes. Bien, ya estamos llegando al final de la entrevista. ¿Cuáles son los próximos planes de la banda? ¿Alguna gira, concierto…? Estamos trabajando en la gira “Despertar De Un Ángel”, que tuvimos oportunidad de empezar en Guatemala y El Salvador. Nos encontramos también coordinando a otros países como USA, Grecia y Rusia, donde la banda ha sido requerida, además de Suramérica. Y, claro! Poder visitarlos pronto de igual manera en España. Para concretar la visita, seguimos trabajando ya que aún hay mucha música que compartir desde México. Gracias por responder la entrevista. Que las últimas palabras de esta entrevista sean las que ustedes nos expresen. Agradecemos a todo el equipo de LaCarne Magazine por el espacio y por el apoyo, a nuestro amigo Omar Vega, y por supuesto a todos sus lectores. Reciban saludos cordiales y un fuerte abrazo de sus amigos desde México “Anabanta”. ¶

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