LaCarne Magazine N83 by LaCarne Magazine

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Nº83 - ABR 2019 - AÑO 8

EXPERIENCIAS

Extremúsika 2019

investigación

Joe Bataan - Tom Jobim Feminismo en la música

ENTREVISTAS

Festivalino - Interferencias - Machete en Boca - Halcón 7 Electro Preste - Cicuta - Pedro Menchaca - Moro - Cemican Esjava - girando por salas

SUMARIO N83 aÑo 8 abr 2019

experiencias 42 Festivalino, música, tradición, solidaridad y cultura 06 Extremúsika 2019, Especial rock 46 Machete en Boca, rap conciso, directo y combativo investigación 52 Cicuta, el poder del Metal Mexicano 12 Joe Bataan, el padre del Salsoul 58 Electro Preste, cultura 16 Tom Jobim, pionero de la bossanova tradicional y música electrónica 20 Feminismo en la música: 66 Improvisación Libre, con Pedro arrasando el planeta

Menchaca

68 Moro, intenso y poderoso Rock entrevistas 72 Esjava, viviendo su mejor momento 32 Interferencias, festival concurso itinerante de música 74 Cemican, fusión del Metal con música prehispánica 36 Halcón 7, una identidad colectiva 80 GIRANDO POR SALAS, hablamos con herminia martínez

26 La Bruja Roja, Besos de Rock n Roll contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, ángela sumy, j.g entonado, marcos bentancourt, maría Eugenia Rincón

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Extremúsika 2019 Especial rock LEER MÁS

abe destacar el guiño este año en el festival Extremúsika 2019 a grupos que proceden del País Vasco.

La organización sabe de la importancia en el rock estatal de los grupos procedentes de Euskadi, por su influencia en el estilo y en grupos de todo el ámbito nacional. A continuación, nuestras 10 recomendaciones de rock.

DESAKATO Punk rock desde Asturias. Su directo tiene influencia del rock estatal de vieja escuela y de las nuevas generaciones. En directo son una apisonadora contundente de riffs demoledores, himnos reivindicativos, donde alternan voces melódicas y graves. En 10 años se han convertido en una de las bandas referentes del rock.

Con un directo cañero, los madrileños vendrán cargados de energía para liarla parda en Cáceres con su disco “El juego terminó”.

ZEA MAYS Rock alternativo en euskera. Para aquellos que les gusta rock más underground que se acerca al post rock, que flirtea con sonidos electrónicos y capitaneados por una voz femenina que le da mucha personalidad al grupo. Para nosotros, es una de las propuestas más originales y atractivas del festival por su estilo tan diferenciado respecto al resto de bandas de rock. Si te gustan bandas como The Gossip, no os perdáis su directo con temazos como “Astero ostera hastera” o “Gaur”.

JOSETXU PIPERRAK El cantante de Piperrak nos viene a traernos ese punk rock nacional de vieja escuela.

Nos presentarán Antártida, y seguramente todos sus hits sin dejarnos un respiro entre pogo y pogo.

El de Bermeo es una revolución en directo, sin pelos en la lengua es de obligación acudir a su directo.

SONOTONES

Canciones como “Piperrak”, “Odio”, “Demokrazia” o “A la mierda” son auténticas bombas sonoras.

Los madrileños son viejos conocidos del rock alternativo nacional. Máximos exponentes junto a Hamlet de este estilo Hard Rock. Riffs contundentes junto con letras mordaces inspiradas en las vivencias propias y reivindicación con esencia punk.

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Si os gusta Eskorbuto o Bad Religion, éste será vuestro concierto.

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KAOTIKO

LA DESBANDADA

Los ex-Kaos Etílico practican punk rock clásico, claro y a la yugular. Procedentes de Euskadi son pura fuerza en directo con un sonido apabullante.

Los catalanes practican rock urbano. Su sonido nos recuerda el rock de grupos como Marea o Platero y tú.

Sus letras son reivindicativas, cotidianas o sobre bares y fútbol. Nos darán buenas bofetadas en la cara con cada uno de sus temas, y nuestras zapatillas no tendrán suela para tantos giros, cabeceos codos y brazos.

LAS SEXPEARES Volvemos al rock alternativo y al punk más melódico de influencias americanas. Capitaneado por mujeres, es una de las propuestas más atractivas que ofrecen algo diferente al cartel por su sonido más grunge. A nosotros nos recuerda a grupos femeninos como L7 o Courtney Love. Sus letras son más banales sobre temas como los conflictos de cada uno, vivencias propias, siempre con un aire pesimista.

Para los de Tarragona, visitar la tierra de Extremoduro implica éxito asegurado, ya lo comprobaron en Quintana de la Serena (Granirock Fest). Es uno de los grupos revelación del rock nacional, y “Acabamos de empezar” es un disco con letras reivindicativas, pero también costumbristas. Si no tuvisteis suficientes con su directo en el Granirock, ahora vuelven con canciones más maduras y experimentadas.

LA BERISO Los argentinos son una de las bandas internacionales. Su rock clásico pero reivindicativo es conocido en argentina como Rock callejero. Sin duda es uno de los grupos argentinos del momento, y tenerlos en Extremadura será un placer. Nos presentarán “Pecado Capital”.

Los vascos con orígenes argentinos son otra gran propuesta stoner, si te gusta Desakato o Foo fighters, éste es tu grupo.

Dadas sus influencias del country, será una propuesta claramente diferenciada con respecto al resto del cartel del festival.

TRACCIÓN

LES MOTRIZ

Los vascos nos traen hard rock con influencias del metal y el punk.

Rock cacereño en la onda de grupos como Artic Monkeys o The Strokes.

Ex miembros de bandas como Sutagar o Tierra Santa, entre otros, y capitaneada por los hermanos Zarzosa.

Otra propuesta diferente dentro del cartel y también de las más atractivas.

Sus letras son comprometidas con injusticias sociales, pero también sobre los miedos, amores/desamores. Con un directo que es pura adrenalina, explosivo y acelerado.

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Vencedores de grupos noveles del Sonorama, lo de tocar en un gran festival no les viene de nuevo, y de hecho su carrera va viento en popa tras estar en la lista de talentos de Vodafone You. Cantera de la buena. ¶

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Joe Bataan el padre del Salsoul

mundo un 15 de Noviembre de 1942, en la 110 del barrio Spanish Harlem en Nueva York. LEER MÁS

amos a darle una vueltita de tuerca a la música negra en esta nueva entrega para hablar de Joe Bataan, un personaje poco conocido internacionalmente (ya veréis hasta qué punto), pero muy importante (y que aún sigue vivo y en activo). Es el momento de soltarse la melena y dejarse llevar por los ritmos latinos, porque vamos a hablar de Joe Bataan, el padre del Salsoul y representante máximo del Boogaloo.

Joe Bataan, el padre del Salsoul y representante máximo del Boogaloo Nacido como Bataan Nitollano, Joe vino al

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Hijo de padre filipino y madre afroamericana, creció rodeado de influencias latinas, principalmente puertorriqueñas, que marcarán el devenir de su creación musical. En este barrio se encontraba (y lo hace actualmente) la mayor comunidad latina de Nueva York, por tanto la fusión musical es increíble. En este ambiente nació el Boogaloo, un estilo musical popular de los años 60 que fusionaba el R&B y el Soul con ritmos latinos, como el Mambo, el Guagancó o las Guajiras, y con letras tanto en inglés como en español (R&B latinizado). Para que os hagáis una idea, era la música que reclamaban las segundas generaciones, hijos de inmigrantes, aún enraizados en su cultura familiar, pero ya criados en EE. UU.

Es curioso, Joe no era latino de procedencia, aprendió a hablar español en la calle (escucharle en persona o leer una entrevista suya es todo un reto, os lo aseguro, con una especie de spanglish que utiliza que mucho cuidado para entenderle). Y así comenzaron, tocando en el barrio, de aquí para allá. Los Latin Swinger eran chavales de su barrio, menores de edad, y que formaban parte de las bandas callejeras. Joe quería sacarles de ese mundo, así que les puso a tocar con él. Los padres de estos chavales no querían que sus hijos se juntaran con un ex preso de 22 años, así que Joe iba casa por casa para convencerlos con la firme promesa de que los traería de vuelta a casa antes de la hora de la cena, y así lo cumplía, convirtiéndose en el padrino de un montón de chicos, que de no ser por él estarían hoy a saber dónde, si no muertos.

Pero también creció en un ambiente violento, siempre moviéndose entre bandas callejeras enfrentadas unas con otras (como en West Side Story pero sin bailecitos y con delincuencia real…), a saber los Victory’s, los Cahaplains, los Red Wings o los Dragones, banda a la que perteneció Joe Bataan y de la que incluso llegó a ser líder. Y en éstas estaba nuestro protagonista cuando, con 15 años, fue arrestado por robo de un coche y condenado a 5 años en el reformatorio de Coxsachie.

Para imponerse, los trataba como si el grupo fuese una banda callejera… para verlos a todos ellos. En palabras del propio Joe: “la gente en el barrio me veía pasar y decía: ¿acaso ése es el pequeño Bataan que solía ser el pequeño gánster? ¿Cuándo ha aprendido a tocar así?” Y era cuestión de tiempo que se fijaran en él. Esto sucedió en 1966, cuando Jerry Masucci, el todopoderoso productor de la compañía musical latina por excelencia, Fania Records, le hizo su primer contrato.

Esto cambiaría la vida de Joe para siempre, pues estando allí aprendió música y a tocar el piano, y su mundo se abrió a otro colmado de ritmos.

Un año después veía la luz su primer single (y qué single) Gypsy Woman, a partir de una versión de The Temptations.

A su salida del centro, formó su primer grupo, Joe Bataan and the Latin Swinger, muy influenciado por el Boogaloo y el Doo-wop, decidiéndose a unir los dos estilos, con una clase…

La canción fue un éxito total en el mercado latino, y Fania se aprovechó al máximo del talento de Joe Bataan, sacando juntos 8 discos: Subway Joe (1968), Poor Boy (1969), Mr New York & The East Side Kids (1971) o Saint LaCarne Magazine

Latin’s Day Massacre (1972) entre otros. Antes había estado con otras compañías, incluso creo que regentó varias a la vez. Tras varios desencuentros económicos con la compañía, abandona Fania Records y ficha por el pequeño sello Mericana, donde grabará un disco Afrofilipino. Tras esto crea su propia discográfica de música latina, Ghetto Records, donde tuvieron cabida, a parte de sus geniales discos, los artistas más importantes de la esfera latina: Papo Félix, Paul Ortiz o Eddie Lebron. Y éste es el momento del Salsoul, con esta etiqueta Joe se refería a sus creaciones donde se mezclaban los citados ritmos latinos y de R&B, pero incluyendo letra en las canciones a la manera del Soul, en vez de simples fraseos animosos, como se hacía en la música latina tradicional. En 1979 dio una vuelta más a su música publicando el single Rap-o-Clap-o, éste será el primer éxito de rap latino. Joe Bataan siempre ha sido un hombre de la calle, y a finales de los 70 la calle reclamaba rap. De verdad que no os podéis perder el videoclip, canelita en rama lo mires por donde lo mires. En 1981 decide hacer un parón, un largo larguísimo parón. Durante este tiempo se dedicó a su familia, y empezó a trabajar en lo que se convertiría en su oficio permanente, educador en el mismo centro de menores en el que él estuvo preso. Además, sufrió graves problemas de salud, estando en más de una ocasión muy cerca de la muerte.

mejor disco de Joe Bataan, pero os cuento, “la Chica Boom” viene precisamente de una canción de este disco. La canción en realidad se titula Chick-a-boom, y con este infradato ya sabéis algo más de mí). Vino a España por primera vez, haciendo su primer concierto en Madrid junto a la banda Los Fulanos, otros buenos personajillos. En 2009 sacó su último disco, King of Latin Soul, puro oro donde se recogen sus grandes éxitos con una nueva producción. Y nos volvió a visitar el verano pasado, en esta ocasión en el nunca decepcionante Festival Black is Back, donde nos ofreció un espectáculo lleno de Boogaloo, Salsoul y mucho Mambo… Además, le conocí…, lo tenía que contar. Y así sigue, sin parar de dar conciertos, siempre moviéndose y muy activo en su comunidad. Pertenece a un montón de asociaciones latinas de música, y no para de enseñar por el mundo lo que es el Salsoul. Debemos tener muy presente que la fusión que lleva a cabo Joe Bataan ayudará mucho a allanar el camino para la aceptación mundial de la música latina, que a nosotros se nos hace muy cercana, pero cuéntale tú a un noruego de estos ritmos de arrimarse y rozarse. Durante muchos años se ha mirado a la música latina con un poco de estigma, como una música de segunda… Tonterías, amigos. Yo daría parte de mi brazo derecho por teletransportarme a los años 60 al Club Cheetah de Nueva York para ver un auténtico espectáculo latino.

Vuelve en 1995, gracias a una colaboración con Tito Puente y Eddie Palmieri. Ahora empezaba a recorrer mundo.

No os olvidéis de estos artistas olvidados (que también nos representan musicalmente a los españoles) y que aún siguen en activo, porque ellos han hecho por la historia de la música más que nadie y entre toítos ellos.

En 2005 reaparece en la escena discográfica de nuevo. Fichado por el sello español Vampisoul, saca el disco Call my Name (no es el

Poneos a escuchar como locos y locas a Joe Bataan y, como yo, entrad en la religión del Boogaloo. Al gurú ¡ya le tenemos! ¶

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Tom Jobim

pionero de la Bossanova 20, para incursionar en la música, aunque sin estudiar de forma profesional en un Conservatorio. LEER MÁS

ntônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, o Tom Jobim, como comúnmente era llamado, nace en Río de Janeiro el 25 de enero de 1927. Fue un músico polifacético y creativo, interpretaba la guitarra, el piano, y además fue arreglista, compositor y cantante destacado de la bossanova. Su talento abarcó los distintos géneros en la música, ya que su orientación fue tanto popular como clásica.

Inicios en la música y creatividad de Tom Jobim

Inició la carrera de arquitectura, que dejó a los

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Tom Jobim inicia su carrera musical estudiando e interpretando a los clásicos: Chopin, Debussy y el gran nacionalista académico, su coterráneo Heitor Villalobos. Además, fue como músico fuertemente influenciado por la música tradicional brasileña, específicamente la samba, además del jazz norteamericano y el estilo broadway. La interpretación de Jobim estuvo marcada por la sencillez y melodiosidad, carente de virtuosismo pero sin dejar de ser altamente creativo. Su interpretación en la Guitarra solía ser rítmicamente llena de síncopas características del jazz, pero con un carácter muy apacible y sereno.

en una compleja situación en la década de los 50 en Brasil. La película Orfeo Negro, de 1954 de Marcel Camus, inspiró la inclusión de este género con música compuesta por Luiz Bonfá y Tom Jobim. Esta película recrea de forma magistral la cultura musical de Brasil de la década de los cincuenta como aproximación a su estética. El primer álbum de este género surge en 1959 titulado Jazz samba en Nueva York, y éste se proyecta de manera vertiginosa. En este ambiente, los músicos-poetas (Jobim, Vinicius, Gilberto) que habían viajado a Europa y habían experimentado el jazz norteamericano, decidieron hacer una nueva corriente elitista, que revindicara Brasil incorporando elementos de la música brasileña al jazz. Paralelamente, en Estados Unidos se estaba componiendo Bebop, y comenzaron a agregarle un toque latino incorporando diversos elementos de la bossanova. Con respecto a su interpretación vocal, la misma, al igual que su guitarra, era suave y simple, pero cargada de gran emocionalidad al interpretar sus canciones.

Tom Jobim con Vinicius do Moraes

Aunque sabemos que el creador de la bossanova fue el magnífico artista Joao Gilberto, la música brasileña le debe a Tom Jobim la internacionalización del género bossanova. Además, fue Jobim quien creó la fusión del jazz con la bossanova, dando como resultado un sonido nuevo y diferente (año 1960), el cual llegó a popularizarse casi de manera inmediata, y de allí en adelante vendría el desarrollo de Tom Jobim como gran compositor y exponente de la bossanova del siglo XX.

Proyección internacional de Tom Jobim: Desafinado

La Bossanova (traducción: voz nueva) surge

Entre los primeros músicos que realizaron una fusión a nivel compositivo entre el jazz y la Bossanova, fue el músico Stan Getz creando una fusión exacta, pura y perfecta de estos dos géneros, lo cual hace que el fenómeno Bossanova se internacionalice de forma acelerada. Antonio Carlos Jobim se constituye en uno de los principales compositores que internacionalizaron la bossanova. Se proyectó musicalmente con obras que obtuvieron fama internacional: Garota de Ipanema, Chega de Saudade, Desafinado, Corcovado, A Felicidade, Insensatez, Mediçao. Una de las composiciones de Tom Jobim, Vinicius de Moraes y Newton Mendonça más proyectada a nivel internacional fue Desafinado. Éste fue uno de los temas más famosos y enigmáticos donde estaría la participación del LaCarne Magazine

artista. Esta obra posee un arreglo orquestal bien concebido, cuya concepción se le debe al magistral músico Claus Ogerman, y cuya melodía es completamente sincopada. Los contrapuntos están muy bien instrumentados, algunos de ellos son de Jobim.

Tom Jobim y Chico Buarque

El nombre de Desafinado se debe a la crítica que recibió la bossa nova de estar desafinada, texto que hizo que dijera: “los desafinados también tienen un corazón, aunque no tengan oído”.

Tom Jobim y Frank Sinatra

Tom Jobim tuvo un extraordinario encuentro con el grandioso Frank Sinatra. De este encuentro graban un álbum de estudio en el año de 1967. El director de esta producción fue Claus Ogerman con una orquesta de estudio. Este álbum cuenta con canciones norteamericanas versionadas al ritmo bossa nova: “Change Partners”, “I Concentrate on You”, y “Baubles, Bangles and Beads”. Produjeron estos dos artistas además una nueva colaboración titulada Sinatra y Jobim, y

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en el año 1979 la empresa Sinatra and Company realizó una compilación titulada SinatraJobim Sessions.

Deceso del artista

Se encontraba grabando Tom Jobim el álbum Antônio Brasileiro, cuando el artista comenzó a tener problemas en la vejiga urinaria. Decide ir al médico y le detectan un tumor en la vejiga. Sin embargo, a pesar de las dolencias, el artista comienza la grabación de un nuevo álbum titulado Tom Jobim. De allí en adelante se le acrecentarían las dolencias, por lo cual decide someterse a una intervención quirúrgica en la ciudad de New York. En plena recuperación de dicha intervención, el artista sufre una embolia pulmonar que termina en un infarto fulminante. Tom Jobim fallece el 8 de diciembre del año 1994, en el hospital Mount Sinaí de la ciudad de New York. Antonio Carlos Jobim y su obra quedaran eternizados en la conciencia colectiva del pueblo brasileño como muestra de estética musical, espiritualidad activa, y compromiso activo con la belleza y la paz. ¶

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Artista: W40

Feminismo en la músi arrasando el planeta

l feminismo en la música no deja de crecer a pasos agigantados, y es una respuesta lógica a todas las trabas que, de forma egoista, se habían ido enraizando en este sector a nivel mundial. Lejos de ser un día festivo, el Día Internacional de la Mujer nació a raíz de las profundas e históricas desigualdades de género que persisten en la sociedad hasta el día de hoy.

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El under rockero y metalero argentino tampoco escapa a esa realidad, y así lo denuncian con sus letras y experiencias las diferentes bandas feministas integradas mayoritariamente por mujeres, las cuales buscan su lugar en un espacio que siempre fue dominado por hombres que rechazaban el feminismo de forma categórica (y sin sentido).

Feminismo potente, veloz y pesado

“Al terminar de tocar suelo escuchar comentarios del tipo: che, qué bueno que estuvo, a pesar de que son todas chicas. Pero yo me pregunto: ¿Qué tiene que sea mujer?”, reflexiona Mayra Arellano, bajista de Filosa, banda compuesta completamente por mujeres

“El bajo siempre fue como el instrumento para la mujer porque es más fácil, por decirlo de alguna manera, y la guitarra como que es más complicada por los solos y otras cosas. Es verdad que eso depende del estilo que se busque, pero generalmente uno encuentra bandas de hombres, y si en alguna hay una mujer tocando está en el bajo. Es difícil verla con la guitarra o en la batería. Así que está mucho eso de que subestiman a las mujeres y la mandan a usar el instrumento más fácil”.

Feminismo en la música – El menosprecio y la violencia de género

ica que comenzó hace tres años para recuperar el heavy metal más clásico, pero combinándolo, a su vez, con el speed metal. A pesar de este tipo de prejuicios y los distintos cambios en su formación, han podido grabar varias canciones de forma independiente y autogestiva, entre las que se incluye el videoclip “Guerreras del Metal”, un grito del empoderamiento femenino según ellas. Eileen Curri, guitarrista de Filosa, cuenta que siempre tuvo que comenzar como bajista en las bandas de hombres antes de poder utilizar su instrumento actual:

Lejos de ser las únicas que han sufrido menosprecios de este tipo, Constanza Samhain, vocalista de Filosa y también de Blast Bitch, relata que en las redes sociales se ha encontrado con agresiones hacia el género que compone mayoritariamente su otra banda: “un chabón compartió un meme que decía que no importa que Blast Bitch, Indisposed y Hango sean unas bandas de mierda, sus fans las van a ver porque son culos tocando. A mí y a las chicas nos re ofendieron porque yo me re preparo para hacer lo que hago. Hace dos años que canto gutural y me he quedado sin voz un montón de veces porque es una técnica muy difícil de hacer. Me aventuré a hacerlo porque me interesaba, y también porque quería romper con esas estructuras de que es algo que hacen los hombres, pero sin dejar de ser femenina, ya que me identifico con mi feminidad a pleno”. Nacida también hace tres años, Blast Bitch ha logrado grabar un EP de nombre homónimo en 2017 y tocar en diferentes lugares de CABA, Provincia de Buenos Aires, y recientemente en el Criminal Metal Camp de Córdoba. Posee una marcada propuesta hacia el feminismo, y experimentan con diferentes subgéLaCarne Magazine

Artista: Blast Bitch

neros del heavy metal, entre ellos el grindcore, thrash metal y el death metal. Aunque, según Constanza, gracias a la expulsión de su segundo guitarrista es que lograron definir la personalidad y el sonido de la banda, exclusión que fue motivada nada más ni nada menos que por ejercer la violencia de género hacia su ex pareja de aquel entonces. “Ella empezó a hablarnos sobre que él la manipulaba y un montón de otras mierdas. Lo charlamos con él y lo negó, pero como que decía algunas cosas y otras no. Yo era manija de seguir tocando, así que acordamos en creerle. Después volvió a aparecer la piba y ahí pensé: no puede ser que la mina nos está pidiendo auxilio y nosotros no sepamos reaccionar ante eso, ¿Qué estamos haciendo? Nos juntamos a hablar de vuelta con él y otra vez dijo cosas y otras no. Al final la que terminó poniendo los ovarios fue Emyl, la bajista, que se enojó y le dijo: loco, no

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quiero que toques más con nosotros. Al tiempo terminó amenazando a su novia por otras cosas, así que se confirmó lo que era”, relata Constanza. Tanto las chicas de Filosa como Blast Bitch coinciden en que si bien están surgiendo un montón de bandas integradas mayormente por mujeres, todavía hay muchas chicas que tocan un instrumento y no se animan a más porque se sienten subestimadas. En esta misma línea piensa Alejandra, guitarrista de W40: “Es una transición. A mí no se me ocurriría ir a probarme en una banda conocida de hombres que busquen un integrante porque ya sabes que no te van a llamar. Está buenísimo tocar entre mujeres porque nos entendemos de otra forma, pero también está bueno que estén apareciendo más bandas mixtas y que se vean como iguales”.

El Feminismo en la música llega

Artista: Filosa

para quedarse

Integrada por cuatro músicas que mezclan el heavy metal, el punk rock y el clásico rock and roll, W40 recién se formó el año pasado, y sus integrantes ya están pensando en grabar un demo con canciones como “Ella” y “No Violencia de Género”. A su vez, entienden que es necesario cuidarse entre ellas por los lugares y bandas del under que poseen alguna muestra machista: “Yo no quiero tocar en lugares donde sepamos que hubo denuncias de acoso, violencia o violaciones a otras compañeras. Asimismo tampoco con bandas que tengan miembros con denuncias. La verdad que no me sentiría cómoda y aparte va en contra de lo que pensamos nosotras”, expresa Rosario, la baterista. Filosa, Blast Bitch y W40 no sólo quieren que las mujeres traten de superar los prejuicios machistas y que puedan integrarse más

al ambiente under formando bandas o participando activamente en los pogos, también desean que se sumen las identidades transgénero, más discriminadas aún en el ambiente: “cuando recién habíamos empezado le dije a mi esposo que me encantaría que venga una travesti a tocar, así los jode a todos”, finaliza Zulma, vocalista de W40. Desde LaCarne Magazine aceptamos y promocionamos el feminismo en la música, ya que, como hemos comentado antes (y en otros artículos en esta revista), es una respuesta natural de protesta ante todas las injusticias absurdas y prejuicios egoistas que se han encontrado grandes artistas en todo el mundo. El feminismo en la música ha llegado para quedarse y arrasar todo el planeta! ¶

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la bruja roja besos de rock n roll

iempre es una delicia para los oídos escuchar a La Bruja Roja, y si presentan nuevo trabajo, mejor. “Besos de Rock n Roll” es el cuarto disco de esta veterana banda extremeña repleto de energía y Rock, mucho Rock. Con letras que se imprimen en tu cerebro y ya no puedes parar de cantar, La Bruja Roja comienza la gira de presentación con muchas ganas de hacer kilómetros y llegar a toda España. Hablamos con ellos para que nos adelanten las sorpresas que tienen preparadas.

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Antes de hablar del nuevo disco, nos gustaría conocer más de este gran proyecto, y es que ya ha llovido desde que La Bruja Roja comenzara su andadura, allá por el año 2003. Volviendo la vista atrás, ¿Cómo recordáis esos inicios? ¿Conserváis la misma ilusión que el primer día? La verdad que recordamos con mucha ilusión y cariño los primeros ensayos, la primera gira, y las primeras aventuras son cosas que nunca se olvidan, y por suerte actualmente conservamos esa ilusión de ir a ensayar, de hacer canciones, de escuchar las mezclas tras grabar, de abrir un nuevo disco, y muchas cosas más que se viven con un grupo. Aparte, disfruta-

mos un montón saliendo a tocar juntos, y eso creemos que se nota tanto arriba como abajo del escenario. Nos alegramos mucho cuando vemos que una banda, a pesar de los años transcurridos, aún permanece en activo, ya que otras apenas aguantan unos pocos años. ¿Cuál ha sido la fórmula para que La Bruja Roja siga cumpliendo años? Todos hemos tenido claro que queríamos que el grupo siguiera funcionando, y para ello nos hemos ido sacrificando en nuestro tiempo y obligaciones para que así fuera.

Sabemos que no siempre es fácil poner de acuerdo a todos los componentes de una banda y que a veces surgen conflictos. ¿Cómo es la comunicación entre vosotros? ¿Cómo resolvéis los desacuerdos o conflictos? La clave es que somos amigos antes que compañeros de grupo. Eso nos da facilidad para opinar y hablar con sinceridad, y para ayudarnos e implicarnos más cuando alguno lo necesita. Al final si hay algún conflicto entre algún componente, el resto suma para que se arregle y todo vuelva a la normalidad. Hemos sido siempre seguidores de La Bruja Roja, y nos encanta la cantidad de seguidores LaCarne Magazine

que movéis, algo que para un grupo de música es muy importante. ¿Cómo es vuestra relación con los seguidores y fans? Intentamos ser tan cariñosos con ellos como lo son con nosotros. Al final, el hecho de que el grupo tenga gente que lo siga y apoye le da mucho sentido y fuerza a seguir trabajando. Este año comienza una nueva aventura para La Bruja Roja, ya que hace apenas un mes sacasteis a la calle vuestro nuevo trabajo, “Besos de Rock N’ Roll”. ¿Cómo afrontáis este nuevo desafío? ¿Tenéis alguna estrategia para que este disco llegue a más público? Con ganas de que toda la gente posible le dé una escucha a este nuevo trabajo. Hemos puesto mucho cariño y esfuerzo en él, y creemos que va a gustar tanto a gente que seguía al grupo, como a gente que no nos había escuchado aún o no es seguidor del grupo. Metámonos de lleno en este nuevo trabajo, “Besos de Rock N’ Roll”. Nos encanta el título y nos gustaría que nos contarais cómo surgió

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y si barajasteis otros. Es el título de un tema del disco, y nos gustaba mucho como idea para título del disco. Al final todos los temas tienen algo de rock n roll, pero cada uno en un estilo. Sabemos que cuenta con 11 canciones, cada una de ellas (y como bien decís vosotros mismos) con su propia identidad y estilo. Nos gustaría que nos desarrollarais un poco más esta idea. Además de rock, ¿encontraremos más estilos? ¿Qué diferencias hay en comparación con vuestro anterior trabajo? Es un disco de sonido muy real y directo. Buscamos que las canciones sonaran con la energía que transmiten en el local de ensayo o un concierto. A la hora de hacer los temas, algunas bandas primero componen la letra y después la música o viceversa. En vuestro caso, ¿cómo se han ido gestando las canciones? ¿Cuánto tiempo os ha llevado la composición de todos los temas?

y ambas partes quedamos muy contentos del trabajo realizado, y creamos una buena amistad. Antes de empezar a componer nuevos temas ya habíamos hablado de seguir trabajando juntos, y la verdad que la experiencia ha resultado de nuevo muy satisfactoria. Siempre consigue que nuestras canciones salgan mejoradas tras pasar por allí, y nos hace darle una vuelta. ¿Qué canción de las 11 habéis elegido (o elegiríais) como single presentación de Besos de rock n’ roll? ¿Por qué? La verdad que no lo tenemos muy claro. Quizás un poco según el momento o estado de ánimo. Besos de Rock n Roll es un tema con muchos cambios dentro de la canción. Primera división o Veneno son más rock n roll con letras originales. Noche amanecer es muy animada, Mañana o Verso Incompleto quizás más de escuchar tranquilo, y A veces o Quiero quizás sean temas muy de banda tocando en directo. Queda claro que no lo tenemos claro, jejeje.

Realmente cada canción tiene un poco su propia historia. Las hay que surgen rápido tanto letra y música, otras son letras que encuentran su música más adelante, y alguna otra son riffs o música que nos gustan y un día cuadra con alguna letra que estás trabajando en ese momento. Para grabar este disco habéis viajado hasta Guadalajara, a los estudios Sonogrand. Contadnos por qué este estudio. ¿Cómo os habéis organizado para la grabación? Mirando mucho la agenda nuestra y del estudio, jeje. Aprovechábamos para ir grabando lo que ya teníamos trabajado mientras seguíamos tocando, y la verdad que ha sido una experiencia divertida. En la producción habéis trabajado junto a Daniel Skavia. Habladnos de él. ¿Es la primera vez que trabajáis juntos? ¿Qué ha aportado Daniel a Besos de rock n’roll y qué habéis aprendido de él? Ya trabajamos juntos en nuestro anterior disco,

¿Hay algún tema del disco que sea especial para vosotros? ¿Por qué motivo? Como decíamos antes estamos muy contentos de los temas. Quizás para nosotros “De Mayor quiero ser como Tú” es un tema especial, creemos que una pequeña joya escondida dentro del disco. Aún no hemos podido tocar este disco con nuestras propias manos… Imaginamos que habréis hecho copias en físico, ¿cierto? ¿Podemos escucharlo también en formato digital? Sí, claro. Ya está a la venta en ambos formatos, y la verdad que por ahora funcionando bien, lo cual nos pone muy contentos. Con relación a este tema, para algunas bandas no resulta muy rentable hacer discos físicos. ¿Creéis que en un futuro desaparecerán por completo las copias físicas de los discos? ¿Cómo veis el futuro de la industria musical? Es cierto que cada año los formatos van cambiando y evolucionando. Lo importante es que el público escuche y se acerce a las canciones, ya sea digitalmente o por formatos físicos como cds o vinilos. Seguramente en unos LaCarne Magazine

años haya nuevos formatos que ahora mismo no se trabajen o sean poco conocidos. Ver el art work de los discos, el interior de ese cd… Detrás hay mucho trabajo y no sólo de los músicos (fotógrafos, diseñadores…). Habladnos de este trabajo dentro de Besos de rock n’ roll. ¿Os autogestionáis en todos los sentidos? ¿Contáis con algún sello o productora que os apoye? La verdad que tenemos suerte de trabajar con distintos profesionales que ayudan al grupo con su arte o conocimientos. La fotografía y video corrieron a cargo de Replay Producciones. El diseño lo dejamos en manos de Rodrigo Salas. Y también contamos con el apoyo para este disco de Sonogrand o Backstageon en los temas discográficos y de promoción. Aparte, contamos con distintas empresas de management y sonido que también trabajan en esta nueva gira y disco del grupo. Con o sin ayuda, lo que está claro es que allá donde vais con vuestro directo lo “petáis” (y somos testigos de ello). Ya hemos visto que la gira arrancó en febrero, ¿por dónde seguiréis con los directos durante la temporada primavera-verano? La verdad que somos un grupo de directos, y que el púbico responda siempre es una alegría. Intentamos trabajar y mejorar cada año, tanto repertorio como puesta en escena, para que la gente que viene a los conciertos quiera repetir la experiencia.

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PRÓXIMAS FECHAS CONFIRMADAS • 03 -ABRIL -2019 VILLAFRANCA DE LOS BARROS (BADAJOZ) - MUM • 06 -ABRIL -2019 CÁCERES - SALA BOOGALOO • 19 -ABRIL -2019 MOHEDAS DE GRANADILLA (CÁCERES) - PUB CAMELOT • 05 -MAYO -2019 MONTÁNCHEZ (CÁCERES) - PLAZA MAYOR • 17 -MAYO -2019 DON BENITO SALA CADILLAC Enhorabuena, amigos, por este nuevo disco. Esperamos que sigáis sacando discos y haciendo crecer a vuestro público. Os deseamos mucha suerte y esperamos que todo el público disfrute de “Besos de Rock N’ Roll”. Animar a todos los seguidores y lectores de LaCarne Magazine, que sabemos que sois muchos, a dar una escucha a nuestro nuevo disco en Spotify, Youtube o cualquiera de las distintas plataformas, y daros las gracias a vosotros por el cariño que siempre mostráis a nuestro grupo.¶

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Interferencias

festival concurso itinerante de música Otra conclusión o mejora es trabajar con mucha más antelación. LEER MÁS

nterferencias es un concurso a modo de festival donde, al contrario que otros certámenes, no hay cabezas de cartel ni grupos comerciales. Nos ofrecen como alternativa grupos noveles de diferentes estilos. Entre sus organizadores está Antonio Lázaro Luengo, alias Batidora dj, uno de los dj’s más experimentados del panorama nacional, con un currículum extenso y alta experiencia en la industria musical actual. A continuación, le entrevistamos sobre la segunda edición del concurso. En primer lugar, os agradecemos vuestro buen trabajo. Con éste llevaréis 2 ediciones. ¿Qué conclusiones sacasteis de la anterior edición para mejorar éste? ¿Qué diferencias hay entre vuestro evento y Musiberia, festival que se ha realizado en la comarca hace unos años con características similares? Gracias! La conclusión que sacamos después de la primera edición es que cada pueblo de Extremadura no puede tener un festival en toda su estela como tal. Por eso hemos implantado un Festival Concurso de Emergentes y Auto Producidos para mostrar, desde La Siberia, lo mejor de cada casa a nivel nacional. También nos hemos dado cuenta de que sobretodo la comarca de La Siberia extremeña (como fuera de ella), está falta de sensaciones en cuanto a educación y amplitud de conocimientos en cultura musical.

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Este año la convocatoria salió el 22 de enero 2019, y también es diferente, que a día de hoy, está todo cerrado en cuanto a presupuestos, premios, colaboraciones y organización sobre todo, y de aplaudir a los Ayuntamientos, cuatro localizaciones “espectaculares” totalmente nuevas y más novedades que aún no es el momento de contar. La dirección del Interferencias viene de la creación y experiencia en otros festivales con la idea, comunicación y dirección de: Tendencias FMI, 10 ediciones en Barcelona, Bailes de mar, 3 ediciones en el Prat de Llobregat, Sintonitzza FM Fisch de Santa Coloma de Gramanet con 5 ediciones en producción y programación. 28 años son mucha música como para parecernos a alguien, ADN de la casa. Sobre las diferencias del Musiberia con Interferencias. Yo soy de Garbayuela, y ya en el 1994 se celebró el Kerkus Rock Festival varias ediciones, tres si mal no recuerdo, con grupos maqueteros y muy variados que hoy llenan estadios como: Sôber, los ex Perro Flauta o Sínkope, que prácticamente estos últimos vivían en Garbayuela. Años después, también Garbayuela, resucitó con Pamparamanta Fest, y también estaba bien, venia mucha gente. En Musiberia recuerdo personalmente colaborar con este vecino festi en tres ediciones (las primeras) con todo mi apoyo y amor, además de traer grupos más alternativos a nivel estatal en relación a sus cabezas de cartel,

dj’s nacionales y promoción/marketing. La diferencia con Interferencias es palpable y transparente, como, por ejemplo: Interferencias es Itinerante, nunca nos vamos a fijar en una sola localidad (ésta es una de las maravillas del Interferencias), exactamente puede significar que nuestro evento crece naturalmente a pasos agigantados al ligar con 4 poblaciones diferentes cada año, y en cada fase, ¡ojo! eso es lo que le hace único… ¿Sabéis por lo que es? Porque Interferencias une a pueblo con pueblo a la vez que se promociona hacia afuera todos y cada uno de ellos, hace “Comarca” y está situando poquito a poco en un pequeño lugar del mapa mundi musical a La Siberia (que lo único que le falta después de la música es gente, lo demás rebosa de manera espectacular). Vuestro festival recoge mucho de la filosofía “indie” pero también pretende ser un escaparate no sólo a grupos, sino también a empresas, sellos discográficos y otras disciplinas artísticas. ¿Cómo lo lleváis a cabo? No exactamente. Interferencias no se cuelga ni se encasilla en ningún estilo ni etiqueta musical. Podrá parecer, pero no. Teniendo en cuenta que no buscamos el artistazo indie o moderno pop, o no sé qué. Interferencias en la selección, cribas del jurado, etcétera, busca otra cosa diferente. Por eso estamos abiertos a todos los estilos

musicales como flamenco, fusión, funk, rumba, indie, punk, heavy, folk, rock, garaje, electrónica o tendencias que puedan llegar a sobrecogernos aún por descubrir. Imaginad ser el primero… Los emplazamientos donde realizáis el certamen son casas de cultura, castillos, auditorios, teatros, calles, o plazas de diferentes pueblos de la comarca de la Siberia Extremeña. ¿Hay buena disposición por parte de la administración? ¿Y de los vecinos? ¿Qué pueblos podrán disfrutar de la música? Este año vamos a sorprender mucho. Por eso mismo todos los pueblos de esta edición van a enseñar su plaza, y hasta aquí puedo contar. En marzo soltaremos en la presentación y rueda de prensa todo el pack, y seguro daremos de qué hablar porque no hay excusa para pasar un sábado de julio o agosto en estos emplazamientos tan fascinantes y bonitos. Los alcaldes y vecinos están contentísimos y nosotros felices, es muy importante que sepa todo el mundo que cada pueblo que recibe alguna fase del Interferencias está totalmente entregado, y eso lo podréis comprobar si vienen a verlos (una pasada). Los ganadores de la primera edición fueron los valencianos “Los Invaders”, con un premio de 1000€, en la que “Rui Diaz y la Banda Imposible” se llevaron un accésit como mejor banda de Extremadura. ¿Cuáles son los premios exactamente?

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Este año tenemos, como lo digo arriba, novedades a tope, pero avanzamos que hay detalles en cada fase, además de los premios Finales. Por ejemplo, los semifinalistas y finalistas no pagan desplazamiento, hotel, ni cena. En la Final hay un primer, un segundo y un tercer premio…. Nadie se va del Interferencias de La Siberia sin Premio. Sois un festival que este año tenéis como objetivo cumplir con la paridad, algo que nos parece muy importante y que se debería cumplir en todos los eventos culturales. ¿Son necesarias iniciativas de este tipo? Sí, pero no es de ahora. En la primera edición del Interferencias ya mantuvimos un buen equilibrio en ese sentido.

tan a la música y por qué. La edición del 2018 se aplazó al 2019, si lo hemos entendido bien. Además, hemos visto en Facebook que presentáis el festival en otras lenguas del país, lo cual nos parece muy interesante y revolucionario tal y como están las cosas. ¿Os vienen propuestas de todos los territorios del Estado y de fuera del país? El pasado año no se celebró por cuestiones de salud del director (dos operaciones y 4 meses de baja). Imposible. Hasta el día de hoy tenemos 49 propuestas que han llegado desde Cataluña, País Vasco, Galicia, Andalucía, Valencia, Castilla la mancha, Mallorca y de Extremadura (bastantes). Aún quedan tres meses, el primer año recibimos 120 trabajos, a destacar Brasil, Portugal, Alemania, Italia y Francia.

Y es necesario, por nuestra posición al “ser y estar” en el Ámbito Rural, es todo más difícil. Imagínate ser chica y tener una banda de rock (es poco visto, no imposible).

¿Hay alguna novedad en las bases de este año con respecto al anterior ciclo? No, bueno, excepto que en la primera sacamos la convocatoria a nivel internacional.

Romper esquemas y dar ejemplo mola, y claro tendría que hacerlo de manera natural todo directivo de un festival o programador. Una pena, que nosotros vamos a remediar por la parte que nos toca.

Este año nos quedamos sólo con la nacional, e importante claro que intentaremos programar en cada fase artistas o componentes femeninos (ésta es digamos la novedad en sí).

¿Cuáles son las fechas concretas de desarrollo del concurso y qué límite tenemos para presentar demos? Las fechas van a sucederse desde finales de junio a principios de agosto, siempre sábados. La convocatoria salió el 22 de enero y finaliza el 31 de mayo 2019, y se puede enviar demo ep lp a siberinterferencias@gmail.com y escavador@yahoo.es También ofrecéis charlas y debates, cortometrajes y documentales. ¿Nos comentáis la idea? La idea es sentarnos en cada fase y pueblo con las autoridades competentes, artistas, organización e invitados para hablar, reflexionar, y debatir asuntos de interés, tanto de la comarca como de fuera, sobre asuntos que afec-

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Por último, ¿para el público asistente hay zona de acampada, aseos, duchas? ¿Dónde pueden hospedarse? Son localidades pequeñas, pero, sí están cubiertas en cuanto a hostales, hoteles, albergues o casas de cultura (una vez digamos las localidades), ¡corred y reservar donde mejor Fase de Interferencias de La Siberia extremeña os parezca! Muchas Gracias. ¡Nos vemos en unos meses! Gracias siempre a vosotros por el interés mostrado hacia La Siberia Extremeña, a nuestro trabajo, y, muy importante, la difusión de Interferencias… Nos vemos este verano y ¡viva la música! ¶

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Halcón 7

una identidad colectiva Fotografías: Miguel Zavala, Irina Gradenko / Gko Fotografía LEER MÁS

alcón 7 es una banda mexicana de la Comarca Lagunera, en Torreón, donde sus integrantes llevan activos en la escena alrededor de 25 años. Una banda con mucho efecto dramático en sus presentaciones. Cuentan con algunos trabajos discográficos, así como varios videosclips. Dentro de Halcón 7 no existen nombres, títulos, ni apodos. Cada vez que alguien habla o toma la palabra es La Voz del Escuadrón la que habla porque Halcón 7 es una identidad colectiva.

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Halcón 7, una identidad colectiva Gracias por concedernos esta entrevista para LaCarne Magazine. Quisiera empezar preguntándole, ¿por qué Halcón 7 como nombre de la banda? Pues existen varias anécdotas e historias sobre el origen del nombre de la banda. Algunas de ellas obviamente hablan de aquello que nos influyó en nuestras historias de vida, gustos musicales, cine, televisión, literatura, cómics. ¿Recuerdas aquella serie de los años 60,

“Birdman y el Trío Galaxia”? Por ahí hay una referencia. Halcón 7 era un personaje de la serie, un aliado de Birdman en su lucha contra el Sindicato del Terror. Ahora, el 7 es un número misterioso, mágico. Desde las siete maravillas hasta los siete pecados capitales, se trata de un número poderoso, aparece frecuentemente en la literatura, la naturaleza, y el universo. También es interesante escuchar las teorías de los seguidores de la banda acerca del nombre de la misma. Tú, ¿por qué crees que se llama Halcón 7? ¿Cómo surgió hacer la banda y qué inquietudes los animaron a meterse en este mundo? Todos hemos caminado por varios años en la música. Hay un antes de Halcón 7 en el que resuenan los nombres de varias agrupaciones que fueron trascendentes en la Comarca Lagunera, en Torreón, nuestra localidad, e incluso en México durante finales de los años ochenta y toda la década de los noventa.

Sentimos que de alguna manera las máscaras nos permiten adoptar un personaje que nos confiere cierta libertad sobre el escenario, algo que se vuelve natural. Ha sido curioso ver el cómo sin máscaras hacemos a los niños llorar, y con ellas hasta nos sonríen. No es que seamos mal parecidos ni algo por el estilo, queremos creer que no es así, pero nos sentimos más cómodos enmascarados (risas). Me imagino que, si le pregunto por los integrantes, no me darás sus nombres, pero deben de darse a conocer con algún apodo. ¿Es así? Cada uno de nosotros es La Voz del Escuadrón. Halcón 7 es una identidad colectiva, aunque sí hay varios apodos que los mismos seguidores de la banda nos han puesto: el guitarro loco, el h7 bataco, y ya en plan grupal, el Slipknot mexicano (risas).

Halcón 7 es por mucho la banda que siempre quisimos tener, el proyecto en el que nuestras inquietudes creativas han sido más libres, y en donde nos hemos permitido una buena cantidad de experimentos y locuras.

La propuesta o estilo musical de la banda es algo difícil de encasillar, hay una amalgama de sonidos. Pero le dejo a usted para que nos diga en qué género podemos ubicar el sonido de la banda.

¿Por qué el uso de las máscaras? ¿A qué se debe esto? Las máscaras son una alegoría, forman parte del concepto y la imagen de la banda. Se trata de un escuadrón que escupe verdades sobre los vicios y la maldad del ser humano.

Precisamente ése ha sido un tema desde siempre para la banda. Se trata de un sonido duro, pero sumamente digerible.

El fin de la especie, la autodestrucción y el apocalipsis son conceptos e ideas que nos interesa abordar. Creemos que las máscaras ayudan a ponerle gráfica e imagen a esas ideas. También siempre nos ha gustado la estética del steampunk. ¿Recuerdas a Kroenen, de la serie de cómics de Hellboy? Es uno de nuestros personajes favoritos.

La dureza y la agresividad de la propuesta musical de la banda indudablemente nos pone en el buen camino del metal. Sin embargo, también nos permite “camuflarnos” para invadir otros territorios. Algunos nos ubican como metal alternativo. Lars Ulrich, cuando presentó nuestro tema “Dime que no” en su programa en Beats 1 Radio dijo que sonaba como Motörhead, al cual comúnmente etiquetan como Speed, Heavy o Thrash Metal. LaCarne Magazine

El propio Lemmy rechazó esas etiquetas y definió el estilo de Motörhead sencillamente como Rock and Roll, así que nos acogeremos a la enmienda Kilmister (risas). Su primer trabajo discográfico se titula “6: El Reinado”. ¿Qué nos puedes contar sobre este primer material? Explícanos un poco sobre el proceso de este trabajo, los temas… Nuestro proyecto siempre fue el de lanzar una trilogía. “6: El Reinado” inicia ese camino. Esta primera entrega es una especie de introducción a los planteamientos de la banda sobre sus ideas acerca de los vicios y la maldad humana, a la oscuridad y psicología de su estilo lírico, y a la dureza de su propuesta auditiva. “6: El Reinado” es el inicio del juego, el momento en el que se colocan todas las piezas. Halcón 7 lleva en activo poco menos de tres años; sin embargo, el proyecto tuvo su período de búsqueda, de maduración, de entender qué era lo que queríamos hacer y por qué. Los temas de este primer disco pasaron su tiempo en el cajón, y fueron destruidos y vueltos a hacer decenas de veces en el cuarto de ensayo, puestos a prueba. Vaya, pasaron por la cámara de Gesell hasta que finalmente quedamos satisfechos con lo obtenido en lo visual y lo auditivo, en el concepto de proyecto en su totalidad. “Reinado de Terror” fue el tema que elegimos como primer sencillo del disco. Lo decidimos así por considerar que establecía una introducción muy adecuada a lo que queríamos expresar, por lo tanto, el trabajo visual que lo acompañara tendría que ser contundente. El video del tema es una antología de terribles imágenes extraídas de la deep web o de la mente más enferma y retorcida. Es acerca de lo que queremos hablar, de esa maldad que existe en todos nosotros, de ese terror que surge cuando te das cuenta que los

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límites de la cordura humana se pueden torcer a voluntad con cualquier pretexto hueco. Cuando “6: El Reinado” salió a digital y físico, realmente sentimos un respiro y sabíamos que estábamos listos para comenzar. La banda fue seleccionada en el 2017 para abrirle concierto a Metallica. ¿Cómo fue que llegaron a ser parte de este opening act? ¿Qué ha significado esto para ustedes? Toda una experiencia. Sucedieron muchas cosas para poder llegar a ese momento. Nos inscribimos realmente sin esperar mucho, el video de “Reinado de Terror” fue nuestra carta de presentación, y bueno, algún impacto debió de haber causado pues cuando menos lo esperábamos ya estábamos compitiendo mediante votos con otras 9 agrupaciones de diferentes partes de México. Fue importante para una localidad como Torreón, que tienen poca o ninguna trascendencia en el mapa del Rock y el Metal nacional, el

tener un representante que estuviera en posibilidad de abrir para un verdadero titán musical como lo es Metallica.

des decir que seguirás siendo el mismo, se queda una espinita ahí, una especie de sed, un querer más.

Nuestras familias y amigos enloquecieron, y la promoción del voto para que pudiéramos abrir una de las tres fechas de Metallica en México se convirtió en un virus.

Luego el significado adquiere una trascendencia aún mayor cuando sabes que llegaste ahí respaldado por miles de personas que creyeron en el proyecto y que votaron por él, te sientes arropado, invencible y capaz de todo.

Fue una semana intensa, recibíamos videos de apoyo de parte de personalidades del deporte, la cultura, la música y la vida social de nuestra ciudad para que los subiéramos a nuestras redes sociales, o ellos mismos los subían en las propias invitando a todo mundo a que votara por la banda. La ola salió de Torreón y saltó a otros puntos: Monterrey, Guadalajara, Ciudad de México, donde tenemos una buena cantidad de amistades y contactos, también registraron una considerable cantidad de votos. Abrir para Metallica significó mucho para la banda. Luego de una experiencia así no pue-

La segunda entrega en materia discográfica es “6: La Conciencia de los Viles”. ¿Qué nos puedes contar en cuanto a evolución de la banda? ¿Qué tal está siendo recibido este material? En “6: La Conciencia de los Viles” Halcón 7 se siente más amarrado. Es evidente el contraste con “6: El Reinado”. Creemos que se hace patente una madurez musical en la banda, no sólo a nivel musical, también se ha consolidado la infraestructura del proyecto en todos sus aspectos: show en vivo, producción de videos, directorio de medios, booking, merch. LaCarne Magazine

En general, la entrega ha sido bien recibida. “Lobos”, “Te quiero destruir”, “Caminaré”, son temas que ocasionalmente dejábamos asomar en algunas fechas durante la gira de promoción de “6: El Reinado”. Se han vuelto favoritas y coreadas actualmente. ¿Por qué está presente el número 6 en los títulos de sus trabajos discográficos? Es como una especie de cuenta regresiva donde se presenta el mismo número como una referencia permanente al camino de autodestrucción que sigue el hombre. Una referencia con la que nos gusta jugar como prefijo para cada una de las entregas de nuestra trilogía. Algo en lo que veo que han trabajado muy bien es en lo audiovisual. Sus videos son como ver parte de un filme. Debe haber todo un equipo detrás de estas realizaciones. Hemos tenido la fortuna de trabajar con grandes talentos. Miguel Márquez de El Formato se encargó de los visuales para “Reinado de Terror”, “Loco” y “Demonio Blanco” para el primer disco.

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Daniel Triana hizo lo propio con “Emily” también para “6: El Reinado”. Para “Crucificado”, el primer corte de “6: La Conciencia de los Viles”, trabajamos con Mino Rimada de Alcayata Films, una productora lagunera que está haciendo cosas bien interesantes. Compartimos una buena cantidad de gustos y aficiones con estos talentos: el cine de terror, las historias de asesinos seriales y crímenes sin resolver, los cómics, la música. Nos entendemos muy bien y es sencillo el comunicarnos. Cada vez que grabamos un video se integra un crew bastante peculiar, nunca es el mismo y hay espacio para alternar participaciones. Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, serian El Reinado del Terror, Emily, Demonio Blanco o Loco. ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de sus temas? ¿Cuál es la temática o tópicos que abordan en sus letras? Bien, “Reinado de Terror” es como nuestro prólogo, la introducción a lo que queremos expresar con nuestra música y nuestras letras. Hay un ligue entre “Demonio Blanco” y “Loco”, por eso inicialmente presentamos un cortometraje con la historia completa, ya de éste se derivaron ambos videos.

La historia no es compleja, es un plot que ya todos conocemos y que igualmente disfrutamos cada vez que lo vemos en un filme de terror: la chica acosada y torturada por un demente que aparentemente logra salvarse para caer en una desgracia mayor, lo que la trastorna y le lleva a perder la cordura en la búsqueda de la supervivencia. Tratamos de no ser tan literales en el establecimiento de relaciones entre las historias en los clips, nos gusta que la gente juegue con ellos, genere sus propias teorías, eso es lo rico. Ahora, respecto a la temática o tópico. La maldad y los vicios humanos, la locura, y la autodestrucción son conceptos constantes en nuestras letras, expresado en primera persona, como si cada pecado capital adoptara una forma física y se presentara hablando de sí mismo. ¿Qué les parece la escena metal mexicana en la actualidad? Pujante, efervescente y diversa. Se vive un momento importante para el género, cada vez son más los medios especializados que surgen para darle cobertura, cada vez nacen más festivales, de todos los tamaños,

en todas partes. Más allá de una escena es más bien una industria actualmente. ¿Cómo andan referente al tema de las presentaciones? ¿Cuéntame sobre esto, se presentan muy seguidos? Pues 3 ó 4 veces al mes, en Torreón y plazas al norte de República durante los últimos dos años. Generalmente hacemos un plan de gira anual, que es nuestra base de presentaciones, a éste generalmente se suman invitaciones a shows organizados por otras bandas, festivales, etc. Para ir finalizando, ¿cuéntanos que planes tienes para la banda en este año 2019? Viene la gira de promoción de “6: La Conciencia de los Viles”, la cual pretendemos hacer en tres etapas durante el año, y enfocándonos en centro de República y Bajío. Viene también la producción de los videos para los siguientes dos sencillos del disco, y algo muy importante, este año trabajaremos intensamente para establecer ya formalmente nuestro sello “Seven Muertes Records”. De hecho, ahora nos encontramos adquiriendo equipo para el estudio y buscando sede para establecerlo, así que vienen cosas interesantes para el Halcón 7. Te agradezco el tiempo concedido para esta entrevista, y les deseo la mejor como banda y que sigan consolidándose en la escena mexicana. Si desean añadir algo más, pues adelante, aquí tienen el espacio. Pues sólo resta el agradecer el espacio. Siempre un placer el poder compartir y platicar acerca de los proyectos de la banda. Esperamos coincidir pronto nuevamente y enviamos un abrazo fraternal a toda la comunidad metalera que esté leyendo estas líneas. ¶

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Festivalino

música, tradición, solidaridad y cultura LEER MÁS

l Festivalino está organizado por el Ayuntamiento de Pescueza, y es de esos festivales que forman parte de esa corriente de festivales atípicos que sobreviven como alternativa cultural a la propuesta festivalera actual. Es un festival diferente porque tiene alta implicación por parte de la población, y tiene multitud de iniciativas diferentes para aplicarlas en el ámbito rural. Sus organizadores tienen la capacidad de movilizar a artistas y medios de comunicación importantes del ámbito nacional y mainstream para conseguir su propósito, lo cual les da singularidad.

Festivalino, un festival con conciencia En primer lugar, os agradecemos vuestro buen trabajo. Ya lleváis 11 ediciones. ¿Qué diferencias hay entre Festivalino actual y el de las primeras ediciones? ¿Qué diferencias hay entre vuestro evento y otros festivales de otras tierras del Estado? La filosofía se mantiene la misma: luchar por la vida rural por medio de la cultura. Es cierto que vamos creciendo en número de actividades y la calidad de las bandas también. Es ya todo un referente el Festivalino para Pescueza y comarca.

Vuestro festival recoge mucho de la filosofía “tradicional”, pero también de la “cooperativa” y de la “solidaridad”. ¿Nos explicáis cómo lo lleváis a cabo? Es un Festival con conciencia. Es toda una comunidad de 160 vecinos/as que se unen para sacar este proyecto adelante. La organización sigue siendo el mismo pueblo, sin empresas de por medio. Tenemos claro que el festival es una lucha contra la despoblación rural y la concienciación y sensibilización de distintas materias. Este año estará el tema de los Refugiados como tema de sensibilización. El emplazamiento donde realizáis el festival es la población de Pescueza, en concreto en el norte de Cáceres. ¿Hay buena disposición por parte de la administración? ¿Y de los vecinos? Sí, en estos últimos años las administraciones nos van teniendo en cuenta, pero es cierto que siempre necesitamos y reclamamos más apoyo económico. Por parte de los vecinos el compromiso es total, es el mismo pueblo quien hace posible el Festivalino. De momento habéis confirmado al grupo extremeño Fonâl. ¿Alguna novedad artística que nos podáis anticipar? Sí, claro. Vamos a contar con grandes bandas, y como siempre será un cartel muy variado, para que todos los públicos puedan tener su espacio y un grupo con el que sentirse identificado. Estarán grandes referentes como PEPE BELaCarne Magazine

GINES, BERNARDO “THE REFRESCOS”, DUENDE JOSELE, HUECCO, CALENTÓN, LAS DESCALZAS, BOMBA& LA CUENTA ATRAS BAND, y BALKAN BOMBA. Tenéis un padrino/madrina del festival. En concreto el año pasado fue Huecco, ¿en qué consiste? ¿Es un mecenas? Los padrinos tienen el papel de ser los protagonistas de la Plantación de Árboles el domingo por la mañana. Nos ayudan a luchar contra el cambio climático con la plantación de los árboles. El Respeto al medio ambiente es una de los compromisos del festival. Y después, tienen el compromiso de tocar unos temas con todo el público que vienen a plantar y a los talleres medio ambientales. Este año viene AMARAL. Contáis con cuatro escenarios: Plaza del Álamo, Plaza Concejo, Plaza Mayor y Campo de fútbol. ¿Nos explicáis un poco cada stage? Son distintos escenarios, pues la idea es llenar cada rincón del pueblo de cultura.

Es un festival distinto, donde todo tipo de expresión artística tiene su espacio, no solo son conciertos, son talleres de artesanía, el folclores Extremeño, es teatro con la gente del pueblo, batucadas que animan y dan colorido a las calles de Pescueza. Participación de todo el que quiera aportar algo. Una de las actividades estrella que realizáis es la “Plantación de Encinas”. ¿Cómo lo lleváis a término? Aquí es donde los protagonistas son los padrinos y madrinas. Éste es uno de nuestros objetivos, la sensibilización medioambiental, y aportar nuestro granito de arena a un mundo mejor y más verde con la plantación de árboles. Esta activad consiste en talleres medioambientales, donde nos ayudan la Asociación ADENEX y ARBA. La plantación de árboles en zonas desfavorecidas y el reparto de plantas para que la gente puede sembrar en sus lugares de destino.

Tenemos un escenario para bandas extremeñas y más noveles, otro para charlas y teatro, otro para los Payasos y animación infantil, y el escenario principal para los grandes conciertos y el del campo de futbol para los padrinos.

Por último, ¿hay zona de acampada, aseos, duchas? Sí, tenemos preparada una zona de acampada y montamos servicios portátiles. Las duchas son en el albergue municipal.

También ofrecéis charlas y talleres como el de “extremeñu”. ¿Nos comentáis un poco la idea? El objetivo es mantener nuestras tradiciones y la cultura rural.

Lo montamos todo para que la gente pueda venir a disfrutar de un fin de semana rural.

Son los abuelos y abuelas, la gente mayor de Pescueza, quienes montan los talleres de migas, ganchillos, dulces típicos, la matanza…. De esta forma se involucra el pueblo y se da a conocer cómo eran nuestras tradiciones. También contáis con otras artes como mercado artesanal, folclore, teatro o batucada. ¿Cómo los artistas de la tierra pueden exponer sus obras en el festival?

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Muchas Gracias. ¡Nos vemos en unos meses! Muchas Gracias a vosotros. OS ESPERAMOS EN PESCUEZA el 5, 6 y 7 de Abril de 2019, en la XII FESTIVALINO. ¶

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Machete en Boca Rap conciso, directo y combativo

achete en Boca son 3 Mc’s valencianas y un dj productor, salidas de esa nueva ola de Rap realizado en esa comunidad. Rap claro, conciso, directo y combativo acompañado de ritmos e influencias latinas, dancehall o el trap.

Machete en Boca comenzasteis en 2014 a cantar, excepto La Charli (que lleva más de 10 años), y os unisteis en 2015, pero ya habéis tenido experiencia en festivales (Rabolagartija, Shikillo o Festardor) y os habéis recorrido el país. ¿Qué diferencias hay entre los inicios y ahora con la experiencia de haber girado por tantas salas, ciudades y barrios? Para nosotras no es tan diferente. Creo que las diferencias se ven más desde los ojos de las demás personas.

Su programación en el cartel es necesaria ya que es de las pocas formaciones con presencia femenina.

Para nosotras las únicas diferencias son que pasa menos tiempo entre un bolo y otro, y que los viajes son más lejos y largos.

Las entrevistamos para descubrirlas un poco más, y comprobar lo que nos depara en su actuación la próxima primavera en Cáceres.

Sin embargo, volviendo al principio, cuando las demás crean que eres “una artista referente”, el trato empezará a cambiar.

En primer lugar os agradecemos vuestro buen trabajo. Musicalmente hablando sois jóvenes.

Te idolatrarán, te subirán al pedestal de lo público, harán que te conocen bien, te aconsejarán, te agradecerán… Pero todo estará

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lo sabemos) seguramente tu mensaje acabe dilapidado y hundido. Por ello, la industria se inventa “un mensaje que encaje en la masa social general”, es decir, las canciones comerciales: amor, desamor, sexo, drogas y dinero. En resumen, a mayor exposición, más miedo a “no ser lo que ellas creían”. Pero bueno, aunque tenemos más miedo, ni vamos a dejar de sacar el machete, ni vamos a dejarnos llevar por el discurso aceptado por las masas. El día que la gente ya no se sienta identificada con nosotras y nuestra música, haremos otra cosa. Es cierto que venís de terrenos musicales en principio diferentes flamenco, La Prima y reggae, San) para luego introducirlo todo en una batidora y generar rap. ¿Cómo realizáis el proceso creativo? Lo principal es tener una instrumental o base, crearla. Quedamos con nuestro productor, nos enseña un ritmo básico, quizá un poco de percursión, ni siquiera escuchamos melodía muchas veces. condicionado. Verán la punta del iceberg y les encantará. Indagarán un poco, y si descubren que eres una persona normal, que comete errores, que se confunde, que sufre estrés y a veces la lía, que se equivoca de manera torpe en mayor o menor medida, el mito caerá. El pedestal se romperá como un cristal fino, e igual que te colocaron allí, intentarán hacerte desaparecer del pedestal de lo público. Luego que se pregunten por qué existe la música de “drogas, mujeres y dinero”. Será porque es lo más superficial e imparcial del mundo. Y porque te ahorras hablar de tu visión, de tus ideas, de tus valores. Realmente ¿qué personaje público quiere hablar de sus ideas sin ningún filtro? Al final, si tus ideas no son las de una masa social bastante grande (cosa que es imposible y todas

Si algo nos transmite, si las tres reaccionamos bien, ésa es la base. Nos ponemos de acuerdo, “buah, a mí me transmite esto, a mí aquello…”, o bien salen a relucir temáticas que queríamos tratar desde hace tiempo o así. machete en boca Se escribe el tema con la instrumental en sencillo, se estructura (aquí un estribillo, aquí un puente) y se graba una primera prueba. Se escucha durante unos días, luego volvemos con el productor y realizamos cambios en la instrumental. Luego grabamos otra prueba, y vemos qué puede faltar. Así, tantas veces haga falta. Al final, cuando tenemos unas cuantas, vamos y grabamos. Están cocinándose ya cosas nuevas para 2019. Que nadie se asuste que esto no para.

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Habéis recorrido un montón de festivales por todo el territorio, pero por Extremadura es la primera vez que estáis en un gran festival. ¿Os esperáis una buena acogida? ¿Tocar por primera vez en un sitio es diferente a cuando tocáis en Madrid, Barcelona o Valencia, donde ya tenéis un público fijo? Es súper diferente. Madrid y Barcelona tienen una fuerte actividad asociacionista. Asociaciones vecinales, o asociaciones de distintas ideologías ofrecen actividades culturales a pie de calle: conciertos, exposiciones… Es por ello que, sobre todo durante los meses de verano, es fácil pasear por las calles y ver en cada esquina un escenario con gente actuando. Además su gente está acostumbrada a ello, se nota. En Valencia no sucede tanto así, y cuando sucede, las asociaciones no disponen de capital suficiente para realizar este tipo de eventos. Aquí tenemos las fallas, como asociaciones culturales más activas en ofrecer servicios culturales a pie de calle, y después los festivales grandes o raves independientes. En los otros lugares nuevos donde hemos actuado nos hemos encontrado de todo. Siempre positivo, porque somos así. Jajaja. No esperamos nada cuando llegamos a un lugar nuevo. Sólo que todo nos salga bien y poder mostrar a la gente lo que somos. Nada más. Lo que recibamos del público va después de todo eso. Vuestros videos musicales acumulan miles de visitas en youtube. ¿Qué ventajas e inconvenientes tienen estas herramientas para distribuir vuestra música? La primera ventaja de internet y sus plataformas audiovisuales es que te permite existir como artista, y permite que tu obra exista en un lugar accesible por casi todo el mundo. De otra manera nuestro disco hubiera sido grabado en un CD y qué? No tenemos el dineral para su distribución en tiendas, etc. (además que a día de hoy tampoco vale la inversión).

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Lo malo, que es difícil aparecer de repente en las pantallas de tus posibles futuras seguidoras. Sucede que cada vez hay más datos metidos en la red, y acaba todo en un montón de todo y nada, cajón desastre. ¿Como destacar entre todos esos datos? O pagas, o pagan por ti, o tienes un don de gentes increíble para hacer que el boca a boca vaya más allá de tus colegas. En nuestro caso hay más de lo último que de

éditos y videoclips mientras preparamos nuestro próximo álbum. Hemos tomado un respiro después del verano del 2018. Enero y febrero estamos en barbecho, creando en silencio, reposando todo lo sucedido y preparando el nuevo año. Este año 2019 giraremos también con el volumen 3 y algunas novedades. Tenéis carretera y grandes festivales. Para quienes están empezando y quieran seguir vuestros pasos, ¿qué le recomendaríais a los músicos extremeños emergentes para hacerse un hueco en el panorama nacional? ¿Conocéis alguna banda de Extremadura? Aún no tenemos muy claro por qué nos contrata la gente como para dar consejos a nadie jajaja. Que disfruten lo que hacen, que no hagan daño a nadie, que no quieran aprovecharse de otras ni de lo que se les ofrezca, que no se hagan el cuento de la lechera, y que, si pueden, se mantengan tranquilas a cada paso y seguras de sí mismas. Esto último es difícil. Jajaja

todo lo otro, aunque también utilizamos algo de publicidad. En un caso del otro extremo, por ejemplo, C. Tangana, supongo que, como creía que su obra era muy buena, desembolsaría grandes cantidades de dinero para aparecer al inicio de Youtube de cuantas más personas mejor. “Machete en boca vol 01” nace como proyecto de La Prima y San. Ya con el grupo formado nace en 2016 “Machete en boca vol2”, y en 2018 sacasteis “A machete voy vol3”. ¿Alguna novedad o sorpresa antes del Extremúsika? Sí, vienen bastantes cosas nuevas. Temas in-

En “Los borbones son unos ladrones” expresáis algunas de vuestras inquietudes sobre la libertad de expresión. También en vuestras letras os mostráis feministas, con conciencia social, en definitiva hacéis “Lírica reivindicativa”. ¿La música da el poder de cambiar las cosas y a las personas? La música deja huella en el individuo, deja libre interpretación al oyente que la hace suya y vislumbra o imagina estilos de vida diferentes, puntos de vista diferentes, etc. De ahí a que el individuo pase a la acción y quiera cambiar su vida, hay un trecho. Se ha visto en la historia que bandas han influenciado movimientos sociales, pero también ha pasado al revés. La música es parte de ese algo misterioso que reside en nosotras, más cercano a la mente subconsciente-involuntaria que a la mente consciente-voluble. Yo puedo elegir sentarme a escribir una canLaCarne Magazine

puesto por mujeres. Eso es muy de AHORA, pero las niñas que te están viendo ahí arriba, cuando sean mayores verán que es posible, y quizás ni siquiera se acuerden que todo empezó por cumplir un ratio, porque las organizadoras de festivales ya lo tendrán más que normalizado, y habrán bandas mixtas por doquier y muchísima representación de la mujer. Iseo ha colaborado con Mabü, y Ras Telford participó en vuestro tema “Freedom”. En Extremúsika, entre tantas bandas con las que se comparte camerinos y backstage es habitual encontrar con colaboraciones en directo. ¿Tenéis alguna sorpresa de este tipo preparada para Extremúsika? No tenemos ningún tema llamado Freedom ni conocemos a Ras Telford! Jejeje.

ción. Pero solo tocará ese algo misterioso en las personas si se ha creado desde el estado más puro de concentración, entrega, serenidad, sencillez y contento por estar haciendo eso en concreto (tanto la instrumental, como las letras en nuestro caso). “Vamos a dejar que corra el aire”, “8 puñaladas”, “señora de nadie” son temas de empoderamiento y autodefensa de las mujeres. Parece que se empieza a tomar conciencia de las reivindicaciones feministas. ¿Esa concienciación se da también en la música? ¿Es importante que haya más paridad en los festivales y en el panorama musical estatal? Gracias al movimiento feminista fue que nos dimos cuenta de que en la mayoría de carteles de festivales quienes suben a escenarios son hombres. Muchas de nosotras seguramente ni siquiera nos lo habíamos planteado nunca. Festivales como Viñarock han ampliado bastante la oferta de bandas con mujeres para 2019, y esperamos que otros muchos se animen. Da igual que haya que cumplir una ley que diga que el 33% del cartel ha de estar com-

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Es posible, la fecha está aún lejos y no queremos adelantar nada. Aunque habitualmente subimos al escenario invitadas. Jiji Sorpresa! ¿Cómo será el directo en el Extremusika? ¿Haréis un popurrí de canciones de vuestros discos? Haremos como venimos haciendo, cantar las canciones que más nos gusta compartir. Hay canciones que no se pueden quitar: Creen que saben, Sácalo, Brutalidad Verbal, Ocho Puñaladas… Pero quizá os llevemos ya algo de lo nuevo que estamos preparando. Popurrí de sorpresas. Así es Machete en Boca. Jajaja Muchas Gracias. ¡Nos vemos en unos meses! Tenemos unas ganas gigantes de conoceros, conocer vuestra tierra, vuestra comida y ¡¡¡todo!!! Disfrutaremos muchísimo, eso no lo dudamos. Un abrazo de todas. ¶

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Cicuta

el poder del Metal Mexicano Mexicano

l Groove Metal, Death Metal y Metalcore son los elementos que encontramos en la propuesta que nos brinda la banda Cicuta. La banda procede de la ciudad de Tijuana, en México, y a pesar de estar en un periodo de inactividad, han regresado a mediados de 2017. Ya se espera para finales de este 2019 su nuevo álbum. Toda la entrevista fue respondida por Rafa Cicuta (vocalista).

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Saludos y bienvenidos a LaCarne Magazine. Gracias por aceptar esta entrevista. Para comenzar nos gustaría que nos contaran cómo y cuándo surgió la banda. Cicuta surgió en 2003 en Tijuana, México, con una alineación de 4 primos y 1 amigo, por lo que surgió una banda muy unida y fuerte. La banda empezó con un sonido New Metal, y fue tomando forma hasta llegar a un Groove, Death y Metalcore a principios de 2007. En cuanto a su sonido, hay mucha influencia de varias tendencias del metal. ¿Cómo definirían su propuesta musical? Sí, tenemos influencias desde el Metal más extremo hasta el Hip Hop o Rap, pero haciendo todo a un lado, y enfocándonos sólo en lo

Actualmente tuvimos el reconocimiento por parte de “Headbangers Latinoamérica”, colocando nuestro nuevo álbum “En Boca de Lobos” como uno de los 200 mejores discos en Latinoamérica de 2018, a unas semanas de haberlo lanzado. A mediados del 2009 lanzan su primer videoclip del tema “Odio”. ¿Qué tanto ayudó proyectar a la banda el lanzamiento de este video? A raíz de la salida del video, la gente en el interior de la república nos empezó a conocer más, y la banda decidió hacer su primera gira nacional “No más odio tour” en el mismo año, teniendo una aceptación inmediata. ¿Dónde podemos enfocar las letras de sus temas? ¿Hacia qué temática están enfocadas? Nuestro segundo disco “En Boca de Lobos” describe momentos que marcaron mi vida y que afectaron mi alrededor de manera determinante, tanto emocional como física. Habla de un mundo corrompido por nosotros mismos, hasta temas como el mejor cariño que desearía tener.

que somos actualmente gracias a que fuimos dándole forma con nuestra cultura, simplemente somos Metal Mexicano. Pasemos a su primer trabajo y debut, el EP “Cicuta”. ¿Cómo fue el recibimiento de este material por parte de la escena nacional e internacional? En el 2008 fue lanzado nuestro primer EP, el cual tratamos de escribir lo mejor posible. Teníamos mucho poder dentro que quizás no sabíamos exteriorizar en cuanto a una producción profesionalmente correcta, pero simplemente lo hicimos con mucho sentimiento, y la reacción en México fue increíble para nosotros, lo cual llegaron a posicionarnos como la banda “número uno” en nuestro género en un portal nacional de bandas mexicanas.

Me dirigí totalmente a la creación de un disco mexicano con letras en español, sabiendo que podría sonar diferente, debido a que somos una banda que nació y creció en frontera con Estados Unidos, lo cual adoptamos influencias de ambas naciones. Líricamente, es un álbum muy intenso, de gran peso para nosotros, ya que aparte de ser colegas somos hermanos, y hemos sido testigos de las historias relatadas en este pequeño libro autobiográfico. “En Boca de Lobos” describe cómo podemos ser víctimas de un mundo vuelto una mierda, donde todos los que son parte de ella en algún momento la tocarán y es imposible salir de éste, sin embargo, señalamos la opción de cambiar y mejorarlo. En el 2010 la banda se tomó un periodo de inactividad. ¿A qué se debió este receso? Al regresar de una gira por el interior de la reLaCarne Magazine

pública, uno de los guitarristas dejó la banda. Nos frustramos, y ante la impotencia de no encontrar a alguien que lo supliera, no solo técnicamente, sino más por el lado de la hermandad que teníamos, dejamos en coma al proyecto. Ya en el 2017 Cicuta hace su regreso a escena. ¿Qué los motivó a esta reintegración de la banda? Desde que nos separamos nos dimos cuenta que todos pensábamos constantemente en la banda. Individualmente la queríamos de vuelta, la necesitábamos, así como a veces nuestros seguidores nos lo pedían. Le habíamos dado un mal manejo y dirección a Cicuta, y cambiamos la forma de trabajar a una energía más cálida y sincera, pero igual de potente y directa. En 2018 ganaron un evento conocido como “Guerra de Bandas”, y esto les dio la posibilidad de participar en un festival. Háblanos primeramente sobre este evento de competición para obtener un cupo al festival. Fue nuestra prueba de fuego ante gente importante que nos seleccionó, con gran experiencia, que trabajan con bandas como Slipknot, festivales como “Hell and Heaven” y “Knot Fest” (México). Llegamos con hambre y sed de tocar en un festival de esa magnitud, queríamos que la banda pisara donde necesitaba pisar para ser escuchada y compartir nuestro tesoro con todos. Lo dimos todo sabiendo que su potencial podía ser explotado en esa oportunidad y lo logramos. Al sentir nuestro peso en nuestros pies sobre el escenario, lo dominamos en un abrir y cerrar de ojos, como si esos siete años de pausa hubiesen sido segundos. Nuestra meta no era ganarle a más de cien

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bandas, sino ganarnos a cada uno de los espectadores para quedarnos en ellos. No lo actuamos, nos desahogamos. Ahora sí, hablemos del Fronterizo Fest. ¿Qué tal fue este evento? ¿Con qué bandas compartieron? ¿Cómo fue la acogida de Cicuta por parte de los presentes…? Fue un concierto muy emotivo para nosotros, ya que compartimos escenario con bandas que admirábamos desde hace muchos años como Sepultura, Here Comes The Kraken, Thell Barrio, con una de las mejores audiencias en la vida de la banda, donde su reacción era íntima y violenta.

Y ser parte del Cartel Oficial con grandes bandas como Scorpions, Megadeth, Gojira, Suicidal Tendencies, Mastodon, etc., nos motiva a seguir explorando el inicio de la mejor etapa de Cicuta. “En Boca De Lobos” representa su segundo EP, el cual contó con un importante y reconocido músico en las grabaciones. Coméntanos. Diego Soria, de Audio Zombie Recording Studio (en Tijuana), es el Ingeniero que llevó a cabo la grabación, mezcla y master. Bajista de bandas como Disgorge (USA), Broken Hope, y actualmente se encontraba tocando con Cattle Decapitation.

Quedamos muy contentos con el sonido que logró, y aparte de ser un buen amigo, trabaja muy bien. ¿Algún sello disquero, mexicano o internacional les ha realizado alguna oferta? Actualmente el disco “En Boca de Lobos” se encuentra bajo la distribución del sello independiente Discos Denver (en México). Aún no hemos trabajado con disqueras en otros países. La banda ha tenido, a lo largo de su existencia, varios integrantes en diferentes puestos de su alineación. ¿Cómo ha influenciado en el sonido de la banda el paso de los diferen-

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puestas para visitar en 2019, y estamos emocionados por realizarlo. ¿Cómo es la escena en Tijuana? ¿Es abierta o estratificada? ¿Y en el resto de México, cómo es la movida? Es muy diferente, y obviamente va cambiando por generaciones. 2007-2009 era uno de los momentos muy fuertes para Cicuta, donde, como banda local, llenaba lugares con capacidad de 500-700 personas. Hablando de este tipo de música, se fue dividiendo hasta casi desaparecer, después regresó otra oleada, pero un poco menos intensa.

tes músicos? ¿Quiénes integran actualmente a Cicuta? Integrantes: Abel Torres (batería), Arturo Torres (bajo), Leonardo Pérez (guitarra), Samuel Moreno (guitarra), Rafa Cicuta (voz). La banda empezó con Arturo Torres en la guitarra y Samuel Moreno en el bajo. En 2007 intercambiaron puestos ya que se creía que las técnicas de su ejecución lo requerían. Leonardo Pérez sustituyó a su hermano David Pérez, quien dejó la banda a finales de 2009. Leo vino a dar un sonido más complejo a la agrupación, con su estilo muy distintivo en los solos (requintos), y fue el complemento para la música tan sólida y agresiva que caracteriza a Cicuta. Ustedes radican en una zona que es muy cercana a Estados Unidos, ¿les ha beneficiado en algo esta proximidad? (me refiero a poder tocar en ese país, equipamiento musical…) Hemos tocado pocas veces en Estados Unidos, ya que nos habíamos dirigido más a nuestro país. El objetivo era y es hacer crecer el Metal en México y, claro que visitar otros países para exportarlo. Casi no nos habíamos enfocamos en dicho país, pero últimamente nos han llegado pro-

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Y hoy va fluyendo como espuma con la ayuda de rockeros que impulsan el movimiento, bares con espacios para conciertos, y promotores como los creadores del Fronterizo Fest. Con miras hacia el futuro, ¿para qué se prepara Cicuta actualmente? ¿Hay planes para lanzamiento de un posible álbum? ¿Estás trabajando en algo actualmente? Tenemos nuestra gira “En Boca de Lobos” en puerta en marzo-abril, para la promoción de nuestro segundo álbum. Nos estamos concentrando en realizar giras en otros países y lograr ser parte de los grandes festivales. Van aproximadamente 5 canciones listas para el siguiente disco, que será lanzado a finales de 2019. Bien, hemos llegado al final de la entrevista. Gracias por el tiempo que le dedicaron a esta entrevista. Si quieren dejar algún mensaje a los lectores, pues aquí tienes el espacio. Cada palabra y cada nota que escucharás en nuestro nuevo disco están escritas con el pulso más sincero y doloroso que vivimos, llenos de esperanza. Años de sacrificio y de pasión. ¶

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Electro Preste

cultura tradicional y música electrónica que se encarga del anfitrionaje de fiestas realizadas en honor a algún santo o virgen.

l sábado 9 de febrero de 2019 se llevó a cabo la cuarta versión de la fiesta de integración cultural más grande de Bolivia, denominada Electro Preste, un evento que fusiona elementos representativos de la cultura tradicional boliviana y la música electrónica. Bolivia es un país con innumerables tradiciones que han logrado perdurar en el tiempo. En su región andina destacan las ciudades de La Paz y El Alto—situadas a más de 3000 m.s.n.m.—urbes que han logrado mantener intactas sus raíces y tradiciones aymaras/andinas. Una de estas tradiciones es el Preste, denominación utilizada para nombrar a la persona

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Es de esa forma que también las fiestas organizadas por los ‘prestes’ llevan ese nombre. Lo peculiar es que dichas fiestas son realizadas en los denominados ‘cholets’, construcciones de arquitectura neoandina que combinan elementos característicos de esta cultura para darles un toque único. Tanto por dentro como por fuera, los cholets reflejan la esencia andina presente en pleno siglo XXI. Es en esas construcciones donde, cada fin de semana, miles de personas se reúnen para dar rienda suelta a la fiesta del “Preste”, con bandas tradicionales, mistura, serpentina y mucha algarabía para dar paso a la celebración.

identidad boliviana, así que decidimos dar el siguiente paso y hacer algo con íconos de la cultura boliviana, por eso decidimos hacer una experiencia completa y diferente, porque el Electro Preste no se trata de querer imitar un preste, sino de dar una interpretación moderna para lograr una experiencia diferente de vivir una fiesta electrónica en un cholet con íconos de la cultura andino boliviana, sumadas a elementos de la música Electrónica”.

ELECTRO PRESTE: FUSIÓN CULTURAL, INTEGRACIÓN Y REVALORIZACIÓN DE LO BOLIVIANO

Este evento, tal como lo afirma Aguilar, tiene como objetivo la revalorización de la cultura boliviana y su fusión con la cultura moderna:

Foto por Mango Media

Tomando como punto de partida y base al “Preste”, Aníbal Aguilar y Marco Cuba (Animal Print), Ivana Alvéstegui (IVA) y Koko Bedregal decidieron en 2016 adaptar dicha celebración y fusionarla con las características de una fiesta electrónica. Fue así, que el 3 de septiembre de 2016 se realiza el primer Electro Preste de Bolivia, fiesta que en los siguientes años se expandió de manera increíble, llegando incluso a ser conocida en varios países extranjeros, convirtiéndose en un ícono de integración y fusión cultural bolivianos. Así lo relata Aníbal Aguilar, uno de los organizadores del Electro Preste: “Nos juntamos los cuatro, y ahí surgió la idea de buscar locaciones nuevas con ideas frescas. Siempre tuvimos ganas de hacer algo con

“El Electro Preste nace de querer fusionar la cultura electrónica con la cultura andino boliviana, que es muy rica en tradiciones, en música, en color, en muchas cosas interesantes que queremos mostrarlas en un lenguaje moderno, dando a conocer la identidad y cultura boliviana de la cual nos sentimos muy orgullosos”. Sin embargo, no sólo se trata de fusionar, sino también de integrar a todos los amantes de la música electrónica y de la cultura boliviana para que disfruten de un evento nunca antes hecho en Bolivia. Es por ello que personas de las diferentes zonas de La Paz y El Alto llegan al Electro Preste para disfrutar del espectáculo, sin pensar en diferencias sociales o de “clase”, porque cuando se trata de música lo más importante es rescatar la unión que se da a raíz de ésta: “Otro objetivo es integrar, es algo en lo que hemos puesto nuestro granito de arena para que cada año se vea más integración de las diferentes zonas de La Paz y El Alto”, afirma Aguilar. Y el tercer objetivo que persigue el Electro Preste es la revalorización de los íconos y costumbres bolivianas: LaCarne Magazine

“Lo que queremos es que la gente se sienta orgullosa de ser boliviana, de la cultura, de los íconos locales, como son la música boliviana, los cholets, las bandas de morenada. Lo interesante es ver cómo la gente va a la fiesta con atuendos en los que incorporan elementos bolivianos. Lo mejor de Electro Preste es que puedes ver gente de todas las zonas de La Paz, El Alto, extranjeros y de otras ciudades de Bolivia bailando juntos, sin ningún tipo de prejuicio, discriminación, ni racismo, algo que no pasaba antes”, explica.

CARNAVAL Y ALASITAS PRESENTES EN LA CUARTA VERSIÓN DEL ELECTRO PRESTE

El pasado 9 de febrero de 2019 se llevó a cabo la cuarta versión del Electro Preste y fue auspiciada por segunda vez por la empresa Casa Real. La temática giró en torno a la revalorización del carnaval paceño con muchos personajes como: Electro Pepinos, Electro Morenos, Ch´utas, Kusillos en Zancos, Osos y demás personajes tradicionales del carnaval paceño, quienes fueron parte del evento y deleitaron a propios y extraños con sus bailes al son de la música folclórica y electrónica. También se pudo observar algunos elementos de la tradicional fiesta de la miniatura o Alasitas como ser: souvenirs en miniaturas, juegos como futbolines y otros elementos típicos de esta festividad. “Cada año invertimos más en lo que es mejorar el escenario, la cabina, las visuales, las pantallas LED, el sonido. Cada año mejoramos más la producción, los shows, aumentamos más personajes, traemos DJ´s extranjeros de primer nivel, traemos a los mejores DJ´s de Bolivia, de La Paz, de Cochabamba, de Santa Cruz. Tenemos DJ´s, no sólo de electrónica sino

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también de Hip Hop, Cumbia Electrónica, de Indie, de Electro Funk. Entonces tenemos una variedad de estilos para la tarde, y en la noche ya es netamente Techno, Tech house”, relata Aníbal. Las puertas del Salón Gran Emperatriz, un cholet ubicado en la populosa zona alteña de la 16 de julio (conocida por albergar jueves y domingo la feria más grande de Sudamérica), dio la bienvenida a gente de todo lugar: paceños, alteños, bolivianos y extranjeros se dieron cita para disfrutar de no sólo un espectáculo de música electrónica, sino también deleitarse con el show de auténticas bandas de morenada tradicionales, además de sorprenderse con las asombrosas maniobras de las famosas cholitas luchadoras. Todo esto como una ‘previa’ al gran evento central. Eran las 4 pm y las personas provenientes de distintos puntos de la ciudad y del país empezaron a llegar: medios de prensa, personalidades de la televisión, fotógrafos, modelos… Nadie quería perderse la fiesta del año. Ni el gélido viento, propio de la ciudad andina de El Alto, aplacaron la energía de cada uno de los asistentes, quienes al compás de la música y el estilo Electro Funk del Dj francés Pushkin comenzaron a bailar. Minutos después, las cholitas luchadoras hacían su aparición en el ring, y con impresionantes maniobras similares a las de los luchadores de la WWE, deleitaron al público con su fuerza e ímpetu propios de la mujer de pollera y boliviana. La noche comenzaba a caer y el frío a sentirse, a las 7 pm se abrieron las puertas del cholet y la fiesta comenzó. En la entrada, personajes típicos del carnaval boliviano como caporales, kusillos, tinkus y cholitas recibían a los asistentes con mistura y serpentina, tal cual se acostumbra en un verdadero preste.

Foto por Bolivian Traveler Andres MacLean

Posterior a ello recibían una bufanda de tela de aguayo, muy tradicional en Bolivia, mismo LaCarne Magazine

que contenía billetes y pequeños objetos de la tradicional fiesta de la Alasita. Al subir las gradas, los ojos de los asistentes se deleitaban con los juegos de colores, decorado y elementos característicos de aquellas construcciones. Un mural del famoso artista Mamani Mamani resaltaba aún más las características propias de un cholet que por tercera vez albergaba la fiesta electrónica con esencia andina. FM11 & Pam Mc Person, además de Villa Victoria Sound System, fueron los encargados de dar la bienvenida al salón con Hip Hop y Cumbia Electrónica. Una impresionante cabina, semejante a un cubo LED en 3D, brindaba una experiencia visual única a los asistentes. La presentación de Pablo Asturizaga, Gonzalo Meleán y Eladri no se hizo esperar. El público disfrutaba sin parar de todo el espectáculo. Horas después, la banda de morenada hizo su ingreso al cholet para que, al son de música tradicional boliviana, el pepino (personaje central del carnaval paceño) fuera desenterrado como acostumbra la tradición. Una algarabía de la gente presente dio la bienvenida a este personaje, quien con grandes zancos se paseaba por el salón al ritmo de la música. Los organizadores Animal Print y luego IVA hicieron su aparición con su característico Techno, que causó furor en el público. El plato fuerte de la noche llegó con la entrada del Dj italiano Stefano Noferini, quien con la fuerza de su música Tech House hizo bailar a los asistentes de principio a fin. Esta versión contó además con los increíbles visuales de los VJ’s SCP, Screensaver y Alejandro Soto.

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Es importante recalcar que, en su cuarta versión, el Electro Preste también incluyó moda y gastronomía bolivianas para poder promocionar y revalorizar las mismas: “En la cuarta versión de Electro Preste predominó el uso del aguayo y otros elementos que ya son parte de la moda boliviana. Varios diseñadores locales mostraron sus prendas inspiradas en Bolivia, como Papingo/ Maminga, La Espina, Chicha Dark, Ayawaqa y Paso Largo. También hubo gastronomía boliviana con Papa Andina y Ekeko”, resalta Aguilar.

ELECTRO PRESTE – TALENTO BOLIVIANO Y EXTRANJERO PARA TODOS LOS GUSTOS

Para cada versión del Electro Preste se escoge un line up de lujo para todos los gustos, desde DJ’s de Cumbia Electrónica, Hip Hop, pasando por el Drum and Bass, hasta llegar al Electro Funk, Techno y Tech House. A lo largo de estos cuatro años la oferta musical ha sido realmente variada, y se ha convertido en un punto de encuentro para disfrutar de buena música electrónica. Aguilar explica que para la selección del line up de cada año se toman en cuenta varios aspectos, para que, de esa manera, además de apoyar el talento boliviano, se cuente con un verdadero espectáculo con música de calidad: “Se hace una selección que dura varios meses, y es la parte difícil porque como somos varios socios es difícil escoger algo en lo que todos estemos de acuerdo. En la parte de los DJ´s nacionales queremos premiar a la gente que está trabajando por la escena Electrónica, por la escena de Hip Hop, Cumbia Electrónica y otros estilos alternativos. Queremos premiar a gente que está sacando música, que está haciendo eventos, que está teniendo más actividad.

Foto por Bolivian Traveler Andres MacLean LaCarne Magazine

Estamos apoyando nuevos valores cada año, incluimos un par de DJ´s de la nueva generación como Eladri y Pablo Asturizaga. De Cochabamba hemos contado con Meleán y Minimal Delux, mientras que de La Paz de la escena Drum and Bass hemos tenido a Dj Quien-MKTLW en tres ediciones, en dos ocasiones a Villa Victoria Sound System, al francés Pushkin, al grupo de Hip Hop en vivo FM11, al argentino Sonido Martínez, a Imilla MC, Dj Ark y a VJ’s que nos han ayudado con la parte de los visuales como el mexicano Sweet Candy Project (SCP) y Screensaver. En la parte de Techno estamos nosotros como Animal Print, está IVA, y bueno para la selección internacional no queremos DJ’s hiper mega comerciales, sino que queremos que sean los mejores musicalmente”, explica Aguilar. Y es en el caso del invitado internacional de cada año que también se tiene una elección bastante rigurosa para traer artistas que realmente sean una leyenda de la música electrónica. En las pasadas versiones, el Electro Preste ha contado con DJ’s como M. A. N. D. Y. (Alemania), Nick Warren (Inglaterra), Kaiser Disco (Alemania) y este año, Stefano Noferini (Italia). Grandes DJ´s de Techno y Tech house han llegado a formar parte del line up del Electro Preste, y no es de extrañar que hayan quedado realmente sorprendidos con la originalidad del escenario en el cual se presentan: “De los cuatro DJ’s extranjeros que han llegado en las cuatro versiones todos han quedado realmente maravillados con la fiesta, la experiencia está en ese salón lleno de murales andinos, de lámparas de cristal, los personajes LED como los electro pepinos…, realmente todos los DJ´s han quedado muy sorprendidos e incluso han destacado que ha sido la mejor experiencia tocar en el Electro Preste. Aunque ellos han tocado en lugares de todo el mundo, el Electro Preste es realmente algo maravilloso para ellos.”

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ELECTRO PRESTE, UN EVENTO QUE GENERA DEBATE Y CONTROVERSIA

Y como era de esperarse, al ser tan exitoso, este evento ha generado mucha controversia y debate en Bolivia, ya que se han atrevido a ingresar a un terreno que muy pocos artistas y organizadores de eventos de música electrónica han decidido pisar: el folclore nacional. Aníbal relata que, en ese sentido, han tenido bastante cuidado a la hora de organizar dicho evento para que no cause malos entendidos en gente que quizá no iba a comprender el verdadero sentido del Electro Preste: “Lo hemos hecho con muchísimo cuidado para no ofender a nadie. Nosotros siempre hemos tenido mucho cuidado en respetar las tradiciones, nunca hemos incluido elementos religiosos, ni rituales, mas nos hemos basado en lo que es el tema de la música, de los personajes con las vestimentas típicas, pero también modernizados con luces LED y cosas así. Lo que queremos es justamente mostrar a Bolivia en un lenguaje moderno, fusionar lo moderno con lo tradicional. Obviamente hay gente purista del folclore y de las tradiciones que no entiende el concepto de la fiesta y critica, pero el Electro Preste ha puesto su granito de arena para que la gente se sienta orgullosa de sus tradiciones, que las

disfrute, que baile, que disfruten del ring de las cholitas luchadoras, que conozcan en persona un cholet. Y la verdad que el Electro Preste ha sido destacado por mucha gente que ama el evento, sobre todo los extranjeros que van y disfrutan la fiesta y no pueden creer lo que están viviendo. Incluso ha sido destacado por muchos medios de prensa internacional como CNN, Reuters, Euro News, Frecuencia latina en Perú, y radios de Canadá”, afirma orgulloso. El Electro Preste ha tenido tal impacto y viralización desde su primera versión, que incluso políticos, periodistas, activistas, antropólogos, sociólogos han hablado bastante del mismo: “Desde la primera versión hemos sido un fenómeno cultural, ya que realmente es algo que nunca antes se había hecho, todo el mundo ha hablado del Electro Preste: políticos, periodistas, antropólogos, activistas, artistas… Ha sido tema de tesis, nos han mencionado en algunos libros de antropología, ha sido tema de portada en un periódico de Alasitas. Realmente se ha vuelto una institución de La Paz y El Alto. Hay un debate sobre el Electro Preste y sobre todo lo que se está generando culturalmente, y eso es algo que nos parece muy interesante de esta fiesta”.

ELECTRO PRESTE: BOLIVIA EN LOS OJOS DEL MUNDO

Los organizadores del evento (Animal Print e Iva Alvéstegui) están teniendo mucho éxito en Europa, sacando música propia en grandes sellos y tocando en los mejores clubes y festivales, por lo que, aprovechando esta situación, tienen como objetivo principal llevar en alto la cultura e identidad boliviana, de la cual se sienten muy orgullosos. Es de esa forma que de la mano de sus organizadores y las marcas que lo apoyan, el Electro Preste promete renovarse, internacionalizarse y seguir repuntando en su quinta versión, que llegará el 2020: “Como proyecciones a futuro queremos llevar Electro Preste fuera de La Paz, creemos que ya hemos dado nuestro granito de arena para integrar las diferentes zonas de La Paz y El Alto. Ahora queremos integrar La Paz, Santa Cruz y tal vez otras ciudades bolivianas. Estamos en tratativas para hacerlo en Barcelona, en Berlín, y también hay la posibilidad de ser parte de la Bienal de Venecia. Estamos hablando para el siguiente año, para el 2020 y se van a ir abriendo puertas. Además, estamos viendo que crezca a una edición de festival por los cinco años, con toda la experiencia de los DJs, personajes tradicionales, las cholitas luchadoras, las bandas tradicionales de música, gastronomía boliviana, moda boliviana, juegos, expresiones urbanas y mucho más”, concluye Aguilar. A lo largo de estos cuatros años, el Electro Preste no sólo se ha convertido en un verdadero fenómeno cultural, sino también en un verdadero orgullo boliviano, que, rompiendo esquemas, ha sabido reflejar y revalorizar la cultura boliviana a través de una fiesta electrónica peculiar y diferente a cualquier otra. ¶

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Improvisación Libre con Pedro Menchaca

ninguna base o patrón rítmico, ni tonal ni nada.

a he hablado bastantes veces de Pedro Menchaca en esta revista en algunos de los artículos de Improvisación Libre.

Un tipo muy inquieto, músico e improvisador incansable, organizador de conciertos y de festivales como VERICUETOS, en la ciudad de Gijón, y responsable del programa del mismo nombre (Vericuetos) en Radio Kras. Vamos, es un tío que no para, y no podía faltar en esta sección. Ya estaba tardando: Dime cuál es tu procedencia musical. Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de formación de música o en el conservatorio y que me lo compares con tu experiencia en la improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta. Me formé en plan autodidacta. Mi padre me enseñó los primeros acordes con la guitarra, y a partir de ahí todo lo que aprendí fue fruto de la observación y del azar (sobre todo de este último). Podríamos decir que estoy en un estado de aprendizaje -no reglado- constante. Aunque reconozco que me gustaría saber notación musical, armonía y todas esas cosas. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? Cuando tenía unos 17 o 18 años, ya estaba en un grupo en el que, además de canciones, hacíamos improvisaciones larguísimas sin

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Tan bien lo pasaba yo con aquello, que desde entonces siempre estuve con un pie en la improvisación libre. Hasta el día de hoy, en el que estoy metido en ello más que nunca, ya sea en solitario, con el Improviso Ensemble de John Falcone, o tocando con otros improvisadores que se me pongan a tiro. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación libre? Pues si nos vamos a mis años mozos, allá por los noventa, me influenciaron mucho los sonidos de guitarra de Sonic Youth (que a su vez salieron de la escuela de Glenn Branca, aunque eso lo supe después), y sus afinaciones raras. Más adelante descubrí a otros guitarristas como Fred Frith, Marc Ribot y un largo etc. Últimamente hay dos que me gustan mucho y a la vez tienen dos planteamientos muy diferentes: por un lado, Nels Cline y su utilización libérrima de los pedales de efectos, y por otro Bill Orcutt, él sólo con su guitarra acústica. Y sí, releyendo lo anterior está claro que la música de origen anglosajón tuvo mucho peso en mi culturilla musical, así que voy a añadir también a Hannes Buder, por ejemplo. Hay muchos más. ¿Qué es para ti “espacios” en una pieza? Quiero decir, que si te dicen: “vamos a crear una pieza con ‘espacios’, ¿qué interpretas? Pues así de primeras me viene a la cabeza el utilizar silencios, pero supongo que se referirá a dividir la pieza en distintos “escenarios”, por

decirlo de alguna manera. Hay músicos de improvisación lilbre (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quién dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas? Yo opino igual que tú. Si lo llevo a mi experiencia personal, algunas de las cosas de las que más contento quedé se grabaron sin preparación previa. Sí estoy de acuerdo en que manipular a posteriori ese material espontáneo puede ayudar a mejorar el resultado. Personalmente, el sentarme a componer algo me cuesta horrores, acabo siempre divagando y esperando a que suene la flauta (al final siempre acaba sonando, aunque puede tardar lo suyo). En el libro “El nuevo paisaje sonoro”, de R. Murray Schaffer que he leído la siguiente afirmación: “Es cierto que hay mucha gente que no son sensibles al ruido; pero esos son precisamente los que tampoco son sensibles al argumento, o al pensamiento, o a la poesía, o al arte, en una palabra, a cualquier tipo de influencia intelectual. La razón de esto es que el tejido de sus cerebros es de una calidad muy tosca y ordinaria. Por otro lado, el ruido es una tortura para gente intelectual”. ¿Cuál es tu opinión acerca de esta afirmación? Pues no lo había pensado, pero si lo dice Schaffer… En general no me convencen mucho estas afirmaciones tan categóricas. Por ejemplo, en este caso matizaría la última parte, lo de que “…el ruido es una tortura para gente intelectual”. En según qué casos también puede ser un disfrute.

Explícame brevemente tu concepto musical. No tengo un concepto claro, sí un montón de ideas: para mí es ante todo un lenguaje primigenio y universal, pero también una tabla de salvación, y un juego (más divertido cuando es colaborativo). Henry Miller decía que es el abrelatas del alma, y Zappa tenía una definición simpática que ahora no recuerdo. En mi caso creo que es lo más parecido a una religión, tiene un componente espiritual innegable, y también sus ritos, públicos y privados. Es algo que se puede vivir de forma bastante intensa sin tener una idea clara de su explicación, quizá por eso llevo unas cuantas líneas echando balones fuera. Indica links, grabaciones, páginas webs…donde aparezcan tus proyectos Ahí va un batiburrillo de enlaces. Aviso que aquí hay de todo, desde rock progresivo hasta tonada asturiana o música hecha con bicicletas. Usar con moderación: • • • •

https://soundcloud.com/pedalmen https://senogul.bandcamp.com/ https://www.yorokobu.es/tour-mallets/ https://www.youtube.com/ watch?v=2itllpy5CbE • https://vimeo.com/250293808 • https://adaptador.bandcamp.com/album/ la-m-nster LaCarne Magazine

Moro

intenso y poderoso Rock ple, Black Sabbath…

esde la Argentina llega la banda Moro, agrupación formada hace más de 6 años.

Su sonido está conformado por varias tendencias del Rock, y sus inicios fueron haciendo temas de clásicos de bandas como Deep Pur-

Foto por Julián Luna

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Uno de sus fundadores, el guitarrista Fernando Arrieta, nos dará más información de la banda Moro. Bien, para ya ir conociendo algo de Moro, ¿cuéntennos cuándo se forma la banda y bajo qué circunstancias? Moro surge en el año 2012, cuando proyectos en los que estábamos (Pablo y yo) se cayeron.

En medio de esas ganas de seguir tocando, y de que siempre hay cosas para decir en el Rock, nació este proyecto. La banda en su propuesta incursiona por varias tendencias del rock. Entonces, ¿cómo definirían su propuesta musical? ¿Hacia qué estilo están más encaminados? Siempre nos resultó un “inconveniente” encasillar en qué estilo estamos, ya que en nuestras canciones aparecen cosas del Metal, Hard Rock, Rock and Roll, Blues… Pongo entre comillas “Inconveniente” ya que nos gusta mucho fusionar e incursionar por los estilos. Venimos de Black Sabbath, AC-DC, SRV, Riff, Deep Purple, V8, etc. Si tuviéramos que definir creo que sería Metal/ Rock.

Su primer trabajo fue un Demo, con el que se dieron a conocer y les ayudó a salir y dar varios conciertos. Me gustaría nos comentaras sobre este material. Nuestro primer demo fue realizado en mayo del 2014, e incluía 6 temas (5 temas propios y un cover versionado de León Gieco, artista popular argentino). Este demo nos permitió afianzarnos en el estudio y nos abrió puertas a recitales y radios locales/zonales. Esto fue fundamental para nuestra difusión. El demo fue distribuido por nosotros mismos en los recitales que asistíamos, y digitalmente. Fue generado íntegramente como producción independiente. ¿Las influencias que tienen hoy en día son las mismas que aquellas que tenían cuando fundaron el grupo? Considero que las influencias nunca cambian, se extienden. Hoy en día en nuestro país y en todo el mundo hay una variedad riquísima de música, la cual te permite ampliar mucho más el vocabulario, pero nunca nos olvidamos de nuestras raíces. La formación de la banda me imagino que en estos años ha ido cambiando. ¿Cuál es hoy la formación de Moro? La formación actual de Moro es la siguiente: Voz: Pablo Aciar, guitarra: Fernando Arrieta, bajo: Mauro Zoloaga y batería: Guillermo Ochonga. Durante estos años nos acompañaron en un comienzo Cristian Romero Martin en bajo, el cual por razones de traslados dejó la banda y se incorporó Mauro Zoloaga con las 4 cuerdas. En batería Mariano Fazzi, que por diferencias personales dejó de estar en la banda. Con Mariano grabamos el Demo. Ya con los temas listos para entrar al estudio a grabar, se incorpora a los parches y las baqueLaCarne Magazine

tas Francisco Carpintero. Él graba el disco y toca en algunas presentaciones de la banda. Por razones de traslado, debe abandonar la formación. En 2018, y ya con el disco en la mano, se incorpora Guillermo Ochonga a la batería, reconocido músico que en muy poco tiempo se puso a tono con todos los temas. Según tengo entendido, ustedes comenzaron la grabación del primer álbum a finales de 2016. ¿Este álbum ya vio la luz? Correcto, en diciembre del 2016 comenzamos la grabación y este proceso duró hasta diciembre de 2017. El álbum ya vio la luz y pudimos realizar algunas copias en físico para la venta. En noviembre presentamos el disco en vivo. Además, está disponible en todas las plataformas de Streaming. Coméntame sobre este nuevo trabajo discográfico, si es de forma independiente o con algún sello importante, dónde lo grabaron, cuántos temas… El disco fue realizado de forma independiente, y gracias a un aporte del INAMU (Instituto

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Nacional de la Música) pudimos darle al disco una impronta más pro en cuanto a masterización y arte del disco. Fue grabado en nuestra ciudad, Fiske Menuco, así como mezclado y masterizado. Grabado en RAG Estudio, mezclado y masterizado en estudio Del Otro Lado. El disco incluye 10 canciones. Las 5 canciones del demo, regrabadas nuevamente y 5 canciones más. Todas de nuestra autoría. Cuéntennos sobre la movida metalera en Argentina y sobre el apoyo que se les brinda allí a las bandas. Este estilo siempre fue bastante bastardeado y marginado de la sociedad. Siempre cuesta encontrar lugares para tocar, y los productores siempre apuntan a otros estilos más “redituables”. Esto no es un impedimento, pero siempre hace que cueste un poco más. Por otro lado, en Argentina la movida metalera es muy grande y se va renovando día a día. Considero que estamos en proceso de evolución informático al cual hay que adaptarse y

entenderlo para poder hacer llegar la música a todos lados.

YouTube.

En cuanto a el tema de vuestras líricas, ¿cuál es el mensaje que transmiten en sus letras? Como los autores de las letras somos Pablo y yo, las temáticas pueden ser distintas. Nos gusta ver cómo reacciona la gente a las letras.

Tocar en vivo. ¿Cómo describirías un concierto de Moro? Los shows de Moro son muy poderosos e intensos, con una propuesta cruda y directa. Imposible que no se vuele la peluca. ¡Mucho power!

Todos tienen una mirada distinta, a todos, según sus realidades, les deja un mensaje distinto. Esperamos el suyo. El videoclip es algo que siempre ayuda mucho a difundir la música de las bandas. ¿Algún video para promocionar este disco? El videoclip es fundamental para difundir la música de hoy en día. Permite darle un condimento más al mensaje. Actualmente tenemos 2 videos de imagen animada disponibles en nuestra página de Facebook y en YouTube. Además, se está realizando un videoclip, el cual va a estar disponible en las redes apenas esté listo. Paralelamente al videoclip hace unas semanas grabamos un Live Session, el cual se encuentra en proceso de edición. También van a estar disponibles en la página de Facebook y

¿Qué nos tiene preparado Moro para este 2019? Varios shows en vivo y seguir componiendo lo que va a ser el 2do disco de estudio. Además de la presentación del videoclip y el Live Session. Bien, esto es todo, realmente agradezco su tiempo y sus palabras. Si deseas darnos algún mensaje final, el espacio es tuyo. Gracias, Omar, por el espacio y por la difusión de la música de este lado del planeta, estamos muy agradecidos por esto. Esperamos novedades suyas y los mantendremos al tanto de lo que ocurra con Moro. ¡Saludos! ¶

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Esjava

viviendo su mejor momento

sjava es una banda que apuestan por lo que hacen y afortunadamente están viendo cómo sus sueños comienzan a cumplirse. Esta banda de cinco músicos llega para presentarnos su nuevo trabajo “Donde mueren los miedos”, un disco en el que identificamos sonidos pop, indie y algunos toques de Rock. Esjava ha sido una de las bandas seleccionadas por la nueva edición de Girando Por Salas y muy pronto podrás verlos en directo. En esta entrevista nos dan más detalles de esta gira. No te pierdas todo lo que nos han

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contado! Esjava ya habéis comenzado vuestra gira con ayuda de GPS9. ¿Estáis presentando vuestro nuevo disco “Donde mueren los miedos” durante estos conciertos? ¿Cuáles son vuestras próximas paradas con GPS9 y qué se va a encontrar el público en vuestros directos? Los próximos conciertos serán: • 7 de abril en El Corral de la Cigüeña (Cáceres). • 13 de abril en la Sala Sidecar (Barcelona). • 20 de abril en la Sala Informal (Tafalla – Navarra).

En nuestros directos encuentran eso mismo: música en directo cuidada al dedillo para que todo salga lo más rodado posible, y que el público pueda disfrutar y participar de nuestra manera de entender la música y vibren con ella. “Donde mueren los miedos” es, como comentábamos al principio, vuestro nuevo trabajo. ¿Está ya disponible? Contadnos, ¿qué es lo que queréis transmitir al público con este trabajo? Por supuesto, nuestro álbum se puede encontrar ya en todas las plataformas digitales (Spotify, canal de youtube, Itunes, Amazon Music, etc) así como en nuestra tienda online (www. esjava.es). “Donde mueren los miedos” es para nosotros una catarsis emocional donde en cada canción se vence un miedo. En la gran mayoría de las canciones, mediante un personaje ficticio, se expone una idea que nos atormenta y ésta evoluciona a lo largo de la canción (“La marea”, “Luz y color”, “Voces en el viento”, etc). También hay canciones que hablan del empoderamiento de la mujer en la sociedad (“Subió” o “Magia”), de la infancia (“Capitán”), etc. En definitiva, no es más que una crítica y una manera de ver la sociedad actual. Esjava ha sido seleccionado de entre más de 1000 bandas y artistas para la gira de GPS9. ¿Cómo recibisteis la noticia de que entraríais en GPS9? ¿Es vuestra primera experiencia con este circuito? Es nuestra primera experiencia en el circuito, y la verdad es que fue una sorpresa enorme para nosotros.

A nosotros nos está permitiendo costear una gira por toda España, y, por lo tanto, cumplir un sueño. En el momento en que sales de tu comunidad, los gastos se disparan y se convierte en un esfuerzo económico titánico para cualquier grupo. Con esta ayuda, se nos hace mucho más fácil y desahogado. De esta manera podemos emplear el dinero que habríamos utilizado para costear estos conciertos en nuestro segundo álbum. Tenemos entendido que gracias al apoyo de INAEM y Girando por Salas habéis podido entrar a grabar un segundo single. ¿Qué ha significado para vosotros contar con estas dos entidades? ¿En qué momento os encontráis ahora mismo? Pues estamos en uno de nuestros mejores momentos. Gracias a INAEM y a GPS grabamos el primer single del álbum que entramos a grabar en abril. Al final, una cosa ha llevado a la otra, y ahora mismo parece que tenemos el viento de cara, por lo que lo vamos a aprovechar al máximo. ¡Estas cosas no ocurren siempre! Os deseamos mucha suerte y éxito con este nuevo disco. Esperamos veros muy pronto en directo y volver a hablar con vosotros en un futuro. Gracias por vuestro tiempo. Muchísimas gracias a vosotros por darnos voz. Estáis todos invitados a cualquiera de nuestros conciertos de GPS. Estamos seguros de que no os vais a quedar indiferentes y os quedaréis con un buen sabor de boca.

Cuando nos lo comunicaron estuvimos en shock durante un buen rato.

Si tenéis dudas… ¡Nos vemos en las RRSS! ¶

Circuitos de conciertos como el de GPS son una gran ayuda para muchos artistas y bandas. Vosotros como banda, ¿qué destacaríais de estas ayudas que ofrece GPS?

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Cemican fusión del Metal con música prehispánica

n el 2008 surge una banda en México que resalta la gloria y grandeza de un México ancestral y antiguo: Cemican. Una perfecta combinación de Metal con música prehispánica. Sus presentaciones con danzas y culto a la muerte es algo que llama mucho la atención, total misticismo. Han estado realizando presentaciones por gran parte de Europa y con planes para regresar este año. Cemican es una banda de Folk Metal con una acertada fusión de las raíces prehispánicas y el Metal. Tlipoca, uno de los iniciadores de la banda, quien es baterista y percusionista, responde la entrevista.

Cemican, una perfecta combinación de Metal con música prehispánica Muy buenas y bienvenidos a las páginas de LaCarne Magazine. Primero de todo, cuéntanos cómo nace la banda y qué intenciones tenían por aquel entonces. ¡Hola! La banda nació en el 2007, formada solamente por Tecuhtli y Tlipoca, componiendo en el cuarto de ensayo, yendo a encuentros espirituales con la madre tierra a Calpullis, a comunidades indígenas y de danzas. Ya teniendo todas esas experiencias decidimos grabar, sólo nosotros dos, lo que sería nuestro primer material llamado “Ometiliztli”, que vio la luz en el 2009.

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Siempre tuvimos una misma visión, Tecuhtli y yo, la idea era de formar la banda por nuestro deseo de dar a conocer nuestra cultura ancestral del México prehispánico, y a la par de que la gente se transportara al pasado glorioso de México en nuestras presentaciones, escuchando los instrumentos autóctonos, y viendo

el performance que desenvolvemos en cada presentación, así como el potente sonido del metal. Ustedes definen su música como Folk Metal, y es indudable la gran admiración por la cultura prehispánica con una excelente fusión entre estas raíces y el metal. ¿Qué elementos tomarían de su propuesta si quisieran explicar el concepto de Cemican? Cemican es el ritual a la muerte, culto y misticismo. En sus presentaciones no sólo es música, también hay danza y otras manifestaciones. Háblanos al respecto.

Lo que Cemican hace es envolverte en sus shows, con el folklore y el ritual a la muerte, creando un ambiente de lo que era el México prehispánicos haciéndote sentir un guerrero, los tambores en su corazón y que su sangre les llame a su origen. Así mismo el Metal va a la par con los sonidos de las flautas, ocarinas y teponaztli, llamado a los tambores para preparar el sacrificio humano que se realiza a los dioses de la noche, y que ferozmente reciben para así terminar con los caracoles que manifiestan el viento, que es el aliento de Quetzalcóatl. Nuestra finalidad es envolverte en toda la

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majestuosidad de nuestros pueblos prehispánicos. Y que quedes impresionado visual y auditivamente. “Ometiliztli” fue su primera producción discografica. ¿Qué nos puedes comentar sobre este primer trabajo? Fue muy duro al principio porque no había músicos que compartieran la misma necesidad de hacer música con la temática prehispánica. En ese tiempo todos querían hacer folk europeo, y decidimos ingresar al estudio solos Tecuhtli y yo, así pudimos explotar todas nuestras composiciones haciendo toda la música nosotros mismos. Ya con el CD en tiendas y distros surgió de las sombras Xaman-Ek, que en ese momento se integró en el bajo y que ahora está en la actualidad encargado de los performance y rituales. ¿Cómo se distribuye el trabajo de composición en la banda? ¿Es algo colaborativo o más bien tarea de un compositor principal? Las composiciones principales siempre han sido de Tecuhtli y Tlipoca, pero cuando ya se integraron los músicos, claro que son parte importante y atribuyen mucho en la música, pues al principio, por no haber músicos dedicados a los instrumentos prehispánicos, nosotros nos dábamos a la tarea de componer en su totalidad. Ahora que está con nosotros Mazatecpatl y Yei Tochtli, que son los encargados de los instrumentos prehispánicos, toman la parte importante de los sonidos ancestrales, pero vamos en conjunto al componer la música y letras. El segundo trabajo llegó en el 2012, “Estamos en el Valle de los Muertos, Ticateh Ipan Miquixtlahuac”, que según la prensa fue un disco muy poderoso. ¿Cuál fue el hilo conceptual de este álbum? ¿Qué detalles nos pueden dar sobre este disco? Sin duda este disco fue el que marcó el punto de partida de la banda para el sonido que realmente buscábamos, el sonido de la muerte, y ése fue el hilo del concepto de esa producción.

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Ya integrándose Tliquiahuitl (instrumentos prehispánicos) y Tepeyolotl (bajo), XamanEk se pasó a la parte visual y ritualista, todo se acomodó en conjunto a nuestra idea original, para así poder crear las presentaciones llenas de música, muerte y misticismo. En cuanto al tema lírico, ¿qué engloba líricamente sus canciones? Lógicamente engloba todos los mitos y leyendas del México prehispánico, así como al culto que le tenían a la muerte, enlazándola con partes vivenciales y actuales. No sólo cantáis en español, también utilizan otra lengua en sus letras. Claro, es esencial y por pura naturaleza usar la lengua náhuatl, que era el origen del habla de nuestros antepasados. Las letras se escriben en español y náhuatl, y en vivo, aparte de cantarse, Xaman-Ek se encarga de recitar poemas o dialectos en náhuatl, creando así un manjar para los oídos de los asistentes en los shows. El 2018 fue un año muy importante para Cemican en materia de Festivales, pues estuvieron en el Wacken Open Air de Alemania. ¿Qué tal fue la acogida de la banda por parte del público? ¿Cómo fue que llegaron a hacer parte de este importante festival? Fue increíble la respuesta de todos los europeos. Nosotros nos sentíamos nerviosos por la expectativa que resultaría salir con los penachos, flautas y dejando un sacrificio wackinger stage, agregando que cantando en español y náhuatl jamás entenderían lo que hablaban nuestras letras, pero eso no fue ningún freno para que los europeos se identificaran y se deslumbraran con el show. Muchos esperaron al final para ir con nosotros y felicitarnos, y algunos comentaban que por qué no habíamos ido antes. La invitación fue directa de Thomas cuando vio el video que estrenamos en enero del 2018 (Guerreros de Cemican). LaCarne Magazine

Él nos encontró en la prensa del Wacken y nos dijo: “cuando vi el video le dije a Sasha: ellos deben de estar en Wacken, para que los europeos se den cuenta de México”. Escuchar eso del creador y fundador del Wacken fue un verdadero honor para nosotros, tanto así que nos invitaron al Winter Nights III, que se celebra en febrero del 2019. En este evento, Wacken Open Air, compartieron con importantes bandas a nivel internacional. Coméntanos qué ha significado esto para la banda. Significa mucho, porque siempre hemos sido fans de grandes banda,s y compartir cartel con Judas Priest, Helloween, Dimmu Borgir, Gojira, etc., es algo que como músicos no cambiaríamos, pero cuando los mismos músicos de esas bandas grandes van a ver el show de Cemican, por ejemplo, de Alestorm, Korpiklaani, que estuvieron ahí viendo nuestro show, y algunos integrantes de bandas grandes que estaban en el backstage hablando con nosotros del show que dimos, nos dijeron que jamás habían visto algo igual, eso es sorprendente para nosotros. La banda ha realizado algunas giras tanto aquí en América como en Europa. ¿Dónde se han presentado? ¿En que países? ¿Qué tal ha sido la aceptación? Sí, hemos tenido una muy buena actividad el año pasado. En Europa visitamos España, Francia, Bélgica, Alemania, y Holanda. “Guerreros de Cemican” fue el sencillo con que abrieron el año 2018. ¿Qué tal el recibimiento de los seguidores de la banda? ¿Este sencillo es como un adelanto a un próximo álbum? Así es, es el adelanto de lo que será el nuevo material que saldrá en abril de este año, y fue el que nos abrió las puertas para el Hellfest en Francia, y abrió el interés de algunas disqueras internacionales, a la par con el video oficial que estrenamos en enero del 2018 con el mismo título. Nuestros guerreros quedaron muy contentos,

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y les encantó el nuevo sonido más brutal y más poderoso. Así que espérenlo. En lo personal, será para mí el mejor disco de Cemican. La alineación a lo largo de todos estos años ha sufrido algún que otro cambio. ¿Ha sido difícil dar con los músicos adecuados para este tipo de banda? Presenta a nuestros lectores los actuales integrantes. Todos los integrantes han sido muy importantes para nosotros. Cuando entras a Cemican eres un guerrero, pero en ejemplo de Tepeyolotl y Tliquiahuitl, ellos dejaron la banda por cuestiones profesionales y familiares, tenemos muy buena relación con ellos aún, pero ahora estamos más concretos que nunca, y estamos actualmente Tecuhtli (voz y guitarra), Tlipoca (batería y huehuets), Mazatecpatl (instrumentos prehispánicos), Yei Tochtli (instrumentos prehispánicos), Xaman-Ek (rituales y performance) y Ocelotl (bajo y coros).

neral, y ser aceptados por lo que hacemos. Sobre todo el WACKEN, que es la cima a llegar de todo músico, y este año otro de los festivales más importantes, el HELLFEST. La escena mexicana es muy amplia, muchas bandas y muchos eventos. ¿Cómo ves el panorama actual de la escena en tu país? Hay muchas buenas bandas, eventos y festivales. La escena es muy buena, pero es muy madeichista, no hay apoyo a las bandas locales, inclusive las mismas bandas locales son muy envidiosas o no hacen nada por apoyarte si estas un escalón más abajo que ellos. A nosotros nos ha costado mucho llegar a donde hemos llegado, pero si podemos llevar de la mano a otras bandas, lo hacemos sin pensarlo. Nos encanta que otras más triunfen, porque en México uno mismo se solventa todo y sabemos lo difícil que es salir adelante.

Con algo más de 10 años en la escena, tenéis muchas giras. ¿Cómo defines la evolución de la banda a lo largo de estos años? ¿Cuál ha sido su mayor obstáculo como banda? ¿Y el mayor logro? Hemos madurado mucho como banda y evolucionado tanto que vamos al pie del cañón, cada evento grande o pequeño te deja una enseñanza sin igual al que debemos corregir o ser más constantes. Hemos tenido pláticas con grandes artistas que en la carrera de ellos han pasado lo mismo, que nos han hasta aconsejado. Nuestro mayor obstáculo: el apoyo en el país, tanto de cultura como económicamente, y a veces de la gente que no creían en esto, pero hemos salido adelante ante todo. Y el mayor logro ha sido el haber llevado nuestra música al viejo continente, y a todos en ge-

Me imagino que hay planes ya en mente para este 2019, ¿alguna gira, conciertos, disco…? Sí, estamos ansiosos ya de que salga nuestro tercer disco en abril, sí hay nueva gira por Europa, resaltando el Hellfest, gira por USA, y esperemos también concretar el booking por Latinoamérica. Bien, esto es todo. Gracias por el tiempo tomado para responder la entrevista. ¿Algún mensaje o comentario final para los lectores de LaCarne Magazine? Muchas gracias por tomarnos en cuenta, y siempre sigan sus ideales, la perseverancia es lo que te hace grande. ¡TODOS SOMOS GUERREROS! Escuchen nuestra música, estamos en todas las plataformas de música. ¶

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girando por salas hablamos con herminia martínez

irando Por Salas es un circuito de conciertos donde se facilita a los grupos emergentes promocionar su trabajo por toda España. Llevan 9 ediciones trabajando con pasión por la música en España, llegando a convertirse en un engranaje fundamental del sector en el país. Para conocer más sobre Girando por salas, hablamos con Herminia Martínez, coordinadora del proyecto. ¡Hola, Herminia! Girando Por Salas lleva, con ésta, nueve ediciones, pero sabemos que el camino no ha sido fácil. ¿Cuál es la mayor satisfacción que habéis obtenido a lo largo de todas estas ediciones? Para mí, la mayor satisfacción es ver cómo los grupos que entran como emergentes en GPS y aprovechan las ayudas, al poco tiempo los

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veo en las programaciones de festivales o de salas. Quiero decir, las ayudas que les ofrecemos tienen realmente un impacto en sus carreras, que es el objetivo real del programa. Sabemos que un proyecto como Girando Por Salas conlleva un gran trabajo en el que participan una gran cantidad de personas, entidades, salas, etc. ¿Cuánto tiempo lleva organizar un circuito como éste y cómo gestionáis todo ese volumen de trabajo? Contamos a nuestro favor que llevamos 9 ediciones ya realizadas, por lo que el funcionamiento y los plazos los tenemos muy claros. Lanzar una convocatoria suele requerir casi dos meses de previa entre imagen, programación de la web, adecuación de las bases, maquetación, comunicación a medios… En la oficina sólo somos 3 personas, y una de ellas se dedica exclusivamente a comunicación y

la procedencia del grupo, estilo musical, carrera del grupo… Lo que sí puedo confirmar es que cada año los solicitantes tienen más claro que esto no es un concurso de talentos, que requiere cierto grado de profesionalidad, y estamos a su disposición para cualquier duda que tengan. Para esta edición de GPS9, ¿cómo habéis visto la participación de las bandas? ¿Se mantiene la calidad de las propuestas? Sí, es sorprendente la cantidad de solicitudes que recibimos y del altísimo nivel que hay en este país. Y hablo de todos los estilos: el rap y músicas urbanas están en auge, aunque su modelo de consumo de música es distinto, muchos de ellos no tienen ningún EP editado, tan solo singles. Respecto al rock, me encanta la variedad musical que se abarca, el pop sigue siendo el estilo rey de este país, y cada vez se canta más en español.

redes sociales. La gestión la hacemos desde el absoluto amor a la música y el respeto al dinero público. Manejamos mucha información por ser muchos los conciertos, grupos y salas implicadas, así que es fundamental ser ordenados y rigurosos. Tengo la suerte de contar con dos personas muy responsables y entregadas a su trabajo. Tras las inscripciones de las bandas en el circuito GPS, nos gustaría que nos hablaras sobre el proceso de selección de bandas. ¿Cómo ha sido este año? ¿Qué es lo que tenéis en cuenta a la hora de hacer esa selección? La tarea de la oficina es cotejar que las propuestas cumplen las bases de la convocatoria. Ahí no entramos en gustos o calidades, sólo confirmar que la banda podría recibir las ayudas. Quien hace realmente la selección es el jurado, que tiene en cuenta factores como

¿Cómo veis la salud de la música en España? ¿Se puede hablar de un recambio generacional? Me parece que no hay suficiente tejido para tanta propuesta creativa. Me da pena la cantidad de recursos y energía que se gastan los grupos en grabar sus álbumes sin que haya un futuro fácil para que puedan llevar al directo sus propuestas. Estamos saturados de festivales que suelen repetir cartel, las salas no cuentan con apoyo suficiente del público para sostener el panorama el resto del año. No faltan músicos en este país, falta tejido para que se puedan desarrollar convenientemente. Ha sido un placer hablar contigo, Herminia, y descubrir más acerca de Girando Por Salas. Esperamos seguir disfrutando de muchas más ediciones. Muchas gracias por vuestro interés en GPS. Lo único que me gustaría comentar es que los músicos trabajan todo el año, que no olvidemos la importancia de su desarrollo en las salas de conciertos. Está genial ir a festivales, ¡¡pero apoyemos todo el año a las salas y a los creadores!! ¶

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