LaCarne Magazine N81 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº81 - FEB 2019 - AÑO 8

Eírasofía

Rock, Grunge y experimentación sonora

EXPERIENCIAS

Improvisación libre

investigación

iván lins - Louis Armstrong - gal costa

ENTREVISTAS

psicozis - descalzas - moths paul Jové - accordo - gustavo obligado - apologgía - cristal y acero

SUMARIO N81 aÑo 8 feb 2019

experiencias 06 Improvisación Libre, conversaciones para reflexionar

32 Descalzas, fusión para hacernos disfrutar

36 Moths, un sonido único en la escena portorriqueña

investigación 40 Paul Jové, creador de paisajes sonoros 10 Ivan Lins, un genio del jazz brasileño 46 ACCORDO, inquietud artística y 12 Louis Armstrong, energía y vitali- musical dad musical 54 Improvisación Libre con Gustavo 18 Gal Costa, difundiendo la música Obligado tradicional brasileña 58 Apologgía, Thrash Metal de la vieja escuela entrevistas 62 Cristal y Acero, pioneros de la 28 Psicozis, Punk y crítica social Ópera Rock en México desde México

Eírasofía,

Rock, Grunge y experimentación sonora

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, ángela sumy, j.g entonado, maría eugenia rincón

Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Improvisación Libre conversaciones para reflexionar

no vas a ponerte a improvisar sin idea alguna o criterio de lo que vas a hacer. LEER MÁS

Conversaciones con Miquel Angel Marín II J. G. Entonado: Me hago las siguientes preguntas: hace poco, hablando sobre improvisación libre y de un curso de esa misma materia, oí una afirmación que decía que es mejor tener conocimientos amplios de lo que vas a hacer para no ser rehenes de la ignorancia y estar sometido al azar. Hasta cierto punto estoy de acuerdo, porque

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Pero, ¿es mejor ser rehén de la sabiduría, tenerlo todo controlado, y que esto te impida a lanzarte sin red? Porque eso lo he visto unas cuantas veces en músicos que son excelentes, pero que se lo piensan dos veces antes de arriesgarse. De hecho, la improvisación libre es eso, ¿no? Riesgo e incertidumbre. En un libro del autor R. Murray Schaffer llamado “El rinoceronte en el aula”, pone que “los productos musicales más impactantes son el resultado de nuestras limitaciones más que de la inspiración”.

Eso también pasa en la ciencia. Hay descubrimientos asombrosos que vienen de la confluencia entre trabajo constante y azar. Entonces, me pregunto, ¿la originalidad puede ser en cierta medida producto de la ignorancia?

cos que improvisan? ¿De qué te sirve el virtuosismo si no te deja dialogar, conversar con el músico que tienes a tu lado? No sirve para nada, no sirves para nada.

Es difícil encontrar a un niño que sea incapaz de realizar una pieza musical original. Según Schaffer, para un niño de 5 años el arte es vida y la vida es arte. Así que ser rehén de esa ignorancia no será malo del todo, ¿no?

Como en tantas cosas, ni recetas, ni fórmulas, ni a prioris, ni intenciones, ni propósitos, ni asegurar el tiro. Allí donde pongo el ojo (soy estrábico) no pongo la bala, y por arte de magia se me aparece la poesía.

J.G. Entonado: Y otra pregunta. ¿Es tan importante en la música el virtuosismo? Porque la gente flipa con eso.

Me etivoco, perdón, me equivoco, y de repente me encuentro en un jardín, todo es fértil, todo crece, exuberancia por todas partes, no me lo puedo creer, un milagro.

También dice en ese libro que el problema de especializarse en la celeridad digital reside en que la mente se vacía durante el proceso, el quehacer musical creativo pierde terreno frente al desarrollo de las habilidades interpretativas. Miquel Àngel Marín: ¡Ah, el virtuosismo! Oigo esta palabra y resuena el vacío dentro de mí. ¡Lo contrario de la poesía! J. G. Entonado: Juan Crek me dijo cuando fuimos al Festival Bouesía: “prefiero una nota mal tocada, que mil notas bien tocadas” jajjajaja Miquel Àngel Marín: IMPROVISAR O NO IMPROVISAR, HE AQUÍ LA CUESTIÓN. facultad de música Un buen criterio para mi improvisación libre de hoy (¿por cierto, estoy improvisando música ahora, con estas palabras? Ya que, después del 4’33” de Cage, todo es música, o no, y por tanto, las palabras también.): ¿Ha habido riesgo e incertidumbre en el devenir del concierto? ¿Cuántas veces has asegurado el tiro con fórmulas o trucos ya sabidos? ¿Y mis tics característicos? ¿Es posible despojarse de pelajes, desnudarse, ser transparente en escena? Como en tantos sitios, ¿está también prohibida la ternura en el escenario? ¿Es posible un verdadero diálogo entre músi-

Espero un rato, y del silencio surgen cuerpos que me hablan, que me sugieren cosas, nombres y números, me hablan del inframundo, de la inframúsica, de músicas sin nombre, lejos muy lejos, sueños y más sueños, una felicidad absorta y dichosa. Santa ignorancia que te deja lanzarte sin red, y santa sabiduría que te deja lanzarte sin red. Santos bloqueos que vienen de tantos sabios e ignorantes consejos, advertencias, recomendaciones, avisos y lecciones. Santa música, modelo de bondad y belleza, que abandona a sus hijos ignorantes o sabios improvisadores a merced del pérfido azar. Santos nombre y número de la música, sálvanos de la inframúsica, sálvanos de las músicas sin partitura, de las músicas sin hoja de ruta, de las músicas salvajes, de las músicas que huyen de la codificación salvaje, de las músicas peligrosas, de las músicas que dialogan, conversan, se abren, se desnudan, se lanzan al abismo del otro. Atentamente, Miquel Àngel Marín y J.G. Entonado (a.k.a. Arín Dodó) ¶

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investigaciรณn

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n en esta primera edición hablaremos de Iván Lins, músico brasileño que se ha destacado por sus composiciones y su desarrollo musical, y su larga trayectoria dentro del mundo de la música popular brasileña y el Jazz Estadounidense, lo cual le ha hecho merecedor de diversos premios y reconocimientos a nivel internacional.

Brasil y su genialidad musical: Ivan Lins Nacimiento de un genio Iván Lins nace en Rio de Janeiro el 16 de Junio de 1945, hijo de un militar brasileño (Gerardo Lins) y su madre (Leia Guimarães), nacida en Portugal. A los dos años de edad, Ivan Lins se traslada con su familia para los Estados Unidos de Norteamérica, al estado de Massachusetts, donde permanece durante tres años. Al regreso a su país natal, Brasil, fue inscrito para cursar estudios en un colegio militar, y a los doce años de edad tuvo por vez primera su encuentro con la música ingresando en la banda del colegio. La memoria musical infantil de Ivan Lins se desarrollará entre fados, samba, bossa nova y jazz, otorgando más adelante a este músico y compositor el sincretismo cultural patente en sus creaciones musicales. A los dieciocho años de edad, Ivan Lins aprende a ejecutar el piano, influenciado intensamente por géneros musicales como el Jazz y la Bossanova. Éxito precoz El talento de este músico lo lleva en el año de 1968 a participar en el Festival Universitario TV Tupy con la canción “Ate Amanecer”. Ese mismo año compone la canción que mayores reconocimientos le ha dado a Lins, que

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un genio del jazz bras

Ivan Lins se titula “Madalena”.

Ya en el año siguiente (1969), Elis Regina, extraordinaria cantante brasileña, graba la canción “Madalena”, con la cual obtuvo un gran éxito, dando el impulso esperado al compositor. En el año de 1970 Ivan Lins participó en el V FIC como cantante con la canción “El amor es mi padre”, obteniendo el segundo lugar. El compositor prolífico Numerosas han sido las composiciones de este músico, canciones como “Somos todos iguais, “Nesta noite”, “Começar de novo” (canción de la novela Malu Mulher), “Dinorah, Dinorah”, “Bandeira, “Lembra de mim”, “Depende de nós”, “Novo Tempo”, todas en sociedad creativa con Víctor Martins, sin duda alguna determinaron la dirección de la carrera musical ascendente de Ivan Lins.

Las composiciones musicales de Lins siempre han estado presentes en producciones de cine y televisión brasileña. Su sociedad con Martins en la creación de composiciones originales ha servido de base para las letras y composiciones de diversos cantantes brasileños, tales como Gaetano Veloso, Ronaldo Monteiro, Abel Silva, Martinho da Vila, Aldir Blanc, Chico Buarque, Moska, Nei Lopes, Chico César, Salgado Maranhão, entre muchos otros.

sileño

Ivan Lins, el empresario La obra musical e iniciativas de Ivan Lins y Vitor Martins siempre han aportado elementos creativos, de promoción y divulgación, que a lo largo del tiempo se convertirían en valores agregados que impulsarían de manera vertiginosa la evolución de la música popular brasileña en general a la palestra internacional. Es por ello que en el año de 1991 deciden fundar la compañía Velas, discográfica nacional brasileña y privada que tenía como fin promocionar el trabajo de nuevos artistas populares brasileños.

Ivan Lins siempre guardó en su memoria la infancia vivida con sus abuelos maternos originarios de Portugal, es por ello que en el año de 1977 decide rendirle tributo componiendo un fado que se titula “Um fado”. Esta composición fue interpretada por diversos cantantes de Portugal, entre los cuales se mencionan Carlos do Carmo, Mariza, Antônio Zambujo, Maria João Quadros y Cuca Roseta. En el año de 1980, las creaciones de Ivan Lins adquirieron un matiz internacional de gran repercusión. Obras de Lins fueron grabadas por diversas estrellas de la música Estadounidense, tales como Sarah Vaughan, Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Carmen McRae, George Benson, Lee Ritenour, Dave Grusin, Manhattan Transfer, Take 6, New York Voices, Sting, Diana Krall y Barbara Streisand.

Chico César, Lenine, y Guinga pasaron por sus manos,además de artistas brasileños olvidados y excluidos. Uno de los proyectos trascendentales que ejecutó dicha discográfica fue el trabajo póstumo que realizó a la extraordinaria cantante brasileña Elis Regina. Ivan Lins, músico celebre, ha recibido varios premios grammy y diversos reconocimientos y medallas otorgados por el Gobierno Brasileño. Su obra es digna de admiración y ejemplo para millones de músicos en constante renovación creativa y búsqueda de su identidad y estilo musical.¶

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Louis Armstrong energĂa y vitalidad musical

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ueno, lo primero: ¡Feliz 2019! Espero que este año venga cargaditos de cosas buenas para todos y mejor música. Yo estoy de aniversario, un año entero escribiendo para vosotros… Me hace muy feliz, y creo que este nuevo año lo vamos a pasar muy bien. Para estrenar el 2019 no se me ocurre nada mejor que hablaros de uno de mis hombres favoritos (sí, ya sé que digo esto demasiado a menudo…), una de las figuras más influyentes (sino la que más) del mundo del Jazz, que ofrece cinco décadas de carrera sin perder un ápice de swing en ninguna de ellas. Hablamos, ni más ni menos, que del Rey del Jazz: Louis Armstrong.

Louis Armstrong y sus comienzos en la música Louis Daniel Armstrong nació un 4 de agosto de 1901 en Black O’Town, en el distrito de Storyville (auténtica cuna del Jazz), un barrio de Nueva Orleans frecuentado por tahúres, prostitutas, todo tipo de predicadores, y muchos Honky Tonks (clubes de mala muerte donde podían actuar los músicos negros de la ciudad), donde la pobreza era extrema y la gente tenía que buscarse la vida como buenamente podía. Con 5 años, sus padres se separan y él pasa a vivir al distrito tercero de la ciudad con su madre y su abuela Joséphine, y allí empieza a moverse por los clubes cantando, y a trabajar con la familia Karnosfky (que le compró su primera trompeta). En el garito Dago Tony’s recibirá sus primeras clases de viento, y con 7 años forma un cuarteto vocal, los Singing Fools, con quien interpretaba canciones Góspel y Ragtime (música derivada de la marcha militar pero con una melodía sincopada) por las calles.

En 1913 es detenido y llevado a un reformatorio local para niños negros de la ciudad. Allí participa en la banda del centro, dirigida por Peter Davis, su primer maestro de música, que enseña a Louis a tocar la batería, el clarinete, el trombón, y, finalmente, la trompeta.

sus primeros años como trompetista Al salir del reformatorio, Louis comienza a ganarse la vida tocando en cabarets, bailes y desfiles de la ciudad, hasta que en 1918 conoce a King Oliver, que se convertiría en su mentor (y casi padre). Cuando las autoridades cerraron el barrio de Storyville, muchos músicos decidieron marcharse de la ciudad para probar fortuna, uno de ellos fue King Oliver, que se fue a Chicago, pero antes le pidió a Kid Ory que contratase a Louis para sustituirle en su banda, y ahí, amigos, es donde empezó Satchmo a batir sus alas. Pronto asombró a todos con su capacidad de memoria y sus enormes progresos, y en pocos meses se convertía en co-director del conjunto, haciendo entrever su virtuosismo. Además, en esta época fue contratado en un river boat, cruzando el Mississippi, que hará que se desarrolle más aún su talento explosivo (auténtico sonido sureño). A principio de los años 20 es llamado por King Oliver desde Chicago para acompañarle en su mitiquísima Creole Jazz Band como segundo trompeta. Con esta orquesta, tanto Louis como Oliver alcanzarán una fama enorme. Estos dos se marcaban unos dúos que se caracterizaban por las improvisaciones de breaks y aceleraciones, se suspendía el acompañamiento durante lo cual el solista podía improvisar sin acompañamiento de la sección rítmica. Se sincronizaban de manera perfecta. En 1923 aparecerá su primer solo grabado, la canción Chimes Blues. En 1924 ya era el trompeta LaCarne Magazine

más poderoso y creativo del grupo.

El comienzo de una nueva época Ese mismo año, se va de la banda de King Oliver y empieza a hacer sus primeras grabaciones. Su sonido era tan explosivo que tenía que tocar separado de la orquesta para poder conservar el equilibrio de toda la banda. Conoce al músico Fletcher Henderson, que se empeña en enseñarle a leer música, y juntos inician una nueva época para Louis. A mediados de los 20 estaba en la cúspide del Jazz, empezó a grabar discos con su propia banda, los Hot Five (después Hot Seven), integrada por los mejores músicos de Rag de Nueva Orleans, con la All Stars y con la Louis Armstrong and His Stompers, discos que hoy son auténticos clásicos, con canciones como Heebie Jeebies, la primera muestra del estilo vocal de Louis Armstrong, el Scat (¿os suena?). En sus discos se conserva el auténtico sonido de Nueva Orleans, pero mezclado con los sonidos más sofisticados de las orquestas de los bailes de salón.

ciones como On the Sunny Side of the Street, Songs of the Vipers o Saint Louis Blues.

Louis Armstrong rompe con toda estructura polifónica, algo característico de las orquestas, permitiendo a los solistas expresarse a su aire y ampliando el campo de expresión del Jazz.

A su regreso a Estados Unidos formó una banda con músicos de Nueva Orleans únicamente, creando una serie de grabaciones con un sonido tan auténtico que solo puede definirse como Sonido Nueva Orleans. Estos serán, de nuevo, años de muchos éxitos.

Por primera vez aparecen los solistas como tal, y estos, además, podían improvisar, haciendo del Jazz una música mucho más expresiva.

Los años 40, como ya deberíais saber, son los años del Bebop: este estilo a nuestro Louis pues…, ni fú ni fá, ni le gustaba, ni lo entendía, ni se preocupaba por él.

Ésta será la época más fructífera de su carrera, moviéndose entre el Dixie, el Charlestón y el Rag, y recorriendo Estados Unidos de cabo a rabo. Encontramos grabaciones tan geniales como Hatter Than That o Savoy Blues.

Sin embargo la época de las orquestas había pasado, y en este momento empieza a grabar adaptaciones de canciones populares con pequeñas formaciones que tienen un sonido muy suave.

A principio de los años 30 marcha de gira a Europa precedido por el éxito de sus discos, incluso se instala durante una época allí. Ahora adquiere un estilo mucho más fácil, con graba-

Su fama mundial

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Su éxito parece desinflarse en Estados Unidos, sin embargo el resto del mundo recla-

ma su ingenio y se embarca en varias giras mundiales, que le llevarán desde Canadá, a Japón, pasando por África. Además, es el momento de las grandes colaboraciones: Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Count Basie, Coleman Hawkins, Bessie Smith, Dizzy Gillespie, Billie Holiday…, la lista es interminable. Es la época de temas tan inolvidables como La Vie en Rose o What a Wonderful World. Su ritmo de trabajo era brutal, sus labios cada vez estaba más deteriorados, y, además sufrió un operación de garganta. Sin embargo, Louis desbordaba una energía increíble, un rasgo de su personalidad que todo el mundo admirada y proclamaba. Louis Armstrong era buena gente (y punto). En 1946 Satchmo participó en el rodaje de la película Nueva Orleans, que trajo un renacimiento del jazz más primitivo en plena escena Bop; y así trascurrían las décadas para nues-

tro Pops: colaborando con amigos, participando en películas y de gira en gira, recorriendo el mundo y regalándonos conciertos tan increíbles como los celebrados tanto en el Estadio de Elisabethville en Nairobi, o el de Nueva Orleans en 1965. Sin embargo, en 1967 se le detecta una neumonía. Él sigue tocando de allí para acá, pero a finales de verano es hospitalizado por flebitis. Después llegaron los problemas renales, y su salud se deterioraba cada vez más. El final llegaría el 6 de julio de 1971, una afección pulmonar se lo llevó en la tranquilidad de su casa. Louis Armstrong representa la energía y la vitalidad musical. A través de la reorganización del compás clásico consigue abandonar el unísono orquestal de la época en favor de los solistas, dando el paso necesario para que el Jazz pudiese evolucionar. Era un excelente trompeta que, a pesar de LaCarne Magazine

tener dificultad para leer los arreglos, se las apañaba para de salir del paso a través de su prodigiosa memoria.

Louis Armstrong y su lucha contra el racismo Es curioso como siempre se mantuvo entre dos mundos, pues era una gloria nacional, pero siempre estuvo marcado por la segregación racial de esos mismos que le glorificaban. La historia con el racismo de Louis Armstrong es curiosa, durante mucho tiempo se le achacó que no se implicase en la lucha de sus hermanos negros, siempre ofreciendo una imagen de negro alegre y conciliador (le llamaban para ridiculizarle, Tío Tom o “el buen salvaje”). Sin embargo, él siempre luchó contra el racismo, fue uno de los primeros músicos en romper con el veto para artistas negros en los hoteles, y cuando le proclamaron embajador cultural para hacer una gira por Europa, su

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respuesta fue: “¿Cómo puede ir un negro por el mundo en representación de un país que trata a sus ciudadanos negros como si fueran basura? Si me preguntan por ahí qué está pasando en mi país, ¿qué voy a contestar? Por el modo que están tratando a mi gente en el sur, este gobierno se puede ir al infierno”. Donó cuantiosísimos fondos a la causa de Martin Luther King. Y además, tenía una personalidad arrolladora, una sonrisa amplia, una voz inconfundible y un carisma inigualable. Wynton Marsalis dice de él: “Armstrong nos enseñó a todos cómo tocar, y enseñó al mundo lo que es el Jazz”, y Miles Davis decía: “no puedes tocar con una trompeta nada que Louis Armstrong no haya tocado ya”, y yo no voy a ser quien les quite la razón. ¡Te queremos, Papa Pops! ¶

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Gal Costa difundiendo la música tradicional brasileña

ser un absoluto éxito.

Gal Costa y el movimiento tropicalismo

sta extraordinaria cantante brasileña Gal Costa nace el 26 de septiembre de 1945 en Salvador de Bahía, Brasil. Hija de Mariah Costa Penna y de Arnaldo Burgos. Desde pequeña amaba la música, estudió en el colegio Das merces, y ya a los 15 años comenzó a ejecutar la guitarra.

En el año de 1968 Gal Costa forma parte del movimiento tropicalismo con los cantantes Gilberto Gil, Gaetano Veloso y María Bethania, difundiendo a través de la música las tradiciones brasileñas. Gal Costa fue elogiada por la crítica, considerándola “Musa del movimiento tropicalista”.

Esplendor y éxito

En el año de 1963 su profesora de danza, Lais Salgado, impresionada por la maravillosa voz de Gal, decide llevarla y presentarla a Gaetano Veloso.

Luego en el año de 1969 la cantante graba dos álbums en solitario titulados “Legal”, y “Gal Costa”, donde incluye temas de Gaetano Veloso y Gilberto Gil, encontrándose estos en el exilio.

En el año de 1964 Gal se traslada a Río de Janeiro, donde graba con María Betania y Gaetano Veloso, pero no fue sino hasta el año de 1967 que graba su primer álbum, “Domingo”, de la mano de Gaetano Veloso, el cual resultó

En el año de 1971 grabó un álbum con éxitos de Roberto Carlos y Gaetano Veloso, entre los cuales se mencionan Sua estupidez y Você não entende nada.

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Gal Costa compartió en varias oportunidades escena con el músico Tom Jobin, extraordinario pianista y compositor brasileño. Gal Costa ha grabado gran cantidad de discos con canciones en su mayoría compuestas por Gaetano Veloso, por los cuales ha tenido un éxito arrollador, siendo acreedora de premios y galardones a nivel internacional. Entre los éxitos podemos mencionar: • • • • •

Domingo (con Caetano Veloso) (1967) Gal Costa (1969) Gal (1969) Legal (1970) Fa-Tal – Gal A Todo Vapor – ao vivo (1971) • Índia (1973) • Temporada de verão – ao vivo na Bahia (con Caetano Veloso y Gilberto Gil) (1974) • Cantar (1974)

• Gal Canta Caymmi (1976) • Doces Bábaros – ao vivo (con Caetano Veloso, Gilbeto Gil y Maria Bethânia) (1976) • Caras e Bocas (1977) • Água Viva (1978) • Gal Tropical (1979) • Aquarela do Brasil (1980) • Fantasia (1981) • Minha Voz (1982) • Baby Gal (1983) • Profana (1984) • Bem Bom (1985) • Lua de Mel Como o Diabo Gosta (1987) • Plural (1990) • Gal (1992) • O Soriso do Gato de Alice (1993) • Mina d’Água do Meu Canto (1995) • Acústico MTV – ao vivo (1997) • Aquele Frevo Axé (1998) • Gal Costa Canta Tom Jobim Ao Vivo (1999) • Gal de Tantos Amores (2001) • Bossa Tropical (2002) • Todas as Coisas e Eu (2003) • Hoje (2005) • Gal Costa Live At The Blue Note (2006) • Gal Costa Ao Vivo (2006) • Recanto (2011) • Estratosférica (2015) • A Pele do Futuro (2018) Gal Costa, dotada de un don natural para el canto y gran virtuosismo en su ejecución vocal, graba un álbum en el año de 1979, en el cual se incluye la canción Meu nome Gal. Ésta le dio un enorme éxito y popularidad a la cantante, quedando evidenciado su extraordinaria agilidad vocal y magistral escena. En el año 2000 Gal comparte escena con el gran Luciano Pavarotti, y su compañera de andanzas musicales, la extraordinaria cantante María Bethania, con la canción Mañana de carnaval, evento organizado por el gobierno de Brasil en conmemoración de los 500 años de la fundación de la nación brasilera. ¶

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Eírasofía

Rock, Grunge y experimentación sonora

mas digitales, con el cual se dieron a conocer más ampliamente. LEER MÁS

esde Paraguay llega esta banda de post grunge! Eírasofía nace en mayo del 2015 en la ciudad de Asunción.

Comenzó como un proyecto de varios músicos, de los cuales algunos pertenecen a otras bandas, y deseaban hacer algo distinto a lo que hacen en sus respectivas formaciones. Al poco tiempo lanzan un EP en las platafor-

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Ya la agrupación cuenta con su álbum debut, del cual estará hablando aquí su vocalista Guille Ripoll, y de otros temas relacionados a Eírasofía. eírasofía ¿Podrían compartir todo lo relacionado a los comienzos de Eírasofía? ¿Cómo comenzaron a darse a conocer? Eírasofía es un proyecto de nuestro guitarrista compositor Sebastián Centurión.

Tanto el nombre de la banda y la idea del sonido inicial ya estaban preestablecidos por él. Siguiendo con la propuesta, se suma el baterista José Miguel Peralta, luego entré yo como vocalista, y finalmente el bajista Carlos Samudio. Comenzamos a ensayar y crear basados en los riffs de guitarra de Sebas. Se fue dando la química y tomamos gusto por nuestro sonido, fuimos ampliando el repertorio de temas visionando salir a los escenarios locales. En el proceso decidimos grabar un EP para promocionar nuestra música, y así nos fuimos

dando a conocer, sonando en radios locales y tocando en vivo. Algunos de los integrantes provienen de otras bandas, ¿entonces podemos decir que formar una banda de este corte era algo que llevaban por dentro de hace rato? Creo que siempre existe esa “sed” de querer experimentar nuevas fórmulas musicales, probablemente fue así…, había esa sed… y nos saciamos en cierta forma con Eírasofía. ¿Por ahora quiénes conforman la agrupación? La banda está formada actualmente por Sebastián Centurión (guitarra), Jorge Barrios LaCarne Magazine

(bajo y voz), José Miguel Peralta (batería), y Guille Ripoll (voz y letras). En su propuesta musical se puede apreciar una conjugación de ritmos rock, grunge… ¿Por qué apostaron por esta propuesta musical? ¿Alguna importante influencia? Nos sentimos identificados en esencia con el sonido Rock/Grunge, pero también gustamos del Post Grunge, sonidos New Metal hasta Industrial. No estamos atados ni nos cerramos a ninguna posibilidad sonora. Hay bandas que inevitablemente nos fueron marcando, como Nirvana, Alice in Chains, Pearl Jam, Guns n’ Roses, Marilyn Manson, Deftones, Korn… entre otras. Es por esa esencia que decidimos apostar por esa propuesta. Al poco tiempo de formados lanzan un EP bajo el título “Cero Negativo”. ¿De qué forma distribuyeron este primer material? ¿Cómo fue recibido, la aceptación qué tal fue? Una vez listo el EP, comenzamos con la difusión radial, y posteriormente por medio de plataformas digitales y redes sociales continuamos con la promoción por estos últimos, para poder llegar a una mayor audiencia. Creo que gracias a esa constante difusión y a la responsabilidad con la que encaramos nuestra movida, fue recibido de manera positiva y tuvo buena aceptación. Ustedes ocuparon un importante puesto en el concurso Vive Rock Latino del 2016. Coméntanos sobre este logro obtenido. Sí, fue una grata experiencia, ya que no solíamos participar en competencias y shows de este tipo. Ganamos el primer puesto y quedamos como representantes de la cadena Hard Rock Café de Paraguay en dicho concurso. Obtuvimos premios además de recibir la aceptación de otro tipo de público. Fue divertido participar.

disco: temas, la forma en que lo han promocionado… “Oscurando” es nuestro disco debut. A partir de que nuestro repertorio de temas iba creciendo, empezamos a pensar en llevarlos a estudio y así sucedió.

Su más reciente trabajo es el álbum titulado “Oscurando”. Háblame un poco sobre este

“Oscurando”, el título está escrito en italiano, significa oscurecer, que fue lo que íbamos

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Esta canción nos muestra la otra cara del amor y de cómo puede volverse trágica, dramática y sangrienta una relación tóxica hasta destruirnos mutuamente, enfrascados en una obsesión, como sucede con la mayoría de los sentimientos y emociones humanas cuando no pueden ser controlados. “Oscurando” es apagar las luces externas y ver dentro de uno mismo, es afrontar nuestros demonios y aceptar la locura de la naturaleza humana sin perder el rumbo, sin perder la fe en lo que sea que nos hace ser. Este disco lo grabamos, mezclamos y masterizamos en Dacosta Producciones, del músico y productor César Da Costa, acá en Paraguay. Fue una experiencia muy satisfactoria trabajar con él como productor, y también aportando con su participación en algunas canciones en lo que refiere a loops y alguna que otra sugerencia determinante. Después de concluir nuestro trabajo, nos encontramos más que conformes con el resultado. Empezamos a lanzar los cortes promocionales Oscurando y Almaluz por medio radial y plataformas digitales para promocionar lo que sería el lanzamiento oficial del disco. Posteriormente fijamos una fecha de concierto/lanzamiento junto a bandas amigas de la escena local. Un momento realmente memorable para nosotros. Creo que este disco nos catapultó a ganarnos un lugar en la escena. El disco está disponible en las principales plataformas digitales. haciendo con nuestro sonido y con la lírica a medida que se desarrollaban las mismas. Me refiero al tipo de historias que contienen las canciones y al sonido en sí. La canción que abre el disco toma el mismo título (Oscurando). Fue la canción que en cierta forma definió la estructura de las demás, y fue el hilo conductor del estilo.

Transcurrido un cierto tiempo desde la edición de “Oscurando”, ¿están satisfechos con el álbum? ¿Sienten que los representa en total forma? Por supuesto, es lo que buscábamos. Nos llevó al siguiente nivel y siempre este tipo de viaje tan personal representa nuestra existencia misma.

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La banda ha realizado algunas giras y presentaciones en varias ciudades de su país. ¿Dónde se han presentado? ¿En qué ciudades? ¿Qué tal ha sido la aceptación? Estuvimos recorriendo bastante, desde cumpleaños, salas de concierto y bares nocturnos hasta grandes festivales nacionales como el #Efectour de los amigos de Nhandei Zha, De la Gran Fest!, Rock Haihu 2, Cabezones en Paraguay y el Flou Rock Fest 2018.

¿Cómo describes la dirección de las nuevas composiciones comparadas con los temas de su primer disco? Creo que estamos mutando en cierto aspecto, y desafiándonos al mismo tiempo. Todo apunta a algo mucho más maduro, dada la experiencia que fuimos ganando en el camino, y las ganas de experimentar e ir sumando elementos que enriquezcan nuestro sonido.

Estuvimos por ciudades del interior como Capiata, Ypakaraí, Ita, logrando buena respuesta por parte de diferentes tipos de audiencia.

Les doy la primicia de que ya estamos pensando en un segundo disco, y los temas están ahí, flotando, buscando penetrar cráneos.

El trabajo audiovisual es algo tan importante como la imagen o la música para la promoción de una banda. En este aspecto, ¿cuentan ya con algún video clip? Si es así, cuéntanos sobre su realización, producción… Justamente venimos de promocionar hace unos meses atrás el tercer corte (Presagio) del disco, acompañado de un video producido por Ikatú Producciones, del músico y audiovisualista Starky Villagra, que cuenta con muchos años de experiencia en el arte audiovisual paraguayo y un gran equipo, como son el fotógrafo Juanma Benítez y la maquilladora Valerri Ramos.

¿Cuál consideras el mayor logro de la banda hasta la fecha? ¿Qué les queda por hacer? ¿Alguna gira fuera de Paraguay? El mayor logro fue ganarnos un lugar en una escena muy exquisita como lo es aquí en Paraguay, ganarnos el afecto y respeto de nuestro público.

La realización se llevó a cabo en la casa quinta de nuestro bajista (Jorge Barrios). Logramos encontrar en ese lugar el aire perfecto que deseábamos, y eso nos permitió trabajar a gusto. La idea original del guion corrió por mi cuenta, y se sumaron ideas del resto de la banda y del equipo de producción. En esta producción logramos enfatizar nuestro lado actoral, y nos sorprendimos a nosotros mismos, grata experiencia realmente. El videoclip de Presagio lo pueden ver en nuestro canal oficial de YouTube y la fanpage del Facebook. También hicimos una mini gira de promoción por diferentes programas de radio y televisión, logrando críticas positivas y alguna que otra constructiva. Todo esto nos ayudó a seguir creciendo como banda.

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Hay mucho por hacer, por lo pronto tenemos pensado hacer un show en formato acústico de los temas del disco, y hacer alguna nueva producción audiovisual. Nos gustaría participar en algún show internacional y poder viajar cada vez que se pueda. Sería ideal una gira fuera de Paraguay. ¿Qué podemos esperar de Eírasofía en este 2019, y cuál es la razón por la que debemos escuchar su música? Pueden esperar un segundo disco memorable. Si desean mejorar su salud física y espiritual, deberían escucharnos. Jaja. Bien, esto es todo. Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. Si deseas añadir algo más, pues adelante. Gracias a vos, Omar, por tu tiempo y tu interés. ¡Saludos para todo el universo! Puedes escuchar a Eírasofía en las plataformas digitales Spotify y Soundcloud. ¶

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Psicozis

Punk y crítica social desde México LEER MÁS

D Metal.

esde la Ciudad de Tampico en México, nace la banda Psicozis, con una propuesta que va entre el Punk y el Thrash

Es una banda con poca trayectoria en la escena, pero con ganas y deseos de salir adelante y darse a conocer en toda la geografía de su país. Muy rápidamente, Pedro Naranjo, guitarra y vocal, respondió la entrevista donde nos brindará más detalles sobre Psicozis.

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La banda lleva alrededor de 5 años en escena. En términos biográficos, para quienes aún no conocen a la banda, ¿cuáles son los aspectos más importantes en la historia de Psicozis desde su origen en el 2013 hasta la actualidad? Psicozis empezó a través de Facebook. Yo publiqué un anuncio buscando baterista, guitarra solista y voz para una banda a lo Groove. Me contestaron Brandon Flores y Ernesto Ortega, quienes serían batería y voz respectivamente. En el primer o segundo ensayo se nos pegó Jak, hermano de Ernesto, con el bajo, y mandamos a la verga el Groove, principalmente porque a todos les gustaba más el Punk. Una semana más tarde se nos unió Nachito,

grabado en el 2015 con Brandon y Jak. ¿Por qué Psicozis decide hacer esa mezcla entre el Punk y Thrash Metal? ¿Por qué no seguir lo que es old school? ¿Cómo describirían su propuesta musical? Una de las razones más fuertes es que yo no tengo la habilidad que tiene Nacho en la guitarra jaja. Hablando en serio, creo que estamos bastante influenciados por actos de Crossover como D.R.I. o Suicidal Tendencies. A Nachito le gusta el cine de horror, a mí me gusta el comunismo. Creo que las influencias se complementan perfectamente tanto en música como en letras. En cuanto a describirnos, una vez un tipo en Reddit nos describió “como si Cro-Mags hubiera cogido con una burra tijuanense”, y creo que es bastante acertado. En cuanto a su alineación, ¿quiénes conforman la actual alineación de Psicozis? Andreas Rangel en el bajo y coros, Ignacio Pérez en la guitarra solista, Susana Ortiz en la batería, y Pedro Naranjo en la guitarra y voz.

quien ya había estado con Brandon en Hellraiser. Juntos grabamos un demo alrededor de agosto del 2014 con rolas prácticamente de puro Punk. Eventualmente Jak y Ernesto dejaron la banda, yo tomé labores de vocal y se nos unió Andreas en el bajo, quien ya había tocado con Brandon y Nacho en Hellraiser. Para entonces ya estábamos tocando rolas más thrasher. En agosto del 2016 Brandon entró a otra banda y dejó Psicozis por falta de tiempo, y emprendimos la búsqueda que culminó en Susana. Ya los 4 juntos grabamos un EP titulado No Más Cheve Caliente, y lo lanzamos en 2017, juntando por ahí 4 rolas más que habíamos

Una chica tocando la batería, ¿cómo ha sido recibido esto por los seguidores de la banda? El machismo es algo que abunda mucho en la escena del metal. Susana sorprende a la gente. No es común ver a una mujer tocando música de este estilo. Sin embargo, en ningún momento ha sido discriminada por ser mujer por nadie de la audiencia. La verdad es que es un atractivo muy fuerte, y no falta quien se le acerque cuando nos bajamos de tocar. Quién sabe, igual y sin Susana nadie nos haría caso. Musicalmente hablando, ¿es distinta la visión de una chica a la del resto de la banda? No lo creo. La visión de Susana es diferente, sí, pero no se debe a ser mujer, si no a que sus influencias difieren de las de nosotros, y además estudia música. LaCarne Magazine

A la sorda, Susana sabe bastante más teoría que Andreas, Nacho y yo juntos. ¿De dónde toman sus principales influencias e inspiración para las composiciones? ¿De qué suelen hablar en sus letras? Nos gusta Slayer, Garrobos, D.R.I., Suicidal, Anthrax, Municipal Waste, Megadeth, Metallica. Además del Rock Clásico, algo de Doom, algo de Black, algo de Glam inclusive. En cuanto a las letras, tendemos a centrarnos en el horror, la filosofía y la crítica social. Inspirados por el cine de horror ochentero, libros como Un Mundo Feliz, 1984, y la misma situación de violencia y corrupción que vive nuestro país desde hace años. En el año 2017 la banda saca el EP No Más Cheve Caliente. ¿Qué pueden comentar sobre este material a nivel de concepto, de música y de producción? El EP es un trabajo de prácticamente los 5 años que llevamos como banda. Ideas que teníamos en el cajón, o que nomás no habían cuajado hasta ahora. En cuanto a producción, tuvimos una ayudadita de Aldebarán Muñoz, baterista de ArtWar, quien nos grabó y masterizó. El diseño de la portada y el logotipo fue por Miguel Mar, y el diseño del resto del disco corrió por mi parte, así como la impresión y la cortada de las portadas. Andreas y Susana ensamblaron los CDʹs en casa de Susie, y la venta de las copias físicas corrió también por nuestra parte. No del todo DIY, pero ahí andamos. ¿Están satisfechas con el sonido y el concepto general de la banda o crees que aún tienen cosas en qué adentrarse? Satisfechos nunca. Creemos que siempre vamos a estar evolucionando, y agregando nuevas cosas al repertorio musical de Psicozis. Cuando dejamos de movernos nos alcanzamos, y cuando nos alcancemos nos morire-

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mos. Cuéntennos sobre la movida metalera en Tampico y sobre el apoyo que se les brinda allí a las bandas. Tampico es una ciudad pequeña. Entre los músicos nos tenemos bastante cariño, aunque claro no falta que nos estemos aventando mierda entre nosotros. En las tocadas rara vez hay gente nueva, pero con los que siempre van, siempre se arma buen desmadre. En gran parte se debe a la falta de difusión de Heavy Metal y Punk en la región. Por nuestros lados suena mucho más la música inspirada en el narcotráfico y los ritmos latinos como el reggaetón o cosas por el estilo. Mucha gente sigue con la idea de que somos satanistas o muy violentos. La gente nueva que va comúnmente se saca de onda por el aire de camaradería que hay entre todos cuando alguna banda está tocando. En gran parte, creo yo, es que mucha gente tampoco está abierta a las nuevas propuestas. Muchos prefieren escuchar covers o pagar

150 pesos por un tributo, y nos la arman de pedo cuando el cover para las bandas locales está arriba de 30. Es una pelea de nunca acabar. Psicozis ha tocado junto a connotadas bandas mexicanas y extranjeras. ¿Cómo se han sentido y qué experiencia han ganado al compartir escena con importantes bandas? Uff. Es un honorazo. Creo que a pesar de eso conservamos la humildad, o por lo menos nadie nos deja crecernos tanto. Tuvimos oportunidad de entablar amistad con Siniestro, del D.F. y cuando podemos tratamos de acercarnos a las bandas que de alguna manera u otra nos inspiraron. Por supuesto salen cosas que nunca se nos hubieran pasado por la cabeza, como compartir escenario con Keldark, y Andreas y Nacho tuvieron la oportunidad de platicar con ellos un rato. ¿Qué hace Psicozis para mantener viva la llama del metal y conservar la perdida esencia que caracteriza esta forma de ser? Tomar un chingo de cerveza, quejarnos de todo, echar desmadre y tocar arrajamadre.

¿Qué nos tiene preparado Psicozis para este 2019? De entrada, salir a otras ciudades. Este pedo de la tocada ha sido el sueño de los 4 desde siempre, y ahora se nos está haciendo irnos para afuera. Queremos grabar un disco ya en plenitud con canciones nuevas, y por supuesto seguir haciendo Rock and Roll. Bien, esto es todo. Gracias por responderme la entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a los lectores de la revista? Muchísimas gracias por la oportunidad. Nunca dejen de quejarse, cuestionarse e informarse. Manden a la verga a la autoridad, dejen la Cheve Caliente, apoyen a las bandas locales y escuchen mucho Heavy Metal. La función de la resistencia civil es provocar respuesta. Así que continuaremos provocando hasta que respondan o cambien las leyes. ¶

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Descalzas

fusión para hacernos disfrutar tuación la próxima primavera en Cáceres.

escalzas es un grupo enteramente femenino. Surgido como alternativa a la situación de faltas de expectativas de futuro de la tierra, las extremeñas se aventuraron en la música y se ha convertido en su principal modo de vida, empeñadas en hacernos disfrutar con la fusión. Su presencia en el cartel del Extremúsika 2019 es importantísima dado la escasez de grupos femeninos en los festivales. No porque no haya, sino porque probablemente en el panorama festivalero ya es hora de que se empiece a cumplir la paridad entre los carteles de los festivales. Las entrevistamos para descubrirlas un poco más, y comprobar lo que nos depara en su ac-

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Descalzas, fusión para hacernos disfrutar En primer lugar os agradecemos vuestro buen trabajo. Descalzas sois jóvenes, algunas todavía estáis estudiando, y pese comenzar en el 2012 ya habéis tenido experiencia en grandes festivales. ¿Qué diferencias hay entre Descalzas de los inicios y las actuales tras el paso por diferentes festivales y tierras del Estado? En estos años se ha producido una maduración propia y musical en la que hemos aprendido mucho técnica y emocionalmente. Ya sabemos lo que queremos crear, hemos aprendido a lidiar con los imprevistos en los escenarios y fuera de ellos, sabemos disfrutar de cada actuación pase lo que pase, y logramos trasmitir el espíritu del grupo, que creemos que es lo importante.

Después de todo el trabajo que conlleva la composición, ensayos y demás, somos conscientes de que debemos dar a valer lo que hacemos y lo tenemos como un trabajo, y no sólo como un hobby. Vosotras mismas afirmáis que vuestra música tiene “conciencia social”, y que en vuestros conciertos hacéis que el público se sienta partícipe del espectáculo, creando una gran familia al final del directo ¿En qué consiste esa comunión público vs banda? Pues consiste en trasmitir con conciencia y dejar un poso cual pepito grillo. Música para hacer pensar, letras que no dejen indiferente a nadie, son quejas colectivas a veces con bastante humor negro, que hace que el mensaje llegue y el público se vea reflejado en ellas, y a nosotros como grupo nos gusta comunicarnos mediante ellas, y que el público se queje también pero no pierda nunca la sonrisa. Pudimos disfrutar de vuestro directo en Wo-

mad. Habéis pasado por Verasummer, Rock in Pino, Cecla Rock y un montón de festivales de la tierra. ¿Es fácil encontrar bolos en la región? ¿Hay buena disposición por parte de las salas? ¿Debe haber más apoyo institucional a las bandas? ¿Cómo está el panorama festivalero en la comunidad autónoma? Pues por nuestra experiencia como grupo que después de casi 6 años sigue autogestionándose sin manager, decir que si nadie te representa es más difícil demostrar que vales o que tienes experiencia para tocar en ciertos sitios. Normalmente sobran intermediarios a la hora de tratar con salas, festivales o eventos. Encontrar bolos en la región es fácil, lo difícil es conseguir que los músicos cobren por el trabajo que hacen como cualquier otro trabajador. El panorama en cuanto a festivales está bastante bien, pero falta equidad a la hora de enLaCarne Magazine

contrar grupos femeninos en los carteles, y es algo que pocas veces se habla y con tan sólo mirar cualquier cartel salta a primera vista. Se debe apostar más por la música hecha por mujeres porque tenemos bastante que decir y aportar. Descalzas habéis salido fuera de Extremadura, pasando por Galicia, Madrid o Andalucía. ¿Cómo os acogen fuera de la tierra? ¿Qué diferencias hay entre el público extremeño y el de otras partes del país? En este sentido no podemos quejarnos. Hasta el día de hoy nos han acogido de maravilla allá donde vamos, sin diferencia de comunidad au-

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tónoma. El público termina siendo como una gran familia con la que te comunicas en cada concierto. Nos cuidan mucho siempre, y para un músico es la mejor medida para saber qué tal ha ido el concierto. En 2014 Descalzas sacasteis vuestro primer EP llamado “Fusión y confusión”, en el 2019 comenzáis la grabación de vuestro segundo trabajo “Con el píe izquierdo”. ¿Alguna novedad o sorpresa antes del Extremúsika? Estamos en ello. Tenemos muchas ideas de cara al Extremúsica, y va a estar todo inter-

calado por la grabación del nuevo trabajo, que es muy especial para nosotros, pero no sabemos si podremos realizar todo lo que tenemos planeado. Lo que sí estamos preparando es un buen show, ya que tocar en nuestra tierra siempre es una alegría. Tenemos muchas ganas de ambiente festivalero. Tenéis carretera y grandes festivales. Para quienes están empezando y quieran seguir vuestros pasos, ¿qué le recomendaríais a los músicos extremeños emergentes para hacerse un hueco en el panorama nacional y regional? Mucha paciencia y mucho trabajo, que caminen despacito pero con buen paso, que apuesten por lo que hacen y crean en ello valorando cada pequeño concierto que den sea donde sea, ya que allá donde van crean una experiencia y transmiten algo que siempre queda impreso en el público de algún modo, y sobre todo que se hagan valer. En directo habéis contado con la colaboración de traductora de lenguaje de signos, ¿tendremos alguna colaboración en este sentido? Pues hemos estado bastantes años apostando por ese formato, pero en este nuevo trabajo no contamos con la colaboración de intérprete. Es otra etapa, aunque no nos cerramos a nada. En vuestro próximo disco podremos encontrar swing, funk, afrolatino, tango o soul, pero también reivindicación y feminismo. ¿El 8M está presente en vuestra música? Está presente siempre. El 8M, el feminismo, la reivindicación, la queja y la lucha, hablamos de gobierno, de nuestro papel en la sociedad a lo largo de la historia. Simplemente por el hecho de que la mayoría somos mujeres y escribimos y componemos como tal, contando los problemas que encontramos en el día a día y nuestra manera de ver el mundo y sentirlo, creemos que es importante recalcar los problemas que encontramos para poder cambiarlos y hacer un mundo me-

jor, o simplemente más consciente. En los festivales de fusión es habitual encontrarnos con colaboraciones en directo. Entre tantas bandas con las que podréis compartir camerinos y backstage, ¿tenéis alguna sorpresa de este tipo preparada para Extremúsika? Pues ahora mismo estamos en ello. Hay grandes artistas dentro del festival, y nosotras estamos en plena preparación de todo lo que conlleva algo como esto, preparando repertorio nuevo, inédito y viejo para darlo todo ese día. Nos encantaría realizar alguna colaboración dentro del show, pero ahora está todo en el aire …;-) Hemos comprobado que habéis incorporado un guitarra eléctrica, ¿un giro más rockero? ¿Cómo será el directo en el Extremúsika? ¿Centrado en el último disco? A finales del año pasado incorporamos al primer chico al grupo. Buscábamos a alguien que se adaptara totalmente a nosotras, que tuviese el mismo espíritu del grupo, que fuese compositor independientemente de si era hombre o mujer, y lo encontramos. Le ha dado un giro al disco nuevo, ya que ha formado parte de todo el proceso creativo junto a nosotras. Ha quedado algo más cañero, sin dejar de lado la esencia de Descalzas. El directo cuenta con algo que consideramos imprescindible sea el estilo que sea, y es el feedback, que el público abra los oídos al mensaje que quieres transmitir, canciones del nuevo trabajo, alguna inédita y alguna antigua que siempre nos acompaña. Muchas Gracias, chicas. ¡Nos vemos en unos meses! Muchas gracias a vosotros por haber contado con nosotros/as. Nos vemos en los escenarios :-) ¶

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Moths

un sonido único en la escena portorriqueñ

l Stoner, el Metal Progresivo y otros elementos es lo que encontramos en Moths, esta joven banda formada en San Juan, Puerto Rico. Su sonido ha sido catalogado como único en la escena de su país, con agresivas voces, poderosos riffs de guitarras, batería extrema, y un sólido bajo. El pasado 2018 presentaron su primer material en formato EP. Contacté con su bajista, Weslie Negrón, y aquí les dejo la entrevista. Saludos! Lo primero es preguntarles sobre su origen. ¿Cuándo se forma la banda? Coméntanos brevemente sobre sus orígenes. Básicamente la idea de formar una banda surge en el 2016, y sale de mi interés en poder

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hacer música más orientada al progresivo, pero que pudiera incluir, de alguna manera, elementos de lo que es el Stoner y el Doom Metal, y de ahí surge la idea de llamar a Jonathan Miranda (guitarrista líder), el cual llama a Omar González (guitarrista rítmico) y a los que fueron el primer cantante de la banda (Rob Santos), y el primer baterista (Nicko Burgos). Después de componer varias canciones, Rob y Nicko decidieron partir por su cuenta y continuar con sus proyectos, y ahí llamamos a Damaris Rodríguez (voz) y a Daniel Figueroa (batería) para que pudieran completar la alineación actual de la banda. ¿Bajo qué estilo definirían su música y qué influencias tanto musicales como líricas mantiene la banda? Si lo vamos a definir en un estilo o varios estilos en específico, me gustaría decir que somos una banda Metal Stoner/Progresiva, pero también jugamos mucho con elementos de

pación? Moths es Damaris Rodríguez (Voz), Daniel Figueroa (Batería), Omar González (Guitarra Rítmica), Jonathan Miranda (Guitarra Lead), y su servidor en el bajo. Recientemente lanzaron su primer material, el EP titulado “Moths”. Hablando de esta producción, qué nos pueden comentar en relación a su proceso de grabación y edición. Este EP fue toda una aventura. Durante el proceso de planificación para grabar nos encontramos con la situación de que Rob y Nicko salieron de la banda, así que tuvimos que llamar a personas que pudieran sustituirlos para la grabación, y, potencialmente, para que fueran miembros de tiempo completo de la banda.

ña Thrash Metal y Death Metal incluso. Aún así, no nos queremos encajonar en un estilo en específico, ya que nos gusta experimentar mucho con muchísimas cosas. A nivel de letras, hay una combinación de historias verídicas con historias fantasiosas. No tenemos una línea de letra en específico en nuestras canciones, tratamos de hablar de cosas que queramos hablar al momento. ¿Coméntanos cómo ha sido la receptividad hacia la banda tanto en Puerto Rico como en el exterior? La gente ha reaccionado muy bien a todo lo que ha tenido que ver con la banda, tanto en Puerto Rico como internacionalmente. Hemos podido ver un impacto bastante grande, en específico todo lo que es Estados Unidos y en Europa. ¿Quiénes conforman en la actualidad la agru-

Para finales de julio del 2017, tuvimos la oportunidad y la suerte de poder grabar las baterías con un gran amigo mío llamado William Machado, y él aprendió las canciones en 3 días y pudo entrar al estudio a grabar. Después de varias sesiones de bajo y guitarras, a Puerto Rico llegó el huracán María, el cual destrozo todo el país, y eso retrasó el proceso de grabación como por 6 meses. Todo el EP fue grabado en Music Dorks, el cual es el estudio de Daniel, nuestro baterista, y él fue el que hizo todo el trabajo de grabación y mezcla. Cuando por fin volvió el servicio eléctrico, pudimos retomar las sesiones e incluir a Damaris al proceso de grabación, y pudimos completarlo en agosto del 2018. El EP fue masterizado por Jamie King, el cual ha trabajado con grandes bandas dentro del Metal Progresivo como Between the Buried and Me, y The Contortionist. ¿Cómo ha sido el proceso de distribución y venta, y qué tanto les ha abierto las puertas dentro y fuera de Puerto Rico el contar con un trabajo discográfico? En realidad, la clave ha sido Bandcamp. HeLaCarne Magazine

mos hecho que el disco se encuentre en todas las plataformas sociales dentro de la web, como en los servicios de “streaming”, copias físicas, entre otros, pero el que más ha hecho efecto ha sido Bandcamp.

nes en vivo.

El pasado 7 de noviembre de 2018, tuvimos la grata sorpresa de ser denominados “Álbum del Día” por parte de Bandcamp, y eso trajo mucha atención de parte de personas de alrededor del mundo, y de esa manera se ha podido “regar la voz” acerca del lanzamiento del EP y de la banda en general.

De paso, les invito a escuchar las siguientes bandas (apartes de las ya mencionadas): Zafakon, Calamity, Paricia’s Patience, Cold Times, Massive Destruktion, Ritual Kannabis, Dantesco, Argyle, entre muchísimas otras para que puedan ver la calidad de Metal que se hace acá.

¿Este primer material salió de forma independiente? ¿Han recibido ofertas de algún sello nacional o extranjero para grabar? Sí, el trabajo fue lanzando totalmente de manera independiente. Y no, aún no hemos tenido acercamiento de ningún sello hasta el momento.

Hablemos de sus presentaciones. Siempre es bueno conocer sobre la acogida que han tenido entre los seguidores de la banda. ¿Cómo lo han recibido los fans? La acogida ha sido bien positiva. Es interesante ver la reacción del público, específicamente porque tocamos un tipo de música que no es algo usual acá.

¿Cómo ven la actualidad de la escena del rock en Puerto Rico? La escena “underground” en general en Puerto Rico ha estado bastante activa en los pasados 8 años. En realidad ha estado bastante activa desde los 80’s, pero yo personalmente estuve presente desde el 2006, y ser parte de ella como músico desde el 2010. Como mencioné anteriormente, debido al paso del huracán María por la Isla muchas personas claves dentro de la escena se vieron en la obligación de salir de la Isla para poder sobrevivir, ya sea por busca de trabajo, poder tener mejor calidad de vida, etc. Esto obviamente afectó en la cantidad de bandas que se quedaron activas, pero en estos últimos meses la cosa está volviendo poco a poco a la “normalidad”. Se han visto varios eventos que no se habían visto en la escena independiente de la Isla. Bandas como Avandra, siendo firmados por la disquera Blood Music; otra banda como Fullminator, elevando el nivel de producción tanto de su material grabado como sus presentacio-

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Están pasando muchas otras cosas que a mi personalmente me hacen sentir orgulloso de ser parte de la misma.

Hemos tenido de todo, desde personas mo-

viéndose mucho durante nuestras presentaciones, hasta personas sentadas analizando lo que estamos haciendo. En realidad, es bien divertido ver la cara de confusión incluso, pero a la vez siempre van y nos mencionan que les gustó lo que vieron, el cual siempre se agradece mucho. Con miras hacia el futuro, ¿para qué se prepara Moths actualmente? ¿Hay planes para algún lanzamiento? ¿Están trabajando en algo actualmente? Al momento nos encontramos en preparativos para una pequeña gira que vamos a estar teniendo en USA en febrero, el cual vamos a estar anunciando pronto. Ya cuando volvamos de esa gira, pues nos estaremos enfocando en grabar nuestro próximo lanzamiento, el cual esperemos que esté fuera para finales del 2019. Muchas gracias por acceder a este diálogo,

y les deseo que se mantengan con el buen trabajo. Si tienes algún mensaje o comentario final para los lectores, pues aquí tienes el espacio. Queremos darles las gracias a ustedes por el acercamiento para esta entrevista, y darle las gracias a todas las personas que nos han apoyado de una manera u otra. Recuerden seguirnos en todas nuestras plataformas de redes sociales para que puedan estar al día sobre todo lo que está pasando con la banda. ¡Muchas gracias! Aparte de Bandcamp, pueden escuchar el EP “MOTHS” en su totalidad en los siguientes enlaces: Ver YouTube Ver Spotify ¶

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Paul Jo

creador de pai

aul Jové, Pituko, es un DJ/productor que tiene otra forma de concebir la música: él desea transmitir historias, crear paisajes sonoros, y llevar a un viaje musical a la gente que lo escucha.

Paul Jové, música electrónica con alma y corazón En una de las tantas calles de San Pedro, una céntrica y tradicional zona de la ciudad de La Paz, se encuentra “NamasTe”, un restaurante de comida vegetariana y vegana que se convierte en un espacio de escape al bullicio habitual de la ciudad. Su creador y propietario, Paul Jové, nos recibe.

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Se siente una energía diferente en el lugar, decorado con colores armónicos y pinturas abstractas. Paul, además de llevar una vida en equilibro con el medio ambiente y de respeto hacia los animales, tiene otra pasión que lo ha acompañado en su recorrer por la vida: la música, y en este caso, la música electrónica. “Para mí, la música electrónica es como una nave que no tiene un fin, que sigue viajando y viajando porque las posibilidades de crear y mezclar son infinitas. Por ejemplo, si juntas un ‘sample’ de guitarra, de una quena, o de una zampoña con la electrónica, igual suena bien. Son esas posibilidades las que me mantienen siempre activo para poder seguir creando y compartiendo con la pista y con la gente”. Es así como piensa Paul Jové – Pituko, un DJ/productor nacido en Estados Unidos, pero de padres bolivianos, quien creció bicultural-

ové

isajes sonoros

el trip hop en los 90’s”. Fue el 2001, época en la cual el psychedellic trance tenía su auge en La Paz, que Pituko tuvo su primera oportunidad de mezclar música electrónica para bailar: “Cuando escuché ese género (psy trance) me empezó a interesar mucho más. Previamente escuchaba más géneros de la música electrónica en Estados Unidos que eran como hard house, hard trance, pero una vez que escuché el psy trance me enfoqué en él por un buen tiempo”, comenta.

REFLEJANDO LA VIDA POR MEDIO DE LA MÚSICA La evolución musical de Paul Jové – Pituko a través de los años ha sido de lo más variada, iniciando con el rock, pasando por el trip hop, psy trance, hasta llegar al house y el techno: “He comenzado con el rock, luego he ido por el trip hop, por el psy trance, luego empecé a escuchar lo que es el tribal techno y progressive techno. mente en ambos países, y que desde hace 12 años hizo de Bolivia su lugar de residencia. Desde muy joven fue un amante de la música en general. Él relata que su afición por la música empezó el 88, año en el cual empezó con la práctica de la guitarra y el piano, instrumentos en los cuales tocaba algunas canciones del grupo británico Yes. Mientras que a la par, su hermana mayor le enviaba casetes con música de los Beatles para ampliar su repertorio musical. Fue en los años 90 cuando Paul comienza su incursión en la música electrónica: “Tenía una banda de rock aquí en Bolivia, y me compré una caja de ritmos (pedalera) para mi guitarra, y con esa pedalera sacaba algunos sonidos que nada que ver con la guitarra porque eran más electrónicos y hacía más efectos, y me introducí más al mundo de la música electrónica mediante el ambient, el new age y

Una DJ en Estados Unidos me abrió la mente a lo que es minimal deep, minimal house, que son sonidos más finos y más viaje, de ahí también me gustó el tech house, y llegué a lo que es house”. Paul explica que como DJ actualmente se encuentra enfocado en lo que es el techno y el house, mientras que como músico/productor se enfoca en mezclar lo orgánico con lo electrónico: “Pueden ser unas guitarras y un beat, unos sintetizadores y una percusión… Lo que me encanta es crear historias, crear paisajes sonoros”. Si bien a Pituko le gusta variar en cada una de sus presentaciones, siempre busca la armonía, equilibrio y conexión en cada track para que éstos realmente tengan un significado para las personas que están en la pista: LaCarne Magazine

“Me gusta variar. No puedo tocar dos horas de lo mismo, pero me gusta unirlos (los tracks) para que tengan una fluidez. Me gusta contar una historia dentro de mi presentación, y dentro de eso tengo que buscar canciones y temas que puedan unir estas historias”. Para Pituko la vida es tan variada como la música misma: “Hay tanto para conocer, para escuchar y aprender, que si te cierras vos mismo te estas limitando, pero respeto a los que siguen sólo una línea porque es un trabajo súper enfocado a un solo género; pero yo no puedo, la vida para mí es un viaje que tiene muchos colores y por eso me gusta a veces mezclar de todo”.

CREAR MÚSICA POR AMOR Y NO POR FAMA Desde joven a Pituko le ha gustado experimentar con la música, y dichas experimentaciones han sido reflejadas en producciones que han logrado fusionar sonidos autóctonos bolivianos con sonidos electrónicos. “Lo que más me gusta del folclore boliviano es lo autóctono, porque es más profundo y orgánico”. Entre dichas producciones, destaca una electro-morenada titulada “La Chinita”, además de “Cholita Fashion”, y el remix de la canción “Bolivia”. Sin embargo, Paul afirma que cuando esta fusión de sonidos autóctonos con lo electrónico se empezó a volver ‘popular’ y a comercializarse, él decidió dejar de hacerlas debido a que tiene una mentalidad que lo aleja de lo comercial, de la fama: “Yo sólo saco canciones y a donde llegue que llegue. Mi enfoque no es y nunca ha sido tener un track que esté en los mejores diez, me alejo de lo comercial, no quiero ser comercial, no me interesa, hay suficiente competencia. Para mí es sacar todo lo que creo en el es-

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tudio, y si a alguien le llega está genial, y el resultado más instantáneo de eso es en la pista, cuando pones una de tus canciones y las personas están disfrutando y bailando. Eso es lo más gratificante”, explica.

SAN PEDRO MUSIC: REFLEJANDO LA ESENCIA DE CADA ARTISTA Y justamente ese sentido de encontrar una esencia particular en la música fue lo que llevó a Pituko en 2006 a crear su propio sello discográfico llamado “San Pedro Music”: “He dejado el primer lanzamiento en blanco, no hay un San Pedro 01. Han pasado 12 años y recién estoy nutriendo el sello, recién se está conociendo mundialmente, y quizá de aquí a unos dos años recién lancemos el San Pedro Music 01, y tiene que ser algo súper especial. Ahorita estamos en el lanzamiento número 23. Hemos lanzado 23 EP’s y sencillos de varios

que sea ‘de verdad’. Me refiero a que formen su propio lenguaje musical, que reflejen su esencia. Quizá en eso soy más a la antigua, y por eso mando lanzamientos anteriores del sello para que se den cuenta de que trata el sonido y la onda del San Pedro Music, que es un poco más underground, no buscar la fama. No te vas a hacer famoso con el San Pedro Music, si estás buscando la fama no es el lugar para ti”, comenta entre risas. Una de las producciones que San Pedro Music lanzará como bienvenida al 2019 son los remixes del disco “Árbol de la vida”, de la cantautora boliviana Mayra Gonzales: “Siempre quería hacer una remezcla del disco de algún artista. Escuche a Mayra Gonzales cantar un día, y me quedé muy encantado porque su disco “El Árbol de la vida” es realmente un buen material, y ella lo hizo todo, y parte de lo que yo siempre estoy empujando es el “warmi power” (empoderamiento femenino), y cuando yo veo a una mujer realizarse, siempre voy a tratar de ser el apoyo más grande. artistas bolivianos y también algunos extranjeros”. Paul comenta que el sello no tiene un equipo fijo, ya que varias personas han ido y venido en el mismo, y que, si bien él maneja de forma solitaria el sello, los últimos dos años ha contado con la ayuda del también DJ/productor José Henry “JOCh”, Alan Carrillo “Sweet Candy Project”, y Andrés Jordán, quien se encarga del diseño de artes del sello. Además, explica que si bien San Pedro Music está abierto a escuchar las propuestas musicales de quienes deseen formar parte del sello, algo que él toma muy en cuenta como requisito es tener una concepción distinta de la música. Es decir, crear por pasión, por amor, producir con un sentido y que ese sentido no sea únicamente buscar la fama: “Como productor musical eso es lo que estoy buscando, alguien que esté creando música,

Por eso nos hemos reunido (con Mayra) y hemos hecho una lista de quienes pudieran estar interesados para hacer este proyecto realidad”. Los DJ´s/productores que participan en los remixes del disco son Ra Beat, Lexand, JOCh, Jorge Zamora, Ninho Noir, Kuga Ki y Pituko.

PAUL JOVÉ, UN ARTISTA CON CALIDAD HUMANA Pituko está convencido de que las características esenciales de un buen DJ se reflejan en su forma de conectarse con su público y de hacer sentir a éste: “Un Dj debe ser humilde, debe tener tacto con la gente, debe reflejar una buena vibra, debe ser cero ego, tener una buena actitud… Muchas veces se olvidan de cuán importante es abrir una pista en la noche en el ‘warm up’” . LaCarne Magazine

Y son todas esas características las que refleja Paul, tanto como artista y como persona. Además, él enfatiza que contrario a lo que algunas personas piensan, el ser DJ es también un oficio que requiere mucho esfuerzo y dedicación: “Los que están agrios y no alegres con sus vidas siempre molestan diciendo que el DJ solo aprieta botones, pero la verdad es que es todo un trabajo para el que realmente quiere proponer algo diferente en la pista, desde buscar la música hasta apoyar a los sellos y los artistas. Por eso yo siempre exijo que paguen su ‘cover’ cuando vienen a las fiestas, casi no doy entradas gratis a nadie porque no es gratis, hay que pagar la música, el sonido, a los artistas… Es un círculo que se retroalimenta entre todos los que estamos interesados, y para que se cree cultura”, recalca.

nido de cada set, de cada DJ”. Mientras que para el 2019, Pituko quiere seguir creciendo, mejorando y haciendo lo que más le gusta: “En el 2019 quiero sacar más música, hacer que el sello siga más activo, que la gente escuche más producción nacional, moverme más por Latinoamérica, tal vez hacer un par de eventos un poco más grandes, continuar con el livestream, y tengo en espera el lanzamiento de varios EP´s y sencillos”. La tarde avanza y Paul debe regresar a sus labores cotidianas. Se despide con la habitual sonrisa y amabilidad que lo caracteriza, porque, tanto dentro como fuera de la pista, Paul Jové – Pituko siempre intenta dar lo mejor de sí mismo:

Es así que la dedicación y amor que le pone Pituko a lo que hace lo ha llevado este 2018 a realizar una gira por algunos países de Asia para mostrar su trabajo, y que, por supuesto, la gente pueda disfrutar de su música:

“Cada vez que me presento quiero que haya un tipo de sanación espiritual, quiero que todos dejen su corazón abierto por esa hora o dos horas que estamos en la pista juntos, y que no se tengan que preocupar de nada más que de hacer un viaje interno y externo, Dejar los problemas atrás, soltar todo lo que te molesta o te tranca en tu vida”, concluye. ¶

“He querido entrar al circuito electrónico asiático porque está bastante fresco, y lo que me encanta es que la gente en la pista y los amantes de la música electrónica están atentos a lo que propones, están interesados en el conte-

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

ACCORDO

inquietud artística y musical LEER MÁS

esde el período Barroco la música instrumental fue evolucionando, lo que posibilitó el desarrollo de todas las formas y géneros instrumentales y vocales, además del afianzamiento de conjuntos instrumentales desde pequeños formatos, dúos, tríos, cuarteto, quintetos, hasta la orquesta de cámara.

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El formato de instrumentistas que tiene ACCORDO es el trío de cuerdas, el cual tiene sus inicios precisamente en el período barroco con el género sonata a trío, pues se escribía generalmente para una o dos voces melódicas (ejecutadas por violines o voces) con un acompañamiento armónico (ejecutada por el violoncello, bajo de viola o clavecín). accordo Producto de toda esta evolución, así como

del desarrollo de la música electroacústica es que se crea a ACCORDO, el cual tiene como propósito artístico mezclar las tendencias actuales de la música electrónica con los principios básicos de la Música Concertante, todo con el objetivo de que la fusión entre los géneros actuales y las sonoridades más clásicas sean interpretadas con un mensaje artístico y contemporáneo, reflejo de las inquietudes de jóvenes artistas que exploran este tipo de sonoridades que describen las tendencias artísticas con las que se identifican. Basándose en esto, fusionan diversos géneros electrónicos tales como el trap, dubstep, deep, house, electrónica experimental, drums & bass, techno, entre otros con la música instrumental enmarcando un estilo de trabajo dentro de los crossover clásico con música electrónica.

Pues para conocer un poco sobre esta agrupación aquí esta Célida Viviana Borrego Morales, quien es directora y violonchelista de ACCORDO.

ACCORDO, inquietud artística y musical Saludos y sean bienvenidos a la revista LaCarne Magazine. ¿Algunas palabras para dar inicio? Y me gustaría se presentarán. ¿Quiénes son los que integran ACCORDO? Un saludo cordial. Para mí es un placer poder compartir un poco nuestro trabajo musical. Primeramente, ACCORDO es un término musical italiano que significa acorde (dos o más notas musicales que suenan juntas). El formato musical está compuesto por dos violines, un violonchelo y un Dj Productor. Es un formato que surge en el período barroco, donde la música se interpretaba por voces (violines u otros instrumentos melódicos) y era acompañada por un bajo continuo (viola da gamba etc.). Los integrantes son egresados del sistema de enseñanza artístico cubano, en este caso Ana Katerin Romero Gancedo, violinista egresada del Conservatorio de Música de Santa Clara, Villa Clara; Leslie Pérez La Rosa, violinista egresada del Conservatorio de Música de Matanzas, ambas estudiantes del Instituto Superior de Arte ISA de la Habana; Jorge Luis Yarruhs Jiménez, Dj Productor de la agrupación; y una servidora, Célida Viviana Borrego Morales, Directora y violonchelista de ACCORDO, egresada del Conservatorio de Música José María Ochoa de la ciudad de Holguín. Según tengo entendido, integrantes de la agrupación provienen de la Orquesta Sinfónica de Holguín, ¿es cierto? ¿Cómo surge la idea de crear la agrupación? Bueno, ACCORDO se funda el 23 de noviembre de 2012 con un formato atípico de dos violines, una viola y un contrabajo. En ese momento hacíamos música concertante, basando nuestro repertorio mayormente en la música clásica. LaCarne Magazine

En sus inicios las integrantes fundadoras eran miembros de la Orquesta Sinfónica de Holguín y de la Orquesta de Cámara de la ciudad, pero en este momento que estamos residiendo en La Habana, las violinistas actuales son miembros de la Orquesta Filarmónica de Instituto Superior de Arte (ISA), orquesta adjunta al Liceum Mozartiano de La Habana. El inicio de ACCORDO dentro de la música clásica fue corto. Yo buscaba hacer un trabajo musical que fuera reflejo de las inquietudes artísticas y musicales de sus integrantes, además de poder acercarnos con las sonoridades de la música concertante al público joven, el cual no tiene a la música instrumental dentro de los géneros de su preferencia. Buscando esta sonoridad es que decido comenzar a interpretar el género crossover clásico con música electrónica. Crossover es un anglicismo que se puede traducir como fusión. Consiste en la creación de

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composiciones o arreglos musicales que vinculan elementos de dos estilos de origen diferente, o en combinar elementos rítmicos y expresiones que por costumbre no suelen ir juntas en una misma composición. En este caso, la música instrumental interpretada por instrumentos característicos de la música clásica como los violines y el violoncello con la música electrónica. Así géneros como trap, dubstep, drums and bass, techno, deep, electrónica experimental, future bass entre otros son abarcados en el repertorio de ACCORDO. Una agrupación con estas características en Cuba me parece que ACCORDO es la única. ¿Crees que esto sea una ventaja a la hora de la promoción y del espacio para sus presentaciones? Pues sí. ACCORDO es un formato único de su tipo en Cuba. Tenemos la primicia de ser los fundadores de un movimiento musical novedoso, donde se mezclan elementos maravillo-

sos, lo cual tiene sus ventajas y desventajas. accordo Como ventajas estará la novedad de las sonoridades de ACCORDO, pero como desventajas está el trabajo de promoción y divulgación de nuestra música, la cual, a pesar de tener adeptos, no es la típica música popular bailable cubana, y puedo decir que hemos ganado parte en el terreno popular. Hablemos sobre las composiciones de ACCORDO. ¿Quién se ocupa de las composiciones, y en qué aspecto se basan para las mismas? El repertorio de ACCORDO es variado, va desde covers de la música clásica con compositores universales como Mozart, Brahms, Beethoven, música internacional de los Beatles, Queen, Apocalyptica, Avicci, Bruno Mars, Diplo, Majar Lazer, hasta nuestra música inédita. Las producciones musicales están a cargo de nuestro Dj Productor Jorge Luis Yarruhs Jiménez (DJ GORY MACHINE), quien se encarga también de la grabación, mezcla y masterización de nuestros temas. Para la producción musical de los covers, tenemos en cuenta que sean temas épicos de la música, y la música inédita nos la hemos planteado por géneros, es nuestro propósito pasar por todos los géneros de la música electrónica, demostrando así el enorme abanico de sonoridades y variedades rítmico-melódicas que está por explorar. Nuestro primer demo fue de covers de música clásica e internacional, el segundo fue música inédita con producciones de trap y dubstep, y bueno, este nuevo demo que está todavía en producción va a tener drums and bass y future bass. ¿Qué referentes de la escena extranjera les han servido como influyentes en su propuesta? El primer referente que tuve fue Las Chicas Bond, cuarteto británico-australiano, y el Cuarteto de violoncellos finlandés Apocalyp-

tica. Esas agrupaciones marcaron una pauta a seguir como referente internacional. Más adelante es innegable la presencia de otras figuras como Lindsey Stirling, 2Cellos, Pentatonix (éste último a pesar de ser un formato vocal, tiene varios puntos en común con los arreglos musicales). ¿Cómo equilibran su repertorio entre covers foráneos y composiciones propias de la agrupación? Es complicado, una de cal y otra de arena. Realmente, como cualquier otra agrupación, deseamos que se nos conozca por nuestra música inédita, pero los covers abren las puertas al público. Abogamos por producciones de buen gusto y calidad musical, y así va fluyendo todo nuestro trabajo. ¿Sólo tienen grabado los 2 demos que han mencionado antes? ¿Cómo se encuentra la preparación del álbum oficial? Contamos con 2 demos y uno en producción, han sido producciones independientes. Vale mencionar que en el año 2017 salió un CD compilatorio bajo el sello disquero EGREM por los 15 años del programa televisivo Cuerda Viva, y tuvimos el privilegio de incluir uno de nuestros temas en el mismo. En este caso fue F.R.E.E, bajo la producción de Jorge Luis Yarruhs Jiménez, nuestro DJ Productor, y muy pronto esperamos salga nuestro CD bajo un sello disquero oficial. Ahora estamos en producción de un nuevo demo titulado “Sistema Solar”. Tiene como característica que todos los singles tendrán nombres con este referente. En este caso actualmente estamos promocionando el primer single, que lleva como nombre “Planeta Lunar”. ¿Algún sello disquero se ha acercado a la agrupación, o trabajarán de forma independiente? LaCarne Magazine

Hasta el momento hemos trabajado de forma independiente. Tuvimos una colaboración con el sello disquero EGREM en el año 2017, y esperamos próximamente poder sacar una producción completa baja algún sello disquero oficial. La agrupación comenzó en la ciudad de Holguín y desde hace algún tiempo están radicando en La Habana. ¿Esto les ha abierto más puertas? La posibilidad de vivir en la capital de todos los cubanos es una ventaja para la difusión y promoción de nuestra música. La Habana es una plataforma para darnos a conocer al público y en el ámbito musical de Cuba y el mundo. ACCORDO ha realizado muchas presentaciones por diferentes escenarios. Coméntanos. El pasado 23 de noviembre de 2018 cumplimos 6 años, y en todo este tiempo hemos tocado en importantes escenarios en todo el país, desde las holguineras “Romerías de Mayo” y Fiestas de la Cultura Iberoamericana, el Festival SONARTE de Guantánamo, La Mujer en la Música (evento patrocinado por las Embajadas de la Unión Europea) hasta el recién Concierto de Música Electrónica más largo de Cuba realizado en el Pabellón Cuba en La Habana. El video clip es algo muy importante para una agrupación, del género que sea, para dar a conocer su propuesta y la promoción. ¿Este aspecto como va con ACCORDO? ¿Algún video clip, o están en planes de eso? Precisamente obtuvimos el premio Especial de la Televisión Cubana en el marco del XVI Festival Cuerda Viva 2018, y éste consiste en la grabación de un vídeo clip patrocinado por RTV Comercial, y en estos momentos estamos en la preparación de lo que será nuestro primer video clip, precisamente el tema que hemos escogido es un drums and bass “Planeta Lunar”, el primer single de la última producción discográfica “Sistema Solar”. Yo he visto a la agrupación en algunas ocasio-

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nes, y algo que llama mucho al público, aparte de su buena propuesta musical y la belleza de sus chicas, es su trabajo en la pintura corporal. ¿Cómo surge esto de mezclar el body art con la música? La idea del body art surge como elemento complementario, pues es mi intención que varias manifestaciones artísticas se fusionen como un todo en las presentaciones de ACCORDO. Por esta misma razón también hemos tenido a la danza incorporada, con bailarines excelentes como José Rogelio Jique Osorio, quién era miembro de la Compañía de Danza Contemporánea CoDanza y Ángel Rafael Jaime. ¿Cómo de importante es para ustedes la música que contiene ACCORDO? ACCORDO es esfuerzo, constancia y perseverancia. La música de ACCORDO es el reflejo de inquietudes artísticas y sueños que se han ido materializando. El trabajo musical de ACCORDO nos hace

sentir realizados profesionalmente, y es la manera de conectarnos con el universo haciendo lo que amamos. ¿Qué les gustaría cambiar del panorama musical cubano? Desafortunadamente hay una gran batalla por librar en cuanto a la relación calidad musicalpopularidad, porque muchas veces las agrupaciones populares no presentan la calidad musical necesaria, y las letras de las canciones van en detrimento. Las plataformas musicales de divulgación y promoción para la música alternativa cubana son insuficientes. En Cuba se hace buena música actualmente, pero mucha de la misma permanece desconocida para muchos. Esa es una de las razones que nos impulsó a emigrar, por así decirlo, a la capital, que la música de ACCORDO se diera a conocer, pues desde las provincias es mucho más difícil lo-

grar esto. Hablemos de algunos de los logros (premios, nominaciones…) obtenidos por ACCORDO. En el año 2015 nos damos a conocer en el panorama musical nacional gracias al Programa Televisivo Nacional Cuerda Viva. Ese año obtenemos el premio del Festival Cuerda Viva en la categoría de Música Instrumental con un cover al tema “Romance” de Apocalyptica. El año siguiente, 2016, fuimos nominadas por el sitio web www.pistacubana.com entre las bandas más populares del verano cubano, esto se llevó a votación en las redes sociales y resultamos la banda más popular del verano, lo que nos valió una nominación en la categoría de la banda más popular del Festival Cuerda Viva 2017, además de la nominación en la categoría de Música Electrónica, de la cual fuimos ganadores del premio con el tema “Party” de Dj Gory Machine. Parejo a esta premiación con el CD compilatorio por los XV años de Cuerda Viva del sello

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disquero EGREM, resultamos ganadores del premio CUBADISCO especial 2017. En este año 2018 estuvimos nominados en la categoría de Música Electrónica por 2 dos años consecutivos, y obtuvimos el Premio Especial de la Televisión Cubana, que consistió en el patrocinio de un vídeo clip. Si alguno de los lectores que estén leyendo esta entrevista aún no ha escuchado a ACCORDO, ¿qué le diríais para que escucharan la agrupación? La novedad de nuestras sonoridades y la mezcla de la música instrumental con la música electrónica seguro será un atractivo para disfrutar. Somos músicos jóvenes con una propuesta especial para los amantes de la música moderna y buena. ¿Qué planes hay para este año 2019 en la agenda de ACCORDO? Algún disco, giras, conciertos, videos… Estamos realizando una gira celebrando el advenimiento de los 500 años de la fundación de La Habana. Es un proyecto hermoso que va a llevar la música alternativa cubana a los Institutos Pre Universitarios y Universidades de La Habana para celebrar la fundación de la ciudad. La gira titulada ConCiertos Habaneros tiene como eslogan “Por la Habana los más grande”. Tenemos planeado terminar la producción de nuestro CD “Sistema Solar” y el lanzamiento del vídeo clip de “Planeta Lunar”. Bien, esto es todo. Gracias por el tiempo en responder la entrevista, y si desean añadir algo más, pues adelante. Vale mencionar que el nombre se escribe todo con letras mayúsculas y tenemos perfiles sociales en Facebook como @accordostring con vídeos e información. ¶

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Improvisación Libre con Gustavo Obligado

n esta nueva entrega de Improvisación Libre con…, entrevistamos al músico Gustavo Obligado, que nos cuenta más sobre su trayectoria y sus expereciencias con la Improvisación Libre. Dime cuál es tu procedencia musical. Si tienes formación académica, me interesa que me cuentes tu experiencia en las escuelas de formación de música o en el conservatorio, y que me lo compares con tu experiencia en la

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improvisación libre y en la música experimental, aunque sea compuesta. Estudié algunos años de saxo clásico en el Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”. Lo cierto es que el repertorio clásico para un instrumento del siglo XIX, como es el saxo, es bastante acotado. Hay más producción de composiciones para saxo en la música contemporánea o en la música popular. De todas maneras, en esa casa de estudio finalicé el Taller de Composición con el maestro Ricardo Capellano. Él fue quien me facilitó a desarrollar y profundizar mi lenguaje y mis

proyectos. No quiero dejar pasar que no me sentía del todo cómodo con la enseñanza musical en el Conservatorio, fue por eso que recurrí a tutores particulares, como el saxofonista de jazz Ramiro Flores, o el cellista Sergio Castrillón, que me ayudaron a encontrar mi propio sonido y a profundizar en una técnica propia. Mi formación en improvisación libre es constante, siempre estoy atento a los seminarios y encuentros. Creo que es una disciplina sobre la que hay que estar trabajando constantemente, y sobre la que siempre hay algo para aprender. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? Llegué a la improvisación libre a través del free jazz. En el 2007 vino al Festival de Jazz el saxofonista estadounidense Anthony Braxton. Recién empezaba a estudiar saxo, y entré unos minutos tarde al concierto. Me sorprendió ver cómo la gente se iba del lugar enojada, no entendía el motivo. Cuando tuve enfrente mío al Diamond Curtain Wall con Mary Halvorson en guitarra y Taylor Ho Bynumen en trompeta, quedé totalmente sorprendido y me quedé callado escuchando y viendo la propuesta. Fue un remolino de música llena de originalidad y locura, que cesó recién cuando el reloj de arena que tenían enfrente de ellos largó su último granito. Era música viva, música improvisada. ¿Cuáles son las influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje musical? ¿Y a la improvisación? Creo que mis influencias están vigentes y se fomentan día a día, porque, como decía, me encuentro en formación y aprendizaje todo el tiempo. Mi lenguaje musical y mis improvisaciones se vienen desarrollando a través y gracias a tocar con muchxs musicxs, en especial de Buenos Aires, que es el lugar donde vivo.

Pienso que es una muy buena forma de desarrollar y profundizar un lenguaje musical propio, compartiendo y tocando con otros músicos de edades distintas, de lugares distintos, de formaciones distintas. Es más, se lo recomiendo a cualquier colega. Dinos ¿qué significado tiene para ti “espacios” en una pieza?. Es decir, si te comentan algo así como: “vamos a hacer una pieza con espacios”, ¿qué interpretas o cómo lo interpretas? Mira, pienso que “espacios” se refiere a silencios, a crear una música que tenga silencios y permita que se escuchen las voces de todos los que participen del ensamble. A veces puede existir el “miedo” de que en una improvisación no haya silencio, y se transforme en una competencia por hacerse escuchar. Pero también “que no haya silencios” puede ser una decisión estética y también es válido. Hay músicos e improvisadores (como yo, por ejemplo) cercanos a la idea de hacer primeras tomas y de dejarse llevar por la intuición, la inmediatez y la espontaneidad. Hay quien dice, sin embargo, que esa forma de entender el arte lleva a fórmulas repetitivas y aburridas, y que el ensayo y la composición son necesarios para evitar esos inconvenientes. En mi opinión, las fórmulas y patrones se repiten en cualquier manifestación artística. ¿Qué opinas? Tomando ambos caminos se puede llegar a fórmulas y patrones. Me gusta la adrenalina que generan las primeras tomas sin tener un previo ensayo, incluso sin conocerse a nivel musical, pero también disfruto de las sesiones para tocar. Encuentro que los ensayos son espacio para explorar y trabajar, y para relacionarse a nivel humano y musical. Igualmente quiero hacer hincapié en la importancia de “comunicar” y trabajar en cómo y qué transmitir en el momento de crear música. Es importante remarcar y hacer foco sobre eso, porque es lo que le da esencia a la música. LaCarne Magazine

tantes: bellos o perturbantes. Seguro hay gente sensible que no empatiza con el ruido y puede explicar los motivos. Como también seguro exista gente que se cierra y critica al ruido. Pero no crea que tenga que ver con la calidad de sus tejidos cerebrales, sino más bien con preferencias personales que están determinadas más que todo por experiencias individuales, como el aprendizaje, la familia, la cultura, y todo lo que nos haga individuos. De todas maneras, el ruido está siempre presente y queda a criterio de cada uno decidir prestarle atención o ignorarlo. Explícame brevemente tu concepto musical. Desde hace un tiempo vengo investigando el viento con sus características y sus efectos. Me parece un elemento muy interesante e inspirador en mi trabajo. Lo he desarrollado en un primer disco solista que se llama “phenomenas”.

He leído recientemente en un libro llamado “El nuevo paisaje sonoro”, de R. Murray Schaffer, la siguiente afirmación: “Es cierto que hay mucha gente que no son sensibles al ruido; pero esos son precisamente los que tampoco son sensibles al argumento, o al pensamiento, o a la poesía, o al arte, en una palabra a cualquier tipo de influencia intelectual. La razón de esto es que el tejido de sus cerebros es de una calidad muy tosca y ordinaria. Por otro lado, el ruido es una tortura para gente intelectual”. ¿Cuál es tu opinión sobre esta afirmación? Como sociedad estamos muchos más familiarizados con el “ruido” de lo que realmente creemos. El ruido es una experiencia que puede tocar muchas fibras y generar resultados contras-

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Ahí trabajé con instrumentos de viento como saxos, mangueras de plástico, armónicas y flautas. La idea fue crear paisajes y texturas inspiradas en vientos famosos. Ahora estoy estudiando los vientos de mi país para construir una escultura sonora que resuene cuando el viento pase. A su vez va a estar acompañada de composiciones que estoy preparando para ensamble de vientos. ¶

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Apologgía Thrash Metal de la vieja escuela

esde la Argentina llega el sonido Thrash Metal con la banda Apologgía, una agrupación con apenas tres años de formado, y que ya han logrado presentarse y dar a conocer su propuesta en algunas ciudades de su país y demostrar que no solo en Buenos Aires hay bandas de calidad. A mediados de 2017 lanzan su primer trabajo discográfico, el disco “Calles Devastadas”. Están actualmente en planes para su segunda entrega discográfica, que se espera sea a mediados de este año 2019. El bajista de la banda, Emi Mérol, fue el encargado de dar respuesta a la entrevista. Saludos y sean bienvenidos! Bien, hablemos acerca de los inicios de la banda, que es prácticamente una banda muy joven. ¡Saludos, Omar! Primeramente, muchísimas gracias por darnos un espacio en LaCarne Magazine. Tal como confirmas, Apologgía es un grupo joven, puesto que nos formamos en abril del 2016, en la ciudad de Viedma (Argentina). Algo a elogiar en la banda es que desde su mismo comienzo hasta la fecha siguen siendo los mismos integrantes. Me imagino que la relacion entre ustedes es excelente. ¿Quiénes son los integrantes? Los que conformamos el grupo somos Emanuel Diego en voz y guitarra, Matías Diego en guitarra, Emi Mérol en bajo, y Sebastián Diego en batería.

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Consideramos que la banda está bien afianzada gracias a que todos tuvimos experiencias en grupos metaleros anteriormente, y, por tanto, a la hora de armar Apologgía fue todo como más profesional y con mayor conocimiento. ¿Por qué deciden hacer Thrash Metal considerando la amplia variedad dentro del metal? Las primeras canciones que inventamos resultaron ser un Thrash Metal vieja escuela, y es como que fueron las canciones impulsoras de seguir componiendo el género Thrash, sin tentarnos a mezclar nuestra propuesta con el Death, Groove, u otro género en particular.

Así y todo, a los 4 nos gusta oír prácticamente la mayoría de los estilos que tiene la música metalera. A mediados del 2017 lanzan su primer disco, “Calles Devastadas”. Por favor, cuéntanos acerca de este material. Es un disco de 11 canciones, grabado en el estudio El Qubo Magic, que se encuentra en Viedma (la ciudad natal del grupo). En la última canción del CD tenemos de invitado al cantante Santiago Huenchupan (ex-Esdrash), a quien decidimos unirlo como quinto integrante en una etapa de la banda en donde tuvimos unos viajes para presentar el disco en otras provincias. Actualmente volvemos a ser los 4 integrantes de siempre. Algo que también ayuda a la promoción de una banda es el trabajo audiovisual. ¿Han

realizado algún video clip? ¿Qué tan importante es para ustedes trabajar en este ámbito del video? Consideramos que el trabajo audiovisual es más que importante para un grupo, y es la razón por la que decidimos concretar un Live Session que pueden ver en nuestro canal YouTube, y, además, concretamos videoclips de nuestras canciones “Arrebatados” y “Riesgo Laboral”. Argentina es una de las grandes escenas de Suramérica. Para una banda relativamente nueva como Apologgía, ¿les ha sido muy difícil entrar en esta escena? De momento consideramos que el grupo se está difundiendo bastante bien en Argentina, así que es algo que nos alegra y nos llena de motivación, manteniéndonos firmes para seguir creando canciones, y presentarnos en donde surja oportunidad. facultad de música Lo que quizás nos está costando más es el di-

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fundirnos en otros países, así que nuevamente reiteramos nuestras gracias de que tengamos un espacio para que nuestra propuesta sea conocida en variadas naciones. Bien, hablemos del álbum nuevamente. El nombre de éste es muy sugerente, ¿cuál es la historia de este disco? ¿De qué tratan sus canciones? Como dato peculiar, el primer nombre sugerido para el disco fue precisamente “Calles Devastadas”, y no hizo falta sugerir ningún otro nombre, puesto que los 4 nos sentimos muy cómodos con el mismo, ya que consideramos que el nombre suena a un disco de Thrash Metal más que de otro género en particular a imaginarse.

¿Es Apologgía una banda que está tratando de denunciar la enfermedad social que se vive en nuestro entorno? En parte es tal como deducís. Sin embargo, estamos en plan de empezar a crear algunas letras que apunten a temáticas más positivas, como, por ejemplo, el placer de seguir siendo metaleros a través del tiempo, o letras que hablen sobre amistades y seres queridos.

“Calles Devastadas” es la primera oración de “Grito” (la primera canción del CD).

Me imagino que ya estén trabajando en un próximo álbum, ¿es así? ¿Estos nuevos temas seguirán la misma línea musical o incursionarán en alguna temática y género? Estamos creando canciones nuevas para un segundo álbum, y contentos de informar de que mantendremos nuestra línea musical intacta, puesto que nos sentimos muy cómodos al seguir haciendo temas de Thrash Metal vieja escuela.

Resumidamente, nuestras letras hablan de injusticias, ya sean de experiencias sociales o personales que haya tenido alguno de los integrantes.

Muy posiblemente tendremos hecho nuestro segundo disco a finales del 2019, y, al igual que nuestro primer álbum, contará con 11 canciones propias.

En otro ámbito, ¿cómo ves el actual movimiento metalero en Argentina? ¿Qué aspectos positivos y negativos resaltas de tu escena? Argentina es un país de 23 provincias, pero a veces se evidencia que mucha gente se limita a oír solamente grupos que surjan en la provincia de Buenos Aires.

Una pregunta sugerente, ¿qué le dirías a los metaleros para que escuchen y disfruten de Apologgía? Somos una banda que intenta dar su toque de innovación e identidad propia, en pos de que el público metalero del país que fuere se sienta a gusto de oír, y saber que aún pueden seguir apareciendo grupos con propuesta atrapante.

Obviamente que, en la provincia mencionada, han surgido y surgen grupos completamente geniales, pero a veces se siente que determinado público se estanca con conocer y asistir únicamente a recitales en donde toquen los grupos metaleros más de renombre, y nada más. Hablando ahora sobre el aspecto positivo del movimiento metalero en Argentina, pues nos pone contentos el ver cómo muchos grupos que no son de Buenos Aires (incluyéndonos) estamos con el plan de seguir grabando y girando con nuestra música, y además se están gestando festivales metaleros a lo largo y ancho del país.

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Bien, gracias por tu tiempo. Si deseas añadir algunas palabras, pues adelante. Les mandamos un saludo de acero a todos los que leen esta entrevista, y más que felices si quieren conocernos mejor mediante nuestras redes sociales (más que principalmente, mediante nuestro canal YouTube, el cual es “Apologgia Thrash Metal”) ¡QUÉ ESTEN MÁS QUE BIEN! ¶

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Cristal y Acero

pioneros de la Ópera Rock en México LEER MÁS

ablar de Cristal y Acero, banda mexicana de gran trayectoria, sería algo extenso. Cristal y Acero fueron los primeros en realizar una ópera rock en México. Ésta fue puesta en escena en abril de 1984 con gran aceptación. Con esta primera ópera rock se presentaron por casi toda la república mexicana, y el éxito fue enorme. Luego vendrían otras óperas rock, discos, salidas del país…

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La banda actualmente está inmersa en varias presentaciones por su país, pero su baterista y fundador, Samuel Shapiro, en un pequeño tiempo respondió, algo apresurado, la entrevista que a continuación les dejo. Saludos! Cristal y Acero es una banda que lleva ya una gran trayectoria en la escena mexicana. La banda inició en la década de los 80’s, y surgió a la popularidad con la primera ópera rock llamada “Kuman”, rompiendo todos los clichés establecidos de esa época. La banda comenzó haciendo rock progresivo, y al poco tiempo deciden hacer metal melódico. ¿A qué se debió este cambio en su pro-

años en todo el país y dándonos a conocer de una manera muy, muy fuerte. Simultaneo a esta primera obra teatral, también se lanzó el primer álbum de la banda. Cuéntanos sobre el mismo. Antes de hacer la ópera rock “Kuman”, estábamos grabando nuestro disco “Cristal y Acero”. Era el primero, y luego grabamos “Kuman”, pero la compañía disquera decidió que primero saliera el disco de “Kuman”, ya que la publicidad que estaba teniendo el espectáculo (la cual pertenecía a la empresa Televisa) tenía mucha proyección. Por eso primero salió “Kuman”, y seguidamente se lanzó “Cristal y Acero”. Me imagino que esta ópera rock marcaría la carrera de la banda, ¿fue así? ¿Hubo más trabajos así a este estilo de ópera rock? Sí, así es. En México otras compañías intentaron hacer óperas Rock, pero ninguna tuvo el éxito que obtuvo “Kuman”.

puesta musical? Antes de realizar la ópera rock “Kuman”, Ikar Smith y Samuel Shapiro en la batería realizaron la mancuerna del grupo, y después de hacer un viaje a Nueva York donde el Punk estaba en su apogeo, comenzaba a entrar el Heavy Metal en los Estados Unidos de América, y quedamos impactados por ese tipo de música, y así hicimos el crossover a Heavy Metal. En 1984 se estrenó la obra teatral “Kuman”, una ópera rock donde Cristal y Acero tocó en vivo para esta puesta teatral. ¿Qué representó esto para la banda? Representó la posibilidad de estar en escaparates radiofónicos y televisivos y lanzándonos a la popularidad, haciendo una gira durante 2

“Espadas de Cristal” fue un disco con gran reconocimiento por una revista inglesa. Háblanos de esto. ¿Este álbum mantenía la misma esencia de trabajos anteriores? Fue nuestro tercer disco, y estábamos buscando un sonido un poco más fuerte, más rápido, y quedamos sorprendidos de que “alguien” mandó nuestro material a ciertas revistas europeas y gustó bastante nuestro disco, lo cual hizo que incluso se empezara a exportar. Según la crítica de aquella época, con su disco “América” tuvieron un cambio en cuanto a lo musical. Entró Aarón Montalvo como cantante, que era el actor que había hecho “Kuman”, y nosotros éramos un trío musical y nos convertimos en cuarteto. Al mismo tiempo había muchos cambios musicales en México. De hecho, hubo una invasión del Rock en español, y tuvimos que cambiar un poco nuestro estilo, aunque en el fondo yo nunca quise dejar el Heavy Metal, pero la banda tomó otra dirección. LaCarne Magazine

A finales de los años 80’s la banda toma un receso y a su regreso la banda muestra un nuevo sonido e imagen. ¿A qué se debió ese receso y qué los motivó a regresar a la escena? Nuestro guitarrista, con el que había hecho mancuerna, Ikar Smith, decidió tomar otro camino, fue entonces cuando me pregunté ¿qué podía hacer? Así que decidí continuar con Cristal y Acero, y busqué nuevos elementos para formar la banda. En ese tiempo estaba sonando ya el Rock Angelino muy fuerte, y estaba entrando el Hard Rock Ochentero con grupos como Poison, Mötley Crüe, Whitesnake, Danger Danger etc… La ópera “La Bella y la Bestia” fue otro gran éxito, y del cual también lanzaron un CD. ¿La letra y música siempre corrió por la banda? ¿Por qué ese apego a las óperas rock? Nos gusta combinar la música con un espectáculo tan importante como es la Ópera, la cual es grandiosa, ya que posee vestuario, escenografía, actuación… En fin, es algo grandioso por eso. ¡Nos gusta mucho hacer Ópera! Hay un disco de covers titulado “Segundo Antes”. ¿Por qué un álbum de covers? ¿A quiénes escogieron para estas versiones? Nos contrató una compañía disquera independiente para hacer el récord de ese álbum, y es así que decidimos grabar a grupos como Def Leppard, El Tri de México, Whitesnake, Kiss (por mencionar algunas). Grandes bandas de la época de los ochentas, y este disco se movió exclusivamente en Los Ángeles. Es tanto el apego a las óperas rock que decides hacer tu propia ópera. “Drácula” fue la ópera que le dio una gran cantidad de premios. Así que háblanos de estos premios y reconocimientos.

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Ganamos 13 premios de la crítica especializada, pero lo más importante para nosotros fue presentarnos en el teatro Wilter de Los Ángeles, llevando un espectáculo musical orgullosamente mexicano a Broadway (la cuna de los musicales), desempeñando un papel digno, colocando a nuestro país a la altura de cualquier compañía internacional. crital y acero Según leí, Cristal y Acero es la primera banda de metal a nivel mundial en participar en un espectáculo circense. ¿Cómo llegan a ser parte de este espectáculo? No sabemos realmente si somos la primera, pero nosotros habíamos hecho una temporada de “Kuman” en la carpa Astros que pertenecía a los señores Atayde, y así es cómo nos llama para hacer una temporada para finalizar la Arena México, que era el lugar más grande donde se presentaba el Circo Atayde Hermanos. En cuanto a presentaciones fuera de México. ¿Qué países han sido visitados por Cristal y

A lo largo de todos estos años la alineación ha cambiado mucho y es algo que siempre afecta a una banda. ¿Quiénes conforman hoy en día la banda? ¿Estos músicos mantienen algún proyecto a banda en paralelo, o están dedicados por completo a Cristal y Acero? Esta alineación lleva 11 años juntos, y está conformada por Samuel Shapiro (batería), Rashid Rahal y Pefy Castillo (guitarras), Mike De La Rosa y Milton Díaz (vocalistas), Vince Gazano (teclados) y Mauricio Cuevas (bajo). Fuera de ensayos y conciertos, ¿cómo es la vida normal y corriente de los músicos de Cristal y Acero? Es una vida normal, tal cual la dijiste, una vida normal. Tantos años en la banda, ¿qué sentimientos y recuerdos pasan por tu mente cuando piensas en aquellos comienzos y hoy ves el gran reconocimiento que han alcanzado? Nunca pienso en eso. Acero? Hemos estado en New York, Los Ángeles y Chicago. La banda se desintegra, y, luego de la búsqueda de integrantes, sacas “Cristal y Acero Eighties Rock Show Alive”. ¿Qué fue esto, un proyecto o un avance del nuevo Cristal y Acero? Fue un proyecto que después se convirtió la banda actual de Cristal y Acero. Las tendencias musicales, al igual que la moda, van y vienen, y lo que hoy es popular dentro de algún tiempo no lo será. ¿Crees que dentro de algunos años Cristal y Acero cambiaría su propuesta musical? El pasado es historia, el futuro es incierto, lo único que existe es “el aquí y el ahora”. “El Amor es Para Siempre” fue su álbum número 15. ¿Cómo fue recibido este trabajo? ¿La aceptación fue la que esperaban? Es un disco de Hard Rock Melódico, y tuvimos una gran aceptación.

¿Cómo ves tu evolución personal desde que comenzaste con Cristal y Acero? ¿Es esto lo que siempre quisiste hacer? ¡Sí!, así es. ¿Actualmente en que está involucrado Cristal y Acero? ¿Qué hay en la agenda para este 2019? Seguir promoviendo nuestro disco “El Amor Es Para Siempre”, del cual acabamos de sacar una versión en sinfónico, y presentar nuestra producción 2019 “ERES”. Te agradezco el espacio y el tiempo para esta entrevista, les deseo la mejor como banda y que sigan cosechando éxitos en su carrera. Sé que queda mucho de que hablar sobre la banda, pero si deseas agregar algo más, pues adelante. Gracias y que DIOS te bendiga. ¶

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