LaCarne Magazine N74 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº74 - JUL 2018 - AÑO 7

neverend

en su estado más acústico investigación EXPERIENCIAS

granirock 2018 - bolivia y la barrera generacional - montevideo capital de la música emergente maremagnum fest 2018

james brown

ENTREVISTAS

neurosis - reno renardo tree house - ángel de metal trascartón - niño índigo arpía

SUMARIO N74 aÑo 7 juL 2018

experiencias 06 Granirock 2018, 10 recomendaciones Rock

12 Bolivia y la barrera generacional en el Rock

16 montevideo, capital de la música emergente

18 Maremagnum Fest 2018, 2 días de festival

investigación 24 James Brown, Señor del Soul

entrevistas 34 Neurosis, dispuestos a darlo todo 42 Reno Renardo, humor y mucho Heavy Metal

46 Tree House, mucho más que un grupo de rock

50 Ángel de Metal, sonido Heavy Speed Metal

54 Trascartón festeja sus 15 años 56 Niño Índigo, detrás de “Introspectiva Live Session”

60 Arpía, una mezcla de sonidos y estilos

neverend

en su estado más acústico contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

OMAR VEGA, jorge ares, la chica boom, luis lama, victoria burgio, ceci beltrán * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Granirock 2018

10 recomendaciones Rock

ontra viento y marea volvemos a tener Granirock en Quintana de la Serena. No es fácil en una comunidad autónoma como la extremeña mantener un festival de este tipo en una población pequeña como Quintana. En Extremadura tenemos un mal que perdura y perdura con el tiempo, y es que los festivales dependen por completo de las subvenciones públicas. Las empresas privadas no participan, y mantener festivales de música resulta algo casi utópico. Además Granirock se ha encontrado con el hándicap de tener de vuelta el Extremúsika con gran cantidad de presupuesto y un cartel muy importante, aunque por suerte del calendario entre ambos festivales hay varios meses de distancia, y además este año no concuerda con otros eventos, como si pasó el año pasado, que coincidía con Suberock o SonoraCC. La novedad este año es la alta presencia de grupos de Rock urbano y Punk. Desde la organización han decidido apostar este año por estos estilos al contrario que otros años, donde también había presencia de otros sonidos como el Hip Hop, la Rumba fusión o la Electrónica. Estamos ante el festival con la zona de acampada mejor acondicionada del panorama regional, y eso es una ventaja importante, además cuenta con el plus de la total disponibilidad del pueblo, para bien, algo que ya ha pasado con otros festivales, el caso del Contempopranea.

La elección del calendario en años anteriores hacía que el festival coincidera con el final de exámenes de los universitarios, lo que significaba un trastorno. Problema resuelto, a mediados de julio con total disposición del público veinteañero tan importante para dicho festival. Es un acontecimiento que nos permite disfrutar de toda su programación, ya que no hay solapes, como pasa en otros festivales, así que el público si se organiza podrá disfrutar de todos y cada uno de los artistas, aunque nosotros destacaremos nuestros 10 favoritos.

10 recomendaciones Rock para Granirock 2018 TRASHTUCADA Los gaditanos son favoritos. Nos ponen muchísimo sobre todo por esa particularidad de transmitir buen rollo por los cuatro costados. Rock, Funk, Ska, Reggae o Hip Hop son de los estilos que nos tocarán en directo con mucha energía, y sobre todo con muchas ganas de hacernos vivir una fiesta de fusión y baile. La alegría de sus letras les ha llevado a recorrerse el Estado, pero también parte de Europa. Los pudimos disfrutar en Olivenza en unas jornadas organizadas por colectivos de mujeres donde también pudimos saborear sus textos más combativos. Deseando escuchar verdaderos hits como “De festi? vale”, “K.O Boeing 747”, “En la calle”, “Nada nos puede parar”, pero es que además nos presentarán nuevo disco llamado “Quien dijo miedo”.

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K-TÓLICOS Los cacereños son unos experimentados en esto del Rock y del Punk. Conocidos en Quintana tras formar parte del cartel en el 2016, ya vienen con la experiencia de conocer al público de la Serena, lo que será muy buen remedio para sofocar el calor. La adrenalina y la fuerza que muestran en directo convierten el escenario en una manifestación de rabia, combate y reivindicación. No sabemos si nos harán el cover de “Las drogas” de Segismundo Toxicómano, tampoco que nos deparará este año, pero estamos seguros que hits como “Ataque Esquizofrénico”,“Al Límite” o “Una de Zombis” serán aplaudidos por el público. INGRAVITÖ Los navarros son el grupo a seguir en el futuro. Su mezcla de Punk, Rock urbano y Trash Metal más contemporáneo nos hace vibrar sobre manera. Su Metal transgénico, como ellos se definen, les ha llevado a tener un curriculum muy amplio en concursos nacionales, lo cual les ha hecho adquirir experiencia y nivel en sus composiciones. Sus temas están cargados de contenido social, como lo demuestran su hit “desahuciando el miedo” sobre los desahucios, “Los cuentos de Sara” sobre la lucha feminista, o “Kobane” sobre el pueblo kurdo y su lucha contra ISIS encabezado por mujeres. La banda además es de las pocas que introduce elementos de la electrónica en sus canciones a modo de mestizaje, así nos encontramos con atmosferas industriales, ritmos procedentes del Hip Hop, scratches, lo que los distingue del resto del cartel y les da más frescura. MUERDO El compositor, poeta y sobre todo cantautor murciano será el encargado de ponernos la pausa en el festival. Su concierto será el más tranquilo, pero festivo y bailable. Seguramente

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será uno de los que nos inicie la jornada del evento. Estamos ante el artista más puro mestizaje del festival. Sus composiciones con gran riqueza textual y cargadas de elementos folclóricos de diferente tipo, en concreto en este último álbum, “La mano en el fuego”, donde las influencias andinas son notables. Canción de autor y world music describen el sonido de Pascual, que en algunos medios lo comparan con Manu Chao. Desde luego camino lleva de ser un artista de tal calibre y tendremos la suerte de disfrutarlo en Quintana. HUECCO Uno de nuestros extremeños musicales más populares. Sin duda su concierto se abre a un público más amplio. Iván ha llevado el mestizaje hasta los circuitos comerciales, y tiene seguidores en medio mundo. Su compromiso social no sólo se representa en sus letras, que acompañadas de diferentes ritmos, ya sea, Rock, Pop, Ska, Hip Hop o como él lo llama “Rumbatón”, así tenemos hits tan dispares como “Pa’mi guerrera”, “Dame Vida”, “Se acabaron las lágrimas”, “Sube la copa” “La hora de José Mota” o “El partido de

las 12”. Colorido, fiesta, diversión y mestizaje nos traerá Huecco y servirá para llenar Quintana de otros sonidos, y seguro dar a conocer su proyecto solidario Dame Vida. NO KONFORME Es Punk Rock en toda regla, desde Vallecas. Sus letras recogen ese espíritu crítico que tiene toda banda de este estilo. La violencia de género, la igualdad, las injusticias cotidianas, la vida en el barrio, etc, son algunos de los temas que tratan estos inconformistas en sus canciones. “Delicias de una Falsa Democracia” ha sido considerado uno de los mejores discos en su categoría del año 2017. Esto les ha dado un reconocimiento mucho mayor en la escena estatal. Han pasado por Viñarock 2016-2017 y son viejos conocidos de Granirock porque ya estuvieron en el 2015. REINCIDENTES Apostar por los andaluces en Extremadura es un acierto. Ellos se definen como un grupo de Rock ‘N’ Roll. Sin duda lo son, como también

son de los máximos representantes de aquella corriente que mezclaba el punk y el rock, y que se les denominó Rock Urbano por su contenido crítico en sus letras que van desde el derecho al aborto, el maltrato, el comunismo, el anti-capitalismo, hasta el conflicto árabeisraelí. Entre sus letras también encontramos mucha poesía, ya que han versionado a poetas como Miguel Hernández, León Gieco, Silvio Rodríguez, Víctor Jara y Alí Primera. Hay tantos hits de la banda que sólo con algunos de los que mencionamos aquí merece disfrutar de este grupo: “Andalucía entera” (dedicado al pueblo de Marinaleda), “Camela-3” (crítica a la manipulación informativa de Antena 3), “Un pueblo” (sobre el conflicto vasco, con Fermin Muguruza) o “Ay Dolores” (dedicada a las mujeres maltratadas). ROSENDO Estamos ante una leyenda del Rock. Se despide de la música y tenemos la total seguridad de que su directo será legendario. Una despedida que será por todo lo alto, con un público que estará entregado. Vergüenza torera, Masculino singular, Flojos

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de pantalón, Pan de higo, Aguanta el tipo, El tren, Agradecido, o Maneras de vivir son los temas que todos esperamos en su concierto de marcha de tierras extremeñas. El genio de Carabanchel aglutinará a padres e hijos en toda una ceremonia de Rock con mayúsculas. PORRETAS Rock con toques Punks procedentes de Madrid. Mítica banda del sonido reivindicativo de los barrios obreros de este país. Sus canciones tratan de bares, la cerveza, los porros o el fútbol. Entre sus hits existen dos que nos maravillan y que esperamos que toquen en Quintana: “Marihuana”, “Y Aún Arde Madrid”. Aunque con los 14 discos que tienen, hay canciones para contentar a todos sus fans. Interesante descubrir el estado de forma de los madrileños en el escenario, sobre todo tras la desaparición de su cantante Robe. Han pasado unos años desde aquello, y también han pasado unos años desde que los de Hortaleza no se pasan por tierras extremeñas.

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EL DROGAS El ex Barricada es una leyenda del Rock nacional. El navarro cuenta con muchísima experiencia en la música, a pesar de que en solitario solo tiene 4 trabajos. Enrique Villarreal nos traerá canciones cercanas al rock social y combativo, pero también piezas cercanas al Glam Rock o R&B, con temáticas dispares como por ejemplo el Alzheimer. El navarro ha colaborado en alguna ocasión con Reincidentes. Nos preguntamos si habrá colaboración en directo en Quintana. Sin duda su presencia será otro momento importante del festival porque podremos encontrarnos a diferentes generaciones disfrutando de dicho concierto. ¶ Más información sobre Granirock en los siguientes enlaces:

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Bolivia

y la barrera generacional en el Rock recepciones de bodas, pero si queremos poner una determinada banda de rock para que todos bailen, lo pensamos dos veces.

e aquí uno de los más grandes problemas del rock en Bolivia. Y, extrañamente, he aquí su más grande panacea también (hablaré de esto al final). ¿Alguna vez nos hemos preguntado por qué es inusual que nuestros padres conozcan la música que escuchamos? Vemos cómo nuestros amigos hacen un despliegue de selfies, vanagloriándose de que sus abuelitos escuchan sus bandas favoritas con ellos a la hora del almuerzo o en el auto y, de fondo, sí estamos un poco sorprendidos. ¿Por qué? La música contemporánea en Bolivia no logra superar su barrera generacional casi nunca, y creo que esa es una de las grandes debilidades que tenemos. El folklore y la cumbia trascienden edades y arrasan en las

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Estas son mis 3 teorías!

Bolivia y la barrera generacional en el Rock El síndrome de chaperones La primera vez que me sentí una chaperona fue en el Live Buzz el año pasado. Tocaban varias bandas jóvenes aventurándose en sus primeros conciertos. Yo, curiosa, convencí a un amigo de Estados Unidos para que me acompañara. Los dos teníamos 23 años. La primera banda que tocó tenía músicos mayores. Y, en realidad, yo no usaría este término porque nunca he prestado atención a la edad (excepto por el anterior guitarrista de Mortsure, ¡y hasta ahora extraño verlo en los escenarios!).

timenta, creo que se siente en el comportamiento. Los jóvenes son bastante ruidosos y eso, de hecho, es muy bueno. Se siente el apoyo que hacen a sus amigos de colegio y lo nuevo que es para ellos experimentar la música en vivo (la entrada a los bares tiene límites de edad, ¿no?). Pero también se siente esa ausencia de independencia y esto es algo de la cultura boliviana en general. El apego y dependencia a los padres en los jóvenes de clase media es, más que una probabilidad, una promesa. ¿Habrá un factor biológico/genealógico/no sé qué llamarle? No tengo idea, pero 3 personas me preguntaron si mi amigo de Estados Unidos tenía más de 30 años y eso me extrañó muchísimo. ¿Por qué ellos se ven mayores y nosotros no? Señores: no tengo idea. Pero en algo ha apoyado a su escena, porque sean de la edad que sean no se pierde nunca la seriedad.

Lo cierto es que, luego de la primera banda (que se fue a minutos de haber terminado), sentí que yo era muy vieja como para estar ahí. La cosa no mejoró cuando llegó una amiga mía y encontró que su primito estaba de guitarrista. Mi bebé está tocando, me decía toda emocionada mientras yo le preguntaba ¿qué nos pasó? Éramos muy viejas para bailar con el resto y muy jóvenes para sentarnos al lado de los padres (sí, señores, estaban los papás de los músicos, llevando sus abrigos y sus estuches de guitarra). Sólo unos meses antes había tenido uno de mis últimos conciertos con la banda en la que tocaba. Un amigo de colegio apareció y me dijo que la banda de su hermanito iba luego de la mía. Creo que no es necesario seguir enfatizando lo incómodo de este tipo de situaciones. Simplemente hay que aceptar que llega un momento en el que el síndrome de chaperones te llega.

Y es que, de fondo, que las bandas nuevas sean jóvenes no es el problema, sino que las bandas siempre son jóvenes y siempre son nuevas. Poco a poco, los músicos que ya llevan años tocando ven que no existe un futuro sustentable con lo que hacen, así que deciden: a) pasar al lado oscuro de la cumbia ó b) dejar la música para los fines de semana con su colección de discos. Si optaron por la opción b) es triste. En esta sociedad hay que aprender a vivir con el olvido. Dejan de tocar, las nuevas escenas les pierden el rastro y en un par de años se les olvida. Las escenas no tienen memoria a largo plazo, y eso es algo que siempre reprocharé de la sociedad boliviana. Por su parte, los músicos que dejan de tocar mantienen su amor por la música pero se desprenden de la escena. Dejan de consumir los discos, los conciertos... Quizás vayan un par de veces a ver a Octavia o Atajo, e incluso a una de las nuevas bandas, pero eventualmente a ellos también les llega el síndrome de chaperones. El olvido va de ambos lados.

¿Cuáles son sus causas? Más allá de la vesLaCarne Magazine

No somos nosotros. ¡Son ellos! Ahora bien, dejando de lado el factor etario del público, también tengo que reconocer que, por lo general, los nuevos proyectos en Bolivia se lanzan muy pronto al escenario. En mi decálogo para el éxito declaré que una banda debe estar segura de su capacidad y de su material antes de presentarse. Muchas bandas no lo están. Y si están seguras de sí mismas, es todo una ilusión. El apoyo exasperado de los teenagers no necesariamente significa que lo estás haciendo bien. Tienen que tener en cuenta que es un público neófito. Existen bandas excepcionales que logran congregar generaciones en un solo auditorio. Esas bandas son eso: excepciones (y bandas que llevan décadas tocando). Por lo general, el público “mayor” es más exigente y tienes que ganarte el derecho de piso con ellos. ¿Hay bandas jóvenes que logran tal congregación? Poquísimas.

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Pero no crean que estoy culpando a los jóvenes solamente. Los músicos con más años también tienen un poco de responsabilidad en esto de las barreras generacionales. Y es que no han logrado crear nuevas dimensiones a géneros como el rock. No han dejado algo para rescatar. ¿Alguna vez han escuchado hablar del Dad Rock? Músicos como Bob Dylan, Eric Clapton, Paul McCartney, entre muchos otros, mudan de temática y estilo, sin salir del rock. Así, las letras ya no hablan tanto del primer amor o de la fiesta del año, sino de la experiencia de ser padre, de establecer una familia o de otras vivencias destinadas a un públiconuevamente-“mayor”: hombres de más de 30 que también son jefes del hogar, con un recientemente adquirido gusto por los solos de saxofón (esto es chistoso pero muy cierto). Los músicos crecen y su música con ellos. Así, el público también tiene nuevos elementos

con los cuales identificarse (¿olvidé redundar en que ellos también han ganado un par de años?). La escena no se desgarra: se ramifica. Lo más cercano a esto que he podido encontrar en Bolivia es la división entre la vieja escuela de la música folklórica (Kala Marka, Awatiñas, Los Kjarkas, Alaxpacha, etc.) y las nuevas agrupaciones con fusiones más “modernas” (Chila Jatun-los hijos de Los Kjarkas-, Huayna Wila, Maria Juana y la infinidad de otras agrupaciones con canciones que incluyen temas picarescos o neologismos del siglo XXI). ¿El factor plurinacional? ¿Será? Cuando fui al concierto de Norte Potosí (agrupación folklórica que lleva más de 30 años haciendo música) no podía evitar sentir la filiación regional del público con los músicos. La vocalista o el charanguista hacían chistes y el público respondía en quechua. En un momento, el charanguista preguntó si alguien era de cierto pueblo y 2 ó 3 personas, emocionadas,

levantaron las manos. Otros gritaban “¡Chayanta!”, “¡Llallagua!”, aludiendo a su lugar de origen. Gritaban “¡Arí, arí!” (Sí, en quechua) cuando la vocalista anunciaba una u otra canción. Al salir del concierto, mi mamá (con quien había asistido), me dijo que había recordado tanto con esas canciones. Me habló sobre un amigo que tuvo cuando ella era joven, que murió trabajando en las minas de Potosí. Me habló de las canciones que mi papá le cantaba cuando aún estaba sano (Norte Potosí recupera canciones típicas de los pueblos, que se transmiten de generación en generación en las fiestas) y de las épocas en las que ella sólo quería bailar. Quizás ahora suena cursi, pero en ese momento, cuando me dijo que su alma había querido llorar, a mí también me nació una nostalgia casi indescriptible. La música había cobrado memoria. Bolivia tiene una población urbana prominente y en constante crecimiento. Gran parte de esta población, sin embargo, migró del campo a la ciudad. Reprochar a las generaciones pasadas el no acoplarse a un nuevo esquema musical completamente diferente a lo que escucharon durante toda su infancia es, más que innecesario, un poco desconsiderado. Ahora sí, la supuesta panacea… Dicho esto, el público al que debemos enfocarnos en Bolivia ahora es muy obvio. Los jóvenes, nietos de la democracia, hijos de las nuevas ciudades, del internet, tienen ahora una ola de publicidad asaltando su vista por doquier. Estos jóvenes tienen las constantes fiestas, reuniones, etc. Sus opciones son amplias, excepto en el ámbito del rock. Aparte del Live Buzz, el Teatro Nuna y los conciertos anuales de Alcoholika y Llegas en teatros, no se me ocurren más espacios musicales aptos para menores de 18 años, de costos accesibles y en horarios que no sean nocturnos. La pregunta no es por qué, sino cómo solucionarlo. Y creo que esto ya es tema para otro artículo de opinión. ¶

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Montevideo

Capital de la Música Emergente 2018 fuertes y se generó un muy lindo ambiente, lo que provoca la música y el tener un espacio para que pueda ser generada. LEER MÁS

U 2018.

ruguay, un país pequeño pero con grandes propuestas como el Montevideo Capital de la Música Emergente

Se realiza la primera edición de un festival que reúne más de 240 músicos de más de 14 países en más de 45 eventos en diferentes lugares de Montevideo. No nos podíamos perder este mes de actividades. Desde el 3 al 27 de mayo se presentaron artistas y bandas como: Aborigen (Uruguay), Annie Woodward (Noruega), Alexander Polania (Colombia), Chiara Grimaldi (Italia), Daniel Cros (España), Ice Cream (Argentina), Carol Kowan (Cuba), La Konecta (Venezuela), Lara Remezovski (Paraguay), Laura Murcia (México), Matiné Meia Noite (Brasil), Ocupas (Cuba-Uruguay), Paula de Alba (España) y muchos otros artistas. Los toques se realizaron en lugares cerrados como en Bares, en Zala Zitarrosa, en el Centro Cultural de España y otros centros Culturales, en la sala MTOP, en AGADU, en el Museo Fernando García y otros Museos, y también al aire libre, como en la Plaza Seregni, Plaza Zufrategui, la Plaza Huelga General o la Explanada de la Intendencia Municipal de Montevideo. Lo mejor de la jornada es que no sólo hay toques, sino otro tipo de actividades con músicos y para músicos: hubo expo, ferias, jornadas de cine y documentales, talleres y charlas que sin lugar a dudas dejaron vínculos muy

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Además, la entrada a cada uno de los shows, charlas, talleres, cine, ferias o expos es gratuita. No hubiera sido posible un festival de este tamaño, de tantos días y con artistas de este nivel con entrada libre y gratuita si no hubiera existido la unión de los organizadores, auspiciantes y quienes apoyaron también desde su lugar, tanto desde la prensa, como los lugares donde se llevaron a cabo las actividades. Fue sin dudas un trabajo en equipo, como suele pasar en un país donde el medio es tan pequeño y los recursos escasos. Montevideo Capital de la Música Emergente le dio otro color a los días de mayo, porque a toda hora había algún show o actividad al aire libre. Y pasar caminando y encontrar en una plaza un toque, dan sin lugar a dudas ganas de parar y disfrutar un rato de la buena música, además de que de esa manera fueron haciendo conocer las actividades que se hacían en lugares cerrados. Y así se vivió en Montevideo este mes, con la cámara oficial de Montevideo Capital de la Música Emergente: Equipo fotográfico del festival: Fernando Corales, Vanni Gonzo, Maximiliano Echenique, Luisina Fungi, Diego de la Vega, Carlos Cáceres, Matias Ribeiro, Jerónimo López, Tatiana Pérez. Convocados por www.viejaviola.com apoyando a los artistas emergentes. ¶

Feria, Expo en la Intendencia de Montevideo. Fotografia: Fernado Corales.

“Emisión” (Uruguay) en MTOP. Fotografía: Diego de la Vega.

“The Bongo” (Colombia) en Sala Zitarrosa. Fotografía: Fernando Corales.

“Zamba Canuta” (Uruguay) en el Centro Cultural Terminal Goes. Fotografía: Maximiliano Echenique

“Annie Woodward” (Noruega) en el Centro Cultural de España. Fotografia: Vanni Gonzo.

Noche de Reggae en Bluzz Live. Fotografía: Matias Ribeiro

Taller de Rap en la Intendencia de Montevideo. Fotografía: Luisina Fungi

Expo Intendencia de Montevideo. Fotografía: Vivi Bordoli LaCarne Magazine

Maremagnum Fest 20 2 días de festival

A las 20:00 La Casa Azul

tro año más en la que no nos perdemos el Maremagnum Fest de Barcelona. De nuevo repetía formato similar a la del año pasado: 2 días con 2 intervalos de tiempo con actuaciones de grupos. Sábado 19 de mayo A las 13:00h Joan Colomo & La Radio fórmula A las 18:00h Eivibonny A las 19:00h Miqui Puig A las 20:30h Joan Miquel Oliver Domingo 20 de mayo A las 12:30h Carolina Wallace A las 13:30h Weia A las 18:30 Doble Pletina

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Volvemos al Maremagnum Fest Este año Maremagnum Fest se centraba en la música indie, suprimiendo la opción que nos ofrecieron el año pasado con presencia de dj’s en la jornada matinal de ambos días. La evolución del Maremagnum Fest, que comenzó llamándose Festival Plaça Odissea porque se realizaba en la plaza exterior del centro comercial Maremagnum llamada así, ha ido de más a menos. Además del cambio de nombre, también hemos pasado de ser un festival de carácter nacional con cabeza de cartel internacional a ser cada vez más del ámbito local. También hemos ido perdiendo horario de las actuaciones.

018 Inicialmente los conciertos no tenían jornada matinal, comenzaban a la tarde y terminaban a la medianoche, y había 3 jornadas de festival. Por los diferentes formatos del festival hemos visto grupos de la talla de Delorean, Dorian, The Raveonettes, Zoé, Triangulo de Amor bizarro, Los Punsetes, Mäximo Park, Fm Belfast, Cloud Nothings, Nacho Vegas, Nudo Zurdo, Manos de Topo o Antònia Font entre otros. Sí que es cierto que en su evolución como festival ha habido algún cambio, no sabemos si de carácter fortuito o no. Por un lado, la presencia de foodtracks que es una tendencia generalizada en los festivales de Cataluña, y, por otro lado, en los dos últimos años hemos tenido actuaciones con artistas comprometidos con la causa LGTBI. El año pasado tuvimos de

cabeza de cartel a Javiera Mena, y este año a La Casa Azul. En esta última edición estuvimos presentes en la actuaciones del domingo 20 de mayo, en su edición de tarde, disfrutando de la actuación de Doble Pletina y La Casa Azul.

Doble Pletina

Teníamos grandes expectativas en este grupo. Forma parte de los grupos locales “emergentes” en Barcelona, y siempre todo grupo que destaca en la gran ciudad catalana en un futuro lo acabará haciendo en el resto de España. Su estilo nos recuerda al pop alegre de grupos como Vacaciones, Nosoträsh, Los Fresones Rebeldes o Belle & Sebastian. LaCarne Magazine

Con una importante presencia de la electrónica en sus composiciones, pop sencillo, electrónico y con sonidos retro (qué importantes son sus sintes), nos gustó sobre todo a medida que iba avanzando su directo. Un live que fue de menos a más, con canciones donde se alternan tres voces, dos femeninas y una masculina. Los de Jabalina no son cualquier músico, y la clave era la presencia de otros artistas disfrutando de su concierto, colegas de Hidrogenesse, también Papa Topo habían venido a disfrutarlos. Nos tocaron canciones de “Así es como escapó”, con hits como “Cruzo los dedos”, “Igual o mayor que” o “Soltera”.

La Casa Azul

Teníamos ganas de volver a ver el grupo de Guille Milkyway. La única vez que lo vimos fue allá por el 2004 en el festival Contempopranea. Debemos reconocer que aquella vez teníamos unas expectativas muy altas, y la decepción fue importante en su directo. Los tiempos han cambiado y el grupo ha evolucionado muchí-

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simo, tanto, que ahora son un grupo enormemente popular y por descontado su puesta en escena y su directo no tiene nada que ver con aquello que vimos hace más de una década. 7 músicos en el escenario, dúo de viento con trompeta y trombón, 2 componentes responsables de la percusión electrónica, samples y sintes, un guitarrista, un baterista y Guille. A la presencia de todos estos músicos le sumas los visuales, pues tienes un show de sobresaliente. El directo tiene canciones muy bailables, muy movidas, de ese pop tan característico que ha creado el productor catalán. Directo de hora y media con 3 puntos de inflexión a cargo de las canciones más intimistas, donde Milkyway las toca al piano. El show tiene tantos hits que no paras de bailar en ningún momento. “Todas tus amigas”, “Podría ser peor”, “Revolución sexual”, “Esta noche solo cantan para mí”. Cabe decir que nos tocaron dos canciones nuevas y se aventuraron con otros estilos muy de moda en la actualidad como el trap. ¶

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James Brown Señor del Soul LEER MÁS

n esta ocasión vamos a hablar de un tipo muy peculiar, mundialmente famoso y que, una vez más, revolucionó la música negra. Me refiero al padrino del Soul, el incombustible James Brown. Y digo incombustible porque vosotros mismos vais a comprobar todo lo que le dio de sí la vida a este Señor del Soul.

James Brown, el padrino del Soul El joven James Brown James Joseph Brown viene al mundo un 3 de mayo de 1933 en Barnwell, Carolina del Sur.

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Perteneciente a una familia extremadamente pobre, se crió los primeros años en una granja junto a su padre, pues su madre los abandonó cuando James tan sólo tenía 4 años. Pronto se escapó de casa para marchar a Augusta con una tía. En esta época el joven James se dedicaba a limpiar zapatos, bailar en Lennox Theatre y realizar pequeños hurtos, dándose a conocer entre las pandillas de la zona del barrio Gwinnett, un barrio negro y, como tal, muy castigado socialmente. De hecho, fue arrestado con 17 años por desmontar algunos coches, fue condenado a entre 8 y 16 años, pero sólo cumplió 3 y un día (por buena conducta), repartidos entre un correccional y un reformatorio. La salida de estos centros será un momento

pel Starlighter, convirtiéndose en cantante y pianista. Con el tiempo este grupo pasará a ser los maravillosos The Famous Flames y James Brown su mítico y carismático líder. Y aquí comienza su historia, una historia llena de subidas, bajadas, despotismo, violencia y ritmo, mucho ritmo. The Famous Flames empezó a moverse por los garitos de música en directo. James Brown tenía un carácter muy emprendedor y ambicioso, y pronto empezó a tomar las decisiones del grupo. Una de las primeras fue actuar durante un descanso del show del aclamado (y bendito, musicalmente, por siempre jamás) Little Richard sin ser invitados. Richard se quedó tan impresionado que enseguida les propuso trabajar con él, y, a partir de ahí, todo empezó a subir como la espuma.

decisivo en su vida, pues será cuando comience la unión con Bobby Byrd, la única persona a quien parece quiso y respetó James Brown. James Brown, primeros contactos con la música Antes ya había tenido su primer contacto con la música, comenzando a cantar con grupos de Góspel (música religiosa estadounidense procedente de las iglesias bautistas afroamericanas). Estos primeros momentos musicales relacionados con el Góspel marcarán profundamente el estilo de este monstruo de la música, convirtiéndole en uno de los hombres más prolíficos de la industria musical mundial. En 1949 (al salir de la cárcel) empieza a trabajar con Bobby Byrd en su grupo The Gos-

En 1956 se lanza el single Please, Please, Please, (James Brown realizaba una auténtica performance con esta canción que mantenía extasiado al público) que rápidamente entra en el Top 10 de las listas de R&B, llegando a manos del jefe del sello musical de Cincinnati que hará el primer contrato para James Brown and The Famous Flames. James Brown, una trayectoria de éxitos Tras este primer éxito sufren un pequeño estancamiento por parte de los músicos, disolviéndose en 1957 la formación original y anulándose el contrato discográfico. Sin embargo, esto no fue un problema para James Brown que pronto empezó a reconstruir la formación, y en 1958 volvía a la carga con una nueva banda y un exitazo que llegará a ocupar el primer puesto de las listas de éxito de R&B, Try me. James Brown, como hemos dicho al principio, revolucionó la música negra, a partir de mezclar la espiritualidad del Góspel con la exuberancia del R&B, todo ello aderezado con bailes espectaculares. Se presentaba como un auténtico preacher (predicador de las miLaCarne Magazine

sas Góspel) con toda su faceta energética y teatral (este concepto será adoptado años más tarde por los primeros MC’s del Rap, el Master of ceremony). Se basaba en un estilo nervioso y repetitivo que será el detonante de la música de baile posterior (así como del Funk o el Rap). En los años 60 se lanza a un nuevo proyecto, sufragar todos los gastos para publicar un disco que mostrara toda su fuerza en directo (que era lo que le interesaba a él, pues consideraba que esta música no era para venderla a sectores blancos, si no para ser bailada con sentimiento). Y así nace uno de mis discos preferidos del mundo entero, Live at Apolo, un disco grabado en 1962, en directo y que sin duda ha pasado a la historia, no sólo por su registro histórico (14 semanas en las listas pop), sino porque es puro espectáculo y puro James Brown, un auténtico showman que interpretaba incluso desfallecimientos por amor. Una vez definido en el Soul con letras mayúsculas, James Brown no se conformaba y dio un paso más regalándole al mundo el sonido Funk. Sus primeros singles Papa’s got a Brand new bag y I got you (I feel good) fueron un impacto sin retorno, había creado un nuevo estilo que rebosaba energía y ritmo. Rodeado de muchos de los mejores músicos de jazz del momento y con una férrea (casi esclavista podríamos decir) disciplina, esquematizó la música hasta sacarle su esencia primaria, un concepto que no todos sus músicos entendían (Maceo Parker, abandonó la formación por, entre otros problemas, no conseguía entender el concepto musical de Brown). Buscaba ofrecer un espectáculo impactante, perfectamente sincronizado, construido en torno a riffs repetitivos. En los años 70 ya había definido el sonido Funk, incluso creó una escuela. En este momento se hace con una nueva formación The JB’s, donde ya se encuentran Maceo Parker, Fred Wesley, Phelps Collins, Bootsty Collins y, por supuesto, Bobby Byrd.

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Será el momento de canciones tan emblemáticas como Get up (I feel like being a) sex machine. También de esta época es la canción Funky Drummer, una de las canciones más sampleadas de la historia que contiene un “break” de batería que será el germen del Rap. Muy duro con sus músicos, pero nada egoísta, James Brown les dio la oportunidad de crear sus propios discos, así el sonido funk se fue extendiendo cada vez más. Sin embargo, la segunda década de los 70 la cosa empieza a decaer, su popularidad baja debido a que el Funk se ha extendido y hay muchos grupos, además aparece la música Disco (heredera directa del sonido James Brown) que sube rápidamente en las listas de éxito. En los años 80 prosigue su decadencia, aunque su reputación sobre el escenario seguía intacta, era una figura respetada y ahora se hace un hueco entre los incipientes artistas de Rap que casi siempre tiraban de su repertorio para crear sus sonidos. Incluso grabó una canción con el mítico rapero Afrika Bambataa Unity, que se convirtió en todo un himno ge-

neracional. También Brown sacaría un disco influenciado por el Rap. Y seguía y seguía, también en los años 90 sacó discos (si bien no los mejores, ahí seguía el tío empeñado en hacer música) y continuó con sus espectáculos en directo con la misma energía de siempre, así como colaborando con artistas como Michael Jackson, Prince o Pavarotti, además intervino en algunas películas. Solía decir: “Les enseñé todo lo que saben, pero no todo lo que sé. James Brown y su faceta más oscura Como veis, en el aspecto musical James Brown fue todo un adelantado, sin embargo no todo era bonito. Como ya hemos dicho, aplicaba una disciplina muy dura a sus músicos, multándoles por equivocarse al tocar en los ensayos, por retrasarse unos minutos, por tener una arruga en la camisa o tener los zapatos sucios. En el ámbito familiar también era un déspota. En 1988 fue arrestado por maltrato doméstico y consumo de drogas, condenado a 6 años, aunque sale en 1991. Una joyita, vamos.

Muere el 25 de diciembre de 2006 por infarto en Atlanta. Un sinfín de gente acompañaría su ataúd hasta el Teatro Apolo, donde se le despidió. Autor de casi un millón de canciones y 35 discos entre 1959 y 1998, vendió más de 500 millones de discos (¡ojo al dato!), además de cantante y showman, también tocaba la batería, el piano, el órgano y la guitarra, y era compositor de casi todos sus temas y productor de la mayoría de sus discos, por todo esto se llamaba así mismo “el trabajador más duro del mundo del espectáculo”, realizando más de 300 conciertos en sus mejores años. Por eso es el padrino del Soul, porque su estilo era mucho más real que cualquier música asociada a una casa discográfica con su correspondiente sonido estándar. Mr. Dynamite, Universal James, Soul Brother number one, Minister of the new super-heavy funk, el creador del Funk… Todos esos eran James Brown, pero por encima de todo fue El padrino del Soul. ¶

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LACARNE

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europa y latinoamĂŠrica

entrevistas

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neverend

en su estado más acústico

everend no ha parado desde que comenzaron su andadura y hace un par de años pudimos hablar con ellos. Nos ha gustado ver que durante ese tiempo han seguido trabajando, creciendo y haciéndose más grandes. En la primavera del pasado año, publicaban su nuevo trabajo “The Singularity Code: Acoustic”, disco que les ha traído nuevos éxitos y que se emite cada semana en Puro Cuatro. Neverend se encuentra en estos momentos

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viviendo una de sus mejores etapas. Hemos querido hablar con ellos para que nos cuenten en primera persona cómo están viviendo este momento y qué planes tienen.

Neverend y el éxito de “The Singularity Code: Acoustic” Hace un par de años, en 2016, pudimos hablar con vosotros con motivo de vuestro primer álbum. Desde entonces y hasta la fecha, ¿cómo se encuentra la banda? ¿Qué balance hacéis de vuestra trayectoria? Han sido dos años intensos. En el mismo 2016 acudimos a los Hollywood Music In Media Awards en Los Ángeles, lo cual nos llevó a publicar un nuevo disco, “The Singularity

Code”, que está siendo emitido en Mediaset. También ganó un premio TAP en noviembre 2017 y está siendo protagonista de más de un evento de renombre, como han sido “Las Noches de Verano” de RNE o la gala de “Premios a la Excelencia Educativa”. En definitiva, el balance es muy positivo. Vuestro último trabajo, publicado en la primavera del pasado año, “The Singularity Code: Acoustic” mantiene el sonido de Neverend pero, en esta ocasión, lo habéis grabado en acústico ¿Por qué motivo? ¿Qué os llevó a hacerlo en este formato? En 2016 tuvimos un momento de no retorno cuando acudimos a los premios de Los Ángeles. Estábamos nominados a “Mejor alternati-

vo” por la versión acústica de “Ruins” de ese primer disco, “Silent”. A partir de ahí decidimos darle mayor visibilidad a nuestro formato acústico con el disco que mencionas. Como hemos explicado antes, “The Singularity Code” está teniendo mucho éxito, siendo emitido cada semana en Puro Cuatro. Empezó de una forma natural, como alternativa para tocar en entrevistas de radio y nos dimos cuenta de que tenía mucho potencial. Como nos gusta explorar nuevos planetas, experimentar un formato diferente era un reto muy apetecible. Para los que aún no han tenido la oportunidad de escucharlo, contadles qué van a encontrar en “The Singularity Code: Acoustic”. LaCarne Magazine

Van a encontrar más crudeza, pureza y matices. La instrumentación parece contar una historia diferente a la voz, pero acaba encajando perfectamente y adquiere una delicadeza que no nos permite el formato eléctrico. Ésta consiste de guitarra acústica, piano y clarinete, bajo y percusión sencilla. La voz adquiere unas posibilidades impensables en eléctrico, lo que permite que las emociones se transmitan mucho mejor. Es un formato muy intimista. Queremos conectar con el oyente. Comparándolo con vuestro anterior trabajo, Silent, aparte del sonido en acústico ¿qué otras diferencias encontramos en “The Singularity Code: Acoustic”? El disco es una revisión en acústico de “Silent”, transformando las canciones casi completamente, salvo por la voz. Pero aparte de ello, hemos querido incluir dos temas nuevos: “Jor’a” y “Disappointing You”. Son dos temas que hoy por hoy son probablemente nuestros preferidos. Son la materializa-

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ción de nuestra evolución como grupo. Sabemos que habéis llamado la atención de los medios y habéis representado a España en los premios de música internacional independiente. ¿Qué significado tiene esta repercusión para vosotros? Como suelo decir en entrevistas: para nosotros es un certificado de calidad. Sorprendentemente, los premios de música independiente más importantes del mundo apenas tienen repercusión en nuestro país, y es una pena porque la representación española allí es continuada durante los años con grandes talentos. Para nosotros significó algo así como una voz interior que nos dice: “no estamos equivocados, tenemos algo diferente y especial que reconocen también fuera de nuestras fronteras”. Nos ayuda a seguir con este sueño. La verdad es que desde que os seguimos hemos visto que habéis crecido y evolucionado como banda, y que cada vez contáis con más seguidores. ¿Cómo ha sido el trabajo de Neverend para conseguir todo esto? Es un trabajo constante y duro. Tiene sus altibajos, pero hay que seguir trabajando incan-

sablemente para hacerse oír. Se basa en trabajar desde numerosos frentes: redes sociales, contacto con los seguidores, medios de comunicación, blog en el que novelar (entre la realidad y la ficción) nuestra experiencia, esfuerzo para representar también nuestro código a través de la imagen, componer nuevos temas… Son muchos los elementos que hay que mantener. En particular, la contradicción entre la exposición constante y el halo de misterio que le debemos a nuestro proyecto llega a ser un ejercicio de malabarismo arriesgado. ¿Seguís de gira con este trabajo? ¿Dónde podemos veros durante los próximos meses? ¿Os habéis planteado girar fuera de España? Seguimos de gira con este trabajo, desde luego. Nos está ayudando a conectar con un público nuevo y más amplio. Tenemos cierta sorpresa, de la que informaremos en breve, que no desvelaremos en esta entrevista. Pero cualquier nueva información, los lectores de LaCarne Magazine la tendrán disponible en redes sociales y página web.

Girar fuera de España está siempre en nuestros planes, pero es un trabajo que se ha de ir gestionando a la par de todos los proyectos que tenemos entre manos. ¿Tenéis en mente nuevos temas para un próximo disco o aún queda trabajo por hacer con “The Singularity Code: Acoustic”? Las dos opciones no son excluyentes. Queda mucho trabajo por hacer con “The Singularity Code”. En particular por lo mucho que disfrutamos con él y porque sigue llegando a nuevo público, pero, por otro lado, durante este tiempo no hemos dejado de componer y un próximo disco se acerca sin posibilidad de evitarlo. Enhorabuena por este trabajo y os deseamos mucho éxito en adelante. Nos ha encantado volver a hablar con vosotros. El placer es todo nuestro, sobre todo por vuestro apoyo continuado durante estos años. Deseamos que vuestros lectores se asomen a nuestro universo Neverend y no sean capaces de encontrar la salida del laberinto. ¶

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Neurosis

dispuestos a darlo todo Neurosis, superando cada reto

a escena metalera colombiana ha dado grandes bandas, una de estas agrupaciones lo es Neurosis.

Era el año 1987 cuando se crea esta banda, que ha sido una de las más representativas de la escena en Colombia. Contacté con su fundador, que también es guitarrista y compositor de la banda, y aquí están las palabras de Jorge Mackenzie para ponernos al corriente de lo pasado, presente y futuro de la banda Neurosis.

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Saludos y felicitaciones por estos 31 años que cumple la banda de formada. ¿Qué frase te viene a la mente en este momento para definir estos 31 años de continua lucha? Muchas gracias a ustedes por darnos esta oportunidad de aparecer en sus páginas. La frase podría ser “31 años de guerra”. La guerra es sobreponerse a las traiciones, a las dificultades, y a todos los retos en general que plantea el difícil pero gratificante mundo de la música. Neurosis es una banda con más de 30 años en escena y me imagino que se ha convertido en referencia al hablar de la escena metal en Colombia. En términos biográficos, para quienes aún no conocen a la banda, ¿cuáles son los aspectos más importantes en la historia de Neurosis desde su formación en el 1987 hasta

Parque”, que es el festival gratuito más grande de Latinoamérica y en los otros importantes de nuestro país. La banda, a lo largo de su carrera, ha obtenido algunos premios y nominaciones, así como también lo ha obtenido Jorge Mackenzie. Coméntanos sobre esto. Sí hemos recibido algunos reconocimientos, lo cual es importante, pero desde hace algunos años dejé de creer en esas cosas. Por ejemplo, las votaciones por internet están llenas de trampas y no reflejan la realidad de las bandas. ¿Qué sentido tiene que una novia de un integrante vote 1.000 veces por la banda de su novio todos los días? Eso es solo por dar un ejemplo, pero fíjate que muchas veces en nuestro país ha habido cosas importantes que se han decidido por ese medio. Yo la verdad prefiero que no postulen a Neurosis para nada de esas cosas, y debido a eso te dirán “prepotente, creído, etc.”, pero lo que a mí me importa es la honestidad y la ética. Si vas a ganar algo mejor que sea por méritos y no por otras razones, la gente se confunde.

la actualidad? Somos una de las bandas pioneras en el metal colombiano, que ha tenido un trabajo constante hasta el año pasado, cuando por algunos motivos y problemas decidí hacer un alto en el camino, pero después de 11 meses hemos regresado a seguir trabajando. Hemos sacado varios discos, de los cuales 3 han sido en directo y en 2008 se publicó un Tributo que nos hicieron varias bandas de nuestro país. En 1996 se rotó el video de nuestra canción “Verdun 1916” en MTV de Headbanger´s Ball, tanto el MTV Latino como el de Estados Unidos. En 1999 fuimos la primera banda colombiana, y hasta donde yo sé sudamericana, en hacer una gira por Suramérica, tocamos en algunas ciudades de Colombia bajando hacia el sur y luego en Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y Argentina. Hemos tocado 7 veces en “Rock al

Por otro lado, los premios que ahora dan para mí son una total farsa: los que organizan eso nominan a sus amigos y conocidos, los que ganan son los únicos que se creen el cuento como se dice por aquí. No hay sustentación, son señalamientos “a dedo”. A mí me gusta decir la verdad y ser honesto. Eso no gusta por aquí, hay mucho “metalero rudo y fuerte” que es muy sensible con estos temas. Colombia es un país donde la corrupción abunda y para mí la música no escapa a eso, está presente en todas las facetas de nuestra sociedad incluido el arte. Mantenerte fiel a tus ideales te va a costar cosas, pero más vale ser consecuente con lo que piensas que vender tus valores por un premio. Personalmente valoro mucho a las bandas que apuestan por lo que hacen. Para lograr todo este reconocimiento que han conseguido ¿qué dificultades han tenido que atravesar? Muchísimas. Yo personalmente he sacrificaLaCarne Magazine

do cosas que la gente ni sabe, pues muchos creen que esto de tener una banda es algo que no requiere esfuerzos, y que los conciertos son simplemente una fiesta. Evidentemente no es así, toca endeudarse para sacar los discos y pagar los estudios de grabación, dejas tu vida social atrás por dedicarte a esto, inviertes horas y horas de dedicación, a veces organizas eventos y no recuperas la inversión. En fin, son muchas cosas. Más recientemente me ha tocado enfrentar los músicos que se acercan con interés a la banda, tocan solo por hacerse un nombre y porque van seguros a ganar algo de dinero con la banda por cada concierto donde tocan, pero realmente muchos de ellos se les notó que no querían la banda ni el estilo ni nada, esos son los que llamo “los mercenarios de la música”, o lo que ahora llaman “músicos de sesión”, sólo gente interesada que luego se les olvida de donde vienen y, si pueden, te traicionan, hablan mal de ti apenas tienen una oportunidad. Nos ha tocado enfrentar la muerte de algunos músicos que han sido parte de la banda, el más reciente fue Hamilton Castro (Q.E.P.D.) en 2005, un excelente baterista y una persona que realmente amaba la banda. Fue víctima de la inseguridad que azota nuestro país. Recuerdo que también me echaron de la casa varias veces, me tocó dormir en parques, aguantar hambre, vender mi propio instrumento para comprar comida con el dolor del alma… Las historias que tengo son interminables, pero bueno, aquí estamos tantos años después y todavía dispuesto a darlo todo. ¿Cómo podemos calificar la propuesta musical de Neurosis? ¿Han incursionado en otras tendencias del metal o siempre su propuesta ha sido la misma desde los inicios? Como digo yo, no estamos inventando la rueda dentro del metal, pero creo que tenemos un sonido y temáticas que nos identifican. Nuestras influencias vienen del Thrash de los 80´s: Slayer, Metallica viejo, Exodus, Ve-

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nom, Destruction… Muchas de nuestras letras siempre han sido diferentes a los moldes tradicionales dentro del metal y han causado controversia, lo cual considero que es bueno porque hay debate en cuanto a lo que la gente considera de lo que se podría escribir y sobre que no, algo que yo personalmente considero ridículo pues en el metal no hay un manual sobre lo que es permitido o no. Lo que sucede es que hay gente que tiene la mente cerrada y no tolera cosas diferentes o temáticas demasiado personales porque se sienten aludidos. Aun así, no hemos cambiado, no hacemos música para satisfacer a nadie y esto es lo que considero yo “honestidad”. No me gustan los moldes, lo predecible, las etiquetas y los estereotipos. Yo no soy un soldado en un batallón de rockeros, soy un artista que expresa libremente sus ideas. Esto hace diferente a Neurosis porque si lo que quieren

dos por una sola persona. A ellos los alaban, a ti por ser latino te dicen “eso ya no es lo mismo” (¿WTF?). Hace 2 semanas salió una crítica de nuestro más reciente EP en una página de Inglaterra que finalizaba diciendo: “Si te gusta lo primero de Exodus y lo moderno de Kreator, entonces Neurosis es para ti”, y que bueno escuchar esas palabras de alguien neutral y no alguien parcializado de nuestro país, que con muy poco o casi nada de análisis ni conocimiento va y escribe en Facebook “Neurosis ya no es lo mismo”. A esos yo los invito a que lean esas reseñas porque sinceramente me importa más la opinión de un profesional que todos los días de su vida se la pasa escuchando bandas nuevas y escribe las críticas y reseñas que alguien que simplemente tiene una opinión por estar herido con alguna situación de la banda. La banda hoy en día está conformada por Diego Salgado en las voces, Gary Otero en la guitarra, José Escandón en el bajo, Julián Ruiz en la batería y yo en la otra guitarra.

es la copia de la copia, Neurosis no va a ser para usted. Es inevitable que toda banda en su trayectoria sufra cambios de alineación, y más si es una banda de tantos años en escena. ¿En qué forma estos cambios afectaron la vida y la música de Neurosis? ¿Quiénes conforman hoy la banda? Menos mal que lo dices. Algunas personas me critican por los cambios en la banda, pero no tienen en cuenta que son 30 años y eso es mucho tiempo. Las personas cambian, las situaciones cambian, pero la esencia está ahí. Pero fíjate tú como cuando las bandas internacionales han tenido una buena cantidad de cambios en sus integrantes eso no lo mencionan, es decir, la lupa con la que se lo mira a uno no es la misma. Te dicen que tienes “un proyecto en solitario” pero aman a Death, a Megadeth y otras bandas que han sido guia-

Fuera de ensayos y conciertos. ¿Cómo es la vida normal y corriente de estos músicos que conforman Neurosis? A todos nos toca trabajar en diferentes empleos. Es imposible para nosotros vivir de la música. Esto, al igual que les sucede a muchas otras bandas, nos limita en cuanto a la cantidad de tiempo que podemos dedicar a la banda. Yo dedico todo mi tiempo libre aparte de mi trabajo formal a lo que es Neurosis en todos sus aspectos. Hoy en día debes cumplir muchas funciones dentro de un grupo musical, esto no es solamente de tocar un instrumento e ir a ensayar. Hay que sacrificarse. Ojalá pudiera vivir de la música y sentarme todos los días a componer y escribir letras, seguro que se elevaría la calidad de la banda, pero debes comer, pagar recibos, etc. como cualquier ciudadano.

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Si hablamos de la discografía de la banda, encontramos Demos, CD, Split, MCD…, la discografía es amplia. Brevemente, qué nos puedes decir en relación a su discografía. Es una discografía bastante extensa. Hemos intentado en lo posible producir música nueva cada cierto tiempo. Muchos de nuestros trabajos se han reeditado tanto en CD, LP y cassette. Nosotros seguimos apostando a sacar discos en físico y no simplemente publicarlos en internet. Esto también se debe al apoyo de nuestros seguidores, que nos respaldan comprando nuestros discos y mercancía. Ahora tenemos presencia en las plataformas digitales, pero eso está básicamente dirigido a gente que quiere comprar nuestra música fuera de nuestro país, ya que aquí en Colombia el correo es un robo y uno de los más caros del mundo, lo cual nos imposibilita vender nuestros discos en el extranjero al no poder enviarlos físicamente fuera de Colombia. Su más reciente trabajo es el MCD “Las Centurias de la Muerte”, lanzado a inicios de este 2018. Háblanos de este material, ¿mantiene la misma línea que todo el trabajo anterior de la banda? Este EP contiene dos canciones que se habían grabado en 2013 con Diego Salgado en las voces que no se habían publicado hasta la fecha. La canción “Las Centurias de la Muerte” ha sido lo último que hemos grabado. La grabamos el año pasado de forma análoga. Mantiene la misma línea, algo crudo con fuerza y con el sonido de Neurosis.

“Mi opinión es que la mayoría de los medios en nuestro país están parcializados y funcionan muy de acuerdo a que juzgan tu música si les caes bien o eres alguien cercano a ellos” 38 LaCarne Magazine

¿Qué tal ha sido la recepción por parte de los medios y del público en general? Creo que ha sido muy buena. A pesar de que sólo contiene 3 canciones, hemos tenido reseñas positivas en algunos medios de fuera de Colombia, las cuales están publicadas en nuestra página oficial. En Colombia no nos han tenido en cuenta. Mi opinión es que la mayoría de los medios en nuestro país están parcializados y funcionan muy de acuerdo a que juzgan tu música si les caes bien o eres alguien cercano a ellos, de lo contrario no pasa nada. Nadie es profeta en su tierra. La envidia carcome el alma, especialmente en estos tiempos de “redes sociales” para hacer “amigos”. En cuanto a conciertos, me imagino hayan recorrido toda la geografía colombiana, ¿es así? ¿Y giras por Suramérica? ¿Han realizado? Sí, hemos tocado en la mayoría de ciudades principales de nuestro país y en algunas ciudades varias veces, por ejemplo, en Cali hemos tocado 14 veces. En 1999 realizamos una gira por Suramérica que abarcó algunas ciudades colombianas y Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y Argentina. Esta gira la realizamos en autobús y fue muy agotadora por las distancias tan largas. También hay que tener en cuenta que las carreteras de aquí no son como las de Europa. Rock al Parque es un festival colombiano donde Neurosis ha estado presente en varias ediciones. ¿Qué tal les ha ido en este festival? ¿Cómo es este evento? Hemos participado 7 veces. Éste es el festival gratuito más grande de Latinoamérica que dura 3 días. El primer día es el día del metal, y la asistencia sobrepasa los 100.000 espectadores. En ese festival hemos tenido la oportunidad de tocar con bandas internacionales como Exodus, Nile, Monstrosity, o Apocalyptica. El festival comenzó siendo hace más de 30 años como un evento para apoyar el rock local. Hoy en día se ha internacionalizado ha-

Foto por juan lozano

ciendo cada vez más difícil la participación de bandas locales y nacionales, pero en general es una gran vitrina. Siempre ha habido el debate de si Rock al Parque por ser gratis ha perjudicado a la escena local acostumbrando a un sector del público que todo lo relacionado debe ser gratis. Con tantos años en escena, ¿cómo ves la escena actual en Colombia comparada con años atrás? Ahora hay muchas bandas y hay mucha calidad en ellas. Colombia también es un punto de parada para las bandas más importantes a nivel mundial. Esto es algo bueno para el público, pero no ha sido bueno para las bandas nacionales, pues la asistencia a los conciertos de sólo bandas

nacionales decayó desde que empezaron a venir bandas internacionales. Estamos hablando de que por ejemplo en 1992 podían ir hasta 1.000 personas a un concierto local, hoy en día nunca se llega a esas cifras en conciertos donde hay que pagar la entrada. Hay festivales locales gratuitos, a ésos sí va mucha gente. Lastimosamente hay algo de esa cultura de que la música debe ser gratis, y eso hace difícil el camino para las bandas que invierten en sus proyectos. ¿Cuáles son los principales tópicos que abordan las letras de los temas de Neurosis? ¿De alguna forma reflejan la violencia que se vive en la sociedad actual o son sólo experiencias cotidianas? LaCarne Magazine

Son muchos temas y considero que no estamos encasillados. Puedes encontrar existencialismo y temas sociales, narraciones sobre batallas, hechos históricos de la humanidad, denuncia de desastres naturales y temáticas ecológicas, dilemas y contradicciones religiosas, narraciones sobre profecías y temáticas apocalípticas… En general escribo sobre preguntas que me surgen y temas que me apasionan y que creo que deben ser llevados a consideración del público. Nuestra música debe servir para reflexionar y cuestionar, y cada canción tiene un mensaje concreto y particular, no vale escribir por escribir y rellenar música con cualquier cosa como meter palabras dentro de un embudo. Para mí, las letras son importantes en la música, y tienen la misma importancia que la música. Ahora, hoy en día el público no es muy analítico y no les importa de qué les hablen. Con tal de que la música les guste, qué les importa de qué les están hablando. Falta análisis, y esto hace que el metal sea muchas veces superficial. Nada como las buenas letras y los mensajes de las bandas de Heavy Metal de España de los 80´s (Barón Rojo, Obus, Muro, etc.) que me marcaron cuando viví en España durante los 80´s. Así que podemos decir que las letras de Neurosis son muy personales, pero no a manera de egoísmo sino porque tengo esa influencia que me marcó. Tantos años en la banda, ¿qué sentimientos y recuerdos pasan por tu mente cuando piensas en aquellos comienzos y hoy ver el gran reconocimiento que han alcanzado? Ojalá tuviera yo 20 años otra vez con la experiencia que tengo hoy (risas). Ha sido increíble, comenzar con los sueños de querer emular a tus héroes musicales y ver como poco a poco vas poniendo lo tuyo y ver eso transformándose en algo que es como tu hijo es algo sensacional. Luego ver que hay gente que le gusta lo que haces, tocas, escribes…, vaya, eso era algo

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impensable. Yo no tuve un maestro que me enseñara cómo funciona todo esto, ojalá lo hubiera tenido. Me tocó a punta de “prueba y error”, con estrelladas, con aciertos. Hoy en día tienes Facebook. Si tienes una duda le escribes a alguien para pedir consejo o que te explique cómo funciona algo, por ejemplo, los derechos de autor, y ya está. Antes no podías hacer eso. Considero que eso hace especial a las bandas que comenzamos cuando no existía la internet, era más duro. Ahora tienes todo a un alcance de un click. A estas alturas de su carrera, ¿cuál ha sido el mayor logro obtenido por la banda en todos estos años? ¿Y de cada uno de ustedes? El mayor logro puede haber sido surgir en un país tropical donde la música local es la que más se escucha. Haber comenzado en una época donde casi no existía una cultura del metal pesado, ni existían los medios adecuados y donde nos tocó abrir camino en una selva de vallenatos, merengues, salsa, etc. Es algo meritorio donde Neurosis aportó su grano de arena al lado de otras bandas que le apostaron a crear una escena de rock. ¿Alguna meta que aún no hayan alcanzado? Una muy importante: no haber tocado en Europa. Esperamos conseguir esto pronto el próximo año, tenemos planeada una gira por España para 2019, y de ahí ver qué otras opciones podrían salir. Bien, muchísimas gracias por tu tiempo, realmente lo apreciamos. Si deseas añadir algo más a los lectores de LaCarne Magazine, pues adelante, aquí tienes el espacio. Gracias a ustedes por este espacio. Invitamos al público español que nos apoye y que conozcan más de nuestra música en nuestra página oficial, así como en las redes sociales que manejamos. Esperamos estar el otro año en vuestro país y los mantendremos informados acerca de los avances de la gira. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

s para mí un verdadero honor poder hacer esta entrevista a Reno Renardo, uno de los mejores grupos de música que hay actualmente en la península, sin menospreciar a ningún grupo. Ellos son los culpables de que no pueda escuchar Masters of Puppets sin que se me venga a la cabeza, “tengo un empaste”, o que le escuche a alguien decir si soy del Bilbao y no poder evitar contestarle “no lo llames el Bilbao, llámalo Athletic (Athletic Gu Gara)”. Desde que escuché “Crecí en los ochenta” no pude dejar de escucharlos. Por ello quiero agradecerles la entrevista y espero que os guste!

Reno Renardo, ofendiendo desde el cariño ¿Quiénes son los Reno Renardo y cómo surge? Me ha sorprendido gratamente que comenzara con un solo miembro (Jevo). ¿Cómo es que optaste por crear el grupo tú solo? Lo cierto es que estaba en otra banda llamada VALHALLA, y estábamos bastante parados. Aprovechando que tenía tiempo se me ocurrió hacer algo que llevaba con ganas desde principios de los 90: hacer letras de humor mezclado con Heavy Metal. Así que lo hice de manera anónima y lo colgué en Internet. Dos discos después tuvo bastante éxito, y me ofrecieron hacer conciertos…, remunerados!! Así que recluté a otros dos miembros de VALHALLA y convertimos el proyecto en banda. ¿Qué grupos influyen a Reno Renardo? Principalmente bandas de Metal Clásico, Thrash y Powermetal: Iron Maiden, Accept, Gamma Ray, Megadeth, Annihilator, Blind Guardian, Rage… Toda la música que he mamado durante mi vida.

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Reno Rena

humor y mucho Heav ¿Es difícil que a un grupo de humor lo tomen en serio los medios musicales? Hay un poco de todo. Hay medios que nos tratan como a una banda más y otros que son muy castizos y muy truemetaleros que no quieren publicar nada. Independientemente de las letras, somos una banda seria en cuanto a gestión de la banda, tenemos una agencia de contratación, una empresa para facturar, asesor financiero, ensayamos sin estar borrachos, no nos droga-

ardo

vy Metal

mos, y llegamos siempre puntuales a nuestras citas. ¿Tenéis alguna canción inacabada o guardada para próximos discos? ¿De dónde sacáis la inspiración para crear las canciones? Es realmente difícil hacer canciones de humor sin caer en lo típico. De hecho, tenemos 15 temas nuevos que hemos empezado a grabar para el próximo disco que saldrá en otoño. La inspiración viene del día a día: leyendo Facebook, viendo la tele, saliendo a tomar unas cervezas…

Todo lo que sucede alrededor es susceptible de hacer una canción. Vivimos en unos tiempos muy locos! Aún así es complicado sacar más ideas después de 5 discos. ¿De qué disco estás/estáis más orgullosos? Aunque he de decir que todos son fantásticos. Es difícil elegir alguno. Posiblemente el de La Cagalera de Bisbal sea el más escuchado, pero todos los discos tienen su puntito y te traen recuerdos de esa época. ¿A quién quieres más de tus hijos? No se puede responder LaCarne Magazine

a este tipo de preguntas. ¿Ejercéis algún tipo de autocensura con las canciones? Sí, intentamos no ser burdos ni pasarnos en exceso. Nos gusta ofender, pero siempre desde el cariño. Reno Renardo, Mamá Ladilla, Gigatron…, sois grupos que lleváis muchos años haciendo crítica y humor ¿Qué consejo le darías a alguien que quiera hacer un grupo de vuestro estilo? Mi consejo es que cuide mucho las letras y la música, y que lo hagan por diversión. Si buscan “petarlo” y no tienen paciencia, seguramente fracasen. Yo ya tengo una edad, y llevo en la música muchos años. Hasta que di con la tecla de El Reno comí junto a mis compañeros bastante mierda. Habéis tocado en varios grupos: Valhalla (Iván, Mikel, Jevo) Gobernors (Aitor), Identidad Oculta (Ander the Thunder) y Soulitude (Jevo), donde demostrasteis el dominio musical que tenéis, prácticamente tocaríais cualquier tema por difícil que parezca. ¿Cuándo pensasteis “yo quiero hacer un grupo de rock”? ¿Dónde y cómo aprendisteis a tocar? Yo, desde finales de los 80, cuando era un niño, siempre quise tocar un instrumento de rock. Había una guitarra española por casa y empecé a tocar por mi cuenta, sin saber muy bien lo que hacía. En aquellos tiempos no había tutoriales en Internet… Bueno, ni Internet. Así que autodidacta total. En 1993 conseguí mi primera guitarra eléctrica, y 4 años después ya estábamos montando VALHALLA. El año pasado cumplisteis 10 años como grupo e hicisteis un documental que se puede encontrar en vuestra web. ¿Cómo surgió la idea de hacer un documental conmemorativo? Había mucho material grabado y mucha gente no sabía muy bien la historia de la banda, así que era una manera de explicarlo. Vais a sacar disco próximamente. ¿Tenéis títu-

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lo ya? ¿Qué podéis contar sobre él? Sí, en Octubre sacaremos nuevo disco. El título parece que va a ser “Hostiopatía”. Va a ser un álbum en la línea de Meriendacena Con Satán. Con temas agresivos, otros más blanditos, letras estúpidas, letras ofensivas…. En nuestra onda. ¿Es buena la era digital para la música o por el contrario está perjudicando más que ayudando? Para El Reno ha sido buena, ya que el éxito vino del boca a boca en la red. Nosotros no cobramos con los discos, preferimos llegar a más público colgando los discos y luego obtener los beneficios en los conciertos. Hay que saber adaptarse a los tiempos. ¿Cómo pueden contactar para contrataros o conseguir material vuestro? En nuestra página web (www.elrenorenardo. com) tienen toda la información y el contacto de la agencia de contratación. Somos bastante activos en Youtube, Facebook, Twitter e Instagram. Se nos encuentra muy fácil. Estáis en la gira “11 aniversario” ¿Por dónde vais a tocar? Va a ser una mini gira, una transición entre Meriendacena Tour y el próximo disco, en parte por cambiar un poco de la gira de Meriendacena, y tocar otros temas más antiguos y no rayarnos siempre tocando lo mismo. ¿Os gustaría que colaborara algún grupo en vuestras canciones en el futuro, u os gustaría colaborar vosotros con algún grupo en concreto? Las colaboraciones siempre están bien. En el próximo disco habrá un par de cameos. Agradeciendo enormemente la entrevista ¿queréis dejar algún mensaje para los lectores o los fans? Gracias a vosotros por el apoyo, y a toda esa gente que nos sigue en las redes o en conciertos. Sois los que sustentáis El Reno. ¶

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Tree House

mucho más que un grupo de rock Bienvenidos a Tree House LEER MÁS

ree House no es sólo un grupo de rock y para descubrir a qué nos referimos tendrás que escucharlos. Ya os hablamos de su nuevo trabajo The Wind and the Feather recientemente publicado y han empezado con su gira de conciertos para presentar en directo este trabajo. Al paso al que van, muy pronto tendremos más buenas noticias de ellos y seguro que alcanzarán todo lo que se propongan. Tienen muy claras sus metas y su carta de presentación dejará a muchos con la boca abierta. Hablamos con ellos sobre sus metas, su música, su disco The Wind and the Feather, sus conciertos y muchas otras cosas en esta entrevista.

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Tree House se formó en 2016 y a día de hoy parece que la cosa marcha bastante bien. Desde que comenzasteis con este proyecto, ¿cómo veis la evolución? ¿Está siendo como esperabais? La verdad es que desde que empezamos hace 1 año y medio la evolución ha sido constante. Nos hemos ido poniendo pequeñas metas que hemos ido cumpliendo poco a poco. Somos chicos jóvenes que no pasamos de los 25, pero llevamos subidos a los escenarios más de 10 años, por lo que ya nos hemos llevado muchos palos, y cuando formamos este grupo decidimos saltarnos esa fase novel, por decirlo de esa manera. No empezamos dando bolos por bocadillos o grabando una demo en casa de algún colega, como podríamos haber hecho años atrás. Al

mes de formar el grupo nos metimos en el estudio de Jorge Quesada para sacar nuestro primer single, a los 6 meses sacamos el EP, y al año y medio el disco y nuestro primer videoclip. Todo ello con la mayor calidad que nos hemos podido permitir, con la mayor profesionalidad que podemos dar actualmente y cuidando al máximo cada detalle, y siempre valorando nuestro trabajo. Creo que ya es hora de que peguemos un puñetazo en la mesa y hacerle saber a la gente que somos músicos, y que no vivimos del aire ni de cervezas, y los primeros que tenemos que valorar nuestro trabajo somos nosotros mismos, y a partir de ahí quizá la gente empezará a valorarlo. Y esas son las metas y los objetivos que nos pusimos, y a día de hoy están cumplidos, por lo que no podíamos estar más contentos con la evolución que lleva el grupo. Batería, bajo y guitarra acústica junto con la voz y melodías de Pablo hacen de Tree House una banda con un sonido propio muy particular. ¿Cómo y cuándo decidís qué sonido es el que queréis para la banda? El concepto de cómo queríamos que sonara la banda sigue perenne desde los inicios: una banda de tres tipos tocando rock con una guitarra acústica, ésa es la base. Después habrá cosas que suenen más rockeras, otras más oscuras, otras más comerciales, con tintes folk, etc., pero la base es ésa: rock acústico, y pensamos que ése es el formato que hace que la banda tenga ese toque que la hace interesante. Mucha gente nos ha dicho que por qué no cambiábamos la acústica por la guitarra eléctrica, pero la verdad es que si hiciéramos eso seríamos otro grupo más de rock. Y como nosotros mismos decimos, si la gente piensa que para tocar rock hace falta una guitarra eléctrica, les invitamos a que nos vengan a ver a un concierto para demostrarle lo contrario.

Lo primero que nos gustaría saber es cómo componéis. ¿Cuál es vuestro método de trabajo a la hora de crear estos temazos? Todo el peso de la composición va a cargo de Pablo (voz y guitarra), simplemente porque es compositor de manera natural, no por que se haya decidido ni por obligación. Es una persona que te agarra la guitarra en cualquier momento y en 10 minutos te ha hecho un tema, le sale de forma natural. Entonces el proceso es ése: él normalmente trae sus ideas al local, nos la enseña, y a partir de ahí le damos forma de manera conjunta. Hay veces que Pablo trae una idea general del tema con la batería y bajo en su cabeza, y nos lo transmite, luego por supuesto cada uno le damos nuestro toque y aportamos nuestras propias ideas, no es que Pablo traiga sus ideas totalmente cerradas, no. Todos damos nuestra opinión en ese aspecto. Sabemos de algunos grupos que se pasan meses y meses preparando en el local lo que van a grabar, y otros que prefieren trabajar más en el estudio. ¿Cómo lo habéis hecho en Tree House? ¿Habéis tenido más trabajo dentro o fuera del estudio? Partimos de la base que cuando el grupo empezó Pablo ya tenía muchos de los temas compuestos. Hemos sacado el disco ahora pero llevamos tocando esos temas en el local LaCarne Magazine

desde que empezó el grupo, por lo que podríamos decir que hemos estado preparando esta grabación desde que empezamos, pero inconscientemente (risas). Cuando nos metimos en el estudio a grabar “The Wind And The Feather” teníamos tan asimilado los temas de tocarlos en directo y en los ensayos que no hubo problemas. Además, nosotros llevamos ensayando con metrónomo casi desde que empezamos, entonces es una cosa que ayuda muchísimo tanto al ir al estudio como en directo. De todas maneras, somos un grupo que nos gusta trabajar en el estudio, no nos gusta llevar los temas totalmente cerrados, ni nos encerramos en el local exclusivamente para preparar la grabación, en ese sentido nos dejamos llevar también por el momento. Hay arreglos, fills de batería, coros, etc, que han surgido en la misma grabación de manera natural. Ahora que el disco ya está disponible ¿Qué planes tenéis para hacer que todo el mundo lo escuche? ¿Existen copias físicas? En primer lugar intentar tocar en directo todo lo posible, llevar este disco a cuantos más sitios mejor. Hemos sacado evidentemente copias físicas que están ya a la venta por 10 euros, y que se pueden adquirir en los conciertos. Tenemos dos puntos de venta en Cáceres: Wizard Tattoo Studio y Promúsica, o bien poniéndose directamente en contacto con la banda. Ya hemos hecho varios envíos a diferentes puntos del . No hay ningún problema en eso. Y aparte lo tenemos subido a plataformas digitales como Spotify, Itunes, Amazon, etc. Actualmente es importante que tu material esté muy a mano de la gente para que llegue lo más lejos posible. Y por supuesto invertir en promoción, es algo que ya llevamos haciendo un tiempo y que actualmente es muy importante. Es como en las películas prácticamente la mitad del presupuesto de una película se va en publicidad y en promoción. Puedes tener

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el mejor producto del mundo para ofrecer, pero si al final llega a 4 personas no sirve de nada, y a día de hoy invertir un poco de dinero en promocionar alguna publicación en Facebook, por ejemplo, con ayuda de una buena segmentación puedes hacer llegar tu música no sólo a más personas, si no a las personas adecuadas. El disco está genial, pero queremos saber cómo suena en directo Tree House. Ya habéis dado algunos conciertos pero queremos saber cómo se presenta el verano en cuanto a actuaciones ¿Tenéis ya fechas cerradas? ¿Dónde podremos veros los próximos meses? Bueno, pues hicimos algunos conciertos previos a entrar en el estudio, y luego hicimos un parón para grabar y centrarnos en todo lo que rodea al disco, tanto la propia grabación, la realización del videoclip, sesión de fotos, y a preparar la presentación en Boogaloo, que para nosotros fue muy especial y fue nuestro mayor concierto hasta la fecha, tanto de dura-

ción como a nivel show. Nos volcamos profundamente. Fue un bolo de casi 2 horas donde tocamos todo nuestro repertorio, y Diego, el dueño, nos ayudó mucho. A partir de ahí ahora estamos trabajando sobretodo para después de verano porque los festis nos pillaron tarde, y al final somos un grupo que acaba de romper el cascarón, por lo que todavía necesitamos estar un poco más asentados para entrar en circuitos de festivales, pero sí que tenemos ya cositas, tanto en Extremadura como fuera, de septiembre en adelante. Lo más próximo que tenemos ahora es un concurso en Ampudia (Palencia) este 19 de Mayo, donde hemos sido elegidos como semifinalistas y donde tendremos posibilidad de meternos en el cartel del Palencia Sonora. Tenemos también el día 9 de junio otro con-

curso en Guareña, un showcase en Villafranca por medio a finales de Mayo también, y un festival benéfico el 23 de Junio en Villanueva de la Serena. Tenemos cosillas, pero el movimiento real de conciertos va a estar de septiembre en adelante. Con vuestro sonido y el trabajo que estáis haciendo seguro que vais a dejar a muchos con la boca abierta. Seguid trabajando así de bien y os veremos muy pronto en muchos escenarios. Gracias por dedicarnos vuestro tiempo y mucha suerte, amigos. Muchas gracias a vosotros por hacernos un huequito y por dar voz a bandas como nosotros, y un fuerte abrazo a todos los lectores de LaCarne Magazine. Recordad que podéis seguir nuestros pasos en nuestra web treehousemusic.es y en nuestras redes sociales (Facebook, Instagram, Twitter), y por último...Bienvenid@s a Tree House ;) ¶ LaCarne Magazine

iguel AnHell es el guitarrista y vocalista de la banda mexicana Ángel de Metal, y es el encargado de responder la entrevista realizada a la agrupación. Ángel de Metal lleva en escena dos décadas haciendo Heavy Metal, y apostando por lo que hacen. Son varios los programas de televisión de su país, así como de radio y otros medios extranjeros, que se han hecho eco de su trabajo musical. Vamos a conocer un poco sobre la trayectoria de esta agrupación mexicana.

Ángel de Metal, un mensaje de lucha, persistencia, fuerza y valor Llevan varios años en escena, y me parece que es algo para una buena entrevista. Veinte años de historia dan para mucho, así que comencemos por saber cómo fueron los inicios de la banda. La banda inició en 1998, después de un trabajo previo que llevó por nombre Estertor. Debido a la influencia de la mayoría de los miembros, fue muy natural para nosotros el encaminar nuestros pasos a un sonido Heavy Speed Metal. La ideología que nos ha acompañado desde entonces lleva una temática social y de combate frontal al sistema. Ésta ha sido nuestra bandera durante este tiempo. En estos 20 años cuentan con algunos demos y discos. Es curioso que su primer disco oficial titulado “Fuego Eterno” salió muchos años después de su formación. ¿A qué se debió esto? En esos años previos se trabajaron cuatro demos que dieron pauta al disco oficial, el cual salió ya bajo un sello discográfico.

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Ángel de M

sonido Heavy Speed Met Los demos que trabajamos son: “Templario” de 1999, “Atrapado” del 2000, “Forjando Metal” del 2002, “Ángel de Metal” del 2004, ya en 2006 salió el disco “Fuego Eterno”. En un breve resumen, coméntanos sobre los posteriores discos “Grita Libertad” del 2009, y “Alas de Acero” del 2014. “Grita Libertad” es un disco que, de alguna manera, marca la pauta a seguir en cuanto a sonido de la banda. Tiene canciones un poco más compactas y claras en su mensaje. Cuenta con grandes colaboraciones como son: Arturo Robles, guitarrista de una banda reconocida de la escena mexicana de los

Metal

tal

años 80 de nombre Xister, en los requintos; Nesthor Torres, tecladista del grupo de power metal Mighty Thor, invitado en la balada del disco que lleva por nombre Contigo; y Christian Bertoncelli, vocalista de la banda argentina Renacer, invitado en un tema.

rristas mexicanos Andrés Ramírez y Daniel Senderovich.

“Alas de Acero” es un disco con mucho poder, que invita a levantar el puño y seguir en la lucha diaria, recupera los valores como el honor, la lealtad, la honestidad, y el valor heroico, entre otros.

Ustedes califican o definen su propuesta como Metal Combativo. Ahora mi pregunta es ¿qué elementos son los que podemos definir como metal combativo? ¿Cuál es la característica de esta propuesta musical? Nosotros lo definimos como un heavy metal en el cual predomina una lírica que promueve un mensaje de lucha, persistencia, fuerza y valor ante distintos problemas.

Tiene colaboraciones como la de Ricardo Lázaro, vocalista de la banda española Calibre Zero y Diego de Paolo, guitarrista del grupo argentino Renacer, y de dos excelentes guita-

Se propone una visión de vida donde la unión como grupo social es importante para poder trascender, buscando un camino más libre, justo y de respeto. LaCarne Magazine

¿De qué hablan los temas de Ángel de Metal? ¿Reflejan la situación que se vive en la actualidad, desigualdad social, luchas de clases, pobreza…? Los temas tienen un peso más encaminado, como bien lo comentas, a reflejar la realidad que vivimos, en algunos intentamos expresar una visión cruda del comportamiento de las personas. Los temas también invitan al ser humano a dirigir la rabia de una manera positiva para salir victorioso de una situación. Tener féminas en la agrupación es algo que llama la atención, aun hoy, con tantas bandas existentes con mujeres. ¿Cómo les ha ido con esta formación? Sé que son chicas muy bien preparadas y con trayectoria en la escena. Nos ha ido muy bien, puesto que, haciendo a un lado el género, son grandes músicos y excelentes seres humanos, conscientes de que el trabajo en una banda de Heavy Metal es rudo y requiere pasión, valor y orden, el cual nos cae muy bien al guitarrista y a mí. ¿Quiénes conforman ahora mismo la banda? Miguel AnHell, guitarra y voz; Karla Dávila, bajo y coros; Isabella Leb, batería; y Gabo Redext, guitarra. El guitarrista y vocalista Miguel AnHell, aparte de la música, ha tenido otras actividades, y siempre de apoyo a la escena. ¿Podrías comentarnos? Como buenos amantes de la música, y convencidos de que la cultura es una de los caminos necesarios para un cambio en la sociedad, Karla y un servidor hemos trabajado en diversos proyectos como lo han sido la Revista Resurrección del Metal, Estruendo Metálico, en sus facetas de programa de radio y videopodcast, y las Jornadas Culturales realizadas en nuestra localidad. Esto último con la finalidad de retomar las calles con Arte y Metal. Sé cómo es la escena mexicana, lo digo por la cantidad de bandas que he entrevistado de ese país, pero, ¿hay espacio y apoyo hacia la banda? ¿Qué diferencias ves entre la esce-

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na actual de tu país, comparándola con la de hace 20 años atrás? Sí, hay espacio y apoyo, sólo hay que saber distinguir entre los buitres que se venden como salvadores del rock y la gente honesta. También tenemos que aprender, como bandas, a ser autosuficientes e independientes, ser profesionales y, sobre todo, guardar un respeto a los heavys que nos dan aguante. La diferencia entre 20 años atrás y la escena actual es la proliferación de bandas. Hay más bandas de metal, hay mucho talento, eso es grandioso ya que asegura una larga vida al rock y metal. Sólo un detalle: las ban-

das que llevamos algo de tiempo tenemos el deber de enseñarles la esencia del metal a los nuevos, que aprendan que este movimiento es sobre todo hermandad, apoyo y respeto. Y en la actualidad de igual forma hay más medios de comunicación que apoyan y difunden la movida underground. En todos estos años han tenido la dicha y suerte de compartir escena con excelentes bandas nacionales e internacionales, como Transmetal, Makina, Luzbel, Saratoga, Azrael, Rhapsody of Fire, Rata Blanca... ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar junto a bandas de tal envergadura?

¿Qué te podemos decir? ¡Grandioso! Es un sueño hecho realidad el compartir escenario con las bandas que admiras. Siempre les aprendes algo, a cada una de ellas, en cuestión musical y en cuestión humana. Las grandes estrellas, además de ser buenos músicos, tienen los pies bien puestos en la tierra. Ya en este año sacaron el sencillo y videoclip “Noche de Cuero y Metal”. ¿Pertenece algún nuevo álbum en preparación? Como bien lo dices, es un sencillo. Una canción que queríamos compartir de ya con nuestra gente. Se están trabajando canciones para un nuevo disco, y el que se incluya este tema o no dependerá del rumbo que tome el material que se está creando. ¿Por qué se decide esperar un largo periodo de tiempo para sacar una nueva producción? Han sido diversos factores. Este tiempo hemos tenido, los miembros de la banda, algunas cuestiones personales que nos han impedido seguir adelante de manera fluida con el trabajo de una nueva producción. ¿Qué planes hay para este año con Ángel de Metal? Grabar nuevo disco, concretar algunos planes de giras, grabar nuevos videos musicales y seguir disfrutando de lo bueno que brinda el Metal. Bien, esto es todo, y gracias. Envía tus saludos y palabras a los lectores de la revista. Gracias a ti y a los heavys que lean esta entrevista. Los invitamos a que conozcan el trabajo de Ángel de Metal, sean parte del Clan Combativo y difundan la pasión por este movimiento. El Heavy Metal es la música que enciende la flama de la libertad y despierta el espíritu rebelde y combativo que llevas dentro. ¡Metal Combativo! ¶

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Trascartón festeja sus 15 años

rascartón es una banda nacida en Montevideo pero de origen Fraybentino. Desde el inicio componen temas propios ubicados dentro de diversos estilos. Actualmente Rock, pero con influencias como Funk, Reggae y música popular uruguaya. Esta vez en Fray Bentos (Rio Negro, Uruguay) se presentaron con doble fecha los días viernes 30 y sábado 31 de marzo en el Teatro Miguel Young con el público más leal de la banda: El público de sus raíces, el que los vio crecer y llegar tan lejos como están y el que siempre los quiere ver más grandes aún. Trascartón está conformado por: Alejandro Techera (voz) – Pablo Pintos (guitarra y

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voz) – Nicolás Techera (guitarra) – Germán “Teki” Rabuñal (bajo) – Jhonny Pereyra (batería) – Jacinto “Jack” Ortiz (coros, guitarra acústica, percusión).

Entrevista con Pablo Pintos, guitarrista de la banda Trascartón Pablo, ¿cómo estás? Antes que nada, merecidos felices 15 años. Se sintió muy lindo el show, la energía de ustedes, de la gente… ¿Cómo se sienten perdurando en la música por tanto tiempo? Hola, todo bien. ¡Muchas gracias! Perdurar ha sido muy difícil-. (Pablo ríe) Seguimos mejorando haciendo música y tratando de disfrutar cada momento, ya que cada uno deja mucho de sí para mantener la banda en pie.

muy conformes con el resultado. Fue un gran aprendizaje. ¿Cómo definirían su estilo hoy por hoy? El estilo fue cambiando naturalmente, fuimos trabajando como banda y sintiendo lo que queríamos hacer. Para mí, tocamos rock and roll con alguna otra influencia. Nuestras canciones tienen mucha energía, profundidad con el sonido y letras que hablan de nuestras historias y miserias a nivel personal y como sociedad. ¿Cuáles son sus influencias musicales? Tenemos influencias de muchas bandas y estilos: Led Zeppelin, Jimy Hendrix, Pink Floyd, Los Redondos, Sumo, Calamaro, Nirvana, Zitarrosa, Rada, Radiohead, y muchos más. ¿Cuál es su visión sobre el Rock Uruguayo? Es muy difícil mantener un proyecto musical en Uruguay, es un mercado muy pequeño y está manejado por pocas personas en todos los rubros.

Bueno, cuéntame sobre la trayectoria de Trascartón desde sus comienzos con “El Pellejo del Guerrero” en el 2007, pasando por “Como un ciego” en el 2011, hasta llegar al “Cien mil cabezas” en el 2016. Bueno, la banda nace por el 2001, parte se mantiene desde el principio. Grabamos nuestro primer demo por el 2003, y ahí sin querer se fue gestando “El pellejo del guerrero”, un disco muy descamado y crudo de la banda con hermosas canciones. Hicimos el disco con dos pesos y lo editamos independientemente. Ya para “Como un ciego” teníamos algunos piques, la producción, la grabación y también la edición la hicimos nosotros. Y el “Cien mil cabezas” es otra cosa. Hicimos un trabajo profundo, haciendo una pre producción con Gastón Ackerman, y quedamos

Posicionar la banda nos ha costado muchísimo, ya que siempre nos manejamos de forma independiente y eso nos juega en contra. Nos complica bastante todo ese mundo pero bueno, lamentablemente la música de hoy se maneja por intereses y que siga el baile a nadie le importa mucho. Para mí, la mayoría de los talentos de Uruguay se pierden en el camino, porque se los devora la mediocridad y el sistema los somete, a pesar de ser un país con mucha música, y músicos y sobre todo mucho amor por el arte. Pablo, te agradezco por el tiempo, y ¡Que sea Rock! Te agradezco a vos, Vicky, por el interés. Por supuesto que sí, gracias por el espacio. ¶

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as canciones de Niño Índigo siempre nos han gustado, pero cuando vimos y escuchamos “Introspectiva Live Session”, nos quedamos encantados. Si el disco de “Introspectiva” ya sonaba bonito, con el elenco de músicos que acompañan a Niño Índigo, ahora suena muy bonito y muy grande. Os invitamos a ver y escuchar este trabajo audiovisual de Niño Índigo porque es mucho más que una sesión en directo. Aquí os dejamos la entrevista que hicimos en la que nos cuenta cómo ha trabajado para llevar a cabo “Introspectiva Lives Session” y otros proyectos en los que sigue trabajando.

Niño Índigo nos lleva a su “Introspectiva Live Session” Nos ha encantado Introspectiva Live Session, Julio. Un trabajazo, y además muy bonito en cuanto a sonidos. Para los que no han tenido aún la suerte de verlo y escucharlo, cuéntales qué es y cómo es este trabajo. En primer lugar quiero daros las gracias por haber dedicado parte de vuestro tiempo a descubrir este trabajo. “Introspectiva Live Session” es un trabajo audiovisual grabado en vivo. En él interpreto, junto a la banda de musicazos que me acompaña, todas las canciones de mi último disco “INTROSPECTIVA”. Es un trabajo para disfrutarlo en imágenes y sonido, de ahí lo de editarlo en DVD, aún sabiendo que es un formato físico que no mucha gente consume ya. ¿Cuándo decides grabar Introspectiva en este formato y por qué? Pues la idea ya estaba ahí cuando trabajaba en las canciones de “INTROSPRECTIVA”. Estaba tan satisfecho con el trabajo realizado junto a Marcos Liviano, que ya estaba imaginando este trabajo audiovisual como colofón,

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Niño Índigo

detrás de “Introspectiv ya que para mí es realmente como si fuera mi primer trabajo, un antes y un después sin duda alguna. Realizar este trabajo tiene también una razón de ser, y no es otra que mostrar a todo el mundo cómo suenan las canciones en este formato de banda, vestidas de largo y con esa energía, ya que no es fácil mover y ofrecer un formato así de manera habitual. Para este trabajo has contado con varios y muy buenos músicos. ¿Cómo decides quiénes te acompañarían en la Live Session? ¿Te costó convencerles? Háblanos un poco de los músicos de los que te has acompañado. Realmente no hubo mucho que decidir, ya que la mayoría son personas con las que tengo un

va Live Session” vínculo personal muy especial y sincero, y es para mí algo fundamental a la hora de compartir algo así, y que ellos sientan de corazón que quieren estar también.

Pues si te digo la verdad, al ser tan difícil juntarnos, sólo pudimos hacer un par de ensayos el fin de semana anterior a la grabación, lo cual habla muy bien de este equipo.

Si a ese vínculo personal le sumas que son grandes músicos y profesionales, pues ya es increíble. Tengo que nombrarles a todos y todas. Marcos Liviano, Rubén Rubio, Patricia Pérez, Elena Domínguez, Abraham Benítez, Marta Arrabal y Paco Mazuecos. Ha sido maravilloso compartir esta experiencia con este equipazo.

Es la primera vez que me atrevía a afrontar un reto como éste, y, gracias a Marcos, que es la persona con la que he planeado cada detalle, lo hemos podido sacar adelante a pesar de todas las dificultades que plantea una producción semejante, en la que no sólo hay que tener en cuenta el sonido, sino la producción de vídeo también.

Hacer algo así, en directo y en una sola toma, no es nada fácil. ¿Ha habido preparativos y ensayos previos a la grabación? ¿Qué es lo más complicado de hacer algo así?

Para mí, lo más complicado fue la sesión previa en la que había que chequear cada línea, cada envío, cada mezcla de auriculares para que todos estuviéramos cómodos a la hora de LaCarne Magazine

afrontar el directo.

pero por ganas y empeño no va a quedar.

A nivel técnico, supongo que no ha de ser nada fácil grabar a una banda en vivo y que todo suene como tiene que sonar. Ha sido una grandísima experiencia y de la que he aprendido muchas cosas.

Además de Instrospectiva Live Session, hemos visto en tus redes sociales que eres bastante activo y también sigues presentado el audiolibro de tu poemario “Miradas”. No paras! Háblanos de éste y otros proyectos que tengas entre manos. Los poemas me están dando muchas alegrías.

¿Quién ha sido el responsable de grabar y montarlo todo? ¿Dónde se encuentra el escenario de esta Live Session? La producción audiovisual la ha realizado David Pérez Fabián (www.dpfproducciones. com). Es una pasada trabajar con él. Es un chico de San Sebastián que lleva tiempo afincado en Madrid realizando producciones para algunos de los artistas más importantes de este país. Tiene un gran ojo cinematográfico y se nota en las tomas que realiza y el brillante montaje de las imágenes. Se nota que ama su trabajo y disfruta haciéndolo. La producción de audio es de Marcos Liviano (www.mklmusic.es). Marcos es de casa, extremeño, de Don Benito concretamente. Lleva más de 20 años en Madrid trabajando con y para muchos artistas de primer nivel. Si los artistas extremeños supieran realmente cómo trabaja Marcos, estoy convencido de que las futuras producciones de sus trabajos pasarían por sus manos. El escenario de esta Live Session está en Madrid, en la sierra de Madrid. Estuve buscando lugares junto a Marcos y al final sólo nos quedaron dos opciones: Estudio 1, también en Madrid, y este lugar que descubrió Marcos en plena sierra, en Collado Villalva. Al final nos decantamos por este último por razones de presupuesto fundamentalmente. El resultado es maravilloso, pero queremos saber si Niño Índigo hará conciertos en este formato. ¿Cuándo y dónde? Nos encantaría verlo! En eso estoy trabajando junto a Carlos Ortiz, de Bakstageon. Espero poder realizar con este formato una gira por teatros y salas adecuadas para ello. Ya sabéis que para los artistas independientes no es nada fácil hacer giras, y menos aún de estas características,

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Como sabéis, hace año y medio edité con Círculo Rojo mi primer poemario, “Miradas”. Se agotó la primera edición y después me atrapó la idea de hacer un audiolibro con este poemario, grabándolos de mi propia voz, y componiendo una pequeña pieza musical a cada poema para crear el clima y las sensaciones adecuadas mientras se recita cada uno de ellos. Así edité el audiolibro en formato CD y digital. Ahora estoy haciendo presentaciones del mismo con una escenografía muy sencilla e íntima. La próxima será este 18 de Mayo en la casa de cultura de Coria. También estoy metido de lleno en los temas que formarán parte del próximo disco y con el segundo poemario prácticamente terminado. Siempre es un placer hablar contigo, Julio. Sólo podemos tener buenos deseos para ti, te lo curras muchísimo y nosotros lo disfrutamos mucho. Aquí tienes tu casa cuando quieras. Un fuerte abrazo, amigo, y mucha suerte con tus proyectos! Muchísimas gracias a vosotros por vuestra labor de divulgación y cariño, en este caso hacia mí y mi trabajo, pero me consta que es con muchísima gente a la que apoyáis y ayudáis. Decirle a todas las personas que lean estas líneas que pueden encontrar toda la información que quieran en la página web. Un abrazo enorme, Salo y Pedro!!! Mi casa, también es la vuestra. ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

Arpía

una mezcla de sonidos y estilos estilos LEER MÁS

on tres años de formados, Arpía es una agrupación mexicana que apuesta por lo que hace. Recientemente lanzaron el EP “Dímelo Bailando”, al cual le están dando muy buena promoción. Aquí les dejo esta entrevista, que fue respondida por su vocalista MB y su guitarrista Matt.

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Saludos. ¿Cómo surge la idea de formar la banda, y por qué Arpía como nombre? Una breve historia sobre los inicios. ¡Hola, hola! ¡Saludos!! Primero de todo queremos agradecerte el espacio. Es muy importante y significativo para nosotros. Bueno, Arpía, creo que, como toda banda, nace de una necesidad por expresar, crear, desarrollar y compartir lo que más nos gusta: la música. En realidad, todos los integrantes ya formábamos parte de otras bandas, pero desgracia-

damente (o afortunadamente en mi caso muy particular) a veces la monotonía nos arroja a explorar cosas nuevas, desde tocar y componer con otras personas hasta compartir emociones y sentimiento que finalmente plasmas en rolas. Yo conocí a Matt en una casa de ensayos. Ahí cada uno con los suyos iba y venía, bebía y reía, hablaba y tocaba sus rolas. Coincidimos pues, para compartir una chela y platicar de nuestros respectivos proyectos. Nos reconocíamos esfuerzos y talentos, y me invitó a cantar en uno de sus ensayos, sólo por diversión, razón de que su vocalista había anunciado no participar más en su banda.

Acepté gustosa, y decidí nunca más soltarlo. -Quiero que estés en mi banda, y no acepto un no como respuesta, le dije después de unos días. Primero me mandó a la chingada, pero fue la única vez, y ahora llevamos tocando juntos 3 años. Después de unos meses, cada uno decide dejar sus anteriores proyectos para darle paso a lo que hoy somos. La nueva fusión nos inspiraba un concepto más directo y atrevido, divertido y pasional. Como por arte de magia, surge una historia alrededor de cada una de las canciones que íbamos creando, y en todas se habla directa LaCarne Magazine

o indirectamente de un personaje, una mujer devastadora, herida, fuerte, sensual y decidida, una Arpía, a la que no le importa pasar por encima de nadie solo por darle gusto al gusto. Eso somos, el canal de lenguaje de un personaje que nos invade y nos incita a componer lo que ella quiere cada vez que nos juntamos. Ella vive en nosotros y es una Arpía. Casi 3 años de trabajo. Me imagino que le han dado fruto porque ya tienen un LP y EP. ¿Cómo han sido estos años para ustedes? Matt: Estamos contentos porque hemos podido crecer como banda, y sobre todo porque vemos un futuro prometedor. El primer año fue bastante movido, con la tarea de crear rolas para grabar un LP y después conseguir espacios para tocar. Desde el inicio teníamos la convicción de poder lograr hacer cosas interesantes, y es por eso que, a pesar de haber tenido obstáculos, como lo fueron los cambios en la alineación de la banda en el segundo año, el proyecto sigue en pie y con objetivos muy claros. Se formaron en el 2015 y ya en el 2016 sacan su primer disco titulado “Nada Serio”. ¿Qué se puede encontrar el público en su disco? ¿Cómo fue la acogida de este primer trabajo? MB: Fue un material que hicimos a corazón abierto, muy rápido. Y precisamente por la fluidez y lo tan satisfechos que nos sentíamos (y aún nos sentimos) con nuestro trabajo, decidimos publicarlo de manera independiente. En este primer trabajo está implícita la historia de una Arpía que rompe el corazón de un padrote, llevándolo al suicidio. Las canciones están ordenadas de tal forma que se pueda entender tal ficción. ¿De qué bandas se nutren, quiénes son sus principales influencias musicales? MB: Todos los integrantes tenemos en común el Rock como estandarte. En lo particular, creo que el Rock en español que fue producido desde los 80 hasta la fecha me ha acompañado en las mejores y peores etapas de mi vida.

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Pero no puedo dejar de mencionar que yo era una niña cuando por primera vez escuché en un cassete reproducido en una grabadora vieja a Cecilia Toussaint, precisamente con su disco “Arpía”. A mí me marcó, me encantó y a partir de ahí nunca más iba a dejar de cantar. Me sé de memoria el disco y te lo canto cuando quieras. En realidad, yo tengo un gusto muy amplio. Mis raíces lo exigen, y podría bailar y cantar desde un cumbión bien sabrosón, hasta traer el playlist a los Ventures o a Nina Simone, todo depende del humor que ande. ¿Cómo catalogarían su música? ¿En qué genero del rock podemos encasillar a Arpía? MB: Alternativo. No podemos dejar de mostrar lo que somos ni de dónde. Nos encanta mezclar ritmos y estilos. Creo que eso es parte de que la Arpía nunca sea monótona. Hablemos sobre la temática que abordan en sus canciones. ¿De qué tratan? ¿Dónde encuentra la inspiración para sus letras?

etc. Ahora recientemente sacaron el EP “Dímelo Bailando” de 3 temas. Cuéntanos dónde lo grabaron, quién lo produjo… MB: Al igual que el disco pasado, “Dímelo Bailando” lo co-producimos con el Ingeniero Rubén Olvera en sus estudios al norte de la Ciudad de México, RD Studios. Sé que han estado en algunos eventos y programas radiales para promover su música. ¿Qué más tienen pensado para que Arpía llegue a todo el mundo? Matt: La manera de promover la música ha cambiado radicalmente. Hoy tenemos que estar en las plataformas digitales y promocionarnos desde ahí, para que la gente nos conozca desde la palma de su mano, es decir, desde su celular. De esa manera se llega a todo el mundo.

MB: Hasta el momento, casi todas hablan de amor en todas sus facetas. Desde el amor inspirador y bonito, hasta el más devastador, violento, superficial, traicionero y mortal. ¿Quiénes son sus actuales integrantes? ¿Proceden de alguna banda o alguno tiene algún proyecto paralelo? MB: A mediados del año pasado por fin se conforma la alineación oficial y se completa el círculo. MB en la voz, Matt en guitarra, Cheché al bajo y Xavy en la batería. Xavy McFly Primitivo´s drums tiene su proyecto alterno a Arpía, que por cierto es excelente: PRIMITIVO. En materia de conciertos y presentaciones, ¿qué tal andan en este tema? ¿Hay espacio para una banda como Arpía? Matt: Sin dudas existe espacio para una banda como Arpía, y para el rock en español en general. Lo que se complica a veces es llegar a los espacios importantes, lo cual no es malo porque nos obliga a ser más profesionales en materia de relaciones públicas, imagen, show,

¿Cómo describirías el momento musical en el que se encuentra Arpía actualmente? MB: En ascenso. La verdad es que nos divertimos mucho juntos, creando y mostrando lo que hacemos, cada vez más tenemos a gente que nos sigue y nos acompaña. ¿Qué podemos esperar de Arpía en el futuro y cuál es la razón por la que debemos escuchar su música? MB: Lo que aseguramos es que se van a divertir. Tenemos variedad de ritmos para todos los gustos, tenemos una mente muy amplia para seguir explorando y experimentando, siempre conforme a nuestros alcances. Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a los lectores de LaCarne Magazine, por favor? Matt: Ha sido un placer tener esta entrevista. A todos los lectores de LaCarne Magazine les enviamos un abrazo enorme desde la Ciudad de México, y esperamos que escuchen y conozcan a Arpía y sigan apoyando a la música emergente. ES UN GUSTO. ¶

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