LaCarne Magazine N69 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº69 - FEB 2018 - AÑO 7

fônal

electropop para hacer soñar al mundo EXPERIENCIAS

residente - vhaldemar - plus timbre

investigación billie holiday

ENTREVISTAS

gabo sellanes - primo gabbiano - arrecho - en busca del pasto - 1917 indomables - predicador kartzarot

SUMARIO N69 aÑo 7 feb 2018

experiencias 06 residente, una torre de babel

32 gabo sellanes, descubriendo su

10 vhaldemar, y sus 11 temas de puro

improvisación libre

musical metal

14 improvisación libre, y el sello

voz y su ritmo

38 primo gabbiano, inquietud por la 44 arrecho, y su lucha musical en venezuela

plus timbre

48 en busca del pasto, pioneros en

investigación 18 billie holiday, la triste historia de

mundo

la diva del jazz

improvisación libre

56 1917, su metal argentino recorre el

62 indomables, hard rock reivindicativo

66 predicador, y su heavy metal entrevistas ochentero 24 fônal, electropop para hacer soñar 72 kartzarot, singular rock en al mundo euskera

fônal

Electropop para hacer soñar al mundo

contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

alejandro pérez, OMAR VEGA, jorge ares, j.g. entonado, la chica boom * Foto Portada por Javier Pulpo * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Residente

una Torre de Babel musical

ené Pérez (aka Residente) es el cantante de Calle 13, no merece más presentación. El proyecto en solitario del rapero, con un sólo disco del mismo nombre, ha sido considerado uno de los mejores discos del año a nivel internacional por parte de Rolling Stone. Además, su disco homónimo ha recibido 9 nominaciones a los premios Grammys latinos en el año de “El Despacito”, lo cual indica la importancia de su trabajo, puesto que es un disco de Rap, y por supuesto nada mainstream. El disco es un babel de estilos musicales con un hilo conductor, que es el Rap y la Electrónica. Estamos ante uno de los mejores discos de

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músicas del mundo, porque encontramos canciones donde se encuentran representadas razas y culturas diferentes, lo que le da tanto colorido al disco. Lo hemos podido disfrutar en festivales como Cruilla Barcelona o Festival Rio Babel en 2017, y es un artista que debería ser cabeza de cartel del festival Womad (a ver si nos leen y nos hacen caso). René afirma que su disco es muy íntimo. Seguramente lo sea, sin negar que son canciones que llegan a todo el mundo, globales, brillantes y vivas. En ello tienen mucho que ver las colaboraciones de diferentes localizaciones del mundo (se ha recorrido los 4 continentes para este disco). Recuerdo que la primera vez que lo escuché alucinaba con lo que pensaban que eran samples, pero finalmente te das cuenta que no, son colaboraciones, y realmente son geniales. A continuación vamos a comentar cada uno

que nos da y que lo normal lo único que hace es estereotiparnos. Este single cuenta con un vídeo musical, donde se comprueba la belleza de las razas con imágenes explícitas y la colaboración de actores de gran nivel como John Leguizamo, Leonor Watling, Óscar Jaenada y Juan Diego Botto.

Interludio entre montañas

Un canto ancestral de Siberia a modo de trance nos sirve para pasar al siguiente track.

Una Leyenda China

El título es bien claro, empieza con una melodía a cargo de instrumentos tradicionales del país oriental, seguramente una Genkha o un Ruan, Gong y el Pipa. Para seguir con las rimas. Un tema que hace referencia de nuevo al origen de la vida, que ya nos lo anticipaba en el vídeo de “Somos anormales”.

Interludio Haruna Fati de esos peldaños de la torre de babel llamado “Residente”.

Residente, canciones globales que llegan a todo el mundo Intro ADN/DNA

Pequeña introducción de lo que es Residente: mezcla, reivindicación y tonalidad. Nos recuerda quién es, de dónde viene y lo que representa el disco, a cargo del rapero, productor y actor Lin-Manuel Miranda.

Somos Anormales

Un inicio con voces seguramente procedentes de habitantes de Siberia, y unos golpes de tambores y percusión con un ritmo contundente. Los cantos junto con las rimas y los tambores lo hacen el single espectacular. Nos habla de la importancia de ser diferente, de la riqueza

Introducción a cargo de Haruna Fati. Nos realiza una previa de un canto de origen africano, en concreto de Ghana.

Dagombas en Tamale

Impresionante la percusión de este tema. Ritmos con mucho Groove que, junto con las voces Ghanesas, lo hacen un temazo en toda regla. Es un track alegre, movido, bailable, positivo, que nos induce a conocer este pueblo que con muy poco sabe sobrevivir y subsistir.

Desencuentro

Un track de gran belleza. Trata sobre el amor entre dos personas aunque van por caminos distintos. La “balada” nos envuelve poco a poco entre las rimas de René y la voz afrancesada de Soko. No hay nada más sensual o hermoso que una canción en francés y, precisamente este tema consigue que ese esplendor químico, sensorial y hormonal llegue al oyente con un final épico a cargo de la Electrónica, cuerdas y scratches. Además cuenta con un clip que transmite muy bien lo dicho anteriormente. LaCarne Magazine

Guerra

Comienza con voces angelicales para seguir con los beats, rimas, samples y voces árabes. Las líneas de bajos, creadas por instrumentos de vientos a lo Brass Band, le dan más fuerza al tema. Es un tema que habla de guerra, de cómo luchar contra ella, cómo vencerla. Es un tema triste musicalmente pero que podemos evitarla si queremos. Gran canción que cuenta con un vídeo musical muy reivindicativo que nos recuerda a occidente quiénes son los perdedores de las guerras, los niños. Grabado en Líbano con víctimas reales.

Apocalíptico

Track que recurre de nuevo a la colaboración de voces francesas. La canción que habla que después del final volvemos al inicio, cuando todo se acabe volveremos de nuevo al principio de la vida. Necesitamos reiniciar y cambiar el modo de ver el mundo, la vida, la forma de comportarnos.

La Sombra

Canción que cuenta con la colaboración del guitarrista de Niger Bambino. Bambino canta en su lengua materna, escuchamos samples de gritos femeninos saharianos y en difinitiva en este tema más rockero nos cuenta que todos somos iguales, da igual la raza, el color o

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el sexo, al final todos venimos del mismo sitio.

Milo

Instrumentos de cuerda, flautas y ritmos tribales. Un track que habla de su propio hijo. Muestra el amor hacia su descendiente y además nos vuelve a hablar del inicio, del principio de las cosas, del nacimiento. Trip hop y voces indígenas que acompañan a René en este tema de gran factura.

El futuro es nuestro

Balkan music (a cargo de Goran Bregovic) y rap. Un tema divertido, movido, bailable, simpático, gracioso. Mucha creatividad tiene este track. En definitiva, es una canción que habla de la igualdad y, quién sabe, lo mismo acierta en su vaticinio.

Hijos del Cañaveral

Track más próximo a su tierra, por esas claves, guitarras y bongos, por cómo nos recuerda de dónde viene, de su lengua materna, de sus plantas, la música tradicional de aquellas latitudes. En definitiva nos despide el disco recordándonos de dónde viene y quién es. ¶

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Vhaldemar

y sus once temas de puro Metal LEER MÁS

estial, torrencial, fantástico, feroz, atroz, etc…. y no sé cuantos adjetivos más usaría para describir de manera directa el nuevo trabajo de los vizcaínos Vhaldemar. “Against All Kings” se titula el más reciente trabajo de este cuarteto de Heavy Metal. Un trabajo del cual ya Vhaldemar nos había adelantado algo con el lanzamiento este verano de su EP “Old King´s Visions”.

unos magníficos solos de guitarra salidos de las estrepitantes cuerdas de Pedro J. Monje, unas atropelladoras baterías a cargo de Gontzal García, unos teclados increíbles a cargo de Jon Kol, que junto al descomunal bajo de Adolfo y la electrizante e infernal voz de Carlos Escudero hacen de este disco todo un titánico trabajo que, sin dudas, llegará a ser uno de los mejores discos de Heavy Metal de toda España.

EP que tuvieron la suerte de lanzarlo en el recién finalizado “Leyendas del Rock”, en donde compartieron escenario con Megadeth, entre otras bandas.

En todo el disco podemos apreciar que Vhaldemar ha revitalizado su sonido y postura musical, manteniendo su trayectoria power-metalera-explosiva-cañera con que destacaron desde sus comienzos, pero haciéndola mucha más metalizada con descomunal resultado. Aquí las guitarras sin dudas son toda una infranqueable fortaleza que hacen que la banda suene como una metralleta.

De manera general se podría decir que en este bestial disco encontramos temas súper metaleros, poderosísimos y gloriosos, con

De manera general, el resultado es magnífico, increíble, espléndido. Hay marcadas influencias estilo a lo Manowar, a lo Gamma Ray.

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Todo esto aderezado con Metal a lo Judas Priest y con toques de más Hard Rock, que, combinado con la rabiosa personalidad de unos “locos por la sangre,” Vhaldemar parecen como si se hubieran despertado de su ataúd de piedra. ¡Menudo discazo! En este disco los vizcaínos nos regalan once destripantes temas de puro Metal, que van desde poderosos himnos (sin dudas los fans los corearan en sus directos), hasta estruendosos gritos de batallas que demuestran su innegable adoración al Metal, acompañado de fiereza y muchísimo talento.

Against All Kings, el descomunal trabajo discográfico de Vhaldemar El disco abre con todo el temazo “Metalizer”, o lo que es lo mismo, Judas Priest del siglo XXI, o dicho de otra manera, suena a como nos gustaría que sonara hoy en día la banda capitaneada por Halford.

Como su nombre lo indica, “Metalizer” es todo un tema metálico, súper pesado, arrasador, con unas diabólicas guitarras y una voz salida desde las mismísimas entrañas más oscuras de la tierra (como se hace notar en todo el disco), y un estribillo “de los de verdad” que ya se puede considerar un titánico himno. Le sigue “Old King´s Visions” (Part V), poseedor de una velocidad y un estrepitante riff que demuestra de lo que es capaz este descomunal grupo. Sin duda un tema que te dejará sin cuello. Como en todo disco que se respete, siempre hay temas bastante heavies. Y en este caso el turno le tocó a “Against All Kings”, con marcada influencia a lo Manowar. En este infernal tema, las guitarras se escuchan bastantes centradas al igual que la voz. Lo mejor del mismo es el estribillo, hecho para cantar como verdaderos hermanos del Metal. LaCarne Magazine

En cuanto al solo de Pedro, ¡pura dinamita! ¡Si te gustan las motos y la adrenalina, entonces estás de suerte! Pues en “Eye For an Eye” sentirás el mismo efecto como si estuvieras encima de una moto. A lo largo del tema tal parece que vas conduciendo por una enorme carretera llena de miles de fans que te apoyan para que llegues al final. Aquí es de destacar el gran riff y guitarreros toques con sabor a Judas Priest y un estribillo que bebe de las raíces de Gamma Ray,

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pero mucho más metaleros que estos últimos. Como dato adicional, la participación del cantante Roma de los Evil Seeds. ¡Prepárate para quebrantarte el cuello y todo el cuerpo! Sí, como escuchaste. ¡Todo el cuerpo! Pues eso es lo que vas a sentir después de haber escuchado el tema “I Will Stand Forever”, uno de los más poderosos y más pesados temas del disco. No digo nada más. Escúchenlo y después me dicen. Préstenle atención al solo de guitarra en el minuto 2:17.

El próximo tema en hacer aparición es “Howling at the Moon”, un tema con épicos sabores a Helloween y pizcas de Gamma Ray. Este “Howling” es sin duda uno de los mejores de todo el disco de Vhaldemar debido en gran medida a que tiene de todo: melodía, potencia, estribillo, velocidad, etc. Además de que el solo de guitarra es excelente. Cabe resaltar que aquí colabora Rubén Miranda de Krait. Le llega el turno a “The Last to Die”, otro de los temas cañeros del disco. Con una velocidad descomunal y unas voces de gran calibre, este tema hará romper cuellos a más de uno. ¡Magnífica la idea de incluir un llanto de bebé como apertura y cierre de este tema! ¡Le da un toque cósmico! De destacar es “Walking in the Rain”, un track bastante cool y que se asemeja a la onda de Iced Earth. Además de ser bastante Heavy y picante. ¡Toda una delicia para nuestros oídos! Ya casi cerrando el disco llega otro de los temas que tiene un estribillo que se pega a la primera, es “Rebel Mind”, con sus reminiscencias a la etapa más clásica de Helloween. Aquí es de destacar los maravillosos riffs. Después de 10 temas de pura caña, velocidad, adrenalina, explosivos riffs, estruendosas baterías y titánicas voces melódicas y guturales, nada mejor que cerrar el disco con un hermoso instrumental como es “Titans in D Minor”. ¡Todo un deleite para nuestros oídos! Sin dudas Vhaldemar se han superado a sí mismos con este descomunal trabajo musical. Si con escucharlo solamente me quedé enganchado y repito el disco una y otra vez, me imagino que verlos en un directo será algo que te exprimirá todas tus energías. Como siempre, les recomiendo que si no tienen una copia física o en descarga mp3 de este disco corran rápido y vayan a buscar la suya. Para suerte mía, tengo este monstruoso disco en ambas copias (física y descarga mp3) y les puedo decir que el CD en el reproductor suena estrambótico. ¿A qué esperan?

Y como dato adicional les digo que este disco ya tiene su Edición Exclusiva para Japón. Así que si te das una vuelta por la “tierra del sol naciente”, aprovecha y hazte de esta Edición Exclusiva, la cual contiene un tema como Bonus Track, entre otras sorpresas. Vhaldemar son: Carlos Escudero - voces, Pedro J. Monge - guitarras, Jandro - batería, Jonkol Tera - teclados.

Lista de Temas “Against All Kings” de Vhaldemar • Metalizer. • 1366 (Old King’s Visions Part V). • Against All Kings. • Eye For an Eye. • I Will Stand Forever. • Vulcano. • Howling at the Moon. • The Last to Die. • Walking in the Rain. • Rebel Mind. • Titans in D Minor.

Datos del disco “Against All Kings” de Vhaldemar Fecha de lanzamiento: 7 de noviembre. Grabado en: Chromaticity Studios. Producido por: Pedro J.Monge. Sello discográfico: Fighter Records.

Músicos invitados en “Against All Kings” de Vhaldemar “Against all Kings” - Solo principal de guitarra: Alberto Rionda (Avalanch, Alquimia). “Rebel Mind” - Voces: Iñaki Lazcano (Coffeinne), teclados: Diego Zapatero. “Eye for an Eye” - Voces: Roma (Evil Seeds). “Vulcano” - Teclados: Diego Zapatero. “Howling at the Moon” - Voces: Rubén Miranda. ¶

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Improvisación Libre y el sello Plus Timbre

compuesto la música de alguna o varias películas de Jess Franco (Jesús Franco), director mítico y muy prolífico del cine español.

l pasado mes de febrero, hace ya casi un año, me invitaron a participar en un programa de Ágora Sol Radio llamado “Onda Sonora”, dirigido por César Pradíes y presentado en esa ocasión por Gregorio Kazaroff. Allí estaban Javier Piñango (director del festival internacional de música experimental Experimentaclub y del proyecto de difusión y promoción de música experimental del mismo nombre. Lleva ya más de veinticinco años trabajando en la escena sonora de vanguardia española desde diferentes frentes: como músico, programador cultural, creador de sellos discográficos, periodista musical, etc…o sea, un clásico en la escena de la vanguardia española), Juan Antonio Nieto, alias Pangea (músico experimental y artista sonoro que comenzó su carrera con Aviador Dro) y Almudena Villar (pareja de Juan Antonio y una de las principales impulsoras del GRS, Grupo de Resistencia Sonora, y una de las principales difusoras de las músicas de vanguardia). En la charla posterior al programa me hablaron de un sello griego que se llama Plus Timbre (de ahí estoy en contacto con Chris Silver T, en Facebook), netlabel que se dedica a promocionar los muy distintos y diversos estilos que hay en la música experimental e improvisación libre. Y claro, puse las antenas y no tardé en contactar con ellos. Le ofrecí publicar ahí un trabajo que llevo haciendo todo el año pasado junto a David Ramos, músico electrónico, compositor e improvisador canario, que entre otras cosas ha

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El trabajo en cuestión son tres piezas grabadas por partes, intercambiadas a través de Internet y mezcladas por alguno de nosotros, por separado. No nos conocemos físicamente, es un trabajo a distancia. Una forma muy curiosa y excitante de crear música. Lo había hecho alguna vez con Juan Crek y también con Primo Gabbiano y Kinoplatz (ver AQUÍ) y en mi opinión ha dado un resultado más que satisfactorio. En las tres primeras piezas mezclamos instrumentos electrónicos (monotron delay, Korg Volca Beats, noise machine…) con instrumentos acústicos (voz, contrabajo, vientos…) acentuando y marcando las diferencias entre los timbres ofrecidos por cada uno de esos instrumentos. La primera de ellas, “La atenta mirada de lo extraño”, es una sucesión individual de la electrónica de David con pequeñas piezas acústicas mías, queriendo dar la impresión de una pequeña orquesta de improvisación libre que va alternando los distintos recursos que posee, electrónicos y acústicos. “El Eléctrico Taller” es una pieza completamente electrónica, y la tercera, “Misteriosa mañana de domingo”, la hicimos a partir de una propuesta también de David y la completé con un contrabajo inspirado en partes del “No love lost” de Joy Division. Ya he dicho más de una vez que en la improvisación libre sale sin ser de forma premeditada toda la música que llevas dentro después de años y años de escucha. En la parte intermedia de esa pieza aparece un piano que

lo toqué andando sobre el teclado y grabando todo con un micrófono de armónica para dar la sensación de lejanía y de poca pureza en el sonido. Bueno, ya he dicho que el resultado fue muy satisfactorio para nosotros, y aquí está, recién salido del horno, el pasado domingo 10 de diciembre. Espero que lo disfruten. Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó. ¶

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Billie Holiday

la triste historia de la diva del Jazz

omienzo esta aventura hablando de una de las grandes divas del Jazz, Billie Holiday, y aunque sea una historia triste, también creo que es necesaria. Todos conocemos algo de Jazz, sabemos de Nueva Orleans, de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald, y todos hemos canturreado alguna vez un estándar. Sin embargo, no debemos

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olvidarnos de la realidad de este estilo musical: una música de negros que los blancos se apropiaron para su propia diversión. Vamos un “tocad para nosotros pero no os mezcléis en nuestros círculos”. Y en ese mundo, y con esos prejuicios, brotó la maravillosa voz de Lady Day (bautizada así por el saxofonista Lester Young).

Los inicios de Billie Holiday Nacida en una familia desestructurada, la vida Billie Holiday (Eleanora Fagan Gough) no fue

fácil: abusos, violaciones, palizas, abandonos y prostitución. Todo ello marcaría su carácter para siempre. Mujer de armas tomar, no se dejó amedrentar por nadie ni por nada. Bebía, fumaba, se drogaba y andaba siempre rodeada de hombres. Con 14 años hizo su primera prueba. A partir de ese momento la música se convirtió en su motor y comenzó su carrera, siempre marcada por la segregación racial (aun siendo primera estrella, tenía que entrar por la puerta trasera, o pintar su cara para oscurecerla).

En 1939, una joven Billie de tan solo 23 años se subió a las tablas del Café Society de Nueva York, e interpretó, por primera vez, Strange Fruit, un poema del ruso Abel Meeropol que hablaba sobre los ahorcamientos que se llevaban a cabo en el sur de Estados Unidos. El autor quedó horrorizado ante las fotografías que les mostraron de los linchados Thomas Shipp y Abram Smith, ahorcados en árboles en mitad del bosque. Esta actuación fue impactante y pronto se convirtió en el sello personal de Billie, que optó por cantarla siempre al final de sus actuacioLaCarne Magazine

nes, e iluminada únicamente con un foco para causar más sensación. Y la causó, tanto buena como mala. En una ocasión en Alabama, incluso fue perseguida por intentar cantarla.

Billie Holiday, la estrella olvidada Sin embargo, a pesar del éxito obtenido, Billie Holiday siempre estuvo maltratada por la sociedad y, por supuesto, por la industria musical, que nunca aceptó a una mujer negra que se drogaba y acostaba con quien quería cuando quería. Abandonada a una existencia únicamente rodeada de drogas y palizas, los últimos años de su vida fueron un ir y venir entre la cárcel y los callejones de Nueva York, muriendo con 44 años. En el cénit de su existencia, cuando le preguntaban (ya cirrótica y enferma) qué hacía con su vida, ella se limitaba a contestar “ya saben, sigo siendo negra”. Aquí os dejo la traducción de la canción. Árboles sureños cargan extraños frutos, Sangre en las hojas, y sangre en la raíz, Cuerpos negros se balancean a la brisa sureña Extraños frutos penden de los tuliperos. Escena pastoral del galante sur, Los ojos saltones y la boca retorcida, Perfume de magnolias, dulce y fresco, Y el repentino olor de carne quemada. Aquí está el fruto (que alardea coraje) para que arranquen los cuervos, Para que la lluvia tome, para que el viento chupe, Para que el sol descomponga, para que los árboles suelten, Esta es una extraña y amarga cosecha. ¶

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electropop para cer soñar al mundo

os españoles Fônal siempre nos han sorprendido desde que oímos sus primeros temas, y ahora están de celebración.

En un mundo en el que cada día conocemos nuevos grupos, Fônal se me antoja como un cálido rayo de luz entre las nubes de la incertidumbre musical, y que tengan nuevo trabajo es una muy buena noticia. Alfonso Búrdalo (voces, bases y guitarras), Inma González (voces) y Rubio Salas (guitarras eléctricas) nos presentan “Volando en Olivença”, un trabajo súper alegre donde las dulces melodías del Pop se fusionan de manera magistral con la electrónica y los riffs más enérgicos. Hablamos con ellos para que nos cuenten todo sobre su tercer trabajo.

Volando en Olivença - fônal EP - 2018

Estreno mundial

15 de Febrero 2018

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Vimos nacer a Fônal, y, lo que en un principio era un dúo con unas cuantas canciones, se ha convertido en un súper trío electropop que ya ha tocado en festivales como SonoraCC, Contempopránea, Gigante, WOMAD, Picnic Interestellar, etc. Antes de meternos de lleno a hablar de vuestro nuevo trabajo, nos gustaría que nos contarais cómo Fônal se convierte en trío y cómo ha evolucionado la banda desde sus orígenes. La idea se me ocurrió hablando con Alfonso, cuando tratábamos de explorar otros territorios sonoros experimentando con la electrónica. Pero desde el inicio Fônal se planteó como un trío. En lo musical somos tres, aunque si sumamos técnico, road manager y conductor, en Fônal ya empezamos a ser una gran familia. En cuanto a eso que preguntas sobre la evolución de Fônal, me da la impresión de que todo ha sido muy natural. Empiezas probando hasta dónde puedes llegar, y te acabas centrando en lo que nos parece que proyecta mejor el sonido de la banda. En nuestro caso son esas bases digitales contundentes sobre las que viajamos, con suaves melodías vocales y guitarras eléctricas muy

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potentes y psicodélicas. Tras incorporar a Rubio Salas a las filas de Fônal ¿os planteasteis incluir más instrumentos a la banda? ¿Podríamos verlo en un futuro? Tenemos ganas de hacer algún bolo específico con banda. En una ocasión especial dejar los ordenadores en la furgo y plantarnos sobre el escenario con toda la parafernalia que supone estar en el escenario en plan big band: batería, bajo, sintes, metales, cuerdas... incluso un cuarteto vocal haciendo coros. Lo haríamos si hubiese medios para ello, pero tenemos muy claro que Fônal somos los tres y nos apetece seguir siendo así habitualmente en el escenario. Si algún día aparece un promotor y nos plantea una idea de éstas, lo disfrutaríamos. Seguro. Sin embargo, nuestro formato natural es el actual de tres músicos, con nuestra particular manera de entender la música a partir de unas cuidadas composiciones en las bases, y un directo en constante conexión con el público. Tenemos claro que nuestra apuesta musical y visual sobre el escenario es un sello de identidad del grupo: la fuerza de las guitarras y los

Foto por Javier Pulpo

sintes, la garra simbólica del megáfono o la pandereta, las voces melódicas, las gafas de sol, el continuo movimiento... Nuestro interés se centra en ofrecer al público canciones sinceras que puedan disfrutar cuando nos ven en un concierto. Sabemos que ya tenéis experiencia como músicos, puesto que formáis o habéis formado parte de otros proyectos musicales. ¿Esto ayuda de alguna forma a la hora de crear una banda como Fônal? ¿Os planteáis antes de formar la banda los posibles “problemas” que puedan surgir y cómo solventarlos? Esa experiencia nos ha ayudado a centrarnos en crear canciones. Que sean el centro desde el que trabajamos en Fônal. Jugar con ellas hasta que podamos ir a la siguiente, y desligarnos de esos miedos que en ocasiones los egos pueden provocar en las bandas.

Nos gusta sentirnos como entes que viajan junto a esas melodías y arreglos, y no al revés. Desde un inicio teníamos claro que queríamos tocar sobre las baterías y los bajos electrónicos que lanzamos desde el ordenador. Son sonidos que si hubiese que llevarlos al directo con una banda encarecerían y ralentizarían demasiado el proceso, y en Fônal no estamos dispuestos de momento a eso. Para disfrutar tocando con una banda en directo ya tienen Alfonso y Rubio sus grupos, y yo vengo del mundo de los Djs. No tengo ningún problema ni complejo por lanzar bases en directo. De hecho, desde siempre entre mis grupos favoritos han estado bandas como Pet Shop Boys, The Prodigy y Depeche Mode. Desde el principio, Fônal tuvo muy buena acogida por parte de los medios y del público. Con vuestro primer y segundo trabajo comenzáis una carrera ascendente, recogiendo varios LaCarne Magazine

premios y galardones. ¿Cuál es vuestra reacción a todo esto? ¿Ha habido algún concierto o galardón que os haya hecho especial ilusión? Nos han hecho especial ilusión los festivales que nos han subido a su cartel no por ser parte de la cuota regional entre el resto de bandas foráneas. Aunque también es cierto que recibir los Premios Pop-Eye o pasar de ser público fiel a subirnos a los escenarios de festivales tan importantes en nuestra tierra como Womad o Contempopránea fue muy emocionante y estamos muy agradecidos. ¿Qué es lo mejor que le ha pasado a Fônal hasta el momento? ¿Algún concierto o festival, tocar con algún grupo o artista en concreto…? Sobre todo que hayan contado con nosotros para tocar en un festival tan importante como

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ParqueSonoro. Tocar entre tantas bandas de ese nivel y poder disfrutar del festival junto a todas ellas fue algo que aún conservamos entre nuestros mejores recuerdos. El 15 de Febrero sale vuestro nuevo trabajo “Volando en Olivença”, compuesto por 6 canciones en las que encontraremos el sonido Pop y electrónico que caracteriza a Fônal. Comentáis que es un disco más minimalista en comparación a los dos discos anteriores. ¿Podéis explicarnos con más detalle el concepto de este disco? En arreglos y producción es menos barroco que los otros anteriores. La idea era sostener las canciones con sólo lo imprescindible, y ése ha sido el resultado. El ejemplo más claro en este EP es “Piénsalo”. A veces lo vemos como el menos electrónico

en Olivença”, que da título al EP y que lanzaremos como primer single. Os va a gustar, a nosotros nos resulta muy divertido tocarla en directo. Otras son más oscuras, pero también las hay dreampop, como “1997”, con la que abrimos el disco. Seguimos contando historias que nos suceden, o impresiones de cómo nos sentimos ante diferentes circunstancias. ¿Y por qué un Ep y no un Lp? Contadnos… El Ep tiene ese concepto de lo inmediato, de lo menos pensado. Expone más a la canción tal y como surge, y ésa es una idea que nos gusta mucho. Nos apetece ir publicando Extended Plays cada poco tiempo. Nos ha llamado la atención el título que le habéis puesto a este trabajo, “Volando en Olivença”. ¿Cómo surge y en qué momento lo elegís? ¿Barajasteis otras opciones? Solemos trabajar cada uno en casa e intercambiar las estructuras y arreglos de las bases por correo electrónico.

Foto por Andrea Núñez

de los tres trabajos, y otras veces nos parece que es el que más electrónica proyecta, como en los temas “Happy faces” y “Te desvaneces”, donde hemos contado con la colaboración del mago pacense de la electrónica Morphoid en los sintes de bajo. No nos sentimos una banda de un estilo en concreto con la obligación de hacer un arreglo de un tipo u otro. Sinceramente, cada día nos dan más igual estas cosas. Como bien dice Alfonso, desde que los grupos han empezado a preocuparse por estas cosas ya casi todos suenan igual. En nuestro disco las canciones van vestidas de verano, con poca ropa, y en ocasiones parece que van dando un paseo al atardecer. Tienen menos elementos festivos que antes, aunque la excepción en este caso es “Volando

Como Rubio Salas vive en Olivença, cuando nos planteamos un ensayo nos juntamos allí los tres, arrancamos el ordenador y dejamos que las canciones vuelen y se transformen desde esas ideas originales que hemos ido consensuando por Internet. Los ensayos son más bien improvisaciones larguísimas de melodías vocales, sintetizadores y guitarras marcianas. Es el disco más oliventino de Fônal, tiene saudade, y a nosotros nos parece que es muito fixe. “Volando en Olivença” tenía que ser el título del disco sí o sí. Habladnos del proceso creativo en Fônal. ¿Cómo es el proceso a la hora de crear los temas? ¿Habéis cambiado mucho en estos años? Le damos mucha importancia a las melodías, a la cotidianeidad de las letras y las líneas potentes de los bajos electrónicos. Sobre eso solemos trabajar. Cualquiera de nosotros puede lanzar una sucesión de acordes básicos desde los que ir LaCarne Magazine

tirando del hilo hasta componer una canción. También se nota que cada uno tiene sus propias influencias, sus bandas favoritas, su propia cultura musical. Esto hace que al final esas ideas originales sufran siempre ese proceso de “fônalización”. Ya hemos comprobado que es un proyecto optimista, colorido y soñador. ¿Cómo enfocasteis las ideas para este trabajo? ¿Cómo fueron esos primeros bocetos del contenido de “Volando en Olivença”? Éste ha sido el año en el que más maquetas de canciones hemos hecho. No sabemos exactamente por qué hemos decidido incluir unas sí y otras no. Queremos pensar que son las últimas del año, y por eso las teníamos más presentes a la hora de elegirlas. Las ideas en los temas van surgiendo y evolucionando de manera desigual. A veces las frases surgen haciendo que cambien las melodías, otras son éstas las que determinan la sonoridad de las letras y los arreglos. Es muy divertido comprobar cómo nace una maqueta, y después va creciendo hasta convertirse en canción. Ahora que nadie nos escucha, ¿cuál ha sido el tema más jodido de grabar? Ninguno especialmente. El proceso de grabación ha sido relativamente rápido. Tres tardes de grabación, una de mezclas y una última para masterizar. Un grupo como Fônal te permite llevar mucho trabajo hecho de casa, y, como te comentaba, las maquetas ya estaban grabadas por lo que casi sólo ha sido un proceso de producción. Hemos vuelto a grabar con nuestro amigo Jorge Quesada en su estudio JQ Rec de Cáceres, y como ya nos va conociendo sabe muy bien qué puede aportar al sonido de Fônal. ¿Dónde y cuándo presentaréis “Volando en Olivença”? ¿Habrá gira de presentación nacional? Hay ganas de salir con todas estas canciones nuevas y tocarlas por muchos festivales y sa-

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las. De momento sólo tenemos confirmadas tres fechas. En el festival RenoFest de Sevilla, en el Gran Teatro de Cáceres teloneando a La Bien Querida, y en el festival Contempopránea de Alburquerque. Esperamos ir llenando este 2018 de fechas tachadas en el calendario. Si se diera la posibilidad de hacer una gira por Latinoamérica ¿os lo pensaríais? ¿Qué circunstancias tendrían que darse? Tan sólo tendrían que pedírnoslo, aunque somos conscientes de que algo así requiere de muchos factores. Si nos llaman y se juntan las circunstancias, allí que nos plantamos, y hasta es posible que cierto guitarrista se quedase por allí comiendo burritos y tacos y no volviera en un tiempo. Nos consta que los grupos y bandas españolas son muy queridas y tienen muy buena

Foto por Andrea Núñez

acogida por parte del público latinoamericano. ¿Qué les diríais para animarles a escuchar Fônal? Somos conscientes del respeto y el gran gusto musical que tienen los vecinos del otro lado del charco. Envidiamos el aprecio que su cultura tiene por la creación musical y seguramente nos sentiríamos muy cómodos ante un público como ese.

que dejásemos de disfrutar de lo que hacemos nada tendría sentido. Ésa es la premisa de Fônal, así surgió, y para estar incómodos preferimos dedicarnos a otra cosa.

“Qué más pues? Ahorita están escuchando el nuevo EP de los Fônal que viene bien chido y no canta mal las rancheras güey!!! Los Fônal son una banda macanuda!!!!”, Rubio Salas Dixit.

Esto no ha hecho más que empezar y seguro que os veremos muy pronto en muchos más carteles de festivales y conciertos. Os deseamos mucha suerte y éxito con “Volando en Olivença”. Nos vemos pronto en los directos! ;-) Abrazos!! Pues eso, amigos. El 15 de febrero estará nuestro nuevo disco en todas las plataformas digitales. Escuchadlo a mucho volumen y dejaos fônalizar. ¶

Con vistas al futuro, ¿cómo os gustaría que se diera este año para Fônal? ¿Tenéis alguna meta concreta? Nos gustaría tocar en ciudades donde aún no hemos actuado, y sobre todo seguir pasándolo tan bien como hasta ahora. En el momento

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Gabo Sellanes descubriendo su voz y su ritmo

litario, hoy Gabo Sellanes es un joven músico feliz de la vida y orgulloso de su manera de ser. LEER MÁS

iendo apenas un niño, Gabo Sellanes sintió atracción por la música cuando conoció a Fito Páez a través de sus maravillosas canciones, además de provenir de una familia de artistas, sin ninguna relación con la música. Después de muchos tropiezos en la vida, de haber creado su propia banda de Rock y haberla abandonado, de lanzar su carrera en so-

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Aprovechando que en estos momentos se encuentra promocionando su primer disco homónimo, decidí contactar con él para que nos contara más sobre su vida, tanto personal como musical.

Gabo Sellanes, descubriendo su voz y su ritmo Empecemos por el principio. ¿De dónde vino

Vengo de una familia de artistas, pero no músicos. Mi madre y mis tías son artistas plásticas. Mi papá, además de politólogo, es escritor y siempre estuve rodeado de amigos de mis padres, poetas, músicos y artistas. Siendo un adolescente decides formar, en el año 2006, la banda de Punk/Rock Flamable. ¿Cómo surgió la idea de crear esta banda? La idea surge porque justo en mi primer año en la universidad conocí a Raquel, una amiga músico. Ella me dio ánimos para dar ese paso que tanto deseaba desde chico, así que contacté a Ayla, que es mi bandmate y una de mis mejores amigas, y allí fuimos hablando hasta conseguir a Edgar y finalmente crear Flamable. ¿Llegaron a grabar algún disco? Grabamos un demo de cuatro canciones, Fresita, Cuando, Envidia y What do you feel?.... Después creamos un par de canciones más, pero no las llegamos a grabar. Dos años después abandonas Flamable. ¿A qué se debió esto? Fue un momento difícil para mí. Yo soy muy hiperactivo y pasional, eso puede llegar a crear frustración. Yo quería TODO. Siempre he sido una especie de Geri Halliwell gay, el líder de la banda y con mil cosas por hacer. esa pasión por la música? Mi pasión por la música comenzó desde muy chico, cuando conocí a Fito Páez porque mi tía Malvina, que es melómana, lo escuchaba todo el tiempo. Yo quería ser como él. Después, a los diez años, las Spice Girls llegaron a mi vida y decidí que quería ser un cantante. Uno bien irreverente. Recuerdo que en cuarto grado escribí mi primera canción y se la canté a mi madre una noche al acostarme a dormir. ¿Alguien en tu familia estuvo relacionado con la misma?

En aquel momento había conseguido una gira con tres bandas venezolanas, e íbamos a recorrer un par de ciudades, pero a Edgar y a Ayla no los dejaban porque eran más chicos, y eso no lo pude entender y me frustré mucho y me llené de rabia, y decidí seguir solo. Fue difícil porque aunque en una parte es gracioso, las Spice Girls marcaron mi vida y sufrí cuando Geri las dejó, y ahora yo era una Geri. Fue muy doloroso jajajaja ¿No te sentías cómodo dentro de la misma? No me sentía cómodo en los últimos tiempos porque sentía que yo daba todo y ellos nada. Mucho después comprendí que ellos eran más LaCarne Magazine

chicos que yo para el momento, pero como te digo, soy muy intenso y pasional. Después de tu salida de la banda decides lanzar tu carrera como Gabo Sellanes. ¿Te fue difícil salir adelante? Al contrario, finalmente podía hacer lo que yo quería sin restricciones, y eso fue muy liberador. Aparte, yo en el medio ya conocía mucha gente en mi ciudad relacionada con la música, así que sólo fue comenzar a hacer llamadas y decir: tengo un gran proyecto y necesito trabajar en él. ¿Contastes con la ayuda de alguien? Sí, recuerdo que junto a una amiga en Caracas nos fuimos de fiesta y le conté todo lo que quería hacer. Esa noche le dimos nombre a mi personaje, Gabo Sellanes, y ella me ayudó bastante al principio. En realidad tuve a tres personas claves en mis inicios como solista. ¿Pensaste en algún momento renunciar a tu

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carrera? Sí, muchas veces... De alguna manera he pasado períodos largos sin hacer música. Este proyecto me llevó distintas épocas, alegrías y frustraciones. Es muy difícil cuando estás solo, eres hiperactivo y el tema de las críticas homofóbicas... Hay que ser fuerte. En el escenario lo soy, pero en mi vida privada soy bastante inseguro. En el 2011 Gabo Sellanes lanza su primer EP titulado “Resaca Pop”, en donde nos muestras un sonido Electro-Pop. ¿A qué se debió este cambio de sonoridad? Es muy interesante esta pregunta. Yo no escuchaba Electro Pop, pero cuando me separé de mi banda me fui a Caracas y conocí la noche Electro. Yo estaba lleno de rabia por lo de Flamable, y pensé que hacer algo Electro y poco Rock les molestaría a todos mis amigos y sus bandas.

Pensé que sería divertido transformarme, fue algo inmaduro y lleno de rabia, pero al final terminó saliendo como algo muy bueno: descubrí un mundo en el Electro Pop jajajaja, sentí que podía ser más divertido y diva. ¿Cuánto de ti requirió crear este disco? Mucho, cuando eres un artista independiente das todo de ti así tengas pocos recursos. ¿Cómo te sentistes cuando tuvistes el disco en tus manos? El disco es digital, pero cuando tuve todo el proyecto más el arte me sentí como finalmente tan orgulloso de no rendirme nunca. ¿Hay algún lugar en donde se pueda conseguir el mismo? Realmente no, pues después junté ese material para sacar el disco ya oficial, y eliminé dos tracks que decidí no sacar. Sólo los tengo yo, escondidos jajaja! En estos momentos te encuentras enfrascado en la finalización y promoción de tu disco que saldrá en diciembre. ¿Qué nos puedes comentar sobre el mismo? Te cuento, ya mi disco está disponible en Youtube y Soundcloud, espero pronto en Spotify, pero por un tema de tiempos no he podido. Sin embargo, ya lanzando todo este material recopilado de mucho tiempo, he comenzado a producir mi nuevo álbum junto a Gustavo Rollano, un productor uruguayo, así que básicamente no he parado. ¿Consideras este disco como un gran paso en tu carrera? Más que como un gran paso considero que es como dar a luz algo que tuve guardado durante tiempo, y me siento liberado. Creo que ha sido un paso porque cambio muchas cosas de mí, pero básicamente es una sátira al egocentrismo de una diva, y ahora lo nuevo que estoy grabando tiene un poco más de mi parte sentimental. ¿Mantienes el mismo sonido que en tu disco anterior o varías? Mi disco homónimo, “Gabo Sellanes”, reco-

pila canciones de Resaca Pop e incluye dos nuevas, así que es el mismo sonido. Ahora lo nuevo que estoy grabando para Diciembre o Enero es otro sonido muy diferente. Ya no es Rock ni es Electro. Estoy apostando a las raíces del Pop, desde lo Disco hasta algo Cabaret. Es muy arriesgado este nuevo sonido. Entremos más en detalles. ¿Cuál es el nombre del disco? El nombre del disco que acaba de salir es simplemente Gabo Sellanes. LaCarne Magazine

“Me definiría como un músico que con muy pocos recursos ha podido poco a poco ir encontrándose y descubriendo su voz y su ritmo.” ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Cada tema fue grabado por separado y con distintos productores, lugares y épocas distintas, cada canción se cocinó en un proceso distinto y finalmente recopilé todo eso. ¿Cuántas canciones trae y sobre qué hablan? Son seis canciones y básicamente es una sátira de mí mismo. Es un personaje creado como una diva de la noche pop plástica. Habla sobre fiestas, sexo y amor, pero todo visto desde un punto cómico y exagerado. ¿Una vez listo dónde se podrá adquirir? Ya puedes descargarlo en Soundcloud y escucharlo en Youtube, pronto pienso subirlo a Spotify. ¿Cómo crees que será recibido este nuevo trabajo tanto por el público como por los medios especializados? Sinceramente, no tengo mucha expectativa porque para mí fue como una necesidad para cerrar ese ciclo con esas canciones. Simplemente queria liberarlo sin mucha promoción, expectativa o ansias. Porque básicamente fue liberar algo que mantuve guardado para cerrar un ciclo y poder comenzar a grabar el nuevo material, del cual sí tengo mucho que contar y esperar. No es que éste no me guste pero fue como liberar a un pájaro que tenía encerrado y dejarlo ir, también una manera de comenzar a darme a conocer en Uruguay y tener una carta de presentación. Hace unos días lanzaste el primer single del disco, en el cual colabora Goro Gocher. ¿Cómo surgió la idea de hacer este single? Este single estaba grabado ya en demo y pensado en solitario. Pero después de que un amigo me presentó el trabajo de Goro Gocher

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y nos puso en contacto, pensé que debíamos hacer algo juntos, y allí me di cuenta que “Sticky Dreams” podía funcionar como dúo. Así que sin pensarlo, lo invité. ¿Cómo te sentiste trabajando con un artista tan versátil como Goro Gocher? Al principio me daba miedo porque todos los artistas tenemos algo de diva, pero Goro resultó ser una persona muy dulce y especial, fue muy fácil trabajar juntos porque hubo mucha química e ideas similares. Todo fue fluyendo sólo en el estudio y en las reuniones previas. Lo adoro! ¿Dónde se puede escuchar este tema? Este tema pueden escucharlo por ahora en Youtube y en soundcloud.com/gabosellanes Hablemos de nuevo sobre ti. ¿Cuánto representa para ti la música? Representa todo en mi vida. Tuve una etapa de negación pero me di cuenta que no puedo vivir sin la música. Si tuvieras que definirte como músico. ¿Cómo lo harías? Me definiría como un músico que con muy pocos recursos ha podido poco a poco ir encontrándose y descubriendo su voz y su ritmo. ¿Cómo te imaginarias tu vida sin la música? No la puedo imaginar. Bueno, Gabo, esto es todo. Agradecerte por tu tiempo y te deseo mucha suerte y éxitos con tu nuevo disco y en tu carrera. Simplemente estoy muy agradecido por esta invitación, y a los lectores les podría decir que aunque algún día se sientan muy frustrados, piensen el porqué y vayan a por todo con lo que quieren hacer. Los invito a conocer humildemente mi proyecto artístico, y espero lo disfruten tanto como yo disfruto hacer música. ¶

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Foto por Abel Castells

Primo Gabbiano

inquietud por la Improvisación Libre

onocí a Antonio Clavijo (a.k.a. Primo Gabbiano) hace unos cinco años, cuando él formaba parte de un proyecto llamado Kinoplatz. Lo conocí indagando por Internet, y me sorprendió las similitudes que tenía de planteamientos con lo que yo hacía en ese momento con Arín Dodó.

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Kinoplatz era un proyecto en el que la música y la performance, la imagen, caminaban de la mano. Nos pusimos en contacto y decidimos hacer una grabación conjunta y a distancia, que se publicó en el sello argentino de Luis Marte, FugaDiscos: “Aquí Perro Ep”. Un título muy surrealista, muy acorde con los gustos tanto de Antonio como los míos. Desde entonces he ido a Barcelona varias veces para participar en los ciclos de conciertos

que él organiza, y seguramente, Antonio vendrá a Madrid en breve. Muy buena noticia!!! Un tipo muy inquieto Primo Gabbiano, comprometido hasta la médula con la música y con la improvisación libre y, encima, muy buena persona y muy buen amigo.

Primo Gabbiano y su perspectiva sobre la Improvisación Libre ¿Cuál es tu procedencia musical?

Mis inicios en la música tendríamos que buscarlos en el Rock. Desde la misma escucha de bandas de marcado carácter rockero y, ahora, ya clásicos, hasta las primeras bandas que monté o ayudé a montar. Mi formación musical es autodidacta y, como tal, fruto de multitud de variables y afortunados encuentros con otros artistas. Tras este período inicial, en el que poco a poco acumulo experiencia e influencias dispares y heterodoxas, empiezo a probar otras maneras de LaCarne Magazine

tocar, otras maneras de mostrarlo en público. El directo, la necesidad del directo, jugó un importante papel en la lenta incorporación de sonidos, texturas y formas artísticas de modular un discurso, digamos, experimental. Espacio, lo experimental, en el que me siento cómodo y en el que desarrollo toda mi creación. Puedo añadir dos fechas importantes en esta evolución musical. En 2002 inicio mi programa semanal de radio La Moto de Sasha (El Prat Ràdio 91.6 FM). Este programa, de autor, se centra en músicas experimentales, entrevistas a artistas de diversa índole y manifestaciones de la cultura contemporánea. Estar en antena desde hace más de 15 años ininterrumpidamente me obliga, por un lado, a formarme en ciertas sensibilidades artísticas y, por otro, a desarrollar un gusto y una atracción por la improvisación hablada. No tengo guión, abro micros y hablo. Me parece que no soy consciente de la escuela que es la radio. La segunda fecha a destacar es la creación en 2008 del proyecto Primo Gabbiano. Originalmente pensé en lanzarlo como un nombre franco de acción artística (cualquiera podría haberlo utilizado como pseudónimo o, en el mejor de los casos, como heterónimo) pero devino el nombre con el que firmo todas mis composiciones y actuaciones musicales. Primo Gabbiano es un espacio donde insertar la música que pienso y hago (o viceversa), las colaboraciones que surgen y donde conjugo influencias de largo recorrido con las querencias de última hora. ¿Cuáles son tus influencias que te han ayudado al aprendizaje de tu lenguaje improvisatorio? Lo primero que he de decir es que no me siento un músico improvisador 100%. La improvisación es, para mí, una de las líneas de investigación que utilizo en un discurso mayor. Es importante, pero no creo que sea la más definitoria. Cuando he tocado y toco con músicos de im-

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provisación libre, noto que tienen un lenguaje común, aunque abierto y amplio, en el que participan en diversos grados de heterogeneidad. Mis influencias son, en este sentido, muy amplias. Me interesan los primeros videoartistas que con una nueva tecnología tuvieron que crear por instinto, y mostrarse en un territorio complicado como lo es el visual: antes utilizaban un televisor, ahora Internet y un monitor de ordenador. Me motivan, y por eso influyen los pioneros de la música electrónica y los que antes disociaron el sonido de su instrumento hacia un altavoz. Los pintores que, al ver la primera fotografía, se dieron cuenta que la representación pictórica tenía que ir por otro lado; los poetas que gritaron y los que lo explicaron todo con la onomatopeya y el gesto; los montadores del cine silente y su construcción narrativa de la realidad, que no es real pero que nos explica mejor, etc. Quiero decir con esto que no me veo influido por otros músicos que trabajan la improvisación, puesto que respeto su manera de hacerlo y la entiendo única e intransferible. En cambio, hay márgenes en otras artes que ofrecen espacios abiertos para entrar y hurgar. El afinarse con una pieza de vídeo o con un performer, quizá su imposibilidad, es el acicate necesario para mí. He escrito que no me veo influido por otros músicos de improvisación y tendría que matizar esto porque no es del todo exacto, y es injusto… ¡Claro que me influyen! Pero es más interesante, para explicarme mejor, desplazar el foco a otras artes y, sobre todo, a otros momentos críticos del arte. Me parece que así abro ventanas y todo se airea. ¿Cuándo y cómo llegaste a la improvisación libre? Aunque parezca obvio y casi una boutade, creo que llego a la improvisación tocando. En las innumerables horas de ensayos que tenía preparando conciertos, cuando tocaba en bandas de Rock, me di cuenta que en los momentos de descanso, en los intersticios, surLaCarne Magazine

gían músicas fragmentarias más interesantes, frescas y excitantes que el material ensayado. Tocábamos relajados y se abrían conexiones instrumentales curiosas, el concepto canción no nos cerraba ni conducía, se intuían posibilidades sonoras en nuestros instrumentos, etc. Lo desinhibido de esos momentos está asociado al juego, a la hibridación y a la mixtura de elementos no siempre musicales. Con el tiempo entendí que eso es experimentación. O, por lo menos, la experimentación que a mí me gusta. Paralelamente a la música, siempre he estado interesado en el vídeo. Esta disciplina, su manera de capturar la realidad y el trabajo de posproducción, parece alejada de cualquier concepto de improvisación. Pero justamente el aspecto que más me atrae del vídeo, y que aún sigue diferenciándolo del cine, es su inmediatez. Ese carácter impresionista es el que intento mantener cuando trabajo en vídeo y proviene directamente, como vasos comunicantes, de mi manera de tocar música o entender la música: toco con los instrumentos que tengo, valoro el azar e incorporo el error siempre que sea posible, intento no editar demasiado ni sobre-producir en exceso, la simplicidad me parece polisémica (evito el

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horror vacui), etc. ¿Qué actividades desarrollas como improvisador? Como improvisador estoy volcado en mi proyecto Primo Gabbiano, en el que desarrollo toda mi actividad musical. Es un proyecto muy amplio creado justamente para albergar esas experiencias sonoras que intento que interesen/me interesen. Como Primo Gabbiano sigo tocando siempre que puedo con otros músicos, con poetas y performers en pos de ese territorio que solo existe en la misma tensión de nuestras disciplinas. Una de las tareas más satisfactorias es la colaboración intensa con Visual Pal, la artista visual de Barcelona. Ella trabaja el video, a mi entender, de una manera única: mezcla y crea en directo imágenes con una marcada influencia del videoarte- ya clásico- e intenta huir de la abstracción generando una narrativa evocadora, líquida y siempre diferente. Explica historias pero de otra manera. El cómo enfocamos un directo y, por extensión, cómo trabajamos juntos, es un motor de pura creación. La improvisación es para nosotros una actitud. Desde hace dos años colaboro también con el grupo de arte contemporáneo Fame Chimica. Cuerpo, ruido e imágenes son los elementos

definitorios de este combo formado por artistas, diseñadores y curators. En otro orden de cosas, soy el co-director junto a Maria João Flôxo de EnAct, un festival de performance donde la improvisación es la esencia del mismo, Andròmina (desde la entidad que dirijo, Psonora, trabajamos manifestaciones contemporáneas en la periferia de la gran ciudad) y Cel·AV (una muestra intermitente de videoarte site-specific). ¿Cuál crees que es tu papel en la escena de la improvisación? La escena que conozco en Barcelona, más de público que como artista, me parece excelente. Me llegan noticias de Madrid y de otros lugares y son también buenas. Faltan espacios para tocar, quizá; falta público, presupongo, pero la oferta es buena y diversa. Mi papel en esta escena es sencillo: toco cuando puedo. Ya he comentado que no me siento un músico enteramente de improvisación, pero tampoco me siento un músico de noise y podría estar en esa escena, ni un performer, aunque actúo a menudo, ni solo un videoartista, etc. Esto no significa que me sienta desubicado sino que me gusta militar en diferentes espacios y tener perspectivas distintas. A parte de tocar, me gusta organizar conciertos y llevar músicos a mi programa de radio para charlar un rato y aprender de ellos. ¿Podrías explicar brevemente tu concepto musical? Creo que a lo largo de la entrevista se ha podido entender entrelíneas algo sobre mi concepto musical. Éste está ligado de manera intensa e indivisible al proceso creativo. Es una concepción que está en gerundio, siempre en movimiento y, espero, que creciendo. Considero que hago música experimental con una fuerte influencia de la electrónica primitiva, el noise, el drone, el ambient, etc. Pero esto sólo es una capa y no la más importante. Mi manera de entender la música está sujeta a mi manera de entender el arte, y por eso intento aplicar siempre una visión artística a lo que hago. Es por eso que no hago muchas distin-

ciones entre géneros, disciplinas y materiales. Si oigo un sonido concreto o una textura curiosa me interesa su “funcionalidad artística”, dónde y cómo puedo ubicarlos y tratarlos, fuera de su tipología musical o categoría armónica. La idea de juego-experimentación me habilita caminos para que pruebe y cree. Mi evidente falta de técnica musical, que antes me paraba, la suplo con deliciosas injerencias extra musicales. Las mezclas de disciplinas artísticas las entiendo como ingredientes necesarios para lo que ofrezco, a saber: la posibilidad de conexión, de sincronía en algún instante, de llegar con algún sonido o imagen a tocar al espectador (en un sentido barthesiano) y producirle extrañeza, desplazamiento. Apelar, en definitiva, a su curiosidad. Indica links, webs personales, grabaciones… En este vídeo podemos encontrar una sesión de improvisación con grandes músicos como Miquel Àngel Marín, Miquel Jordà, Juan Crek y Arín Dodó. Este disco es un disco grabado junto a Visual Pal. Una tarde cualquiera, con muy pocos elementos -una aplicación para móvil con sonidos de sintetizador, una radio, nuestras voces y nuestros pasos- nos entraron las ganas de improvisar y grabar. Un concierto en La morada Sónica en Almería. Un poema mío – Fuego- sobre él toqué, y monté un vídeo para darle una lectura cinematográfica. Una improvisación junto a Piròmona d’Argos en mi festival de performance EnAct. El blog de Primo Gabbiano, donde explico y detallo todos mis proyectos, colaboraciones y actualizo semanalmente mis conciertos. Fame Chimica, el grupo de perfomance donde colaboro. Y el festival de performance, EnAct, que codirijo. ¶ LaCarne Magazine

Arrecho

y su lucha musical en Venezuela LEER MÁS

Fotos por Cerebros Exprimidos

esde Venezuela nos llega la banda Arrecho, agrupación que hace una mezcla entre el Rock and Roll y otras sonoridades del Rock. Con muchos premios en su carrera, Arrecho ha sabido posicionarse en la escena de su país. Su guitarrista, vocalista y fundador, Franklin Zambrano, tuvo la gentileza de responder la entrevista para todos nuestros lectores de LaCarne Magazine.

Arrecho y su lucha musical en Venezuela

Hola, Franklin. Para dar inicio a la entrevista, quiero preguntarte sobre los orígenes de la banda, sobre la formación de Arrecho.

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Hacia 2010, mientras producía el programa “Malditos Hippies de Mierda” (música under de los 50, 60 y 70) para una radio por Internet, un importante grupo de amigos trataban de motivarme a que retomara una banda que había tenido su momento en los 90, BAPHOMETH. Ésta era una banda de Death/Thrash, pero no me interesaba volver sobre mis pasos y hacer un tipo de música con la que ya no podía expresarme. Así que en 2012 decidí volver a tocar en vivo, pero inspirado en la actitud y la música de aquel programa. Fue así como empecé a escribir algunos temas que, junto a dos amigos que creyeron en la propuesta, comenzamos a grabar a finales de ese año. Se dice que su sonido es una mezcla de Rock and Roll, Blues y Metal. ¿Bajo qué estilo definirían su música y qué influencias musicales siente que tienen? “Puro Maldito Rock´n´Roll”, eso es lo que tocamos. Efectivamente, el Blues es la base de todo lo que hacemos, pero no sólo como

mucho la sujeción del texto a las necesidades melódicas de la canción. El contenido gira en torno a una expresión sarcástica de lo social, sexual y etílico. La vida diaria, en resumidas cuentas. Aquí sí confieso que las canciones de los primeros discos de BARÓN ROJO y de Evaristo con GATILLAZO, son fuentes constantes de inspiración.

estructura sino como emoción. Es algo directo, sin pretensiones de virtuosismo. Por otra parte, todos crecimos escuchando y haciendo Metal, por lo que es inevitable que este estilo se sienta en nuestra interpretación. Aunque hay algunas influencias obvias (como las de TOM WAITS y HOWLING WOLF en mi forma de cantar), no nos inspiramos en un artista o estilo en particular, sino en la actitud y el espíritu del Rock pesado y psicodélico de finales de los 60 y principios de los 70. ¿Quiénes conforman la banda en la actualidad? Ian Olmedo, en la batería; Vladimir Dorante, al bajo; Raúl Colmenares, guitarras y Franklin Zambrano, guitarras y voz. ¿Quién escribió las líricas, de qué tratan, en qué se inspiran? ¿Principales influencias? Todas las letras las he escrito o adaptado yo. La razón es que necesito creer en lo que canto, identificarme con ello, aparte de que cuido

Su primer trabajo fue un EP llamado “Promo 2014”. ¿Qué nos puedes decir en relación a este primer trabajo? Sé que hubo un premio para este material. Desde mediados de 2013 hasta 2014 estuvimos lanzando sencillos para que el público y los medios nacionales supieran de qué iba lo que estábamos haciendo. En este último año decidimos sacar una versión en físico de los temas que habíamos editado con la idea de llegar a los medios que no nos habían prestado mucha atención. Pero la edición quedó tan bien presentada que decidimos ponerla en venta al público, y funcionó muy bien. Ganar ese reconocimiento en 2014 fue una sorpresa que nos mostró que habíamos escogido una manera correcta de promocionarnos y que debíamos seguir en ese camino. Hasta ahora ha funcionado. La banda ha estado nominada, y en varias ocasiones obtenido premios. Háblanos de estas nominaciones y premios alcanzados. Los Premios Melomaniac al Rock & Metal es un evento anual donde se reconocen los trabajos nacionales que, durante el año en curso, se han destacado. Es producido por el sello independiente Melomaniac Metalmedia, y lo más interesante es que los jurados cambian cada año, dándole mayor transparencia al proceso de selección. De las seis ediciones que tiene este espectáculo hemos estado nominados durante cinco años, y hemos ganado en cuatro. Este año obtuvimos nuevamente el premio a mejor Banda de Hard Rock y Heavy Metal. Anteriormente también se nos han otorgado los premios a Mejor Canción (Maldito Tú) y Mejor EP. Un licor de whiskey con el nombre de Arrecho. ¿Cómo se dio esto? Eso fue cuando editábamos el Promo-2014. LaCarne Magazine

Nos pareció una buena idea ponerle nuestra propia etiqueta al licor que bebíamos. En principio fue una broma, pero fue uno de los artículos que más vendimos en dos años. Cuando teníamos planeado acercarnos a los fabricantes del whiskey, las condiciones del país cambiaron, por lo que dejamos reposar la idea hasta un mejor momento. ¡Quién sabe, quizás así sepa mejor aún! Vamos al cine, hay una película uruguaya titulada “Peste en Tacua”. ¿Cuál es la relación que hay entre esta película y tu banda? Peste en Tacua es la segunda película producida por Jimena Crujeira y Fabricio Camargo (Impar Films), quienes producían una video-revista en Youtube llamada Metal Rem Pocket. Cuando conocí este programa les enviamos nuestro material y establecimos una relación muy activa, quizá porque los tres somos amantes del cine y compartimos esa manera de hacer las cosas que no se para ante riesgos. Así que esa actividad se vio materializada en el uso de algunos de nuestros temas en la banda sonora de Peste en Tacua (también ganadora de premios) de 2016 y en su tercera película, Tacuaremboense Inmortal, de 2017. En el 2015 sacaron el álbum “¡Rock´n´Roll!”. Hablando de esta producción, qué nos pueden comentar en relación a su proceso de grabación y edición. ¿Cómo ha sido el proceso de distribución y venta y qué tanto les ha abierto las puertas dentro y fuera de Venezuela el contar con un trabajo discográfico? La grabación de ese disco fue muy divertida, porque no se suponía que fuera un álbum sino una serie de sencillos. Grabamos todo en unas pocas sesiones, pero el proceso de mezcla y masterización se llevó su tiempo. Fue precisamente el editor de un medio español quien nos convenció de editar todo junto, y tenía razón. La versión digital en Bandcamp respeta la idea original de cuatro sencillos. El álbum en físico se ha movido muy bien en Venezuela, y le dio a la banda el espaldarazo que necesitaba. Fuera de Venezuela también ha sido bien recibido, pero la distribución en el exterior ha sido más bien limitada.

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“Maldito Tú” fue el EP del 2016. ¿Qué detalles técnicos nos pueden hacer saber en relación a este trabajo? Esta grabación se hizo con la sección rítmica en directo, lo que le dio una vitalidad distinta al trabajo anterior. Aquí incluimos una versión de Shylock, un tema de 1973, original de los australianos BUFFALO, que nos valió el agradecimiento de su vocalista, Dave Tice. También nos aventuramos con un tema más psicodélico, Frankgarden Blues, que es una improvisación de once minutos, y donde utilizamos el collage para mezclar dos versiones en vivo en postproducción. En la actualidad, Venezuela atraviesa por una situación algo difícil en el aspecto político y económico, y evidentemente el aspecto musical no escapa a esta situación. ¿Cómo ven la escena venezolana en relación a medios (radio, prensa, televisión)? ¿Creen que hay la suficiente cobertura, se da el espacio suficiente al Rock y al Metal? Ciertamente las condiciones ahora son difíciles, pero la atención de la radio, prensa y televisión tradicionales siempre ha sido escasa en el país. Aun así existe un número importante de medios alternativos (particularmente en la red) que se han mantenido abriendo espacios para este tipo de música, promocionándola y divulgándola en todo momento. ¿La actualidad del país ha afectado los planes de Arrecho? En caso afirmativo, ¿qué acciones realiza la banda para que estos posibles problemas no retrasen los objetivos que a corto plazo se han fijado? Sí, nos ha afectado sin lugar a dudas, pero cada revés nos ha dado la oportunidad de preparar algo mejor para la siguiente ocasión. Los objetivos a corto plazo los movemos de acuerdo a las circunstancias, los objetivos a largo plazo son los que mantenemos a la vista y los que nos permiten estar enfocados. De buena manera he leído la noticia que la banda está preparando un EP acústico, y que trabajan en las mezclas y videos del concierto “Ofensivo y Acústico”. ¿Qué detalles nos puedes dar sobre esto? ¿Este concierto saldrá como formato DVD? ¿Para cuándo estará

disponible? Efectivamente, el EP acústico La Gente Buena es ya una realidad en nuestra página de Bandcamp. Por distintas razones decidimos incluirlo como bonus tracks del disco “Ofensivo y Acústico”, que debería ver la luz en la primera mitad de 2018. Esto nos da la oportunidad de preparar una presentación más atractiva que la estándar que hubiésemos podido editar en este momento. También incluirá en DVD el video completo grabado en ese concierto. ¿Qué planes hay para este 2018 para Arrecho? ¿Alguna gira, conciertos, disco? Tenemos varias cosas entre manos. Las más inmediatas son tocar en los sitios de Venezuela donde no hemos podido ir, hacer una nueva presentación acústica con más temas, y entrar a grabar un disco eléctrico, totalmente nuevo, antes de mediados de año. También barajamos otras cosas más ambiciosas, pero preferi-

mos manejarlas de bajo perfil hasta que estén aseguradas. Bien, Franklin, esto es todo. Algo que quieras decir, pues adelante. En primer lugar debo decir que es un honor hacer esta entrevista. Lo agradecemos mucho, Omar. Lo segundo es que va nuestro reconocimiento a todos ustedes, quienes mantienen viva la información a través de los medios underground, pues sin el público y sin ustedes los músicos no tendríamos razón de ser. ¡Agradecido! ¶

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En Busca del Pasto pioneros en Improvisaciรณn Libre

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de niño. Pero nunca estudié música (hasta hace apenas 2 años que empecé a estudiar armonía).

ara mí, Jorge Ruiz Abánades, miembro de En Busca Del Pasto, es uno de los improvisadores más impredecibles que hay. Como él mismo dice en esta entrevista, “Él improvisa”. Cada vez que lo hace es completamente distinto. En Busca Del Pasto (EBDP), proyecto del que él forma parte, es un proyecto de estricta improvisación musical (subrayando el carácter de “estricta”), asumiendo desde un principio que se efectúa siempre desde la perspectiva del “juego”, enfrentándose al fenómeno artístico por su dimensión lúdica, quizá incluso terapéutica, y toda reflexión estética o filosófica ha venido después, como forma de conceptuar los juegos para ser comprendidos y mostrar su relevancia. Eso dicen ellos de sí mismos y de su concepto de improvisación. A Jorge y al resto de En Busca Del Pasto los conocí en 2010, y, siempre que me han invitado a participar en sus actividades, me he enfrentado con un universo particular y distinto a otros conceptos improvisatorios que he tenido la oportunidad de compartir. Me siento muy identificado con las opiniones de Jorge y la posición de En Busca Del Pasto en el mundo de la improvisación. Me gusta decir que Arín Dodó y En Busca Del Pasto son “primos hermanos” jajaja… Jorge es un artista “puro”, en el sentido más estricto y puro de la palabra. Esa es mi opinión, y aquí está su entrevista.

Jorge Ruiz Abánades y el proyecto musical En Busca del Pasto Cuéntame, cuál es tu procedencia musical y cómo llegaste a la improvisación libre. De siempre toqué percusión (yembé, darbuca, bongos, congas...), y también hubo siempre por casa una guitarra, flautas... Instrumentos corrientes con los que jugué y chapuceé des-

De joven, mucho parque del Retiro y esas cosas. Tenía en el instituto amigos que montaron sus grupos de música rock, grunge, punk (nunca me gustaron las etiquetas). Yo no formaba parte de ellos, pero iba a verles a los locales de ensayo. Yo esperaba el momento en que hacían pausas, y entonces me dejaban darle a todo. Normalmente a la batería o con la guitarra, pero la cosa era improvisar, sin rumbo, sólo para ocupar el tiempo de esos breves descansos. Ahí ya se perfilaba que la música era importante para mí, pero los procesos de composición y ensayos no iban conmigo: a mí me gustaba tocar, sin compromisos, sin responsabilidades, sin intereses más allá del hecho de tocar. Esto de la irresponsabilidad y el desinterés creo que es importante. Para mí la música es un puro juego. No había nada serio en el hecho de tocar porque sí. Ello está detrás de que nunca haya querido profesionalizar mi actividad musical o artística. Cuando alguien te paga por hacer algo, tienes que estar a su servicio: él espera algo y tú tienes que dárselo. Nunca quise atar aquello que más me gusta a esa responsabilidad tan fría. Si hoy no me apetece, no me apetece. Si ahora me apetece, me apetece. Que no dependa de nadie ni nada es mejor para todos. Lo que hago puede no gustarle a nadie, pero eso no importa en absoluto. Soy un defensor a ultranza del diletantismo. El caso es que a mí siempre me ha gustado la música, y tocar música, pero la disciplina del estudio y memorizar canciones nunca fue lo mío. Así que estaba destinado a la improvisación, está claro. Cuáles han sido tus influencias para que hayas llegado a crear tu propio lenguaje en la improvisación? En general, desde joven me van las cosas un poco raras. LaCarne Magazine

En cierto momento adquirí la sospecha de que si algo le gusta a mucha gente no puede ser demasiado bueno (la gente va a lo fácil, y lo bueno casi nunca es tan fácil). Quizá es porque desde joven leí a Nietzsche. De hecho, es muy posible que Nietzsche sea mi mayor influencia. Yo estudié y me doctoré en filosofía, pero no con un ideal científico ni académico, sino que pienso la filosofía como “arte de vivir”. Y Nietzsche siempre me enseñó que la gran obra de arte es la vida misma. Desde que empecé a improvisar con En Busca Del Pasto, el discurso vitalista e intempestivo de Nietzsche siempre ha estado ahí, empujándonos un poco más lejos cada vez. Para mí la libre improvisación es una representación fiel de ese “arte de vivir”: el espíritu de la búsqueda, mucho más que el del hallazgo. Experimentación a tiempo real. Riesgo y decisión. Autonomía y tolerancia. Flexibilidad. Inocencia. No hay error, aun cuando haya tropiezos. Nada es superfluo... La libre improvisación es un decir SÍ a todo lo que acontece. Es seguro que mi mayor influencia es Nietzsche. Pero si tengo que referirme a influencias musicales... A veces no es fácil distinguir las cosas que te gustan de las que realmente te han influido. Primero tendría que mencionar a Mr. Bungle, uno de los grupos de Mike Patton. Yo conocí su “Disco volante” allá por 1994, a través de un primo mayor (yo tenía solo 13 o 14 años): yo nunca había escuchado nada tan loco y al mismo tiempo tan bien hecho. Fue importante porque yo era un niño que venía de escuchar lo que ponían en la radio (qué se yo: Mecano, Radio Futura o Los hombres G, pongamos por caso). Mr. Bungle me abrió a un mundo totalmente diferente. Tuve mi época grunge de Nirvana, Mudhoney o Sonic Youth, en mi juventud más rebelde, y ese espíritu de rebeldía ha sido también importante y siempre estará un poco ahí (sin necesidad de tirar piedras o romper retrovisores).

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En Busca Del Pasto siempre ha tenido bastante de gamberrada. Y apreciar el ruido como música se lo debo a Sonic Youth, eso seguro. La influencia más directa a la hora de crear En Busca Del Pasto como grupo de improvisación fue CAN, el grupo alemán de los ‘70: los primeros discos del Pasto querían aproximarse a su onda del Rock Psicodélico Improvisado. También fueron importantes Einstürzende Neubauten, por ejemplo, por cómo hacían su música con todo tipo de objetos, materiales y herramientas; cosas muy rudas generando música incluso delicada. Por ello el Pasto enseguida amplió su repertorio de instrumentos hacia objetos de todo tipo. Hacia 2004-2005 descubrimos las huellas de Fred Frith y también de John Zorn. Ellos hicieron mella en En Busca Del Pasto, que empezó entonces a alejarse más claramente del Rock-raropsicodélico, para adentrarse en el mundo de la música abstracta. Los discos más duros de En Busca Del Pasto son de esa época. Desde el principio En Busca Del Pasto trabajaba en sus directos con vídeo o con la escenografía, pero en 2007 se convirtió más claramente en un proyecto de improvisación escénica, aun cuando mantuviera a la música siempre en el centro, casi como una excusa para jugar con todo lo demás (posiciones y poses sobre el escenario, los decorados, las luces, la sonoridad de la sala, el público y su distribución..., en fin, con todo lo que nos ha apetecido jugar improvisando). Figuras como Juan Hidalgo o el grupo ZAJ fueron para mí importantes en aquel “giro” hacia lo performativo... Supongo que podría decir muchos más nombres. También es seguro que otros miembros de En Busca Del Pasto pondrían otros tantos sobre la mesa... Lo cierto es que al final todo influye. En Busca del Pasto es uno de los grupos pioneros en la improvisación libre en Madrid. Habla de sus orígenes, de su trayectoria y de su concepto musical y performático.

El verano de 2003 me fui de viaje con unos cuantos amigos, una semana a los Pirineos, a una casa, y decidimos llevar algunos instrumentos. Pedro Pons ya estudiaba bajo por entonces y llevó su bajo eléctrico. Yo llevé un yembé y alguien llevó una guitarra y unas flautas. Al final mucho beber, mucho fumar y tocar poco, pero hubo un día especial en que Pedro y yo nos pusimos a tocar a cuatro manos una estufa de hierro que había en la casa. Una de nuestras amigas lo grabó en vídeo. Verlo luego la verdad que nos sorprendió. No es que sonara bien o mal, es que ahí estaba pasando algo. Estábamos súper concentrados, recorriendo caminos muy raros. Pero sobre todo había sido emocionante y divertido. Al volver del viaje Pedro y yo decidimos reunir a tres amigos más que tocaban música para montar un grupo de improvisación. No sé cómo fue, pero Pedro ya tenía en su mente el nombre perfecto para el grupo: En Busca Del Pasto.

Los amigos eran Diego Agulló (que había tocado la guitarra eléctrica en varios grupos con Pedro, y que por entonces estudiaba filosofía con nosotros en la UAM), Roberto Rodrigo (amigo mío vinculado a la música electrónica, y que tocaba teclados y usaba el ordenador), y Ricardo Sanz (amigo mío también desde la juventud, y que tocaba como yo percusiones, objetos y cacharrines). Nos reunimos un día en mi casa, en septiembre de 2003, con los instrumentos. La idea era tocar sin decir nada de antemano. Empezar en el silencio y terminar en el silencio. Eso fue todo. Decidimos grabar la sesión. Grabamos ocho temas de seguido, y casi sobre la marcha los reunimos bajo una portada y un título: “Pasto primero” (el disco se puede escuchar en la plataforma online de Jamendo), fue el primero de una serie que hoy tiene más de 50 discos. Pocos meses después de empezar se sumaron Pablo Delgado de Torres y Juan Morales, ambos amigos, Pablo con sintetizador y LaCarne Magazine

Juan metía sonidos y grabaciones desde CD y más tarde con el ordenador. Desde entonces hemos sido siete (aunque Diego se fuera a Berlín hace muchos años, y Roberto a Valencia... eso nunca fue un problema). En muchos conciertos y en muchas grabaciones hemos invitado a gente, claro, improvisar con desconocidos siempre está bien, y al final se vuelven conocidos y amigos. Qué te voy a contar, querido Arín Dodó, que no sepas, jejeje. Sobre la trayectoria de En Busca Del Pasto te he contado un poco antes lo esencial. Básicamente, creo que cada vez hemos ido haciendo nuestra improvisación libre más libre. En verdad es tan sencillo como ir dejando cada vez más parámetros al “azar” de la improvisación, y tratar de implicar cada vez más al contexto en el que todo sucede (el espacio y el público). Al principio cada uno tiene su instrumento y se limita a improvisar lo que suena, lo que hace con el instrumento. Más adelante empezamos a elegir improvisadamente y sobre la marcha

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los instrumentos. Siempre llevamos con nosotros un sin fin de instrumentos y juguetes, y las salas y teatros están llenas de cachivaches que nos gusta usar. Para mí es importante el reto de tocar en los directos aquello que nunca he tocado: realizar las primeras búsquedas allí, luchar contra los objetos o bailar con ellos (hay objetos más amables y agradecidos que otros). Improvisar nuestra posición en el escenario, nuestra pose, incluso nuestra vestimenta, haciéndolo todo sobre la marcha. Las cosas que hay sobre el escenario o en toda la sala. Dónde y cómo está el público, cómo ve y cómo oye, incluso cuándo empieza y termina el “concierto”... La utopía sería, claro, improvisarlo todo, liberarlo todo. Yo, por mi parte, en los últimos años he seguido la estrategia de crear, más que conciertos, situaciones. En esto Diego Agulló es un verdadero maestro. Al final, lo que es trabajar, hemos trabajado sobre todo en idear las condiciones para la improvisación, el tablero de juegos, por decir así.

Lo que luego acontezca allí es para mí mucho menos importante, porque ya no depende sólo de mí, sino de todo en su conjunto, y yo al final lo que voy a hacer es improvisar, así que no podría decir mucho acerca de ello. Yo realmente improviso. Sé que hay muchos improvisadores que en sus casas pasan horas sacando el jugo a sus instrumentos, y que luego en sus conciertos van sacando uno a uno todos sus recursos. Lo hacen improvisadamente porque tocan con otros músicos y se van escuchando y adaptando, van eligiendo en qué momento hacer esto o lo otro, pero casi siempre uno sabe que eso y lo otro ya lo ha hecho antes muchas veces, porque si no, no tendría tanto control sobre ello. Para mí, la experimentación, el riesgo y la improvisación son una y la misma cosa. Yo realmente improviso. Aprovecho lo que dura el concierto para hacer lo que no he hecho antes. Al principio no era así: tocábamos mucho en nuestro local de ensayos y luego íbamos al concierto con nuestros recursos. Poco a poco yo dejé de hacerlo. Como decía, ahora me preocupo más por plantear una situación determinada en la que la improvisación pueda correr por derroteros completamente inesperados. Seguimos anunciando los eventos como “conciertos” de En Busca Del Pasto, pero realmente son “desconciertos”. Si aquello no nos desconcierta, no es todo lo improvisado y libre que podría ser. Debo decir también que no todos los miembros del Pasto tienen la misma actitud respecto a todo esto. Pedro, Pablo, Juan, por ejemplo, son más músicos: suelen centrarse más en improvisar sobre sus instrumentos, creando un fondo de ambientación sonora. Para mí eso es perfecto porque me encanta lo que tocan. Yo entro y salgo de la música constantemente, según me da. Al final cada cual ocupa el lugar en que se siente más a gusto. ¿Cuál crees que es vuestro papel en la esce-

na de Improvisación libre? Sería 2006 cuando yo empecé a oír a hablar de la libre improvisación como una especie de género, de gente por ahí haciendo lo que hacía el Pasto (más o menos), y que en Madrid existía la Asociación Música Libre y, en fin, que no estábamos solos. He de decir que muy pronto me decepcionó ese contexto: demasiado “serio” para mí, música que quería pasar por “culta”. En general eran músicos muy profesionales y muy músicos que improvisaban muy muy bien. En cierto sentido, En Busca Del Pasto siempre fue una especie de ironía lanzada sobre la música culta y seria. Algunos músicos muy músicos se han sentido ofendidos en ocasiones por la música nomúsica del Pasto (así me lo han hecho saber, no me lo estoy inventando). Por eso En Busca Del Pasto sigue, de alguna manera, después de casi 15 años, fuera de todos los círculos “oficiales” de la improvisación. Y lo digo con cierto orgullo. En cualquier caso, desde 2007 En Busca Del Pasto empezó a convertirse en improvisación también escénica y performativa. Cada vez fue más claro que nuestro discurso no era el de los músicos, que lo nuestro era la nomúsica (algo no musical pero con la música siempre en el centro). No sé si hay uno, dos o tres géneros distintos dentro de lo que se llama “libre improvisación”. Sé que mi manera de entenderla y practicarla está en las antípodas de cómo otros la entienden y practican. No sabría decir si, entonces, pertenecemos o no al mismo género. Tampoco me gustaron nunca las etiquetas. Nunca me sentiré cómodo bajo ninguna. Lo suyo es que cada cual se siente agusto donde está. Yo me siento bien en cualquier parte, jeje. De todas formas, fue una suerte conocer en 2010 o 2011 al Trío Antimanierista (otro grupo madrileño legendario de improvisación, que por tomarse muy en serio el ser poco serios LaCarne Magazine

también se mantuvieron siempre fuera de los círculos oficiales), con quienes organizamos unos “Ciclos de Música Imprevista” en Madrid. Entonces empezó a aparecer, o yo empecé a conocer a más gente que improvisaba sin tantas pretensiones, otra línea paralela a la oficial, menos seria, más irónica, más abierta y más libre. Es una suerte que tú mismo, como Arín Dodó, estuvieras en los ciclos y nos conociéramos. Desde entonces no has parado de moverte y de mover a todo el mundo y, para mí, vuestro colectivo de Raras Músicas representa hoy en Madrid la improvisación libre que yo entiendo. No sé si hemos cumplido hasta el momento algún papel. Si lo hemos hecho ha sido sin querer. Pero está claro que nosotros hemos estado ahí, desde hace ya muchos años, creyendo en lo que hacíamos, que no era más que jugar. Mi ánimo a la hora de improvisar ante un público nunca fue agradarle, ni tampoco desagradarle. No es hacerle sentir esto o aquello (para eso existen otras músicas, y sentir, uno siempre siente algo), tampoco pretendo hacerle reflexionar sobre algo súper profundo e interesante (para eso mejor una buena charla filosófica). Mi ánimo siempre es “dar envidia”: hacer que el público quiera estar ahí y participar, provocar las ganas de probar cosas y jugar, y probar cosas y jugar, desenfadadamente, sin tanta seriedad ni tanta ceremonia como se le quiere dar a todo en el mundo del arte. Para seriedad y ceremonia, misa. Para mí, el arte tiene mucho más que ver con el juego. ¿Crees que la improvisación libre se puede catalogar como Género Musical autónomo e independiente de los demás? Supongo que sí, aunque, como te comentaba, creo que puede englobar muchas cosas muy diferentes, incluso demasiado diferentes. Al final un género no es más que una etiqueta. Es un instinto del ser humano formar agrupaciones y crear identidades colectivas. Nos gusta sentirnos identificados, acompañados.

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Al final, los primeros que hablan de este género son quienes pertenecen a él, quienes se sienten pertenecer a él. Y cuando unos cuantos sienten su pertenencia a un grupo, entonces el grupo existe. Tú me preguntas esto, y con tu pregunta ya le estás otorgando una existencia. Pero, al margen de ti y de mí, si buscas en la Wikipedia, verás que hay una entrada dedicada a la libre improvisación, en la que se dice que comenzó en los ‘60, a partir del free jazz y también de la música contemporánea (John Cage, Mauricio Kagel, etc.). Pero claro, por ahí rápidamente nos adentramos en los mundos de la música “culta”, que yo admiro, disfruto e incluso estudio, pero que no se corresponde con lo que yo hago, cómo lo hago y por qué lo hago. Claro que En Busca Del Pasto no podrá ser nunca catalogado más que como parte de ese género. Hacemos libre improvisación, existe una etiqueta de “libre improvisación”... ahí estamos

nosotros. No es que me sienta parte, la verdad. Pero reconozco que pertenezco a él (es como que sé que soy español, pero no me siento ni me dejo de sentir español).

del siglo XX se han encargado de mostrar el carácter “libre” de la música, que la música puede ser muchas cosas que hoy ni siquiera imaginamos.

Ya te digo, las etiquetas nunca me han gustado. Aún así, profundizando un poco, creo que la improvisación libre entraña una paradoja difícil de resolver. El concepto de “libertad” es muy peliagudo. Ser libre implica no reconocer límites determinantes. Si uno es libre no se le puede catalogar, porque es libre de dejar de ser lo que era, pues no era nada más que libre.

¿Dónde está el límite? Supongo que nuestro papel es imaginar nuevos límites. Al menos, no ponerlos nosotros mismos, ya que de todos modos están puestos. En el género reconocido como “libre improvisación” hay todavía muchos corsés.

Improvisar libremente implica demasiadas cosas. Ese género reconocido como “libre improvisación” quiere ser un género musical. Quienes lo practican, en general, son y quieren ser músicos. Pero la música, ¿qué es la música? ¿Dónde empieza y dónde acaba la música? Desde luego, en el siglo XIX tenían una idea muy distinta de lo que la música podía ser (el ruidismo, por ejemplo, nunca hubiera sido aceptado como música). Todas las vanguardias musicales

Los músicos tienen mucho respeto a la música. Pero “música” no es más que una etiqueta. Podemos hacer con ella lo que queramos. Yo respeto a todo el mundo, faltaría más, y respeto y admiro mucho a los músicos (a los de verdad, quiero decir, jeje) porque me encanta lo que hacen. Pero a la música, en sí misma... ningún respeto. ¶

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917 es una agrupación que nos llega desde Argentina, y que tiene muchos años de trayectoria, con sus altas y bajas, pero han sabido mantenerse y seguir adelante. Alejandro Sabransky, quien es fundador, compositor, guitarrista y vocalista de esta banda, nos responde la entrevista.

Entrevista a 1917 desde Argentina Bienvenidos a LaCarne Magazine! Agradecemos el haber aceptado esta entrevista. Y para comenzar, me gustaría hacerlo con la historia de tu banda ¿Cómo y cuándo surge 1917? ¡Salud, Omar! ¡Gracias a vos! Resumiendo, 1917 nace a mediados de 1994, ya desde un principio trabajando sólo en temas propios. La intención fue practicar Death Metal, pero dejando que surjan sin condicionamientos las influencias del Black y del Thrash Metal.

1917

En 1995 grabamos el primer demo, titulado “Bienvenido a la Nada”. Le siguieron los discos “Inti Huacay” (1998), “Genesis & Horror” (2002), “Visiones” (2004), “Neo-Ritual” (2005), “Vox Fatum” (2007), “Brutal Miserable Drama” (2010), “Inexorable” (2013) e “Implacable Utopia” (2016), varios de ellos reeditados tanto en CD como en tape. El proyecto tuvo varios cambios de alineación, incluso un extenso período en el cual quedé solo, pero creo que siempre se mantuvo la esencia musical y lírica que identifica a 1917. Quisiera que nos aclararas por qué 1917 como nombre para la banda. ¿Nos lo puedes explicar? Es la fecha de una escultura que inspiró una de mis primeras composiciones instrumentales, y que, una vez fundada la banda, pasó a formar parte del repertorio inicial. Tras algunas semanas de ensayos, una banda amiga vino a vernos a la sala y nos invitó a formar parte de un festival, pero nosotros aún no teníamos nombre. Nos pareció que 1917 iba a quedar diferente y personal. Creo que

su Metal argentino recorre el mundo 56 LaCarne Magazine

es una de las únicas decisiones referidas al proyecto de las que me arrepiento (risas). En un principio fue N.N. 1917, pero tras algunos meses quedó reducido a lo que es hoy. ¿Por quiénes está integrada la banda actualmente? Me acompañan Mario Mansilla en el bajo, tanto en conciertos como en estudio, y para los recitales y algunos proyectos que pronto verán la luz están también Javier Cufré en guitarra, y Javier Cuello en batería. Éste último, en calidad de músico de sesión. Han grabado un buen número de discos y canciones para compilados y Splits, pero quisiera centrarme en el primer álbum de la banda “Inti Huacay” y preguntarte, ¿cómo se dio la grabación de este álbum? ¿Qué tal su aceptación? Éramos realmente muy inexpertos por aquel entonces, y no teníamos contacto con la escena, ni siquiera un mediano conocimiento sobre la misma. Teníamos acceso limitado a material afín, así que literalmente tuvimos que hacer nuestro propio camino. Yo estaba realmente decidido a hacer cosas Foto por Martín Darksoul

concretas sin perder tiempo, así que cuando ya contábamos con algunas canciones redondeadas fuimos a un pequeño estudio de la zona a grabar algunas de ellas. En una disquería conseguí la dirección de una replicadora de CDs, y como yo tenía un empleo financié una tirada de discos. Con el material ya en mano empecé a escribir a cuanto contacto de banda, sello y zine pude conseguir. Así empezaron a surgir intercambios, las primeras entrevistas, y de repente el disco comenzó a circular en el circuito under de diversos países, y en un plazo inesperadamente breve se agotó. En el 2006 es publicado el álbum “Testimonial”, que recorre la carrera de la banda hasta esa fecha. Háblanos sobre este disco, temas, producción, repercusión en los medios… Ese compilatorio incluyó canciones de todos los discos hasta ese momento como bien decís, más material del demo remasterizado, y algunas rarezas inéditas hasta entonces. Fue una producción independiente como casi todo lo que 1917 ha publicado, y contó con la distribución oficial de algunos sellos amigos. Fue muy bienvenido por los seguidores de la banda, por cuanto ponía a su disposición cosas ya descatalogadas y algunas curiosidades. Actualmente está agotado, aunque revolviendo un poco se puede conseguir alguna que otra copia. En 2013 lanzaron el álbum “Inexorable”, y también se publican los discos “Actum Tempus I” y “Actum Tempus II”. ¿Cómo fue esa época para la banda? ¿Aún es posible conseguir ese material? En ese momento yo seguía solo en el proyecto (situación en la cual estaba desde fines de 2006), e “Inexorable” era el tercer álbum de 1917 que grababa sin otros músicos envueltos. En esos días uno de los sellos que se encargarían oficialmente de su distribución, DISEMBODIED RECORDS, me propuso reeditar los dos primeros álbumes de 1917, que estaban descatalogados desde hacía años. Aproveché la ocasión para expandirlos con mucho material de aquellas épocas, parte del cual permanecía inédito, y bajo los títulos “Actum Tempus I y II” fueron lanzados ambos en formato CD. Efectivamente, los tres títulos esLaCarne Magazine

tán disponibles aún. Sus inflencias claramente provienen de la escena del Metal extremo. ¿Cuáles han sido sus mayores inflencias para dar forma a la banda? ¿Qué han tomado de esas agrupaciones para adaptarlo a su propuesta? Las bandas que me llevaron a hacer esta música fueron DEATH y CARCASS principalmente. Pero apenas descubrí ese universo adquirí todo lo que estuvo a mi alcance, así que muchos otros grupos como son SADUS, ATHEIST, SEPTIC FLESH, MISANTHROPE y PESTILENCE ayudaron a definir mi identidad musical. Naturalmente quedó también la huella del Metal más tradicional con el cual crecí, como son IRON MAIDEN y KING DIAMOND. Muchos de sus discos han sido reeditados en México, ¿con qué disquera ha sido, y cómo se fijaron en 1917? Como te decía antes, mi forma de trabajar siendo músico independiente fue establecer contacto con la gente del under, gente que en general estaba en la misma sintonía. En determinado momento el material de 1917 comenzó a circular en otros países, y así surgieron los contactos que en algunas ocasiones derivaron en colaboraciones. En México fuimos reeditados por los sellos CONCRETO RECORDS y ATOLINGA RECORDS. Después de tantos años de la banda, ¿cómo defines la evolución musical, visual y artística del grupo? Creo que 1917 se ha mantenido fiel a sus raíces, ha evolucionado en lo musical por la sencilla razón de que la experiencia y las vivencias van sumando matices, pero el concepto básico sigue intacto tanto en el sonido como en el contenido lírico. Bien o mal, cada disco es la continuación de lo planteado por su predecesor. ¿Cuáles objetivos, de aquellos que sin dudas tenían en sus comienzos, pudieron concretar en los años que lleva de vida la banda? Francamente no teníamos objetivos a largo plazo cuando comenzamos. Soy el primer sorprendido de que el proyecto haya durado

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tantos años. Los objetivos fueron siempre inmediatos, como lanzar un disco o encarar determinados recitales. Creo que recién ahora estoy pensando a futuro, siempre me centré más en el material que tenía entre manos, en componer canciones y tratar de grabarlas. Todo se fue planteando y resolviendo de a una etapa por vez. ¿Cómo crees que ha cambiado la escena argentina desde que se formó 1917 hasta hoy en día? ¿Qué cambios has notado tanto buenos como malos? Creo que hay muchísima más diversidad y apertura de criterio, eso es indudable. Y prácticamente todo se ha hecho más rápido y accesible, desde conseguir lugares para tocar, hasta grabar y publicar. También creo que la calidad en general ha subido mucho, seguramente producto de la facilidad con la cual se puede acceder a material de todo el mundo y de todos los estilos imaginables, y tener así referencias claras y variadas. También proliferaron mucho los medios virtuales, con los cuales la difusión es más abierta e inmediata. Como cosas negativas creo que se perdió en gran medida el zine en papel, y tal vez lo más perjudicial sea que, justamente al ser tan fácil acceder a la música, se la aprecia menos y se la disfruta con menos profundidad. La banda estuvo varios años sin presentarse en vivo. ¿A qué se debió ese parón? ¿No consideran que esto limita un poco que más audiencia se acerque y conozca a 1917? Admito que no soy muy amigo de tocar en vivo, y las primeras formaciones de 1917 compartieron ese sentimiento. Así y todo realizamos algunos conciertos durante varios años, hasta que mis compañeros abandonaron el proyecto y quedé solo, limitado a escribir y grabar. Sin dudas, la escasa actividad en vivo repercute de forma negativa en la carrera de una banda, pero mi prioridad no es llevar adelante un grupo exitoso, sino tener la oportunidad de expresarme a través de la música. Busco tocar en vivo cuando lo siento, y ahora justamente estoy atravesando por una etapa así, y con mis compañeros actuales ya llevamos un par de años brindando conciertos nuevamente. LaCarne Magazine

1917 es una banda que ha participado en muchos álbumes homenajes. ¿Podrías comentarnos sobre esto, a quiénes le han hecho covers? 1917 ha participado en los álbumes homenaje a SLAYER y a CARCASS, ambos merced de sendas invitaciones de quienes los idearon. Y tuve el gusto de organizar junto a un sello amigo un disco homenaje a DEATH, conmemorando uno de los aniversarios de la muerte de su creador. Obviamente participé con un cover también. Nos gustaría conocer su impresión de cada uno de sus discos, tanto en las letras como en la composición musical. ”Inti Huacay” fue crudeza y aprendizaje, un primer paso importante no sólo por lo que obviamente significa el debut discográfico, sino porque 1917 ya tenía su estilo musical y lírico definido y el álbum lo demuestra. “Génesis & Horror” mostró crecimiento. Estoy muy orgulloso de ese disco y debo decir que aún hoy la mayoría de los seguidores de la banda lo considera uno de los mejores. “Vision” logró sonar más sólido, y también más rabioso. “Neo-Ritual” se inclinó levemente hacia un costado más melódico, se usaron más armonizaciones e incluso alguna pizca de Doom Metal y Metal tradicional. “Vox Fatum” y “Brutal Miserable Drama” son más oscuros, más violentos si se quiere, y definitivamente más complejos que sus predecesores. “Inexorable” e “Implacable Utopía” muestran leves cambios en la lírica, que es un poco más ecléctica de lo usual. También en lo musical se pueden apreciar algunas variaciones con pasajes y estructuras que no había explorado mucho previamente. En este momento están en la labor de promoción de “Implacable Utopía”. ¿Cómo han sentido la respuesta del público frente a la presentación en vivo de sus nuevos temas? Arrancamos las presentaciones con el tema que abre el disco, creo que logra un buen efecto ya que es bastante intenso además de ser la novedad. Es el único tema que representa a “Implacable...” en los conciertos, ya que solemos repasar toda la discografía, y eso

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ya conforma un set completo. ¿Qué respuesta han tenido en Argentina y en el exterior con el disco? El disco tiene buena aceptación y logró excelentes críticas en los medios especializados de varios países. Incluso han funcionado muy bien las remeras oficiales del álbum, que es algo que no se había hecho con ninguno de los anteriores. Hay un box-set que recoge toda la discografía de la banda ¿Cuántas copias están disponibles de este material y en dónde se encuentra disponibles para que el público pueda adquirir este material de lujo? Se trató de una edición limitada a 100 unidades, y debo decir que la demanda fue inesperadamente buena, pues hasta donde sé casi la totalidad de la producción se vendió durante las primeras semanas. Si es que todavía quedan copias disponibles, el contacto es DISEMBODIED RECORDS, responsable de la edición. ¿Qué planes hay para 1917 en este 2018? Estamos ultimando detalles para el lanzamiento de un DVD, y en algún momento del año tal vez publicaría el noveno álbum del proyecto. También tenemos pensado hacer algunas fechas conmemorando los 20 años del disco debut, durante las cuales tocaremos “Inti Huacay” completo. Bien, eso sería todo. Gracias por darnos la oportunidad de conocer más acerca de su banda. Por favor, ¿podrías entregar algunas palabras finales a nuestros lectores? Gracias a vos por el espacio y el interés. Les mando un gran saludo a los lectores, a quienes invito a escribir ya sea para conseguir material como para simplemente establecer contacto. ¡¡¡Perseverancia, Honestidad y Aguante!!! ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

ndomables cuentan en su haber con cincos discos musicales y con el mérito de haber creado el Himno Oficial del Bilbao Basket, que lleva por título “Bilbao Encesta”. Además, fueron reconocidos como Mejor banda de Hard Rock (2013) de los premios Musikazoka. Sobre estos dos méritos y otros aspectos relacionados con Indomables, banda de Hard Rock de Bilbao, conversé con Jabi Vilumbrales, bajista de esta potente banda. ¡Hola, chicos! ¿Cómo están? ¿Cómo se encuentra la banda? Saludos. Actualmente nos encontramos en un gran momento de inspiración en Indomables, y estamos trabajando en lo que será nuestro próximo álbum. Aún nos encontramos en el tramo compositivo, pero como te digo, todo marcha estupendamente. Hablemos sobre los orígenes de la banda. ¿Cuándo y dónde nace la banda? Indomables se forma a finales de los 90, en la margen izquierda de Bilbao (Santurce, Portugalete), al disolverse Ayre, y el único miembro que se mantiene desde entonces es Iñaki (vocalista). ¿Quiénes son los miembros actuales y de dónde proceden? La formación actual está compuesta por: Iñaki Prieto, voz y armónicas, procedente de Ayre; Jaime Tejedor, guitarra y voces, antes en Contracorriente; Jabi Vilumbrales, bajo, exWidia, Eterna, Vanishine; Roberto Orruño, batería, ex-Juicio Final, The Name, Electric Funeral; Yñigo Díaz de la Campa, guitarra y voces, Ready Aimfire. ¿Cuáles dirían que han sido las principales influencias de la banda? Pues te diría que la banda bebe principalmente de los sonidos hard rockeros 70, 80, mezclado con el southern rock más genuino. Bandas como AC/DC, Deep Purple, Whitesnake,

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Indomable

Hard Rock reivindicativ Lynyrd Skynyrd, etc… Dos años han pasado desde que salió su último disco titulado “La hora de despertar”. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? El disco se grabó en los estudios Rocksound con Carlos Creator, al igual que los tres anteriores, entre los meses de marzo y abril de 2015. La verdad que Carlos nos tiene cogido el sonido y es una gozada trabajar con él. En esta ocasión decidimos como novedad para Indo-

mables incorporar dos voces femeninas en un par de temas (Estimillan y Eva Merlo) en los temas Ya no queda nada, que es una adaptación del tema Pink Houses de John Mellencamp y la balada Sigue igual. ¿Cuántos temas trae y sobre qué van los mismos? El disco consta de 10 temas. Nunca hemos sido amigos de discos muy largos, y preferimos centrarnos en temas directos con estribillos fáciles para que puedan enganchar a la primera y acompañarnos a corearlos en direc-

to. Te diría que Indomables somos una banda muy reivindicativa, y no nos gusta andarnos con medias tintas. El título en sí ya es una declaración de intenciones animando a salir de nuestro letargo, y recuperando las calles que siempre fueron nuestras. El disco arranca con: Los clavos de mi ataúd, que fue el primer tema compuesto para el disco y está dedicada a todos los que nos querían enterrar antes de tiempo. El resto del disLaCarne Magazine

co está basado en batallas personales, luchas laborales y algún escarceo amoroso.

do varios medios interesándose por la banda, y se agradece mucho.

¿Cómo fue recibido este trabajo tanto por el público como por la prensa especializada? De cara a la respuesta popular fue muy bien recibido, y para nuestra sorpresa, tal y como está hoy en día el mundo musical, conseguimos amortizar el préstamo en año y medio. Ten en cuenta que pese a llevar varios años dando guerra y tener cinco discos publicados, somos una banda totalmente desconocida fuera de nuestras fronteras.

¿Dónde está disponible el disco? El disco, al igual que los anteriores, se puede conseguir a través de nuestra web, en el facebook de la banda o en nuestros conciertos.

La prensa musical, pues hemos intentado contactar principalmente nosotros con todos los que hemos podido, siempre teniendo en cuenta que el presupuesto que disponíamos era muy escaso. Somos una banda autogestionada y ni tenemos manager ni distribuidora. Por suerte, hemos tenido una muy buena actividad de directo, pero que te quita tiempo de otras labores promocionales. También es cierto que ha habi-

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¿Cómo se sintieron una vez tuvieron el disco terminado? Pues con unas ganas enormes de recorrernos toda la península para poder presentarlo a todo el mundo, y conocer a cientos de amigos que adquirieron el disco por correo y agradecérselo personalmente. Una cosa que me llamó la atención sobre ustedes es que son los autores oficiales de “Bilbao Encesta”, el himno oficial del Bilbao Basket. ¿Cómo nació la idea de crear este himno? ¿Fue encargado por alguien? ¿Cuánto representó para la banda? Uno de los directivos del club nos contactó. Nos comentó que les gustaría tener un himno rockero como los grandes equipos de básquet

trece años de mala suerte”. Cambiando un poco. ¿Cómo es asistir a una presentación de Indomables? ¿Qué les dirían a aquellos que nunca han visto la banda y quisieran que fueran a verlos? Una cosa tienes que tener clara: a un concierto de Indomables se viene a eso, a ser Indomable. Gritar, saltar, beber y cantar. Pura diversión. Te puedo asegurar que nadie que venga a vernos, ya sea en un bar, una sala o un gran escenario, va a poder estar quieto cuando le penetre nuestro veneno. Nos ha tocado lidiar en festivales junto a bandas de todo tipo, power, black, modern, y pensar que allí no pintábamos nada. Salir a escena y hacer saltar hasta al de sonido. ¿En qué planes se encuentra enfrascada la banda en estos momentos? ¿Planes futuros? Como ya te he comentado al principio, ahora mismo hemos cesado la actividad de directo dentro de nuestro territorio para centrarnos en la composición del próximo disco. americanos. Y fue ponerse manos a la obra. Le presentamos la maqueta, le gustó la idea y entramos a grabarlo con nuestro eterno Carlos Creator. Sinceramente para la banda, además de un orgullo, poco más representó. Mucha gente sabemos que les gusta, pero no demasiados saben a quién pertenece. Mantener la esperanza que una temporada de el bombazo el equipo y nos contacten para celebrarlo. En el 2013 fueron galardonados como Mejor Banda de Hard Rock en los premios Musikazoka. ¿Cómo se sintieron al saber la noticia? ¿Representó esto una nueva etapa para la banda? Pues sinceramente es un reconocimiento que te ilusiona. Ver que se valora tu trabajo entre compañeros, medios y público. Además fue en un momento donde la banda arrancaba de un parón y con renovada formación. Poco tiempo después, publicaríamos nuestro trabajo recopilatorio “Mi sombra, la muerte y

No obstante, somos conscientes que tenemos cinco trabajos poco conocidos por el resto del estado, y si sale cualquier cosa interesante estamos encantados de preparar maletas y arrancar donde haga falta. Bueno, chicos, esto es todo. Agradecerles por su tiempo y les deseo mucha suerte y éxitos. Les cedo espacio para que transmitan un mensaje a nuestros lectores. Pues lo que siempre digo. Muchas gracias a vosotros y a toda la gente que de un modo u otro ha seguido y sigue a la banda. Apoyad a vuestras bandas locales, que es muy probable que entre todas ellas esté el relevo generacional tan ansiado. Los grandes tuvieron su momento, ahora es el nuestro. ¶

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Predicador

y su Heavy Metal ochentero

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on el tradicional Heavy Metal, Predicador llegan predicando su estilo con mucha escenografía y ambiente que te harán recordar los años 80’s del pasado siglo.

Predicador es una banda española que ha apostado por lo que hace. Aquí les dejo esta entrevista respondida por uno de sus integrantes, Jaime García. Saludos, y comencemos con la entrevista. Según entiendo, la inquietud de armar la banda es por allá por el 2011. ¿Qué nos puedes contar acerca de los inicios de la banda? Saludos, Omar! Sí, así es. Predicador surge al componer el tema “Como el Amanecer”, que habla de una experiencia personal, y de la necesidad de hacer que este tema viese la luz tras un tiempo alejado de la música. La idea era sólo grabar este tema, pero al reunirnos en el local y ver que estábamos perfectamente fusionados, decidimos seguir con esto adelante y darle un toque que se había perdido en los últimos años en el Heavy Metal, el rollo “Shock Metal” que practicaban WASP, Alice Cooper, King Diamond, Lyzzi Borden…, y con esta premisa fuimos componiendo más temas, y tras varios parones, subidas y bajadas, cambios de formación, llegamos a lo que es Predicador hoy. Al mencionar el nombre de la banda, pareciera ser que se está hablando de una clara predica, un sermón. ¿Esto es así o el nombre significa otra cosa en especial? Efectivamente, Predicador es una crítica a esos Predicadores televisivos que vemos que llevan su supuesta fe a algo meramente espectacular, haciendo de lo excesivo una manera de tratar de conseguir adeptos a su fe. En esa coctelera también están los comics de Predicador, o el papel que hace Clint Eastwood en El Jinete Pálido. Predicador coge esos ingredientes, y a modo de crítica y mezclado con Heavy Metal de raíz clásica, trata de conseguir adeptos al Metal, ofreciendo un espectáculo visual en cada concierto. Es un predicador sí, pero de otro tipo de fe, y con otra parafernalia. Ustedes hacen un Heavy Metal, pero con mar-

cada influencia de años atrás. Todos los componentes de Predicador somos amantes del Heavy Metal que se hacía en los 80, y bebemos de esas fuentes. Además de echar de menos en la escena actual, haciendo este tipo de Metal, como ya te he dicho antes, lo escénico, el convertir cada concierto en un espectáculo, algo que se acuñó en los años 80, la época dorada del Heavy Metal mundial. Otra cosa que llama la atención es su proyección escénica. Explícanos esto, ¿cómo es un concierto de Predicador, qué se lleva el espectador luego de un show de la banda? En efecto, Predicador tiene, a parte de la música, un gran componente escénico, y nos gusta que la gente que acude a nuestros conciertos se involucre en el espectáculo. Nos gusta hacerles partícipes de todo lo que rodea a Predicador, que es lo que nosotros, como fans del Heavy Metal, echábamos de menos en los shows que se hacen hoy en día. En un directo de Predicador es muy posible que acabes bañado en sangre, perseguido por zombies y santificado por el Oscuro Dios del Heavy Metal, hermano. Durante el 2016 graban su primer álbum, “Grave Metallum”. Cuéntanos un poco sobre este trabajo, cómo fue su aceptación, cómo se distribuyó… En “Grave Metallum” teníamos que incluir todo lo que Predicador tenía compuesto desde sus inicios, así como los temas de nueva composición que hemos estado ofreciendo al público en nuestros directos desde que se formó la banda. Por eso el disco consta de una especie de dos partes: la primera son todos los temas que nunca habían sido grabados, tanto antiguos como de nuevo cuño; y la segunda parte, que hemos denominado bonus tracks, que son temas que ya grabamos anteriormente para los recopilatorios Iberia Metálica 1 y 2, más una versión en inglés del tema Deja al Lobo Cazar, incluido en la primera parte del disco. La aceptación del disco ha sido muy buena, y la verdad es que la venta de copias ha ido LaCarne Magazine

bastante bien para los oscuros tiempos que vivimos para el Heavy Metal aquí en España. El disco se editó bajo los sellos Iberia Metálica y Metal Crusaders, que nos dieron una absoluta libertad en, por ejemplo, el diseño del libreto, en el cual queríamos incluir esa parte de espectacularidad escénica que no se ve en el disco. Iberia Metálica es un sello que desde los mismos inicios los ha apoyado en compilatorios y ahora con el álbum debut. ¿Qué beneficios les aporta este sello? Iberia Metálica se ha volcado con nosotros desde el principio, y ha apostado por nosotros en un momento en el que nadie apuesta nada por nadie, y menos en este turbio mundo de la música, así que lo único que tenemos son palabras de agradecimiento al sello, como pasa también con Metal Crusaders. Creo que ese beneficio, hoy en día, nos es más que suficiente. Me imagino que con este sello han tenido la oportunidad de expandir su música por toda la península española. ¿Ha sido así? ¿A qué otros países han llegado? Nos consta que en América Latina hay gente que nos sigue y han publicado entrevistas y críticas de Grave Metallum, también hemos enviado alguna copia a Norteamérica y a algunos países europeos. Eso sí, siempre dentro de nuestro “rollo under”. Lo bueno que tienen los seguidores del Heavy Metal es que, aparte de ser un público muy fiel, es un público al que le gusta bucear en los trabajos de los grupos menos conocidos, y siempre tiene sed de música y de saber sobre el género que les gusta, y eso es un gran punto a favor de todas las bandas humildes que practicamos Heavy Metal. Toda banda, en su mayoría, siempre sufre cambios de alineación. ¿Ha sucedido esto con Predicador? ¿Quiénes integran la banda hoy? ¿Algunos de sus integrantes está inmerso en algún otro proyecto o dedican tiempo completo a Predicador? Predicador somos Miguel Martín a las guita-

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rras, el cual comparte labores pero al bajo con nuestros hermanos, los inmensos Agresiva. Miguel Ferrero al bajo, que comparte también labores con nuestros otros hermanos, Ariete. Nuestro jefe de escena y actor, que se encarga de que todo salga perfecto en los shows, Alberto Cea “Yayo”, que además se encarga de más cosas en el seno de la banda, que ayudan a Predicador a moverse dentro de la escena. Y quien gozosamente contesta a esta entrevista, yo, Jaime García, que dedico mi 100% a Predicador. La banda la empezamos el guitarrista Carlos

cional. De momento queremos crecer como banda y como músicos, lo demás, si ha de ser, será, pero todo a su tiempo. Y hablando de temas, ¿sus letras de qué tratan, cuál es la temática lírica? Los temas que aborda Predicador están abiertos siempre a varias interpretaciones y son de lo más variados, pero siempre con un barniz de terror clásico, que es de lo que está impregnada la esencia de Predicador. ¿Qué importancia le asignan a la vestimenta, el performance…, con respecto a la música? Mucha. Predicador tiene un gran componente de imagen, de ambientación, sobre todo en los directos, y eso es algo que cuidamos en cada directo. Lleva mucho trabajo detrás y mucha gente implicada, desde quienes nos ayudan con todo el atrezo, haciendo todo a mano y con muy buen gusto (Tere y Luiso), Rocío (Rocky) y Pinche, nuestros actores. Toda la ambientación está basada en la temática de cada tema, con la imagen del Predicador de fondo, así que es una parte fundamental y muy cuidada en Predicador.

Santos y yo, junto a Carlos Sancho a la batería y Alfonso Cifo al bajo, pero desde entonces hasta hoy han ido pasando miembros, que siguen siendo buenos amigos, y a fecha de hoy, el único que queda de la primera formación soy yo. Sus temas son en español, ¿no crees que esto los limita un poco a su proyección internacional? Eso es algo que jode un poco, jajajaja, porque, sabiendo que un porcentaje muy alto de la población mundial habla español, no entiendo que el lema sea “speak english or die”, pero sí, la verdad es que estamos cómodos componiendo en la lengua de Cervantes, y no nos preocupa demasiado esa proyección interna-

¿Cuál es su principal meta como banda? En general, ¿cómo ves el futuro de Predicador? Evidentemente, nuestra meta es llegar a cuanta más gente mejor y que nuestra música sea conocida y valorada, así como nuestro modo de ver la música en directo, y sobre todo que nuestros directos se llenen de gente, como pasaba antaño, para sentir el calor y el ambiente que se está perdiendo dentro de nuestro género. El futuro es incierto, hermano…, pero el Predicador seguirá repartiendo su oscuro amor entre todo aquel que quiera sentir su ponzoñoso abrazo. Me imagino que ya deben de tener nuevo material para un próximo disco. ¿Siguen la misma línea musical que los anteriores o hay una evolución respecto a la temática lírica y musical? LaCarne Magazine

En efecto, tenemos ya preparados los temas de nuestro “Segundo Advenimiento”, jajajajajaja algunos totalmente acabados y algunos que estamos montando, pero material suficiente para un segundo disco, y con muchas ganas de llevarlo a cabo. De hecho, estamos ahora mismo inmersos en la preproducción de los temas, de cara al estudio, para el disco. La composición de la mayoría de los temas, la estamos llevando a cabo entre Miguel Martín y yo, él compone toda la música en base a mis letras y a mis melodías vocales, y al revés. Y, además, para este siguiente disco, Miguel Ferrero también ha compuesto un tema, en el que estamos trabajando. La línea sigue siendo la misma, Heavy Metal tradicional, aunque con toques en cada uno de los temas de nuestras influencias dentro del Metal, de modo que creemos que va hacer un disco variado, pero dentro de nuestra línea. Y en cuanto a temática, ésta va a estar más centrada en el terror, en los clásicos del terror de todos los tiempos, e incluso tenemos un tema homenajeando a Gustavo Adolfo Bécquer (el escritor romántico español por excelencia), en el que narramos la historia de “El Monte de las Ánimas”. Pero sí, como ves, todo va a girar en torno al terror clásico, que tantas buenas horas nos ha dado de lectura o de pantalla. Bien, muchas gracias por su tiempo. Si quieres agregar algo más para los lectores de LaCarne Magazine, aquí tienes el espacio. Pues, en primer lugar, daros las gracias a ti, Omar, y a LaCarne Magazine por vuestro tiempo y por realizarnos esta interesante entrevista, y por la labor que hacéis de expandir la música a las masas. También quiero dar las gracias a los lectores que se molestan en leer estas líneas. Para saber más, y además para más información sobre la banda, buscadnos en Facebook, Twitter, Instagram, o en nuestro canal de YouTube, y si queréis haceros con una copia de “Grave Metallum”, mandadnos un mail a predicadormetalband@gmail.com y os decimos cómo hacerlo! Y, por último, invitaros a que veáis un directo de Predicador, y a que os paséis por algunas de las fechas que tenemos inminentemente, entre febrero y marzo, junto con Agresiva en nuestra pequeña gira “Metallum Ritual”, en las que estaremos descargando por la geografía española. ¡Y recordad… El Predicador os ama…, amad al Predicador! ¶

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MĂ S INFO LaCarne Magazine

Kartzarot

y su singular Rock en euskera LEER MÁS

“

Arima ez da Galtzen” se titula el más reciente disco de Kartzarot, una singular banda de Rock originaria de España.

Lo peculiar de este nuevo trabajo musical de Kartzarot es que todas sus canciones están escritas en euskera, un idioma que pocas bandas se atreven a emplear para sus discos. Por tal motivo decidí contactar con Kartzarot, y he aquí el resultado. Una extensa e interesante entrevista hecha a la vez con sus cinco miembros, en la que nos cuentan desde sus inicios, etapa de separación y reunificación, hasta sus proyectos más actuales y otras cuestiones bastantes interesantes. ¡Hola, chicos! ¿Cómo estáis? ¿Cómo se encuentra la salud de la banda? Asier: Pues la banda (risas) está con los achaques propios de una banda amateur con

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miembros que rondamos los 50. Hay, afortunadamente, y como comentaremos más adelante, sangre nueva y más joven, pero que a su vez están envueltos en más proyectos que les resta energía para Kartzarot. Txetxi: Efectivamente la banda va, pero a un paso quizá demasiado lento estos últimos meses. Las respectivas vidas de cada uno de los miembros hacen complicado dedicarle el tiempo que cualquier proyecto musical requiere. Aún así, Rober y Javi siguen tirando del carro todo lo que pueden y trabajando, muchas veces por el resto, en continuar componiendo nuevos temas y apretarnos las tuercas. Tengo entendido que la banda nace en el año 1989 y 10 años después se separaron, volviendo a reunirse en 2013. ¿A qué se debió la separación de la banda y la espera para volver a unirse como grupo? Asier: El primero en dejar la banda fui yo. Teníamos unos 30 años y empezábamos a desarrollar nuestras respectivas carreras profesionales. No fuimos capaces de pasar de ser una banda amateur. Tuvimos alguna oportunidad,

pero requería un compromiso que yo no estaba seguro de querer asumir. Acababa de ser padre, y eso también influyó en mi decisión. Diferentes circunstancias y coincidencias nos llevaron a reunirnos, y en 2013 aquella carrera profesional que empezaba 20 años antes estaba más o menos asentada y los hijos ya volaban casi solos. Podíamos dedicar de nuevo a Kartzarot la energía que a nuestro modo de ver requiere. ¿Quiénes son los miembros actuales de la banda y de dónde proceden? Rober: Javi y Rober guitarras, junto a Asier a la voz, son el núcleo original de la banda. La savia nueva la componen Txetxi al bajo y Cobelo a la batería, músicos experimentados en proyectos de diversos estilos, aportando un valioso plus de calidad. ¿Cuáles dirían que han sido sus principales influencias como banda? Rober: Las guitarras combinan fuentes del Heavy británico y del Hard Rock americano. A esto le unimos una voz más setentera e influida por los Purple y derivados. Y por último, añadimos una base rítmica más moderna y progresiva, dando lugar a un sonido rejuvenecido de los añejos Kartzarot. ¿Cómo definirían su estilo musical? Asier: Una de las cosas que más me gusta que nos digan es que somos perfectamente reconocibles. Que hemos creado, no tanto como un estilo, pero sí una forma muy personal de combinar las guitarras limpias con la distorsión, frecuentes cambios de ritmo… Para no andarnos con rodeos y de manera más sencilla, diría que hacemos Heavy Metal de los 80, con voz de los 70, y cantado en una lengua cuyos orígenes son un misterio. Ahí es nada. Txetxi: Es verdad que yo, que entré a formar parte de la banda en esta última etapa, al escuchar a Kartzarot no sé encasillarlo o definirlo como alguna otra banda que se le parezca. A lo mejor es que soy más joven y los

clásicos del Metal me quedan un poco lejos (risas). Cuando escuché los temas antiguos por primera vez me venían a la cabeza pequeños toques de muchas cosas, y un sonido de guitarras muy particular. Las influencias de Rober y Javi a la hora de desarrollar los temas son notorias, incluso se puede llegar a saber de quién es en base cada canción ya que cada uno viene de escuelas diferentes, pero cuando se juntan los dos a concretar y trabajar las canciones estas vertientes se acaban juntando y nace el estilo personal de la banda. Al entrar Cobelo y yo mismo en la banda, a esa base clásica de la que parten las composiciones se añade un toque más moderno y agresivo. Y eso se nota sobre todo en la batería – y eso que en el disco Cobelo se contuvo bastante a la hora de grabar. En directo la batería tiene mucha más presencia -. Y luego está la voz de Asier, que no es precisamente el estándar que cabría esperar para ese Heavy Metal tan de los ochenta. El punto y final que marca la diferencia. Si te sirve como anécdota de lo difícil que resulta ubicarnos, en el estudio de grabación, el técnico que nos grabó nos comentó que cuando empezamos cada uno a grabar no tenía ni idea de en qué iban a acabar las canciones. Palabras textuales: “Con otras bandas, según empiezan a grabar batería, bajo y alguna guitarra ya sé más o menos por dónde van los temas y cuál va a ser el resultado de lo que están haciendo, pero con vosotros hasta que no ha llegado Asier y ha empezado a cantar no tenía ni idea de qué iba nada. Primero la batería con cambios de velocidad, luego el bajo y la guitarra haciendo cosas raras. No me imaginaba cómo podía seguir. Eso sí, al llegar la parte de Asier y escuchar el conjunto: temazos”. Así es el estilo Kartzarot. Cobelo: Como seguidor de Kartzarot en mi adolescencia, mucho antes de formar parte de la banda, puedo decir que lo habitual entre mi LaCarne Magazine

entorno de amiguetes del barrio era encuadrar al grupo en el estilo de bandas como Queensryche o Fates Warning, es decir, lo que hoy en día se considera “Metal Progresivo de primera generación”. Por otra parte, coincido en que somos una banda difícil de encuadrar por motivos de “roster”: por norma general, las roles suelen estar bastante definidos en las bandas convencionales, no sólo en comportamiento sobre el escenario si no también en lo relativo a ejecución. En Kartzarot eso no es así. Las bandas de Metal Clásico en las que el vocalista canta con voz de hombre y no de castrati, en las que el bajista es el miembro técnicamente más brillante, en las que los guitarristas voluntariamente se orientan más al feeling y al buen gusto que a aburrir a las vacas con 70.000 notas por segundo, y en las que el baterista ejerce de segundo frontman en lugar de estar escondido atrás, pues, sinceramente, son minoría. Y todos ellos son rasgos distintivos nuestros. Hablemos sobre el más reciente disco de Kartzarot titulado “Arima ez da Galtzen”. ¿Cómo fue el proceso de edición y grabación? Txetxi: El disco lo grabamos en los estudios Sound of Apocalypse entre enero y marzo de 2015 a las órdenes de Eder Maseda, que nos hizo todo el trabajo de grabación. La mezcla y masterización las llevó a cabo Alex de Benito. La producción como tal, en lo referente al sonido y las canciones, fue cosa exclusiva de la banda. Teníamos muy claro cómo tenía que quedar el disco y, aunque pueda sonar mal decirlo así, no dejamos que nadie le metiese mano para cambiarlo. La elección del estudio fue otro proceso largo y discutido (como todo en la banda XD) ya que todos queríamos sonar bien, pero sin sacrificar el sonido que Javi y Rober llevan años sacando de sus guitarras. Yo, personalmente, siempre pongo mucho hincapié en la voz. Me preocupa que ésta suene definida e integrada, así que me puse a escu-

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char discos y maquetas grabados en diferentes estudios de la zona, y la verdad es que el que más me gustó en lo referente al tratamiento de la voz fue el de Alex. Las baterías se grabaron previamente en los estudios Grabasonic, lo que dificultó el proceso de edición y mezcla, pero por otro lado fue el detonante de que nos metiésemos al estudio el resto. Si no hubiese sido por eso a lo mejor todavía no tendríamos el disco publicado (risas). Cobelo: Lo que teníamos claro es que, a pesar de que tuvimos la opción de grabar en los estudios de una importante discográfica vasca especializada en Folk y Pop, la intención inequívoca desde un principio era hacerlo con alguien especializado en Metal. Eso era algo prioritario. Y a ese respecto, queda bastante claro que el hecho de haber confiado en Alex y Eder fue un acierto total. Por otro lado, como bien comenta Txetxi, y antes siquiera de haber meditado nada como banda en lo referente al estudio, tomé personalmente la decisión de entrar a grabar las

baterías en los estudios Grabasonic de mi amigo Iván Cormen (Baterista de El Reno Renardo) con el fin de agarrar el toro por los cuernos y vernos en la obligación de meternos presión. No cabe duda, como igualmente bien comenta Txetxi, que combinar material de dos estudios distintos es un engorro y no se trata de la mejor praxis posible. Y más teniendo en cuenta que hablamos de las pistas de un kit de batería acústico en una época en la que el 90% de los discos llevan baterías programadas. Pero bueno, el resultado es satisfactorio, con lo cual hay que estar contentos. ¿Cuántas canciones trae? Txetxi: El disco nos quedó en siete temas, poco menos de 40 minutos de duración, y contiene temas antiguos de los 90, que ya estaban totalmente compuestos y se tocaban en directo por aquella época, algún tema posterior a la salida de Asier de la banda a los que se les ha dado una actualización, y otros temas totalmente nuevos. La idea primigenia del disco era precisamente

dejar registrados los temas que la banda tenía pendientes, pero como nos sabía a poco, queriendo aprovechar la ocasión al máximo se decidió invertir unas cuantas horas en el local, y completar un disco a medio camino entre el LP y el EP. Si algo nos han criticado del álbum es su corta duración, pero decidimos que era preferible ofrecer siete buenas canciones que un disco más largo pero con temas de relleno. Además, hoy día se lleva más el formato EP que los discos largos, que nadie parece tener tiempo de escuchar en su totalidad. Cobelo: En efecto, el presentar siete temas es algo “peculiar” en el sentido que se sale de la norma, pero debemos recordar que estamos en la segunda década del siglo XXI, de modo que, bajo mi humilde opinión, va siendo hora de que nos vayamos quitando de la cabeza el concepto de Long Play. Es más, personalmente definiría las copias físicas (dando igual el formato) como algo anacrónico en un tiempo en que las plataformas tipo Itunes se están empezando a quedar atrás, y la gente consume música directamente en YouTube o redes sociales. Si a eso le sumamos el nuevo auge del vinilo en formato corto o EP, queda claro que, en semejante contexto, el hecho de que una banda saque un trabajo con dos canciones o con veintinueve es algo irrelevante. ¿Sobre qué van las mismas? Txetxi: Pues la temática de las mismas es variada pero siempre intentando aprovechar el altavoz que ofrece la música para reflejar en ellas y hacer partícipe al público de nuestras inquietudes, la crítica y las causas que nos parecen dignas de defender. “Patakon”, es un homenaje a la leyenda de un personaje local, J. Antonio Madariaga, al que llamaban Patakon, del que se dice que robaba a los ricos para ayudar a las viudas. Una especie de Robin Hood vizcaíno al margen de la ley.

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“Indartsuen erosotasuna” (La comodidad de los poderosos), es una canción de hace años. Habla de la lamentable situación que se vivía en el país en lo referente a la falta de trabajo juvenil y la mala situación económica. Entonces era un tema de actualidad y tristemente no ha habido necesidad de modificar la letra porque a día de hoy la situación, veinte años después, es la misma. “Stop Kaleratzeak” (Stop Desahucios) habla de otra de las consecuencias de la crisis actual: esas familias a las que los bancos han quitado la vivienda dejándolas en la calle y con una inmensa deuda pendiente de por vida por no poder afrontar el pago de la hipoteca, consecuencia a su vez de perder el empleo. Surgió una plataforma ciudadana con ese nombre para ayudar a los afectados y evitar los abusos, y desde aquí les damos el apoyo que creemos se merecen. “Ume Gaixoak” (Pobres Críos) es otro tema de los 90. En él se afrontan las consecuencias que los conflictos armados tienen sobre los más vulnerables: los niños. Esta lacra también sigue vigente por desgracia y de actualidad. Para la versión grabada sólo se cambiaron los lugares en los que la guerra era un asunto mediático hace 20 años por los que lo son ahora, pese a que aquellos todavía no se han acabado. “Sehaska Kanta” (Canción de Cuna) es un tema en el que se aborda la paternidad desde el punto de vista de la responsabilidad en la educación de los hijos, y las consecuencias que a futuro esa huella dejada pueda tener en la honestidad y justicia humana que éstos decidan adoptar. Es el tema que a casi todos los componentes de la banda nos retrata en cierto modo, y nos sitúa como miembros de una generación que va camino de dejar paso a la siguiente. Otros dirán que nos hace viejos (risas). “Zazpiak bateginik (Volviendo a juntar las 7)” enfoca el tema del conflicto identitario del País Vasco en referencia al estado español desde

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el punto de vista de todas las divisiones que se dan entre frentes y sectores que jamás se ponen de acuerdo para intentar conseguir un supuesto fin común. Otra letra de las viejas que el tiempo no ha hecho necesidad de modificar porque parece que todo sigue igual. Y por último, “Zure deia watsapean” (Tu llamada en el whatsapp) esconde, tras una aparente historia de amor reencontrado, las sensaciones que el propio grupo ha vivido con su reunión tras tantos años separados. Es un homenaje a la propia banda y a esa alma que no se pierde. En cierta ocasión nos comentaron que quizás se trate de la primera canción compuesta que habla del whatsapp (risas). Conscientes de que el idioma puede ser un impedimento para muchos a la hora de entender el significado de cada tema, Kartzarot decidimos incluir en el libreto las letras tanto en el euskera original como en castellano. ¿Algún video oficial? Txetxi: Oficial oficial no se puede decir que sean (risas), pero sí que hicimos unos vídeos para colocar en Internet. Un par de ellos aprovechando imágenes de un concierto del que teníamos grabaciones de varias cámaras. Concretamente de los temas Patakon y Ume Gaixoak. Y otro con el último tema, Zure Deia Watsapean, en el que se incluían imágenes de la grabación del disco. Todos hechos por la banda y con el escaso material y medios técnicos con los que contábamos. La verdad es que no nos planteamos en su momento grabar un vídeo serio para promocionar el álbum. Tal vez para el próximo. No hace falta recordar que estos vídeos y alguno más de actuaciones en directo se pueden encontrar en Youtube. Cobelo: Dados los medios, se podría decir que grabar un videoclip es algo improcedente en el caso de Kartzarot. Hoy en día es fácil obtener un resultado ultra profesional y satisfactorio si el objetivo es realizar el mismo videoclip que otras 8000 bandas, es decir,

ondeando las melenas frente al ventilador, poniendo cara de ser los más duros del barrio, y con un par de chavalas bailando en el fondo. Sin embargo, por las particularidades de nuestro estilo más “adulto”, Kartzarot no podemos hacer un videoclip de ese tipo, porque, siendo sinceros, no nos pegaría para nada, lo cual es un hándicap: Tendríamos que hacer algo que requiriese una mayor inversión por el hecho de vernos obligados a salirnos de la norma y los estándares metaleros. Y dicho esto, podríamos ponernos a ello, pero probablemente los costes se nos disparasen al intentar hacer algo profesional y que se ajustase a nuestra música en términos de originalidad. Y cambiando el punto de vista, como bien dicen Asier y Txetxi al inicio de la entrevista, no estamos como para “gastar balas” creativas en algo que no sea el proceso compositivo. ¿Cómo ha sido todo lo relacionado con la promoción del disco? ¿Contaron con la ayuda de

algún sello musical o fue todo de manera independiente? Txetxi: Si de algo podemos estar orgullosos para lo bueno y para lo malo es de que Kartzarot nos hemos ocupado de todo el proceso del disco desde el principio hasta el final. A nivel de promoción nos realizaron una oferta para grabar, editar y promocionar el disco por parte de una compañía de bastante repercusión en nuestro territorio a nivel regional, pero al final lo que suponía era atenerse a sus condiciones a la hora de sonar de una manera que seguramente no fuese cien por cien satisfactoria para la banda, de grabar en un estudio determinado, establecer un precio concreto para el CD y de tocar en lugares en los que tampoco íbamos a estar cómodos. Y con unos gastos finales mayores. Pese a saber que únicamente con nuestros medios no podíamos conseguir la repercusión ni los conciertos que nos prometían, decidimos hacerlo todo pero sin tener que responder ante nadie. LaCarne Magazine

Una vez editado el disco sí que lo intentamos mover a través de alguna distribuidora, pero todas nos respondieron negativamente. “Lo siento, no es nuestro estilo”, decían. Pero, ¿cuál es el estilo Kartzarot? (risas). Cobelo: Hay una cosa que hay que tener clara: Un disco no es un producto, sino un currículum, o mejor dicho, como el book fotográfico de un actor. Y a su vez, es un recuerdo para disfrute personal. La función práctica de un disco es tener una muestra de tu trabajo

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la cual poder enseñar con el objeto de hacer conciertos, no que se venda. Y en el caso de lo que nos ofrecía la discográfica, esto chocaba frontalmente con la otra función de una grabación, que es poder escucharla y sentirte satisfecho. En definitiva, que entre promoción por un lado y la posibilidad de estar orgullosos del disco cuando se lo enseñemos a nuestros nietos por otro, se podría decir que elegimos la segunda opción. ¿Cómo ha sido recibido este disco tanto por

el público como por la prensa especializada? Asier: Nuestro público lo recibió en un principio como una sorpresa inesperada. Con un poco de añoranza y como quien iba a encontrar sensaciones que pensaban olvidadas para siempre. Les apetecía revolver los recuerdos de tiempos pasados. Sin embargo, el producto ha sorprendido por fresco, aunque dentro del estilo del que hablaba antes. Digno, compacto y potente. Una mezcla de perplejidad y de “No esperábamos menos de vosotros”. Toda la prensa, sin excepción, ha criticado positivamente este trabajo, lo que, como puedes comprender, nos enorgullece muchísimo. Txetxi: Sí, el viejo seguidor de la banda se ha deshecho en elogios, pero también ha gustado a gente nueva que no nos conocía y que se ha sorprendido con que en estos tiempos alguien se atreva con estos sonidos tan de entonces y de ahora a la vez. Lo importante es que para nosotros mismos este disco ha sido una sorpresa y una satisfacción. Nos ha permitido tocar con gente magnífica, conocer a un montón de personas de una grandísima calidad, salir a tocar fuera de nuestro entorno y de disfrutar juntos como cuando teníamos 20 años menos y, no menos importante, recuperar lo invertido para soñar con grabar otro próximo trabajo. Cobelo: Estoy muy satisfecho por lo siguiente: Soy bastante escéptico, y tanto las buenas críticas en prensa especializada como la opinión de los aficionados al Rock/Metal clásico son algo que, personalmente, no me valen. Por lo parcial, no me resulta una fuente de valoración fiable, así de claro. A mí lo que me interesa es, por poner un par de ejemplos al azar, saber lo que piensan del disco tanto el público del Metal Extremo y cosas más agresivas, como los típicos “compañeros del trabajo” que escuchan Los 40 Principales y M80. Y por el momento, el feedback que me ha llegado del “público profano”, tanto de un lado como del otro, es muy positivo. De modo que repito: Tremendamente satisfecho.

De este disco me llamaron la atención dos cosas. Lo primero fue el diseño del mismo (portada, libreto, galleta). ¿Por qué usar elementos relacionados con pinturas prehistóricas? Asier: Es una de las tantas ideas que barajamos. Cuando Txetxi trajo la idea de las manos de las pinturas prehistóricas, además de que ya no las protegía ningún derecho de autor, nos pareció acorde a las bromas sobre nuestra edad. Nos recordaban, además al público en los conciertos, tenían muchas connotaciones positivas. Txetxi: Lo de las pinturas fue una cosa totalmente casual. Asier vino un día con la idea clara del título para el disco pero la portada estaba en una fase de discusión eterna de la que no se sacaba ninguna conclusión. En esos días se dio la casualidad de que, desde diferentes medios, me llegaron varias noticias, artículos y efemérides que hacían referencia al arte rupestre. La que más me impresionó fue una noticia en la que se comentaba como en una cueva de Cantabria, al norte de la península, en la cueva del Castillo se había encontrado de casualidad, como suelen darse los mejores hallazgos, la huella dactilar de uno de esos artistas prehistóricos en una de sus pinturas. La primera huella atribuible a un ser humano artista, chamán, guía espiritual o lo que quiera que fuese. Eso me llevó a vincular esa huella que no se pierde con el alma que no se pierde de la que hablaba Asier y de ahí a querer unir el arte rupestre a Kartzarot. Tras buscar imágenes de lobos pintadas en cuevas, ya que el lobo es la imagen de la banda (Carcharoth es un lobo, personaje de la obra de Tolkien, El Silmarillion) y no encontrar ninguna, falseé ésta integrándola en diferentes pinturas de las más populares y reconocidas haciendo referencia a ese espíritu que tras años apagado volvió a resurgir con la reunificación de la banda. Eso y la edad de algunos, claro (risas). ¿Alguna relación con las canciones del disco? LaCarne Magazine

Asier: No. Ninguna. De hecho, paseando por el monte en esa época encontré un tronco podrido en el suelo, pero con la madera del corazón intacta. “el alma nunca se pierde”, pensé. Como nuestro espíritu metalero. Como las canciones que estábamos grabando, y que (algunas de ellas) se mantenían vigentes en música y en letra a pesar de los 20 años que llevaban acumulando polvo. Y lo fotografié como opción para la portada. De ahí el título. Otro guiño a nosotros mismos.

Metal es algo tan estandarizado y dogmático, y con un público potencial que demanda cosas nuevas, es algo a tener en cuenta. Y como segundo punto, y basándome en mi experiencia girando por toda la península con la orquesta de verbenas en la que también toco, me ha quedado claro que el público tiene un concepto muy alto de los músicos de Rock vascos, tanto desde el punto de vista técnico como, especialmente, la capacidad de “hacer sonar” las cosas.

Lo segundo es que todas las canciones así como los títulos de las mismas están en euskera. ¿Por qué decidieron cantar en un idioma tan complicado como el euskera y no en español o en inglés como acostumbran a hacer las bandas de Rock de España? Asier: Porque a estas alturas no aspiramos más que a estar satisfechos del trabajo hecho. Y porque consideramos importante aportar cada granito de arena en las causas en las que cada uno creemos. Y, ya que tenemos un micrófono, decidimos apoyar el idioma de esta tierra que nos vio crecer, y que tan necesitado de energía está, tras tantos años de opresión y de intentos de que desapareciera. Casi lo consiguen. Y aquí estamos. Recuperando el terreno perdido.

Si unimos ambos conceptos nos encontramos ante un boceto de la situación actual en que el Euskera, del mismo modo que es un factor negativo en Euskadi, puede ser un punto a favor entre el público rockero/metalero estatal que quiere salirse de lo convencional.

Cobelo: No era lo que Kartzarot buscábamos ni mucho menos pero, por extraño que pueda sonar, creo que ahora mismo el Euskera tiene más salida a nivel estatal que en Euskadi, me explico: Por una parte, el Rock, tanto en Euskera como en otros idiomas, está bastante mal visto entre el público vascoparlante underground, que prefiere otro tipo de géneros como el Ska, el Reggae, el Hip Hop o los ritmos latinos, todo ello cantado en castellano.

Cobelo: Retomando la posición de “fan” durante los 90´s y no de miembro de la banda, opino que Kartzarot es un grupo que surgió demasiado pronto, se separó en el momento en que el contexto era el ideal, y se ha reunido demasiado tarde.

Y con Rock me refiero a todo el espectro que va desde el Pop al Death extremo, para que nos entendamos. Repito, por extraño que pueda parecer. Por otro lado, y de cara al público nacional, en primer lugar el Euskera tiene un punto de exotismo que se sale de lo mainstream. En un momento como el actual, en el que el

80 LaCarne Magazine

Volviendo a la banda. ¿Cómo recuerdan sus inicios como grupo? ¿Les fue muy difícil abrirse paso dentro de la amplia escena del rock en España? Asier: Tan difícil que 25 años después seguimos intentándolo. (Risas) Nos faltó un clic. Creemos que estuvimos a punto de coger la ola buena. De todas formas, como te decía antes, no sé si queríamos asumir esa responsabilidad. No sé si queríamos esa forma de vida.

Bajo mi criterio, creo que los 2000´s, con el auge a nivel mundial del Hard Rock de bandas como Gotthard o Europe “2.0”, hubiera sido el momento en que Kartzarot podría haber pegado el pelotazo padre tanto a nivel local como estatal. Pero bueno, todo no puede ser… ¿En qué planes actuales se encuentra enfrascada la banda? Asier: Como decía Joaquín Sabina, mis musas se han hecho viejas, y cada vez me cuesta más escribir unas letras y sacar unas melodías con la calidad mínima que siempre me

impongo. Aquel bolo de 5 temas de marzo de 2013 era el plan. Nos llevó a otro bolo en septiembre del mismo año, lo que hizo que compusiéramos y grabáramos este disco. Nunca sabemos lo que hay detrás de la siguiente curva. Ni siquiera sabemos si llegaremos a ella. Y esa incertidumbre también mola. Cada riff nuevo que sale es un regalo que mimamos con mucho cariño. Txetxi: Oficialmente podríamos decir que estamos en fase de querer grabar un nuevo disco. Extraoficialmente me atrevería a decir que bastante nos cuesta mantenernos vivos como banda. Al final esto es una afición, de las buenas, pero afición ante todo. Eso supone que la vida personal se imponga a la banda y resulta complicado sacar el tiempo necesario para disfrutar e invertir en condiciones en ella. Rober y Javi siguen dando la cara y peleando por el proyecto, pero otros vamos un poco a la zaga siendo en ocasiones más lastre que acicate. Y no sé cuánto se puede aguantar a este ritmo. Tenemos temas, tenemos financiación, pero en mi caso me falta tiempo y energía. Necesito que me pongan una fecha inamovible para obligarme a grabar y entonces, todo recto hacia adelante (risas). Javi: Poco más se puede decir, tanto Rober como yo seguimos trabajando los temas con

la misma ilusión que en los inicios, mimando las guitarras y dando otra vuelta de tuerca si cabe, para terminar fusionándolas y conseguir esos matices que no se dejan pasar por alto. Hacemos un gran equipo los cinco y lo deseado es que este 2018 vea la luz nuestro trabajo. Bueno chicos, creo que esto es todo. Agradecerles por su tiempo y les deseo mucha suerte. Asier: Sólo podemos agradeceros a ti y a tus lectores por dedicar unos minutos a interesarse por bandas auténticas y absolutamente underground, sin mayor importancia que la de haber coexistido con vosotros en este fugaz mundo, nosotros haciendo música mientras algunos lectores manejan camiones, cocinan, sueldan, barren, dan clases de matemáticas o lo que cada cual aporte. ¿Es curioso, no? Abrazos para todos. Txetxi: Muchas gracias a todos los que hacen posible que medios como el tuyo puedan dar voz a personas como nosotros, tras bandas tan humildes y escondidas como Kartzarot. Y a ti por tu tiempo e interés. Rober: Añadir que quien desee una copia del CD puede contactar con la banda en el e-mail soykartzarot@yahoo.es o a través de nuestro Facebook. En Bilbao, se puede adquirir en las tiendas Harmony Rock y Brixton Denda. Saludos! ¶

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