LaCarne Magazine n29 by LaCarne Magazine

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Nº29 - Septiembre 2014 - AÑO 4

MARCANDO EL CAMINO INVESTIGACION de ronda - kandinsky - el inicio del funky

ENTREVISTAS dj swet - plank - kilmara - lorena moreno - bassago - ultima frontera - kompadres muertos - handful of rain blue chicken - lulabay

EXPERIENCIAS solo no puedes, con amigos si - skaynet ¿te has sentido un bicho raro? primavera sound

RESEÑAS

moontrap - niÑo indigo - el gran quelonio estirga - bernie marsden - dragonforce

SUMARIO

Nº 29 aÑo 4 (sep 2014)

Revista digital de actualidad musical hecha por músicos y expertos (entrevistas, tutoriales, investigación, reseñas, opinión...)

04 CON FLOW

42 The blue submarine

08 a examen Plank Vs Kilmara

46 SINESTESIA Sonido, color, sentimiento: Kandinsky

10 CARNICERIA SANZOT

48 LA VENTANA NACIONAL

16 antes del concierto Skaynet

52 SALA DE CONCIERTOS Primavera Sound 2014

18 MUNDO DJ Lorena Moreno, Dj Chart, Bassago

54 JAZZ

24 mozart no pensaria esto Cap. 14: ¿Alguna vez te has sentido un bicho raro?

56 parquesonoro

Dj Swet

Solo no puedes, con amigos sí

26 MUSICA VIVA De ronda

Kompadres Muertos

Handful of Rain, Blue Chicken

Volver al pasado: el inicio del Funky Lulabay

60 EL GRAMOFONO Moontrap, Niño Índigo, El Gran Quelonio, Estirga, Bernie Marsden, DragonForce

30 artista del mes ÚLTIMA FRONTERA, marcando el camino

Equipo lacarne magazine Directora y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y redacción Pedro Gallardo

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

Colaboradores

Sebastián Díaz, Porras, Alonso Torres, J. G. Entonado, Alex Janßen, Oscar Trigoso, Marta Lozano, Manu Herrera, Carlos Rubio, Paquita García, Ferry Ms, J Palomo, La Culpa, Enrique Falcó, Lorenzo Sanz

www.lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

por Ferry MS

Dj Swet Uno de los pilares básicos del Hip Hop, indudablemente, se haya en las instrumentales y en los beatmakers que las realizan. Este mes he tenido el placer de hablar con Dj Swet, uno de los dj más importantes de nuestro país. Nos presenta su nuevo trabajo, Agoraphobia 2.0, lleno de colaboraciones y buenos ritmos, formando un álbum muy recomendable para todo aquel amante del turntablism. Agoraphobia 2.0 es un trabajo muy elaborado y muy preciso. ¿Cómo te decides a editar un disco rapeado de la primera versión de Agoraphobia? Después de lanzar la versión original del proyecto “Agoraphobia”, y al ser un proyecto no muy convencional, decidí hacer la segunda parte con mc’s (Agoraphobia 2.0), para así poder llegar con mi música a más oyentes, ya que el rap tiene más peso que el scratch en España a nivel de público. La decisión fue esa, poder divulgar la música hecha con scratch “Turntablism” a otro nivel.

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Desde luego, ha quedado un trabajo bastante oscuro y conceptual ¿Tuviste referencias para conseguir esa atmósfera durante todo el tracklist? ¿De dónde viene esta Agoraphobia? Mis referencias han sido músicos italianos de los 70´s. Por lo general, artistas que realizan bandas sonoras de películas de miedo (terror italiano). Quizá por esa razón tiene ese toque oscuro, atmósferas de tensión y melancolía. Me encanta la música oscura, melancólica, sucia, psicodélica, síntesis… que hace imaginarme situaciones, lugares, películas… Y así he podido crear mi mundo, Agoraphobia. Agoraphobia 2.0 cuenta con muchas colaboraciones de grandes mc´s de nuestro país. ¿Cómo ha sido el proceso para elegir estas colaboraciones y las grabaciones de éstas? Pues fue un trabajo de estudiar a cada mc e intentar conocer e interpretar los códigos, formas, estructuras, musicalidad, técnica, etc... Es un tanto difícil amoldarse a estos ritmos, ya que no son los convencionales creados por una maquina que están perfectamente ejecutados. Estos son imperfectos, y las cadencias cambian cada cuatro compases, hay que amoldarse al ritmo, formar parte de la música. Así que después del estudio de oír, supe qué ritmo era para cada mc, así fue la selección. La gran parte de las grabaciones han sido en Dry Sound por Malputo Dest, el trak de El Titó se grabó en Dirty Lab por Sirocco Dues, la de Elphomega por Narco en Diamond Studio, el de Jihad fue grabado en San Diego (California, USA) por Dj Ruthless, el de Erik Urano por K en algún lugar del espacio exterior, el de Capaz por Jorge Gascón en Showtime Studio y el de Rxnde Akozta por el Socio en La fabricATK. Desde aquí les doy las gracias a todas estas personas por hacerlo posible. ¿Cómo está funcionando el disco? ¿Cuál ha sido la aceptación del público? Pues desde mi humilde visión lo veo mejor de lo que esperaba. Mi pretensión era difundir el Turntablism a todos los niveles y parece que la gente lo ha entendido y acogido. Creo que ha sido un punto de retorno al volver a echar la vista atrás y darle importancia al dj, o mejor dicho, no quitársela. La verdad es que estoy contentísimo. Estás acompañando los temas de este trabajo con videoclips ¿Crees que es importante la parte visual hoy en día a la hora de presentar los proyectos? Es importante pero no es esencial, lo primero es la música. En mi caso, ha sido circunstancial el hacer los videos. Conocí a Nacho y Álvaro (El Chico de los Recados) y han ido surgiendo. El video con Dano y Xpósito surgió porque traje a Dano a grabar el tema a Barcelona, y como Nacho y Álvaro vivían en esa época por la ciudad condal, lo hicimos. El de Erik Urano, ellos me buscaron una fecha para hacer una sesión en Salamanca, y como Valladolid está cerca, pues quedamos con Erik y lo hicimos, y así todos… Hacíamos por coincidir en la ciudad que fuese para hacerlos, pero el hilo conductor que nos juntaba ha sido la música, por sesiones, conciertos, visitas a otros artistas, etc… Que un dj edite un álbum como Agoraphobia 2.0 no es algo común, al menos en el panorama actual. ¿Cómo ves la situación del dj en estos tiempos? En cuanto a editar el trabajo ha sido por principios básicos. Yo empecé a escuchar música porque la tenía mi padre en casa o la compraba yo cuando era un poco más mayor. Ahora mucho público, la mayoría, la consume directamente de internet y todo lo hacen por internet, la promo de sus trabajos, ligar, ver películas, diggear, etc… así que no consumen lo que está al alcance de sus manos, sino lo que ven a través de su pantalla y su teclado. Es un circulo que no sale LaCarne Magazine

por Ferry MS de internet, porque lo han vivido así siempre. Yo lo edité por eso mismo, porque me gusta tocar, encender el equipo y poner el disco, es todo un ritual. La situación del dj la veo bien en cuanto a nivel y mal en cuanto a trabajos porque no los hay, básicamente, y si los hay, escasos. ¿Cuáles son los planes de futuro para Dj Swet tras el lanzamiento de este disco? Pues ahora mismo, después de cerca del año de sacarlo, y de hacer algunos videos (aún quedan algunos más por salir) y directos, mi plan, a corto plazo, porque no me gusta imaginarme lo que haré a largo plazo, es marcharme un tiempo a Sudamérica con Lírico y ShoHai a hacer unas cuantas fechas a finales de año, preparar el directo del “Respect Da Architechs”, que se hará el 4 de Octubre, y tengo un pequeño proyecto a medias con tres fotógrafos de distintos puntos de España: Madrid, Extremadura y Tenerife…, y hasta ahí puedo leer. En definitiva, seguir haciendo y divulgando mi música, el Turntablism.

https://www.facebook.com/pages/Dj-Swet/190038692115 https://www.youtube.com/user/DjSwetLive http://djswet.bandcamp.com https://soundcloud.com/djswet

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

Nombre y sitio en el grupo

Pablo Tamayo, voz

Grupo

PLANK - www.facebook.com/PlankHardRock

Años desde el primer concierto?

El primer concierto con PLANK fue el 5 de Mayo de 2012. El primer concierto que di fue en un ya lejano verano del 2001.

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Nervios, creo que siempre se han de tener, son unos nervios “bonitos”. Siempre que estén ahí denotan que respetas al publico y al escenario, que te sigue apasionando subir y tocar, tocar y subir...

Prefieres estar solo o acompañado?

Prefiero estar acompañado de mis compañeros y amigos en la banda y de otros amigos fuera de ella... les robo energía cual vampiro!

Tienes ritual de subida al escenario?

Dos cigarrillos, tres cervezas y calentar... y abrazar y dar la mano a mis compañeros, por supuesto.

Te has tirado al público alguna vez?

Nooooooooo, jamás lo haría. Temo hacerlos daño, soy un palo y les clavaría todos mis huesos... Aún no ha habido oportunidad, ya se verá. Me he tirado alguna del publico... besos chicas! (Aquí me las estoy tirando)

Después del concierto fiesta o cama?

La duda ofende... Fiesta, siempre.

Qué no debe faltar en tu camerino?

Un cenicero, cerveza, cola, tónica, hielo, Vodka para mí, whisky y ginebra para los chicos, limas y limones y algo de comer... Nunca lo tuve y nunca lo pedí, pero ya que preguntas, quizás alguien tome nota.

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Toma preguntita... con muchos. Españoles, M-Clan o Bunbury. Extranjeros, Gotthard, Black Crows, Slash, Crashdiet, DAD, sí, joder! Con DAD sería la ostia!!! Tan taraos.

Un disco

Solo uno?... Appetite for destruction, sin duda... venga otro: Scratch´n Sniff de FATE... te diría cientos

Una canción

Te digo lo mismo con miles... Tengo predilección por un tema de The Bombers, de su disco Aim High, no tienen otro, la canción No Danger.

Qué es lo mejor de dar un concierto?

El éxtasis, olvidarse de todo, nada existe y puedes comportarte como eres, o como te gustaría ser y abajo no puedes. Soltar al personaje que la vida “normal” nos obliga a encerrar.

Y lo peor de dar un concierto?

Dar un concierto poco puede tener de malo. Lo peor es el día que pasas: desmontar, montar en el escenario, la prueba de sonido temprana... terminar el concierto extasiado y darte el bajón porque tienes que llevarlo todo al local... allí se queda tirado y rapidito a la zona de fiesta.

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A EXAMEN Conoce a tus músicos favoritos

Participa desde

AQUI

John Portillo, guitarra y compositor

Nombre y sitio en el grupo

KILMARA

Grupo

Años desde el primer concierto?

Siempre nervios y ganas de ir al lavabo.

Antes del concierto hay nervios o tranquilidad?

Acompañado por mis compañeros de batalla

Prefieres estar solo o acompañado?

El ritual de Odín y gritar: Ira y Fuego!

Tienes ritual de subida al escenario?

Sí, una y se apartaron

Te has tirado al público alguna vez?

Un par de cervezas con los fans.

Después del concierto fiesta o cama?

La foto de mi mujer e hijo.

Qué no debe faltar en tu camerino?

Iron Maiden

Con qué grupo te gustaría compartir escenario?

Powerslave

Un disco

Believe de Savatage

Una canción

Ver la cara de felicidad de la gente cantando tus canciones

Qué es lo mejor de dar un concierto?

Desmontar los trastos del escenario.

Y lo peor de dar un concierto?

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Solo no puedes, con amigos sí

os músicos, al igual que el resto de seres humanos, podemos ser de muy diferente condición, pero mentiría con riesgo de abrasarme en las calderas del mismísimo infierno si no reconozco que la mayoría somos un puñado de cretinos presuntuosos y egocéntricos. Estos egos no han de llevar implícitamente connotación negativa, si como toda persona, evolucionan favorablemente en el tiempo. Los músicos, al igual que el resto de seres humanos (y con ello no quisiera separar a los músicos del resto de personas, aunque está claro que son especiales y de otra pasta distinta) sostienen muy diferentes circunstancias a lo largo de su vida, y está bien que así sea. Estoy convencido que incluso el vanidoso MCCARTNEY se sonroja hoy al escuchar aquellos primeros discos en solitario tras su ruptura con los FAB FOUR, en especial aquel McCartney (1970) en el que grabó todos y cada uno de los instrumentos, como para mostrarle al resto del mundo que prácticamente él era el que lo hacía todo en THE BEATLES.

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De igual forma que pongo la mano en el fuego al asegurar que YOKO ONO sigue pensando que las canciones que más molan del Double Fantasy (1980) son las que ella canta (el Diablo la confunda). Sé que esto está fuera de lugar, pero les aseguro que si el menda gozara del privilegio que supone viajar en el tiempo como el bueno de Doc Brown en Back To The Future, se las hubiera ingeniado para que el Doble Fantasy del inigualable JOHN LENNON se llamara Lone Fantasy, ustedes ya me entienden. Para purgar pena y no pretender quedar como un angelito voy a ir dejando las cosas bien claritas. Yo mismo entono el mea culpa públicamente, y reconozco pecados de vanidad, que casi siempre van unidos a la palabra juventud, y si no se lo creen escuchen la primera maqueta de VIOLENT POPES, aquella de 1996 grabada en los estudios JAMMIN de Mérida por los hermanos CÉSAR y MARKOS BAYÓN. Creo que durante aquellas diez entrañables canciones, batí el récord mundial de figuras bombo-charly-caja y redobles eternos, algunos de ellos enmarcados en tempo y compases que ni siquiera existen. Uno escucha ahora cortes como “fucking”, “blind moon”, “out” o “empty man” y le da la sensación que el batería, o sea, quien suscribe, está tratando constantemente de llamar la atención en cada parte del tema, algo que ni se me pasaría por la cabeza en la actualidad. No es apropiado restar protagonismo a un solo de guitarra, o de bajo, o incluso a una parte instrumental o vocal relevante ejerciendo redobles o figuras que poco aportan al tema en cuestión. Es este, por cierto, un tema apasionante, el de las funciones y habilidades que debe ostentar un buen batería, que ya retomaremos en alguna ocasión. Observo, no sin cierta satisfacción, que muchos de mis colegas y compañeros de aventuras también maduran y evolucionan. A mis íntimos compañeros de LEFT BROTHERS, ÓSCAR VADILLO (ahora en la banda valenciana AMBRÓS CHAPEL y ADOLFO CAMPINI (THE WISH, SUPERBOLIDO, RUI DÍAZ Y LA BANDA IMPOSIBLE) se les aprecia actualmente una calidad, experiencia y saber estar en directo y en grabaciones que solo puede ser LaCarne Magazine

resultado de una carrera sensata, escalada y equilibrada, gestada a base de pequeños y naturales pasos. Aún recuerdo los comienzos de grupos como los venerados DARKSOUND, compañeros de local y fatigas por aquel entonces, que superaron poco a poco todos los obstáculos que suponen la creación de una banda y estilo, y se abrieron a nuevos componentes e inquietudes para gestar para la historia uno de los grupos más grandes que ha emanado de esta bendita tierra. Lamentablemente, a finales de este mes, la banda pacense ha anunciado un parón indefinido de su actividad por motivos laborales y personales, que ha disgustado al gran número de incondicionales con los que el quinteto cuenta por todo el país. Su batería, “el príncipe”, JESÚS DEL CASTILLO (PrinzeRocks), sin duda de los mejores bateristas del país, está inmerso en un interesante proyecto de metal progresivo denominado GR1DHOLE Project, del que puede disfrutarse ya algo de material. Tampoco es conveniente perder de vista a RICARDO LARIOS. El que fuera guitarra fundador y primer vocalista del entonces trío, nos sorprenderá a medio plazo con un proyecto que lo volverá a colocar delante del micrófono, sin duda una gran noticia para los seguidores de su particular voz que ya cautivó en aquel impresionante Midnight Sun (2001), producido por CARLOS ESCOBEDO en los ESTUDIOS CUBE en Madrid. Es irrefutable que lo mejor de ser músico es compartir la música que llevas dentro con los demás, creando juntos un sonido que nos evoque un sin fin de maravillosas sensaciones, cada uno aportando lo mejor de sí mismo, de su propio y noble arte. Tocar en un grupo es una experiencia maravillosa. No comprendo a todos esos músicos que son capaces de grabar ellos solitos todos los instrumentos en todas las canciones de sus discos, cómo no, también compuestas y auto producidas para mayor gloria de su ego. Véase, además del anteriormente citado PAUL MCCARTNEY en sus comienzos en solitario, a artistas de renombre como al propio MIKE OLFIELD (el músico que mejor se plagia así mismo) o a LENNY KRAVITZ,

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por poner algunos ejemplos. Cuando un grupo se forma, madura y evoluciona, es natural y entendible que sus componentes quieran dar rienda suelta y buscar nuevas inquietudes con el paso de los años, por eso no entiendo ese afán de recurrir a su pasado cuando ofrecen conciertos como solistas. Realmente, aunque se conviertan en solistas lo que ciertamente hacen es rodearse de nuevos músicos que se limitan a prestar servicio, y como comprenderán, esto le quita chicha al asunto. Lo grande de pertenecer a un grupo es algo parecido a lo que hacía JOHN LENNON: “Chicos, tengo esta idea... a ver que me podéis dar ”. Al contrario que su colega MCCARTNEY: “Esta es mi canción y la quiero así”. Acudir a un concierto de PAUL MCCARTNEY para verle interpretar canciones de THE BEATLES me parece una estafa. También es grotesco y lamentable que en cuanto un grupo funciona comercialmente, la discográfica anime y potencie que los diferentes miembros del grupo comiencen una carrera como solistas con el fin de multiplicar las ventas de discos. Aunque claro, eso era más común antes, cuando era un negocio la venta de discos. Ahora ocurre un fenómeno distinto. Son las discográficas las que intentan por todos los medios que los diferentes solistas se reúnan y recuperen el viejo nombre del grupo para intentar vender más discos. En España, en los últimos años este hecho ha trascendido en forma de plaga lamentable, aunque el negocio es el negocio y todos tenemos que comer. El último ejemplo lo tenemos con el dúo donostiarra DUNCAN DHU. El joven trío formado por MIKEL ERENTXUN, DIEGO VASALLO y JUAN RAMÓN VILÉS nació en 1984 con un estilo y personalidad propia, representado en un sonido sencillo y acústico que llegó a sorprender en poco más de un año con un gran disco, Canciones (1986) con algunas de las canciones más recordadas y de más éxito del pop español. Lamentablemente, en el siguiente disco todo se desvaneció. Aunque El LaCarne Magazine

grito del tiempo (1987) fue un gran éxito, DUNCAN DHU murió para siempre como grupo. Aunque en su día no trascendió, ninguno de los miembros del trío original grabó sus instrumentos (MIKEL ERENTXUN evidentemente sí tuvo que grabar las voces) siendo sustituidos por reputados músicos de estudio. Desapareció la esencia del grupo, en especial esa manera de tocar la batería con escobillas que aportaba JUAN RAMÓN VILÉS, o las saltarinas líneas de bajo de DIEGO VASALLO. Tras la marcha del batería, DUNCAN DHU dejó de ser un grupo para convertirse en una marca, en una especie de proyecto, en los que sus dos integrantes fundadores no eran más que el motor de arranque, especialmente a nivel de composición y voces. Sucesos parecidos se han repetido en el pop español en las diferentes décadas, destacando la tomadura de pelo de aquella “vuelta” de MECANO con aquel Ana, Jose y Nacho (1998) que se limitó a incluir en un recopilatorio doble 8 descartes de trabajos anteriores, y en donde JOSÉ MARÍA CANO ni se dignó siquiera a grabar alguna guitarra, bajo o teclado. Cuando los grupos musicales, las bandas de música pop, se convierten en marcas o incluso en proyectos de apenas un par de personas, la magia de la música se desvanece como polvo en la lluvia. No critico que algunos de los miembros de una banda puedan ser relevados, ni que se les sumen o resten, pero creo que es importante y especial pertenecer a un grupo, y proyectar imagen de grupo y unidad. Tres o cuatro cabezas piensan más que una sola, y cuando las decisiones se toman en consenso de unos pocos en detrimento de en solitario, los acontecimientos transcurren de manera menos radical. Ya nos lo advertían en aquel maravilloso programa (LA BOLA DE CRISTAL) cuando éramos pequeños: “Solo no puedes, con amigos si.”. Que cunda el ejemplo y que sigan brotando nuevos grupos en Extremadura y toda la geografía española. Y a ti, amigo músico, que no te preocupe si te sientes de alguna manera identificado con la imagen del músico presuntuoso y egocéntrico, pues al igual que la ignorancia, ambas cualidades pueden ser corregidas con el paso natural de los años. Contacta conmigo desde blogdeenriquefalco@hotmail.com

http://enriquefalco.blogspot.com.es/

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por Trevelan

uando Javier Llamas y un servidor (Trevelan) creamos “Skaynet”, no sabíamos cómo encajaría una banda de “Metal Industrial” en el panorama Extremeño, pero siempre estuvimos intentando crear algo distinto, tanto a nivel visual como musical dentro del estilo. A continuación os contamos el resultado y nuestras vivencias varias antes de subirnos a un escenario: Ahora mismo “Skaynet” cuenta con 4 miembros: Trevelan, Javier Llamas, Quique Gonzalez y Marko Shaken, estos dos últimos habiéndose incorporado hace cuestión de dos meses desde la fecha de hoy. Cuando dimos nuestro primer concierto, de una forma un poco amateur, fue tan brutal el resultado que decidimos formar la banda de una manera más seria y profesional. Una de las conversaciones más largas entre Javier y yo fue la de crear un show totalmente nuevo, no solo en el panorama Extremeño, si no en el nacional. Decidimos crear un show mezclando la escena industrial con efectos visuales del mundo del ilusionismo (Magia), ya que “Trevelan” se dedica a nivel profesional hace años a este arte, y así crear un show original dentro de la música en directo, dándonos un resultado

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realmente increíble y satisfactorio. Hace unos días tuvimos un concierto en las fiestas de Almendralejo, nuestro pueblo natal, el día 16 de Agosto para ser más exactos, y las dos semanas antes fueron acojonantes. No sólo nos preocupamos de la música y de que todo salga perfecto, que evidentemente es unas de las prioridades como en toda banda musical, si no que también tenemos que preocuparnos por el show. El cómo reaccionará nuestro publico a la clase de efectos visuales que utilizamos es una conversación que no acaba nunca los días anteriores a cualquiera de nuestros shows. Ahora, con el paso del tiempo, nos llegan comentarios realmente extraños como “pero, tío, cómo es posible que hagáis un show de escapismo durante un concierto, tocando, cantando…, esto no lo he visto en mi vida, realmente increíble”, y la verdad es que este tipo de comentarios es lo que nos hace seguir adelante con lo que hacemos. Hace no mucho, cuando decidimos completar la banda con Quique Gonzalez al bajo, una adquisición increíble para el futuro de la banda, justo después de eso le propuse crear un videoclip a nivel autodidacta, debido al poco presupuesto que teníamos, por no decir que no teníamos ni un duro. El videoclip de nuestro tema “ELECTROYONKI”, que le da titulo a nuestro primer disco, se hizo con la intención de representar realmente lo que somos encima de un escenario y lo que realmente es el estilo de la banda, ya que no sólo somos amantes de la música, si no también del cine, con lo que decidimos crear un videoclip totalmente cinematográfico. Finalmente escribí un guión y creé nuestro videoclip con la ayuda de Vanessa Teban, a quien le estaremos eternamente agradecidos. El resultado del videoclip fue brutal, lo podréis ver en youtube y en la sección de videos musicales de LaCarne magazine “SKAYNET – ELECTROYONKI”. Realmente nuestra alma está detrás del show, que siempre es un sinfín de ideas para que el publico pueda disfrutar de algo que, como mínimo, no les deje indiferente. Estamos realmente contentos con el resultado que estamos teniendo. Muchas gracias a todos y un cordial saludo, espero que pronto podamos disfrutar de vuestra presencia en uno de nuestros show y que realmente disfrutéis como nosotros.

http://skaynet.bandcamp.com LaCarne Magazine

LORENA MORENO Su padre le regaló una minicadena con tocadiscos, grabadora de cintas y micrófono cuando tenia siete u ocho años. Entonces empezó a grabar cintas con canciones de la radio, a la vez que le metía locuciones con el micro y las usaba para regalárselas a sus amigos. Si a eso le sumamos que hasta los cuentos infantiles los escuchaba en vinylo, no debería extrañarnos la carrera musical de esta artista. Ella es la emeritense LORENA MORENO. Buenas tardes, Lorena. Esta pregunta es casi obligada para todos ¿Cómo, por qué o por quién te iniciaste en el mundo del djing y la música electrónica? En el mundo de la electrónica me inicié gracias a un local que había en Mérida, mi ciudad natal, en el que se escuchaba ese tipo de música, “Al-qantara”. Recuerdo que la primera vez que entré tenía unos 15 años y me impresionó bastante. Nunca había visto a un dj mezclando, bueno ni siquiera sabía que 2 discos como los de mi tocadiscos se podían unir, y eso despertó una enorme curiosidad en mí, desde ese momento empecé a indagar, a conseguir cintas y a empaparme de todo lo que podía. Desde entonces han pasado más de 15 años, y a día de hoy la música electrónica sigue ocupando gran parte de mi vida! He visto que últimamente estás organizando y apoyando fiestas donde solo se usa vinylo, y

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sé que eres partidaria de él. También sabemos de los pros que tienen las nuevas tecnologías pero... ¿ves algún contra en ellas?? Sí, hemos empezado a hacer fiestas solo de vinilo: las “Only Vinyl Parties”. Siempre he amado este formato y todo lo que conlleva, tiendas de discos, maletas, buscar durante meses un tema concreto. Soy una nostálgica del vinilo, de su esencia, de su sonido, de la manera de mezclarlo... por eso comenzamos con este nuevo proyecto, quiero darle a las nuevas generaciones la oportunidad de sentir lo que nosotros hemos sentido, de ver a djs mezclando con sus vinilos, sin la frialdad de las máquinas y sus botones, con la calidad de sonido que todos añoramos. Volver a ver una cabina llena de maletas para mí no tiene precio, aunque mi espalda piense lo contrario. En cuanto a las nuevas tecnologías, no veo nada de malo en ellas. De hecho, he estado trabajando durante bastante tiempo en Microfusa (Barcelona) vendiendo todo tipo de equipos de sonido. Justo la época en que empecé a trabajar allí, se produjo el gran cambio de la era digital, y claro está, me la comí con patatas. Tuve que aprender a configurar todo tipo de equipos digitales (serato, traktor scratch…), todo tipo de controladoras, y comencé a utilizarlas también hace más de 8 años. La mitad de mis amigos y compañeros de profesión en Extremadura me compraron sus equipos y se los configuré, por eso no puedo tener nada en contra de quienes usan la tecnología inteligentemente. Está claro que los tiempos cambian, y con ellos, la manera de hacer las cosas. Mi único reproche es hacia la frialdad que conlleva un mal uso de estas tecnologías. He impartido cursos de djs en los que los alumnos, después de montarles todo mi equipo (platos, mesa, discos…) para comenzar su aprendizaje de esta profesión, me han preguntado que para qué necesitaban todo aquello, que ellos querían aprender a sincronizar con un equipo digital, crear sus playlist y poner música cuanto antes: éste es el verdadero problema. La simplicidad de estas nuevas tecnologías hacen que cualquier persona, con o sin talento para ello, pueda hacer una sesión. Se ha dejado de valorar el verdadero trabajo del dj como tal, y eso es lo que me preocupa. Los top 10 de beatport, la sincronizacion y los botones de colores están haciendo mucho daño a la escena, cualquiera puede ser dj, o llamarse a sí mismo dj y por eso, justo por eso, quiero recuperar ese formato a veces tan perdido en el tiempo, porque la sensación que me da sacar un disco de mi maleta de vinilo jamás será comparable a tocar 4 botones. ¿Cuales son los estilos que habitualmente usas en tus sets? He pasado por diferentes estilos a lo largo de mi carrera. Mis primeros discos fueron de house americano, he tocado mucho techno duro también, y últimamente me he suavizado bastante, suelo poner techno house y techno a pocos bpms, en comparación a la velocidad a la que pinchaba antes. En mis sesiones siempre se puede escuchar un rollo muy melódico y con una pegada marcada. Me encantan los sintes que recuerdan a ese electro con el que comencé. No me gusta la música monótona y sin sentimiento. Necesito que la música me diga cosas y me lleve hacia algún lugar. Dicen que soy bastante macarra, jeje serán rumores. Sabemos que estás al frente de la productora Morbo Records, ¿en qué proyectos estás inmersa ahora? Morbo récords nació en Barcelona como promotora de eventos, unos eventos diferentes musicalmente a lo que ofrecía esa ciudad. Cuando el minimal se instaló como estilo dominante, yo seguí apostando por mi electro y por mis amigos y compañeros de profesión, que se resistían a caer en las redes del minimalismo. Nunca me han gustado las modas, y por eso desde morbo LaCarne Magazine

hemos intentado ofrecer cosas diferentes. Hemos realizado muchos eventos bajo este nombre, incluso en Extremadura cuando volví a vivir aquí. Desde entonces hasta ahora ha llovido mucho. En este momento Morbo va en otra dirección pero siempre fieles a nuestra esencia. Hemos presentado recientemente nuestras only Vinil Parties, volviendo a nuestros orígenes. No nos cansaremos de ofrecer una alternativa a nuestro público. Eso es lo que somos y lo que siempre nos diferenciará. Por otro lado, hay proyectos muy interesantes como sello discográfico, aunque prefiero no adelantar mucho más. Ya iréis viendo hacia dónde deriva nuestro camino. ¿Qué equipo sueles usar para pinchar habitualmente? Como ya he dicho anteriormente, comencé pinchando con vinilos pero cedí a la era digital muy pronto. He estado unos 8 años utilizando traktor scratch, tanto con vinilos como con CDs, aparte utilizaba una controladora para los efectos ,y está mi querido Mac (aún sigue al pie del cañón después de tantos años), pero hace aproximadamente 1 año empecé a cansarme de mi sistema de trabajo, y lo cambié totalmente. Renovarse o morir dicen, y ahora sólo utilizo CDs o vinilo en mis sets, pero nunca ordenador…, supongo que me cansé de mirar esa pantalla. Ahora que ya es más sencillo ser dj, y cualquiera puede intentarlo con una simple controladora o un ordenador, hay bastantes más hombres y mujeres en este mundillo, pero cuando tú empezaste ¿había muchas mujeres con la misma vocación que tu? Siempre he sido el bicho raro. Hace 10 años una mujer Dj en un lugar como Extremadura no era nada normal. Ahora parece que ser dj es una profesión respetada, entendida y me atrevería a decir que de moda, pero cuando yo empecé no era algo bien visto. Montarte en un tren cargada con una maleta de vinilos para poner música en una discoteca llena de gente no era el sueño de ninguna madre para su hija, pero los tiempos han cambiado. Ser Dj ahora es más accesible para cualquiera, no tienes que recorrer tiendas de discos para comprar tu música, no necesitas aprender la técnica y cualquiera con un equipo medio en condiciones y un ordenador puede hacerlo. Éste siempre ha sido un mundillo de hombres, pero cada vez hay más mujeres en grandes carteles y muchas otras que se atreven a probar. Ésta sí que es pregunta obligada, dime tres temas de la música electrónica que nunca pasaran de moda para ti? 1. INFORMATION SOCIETY- RUNNING. 2. SINEMA- CONFUSION. 3. DJ HELL- ELECTRONIC GERMANY Y ya por último, dinos cuáles serán las próximas fechas para que podamos ir a verte. Dentro de unos días anunciaremos la fecha de nuestra próxima Vinil, qué mejor lugar para que vengáis a conocernos que cuando jugamos en casa. Toda una gran mujer y gran artista. Gracias por esto minutos y nos vemos muy pronto Lorena Moreno.

https://www.facebook.com/LorenaMoreno.Fanpage 20 LaCarne Magazine

DISPONIBLE EN VINYLO Y DESCARGA DIGITAL

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Zo! - We Are On The Move (feat Erro & Phonte - Joey Negro Revival mix)

Ess o ess - Re-enter (man power remix)

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Coyu - Balls (original mix)

The africa dream - Makinâ&#x20AC;&#x2122; A Living The Mekanism - The Touch

Chymera - Shadowdancer (Gregor Tresher remix) Hanne & lore - Tourette De Mar (Piemont remix) Coma - Atlantis daks/dominik - Lilly (Wolfgang Lohr remix) Dark ayden - Leather To Your Suede (original mix) LaCarne Magazine

bassago - EXTREMADURA DE CLUB

Este mes, en Extremadura de club, contamos con todo un referente en la región como es el Club Bassago (Centro Comercial “Las Cumbres”, Don Benito). Para que lo conozcamos un poquito más, tenemos aquí a Terry, gerente y dueño de la sala. Buenas tardes, Terry, antes de Bassago llevaste alguna otra sala pub relacionada con la música electrónica? Sí, llevé en Zurbarán durante cuatro años el “Terry Tunes” ¿A qué se debió el cambio de localidad y por qué elegiste Don Benito? El cambio fue como todo en esta vida, para intentar mejorar. Me fui a Don Benito porque en su momento parecía una ciudad con un crecimiento imparable, aunque después de una década ha sido solo un espejismo, gracias a nuestros políticos. ¿Cómo ves la situación actual para los clubs?¿Se llenan con la misma facilidad que antes, o ahora te las tienes que ingeniar más para atraer a la clientela? La situación actual es penosa para el 100% de los locales de ocio. La gente ha perdido la frescura de hace unos años, y el maravillosos botellón, que no acaban de prohibir a nivel nacional, sigue siendo una lacra también para el ocio nocturno. Mi única estrategia es mantener unos valores y respetarlos bajo cualquier circunstancia, las estrategias solo valen para un asalto y sirven para mal acostumbrar a la gente.

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Sabemos que por la cabina de Bassago han pasado muchos pesos pesados de la escena electrónica nacional e internacional ¿podrías nombrarnos a algunos? Por supuesto, Prompt, número uno de ventas en Beatport en el año 2009 con su tema Evolve, y que es único en sus sesiones y en su sonido, luego otro que siempre lo ha hecho bien ha sido Marc Antona, y en cuanto a una de las mejores sesiones ha sido la primera vez que vino Gaiser a Extremadura, que estuvo en nuestra sala y ha sido la mejor hora de música que jamás ha sonado en estos lares. Luego tenemos un largo recorrido y han sido muchos: Elesbaan, Dosem, Marc Marzenit, Veitengruber, Shonky, Leon, Paco Osuna, Nuria Ghia, Roberto Rodriguez, Troy Pierce, Marc Houle, Sweet n´ Candy, Fernando Gullon, Alejandro Fernandez, Xpansul, Alexi Delano, Cycle dj, Thomas Muller, Le Chic, Jose Mondelo, Play The Game (David Ponziano y Marcos in Dub), Cristian Varela, Oscar Mulero, Laura Rojo, Alvaro Martin, Javi Moreno, Kasper & Papol.... y algunos más que se me olvidan y otros más que no quiero ni nombrar... Cualquier dj de Extremadura está deseando subirse a esa cabina ¿qué criterios son los que usas a la hora de elegir a los djs que pasarán por ella? Uno de ellos es escuchar alguna sesión o algunas sesiones de gente que contacta conmigo, y si encajan dentro de unos márgenes, pues ya inicio contactos. Otro es escuchar recomendaciones de amigos, y sobre ello decidir. ¿Qué estilos musicales en lo que a electrónica se refiere son los que se suelen escuchar habitualmente en la sala? Siempre nos hemos movido dentro del House, Minimal y el Techno, pero siempre enfocado en una línea más de club. ¿Qué le dirías a la gente para que se acerque a conoceros? Pues que si eres un amante de la música electrónica aquí tienes donde escucharla con la mejor calidad de sonido que hay para un local tan pequeñito pero tan familiar. Porque nuestros precios son moderados, el 95% de las noches no se cobra entrada y tienes lo necesario para olvidarte del día a día. Y ya por último, haznos un avance de la programación de septiembre y adelantarnos, si puedes, algún nombre del panorama Nacional que vaya a pasar por allí este invierno? Bueno, en Septiembre tenemos las Fiestas de Don Benito, que son para el día 8 aproximadamente, y aún no hay nada claro, sorry. En ferias tendremos a Elesbaan, como no Extremeño, y el resto son nuestros residentes, que son los que sacan adelante a Bassago cada fin de semana. Y este Invierno estamos a la espera de algunas cosas, y creo que Prompt volverá pronto con su nuevo Live, que es una puta pasada.... Bueno, pues esto ha sido todo con nuestro amigo Terry, y espero que hayáis podido conocer un poquito más de una sala que es cita obligada en Extremadura si te gusta la electrónica! Hasta el mes que viene! LaCarne Magazine

CAP. XIV - ¿ALGUNA VEZ TE HAS SENTIDO UN BICHO RARO?

n noviembre de 2012, antes de que Ruvenigue se fuera para Irlanda, contactamos con la Asociación Musicalibre (http://www.asociacionmusicalibre.com/wp/), y menos mal que los encontré porque me estaba quedando más solo que la una en Madrid después de la partida de mis compañeros arindododianos. A partir de ahí, hice bastantes contactos, de los que ya iré hablando poco a poco, pero antes de eso voy a hablar de lo que hice previamente a meterme de pleno en el mundo de Musicalibre. En esos momentos tenía claro el concepto de música que yo quería hacer. Ya lo he comentado anteriormente, música sin armonías ni melodías premeditadas, si las hay es debido al “azar objetivo”, y música basada casi en la improvisación total. Por entonces estaba leyendo un libro llamado Silencio, del compositor americano John Cage. Había leído sobre sus experimentos poniendo a la vez decenas de discos de distintos tipos de músicas y registrando la masa sonora que se creaba. Esa idea me interesaba enormemente y la puse en práctica después de hablar con el cura de la parroquia de mi barrio. Él estaba interesado en grabar el coro de su iglesia con varias voces femeninas que cantaban salmos religiosos compuestos por él. Yo accedí a grabarles esos salmos con mi equipo. En total grabé diecisiete piezas en la que sonaba el credo, padrenuestro, avemaría… todo el repertorio que se pueda imaginar en una misa. Le di al señor cura sus copias para que las repartiera entre sus feligreses, y yo me quedé con los originales con el propósito de experimentar con ellos e intentar llevar a cabo un experimento parecido al de John Cage. Me encerré con el ordenador y

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www.arintonadodo.com mis auriculares en mi pequeño estudio y empecé a editar todas esas piezas. Lo que hice fue lo siguiente: puse cada una de esas piezas en una pista distinta reproducidas todas a la vez (las 17). Algunas de ellas las traté con efectos, otras las reproduje al revés, otras las corté, pegué aquí y allá…y el resultado fue el siguiente: http://modisti.com/netlabel/?p=704 . Los setenta minutos originales de música religiosa los condensé en apenas 15 o 20 minutos. Son cuatro piezas que parecen sacadas directamente del averno (por supuesto, este resultado no me atreví a mostrárselo al señor cura, ni nunca le he dicho que hiciese tal cosa, no me vaya a excomulgar). Lo titulé “¿Alguna vez te has sentido un bicho raro?”. Debe ser porque ese sentimiento siempre lo he tenido desde que me metí en esto de la música. Bien, si lo escuchan, espero que disfruten el resultado, y si no, al menos que se sientan interesados por ello. No siempre la música se tiene que hacer para disfrutar, digo yo… En verano de 2012 conocí a Jorge Marredo (a.k.a. Satisfaction Lab), músico electrónico experimental de Badajoz y me habló de Modisti, una netlabel que se dedica a publicar música improvisada y experimental (a Jorge le debo el haber conocido el mundo donde estoy metido ahora, el de las netlabels experimentales, Musicalibre… de todo eso iré hablando en su momento), y me animé a enviar el resultado de ese experimento y mira por dónde lo aceptaron. Me invadió una gran alegría. La publicación es la del link que he puesto en el párrafo anterior. Ese fue el comienzo de una nueva etapa. Pues nada, por hoy no hay para más. ¡Que pasen buen verano! Atentamente, J.G. Entonado & Arín Dodó (contacta desde aquí)

de ronda - Fotos de vito metodio Ya casi resulta imposible presenciar una ronda, al modo de las que antaño se realizaban en todas las localidades extremeñas. La imagen de un grupo de personas cantando y tocando sus instrumentos tradicionales mientras recorren las calles de un pueblo, sin que se trate del pasacalles de un festival de folklore, un encuentro de grupos en cuyo programa se incluye una ronda o un momento ritual incluido en una fiesta tradicional, es tan inusual como improbable. Ya queda muy lejos la acepción clásica de ronda como acto de cantar a la mujer que se galantea. No es a este tipo de ronda a la que nos referimos, sino a ese otro en el que un grupo de amigos se anima a salir y cantar por la calle, acompañados de algunos instrumentos, sin esperar nada a cambio, por el simple deleite de cantar.

La gente ya no suele salir de ronda. No obstante, aún podemos señalar excepciones en Extremadura. Algunos pueblos de la Vera son un ejemplo de ello, aunque no son los únicos. Permítanme que le hable de una de estas rondas, sin duda no la única, pero sí la que conozco más de cerca porque no hace mucho tuve el privilegio de ser invitado a participar en ella, cosa que vengo haciendo desde entonces y que se ha convertido en uno de los momentos más especiales en mi vínculo con el folklore musical que vivo cada año. Andaba yo tomando algo en un bar de Piornal, un día de agosto de 2006, cuando un señor del pueblo se me acercó y me dijo que si quería salir de ronda con él y sus amigos unos días después, exactamente el diecisiete de ese mes: “…llevamos varios años sin salir después de lo del crío (su hijo había fallecido), pero este año me he empeñado yo y vamos a volver. Lo que pasa es que los años no pasan en balde y las voces ya no aguantan lo que antes, por eso hemos

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pensado que vengas tu con el laúd, y así tener nosotros un ratino de descanso entre copla y copla”. Mi sorpresa fue mayúscula. Se trataba de gente varios años mayor que yo, con la que apenas había tenido relación… Tras un primer momento, de indecisión y casi incredulidad, reaccioné y le respondí que sería un orgullo para mí salir de ronda con ellos. Desde entonces, así lo he venido haciendo cada año, ese mismo diecisiete de agosto, hasta 2013. Pero, ¿cómo se desarrolla esta ronda?, ¿cómo se inicia?, ¿qué canciones se cantan?, ¿qué instrumentos se tocan?, ¿por dónde se mueve la ronda? Veamos cómo se hace en este caso concreto. El encuentro se realiza a eso de las doce del mediodía. La terraza de un bar es siempre el sitio elegido para hacerlo. En esta ronda no faltan las tres guitarras de cada año, cada una con sus seis cuerdas, un tanto añejas aunque de sonido limpio; cinco de ellas con nombre de mujer, como canta una copla: “Las cuerdas de mi guitarra / yo te diré las que son / María, Teresa y Juana / Dolores y Encarnación” -quizá esta letrilla nos remita a aquellas guitarras de antaño o a guitarros que contaban con cinco cuerdas-. Y aún queda la prima, la de sonido más agudo: “Por Dios te pido guitarra / que no se rompa la prima / que parece que se rompe / el corazón de una niña”, como canta otra. Tres guitarras, y tres nombres: Juan, Santi y Miguel; acompañadas de una botella y un caldero, y dos nombre a unir a los anteriores: Ignacio y José. La ronda que llevan éstos es una ronda que durante muchos veranos nos ha concedido el privilegio de escuchar esa toná tan característica que sólo a los miembros de este grupo parece estar permitida, con su voz y sus instrumentos, con su forma de cantar y de tocar. Una ronda de las de andar mientras se interpreta el estribillo musical y pararse en corro durante la copla, cantada a la antigua usanza. Una ronda de las de pararse en el recorrido, cantar una copla de despedida y dar un respiro a los dedos y a la voz si alguien ofrece algo de beber y de comer a los músicos. Una ronda, en fin, de las de echar gente a la calle para presenciarla. Desoyendo el cantar que dice aquello de: “Todos los que cantan bien / se arriman a la guitarra / y yo como canto mal / ni me arrimo ni me llaman”, aquel diecisiete de agosto de 2006, me arrimé con mi laúd a las tres guitarras que portaban Juan, Santi y Miguel, a la botella de Ignacio y al caldero de José, emocionado por un lado y un tanto nervioso por otro, no en vano se trataba de tocar y cantar junto a un grupo de personas a las que desde muy joven había admirado como rondadores. Pronto los primeros rasgueos de guitarra me alertaron de que se encontraba ante una ronda de las de verdad, de las auténticas y genuinas rondas que durante mucho tiempo se escucharon en el pueblo, y que ya prácticamente se han convertido en poco menos que recuerdos, nostálgicos para unos, vagos y difusos para otros. Enseguida comenzaron a cantar, primero sentados en la terraza del bar en el que nos habían citado, luego carretera abajo. El sol estaba alto, por eso no se entonó aquello de: “Dale compaLaCarne Magazine

ñero, dale / a la guitarra que suene / que está muy lejos la cama / donde mi morena duerme”. En cada copla salía unas veces Santi y otras José. ¡Vaya repertorio, dios mío!, tantas fueron las coplas que se cantaron y tan pocas las veces que hizo falta repetirlas que daba la impresión de que estaban picados a ver quién sabía más: “A cantar me ganarás / pero no a saber cantares / que tengo yo un arca llena / y encima siete costales” parecía decir uno. “Aunque me estuviera cantando / un año con doce meses / si yo no quiero no canto / el mismo cantar dos veces” parecía decir el otro. Entendemos por cantar (plural, cantares), una copla o un texto de una canción tradicional (estrofa de cuatro versos de arte menor, generalmente con rima asonante en los versos pares y sin rima los impares). Aunque es lícito que la ronda se mueva en el entorno de los bares para de vez en cuando tomar algo y dar descanso a los dedos que no paran en un buen rato: “Para cantar tener voz / y para bailar salero / y para tocar la guitarra / saber menear los dedos”, hemos de reconocer que los momentos más agradables fueron cuando la ronda se metió por calles del pueblo menos transitadas, en las que, aunque no había bares, no faltó algo de aguardiente y unos dulces con los que gentilmente fuimos obsequiados los seis músicos por personas agradecidas ante la música que llevamos a su barrio. Se trataba de tocar y tocar, de cantar y cantar, andar con el estribillo y descansar los pies durante la copla, como manda la tradición y aconseja la razón, porque durante el estribillo descansa la voz, y desplazándote al ritmo de la música resulta más fácil pensar en el cantar que vas a interpretar a continuación. Mientras la copla precisa reposo, para poner todas las energías en el canto, el cual, por cierto, resulta endiabladamente agudo: la tonalidad es La mayor. “Siempre se ha tocado en La, pero nuestras gargantas ya no aguantan tanto como antes. Mejor la tocamos en Sol”. Y es que las jotas, con su estructura armónica protagonizada por los acordes de tónica y

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dominante, siempre se ha tocado: “Empezando en La, luego se pasa a Mi, y luego otra vez La, y así todo el rato”. Y para el rítmo, el característico 3/8 de las jotas extremeñas: “¡Lana azul, buen tiempo”, expresión que se solía decir a los que se iniciaban en el manejo de la guitarra, apoyándose en un esquema rítmico con dos compases y tres corcheas por cada uno: una corchea por sílaba. Y mientras te decían esto, en la guitarra el dedo pulgar rasgaba las cuerdas hacia abajo coincidiendo con el tiempo fuerte, la primera corchea de cada compás y las sílabas “La-” para el primero y “buen” para el segundo. El resto de dedos recorría las cuerdas dos veces, de arriba abajo, coincidiendo con la parte débil, el resto de corcheas y de sílabas “-na a-zul”, “tiem-po”. Pero lo más hermoso era la tonada que cada año elegía esta gente para su ronda. Unos la llaman “Ronda de los Lucas”, por ser éste el apodo de dos de los integrantes fundamentales: Juan, por su manejo de la guitarra, y Santi, por su papel de especialista en dar entradas a las coplas. Para otros es simplemente “Rondeña de los Lucas”. Es tanta la valoración que en este pueblo se da a las rondeñas (al modo de la tradición musical verata), que cuando alguna canción como ésta conlleva cierto virtuosismo en su ejecución vocal y/o instrumental, y gusta mucho, se le llama rondeña, aunque se trate de una jota. Lo cierto es que se trata de una versión de la conocida “Jota piornalega”, canción que en los últimos años han incluido en su repertorio la mayor parte de los grupos de folklore extremeño, una versión muy peculiar y un tanto difícil de entonar a los que conocen la otra, la más difundida, como dicen algunos: “Es que nos vamos a la otra que se canta en el grupo”. Y es que, como en el flamenco, hay jotas y rondeñas personales, con un estilo propio del que las interpreta, y ésta que tocamos y cantamos durante no menos de cuatro horas, es una de ella Sin duda, fue una jornada de esas de guardar en la memoria, como las de cada diecisiete de agosto de los años siguientes; para mí porque fue un auténtico privilegio poder rondar con esta gente, de esa manera, con esa canción y con esos instrumentos. Es por ello por lo que no puedo por menos que aprovechar estas líneas para expresar mi más sincero agradecimiento a Juan, Santi, Miguel, Ignacio y José, por permitirme rondar y deleitarme con ellos cada verano. ¡Gracias, maestros!

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ÚLTIMA FRONTERA - MARCANDO EL CAMINO

MARCANDO EL CAMINO Texto: Pedro Gallardo

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Pocos grupos nos llegan de La Rioja, y no entendemos por qué ya que sabemos que existe un buen número de ellos. Menos mal que de vez en cuando siempre aparece un grupo destacando de los demás, haciéndose hueco en el panorama nacional con paso firme y seguro. Éste es el caso de Última Frontera, que con su segundo trabajo de estudio (Entre la niebla, 2014) acaban de marcar el camino a seguir en la comunidad riojana, Hard rock y Heavy rock a partes iguales en un trabajo esperadísimo por muchos de sus seguidores. Desde aquí felicitamos a esta joven banda porque han sabido demostrar coraje, pasión por lo que hacen, y que las cosas bien trabajadas siempre reciben su recompensa. Escuchadlos, no os arrepentiréis!

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ÚLTIMA FRONTERA - MARCANDO EL CAMINO

Entre la niebla - ÚLTIMA FRONTERA por Porras http://ultimafrontera.net

nce temas cargados de energía componen este Entre la niebla, y vienen a confirmar lo que estos riojanos se traen entre manos: un sonido a medio camino entre el heavy metal clásico y el hard rock más oscuro.

Ya en LaCarne Magazine nº27 os adelantábamos lo que fue su primer Ep, Despertar, carta de presentación de esta joven banda, que promete un futuro muy alentador. Pues bien, este trabajo, grabado y producido por Dan Díez en los Rock Lab Studios, se compone de once temas llenos de buenas melodías, grandes armonías vocales, una buena base rítmica y unas guitarras bien afiladas. Las composiciones son sencillas pero muy resultonas. Los primeros temas ““Sed”, la genial “Cada despertar” (que imprime potencia a los primeros temas), “Billy el niño” (atención al solo), y especialmente “Cruce de caminos” beben del heavy más clásico e imprimen gran energía al trabajo. También hay cabida para temas más tranquilos de corte acústico como la versión acústica de “Hacia ningún lugar”, preciosa balada con una gran ejecución y mucho misticismo.

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El trabajo baja en intensidad, recuperando un sonido algo más rockero con la tremenda “La cárcel de cristal” o “Acero contra acero”, y vuelve a rebosar de energía con “Hacia ningún lugar”, con una gran melodía de guitarra. Me sorprende la versión de “Un beso y una flor”, que suena fantástica, pero me resulta un poco fuera de lugar, aunque sé que los riojanos la han hecho marca de la casa y no falta en ningún setlist de sus conciertos. Aún así, con este tema consiguen darle fin a un trabajo bastante correcto.

Van sobraos en:

El combo demuestra tener los mimbres suficientes para buscarse un hueco en el panorama metal. Sonido muy cercano a bandas del estilo como Motley Crue, Skid Row, o Whitesnake.

Lo que yo cambiaría:

Aunque el sonido está bastante conseguido, siempre se puede mejorar. En algunos momentos el disco resulta plano, aunque eso también les pasa a los más experimentados.

La Sentencia:

Gran propuesta de heavy rock la de esta joven banda, demostrando un gran talento tanto en la composición como en la ejecución. Cuarenta minutos de buen heavy rock sin florituras ni artificios, con unas letras muy personales y un sonido muy potente. Escuchadlo porque merece la pena.

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ÚLTIMA FRONTERA - MARCANDO EL CAMINO Por fin tenemos Entre la niebla, vuestro primer larga duración ¿Ya se puede decir eso de OBJETIVO CUMPLIDO? ¡Por supuesto que sí! Pero creemos que es sólo el principio de un gran proyecto que todavía tiene mucho trabajo por delante ,y por eso no nos podemos quedar dormidos. De todas formas, situemos a los lectores. Hablamos con vosotros en el nº25 de LaCarne, cuando publicasteis Despertar, un Ep de 4 temas. ¿Cúal ha sido el balance de ese trabajo? Despertar ha sido muy especial para nosotros. Creemos que ha tenido un balance muy positivo, porque cuando haces algo siendo fiel a ti mismo, y encima logras atrapar a quien te escucha, eso no tiene precio. Una duda que tenemos es por qué Despertar no fue un larga duración. ¿Estabais probando el mercado? En primer lugar, fue por falta de fondos y, en segundo lugar, porque teníamos varios temas preparados pero no tenían la suficiente madurez como para ser grabados en estudio. Lo que sí es cierto es que sirvió para definir aún más vuestro estilo. Hay algunos grupos que se reinventan constantemente añadiendo elementos ajenos a su estilo, y el camino que siguen es un poco confuso. ¿Os pasó algo parecido o vosotros lo tenéis claro? Está claro que nosotros no tenemos una formula que nos diga si las cosas funcionan o no funcionan. Creo que nosotros vamos evolucionando como músicos, e intentamos cada vez hacer composiciones más complejas y con más madurez, pero sí que es verdad que con el paso del tiempo hay cosas que tienes que dejar a un lado para que el grupo sea más coherente.

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ALBERTO PEREZ LaCarne Magazine

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ALEX HUERTA 36 LaCarne Magazine

Nos acordamos de que nos dijisteis que vuestro comienzos fueron lentos, pero parece que ya habéis cogido velocidad para asomar la cabeza en el panorama nacional. Cuando se sabe cómo hacer las cosas, ¿es mucho más fácil? Creemos que lo más divertido de todo esto es que nunca tienes las cosas claras. Tú puedes pensar que tienes la situación controlada, pero no es así. De repente, recibes “señales” que te dicen que ha llegado el momento de hacer cosas nuevas, pero tienes que partir de la base de que meterás la pata en casi todas ellas. Así es este mundo, nadie dijo que fuera fácil. ¿Cómo está el panorama musical en La Rioja? ¿Hay hermandad entre vosotros? La Rioja es como un pueblo, con sus pros y sus contras. Hay personas maravillosas con las que compartes grandes momentos y otras que sólo buscan su propio beneficio. ¿Y para tocar? ¿Hay facilidad para seguir un circuito de conciertos en vuestra región? Lamentablemente, la escena musical riojana vive un momento un poco crítico en lo que a circuito de conciertos se refiere. En Logroño hay dos o tres salas como mucho para dar un concierto en unas condiciones óptimas y para bandas noveles, y fuera de la capital ha ido decayendo la escena y quedan pocos lugares donde disfrutar de buena música en directo. Volviendo a vuestro último trabajo, trabajasteis en Despertar con Dan Díez, y lo habéis vuelto a hacer con Entre la niebla. ¿La segunda vez ha sido mejor? Por supuesto. Esta vez se ha profundizado mucho más en cada toma de grabación, en la búsqueda del sonido y en el nivel de implicación de Dan en la producción.

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ALVARO ASENJO 38 LaCarne Magazine

¿Cuánto tiempo estuvisteis en Rock Lab Studios para la grabación? Con Despertar estuvimos 3 días de grabación y casi un mes con Entre la niebla. Se nota bastante la mejoría de los temas, y los arreglos han hecho que ganen bastantes puntos. ¿Lo llevasteis todo preparado al estudio o preferíais que fluyera allí? Se lleva prácticamente todo el trabajo hecho de casa. Sí que es verdad que hay un pequeño margen de actuación para hacer algún arreglo o mejora de última hora, pero es mejor llevar todo bien atado. Desde que grabasteis en el estudio hasta que tuvisteis el disco en vuestras manos, ¿cuánto tiempo ha pasado? ¿se ha hecho muy larga la espera o habéis sido pacientes? El disco fue grabado durante todo el mes de Mayo, y la verdad es que en Junio ya teníamos la Master del disco en nuestras manos, así que la espera no fue demasiado larga. Habéis subido a Soundcloud una previa para vuestros seguidores. ¿También lo subiréis a Spotify como con Despertar? Qué remedio jaja. Lo subiremos para tener presencia, pero es importante añadir que a estos medios les faltan mucho trabajo por delante para que el artista le pueda sacar un beneficio real. ¿Subiréis el disco entero a otras plataformas digitales? Sí, esta vez el disco va a estar distribuido digitalmente en iTunes, Spotify y en Amazon MP3. Lo que sí va a sorprender a nuestros lectores es la versión de Nino Bravo que os marcáis al final ¿Teníais otras opciones preparadas por si no os gustaba el resultado? Bueno, si hubiese salido muy mal simplemente no la hubiésemos incluído en el disco. Es una versión que llevamos en directo y que pensamos que podía sorprender para bien a todos los que escuchasen nuestro disco. Se ha convertido en uno de los puntos álgidos de nuestro concierto, y ha sido una manera cariñosa de rescatar una de las canciones más importantes de la música en castellano. El disco en físico también estará disponible, no? ¿Dónde podremos hacernos con él? A partir del 8 de Septiembre desde nuestra página web www.ultimafrontera.net, en el apartado de Tienda. Desde ahí podéis elegir pagar por transferencia, tarjeta de crédito o PayPal. También lo pondremos para recoger en la tienda Amadeus de Logroño y en el bar El Dorado. ¿Alguna vez barajasteis la posibilidad de hacer el disco a través de crowdfunding? Sí, por supuesto que nos lo planteamos porque a día de hoy ofrece una manera rápida y fácil de conseguir financiación. Pero esta vez hemos preferido contar sólo con nuestro dine-

“Está claro que nosotros no tenemos una formula que nos diga si las cosas funcionan o no funcionan. Creo que nosotros vamos evolucionando como músicos, e intentamos cada vez hacer composiciones más complejas y con más madurez, pero sí que es verdad que con el paso del tiempo hay cosas que tienes que dejar a un lado...” LaCarne Magazine

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ro. Llámalo orgullo si quieres. ¿Y ahora, a girar por todos lados, no? ¿Ya tenéis fechas cerradas? Estaremos presentando el disco en la Sala Odeón Single de Logroño y tenemos pendiente otro concierto en Bilbao, junto al grupo Space Octopus. Estamos encantados de vuestro paso por LaCarne Magazine. Aquí tenéis vuestra casa cuando queráis. Os deseamos mucho éxito! Os vemos en los escenarios! ¡Un abrazo a todos los lectores de LaCarne Magazine que han tenido el gusto de seguirnos, y una vez más gracias a Pedro y su redacción! No os olvidéis de comprar el disco. Prometemos ser vuestra dosis de adrenalina ;)

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JONATHAN JIMENEZ LaCarne Magazine

Las portadas de vuestros discos son siempre controvertidas, y la de vuestro nuevo trabajo, El Final, lo es más, si cabe. ¿Es este disco tan triste como el cielo encapotado de su portada? La portada es una foto que tomé fuera del estudio, justo cuando terminé de meter las voces, creo que retrata más que un estado de ánimo, el final de un camino pero asomándose siempre la luz, la esperanza. Ves lo que TÚ quieres!! Lo mismo pasa con la música de Kompadres Muertos, es una paradoja. “El Final” es el tema que da nombre al título, y que añade locuciones sampleadas de lo que parece una película mexicana en la que una niña implora que su padre nunca muera ¿Qué quisisteis expresar con esta canción? Fue la última canción que compuse de este disco, para ser exacto un día antes de terminar la maqueta,. Es un estado visceral, ácido puro, rock que te cuenta 2 cosas, cómo encontrar el final con un principio, y la pena en lo sublime. Los sampleos los armó Iñaki (tecladista de km), y fue idea totalmente suya, otra visión que tuvo al escuchar el tema. Hay tres versiones en este trabajo: dos, de los conocidos temas “El Jinete” (José Alfredo Jimenez) y “La Llorona” (famoso son itsmeño mexicano) y una de Loquillo. ¿Qué buscabais recreando estilos tan dispares? En sí hay cuatro, las antes mencionadas y Como esta noche, (A night like this), tema de The Cure. Son temas que siempre nos han gustado y queríamos imprimir un poco de nosotros en ellos, la finalidad es disfrutar tocándolos, ahora tienen una parte nuestra y nos encantan. En otros años, vuestra música estaría repleta de paralelismos con los grupos de la llamada movida madrileña, que encontró sus máximos exponentes en bandas como Parálisis Permanente, Kaka de Luxe, Alaska y Los Pegamoides... en vuestro caso, ¿que influencia directa tuvo aquel

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movimiento y qué conexiones tuvisteis con él? Creo que esa movida fue contundente y no nada más por esas bandas, viene desde The Clash, que siendo el movimiento punk tan fuerte como era, experimentaron con otros ritmos y cadencias..., The Cure, Joy División, etc, movieron fibras muy sensibles que afectaron en distintas formas a esa generación. En lo particular, yo no conocía mucho de esas bandas (más que a Loquillo y Rebeldes), hasta que llegamos al País Vasco en el 2001 y alguien me regaló una cinta de Parálisis Permanente, creo que todo es rock y me gustan muchas bandas de los 50s, 60s, 70s y 80s. Creo que ahí radica el sonido de Kompadres, más nuestra herencia musical que es muy grande..., Jorge Negrete, José Alfredo y tantos otros. ”Como esta noche” es otro de los temas que muestran una clara influencia de la banda Sisters Of Mercy, post punk con gran aceptación en los años 80-90, pero que ahora no pasa por sus momentos más álgidos ¿Es importante para vosotros no ceñiros a modas, con independencia de lo que realmente marca tendencia actualmente y el riesgo que eso representa a efectos comerciales? Nunca hemos pensado en hacer música por moda, siempre estuvimos fuera de ella, creemos en lo que nos gusta. Suena trillado pero no nos importa estarlo, hacemos lo que hacemos por convicción propia y claro que es un riesgo comercial, nos gustan los riesgos y tratamos de reinventarnos, más en lo personal que en lo musical. Ese es el mayor acierto de la banda. En “Ke Kieres” hablas de Manolo Uvi, de Komando 9mm, un grupo que tuvo un muy modesto reconocimiento en los años 80 ¿Qué puedes contarnos de este músico y de la influencia en vuestra música? Es un muy buen amigo personal y de la banda, como decimos en México “es mi carnal”. Hemos compartido 3 giras juntos y grandes aventuras, aprendemos mutuamente y siempre estamos echando risas. Es un icono del punk español y se la pasa bien el muy cabrón. Sois una banda Mexicana ubicada en D.F. y sin embargo vinisteis a grabar este disco al País Vasco ¿Qué os motivó a hacer una inversión económica tan grande y aparentemente injustificada? Nuestros amigos. Tenemos grandes amigos en España y País Vasco, llevamos yendo allá desde el 2001. Año tras año vamos, a veces hasta 3 veces por año. Ya habíamos grabado anteriormente en Bilbao, Gallarta y Miraballes, y siempre lo alternamos con la gira en turno, así es como vivimos, siempre en la carretera. Como ves, el fin justifica siempre los medios. Eduardo Urbina, eres el máximo compositor de la música de Kompadres Muertos. ¿Cuánto tiempo te ha llevado preparar este disco a efectos de composición? LaCarne Magazine

Éste fue totalmente al revés de los anteriores, éste nació en mi estudio, haciendo riff’s y bases. Tuve un mes o así definiendo sentidos para luego mostrarles los temas a Efrén y Dani Boy, ya con ellos en la base las empezamos a detallar, y así, digamos que fueron 4 meses para ver a dónde se dirigía. Me gusta el resultado. El digipack del disco es muy especial, ya que al abrirlo hay un recortable 3D con la imagen de la muerte mexicana. ¿Hasta que punto es para vosotros importante el poder dar un plus a vuestros seguidores? Muy importante, dar siempre el plus. Es nuestra visión, he visto muchas bandas en directo y me ha sabido a poco, nosotros tratamos siempre en dar más, ya sea en el escenario, en el merchandise o en los discos. Nos gusta que la gente sea feliz. Vuestra agencia de publishing nos informa de que en Octubre estaréis de gira en Madrid y que vais a tocar en Heineken el 17 de Octubre por primera vez en vuestra carrera. ¿Qué significa para vosotros tocar en una sala con tantísimo prestigio? Es un reto, estamos agradecidos con Lorenzo Sanz de Top Artist Promotion por ser nuestro sexto Kompadre, nos cuida y nos aconseja, seguramente será un gran bolo y nos acercará a más personas. Tenemos la fortuna de que la gente que nos rodea nos quiere y nos inyectan luz y fuerza !! Todos somos Kompadres!!!Gracias por vuestro apoyo y el espacio. Eduardo Urbina Stres.

https://www.facebook.com/kompadresmuertos

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SINESTESIA El arte de ver los sonidos

por Marta Lozano Molano

SONIDO-COLOR-SENTIMIENTO: KANDINSKY “Los violines, los profundos tonos de los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Vi todos mis colores en mi mente, estaban ante mis ojos. Líneas salvajes, casi enloquecidas se dibujaron frente a mí” (Kandinsky, 1913/ed.1982, p. 364).

Estas fueron las palabras del pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944), precursor del expresionismo abstracto, para expresar su primera experiencia sinestésica. Todo sucedió tras asistir a la representación en Moscú de la colosal ópera Lohengrin de Wagner. El descubrimiento de estar en posesión de la facultad de tener percepciones múltiples causó una honda transformación en su manera de concebir sus creaciones. A lo largo de la historia del arte se ha reflexionado profundamente sobre las características que definen a la música y la pintura de manera independiente, y la posible relación entre ambos ámbitos. La pintura discurre por el canal sensorial de la vista, siendo sus valores predominantes la espacialidad y la intemporalidad. La música, por el contrario, se capta a través del canal auditivo, se desenvuelve en la dimensión temporal y no puede ser percibida visualmente si no es por medio del empleo de la tecnología. Los creadores no sólo se han interesado por vincular música y pintura en términos generales, si no que han tratado de averiguar las relaciones entre color-forma, luz-música, color-intervalos tonales y sobre todo color-sonido. El siglo XX ha sido especialmente prolífero en pintores interesados en este ámbito como Frantisek Kupka, Paul Klee y Wassily Kandinsky, el creador que nos ocupa. El pintor ruso defendió la sinestesia como un componente esencial del arte, como demuestra en su trabajo teórico publicado en 1911 “De lo espiritual en el arte”, haciendo referencia a la metáfora musical en la creación. Su pensamiento trataba de aunar tres elementos: sonido, color y sentimiento. Kandinsky investigó profundamente las relaciones consonantes y disonantes entre color y música, especialmente siendo miembro de Der Blaue Reiter (El Jinete

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Azul). En este grupo formado por artistas expresionistas entre los que se encontraban F. Marc, G. Münter, A. Von Jawlensky, entre otros, tuvo como objetivo evocar profundas emociones y sensaciones en espectadores y oyentes a través de representaciones simultaneas de color, sonido y danza. Amelia Alonso Ruíz, en su libro “El color de los sonidos” (Visión Libros. 2012) presenta las conclusiones obtenidas del estudio de “De lo espiritual en el arte”, estableciendo de este modo las correspondencias entre el color y el timbre de los instrumentos : ROJO

Fuerza. Energía. Impulso. Suena a trompetas acompañadas de tubas.

AMARILLO

Excéntrico. Agresión. Agudo y penetrante como una trompeta tocada con toda la fuerza.

AZUL

Concéntrico. Introvertido. En su tonalidad mas clara corresponde a la flauta, azul medio al violoncello y el oscuro al contrabajo.

VERDE

Tranquilo. Sin matices. Tonos tranquilos de violín.

NARANJA

Campana llamando al ángelus. Barítono potente. Viola interpretando un largo.

VIOLETA

Corno inglés. Gaita. Cuando es profundo es un fagot.

BLANCO

Frío. Infinito. No-sonido. Pausa musical.

NEGRO

Silencio eterno. Musicalmente una pausa completa y definitiva

La relación entre sonido y color es un tema de gran complejidad y difícil estudio, debido a que se basa en las experimentaciones de cada individuo en particular. Cada sinestésico tiene un nivel de sensorialidad distinto, y que se manifiesta de diversas maneras en cuanto a las asociaciones que realiza de manera involuntaria. Por lo tanto, cada investigador ha desarrollado su propia teoría. En el caso de Wassily Kandinsky, su tesis se basa en la relación de la percepción de los colores con la psicología, es decir, los colores de sus pinturas ejercen dos tipos de reacciones en el organismo: • Física (la visualización de la belleza de los colores agrada y dura mientras existe el estímulo) • Psicológica (conmoción emocional y desarrollo de la sensibilidad) Las siguientes palabras del artista resumen de una manera muy poética y clara la esencia de su pensamiento: “El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es el teclado. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana”. (De lo espiritual en el arte) Para saber más… • Kandinsky, W. : De lo espiritual en el arte. Ed. Labor, Barcelona, 1992 • Wager, R. : Lohengrin. C. Abbado. Deutsche Grammophon. • Museo Thyssen-Bornemisza LaCarne Magazine

La Ventana Nacional

HANDFUL OF RAIN Handful of Rain lleváis en activo desde 2005, contáis con dos Ep’s, habéis participado en el tributo a AC/DC y habéis contado con Don Dokken y el productor Wyn Davis para vuestros trabajos. ¿Cómo los conocisteis? ¿Qué tiene que hacer una banda para poder trabajar con dos grandes de la música como Don y Wyn? Pues fue todo a través de internet. Le mandamos nuestros temas, les gustó y nos echaron una mano. Básicamente tener un poco de suerte y confiar en lo que haces. También comprar una tarjeta de prepago para hacer algunas llamadas a U.S.A (aunque esto no es lo importante jejeje). El participar en un disco tributo a una de las grandes bandas internacionales como AC/DC es un sueño hecho realidad para cualquier banda. Hemos leído en otros medios que tardasteis dos semanas en prepararlo todo ¿Cómo y dónde grabasteis el tema? Para nosotros fue una sorpresa que se pusieran en contacto con nosotros. Nos dieron el tema “Rock & Roll Train”, y nos pusimos a trabajar dándole un toque personal al tema, queríamos que sonara un poco distinto al original. Lo grabamos en los estudios Dalton, en San Fernando donde grabamos los ep’s. Hace poquito hubo cambios en la formación con la incorporación de David Requejado como nuevo vocalista. ¿Hicisteis alguna prueba a otros candidatos o ya barajabais la posibilidad de contar con David Requejado? Estuvimos probando algunos cantantes pero el que nos convenció desde el principio fue David. Y para ti, David, ¿qué ha supuesto entrar a formar parte de Handful of Rain? Pues, sinceramente, fue una sorpresa muy grande cuando contactaron conmigo porque considero que son una de las mejores bandas del panorama actual dentro de su estilo. Ha sido un placer volver a cantar Hard Rock, estilo que me encanta y que hacía un tiempo al que no me

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dedicaba, y sobre todo hacerlo rodeado de tan grandes músicos y a la vez geniales personas. Presentasteis a David al mismo tiempo que sacasteis el videoclip del single “Without You”. ¿Estáis trabajando en más temas? ¿Cuándo podremos escuchar un larga duración de Hadful of Rain? Actualmente estamos preparando 10 temas. Esperamos tenerlo listo para lazar el disco antes de finalizar 2014. Os puedo adelantar que habrá para todos los gustos (hay temas muy hardrokeros y otros muy duros). Vuestra música suena en radios de México, Estados Unidos…. Y en vuestro curriculum acumuláis un gran número de conciertos, tanto dentro como fuera de España ¿Cómo se consiguen bolos en países como Alemania o Rumanía? ¿Cómo veis la proyección de grupos nacionales en otros países? Como dije antes es creer en lo que haces y hacer varias llamadas y millones de emails. Personalmente, creo que muchos países desconocen la música que se hace en España. Tienen un estereotipo equivocado de España, pero poco a poco se van interesando más por lo que se hace aquí. Esperamos estar en 2015 en Europa y quizás en México. Esperamos poder disfrutar de vuestro directo muy pronto. Ha sido un placer conoceros y charlar con vosotros! El placer es nuestro, gracias por todo. Y a los lectores agradecerles que dediquen un par de minutos en leer esto, y si tienen 4 más les pediría que visitasen nuestro video en YouTube. Un abrazo a todos.

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En 2012, en Plasencia, cuatro amigos deciden unirse y formar Blue Chicken. No era vuestra primera experiencia como grupo, ¿verdad? ¿Cuándo decidís dar el paso y consolidar la formación como tal? No, la verdad es que todos los miembros del grupo habíamos tocado en otras formaciones, coincidiendo en algunas de ellas entre varios de nosotros. Todos compartíamos mismo local de ensayo, pero con distintas bandas. En un principio, formamos un tributo a Green Day, sin muchas pretensiones, tan solo pasar el rato. Tras un primer concierto vimos que el grupo funcionaba, por lo que decidimos dejar los tributos de lado y comenzar a crear nuestros temas bajo el nombre de Blue Chicken. La cosa iba tomando forma y decidimos seguir adelante con el proyecto. En vuestros comienzos como nueva banda tocabais versiones de los grupos que os gus-

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taban. ¿Os ha influenciado el estilo de estas bandas a la hora de componer vuestros propios temas? Sí, a lo largo de estos dos años hemos tocado versiones de distintos grupos que hemos escuchado desde siempre, muchos de los cuales nos han influenciado a la hora de componer nuestros temas. Entre los cuales podríamos destacar Nirvana, Guns N´ Roses, Biffy Clyro, Alter Bridge, Pearl Jam, Led Zeppelin y System of a Down entre otros. Sin dejar de lado bandas nacionales como Extremoduro y Platero y tú. Os presentasteis hace unos meses al concurso MusicAula, y habéis competido con más de 25 finalistas de toda España. Cuando nombraron a Blue Chicken como grupo ganador, ¿qué fue lo primero que os vino a la cabeza? ¿Cómo recordáis la final? Fue una sorpresa tremenda para nosotros ya

que, aunque suene a tópico, no nos lo esperábamos en absoluto. No creíamos que nuestro estilo encajara en la tónica presente en ediciones anteriores del concurso, pero, además, tras ver el nivel del resto de finalistas, lo veíamos muy complicado. La experiencia fue una pasada, vinieron a vernos muchos familiares y amigos, cuyo apoyo pensamos que fue decisivo para el jurado a la hora de nombrarnos ganadores. Además teníamos mucha ilusión por tocar en la Sala Caracol, ya que por allí han pasado algunos de nuestros grupos favoritos. ¿Qué ha significado para vosotros ganar el concurso MusicAula? ¿Cuál ha sido vuestro premio? Ha significado un cambio. Por una parte, a raíz de tener conciencia de la importancia que suponía haber ganado, hemos empezado a tomárnoslo mucho más en serio, que no quiere decir que antes no lo hiciéramos, simplemente queremos demostrar que se puede dar un paso más allá y que hay que seguir trabajando para ello. Eso sí, sin olvidarnos de que hay que disfrutar tocando, que al fin al cabo hoy en día es lo más importante. Los premios han sido varios. Por una parte, los de la organización de MusicAula (un saludo desde aquí a Fran Rogero), que han consistido en tocar en un crucero en la travesía Denia-Palma de Mallorca, o la próxima grabación de un videoclip, al que estamos empezando a dar forma. Además, para nosotros ganar el concurso ha significado estar dotados de una importante promoción en los medios de comunicación de la región, que se nos empiece a tener en cuenta e incluso haber podido compartir escenario con el gran Raimundo Amador y Pepe Bao, algo que hace un par de meses no habríamos podido ni imaginar. ¿Habéis pensado ya qué tema será el elegido para el videoclip? ¿Cuándo podremos verlo? El premio era grabar el videoclip de la canción presentada al concurso, en este caso Broken Puzzles, nuestro primer tema, el cual podéis escuchar en nuestro canal de Youtube: BlueChickenBand.

En un principio, comenzaremos a grabarlo a finales de septiembre y principios de octubre, pero no sabemos determinar para cuándo lo tendremos acabado, ni mucho menos cuando lo podréis ver. Tenemos algunas ideas en las que estamos empezando a trabajar junto con la productora, pero no hay nada definitivo. También estáis trabajando en los temas que incluiréis en vuestra primera maqueta. ¿Es éste vuestro principal objetivo en estos momentos? ¿Para cuándo tenéis previsto sacarla? Es una de las cosas en las que más involucrados estamos actualmente y sí, probablemente sea nuestro principal objetivo ahora mismo, pero no queremos ponernos una fecha límite ya que nos gustaría que las cosas fueran poco a poco y de la mejor manera posible. Podemos adelantar que en la maqueta habrá alrededor de ocho temas, entre los que se incluirán algunos como Broken puzzles, Even thought it hurts, I don´t care, State of Chaos, todos ellos de composición propia. Habéis dado conciertos dentro y fuera de Extremadura pero ¿dónde podremos disfrutar próximamente de vuestro directo? Tenemos algunos conciertos cerrados para dentro de un tiempo, pero como hemos dicho antes, nuestro principal objetivo es la maqueta. Nos gustaría dar una gira de conciertos por salas tanto de Extremadura como de alrededores, además de los conciertos promocionales de Musicaula, informando de todos ellos en nuestras redes sociales Facebook y twitter. Si Blue Chicken sigue a este ritmo, y trabajando así de bien, estamos seguros de que llegaréis muy lejos. Enhorabuena por ese premio! Esperamos vuestra maqueta ;-) Muchas gracias, esperemos que la podáis escuchar todos cuanto antes y que os veamos muy pronto desde los escenarios. Podéis seguirnos en Twitter (BlueChickenband), en nuestra página de Facebook (Blue Chicken) y en nuestro canal de YouTube (BlueChickenBand). ¡Un abrazo!

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PRIMAVERA SOUND 2014 (Barcelona) por Jorge Ares

ntes de ir a un festival tan importante internacionalmente como éste, debemos saber una serie de consejos importantes: Es un festival caro, dado su gran cantidad de escenarios y sus propuestas tan diversas, se hace un festival francamente difícil para el bolsillo. La solución es elegir muy bien que día vas a ir o bien comprar tu abono con mucho tiempo de antelación. El festival Primavera Sound es un evento destinado a un público que comprende una media de los 35 años, por lo tanto, esto nos hace entrever que el cartel del festival tendrá artistas veteranos y emergentes. En este tipo de encuentros musicales, el mainstream está excluido por completo. Es un evento indie en toda su expresión, es decir, underground en gran cantidad de estilos que van desde el pop al folk, pasando por la electrónica o el metal. Este año sólo pude estar miércoles y sábado. El tiempo no acompañó en algunos de los conciertos, pero por regla general el público fue masivo, tranquilo y de comportamiento excepcional. Como siempre, uno de los problemas del festival fue la vuelta a casa porque tanto jueves como miércoles y viernes, el metro se acababa a las 12, lo que hacía muy difícil coger un medio de transporte como el taxi o autobús. Solución, aguantar hasta las 6 de la madrugada.

Miércoles 28 de Mayo

FIRA FEM: Los madrileños fueron los primeros en inaugurar el festival. En el escenario ATP nos tocaron las canciones de sus dos discos. Me recordaban bastante a Foals, rollo post rock con toques tropicales y reminiscencias punk. Sonaron contundentes y bailables... quizás para horas más tardías y no para las 17h. ÉL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO: Los argentinos son los herederos directos de Los Planetas. Su actuación fue muy grande, tocando algunos de los temas de su disco El nuevo magnetismo. El cantante, una mezcla entre Maradona (gordo) y Hugo (el de perdidos) con su contoneo a lo Jim Morrison, nos metió a todos en el bolsillo. Para mí es el mejor grupo indie de habla hispana actual. TEMPLES: Es otro grupo que también me gustó mucho. Su mezcla de brit pop muy beatles y psicodelia a lo Kula shaker me gustaron un montón. La pena fue que la lluvia nos impidió disfrutar aún más del conciertazo que dieron los británicos.

Sábado 31 de mayo

MISHIMA: Grupo barcelonés del que nada más pude ver el final. Curioso porque entre el público había mucho músico catalán apoyando a los colegas musicales. Lo poco que vi me parecieron espesos (teniendo en cuenta que solo vi la última canción). JONATHAN WILSON: El americano vino a presentarnos Fanfare, folk pop y rock muy americano que me supieron a poco. Hubo momentos en los que me aburrí, lo cual aproveché para beberme alguna cerveza. El concierto fue un rollo Dylan en sus composiciones, con un importante apoyo de un público bastante veterano.

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TELEVISIÓN: Otro de los grupos veteranos. Desde el otro lado del charco venían estos norteamericanos a tocarnos su gran disco Marquee Moon. De hecho, no defraudaron a los numerosos oyentes que coreaban sus canciones y vibraban con cada tema que tocaban. Yo, que no los conocía, me gustaron y me fueron metiendo en calor. CAETANO VELOSO: Qué grande! Cómo se puede tener tanta energía con esa edad! Me esperaba un concierto de bossanova y fue todo lo contrario, rock brasileño con gran carisma por parte de Caetano, que se metío al público en el bolsillo con la primera canción, y que con las canciones “lentas” era capaz de emocionar a todos los que estabamos alli. Abraçaço es un perfecto diálogo entre rock y samba sin perder la reivindicación. Grandioso!!! VULCANO CHOIR: No sabía nada de esta banda americana. El gran descubrimiento de la noche. Repave fue una mezcla de pop, electrónica, post rock, folk. Un lujazo de concierto con músicos muy expertos y que fueron el perfecto calentamiento para lo que vendría después. Toques oscuros, vocoders, guitarras, bajos, pedales... Como disfruté de aquel directo. GOODSPEED YOU! BLACK EMPEROR: Otro directo de los grandes. Atmosferas oscuras con intros espectaculares con unos auténticos máquinas de las guitarras y sus pedaleras, que a base de ruidos van construyendo atmosferas que se van superponiendo y creando un clima espectacular. Rock experimental de estos canadienses anarco- revolucionarios que conquistan a todos los amantes de las guitarras. CLOUD NOTHINGS: Attack on memory es un discazo de toque grunge-garage-punk y pop. Este grupo fue de lo mejorcito del Primavera Sound. Su concierto me recuerdan a los primeros Nirvana, donde la fuerza, la potencia y la caña de sus guitarras te hacen botar de principio a fin, y la clave fue que su escenario se quedó pequeño. Para mí, es uno de los grupos indies del momento. Su actitud y su fuerza los convirtió en lo segundo mejor de la noche. NINE INCH NAILS: Fue el grupazo de la noche... y no sé si del festival. Su fuerza, su contundencia, su profesionalidad, calidad y ganas de hacernos bailar nos enloqueció. El sonido de rock industrial de la formación es indiscutible, haciendo de su concierto un resumen de sus grandes éxitos más los mejores de su último disco, Hesitation Marks. Y si encima te cierran el concierto con “Hurt”, se convierte en un placer supremo. FOALS: Los británicos con Antidotes hicieron un discazo en el que el indie más bailable y tropical se hizo notar en su directo. Aunque también recurrieron a temas más experimentales y rockeros de Holy fire. Fue un directo para quemar zapatillas, donde los de oxford permitieron el lujo de lanzarse al público y disfrutar como enanos. Me gustaron mucho y bailé otro tanto. CUT COPY: Fue energía y baile en todo su esplendor. Los australianos fueron insaciables en su manera de hacernos mover el esqueleto, temas de Free your mind y de In Ghost colours nos hicieron quemar las pocas energías que nos quedaban. Colorido de ritmos y mucho pop en sus temas. Ideales para acabar la noche. LaCarne Magazine

Volver al pasado - El inicio del Funky

espués de los últimos artículos sobre el Free Jazz, con sus tensiones musicales y sociales, es hora de relajarnos un poquito, no creéis?!

Para avanzar hacia el futuro en nuestra breve historia del Jazz debemos, esta vez, dar un paso atrás. Más concretamente a los fructíferos años `50 (ver LCM N° 21). Aquí es dónde encontraremos un ingrediente importante para lo que vendrá en el futuro cercano. No le hice referencia en su momento para no desbordar la sección con la multitud de estilos surgidos en esta década.

Recordemos que en los `50 surgen dos grandes corrientes: el Cool Jazz y el Hard Bop, con sonoridades bastante opuestas. Mientras que con el Cool Jazz se asocia una cierta ‘finura’ por su orientación hacia la música europea con su complejidad y sus matices dinámicos, el Hard Bop intenta llevar al viejo Bebop a nuevos niveles expresivos con solos aún más virtuosos y energéticos. El Hard Bop es tocado mayoritariamente por músicos afroamericanos. Su vinculo al Blues es fácilmente audible. El estilo o matiz que quiero presentar hoy se sitúa en esta segunda corriente de los `50, y en parte ha influenciado al propio Hard Bop. Se trata del estilo Funky. El término ‘funky’ “[…] comenzó a ser aplicado por primera vez en relación con el estilo pianístico de Horace Silver”1. Su forma de tocar reúne elementos del Jazz con el Blues antiguo y el Gospel. A su vez, de la fusión entre el Jazz y el Gospel, surge la música Soul, representada por ejemplo por el pianista y cantante Ray Charles. Resumiendo: el Funky es una mezcla entre Jazz, Blues y Soul, reemplazando en parte el sentido swing por una manera más recta de tocar (inglés: straight). Prueba a escuchar dos de los temas más representativos del estilo de Horace Silver, grabados en 1955 y 1956: The Preacher y Señor Blues. Ambos temas se caracterizan por un tiempo medio/lento con mucho sentimiento de Blues. The Preacher aún tiene swing, mientras Señor Blues es binario, es decir no tiene swing y por lo tanto se consideraría más funky. A finales de los `70, el Funky se convertirá en el estilo Funk que rítmicamente no se toca con swing para nada. Para entender mejor esta forma de tocar nos puede ayudar saber que el término “funky” es una expresión del slang afroamericano de los `50, sinónimo para “terroso”, “sucio” o “excitado”2. Otros músicos de la misma onda son por ejemplo los trompetistas Donald Byrd y Kenny Dorham, el saxofonista Hank Mobley y el batería Art Blakey. Poco después, una segunda generación de músicos emplea el Funky tocando Hard Bop, reuniéndolo nuevamente con el sentido swing y el Bebop: Clifford Brown (tp), Sonny Rollins (ts), Max Roach (dr). Importantísimo músico del estilo Funky, curiosamente también pianista, es Herbie Hancock, que con temas como “Cantaloupe Island” o “Watermelon Man” consiguió auténticos hits de Jazz en los `60, que perduran hasta hoy. Es interesante anotar que en las corrientes del Cool Jazz y el Funky, por novedosas que parezcan, en el fondo se mezclan elementos antiguos con el Jazz del momento. Por un lado, los elementos clásico-europeos como fugas y contrapuntos y el Blues en el Cool Jazz, y

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Horace Silver por el otro, el Blues y el Gospel en el Funky. También en el Free Jazz de los `60, corriente aún más novedosa y atrevida, se encuentran ejemplos para una orientación hacia el pasado, a pesar del empeño progresista característico del Jazz en general. El músico Albert Ayler “transplanta música de circo, de aldea y de marchas, sencillos aires de entretenimiento y bailables de principios de siglo […] a sus improvisaciones libres, atonales y extáticas”3. En general, se detecta un vivo interés en los músicos de jazz de la época por emplear elementos del Funky y del Gospel en su música. Para J.E. Berendt este hecho parece representar razones extramusicales como “el anhelo de algo que en este mundo de frío realismo pueda ofrecer la impresión de seguridad”4. En el caso del Funky y Soul, el escritor norteamericano Jack Kerouac “[…] supone incluso fenómenos religiosos detrás de todo esto”5. Cosa que parece tener cierto sentido si conocemos el significado del título del tema arriba mencionado de Horace Silver: “The Preacher” – el predicador. Independientemente de si la mezcla del Jazz, el Blues, el Soul, el Funky y el Free tenga algún significado religioso o emocional/social, lo que aquí en definitiva se practicaba era una fusión a gran escala. Y esto nos lleva a la tendencia principal de los años `70: el Jazz-Fusión, tema para mi próximo artículo. Para finalizar este artículo de investigación, una pequeña recomendación para los que quieren seguir investigando sobre el Jazz, y como complemento ideal para esta sección: recomiendo el blog jazzero extremeño

http://olivenjazz.blogspot.com.es/ 1 Frank Tirro, Historia del Jazz Moderno 2007, p. 69. 2 Según wikipeda: http://de.wikipedia.org/wiki/Funk_(Musik)#Herkunft_des_Wortes. 3 J.E. Berendt, El Jazz – De Nueva Orleáns al Jazz Rock 1994, p. 50. 4 [3] p. 50 5 [3] p. 49 LaCarne Magazine

http://www. lulabay.com Antes de crear Lulabay habéis formado parte de otras bandas. ¿La unión de los componentes fue algo esporádico o estaba todo premeditado? ¿Hacíais también rock alternativo? Sí, cada uno hemos hecho de las nuestras con otras bandas donde tocábamos desde Heavy Metal, Trash hasta Grunge y Rock Seatle de los 90. Y la verdad que han sido muy buenas experiencias, pero siempre faltaba algo, esa sensación de que lo que estás haciendo te apasiona de verdad. Las canciones de Lulabay fueron tomando forma en el sótano de mi casa (Taka), junto a Javi, que era batería en aquel entonces. Después de varios años sin encontrar nuestra media naranja, decidimos sacar las canciones adelante, y Javi me presento a Alexis, actual batería, y él nos presentó a Vicente, guitarra del grupo, y probamos a ver qué podía salir. La verdad es que fue todo muy rápido porque no nos conocíamos de nada y congeniábamos a la perfección, empezamos a montar las canciones y fueron dando forma a lo que ahora es Lulabay. Para presentar vuestro primer Lp, Un largo viaje, habéis hecho las maletas y os habéis ido a Francia. ¿Por qué decidisteis presentarlo allí? ¿Cómo os ha tratado el público francés? La verdad es que no teníamos pensado ir a Francia, y fue toda una sorpresa cuando nos llamaron. Alexis conocía allí a unos amigos que habían escuchado algunas canciones y organizaban un festival con varias bandas, y nos propusieron ir a presentar el disco, así que ¿cómo decir que no?, fue todo un lujo estar allí y les agradecemos mucho el buen trato que tuvimos, nos lo pasamos de escándalo. Sabemos que Taka es el que compone las canciones, ¿cómo añadís después el resto de instrumentos? ¿trabajáis más en casa o en el local de ensayo? Las canciones las compone Taka en su casa, donde se tira horas con sus cacharros y su inspiración. Después, en el local de ensayo, se recogen y se tocan para ver si a todos nos gustan los

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temas, y, una vez hecho esto, pasamos a pulir las canciones de nuevo en el estudio de Taka, y cada uno con su instrumento va añadiendo su propia personalidad, hasta que por último se graban y entonces suena lo que denominamos Lulabay. ¿Cuánto tiempo os ha llevado la grabación de Un largo viaje? ¿Habéis contado con productor y estudio de grabación? Pues la grabación fueron unos 10 días muy intensos prácticamente en el Estudio todo el día, pero es lo que nos gusta y lo pasamos muy bien. Grabamos en Fusiblestudio, en Almería, con la producción de Raúl Parra, que también es el director del sello Paralysis Records, con el que hemos firmado, y la verdad es que estamos muy contentos porque después de buscar diferentes propuestas nos gustó el sonido que sacaba en sus producciones, y era lo que nosotros estábamos buscando. En el disco contáis con varias colaboraciones, concretamente con M.a.r. Pareja (Lagartija Nick), Raúl Parra y Chiharu Ota (Estado de Sitio). ¿Quién contactó con quién y propuso la idea? Bueno, contamos con Chiharu porque es mi madre (Taka), y ella colaboró con las voces en japonés, que suenan en “Estado de Sitio”, la canción número 7 del disco, y me apeteció ponerla como colaboradora. ¿Por qué no? Es mi madre y ¡madre no hay más que una! Raúl Parra también hizo sus arreglos y quedaron muy bien, le supo sacar jugo a las canciones. En cuanto a M.A.R. Pareja, lo conocía Alexis desde hace mucho tiempo, y le propuso que pusiera su granito de arena en el disco colaborando también en Estado de Sitio, metiéndole unas guitarras súper potentes como él sabe hacer y con su toque propio, además, decir que ahora es

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el actual guitarra de la banda, ya que Javi se fue por motivos de fuerza mayor, y por lo que Vicente ha pasado a tocar el bajo. Estrenasteis el videoclip, “La Ventana de Cidonia”, en Radio3. ¿Tenéis en mente grabar alguno más? Pues precisamente estamos a punto de grabar otro videoclip con la canción de “Un largo viaje”, y nos pondremos con ello antes de que acabe Agosto. En el video colaborará, como hizo en el anterior, Jose Luis Arenas (Coquete), actor de teatro, y será grabado y mezclado por nuestro amigo Alejandro Martínez, de Sendaistudio.

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Esperamos poder veros muy pronto sobre los escenarios para disfrutar de vuestro directo. Gracias por charlar un rato con nosotros. Os deseamos lo mejor! Muchas gracias a vosotros por brindarnos esta oportunidad, y pronto nos podremos ver en los conciertos donde presentaremos nuestro nuevo disco. Para todos los que nos queráis ver en directo, os presentamos las fechas que de momento tenemos cerradas: 1. 2. 3. 4.

Septiembre 19 Granada, PLANTA BAJA Octubre 04 Granada Fich Festival 2014 Octubre 10 – 11 – 12 Cádiz, Monkey Week. Puerto de Santa María Noviembre 1 Murcia, Sala B

Y más conciertos por confirmar… Damos las gracias a todos los que nos apoyáis, a todos los que nos escucháis, sin vosotros todo esto no sería posible!!!! LaCarne Magazine

por Porras, Manu Herrera, Oscar Trigoso, Carlos Rubio

MOONTRAP (Madrid) DISCO: Routine (2013) TEMAS: 4 WEB: http://moontrap.bandcamp.com Desde el Foro nos llegan Moontrap, ofreciéndonos este demo “Routine”. Un rock-indie con unas aproximaciones al punk, que traen recuerdos a grupos como Engine Down. Guitarras agresivas y melódicas a su vez, con bajos contundentes y baterías arrolladoras, cabe destacar las variaciones melódicas de voz realizadas por su vocalista, Harry. “Backbone” es un temazo que podría estar sonando en cualquier emisora internacional, al igual que el resto de temas. Está claro que este grupo será imparable cuando tenga su primer larga duración. Lo grabaron en los Westline Studios, de Juan Blas, y la masterización ha sido llevada a cabo en los grandísimos estudios de Ultramarinos Costa Brava, en Sant Feliu de Guíxol. Moontrap dará mucho que hablar. VAN SOBRAOS EN: En hacer unas muy grandes canciones. LO QUE YO CAMBIARÍA: Nada. LA SENTENCIA: Deben de estar batiéndose en duelo con grandes bandas en los principales festivales de referencia. NIÑO ÍNDIGO (Extremadura) DISCO: La Tormenta (2014) TEMAS: 14 WEB: http://nioindigo.wix.com/nioindigo Desde tierras extremeñas nos llega Niño Índigo, presentando su segundo trabajo La Tormenta, un disco con doce pistas, lleno de grandes temas que se decantan por un pop con fuerza, con algunos toques de funk. La producción ha sido llevada acabo de manos de Kay Siendones. Julio C. con sus temas nos lleva a un mundo de nostalgia con buenas letras y guitarras muy bien colocadas en el sitio donde deben de estar. “Las alas del tiempo”, tema con el que se inicia este gran trabajo, es un claro ejemplo de lo que nos ofrece Niño Indigo: grandes melodías y letras a cargo de Julio C., y una base musical fresca y llena de vida. A destacar, el sentimiento y el ritmo que nos encontramos en “La tormenta”, y la fuerza de “Revolución”. Solamente dar mi ¡Enhorabuena! por este gran disco. VAN SOBRAOS EN: En ser grandes músicos. LO QUE YO CAMBIARÍA: Una búsqueda de raíces más rockeras. LA SENTENCIA: Hay Niño Índigo para largo.

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EL GRAN QUELONIO (Extremadura) DISCO: Acho no surf (2014) TEMAS: 11 WEB: http://elgranquelonio.bandcamp.com Los emeritenses El Gran Quelonio nos refrescan el verano con este Acho No Surf, cargado con unos ritmos contagiosos y endiablados al más puro estilo surfero. El trabajo, compuesto por once temas instrumentales, contiene una gran energía y un sonido cargado de surf, western, garaje y mucho, mucho rock and roll, además de una actitud bastante punk. Grabado y mezclado en La Mina (Sevilla) en Mayo de 2013 y masterizado en Kadifornia, todos los temas están compuestos por la banda excepto “Ghosts and Goblins”, que es una versión del clásico videojuego de los ochenta. En lo musical, destacar un sonido vintage y unas guitarras (Mikelo y Tutxi Rodríguez) cargadas de efectos, saturación, wah wahs por doquier, pasando de la distorsión a un sonido cristalino, con unos riffs enormes y algún que otro solo digno de enmarcar. La base rítmica está bien engrasada (Alberto Luque al bajo y Antonio Méndez a las baquetas), se ve que el combo está perfectamente trabajado a base de horas y horas de local, todo ello bajo la atenta mirada de Raúl Pérez al sonido. El punto fuerte de la banda es el directo, habiendo compartido escenario con bandas como Redneck Surfers, The Blue Aeroplanes, Layabouts o León Benavente, gozando de una energía trepidante que no decae en ningún momento. Todos los tracks son instrumentales y ninguno de ellos desentonaría en alguna peli de Tarantino o en algún spaghetti western. Ellos mismos se definen como un conglomerado de rock instrumental, surf hormonado y garaje loco, toma ya! VAN SOBRAOS EN: Gran manejo de los instrumentos y de los registros más clásicos del rock y del surf. El sonido y el soporte físico están muy conseguidos, y además tienen una web increíble donde podrás meterte de lleno en todo un mar musical. LO QUE YO CAMBIARÍA: Con el permiso de la banda, unas letras cachondas y unos estribillos pegadizos darían mucho juego a El Gran Quelonio. En algunos momentos el disco puede sonar monótono y aburrido. LA SENTENCIA: Muy buen trabajo y muy buenos músicos, dando como resultado un disco para tener en cuenta para los amantes del rock y de este peculiar estilo. Muy en la onda de Los Coronas, Redneck Surfers, Airbag, o Sex Museum, etc.

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por Porras, Manu Herrera, Oscar Trigoso, Carlos Rubio

ESTIRGA (Valencia) DISCO: Dosmildoce (2013) TEMAS: 5 WEB: http://estirga.com “Abre tus alas y vuela muy alto, allá donde la luz brille intensamente” puede ser la carta de presentación de este proyecto. Dosmildoce nace de la unión del talento vocal de Alicia Neblú y las melodías que despacha Vicente Bernabé a la guitarra. La inspiración de la primera, en sus años en Francia, y su gusto por un sonido cercano a Bunbury y Héroes del Silencio (a los que han tributado en varias ocasiones), sumados a un gran trabajo en el estudio y las redes sociales, dan como resultado cinco temas rebosantes de inspiración, imaginación, melodías, una calidez exquisita en la voz de ella y un enorme potencial para describir atmósferas por él. El tema que abre el trabajo, “Vuelo a las estrellas”, nos introduce en este especial sonido que será la tónica a seguir durante toda la grabación, con unas melodías de voz inconfundibles y una guitarra acústica muy cercana al sonido místico de The Cult, salvando las distancias. “No estarás” se envuelve con una magia especial y una letra muy personal, que habla de sentimientos profundos y se compone de una estrofa tranquila y un estribillo delicioso con preciosos arreglos de guitarra. “Mercurio y sangre” goza de gran energía acercándose más al rock alternativo, metiendo algo de distorsión a las seis cuerdas y dando paso a un riff principal muy a tener en cuenta. El siguiente tema hace honor a su nombre, y es que “Cuento de Hadas” se introduce en un mundo mágico lleno de matices y enorme sensibilidad, descritos por un gran torrente de voz y una melodía que va de menos a más. ”Julius” cierra el trabajo de esta banda alicantina con un sonido más cercano al pop y a la radio fórmula, perdiendo intensidad y emoción, y ganando en contundencia. Todo esto está grabado, mezclado y masterizado en El Refugio de Papel, en Petrer, Alicante. Producido por el propio Vicente Bernabé y gestado en un formato muy atractivo y sobrio. VAN SOBRAOS EN: Una base rítmica desbordante de creatividad, y una preciosa voz que fluyen entre el indie, el pop y el rock alternativo. LO QUE YO CAMBIARÍA: Se echan en falta varios temas más donde la banda demuestre todo su potencial. Habrá que verlos en directo para ver si no pierden demasiado fuelle lejos del estudio. LA SENTENCIA: Gran inspiración y madurez creativa para un sonido cercano a los Héroes/ Bunbury más acústicos, con ramalazos de The Cure, The Cult o Skin. Banda muy activa, llegando a sonar con fuerza en el ámbito internacional. No te pierdas su amplia biografía.

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BERNIE MARSDEN (Inglaterra) DISCO: Shine (2014) TEMAS: 13 WEB: http://www.berniemarsden.co.uk Cuando el paso de un músico por una gran banda no deja en la sombra el resto de su carrera es porque estamos hablando de un grande, y porque su trabajo tuvo mucho que ver en el éxito de aquella. Decir que Bernie Marsden fue guitarrista de Whitesnake en siete de sus álbumes, con solos tan emblemáticos como el de “Fool for your loving” o “Don´t break my heart again” entre otros, es decir mucho y poco a la vez, ya que este músico británico posee una extensa carrera. Además de haber formado parte de otros clásicos como U.F.O., Cozy Powell, John Lord e Ian Paice entre muchos otros, tiene en su haber unos 17 discos en solitario, contando el reciente lanzamiento que nos ocupa titulado “Shine”. En dicho trabajo se ha rodeado de grandes amigos, que además son grandes figuras del rock y que aportan a cada tema su arte. Encontramos a cantantes tan emblemáticos como David Coverdale, a guitarristas como Joe Bonamassa o a teclistas como Don Airey (quien actualmente milita en las filas de Deep purple). Un disco sin desperdicio del que me han gustado especialmente temas como “Walk Away” o “Trouble” (ésta última con la voz de su excompañero en Whitesnake, que no ha perdido ni un ápice de su magia) y la exquisita “Dragonfly”. VAN SOBRAOS EN: Calidad compositiva e interpretativa. LO QUE YO CAMBIARÍA: Quizá el incluir tantas colaboraciones hace que el resultado final sea una mezcla de estilos sin una orientación clara. LA SENTENCIA: Un excelente trabajo del que he disfrutado mucho. DRAGONFORCE (Inglaterra) DISCO: Maximum overload (2014) TEMAS: 15 WEB: http://www.dragonforce.com Casi quince años de carrera y sexto álbum de estudio para esta banda que destaca por la impresionante velocidad de sus composiciones, que mezcla con grandes melodías vocales. Para la gente que no haya escuchado nada de este grupo podríamos describirlos como uno de los máximos exponentes del Power/ LaCarne Magazine

por Porras, Manu Herrera, Oscar Trigoso, Carlos Rubio

speed metal. Muchos de sus temas están incluidos en videojuegos como “Guitar Hero” y no son precisamente fáciles de completar. La temática de las letras normalmente están basadas en fantasías épicas. En este último trabajo por supuesto que no faltan estas señas de identidad, pero lo que hace destacar a este banda sobre el resto de grupos de similar estilo es que ellos consiguen crear temas atractivos, y que no llegan a cansar a pesar de la cantidad de notas por segundo que se pueden escuchar en cada uno de sus temas. A través de una producción muy pulida se van desarrollando los cortes de este trabajo con un primer tema perfecto para single con un gran estribillo. En comparación con anteriores discos, “Maximum overload” contiene temas más directos y de una duración menor. Se habla mucho del trabajo instrumental de todos los miembros pero algo que también llama la atención es la faceta vocal del grupo, que con este trabajo sirve para consolidar al cantante Mark Hudson y en el que destaca el gran trabajo de todo el grupo con los coros. Como guiño a algunos fans, en la canción “Extraction zone” hay un guiño a los sonidos de 8 bits de los videojuegos, no en vano muchas veces se les ha etiquetado como “NintendoForce”. Para finalizar, una versión del maestro Johnny Cash, por supuesto, llevada al terreno de Dragonforce, hablamos de “Ring of fire”, que en absoluto queda rara, y que han sabido adaptar muy bien para darle un toque diferente VAN SOBRAOS EN: Velocidad. LO QUE YO CAMBIARÍA: No hay nada que cambiar. LA SENTENCIA: Gran disco, recomendado.

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