LaCarne Magazine N114 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº114 - DIC 2021 - AÑO 11

EXPERIENCIAS

Leo Moracchioli - Triana Mono Inc. - Ska’s Tuo

investigación

Lee Scratch Perry

ENTREVISTAS

Organoclorados - Control Habilis - Supertennis - Juan Navazo - Aminowana Reggae - Mary Jane’s Affair - Lando The Music Man

Escuela de Odio obreros del Hardcore desde Asturias

MÁS INFO

N114 aÑo 11 DIC 2021

SUMARIO

experiencias 06 Leo Moracchioli Y sus nuevas

entrevistas 32 Organoclorados, Post Punk,

10 Una calle para Triana 12 Mono Inc. los Hijos de la Oscuridad 14 Ska’s Tuo, un fanzine dedicado al

38 Supertennis, Pop Rock en estado

versiones metaleras

movimiento Reggae, Ska, Mod y Skinhead

investigación 18 Lee Scratch Perry, el padre del Dub

Psicodelia y sonidos Vintage desde Brasil natural

42 Control Habilis, sólo Rap puro 48 Juan Navazo, compositor y músico de Bandas Sonoras

52 Aminowana Reggae, la libertad musical desde Argentina

58 Mary Jane’s Affair, desde las alturas del Punk Rock

62 Lando The Music Man, bautizado por Chuck D

24 Escuela de Odio

obreros del Hardcore desde Asturias

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

alfonseka, eva maría aroca, omar vega, la chica boom, Jorge Ares, Luis lama * No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Leo Moracchioli y sus nuevas versiones metaleras LEER MÁS

ra. ¿Sabes esa canción taladrante de los dibujos favoritos de tu hijo, o tu sobrina? Pues se va a convertir en tu canción favorita, ya lo verás.

ace poco más de un año os presenté a un artista carismático y divertido, al que bauticé como “El Rey de las Metal Covers”, quien es capaz de hacer una versión Metal literalmente de cualquier canción, os lo aseguro. Él es Leo Moracchioli, un músico noruego de apellido italiano que nos sorprende cada viernes con una de sus versiones en su canal de YouTube.

Leo Moracchioli, El Rey de las Metal Covers Parte II

Y me pareció buena idea hacer un recopilatorio con las últimas canciones, pegadizas y brutales que ha creado este año, y además contaros alguna que otra novedad más sobre el artista.

En el artículo anterior que escribí sobre este artista, mostraba canciones, que para mí al menos han sido totalmente una sorpresa al escucharlas en su versión metal, o canciones que incluso han sido mejoradas con el toque que les da Leo. Además, si contamos que sus videos son totalmente caseros, a la par que divertidos, pues he de reconocer que Leo Mo-

Quédate conmigo, y repasemos el último año de versiones de canciones que ni te imaginas lo bien que suenan en su versión más metale-

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Como os comentaba, le descubría hace poco más de un año, y me enganchó con su buen humor, y lo bien que suena su música, haciendo versiones de todo tipo, desde el último éxito pop, hasta la canción que me toca bailar en los parques de bolas con mi hijo (sí, reconozco que me lo paso bien).

Pero si os apetece más bailar que hacer un viaje a los años noventa, como con la canción de antes, ¡no te preocupes! porque Leo Moracchioli tiene la canción perfecta para ti, a su manera, claro. Boney M - Rasputin (metal cover by Leo Moracchioli) ¿Te imaginabas a Boney M sonando así de brutal? (risas). Ya, y seguro que tampoco pensabas que ibas a hacer “Headbanging” con la canción de la mítica serie Power Rangers… Power Rangers (metal cover by Leo Moracchioli feat. Truls Haugen) O que tú, el más metalero del barrio, de alma oscura y llena de odio, ibas a darlo todo con una canción de Rihanna, ay, amigo… déjate llevar, suéltate la melena, y brilla como sólo tú sabes. Only Girl (In The World) (metal cover by Leo Moracchioli) racchioli se ha convertido en uno de mis artistas favoritos. Recordemos una de sus versiones, justamente con la que le descubrí, y que, como os comentaba, bajo mi punto de vista, la canción es muchísimo mejor que la original (con todos mis respetos hacia Tones and I, artista de la canción original, a quien le mando un saludo). Dance Monkey (metal cover by Leo Moracchioli feat. Rabea & Hannah) He perdido la cuenta de cuantos volúmenes ha lanzado ya en Spotify, pues, como cada viernes presenta una canción nueva, tiene versiones para dar y regalar. Una de ellas es una versión de una de mis canciones favoritas de mi adolescencia. ¿Recordáis a la banda Babylon Zoo y su tema Spaceman? Me encantaba, pero con el toque guitarrero, los guturales, y las revoluciones de Leo, ahora esta canción me chifla.

¿Y qué me dices de sus videos musicales? Siempre divertidos, desde la sencillez, y la comodidad de su hogar, donde tiene su estudio, bajo el nombre Frog Leap Studios.

Leo Moracchioli, reciclando Música

Ahora más que nunca que nos estamos concienciando de la importancia de reciclar, y darle una segunda vida a las cosas, Leo hace más o menos lo mismo, pero con la música. Y, de repente, lanza una canción que estaba casi en el olvido, pero que con su estilo personal consigue volver a ponerla de moda. Es como un reciclaje de canciones. Estoy más que convencida de que los fans más jóvenes de Leo han conocido artistas y bandas de hace tiempo a través de sus versiones, y estas bandas han vuelto a ser sonadas y buscadas, ganando nuevos seguidores. Y hablando de sus fans más jóvenes, una de sus admiradoras más joven es su propia hija, quien ya ha colaborado en más de una LaCarne Magazine

ocasión junto a él, creando versiones para los más pequeños y adorables metaleros y metaleras de la casa. Cover Me In Sunshine (metal cover by Leo Moracchioli & Daughter) O esta otra, una versión de Chicken Wing, una de las favoritas de mi pequeño metalero particular. Chicken Wing Song (metal cover by Leo & Daughter) Y para finalizar, volvemos a nuestra infancia. ¿Os gustaba la serie de dibujos El Inspector Gadget? Era una de mis preferidas, supongo que para Leo también, pues una de sus versiones más recientes es precisamente de la canción de esta divertida serie. Inspector Gadget Theme (metal cover by Leo Moracchioli) Y desde aquí doy por concluido este repaso por el último año de versiones del gran y polifacético artista, Leo Moracchioli, que, por cierto, estará próximamente de gira por Europa con la gente que normalmente le acompaña, bajo el nombre de Frog Leap Band. Una gira que comenzará el próximo 16 de Di-

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ciembre, y continuará por el 2022 hasta el mes de Marzo, concretamente. Una vez más, tenemos que lamentar que España no se encuentra entre los países que el artista visitará, pero por el momento nos conformamos con escuchar su último álbum, creo que va por el volumen 35, que ya está disponible en Spotify, y, por supuesto, no olvidemos que cada viernes tenemos una cita en su canal de YouTube para escuchar una de sus nuevas versiones. Aquí os dejo todos sus enlaces para que sigáis más de cerca todas las novedades sobre Leo Moracchioli. Desde el enlace a su web podéis ver también el merchandise. Espero que os haya gustado, y os hayáis divertido un rato con esta nueva tanda de versiones de Leo Moracchioli.

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MÁS INFO LaCarne Magazine

Una calle para

Triana LEER MÁS

l barrio de Triana es uno de los barrios más conocidos de Sevilla, incluso más allá de nuestras fronteras, gracias a su historia, sus bares, el puente, y su aportación al flamenco, y gracias en muy buena parte a uno de los pioneros del denominado Rock Andaluz, el grupo Triana. Combinó en su trayectoria Flamenco y Rock progresivo. Dicha fórmula fue un éxito, llevando el nombre de su barrio y su música por cada rincón de la península. Este grupo musical está considerado por la revista Rolling Stones como uno de los 50 mejores del Rock español (yo la pondría en primer lugar) gracias a la mezcla de flamenco y Rock, y que caló de forma profunda en la ju-

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ventud de aquella época, y que sigue calando a todo el que la escuche por primera vez. Sus canciones como El Lago, Abre la puerta o Sé de un lugar son auténticos himnos de nuestro Rock.

Una calle para Triana

Triana tuvo 3 etapas, la primera más progresiva y su mejor etapa, donde sacaron los discos de El Patio (1975) Hijos del Agobio (1977) y Sombra y luz (1979). En la segunda etapa variaron algo el sonido, y sacaron Un encuentro (1980), donde se encuentra la fabulosa canción Tu Frialdad. Por desgracia, es en esta etapa cuando Jesús de la Rosa tuvo el fatídico accidente, el cual nos arrebató a un genio de la música. En la tercera etapa se encuentra el polémico regreso, primero en 1997 con Tele Palacios, Juan Reina o Pepe Bao, que formaron una nueva banda con el nombre de Triana, y saca-

juria. Según sus palabras, no merecen una calle sino un monumento, pero una calle para homenajear a la banda sería un gran comienzo. Por ello hace casi un mes inició una campaña en Change.org para que le dedicaran una calle por su aportación musical gracias a su estilo propio y a su trayectoria. Es una deuda que tenemos con esta gran banda, con la cultura sevillana, andaluza, y con la cultura a nivel mundial, y que sirva como homenaje a todos los miembros de Triana. Por desgracia, la petición no ha tenido la respuesta que merecía, ha sido de apenas 500 firmas. Oscar se mostró decepcionado ante la baja recepción a esta iniciativa. Sirva este artículo para apoyar la petición de Oscar para darle una merecida calle a Triana, y sumar (como aportación propia) a Vicente Mariskal Romero, gracias a su trabajo de promocionar el Rock en castellano, y por impulsar, mediante Chapa Records y los medios de comunicación, a tantos grupos.

ron los álbumes Un jardín eléctrico (1997) y En libertad (1999), el cual fallecería también en 2002; y posteriormente Juan Reina en 2007 volvería a usar el nombre de Triana para sacar con otros músicos el disco Un camino por andar (2007) e Inmortal (2018). Esto conllevó a una batalla legal por los derechos de la banda entre Eduardo Rodriguez ”Rodway”, el único miembro original de la banda vivo, y Juan Reina. España es un país donde no se valora la creación musical como debería, y especialmente el Rock, miramos hacia fuera de nuestras fronteras y subestimamos las nacionales. Igual pasa en las instituciones, pocas ayudas, pocos reconocimientos a los músicos, y son muy pocas las calles dedicadas al Rock patrio, como la Calle Rosendo, la de los Héroes del Silencio o Los Suaves, pero hacen falta muchas más, y una de ellas a Triana, que es la que pide Oscar Sancho, vocalista de Lu-

Entre los grupos de música que a mi entender merecen mínimo una calle estarían los nombres de Lujuria, Banzai, Barricada, The Buzzos, Kortatu, Reincidentes, Porretas, entre muchísimos más grupos que merecen mínimo una calle por su aportación musical, y formar parte de la banda sonora de muchísimas personas. Respetemos la música, mejoremos la educación musical, y respetemos a los maestros. Pidamos a nuestras instituciones apoyo, ayuda, y reconocimiento a nuestras bandas. Triana merece esa calle por todo lo que ha dado a Andalucía y a todos los países de habla hispana. Desde la revista os invito a que firméis y ayudéis a hacer posible el merecido homenaje a Triana, firmad, y, si no conocéis su música, escuchadla, y veréis la gran influencia de Triana en grupos de nuestro país y más allá de nuestras fronteras. No os arrepentiréis. Una calle para Triana LaCarne Magazine

Mono Inc.

los Hijos de la Oscuridad Mono Inc., Children of The Dark

ono Inc. dicen que son los hijos de la oscuridad, pero lo cantan con un buen rollo que más bien aportan mucha luz al Rock Gótico. Recientemente vi en la televisión un concierto de ellos, de Mono Inc., y quedé prendada de su música y estilo, que tanto me ha recordado a aquellos tiempos en los que yo cantaba. Ha llovido bastante desde entonces… Pero me gustaron tanto que investigué más sobre ellos, y me han ido gustando más y más, tanto que no me puedo quitar de la cabeza la melodía de su canción Children of the Dark, tema que han vuelto a lanzar hace dos meses aproximadamente.

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Procedentes de Hamburgo, Alemania, ellos son Mono Inc. Esta banda que fue creada por Miky Mono (Voz principal, y bajo de 2000 a 2006), a quien se le sumó Carl Fornia, (Guitarras), y Martin Engler (batería). En el año 2006, Miky decidió abandonar la banda. Lamentablemente falleció en el 2010, en un accidente de paracaídas, por lo que Mono Inc. pasó a continuar con la siguiente formación: Martin Engler (Voz principal, antes a la batería), Carl Fornia (Guitarras, coros), Manuel Antoni (Bajo, coros), y Katha Mía (Batería, coros). Siendo Katha la última en incorporarse a la banda, y que con su dulce voz le da un toque místico a la banda. Mono Inc. cuentan ya con once álbumes de estudio desde el año 2004 hasta el 2020, dos

Mono Inc.

Su último álbum, The Book of Fire, fue lanzado el pasado 24 de Enero de 2020. Un álbum en el que echan la vista atrás en la historia, y hablan de todo el conocimiento perdido debido a la inquisición, torturas y persecuciones, y en general un repaso por una cruda Edad Media, en la que nos cuentan la historia de Aellin, una joven sanadora a quien calificaron de bruja, y castigaron por los conocimientos que sabía. Ellos mismos dicen que este álbum es una montaña rusa de emociones, donde te dejas llevar por himnos hipnóticos, e incluso derramar alguna lagrimita con sus baladas. Tienen previsto lanzar la versión “Platinum” de The Book of Fire para el próximo mes de diciembre, una edición especial de tres CD’s, fotografías, y más… Además de que ya tienen fechas para su gira europea para el próximo 2022, de la cual ya se pueden adquirir las entradas, aunque los fans españoles no vamos a tener la suerte de verlos en directo en nuestro país, pues no está incluido España en los países que visitarán.

álbumes recopilatorios, y cinco EP’s. Han contado con varias colaboraciones a lo largo de su carrera, como las de Lisa Middlehauve (Ex – Xandria) para el tema Teach Me to Love, y Joachim Witt, Tilo Wolff (Lacrimosa), y Chris Harms para el tema Children of the Dark, que fue lanzado por primera vez en el año 2016, y, como os contaba anteriormente, ha sido re-editado y re-lanzado hace aproximadamente dos meses. En el año 2009, con la publicación de su cuarto álbum, Voices of Doom, tuvieron la oportunidad de salir de gira con las bandas Sbway to Sally y Asp por toda Alemania y Suiza. También han actuado en festivales como el Mera Luna.

The Book of Fire, el último trabajo de

Pues lo dicho, maravillada con esta banda que me transmite muy buena vibra. Ojalá la próxima vez puedan venir a España, porque me encantaría disfrutarlos en directo. Y como siempre os digo, si os ha gustado leer el artículo, y conocer a esta banda germana, Mono Inc., no olvidéis seguirles en sus redes sociales para estar a la última con todas sus novedades. Un abrazo muy fuerte para todos. Cuidaos mucho. ¡Hasta la próxima!

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Ska’s Tuo

un fanzine dedicado al movimiento Reggae LEER MÁS

l pasado 7 de Octubre tuvimos el placer de asistir en la librería La Industrial de Zafra (Andrés Pro nº 3B) a la presentación de un nuevo Fanzine, Ska’s Tuo, dedicado al movimiento Reggae, Ska, Mod y Skinhead (no confundir con los Boneheads, ver artículo de La Carne Magazine Música Oi! El estilo más desconocido y criticado). Este fanzine surge, como ellos dicen, de la Extremadura profunda, aquí en mi ciudad, gracias a Ángel y Abel y todos los que colaboran en él.

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El nombre del fanzine, Ska’s Tuo, surge de la mezcla de las palabras Ska, género musical de origen jamaicano que fusiona ritmos afroamericanos con ritmos caribeños, y Castúo que es el idioma de Extremadura, el cual se está intentando que no se pierda mediante asociaciones como OSCEC.

Ska’s Tuo, un fanzine dedicado al movimiento Reggae, Ska, Mod y Skinhead

La presentación de Ska’s Tuo duró aproximadamente 1 hora, pero después hubo una escucha de vinilos de Reggae y Ska para delicias de los asistentes. Fue una buena charla con muy buenos datos e historias sobre el movimiento skin y ska de una forma amena y entre-

plicar y difundir la historia del movimiento skinhead desde los años 60´s hasta la actualidad, y de cómo una música tan lejana como el Reggae o el Ska ha llegado a sonar en un entorno como Extremadura y dejar huella en sus gentes. En este número de Ska’s Tuo se habla de Trojan Records, de Sharp (skinheads anti prejuicios raciales), del movimiento skin en Extremadura, de los Mods cacereños, entrevistas, un comic recuperado del fanzine zafrense “La Falacia”, y muchas cosas más. Ser skinhead nace de la unión de la cultura jamaicana con la blanca, de la clase obrera, por eso el movimiento Skinhead es y será únicamente antifascista. Que no te engañen. Una de las entrevistas es al extremeño Pedro Caballero, que pasó de estudiar en el Conservatorio de Música de Cáceres (tocando el saxofón) a tocar en Kingston (Jamaica) con el gran Ken Boothe y grabar varias pistas con él. Hablan también de Kalorroi! de Plasencia, una banda que ha compartido escenario con grandes de la escena Oi! como Non Servium o Kaos Urbano y Extremeñoi, haciendo Punk/ Oi! muy bueno y además con las letras en castúo.

e, Ska, Mod y Skinhead tenida. Gracias a la librería La Industrial por permitir que se realizara la presentación allí, y por hacer tantos actos culturales y musicales en sus instalaciones. Pudimos ver extractos de documentales como This is Ska, y sobre el movimiento Skinhead en Inglaterra, y sobre cómo el National Front usó a algunos de los skinheads para su beneficio e inocularles el virus del nazismo, quedando así manchada para siempre la imagen del skinhead. Por desgracia, si no conoces el movimiento Skin y escuchas el término Skinhead u Oi! automáticamente se relaciona con el nazismo, cuando no tiene nada que ver. En este fanzine, Ska’s Tuo se pretende ex-

Ska’s Tuo está teniendo un gran éxito. En poco menos de un mes vendieron más de 200 unidades, y sigue subiendo a pasos agigantados, siendo también entrevistados en Radio Vallekas. Por 4 eurinos aprenderás la historia del movimiento skinhead, tanto a nivel general como a nivel de Extremadura, conocerás gente muy interesante y muy buenos artículos. Espero que el Fanzine tenga buena distribución, y llegue a todos los rincones posibles. Se lo merecen. Se echaba de menos por esta zona la creación de fanzines. Nunca hubo aquí un gran boom, pero sí había bastantes, incluso unos amigos y yo quisimos hacer uno llamado S-Gato, pero la cosa no salió a flote. Están orgullosos de representar a Extremadura y su escena musical, manteniendo su esencia y sin renegar de sus orígenes ni de su lengua para relacionar el fanzine con Extremadura. LaCarne Magazine

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Lee Scratch Perry el padre del Dub LEER MÁS

volvemos a Jamaica, amigos! En esta nueva entrega os quiero hablar de un personaje muy particular, no sólo por su aspecto y su forma de afrontar la vida, también por la innovación que supuso que este pequeño hombrecillo estrafalario se pusiese detrás de una mesa de mezclas, desarrollando el más cool de los estilos jamaicano, el Dub. Hablamos del recientemente desaparecido Lee Scratch Perry.

Lee Scratch Perry, el padre del Dub

Rainford Hugh Perry nació el 20 de marzo de

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1936 en Kendal, Jamaica, procedente de una familia de trabajadores de la parroquia Hannover. Su padre acabó convirtiéndose en bailarín. Dejó muy joven los estudios, y con 15 años se dedicaba a vaguear por la ciudad y sacarse algún dinero jugando al dominó. Al poco tiempo, la familia se trasladó a Clarendon, donde empezó a trabajar en el mundillo de la música, primero como bailarín, ganándose el apodo the neat little thing. Os dije al principio que Lee era un personaje muy particular, pues bien, allá va la primera: tras un tiempo en Clarendon, decidió irse a Kingston a partir de una experiencia extrasensorial. Tuvo una conexión mística con las piedras de un río cercano. En palabras del propio Lee Scratch Perry, “cuando las piedras

de talentos y audicionista. También produjo algunos discos de bastante éxito (entre otros ayudó a lanzar la carrera de nuestros queridos Toots And The Maytals o Delroy Wilson), pero no se sentía nada valorado, y abandonó Studio One. Pronto empezó en Amalgamated Records junto a Joe Gibbs (otro de los magnates de la industria musical jamaicana), pero esta unión no fraguó demasiado bien, y en 1968 estaba firmando su propio sello, Upsetter Records (mismo nombre que le dio a su banda, The Upsetter). Su primer single fue People Funny Boy, donde se metía con su antiguo jefe Gibbs. Consiguió vender sólo en Jamaica 60.000 copias. En 1973, Lee Scratch Perry construyó en un granero detrás de su casa el estudio, tal vez, más famoso de Jamaica, y donde se germinaría el futuro de la música electrónica. Le llamó The Black Ark, y ahora, por fin, tenía control absoluto sobre sus producciones y las de sus principales artistas: Junior Byles, The Heptones o Max Romeo, entre muchos otros.

chocan, escucho como chocan los truenos… y escucho palabras… estas palabras me envían a Kingston, que significa King’s Stone, la piedra del rey… la piedra que estaba tirando en Negril me envía a Kingston para mi graduación”. Bueno, visto así, pensaréis: madre mía qué colgado, y un poco sí, para qué engañarnos. Pero también es verdad que la idea que tenía Perry de la música se salía de todo canon impuesto, y esa chifladura musical le llevó a experimentar hasta límites insospechados. Por suerte, a finales de los 50, ya en Kingston, estaba trabajando en Studio One como ayudante del todopoderoso Coxsone Dodd, primero como asistente, y luego como buscador

Como decimos, las producciones se volvieron más particulares y lujosas, con un sonido propio que fascinaba a todo el mundo. Detrás de Lee Scratch Perry está prácticamente todas las producciones de la época. Durante estos años todo fue una locura, grabó con mogollón de artistas jamaicanos, y es el responsable de los tres primeros discos de Bob Marley and The Wailers, cuyo éxito ya siempre estará ligado a nuestro hombrecillo. Además, también trabajaba en temas propios junto a su banda, y siempre experimentando con su mesa de mezclas. Sin embargo, a finales de los 70 los nuevos ritmos imponían un cambio, y Lee Scratch Perry se estresó con el tema bastante, hasta el punto de quemar su propio estudio (hay mucha historia alrededor de esto, y no se sabe con seguridad qué pasó). Tras desaparecer The Black Ark, se marcha un tiempo a Inglaterra y después a EE. UU., donde hizo bastantes actuaciones en directo y colaboró con muchísimos y variados artistas. LaCarne Magazine

En 1984 conoció a Marcus Upbeat, y juntos trabajaron en disco para Trojan, Battle Of Armagideon, que pondría a Lee Scratch Perry de nuevo en la escena musical del momento. Tras el disco comenzó a trabajar con Mad Professor, el gran productor inglés de música jamaicana. Finalmente, en 1989, se estableció definitivamente en Suiza, desde donde no paró de producir música. De hecho, siguió produciendo y dando conciertos hasta 2021, cuando nos dejaba, el 29 de agosto en Lucea, Jamaica. Pero ¿cuál era la magia real de Lee Scratch Perry? ¿Qué es realmente eso del Dub y su innovación? Metámonos en materia. El Dub es un género de música electrónica que surgió a partir del Reggae a finales de la década de los 60, y que después se ha ido desarrollando, extendiéndose muchísimo más allá del Reggae o la música jamaicana. Principalmente se trata de remezclar parcial o completamente instrumentales de grabaciones ya existentes (los riddim), manipulando y remodelando y utilizando efectos de estudio como el eco y la reverberación, o el doblaje ocasional de voces.

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Entre los artistas más destacados de este género pionero encontramos a Lee Scratch Perry (obviamente), Osbourne “King Tubby” Ruddock, Errol Thompson o Augustus Pablo. Estos artistas miran por primera vez la mesa de mezclas como un instrumento, y el experimento no les salió nada mal, pues ha influenciado mucho en géneros posteriores, convirtiéndose en la base de estilos como el Jungle o Drum and Bass. Como veis, Lee Scratch Perry era todo un masca, no sólo produjo muchos de los discos más famosos de Reggae del mundo, sino que además supo reinventarse en cada una de las épocas que vivió. Vamos, mitiquísima será para siempre su colaboración en Dr Lee, PhD del Hello Nasty de los Beasties Boys. Incluso fue modelo para Gucci a los 84, porque a estrafalario tampoco le ganaba nadie. Qué pena, murió el padre Dub, en plena pandemia, y cuando más falta nos hace un fiestón… Así que, ya sabéis, un Heart the Congos y a darlo todo con la sativa.

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escuela de odio

obreros del Hardcore desde Asturias desde Asturias

on casi 30 años musicalizando desde su natal Langreo, inspirados en la desindustrialización del pueblo que los vio nacer, nos comunicamos con Pirri, voz y letras de la banda Escuela de Odio, obreros del Hardcore desde Asturias, quien aparte de estar tele-trabajando con varios streams desde el año pasado, se mantuvo enfocado preparando el nuevo álbum Y nada más que la Verdad, que ya salió a la luz pública. Amablemente nos abre la puerta de su combativo corazón en exclusiva para LaCarne Magazine.

Escuela de Odio, obreros del Hardcore 24 LaCarne Magazine

Saludos cordiales desde La Paz de Bolivia, a faldas de la Cordillera Real de Los Andes, en el corazón de Sud América. Gracias nuevamente por la confianza y colaboración. Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos de bioseguridad, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente? En el momento actual, en nuestra zona, casi todo está recuperando su “pulso normal”, así pues nuestras vidas laborales y personales están desarrollándose de una manera muy cercana a la vida pre COVID. En lo musical, es curioso que no acaben de levantarse las medidas de seguridad que en otros ámbitos “culturales” ya están casi desapareciendo. Se sigue manteniendo la distan-

gos del pueblo… ¿Cuál es la formación actual de Escuela de Odio? En la actualidad Escuela de Odio somos Pirri (voz), Marqui, Neftay Nague (guitarras), Sabi (bajo), Jorge (batería) y Gus (FOH, productor, road-manager). ¿Qué estilos musicales han influenciado en su sonido? El Hardcore, Punk y Thrash Metal de los 80 y 90. ¿Cuáles fueron sus referentes musicales para Escuela de Odio? ¿Qué grupos o artistas los han marcado? Sería un gran batiburrillo, seguro que me voy a dejar muchos, pero vamos allá: Agnostic Front, Minor Threat, Youth of Today, Gorilla Biscuits, Ramones, The Clash, Kortatu, Eskorbuto, Anthrax, Nuclear Assault, S.O.D., S.O.I.A., Dead Kennedys, Rykers, Ratos de Porao, Overkill.

cia social, el aforo reducido, y la imposibilidad de vender merch en los conciertos, lo que hace especialmente difícil para bandas como la nuestra financiar dichos conciertos. En este sentido podríamos decir que Escuela de Odio nos mantenemos “expectantes”, como -casi te diría- que la mayoría de formaciones del estilo. Una breve reseña de la banda, ¿cuándo y dónde nace Escuela del Odio? Escuela de Odio nace en el verano de 1993 en La Felguera (Langreo- Asturias) ¿Por qué del nombre? Hombre, creemos que se podría definir la civilización humana en aquel momento, y quizás más, en el actual como una Escuela de Odio para fomentar la división y los enfrentamientos entre semejantes, y desviar la atención sobre los verdaderos enemi-

Con textos reivindicativos y de protestas, anticapitalistas sobre todo, desde 1993 Escuela de Odio vienen marcando aproximadamente 12 álbumes. ¿Qué discos recomiendan para tomar en cuenta o empezar la conexión con la banda? Si llegases completamente de nuevo a aproximarte a la banda, creemos que un buen comienzo sería escuchar el disco XXV, publicado hace un par de años con motivo de nuestro 25 aniversario. En él te encontrarás temas de todas las épocas, con la rabia y el sonido actual de Escuela de Odio. Creemos que refleja muy bien lo que te puedes encontrar en un directo actual de la banda, y demuestra bien a las claras nuestras intenciones en lo que es el contenido en letras. El nuevo álbum de Escuela de Odio salió el 26 de marzo de la mano de Potencial Hardcore. Los pude observar en sus redes sociales firmando autógrafos en la Feria Hispano Lusa de la Industria Musical (FHLIM). Qué maravilloso y emocionante culminar un ciclo para empezar otros, ¿qué nos pueden comentar de la nueva placa discográfica? ¿Algunas anécLaCarne Magazine

dotas de su producción? La misma forma de gestación de este Y Nada Más Que la Verdad podría considerarse como una anécdota en sí misma. Es la primera vez que Escuela de Odio nos concentramos plenamente en la composición de un disco de forma, por así decirlo, exclusiva. Evidentemente, debido a la situación de confinamiento y ausencia de conciertos motivada por el COVID, originalmente iba a ser un EP que se iba a publicar en el verano de 2020. La situación, la imposibilidad de tocar en directo hizo que Escuela de Odio volcásemos nuestras energías en seguir escribiendo nuevo material, dando así lugar a un LP. Escuela de Odio soltaron tres singles como adelanto del nuevo disco, cada uno con su respectivo video oficial, donde me llamó la atención el primer sencillo Emergencia, que habla del COVID19, de muertos, confinamientos y mascarillas, sobre cómo nuestras vidas han cambiado para siempre. Estrenado a medio mes de febrero, ¿qué nos pueden comen-

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tar de la canción y su realización en video? La letra de la canción se empieza a gestar con aquellas imágenes terribles, sobrecogedoras, de camiones militares llenos de ataúdes que salían de los hospitales, con diversos destinos según el país, crematorios gigantes, palacios de hielo como en Madrid… En fin, todo lo que parecía intocable de repente se tambalea, y te golpea con crudeza la realidad de que todo lo que te han impuesto de la noche a la mañana lo cambiarán y lo aceptarás… sin más. Para el video, Gus interpretó el concepto del tema, creemos que con gran acierto, buscando una estética, un encuadre atemporal, que permita que el vídeo no “caduque” con el paso del tiempo y la superación (si es que llega algún día) de la situación que la provocó.

Los ricos cada vez más ricos, los pobres cada vez más pobres. La triste realidad del mundo capitalista en el que

vivimos

Como buena estrategia promocional, Escuela de Odio estrenaron el segundo single Diamantes y Miseria y una semana después lanzaron el tercer adelanto Ni un paso Atrás. ¿Cómo les fue con la producción en referencia al lanzamiento del nuevo álbum? ¿Algunas anécdotas de las realizaciones? Siempre disfrutamos del proceso de creación y producción de un nuevo disco. En este caso yo te diría que quizá un poco más al ser lo único que, como banda, podíamos hacer. Respecto a los vídeos que comentas, son dos conceptos distintos. Por un lado en Diamantes y Miseria optamos por un formato al estilo making off, que es muy divertido, grabas tomas mientras estás en el Estudio, en el local, y luego cuando lo ves montado es muy entretenido, a mí personalmente me gustan este tipo de vídeos. En Ni un Paso Atrás optamos por algunas localizaciones, como una fábrica abandonada

por la zona en la que vivimos, una instalación enorme, un ejemplo de arqueología industrial que da mucho qué pensar. Los exteriores los grabamos en nuestros barrios de La Felguera. Ya te digo, el no poder tocar hace que disfrutes más de lo habitual todo aquello que haces con la banda, porque no te queda otro remedio si quieres, pero el caso es que lo disfrutas mucho más. Cerrando el fatídico 2020, Escuela de Odio dieron un show (27 diciembre) desde los Breakdown Studios de Gijón transmitido por el Canal YouTube. El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el año pasado con la llegada de la pandemia. Actualmente, ¿cómo está la actividad Cultural en su región y país? Pues ya te he comentado un poco en la primera pregunta. Actualmente para poder meter 100 personas en un concierto, para acomodar a las condiciones de las autoridades, necesitas una sala de 500 personas, cuyo alquiler evidentemente es ya de por sí bastante alto. No puedes vender merch, y la gente, entre sentados y distancia… puff… En un concierto de Escuela de Odio, las sillas por norma general volarían. Otras bandas más del tipo Metal pueden adaptarse a esta situación. A nosotros se nos hace imposible, esperamos por el avance a mejor de la situación.

Lo Político es…

Lo político es tan infinitamente difícil de digerir porque lo es casi todo, desde el precio del pan hasta la falta de empleos (como usted dice en previas entrevistas). Nos gusta seguir a los políticos que ahora parecen ser parte de un reality-show. Los políticos serviles de los Estados Profundos inspiran en demasía como el ex mandatario Donald Trump, casi un cómico amargo en lugar de presidente. ¿Qué experiencias pueden comentarnos desde su trinchera musical respecto a su activismo político y su música Hardcore? El Hardcore y el activismo ayudan enormeLaCarne Magazine

mente a reducir las distancias. Es impresionante estar, por ejemplo, en Chile, a más de 12.000 kilómetros de casa, y ver que el ambiente del concierto es prácticamente igual que el que tenemos aquí. La sensación de hermandad, de pertenencia a algo que está por encima de ti y de los que te acompañan, es algo sencillamente inexplicable. Mientras Palestina es atacada por Israel, Colombia con sus políticas profundas que mantiene en guerra por décadas a sus pueblos, Armenia clama justicia y libertad, en todo lado los gobernantes con sus genocidios democráticos. ¿Cómo se encuentran en la lucha que continúa bajo la canción y música de la Escuela de Odio? Es evidente. Desde nuestro comienzo, no es que las cosas no hayan cambiado, es que han empeorado, pero, más allá de lo que indicas, lo que más nos preocupa es cómo poco a poco han conseguido sembrar la división, el enfrentamiento, la envidia. Por lo tanto, nuestros textos de hace casi 30 años siguen siendo vigentes y presentes, por lo tanto… “sólo nos queda luchar”.

Ni Olvido, ni perdón

1934 (octubre) marca 85 años de la Guerra Civil por su territorio. Acá en ese año se iniciaba la Guerra del Chaco entre Bolivia y Paraguay, pero ahora en el Estado plurinacional de Bolivia ni se la recuerda u honra en la educación primaria porque no le conviene. El control de los Estados Profundos es tan grande que si allá en fecha 12 de octubre marcan por el Día de la Hispanidad, acá antes era parecido ese “nombre de festejo”, pero, con la llegada de la corriente fundamentalista e indigenista, ahora lo llaman contrariamente el Día de la Raza o del Indio (Indígena) porque les conviene a los gobernantes mantener con discursos y fechas a las masas subyugadas. También tomamos partido en la crítica a la dominación, explotación, conquistas, guerras, masacres, como usted bien dijo en sus redes sociales: “no tenemos nada que celebrar más que 500 años de resistencia indígena, negra

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y popular”. Acá el Reino de España se mantiene operando por debajo bien camuflado (desde la imposición del lenguaje Castellano en todo el continente, borrando miles de lenguas y culturas). Me animaría a decir que en toda Latinoamérica. Como, por ejemplo, en la ciudad donde vivo, La Paz, se encuentra la Sede Política Gobierno del Estado Plurinacional de Bolivia, que cuenta con un par de estatuas dedicadas entre otras a la Reina Isabel la Católica, Cristóbal Colón, entre otros. “Asturias Obrera y dinamitera, qué te están haciendo, que nadie se entera…”. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para

ustedes como banda? ¿Qué temas los identifican con su público? A la vista de la reacción del público en los conciertos, diríamos ¡Asturies Arde!, Canciu de Lucha, Una Vida Marcada…

La Lucha Continúa

Escuela de Odio cumplen 28 años de su primer concierto en apoyo a los trabajadores de Duro Felguera, como lo pude ver en sus redes sociales. Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida? El concierto que Escuela de Odio tenemos grabado y publicado bajo el título Chile Arde, el de Arena Recoleta en Santiago… una locura.

En Cuba el régimen castrista tiene por lo menos a 5 rimadores encarcelados, activistas líricos que han cantado en contra de la dictadura maquillada de Comunismo.

Pablo Hasel aproximadamente el 6 febrero cayó preso por denunciar a la Corona y Los Borbones (que son unos ladrones) como todos los servidores públicos del Estado Profundo.

Pronto en Bolivia, al retorno del “reality man” Evo Morales (si el diablo quiere), nos meten presos y dividen aún más a su gente, territorio e idiosincrasia, ya que lo que cambiaron de nombres -República a Plurinacional- al Estado boliviano es una distracción para seguir con la LaCarne Magazine

Foto por Aitzol ZL

esclavitud y control. Divide y conquistarás, decía Napoleón. Acá nos tienen bastante divididos y confrontados. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. Paciencia, constancia, ausencia de prisa y convencimiento. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la vida? “La Lucha Continúa”. Me encanta ver el Merch de Escuela de Odio, entre gorras SnapBack, pantalones cortos. Me levanta el ánimo ver que se puede ir más allá de lo establecido por las industrias musicales, que nos embotan de sus estrellas impuestas y falsas. ¿Cómo les fue con su producción independiente y auto-gestionada? Pues verdaderamente ha sido una buena inyección económica para sufragar otros gastos de la banda. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus

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medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro del planeta, ¿qué proyectos se vienen para Escuela de Odio? A muy corto plazo, comenzar a tocar lo primero que se pueda, a ver si se puede en el otoño. Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Escuela de Odio. Nunca olvidaremos la lucha. Nunca olvidaremos las calles… Cerrando la presente edición, veo que se ha confirmado la tan esperada actuación en vivo para celebrar la vuelta a escenarios tras 20 meses de inactividad. La banda se presentó a fin de octubre en Oviedo, y comenzando noviembre en Madrid, iniciando la promoción del nuevo álbum en “…y nada más que la verdad Tour”, un disco cargado de honestidad, energía, lucha, y optimismo ante la vida desde Asturias para el Mundo entero.

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Organoclorados

Post Punk, Psicodelia y sonidos Vintage de

n mi búsqueda siempre encuentro bandas de propuestas muy interesantes, y éste es el caso de Organoclorados. Ésta es una banda de la ciudad de Alagoinhas, en el estado de Bahía, Brasil. La idea de formar la banda surge luego de las composiciones de canciones, y es cuando deciden armar la banda. Contacté con Artur, quien es guitarrista y vocalista, para que me brindara más información sobre la banda.

Organoclorados, Post Punk, Psicodelia y sonidos Vintage desde Brasil 32 LaCarne Magazine

Organoclorados es una banda que se consolida en el 1990, pero creo que tiempo antes ya se venía gestando la agrupación. ¿Podrían contarnos brevemente sobre los inicios de Organoclorados? En la década de 1980, yo (Artur) ya tocaba la guitarra. Había empezado a crear algunas melodías y secuencias de acordes en un intento de componer canciones, y también escribía algo de poesía. En la universidad, un amigo que escribía poesía y textos fue mi compañero en la composición de la canción Princípio Ativo. Fue solo por diversión, y tocamos esta canción para colegas de todas partes. Después de unos meses y cinco canciones compuestas en esta asociación, decidimos que era hora de comenzar una banda, y buscamos otros miembros. Entre 1985 y 1990

el Blues, y hasta un poco con la Música Flamenca. Claro, tenemos ingredientes de ciertos estilos de la música brasileña, sobre todo de la región donde vivimos. De vez en cuando exploramos algunos sonidos exóticos. Por otro lado, la literatura simbolista, el nihilismo, y algunas ramas de la filosofía también nos influyen mucho. En el 2001, Organoclorados sacan el álbum titulado Princípio Ativo. Háblame un poco sobre este disco, temas, la forma en que lo han promocionado… Después de decenas de conciertos, algunas grabaciones experimentales en estudio y en vivo, algunos estudios de teoría musical y varias composiciones terminadas, nos lanzamos a la lucha por producir un álbum. Hubo muchas dificultades: sin dinero, viviendo en una ciudad en el interior de una región pobre de Brasil, no había avances tecnológicos de hoy, y éramos músicos independientes, sin emprendedores.

esde Brasil tuvimos dos bateristas, tres bajistas y dos vocalistas diferentes, pero seguimos componiendo, armando un repertorio autoral y realizando shows. Una formación realmente consolidada sólo se produciría en julio de 1990. ¿Dónde ubicamos la música de Organoclorados? Podemos encontrar blues, punk, con su toque psicodélico representativo de aquellos años de la década de los 60. Nuestra música es un crisol de influencias, referencias y gustos variados, siempre acalorados, hirvientes. Las bases provienen del Punk y el Post-Punk, pero absorbemos mucho de otras corrientes, como el Rock Psicodélico y los sonidos Vintage de las décadas de 1960 y 1970. Organoclorados coqueteamos mucho con

Organoclorados cerramos un trato con un estudio local, y comenzamos a grabar, financiado por nuestros ahorros personales y los ingresos de algunos de los eventos que produjimos. Para diseño gráfico y fotografías contamos con la ayuda de amigos. Para la producción del disco en el sello discográfico (prensa, editorial, portada etc.), tuvimos la idea de realizar una campaña de preventa, en la que amigos, familiares, fans y público en general firmaran una lista y pagaran por adelantado para su álbum, como si se tratara de una reserva con prepago. Atención: ¡todo manualmente! No había red social, ni aplicaciones. Y nadie ni siquiera soñó con considerar el nombre de “crowdfunding”. Y así se produjeron 1.000 copias de un disco que cuenta con 13 temas que tratan de los temas que más amamos, y que sirvió de tarjeta de presentación para nuestro trabajo musical, un panorama de nuestra estética. Entre las canciones, está la que dio origen a Organoclorados (título del disco), nuestras raíces Post-Punk, toques Flamencos, Rock’n Roll básico, algunos experimentos sonoros y letras contundentes, críticas e irónicas. LaCarne Magazine

En el 2005 Organoclorados realizo un DVD de una de sus presentaciones. Coméntanos sobre este material. Después del lanzamiento del álbum en CD, fue una época en que los videos estaban de moda. Los DVD fueron la nueva forma de acercar al artista al público. Habíamos realizado un mini-tour en espacios culturales, bares y varios escenarios en Salvador (capital y ciudad más grande del estado de Bahía), y en varias ciudades cercanas. Regresamos para un gran show en nuestra ciudad natal, producido por la banda, y André (bajo) nos dio la idea de grabarlo en video. Como el resultado fue muy bueno en cuanto a calidad (para los estándares de la época), a pesar de ser una producción modesta, comenzamos a grabar en DVD, y luego a comercializar para hacer una reserva que pudiera financiar nuevas producciones. El DVD contiene nuestro programa, con canciones con derechos de autor (algunas que no estaban en el primer álbum) y algunas interpretaciones de canciones de otros artistas de Rock brasileños e internacionales. También hay un informe sobre la banda, que se transmitió en la televisión regional. Hubo un tiempo en que Organoclorados se mantuvo alejada de los escenarios, y no es hasta el 2012 que regresan a realizar presentaciones. ¿A qué se debió este periodo inactivo? Fue un período muy difícil. Hubo un evento violento y trágico que victimizó a personas muy queridas de mi familia y André (somos primos), y muy cercanos a todos en Organoclorados. Tuve una especie de bloqueo mental creativo, y me fui de la ciudad. Joir (batería) tuvo problemas de dolor de espalda severo, y comenzó la fisioterapia. Además, menos de un año después de la tragedia, a mi madre le diagnosticaron cáncer y tuve que dedicarme de lleno a apoyarla durante el tratamiento. Los ensayos fueron pocos, sin todos los presentes, y no nos sentíamos cómodos en público.

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Con el EP lanzado en el 2016, hay nuevo integrante en Organoclorados. ¿Este nuevo músico le dio más energía a la banda? ¿Qué tal fue recibido este EP “Organoclorados”? El quinto elemento comenzó a hacer shows en 2014, mas entonces lo veo participar de grabaciones en estudio a partir de 2016, cuando comenzamos a producir el álbum Quântico, que sería lanzado en 2018. La música del EP de 2016 fueron grabadas por el mismo cuarteto del Princípio Ativo. La incorporación de Alan a la segunda guitarra trajo una nueva dinámica a la banda, por varias razones. Roger, que solía estar dividido

copias se agotaron). Así que creo que la recepción fue muy buena, tanto que se agotó rápidamente y ganamos admiradores que antes no conocíamos, aumentando así nuestra base de fans. Con el disco realizado en el 2018 la banda logró hacer algo nuevo en su país, no solo fue lanzado en CD el material, también en otras variantes. Durante la producción y grabación de las canciones, y también en las interacciones con el público y otras bandas en eventos y conciertos, nos quedó claro el gran dilema que es producir un disco físico en la actualidad. La gente en general busca música digital, los autos vienen con un puerto USB en lugar de un reproductor de CD, los servicios de música comenzaron a ganar un espacio cada vez mayor entre los jóvenes. Tuve la idea de ofrecer nuestra música en un formato de unidad flash con conexión USB, pero los dispositivos eran pequeños, deslucidos y sin espacio para el arte. Hasta que un día encontré la tarjeta-drive o tarjeta musical con posibilidad de personalización. Similar a una tarjeta de crédito, cabe en su billetera, fácilmente portátil y le permite tener arte que la hace muy hermosa.

entre dos instrumentos, ahora puede dedicarse mejor a los teclados. Me volví más libre con la guitarra para desarrollar los arreglos que tenía en mente, y que requerían apoyo constante o diálogo con otra guitarra. A medida que esta dinámica maduraba y nos adaptamos a ella, las representaciones escénicas de Organoclorados se volvían mucho mejores, con una energía cada vez más intensa. El EP 2016 fue estratégico, porque con él se pudo atender una demanda de nuestra música, ya que volvimos a actuar en 2012 y había una nueva audiencia que no tuvo la oportunidad de escuchar el Princípio Ativo (y cuyas

¡Y vamos aún más lejos! Como la capacidad puede ser de 4GB u 8GB, decidimos incluir en el contenido no solo canciones de Quântico, sino también canciones de Princípio Ativo, videos musicales, fotos de video, biografía, inserto de letras. Después de todo, tenía que ser atractivo y valioso para alguien estar dispuesto a pagar por algo diferente. Fue un hito, ya que ningún artista brasileño había producido nada en este formato y con este contenido. Entonces, podemos decir que fuimos innovadores en esta área. Además, lanzamos el CD Quântico en dos formatos de presentación: sobre simple y digipack de lujo, con letra y mayor número de canciones. Si no estoy equivocado, para el pasado 2020 Organoclorados tenían planeado lanzar el álLaCarne Magazine

bum Efeito Residual. ¿Esto llego a concretarse? Coméntame sobre este trabajo discográfico, si es de forma independiente o con algún sello importante… Antes de la pandemia, el plan era lanzar un álbum en CD y digital, con un guion de canción predeterminado y un diseño gráfico bien pensado. Tuvimos que cambiar el horario por restricciones, pero no podíamos dejar de marcar los 35 años de la banda con una producción especial.

ma única de expresar pensamientos, opiniones y sentimientos, a veces con términos y paradigmas científicos en asuntos cotidianos, relaciones y cuestiones existenciales, sociales y ambientales.

Además de un directo en nuestro canal de YouTube, cerramos una alianza con el sello independiente Tocaia, y lanzamos el álbum conmemorativo Efeito Residual en formato exclusivamente digital, y en la aplicación Tocaia, que se especializa en rock independiente. El álbum salió en diciembre de 2020.

¿Quiénes componen Organoclorados en la actualidad? André G (bajo), Alan Gustavo (guitarra), Artur W (guitarra y voz), Joir Rocha (batería y percusión) y Roger Silva (teclados y coros).

En marzo de 2021 también lanzamos el Efeito Residual a través de Portal da Trinca de Selos, otra iniciativa que apoya al Rock independiente. Con todo esto de la pandemia por el Covid-19, ¿qué ha estado haciendo Organoclorados para mantenerse activo? Organoclorados logramos adaptarnos a las restricciones impuestas, a la nueva normalidad, gracias a mucha planificación. Con la suspensión de las presentaciones en vivo, pasamos a grabaciones, nuevas composiciones, rescate de canciones que se salvaron. Hicimos varios ensayos a distancia, en parejas o en tríos. Dado que vivimos en cuatro ciudades diferentes, la distancia ya es algo con lo que nos ocupamos. Cuando fue posible, hicimos ensayos y transmitimos “en vivo”. Otra cosa fue tomarnos más en serio nuestra presencia en redes sociales, radios y web radios, lo que pronto nos llevó al alcance internacional, principalmente en Latinoamérica. En relación a las letras de sus canciones, sería bueno nos hablaras sobre qué temática están enfocadas sus canciones. Bueno, no tenemos límites ni problemas fijos. Organoclorados buscamos siempre una for-

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El sueño, la realidad y el nihilismo interactúan en este universo, ya que nos gustan mucho las metáforas y el simbolismo. La crítica social ácida también es una nota clave en muchas de nuestras canciones.

Con una extensa carrera musical. ¿Cómo se sienten luego de tanto tiempo de carrera artística? Muy logrado. Teniendo en cuenta las limitaciones y barreras que encontramos, hicimos mucho. Por supuesto, nuestro segmento es alternativo e independiente, bastante diferente del mainstream. Pero seguimos siendo honestos y leales a nuestros ideales artísticos, creando música de la manera que nos gusta. Y, sobre todo, nos sentimos motivados a seguir haciendo música y arte, con muchas ideas en mente para poner en práctica. ¿Qué podemos esperar para el futuro de Organoclorados? De momento, tenemos varias canciones grabadas y en fase de registro. Entre 2019 y 2021, incluso con la pandemia, produjimos y lanzamos 11 sencillos. Esto nos hace pensar en un proyecto de álbum conceptual, y en este momento está en discusión interna, sin presión sobre las fechas de lanzamiento. Otro tipo de producción que continuará son los videoclips y videos con letras. Las grabaciones continúan, y un proyecto musical no revelado se encuentra en las etapas iniciales de producción. Y, por supuesto, la anticipación de volver a conciertos y escenarios aumenta cada día, a medida que las restricciones comienzan a ceder, y ya hemos recibido

invitaciones de espacios culturales, bares y productores de eventos. Bien, esto es todo, así que, si desean añadir algo más para completar la entrevista, pues adelante. Fue una gran satisfacción tener este espacio de alta calidad para hablar contigo y mostrar un poco de la banda Organoclorados a los lectores de LaCarne Magazine. Te felicitamos por tu iniciativa y profesionalidad. Una de las características de Organoclorados es no esperar y buscar siempre alternativas para viabilizar sus proyectos, para hacerlo realidad, ya sean eventos, conciertos, discos o videoclips. Los productos de estos logros se pueden encontrar fácilmente en Instagram, Facebook, YouTube, Spotify, Deezer, Apple Music, Tidal, etc.

Y disfrutamos mucho la interacción con la audiencia, sus preguntas y comentarios. Quisiéramos dejar aquí un mensaje a favor de la esperanza, la integridad y la capacidad de resistencia. Hay que creer, luchar y trabajar para manifestar tus creaciones. Nunca espere que otros cumplan sus sueños, planes y deseos. Debes construir los puentes que necesitarás cruzar. Y, si sus sueños se destruyen, construya otros y comience de nuevo. El arte es movimiento, la cultura es necesidad.

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Supertennis

Pop Rock en estado natural

lburquerque es una de las poblaciones más conocidas de Extremadura. Culpa de ello la tiene su gran tesoro medieval a modo de fortaleza llamado Castillo de Luna, las letras al estilo Hollywood que dan la bienvenida a los visitantes de la población, el festival Medieval, el Contempopránea y el grupo Supertennis. Tener entre nosotros a Abel, Benji, Alberto y Humberto es un lujo. Es una suerte poder compartir con ellos experiencias, diálogo e historias para no dormir sobre el pasado, presente y futuro de una de las bandas más importantes del Pop extremeño y con más futuro fuera de nuestra región.

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Supertennis, Pop Rock en estado natural

Es un placer teneros entre nosotros. Ciudad Quimera es vuestro último trabajo, plagado de muy buenas canciones de Pop alegre, cristalino, pegadizo, con melodías maravillosas y guitarras afiladas, donde su principal argumento es la cotidianidad. Habladnos de él. Es un disco muy especial para nosotros. Llevaba mucho tiempo en el horno, y teníamos muchas ganas de que viera la luz, por eso lo sacamos en plena pandemia. No nos importaba que tuviera menos repercusión que en condiciones normales, porque considerábamos que debíamos publicarlo para hacer un punto de inflexión y seguir con nuevos proyectos. Ciudad Quimera es un disco que sigue la línea de estilo de anteriores trabajos, pero con algunos detalles sonoros que le otorgan

Estamos muy orgullosos del trabajo final, y muy agradecidos a toda la gente que participó. Es un video lleno de verdad. Tren Explosivo fue el primer single de Ciudad Quimera. Un temazo movido, eléctrico, bailable pero también reivindicativo. ¿Es una novedad en vuestra música que os pronunciéis sobre los problemas de nuestra tierra? Era la primera vez que hacíamos una canción reivindicativa, y no fue nada premeditado. Surgió de manera muy natural en un viaje. Si pudimos ayudar a visibilizar el gravísimo problema que atraviesa el tren extremeño, nos damos por satisfechos. ¿Qué significa para vosotros Contempopránea? Es especial. Como público amante de los conciertos, nos ha dado la oportunidad de disfrutar con artistas de calidad y renombre en nuestra propia casa durante muchos años. Además, como músicos también hemos tenido la ocasión de presentar algunos de nuestros discos en su escenario, con el vendaval de emociones que eso supone. mayor consistencia. Las letras son un canto al día a día, aunque es cierto que ocupa un papel importante el tono introspectivo a modo de reflexión. La fecha de lanzamiento de Cosas simples fue en plena pandemia, con un videoclip maravilloso realizado con muchos amigos, y cargado de energía positiva. Nosotros lo incluimos en uno de los mejores clips extremeños del año para LaCarne Magazine. ¿Cómo surgió la idea? Considerábamos que esa canción no podía quedarse sin videoclip, y decidimos hacerlo con la participación de la gente. Cosas Simples es una declaración de intenciones, es un canto a la importancia de lo aparentemente simple, que pasa desapercibido pero que en realidad es lo más valioso, tal y como nos recordó de forma cruel la pandemia.

Además del festival de vuestra localidad, habéis pasado por Sonorama, Suberock, Parque Sonoro, entre otros muchos. Habladnos de los que mejor recuerdo tengáis y ¿en cuál os gustaría repetir? Guardamos buenos recuerdos de todos porque, aunque siempre puedan surgir imprevistos, el hecho de subirse al escenario con tus amigos para disfrutar de lo que te hace feliz lo compensa todo. Cada viaje para tocar es una experiencia única. Y por pedir, nos gustaría repetir en todos, claro. ¿Cómo es trabajar con Carlos Hernández? Es todo muy natural, porque Carlos hace que te sientas como en casa. La buena sintonía hace que la creatividad fluya mejor, y que las canciones ganen. Trabajar con él ha sido una experiencia muy enriquecedora. supertennis

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Paco Mcgregor es otro de los artistas que han colaborado con vosotros junto con Murciano Total. ¿Cómo los conocisteis? ¿Y qué tal la experiencia? La experiencia con ambos fue genial. Los conocimos a través de las redes y amigos en común. Estamos muy contentos con el trabajo que realizaron. Siempre es recomendable y necesario delegar y rodearse de artistas de otros campos que puedan aportar su talento al proyecto. Qué te jodan 2020 es vuestro último single, un tema que recoge energía, ironía, rabia, e incluso cumbia. ¿Estáis abiertos a otros sonidos? Además, en el single repetís actor del clip Lunes Cruel. ¿Es uno más de la familia? El hecho de que hagamos Pop-rock no quiere decir que estemos cerrados en banda a ese estilo. Simplemente es lo que nos sale de forma más natural cuando nos juntamos. El guiño a la cumbia surgió así, de forma espontánea, y decidimos incorporarlo. Pensamos que en la música todo debe fluir así para que sea más verdadero. Respeco al actor, es el gran Alberto Lara “Amarras”. Nos ha apoyado desde el princi-

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pio de los tiempos, y es un orgullo tenerle al lado para aprender de su humildad, predisposición y ejemplo. Para despedirnos, en Alburquerque hay un vínculo importante con la música a cargo de diferentes familias. Benji es de la saga de los hermanos Cárceles, Angel Rasero, vuestro ex bajista, también muy ligado a vosotros y a Contemporánea a través de su tío, los hermanos Barroso, djs de la localidad. ¿Goza Alburquerque de una buena salud musical y cultural? Alburquerque está repleto de talento en muchos ámbitos, no solo en la música. Las sinergias del ecosistema cultural que se hace desde aquí siempre han sido y serán una de las principales señas de identidad de la localidad. ¡Gracias, amigos, nos vemos en los bares!

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Control Habilis sólo Rap puro

os contactamos con César aka Control Habilis, DJ, beatmaker y productor, quien el 7 de mayo presentó el álbum Rap de Precisión con la participación de bastantes rimadores (100% MC’s de todo Chile) y 21 tracks, representando “una selección única”, como dice en sus redes sociales. Gracias al impresionante y original nuevo álbum, pude disfrutar de una amplia amalgama de ritmos, rimas, versos, beats, poemas y Rap /Hip Hop con la elegancia, estilo, flow y garra lírica que caracteriza al vecino país transandino, Chile. Y obviamente, en muchos casos en Bolivia nos sentimos como vecinos en una sola familia americana. Los contactos vienen y los contactos van,

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cada momento la comunicación se hace más horizontal sin importar las fronteras, logramos entrelazar puentes de ida y venida, donde el mensaje dentro la Cultura prevalece. Nuevamente muy agradecido por su colaboración y confianza para la exclusiva junto a LaCarne Magazine.

Control Habilis, uniendo de Sur a Norte la Escena Chilena Americana

Luego de casi un año y medio de sobrevivir al COVID19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente? Tranquilo, no me afectó mucho porque seguí trabajando en mi trabajo actual, el cual no paró en periodo de pandemia. Y en lo musical, terminé mi disco este año llamado Rap de Precisión, y pude terminar compromisos en otras producciones, ya que como no salía mucho, podía ocupar ese tiempo en hacer lo mío. ¿Cómo nace a la vida musical? Desde adolescente me gustó lo que era ser

beatmaker tanto extranjeros como nacionales, la Literatura, la Poesía de algunos personajes como Nicanor Parra y Pablo de Rokha, cantautores como Violeta Parra, Víctor Jara, a todos ellos en más, de algún tema siempre los van a escuchar, con sus relatos, es gente única con historia. ¿Qué estilos musicales han influenciado? La música antigua, escucho de todo, como debo escuchar siempre para samplear. En sí toda la música en general es mi influencia, más la música que me gusta -del genero urbano- en general, hace una mezcla de influencias.

DJ, colocar música, crear Mix, etc., y conocí amigos con los cuales en video VHS pude ver lo que era un DJ de Hip Hop con tornamesas, mixer, y lo que se podía llegar a realizar. Era alucinante. Luego, ya una vez introducido en el tema, me compré mis equipos básicos en ese tiempo, y pude ya de lleno meter mano y aprender. Desde ahí probé de todo, hacía baterías con una máquina – sample vieja de un amigo, pude mezclar vinilos antiguos de Música Latina sobre esas baterías. Así fueron los primeros acercamientos para crear música. Ya después, con un computador conocí el Fruity Loop. Con él aprendí fácil, lo ocupo hasta el día de hoy. Es un muy buen programa para lo que necesito. ¿Qué influencias artísticas ha recibido? Directamente lo que es el Rap, lo que escuché y vi cuando comencé en esto, los DJ’s, los

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística. Algunos se identifican con su área (barrio, pobla, guetto, cacerio, villa, favela), otros con su región (departamento, región, ciudad o provincia), y finalmente muchos con el estandarte de la patria flameando en el corazón, ¿qué nos puede comentar al respecto? El lugar donde vivo es tranquilo, hay naturaleza, puedes disfrutar de eso y por lo mismo soy una persona calmada, y me aplico a mi creación más centrado, equilibrado, para poder crear y sacar un mejor resultado. La magia de lo que es vivir en el Sur de Chile también influye, las historias, los mitos y leyendas del pueblo Mapuche y gente de campo, convivo a diario con ello. Entonces eso también forma parte de mi identidad, en sí lo que significa vivir en “Wallmapu”. ¿Cuál es su nombre de nacimiento? ¿Cómo aparece Control Habilis? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? Me llamo Cesar Antonio Monsalve Arévalo. Control Habilis aparece cuando ya la experiencia de los años me hizo sentir que ya podía enfrentar -con más convicción- cuando las personas me escucharan en algún disco o me vieran en vivo, así ya desde que me integré a Delanueve -hasta ahora-, donde también produzco a más gente, saqué un disco en mayo de este año, el año pasado participe del disco Katarsis de Jotaose Lagos, el disco Vnro LaCarne Magazine

2021 de Malcriao d Zousa. Siempre creando y trabajando.

Hacer las cosas bien y meticulosamente calculadas

Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es la discografía (y los años de edición) de Control Habilis a la fecha? JotaOse Lagos – Laboratorio Andergraound (álbum 2006), Realexico & Ser Temple de Acero – Estado de Frenesí (álbum 2006) Delanueve – Kilómetros No son Barreras (adelanto EP 2008), Hijos de la Práctica (álbum 2008), Sector Sikiatria (álbum 2009), Delanueve – Kilómetros no Son Barreras (álbum 2010) Control Habilis – Visiones (beats tape 2011), Aura – Abre los ojos (álbum 2011), Jotaose Lagos – Carcajadas de un Melancólico (álbum 2011), Gharrapatah – Locuras de Ayer y Hoy (álbum 2013), Kanitrou y el 4to Kamarazov – Tesis (álbum 2014), Malcriaoh de Zousa & Jotaose Lagos – Nada Muere (EP 2016) Malcriaoh de Zousa & Foyone – Inmortales (single 2017), 4to Kamarazov – El hermita (single 2018), 4to Kamarazov – El carro (single 2019), Malcriaoh d Zousa – Mi Peor Enemigo (single 2020), Malcriaoh de Zousa – Na de Mi (single 2020), Malcriaoh de Zousa feat Angus D – Gotea la Calamina (single 2020), Faw – Luchar (single 2020, Jotaose Lagos – Katarsis (álbum 2020), Malcriaoh de Zousa – Vnro 21 (álbum 2021), Control Habilis – Rap de Precisión (álbum 2021). Control Habilis acaba de estrenar Rap de Precisión, un álbum que refleja una evolución y compromiso –en varios aspectos- para su carrera, uniendo la Escena a lo largo de todo Chile. ¿Cómo nace la nueva realización? ¿Por qué del título? ¿Cómo le fue hasta el momento con la producción Independiente y de Autogestión? Rap de Precisión nace de las ganas de tener un álbum con diferentes exponentes y estilos para poder demostrar que en la producción no hay límites, y cada vez hay más conocimientos, y así mostrar el nivel de mis producciones.

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Se llama Rap de Precisión por la estructura del disco, el concepto en sí es hacer las cosas bien y calculadas. Hasta ahora tiene muchas visitas y comentarios positivos, felicitaciones, etc. En sí, muy conforme con el resultado. Una explosiva combinación de líricos, letristas y rimadores en Rap de Precisión. ¿Quiénes han participado en el álbum? Cuéntanos del contenido lírico del flamante disco. ¿Cómo se realiza la obra? Hay 21 tracks donde participan muchos MC´s, tanto grupos como solistas de todo Chile, predominando la gente de Regiones. Puedes encontrar del Norte Grande a Gharrapatah, Malcriaoh de Zousa; Zona Centro a

Lagos & Kanitrou, un trabajo conjunto entre Delanueve, Escuela de Teatro & Sociedad y Vórtice Comunicaciones, y con un concurso motivacional en sus rr.ss. que me pareció súper original (para llegar más allá de lo acostumbrado). Ahí le brindan premios a su público para apoyar al artista y su obra, ¿qué nos pueden comentar de la experiencia del rodaje hasta el estreno? Una experiencia maravillosa, son 5 años, contando el tiempo de pandemia, donde no pudimos concretar antes de las últimas grabaciones por la movilidad que existía en ese momento. Un grupo de trabajo con el que vivimos muchas historias en el rodaje, creando un lazo de amistad más allá del laburo. Feliz de cerrar el ciclo de este video con lanzamiento incluido.

Predicto, Rick Santino, Grafy, El Bruto Chr, El Crea con Moreno Malo, Agrosomodo; del Sur encuentras a Rosales, Jotaose Lagos, Saiko Flow, Kbro Kbrera, 4to Kamarazov, Kanitrou, Segundo Aliento, Tomi Ferro de Punta Arenas. El contenido -en sí- es general, no había restricciones, en sí, el concepto de realizar bien las cosas, del punto de vida de cada uno de los participantes siendo rapero.

Cae la tarde en la Literatura

Ríos Subterráneos es el nuevo y flamante videoclip que ha estrenado, y fundamentalmente dedicado al poeta chileno Pablo de Rokha. El tema cuenta en las voces con Jotaose

La portada de Rap de Precisión de Control Habilis me llamó la atención en este océano digital donde la información es incalculable. ¿Cómo surge el proceso creativo del cover – art? ¿Quién es el autor? ¿Escuchó el material para la inspiración respectiva? Fue un trabajo en conjunto con el diseñador Tinta Fría. Yo tenía la idea en la cabeza de mezclar lo análogo y digital, ya que pude vivir las dos experiencias durante estos años. Así pudimos crear sesión tras sesión hasta llegar al resultado, el concepto era ése, más mi rostro identificando al creador del disco. Luego Willdafrick lo mejoró y realizó la otra parte de la caratula, la de los créditos. Animó también el video de YouTube, donde se puede escuchar el disco. Ya había material grabado, y, claro, también pudo escuchar algunos temas para reforzar el concepto de la carátula. Rick Santino, desde la zona central, grabó Bis a Bis (el primer single del proyecto), y Simple por Nucleo 441 fue el segundo single del álbum. ¿Cómo les fue con la proyección del material? Bueno, con Rick Santino sacamos video también del tema, y con Nucleo 441 está en proceso de creación para luego grabar el vídeo. Hasta ahora bien recibidos, con buena crítica. LaCarne Magazine

Dentro del nuevo álbum de Control Habilis, a parte de los singles, ¿qué temas recomiendas a la fanaticada rapera latinoamericana y devota del Hip Hop alrededor del planeta? Les recomiendo escuchar los temas de Grafy llamado Obsechon, el de Malcriaoh d Zousa llamado Una Más, el tema de El Crea junto a Moreno Malo llamado Tira y Afloja, y, en sí, escucharlo desde principio a final porque está creado para eso. También produces el material de grupos como Nucleo 441. ¿Con quiénes más has tenido el gustazo de laburar en tus obras? ¿Cómo te fue con la experiencia de su producción? ¿Alguna anécdota que pueda compartir? Con la gran mayoría de los participantes del disco he colaborado en producciones para ellos. Malcriaoh d Zousa, Jotaose Lagos, Predicto, Segundo Aliento, Gharrapatah, Delanueve, 4to Kamarazov, Soldao Sean, Foyone, Piño Amargo, Grafy, etc. La producción con Malcriaoh d Zousa es más personal, un trabajo más meticuloso por la exigencia de los dos a la hora de hacer un tema, y siempre apostando al talento de mi hermano. ¿Cómo ha encarado Control Habilis la situación mundial del COVID19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical? Apoyando cuando se puede en algún evento a beneficio por las consecuencias de los encierros, y siempre produciendo. No darle mucha importancia a la pandemia, seguir adelante. El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como sus expositores o cultores -portavoces-, y su país es uno de los más firmes expositores del Movimiento Hip Hop de habla hispana. ¿Cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop en Chile? Cada vez es más profesional en lo musical y audiovisual, más cercanos entre nosotros, hay más colaboración y admiración entre los pares. Me gusta a pesar de que la industria siempre hará sonar más al ritmo de moda. Cada Región tiene su identidad, y todos miran

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el futuro de la misma manera, el poder salir adelante sabiendo que es difícil Durante el recorrido musical de Control Habilis, ¿qué evento o Festival lo ha dejado marcado? Varios, siempre se puede aprender o sorprender desde la tokata más chica al evento más grande. Sin duda el Planet Rock del año 2010 por la gran cantidad de gente, también el Sur es Hardcore, Sesión Maestra, El Rey del Ritmo de la Unión. ¿Qué hubiese sido de Control Habilis sin el Hip Hop? ¿En qué otra carrera se hubiera envuelto? No sé realmente, ya que comencé joven con el Hip Hop. No me veo sin él. ¿Qué canción suya es la preferida a la fecha tanto al momento de escucharla como al interpretarla? ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue su música? Me gusta de mis producciones el tema llamado Gotea la Calamina de Malcriaoh d Zousa junto Angus D., representa mucho lo que ha

pasado en Chile el último tiempo del Estallido Social. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o escuela de la vida? ¡Vamos… que se puede! DJ Control Habilis colocó en Spotify un álbum beats-tape intitulado Visiones (2011). ¿Cuál es su experiencia dentro de la Nueva Era? ¿Cómo le resulta el uso que le está dando a las plataformas digitales para la difusión de su mensaje musical? Bueno, yo vengo de la época del cassette de mano en mano, y el boca a boca de la gente que te vio en Vivo. Hoy en día es mas fácil poder mostrar y distribuir nuestra música a tan sólo un click o un link. Hay que adaptarse y en eso estamos, sobreviviendo al tiempo. Como KRS One dijo “Rap es algo que haces. Hip Hop algo que vives”. Si, en la medida de las posibilidades, se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene para el presente 2021 – 2022?

Se viene el disco de mi crew Infames Music llamado Infamia, también se viene un disco llamado FAW junto a Kanitrou, Jotaose Lagos y Danisoul, proyecto que produzco totalmente, se viene algo nuevo de mi grupo Delanueve. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Control Habilis. Que se den el tiempo de buscar y escuchar los discos comentados en la entrevista, ya que tengo bastante material para compartir y apoyen mis redes sociales, tanto Spotify como YouTube. Muchos saludos, y gracias por la entrevista. Al cierre de la edición de la presente exclusiva, le mandamos un fuerte abrazo a uno de los mejores Dee Jays de Chile, con profundo respeto y admiración desde el Altiplano de La Paz hasta Temuco del continente Sudamericano.

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Juan Navazo

músico y compositor de Bandas Sonoras LEER MÁS

odo Arde” llegó a mis oídos por primera vez hace poco más de un mes, y ya se ha convertido en una de mis canciones favoritas. La considero una canción con mucha fuerza, aunque su sonido sea calmado. Muy agradecida a nuestro ya amigo de LaCarne Magazine, Víctor Fraile, por hablarme de Juan Navazo y de su música, y de tener la oportunidad de charlar con él en una entrevista de lo más interesante. Creo que descubrir a Juan Navazo me ha abierto el horizonte hacia otro estilo diferente de lo que suelo escuchar, y estoy realmente muy feliz de ampliar mi abanico musical. Me pasa con artistas como ellos, que me enorgullece que sean nacionales, que son nuestros, que tenemos muchos, y muy buenos mú-

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sicos en España, haciendo música de verdad, con dedicación y sentimiento real. Seguro que me entendéis, y muchos de vosotros estaréis de acuerdo conmigo. Por eso, os invito a que os quedéis leyendo esta interesante entrevista, y así descubrir más y mejor a este gran músico y compositor.

Juan Navazo, compositor y músico de Bandas Sonoras

En primer lugar, agradecerte que me concedas esta entrevista. A mis oídos llegas por recomendación de nuestro amigo Víctor Fraile, a quien ya entrevisté cuando lanzó su tema “Son de Luna”. Es entonces cuando me entero de que eres el compositor de la banda sonora de la serie “El Nudo”, entre otras, pero, a modo de presentación, para quien aún no te conozca, ¿quién es Juan Navazo? Hola, Eva! Gracias a vosotros. Pues principalmente soy un músico y compositor de bandas sonoras. Tuve la suerte desde bien pequeño

Nudo tuve la suerte de trabajar con Jordi Frades, un director con quien ya había trabajado en la serie Matadero. Jordi es un director que tiene el concepto estético de cada proyecto increíblemente claro, y en esta ocasión quería partir de sonidos de la electrónica de los 70 y 80. Hablamos de algunas bandas y artistas de la época, algunos que conocía bien y otros que aun conociendo no había profundizado en su música, y con todo ello me puse a buscar el enfoque que mejor se adaptaba al guion. ¿En qué te inspiraste a la hora de componer la música? En todas estas bandas de los 70s y 80s, esos sintetizadores y cómo los usaban, además de Vangelis, Brian Eno y otros compositores de aquellas épocas.

de crecer en un ambiente musical muy rico, y lo que más feliz me hacía era tocar, escuchar música y soñar que algún día me podría dedicar a ello. Según fui creciendo, comencé a interesarme por la tecnología musical y por instrumentos de todo el mundo, y al mismo tiempo escuchando todo tipo de estilos musicales y viendo mucho cine clásico y moderno, y una cosa llevó a la otra, sucedió de una forma natural.

También eres el compositor de las bandas sonoras de otras series internacionales, como “The Hollow Point” y “Open Grave”. ¿Qué diferencias hay en las bandas sonoras de estas series y “El Nudo”? The Hollow Point y Open Grave son dos películas de producción americana, aunque dirigidas por un español, Gonzalo López-Gallego. El proceso en las películas y en las series difiere bastante, aunque el planteamiento es similar, es decir, en casi todos los proyectos en los que he trabajado he estado involucrado desde la pre-producción.

Algo que he aprendido a lo largo de mi vida es que la música no es solo arte, sino una vía de expresión de nuestro inconsciente, una vía de sanación, algo sagrado, además de un buen amigo y compañero de viaje.

Con cada uno de ellos he trabajado de forma diferente, porque era algo que pedía el propio proyecto. En The Hollow Point, por ejemplo, utilicé muchos samples de instrumentos y objetos de mi casa, los retorcí todo lo que pude y los fusioné con instrumentos reales y cuerdas. En El Nudo hay más sintetizadores, reverbs muy largas…

Como explicaba en la anterior pregunta, eres el compositor de la banda sonora de la serie “El Nudo”. ¿Cómo ha sido componer la banda sonora para esta serie? Todo un placer. El Nudo ha sido una serie muy amable a la hora de hacer la música. Para El

Con las series, la organización a nivel compositivo es diferente, tienes que ir jugando con cada pieza, fusionándolas, estirándolas, van creciendo y mutando en cada capítulo que pasa, y se acaban convirtiendo en nuevas piezas. LaCarne Magazine

¿Cómo crees que acompaña tu música a la narrativa de las series? Personalmente, como espectadora, pienso que gran parte de la emoción que sentimos en las escenas es por la música que suena en ese momento, ya puede ser tensión, intriga, terror, drama, etc. Creo que es fácil percibir el poder de la música en la imagen. Hay ciertas secuencias de la historia del cine que serían otras si no fuera por la música que las acompaña. Me gusta pensar que mi música se fusiona a veces tanto con la imagen y el sonido, que por momentos ni la percibes, y en otras ocasiones se convierte en el narrador de la historia que abre camino para entender emocionalmente lo que está ocurriendo. ¿Cómo es el proceso creativo en estos medios? ¿Trabajas igual que para crear la música de tu banda, Juan Navazo Band? El proceso es muy diferente. Cuando compongo para una película me dejo llevar por la historia, el texto, la imagen que tengo en la cabeza… Al fin y al cabo, estás acompañando, guiando, señalando… Eres como un personaje invisible en cada secuencia, pero cuando compongo canciones es todo más íntimo, más personal, la música se convierte en un viaje

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interior, además de escribir la letra, que es un elemento importantísimo, hacer que fluya bien una cosa con la otra… En fin, para mí son cosas bastante diferentes. Como decíamos, por otro lado tenemos tu otra faceta como Juan Navazo Band, que es tu propia banda, acompañado de J. Biscuit y Klavo 13, ambos componentes de la banda Gansos Rosas. ¿Cómo surge crear este proyecto? Era el 2018, y tuve uno de estos momentos en la vida en los cuales necesitas parar, mirar a tu alrededor y situarte. Acababa de pasar unos años difíciles, y de terminar la banda sonora de Matadero, y tenía bocetos de unas cuantas canciones con las que quería trabajar. Cogí el coche, cargué parte del estudio, guitarras, bajos, micrófonos, y decidí irme al desierto y las playas de Almería para inspirarme, a ver qué salía. Aquellos días acabé algunas letras, estructuras de canciones, surgieron cosas nuevas, y al volver pensé en hacer algo con todo aquello. Alberto y Oscar de “La Vida” se animaron a echarme una mano, pero finalmente no pudimos congeniar agendas. Poco después llamé a mi amigo y gran batería J. Biscuit, y a otro gran músico para el bajo,

Fer, con quien habíamos estado tocando juntos en la última época de Nancy Hole. Grabamos en estudio tres temas, pero no quedamos contentos. Fer tuvo que abandonar el barco, y al poco llegó la maldita pandemia. Cuando pudimos volver a vernos Biscuit y yo, decidimos meter otra guitarra en la banda, y surgió el nombre de Klavo, un gran guitarrista con mucho estilo y personalidad con el que Biscuit había tocado en Gansos Rosas, y la verdad es que fue todo un acierto. Poco tiempo después llamamos a Christophe Alcalá, un bajista espectacular con quien había tocado en Automática y en El Giro de la Sierpe, y con esto ya teníamos montado el pastel. ¿Qué compositores y bandas sonoras te han inspirado a lo largo de tu carrera? De entre los clásicos me quedaría sin duda con Bernard Hermann. Me encanta la banda sonora de Vértigo y de Psicosis. Wojciech Kilar… lo que hizo para Drácula es sencillamente espectacular. Basil Poledouris y la banda sonora que hizo para Conan… Me encanta también el trabajo de Angelo Ba-

dalamenti, y entre los más modernos, Clint Mantsell y Jeff Russo. ¿A qué serie o película te hubiera gustado poner banda sonora? Me hubiera gustado estar en el proceso de cómo se hicieron algunas de mis bandas sonoras favoritas, y hablar con esos compositores, pero creo que lo que pertenece al pasado pertenece al pasado. ¿Cuáles son los proyectos de futuro de Juan Navazo? Con Juan Navazo Band hay muchas cosas por delante que no quiero desvelar todavía. Solo diré que tenemos mucho material a punto, y que hay unas ganas locas de tocar en directo. Y para finalizar, ¿algo que quieras añadir, o enviar un mensaje a nuestros lectores? Pues que tenemos muchas ganas de compartir nuestra música con todos vosotros. ¡Nos vemos pronto! Un abrazo. ¡Muchísimas gracias por todo, Juan! Un placer entrevistarte, y conocer más a fondo a Juan Navazo Band y tu forma de trabajar. Como veis, Juan Navazo lleva la música en la sangre, y se nota que lo hace con el corazón, y cómo lo transmite en su música. Me encanta y estoy deseando escuchar más. Espero que os haya gustado tanto como a mí, o más, y que si ha sido así, que vayáis ya mismo a sus redes sociales, y comencéis a seguirle para no perderos ningún detalle. ¡Hasta la próxima!

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Aminowana Reggae la libertad musical desde Argentina

ientras disfruto y musicalizo la edición final de la presente entrevista, del video Atravesando el Río y A ver Si Puedo del 5to disco de Aminowana Reggae, Descubrimiento, realizados íntegramente en Vicente López, Provincia de Buenos Aires, Argentina, la ciudad que los vio nacer. Me encantó con la propuesta del nuevo álbum que entrega una narrativa audiovisual para el track list completo de la presente realización. Nuevamente, gracias a la magia de las redes sociales, pudimos encontrar la colaboración y exclusiva con los hermanos del vecino país, y hacer resonar desde La Paz de Bolivia la mú-

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sica brillante que hermana Latinoamérica en un abrazo de unidad e identidad cultural, donde nos une la Cordillera Real de Los Andes, fundamental para nuestra humanidad. En contacto directo con el portavoz de la banda Aminowana Reggae, logramos conectar la presente en exclusiva para LaCarne Magazine, nuevamente agradecido por la colaboración y confianza.

Aminowana Reggae, la libertad musical desde Argentina

Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos de bioseguridad, personal y musicalmente, ¿cómo se encuentra Aminowana Reggae actualmente? De la misma manera, esta pandemia nos en-

representan nada, es uno quien debe significarlos, darles cuerpo con lo que se vaya generando como propuesta. Actualmente Aminowana somos 8 músicos: Ernesto Alborés, en guitarra y voz; Mariano Alborés, en guitarra y coros; Julio Bordón, en bajo y coros; Carlos Andrade, en batería; Renzo Cavana, en teclados; Sebastián Moyano, en percusión; y Ezequiel Duek y Claudio Alvarez Rivero en vientos. ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Aminowana Reggae? Principalmente el Rock, que es de dónde venimos, pero finalmente el Reggae fue el encargado de juntarnos a todos en el mismo barco. Es por eso que los temas de la banda son Reggae con una fuerte influencia rockera. Y además, en este último disco hemos experimentado con ritmos nativos de nuestro país, como ser el Tango y el Folklore, los cuales terminamos mezclando con el Reggae en un par de temas.

contró transitando un camino virtual que ya habíamos comenzado desde un tiempo antes, por lo cual simplemente lo profundizamos, en todo sentido, y nos pudimos dar el tiempo, forzado en este caso, de grabar el último disco de una manera más relajada y con mayor tiempo para la experimentación. Una breve reseña de la banda, ¿cuándo y dónde nace Aminowana Reggae? ¿Por qué del nombre? ¿Cuál es la formación actual del grupo? El grupo nace allá por el 2002, entre amigos del barrio con los mismos intereses, que luego fue transformándose en algo mucho más serio. El nombre Aminowana Reggae tiene su origen en un chiste muy malo, pero, como siempre decimos, los nombres por sí mismos no

¿Cuáles fueron sus referentes musicales para la banda? ¿Qué grupos o artistas los han marcado? Podríamos sintetizarnos en admiradores de Keith Richards, pero sería muy parcial, ya que como dijimos el Rock nos ha marcado de forma muy intensa. Marley fue quien nos abrió la cabeza a todo este mundo del Reggae. Pero más que artistas, somos amantes de las canciones y del género Canción, siempre deambulado entre el Reggae y el Rock.

Aminowana y su último disco, Descubrimiento

¿Cuál es la discografía de Aminowana Reggae a la fecha? En la actualidad la banda tiene editados cinco discos: Hoja Sabia (2004), Ami (2007), Acá Estamos (2011), La Vida Como un Animal (2017) y el más reciente, Descubrimiento (2021). ¿Qué nos pueden comentar de la videografía de Aminowana Reggae? ¿Algunas anécdotas de los rodajes? ¿Qué videoclip es preferido? LaCarne Magazine

No hemos sido una banda con mucha actividad en video, hasta hace unos años que nos volcamos abiertamente a generar contenido para las redes, creando giras por las casas de quienes siempre estuvieron en nuestros recitales que llamamos Girando Casas, que ahora volveremos a realizar. Y además, para el estreno del último disco, Aminowana Reggae nos propusimos generar un video para cada tema que hemos estado estrenando en nuestro canal de YouTube, y entre todos ellos armar una historia. Todo esto nos hizo descubrir que a través del video podíamos redondear más el mensaje y vestir de una mejor forma a las canciones, y nos ha potenciado muchísimo. Si tuviéramos que recomendar algo, seguramente sería la serie de videos que preparamos para la salida del último disco Descubrimiento. El Movimiento Musical y la forma de hacer mú-

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sica ha cambiado desde el 2020 con la llegada de la pandemia, actualmente, ¿cómo está la actividad Cultural en Argentina? La actividad cultural en Argentina, a pesar de ser fuerte, está muy golpeada, con muchos artistas sin trabajo y espacios que han cerrado sus puertas, pero sería injusto decir que es a causa de la pandemia, ya que esta problemática viene desde hace mucho, y no se escapa a la lógica actual de concentración que impera en el mundo, donde el 1% de las bandas acaparan todo y el 99% restante lo mira de afuera. Aminowana Reggae han hecho sesiones de cuarentena, los observé en su Canal YouTube, aproximadamente en septiembre 2020, con algunos de los temas en la sesión por streaming desde el Rodney Bar. ¿Cómo se han acomodado desde la música a la época de pandemia que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias pueden comentarnos? Ligado a tu otra pregunta sobre la realidad actual, nos hemos tenido que acomodar como todo el mundo, pero al no ser una banda con

una estructura fija grande, pudimos andar livianos para tomar decisiones rápidas y no detenernos, como si fuera una forma de resistencia a este horrible presente. Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida? Claramente, siempre han sido las presentaciones de cada uno de los discos, por ser los momentos donde damos a conocer todo lo nuevo en lo que estuvimos trabajando, y para no irnos tan atrás en el tiempo, podríamos decir que la presentación del último disco, la cual pudimos ya hacer en forma presencial con algunas restricciones. Superó nuestras expectativas en cuanto a convocatoria y a la energía que se desplegó esa noche, algo que no recordamos haber sentido antes. Probablemente todo este tiempo -encerradoshaya influenciado esto, y se haya producido como una descarga, ya que habían pasado casi dos años de nuestro último show.

Todo lo que vas, Todo lo que Viene

Acabo de conocer a Aminowana Reggae gracias a la magia del Internet, y disfruté mucho sus temas con una fuerte energía sanadora, de paz, amor, esperanza, respeto. ¿Qué canciones se han convertido en referentes para ustedes como agrupación? ¿Qué temas los identifican con su público? Algunos de los temas del último disco han tenido mucha repercusión entre los que nos siguen, como el caso de A Ver Si puedo, y algunos otros clásicos como E.C.T. y Quémala, temas que siempre nos piden. Luego de tanto manoseo de los Estados Profundos, ya sean que van por la izquierda o derecha, dejan secuelas a su paso, generalmente los pueblos pagan los actos de corrupción y otros escándalos de los politiqueros de turno. Anteayer mi Sr. Padre escuchaba que su país está más y más resquebrajado económicamente, y se lamentaba a voz en cuello. Yo me decía en silencio, como todos los de la región, Bolivia no es la excepción. ¿Cómo se encuentra la Argentina socio-culturalmente? No se escapa a lo que es el resto de la realidad latinoamericana, profundamente colonizada social, cultural y económicamente, pero a diferencia de otros países donde estas diferencias son mucho más marcadas, en la Argentina todavía resisten valores que hoy se extrañan, y es ahí donde radica algún tipo de esperanza de cambio, pero claramente por este camino no es. Esperemos algún día encontrar ese rumbo como naciones, pero no será de otra forma que no sea unidos, sino seguiremos siendo dominados. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. Que no tengan miedo a probar, a hacer las cosas a su manera, que, a pesar de todos los miedos con los que somos criados y al bombardeo de estupideces diarias, no pasa nada si nos equivocamos, y la única manera de encontrar un camino es recorriéndolo. LaCarne Magazine

¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la vida? Sin miedo, que no pasa nada. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro del planeta, ¿qué proyectos se vienen para Aminowana Reggae? Como primera cosa, empezar a transitar esta pseudo-normalidad de la mejor manera, presentando este último disco, y ya preparando todo lo que haremos el año que viene, cuando se cumplan los 20 años ininterrumpidos de existencia de Aminowana Reggae. Nos imaginamos que se van de viaje o salen de camping, no hay señal de internet, ni Wi FI, ¿qué discos o álbumes se llevarían para musicalizar el fin de semana? ¿Qué material recomiendan ante todo? Seguramente serían algunos clásicos de los más grosos, Marley, Zeppelin, Beatles. Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Aminowana Reggae. Mantengámonos unidos, el mundo es nuestro y no tiene dueños, por lo tanto, todo lo que queramos hacer, sin molestar a otros, es posible y no puede ser prohibido, así que adelante, a generar. Como un cofre del tesoro musical encontrado en profundo Alta Mar del Cyber Espacio, me dejó la nueva producción de los videos del álbum completo, totalmente creativa la narrativa que encierra el concepto y le brinda una trama a la música del esplendoroso Descubrimiento. Éxitos en las presentaciones en vivo de Aminowana Reggae y a seguir resistiendo.

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Mary Jane’s Affair desde las alturas del Punk Rock

omper las fronteras con la música es un gran logro para muchas bandas bolivianas, y Mary Jane’s Affair reivindica esa salida no “sólo al Mar”, sino la Rebeldía Musical en definitiva, consiguiendo representar, sin nacionalismo absurdos o regionalismos fatales, a nuestra amada Tricolor con Tintes de Grunge, lo que les ha permitido desde 2006 fluir de Norte a Sur América. De esta manera, el Power Trío de hermanos son un orgullo que realmente admiramos los que soñamos despiertos y perseveramos en este mundo artístico. Era 1995, cuando cursaba la carrera de Ciencias de la Comunicación en la Universidad

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Católica Boliviana, conocí al compañero de semestre Eliott Miranda, el futuro baterista y guía del Proyecto musical, que se supo abrir camino en un país árido para la Cultura, y sin público leal que nos brinde su apoyo incondicional. Bolivia es un país mediterráneo, culturalmente hablando, pues las aguas del mar hacen falta para salvarnos de la ceguera Socio Cultural que nos imponen los Estados Profundos, con banderas e idiomas a la fuerza.

Mary Jane’s Affair, Familiares en Resonancia con el Power Musical Boliviano

Gracias nuevamente por la confianza y colaboración en esta exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de acomodarnos a las nuevas épocas que rigen en el planeta, con sus nuevas leyes, regulaciones y protocolos, personal

y por el momento es La Paz, Bolivia. ¿Qué estilos musicales han influenciado en el sonido de Mary Jane’s Affair? Las influencias que tenemos pasan por distintos géneros musicales como el Punk Rock, Grunge, Alt. Rock, Pop, Rap. ¿Cuáles fueron sus referentes musicales para la banda? ¿Qué bandas o artistas los han marcado? Mary Jane’s Affair tomamos como “referentes” musicales a los Ramones, Sex Pistols, Beastie Boys, Jane’s Addiction, Nirvana, entre muchos otros.

Hey Ho!, Let’s Rock, el primer disco de Mary Jane’s Affair

¿Cuál es la discografía de Mary Jane’s Affair a la fecha? Todo comenzó con el disco Hey Ho!, Let’s Rock (2006), B-Sides (EP 2008), Todo Va Bien (2013), Time For My Show (EP 2015), Hell Yeah! (Single 2016), Delight Time (Single 2017), Lights (Single 2018), Poco Loco – Loco Poco (Single 2019), One Two Three (Single 2020), y próximamente se viene un nuevo Single. y musicalmente, ¿cómo se encuentran actualmente? Actualmente Mary Jane’s Affair nos encontramos reinventándonos y adaptándonos a este nuevo estilo de vida. Una breve reseña de la banda, ¿cuándo y dónde nace Mary Jane’s Affair? ¿Cuál es el lugar de residencia y la formación actual del grupo? Mary Jane’s Affair nace en La Paz, Bolivia, a finales del año 2006, cuando decidimos realizar la grabación de nuestro primer disco titulado Hey Ho!, Let’s Rock. La formación actual y desde el minuto uno la conformamos los tres hermanos: Farith (voz principal), Nabil (guitarras, bajos, secuencias) y Eliott (batería y voces). El lugar de residencia antes de la pandemia era Ciudad de México (desde el año 2010), durante la pandemia

¿Qué nos pueden comentar de su videografía? ¿Cuántos videos han realizado oficialmente? ¿Algunas anécdotas de los rodajes? ¿Qué videoclip es su preferido? Tenemos la dicha de poder realizar mucha videografía en distintas ciudades a las cuales vamos de gira. Hicimos videos en Chile, México, Bolivia, Colombia. No tenemos el número exacto de los videos oficiales, pero son muchos, algunos ganadores de premios a nivel internacional. Tenemos muchas anécdotas que van desde grabar en locaciones sin autorización, conocer a grandes “personajes” en los rodajes, y muchas otras. En general nos divertimos mucho. Todos los videoclips tienen mucho de nosotros, por ello es difícil elegir uno en especial. El Movimiento Musical y la forma de hacer música ha cambiado desde el 2020 con la llegada de la pandemia COVID19. Actualmente, LaCarne Magazine

¿cómo está su actividad Cultural y musical? Como mencionas, cambió mucho, pero como banda nos seguimos reinventando y creamos un programa para radio por internet llamado El Show de los Mary, donde producimos y presentamos todas las semanas un playlist con la música de nuestra preferencia por sonidodigital.net. Este mes de Octubre estaremos presentando un mini documental por los 15 años de Mary Jane’s Affair y de nuestro primer disco, luego para finales de Noviembre se viene el nuevo sencillo, y también estamos planificando la gira para el 2022. ¿Cómo se han acomodado desde la música, a la época de pandemia que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias pueden comentarnos? Fue impactante para nosotros porque vivimos haciendo Shows en Vivo por muchos países, y de repente todo se cancela, obligándonos a reinventar a la banda. Tuvimos un proceso de creación grande, y a seguir adelante desde esta nueva etapa de vida.

A Nivel Internacional

Pude observar nuevos singles y videoclips que estrenaron en sus redes sociales, la vi en los rankings tops del programa radial Resistencia (por ejemplo), y me alegró mucho. ¿Cómo se encuentra su obra hecha canción luego de su presentación, difusión y su promoción? A lo largo de los años fuimos conociendo mucha gente de la industria musical en muchos países. De ellos fuimos aprendiendo, muchos trabajan con nosotros para difundir nuestra música en todas sus facetas (pre producción, producción, difusión, promoción, etc.). De igual forma tenemos muy buena recepción tanto por la gente que recibe nuestro material (medios de difusión) como la gente que escucha nuestra música, que es lo primordial, llegando a muchos mercados, obteniendo reconocimientos a nivel internacional. Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival los ha dejado marcados de por vida? Muchos son los eventos, festivales, shows

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que nos marcaron, sean grandes o pequeños, todos estos los disfrutamos como si fuese el último. Tenemos la oportunidad de estar en escenarios en distintas partes como México, Canadá, Colombia, USA. En mi colección blindada de música boliviana, guardo como tesoro su primer álbum, un cassette que editaron bajo el Sello Discolandia, y que a la fecha es uno de mis preferidos de aquellos gloriosos 90’s. ¿Qué rememoran de este álbum tape? Gran etapa, otra banda, muy niños todavía, canciones que no forman parte de nuestro repertorio, pero que tenemos mucho cariño por todas ellas. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento Musical? ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes

de ánimo para las generaciones venideras. Decirles que si realmente es lo que aman y quieren hacer, que lo hagan y pongan toda su energía en ello. Es un camino maravilloso. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida o juego de la vida? ¡MARY noma! Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro del planeta, ¿qué proyectos se vienen para Mary Jane’s Affair? Se viene mucha más música. Este mes de octubre estrenaremos un mini documental por los 15 años de la banda y de nuestro primer disco Hey Ho!, Let’s Rock, para noviembre un nuevo sencillo, para el 2022 terminar la gira pre pandemia por muchos países acompañada de un nuevo disco de la banda.

Sus palabras de despedida y mensaje final para la gente que sigue su música, y para los nuevos admiradores de Mary Jane’s Affair. Primero, muchas gracias por la entrevista, un gusto saber de ti y de tu trabajo. Decirles a todos que sigan la música, lo positivo, lo que nos hace bien y mejores seres humanos. Al cierre de la presente edición, le deseamos al proyecto Mary Jane’s Affair que sigan representando con esa actitud que proyectan, un referente a tomar en cuenta a la hora de hacer los sueños realidad, y saber sobrellevar una carrera dentro del mundo y su industria musical. Éxitos hoy y siempre.

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Lando The Music Man bautizado por Chuck D

uy emocionado por contactar con Lando The Music Man, y lograr amistar con grandes talentos dentro de la Escena Hip Hop Latinoamericana, y más aún de un vecino país, que si bien son Chile y Bolivia muy diferentes cultural y socialmente, para los que vivimos el Movimiento desde adentro, la música y cultura nos hermana, sin fronteras ni banderas más que una sola Nación del Hip Hop. Con más de dos décadas en actividad y creatividad audiovisual, musical, lirical, el artista

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conocido como Lando The Music Man es un personaje dentro la Historia del Rap Chileno, aportando desde los 90’s con sus proyectos musicales a las Escena Local y Nacional.

Lando The Music Man, Rap chileno desde la República Independiente de La Pincoya

Muchas gracias por la confianza y amabilidad a la hora de enviarnos las respuestas por escrito, siempre nutriéndonos el Alma en exclusiva para LaCarne Magazine. Luego de estos momentos de contingencia sanitaria que atravesamos, casi un año y más de sobrevivir bajo la sombra del COVID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo se encuentra actualmente?

escuchando Tango y Boleros. Entonces, desde ahí fue que mi interés por la música nació, más o menos a principios de los 90 fue que empecé a crear mis primeras letras de canciones. ¿Qué influencias artísticas han recibido? Mis influencias artísticas fueron diversas, ya que, como decía anteriormente, mi abuelo pasaba creando inventos en su cuarto, además de que en mi Pasaje, una tía y unos vecinos hacían shows (de Navidad y Semana Santa) e involucraban a todos mis amigos y vecinos. Entonces actuábamos e interpretábamos distintos personajes dentro de estos mismos, tales como Jesucristo Súper Star y un montón de obras más. ¿Qué estilos musicales han influenciado en usted y su música? La Black Music: Little Richard, Ray Charles, BB King, Areta Franklin, The Fugees. Dr. Dre, Snoop Dogg, Flip Da Scrip y Kid Power Possed (de Puerto Rico). Música Cubana: Celia Cruz, Buena Vista Social Club, Orishas, Los Aldeanos.

Y la cebolla (como se dice en Chile) pues Camilo Sesto, José Luis Perales, Los ángeles Negros, Sexual Democracia, Emmanuel y muchos más, y nombro a estos por sus letras, que te hacen viajar. En lo personal, creo que fue un proceso muy difícil, más aún cuando en mi caso estaba empezando a viajar mucho, conociendo gente de distintos lugares, distintas culturas, pero la mayoría enfocados en una sola línea, el arte y la música. ¿Cómo nace a la vida musical? Bueno, desde pequeño mi padre (Arturo Pérez) y mi abuelo (Mario Araya) escuchaban mucha música. Mi padre, Rock Clásico, y, a medida que la música iba sonando, me decía el nombre de la canción y el nombre del grupo o cantante. Mi abuelo estaba siempre en un cuarto donde estaban todas sus herramientas, y creaba hermosos balcones de madera y cosas artísticas

Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística. ¿Qué nos puede comentar al respecto? Gracias a Dios, creo que nací en un lugar donde se respira el Arte en todas sus ramas. Santiago de Chile, Comuna de Huechuraba, pero por sobre todo la República Independiente de La Pincoya, mi Población, donde casi todo el mundo es amigo y nos juntamos raperos, punkis, Hardcore, Música Andina, Reggae, Rock, y nos potenciamos mutuamente. Además de que en los 90 hacíamos Festivales que llevaban por nombre “Territorio Liberado”, donde la poesía y las ganas de decir cosas significativas por la pobla daban vida a ese hermoso Espacio.

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Enemigo Público

¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? ¿Cómo aparece el sobrenombre de Lando The Music Man? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? Orlando Pérez Araya, nacido en Santiago de Chile, el segundo de 6 hermanos, hijo de Arturo y Patricia. El apodo me lo dio el gran Chuck D, vocalista del grupo Public Enemy, en una visita a Chile en la cual nos juntamos con el Dj Alfreedelic (bautizado por George Clinton) en el Hotel Sheraton, después de compartir un Blues con ellos, que posteriormente subieron al Face Oficial de Chuck D, y antes de su presentación en Chile con el grupo Prophets of Rage. “Momento surrealista de mi vida”. Cabe resaltar que a Public Enemy los conocí en Sao Paulo (2014) gracias a Dj Alfreedelic, quien abría el evento en Brasil, y me invitó a ser parte de la producción, y además de lanzar mi disco Amor Suda-K en Nola Bar y en el programa True School Brasil conducido por Dj Dumato -woooooooooooooooo-. Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, videos, etc. ¿Cuál es su discografía a la fecha? –En Vivo– en la ciudad de Tal Tal / Norte de Chile (Demo 1997), con mi grupo Mente Rebelde – Mente Rebelde (álbum 1999), Reflexión (álbum 2005), De Salón (álbum 2013), Amor Suda-k – Trolando. Mr (álbum 2014), Cronología – Agazarpa2 (Trolando.Mr, Ynvikta Rapers y Frainstrumentos) (álbum 2018). En 2003 empecé a pintar mis primeros cuadros -sigo pintando hasta la fecha-. En 2008 empecé a trabajar en mis primeros vídeos -sigo trabajando a la fecha-. Incursión en el Teatro entre el 2005 al 2008. Por otro lado, usted es realizador visual y productor, activista fundamental dentro de la Cultura desde Chile para el Mundo, laburando con Juaninacka y Frainstrumentos, entre otros. ¿Cuál es su carrera más allá de las rimas? ¿Qué anécdotas nos puede comentar? Ya que lo nombras, pues tuve la fortuna de tra-

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bajar un vídeo para Frainstrumentos y Juaninacka para su disco Caballo Negro (tema Despedida y Cierre), en el cual también me apañó mi tío Mota (Sergio Arancibia) personificando a Juani en un futuro. Más allá de las rimas, pues he tenido que rebuscarme la vida en distintas cosas, tales como tornero, pintor, vendedor ambulante, jornalero, y actualmente tengo un local de comida rápida “La Pica de los Dientes”, junto a uno de mis hermanos y un amigo, en el cual me desempeño como planchero, bodeguero, cajero, lo que se necesite (je je je je). Como buen melómano del Hip Hop, y coleccionista de la música, ¿qué discos recomiendas para irse de viaje o vacaciones? ¿Qué material es su cabecera entre otros? Reflexión de Agazarpa2, De Salón – Mente Rebelde, Caballo Negro – Juaninacka y Frainstrumentos, Escribo Rap con R de Revolución – Andi Porta Voz, 2001 – Dr Dre,

Jardín del Miedo – Mente Sabía Cru, Mundo de Piedra del gran Cancerbero, Orishas de Cuba (su primer disco), SFDK muchas canciones igual que Kase O, Movimiento Original, Apache, Pizko Mc, Los Aldeanos, Aerstame, Ari, Frank T, Rapper School, Racionais MC’s (Brasil), Rappin Hood, Dexter. Chyste Mc. ¿Cómo han encarado la situación mundial del COVID- 19, las cuarentenas y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical? En mi caso me refugié en la pintura haciendo cuadros, también en lo audiovisual trabajando para varios artistas de la escena en mi país y con un hermoso proyecto llamado Bolsillo de Perro, en el cual he registrado mis viajes por el mundo con entrevistas y puntos de vista.

Territorio Liberado

El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de

los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como en sus expositores o cultores -portavoces, que también están en todo el globo terráqueo. ¿Cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop desde su experiencia? ¿Algunas agrupaciones o MC’s que nos recomienda seguir de su país? Creo que el Movimiento está creciendo en todo aspecto. El profesionalismo ya es parte de la esencia de la mayoría de los exponentes a nivel mundial. Además creo que es parte fundamental en todos los estilos musicales actuales, una influencia que se nota entre los músicos y compositores o escritores de todo el globo. Soloh Pablo, Salvaje Decibel, Mente Sabía Cru, Frainstrumentos, Mente Rebelde, Movimiento Original, La Habitación del Pánico, Chyste Mc, Gran Rah, Flor de Rap, Agazarpa2. Hay muchos más pero me faltaría hoja (je je je).

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Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival lo dejó marcado? Un evento que se hizo en mi comuna (Huechuraba) hace muchos años, cuando el grupo de Reggae Gondwana se presentó en las 7 canchas de mi comuna, un lugar a los pies del cerro en donde se llenaron las faldas de este mismo con gente, y me presenté junto a mi grupo, en ese entonces Mente Rebelde, en el cual nos fuimos con el corazón lleno por la recepción del público. Y el Festival que también me marcó fue el Aplach en el Estadio Sausalito de Viña del Mar, en donde tocamos con Mente Rebelde -mi grupo de aquellos años- con bandas como Los Cafres (Argentina), Iration (Chile) Stephen Toch, hijo de Peter Toch del grupo The Wailers, entre otros.

Laburante del Arte

Paralelamente a su actividad musical, está el realizador audiovisual, con esa actitud e identidad adquirida tal vez por la buena onda que le brindó los años en el activismo Hip Hop. ¿Qué anécdotas nos puede contar de alguna otra ocupación más allá de la Cultura? Además del arte y cultura, pues tengo un negocio con mi hermano Diego y un amigo Cristian de comida rápida, además de haber trabajado como vendedor ambulante por 4 años, vendiendo cervezas en la calle, y Hand Rolls a la salida de los locales nocturnos. ¿Cuál es su frase, lema, dicho o verso que le anima a seguir en la batalla y/o escuela de la vida? ¿Te imaginas?, si le hacemos caso a todos menos a uno. Cuando vamos a tirar pa’ arriba las ilusiones se hacen humo. Y cuando algo te sale muy bien digo: ¡Oye youuuuuuuuuuuuuuuuu!!!! Lando The Music Man, dentro de su larga lista de creaciones y producciones, ¿qué canciones son tus preferidas hoy y siempre? ¿Qué temas te identifican con el público y se han convertido en sus referentes? Bueno, del trabajo con Mente Rebelde – Carlos (historia del detenido desaparecido más jo-

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ven del país) del disco de Mente Rebelde del año 1999, Saber del disco Reflexión (2005), Carlitos del disco De Salón (2013), Morena, Oye Dama y La Niñita de mi disco de solista Amor Suda-k, Animales, Asperger y Mi Tiempo del disco de Agazarpa2 (2018). ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en la música, el Movimiento Hip Hop y su creatividad en producción? ¿Algún consejo en particular? Les diría que el camino es difícil, pero hay que dar todo, y más para que los sueños se cumplan. Hay que tener 1% de suerte y 99% de trabajo para que resulten las cosas, ya que el círculo no es tan amplio, comparado con todos los que queremos expandir nuestro Arte. Como KRS One dijo “Rap es algo que haces. Hip Hop algo que vives”. Si en la medida de las posibilidades, se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene para el presente 2021 rumbo al 2022? Bueno, para terminar el año pretendo sacar un par de vídeos de mi segundo disco de solista que está en curso y llevará por nombre Madafackalando La Ruta, y lo estoy grabando en el Estudio de Frainstrumentos, y pretendo que esté listo a mediados del próximo año. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Lando The Music Man. Un saludo para todas aquellas personas que escuchan mi música y disfrutan tanto como yo de mis creaciones, agradecimientos de corazón, ya que sin ustedes lo nuestro no tendría sentido. También quiero agradecer a ustedes por compartir un espacio en su hermoso proyecto con este laburante del arte que deja la camiseta bien mojada cada vez que representa en cualquier lugar del mundo. Orgullosos por compartir fraternales palabras el cierre de la edición, más que nada desearle a Lando éxitos en el aquí y en el ahora, en las realizaciones futuras a producir, y en el camino a seguir. Muchas gracias nuevamente por la confianza y colaboración.

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