LaCarne Magazine N108 by LaCarne Magazine

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Nº107 - MAY 2021 - AÑO 10

solo di medina la voz del viento, la tierra, y el fuego chileno

EXPERIENCIAS

Tvinna - Muro Crítico Whisky Caravan

investigación Herbie Hancock

ENTREVISTAS

The Buzzos - BombZ Scarecrow Avenue - Kraneo La Oveja Negra - Tracks Galinha Preta - Thorax Gustavo Orihuela

N108 aÑo 10 JUN 2021

SUMARIO

experiencias 32 BombZ, con el ritmo y la música fluyendo por las venas 06 Tvinna, y su disco One In The Dark 38 Scarecrow Avenue, un soplo de 08 Muro Crítico celebra su VI Edición aire Metal 12 Whisky Caravan ¡de corcierto por 42 Kraneo La Oveja Negra, Hip Hop fin!

investigación 16 Herbie Hancock, un auténtico genio del piano

entrevistas 22 Solo Di Medina, la voz del viento, la tierra y el fuego chileno

28 The Buzzos, ¡Feliz 20 Aniversario!

de La Calle Pa’ La Calle

46 Tracks, Rock Alternativo con esencia cubana

50 Galinha Preta, el Punk – Kaos do

Brasil

56 Thorax, 20 años de Thrash y Death Metal

62 Gustavo Orihuela, y el Proyecto del Violín Boliviano

Solo di medina

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, eva maría aroca, omar vega

Pedro Gallardo

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* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Tvinna

y su disco One In The Dark Tvinna, un mundo de fantasía LEER MÁS

uy buenas a todos! Espero que todo os vaya bien y que estéis siendo responsables, pues el virus sigue ahí fuera. Pero vamos a lo que vamos, que es, como siempre, a disfrutar un rato de buena música. Así que espero que me acompañéis en esta nueva entrada en la que os voy a hablar sobre Tvinna, una banda formada por tres maravillosas mujeres con unas voces y un estilo como de un mundo de fantasía, mágico, sin duda ellas son mágicas. Estas tres diosas forman Tvinna: Laura Fella (Faun), Fiona Rüggeberg (Faun), Fieke Van Den Hurk (Productora en EivØr, Omnia). Acompañadas, eso sí, de Rafael Salzmann, al bajo y la guitarra, y de Jasper Barendregt, encargado de la batería y percusión.

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Tvinna fue formada en 2017, y surge con la idea de crear un colectivo femenino que en un principio también contaba con la participación de Fabienne Erni (Eluveitie), pero finalmente quedó en un segundo plano, quedándose como vocalista invitada. En este colectivo femenino también colaboran otras voces femeninas y poderosas. Ellas, considerando así la banda como un circulo de mujeres, una comunidad, quieren plasmar en sus canciones y dar visibilidad a aquellas mujeres de la historia que se reunían, a veces en secreto, para hacer honores y compartir sus conocimientos, amor, su sabiduría ancestral, y la celebración de la feminidad, donde se apoyaban las unas a las otras. En definitiva, con su música quieren despertar y dar rienda suelta a la fuerza y energía femenina que todos llevamos en nuestro interior. Como ellas mismas dicen: “Ya no nos escondemos, somos uno en la oscuridad”.

por cinco actos. Es una canción que atrapa, y, aun siendo una canción lenta, tiene mucha fuerza. Otra de mis favoritas es Partus, con una letra preciosa y una sutil guitarra eléctrica en el estribillo que le da el toque mágico y perfecto. Por lo general, el álbum mantiene la misma línea, no es Rock ni Metal, que es de lo que suelo escribir normalmente, pero esta vez os traigo algo diferente, más profundo. Quizá musicalmente el estilo pueda identificarse más como Doom, y, obviamente, Folk. Otro tema es Kreiz, que cuenta con la colaboración de EIVØR, y fue precisamente con el que me enganché a la banda. Un tema con mucha fuerza, una batería explosiva, que me transporta directamente a la mitología nórdica. Es sin duda mi favorito de todo el álbum.

Tvinna y su disco One In The Dark

Y así es como se llama su primer trabajo, One In The Dark, que vamos a poder escuchar y disfrutar a continuación. Lo cierto es que salió a la luz el 19 de febrero, hace ya unos meses, pero ya tenía muchísimas ganas de hablar sobre este trabajo, porque de verdad que me ha cautivado por completo, y cuanto más lo escucho, más me gusta, pues me encanta el concepto, el significado de esta banda y de su música. Personalmente, para mí, tiene un significado especial esta formación, pues siempre, a lo largo de mi vida, he leído y me he documentado sobre los círculos de mujeres, sabias, o brujas de la historia, llegando a querer formar uno yo también. Es una idea que tengo en mente desde hace años, de hecho. Es un deseo pendiente que espero darle forma algún día. Su primer sencillo, The Gore, fue lanzado en noviembre de 2019, y su letra está compuesta

Otro gran tema de One In The Dark es precisamente un tema llamado The Dark, un tema más largo, y en el que se da espacio también a un sonido más electrónico, acompañado de la guitarra eléctrica y del maravilloso trío vocal, formando una canción que, aun siendo más larga que las demás, me deja con ganas de más. Y para finalizar esta pequeña reseña de esta gran banda y gran trabajo, os dejo con el tema que ha sido lanzado más recientemente, Wild Hunt. Un tema con el que cantan a los cuatro vientos, manifestando y reivindicando esa fuerza femenina dentro de ese círculo de mujeres que se reúnen para dar rienda suelta a su estado más puro y salvaje. Espero que os haya gustado tanto como a mí descubrir a esta poderosa banda que, dentro de un estilo propio, se está haciendo notar con mucha fuerza.

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Muro Crítico celebra su VI Edición

l pasado día 28 de abril, Fernando Grande Cano, Diputado de Cultura y Deportes de la Diputación de Cáceres, presentaba de manera oficial una nueva edición del programa Muro Crítico. También asistieron a la presentación varios de los muralistas que participarán en esta nueva edición y Jonathan Carranza «Sojo», comisario del proyecto. Muro Crítico celebra la que será su VI Edición y llevará este festival internacional de arte urbano a las localidades de Azabal, Navaconcejo, Jarandilla de la Vera, Torrejoncillo y Salorino; y tendrá lugar del 4 de Mayo al 5 de Junio. En esta nueva edición de Muro Crítico serán un total de 15 artistas de arte urbano los que participen realizando tres murales en cada una de las localidades ya mencionadas. Las temáticas artísticas serán también variadas en las que encontraremos arte figurado, ilustración y abstacción, pero todas seguirán un hilo común para esta edición, la reivindicación de la identidad rural.

Muro Crítico celebra su VI Edición

Son ya cinco años de Muro Crítico, seis contando con esta nueva edición, y ya se han pintado alrededor de 59 murales por distintas localidades cacereñas. El propio Diputado señalaba que tanto este programa como los murales que se han realizado hasta el momento son ya un referente en el arte urbano que se ha desarrollado en el medio rural extremeño. Como novedad y tal como destacaba Grande Cano, esta nueva edición de Muro Crítico contará con la participación de varios artistas internacionales procedentes de Chile, Colombia, Argentina y nuestra vecina Portugal.

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Durante la presentación del programa de la VI Edición de Muro Crítico intervino también Jonathan Carranza «Sojo» que agradecía el apoyo de la institución hacia el arte urbano y su gran apuesta por creadores y artistas. Afirmaba que esta edición será una de las mejores hasta la fecha y señalaba también que Muro Crítico es ya un proyecto con una consolidación y que ha ido creciendo. Mencionaba también que este proyecto ayuda a dar una imagen más contemporánea y más moderna de Extremadura. Intervino también Jesús Brea, uno de los muralistas participantes en esta nueva edición de Muro Crítico y éste apuntaba que gracias también a este programa ha cambiado la visión que el público tenía de ellos y ahora les ven como muralistas apreciando y respetando al mismo tiempo las obras que realizan.

El cartel de la VI Edición de Muro Crítico El cartel de esta nueva edición de Muro Crítico ha sido realizado por el propio Jonathan Carranza, comisario de este festival de arte. En él, comentaba el propio artista, ha querido recoger uno de los elementos imprescindibles y necesario para que l@s artistas puedan llevar a cabo su obra: el agua.

Carranza hace también un guiño a una de las localidades por las que pasará Muro Crítico este año, Torrejoncillo. En el cartel podemos ver un botijo o como lo denominan en esta localidad «barril» que gotea pintura en representación de cómo el mundo urbano y el mundo rural dialogan.

Programación de las intervenciones de Muro Crítico Y, ¿cuándo empezará esta VI edición de Muro

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Crítico? Pues ya! Del 4 de mayo al 5 de junio. No os perdáis a estos grandes artistas y las maravillosas obras de arte que realizarán en las diferentes localidades mencionadas. De hecho los propios artistas serán partícipes de una visita guiada en la que explicarán el significado de sus distintas obras.

Pekolejo (Chile/España) – DDHH 13: Derecho a la libre circulación Ctra. Pedro Muñoz 9

Aquí os dejamos toda la programación al completo para que nos os perdáis nada!

JARANDILLA: del 25 al 29 de mayo Sebas Velasco (País Vasco) – Jarandilla, identidad contemporánea Av Soledad Vega Ortiz 85 Casa de la Cultura

SALORINO: del 4 al 8 de mayo Projeto Ruido (Portugal) – Crecimiento personal y amistad en tiempos del Covid-19 C/ de la bola 7 Cestola (Galicia) – Historia de Salorino C/ Antonio N. Elviro 9 Isabel Flores (Extremadura) – Identidad Transfronteriza Camino de Brozas 2 TORREJONCILLO: del 11 al 15 de mayo Manolo Mesa (Andalucía) – Alfarería en Torrejoncillo Ctra. Ciudad Rodrigo 32

Chefo Bravo (Extremadura) – Concienciación y Respeto del Patrimonio Histórico C/ Las Vegas 5

Misterpiro (Extremadura) – ODS 13: Acción por el Clima Contaminación del aire Casa de la Cultura Zeta (Madrid) – Tradición y cultura Verata C/ Antonio Serrano 4 NAVACONCEJO: del 1 al 5 de junio Jaikü (Extremadura) – Memento Mori Consultorio Médico MØu (Galicia) – Derechos de la Infancia C/ Puente 3

Caín Ferreras (Extremadura) – Resilencia C/ Polear 1

Brea (Extremadura) – Leyenda de la ballena del Jerte Av. Santísimo Cristo 6

Digo Diego (Madrid) – DDHH25: Derecho a la vivienda. Soluciones Plza Cáceres 1 (Valdecín)

Más información sobre Muro Crítico y otros programas culturales en los siguientes enlaces:

AZABAL: del 18 al 22 de mayo Duo Amazonas (Argentina/Colombia) – La mujer en el mundo rural Plza Mayor 5

Website Diputación de Cáceres Facebook Diputación Institución Cultural El Brocense

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Whisky Caravan ¡de corcierto por fin!

No me lo podía creer. Acepté la invitación al instante. ¡Por fin me iba de concierto! LEER MÁS

ra viernes por la noche, y ya me disponía a irme a dormir, cuando de repente me llega un mensaje del gran Víctor Fraile, a quien entrevisté el mes pasado para que nos presentase su tema Son de Luna, al cual estoy enganchadísima. Para mi sorpresa, era un mensaje para invitarme, en agradecimiento por la entrevista, al concierto que iba a dar el domingo 18 de Abril en el Palacio de la Prensa, junto a su banda, los geniales Whisky Caravan.

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El último concierto al que fui fue en diciembre de 2019, por lo que tenía unas ganas locas, os podéis hacer una idea.

Whisky Caravan, el Gran día y la Gran Noche

Llegó el domingo 18 de abril, y allí estaba yo, dando un paseo por Gran Vía, a pleno sol de mediodía, camino al Palacio de la Prensa, al cual llegué más colorada que un tomate, porque una coge el bronceado que puede (risas),

pasada!!! Tenía tantas ganas de volver a un concierto… ¡Y qué concierto! Whisky Caravan empezaron con Días de Niebla tras diez minutos de retraso, pero con semejante comienzo la gente se vino arriba en seguida. ¡Yo la primera! Continuaron con temas como Más de ocho Vidas, La Guerra contra el Resto o Vidas de un Solo Tren, pero también nos sorprendieron con la noticia de que para septiembre habrá álbum nuevo, del cual tocaron algunos de esos nuevos temas. Uno de ellos con Víctor al teclado, creando una atmósfera casi mágica. Y al finalizar hicieron un guiño a la banda Extremoduro, encajando el estribillo del tema Salir. También hicieron una versión de Buena Chica de la banda Los Secretos. Fue un concierto en electro-acústico, muy cercanos con el público. Por supuesto, era con aforo limitado, guardando distancias de seguridad, con uso obligatorio de mascarilla. Parecía todo muy bien organizado para los tiempos en los que estamos, pero fue más que suficiente para quitarme ese gusanillo de ir a un concierto, que ya era hora, no, ¡Ya era año!

y ahí estaban Danny Caravan y Víctor Fraile, a quien fui directa a saludar. Whisky Caravan acababan de terminar el primer pase, porque en realidad fueron dos conciertos en el mismo día. Hubo un pase a mediodía, y después otro a la tarde, que fue el mejor, porque fue en el que estuve yo (risas). Con apenas hora y media para comer, pudimos tomarnos unas cervezas con Víctor, y un grupo de gente maravillosa que habían asistido al primer concierto (algunos repitieron), y una vez abrieron puertas de nuevo, yo estaba impaciente por ver otra vez música en directo, y qué puedo decir…¡¡¡Qué fue una auténtica

Whisky Caravan, sencillamente fantásticos. Además, están de estreno, pues el pasado 23 de Abril lanzaron nuevo single llamado Agujas a un Reloj, extraído del directo No Sueñan Fantasmas, y que también tocaron en esta sensacional noche. Una noche inolvidable, un domingo diferente. Volví a casa exhausta, y con un zapato roto, pero sin duda mereció la pena. Por supuesto, agradecer en particular a Víctor Fraile, que hizo posible que yo pudiera estar allí. ¡Hasta la próxima!

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Herbie Hancock un auténtico genio del piano LEER MÁS

ace poquito nos dejaba el gran Chick Corea, un pianista de personalidad y carisma artísticos arrolladores, así que no quiero dejar pasar la ocasión de hablaros de uno de sus maestros, Herbie Hancock, que además es de la pocas leyendas del Jazz que nos quedan vivos. Un auténtico genio del piano, que lo elevó hasta convertirlo en un instrumento diferente a lo que conocíamos de él. Hablamos de Herbie Hancock, un artista que ha pasado por todos los estilos de Jazz a partir del Bebop (Hardbop,

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Jazz fusión, Jazz Funk, Jazz electrónico…), y que cuya capacidad híbrida de crear música le ha hecho influenciar a todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. Así pues, este homenaje lo dividiremos en dos partes para que no os estreséis, mis pequeños procastinantes. Será una parte más biográfica, y otra donde analizaremos su estilo y sus aportaciones a la historia de la música. ¡Vamos a ello!

Herbie Hancock, un auténtico genio del piano

Nacido el 12 de abril de 1940 en Chicago, provenía de una familia de clase media, con un padre inspector del gobierno y una madre secretaria, pero ambos con pasión por la música.

trumentos. En 1960 vio tocar por primera vez a Chris Anderson, le impresionó tanto que no paró hasta conseguir que éste le diera clases, convirtiéndole en su gurú. Ese mismo año comenzó a trabajar junto a Donald Byrd y Coleman Hawkins. Byrd, viendo el potencial del joven Herbie Hancock, le sugirió que estudiara composición con Vittorio Giannini, y así lo hizo, ganándose rápidamente una excelente reputación que le llevó a empezar sesiones junto a artistas de la talla de Oliver Nelson o Phil Woods.

Los primeros éxitos de Herbie Hancock

Su primer álbum en solitario es de 1962, Takin Off, para Blue Note. De este disco sale el maravilloso estándar Watermelon Man (que tomará en su regazo Mongo Santamaría, hasta hacerlo un éxito comercial). Este disco puso los ojos (y oídos) de todos los grandes músicos de Jazz del momento en Herbie Hancock, especialmente se fijó en él Miles Davis (que ya sabéis que tenía ojo clínico para detectar a los genios).

De hecho, le pusieron a su hijo el nombre del cantante Herb Jeffries. Comenzó su formación en educación musical con 7 años, estudiando clásica. Pronto su talento le revelaría como niño prodigio: con tan solo 11 años interpretó magistralmente, junto a la Orquesta Sinfónica de Chicago, el Concierto para Piano nº 26 en Re mayor de Mozart. Nunca tuvo un profesor de Jazz, un estilo que le interesaba hasta la obsesión, sin embargo, su prodigioso oído y sentido armónico se desarrollaron magistralmente. La influencia del grupo vocal Hi-Lo le aportará un concepto armónico que Herbie aprovechó muy bien, la dualidad vocal. Él lo desarrolló, pero con ins-

Éste estaba formando una nueva banda. Será su batería Tony Williams quien le pone en contacto con Herbie, y, a mediados de 1963, estos dos genios estaban trabajando juntos en el segundo gran quinteto de Miles Davis, quien consideraba a Herbie Hancock uno de los talentos más prometedores del mundo del Jazz, y tanto que si. Esta formación se completaba con Ron Carter al bajo, el citado Terry Williams, Sam Rivers al saxo, y Wayne Shorter como segundo saxo. Esta formación es considerada como uno de los mejores combos de Jazz hasta el momento. Los 60 fueron una época muy prolífica para Herbie, quien, además de con la banda de Miles, seguía grabando temas propios para Blue Note, y colaborando con artistas del momento: Lee Morgan, Eric Dolphy, Grant Green… Es el momento de discos como My Point Of LaCarne Magazine

View (1963), Speak Like A Child (1968) o The Prisioner (1969), que, si bien no son muy conocidos, fueron (y siguen siendo) muy aclamados por la crítica. De 1963 es el original álbum Invents And Dimenssion, un disco con composiciones completamente improvisadas, muy innovador para la época. En 1968 participaría en la primera de muchas de las bandas sonoras que ha hecho a lo largo de su carrera, además de grabar cantidad de temas para espacios publicitarios de televisión. A finales de la década, y con los aires nuevos que traían los 70, Herbie Hancock empezó a introducir elementos de Rock y música popular en sus composiciones. Además, comenzó a experimentar con los teclados, incluyendo el Fender Rhodes (por insistencia de Miles Davis el visionario). Herbie se adaptó rápidamente, haciendo suyo el sonido, y como en 1968 fue despedido de la banda de Miles, aprovechó para crear él mismo una formación, su propio sexteto, con el que hacer la música experimental que se estaba cociendo en su cabecita. Esto no significa que no continuara apareciendo en los discos de Miles durante muchos años. Además, abandona Blue Note para firmar con Warner. Es curioso, 1969 será el año en que Herbie se vuelva “famoso”, al crear la melodía del show televisivo de Bill Crosby: Hey, Hey, Hey, It’s Fat Albert, melodía que se incluirá en su álbum Fat Albert Rotunda, muy inspirado en el R&B Y el Jazz clásico.

Herbie Hancock, más allá del Jazz estándar

Herbie Hancock siempre estuvo fascinado por los instrumentos eléctricos. Normal, pertenece a esa generación de músicos que se forman en lo clásico, pero que se mueven por tiempos de cambios donde las influencias de otras músicas están muy presentes. Ante esto se propone la creación de un montón de ritmos nuevos basados en una musicalidad que va más allá del Jazz estándar. Pronto formó un sexteto con el que se puso a experimentar. Lo formaban Buster Williams

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(bajo), Billy Hart (batería), y trío de trompetas compuesto por Eddie Henderson, Julian Priester y Bennie Haupin. Contaban con Patrick Gleeson, que se encargaba de los sintetizadores, que en esta época son un instrumento más (por mucho que me pese…). Hicieron juntos tres discos: Mwandishi, Crossing y Sextant, donde el espíritu de la improvisación está por todas partes, y donde se avanza musicalmente hasta lo nunca visto, pues marcarán el camino para el nacimiento de la música electrónica. Ya entrados los 70, Herbie Hancock formó el grupo The Headhunters con nuevos músicos. Su primer disco fue un éxito que consiguió llegar a la esfera Pop (algo que se le criticó mucho desde el mundo del Jazz, ya sabéis…). Hoy en día este disco sigue sonando fresco, y su influencia en el posterior Jazz contemporáneo, así como en el Funk, el Soul y el Hip Hop, es innegable.

Junto a The Headhunters se hicieron varios discos, lo que no impidió a nuestro protagonista estar, por otro lado, con nuevas creaciones. Este grupo se juntó de nuevo en 1998, haciendo las delicias de los hippies-beat trasnochados. Será éste el momento también de BSO como The Spook Who Sat By The Door o Death Wish, y de nuevas creaciones ya con regustos de músicas más modernas como el Funk. Es el inicio de una época muy comercial (no por ello peor) de Herbie Hancock, además de las primeras colaboraciones con Chick Corea (su sustituto en la banda de Miles Davis, y eterno compañero de correrías pianísticas). Entre 1978 y 1982 Herbie Hancock grabó numerosos discos de música Disco y Pop, todos ellos con una base de Jazz, pero con alguna innovación genial. En Sunlight, por ejemplo, utilizó un codificador de voz. Estos discos le

abrirán la puerta al mercado británico, así en 1981 se embarca en una gira europea. Además, empezó una serie de colaboraciones con Wynton Marsalis, que llevará a ambos a realizar una gira internacional, VSOP II, en compañía de Branford Marsalis (y esta historia ya os la sabéis). A partir de este momento Herbie Hancock se volverá mundialmente famoso, y su música evolucionará hacia la posmodernidad. Os espero el mes que viene para seguir con este viaje de música experimental.

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Solo Di Medina la voz del viento, la tierra y el fuego chileno

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íctor Flores es el artista que da vida al canto de Solo Di Medina, un vocalista y músico que va dejando pasos fundamentales en la Escena del país transandino, con un amplio repertorio de canciones en distintas colaboraciones y proyectos musicales, logrando en su carrera musical llegar a ser un referente dentro de la movida chilena. Ya con la libertad que expresan sus cuerdas vocales, y una personalidad con templanza y actitud sencilla, podemos llevar una hermosa conversación vía Messenger chat, que me permitió grabar los audios de la entrevista. Tuve el gusto de conocerlo en persona en 2002 en pleno Santiago de Chile, en una fiesta de Dj Raff. Ahí entablamos conversación y un par de anécdotas personales. Han pasado 19 años para retomar contacto con el magnífico personaje que vive en la sangre del honesto artista. Gracias por su colaboración con la entrevista exclusiva para LaCarne Magazine.

Solo Di Medina, la voz del viento, la tierra y el fuego chileno

Entrevista realizada en “vivo y directo” una mañana del 20 de enero del 2021, por Messenger -chat. Conexión Santiago de Chile – La Paz de Bolivia. ¿Cuándo y dónde ha nacido? ¿Qué nos puede contar de su vida personal? Yo soy de San Antonio (Chile), nacido en 1972, en plena U.P. (Unidad Popular), y me fui después del “Golpe”. Mi papá fue Dirigente Sindical, y fue exiliado (Alemania). ¿Cómo se inicia a la vida musical? De niño siempre me gustaba escuchar música. Había mucha música en la casa de mis papás, y ése era un pasatiempo favorito mío. Memorizaba todo tipo de música, la música de la televisión, por ejemplo.

¿Cuáles fueron sus influencias? De niño fue muy fuerte lo de los Beatles, porque mi hermano mayor era fanático de ellos, y a los 13 años conocí a Michael Jackson, Earth Wind & Fire, y ahí como que me tiré para la Música Afro Norteamericana. ¿Cómo se inicia en la Escena Musical? En la Escena Musical me inicié ya llegando a Chile. Yo viví en Alemania Oriental hasta los 17 años, y en Chile resultó un amigo parte de una banda (La Pozze Latina), y él me tiró con ellos a tocar congas y cantar, y ahí comenzó todo. ¿Qué bandas o grupos son su referente? Mira eh… lo más fuerte en mí siempre ha sido Earth Wind & Fire, pero también Marvin Gaye, Michael Jackson, Rubén Blades, Bob Marley, por ahí van las cosas. Outkast. En Alemania, ¿qué experiencia recabó? Bueno, en Alemania resultó que ya nosotros conocimos el Hip Hop casi cuando salió. Entonces nosotros estábamos locos por el Graffiti, por el Break Dance, por el Rap, toda esa onda, y cuando yo llegué a Chile eso todavía no pegaba. Entonces yo creo que esto fue como importante igual. La Pozze Latina fue un referente para el Rap Sudamericano. ¿Cómo recuerda esta etapa en la banda? Bueno, La Pozze Latina sin duda alguna fue mi escuela, fue también el portal que me inició en la Escena musical. Yo siempre siento mucho agradecimiento con esa energía de La Pozze Latina de ese entonces. El Movimiento Hip Hop ha llegado en distintos tiempos y espacios a colmar el Planeta Tierra por completo. ¿Cómo está la Cultura en Chile? Mira, la verdad es que yo no lo sé. Yo nunca he sido muy de los grupos, yo nunca me sentí tampoco parte realmente de algo. Yo como que he hecho siempre mi camino en solitario. Yo no sabría decirte exactamente cómo son las cosas con el Hip Hop en Chile. Para mí “la cosa” está arriba, el Hip Hop ha llegado a ser mucho más fuerte de lo que todos LaCarne Magazine

pensaron en su momento (que siempre se decía que iba a ser una moda pasajera y bla bla). Hoy en día está metido en todo, en el Pop, ni mucho más ni mucho menos. ¿Cuándo y cómo nace Solo Di Medina? Solo Di Medina nace cuando yo me doy cuenta en el fondo de que más que viajar y tocar, ya se estaba formando como un personaje, y que yo tenía que decidirme si quería armarlo o no, y me decidí por armar un personaje y ponerle un nombre, y le puse Solo Di Medina. ¿Por qué el sobrenombre? El sobrenombre, las ganas de crear un personaje con el cual poder jugar en el mundo, poder crear y poder hacerlo como a mí se me daba la gana. El nombre mismo, bueno, mi nombre completo es Víctor Andrés Flores Medina, era como agarrar la energía de mi mamá, y lo de “Solo” es como solitario, y lo de “Di” es como una onda italiana. Así como que me imaginaba como un “siciliano” -ja ja ja-, algo así. El personaje creado por Víctor Flores ha colaborado con bastantes artistas y músicos, ¿qué temas han marcado su carrera? Hay muchos temas en realidad, como en distintos circuitos y distintos ámbitos. Son distintos temas los que me han marcado, y los que me han abierto las puertas. Son realmente muchas colaboraciones, muchas veces también reaparecen colaboraciones que yo ni me acordaba, pero en general agradezco a todas. Cuando escuchamos y disfrutamos en MTV Latino (canal que en aquellas épocas era como una “plataforma musical” de vanguardia) del tema 2001 junto a Zaturno, fue un boom que se ha convertido en Hit Latinoamericano dentro la Cultura Hip Hop, además que el material -completamente profesional- nos refrescaba con mucha armonía la llegada del Siglo XXI. ¿Qué recuerda de aquella canción del álbum Top Ten Babylon Artistas (Mutante Records / Big Sur Records – 2001) realizado y producido junto a DJ Raff? Mira, la verdad es que fue extraño. Yo nunca he sido parte realmente o nunca me he senti-

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do parte de la Escena Hip Hop, y ahí la conocí. Fue una época muy interesante, fue muy bueno trabajar y conocer a Raff. Mientras disfrutamos de Cuarentena Love, junto a Bruno Borlone ft. Chaguilupi, su última producción -estrenada precisamente en estos nuevos tiempos-, un excelente tema en onda Funky, el 2020 surge otra nueva colaboración junto a La Derretida, canción poderosa que vivirá y crecerá por sí sola. ¿Cómo se dio la producción de Muévete del EP Súper Sólido? Mira, la verdad es que esa colaboración, más que con La Derretida, de mi lado tiene que ver más con Pera Prezz, que está produciendo el asunto, y yo he trabajado mucho con Pera. Él es guitarrista de la banda con la que yo toco. Por ahí la conexión. Solo Di Medina, ¿qué discografía tiene en solitario? Sí, hay dos discos míos en solitario. Uno se llama Hembras de Marte, que es del 2008, y el otro se llama Tokio, que es del 2013.

¿En qué banda toca actualmente? Nosotros tocamos con la banda Los Mambo Tokio Soulers, y tocamos repertorio de Solo Di Medina, hacemos un poco de Pozze Latina, un poco de Dj Raff, temas que han sonado con distintas colaboraciones y los dos discos que te mencioné – Hembras de Marte y Tokio-.

una especie de “aventura”. He hecho de todo, he trabajado en construcción, he trabajado en realmente de todo, así como “lo que sea” para conseguir dinero, y actualmente estoy trabajando en inflables. Estamos haciendo estructuras inflables. Aprendí a coser en una maquina industrial. Mi vida es así, como que hago de todo en realidad.

¿Cómo le fue a sus discos? ¿Qué resume de las experiencias realizadas? En la salida, no fue un disco que le fue comercialmente bien o algo por el estilo -el primero-, entonces después de 5 años -más o menos-, empezó a dar vueltas y con el tiempo se convirtió como en una especie de “clásico”, y el segundo disco lo saqué más por obligación del Sello.

Solo Di Medina es un “Clásico” ya de lejos, y en vida. ¿Qué puede comentar de su trabajo realizado con los Sellos? Con el único Sello que yo he trabajado realmente es con Potoco Discos, y que es un trato a palabra. Yo jamás he trabajado con ningún Sello, nunca he firmado ningún contrato ni nada por el estilo. Siempre he estado como que fuera de eso.

¿Cómo se ha acomodado, desde la música, a la época de cuarentenas que atraviesa la humanidad? ¿Qué experiencias puede comentar? Para mí siempre vivir en Chile ha sido como

Víctor Flores mantiene, como buen trabajador, al personaje que lleva dentro. ¿Es posible sustentarse con la actividad musical? Yo creo que sí es posible. Yo creo que, si uno se dedica al cien por cien, hay muchas maneLaCarne Magazine

ras de hacerlo. Yo creo que hay mucha plata en ese ambiente, yo creo que se puede. Yo no he optado por eso, la verdad, no… Lo encuentro muy “esclavizante”.

co para niños que está casi listo. Estamos trabajando también en la parte audiovisual de ese disco. Hay un Gato Negro que va a ser el personaje que va a cantar y eso.

Antes de cerrar la entrevista, como anécdota, le comento que en esos años que salió el tema 2001 junto con Zaturno & DJ Raff, algunos raperos por acá (2003-2004) hacían su versión cover sin decir el autor -ja ja ja -. “Yo doy las gracias a la vida día a día, el futuro viene hacia pues en mi confía, mi camino sigue siendo el mismo de siempre…” Esos versos quedaron grabados en el Ajayu (Espíritu). ¿Quién escribió ese legendario texto para el estribillo? Bueno, ese estribillo es mío. Yo lo escribí como pensando en Zaturno en realidad. Yo estaba en la casa de Zaturno, lo miré -dije- a ver, ¿qué es lo que diría Zaturno si fuera yo? Lo cual no es así, obviamente nunca será así, pero ésa fue la metodología.

¿Cuál es su frase, lema, dicho, o verso que le anima a seguir en la batalla de la vida? Yo la verdad es que no lo veo como una “batalla”. Yo lo veo más como un “juego”. Para mí el lema es eso –weón-. Si lo veo como un juego, si lo logro ver como un juego y estar relajado, y meterme en el rollo, eso es.

Pude disfrutar en el YouTube el tema 2001 en vivo en el Lollapalooza 2015 -en Chile-, muy recomendable para refrescarse de su presencia en Escenarios, y para los que nunca los pudimos ver en vivo o directo. Se mantiene esta magia que ha renacido -gracias a las cuarentenas- con el concepto denominado “show virtual” o “streaming” en la Nueva Era digital. ¿En qué proyecto musical actualmente se encuentra? En este momento estoy trabajando en un dis-

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Cerrando la entrevista -en la edición final- me pongo a disfrutar de una performance del tema Miel de Solo Di Medina y Los Mambo Tokio Soulers, que me ambienta en el apasionante oficio periodístico. Sus palabras de despedida y mensaje final. Nada, mi hermano, agradecido por el interés, por nuestra música, y que ojalá, en un futuro no tan lejano, podamos tocar allá por España -sería increíble-. Amor para todos. Saludos cordiales desde La Paz, en el Altiplano boliviano, en plena Cordillera Real de Los Andes. Un saludo cordial a Bolivia, a todos mis hermanos bolivianos, y también esperamos tocar en un futuro no tan lejano en Bolivia.

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the buzzos ¡Feliz 20 Aniversario!

i hay una banda del underground extremeño que representa como nadie el rock es The Buzzos. La formación de Quintana de la Serena es una de las bandas más activas de Extremadura. Estamos a unos meses de que The Buzzos cumpla su 20 aniversario, y es de obligado cumplimiento tenerlos aquí con nosotros y someterlos a nuestro cuestionario, sabedores de que debemos rendir pleitesía a dichas fieras rockeras. ¡Vamos a ello! Es un placer tener a The Buzzos otra vez entre nosotros. Con vosotros podemos decir que la experiencia es un grado. ¿Cómo ha evolucionado la banda en estas dos décadas?

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Diego Leone: El placer es nuestro. Nuestra evolución consiste en que hemos conseguido sonar como realmente queremos, tanto en disco como en directo, en gran parte gracias a la ayuda de nuestro técnico Luis Miguel García, y a que tenemos las cosas mucho más claras que hace 20 años. También hemos evolucionado en actitud, en saber lo que queremos en cada momento. La manera de componer los temas no ha variado apenas, quizás en los medios que tenemos. The Buzzos empezamos con una grabadora y una cinta en el local, y ahora tenemos el cubase en casa, por lo que es mucho más sencillo a la hora de mostrar el material a los demás y de que todos puedan aportar ideas. Diego Leone aka Dean Demon es uno de los miembros originales de la formación, la cual ha sufrido algunos cambios a lo largo de estos

años sin que os haya afectado en vuestro sonido. ¿Cómo son los nuevos fichajes, Diego? ¿Cómo se afronta desde una banda veterana los cambios de miembros y los casting para nuevos componentes del grupo? Diego Leone: La verdad es que fue muy traumático cuando, a finales de 2014, mi hermano y yo estuvimos a punto de disolver The Buzzos al quedarnos los dos solamente, pero ese fue un pensamiento que nos duró un cuarto de hora. En aquellos momentos tocábamos también con Nasty Ho!, así que les propusimos a sus miembros que se unieran a The Buzzos. Los nuevos fichajes es lo mejor que nos ha podido pasar a la banda. Por un lado, tenemos a Fernan Benítez a la batería, aunque él debutó con The Buzzos en 2009, siendo todavía menor de edad. Desde esa época venía siendo el “batería sustituto” (antes contábamos con Pachi Cañamero, una de nuestras personas favoritas del Rock´n´Roll). Desde 2015 ya se

hizo con el puesto definitivo, y no hicieron falta pruebas, ya que habíamos tocado mucho juntos. Después tenemos a Juan Antonio Sánchez al bajo, y al conocernos de Nasty tampoco hizo falta un casting. También estaba Álex Delario, fantástico guitarrista que grabó Lazy Days Vol.1, y de vez en cuando ha seguido tocando con nosotros cuando su trabajo se lo ha permitido. Después tuvimos durante unos meses a John T. Nemesys, que participó en la grabación de los temas Running to you y Crazy Lover. Un gran tipo también. Al final tuve que grabar yo sólo el disco Red, y, después de un tiempo en el que estuvo de nuevo Álex, tenemos con nosotros a Diego Iglesias (Ex Destraperlo), y esperamos que esta vez nos dure mucho tiempo. Siempre he considerado a The Buzzos como

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una familia, y actualmente el clima que se respira en el local o en los conciertos es inmejorable. Lo pasamos muy bien juntos y tenemos muchas ganas de seguir haciendo discos y conciertos, aunque ahora la situación es pésima por la pandemia. Cuando no hay conciertos es complicado tener un buen estado de ánimo. Seguro que os lo han preguntado muchas veces, pero nosotros no, y, para que nos llaméis pesados y nos mandéis a la mierda como buenas estrellas de Rock, vamos a hacerlo. Vuestro nombre es The Buzzos, pero vuestro merchandising y logos son muy moteros e incendiarios, poco tiene que ver con las aguas. ¿De dónde viene el nombre? Diego Leone: No sé ya ni cuántas veces he contestado a esta pregunta. El nombre viene de “buzz”, es decir “zumbido”. Se podría traducir como “Los zumbidos” o quizás “Los zumbados”, elegid vosotros mismos. También era una especie de homenaje a los Buzzcocks. Creo recordar que yo propuse The Buzos, y Scott (guitarrista en aquella época) propuso añadir una Z más. The Buzzos tenéis 9 discos, Red es el último con buena acogida de crítica y fans. Con él que habéis llegado a un público más amplio sin haber dejado vuestra seña de identidad. 2 años de ese disco, ¿hay alguna pega de él? ¿Es el mejor de vuestra carrera? ¿Estáis satisfechos de cómo ha funcionado el disco? Diego Leone: Para mí Red es perfecto, puro rock sin artificios. No cambiaría absolutamente nada, estamos contentísimos de como quedó. Para mí personalmente fue un reto, y lo mismo puedo decir de Lazy Days Vol.1. Tanto por sonido como por canciones, me parecen nuestros dos mejores discos, sin desmerecer a los anteriores, que también me parecen fantásticos. Yo qué voy a decir. Red es el que mejor que ha funcionado, aunque Lazy Days Vol.1 y Nowhere train también tuvieron bastante repercusión. Con respecto a la actualidad, ¿está siendo el sector de la música el gran perjudicado de la

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pandemia? ¿La cultura es segura? ¿Tenéis The Buzzos muchos conciertos confirmados? ¿Preferís salas o festivales? Diego Leone: Tanto los grupos como todos los sectores que se dedican a la música (salas, festivales, técnicos, montadores, etc.) estamos siendo de los más perjudicados, parece que nadie se acuerde de nosotros. El verano pasado hicimos tres conciertos absolutamente seguros, al aire libre, con distancia de seguridad, controles, etc. Está claro que todo esto necesita más esfuerzos y organización, pero parece que la pandemia es la excusa perfecta para liquidar un sector que es el que ofrece más entretenimiento y cultura de todos. A la gente le gusta escuchar música, pero muchas veces no somos conscientes de lo que cuesta crear, grabar y dar salida a la música. La venta de discos murió, ahora los conciertos. ¿Qué nos queda? Actualmente no tenemos ningún concierto confirmado, esperemos que ahora que se acerca el verano podamos ir anunciando algunos. ¿Imaginas un 20 aniversario de una banda sin poder tocar? Yo no, desde luego. Nosotros en el pasado quizás éramos un grupo más de salas, pero en los últimos años el 80% de nuestros conciertos suelen ser en festivales o al aire libre, que es un formato que también nos encanta, y al que nos hemos acostumbrado. No hay problema en tocar en cualquier sitio que nos llamen y nos guste. ¿Está afectando la pandemia a vuestras canciones? ¿Habéis creado nuevas composiciones? ¿El futuro disco tendrá mucho de la realidad Covid19? Diego Leone: La verdad es que The Buzzos estamos componiendo mucho. Además, tenemos bastante material guardado que no entró en discos anteriores al no estar terminado. The Buzzos sabemos que sacaremos pronto disco nuevo, y ya estamos hablando de cómo será, pero hasta dentro de un mes aproximadamente no decidiremos nada al respecto. También estamos componiendo para nuestro

nuevo proyecto en castellano, que se llama Mistolobo. Ya hemos publicado dos canciones en plataformas digitales. De todos los conciertos y festivales donde habéis estado, nosotros nos acordamos de una actuación vuestra en Granirock. ¿De cuales tenéis un recuerdo o experiencia especial? Diego Leone: El último Granirock estuvo muy bien, The Buzzos sonamos muy potentes y dimos un buen concierto. En el Big Twin de Castellón lo pasamos bien también. Buff, es que son muchos festivales. Recuerdo el primer Extremúsika o el festival del Oeste hace mil años. En salas, los últimos que hicimos en Jerez de la Frontera y el Puerto de Santa María con nuestros amigos los Farelli fueron divertidísimos, también en Ruta 66 de Montequinto, Sevilla. Y hace muchos años en la FNAC de Callao, en Madrid, del que tuvimos que volver para hacer doblete, o recuerdo un festival por Perú en la plaza de toros de Cáceres que fue brutal… La mayoría de los conciertos me traen buenos recuerdos. También echo de menos tocar en el antiguo Bar Red. The Buzzos tenéis vuestra propia cerveza. Eso es lo más grande casi que puede tener un grupo de rock. ¿Cómo surgió el proyecto? ¿Qué tal está funcionando? ¿Cómo podemos conseguirla? Diego Leone: Jose Seve, de “Sevebrau”, nos lo propuso. Creó una cerveza especialmente para nosotros, y funcionó muy bien, se vendió fenomenal. La fabricación depende de cuando él quiera o pueda, y ahora el tema está un poco parado por la situación. La verdad es que nos gustaría mucho disponer pronto de ella, pero si no hay conciertos es un poco inviable. No creo que se pueda conseguir ahora mismo en ningún sitio hasta que la vuelva a fabricar. Está agotada. Red forma parte de Maldito Records. ¿Qué tal con el sello? ¿Seguiréis con ellos? ¿Ha sido un gran paso formar parte de una discográfica

rockera tan importante? Diego Leone: Empezamos a trabajar con ellos a través de Maldito Digital con Nowhere train, pero para Red nos ofrecieron formar parte de Maldito Records. Ya hemos hablado para editar con ellos el siguiente disco, así que sí, seguiremos con ellos. A nivel de publicidad o de cómo organizan la promo, es un alivio tenerlos detrás. También por sus plataformas de ventas, nos quitamos mucho trabajo de encima. Y por supuesto, es un orgullo que su sello aparezca en nuestros discos. Antes de despedirnos, The Buzzos habéis pasado por Viñarock, Arenal Sound, Extremúsika, Womad… ¿En qué festival extremeño os haría ilusión tocar cuando haya una normalidad sanitaria? ¿Y a nivel nacional? ¿Por qué? Diego Leone: Nos gustaría tocar en todos, y más en la gira de 20 aniversario. Cualquier festival que se precie debería contratar a The Buzzos! En Extremadura, por ejemplo, nos gustaría volver a Extremúsika, donde ya estuvimos en 2006. Por supuesto, el Granirock es especial para nosotros, y allí estaremos siempre que nos llamen. Y fuera, pues en el Bay of Biscay, Azkena o cualquiera que tenga que ver con la música que hacemos. Arenal, Weekend y Viñarock no estarían nada mal tampoco. La verdad es que siempre vamos a cualquier sitio donde nos llamen y nos atraiga la propuesta. Lo único que nos importa es tocar y que cada vez más gente conozca a la banda. ¡Gracias, amigos, nos vemos en los bares! Diego Leone: Esperamos que eso sea pronto. Un abrazo para todos.

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BombZ

con el ritmo y la música fluyendo por las

s muy importante saber que el trabajo comunicacional que uno realiza repercute y agrada a la comunidad. En distintos grados y de maneras alternas, encontramos panoramas musicales cada momento de la vida. La ciudad de La Paz, en Bolivia, está ubicada en un geografía de por más fantástica y montañosa, tanto así que se la conoce popularmente como “La Hoyada”, en referencia al “hoyo” que ocupa el centro de la ciudad, Capital Política del país. En esta cosmopolita región se encuentran y desencuentran sus personajes, así como los astros planean los cielos, con mucha frecuencia y también maravilla. Gracias a BombZ por la confianza, y por la apertura para esta entrevista en exclusiva.

BombZ, con el ritmo y la música fluyendo por las venas

Luego de tantos meses de encierros, cuarentenas, nuevas reglas, etc., personal y musicalmente hablando, ¿cómo estás actualmente? Hola, qué tal! Gracias, LaCarne Magazine, por la entrevista, es un honor para mí. Y bueno… me encuentro bien, me encuentro feliz de poder seguir respirando, de poder seguir haciendo música, que es lo que más amo en la vida. Musicalmente me encuentro enfocado, concentrado, muy feliz empezando esta nueva etapa como solista. Si bien no estoy tocando

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la batería (que era mi fuerte), decidí empezar a producir mis propios temas, a componer y empezar prácticamente desde cero. Este proyecto como solista es algo que me sacó de mi “zona de confort”, y que musicalmente representa un nuevo desafío, que significa mucho para mí. ¿Cuál es el inicio de su vida musical? El inicio de mi vida musical empieza aproximadamente a mis ocho años de edad. Mi padre fue quien me enseñó mis primeros golpes de bombo. Empecé tocando junto a él en grandes escenarios y frente a cientos de personas. Posteriormente a los 15 años decidí formar el grupo Chorizo Caliente junto a mi hermano José y mi sobrino Daniel. ¿Cómo nace el nombre artístico de Ernesto

s venas

Zapata, BombZ? Mi nombre artístico, BombZ, viene de “Bombas”. Me decían “Bombas” por mi parecido con el jugador del Club Bolívar Limberg Gutiérrez. Cuando iba a la cancha, pateaba muy fuerte la pelota al igual que él, además mi parecido físico con Limberg era enorme. Desde entonces todo el mundo en la cancha me empezó a llamar “Bombas”, y se me quedó hasta el día de hoy. Todos me dicen “Bombas”. Es raro cuando alguien me llama por mi nombre – Ernesto-. No sé, siento que están enojados conmigo o algo por el estilo (ja ja ja). Por tanto, cuando decidí empezar este proyecto como solista, me decidí por BombZ por mi nickname y por la “Z”, que representa la zeta de Zapata (mi Apellido). ¿Qué influencias musicales tiene BombZ?

Mis influencias musicales van desde la Música Prehistórica hasta Faraón Love Shady. Me encanta el Rock, en especial el Rock de los años setentas, la Música Folclórica Boliviana, me encanta el Punk, el Heavy Metal, y creo que todas esas mis influencias musicales se ven reflejadas en mi trabajo como artista. A lo largo de mi trayectoria como baterista, he tocado en bandas muy importantes, hice desde Música Folclórica, Cumbia, música de fiesta, de joda, latinoamericana, etc. En cuanto a mis influencias y gustos musicales, no soy nada cerrado. Creo que la mayor influencia musical es la de mi padre, y “baterísticamente” hablando, John Bonham y Travis Barker. Ernesto Zapata fue baterista del grupo Chorizo Caliente. ¿Cómo le fue con su banda y con LaCarne Magazine

la obra Olvidar? ¿Qué nos puede resumir de la experiencia? No sé si Chorizo Caliente aún llego a su fin, pero fue una época inolvidable, más de 10 años en los que junto a mi hermano y mi sobrino grabamos el único disco titulado Olvidar. Tuvimos presentaciones en La Paz, Cochabamba, y Santa Cruz. Vivimos esa escena Under del Rock local.

con Chorizo Caliente? ¿Cómo llega su epílogo como banda? Sas’q y Piérdete fueron los Singles más importantes de la banda, y sí, Chorizo Caliente ya desde el nombre era una banda muy divertida. Realmente la pasamos muy bien, era una banda familiar y muy caliente, por cierto (ja ja ja).

Olvidar lo grabamos junto a Sebastián “El Chivo” Fernández, y tuvo bastante aceptación, ya que la empresa discográfica VIP Music Records, con sede en New York, se encargó de la distribución de ese disco.

En sí, no sé si la banda llegó a su fin. Simplemente yo decidí dar un paso al costado, ya que estaba muy enfocado en ese entonces en mi grupo de Cumbia llamado Los Ex, por tanto, le di más prioridad al género tropical. Posteriormente ya decidí empezar mi proyecto como solista.

Observé en el canal YouTube de la banda el video Sas’q o Piérdete-que me divirtió muchoentre otros que han producido en aquellos tiempos (2016). ¿Cómo les fue en resumen

Pasemos a platicar de la nueva canción de BombZ --Que la Bomba Explote – que acaba de estrenar su carrera en solitario. Dejando la batería, ahora pasas al frontman y las vocales.

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¿Cómo te fue con la canción? ¿Dónde se produjo? ¿Qué temática y estilo has encaminado en la obra? Así es, mi primer single como BombZ, Que la Bomba Explote, ha sido un logro para mí. Lo produje yo, lo grabé yo, y para esta canción escogí una temática la cual me representa muy bien. Que la Bomba Explote habla de la fiesta, habla de pasarla bien. Yo solía ser una persona que le encantaba la fiesta, le encantaba la joda, me encantaba reventarme, entonces yo era el que explotaba cada fin de semana, y quise reflejar este estilo de vida en mi canción. Pasar de baterista a frontman es algo que ya lo venía pensando desde hace mucho tiempo. Creo que estar sentado en la batería me limitaba mucho, no podía hacer muchas cosas que un frontman puede. En un futuro planeo armar shows explosivos como mi primer Single. ¿Cuál es el proyecto actual de BombZ? ¿Habrá nuevo single? ¿Qué nos pueden adelantar para este 2021? Planeo lanzar un disco o un EP, y claro que sí habrá nuevos singles. De hecho, -a la fecha de esta entrevista- el segundo Single está terminado, este 2021 se viene con todo. Espero lanzar los videoclips de cada Single, hacer Featurings con colegas músicos, y, si Dios quiere, poder brindar conciertos on-line y presenciales. Su Sr. Padre es el conocido músico y artista José Zapata, un ícono dentro del canto y folclore boliviano. ¿Cómo fue recibir la bendición de nacer y crecer bajo su seno musical? Así es, mi padre es realmente una leyenda, a quien admiro muchísimo, no sólo por su carrera musical, sino por la persona que es. Gracias a Dios, él siempre me ha apoyado en todos los proyectos que vengo haciendo, sea cual sea el género. Crecer bajo su tutela musical es algo de lo que realmente estoy muy, muy agradecido. Si bien algunas de sus críticas pueden ser muy fuertes y bajonearme, son sinceras, y creo que es una crítica que realmente todo músico le

gustaría recibir, una crítica con fundamentos y sincera de alguien con tanta trayectoria. ¿Qué canciones son emblemas o representan para ti el canto de su Sr. Padre? ¿Alguna anécdota dentro de su mundo musical familiar artístico? Sin duda alguna la canción más emblemática es Viva Mi Patria Bolivia. Estoy seguro que mi papá grabó la versión más linda del Segundo Himno de todos los bolivianos. Entre otras canciones, también el Negro José, Acaso Porque Soy Pobre. Mi padre también es un gran compositor, es una leyenda, y, bueno, creo que lo más lindo de vivir entre puros artistas es hablar todo el día de eso… (ja ja ja) de arte, de música. Aparte de ser paceños, pertenecemos al poderoso The Strongest – Football Club de nuestros amores. Vi que le cantabas en alguna ocasión para el “Día del Hincha Atigrado” (27 sept. 2015). ¿Qué representa unir estos mundos (el musical y el futbolero) en un sólo canto? ¿Ya tiene canciones con tinte aurinegro? “Si no lo sientes, no lo entiendes” (ja ja ja) el Tigre siempre ha estado, está y estará en mi corazón. Esa pasión la heredé de mis padres, en especial de mi madre. Recuerdo esa presentación que mencionas del “Día del Hincha Atigrado” el 2015. Hicimos bailar junto a mi ex banda (Efecto Doppler) a todo el plantel, fue una locura. Al Tigre lo llevo en mi corazón, y es imposible no llevarlo en mis canciones. Este año planeo lanzar un tema que refleje mi pasión por el Club de mis amores. ¿Cómo está viviendo BombZ estos tiempos de cambio y transformación planetaria (llamadas cuarentenas) desde la trinchera del arte y la música? ¿Cuál fue su actual experiencia -si es que tuvo- entre los “streamings” y “los shows presenciales”? Lo vivo con mucha tristeza. Creo que ningún músico estaba preparado para este cambio tan radical. El no poder asistir presencialmente a un concierto es realmente triste. LaCarne Magazine

En cuanto a mi experiencia haciendo Streamings, sólo hicimos uno junto a mi papá. Claro que extrañamos las tocadas presenciales, no es lo mismo dar un concierto y que lo vean por un monitor, que estar ahí y poder transmitir la energía al público. Es algo a lo que tenemos que acostumbrarnos, calculo dos años más. BombZ, eres de la Nueva Generación de artistas urbanos, privilegiado por el ejemplo y talento adquirido casi por genética, quien trabaja comprometido y auto-gestionado su propio arte. ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión y dedicación? ¿Cuál es su método y disciplina en este apasionante mundo de la música? ¿Cómo le fue en estos años dentro de la Escena? Como lo mencionas, es una pasión, es algo inexplicable, es algo que se lleva en la sangre, y todo el tiempo piensas en ello. Creo que mi método es dar lo mejor de mí cada día. En todos estos años de trayectoria artística, he pasado por momentos muy duros, momentos felices, es una “montaña rusa” de emociones que solamente los que vivimos esta pasión podemos entenderlo. Uno se pierde reuniones familiares, bodas, cumpleaños, otros, por cumplir con el deber de hacer feliz a otras personas con tu Arte. Vi en su perfil del Instagram que es Campeón Nacional Freestyle Drumming. ¿Coméntanos la experiencia, por favor? Así es, es algo de lo que realmente estoy muy orgulloso. Ser Campeón Nacional de Freestyle Drumming, esta experiencia la viví el año 2011 gracias a Red Bull. El 2011 se organizó el Primer Campeonato Mundial de Freestyle Drumming. En primera instancia, junto a mi equipo salimos campeones paceños, y posteriormente ganamos la final nacional. De esa manera representamos a Bolivia en la final mundial en Río de Janeiro, fue una experiencia inolvidable. Lastimosamente, la aerolínea en la que viajábamos mandó la maleta con todos los instrumentos a otro destino, fue

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algo muy triste y frustrante para nosotros. Sin instrumentos propios, nuestro performance no fue de las mejores, por tanto, no pudimos traer el título a casa, pero el hecho de estar en Río de Janeiro y representar a Bolivia en la final Mundial ya era un logro muy grande para nosotros. Fue una de las experiencias más lindas y gratificantes de mi vida. ¿Qué le puedes aconsejar a la nueva gene-

ración de seres humanos que quieren encaminar el sendero de la música y el arte para poder conectarse, y expresarse? Los consejos que les puedo dar a las nuevas generaciones es que sean perseverantes, que amen lo que están haciendo, que sean pacientes si quieren ver resultados. Es hermoso poder transmitir lo que uno siente mediante el Arte, es hermoso poder ver cómo las personas pueden llegar a identificarse con uno cuando eres artista.

BombZ, ¿alguna cábala o ritual antes de entrar a escena? La cábala o ritual antes de entrar en escena que nunca falta es “calentar”, elevar un poco la frecuencia cardiaca, pero no mucho. Como baterista, siempre me encantaba tomarme una buena bebida energizante antes de subir al escenario. ¿Qué verso, lema, palabras, son sus preferidos a la hora de tomar acción, subir a escena y marcar el sonido, ritmo y la música? ¿Qué textos le inspiran el juego en la vida? “Si tu viejo zapatero, zárpale la lata”, creo que es mi lema favorito (ja ja ja), “Si tu viejo zapatero, zárpale la lata” representa que debes aprovechar las oportunidades que se te presentan en la vida, que debes meterle con todo sin dudar. Creo que ese lema representa mi vida, aprovechar cada oportunidad por más pequeña que sea. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro la Tierra, ¿en qué proyectos se encuentran trabajando BombZ para el 2021? Para este 2021 quiero seguir trabajando en este proyecto, seguir sacando música, seguir componiendo, seguir aprendiendo. Si Dios lo permite, dar conciertos de “puta madre”, armar una mega banda, y romperla en el escenario. Sus palabras de despedida, mensaje para la gente que lo sigue y para los nuevos admiradores de BombZ. Muchas gracias, LaCarne Magazine, por esta entrevista. Quiero agradecerles por este espacio, por la cobertura, mandarles un fuerte abrazo. Gracias, Alfonseka Marraketa, por el apoyo y por tu Arte. Les deseo mucha música, y no olviden seguirme en mis redes sociales para estar al tanto de mi nueva música y presentaciones.

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Scarecrow Avenue un soplo de aire Metal

nuevo trabajo que pronto podremos disfrutar.

uy buenas a todos! De nuevo estoy por aquí, y en esta ocasión os traigo una banda que son un soplo de aire fresco musicalmente hablando, con una trayectoria aún corta, pero con un sonido muy potente y sólido con el que estoy segura que van a dar mucho que hablar, y se harán un hueco pronto entre los grandes del Metal nacional. Os presento a Scarecrow Avenue!!! Quédate conmigo a conocer a estos chicos de Cartagena, que nos hablan sobre su estilo y nos desvelan alguna que otra sorpresa del

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Scarecrow Avenue darán mucho que hablar

He de decir que os he descubierto recientemente y he quedado fascinada con vuestro sonido. Personalmente me gusta que bandas nacionales se atrevan con un sonido tan pesado y fuerte. ¿Cómo nace Scarecrow Avenue? ¿Quiénes sois? Scarecrow Avenue nace al juntar las diferentes influencias de varios amigos que empezaron aprendiendo a tocar juntos, y con el tiempo afianzaron un sonido propio con el que darse a conocer. Poco a poco fuimos dando conciertos a lo largo del territorio nacional, intentando mostrar nuestro trabajo del que estamos muy orgullosos.

tre estos trabajos? Realmente son 2 Lp’s (Mi origen y Medusa) y 1 EP (Multiverso). Por otro lado, hemos estado publicando múltiples sencillos de nuestro próximo LP Ártico. En una de vuestras canciones, Dragón, colabora Willy Espejo de la banda KTULU, a quien entrevisté recientemente. ¿Cómo ha sido trabajar junto a él? Lo primero, fue todo un honor poder trabajar con él y poder tener una figura como la suya en uno de nuestros álbumes. Por otro lado, fue todo bastante sencillo. Hubo una gran comunicación y buen rollo desde el primer momento. A Willy le propusimos colaborar en Dragón, y le encantó el tema. Finalmente conseguimos una gran colaboración, de la que estamos muy orgullosos, con una leyenda del Metal español. ¿Cuáles son las influencias musicales de Scarecrow Avenue? ¿Qué buscáis transmitir con vuestra música? Realmente es difícil plantear esto, porque las influencias que Scarecrow Avenue hemos tenido a lo largo del tiempo han variado bastante, y eso se puede notar a lo largo de la discografía.

Scarecrow Avenue somos una banda de Cartagena, formada por 5 integrantes, que cuenta con una discografía de 3 trabajos previos, y actualmente nos encontramos terminando nuestro último LP. ¿Cómo definiríais vuestro estilo? Quizá lo que más podría englobar nuestro estilo sería Metal alternativo, ya que en cada álbum se ha mostrado diferentes estilos de canciones con muchas diferencias e influencias, desde lo más melódico hasta canciones más guturales y oscuras. Como habéis comentado antes, Scarecrow Avenue tenéis ya tres LP´S en el mercado y un sencillo que ha salido el pasado mes de marzo. ¿Qué similitudes y diferencias hay en-

Cada uno tenemos influencias dentro y fuera del metal, bastante diferentes. Óscar es más del rollo Nu Metal, como Slipknot, Korn, Hamlet, y otros géneros donde se puede encontrar Héroes del Silencio. Álvaro tira más al rollo Heavy Metal clásico español (Easy Rider, Barón Rojo, Saratoga) y con algunos tintes de Joaquín Sabina. Dani es más acérrimo al Rock alternativo y Metalcore, como Alter Bridge, Shinedown o Lamb of God. Javi es más metalero de la vieja escuela con Metallica como estandarte, y últimamente se está abriendo a Metal más moderno. Guiye le gusta desde el Power Metal, pasando por el Metal alternativo, hasta el Djent (Angra, Linkin Park, Periphery). LaCarne Magazine

Finalmente sale una mezcla de todo esto que se puede escuchar en cada disco, siempre dándole un toque personal y haciendo canciones que nos encantaría escuchar. ¿Cómo estáis viendo el mundo de la música en estos tiempos? Pues en lo que nos engloba como músicos la vivimos con mucha incertidumbre y a veces pesimismo, porque parece que todos los patrones que teníamos establecidos sobre este mundillo están siendo destruidos, o cuanto menos cambiado radicalmente. De todas maneras, la pandemia nos pilló en medio de la grabación de Ártico, y obviamente nos frenó en seco, pero a su vez nos ayudó a poder darle mucho más mimo a cada uno de los temas, sin presiones, para poder presentar el que pensamos que será nuestro mejor álbum hasta la fecha. No es una banda que tenga nada que ver con vuestro estilo, pero me gustaría saber vuestra opinión. ¿Qué os pareció el “concierto- experimento” realizado en Barcelona por la banda Love of Lesbian? ¿Fue un riesgo necesario para intentar salvar los conciertos? Nosotros esperamos que el experimento salga bien, y consigamos volver a los escenarios lo antes posible. Hay que intentar darle un impulso a la música porque hay mucha gente que vive de ello, y otros que la necesitamos en nuestro día a día. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro? Actualmente Scarecrow Avenue nos movemos en un futuro cortoplacista, ya que todo depende de cómo evolucione la situación pandémica, pero lo que ocurrirá en los próximos meses será el lanzamiento de Ártico, que ya le queda nada para ver la luz, con todo lo que conlleva un lanzamiento de un álbum, y a partir de ese momento trabajaremos para ver de qué manera podemos defender el disco: en directo, online, en forma de acústico… Tenemos ya alguna idea, y desde luego nuestras preferencias, pero aún queda unos meses para poder anunciar todo lo que tenemos en

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mente. ¿Cuál de vuestras canciones es la más significativa para vosotros hasta el momento? ¿Cuáles son las favoritas para tocar en directo? Vamos a desvelar la canción que estará en primer lugar en el disco, se llama Lux, y es de momento la que más estamos disfrutando, ya que le da un aire fresco a nuestro estilo, y exploramos la melodía de una forma distinta a la que solíamos hacer. Para tocar en directo, Sedición es un puñetazo en la boca (risas), y nos encanta esa sensación para abrir un concierto. Y para acabar, mi pregunta estrella, o la más repetitiva, pues siempre acabo igual (risas). ¿Algún dato adicional que Scarecrow Avenue queráis añadir o lanzar algún mensaje al mundo? Para acabar, nos gustaría que las personas que se hayan sentido interesados por la banda, se pasen por nuestro canal de YouTube. Ahí pueden ver nuestro último videoclip llamado Titán. Y terminar con que en todas las redes nos pueden buscar por @scarecrowavenue. Muchas gracias, Eva, por tu entrevista, y darnos la oportunidad de difundir nuestra música. Muchas gracias por todo a vosotros, ¡Mucho éxito! Pues ya sabéis, si os ha gustado la música de Scarecrow Avenue, seguidles en sus redes sociales y escuchadles, compartid su música. Ahora más que nunca hay que apoyar la música, y más cuando están haciéndose hueco en el mundillo. Gracias a SIX FORCE MANAGEMENT por hacer posible esta entrevista.

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MÁS INFO LaCarne Magazine

Kraneo La Oveja Neg Hip Hop de La Calle Pa’ La Calle

urante la investigación periodística cultural pude disfrutar (gracias al intercambio musical que fluye en el Internet) del álbum completo El Origen, y del EP Pirata Funky, entre otros videoclips de su vasta obra. Kraneo La Oveja Negra representando desde los 90’s con orgullo al Rap hecho en México. Gracias por la confianza y la colaboración en exclusiva para la presente entrevista con LaCarne Magazine.

Kraneo La Oveja Negra, Hip Hop de La Calle Pa’ La Calle Luego de casi un año de sobrevivir al CO-

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VID -19, personal y musicalmente hablando, ¿cómo está actualmente? Actualmente me encuentro bien, ya que en este tiempo me ha dado más oportunidad de convivir con mi familia, porque anteriormente me la pasaba viajando o de gira, y musicalmente sigo produciendo tanto para otros grupos como para mi carrera musical. ¿En dónde reside? En Ciudad Madero, Tamaulipas, México. ¿Cómo nace a la vida musical? Mi carrera comienza como DJ en 1994, cuando se funda la agrupación llamada Gente Loca, junto con Loko y Demonio. El primer trabajo fue un Demo llamado Gente Loca (Edición Limitada). Así sucesivamente trabajamos hasta llegar a grabar el primer material profesional llamado A Buena Vida Mala Paga, dándonos a conocer entre el público y recorriendo varios Estados de la República Mexicana.

Funkdoobiest, Public Enemy, Ice Cube, Cypress Hill, N.W.A., Beastie Boys, Naughty by Nature, etc. ¿Qué estilos musicales han influenciado en Kraneo La Oveja Negra? Funk, Soul, R&B y Rock. Para muchos músicos, el lugar de nacimiento y la zona de crecimiento son fundamentales para el desarrollo de su identidad artística. Por lo que pude apreciar, ¿usted representa desde el Sur de Tamaulipas? Sí.

gra En el 2008 me lanzo de solista como Kraneo La Oveja Negra, lo cual el público ya me identificaba por ser la voz chillona, agresiva y neurasténica del grupo de Hip Hop Gente Loca, y con un toque distintivo, dándole un lugar en la escena del Hip Hop, reconocido como uno de los mejores productores por la revista Nuestro Rock a nivel nacional. En mi trayectoria cuento con diversas producciones (tanto musicales como audiovisuales) dentro y fuera del país, dueño de mi propio Estudio y Sello discográfico Independiente G.R.I.F.A. Studio, y la Productora de Videos Vizual Zoom. En el transcurso de ese tiempo se fue formando la G.R.I.F.AMILIA, Unión de Artistas que conforman la clica, siendo apoyados y grabados en el Estudio. ¿Qué influencias artísticas ha recibido Kraneo La Oveja Negra?

¿Qué influencias habrá recibido de su área para el desarrollo de su futura personalidad escénica? En mi ciudad nunca hubo una influencia local. La única influencia que tenía fue porque yo comencé como DJ a la edad de los 13 años. Empecé a conocer música de diferente género hasta que di con el Rap, y ahí empezó a nacer mi curiosidad por el género, y desde ahí me las empecé a ingeniar para hacer Beats, y es cuando se forma Gente Loca. ¿Cómo surge el nombre artístico de Kraneo La Oveja Negra? En Gente Loca mi primera función era ser el DJ del grupo. Cuando me hago solista, le quito el “DJ” porque ya no iba a ser ésa mi función. Ahora iba a estar enfocado a rapear y cantar, y La Oveja Negra me lo gané por asuntos familiares. Para los artistas, los títulos y postgrados son sus propias obras, discos, canciones, vídeos, etc. Durante la investigación de campo pude disfrutar de El Origen, y de Pirata Funky, entre otros videoclips de Kraneo La Oveja Negra y su vasta obra. ¿Cuál es su discografía (y los años de edición) a la fecha? Vidas Perdidas (1997), A Buena Vida Mala Paga (2000), Simples Verdades (2002), S.T.ilo Canábico (2003), De la Calle Para la Calle (2008), Almas en Penumbra (2009), El Pirata Funky (2010), La Tribu a Mansalva (2010), Dichos y Hechos (2011), Códex Gigas (2012), Grifándola en Colombia (2014), El Origen (2014), De la Calle al Infierno LaCarne Magazine

(2015), El Street Company (2016), Loko El Experimento (2018). Todo el material producido en G.R.I.F.A. Studio. El 2020 con varios sencillos que los puedes encontrar en todas las plataformas digitales (hasta el último llamado Siempre Vivirás del 2021). ¿Qué canción suya es la preferida a la fecha, tanto al momento de escucharla como al interpretarla? Son varios temas, ya que cada canción tiene su esencia y sentimiento a la hora que se realizó. ¿Algunas piezas que se hayan hecho parte del público que sigue la música de Kraneo La Oveja Negra? Mary One O, Mary One Dos, Yo te Vi Morir, Cierta Ficción, La Oveja Negra, y algunos temas más. Tiene colaboraciones en canciones con gente como Estragos Trifulka, El Pinche Brujo, Darkmaster, SantaCruz Medina, TDL, entre muchos otros (como Sr. Cartel, Traficantes de Letra). Amigos y colegas desde Colombia hasta México. ¿Qué temas Feat’s son los que más atesora y gusta haber realizado en especial? ¿Qué anécdotas puede rememorar? Para mí, todos son importantes, porque al hacer colaboraciones se debe tener una química en ese momento para que salga un buen trabajo. Dentro de la extensa y fundamental videografia de Kraneo La Oveja Negra, pude apreciar Contra la Corriente, uno de mis preferidos, que nos manifiesta su personalidad, historia, actitud, y forma de hacer Rap. También me llamó la atención Yo Te Vi Morir, La Navidad de Juan, Suéltalo, entre otros (La Isla Del Encanto, La Epidemia), ¿Qué videos son sus preferidos? ¿Algunas anécdotas que nos pueda contar? Experiencias son muchas y no tendría fin. Para mí todos son mis preferidos, ya que cada uno tiene su esencia. G.R.I.F.A. Studio & Visual Zoom, ¿qué nos puede contar del Sello y Crew que usted re-

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presenta? ¿Cómo le fue con la producción Independiente y de Autogestión? G.R.I.F.A. Studio es una disquera Independiente, al igual que Visual Zoom una Productora Audiovisual. Me ha ido muy bien, ya que estamos trabajando para México y varios países. Kraneo La Oveja Negra acaba de estrenar –el 21 de febrero 2021- el tema Siempre Vivirás, una canción que nos emociona, que refleja lo que atravesamos como humanidad en estos momentos. ¿Cómo surge la canción? Cuéntanos de la producción visual, ¿cómo y dónde se realiza la obra? En homenaje al que perdió la batalla con este virus COVID-19, y las locaciones son en Tampico, Tamaulipas. ¿Cómo han encarado la situación mundial del COVID- 19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical? Se ha mermado en cuestión de conciertos,

tal vez, si no hubiera estudiado Ingeniería en Audio, hubiera estudiado Veterinaria, ya que desde hace 15 años he criado Pitbulls. De la época del LP, CD y KCT a estos tiempos, ¿qué uso le está dando a las plataformas digitales? Los tiempos van cambiando, y estamos en una Era Digital, aunque a mí me gustaba lo Analógico. Hay que acoplarse a estos tiempos y sacarle provecho a todas las herramientas que se nos dan. ¿Cuál es su experiencia dentro de la Nueva Era? ¿En qué formatos ha editado y distribuido su material discográfico? Mi experiencia con las plataformas digitales me resulta muy efectiva porque se distribuye a nivel mundial. Los formatos que edité son desde el cassette (abierto) hasta lo digital. Y he distribuido mi material desde cassette, CD, y plataformas digitales.

pero yo sigo produciendo en mi Estudio, sin ningún problema. El Rap Latinoamericano ha ido evolucionando a pasos de gigante desde mediados de los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como sus expositores o cultores -portavoces-, ¿cómo se encuentra actualmente el Movimiento Hip Hop en México? Se encuentra en crecimiento acelerado y conciso, al grado que grandes exponentes internacionales han puesto los ojos en los raperos mexicanos. Durante su recorrido musical, ¿qué evento o Festival lo han dejado marcado? Abrir el concierto a Cypress Hill, el Vive Latino, Exa Conciertos, y Concierto en Terrenos de la Feria en Tampico, Tamaulipas. ¿Qué hubiese sido de Kraneo La Oveja Negra sin el Hip Hop? ¿En qué otra carrera se hubiera envuelto? Kraneo sin Hip Hop no sé dónde estuviera, y

Como KRS One dijo “Rap es algo que haces. Hip Hop algo que vives”. Si en la medida de las posibilidades se puede obrar y mantener actividad alguna, ¿qué proyectos tiene para el presente 2021? Estoy trabajando en varios sencillos audiovisuales y colaboraciones con otros artistas, además de producciones para la G.R.I.F.AMILIA y otros artistas nacionales e internacionales. La despedida, un mensaje final para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Kraneo La Oveja Negra. Para las personas que siguen y apoyan mi carrera, simplemente me queda decirles muchas gracias. Sin ustedes no tuviera el entusiasmo para seguir haciendo mi música. A los nuevos seguidores, espero les guste mi música y mi propuesta musical.

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Tracks

Rock Alternativo con esencia cubana LEER MÁS

i hay una agrupación cubana que defiende estilos musicales como el Rock, el Pop, Trip-Hop, el Rock industrial, y otras tendencias más, esa banda lo es Tracks. Una agrupación que ha estado presente en muchos festivales y eventos en Cuba, y con premios y reconocimientos obtenido por su buen trabajo. La banda la integran Ariel Macías (director/ bajista), Diana Ruz (vocalista/teclados), Jesús Antonio (guitarra líder), Ernesto García (guitarra rítmica), y Javier Ernesto (batería). La entrevista ha sido respondida por Diana y Ariel.

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Tracks, Rock Alternativo con esencia cubana

Cuando la banda se formó en 2016, ¿los miembros de la banda ya tenían experiencias musicales? ¿De qué bandas provenían? Hablemos sobre los inicios de la agrupación. Diana: Tracks surge a raíz de la desintegración de Gens. Todos menos Javier (el nuevo baterista) veníamos de tocar juntos durante muchos años, y decidimos que queríamos seguir así y creamos la banda en 2016. Por cierto, ¿por qué Tracks como nombre para la banda? Ariel: Realmente teníamos que audicionar y necesitábamos un nombre urgente. Después de probar durante varios días, a nuestro guitarrista “Chuy” se le ocurre Tracks, que significa pistas y tiene que ver con música.

nuestra prioridad ahora es seguir creando canciones. ¿Cuál es la parte más complicada en el proceso de creación y composición de los temas de Tracks? Ariel: Realmente no tenemos una “fórmula” a la hora de componer. Lo mismo surge una melodía y le ponemos letra que viceversa. Lo más complejo en el proceso creativo creo que es llegar a ese punto en que decimos: “bueno, esto está terminado”. Ya la banda tiene un excelente disco. Hablando de esta producción, Efecto Secundario, qué nos pueden comentar en relación a su proceso de grabación y edición. ¿Cómo ha sido el proceso de distribución y qué tanto les ha abierto las puertas en Cuba el contar con un trabajo discográfico? Ariel: El disco Efecto Secundario fue el primer fonograma de la banda junto a nuestro primer cantante, Noa. Fue un disco grabado bajo el sello de gestión colectiva BandEra Studio, y producido por Miguel Comas y Wilfredo Gatell (Sweet Lizzy Project).

¿En qué catalogo podemos poner a Tracks? Qué estilo se acerca más a su música, ya que hay una amalgama de tendencias musicales como rock, pop, grunge… Ariel: Ya lo hemos dicho en otras entrevistas, no nos gustan las etiquetas. Somos una banda de música alternativa. El significado de la palabra “alternativa” es muy amplio, y es justo lo que queremos, tener la libertad de poder cambiar de estilo, de sonoridad, de hacer música en general. Por supuesto, el Rock siempre va a estar presente en nuestra música. Ustedes, a parte de sus temas originales, también tienen una selección de covers. Coméntanos sobre esta otra línea de trabajo de Tracks. Diana: No tenemos nada en contra de tocar covers. Es una línea de trabajo que venimos desempeñando desde hace varios años, pero

Específicamente en este disco todos son temas de la autoría de Noa. Tuvimos el placer de hacer el lanzamiento oficial en Fábrica de Arte. El disco sigue sin estar licenciado con ninguna casa discográfica. El trabajo de promoción básicamente siempre ha corrido a cargo de la banda, solo pocos programas como “Cuerda Viva”, “Lucas”, “Disco Ciudad” (Juanito Camacho), “Sabarock” (Carlos Fornés) y la revista Opía Magazine se han interesado por nuestro trabajo, pero, bueno, nada de esto es nuevo para nosotros. Este primer disco salió de forma auto-producido e independiente. ¿Ha habido alguna oferta por parte de algún sello? Diana: No hemos recibido ofertas de ningún sello oficial nacional. Igual no descartamos la posibilidad de que en un futuro no muy lejano podamos licenciar algún disco. En la edición XVI de los premios Cuerda Viva recibieron un premio. ¿Qué premio fue? Me imagino que esto le ha dado más impulso a LaCarne Magazine

continuar. ¿Qué sintieron en ese momento? Ariel: En 2018 recibimos un Premio Especial de parte de PM Records. Nosotros hacemos música por amor, para expresar lo que sentimos, y si encima de eso te dan un premio por tu trabajo, por supuesto que es gratificante y nos motiva a seguir creando. ¿Creen que es suficiente el trabajo de los medios para apoyar y difundir la música alternativa que se hace en Cuba en la radio y en la TV? Ariel: Realmente es bastante poca la difusión de este género en sentido general. Aquí en Cuba se dificulta mucho el trabajo de promoción en las redes sociales, porque hay muchas plataformas que necesitas pagar un mínimo anual para que distribuyan tu música, además de que el internet todavía es caro y “nuevo” para muchos. Hablemos de las presentaciones de la banda, que sé que han sido muchas. Diana: La banda ha vivido toda su vida de las presentaciones en vivo. Hemos tocado en El Sauce, El Submarino Amarillo, el Bertolt Brecht, Fábrica de Arte, Teatro Karl Marx, Teatro Nacional, La Madriguera, etc. También hemos participado en diversos festivales como Patria Grande, Rotilla, Pinar Rock, Festival BandEra Studio, entre otros. Extrañamos mucho los escenarios. Vivimos tiempos difíciles debido a la pandemia del Covid-19, y las presentaciones en directo son casi imposible. ¿Qué han hecho para mantenerse activos y seguir mostrando al público su propuesta? Diana: A raíz de la pandemia nos encerramos entre cuatro paredes a crear. Hicimos 11 capítulos de “sesiones desde casa”, trabajando con lo que teníamos a mano. Actualmente nos encontramos grabando nuevas canciones. ¿Algún videoclip en mente? El material audiovisual es una buena forma de promoción. Ariel: Estamos trabajando en nuevos temas, a los cuales queremos hacerles vídeos de una factura un poco más ambiciosa (por llamarlo de alguna manera). Serían trabajos con más

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personas, en exteriores, lo que se dificulta en estos momentos por el tema del Covid. Hace apenas unas semanas lanzamos un clip hecho desde casa, Again, junto a Collector. El futuro más cercano es seguir creando desde casa en los próximos meses. La Rosa y la Espina es un documental donde en la banda sonora encontramos la participación de Tracks. ¿Qué nos dices al respecto? Ariel: Nos llamaron del ICAIC porque estaban buscando música para este documental. Escucharon varios temas nuestros, y a los meses nos llamaron para decirnos que habían escogido “Ciudad Desierta” como uno de los temas de la banda sonora del documental. Fue una linda sorpresa para nosotros. Ya la banda Tracks cuenta con muchos y fieles seguidores de su música. ¿Cuál ha sido la fórmula para satisfacer el gusto de sus fans durante tanto tiempo? Diana: Ahora mismo la conexión que tenemos con el público es mediante las redes sociales. Estamos trabajando con deseos de que nuestra música llegue a más personas. Con miras hacia el futuro, ¿para qué se prepara Tracks actualmente? ¿Hay planes para lanzamiento de un posible nuevo álbum? ¿Están trabajando en algo actualmente? Ariel: Tenemos un EP de 4 canciones en español que ya casi está listo, producido por Miguel Comas. Queremos lanzarlo para mayo, que será nuestro 5 aniversario. Cuenta con una colaboración con Kamankola. También estamos trabajando en temas nuevos con el productor Alejandro Ruz (hermano de Diana), con el que ya hemos trabajado antes. Bien, hemos llegado al final de la entrevista. Gracias por el tiempo que le dedicaron en responder. Diana: Queremos mandarles un abrazo grande a todos los lectores, y agradecerles a ustedes (la revista) por brindarnos el espacio para que nos conozcan un poco más.

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Galinha Preta el Punk – Kaos do Brasil

lidad dual desde el arte musical.

a apasionante investigación periodística musical nunca cesa, peor aún si la ligamos a la melomanía -en boga gracias a la época digital que experimentamos- del Alfonseka, pues siempre se descubren joyas incrustadas en ambientes enigmáticos y exóticos. Éste es el caso de la banda Punk Galinha Preta, que nos vuela la cabeza con su franqueza y potencia musical. Nos contactamos con el portavoz de la agrupación para entablar esta hermosa entrevista bilingüe (ya que se la tradujo del portugués), y que trae consigo ese poder de resistencia de sus protagonistas, que desde “el coloso” de Sudamérica abren las puertas de su corazón para conversar sobre la pasión y vocación que nos toca afrontar armónicamente en esta rea-

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Muchas gracias por colaborar en la entrevista exclusiva con LaCarne Magazine.

Galinha Preta, el Punk – Kaos do Brasil

Gracias por su tiempo y confianza! Después de un año de cuarentenas y COVID-19, en lo personal y en lo musical, ¿cómo están actualmente? ¡Gracias, digo! Estamos parados como todo el mundo. Personalmente estoy tratando de sobrevivir a esta maldita plaga, musicalmente trabajando en Lives y pequeños proyectos musicales. ¿Cómo nació Galinha Preta? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? Galinha Preta se formó en enero de 2002 en Brasilia por Beavis (bajo), Manoel (voz), Hudson Hells (guitarra), Japonês (guitarra), y Embass (batería).

grupos de referencia? Las influencias son variadas, tenemos desde Jazz hasta Death Metal, Hardcore Punk, Rock. Pero los más escuchados son The Varukes, Anticimex, 7MOM, Sore Troath, Napalm Death, Ratos de Porão, Fértil Miséria, Cólera, Coletânea Sub. Para muchos músicos, los discos son como sus hijos, unos diferentes de los otros (en la fecha de publicación y en el sonido son únicos). ¿Cuál es su discografía hasta ahora, y en qué años se editaron los discos? ¿Alguna anécdota de esas producciones? ¿Algún material marcó un momento especial para Galinha Preta? ¡El disco 3x1 es el favorito! Porque son tres discos en uno. Galinha Preta – Demo (2002), 3x1 (2004), Ajuda Nois Aê (2009 / 2010. Karasu Records – Japón), Galinha Preta (2012), Expresso Plan Alto – EP en vinilo (2014, Laja Records – Brasil), Live Conic – EP (2016, Karasu Records – Japón), A Onde Vai Parar Esse Mundo – Single (2020).

Hicieron conciertos con esta formación hasta mediados de 2003, cuando Manoel se fue y se unió a la banda Frango Kaos (sampler vocal), permaneciendo con esta formación hasta 2005. Posteriormente Embass se retiró, y Guilherme Thunner (batería) se unió a la banda. Beavis se sale, y Japonês va al bajo. Luego (en 2019), Bruno Tartalho asume el bajo (Japonês se salió), y Hudson Hells se retiró. Guilherme T. se sale -también-. Frango Kaos contacta a Kenji (guitarra) y Marcelo (batería). ¿Quiénes forman parte actualmente de Galinha Preta y qué instrumentos interpretan? Actualmente somos @frangokaos (sampler vocal, guitarra), @BrunoTartalho (bajo), @ kenjisxe (guitarra), y @tchellow (batería). ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influido en Galinha Preta? ¿Puede nombrar algunas bandas o

El álbum Ajuda Nóis Aê de 2010 fue lanzado por Galinha Preta y Karasu Records (Japón). ¿Cómo fue la producción? ¿Qué recuerdan del material? Todos nuestros álbumes no tienen mucha producción, se graban muy rápido y no suelen tardar más de un día en completarse. ¡Plug. Play. Rec. Fue! -ja ja ja-. Una curiosidad de este disco… ¡La contraportada! Echa un vistazo. A principios de 2020 estrenaron la canción A Onde Vai Parar Esse Mundo antes de las cuarentenas y la pandemia. ¿Cómo fue marcar la historia de Brasil y del Mundo con la música de su propuesta rebelde? Mira… me llaman los amigos “Profeta del Caos”, “Plaga de la Boca”, etc… Pero ¿dónde va a parar este mundo?, y sólo es una narración de hechos que suceden a diario aquí en Brasil. ¡El “negacionismo” llevó al peor momento de la historia del mundo y de Brasil! ¡La música habla eso infelizmente! Brasil tiene a Bolsonaro, en Bolivia tenemos a los «Evos Morales y Co.», y en todo el mundo están sus compañeros y colegas que forman LaCarne Magazine

parte del “Estado Profundo”. ¿Cuál es su compromiso con la música y el canto? Somos una banda de Punk anarquista, anti Gobierno, anti política, anti fascista y anti racista por naturaleza. Brasil está pasando por uno de los peores momentos de la historia, con el peor presidente del mundo. ¡Y se va a poner aún peor! ¡Reflejo de una sociedad enferma! Pero creo que superaremos esta fase. ¡Y el pueblo está despertando poco a poco cada día! Lentamente y con sufrimiento, pero la realidad es real. ¡Saldremos de ésta! O Padre Baloeiro es una canción que trae un sarcástico vídeo en animación de la canción. ¿Qué puede decirnos sobre la producción? El clip fue realizado por el productor Hugo Pachiella de Lojinha Filmes, diseñado por el amigo Marceleza. La música habla de un hecho fatal ocurrido aquí en Brasil en 2008, la aventura de un sacerdote que quedó “atrapado en globos” y ¡desapareció! Desgraciadamente, unos meses después sólo se encontraron los restos del sacerdote. La canción sólo habla del hecho de que la Iglesia Evangélica lo ridiculizó, y la Iglesia Católica negó que fuera su sacerdote, y ¡desapareció! ¡Hablamos de los hechos de este loco mundo nuestro! Galinha Preta y sus miembros tienen corazón de Punk. Después de años en los escenarios y en la actividad musical, ¿cómo es ser un Hardcore Punk para el resto de la vida? ¡Ja ja ja! ¡Uy… no sé! Simplemente sé tú. ¡Se tú y fiel con tu vida o filosofía de vida! Ten en cuenta en ver pasar el tiempo. ¡Simplemente vive! Y sigue adelante. La vida es corta. Que lo disfrutes. Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta cambió total y absolutamente. ¿Cómo se adaptaron a estos tiempos en la música? ¡Creo que todos nosotros en el mundo aún no nos hemos adaptado porque esto está lejos de terminar! Y es difícil no poder abrazar o besar, o simplemente conocer a la gente. La palabra

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y el derecho es ¡sobrevivir! Sin morir o matar a alguien, pero también sin espectáculos ni apoyo a un año triste, y tratamos de sobrevivir. Están preparando su nuevo material K-405, ¿cómo está la producción? ¿Cuántas canciones nuevas hay? ¿Cuándo esperan hacerla pública? El K-405 es un disco de 6 canciones y 180 segundos. Saldrá a la venta en breve (ja ja ja), ya está listo. ¡Pero aún está en mi cabeza! Para grabar tomó sólo una tarde. Espérenlo en el Canal. Pude ver las camisetas de la banda y otros productos que identifican a Galinha Preta. Sus seguidores y admiradores felices pueden adquirirlos, y enviar fotos con su mercadería. ¿Cómo se sienten en relación con los frutos plantados, y con el respeto de su hinchada – merecidamente ganado – luego de los años recorridos? La producción de las camisetas es sólo para la promoción de la banda. No hay beneficios. Y los seguidores tienen mi eterno agradecimiento por la ayuda en la publicación, difusión, y por creer en la palabra.

Cigarro, Coca Cola, Stress… ¿Qué canciones los identifican según su público? ¿Cuáles son sus canciones favoritas para tocar ahora y siempre? Casi todas las canciones son de la vida cotidiana del trabajador brasileño. Por eso me identifico, y creo que el público también, porque hay mucha verdad y realidad de la calle en lo que decimos en nuestras canciones. Mis favoritos son Ninguém Nesse Mundo e Porra Nenhuma, Robaro Meu Rim, Saco de Plástico, Música de Trabalho, Desemprego Phobia (próximo por favor). ¿Qué espectáculos o eventos han marcado su carrera musical? ¡Abrir el concierto de Motorhead! Que fue importante para la vida. Desde el álbum Ajuda Nóis Aê hasta Expresso y otros, ¿cómo ven la evolución musical del grupo? No cambiamos mucho la receta, pero cuando un miembro de la banda se va o entra, añade un nuevo sabor a la música con sus influencias. Los timbres y estilos van y vienen en esta

banda loca. Sabemos que un miembro de la banda tiene el proyecto musical Nuggetzz. ¿Cómo le fue con la experiencia? ¿Hay otros integrantes de Galinha Preta en proyectos paralelos? El proyecto @nuggettz y Dub Reggae Punk del @frangokaos, que también está parado por la pandemia, sacó un vinilo llamado Welcome Refugees (11 días antes de la pandemia), pero ya está produciendo otro disco. @ kenjisxe y @tchellow tocan en @neverloockbackhc, impresionante banda Hardcore. El @Brunotartalho es Mago. Pasamos de ser un “joven Punk” a un “adulto Punk”, si vale el término. En Brasil, ¿cómo se puede hacer frente a esta pasión? Si lo hay, ¿cuáles son sus actividades paralelas a la música? Kenji es un tatuador profesional, Bruno es psicólogo y mago, Marcelo es abogado, Frango Kaos es ingeniero de sonido. Os he podido ver en fotos en una tienda (Porao Rock Wear) con vuestros materiales discográficos. La Contracultura tiene una gran acoLaCarne Magazine

gida en vuestro Brasil, además del mercado y el público. ¿Cómo y en qué formato se han editado las ediciones especiales de la banda? CD, vinilo y otros soportes. En 2003 un DVD, pero este material se perdió en el tiempo, y en el futuro tenemos la intención de volver a lanzarlo en otro formato. El mundo y su “matrix” de un modelo «capitalista y consumista» -en el que vivimos- ha cambiado para siempre desde la llegada de las cuarentenas. Mucha gente mantiene sus sueños a pesar de todo. ¿Cuál es su mensaje para las personas que quieren dedicarse a la música y al arte? No te rindas. Permanezcan unidos. La humanidad necesita más que nunca de la Cultura, el Arte y la Música, y del pilar de la cordura mental que tenemos para ayudarnos mutuamente. Es un periodo de oscuridad, pero pasará y resistiremos juntos. Sólo la resistencia, la esperanza, y la unión pueden superar este aturdimiento de la humanidad. Lo que alimenta esto son las Bellas Artes, la Música y la Cultura. ¡No te rindas! ¡No estás solo! ¿Cuál es su frase, lema, verso o refrán? Esas palabras que los animan, alientan, elevan, enfocan, etc., para continuar en la batalla musical y en el juego de la vida. “La vida es corta, disfruta de cada segundo”. Ha recorrido muchos kilómetros (en el tiempo y en el espacio) con su canto y su arte. ¿Cuáles son sus momentos más destacados o épicos?

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El momento más impactante es cuando el público grita, salta, canta. ¡Y se divierte! ¡Éste es el mejor momento del programa! ¡El público! Adaptándose a los nuevos tiempos y a sus medidas de seguridad durante la Nueva Era en la Tierra, ¿qué proyectos surgen para la Galinha Preta este 2021? Por ahora sólo el K-405 y un Live en el futuro. Nuestro propósito y muestra, mientras estamos en pandemia, no creemos que sea prudente multitudes, etc. Y triste, pero hay que entenderlo y quedarse hasta que se acabe. Un mensaje de despedida para quienes disfrutan de su música y la siguen en las redes sociales, compran el material, y también para los nuevos admiradores y seguidores de Galinha Preta. Muchas gracias por la oportunidad de esta entrevista. ¡Gracias a todos los que les gusta Galinha Preta. Sigan con y promoviendo la banda, difundiendo el mensaje. ¡Ayuden a difundir la palabra! ¿Y quién puede comprar el material? ¡No sólo el Galinha Preta, también todas las bandas Underground que están en la lucha! Es un momento en el que los necesitamos de verdad. ¡Gracias a todos siempre! ¡Y esto pasará! Vamos a ganar en uno.

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Thorax

20 años de Thrash y Death Metal Martin Ramírez (Magu) por haber respondido la entrevista.

horax se formó en el 2001 en la Capital Federal de Argentina. Es una banda de Thrash / Death Metal, y cuentan con dos discos de estudio: Armamento de Piel y Huesos del 2015, y Manipulando del 2017. En la actualidad se encuentran trabajando su próximo álbum. Agradecer a su guitarrista

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Thorax, 20 años de Thrash y Death Metal

Hace ya algún tiempo los entrevisté para este mismo medio. En aquel entonces la entrevista fue respondida por su anterior vocalista, Claudio Martínez, así que sean bienvenidos nuevamente. La banda comienza en el 2001, pero cuéntanos bajo qué circunstancia formaron Thorax. Hola. ¿Cómo estás? Muchas gracias por te-

Hoy Thorax se encuentra conformada con la siguiente formación: Salvador Felicetti (Chapa), Voz; Leandro Berbetoros (Pesca), Bajo; Miguel Benito (Polli), Batería; Alexis Ortiz (Tofy), Guitarra; Martin Ramírez (Magu), Guitarra. Quien les escribe. Thorax en su propuesta incursiona por el thrash/death. ¿Por qué deciden hacer thrash death, considerando la gran cantidad de bandas que incursionan en estos géneros? Con el tiempo, Thorax fue cambiando, mejorando musicalmente, siempre dentro del género Thrash / Death, ya que desde chico las influencias musicales fueron de bandas nacionales e internaciones de Thrash. Personalmente, fui tomando muchas cosas de músicos guitarristas como Darrel, Kerry King, Gary Holt por nombrar algunos. La agresividad de los machaques, el doble bombo, la velocidad…, es lo que más nos gusta. Y dentro de este género, más allá de que si bien existen muchísimas bandas del estilo y muy buenas, somos una más que busca transmitir por la música las vivencias cotidianas. Armamento de Piel y Huesos es su primer disco de estudio lanzado en el 2015. ¿Qué puedes comentar sobre este primer trabajo de la banda? Luego de varios años de tocar en vivo, Thorax decidimos grabar el disco Armamento de Piel y Huesos. La grabación del mismo comenzó en el año 2013/2014 de manera independiente, que luego finalmente lanzamos en el año 2015. nernos en cuenta nuevamente. Como verás, seguimos luchando por el Metal. Aunque vaya pasando el tiempo, seguimos en ruta. La banda se formó allá por el año 2001. Estábamos con los músicos de aquella época reunidos, y decidimos formar la banda. Comenzamos a buscar el nombre, y surgió el nombre Thorax. Luego de 20 años continuamos en este camino. ¿Quiénes son actualmente los integrantes de Thorax?

Fue nuestro primer hijo, jajaja. Como te comenté, lo grabamos de manera independiente, todo a pulmón, y creo para mi gusto, dadas las circunstancias de la época, salió un buen material. Metiéndonos en las actividades en vivo de Thorax, han compartido escenario con muchas bandas, así como algunas giras por su país. Coméntanos sobre esto. Sí, por suerte en todos estos años pudimos tocar en muchos lugares de nuestro país con numerosas bandas del estilo, y también salir LaCarne Magazine

de gira con bandas consagradas como los amigos de Horcas, con ellos hicimos 3 provincias de la Argentina donde no habíamos ido a tocar, y la recepción de la gente hacia la banda fue muy buena.

También lo sacamos físico para ser vendidos en los recitales, etc. La recepción fue buena, pero podría haber sido mejor. Al no trabajar con una distribuidora fue más de boca en boca y publicidad en las redes que otra cosa.

Esperemos que una vez finalice esta pandemia, que a nivel mundial y más al sector artístico afecta muchísimo, se puedan volver a los recitales con más cantidad de gente. En diciembre del 2020 pudimos volver a tocar, pero por protocolos Covid el máximo de personas es de 50.

¿El disco Manipulando es una continuación de Armamento de Piel y Huesos, o el ultimo tiene conceptos diferentes? No, Manipulando no es una continuación de Armamento. Cada disco tiene sus conceptos. Fueron creados y armados en tiempos diferentes, y con músicos diferentes.

Y esto fue hasta marzo de este año, ya que comenzamos la segunda ola de Covid y se volvieron a suspender los recitales, y por como viene la cosa no creo que se pueda tocar hasta después del invierno. Hablamos de septiembre en adelante.

Acá tengo su disco Manipulando, y la temática de sus letras se basan en las problemáticas sociales y económicas. Coméntanos sobre esto. En cuanto a las letras, Thorax se mantuvo siempre en la misma temática (política, reli-

¿Crees que la música es el canal más fuerte para entregar un mensaje (me refiero a que existen otras formas de expresar tus pensamientos como la literatura, pintura…)? Toda fuente de expresión es buena, y más cuando viene del lado del arte, Como decís, la música, literatura, pintura…, todos expresan sus sentimientos de una manera u otra, y eso está buenísimo. En nuestro caso tratamos de transmitir por la música esos sentimientos, desde cosas que pasan en nuestro país hasta cosas vividas por nosotros mismos. Creo que la música no tiene idiomas, por eso traspasa fronteras. ¡Es lo mejor! Para el 2017 Thorax presentan su segundo álbum de estudio titulado Manipulando. Coméntanos un poco acerca de esta producción, la forma en la que lo han promocionado, y la recepción del público hacia este material. Manipulando lo comenzamos a armar en el 2016 totalmente independiente, como fue el disco anterior Armamento de Piel y Huesos. En esta ocasión, el disco Manipulando fue grabado en su totalidad en nuestra sala de ensayo. La promoción la realizamos a través de las redes sociales y plataformas digitales.

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gión, protesta, etc.…), y en lo compositivo e interpretación hubo un crecimiento considerable. En otro ámbito, ¿cómo ves el actual movimiento metalero en Argentina? ¿Qué resaltarías de tu escena? Por suerte existen muchas bandas y muy buenas acá en Argentina, con las cuales compartimos fechas, giras, etc. El público nos acompaña, y cuando vamos al interior del país a tocar se siente aún más el apoyo de la gente. Lo negativo: se paga para tocar, no te dan a veces ni una bebida para el escenario. Muchos productores, o que se hacen llamar productores, viven de las bandas pidiendo venta de entradas, etc. En definitiva, es más fácil vivir de los músicos que vivir de la música acá en Argentina.

¿Crees que hoy en día se pueda hablar de underground con tanta apertura de los medios hacia el metal? Sí, creo que sí. Nosotros somos una banda under más allá de la apertura que hoy tenemos gracias a las redes sociales, plataformas musicales, radios, etc. No vivimos de la música, cada uno de nosotros tiene su trabajo, y con eso mantenemos la banda, grabaciones, discos, vídeos, instrumentos, etc., etc., etc. Ojalá se dé en algún momento que podamos vivir de esto, que es lo que más nos gusta hacer. Para esto estamos trabajando cada uno en su instrumento, y, como banda en sí, tratar de ir mejorando día a día. ¿Cómo ha sido el trabajo de promoción de Thorax?

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La promoción de Thorax hoy estamos trabajando con Carolina Tejeda. Ella nos da una mano enorme en management, prensa y marketing. Para que Thorax pueda llegar a más lugares fuera de Argentina, abrir el mercado hacia el exterior, estuvimos haciendo streaming para México, Chile, Ecuador, Brasil. También entrevistas para esos países, y llegamos hasta Nueva Zelanda con una entrevista radial. ¿Crees que ha decaído la escena mundial a causa de la pandemia? ¿Cómo les está afectando a ustedes? ¿Qué hacen en estos tiempos difíciles para mantenerse activos y mostrar su música al público y seguidores de la banda? Sí, totalmente esta pandemia de mierda perjudicó a todo el mundo, y creo que aún más a las fuentes de trabajo que da la música. Imagínate que en el 2020 no se hicieron recitales en Argentina. Tuvimos una cuarentena eterna de fase 1 por 9 meses. Eso perjudicó totalmente a la economía de tantos lugares para tocar, como a muchos músicos que su única entrada económica es la banda. Esperemos que pase esta mierda del Covid y se pueda volver a la normalidad pronto. Hicimos algunos vídeos en vivo cada uno desde su casa de temas nuevos que estuvimos componiendo en cuarentena, y también unos vídeos que luego salieron por streaming. Bueno, háblame de las diferencias que notas de aquella banda del 2001 y la actual Thorax. Desde aquella época a la actual creo que hubo muchos cambios musicales. Fuimos madurando un poco no más, jajaja, pero maduramos como personas y como músicos, y eso deriva en mejores composiciones y no cometer los mismos errores del pasado. Ojo! Los errores sirven como experiencia, por eso las lecciones aprendidas las vamos a enfocar en el próximo material que saquemos. Me imagino que en estos tiempos de encierro

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se estén dedicando a nuevas composiciones para un futuro álbum. ¿Es así? Sí, para sacarle algo bueno a esta pandemia de mierda fue que nos pusimos a componer nuestro próximo disco, el cual ya está en proceso de grabación. Si bien es también producción independiente, lo estamos grabando en el estudio Águila Magnética (Morón, Argentina), y próximamente a mitad de año ya esté listo para su lanzamiento. Luego grabar temas en inglés de ese mismo disco para poder llegar a países donde no están acostumbrados a escuchar metal en español. ¿Qué objetivos, de aquellos que sin dudas tenían en sus comienzos, pudieron concretar en los años que lleva de vida la banda? Y fueron muchos: poder tocar con bandas consagradas, poder girar por el país, poder haber grabado discos… Aún quedan muchas cosas por hacer, y eso es lo bueno de esto de la música, te mantiene activo siempre pensando en el mañana, viviendo el hoy. Nos gustaría conocer cuáles son los planes de Thorax para el futuro luego de que pase esta pandemia. Los planes para el futuro es sacar nuestro próximo disco, filmar vídeos oficiales de algunos temas del nuevo disco. Y presentar el material por todos lados, sea acá en el país como en países limítrofes o fuera del continente. Bueno, esto sería todo. Muchas gracias por otorgarnos esta entrevista. ¿Podrías dar un mensaje a los lectores de LaCarne Magazine, por favor? Agradecerles por el apoyo y difusión de bandas como la nuestra, que la pelean día a día. A los lectores de LaCarne Magazine, que pueden escucharnos por todas las plataformas musicales, y en YouTube, Facebook, e Instagram. Nos buscan como Thorax Thrash, y ahí nos encuentran.

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a presente entrevista se inicia primeramente en 2019 con un largo preámbulo de correos electrónicos, mensajes fallidos sin poder responderse, y cuestionarios que quedaron colgados en las redes de la informática. Luego llegó el 2020 con su sorprendente pandemia gracias al COVID-19, que nos alejó aún más la atención. Gracias a la persistencia comunicacional, el contacto se dio a finales del año pasado por Messenger, donde logramos entablar una hermosa conversación con Gustavo Orihuela. Durante el transcurso del tiempo de transcrip-

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ción y edición, pasó a mejor vida Randolph Ríos (9 enero 2021), quien participó en el proyecto musical Gustavo Orihuela Quartert interpretando el contrabajo. Este artículo va dedicado a su memoria. Gracias a Gustavo Orihuela por la confianza y amistad musical. Luego de acostumbrarnos poco a poco a los Nuevos Tiempos, y etapas de transformación que sufre el planeta entero, seguimos en el camino de la música, tal vez, con más ímpetu y consciencia que antes. Agradecer nuevamente por la colaboración para la entrevista exclusiva con LaCarne Magazine.

Gustavo Orihuela y el Proyecto del Violín Boliviano

¿Cómo nace Gustavo Orihuela a la vida mu-

violín. Luego de pasar por varios instrumentos, ¿cómo te nace esa conexión con el violín? El violín lo conocí a los 11 años. Fui a un concierto a la Escuela de Música Simeón Roncal (donde después estudié), y tuve la oportunidad de ver a un niño tocando el violín. Entonces me despertó curiosidad por ese instrumento. Yo también era muy chaval, muy niño, y a partir de ahí fue una relación muy linda con el violín, muy natural. Tenía una educación musical muy libre, entonces ha sido una relación bien linda. Ya a los 16 años me puse a estudiar de verdad con una beca en el Conservatorio, y empezó la carrera. Gustavo Orihuela, ¿cuáles fueron tus influencias artísticas y musicales? Las influencias artísticas siempre han estado ligadas a la música, al sonido. No tanto así a otras artes, aunque ahora ya estoy explorando más. Me gusta explorar y aprender de otras artes.

sical? Bueno, hermano, gracias por la entrevista. Yo, agradecido. La música siempre ha estado en mi vida, desde muy pequeño, gracias a mi familia, ha sido un suceso muy natural. Yo recuerdo que siempre me quedaba a escuchar las músicas que escuchaban en casa, el Grupo Khanata, el Grupo Coca, Música Clásica (un poco), escuchaba Los Panchos…, entonces siempre había una afinidad con la música. Después descubrí la zampoña, y ya tocaba muchas canciones con la zampoña. Había una afinidad muy linda que hasta ahora la disfruto, y ya más adelante pude descubrir otros instrumentos como el charango, la guitarra, y más tarde -a los 11 años más o menos- el violín, que fue una experiencia muy linda, y hasta la fecha que seguimos construyendo con el

En las influencias en la música siempre está la Música Boliviana, la Música Autóctona también, todo lo que es los sikus, los Sikuris, la música de nuestros pueblos, y la Música Popular. En Chuquisaca, en Sucre, de donde yo soy, siempre he escuchado Cuecas, Bailecitos, Kaluyos, rodeado de ese ambiente sonoro he crecido. Ya más adelante he podido escuchar algo de Rock, algo de Música del Mundo (que me abrió mucho). Las influencias musicales que tengo son el Grupo Khanata, el Grupo Coca, William Ernesto Centellas -que es muy importante-, la Música Clásica, Richard Galeano, Astor Piazzola… Me gusta mucho el Latín Jazz, y, bueno, los grandes violinistas de Jazz como Stéphane Grappelli, Didier Lockwood, Groodfull, Jaen Luc Ponty, Alexis Cárdenas -un grande también-. De Sucre a La Paz vienes a estudiar música. ¿Cómo fueron esos tiempos? ¿Qué anécdotas guardas? Sí, fue una anécdota muy linda ya que yo esLaCarne Magazine

taba en Sucre y vine a un Encuentro Orquestal gracias a unos músicos suizos (M. Müller, L. Weber) y japonés (Ch. Makita), que era mi profesor de violín en Sucre, y ellos nos consiguieron una beca en el Conservatorio. Entonces ése fue el gran paso. Me acuerdo el año 2000 – 2001, me vine aquí a La Paz a estudiar música y psicología, y empezó el camino de hacer una carrera musical. Gustavo Orihuela, nos conocemos desde que te vi -aproximadamente el 2003- tocando con la banda Los Tocayos. ¿Qué recuerdas de aquella etapa dentro del grupo? Anécdotas hermosas ¿no? Yo pude tocar aquí en La Paz ya con músicos como Los Tocayos, una gran banda de Rock Latino. Ahí también te conocí a ti con la Marraketa Blindada, con los hermanos del Hip Hop. Muchos músicos después, yo empecé a tocar con K’ala Marka. He tocado con grandes bandas como Los K’arkas, Bonanza, La Orquesta Sinfónica Nacional, y ya me abrí un espacio entre el estudio de Música Clásica, y también en la noche me iba a tocar a los boliches, a los clubes. Esa hermenéutica duró bastantes años, y siempre luchando por tocar la Música Popular y la música que me gustaba. Los Tocayos es una de las bandas más importantes en mi carrera, porque junto con ellos le he podido dar a mi violín -que se llama Sotelo- un camino diverso, un camino con el Rock Latino, con la música de los pueblos, y sobre todo con el Rock. Entonces ahí era raro escuchar un violín en el Rock, pero fue la oportunidad de poder hacerlo juntamente con ellos. Hicimos tres discos junto con Bilo, Jherson, Juan Pablo, y Pepito Guachalla. Un camino hermoso, muy lindo, de muchas anécdotas, muchos viajes, muchos premios, y hemos compartido escenario con grandes estrellas, como con Gustavo Cerati, Molotov, Rata Blanca, Aterciopelados, qué se yo, muchos músicos donde también hemos estado juntamente contigo. Gustavo Orihuela, te fuiste a estudiar a la Universidad Católica de Valencia San Vicente Mártir, ¿cómo fue la experiencia?

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Sí, hermano. Fue muy importante eso, lo que acabas de mencionar. Yo estuve estudiando psicología y música en la ciudad de La Paz, y tenía una Tesis de Licenciatura sobre Musicoterapia. Siempre he tratado de mezclar las dos ramas, tanto la música como la psicología o la terapia, así que me fui a estudiar a la Universidad de España en Valencia, una Maestría en Musicoterapia, y fue una oportunidad muy buena, me abrió muchísimo la cabeza en todos los sentidos. Conocer Europa, y sobre todo empezar a trabajar creyendo en mis propios proyectos, ya no como un músico al servicio de otros proyectos, empecé a elaborar mis proyectos, y ahí nació Le Petit Manouche, Copla and Soul, como también otras bandas muy buenas. En España pude hacer la Maestría en Musicoterapia, especializarme en esta rama, que es más enfocada a la salud integral desde el

tener con él? Bueno, el Sotelo es un hermano que su nombre se lo puso mi primo Marcelo Otterburg, con el cual yo viví aquí en La Paz. Un día me dijo: ey…bájalo al Sotelo. Yo dije -quién es el Sotelo-, es pues tu violín – jejeje – Él ya lo bautizó sin que yo lo supiera. Es una historia bonita, y él (Sotelo) está desde el 2000, o sea, ya tiene 20 años junto conmigo, pero debe tener más de 50 años (más tal vez). Es un hermano, mi violín es parte de mi cuerpo, de mi alma, y siempre le tengo mucho cuidado, aunque ya le he dado “mucha tela” tocando desde las playas, tocando en las montañas, en la nieve, tocando en todo lado, y, pues, la madera sufre como la piel humana. No obstante, es un compañero que ahora sigue vigente. Con él hemos grabado el último álbum Terra, como el Efímera, y realmente estoy agradecido de tener un violín tan noble como el Sotelo.

sonido, desde la música -cómo puede ayudar la música y el sonido a las personas, a los grupos-, y en diferentes ámbitos. Y también pude desarrollar una carrera musical muy importante al lado de la Música Flamenco, por ejemplo, con los Gitanos. He conocido a grandes, he girado por toda España. Compañías de Danza, de Flamenco, he estado en Orquestas Sinfónicas, en la Orquesta de la Generalitat Valenciana, e hice mis bandas -que eso es el logro más grande-. Le Petit Manouche con el álbum Cuerdas Alienígenas. También hicimos un álbum con Copla and Soul – otra banda-, y asíesta carrera empezó. Con mi violín (que era un violín boliviano) que tocaba Música Clásica -también-, dije “voy a tocar lo que a mí me gusta”, y empecé a hacerJazz con Le Petit Manouche. Sotelo, el violín, ¿cómo llega a ti? ¿Cuánto tiempo te acompaña? ¿Qué cuidado se debe

Gustavo Orihuela ¿cómo has evolucionado hacia el Jazz? Es una linda pregunta. Yo ya escuchaba Jazz aquí (cuando viví) en La Paz, antes de irme a España. Stéphane Grappelli, que es como el padre de todos los jazzistas en el violín, un francés con unos dedos mágicos, una música hermosa. Entonces, yo ya empezaba a escuchar, y empecé a sacar en el violín algunos toques, y me di cuenta que este lenguaje del Jazz me ofrecía crear en tiempo real. Me ofrecía una libertad amplia en la ejecución, en la interpretación y en la creación. Fui investigando más. Lo primero que conocí en Jazz fueron algunos estándares que tocaban en La Paz, en Sucre, y después ya en España toqué mucho Jazz Manouche o Jazz Gitano. Pude participar en Festivales de Tango, que existen en Europa como también en Sudamérica, y de esa manera me dediqué a explorar este estilo, también mezclando con la música boliviana, con mis orígenes. En España yo tocaba música gitana. Me sentía un poco triste, ya que no tocaba música boLaCarne Magazine

liviana en España, tocaba más música india, gitana, flamenco y otros para trabajar. Así que después de hacer el álbum Cuerdas Alienígenas en España, volví a Bolivia (2012) e hice el primer álbum de Música Boliviana con el violín que se llama Bolivian Violin o Violín Boliviano, con esa remembranza de mi tierra, de mis raíces. Ahora cuando salgo al exterior lo primero que muestro es la Música Boliviana con las mezclas con los estilos de los lenguajes (con el lenguaje del Jazz), y después toco la Música del Mundo que me gusta muchísimo. Para mí el Jazz es un estilo de vida, una filosofía de vida porque no existe discriminación, no hay racismo, es la igualdad y la lucha por los Derechos Humanos desde la música. Como músico íntegro y versátil has mencionado la interpretación del violín con grandes bandas y de distintos géneros. ¿Quiénes han recibido las colaboraciones de Gustavo Orihuela en cuanto a producción? He tenido la oportunidad -yo pienso- de ser inquieto para conocer más música, más diversidad. He convivido con los Gitanos, he viajado con ellos en giras, he hecho música con

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Músicas del Mundo, Músicas Árabes, y también con músicos bolivianos -por supuesto-, y tengo grandes colaboraciones en las que he podido estar. El disco Oro Blanco de Juan de Pilar (por ejemplo), un enorme guitarrista de Flamenco de Valencia, España. He podido grabar con Copla and Soul discos Orquestales. He grabado también para K’ala Marka, Los Kjarkas, Bonanza, para muchísimas bandas, amigos y hermanos de la música, tanto de Bolivia como Sudamérica, Europa, algo de África, y siempre colaborando con grandes amigos con el violín. Lo lindo es que puedo decir que mi violín, siendo un “violín boliviano” en concepto, porque mis raíces son bolivianas y amo mucho mi país, es capaz de poder dialogar otros lenguajes, otros discursos de otras culturas, y eso ha sido gracias a la apertura y a la diversidad que he podido recoger en todos mis viajes, en toda mi carrera, y que sigo recogiendo, porque éste es un camino largo. Sigo en un constante aprendizaje, y también en una maduración muy importante -actualsobre lo que es la Música Boliviana, nuestras raíces, tan importante para poder pisar tierra

firme y saber qué cosas tengo que hacer ahora, a partir de este paso musical. Actualmente has estrenado históricamente el primer disco -single- de vinyl en la Nueva Era de este Siglo XXI, haciendo que la música de Gustavo Orihuela se viva, sienta y explore con algo único por ahora entre los músicos en cuanto a producción. ¿Qué nos puedes comentar del flamante material discográfico? Sí, mi hermano. Estamos contentos de haber lanzado este último tiempo dos discos. El 2019 lanzo el álbum Terra, y el 2020 (año de pandemia) hemos lanzado Efímera. Ambos son grabados en vivo, y grabando el álbum Terra tuvimos la oportunidad de poder hacer un disco de vinilo, un proyecto piloto juntamente con Andrés Martínez. Fue una experiencia hermosa. Hemos hecho muy pocos vinilos,pero muy conscientes de que esta calidad que tiene el vinyl es extraordinariamente impresionante. Muy agradecidos porque hemos podido lanzar este proyecto piloto, y ha respondido muy bien. Ya se han vendido los 20 discos que habíamos hecho -muy poquitos-, pero para el presente 2021 estamos haciendo esfuerzos para tratar de sacar un LP con todo el álbum Terra, que le tengo mucho

cariño. ¿Quiénes conforman actualmente Gustavo Orihuela Quartert? Gustavo Orihuela Quartert está conformado por Luis Daniel Iturralde en la batería, Diego Ballón en el piano, Randolph Ríos (+) en el contrabajo, y yo, Gustavo Orihuela, con el violín Sotelo. A veces tenemos presentaciones en vivo y colaboraciones con José Abreu, un gran percusionista latino, y otros hermanos de la música. Andrés Martínez es uno de mis mentores, experto profesional en grabaciones en vivo y directo. ¿Con quiénes más trabajaste en la realización de tu material? ¿Cómo fue la experiencia de tus últimos discos como Gustavo Orihuela? Fue una experiencia muy importante trabajar con Andrés Martínez. Es un inquieto de la tecnología y una persona extraordinaria. Hemos podido hacer el álbum Terra en Hyla Records de Javier “Zurdito” Flores, una grabación en vivo. ¿Por qué? Porque nosotros somos una banda de muy en vivo. Hemos grabado cada uno en una cabina, y esa esencia, ese respirar del tiempo real del vivo, se siente en el álbum Terra, y también en el álbum Efímera. Ha sido una experiencia muy buena trabajar con Andrés M., con Alvarito Arroyo, más adelante con María Fernanda Antuña (en la edición de los discos). Pienso que el trabajo en equipo es el éxito. Habernos reunido con Andrés ha sido muy importante, porque de él fue la idea de hacer un vinilo aprovechando que teníamos un disco entre las manos, como el álbum Terra. Pese a que tuvimos el cambio de Gobierno en 2019, después un año de pandemia en el 2020, ha tenido su alcance boliviano y mundial, y estamos dándole ese empuje a nuestro álbum querido. Un álbum que habla de música boliviana, con obras como de Nilo Soruco, la Aromeñita de Manuel Solíz, todas esas versiones en nuestro lenguaje del Jazz, más libres, respetando, pero las esencias. Y también las Músicas del LaCarne Magazine

Mundo, como Caravan, tenemos ahí Huayño y Canción de Don Mauro Nuñez. Realmente es un álbum que yo lo quiero muchísimo. ¿Qué cualidades tiene la música de Gustavo Orihuela? Algunas cualidades de nuestra música -que me gustaría decirte, hermano-, que nosotros hacemos Festivales de Jazz, el Jazz Day o Día del Jazz, tengo el Festival Django -de Música Gitana- Jazz Manouche, y promovemos estos espacios de encuentro para que la música siempre tenga esa parte estética tan importante de hacerla bien elaborada. Pero también esa parte social, esa parte del respeto a los Derechos Humanos, del respeto al otro, a la diversidad, a la interculturalidad, que se siente en nuestra música. Y eso es algo muy importante en nosotros, que siempre vamos a promover que exista un sonido

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diverso desde nuestra música y desde nuestras propuestas. Gustavo Orihuela, ¿qué tema del Prof. Nilo Soruco interpretas? El tema que hemos propuesto y grabado de Don Nilo Soruco es La Vida es Linda, un tema que es hermosísimo, muy conocido y versionado. Tuvimos la oportunidad de hablar con su hija (Zemlya Soruco), quien nos dijo que su padre compuso el tema en un tiempo de encierro, cuando estaba en la cárcel, y la canción va dedicada para la amiga de su hija que estaba pasando un mal momento, y que nos muestra esa gran capacidad de resiliencia y fuerza que tenía este compositor. Creo que de eso se trata. Los músicos, los artistas, nosotros siempre tenemos que tener un “imaginario” muy libre, muy amplio, pero siempre aterrizando a la simpleza de las emo-

Yo pienso que estoy más comprometido con los proyectos sociales, más comprometido con lo que mi música pueda decir algo de mi pueblo, de mi barrio, de mi país, y también con un compromiso a seguir estudiando, explorando las Músicas del Mundo. Luego de estos tiempos de cambio y cuarentenas, desde la trinchera musical, ¿qué nos puedes comentar? Quiero agradecerte por esta linda entrevista (que ya la teníamos pospuesta), por este espacio para que también conozcan que mi proyecto El Violín Boliviano es un proyecto de todos -diverso, inclusivo-, que me gusta tocar para los niños o los adultos (o los adultos mayores), tocamos en área rural, tocamos en ciudades intermedias, tocamos también en grandes Festivales, y nuestra música es para todos, y siempre con un compromiso lindo para despertar el amor a la música en los niños. Tengo una hija hermosa (Victoria), desde que ella llegó me ha dado esa luz para poder llegar también a los más pequeños.

ciones humanas, a la simpleza de los valores humanos -que a veces los olvidamos-, y creo que ese camino de reflexión y de aterrizar siempre tenemos que hacerlo para que nuestra música o nuestro trabajo artístico pueda llegar a los corazones, y también sensibilizar a nosotros mismos, a nuestros seguidores, y a los niños -al futuro-. Gustavo Orihuela, ¿qué reflexiones vienen a tu Ser luego del camino recorrido hasta la fecha? Las reflexiones son muy amplias. Yo estoy agradecido de poder dialogar y transmitir un mensaje con mi música, de tener una banda increíble con Luis Daniel Iturralde, Randolph Ríos (+), Diego Ballón, y de conocer a muchos músicos -como a ti, hermano querido Marraketa Alfonseka-, que es realmente una magia que tenemos para poder disfrutarla y poder compartirla con el mundo.

Para concluir, estamos agradecidos con esta carrera que estamos emprendiendo. El agradecimiento es a nuestros seguidores, a las empresas, amigos, instituciones que nos apoyan, y sobre todo a la gente que le gusta la música, que cree que sí podemos hacer cambios educativos y sociales, y cambios personales (desde la buena elaboración musical). Siempre ligado con todos los músicos hermanos, y todo el equipo técnico que hace posible que hagamos discos y conciertos. Esperemos que vengan mejores tiempos, un 2021 con más fuerza. Vamos a romper el COVID-19 y vamos a romper cualquier maldad. Creo que ésa es nuestra lucha, para que la Cultura y las Artes siempre tengan una prioridad en nuestro país (Bolivia), y también podamos salir adelante todos. Con esa genialidad y consciencia, ¿cómo siente y vive el día a día Gustavo Orihuela? Bueno hermano, la genialidad creo que la construimos con trabajo día a día, ¿no? El día a día para mí es hacer las cosas bien, intentar LaCarne Magazine

hacer las cosas bien. Agradecer por los avances, las ideas y los progresos que tenemos como músicos, como banda, como equipo. Ahora viene un año más cargado de proyectos musicales y sociales. Así que yo pienso que para mí la música se torna de una manera mucho más responsable, porque las experimentaciones están bien, pero también el mensaje es lo que más importa en este momento, y en este tiempo de reflexión tan duro que nos ha tocado vivir en Bolivia y en el mundo. Siendo padre de familia, ¿cómo te ha marcado la música en adelante? Sí, como padre ha sido una experiencia única. El transmitir las emociones desde la música a mi hija ha sido algo muy especial, muy extraordinario, que todavía lo estoy asimilando y disfrutando día a día. Toda mi música se la dedico a mi hija, y también mis conciertos. Ella para mí es una “fuerza interna y externa potente”, y agradezco que ella también disfrute del fenómeno musical, que para mí eso ya es un regalo gigante. ¿Qué más nos puedes comentar del Proyecto de Violín que llevas como estilo de vida? Sobre el Proyecto del Violín, vamos a seguir armando y formando orquestas y grupos. Tengo un Laboratorio de Violín Moderno, donde enseño de manera privada a muchos músicos amateurs, y también gente que ya hace un camino profesional. También formamos a muchos niños en áreas rurales. Por ejemplo, en Chuquisaca tenemos proyectos, recuperamos Cultura, hemos recuperado Cultura a través del tallado de madera, a través de la música, de la ejecución de Sikus, a través de la recuperación de la Tradición Oral, y creo que es importante y muy motivador recuperar nuestras culturas -conocerlas primero-, para que, a partir de ahí, se haga más rico el aprendizaje para uno mismo -como compositor, como músico- y también para apoyar. ¿Cómo te has acomodado en las cuarentenas -rígida y dinámica- del 2020 debido a la llegada de la emergencia sanitaria causada por el

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CoronaVirus? La cuarentena ha sido un periodo muy jodido, muy duro, porque para nosotros, que estamos acostumbrados a salir, a movernos, a estar en un contacto directo con la gente, ha sido un cambio durísimo. Nos hemos acomodado -menos mal- al tema digital, hemos podido hacer varios conciertos en línea, y también conciertos a distancia, participar en Festivales, pero ha sido un trabajo muy inquieto, de no quedarnos en “nuestra zona de confort”, y tenemos que estar preparados para adaptarnos a esta nueva forma de vida, no nos queda otra. Más bien agradecemos a los que me han ido impulsando también en este tiempo, a todos nuestros amigos auspiciadores que hacen que sigamos vigentes en este camino. Gustavo Orihuela, ¿qué frase, verso o dicho te gusta evocar? Gracias por la entrevista. Muy linda, hermano. ¿Alguna frase o verso que pueda evocar o remembrar? Yo pienso que “estamos aquí para vivir el presente”, “la vida es hoy”, “trata a los demás como quieras que te traten”, y “haz las cosas con mucha sinceridad, con mucho amor y con mucha fuerza porque la vida es muy corta”. ¿Cuáles son tus palabras de despedida? Así que con estas palabras yo me despido, y mando este mensaje a todos los hermanos de Sudamérica, de Bolivia, y del mundo, para que siempre tengamos la fortaleza de salir adelante con nuestras armas, que es nuestra música, nuestras herramientas que abren la emoción al mundo. Así que gracias, hermano, un abrazo fuerte, y seguimos compartiendo música hasta los últimos días. Un abrazo, hermano. Gracias.

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