LaCarne Magazine N107 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº107 - MAY 2021 - AÑO 10

UNDYING SUN

y el Power Metal de Where All Begins

EXPERIENCIAS

Asgaror - Las Noches de Santa María

investigación

La Familia Marsalis

ENTREVISTAS

Diván du Don - Indignación - Skunk DF - Pa’wila Dos Sangres - Victor Fraile - Os Cabeloduro - Generador Agresiva - Mixolidia

N107 aÑo 10 may 2021

SUMARIO

experiencias 06 Asgaror, y su nuevo trabajo Mi

34 Indignación, Death Metal para

08 Las Noches de Santa María da

narios

propia magia

comienzo a su nueva edición

investigación 14 La Familia Marsalis y la música actual de New Orleans

entrevistas 20 undying sun, y el power metal de where all begins

30 Diván Du Don, rumba y fiesta aseguradas

defender la Pacha Mama Gaia

52 Skunk DF, 25 años sobre los esce56 Pa’wila Dos Sangres, Rap peruano con el legado de Los Andes

62 Victor Fraile, nos presenta Son de luna

66 Os Cabeloduro, el legado del Punk hecho en Brasil

74 Generador, Rock and Roll y diver-

sión asegurados

78 Agresiva, Siempre Libres en el Mundo del Metal

88 Mixolidia, desde las entrañas y corazones de La Paz

Undying Sun

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

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Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, eva maría aroca, cristobal torres Foto Portada por Domingo J. Casas

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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Asgaror

y su nuevo trabajo “Mi Propia Magia” LEER MÁS

sgaror es una banda que debería aparecer en el diccionario al buscar “milagro”, pues hablamos de una agrupación de Power/Folk Metal oriunda nada más y nada menos que de Culiacán, Sinaloa, un desértico sitio no sólo geográficamente hablando, sino en cuanto a Power Metal se refiere. Aunque hay antecedentes de esta agrupación desde 2010 con el nombre de Master Shake, fue en 2015 cuando Asgaror cobró forma. Tuvieron que pasar siete larguísimos años para que de aquella semilla finalmente brotara un increíble EP titulado Mi propia magia (2021), un trabajo editado de forma independiente con cuatro piezas de gran factura lanzado a inicios de febrero.

Asgaror, analizamos a fondo “Mi propia magia” 6 LaCarne Magazine

El EP logró una resonancia interesante, pues la agrupación ganó el segundo lugar en un concurso de covers organizado por Saurom. Participaron con la canción Amanecer, donde el propio Migue los felicitó ante el sonido conseguido (y es que en verdad parece que hacen playback, ¡pero no!). Esto nos grita a los cuatro vientos por dónde se dirige el sonido de Asgaror. Ejemplo de lo anterior es su pieza de apertura, Mi propia magia, con un sonido que nos haría pensar que estamos ante una banda de covers de Mägo de Oz (de hecho, sí lo era), ¡pero al menos covers de la época dorada! Melodías pegajosas con flauta y violín, aderezadas con riffs de guitarra en cada compás es la esencia. Una fórmula infalible en el género que se volvió todo un dogma en hordas de fanáticos latinoamericanos en la década de los dosmiles. Afortunadamente Asgaror no se limita a eso, y la canción Invicto es la prueba de que poseen un sonido propio. Es una pieza más “ca-

cursos bien dominados. Aunque la producción de Mi propia magia es muy buena, de repente se pueden percibir algunos detalles en la mezcla, sobre todo en las voces corales. Un ejemplo de esto son los estribillos de Invicto o la pieza homónima del EP, donde no se pudo amalgamar mejor el sonido de las voces en conjunto. Fuera de eso, el sonido que consiguieron es asombroso, sobre todo tomando en cuenta que fue una producción totalmente casera, realizada en los estudios que cada miembro montó en sus respectivos espacios. Esto pone en evidencia el enorme nivel que las bandas subterráneas han conseguido en géneros más exigentes en cuanto a producción y mezcla. En el más allá es la pieza que corona un excelente EP. Brilla con el mismo resplandor de Invicto, sugiriendo que ésa es la tesitura estándar de la banda. Es la canción más extensa de todo el trabajo, y donde mejor se puede apreciar lo que ofrecen compositivamente. ñera” (como dirían los grandes predicadores del género por excelencia) donde podemos escuchar con más claridad lo que la banda puede ofrecer con un estilo más particular. Si hay alguna canción que podría hacerlos resaltar por encima de la interminable lista de bandas post-Mägo de Oz, tipo Celtian o Débler, indudablemente es Invicto, pues no le dejan toda la responsabilidad melódica a la voz ni a los violines, recordando que las guitarras también pueden tener protagonismo. El intro es sublime, con una base totalmente entregada al Power Metal más excelso, adornado con una melodía armonizada de violín y flauta, que lleva aquel estilo ibérico a otro nivel totalmente diferente. Además de sus bondades compositivas y técnicas, un punto a favor de Asgaror es la voz de Cris A. Meza, quien respeta perfectamente su timbre y estilo. Todavía se le antoja un techo creativo muy alto, sin embargo, lo que deja escuchar en este EP permite ver que es un vocalista perfectamente funcional y con re-

Aunque hablamos de una banda nacida hace más de un lustro, es justo decir que Asgaror es una grata revelación. Ahora viene ese periodo de incertidumbre donde no sabemos si este EP es el preludio de un próximo larga duración, o simplemente es un trabajo aislado al que le seguirán muchos años de silencio, algo a lo que nos tienen acostumbradas innumerables bandas mexicanas. Independientemente de eso, lo conseguido por Asgaror con Mi propia magia es un ejemplo más de los pasos agigantados que ha dado la escena mexicana en la última década, y el hecho de que provengan de una zona como Sinaloa también nos habla que el género se expande sin concesiones ni limitantes.

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Las Noches de Santa María

da comienzo a su nueva edición

l pasado 7 de Abril, el diputado de Cultura y Deportes de la Diputación de Cáceres, Fernando Grande Cano, presentaba de manera oficial una nueva edición del programa cultural de Diputación de Cáceres las Noches de Santa Maria. Esta nueva edición de las Noches de Santa María se celebrará del 13 de Abril al 21 de Mayo en la ciudad de Plasencia, y contará con un cartel cargado de actuaciones musicales y teatro.

Las Noches de Santa María se celebrará del 13 de abril al 21 de mayo

Un año más, las Noches de Santa María acercarán la cultura a la ciudad de Plasencia, y para abrir el programa podremos disfrutar el día 13 de abril del concierto de apertura, que correrá a cargo del fantástico Jazz de Randy Greer & The Cole Diggers. Será en el Auditorio del Complejo Santa María a las 20:30h, y el aforo será limitado conforme a las medidas sanitarias requeridas. Además de la música Jazz, los conciertos de las Noches de Santa María se celebrarán todos en el mismo espacio y en el mismo horario, a excepción del concierto de clausura, que tendrá lugar en la Plaza de Santa María de Plasencia a partir de las 21:30h. En este caso, el aforo también será limitado conforme a las medidas sanitarias. En cuanto al aforo permitido por dichas restricciones, el máximo será de 114 personas como máximo en el Auditorio del Complejo Santa

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María, y para ello, si queréis asistir, deberéis reservar vuestra invitación el martes previo a la actuación que queráis ir en el siguiente enlace. El propio Diputado de Cultura, Fernando Grande Cano, ha señalado en más de una ocasión que la cultura es segura, y que, a pesar de que los aforos han quedado limitados por las medidas sanitarias por la situación actual que vivimos, la ocupación de localidades de los eventos culturales que se han celebrado hasta el momento ha sido total. Todo ello es un indicador positivo de que la cultura es y seguirá siendo segura para tod@s. En cuanto a la programación de esta nueva edición de Las Noches de Santa María, disfrutaremos de artistas y grupos de diferentes estilos como la Copla, el Jazz, el Klemez, el Folk y el Latin Soul. Por otro lado, será la compañía Verbo Producciones la encargada de la representación teatral. Para que no os perdáis nada, aquí os dejamos toda la programación completa de espectáculo y horarios.

Programación completa y horarios

RANDY GREER & THE COLE DIGGERS (Jazz) 13 de Abril a las 20:30h Auditorio del Complejo Santa María

Si sois amantes del Jazz, no podéis perderos a Randy Greer y su banda en las Noches de Santa María. El norteamericano es considera-

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do uno de los cantantes de Jazz más aclamados en el panorama internacional, y uno de los pocos cantantes que cuenta con el estilo vocal de reconocidos artistas del género como Nat King Cole. Todo ello lo muestra en su repertorio claramente influenciado por el maestro Cole, pero dándole al mismo tiempo un toque de personalidad basada principalmente en la pureza de la voz del propio Randy Greer. Un plan perfecto si os gusta disfrutar de la música Jazz. OLANA LISS (Latin Soul R&B) 20 de Abril a las 20:30h. Auditorio del Complejo Santa María Si os gusta el Latin Soul y el Rythm And Blues, no os podéis perder a Olana Liss. La artista extremeña lleva en esto de la música desde que tenía 17 años, y cuando contaba con 21 empezó a trabajar con artistas de la talla de Jeanette o Gecko Turner entre otros. También ha trabajado junto a bandas como Freedonia, y actualmente está participando en un proyecto con la Orquesta Sinfónica de Extremadura llamado Mujeres Ex. Con todas estas experiencias, Olana Liss emprende su carrera en solitario, y en su primer disco, Imagine, nos trae una propuesta con sonidos que van desde el R&B, pasando por el Funk, el Soul o el Latin Sound.

YouTube Facebook VERBO PRODUCCIONES, Retiro espiritual (Teatro) 27 de Abril a las 20:30h. Auditorio del Complejo Santa María El teatro llega de la mano de la compañía extremeña Verbo Producciones, que para estas Noches de Santa María nos traerán la representación de la obra Retiro Espiritual. La compañía lleva en activo desde el 2005, y

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ha llevado a cabo alrededor de diez producciones, entre ellas varias producciones para el Festival de Mérida, como por ejemplo Los Gemelos, Jasón y Los Argonautoas o Viriato, entre otras muchas. La compañía ha llevado sus representaciones a los mejores festivales y teatros de todo el país formando parte de la programación de algunos de ellos. Sin hacer spoilers, sólo os diremos que vais a pasar un buen rato y a echaros unas risas con esta representación, en la que tres personajes toman el protagonismo de las disparatadas situaciones que se van sucediendo en esta divertida comedia.

Website Facebook Twitter TRIVIUM KLEZMER (Klezmer) 4 de Mayo a las 20:30h Auditorio del Complejo Santa María El trío aragonés Trivium Klezmer nos mostrará en su actuación de las Noches de Santa María a qué suena este género musical llamado Klezmer. La formación lleva en activo desde el año 2009, y han recorrido un gran número de escenarios y festivales en los que el público siempre les ha dado una buena acogida. En su segundo trabajo, llamado Ekléztico, muestran su particular forma de entender este género musical. Cuando escuchéis su música seguro que os contagiás de ese irresistible ritmo festivo, en directo seguro que se disfruta aún más.

Facebook YouTube ODAIKO Y VANESA MUELA (Folk) 11 de mayo a las 2:30h Auditorio del Complejo Santa María

El folklore gallego y castellano leonés estará presente en las Noches de Santa María de la mano de la formación Odaiko y Vanesa Muela. Odaiko es la banda de percusión que acompaña a Vanesa Muela en este proyecto en el que percusión, música tradicional y vanguardia se dan la mano. Odaiko y Vanesa Muela nos ofrecen un fantástico directo, en el que los instrumentos de percusión cobran un especial protagonismo.

Facebook Vanesa Muela YouTube Odaiko CONCIERTO ESPECIAL DE CLAUSURA ZENET (Copla-fusión) 21 de Mayo a las 21:30h. Plaza de la Catedral

El 21 de Mayo, y como Concierto Especial de Clausura de las Noches de Santa María, disfrutaremos de la Copla Fusión del conocido artista malagueño Zenet. Zenet inició su carrera en solitario desde el 2008, y a lo largo de su trayectoria ha ido publicado diversos trabajos, entre los que destacan Todas las calles, La menor explicación o La Guapería, este útlimo publicado en 2019. En cada uno de ellos, el artista nos muestra su particular fusión de estilos, que van desde la Copla al Jazz, pasando por otros géneros como el Bolero o los Ritmos Latinos. Un fantástico espectáculo para cerrar esta edición de Noches de Santa María.

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La Familia Marsalis

y la música actual de New Orleans LEER MÁS

na vez más, me propongo acercaros a Nueva Orleans, mi sitio favorito en el mundo, y en esta ocasión lo vamos a hacer de la mano de una familia que ha sido como tocada por la varita de la virtud: la Familia Marsalis, que cuenta entre sus miembros con algunos de los músicos y difusores más importantes de la Nueva Orleans actual.

Inicios de la Familia Marsalis

Comencemos por el principio. El 16 de abril de 1908 venía al mundo Ellis Louis Marsalis Sr, el patriarca de toda esta historia. Si bien

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no era músico, su trabajo como activista de los Derechos de los negros es digna de mención. Tuvo uno de los primeros hoteles para negros de todo el Mississippi, donde podían alojarse con dignidad. Pronto su establecimiento se hizo famoso, y por él pasaron personalidades de la talla de Ray Charles, Cab Calloway, Ruth Brown, Etta James, o políticos como Martin Luther King o Adam Clayon Powell. Fue el primer negro en contar con una franquicia de estación de servicio Esso. Ayudó a financiar la educación de Ernest Nathan Morial, el primer estudiante negro en ir a la Facultad de Derecho de Luisiana (más tarde se convertiría en el primer alcalde negro de Nueva Orleans).

Luisiana, además de ser doctor honorífico por la Universidad Tulana por sus contribuciones tanto al jazz como a la educación musical. Como músico, aparte de las colaboraciones, cuenta con 20 discos propios, grabados casi todos por él mismo. Sin embargo, como ya hemos dicho, su gran aportación a la música, y más concretamente al Jazz, será en calidad de maestro, influyendo a varias generaciones y haciendo que el Jazz clásico de Nueva Orleans no se perdiese nunca. El reconocimiento del mundo de la música americana a Ellis es enorme: se le incluyó en el Salón de la Fama de Nueva Orleans, además de ser proclamado el 24º Hombre de la Música por la Phi mu Alpha Simphony, el mayor honor otorgado por la institución. Junto a sus hijos, recibió el premio NEA Jazz Master Award 2011. Murió en 2020 por complicaciones respiratorias relacionadas con la COVID-19.

El legado de la Familia Marsalis

En este ambiente de libertad nace, el 14 de noviembre de 1934, Ellis Louis Marsalis Jr, conocido por ser uno de los mayores divulgadores del Jazz, además de excelente músico. Comenzó tocando el saxo, pero estando en secundaria se decidió por el piano. Estudió en el Berkley College of Music, y después se matriculó en la Universidad de Dillard en música clásica. Pronto empezó a colaborar con artistas de la talla de Cannoball Adderley o Al Hit, en las décadas de 1950 y 1960. En la década de los 70 se dedica a dar clases en el Centro de Artes Creativas de Nueva Orleans, siendo maestro de muchos grandes músicos de la ciudad, entre ellos, sus hijos. También dio clases en la Universidad de Nueva Orleans, en la universidad de Xavier de

Ellis formó una familia, se casó con Dolores, una cantante local de Jazz, y tuvieron un montón de hijos. El primero de ellos fue Branford, que nació el 26 de agosto de 1960. Como su padre, estudió en el Berkley College of Music, su instrumento elegido fue el saxofón. Siendo aún estudiante, a mediados de los 80, se embarcó en una gira por Europa acompañando a Art Blakey. Un año después, tanto él como su hermano Wynton, entraban a formar parte de manera oficial del grupo de Art Blakey, The Jazz Messenger. También se fueron juntos de gira por Japón junto a Herbie Hancock. Todo esto llevó a los hermanos a formar un quinteto, por iniciativa de Wynton. Estarían juntos hasta 1985, el gran momento de la escisión. De este año es su primera grabación en solitario Scenes in the City, así como las colaboraciones con Miles Davis y Dizzy Gillespie.

La escisión en la familia

Hablemos del momento de la escisión. En 1985, tras abandonar el quinteto Branford, se une al músico Sting en el primer proyecto LaCarne Magazine

en solitario de éste, The Dream of The Blues Turtle, convirtiéndose en habitual de la banda hasta 1999. Este gesto no gustó nada a Wynton, no por el abandono, sino por la ruptura con el Jazz clásico, que era el único posible para Wynton, quien se convirtió en azote de todo tipo de fusión. Para Branford, los años siguientes estarán marcados de nuevos proyectos, como el Branford Marsalis Quarter, con quien ganará un Grammy; las colaboraciones en cine tanto como actor, como creador de BSO (School Daze, de Spike Lee), con grupos de Rock, como Grateful Dead, incluso fue líder de la Tonigh Show Band del programa de Jay Leno. En 1994 creó el grupo Buckshot LeFonque, donde fusionaba jazz con Rock y Hip Hop, a su hermano casi le da un parraque. Entrado el nuevo siglo, Branford creó su propio sello Marsalis Music. Además, se involucró en la educación musical, trabajando en las universidades de Michigan, la Estatal de San Francisco, o la de Carolina del Norte. Tras el desastre del Katrina, creó, junto al músico local Harry Connick, el Musicians Villar, para ayudar a los músicos de la ciudad a remontar tras la pedazo de movida Katrina. Sigue en activo, su último disco es de 2019, The Secret Between the Shadow and The Soul, con su mítico cuarteto, una de las bandas de jazz más longevas. El 18 de octubre de 1961 venía al mundo el muy genial pero también cabezón Wynton Marsalis, el más famoso de los hermanos Marsalis. Consiguió su primera trompeta con 6 años. Su padre estaba en una reunión con Miles Davis, Clark Terra y Al Hirt, cuando Ellis Sr bromeando les dijo que ya podrían regalarle una trompeta al pequeño, y así fue. Sin embargo, Wynton no se puso en serio hasta los 12 años, cuando se matriculó en el Centro de Artes Creativas de Nueva Orleans para estudiar clásica. Mientras, estudiaba Jazz con su padre en casa. Sorprendentemente, sus primeras actuacio-

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nes fueron con grupos de Funk local, hasta que en 1975 gana un concurso de música con el que puede interpretar temas clásicos de Haydn junto a la Filarmónica de Nueva Orleans. Dos años después era el miembro más joven del prestigioso Tonglewood Music Center. En 1979 se marchó a Nueva York para estudiar en la Escuela Juilliard (ésa que décadas atrás le negaba la entrada a Nina Simone), pues Wynton quería seguir con su formación de clásica. Sin embargo, en 1980 se une a la banda de Art Blakey, algo que le hará cambiar de opinión. Sí que quería Jazz, sí. En esta época conoce a Herbie Hancock, con quien se embarca en una gira, además graba su primer disco en solitario, crea el quinteto con su hermano, y lo que ya sabéis: escisión. Ya en los 80 se involucra en una serie de conciertos de jazz en el Lincoln Center, que le llevarán a formar un departamento de Jazz en el mismo, y a convertirse en el director del centro, así como el director musical de la banda del mismo.

Es un músico muy muy muy reconocido Wynton. Tiene un premio Pulitzer de música, siendo el primer músico de Jazz en conseguirlo, por Blood on the Fields. Tiene mogollón de condecoraciones (fijaos que es hijo predilecto de la ciudad de Vitoria, jaja), y ha realizado giras por más de 30 países de todo el mundo. Ha vendido más de 7 millones de copias de sus grabaciones, y a día de hoy es uno de los músicos consagrados más activos tanto musical como pedagógicamente. Wynton ha sido un músico muy polémico. Cuando su hermano mayor decidió darle un giro a su carrera y experimentar con el Jazz, Wynton no se lo tomó nada bien. Él, nacido y criado en la cuna del jazz, no aceptaba como Jazz los nuevos sonidos que se hacían a partir del estilo. Famosas son sus declaraciones sobre el poco respeto que tiene a estilos como el Free Jazz, las vanguardias, el jazz europeo y el asiático, el Hip Hop o cualquier fusión a partir del Jazz. Para muchos, Wynton tiene un conocimiento selectivo de la historia del Jazz, algo que le ha

llevado a tener muchas polémicas con artistas actuales (en la época más pop de Miles Davis, se cebó de lo lindo a pesar de admirarle profundamente. Decía de él “abrazando la música pop ha vendido a su país como si fuese un general en guerra”). Para otros, ha devuelto la respetabilidad al Jazz. Yo, mundana total, entiendo las partes. Entiendo la pureza del Jazz como tal, que viene de donde viene, y se desarrolla gracias a las experiencias sociales de una parte concreta (y normalmente oprimida) de la sociedad americana, los negros. Pero también entiendo a esos artistas que dan un paso más allá y evolucionan el Jazz, acercándole al resto de las músicas mundiales. Como veis, esta familia no tiene desperdicio, incluso los dos hermanos pequeños son productores musicales reconocidos, así como miembros implicados de la comunidad de músicos de la ciudad. Una familia que rezuma Jazz por los cuatros costados. No debería ser menos tratándose de Nueva Orleans. LaCarne Magazine

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UNDYING SUN

y el Power Metal de Where All Begins

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onocer el trabajo de Luar Shadow Light en el proyecto Undying Sun ha sido toda una revelación para nosotros. Nos encontramos ante un artista completo que, a base de trabajo, constancia, y paciencia, ha conseguido alcanzar los objetivos que se propuso, y nos lo demuestra con el Power Metal de su último trabajo. De la mano del conocido Jesús Yanes (Paco de Lucía, Alejandro Sanz, Rocío Jurado, Mónica Naranjo, Malú…), Undying Sun se presenta en sociedad con su primer single The Dark Decay, adelanto del álbum Where All Begins, que se publicará mundialmente el 28 de mayo, y promete traernos un Power Metal fresco con elementos clásicos, y mucha, mucha pasión. Al escuchar el single The Dark Decay, no dudamos un segundo y nos pusimos en contacto con Luar Shadow Light para que nos hablara de Undying Sun, de su trayectoria, y de sus planes de futuro. Amig@s, os dejamos con el Power Metal de Undying Sun! Texto por S. Plata Fotos por Domingo J. Casas

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Undying Sun, y el Power Metal de Where All Begins Es un placer para nosotros poder hablar contigo Luar, y estamos impacientes de que nos hables de este proyecto musical tan interesante, Undying Sun, pero antes queremos conocerte un poco más. Cuéntanos quién eres, y cuándo naces tú como Luar Shadow Light, el artista. Para mí también es un placer. Soy el cantante y compositor de Undying Sun. Yo creo que Luar Shadow Light siempre estuvo dentro de mí desde el principio, y es a partir de la adolescencia cuando empecé a desarrollar una pasión por la música, y descubrí que quería dedicarme a ella plenamente. Tras años de esfuerzo y dedicación, conseguí que ese artista que estaba en mi interior saliera. El Power Metal es un género que tiene un significado especial para ti, y nos gustaría que nos contaras el porqué. ¿Qué bandas escuchabas antes de decidir que querías dedicarte a la música? Como ya he contado en otras entrevistas, al principio yo no tenía un gran interés por la música, precisamente porque aún no había escuchado la música adecuada. A raíz del primer grupo de rock que oí, comencé a ver que la música era mucho más amplia que lo que sonaba en las radios comerciales o escuchaba la gente de mi entorno, y un día encontré el Power Metal, o quizá el Power Metal me encontró a mí. La primera banda de power metal que escuché fue Stratovarius, y luego Sonata Arctica. A pesar de haber escuchado otras bandas anteriormente de otros estilos, estas dos bandas resonaron dentro de mí más que ninguna otra. Su forma de hacer power metal era diferente, era especial, y la consecuencia es que a partir de ahí mi vida cambió por completo. También he de decir que cuando pasas por momentos duros, la música puede ser una gran aliada, y eso puede hacer que se vuelva aún más especial.

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Has trabajado muy duro y te has ido formando hasta convertirte en el artista que eres hoy. ¿Cuál ha sido para ti lo más difícil a lo que te has enfrentado durante tu aprendizaje como cantante? ¿Alguna lección/consejo que se te haya grabado a fuego? Lo más duro yo creo que fue cuando surgió el deseo de convertirme en cantante y todo lo que había a mi alrededor me decía que no, que no podía conseguirlo. Si a eso le sumas la falta de conocimiento, te puede suceder que le des crédito a ciertas personas, como yo se lo di a la directora del coro del instituto, el día que me explicó que nacemos con un registro, y que eso es algo que no puedes cambiar. En ese momento ella sabía más música que yo, y me lo creí. Afortunadamente no quise rendirme, y con el tiempo descubrí que eso no es así. Nuestras limitaciones están en la mente, y somos nosotros mismos quienes nos las ponemos. Y si yo tengo que dar algún consejo a alguien, es precisamente que no permita que las ideas de otras personas te limiten, que, aunque sea difícil, no te rindas, porque es el trabajo, el esfuerzo, y la perseverancia lo que te permiten hacer realidad tus sueños, por inalcanzables que parezcan. Empezaste a dar tus primeros pasos sobre el escenario cuando aún estabas estudiando, y comienzas a poner en práctica lo aprendido. ¿Recuerdas tu primer concierto? ¿Cuál es el mejor recuerdo que guardas de esos primeros directos? La verdad es que no hay mucho que recordar de las primeras veces en las que te plantas en un escenario, básicamente porque los miedos no te permiten darte ni cuenta de lo que has hecho una vez sales del escenario. Recuerdo que tras mi primera actuación no era consciente realmente de qué acababa de pasar sobre el escenario. Lo que sí recuerdo es que cuanto más actuaba, más especial se volvía todo, más me daba cuenta de que estaba yendo por el camino adecuado, y poco a poco esos miedos iban desapareciendo. El simple hecho de estar sobre un escenario es mágico, y es difícil de LaCarne Magazine

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expresar con palabras. Estudiaste en la escuela de Jesús Yanes, y él también es en parte culpable de que tu proyecto (del que ahora hablaremos) haya salido a la luz. Cuéntanos, quién es Jesús Yanes, y qué papel ha jugado en tu carrera musical. Jesús Yanes es un gran maestro y productor, a parte de una gran persona. Él me enseñó que existía un camino de posibilidades más allá de tus límites y creencias. Su método de enseñanza vocal me brindó la oportunidad de convertirme en el cantante que deseaba ser, por lo tanto, él es alguien muy importante para mí, tanto por ser mi productor, como por haber sido mi maestro. Ahora sí, queremos que nos cuentes más acerca de cómo nace este proyecto musical llamado Undying Sun, y cuál es la propuesta sonora de la banda. Como he dicho anteriormente, mi deseo era ser cantante de power metal, y para ello necesitaba crear una banda, lo que hizo que surgiera Undying Sun, cuyo nombre significa “Sol Eterno”, y viene del concepto de una fuente interminable de luz que brilla en la oscuridad (como el “Sol” que da luz a nuestro mundo), y que representa la luz que se encuentra en lo profundo de nosotros mismos. La propuesta es intentar aportar algo a quien escuche las canciones a través de un power metal con elementos clásicos, elegante y fresco al mismo tiempo, volcando parte de mí mismo en las canciones. The Dark Decay es el single con el que Undying Sun se presenta, single que además viene acompañado de un videoclip con mucho Power Metal. En primer lugar, queremos que nos cuentes un poco más acerca de esta canción, cómo realizaste su composición, y qué hay detrás de su letra. Con respecto a la composición, yo siempre empiezo desarrollando la canción en el piano, donde creo las armonías y estructuras de la canción, para después llevármelo al ordenador. Utilizo un programa que me permite escribir y asignar diferentes instrumentos virtuales para tener una leve idea (bastante alejada de LaCarne Magazine

la realidad, lo cual hace que sea más complicado) de cómo puede llegar a sonar. Usando este programa, voy creando pistas con los instrumentos que quiero, y voy escribiendo cada nota que quiero que hagan, desarrollando de esta manera las líneas de guitarras, bajo, batería y teclados entre otros. Una vez que tengo la canción instrumental terminada, empiezo a desarrollar la melodía vocal cantando sobre ella, y grabándolo hasta que mezclando la gran cantidad de grabaciones de voz doy con algo que realmente me convence, para pasar finalmente a la escritura de la letra. La letra cuenta un fragmento de la historia que se narra en el disco Where All Begins, en el cuál el personaje está completamente hundido en la oscuridad, consumido por sus miedos, sus pensamientos, y no ve nada más que desesperación. Pero esta canción es una de las primeras del disco, así que es posible que en las siguientes canciones del disco haya más esperanza para encontrar esa luz que Undying Sun representa. Hemos visto el videoclip, y la verdad es que es un gran trabajo. ¿Has contado con alguna productora? ¿Fue tuya la idea principal del videoclip?

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Muchas gracias. La productora del videoclip y la discográfica que me fichó es Jesús Yanes Entertainment. Mi idea sobre el videoclip era mostrar parte de esa lucha entre la luz y la oscuridad de la que habla el disco. Después le di muchas vueltas junto con Jesús y Rubén Yanes, que es el director y realizador del videoclip, hasta que finalmente la hicimos realidad. ¿Cuánto tiempo llevó realizar todo el rodaje? ¿Algún momento especial que vivisteis en él? No sabría decirte cuánto concretamente, pero entre que se planifica todo, se consiguen los materiales, se crea el decorado y se desarrolla la historia, pasan muchos meses, más teniendo en cuenta el confinamiento que no nos permitía viajar para ver posibles localizaciones. Durante el rodaje, cada momento era especial, y transcurrió muy rápido, que es lo que suele pasar cuando disfrutas de algo o estás trabajando a tope, y cuando te quieres dar cuenta, ha pasado. También aprovecho para decir que fue un placer trabajar con Rubén Yanes y todo su equipo. Fue muy agradable y el resultado fue excelente. ¿Hay algún motivo en concreto por el que ha-

yas elegido este tema como single de presentación? ¿Tenías otras opciones? El motivo de que haya elegido esta canción es debido a que a Jesús le pareció la canción más apropiada para ello. Yo tenía en mente la canción “Signs of Joy”, que es la siguiente canción del disco. Uno de los motivos por los que no tenía en mente la canción “The Dark Decay” es porque el momento que cuenta de la historia representa la parte más oscura, que es justo lo contrario al mensaje que quiero transmitir con el disco, pero finalmente me dejé llevar por el consejo de Jesús, y que “The Dark Decay” se convirtiera en el primer single.

dad es que contar con un profesional como él, que ha trabajado con tantas bandas y artistas, es una pasada. ¿Cómo ha sido para ti trabajar con él en estudio? ¿Qué has podido aprender de él? Trabajar con él ha sido una experiencia inolvidable, y he aprendido mucho de él, aparte de todo lo que me ha enseñado desde que estaba en su escuela. Siempre se puede seguir aprendiendo, y más de alguien con tantas experiencias vividas. Estoy muy agradecido de todo lo que me ha aportado, y estoy deseando poder mostrar por fin el disco que hemos hecho con tanto esfuerzo y trabajo.

Entonces, “The Dark Decay” es un adelanto de la producción Where All Begins. ¿Qué puedes adelantarnos? ¿Hay ya fecha de salida? Eso es, el título del disco es Where All Begins, que, como comenté anteriormente, cuenta una historia que va transcurriendo a lo largo de las canciones, y que trata de una persona que se esfuerza por luchar contra la oscuridad de su mente y las sombras de su vida, para levantarse y perseguir sus metas y sueños después de perderse en una abrumadora tristeza, dolor y desesperación.

Éste será tu primer trabajo, e imaginamos que para ti es un gran paso como artista. ¿Cómo te sientes ahora que está a punto de ver la luz? ¿Qué tienes pensado para darlo a conocer al público? Pues la verdad es que hay muchas emociones combinadas, pero tengo muchas ganas de que salga por fin, después de tanto trabajo, tantas esperas y tanto tiempo. Al fin y al cabo, es como que hay una parte de mí en el disco, por lo tanto, es algo que genera mucha ilusión, y espero que sea capaz de conectar y aportar algo a quien lo escuche.

La fecha prevista de salida del disco es el viernes 28 de mayo. Las manos de Jesús Yanes son las que han dirigido la producción de este trabajo, y la ver-

A pesar de la actual situación sanitaria, ¿hay alguna presentación en directo a la vista? ¿Cómo te planteas ahora mismo los conciertos? ¿Qué alternativas tienes?

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En estos momentos, pese a lo complicado de la situación, estamos muy centrados en la promoción de “The Dark Decay”, a la vez que estamos preparando y planificando un montón de acciones promocionales basadas en el directo para, cuando llegue el momento adecuado, ir “a por todas”, pero lógicamente no puedo hablarte de fechas concretas dadas las circunstancias. Estamos impacientes por escuchar el primer trabajo de Undying Sun, así que estaremos muy atentos a su salida. Luar Shadow Light, ha sido un placer conocerte y charlar contigo. Te deseamos mucho éxito y suerte, y que vuelvas pronto para contarnos cómo te ha ido. Muchas gracias! Os agradezco que me hayáis dado la oportunidad de hablar sobre mi proyecto Undying Sun, y gracias también a quien lea esta entrevista por dedicar parte de su tiempo. Espero que el disco os guste, y nos vemos en la próxima! Un saludo! Luar Shadow Light

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Diván Du Don

rumba y fiesta aseguradas LEER MÁS

a formación extremeño-andaluza Diván Du Don es una de las bandas más carismáticas de Extremadura. A pesar de haberse repuesto a la adversidad de la rotura de su anterior proyecto, han conseguido mantener un nivel excelente en sus composiciones con la habilidad de poder llegar a un público amplio, basando su sonido en la rumba y en letras amables, positivas y divertidas. Parece mentira, pero nunca habíamos tenido al grupo entre nuestros artistas entrevistados, y es hora de que formen parte de nuestro cuestionario. ¡Vamos a ello!

Diván Du Don, rumba y fiesta aseguradas

Es un placer teneros entre nosotros. Sois una de las bandas favoritas de un público extremeño muy amplio en el espectro musical. ¿A qué se debe esta capacidad para llegar a tanta gente? Pues el placer es nuestro. La verdad es que no somos virtuosos ni especialmente innovadores, a priori, en muchos aspectos, pero sí que somos honestos y queremos transmitir alegría desde nuestra música. Tal vez eso logremos hacerlo y podamos conectar con mucha gente. Sobre todo en directo. Ya os lo decimos nosotros, porque sois buenos jejeeje. Entre las filas de Diván Du Don tenéis a andaluces, Paquillo y Miguel, granaíno y gaditano. ¿Cómo os conocisteis unos y otros? Pues todo empezó en la Universidad de un modo casual, de guasa con una guitarra en los jardines entre clase y clase, y la cosa fue

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formándose. Se fueron sumando y restando componentes al proyecto a lo largo de los años, y ahora estamos aquí los que queremos y podemos seguir con ese espíritu de hacer canciones desde el corazón, ya sean de guasa, reivindicativas, o baladas. Cada uno tenemos una historieta particular sobre cómo llegamos al proyecto que casi daría para una entrevista entera, pero lo importante fue que, en esencia, todos nos enganchamos a querer vivir la música en grupo con los seres humanos que teníamos delante. Echamos de menos a Lupe La Perla, ¿volverá a la formación? ¿La añoráis? ¿Qué ha sido de ella? Y nosotros también la echamos de menos. Nuestro proyecto es muy personal, y Lupe ha decidido parar y bajarse del carro porque todo

Foto por gelisbeth_s

tiene su momento en la vida, y ella ya estaba un poco deseosa de “normalizar” su vida. La vida en la música es muy exigente en cuanto al descanso mental y a la dedicación, y ella estaba muy fatigada en muchos sentidos. Así que lo mejor para ella (y por eso mismo, para todos) fue apartarse. Pero tiene nuestra puerta abierta siempre. En la actualidad, se dedica a su vocación y profesión de docente en un centro educativo, y es más feliz que una perdiz. Tenéis 2 discos: Las cositas claras y Malabares. El año pasado nos presentasteis el single “No pares de Cantar”. Habladnos del single, de su elaboración, y de si formará parte de un nuevo trabajo. Pues el single es una idea que le rondaba a

Miguel por la cabeza desde hace bastante tiempo, y en estos tiempos de pandemia nos apeteció acabar de darle forma al completo entre todos. Así que, cada uno desde nuestra casa y con nuestros medios precarios, empezamos a grabar, y acabamos pasándole el resultado a David Capellán (Silence Estudios, Badajoz), que nos echó un buen cable en labores de mezcla y mastering. Respecto a nuevo trabajo, en ello estamos, pero las coordenadas personales de todos nosotros empiezan a ser peculiares y difíciles por temas de otros trabajos, familia (sobre todo los niños), y esta pandemia que no nos deja juntarnos con seguridad todo lo que nos gustaría. Con respecto a la actualidad, ¿está siendo el sector de la música el gran perjudicado de la pandemia? ¿La cultura es segura? ¿Tenéis LaCarne Magazine

muchos conciertos confirmados? Pues hay muchísimos sectores especialmente damnificados en lo económico por toda esta locura. La música en directo, en particular, ha sufrido y sigue sufriendo ajena a ayudas y apoyos directos e indirectos por parte de la administración, sobre todo para figuras emergentes o músicos que quisieran empezar. Se han tenido que buscar fórmulas alternativas a los canales habituales, y van funcionando y articulándose nuevas fórmulas de difusión musical. La #culturasegura es una realidad, pero no parece ser suficiente para seguir siendo un valor para nuestros políticos. Creemos que, sin entrar en demasiada polémica, se debería ser transparente desde los entes públicos, y mostrarnos en qué se han gastado las partidas destinadas a cultura del último año. Respecto a los conciertos, como los conocíamos, hay un futuro aún incierto. Tenemos varias fechas ya marcadas en el calendario, pero todo, debido a la pandemia, está en el aire hasta poco antes, y un brote particular te

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desmonta todo en un momento. Así que hay castillos de arena en el aire, pero hasta que no pase el tiempo no hay nada en claro. Sois muy dados a realizar colaboraciones con otros artistas, como habéis hecho con El Canijo de Jerez, Huecco, Poncho K, D’Callaos o Aslandticos. ¿Os gustaría colaborar con alguien en especial? ¿Tenéis alguna colaboración sorpresa para el próximo disco? Pues la verdad es que el próximo proyecto nos lo planteamos, por primera vez, como algo muy Juan Palomo (yo me lo guiso, yo me lo como). No nos cerramos a tener algún encuentro con algún amigo/a y plasmarlo en un tema, pero en principio queremos tener los temas claros y seguir a nuestro aire, aunque sí nos gustaría una visión de producción por parte de nuestro amigo Pedro Pimentel. De todos los conciertos y festivales donde habéis estado, nosotros nos acordamos de una actuación vuestra (con la anterior formación) en el MEIAC dentro de un evento del Conse-

y hasta qué punto influye en vuestras letras? El Carnaval es una fiesta sin igual. Esa frescura inocente y esa picardía que tiene, es algo muy propio nuestro. En cierta medida es referente y parte de nuestra esencia. Pero, pese a ello, es sólo una parte. Tal vez esa forma alegre e inocente, con esa ironía blanca, sea algo que tenemos en el ADN sin vacuna ni remedio. ¿Está afectando la pandemia a vuestras canciones? ¿El nuevo disco tendrá mucho de la realidad Covid19? Obviamente todo nos influye. Cambian nuestra realidad y nuestra cotidianidad, y todo lo que nos rodea. Pero el amor y la alegría se ven en los ojos pese a las mascarillas, y eso es inalterable. Seguramente algo haya de pandemia, pero será más alegría que otra cosa lo que siga habiendo en nuestras libretas y partituras.

jo de la Juventud, y otra en un Guoman. ¿De cuáles tenéis un recuerdo o experiencia especial? Pues cada concierto es único y especial. En todos hay fallos que nos hacen reír o llorar después, pero todos nos hacen felices y nos han ayudado a ser lo que somos. Tenemos experiencias imborrables como los que han sido lejos y tras viajes interminables, como fue el Mercat de Música Viva de Vic, o experiencias íntimas como los escenarios móviles de aquí en los veranos. Tal vez el primer gran concierto juntos como Diván du Don en el WOMAD de 2015 fue algo mágico que siempre llevaremos a fuego en el alma. Hasta los momentos de tensión con la producción extranjera del festival que, por tiempo de la escaleta del festival, casi nos desenchufa el final del concierto. Estáis muy ligados al Carnaval. Habéis participado tanto del de Badajoz (pregoneros), como el de Cáceres (actuando), pero es que además Miguel Vivas fue el pregonero del Carnaval de Conil. ¿Qué supone para vosotros el carnaval

Antes de despedirnos, habéis pasado por Viñarock, Arenal Sound, Extremúsika, Womad…, ¿en qué festival extremeño os haría ilusión tocar cuando haya una normalidad sanitaria? ¿Y a nivel nacional? ¿Por qué? Pues en todos, la verdad. Tenemos mucho camino recorrido con proyectos anteriores, pero nos encantaría volver a andar este camino con nuestras nuevas canciones a todo el público posible. Nos gustaría poder participar y entrar en todos los carteles en los que podamos aportar algo propio al festival, pero sin etiquetas de tal o cual estilo. Llegar, emocionar, emocionarnos, y lograr momentos inolvidables. ¡Gracias amigos, nos vemos en los festivales! Con mascarilla, distancia, hidroalcohólico y ganas de fiesta. Un abrazo grande para todos, familia!

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Indignación

Death Metal para defender la Pacha Mama

no nunca se acaba de sorprender de ampliar la visión, y disfrutar del buen panorama que te traen proyectos musicales conscientes y luminosos. Tal es el caso de la banda paceña Indignación, enfocada en la protección al Medio Ambiente, el amor y respeto hacia los animales, y una ideología que conlleva su actitud en la producción musical que acaban de estrenar iniciando el 2021: Amuyta Lakharu” / “La Tierra se Defiende”, segundo material que vio la luz pública oficialmente el 16 de enero. Artemissa VxOx y Bicho del Exterminio, muchas gracias por su tiempo y confianza, en exclusiva para LaCarne Magazine.

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Indignación, Death Metal para defender la Pacha-Mama-Gaia Personal y musicalmente hablando, ¿cómo están actualmente? Bicho del Exterminio (B): Antes que nada un saludo a tod@s los lectores de LaCarne Magazine, y a ti, Alfonseka, por el espacio, y el apoyo que das a la movida desde siempre. Personalmente creo que es una etapa difícil para todos, a partir de la llegada de la pandemia muchas cosas cambiaron, hay varias limitantes. Se veía venir, ya que estamos en la etapa de una crisis climática inminente que trae consigo varios efectos en el entorno, pero aun así, debemos seguir resistiendo con actitud y adaptarnos pese a las circunstancias. Personalmente con otros proyectos musicales, medios, produciendo, y también dedi-

enfermedad. Musicalmente, pues he tratado de mantenerme lo más activa posible, ya sea escribiendo nuevas líricas, ensayando con mis otros proyectos, difundiendo y apoyando a las bandas con mi programa Chaski Rock. He tratado de no dejar nada de lado. Respecto a Indignación, ha sido una etapa bastante creativa para conceptualizar el nuevo álbum y plasmarlo, además de conformar parte de redes internacionales, colectivos musicales, y otras iniciativas para paliar la falta de escenarios presenciales. La hemos pasado realizando varios Live Stream, participando en Festivales nacionales e internacionales.

Gaia cándome a mis otras ocupaciones fuera del mundo artístico. Musicalmente acabamos de presentar el segundo álbum de Indignación Amuyta Lakharu en plena pandemia, el cual tuvo buen recibimiento de parte de la escena y de todo el público, quien adquirió el mismo. Aprovechamos el encierro y las limitantes para seguir componiendo, visualizando, experimentando más estilos y ritmos musicales para que el producto final salga tan brutal como sea posible. Artemissa VxOx (A): Qué tal. Espero que tengan un buen día cada uno de l@s lectores, y por supuesto al equipo de LaCarne Magazine, un agradecimiento por esta entrevista. Actualmente, personalmente me encuentro pasando la factura en esta crisis que se vino con la pandemia, crisis económica, cultural, social, ambiental, emocional, y hasta en mi salud y la de mis familiares. Los perjuicios y pérdidas cada día parecen incrementarse debido a esta

¿Cómo nace Indignación? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? B: Indignación nace de una idea por medio de una conversación de compañeros con quienes compartimos espacios referentes a la defensa de los animales y la Madre Tierra, ecologismo, actividades, y más cosas relacionadas, allá por el 2008. Luego de ponernos las pilas (muchos de nosotros, adaptándonos, aprendiendo a tocar y cantar), recién se consolidan los primeros ensayos el 2009, influenciados principalmente por la fuerte movida del Hardcore Metal Vegan Straight Edge a nivel mundial de bandas como Cherem, Gather, Purified in Blood, Nueva Ética, Heaven Shall Burn, Maroon, Cenizas, Garden of Stained Graves, y otras más conocidas como Napalm Death, Carcass, o Agathocles entre otras. Nos sirvieron de base para empezar a tocar covers de éstas, y posteriormente empezar a componer. Nuestra primera pisada de escenario como Indignación fue en el Battle Rock 2009 (organizado por los dueños del Taypi), donde no salimos finalistas, pero recibimos un reconocimiento por la temática de nuestras líricas. Ese mismo año Indignación pudimos grabar el primer material de la banda que es un Demo, el cual lo distribuimos independientemente por todo lado en formato fotocopia y CD.

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Participamos de varios Festivales, jornadas callejeras, tocadas Under, etc., como también de Fanzines, revistas y entrevistas en radio y televisión, y compilados nacionales como internacionales. El 2014 Indignación vuelve a la carga luego de un receso (forzoso) con nueva alineación, y recibe la invitación para participar de un compilado de bandas de Metal boliviano de la mano de Demencial Records, grabando de esta manera el single Agónica Naturaleza. Un año más tarde Indignación tomamos la decisión de grabar todas nuestras composiciones en Demencial Rec. Éste sería nuestro primer disco denominado Agónica Naturaleza, con 10 canciones que expresan muy bien nuestro trabajo tras los años. El disco luego tendría una reedición japonesa de la mano de Hiroshi de Comunication and Disorder Distro. En la etapa del 2015 al 2019 participamos en varios Festivales como el Illimani Metal 2016 (donde llegamos a la final), el Femmetal 2018 y 2019, Death Comes Brutal, y otras tocadas tanto locales como en otros departamentos. Luego de haber trabajado estos años en las composiciones, es ahí que a partir del 2019 y parte del 2020, con la ayuda incondicional de Ricardo Larrazabal (Puntos), Indignación empezamos el proceso de grabación, el cual finalizó en su totalidad en marzo del 2020, pero, debido a la pandemia, la presentación se vio obstaculizada, aprovechando este tiempo para lanzar promocionales de “Amuyta Lakharu”, como videos líricos y participar de muchos Live Streamings, tanto locales como internacionales (como el Heresy Fest, el Resistiendo Fest, Black and Death Metal Fest). Finalmente Amuyta Lakharu sale a luz a inicios del 2021, recibido muy bien por todos. A: Bicho lo dijo todo. Quizá aportar que desde un inicio definimos el propósito de Indignación como arma de difusión, contra información, y lucha. Así también desde el comienzo todos los integrantes veníamos de escuelas distintas (Punk, Thrash, Metal, Death Metal, Hardcore), es por eso que la variedad de influencias miraban más hacia la Escena Metal local musicalmente, y no dejamos de lado a la Escena Punk

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por nuestra ideología. Si bien en un inicio nuestro sonido era algo mutante verde vibrante más tirado hacia el Hardcore Punk con guturales, fue definiéndose poco a poco hacia el Death Metal. Este género de alguna manera expone en carne viva todas las deformaciones humanas, crisis sociales, demencia, degradación humana, The doomsday o el fin de la Tierra, extraterrestres (aliens). Este género fue moldeando cabalmente a nuestro mensaje, música extrema y directa. Respecto al gutural, pues es un sonido que

o grupos de su preferencia? B: Las influencias van desde el Death Metal Old School, Grindcore, Thrash, Black, hasta estilos más actuales como el Deathcore, Slam, Hardcore, Aliencore, Technical Death Metal, entre otros. Es así que la banda prefiere definirse simplemente como Death Metal. Personalmente no acabaría nunca de mencionar a las bandas que me influenciaron en la composición para Indignación, pero solo por mencionar algunas: Esp3cimen, Earth Crisis, Gojira, Animals As Leaders, Cattle Decapitation, Napalm Death, Disrupt, Archspire, Suffocation, Garden of Stained Graves, Cenizas, Heaven Shall Burn, Carnifex, Vulvodynia, Born of Osiris, Arch Enemy, Agathocles, Aborted, Gorilla Biscuits, Nueva Ética, y muchísimas más. A: Para con la banda, pues mi principal influencia fue Cattle Decapitation, Desobediencia Civil, Espécimen, Subvertor, Arch Enemy, Death, Animals Killing People, Cannibal Corpse, Napalm Death, Crass, Kreator, Obituary, Incantation, Immolation, Rings of Saturn, Walls of Jericho, Cerebral Bore, Nausea, Doom, Sepultura, Extreme Noise Terror, Goregast.

nos identifica porque viene desde adentro, con estridencia y profundidad en las palabras. Realmente un sonido de indignación, protesta, reclamo. ¿Quiénes integran en la actualidad Indignación y qué interpretan? Artemissa VxOx (Vocals / Message), Wilmer Tony Will (Classic Drums Death Metal), Eslin (Clandestine Bass) y Bicho del Exterminio (Green Guitar from Hell). ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en la banda? ¿Pueden mencionar algunas bandas

Indignación y sus integrantes tienen el corazón de metal. ¿Qué es ser un metalero de por vida? B: Convicción es una palabra poderosa que implica muchas cosas como el compromiso y seguir firme pase lo que pase, y agradezco que en mi camino el Metal haya formado parte de mí desde muy chico, y lo llevo (y llevaré) siempre presente en todas las cosas que hago. A: Para mí el Metal es un Movimiento cultural, político, musical. Decidir estar de este lado es algo que trasciende edades, familias, géneros y otros mundos. Es una Comunidad que rompe fronteras unid@s a través de este sonido poderoso. Es convicción propia permanecer en este Movimiento y aportar con lo que puedas. Como estilo de vida, pues creo que no hay un estereotipo de alguien que se considera metalero/a. Simplemente creo que es algo LaCarne Magazine

más que las bandas o los conciertos. ¿Cuál es la discografía de Indignación a la fecha? Demo Indignación (2009), Demo Indignación / edición especial (2010), DVD Indignación Archivos (2013), todos los mencionados fueron editados de manera Independiente. Single Agónica Naturaleza / Compilado Nacional, Demencial Records (2014). LP Agónica Naturaleza, Demencial Records (2015). Single Toxic Moiäo / en vivo Illimani Metal 2016. Single A los Guerreros del ALF, Ecos Studios (2019). Re edición en Tape de Agónica Naturaleza, Comunication and Disorder Distro / Japón (2019). LP Amuyta Lakarhu (2021). ¿Cómo les fue con el álbum Agónica Naturaleza? ¿Dónde lo grabaron? Me encantó su portada con el Illimani y el cóndor. ¿Quién realiza el cover art? ¿En qué formatos fue editado el material? ¿Cómo se dio la producción bajo el sello japonés? ¿Alguna anécdota del material debut? B: Agónica Naturaleza fue grabado en Demencial Records en el año 2015. El diseño del disco fue realizado de manera auto gestionada, bien a lo “hazlo tú mismo”. Por azares de la vida pude adquirir el conocimiento del Arte Gráfico, y trabajo con las ideas de Artemissa, que siempre desea contextualizar el lugar donde nos encontramos, y revalorizar símbolos que son tan poderosos como el Illimani, el Cóndor, los bosques nativos, andinos y pluvi estacionales, y otros. Como anécdota, hasta una “Esfera de Luz” una noche se nos apareció a nosotros dos de la nada. Todos estos elementos son muy valiosos para nosotros, es así que pudimos ensamblar lo que en realidad queríamos. También debemos agradecer a DxAxSx Arthur que nos ayudó desinteresadamente con la ilustración del “Demonio del Bosque” que sale en plena portada, (estamos muy agradecidos con él). Este material salió en formato DG Sleeve de dos cuerpos, producido inde-

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pendientemente por nosotros mismos. Y lo pudimos presentar en un Festival organizado por Subterranea Prod., en el reconocido evento “Musas de Metal”. Este material tuvo gran apoyo de parte de todos, adquirieron muchas personas dentro y fuera de Bolivia. Sacamos como 500 copias (las cuales aún tenemos algunas), y posteriormente el 2019 se realizó una reedición en formato Tape de la mano de Comunication and Disorder Distro de Japón. A: Agónica Naturaleza representa nuestra raíz, nuestro pensamiento y accionar de manera plena con la música que hacemos. Como todo primer trabajo tiene un lugar muy especial en nuestros corazones. Para poder desarrollarte como artista, necesitas tener algo plasmado. Quizá este primer LP pues significa cierto nivel alcanzado por toda la banda, la consolidación como artistas del medio, la tecnicidad y capacidad para dominar el escenario, el tejido de

los 7 años cumplidos de la banda, 7 integrantes quienes dejaron su aporte hasta ese momento. Alrededor del demonio “Espíritu del Bosque”, uniendo las esferas logras una estrella invertida que representa el Poder de la Naturaleza por encima del hombre, el equilibrio. Indignación tiene una linda mercadería (con parches, poleras, y gorras), además de discos en ediciones limitadas para coleccionistas. Con un público fiel y leal a su producción, ¿cómo anda el seguidor de su música y banda? ¿Qué tal les ha ido con la experiencia de potenciar el sello, sonido y la imagen de su música con estos productos? B: Indignación siempre creímos en la autogestión hasta el día de hoy. Es así, que para poder seguir sacando producciones, nos animamos a vender merch de la banda entre poleras, discos, DVD’s, material inédito, canguros y más, que nosotros mismos los distribuimos y enviamos.

redes y apoyo mutuo con otras bandas, productoras audiovisuales, Estudios de Grabación. Logramos grabar con mucho esfuerzo, y estamos orgullosos de decir que nuestro trabajo fue autogestionado desde un comienzo, siempre con el objetivo de que el mensaje llegue a todas partes. Este material fue regalado en todas nuestras presentaciones posteriormente, y se estrenó el video en una suerte de convivencia y charla en Calderas. Respecto a la portada del Agónica Naturaleza, Illimani el protector, la montaña de cristal que sólo existe en La Paz, el Kuntur – Cóndor, es un ser muy importante y representa la Supra Consciencia, mensajero de las montañas, que en el paisaje nocturno trae luz lunar a iluminar a los Espíritus. La noche y la Luna representa nuestras ideas, ensayos, el momento en el cual empezamos a crear, noches que no dormimos por ver salir esto. Tiene 7 esferas de luz que representan

Estamos muy felices porque recibimos el apoyo de la Comunidad Indignada que está en toda Bolivia y en otros países hermanos, y siempre están atentos a adquirir algo nuevo que sacamos anunciándose por medio de las redes sociales que manejamos. Gracias por el aguante. A: Dentro la Escena siempre has crecido viendo las poleras de bandas que te gustan. De alguna otra manera esto representa lo que escuchas, lo que te gusta, son cosas que identifican bien a tu banda. Alguna vez soñamos ver a alguien del público con un logo nuestro, y se hizo tangible por las gestiones de Bicho sobre todo. De alguna u otra manera también por el medio visual llevamos el mensaje que tenemos. Nos sentimos realmente muy sorprendidos y agradecidos cada vez que vemos a alguien con nuestras poleras, parches, o gorras, porque también comparten el mensaje con nosotros, y se integran de alguna manera con esta Comunidad que hemos creado. Hubo una gran evolución respecto al logo. En un comienzo no teníamos eso. Bicho es quien LaCarne Magazine

realizó todas las versiones, y aquí sí puedo contar una anécdota: siempre me gustó el Death Metal del Mundo por así decirlo. Revisando el Face, encontré el logo de mi banda en una página proveniente de Indonesia. Indagando más, se trataba de una banda de Death Metal conformado por niños de 14 a 16 años de allá que se habían copiado nuestro logo, nombre y plasmado en su merch (jajaja) No pensé haber llegado tan lejos, tratamos de contactar a la banda para arreglar el tema, y no tuvimos respuesta. Ahí sugerí cambiar el logo. No supe más de la banda. Al iniciar la investigación artístico-periodística para la entrevista, posteaban en sus redes sociales sobre la muerte por envenenamiento de 10 cóndores en Tarija. Luego vi en los periódicos que eran 35 aves asesinadas. ¿Cómo ven y viven actualmente la vida en el planeta desde su trinchera musical? B: Como banda comprometida con la Madre Tierra y la defensa animal, no podemos quedar indiferentes ante lo que sucede en nuestro entorno. Desde los inicios manejamos el discurso de ser coherentes con lo que pregona-

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mos, tanto el tema de cóndores, como el tráfico de vida silvestre, como los incendios en los bosques chiquitanos. La expansión de la frontera agrícola para ganadería y exportación de carne a China y otros, la invasión de territorios y áreas protegidas por el extractivismo y muchos otros, son los síntomas de una crisis climática y ambiental inminente, impulsado fuertemente por la agroindustria. Sabemos que hay mucho por hacer, y desde nuestra trinchera musical tratamos de aportar a nuestra manera en estas causas justas. A: No vivimos, sobrevivimos en este enfermo planeta. El especismo es algo tan presente todos los días en las calles, en el país, que no hay cómo no ver lo que está pasando. Nos indigna este tipo de atropellos a la vida silvestre, y ahora lo poco que podemos hacer es sumarnos a las campañas que hay, con tal de mostrar que también estamos en Emergencia Climática, en Emergencia Animal. No hay día que pasa en el que no dejemos de pensar en esto. Personalmente, a diario en

entre todos. Como la mayoría de las bandas que quieren sacar material, llega un momento donde te preguntas ¿ahora dónde grabamos? Es por eso que empezamos a buscar Estudios, recomendaciones, cotizaciones, etc. Y fue hasta que nos contactamos con Puntos, que es amigo nuestro, y él de mucho gusto -y sin pensarlo- nos dijo que nos podría ayudar en la realización de todo el trabajo, porque además le gusta la banda. Fueron aproximadamente 10 meses, acomodando nuestro tiempo a nuestras otras ocupaciones. Más bien Puntos, muy paciente, nos ayudó bastante en sus críticas constructivas, consejos para que salga brutal. Fue muy grato trabajar con él, nos ayudó mucho, y el disco también tiene su energía.

mis grupos de rescate llegan más de 50 casos al día, adopciones, maltratos, injusticia, bosques urbanos en loteamiento, biocidio, ecocidio… La problemática ambiental está bien invisibilizada, no se la considera prioritaria. La vida en el planeta constantemente amenazada, desde lo musical tratamos de reflejar estas problemáticas, pero también somos activistas y pertenecemos a varios colectivos, iniciativas, campañas y demás. Ante esta urgencia tratamos de hacer todo lo que se pueda, ya sea en la práctica o teoría. Hay que hacer algo ya. Para muchos músicos, los discos son como sus wawas, uno diferente al otro (en fecha de edición y sonido son únicos). Acaban de estrenar su nuevo álbum Amuyta Lakharu / La Tierra se Defiende, producido por Ricardo Larrazabal. ¿Algunas anécdotas de esta producción? ¿Cómo les fue en la producción en general? ¿Qué tal grabar con un ícono y leyenda del Metal boliviano como el maestro Puntos? B: Bueno, la wawa ya lo veníamos trabajando desde el 2017, armando y desarmando composiciones, puliendo en ensayos y aportando

La anécdota es que el disco tenía que salir en marzo del 2020, pero justo empezó la pandemia, y el último día donde nos reunimos todos para acabar con los pequeños detalles, y ch’allar la conclusión, decretan Cuarentena Rígida. Salimos del Estudio tipo 16:30, pensando que era joda lo que decían, pero al salir vimos las calles vacías, así que tuvimos que correr a nuestras casas porque iban a arrestar a quien esté afuera luego de las 18:00. Para nuestra suerte tuvimos que esperar un año para lanzar Amuyta Lakharu, pero en honor a la verdad la espera valió totalmente. Otra anécdota es que a raíz de esta espera y todos encerrados, nos animamos a sacar el primer vídeo promocional por medio de un video lírico del tema “Pandemia”, el cual tuvo un gran recibimiento, pero también vinieron críticas de algunas personas alegando que nos estábamos aprovechando de la situación actual. Si bien el contexto de la pandemia mundial era difícil, este tema lo habíamos compuesto el 2017, y tocado en el Death Comes Brutal del mismo año por primera vez. Lo sabíamos y no fue coincidencia, ya que este tipo de sucesos se veían venir debido a las consecuencias de la crisis ambiental existente (que va rumbo a un colapso ecológico) y la explotación de animales, que si continúa de esta manera LaCarne Magazine

seremos testigos de nuevas pandemias mucho más letales. Está en nuestras manos reaccionar. A: Al igual que Agónica Naturaleza, esta wawa se ha hecho esperar años, ahorros, laburo, familia y demás cuestiones que no nos permiten sacar material constantemente. Las primeras compos ya estaban desde 2016, hasta 2018 ya sabíamos qué temas irían en el disco, luego vino lo de la portada gracias a Dani Ganchxs, a quien le explicamos lo que queríamos, arriba la Vía Láctea y otros Universos, abajo el Illimani (enojado erupcionando), el Jukumari y el Jaguar tomando venganza con un humano, y el Árbol que también está vivo, y rompe el asfalto para crecer imponente. Buscamos Estudios hasta llegar a Puntos. Este disco se ha grabado en medio de una época de incendios, y crisis política del país. Escuchábamos los petardos desde la ventana del Puntos, él nos trató muy bien. Siempre escuchamos sus sugerencias, fue paciente y escogimos juntos las mejores tomas para la mezcla. También nos entendimos full bien, el lío era que no pudimos estrenar el disco como se debe. Ésa era nuestra preocupación, hasta mientras buscamos imprentas y cabalmente nuestros cumpas habían gestado Complot Diseño Impreso, ellos de igual manera con mucha confianza nos mostraron todas las posibilidades para la producción, con Juanca Usnayo, que ya mucho antes me había planteado colaborarnos con el próximo trabajo. Estuvimos en contacto coordinando el concepto y los elementos del disco. Salió mucho mejor de lo esperado. Dentro de las nuevas canciones del álbum de Indignación se encuentra el single -que salió el 2020 como video- intitulado “Human Bones for Dogs”, con Denis Sánchez (Visceral Vomit). ¿Cómo les ha ido con la realización y filmación? ¿Qué anécdotas nos pueden rememorar? B: Human Bones for Dogs tiene un gran significado, tanto personal como banda. El tema está dedicado en su totalidad a los perros, se-

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res que en su mayoría son violentados, abandonados, maltratados todos los días. Varios de nosotros empezamos sintiendo empatía por estos seres (en paralelo a las actividades de la banda), realizando labores de rescate, adopción, alimentación, etc. También fuimos voluntarios en algunas organizaciones de defensa y protección animal, participando entre otras cosas de marchas, ferias, protestas y otros. El vídeo es claro, por un lado realiza la denuncia de todos estos “atropellos” contra ellos, además de denunciar “festivales” como el de Yulin, donde se torturan miles de perros para luego ser comidos, hasta llegar a la reflexión y el pedido de respeto con líricas y sonido brutal. Para la efectivización de este vídeo realizamos previamente una convocatoria por nuestras redes sociales hacia los metalheads y en sí a toda la población, quienes tenían que enviarnos un video corto con su perrito o gatito a la par de un mensaje escrito. Felizmente muchos se animaron a participar (y puede evidenciarse en el video).

Por último, estamos agradecidos con Denis Sánchez, de la banda hermana Visceral Vomit, quien no dudó en formar parte de Human Bones for Dogs, haciendo un Feat. Brutal, empleando los guturales profundos desgarradores, y los pig squeals en conjunción con los slams. Fue una experiencia brutal, y, a manera de anécdota, este tema salió en el primer puesto del Ranking Juntucha de octubre del 2020. A: Aportaría que en el vídeo salen nuestr@s bebés peludos rescatados que adoptamos nosotros también, las filmaciones han sido caseras, aparecen los fans, cumpas, amistades, también está nuestro compadre Harold, quien es veterinario y forma parte de Putryphemus, headbangers, y no duda en darnos una manita con los casos que tenemos a veces. Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa, desde la trinchera del arte uno tiene que adaptarse. Pude observarlos gracias a la nueva modalidad de conciertos en el Black Metal Fest 2020 transmitido en el canal YouTube para el 28 de octubre, y recientemente en

el Resistiendo Fest Online 2020, en la Noche de Museos Virtual, disfrutando de su poder en directo a través de la magia de las telecomunicaciones, hasta la presentación Stream del nuevo álbum. ¿Cómo se han sentido en estos nuevos tiempos de transformación? B: La pandemia nos da día a día muchas enseñanzas tanto colectivas como individuales. En definitiva la humanidad no está preparada para cambiar tan repentinamente el ritmo de rutina diaria. La primera ola del COVID, la cuarentena y el encierro mundial, donde muchos animales salieron y visitaron ciudades, el aire se hizo más puro, y ahora quienes estábamos encerrados éramos nosotros. Personalmente pienso que hemos llegado al punto de no retorno y todo es incierto ahora, sin embargo tenemos la capacidad de adaptarnos a la “nueva normalidad”, porque lastimosamente ya nada volverá a ser como era antes, es por esto que empezaron los Lives Streamings, que si bien no es igual a un concierto en vivo con público, tiene sus propias características valorables y divertidas. Los Lives Streamings, de los cuales Indigna-

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ción participamos, nos abrieron muchas puertas (especialmente afuera) porque nos vieron muchas personas, productoras, medios de prensa, radio y otros. Como tú dices, la magia de las telecomunicaciones ahora nos ayuda bastante, y debemos aprovecharlas realizando una buena gestión de las mismas, porque el momento es ahora. A: Ni modo, hay que adaptarse, lo más complicado quizá han sido los ensayos para poder ensamblar. Necesitamos estar, escucharnos y sentirnos para componer, con lo que no hay muchos espacios para el Metal, peor en pandemia. Todo el sector artístico está siendo afectado, los streams han llegado a integrarnos de manera virtual rompiendo fronteras de todo tipo. Estamos más pegados a las redes para no silenciarnos, estamos sonando aún. Pero detrás de un Festival o un concierto, aunque virtual, igual no más, es el laburo rajarse con las cámaras, el sonido, la banda ancha del internet (no es fácil)… Por eso, cada comentario (o que te manten-

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gas en la transmisión), y un like de alguna manera motiva, la única manera de saber que el público nos apoya por el momento. Indignación están 11 años ya en el Movimiento Metalero de Bolivia, representando al país mundialmente. ¿Cómo ven y viven la Cultura luego de la experiencia sembrada en el campo de juego? ¿Qué podrían resumir de su trayecto dentro de la escena Underground e Independiente? B: En estos 11 años muchas cosas cambiaron, otras pocas permanecieron, pero la pasión y la convicción no se extinguieron. Muchas experiencias vividas y todo lo trabajado en estos años, sí dio frutos. Desde que empezamos tocando en pequeños espacios, tanto en La Paz como en El Alto, aprendimos desde no saber tocar un instrumento ni cantar gutural, hasta evolucionar componiendo cosas más complejas. También notamos que somos reconocidos por el mensaje que da la banda en sus temas, y mucha gente se identifica. Nos pasa que en el camino nos topamos con personas que nos dicen que se hicieron más conscientes a partir

con la gente nueva (así era antes), después tienes estos encuentros musicales, charlas de bandas y música que oyes, expandiendo más tus conocimientos. Sobre todo al final, está el compartir, el encontrarnos, el ser parte de la Escena. Como banda, las tarimas que hemos pisado son diversas, al principio -jóvenes- empezamos con un concurso, tocamos siempre que nos invitaron, como cualquier banda no sabíamos muchas cosas. En eso, bandas contemporáneas nos ayudaron, ya sea musicalmente o sugiriendo nuestra propuesta, el contacto con el público fue positivo desde un primer momento.

de escuchar nuestras canciones, que se volvieron veganos, que hacen alguna determinada actividad en favor de los animales, la Madre Tierra y nos piden ayuda, difundiendo, etc. Esto nos llena de satisfacción, no por un tema de ego o autocomplacencia, pero sí porque en la escena Underground / Independiente en la que nos desenvolvemos llegamos de alguna manera, y se podría decir que es parte de nuestro aporte, hacia el Metal y a un mundo nuevo que muchos intentan construir desde diferentes trincheras. También llegamos a personas que nunca escucharon Metal, pero nos conocieron en otros espacios como la calle, en Festivales, escuchando nuestra música por algún medio, etc. Y le gustó lo que hacemos. Creemos que aun así no es suficiente. No nos conformamos y falta mucho por hacer, así que queremos seguir trabajando cada vez más duro, no limitándonos a nada y llegar lejos. A: Todo cambia de alguna manera. El Under, pues desde mis 14 años he asistido a conciertos, al principio siempre hay una radicalidad

En aquellos tiempos no había muchas chicas en la Escena, cosa que ahora ha crecido enormemente. Las tocadas siempre han tenido variedad de géneros (al menos en La Paz), la calidad de las bandas de este lado del país -de alguna manera- te hace mejorar, las salas de ensayo también se han expandido (lo que es crucial para la formación de una banda), en el Under -como siempre- a veces los espacios se cierran, los que se mantienen han tenido que pasar por muchas cosas. He leído en sus redes sociales que Indignación se presenta como una “banda de Death Metal con líricas y música oscura, agonizante, indignante, catastrófica, y consciente para hacer frente a un planeta q muere….” Dentro de sus manifiestos están la “Liberación Animal”, “Liberación de la Tierra”, “Go Vegan”. ¿Es su música una “terapia” para sanar desde el Metal las heridas de un sistema asesino y corrompido? ¿Cuál es su compromiso fundamental a la hora de tocar y hacer música? B: Desde los inicios, Indignación, además de tocar Metal fuerte, también nació con estas convicciones: la liberación animal, la liberación de la Tierra, el veganismo, el ecologismo, como otras convicciones de lucha que siempre estuvieron presentes. Que llegue a ser una terapia no lo sé, aun así nunca dudamos en decir las cosas como son, hay personas que están de acuerdo, otras no; sin embargo, creemos que el Metal con conteLaCarne Magazine

nido – rebelde con causa- por así decirlo, debería expandirse mucho más. Personalmente una banda con temáticas sin contenido lírico real o actitud, no me atrae mucho. Siempre debe haber algo de inconformidad, porque el mundo en el que vivimos no es una taza de té, sino todo lo contrario. Es por eso que se trata de llegar con lo que hacemos a una reflexión profunda, y empezar a tomar una postura. Luchar por algo, tomar la bandera y accionar por una causa justa es lo más bello que hay. A: Transmitir el mensaje e indignarse. El video Pandemia (estrenado el 2020) anunciaba el desastre causado por estas armas biológicas creadas en laboratorios, que utilizan los controladores para enfermar a la humanidad. Una verdadera ciencia la temática y los textos de la canción, me dejó bien educado el vídeo lírico. ¿Cómo nace la obra musical? ¿Qué nos pueden comentar de su realización? B: Pandemia fue compuesta en el 2017. El tema debía llamarse “Microorganismos”, pero luego fue “mutando” como los virus hasta denominarse Pandemia. Manejamos el lema de “explotar animales causa pandemias”, no sabemos a cabalidad el origen del COVID-19, pero es más que seguro que se originó en el Mercado Húmedo de Wuhan, donde se explota y asesina animales. Toda acción tiene su consecuencia, y no es culpa de los animales -ojo-, sino simplemente eso, la consecuencia de no respetar al Pangolín, al murciélago y otros animales. La mayoría de las pandemias por las cuales atravesó la humanidad tienen el origen en los animales que se los asesina y usa. El mundo de la microbiología es impresionante, y todos estos tópicos nos inspiraron para componer este tema. Musicalmente, Pandemia engloba en su mayoría partes lentas-pesadas con altos y rápidos (Blast Beats) sorpresivos, hasta combinar en la parte de la mitad con un Bossa Nova seguido de un solo de guitarra bien técnico, y acabando con breakdowns y guturales que

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van desde una especie de imitación de alguien enfermo muriendo, growls, y pig squeals. El video lírico fue realizado por The Forest Spirit Design (que es mi proyecto audiovisual), tomando imágenes de acuerdo a la temática del vídeo en el que podemos apreciar por ejemplo células, virus, bacterias, escenas del Mercado de Wuhan, escenas contra la experimentación en animales y la infección de un determinado virus. A: Sabíamos que la Industria Farmacéutica es la que más ha experimentado con animales, y vive de la enfermedad de las personas. Esto ha causado distintos riesgos biológicos. Por otra parte, el desequilibrio ecológico altera toda la vida, y los más invisibles son los

microorganismos -que aunque no los vemos-, son letales. Ésa era la idea con la que nació el tema Pandemia, el cuestionarse qué organismos son patógenos (dañinos) realmente. Son los humanos quienes desatan armas biológicas, crean bacterias y enfermedades en laboratorio, o los microorganismos que existen en condiciones naturales y son alterados para beneficio de algunos. Los seres más diminutos han cambiado la historia con las pandemias. En Bolivia, ¿qué es ser Metalero por convicción y como estilo de vida? ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuáles son sus actividades paralelas a la música? B: Bueno, soy Ingeniero Ambiental y Técni-

co Superior en Ecología, también me dedico a la Producción Audiovisual y Arte Gráfico. Soy parte de otros proyectos artísticos: En Guardia (banda de Hardcore), Kontaminacion Akustika (banda de Punk y Trova por la liberación animal). Soy parte de Chaski Rock (medio radial), también estoy inmerso en el mundo de la defensa de los animales, el veganismo, y tengo varios proyectos alternativos en torno a este tema como otras actividades. Sé que es difícil sobrellevar esta “pasión”, más aún si todo viene de tu propio bolsillo, porque el apoyo de parte de las autoridades es muy poco en este campo artístico – cultural; sin embargo, tras estos años aplicando la autogestión y haciendo todo nosotros mismos, es más que suficiente para seguir en este caLaCarne Magazine

mino, abriéndonos cada vez más puertas y aprovechando las oportunidades que se nos presentan al máximo sin depender de nadie. A: Soy Ingeniera de Alimentos y estudio Ingeniería Ambiental. Por el momento ha sido difícil conseguir un buen laburo, al menos en estos tiempos en mi área. Mis actividades paralelas serían la Sociedad Científica de mi carrera, mi voluntariado en UMSA Recicla, mi emprendimiento de accesorios, artesanía y comida Veg. Ayudar en casa con lo que se pueda, promover la adopción mediante mi página, atender algunos casos de abandono, maltrato, participar de grupos de estudio, leer algún texto, organizar algunos eventos, ayudar en un Centro Cultural. Ver películas, documentales, series con mi mamá y hermanito, viajar cada vez que se pueda, atender el programa de radio que dirijo – Chaski Rock- con todas sus actividades con esto último. No es difícil sobrellevar esta pasión. De hecho, la complementa muy bien. El mundo y su matrix de un modelo “capitalista y consumista” -en el que hemos vivido- ha cambiado para siempre desde la llegada de las cuarentenas. Muchas personas mantienen sus sueños pese a todo. ¿Cuál es su postura y actitud desde la música y el arte? B: Como tú lo dijiste, lastimosamente todo se mueve por un sistema lucrativo. En el sistema capitalista, el pez grande se come al chico (aunque suene especista), y cuesta mucho surgir o tener un emprendimiento sin que posteriormente llegue una copia y te dejen quebrado, porque es así como nos educan para la competición. Hay que ser muy valiente para seguir pese a todos los obstáculos que puedes llegar a encontrar en el camino. Es por eso que a raíz de esto, y con las experiencias tras los años como banda, apostamos por la cooperación, el apoyo mutuo, y la creación de redes solidarias de todos y para todos. Bajo el slogan de “el Metal es para compartir y no para competir”. Intentamos difundir esta idea, apoyándonos entre todos, apoyar a quienes están muy atrás

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de la carrera, y que todos lleguemos a la meta a la vez. Suena bonito, pero para esto hay que trabajar mucho, empezando por romper con la idea de competencia, y así todos lograremos alcanzar nuestros sueños, porque bien sabemos que “la unión hace la fuerza”. A: El sistema actual está en crisis -esto ya se venía vivir-. Por otro lado, la polaridad en nuestro contexto incrementa la intolerancia y la ignorancia respecto a diversos temas. Desde la música y el arte se tiene postura radical frente a este modelo.

oración en idioma nativo aymará, y que tiene varios significados como “Escucha a la Madre Tierra”, “Escucha el Despertar de la Tierra” o “La tierra se Defiende”. Creo que abarca bastante este último, ya que relaciona el sentir total de la banda (ya que nosotros también somos parte de la Madre Tierra), y debemos ser parte de esta rebelión. A: “Resurgir con la Fuerza del Jaguar”. ¿Alguna cábala o ritual de Indignación antes de entrar a escena? B: La mayoría de nuestros temas se caracterizan por incluir intros (ya sea de películas, series, documentales, mensajes claros, fuertes, duros, reflexivos, de sátira y más). Es por eso que la mayoría de las veces antes de presentarnos ponemos algunos de fondo, si es posible con luces tenues, a manera de dar más dinamismo a la presentación (y a la finalización del intro entrar con fuerza). De esta manera queremos que el público se vaya con una idea de la banda. Hay más cosas que tenemos en mente, pero las aplicaremos posteriormente. A: Un sacrificio humano – jajaja – no mentira. Colgamos nuestros trapos de la banda, el logo pintado por Fabio Podrido, y la bandera negra de puño y pata (emblema de la lucha por la liberación animal), también nos ch’allamos con algún traguito que esté cerca.

En algún punto las pirámides sociales llegaran a ser horizontales, es posible hacerlo -se tienen varias experiencias-, el arte es algo revolucionario (un arma de lucha contra este sistema), expone, informa y entretiene, lo cual sirve de mucho a la hora de cuestionarte, ¿qué es lo que está pasando alrededor? ¿Qué se puede hacer? ¿Cuál es su frase o lema que les anima para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida? B: Como banda sería el que le da título al segundo disco “Amuyta Lakharu”, que es una

Acabo de ver que Indignación se presentará en el Festival Rock / Metal Global. ¿Cómo se dio la invitación a participar? ¿Quiénes estarán compartiendo el Festival junto a Indignación? B: Así es. Felizmente nos contactan por medio de nuestras redes sociales organizadores, productoras, o personas de algún medio que están realizando estas actividades, las cuales aumentaron a raíz de la pandemia. Es así que nos contactaron miembros de la organización que residen en México. Este Festival se efectivizará en abril (debido a complicaciones por el COVID), pero será un hecho. La grilla de bandas poco a poco se da a conocer, pero mientras tanto podemos mencionar a Carkamia (México), Daimon (Argentina), Serpiente Jaguar (México), Los EsLaCarne Magazine

toques (Chile), y más. Este Festival además tiene la característica de ayudar a un albergue de rescate de animales por medio de donaciones. Así que atentos en abril 2021. Con el “Estado Profundo”, quienes últimamente han sacado (durante la “plandemia”) sus garras al acecho de la libertad (en todo sentido), quitándose las máscaras casi como en tiempos de las dictaduras. De aquí en adelante, ¿cuál es el compromiso de Indignación para con la vida, la humanidad y su existencia en la Madre Tierra desde lo que mejor saben hacer, que es la música y el canto? B: Bueno, nuestro compromiso es continuar con esta historia, dando cada vez pasos más grandes (pese a las limitantes), trabajando, produciendo, realizando colaboraciones, creando más contactos, alianzas, y apoyo. Pero, sobre todo, seguir con la misma actitud y mensaje de Indignación (desde que nació la banda). Tenemos bien firmes las convicciones, el Metal es nuestra mejor arma, esta historia no muere, y seguiremos aportando a nuestra manera hasta el fin. Vamos para adelante. A: Mi compromiso es con la defensa animal y de la Tierra. Mi sueño es la “Libertad”. Todo lo que hago está relacionado de alguna manera, mi voz me ayuda a seguir denunciando las injusticias y expresarme, a generar ideas y opiniones, la composición de líricas que hagan pensar y analizar los temas, que dé fuerza también al pedido de muchos animales por sus derechos. Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento musical? B: Hoy en día, pese a toda “la música mediática” sin sentido, es complicado adquirir una identidad, pero si tú, que estás leyendo esto, tienes cierta simpatía por el Rock y Metal, únete, infórmate, edúcate por ti mismo. Crea tu propio pensamiento, a raíz de lo vivido y leído. El Metal te acompaña en todas las etapas de tu vida, y te da fuerzas para conservar la actitud pese a las circunstancias que podemos pasar. Así que sin miedo, sé auténtico y nunca te canses de luchar.

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A: Que todo empieza desde cero, y hay mucho por aprender todos los días, que aunque no tengas los recursos, tienes las ganas y el espíritu de hacer música, y es por esto que de alguna manera algún día las oportunidades serán viables. También debes ser muy paciente y saber comunicarte. En el idioma inglés he notado que existe la palabra “Subhuman” e “Inhuman” para referirse a seres que no son completamente “humanos”. En el castellano, un término exacto para hablar de “seres sin sentimientos ni almas” sería “Inhumano”, el sinónimo de un “desalmado” e “impío”. Dichos espectros son los encargados de generar muerte y desgracia hacia los demás seres vivos del planeta. ¿Qué opinan del ser “inhumano” que ha colmado la población mundial, y que ahora abunda desde China hasta Bolivia? B: Es un tema complejo, no quisiera entrar en la dicotomía entre “lo bueno y lo malo”, pero la negatividad que ahora se vive es consecuencia de la negatividad del pasado. Si bien el ser humano no nace dañino, aprende a serlo en el camino, y más en el sistema de lucro actual que nos educa en el egoísmo. A todos cuando somos niños nos enseñan el cariño hacia los animales y a la Tierra, nos compran mantas, frazadas con figuras de animales, nos cuentan cuentos de la fauna y flora, y crecemos con esa empatía. Sin embargo, con el pasar del tiempo, a raíz de los medios masivos y la falta de guía, empezamos a desviarnos, entrando en el antropocentrismo y especismo, creyendo que explotar animales o destruir a la Tierra es “normal”, y no sólo eso, sino acabar con nuestro entorno porque sí. Este tema lo ejemplifica bien el gran Steve Cutts en su corto animado Human, que recomiendo verlo. No nos dejemos, empecemos a ver la raíz del problema, y desenmascaremos a todos quienes la están destruyendo, bien dice el slogan “la Tierra no está muriendo, la están matando” por lucro, es momento de deconstruir esa idea -incluso religiosa- de que todo gira en torno al humano y que todo nos pertenece.

No somos los dueños de la Tierra, simplemente una especie más, y debemos aprender a vivir de una vez por todas junto a la Tierra (veremos las consecuencias que quizás en la actualidad ya las estamos empezando a pagar). Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro la Tierra, ¿qué proyectos se vienen para el 2021 para Indignación? B: El proyecto más próximo es el estreno del segundo vídeo oficial de Indignación titulado Destruye las Jaulas, tema desprendido de Amuyta Lakharu. Tiene una temática fuerte sobre la liberación animal. Grabado y producido por Contrario Informa Producciones (que también realizó el primer video Agónica Naturaleza), donde intervinieron María Rene Make Up y el Espacio Subterránea. Pronto ya seremos testigos del estreno. También tenemos varias invitaciones -de medios locales y de afuera- para presentar nuestro material y entrevistas, como también la participación de Live Streamings como el Unificando el Rock y Metal en mayo del 2021, Rockalderas 2021 y otros, como también del Fenixx Fest (evento internacional con más de 100 bandas de distintos países del mundo), al cual fuimos invitados y se efectuará en diciembre del 2021. Por último, Indignación estamos trabajando en el tercer disco que será una edición grind en su totalidad, abrazando y reivindicando el Mincecore, por ser un Grind de protesta, político, social, ecológico, etc. (estilo bautizado por la banda Agathocles). Estamos a mitad del desarrollo, y lo concretamos este año. Ya tenemos pensado incluso la forma de producción física del mismo (será algo inédito), así que a esperar este nuevo material. Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material y, cuando puede, apoya en los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Indignación. B: Antes que nada, muchísimas gracias a La-

Carne Magazine y a ti, Alfonseka. La verdad, disfruté mucho con la entrevista, las preguntas muy buenas y bien dinámicas. Agradecer a toda la Comunidad Indignada que está presente siempre, a todas las bandas hermanas dentro y fuera de Bolivia, a todos mis proyectos paralelos a Indignación, a todas las productoras, medios radiales de prensa (no digo nombres porque temo olvidarme de alguno). Invito a seguirnos por todas nuestras redes sociales, suscribirte, etc., ya que siempre estamos revisando y respondiendo los mensajes y todo lo que nos envían. Por último, simplemente decir que cuestionar y auto cuestionarse es algo muy valioso que debemos empezar a normalizar. Comencemos por ver nuestro entorno para tomar una postura, desliguémonos del egoísmo y practiquemos más la cooperación. Entendamos que tanto la Tierra y los animales (incluidos nosotros) no nos pertenecen, nadie es propiedad de nadie. Empecemos por nosotros mismos, y seamos parte activa día a día del cambio a profundidad que queremos ver. Rompamos con el conformismo y la monotonía, informémonos por nosotros mismos, eduquémonos y eduquemos a nuestra comunidad. Practiquemos el veganismo, el straight edge, involucrémonos con alguna causa justa y busquemos justicia, y, sobre todo, que el Metal, el Punk y el Hardcore nunca falte en sus vidas, a seguir con esta bella batalla con toda la actitud. A: Me sigue sorprendiendo cómo los oyentes disfrutan de nuestra música, en serio. Uno no sabe cómo la energía del público te llena y te completa como artista. Mi mensaje para ell@s seria que agradecemos totalmente el apoyo. Piensen, investiguen algo con lo que no estén conformes, trata de ser empático con los seres que te rodean, traten de informarse y adquirir muchos conocimientos para lograr lo que quieran hacer, sobre todo consideren que no son los únicos sobre la Tierra.

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Skunk DF

25 años sobre los escenarios Skunk DF 25 años sobre los escenarios

ola de nuevo! Este mes lo empezamos con una entrevista a Germán, vocalista de la consolidada banda madrileña SKUNK DF. Hemos podido charlar un poquito con él sobre los logros de la banda, y lo difícil que es el camino en el mundo de la música, sobre todo en nuestro país, España.

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Bueno, sin duda esta entrevista para mí es totalmente un reto porque sois una banda ya muy consolidada, con una gran trayectoria a las espaldas, y reconocidos internacionalmente. Eso impone respeto, así que lo primero de todo es daros las gracias por concederme la entrevista. Contadme, ¿en qué situación se encuentra ahora mismo Skunk DF como banda? Como todo el mundo de la música, a la espera

un principio teníais más un estilo NU METAL, y después os habéis orientado más al METAL ALTERNATIVO. ¿Por qué ese cambio? Bueno, yo llevo ya 25 años en la banda, entré con 22. Imagínate las vueltas que da la vida a todos los niveles. Evolucionar es lo natural y lo sano, ya no somos los mismos. De hecho, hemos cambiado muchas veces, cada disco es diferente. No habría grupo ahora si siguiéramos haciendo lo mismo que en el 99. ¿Qué os inspira en el momento de crear y componer vuestras canciones? Yo creo que las canciones siempre han surgido, no hay un momento para crear porque siempre estás con música en la cabeza. Siempre han salido de forma natural, sin un propósito claro, simplemente es lo que sale en ese momento. Respecto a las letras, pienso en lo que me gustaría escuchar a mí, qué cosas me transmiten. Con Perseidas, vuestro séptimo álbum de estudio, decidís prescindir de las compañías discográficas. ¿Cuál fue el motivo de esa decisión? La industria musical ya estaba muerta de hace tiempo, así que queríamos evitar intermediarios entre la banda y su gente.

de que pase esta situación. ¿Qué se siente al haber compartido escenario con grandes bandas del metal como Deftones, Guns n´ Roses, e incluso Metallica? Sientes que vas cumpliendo pequeños sueños de tu adolescencia. La verdad es que ahora da vértigo mirar atrás y ver todas las cosas que hemos vivido. Podemos estar orgullosos de nuestro camino. ¿Cómo ha evolucionado la música de Skunk DF a lo largo de los años? Es sabido que en

En más de veinte años de carrera habréis vivido muchas experiencias como banda. ¿Alguna anécdota que nos podáis contar? Hay muchas que no se pueden contar, pero las risas que nos hemos pasado en la furgoneta…, no se me olvidarán nunca. ¿Cómo veis el panorama musical actualmente? Nunca ha sido fácil, eso no ha cambiado. Es complicado hacerte un nombre y pelear por darte a conocer, siempre he dicho que es una carrera de fondo. Las nuevas tecnologías sí que te permiten llegar a sitios que no llegarías antes, pero seguimos estando en este país donde la cultura va en el vagón de cola. Ya ni te cuento en tiempos de pandemia…. LaCarne Magazine

Vuestro álbum más aclamado por los fans y el público en general es Esencia, que, si no me equivoco, lo habéis reeditado en 2019. ¿Qué significa para vosotros este álbum? Digamos que es el que más reconocimiento ha tenido a la larga. Sus temas son la columna vertebral de los conciertos, y creo que es un álbum muy inspirado. ¿Cuáles son las canciones que más os gusta tocar en concierto? Las que más canta la gente. Esa emoción en los conciertos me recuerda por qué me dedico a esto. ¿Qué música habéis estado escuchando últimamente? ¿Cuáles son vuestras influencias? Bastante variadas, hay que escuchar de todo si quieres hacer música. Y para terminar siempre realizo la misma pre-

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gunta: ¿Algún dato adicional que queráis añadir o enviar algún mensaje al mundo? Fuerza y paciencia, que hagan lo que les hace felices porque todo llega y todo pasa.

ar las gracias de nuevo a los amigos de Six Force Management por hacer posible esta entrevista.

A continuación os dejo los enlaces de SKUNK DF en redes sociales y plataformas digitales para que podáis estar al corriente de todas las novedades. ¡¡¡Hasta la próxima!!!

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MÁS INFO LaCarne Magazine

Pawila Dos Sangres Rap peruano con el legado de Los Andes

muy original (portaba con orgullo las abarcas y el idioma de sus antepasados).

n un pasado -un poco cercano y un poco lejano-, el continente Sudamericano contaba con dos regiones divididas, pero hermanas: el Alto Perú (actualmente Perú) y el Bajo Perú (actualmente Bolivia). Ambos territorios fueron separados por intereses del ahora bien conocido “Estado Profundo”. A uno de ellos le cambiaron de nombre para confundirnos con las banderas, monedas y fronteras, ya que en tiempos precolombinos fue la vasta región del Imperio Inca y su denominadoTawantinsuyu. Conocí a Pawila por medio de Blady Mc aka Marka Aru (R.I.P.), quien en alguna conversación me comentó haber compartido -en un viaje a la hermana República del Perú- con un rapero humilde y

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La amistad trascendió espiritualmente, y, gracias al buen uso de las redes sociales, ahora podemos conectar con el artista para una formidable entrevista en exclusiva para LaCarne Magazine.

Pawila Dos Sangres – Rap peruano con el legado de Los Andes Gracias por la amistad y el buen Rap, Pawila. ¿Cuál es su nombre y lugar de nacimiento? Yo nací en Lima, pero me crié en Puno desde los 2 años de edad, ya que mis padres son de Puno. Mi nombre es Oswaldo Arpasi Huaquisto. ¿Dónde reside actualmente Pawila? Actualmente vivo en Sao Paulo, Brasil.

y también escuchaba Reggaetón: Vico – C, Baby Rasta & Gringo, Waynarap, Pedro Mo, Alborosie, Radikal People, Rookie, Mexicano 777, Fortaleza, 8 Octavos, Zion & Lennox. Pawila Dos Sangres tiene el corazón de Rap, cantando en el lenguaje de los ancestros nuestros: el quechua, aymará y castellano (español). ¿Qué es ser un rapero de por vida, o como estilo de vida? Para mí ser un rapero es lo mejor que pudo acontecer en mi vida. Me abrió a conocer mucha gente y lugares. Me permite conocerme dentro y fuera de un escenario, cantando en los micro buses, plazas, manifestaciones, mercados, etc. Participé de algunos eventos grandes, y conocí artistas internacionales. Hacer fusiones con mis idiomas originarios me ayudó y me hizo diferente de algunos artistas. Ser rapero es algo que no me proporciona riquezas, mas me permite sentir que mis mensajes están siendo escuchados a través de mis rimas.

¿Cuál fue la inspiración para su nombre artístico, Pawila? Mi nombre artístico es Pawila. Ese nombre nació cuando estaba teniendo lectura de un libro llamado “Pawila” (un amigo trajo el libro) de una escritora aymará, y el significado era “Pa” (dos) y “Wila” (sangre), y yo me sentí identificado porque mis padres son de dos etnias diferentes. Mi madre es Quechua, y mi padre es Aymara. Yo quería hacer algo diferente rescatando nuestros orígenes, ya que en esos tiempos existía mucha discriminación con las personas que hablaban quechua, aymará o sus idiomas nativos. ¿Cómo nace Pawila a la música? ¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Pawila? ¿Puedes mencionarnos algunas bandas o grupos de tu preferencia? Me gustaba el Rap en castellano en general,

¿Cómo fueron los inicios en la escena de su ciudad natal? ¿Qué bandas o proyectos integraste? ¿Cómo naces a la vida hip hoppera? No sé cómo realmente fueron los inicios en mi ciudad. Yo soy de Puno capital. A lo que recuerdo, la escena Hip Hop ya tenía espacio con Breakdance, Freestyle, DJ’s, Graffiti. No directamente y específicamente como Hip Hop, pero sí una movida urbana. Te hablo cuando yo tenía 12 años (hace 19 años atrás). Yo ya veía a mi tío haciendo Beatbox, y escuchando a Big Boy & Doctor Alban (en cassette) en el equipo de sonido. Unos 6 años más atrás, cuando vivía en la casa de mi abuela, veía a mi otro tío bailando Breakdance. En mi ciudad existía una discoteca que se llamaba “Forum”. Esta discoteca hacía concursos de danzas, Freestyle, DJ’s. Era un Freestyle más como Reggaetón, las famosas “Tiraderas” que ahora se denominan “Batallas”. Ya en el año 2002 comencé a asistir a esa discoteca. Iba con mi vecino, él me prestaba la LaCarne Magazine

ropa que usaban (y era ropa ancha, una gorra, zapatillas), todo rapper -jajaja- Yo era chibolo. Eran mis primeras experiencias saliendo para la discoteca. Ahí comencé a cantar Reggaetón (Tito el Bambino, Zion & Lennox, Daddy Yankee, Guanábanas, Julio Voltio, Baby Rasta & Gringo, Ivy Queen, Triple Seven, Vico-C, Nicky Jam, Ataque Rasta, Shaguiman, 3Mc Bom, etc.) A lo que recuerdo, escuché más Rap y conocí más del Hip Hop allá en el 2003. Mi compañero de grupo conocía unas causas que escuchaban Rap (Raza Urbana). Se reunían los fines de semana, cada uno de ellos traía un CD (El Sindicato Argentino del hip Hop, Arianna Puello, La Mala Rodríguez, Cypress Hill, Tiro de Gracia, Tres Coronas, Control Machete, etc.). Después de eso, tenía claro que quería escuchar Rap y conocer más del Hip Hop, y junto a otros compañeros (Simón, Thalía, Zaga, MC Bryan, Púas, Yimmi, Maderas, y yo –El Chavo MC en ese tiempo-) formamos la agrupación Doble H Urbano. Grabamos algunas canciones, y después cada uno siguió por su lado. pawila ¿Cómo nace el proyecto musical Pawila Dos Sangres? ¿Qué rememoras de aquella etapa tan importante? Conocer la calle. Como Pawila fui recorriendo caminos y abriendo metas, ampliando en mí la riqueza musical, conociendo y aprendiendo nuevos géneros, tocando instrumentos. Y ahora voto fe en que podría hacer un CD bien variado, con fusiones de géneros latinos. Pawila me dio la llave para viajar por donde yo quiera, siempre haciendo lo que me gusta. ¿Cuál es su discografía a la fecha? “Autóctono Rap” (Doble H Urbano), “Mi Wayno” (Pa’wila), “La Bestia Nos Detesta” (Pistacos), “Reggae Artesanal” (Pa’wila) -próximamente-. Durante las cuarentenas y la llamada “pandemia”, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa. Desde la trinchera del arte, ¿cómo te adaptaste a los nuevos tiempos?

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El Rap, y la música en general, me dan para sustentarme económicamente. Y los escenarios son desde una tarima, fiestas, trenes, buses, mercados, plazas. Radico en Sao Paulo, Brasil, y aquí el metro no dejó de funcionar, y yo tenía que ir a trabajar igual. Había poca gente circulando (tenía que chambear al menos para sacar lo del día). Yo cantando con la máscara en la cara, a veces el público medio incomodo por causa del virus. Siempre salen las monedas, entonces no dejé de trabajar. Y actualmente soy partícipe vocalista del grupo musical Sensación Latina. Te iniciaste en el Movimiento Hip Hop del Perú, en tu ciudad natal. ¿Cómo ves y vives la Cultura luego de la experiencia sembrada en el campo de juego como Pawila Dos Sangres? Actualmente el Movimiento Hip Hop creció bastante a comparación de los inicios. Cuando hacíamos las movidas sólo nos escuchábamos entre nosotros, o el mismo organizador de siempre. Desde los inicios hasta ahora han pasado muchos activistas, y cada uno de nosotros hemos dejado la semilla.

Como Pawila, creo que hay gente que sabe de lo que aporté, y conoce de la música que hago. No sé si son muchos o pocos, pero sé que no voy a dejar de hacer lo que me gusta, por lo menos hasta donde la voz aguante -jajaja-. Pude observar en tu canal YouTube varias producciones que me recomendaste, de las que me llamó la atención en especial el videoclip del tema “No Quiero Guerras”. ¿Cómo se dio dicha producción? ¿Quiénes lo realizan y producen? ¿Qué anécdotas nos puede rememorar? El videoclip de ese tema fue producido por mi amigo Esau Mamani (cineasta puneño) – Legendario Films, y el audio lo produje yo bajo el sello de Quechumara Producciones. Conté con la participación de mis hermanos Dayiro y Brad. Fue una experiencia muy chévere, siempre quise que mis hermanos participen -para capturar la inocencia de ellos- y poder verlos siempre en ese videoclip. La locación del vídeo fue en la azotea de la casa de mis padres, y otras tomas en un cuarto.

Ha pasado a mejor vida el hermano Rapper One de Radikal People. Me enteré gracias al post que hiciste en el Facebook (16 enero 2021), un verdadero icono dentro del Rap peruano y latinoamericano. ¿Qué nos puedes contar de su trabajo realizado? Te diré que cuando buscaba información de Hip Hop peruano (allá por el 2004), encontraba producciones de Radikal People, y videoclips bien producidos, inclusive creo que ya estaban saliendo en algunos programas de televisión. Y algunas veces que yo viajaba a La Paz o El Alto (Bolivia), encontraba discos de Radikal People junto a Akwid, Kinto Sol y algunas agrupaciones más. Siempre iba a El Alto porque llevaba ropa americana, y le ayudaba a mi madre. Esa Feria 16 de Julio en El Alto parecía una feria rapera, sólo ropa buena. Radikal People es parte de la doctrina del Hip Hop peruano, y si te consideras rapero y no conoces a Rapper One (o no escuchaste Radikal People) entonces no digas que eres Hip Hop. Rapper One es un pilar del Hip Hop. LaCarne Magazine

Algunas veces organicé conciertos allá en mi ciudad natal (Puno) con las participaciones de Radikal People (Rapper One), Fire One. Siempre que él iba para Bolivia a hacer alguna presentación, pasaba por Puno y se contactaba conmigo para organizar algo. Esas veces que hablábamos, él demostraba mucha educación, y siempre hablando calmado. Nada alterado ni exigente, calidad de persona. Recuerdo que hablábamos sobre Reggae, y él consideraba que Matamba tenía la mejor voz de Reggae en toda América Latina. Algunas canciones que siempre van a quedar en mí son “Profesionales” (que fue uno de los temas más escuchados en la página de Rapealo.com), “Prefiero estar ciego” (uno de los primeros temas que escuché), “Bendeciré” (me gusta la melodía y el mensaje que da), y “Cuéntame” (esa canción la hizo junto a Shiva Shanti y Rapper One entra con un Raggamuffin muy serio). Aprovechemos la ocasión para rendirle un pequeño “Tributo” a Rapper One, que pasó por este mundo dejando un gran legado. Recientemente vi un graffiti con su rostro, y el verso del tema “Hoy he vuelto a la vida” como homenaje póstumo, una de mis canciones preferidas de Radikal People. Tú que has vivido desde el Perú la obra y el trabajo de Alonso Espino Lobatón, ¿qué nos podrías decir al respecto? ¿Cómo deja el Hip Hop peruano nuestro amigo Rapper One? Alonso, como Pastor de Iglesia y MC, tiene muchos seguidores, y le guardan mucho respeto por toda su trayectoria. Dejó el Hip Hop peruano bien en alto. Las producciones musicales que él hacía eran de alta calidad, era partícipe consecutivo de los eventos de Rap más grandes del Perú, y uno de los mejores productores Elijah Records. Muchas veces es tan ingrata la ilusión de la realidad, que si uno fallece recién se acordarán de llorarle. Ahora, con el COVID-19, hasta parece un pecado fallecer. ¿De muerto uno vale? ¿Qué nos pueden rememorar de Alonso como creador del artista Rapper One, y de la música de Radikal People? Rememorar la originalidad en su estilo de

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combinar el Ragga con el Rap, aparte de que él era productor y músico. Él hacía las instrumentales de sus temas, por eso que se denominaba el “Hombre Orquesta”. Nos encontrábamos en los conciertos que organizábamos en Puno (que fueron unas 3 o 4 veces). Hablábamos poco, porque él hacia el show y al día siguiente tenía que estar en Bolivia, o sea que sólo estaba de pasada. ¿Cómo se encuentra y vive en la actualidad el Movimiento Cultural de Hip Hop en Perú? Cada vez más a flote. Hay DJ’s, MC’s, graffers, B-boys en cada ciudad y en cada barrio, y digamos que ahora sí se puede vivir del Hip Hop. Sólo tienes que perseguir lo que quieres en el Movimiento, y puedes encontrar buenas oportunidades. Las nuevas tecnologías dan la facilidad para que el artista pueda lograr su obra a gusto, conforme sus deseos. Musicalmente hablando, ¿cómo se produce Pawila? ¿Dónde fue grabado su material discográfico hasta el momento? Hubo un tiempo que grababa en la casa de algunos amigos: MC Bryan, DJ Nelson (bien en el inicio). Después comencé a producirme solo. Con ayuda de mis padres y un trabajo que hice en Ecuador conseguí comprar mis equipos.

Y mismo así, algunas veces grabé con No Módico (Humo de Rimas), con mi amigo y hermano Cane Records, Jotak Rapsodia, Pedro Mo (Resistencia Rec.), Pirlo (Sindicato Records) (todos ellos en Lima) y Kutay (Onechaq Records) en Cusco. Fueron algunos Estudios con los cuales alguna vez produje, o me hicieron alguna mezcla. Mi material discográfico siempre fue un poco desordenado, por lo mismo que grababa en Estudios diferentes, o a veces grababa en casa y después mandaba el proyecto a algún amigo para que haga la edición. Tanto en Bolivia como en Chile, Argentina o México, muchos amigos artistas con los que he conversado sostienen actividades o labores paralelas al arte y cultura. ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión musical? ¿Cuál es su actividad paralela a la música, las letras y poemas? Me dedico sólo a la música, el público -diferente- que veo a diario son más de 2000 personas por día. De vagón en vagón vamos transmitiéndole energía, quitándoles sonrisas, regalándoles momentos, trayéndoles recuerdos, a unos quitándoles lágrimas, y algunas veces haciendo reflexionar –uff-, y así diversas emociones. Un mensaje para los nuevos y viejos miem-

bros de la Cultura alrededor del planeta entero, ¿cuáles son tus palabras de experiencia luego de los años recorridos? ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento? El Hip Hop es una Cultura que vives y nunca dejas, siempre va a quedar algo. Si tienen algún objetivo en este Movimiento, sigan adelante que las puertas están abriéndose más y más. Estas generaciones son competitivas, entonces tenemos que superarnos todos los días. ¿Quieres vivir de Hip Hop? Ahora es el tiempo, busquen enlaces, alimenten más su conocimiento y nunca desistan. ¿En qué proyecto musical se encuentra trabajando actualmente? Por ahora terminar algunos temas y un CD que tiene como nombre “Reggae Artesanal”. Ahora, aquí tengo la oportunidad de ser vocalista de una agrupación de música latina. Entonces ahí voy dándole a la Cumbia, Salsa, etc. A todo -jajaja-. Pawila, ¿cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc., para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida. “Nunca desistas, siempre tienes que ser consecutivo para lograr tus objetivos”, y un poema: “que el camino sea largo… la batalla continua” –weeaaahh-. Unas palabras de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, también para los nuevos admiradores y seguidores de Pawila Dos Sangres. Nos veremos pronto en algún lugar del mundo, y con seguridad estaremos tocando alguna música, o haciendo un Freestyle. Este año les tengo algunas novedades. Fuerte abrazo para todos. Atentamente, Papá Pawila. Gracias, amigos.

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Victor Fraile nos presenta Son de luna

que esperemos que podamos hacerlo de nuevo muy pronto.

ola de nuevo a todos! Como siempre, espero que todo os esté yendo bien, y que estéis preparados para disfrutar junto a mí de esta entrevista que he tenido el gusto de realizar a un gran artista que descubrí hace poco más de un año con ONIRICA DUAL, un maravilloso proyecto que tiene junto a Morti, que pudimos disfrutar en directo, y

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En definitiva, estoy hablando de… (Redoble de tambor) ¡VICTOR FRAILE! A quien también conocemos por formar parte de las bandas Whisky Caravan y REINE. Aunque en esta ocasión, le vamos a dedicar el espacio sólo para él, para conocerle mejor como artista y escuchar su nueva canción, “Son de Luna”, una canción muy especial.

¿Qué nos puedes contar sobre tu primer trabajo en solitario, “Son de Luna”? Es una canción que nació mientras dormía. Soñé que la luna venía a visitarme, y me decía que se sentía sola. Al despertarme compuse el tema en 5 minutos. Para mí es una canción muy importante, fue la que me hizo ser consciente de que necesitaba explorar otros estilos musicales. ¿Qué o quién te inspira a la hora de crear tu música? Hay varias musas. Normalmente soy más prolífico cuando mi estado de ánimo está en horas bajas. En esos momentos en lo que todo parece gris, es cuando todo brota, cuando surge esa necesidad. La melancolía o el desamor también lo son. Digamos que solo siento la necesidad de componer cuando algo duele. He descubierto tu música a través del proyecto Onírica Dual. ¿Cómo ha sido esa experiencia y cómo surgió la idea? Morti y yo somos amigos desde hace bastante tiempo. Habíamos hablado en varias ocasiones de hacer algo juntos, ya que tenemos un concepto de la música o de la belleza bastante similar, pero las agendas de nuestras respectivas bandas no lo hizo posible hasta hace un año y medio, que pudimos hacer una gira juntos. Fue una experiencia muy enriquecedora. Esperamos poder repetirla pronto. Aquí podemos disfrutar de “Náufrago”, junto a Carlos Escobedo de Sober.

¡Quédate con nosotros!

Victor Fraile nos presenta Son de luna ¿Quién es Víctor Fraile? Espero que esta entrevista responda esa pregunta, al menos un poco. ¿Cuánto tiempo hace que te dedicas a la música? De una manera más profesional, unos 14 o 15 años.

En tu canal de YouTube podemos ver diferentes versiones que has hecho de otros artistas. ¿Con cuál de todas te quedas? ¿Cuál es la que más disfrutas cantando? Esas versiones las hice durante los primeros meses de confinamiento. Fueron una válvula de escape para lidiar con lo que teníamos encima. Disfruté cada una de ellas, pero la versión de “Txoria txori” me gusta especialmente. Es una canción que me llega dentro. ¿Cuáles son los planes de futuro? Durante este año quiero ir lanzando singles para que la gente vea el camino que quiero seguir en este proyecto, y, si todo va bien, puLaCarne Magazine

blicaré el disco en diciembre.

mente alineados.

¿Cuáles son tus influencias musicales? ¿Qué música has estado escuchando últimamente? Mis influencias son tantas que no acabaría esta entrevista. Bebo de absolutamente todas las décadas y prácticamente de todos los estilos, siempre que sienta que están hechos con el corazón. Últimamente escucho mucho a Agnes Obel.

Y por último, ¿algo que quieras añadir o lanzar algún mensaje al mundo? Al mundo vamos a dejarle en paz, que ya tiene suficiente. Muchísimas gracias por la entrevista. De corazón.

¿Qué es lo que te gustaría hacer en tu carrera en un futuro? ¿Una idea o un sueño que tengas aún pendiente de realizar? Mi intención es seguir creciendo como músico, y tratar de hacer buenas canciones que capten lo que soy y cómo me siento, pero que también hagan sentir a los demás. Uno no puede pedir más. Mi sueño por realizar podría ser tocar en el Liceu de Barcelona. Es el escenario más bonito donde uno puede tocar. ¿Qué canción le pondrías a la situación actual? Cualquiera del OK Computer de Radiohead. Me parece que ese disco y esas letras están hoy más vigentes que nunca. Vivimos total-

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Muchas gracias a ti por todo, Víctor.

ómo veis, Víctor tiene un gran potencial y una gran voz. Me alegro mucho de haber podido conocerle mejor como artista, y, sin duda, estoy deseando escuchar un álbum completo de él en solitario. Desde aquí le deseo a Víctor todo lo mejor. Y, como siempre, si os ha gustado, a continuación os dejo los enlaces a sus redes sociales y plataformas digitales, ya sabéis que ahora más que nunca hay que apoyar a nuestros artistas favoritos.

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MÁS INFO LaCarne Magazine

Os Cabeloduro

el legado del Punk hecho en Brasil LEER MÁS

inicios hasta el presente, nos contactamos con Hélio Gazú (voz) de Os Cabeloduro, para conversar en exclusiva para LaCarne Magazine.

Os Cabeloduro, la experiencia y el legado del Punk hecho en el Gigante del Sur, Brasil

Contestatarios al Estado Profundo desde sus

Personal y musicalmente hablando, ¿cómo está actualmente Os Cabeloduro? Hola, amigos! En tiempos de pandemia casi no producimos musicalmente, ya que optamos por el aislamiento social hasta que pudiéramos reunirnos con más seguridad. Hicimos un «Live» después de seis meses sin vernos en 2020, y en la secuencia decidimos posponer el disco, que se grabaría para su futuro

mocionado por lograr entrevistas en tiempos de cuarentena, orgulloso de practicar la comunicación como tal, y más allá del velo, compartir estos momentos como eternos. La gracia divina de los participantes hace que sea aún de mayor relieve e importancia la presente entrevista, al tratarse de seres humanos entregados toda una vida a la música y su lucha, su protesta y rebeldía, su potencia y melodía encaminadas en la experiencia de más de tres décadas en la Escena dentro de Brasil.

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Observaciones: fuimos miembros de una banda Punk (Guará Total Punx), que se convirtió en una banda llamada Total Punx, que se originó en Cabeloduro, en 1989. ¿Quiénes integran en la actualidad Os Cabeloduro y qué interpretan? Nuestra formación actual es Hélio Gazú (voz), Daniel Quirino (batería), Ralph (guitarra), y Guilherme (bajo), que se unió a Os Cabeloduro en 2007. La banda mantiene su formación clásica de 1993, con dos miembros originales de 1989, y Ralph que se unió a la banda en los años 90. Guilherme siempre ha sido un Roadie en la banda, desde que tenía 16 años. ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado a Os Cabeloduro? ¿Pueden mencionar algunas bandas o grupos de su preferencia? Nuestra influencia musical es plural, y muchos de nosotros tuvimos la música popular brasileña, la música del gueto, que amplió nuestros oídos a otros estilos musicales. A principios de los 80, el Punk nos tocó fuerte, y el Rock se produjo en la ciudad.

lanzamiento en 2021. ¿Cómo nace Os Cabeloduro? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? Cabeloduro nació en 1989 en el barrio donde pasamos nuestra adolescencia, Guará, Brasilia / DF. Éramos miembros del Movimiento Punk en ese momento, y formar una banda fue una postura para expandir nuestras ideas de libertad de expresión y orígenes “Negro”. Más de 30 años con la misma actitud de lucha y enfrentamiento al nazi-fascismo. Y, a lo largo de este tiempo, hubo varios aprendizajes que nos guían hasta hoy. ¿Sobre el presente? Dejamos de ser sólo una banda de Punk Rock, y trasladamos buena parte de nuestro tiempo a proyectos Socioculturales en nuestra ciudad.

Hay varias influencias que van del Punk al Reggae, como Bad Brains, Suicidal Tendencies, Bob Marley, The Specials, Ratos de Porão y Cólera… El Rap también nos influye porque tenemos varios amigos y artistas que son socios, y están en la misma lucha diaria que nosotros. Para muchos músicos, los discos son como sus hijos, uno diferente al otro (en fecha de edición y sonido son únicos). ¿Cuál es su discografía a la fecha, y qué años se editaron los discos? ¿Algunas anécdotas de estas producciones? ¿Algún material marcó época en especial para la banda? Grabar un disco es como engendrar un hijo. La discografía de Os Cabeloduro: Demo-tape Os Cabeloduro (1993), Vozes da Raiva II – (Portugal) (1995), Um Xute na Oreia – (Portugal) (1996), CD – Com todo Amor e Carinho (1996), EP – Os Cabeloduro #1 (1998), CD – Tudo Que a Gente Tem (2003), CD – A gente só se Fode (2016), LP – A gente só se Fode (Portugal) (2018), LaCarne Magazine

Compacto 7″ – Sk8 or Die (2018) , Compacto 7″ – Split com Periferia S.A/ Os Cabeloduro (2018), Compacto 7″ – Demo-tape de 1993 (2019). Hubo varias participaciones en recopilaciones en Brasil y en el mundo, y vídeos de skateboarding y surf. Con la llegada de Internet y las redes sociales, también formamos parte de recopilaciones virtuales publicadas en las principales plataformas. Arriba contextualicé los principales trabajos que salieron en forma física (CD, LP, 7″, K7). Hoy formamos parte de Monstro Discos, uno de los principales Sellos de Rock Independiente de Brasil. ¿Alguna anécdota? Sí, durante la grabación del álbum Tudo que a Gente Tem en 2003, nuestro autobús fue asaltado en el camino de Brasilia a São Paulo. Uno de los peores momentos de Os Cabeloduro, pero cómico -como fue-… ¡Gracias a Dios que no robaron los instrumentos! Pero llegamos a nuestro destino sin dinero y agotados. El tema “Guerra Racial” (del #1 – EP 1998) es una canción que sigue siendo necesaria cantar. ¿Cómo les fue al ir musicalizando la historia del Brasil desde su música contestataria? Guerra Racial sigue siendo una canción actual porque vivimos en un país donde “el racismo” es estructural e institucionalizado por el Gobierno actual. Como somos una banda de origen “Negro”, en su momento el antiguo cantante pasó por una situación embarazosa de racismo. Con esta mala experiencia, decidimos combatir, ya sea en las letras o en el universo de cada uno de nosotros, los actos racistas, que antes eran velados, pero con el advenimiento de Internet hay personas que se manifiestan porque piensan que no serán criminalizados. ¡¡¡Basta de racismo!!! El tema donde el coro dice “Políticos Fascistas” perfectamente dedicado a los Bolsonaros (en Brasil) y a los Evos Morales (en Bolivia), y sus colegas en el mundo entero que forman parte del Estado Profundo, ¿qué rememora de aquella etapa musical?

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Los políticos fascistas retratan todo tipo de Gobierno autoritario… Bolsonaro es fruto de una Dictadura Militar que duró varios años en Brasil. Son lobos vestidos de ovejas que extrañan al régimen militar. En Brasil, el bloque de izquierda se solidariza con Evo y Maduro, y otros dirigentes de Latina América en la lucha contra el Imperialismo Norteamericano. Ambos países sufrieron golpes políticos que dejan profundas huellas, porque la prensa burguesa odia cualquier tipo de Gobierno Socialista, por lo que desinforman -porque son felpudos y parte del poder económico. En aquel momento queríamos retratar el abandono del Parlamento con nuestro pueblo, así que la canción retrata este tema de forma sencilla. “No Somos Pecadores” postearon en el Instagram recientemente. Os Cabeloduro y sus integrantes tienen el corazón Punk. Luego de más de 30 años en escenarios y actividad mu-

Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa. Los vi en su presentación de septiembre 2020 en Radio Federal -Projeto Solo Fértil-. Excelente performance! ¿Cómo se han adaptado a estos tiempos? Nuestro último espectáculo fue en febrero de 2020, en el Carnaval de Pyscho, en Cuririba, antes de la pandemia. Así que pasaron casi siete meses hasta que Os Cabeloduro nos reunimos en el Projeto Solo Fértil. Tiempos difíciles para todos nosotros… Nos estamos reinventando, al igual que toda la cadena productiva cultural. Como si estuviéramos de vacaciones forzadas, pero ocupando la cabeza para no volvernos locos. ¡¡¡Vamos a ir fuerte!!!

sical, ¿qué es ser un Hardcore Punk de por vida? ¿Somos pecadores? ¡Sí! Fue publicado en Instagram porque algunos políticos neopentecostales (Congressional Bible Caucus) insisten en criminalizar toda forma de cultura, sea popular o no. «El Rock es cosa del diablo», dijo un ex miembro del actual Gobierno…. Así que escribimos una canción llamada «Predicadores de la Palabra Punk«, que hace una crítica a los falsos profetas que han tomado Brasil por asalto. Han sido tres décadas de Punk Rock en los escenarios de Brasil, y a lo largo de este tiempo Os Cabeloduro hemos aprendido mucho sobre las acciones colaborativas y el colectivismo. Por eso, las acciones sociales forman parte de nuestra vida cotidiana, porque tenemos que predicar lo que cantamos… ¡Un hecho!

Acaban de postear en sus redes sociales el link de un nuevo compilado con 100 bandas de 17 países de “Colectanea América Latina”. ¿Cómo nace y se da el proyecto? En realidad, quienes editaron el recopilatorio fueron los amigos de Jacau, una banda de Hardcore muy activa en la escena Underground de Brasil. Sólo utilicé mis canales para divulgar porque soy parte de un grupo de Facebook con varias bandas de América Latina y EE.UU. ¡El resultado final fue muy bueno! 100 bandas de varios países y diferentes estilos, ¡Diversidad cultural! ¡¡¡Viva el Punk!!! Brasil, como Bolivia, son países racistas. Están en el Movimiento Punk de su país con más de 30 años de experiencias, escenarios, tocadas, etc. ¿Cómo ven y viven la Cultura luego de la experiencia sembrada en el campo de juego? ¿Qué podrían resumir de su amplio trayecto dentro de la escena Underground e Independiente? En el último censo, Brasil se declaró con un 51% de población negra. Sin embargo, “el racismo” sigue latente, aunque seamos un país mestizo, sin olvidar nuestros orígenes indígenas. En los últimos años hemos avanzado mucho con las agendas afirmativas en la lucha contra el racismo. Sin embargo, una minoría “blanca” que tiene el poder es racista y odia a las “minorías”. Y, LaCarne Magazine

como banda, utilizamos nuestras letras para comunicarnos con nuestro público, que se mueve entre el Underground y otros frentes musicales. Os Cabeloduro están preparando nuevo material discográfico. ¿Cómo anda el proceso de producción y creación? ¿Tiene título la nueva obra? ¿Cuándo sale a la luz pública? No… A causa de la pandemia Os Cabeloduro decidimos posponer la grabación del nuevo álbum. Tenemos varias canciones listas, pero se actualizarán con nuevos temas. Todo el proceso es colectivo en Estudio, pero algunas canciones se hacen en acústico, y luego se ajustan entre la banda. También este año, 2021, reeditaremos el LP de 1996, reeditado por Mostro Discos, para celebrar el 25 aniversario del CD «Com Todo Amor e Carinho«, nuestro álbum debut de los años 90. Sobre el nuevo disco, aún no hemos pensado en el título. Os Cabeloduro son un referente (como dicen en su página facebook -en ingles-): “Is One of the most legendary bands of Brazilian Punk, with 30 years of existence…” Un orgullo de Brasil, se han mantenido firmes a sus idea-

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les, y cantando en portugués para su pueblo y gente. ¿Qué canciones los identifican según ustedes y su público? ¿Cuáles son sus temas preferidos de tocar ahora y siempre? Así que… Nuestro lanzamiento es en inglés debido al LP editado en Portugal, y a la distribución en toda Europa. Una posición de Rastilho para ayudar a las ventas. El idioma portugués es muy complejo, pero al ser la lengua original, nuestra comunicación con el público es más fácil; sin embargo, somos el único país de Sudamérica en lengua portuguesa, pero la barrera del idioma se rompe en el diálogo musical. Algunos temas son tan actuales -incluso siendo escritos hace 30 años- que nos asustan… Como, por ejemplo: Foda-Se, una crítica a los políticos; A Barca, que habla de la violencia policial (entre otros), ¡pero estos dos están en boca del público! Son temas fáciles… Sin embargo, Pinga Com Limäo es quizás la canción más reproducida y querida por el público. ¡¡¡¡Merece la pena escucharla!!!! Los observé -gracias a la tecnología de hoy en día-, en “Furia MTV” (1996) en una entrevista televisiva. Ahora con el Instagram, YouTube, Facebook y otras redes sociales uno está más

cerca de sus artistas y bandas de preferencia. ¿Cómo vive Os Cabeloduro la actual era tecnológica del Siglo XXI? Somos de la Vieja Escuela, y como músicos tardamos en conectar con las nuevas tecnologías, porque siempre hemos vivido en la calle, en contacto directo con nuestro público. Con la llegada de Internet todo cambia, pero también aleja un poco al público de los espectáculos. El mundo virtual disminuye las fronteras, y nos hace más cercanos con los artistas que admiramos y en la distribución de nuestro trabajo. Todavía queda mucho por hacer en materia de democracia virtual, porque muchos no tienen acceso a los medios tecnológicos. Para adornar la charla con Os Cabeloduro, ¿qué conciertos o eventos han marcado su carrera musical? Hubo varios a lo largo de los 30 años. Y cuando empezamos a tocar en Festivales con grupos que escuchábamos de adolescentes, nuestra sensación fue la de un sueño hecho realidad. Ser telonero de Dead Kennedys en su primera gira en Brasil fue indescriptible. Luego vinieron otros… Shelter, Exploited, Varukers, GBH, Festivales con Agent Oran-

ge y T.S.O.L, además de bandas brasileñas como Ratos de Porão, Inocentes, Lobotomia, Kaos 64 y muchas más. Como músicos de Punk Rock, ¡estamos hechos! Desde el álbum Com Todo Amor e Carinho al A Gente Só Se Fode, ¿cómo ven la evolución musical de la banda? ¿Qué géneros musicales han experimentado? ¡La banda tiene un gusto ecléctico! Hoy escuchamos casi todo. Y varios artistas nos influyeron directa e indirectamente. Bad Brains quizás es la banda que más nos ha hecho Cabeloduro. Incluso grabamos algunos Dubs como experimento fuera del Punk. Si escuchas el álbum «96 y 98» hay mucho RAP, una mezcla de Hardcore con Hip Hop. Fue una evolución natural, sin presiones ni prisas. Otra gran experiencia fue la grabación de Tudo Que a Gente Tem en 2003, con Marcelo Vourakis en la voz, un gran músico con influencia Reggae. Este disco transita entre lo melódico y lo agresivo, pero con el viejo toque Punk de la banda. Causó cierta extrañeza con los fans más antiguos, y nos acercó al público más joven con una mentalidad más abierta. Al igual que la banda, que con el tiempo ha ido experimentando con elementos de Rap y otros estilos. Me imagino que han editado sus primeros materiales desde el cassette hasta el CD, como banda Independiente y auto-gestionada, en la actual época tecnológica con su ingreso a plataformas digitales. ¿Qué rememoran de la experiencia vivida? ¿Del análogo al digital? ¿Del material físico al virtual? Somos una banda del Siglo pasado, de la época analógica, pero hicimos una transición muy interesante en el proceso creativo. Tardamos en comunicarnos con nuestro público a través de Internet en lo que respecta a la información sobre nuestro trabajo. Hoy en día, quien distribuye nuestra música en las plataformas es nuestra compañía discográfica (CD 2016). ¡En YouTube varios perfiles que publicaron y publican nuestros discos! Vale la pena la divulgación, porque no ganamos nada y no vamos a prohibir a nadie que LaCarne Magazine

«piratee» nuestro trabajo. La banda es dueña de su historia, tenemos todos los derechos (fonográficos y de autor) desde lo analógico hasta lo digital, pasando por los streamings. Todavía hay material inédito que se publicará en las plataformas. En el momento oportuno Os Cabeloduro pondremos a disposición todo nuestro material. Una experiencia muy agradable ha sido la colaboración con Lombra Records, que editó nuestra maqueta de 1993 en un compacto de 7″ y otros dos compactos. Un sello artesanal y visionario que ha hecho un trabajo maravilloso. Uno pasa de ser joven metalero a papá metalero, si vale el término. En Brasil, ¿cómo pueden sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuáles son sus actividades paralelas a la música? Los viejos punks no mueren, eso decimos no-

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sotros. Esta pasión se forjó en las calles con el Movimiento Punk de los 80, y una amistad que dura hasta hoy. Somos amigos desde hace más de 30 años, desde que éramos niños. ¡Lo tomamos para toda la vida! Además de ser músicos, tenemos nuestras profesiones. Daniel es profesor de Educación Física, Ralph también Profesor y Productor Musical, Guilherme siempre trabajó en el Sector Privado, yo (Gazú) trabajo con Proyectos Socioeducativos y soy Activista de los Derechos Humanos, entre otras cosas. No es fácil sobrevivir en Brasil. Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero. ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirías a las personas que

mo, pero siempre pensando en el colectivo. ¡Punk de por vida! Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad, durante la Nueva Era dentro la Tierra, ¿qué proyectos se vienen para el 2021 para Os Cabeloduro? Nuestro proyecto actual es cuidar de nuestras familias, amigos y personas que admiramos. Estamos viviendo un momento de radicalización, negacionismo y nazifascismo en nuestro país. Tenemos que prepararnos para una batalla electoral en 2022. No podemos eximirnos. Nuestra lucha será contra un hombre carente de sentimientos, un genocidio, y en el momento oportuno saldremos a la calle para derrocar a esta basura llamada Bolsonaro. Y al formar parte de una banda de Punk, nuestra responsabilidad es aún mayor.

quieren incursionar en el Movimiento? Sé el protagonista de tu vida y no un extra en la vida de otro. La vida es como una película en producción, y tienes que ser el director de sus acciones, buenas o malas, porque todo el tiempo te ponen a prueba en diversas situaciones. El tiempo es corto y no hay más tiempo para quejas. ¡¡¡Sigue creyendo en tus sueños siempre!!! El Punk Rock no ha muerto, no está muerto. Nuestras palabras de inspiración para los más jóvenes. ¿Cuál es su frase o lema, ése que les anima para seguir en la batalla musical y del juego de la vida? “A Gente So Se Fode” (Sólo Nos Joden). En este juego de la vida se pierde más de lo que se gana. Así que nunca te desanimes, ni siquiera en situaciones adversas. Hazlo tú mis-

Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material, y, cuando pueda, se irá a los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Os Cabeloduro. En primer lugar, gracias por el espacio, estamos agradecidos. Les deseamos a todos mucha salud y paz. A los nuevos amigos de esta entrevista, accedan a nuestros canales (Insta, Face, YT), entonces todos seremos una gran familia de Punk Rock. Quien esté interesado en nuestro material, escuche nuestra música, contacte con nuestros sellos (Mostro Discos, Goiânia/Brasil) (Lombra Records, Brasília/Brasil) (Rastilho, Lisboa/ Portugal). ¡Pronto nuevo material! Y quién sabe si algún día tendremos el gran placer de tocar en este maravilloso país llamado Bolivia. ¡Somos América Latina, somos resistencia, somos Antifascista! Abrazos, Os Cabeloduro.

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Generador

Rock and Roll y diversión asegurados

uy buenas a todos/as! Una vez más os traigo una entrevista estupenda para divertirnos y olvidar, al menos por un rato, la situación amarga en la que llevamos ya un año. Espero que os quedéis para disfrutar conmigo de GENERADOR, un dúo muy gamberro y simpático con el que vamos a bailar y a cantar “a grito pelao”.

Generador, Rock and Roll y diversión asegurados 74 LaCarne Magazine

Hacednos una pequeña presentación. ¿Quiénes sois GENERADOR? Generador somos un dúo compuesto por Annie Baby (batería y voz) y J.Horror (guitarra y voz). Mezclamos sonidos Garage Punk, Rock and Roll, Surf y Psychobilly. Antes de Generador, Baby Horror ha sido siempre nuestro grupo, pero de momento lo tenemos durmiendo hasta que nos apetezca volver a activarlo. ¿Cómo es trabajar juntos y ser pareja al mismo tiempo? Supongo que os lo pasaréis en grande… Llevamos desde el año 1990 haciendo música juntos y compartiendo vida. Nos gusta y lo pasamos bien.

Foto por Rebeca Ulken

tro EP Sonrío Demasiado? Rock and Roll muy básico, sin florituras y muy rítmico. Es un disco para cantar “a grito pelao” y divertirse. ¿Estáis trabajando en música nueva? ¿Cuáles son los planes para GENERADOR? Sí. Para mayo-junio de este año 2021 se editará el ep Generador a go-go volumen 2, y si gusta, sacaremos el volumen 1 para finales de año. Ahora estamos componiendo para el volumen 1. Y nuestros planes ahora mismo son conseguir algún concierto a lo largo de la primavera verano para presentar el Generador a go-go, pero ya sabemos cómo está la situación… Además de GENERADOR, tenéis otros proyectos tanto en común como en separado, ¿verdad? ¿En qué habéis estado trabajando? Bueno, como comentaba al principio, con Baby Horror siempre pensamos en hacer algo, aunque nos es complicado porque tenemos horarios muy cruzados con Carlos Slap, nuestro contrabajista, pero eso algún día se volverá.

No lo hemos querido considerar nunca cómo un trabajo, aunque somos conscientes de que lo es por el tiempo que le dedicamos, pero con el grupo, en este caso Generador, no hacemos nada que no nos apetezca para que siga siendo algo especial. ¿Cuáles son vuestras influencias para componer? The Cramps, Gories, Sonics, Hasil Adkins, Subsonics, Desechables. El Garaje y Punk Rock de toda la vida. También nos gusta mucho el Country y Rockabilly. Con las letras nos dejamos llevar, aunque nuestra “neura antisocial” y la falta de ingresos suelen tener peso, además de los personajes freaks, siempre desde el sentido del humor. Contadnos, ¿qué podemos encontrar en vues-

Yo he ido editando discos en solitario como J.Horror a lo largo de estos años. El último, Mundo fantasmal, es del 2018. Se editó en cd, pero lo podéis escuchar en nuestro bandcamp junto a otro montón de cosas que hemos ido haciendo. Reverbduo fue otro dúo que hicimos Annie y yo, más pop. Editamos un ep con Rumble Records que se llamó Extraña maldición. ¡Bonitas canciones! Los Calambres fue un grupo de versiones que montamos junto a Julio Campos de Calamitiez. Grabamos una maqueta que en algún momento subiremos a bandcamp. Turbo Esqueletos fue un grupo de Punk Rock para niños. Esto fue idea de Marta y Dani del Menudo fest. Grabamos un ep que se editó en cd. Lo podéis escuchar en su bandcamp. También hice un trio de Rockabilly Country junto mis amigos Carlos y Pedro de Lucky Dados. que se llamó Hardin. LaCarne Magazine

¡Y unas cuantas cosas más! Vamos subiendo a bandcamp poco a poco todo lo que vamos haciendo. ¿Cómo se os ocurrió el nombre de la banda? ¿De dónde viene el nombre GENERADOR? Vivimos en una zona rústica en el campo donde no llega el servicio de las compañías Eléctricas, y la luz nos la da el sol y un generador, el típico de las obras. Nos hizo gracia, y además tiene mucho sentido para nosotros. ¿Cómo ha evolucionado vuestra música desde que empezasteis, allá por el año 1995/1996? ¿Habéis conservado la misma esencia desde entonces? Comenzamos haciendo punk hardcore, que es lo que escuchábamos cuando comenzamos a tocar, hasta que descubrimos grupos de punk rock, garaje y cosas más antiguas, y nos dejamos llevar por todo eso. En cuanto a estilo, está todo dentro del Rock and Roll. Y la esencia sigue siendo la misma. Lo hacemos porque nos divierte. Igual ahora nos lo pasamos mejor que muy al principio, porque ya nos da todo bastante igual. ¿Cómo veis el futuro en la música? ¿Qué creéis que se podría mejorar para seguir disfrutando de la música en directo, y de la cultura en general? Bueno, actualmente es una tristeza total en cuanto a conciertos y demás por culpa de la Pandemia, pero antes estaba todo funcionando muy bien. Había (y esperamos que se puedan mantener) más salas y bares de rock and roll para actuar que nunca. Infinidad de grupos, fanzines, festivales, sellos independientes… Creo que sólo falta vencer a la pandemia y volver poco a poco a funcionar. El problema son todas las salas, organizadores y demás negocios que se van a quedar en el camino, porque sin ayuda es imposible que sobrevivan a esto. ¿Qué música soléis escuchar? ¿Qué canción elegiríais para la situación que estamos viviendo?

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Pues desde country hasta heavy-death metal, aunque lo que más nos gusta es el Rock and Roll, Punk Rock y derivados como el Psychobilly, Garaje, Rockabilly. Yo también escucho grupos más melódicos, Power Pop o Punk Pop como Weezer, The Babies, Vivian Girls, o Best Coast. Y elegir una sola canción para tanto cambio de estados de ánimo es muy complicado. Cuando estoy de subidón y pienso que ya queda menos para que todo vuelva a ser lo de antes, me puede valer cualquiera de Cramps, por ejemplo Bikini girls with machine guns, diversión y alegría. Y cuando necesito bajar, la melancólica voz de Roy Orbison siempre ayuda, In Dreams sería una buena canción para esos momentos. Y por último, ¿algún dato que queráis añadir o lanzar un mensaje al mundo? Que estéis atentos a nuestras redes sociales porque para mayo-junio tendremos nuevo ep de la mano de Ghost highway recordings. Muchas gracias por la entrevista! Ánimo, salud y Rock and Roll!! J.Horror. Gracias infinitas por todo, por concederme la entrevista, y vuestro tiempo.

ueno, espero que os haya gustado rockear junto a Generador y sus pegadizas letras. Ya sabéis que podéis seguidles en sus redes sociales y plataformas digitales para saber todas las novedades. Y ahora, si me disculpáis, dejadme en paz, que me estoy peinando (risas) ¡Hasta la próxima!

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Agresiva

siempre libres en el mundo del Metal de vida: la música.

n el océano del internet siempre habrá nuevas sorpresas que encontrar y disfrutar, musicalmente hablando. Para un melómano y adicto al Metal, además de reportero musical -como mi persona- es un placer usar la tecnología para bien, y poder arribar a nuevas tierras para contactar con los autores e intérpretes de la música conocida bajo el nombre de Agresiva. La banda madrileña lanzó el 2020 su álbum El Fin de la Razón, una magnífica obra metalera que nos acompañará durante la entrevista exclusiva. Gracias a Samuel San José, vocalista de Agresiva, por el tiempo y la confianza para conversar sobre nuestra máxima razón

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Agresiva, siempre libres en el mundo del Metal Personal y musicalmente hablando, ¿cómo está Agresiva actualmente? Muy buenas. Pues estamos muy bien. La banda se encuentra bastante animada pese a los tiempos que corren, y a tope trabajando en el próximo disco. ¿Cómo nace Agresiva a la vida metalera? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? Agresiva es fundada hace algo más de doce años por los guitarristas Miguel Coello y Eduardo Chamón. Tras completar la primera formación con Daniel Villaseñor al bajo y conmigo mismo (Samuel San José) a la voz, grabamos nuestra primera maqueta (Sent To

Coello y su servidor, en 2017 editamos Decibel Ritual. En 2018, con motivo de nuestro décimo aniversario como agrupación musical, dimos un concierto especial en Madrid, ciudad que nos ha visto nacer y crecer, que sería publicado en CD en el año 2019 bajo el título de Ritual Live: Ten Years In War. Y, finalmente, en enero de 2020, vería la luz el álbum El Fin de la Razón, nuestro primer disco cantado íntegramente en español. ¿Quiénes integran en la actualidad Agresiva y qué instrumentos interpretan? En la actualidad somos Miguel Coello (guitarra), Samuel San José (voz), Miguel Martín (bajo) y Alejandro Rodríguez (batería).

War) en octubre de 2010. Un año y medio después, en marzo de 2012, lanzamos nuestro primer disco de estudio (Eternal Foe), el cual sería a la postre el último trabajo grabado con dos guitarristas, ya que Eduardo Chamón abandonaría Agresiva tras completar sus tomas en estudio. A partir de entonces, Miguel Coello ha sido el único guitarrista en la banda, y, a la vez, su miembro más longevo. En 2013 lanzamos un EP denominado Chronophobia, que sería el adelanto de The Crime Of Our Time, nuestro segundo disco de estudio, publicado en septiembre de 2014. Pese a que dicho EP y el disco citado contienen dos temas en común, se trata de versiones totalmente distintas, registradas en distintos estudios. Tras varios cambios de formación, en el que nos mantuvimos fijos M.

¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Agresiva? ¿Pueden mencionar algunos grupos o artistas de su preferencia? Ésta es una pregunta un tanto difícil de responder, ya que, pese a que todos los miembros escuchamos Metal con asiduidad, somos bastante diversos en cuanto a bandas y subestilos. Algunas bandas que tenemos en común podrían ser Iron Maiden, Annihilator o Vicious Rumors, por citar algunas. Más allá de eso, las sensibilidades varían bastante. Agresiva y sus integrantes tienen el corazón de Metal. ¿Qué es ser un metalero de por vida? En Agresiva entendemos el Heavy Metal como un estilo de vida, más allá de un género musical. Si quisiéramos ganar dinero más fácilmente o tocar con más frecuencia, sólo tendríamos que cambiar de género musical, y, hasta la fecha, no lo hemos hecho ni pensamos hacerlo. Por eso recalco que se trata de un concepto, de un lineamiento vital. He logrado escuchar varios discos de Agresiva, desde The Crime of Our Time hasta Decibel Ritual. ¿Algunas anécdotas de estas producciones? ¿Qué material marcó época en especial para la banda? Agresiva siempre hemos tenido intención de que todos los trabajos sean distintos entre sí, LaCarne Magazine

dentro de cierta coherencia, por lo tanto, todos los discos han sido realmente importantes para nosotros. Quizás, por definirlos de alguna manera, sería así: Eternal Foe - el debut siempre es especial. Para un músico, grabar por primera vez en un Estudio profesional es una experiencia importantísima, y un sueño hecho realidad. Fue producido por la propia banda. The Crime Of Our Time - fue la primera vez que grabábamos en los Estudios New Life con dos productores totalmente profesionales, como son José Garrido y Daniel Melián, quienes ya habían trabajado anteriormente con bandas muy grandes del panorama nacional español. Fue un desafío para Agresiva en muchos niveles y un gran paso adelante.

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Decibel Ritual - fue la consolidación de todo el esfuerzo de aprendizaje que realizamos con The Crime Of Our Time en New Life. El Fin de la Razón - salto al vacío. Trabajo producido de nuevo por la propia banda, y con un giro muy importante como es cambiar de idioma. Los vienen honrando distintos medios a nivel mundial, como últimamente lo hizo El Imperio del Metal (Programa Podcast), donde los han nombrado entre los mejores discos del 2020 por el álbum El Fin de la Razón, aproximadamente 41 minutos depuro Metal. ¿Dónde produjeron su flamante material? Estamos muy satisfechos por la respuesta que ha tenido este último trabajo a nivel de público y crítica. El nivel de acogida, en general, ha sido muy bueno.

el radar de muchos países europeos, y sobre todo en Estados Unidos, donde el lanzamiento de Decibel Ritual se produjo de manera independiente a Europa. Con Clifford Records, quien se ha encargado del lanzamiento en formato vinilo de El Fin de la Razón, hemos consolidado, en gran parte, todo lo alcanzado con el anterior disco, aumentado nuestras ventas en países hispanoamericanos, donde ya teníamos presencia, como Argentina y México, y, aparte, hemos realizado ventas en nuevos países, como por ejemplo Costa Rica, donde ni siquiera sabíamos que estuvieran disponibles nuestros trabajos. Sus primeras obras musicales son cantadas en inglés, y el nuevo material presenta voces en castellano, ¿qué nos pueden comentar de las experiencias? La idea de cantar en castellano siempre ha planeado sobre la banda. Ya habíamos hecho dos incursiones anteriormente con la versión de Hell Town (en español denominada En el Infierno), incluida como bonus track en nuestro debut Eternal Foe (2012), y con una versión de El Trastorno de la Envidia, tema original de los metaleros argentinos Malicia, incluida en nuestro EP Chronophobia (2013). El disco fue grabado y mezclado por Andy C. en sus Cadillac Blood Studios, quién fuera también batería de Saratoga o Lords Of Black, y al cual conocíamos por haber trabajado tras la mesa de sonido con otras bandas y proyectos. Pude ver el álbum de oferta como regalo de navidad en LP –un buen y excelente presente-, observé que sus admiradores desde Costa Rica lo han adquirido (por ejemplo). El Fin de la Razón fue editado por Minotauro Recods / Clifford Records, ¿qué nos pueden contar de los mencionados sellos disqueros y la experiencia de trabajo con ellos? La experiencia ha sido muy satisfactoria para el grupo al trabajar con estos dos sellos. Minotauro Records, sello italiano de gran recorrido, nos colocó con nuestro anterior trabajo en

Cuando Agresiva se reúne en verano de 2018 para comenzar a preparar El Fin de la Razón, acordamos probar con una letra escrita en español, y comprobar si encaja en el estilo que practicamos, ya que no sabíamos cómo quedaría a nivel estético. Tras ensayar con Asesino de Almas, que, a la postre, fue la primera letra que se escribió para el nuevo álbum, quedamos muy satisfechos con el resultado. Así que decidimos desarrollar el resto de las letras de la misma manera, en nuestra lengua nativa. He de decir que estamos muy satisfechos y cómodos con el cambio realizado. La portada del álbum es preciosa, simbolizando las mentiras que tenemos que tragarnos por parte de los medios televisivos y sus periodistas amarillistas, sensacionalistas y chantajistas, ¿quién es el artista detrás del cover art? ¿Escuchó el material para inspirarse? ¿Qué LaCarne Magazine

anécdotas pueden comentarnos del trabajo realizado? La descubrimos meses antes de entrar en el estudio, ya que se trata de una ilustración que, ya entonces, llevaba mucho tiempo circulando por las redes sociales. Cuando decidimos que se ajustaba a lo que andábamos buscando, a lo que queríamos transmitir en la portada del disco y con el concepto lírico, nos pusimos en contacto con el autor, un argentino cuyo nombre artístico es Al Margen, quien, tras escuchar nuestra música, nos otorgó permiso para usarla. Pasemos a desglosar el excelente álbum El Fin de la Razón, que luego del track Preludio se inician los versos:“Mientes…tan sólo buscas la muerte de la inquietud” del tema Asesino de Almas, con un poderoso riff e incandescente ritmo que demuestra el sonido de la banda. ¿Cómo nace la canción? ¿Quiénes están en la autoría de la letra y música? ¿Qué los inspiró para los versos del tema? Muchas gracias por tus amables palabras. El tema, como todos los que componen este trabajo, parte de la excelente guitarra de Miguel Coello. Luego, yo me he encargado de desarrollar casi todas las líneas vocales y de escribir las letras. Los versos, como tú bien citas, están dedicados a aquellos líderes que para llegar al “Poder” prometen lo imposible, llegando a las masas con mensajes básicos, irreales e infantiles, y, una vez instalados en él, buscan minar y destruir el Espíritu del Ser Humano para poder dominarlo con más facilidad. “El ruido ensordece en todo tu ser…todo estalló a tú alrededor…el diablo al oído te susurró…” dicen algunos versos en Perdición, una canción de reflexión e introspección, con un magnífico solo de guitarra y un Speed Metal que demarca emociones para el mosh y el headbanger. ¿Cómo se hizo la canción? ¿Qué inspiración han recibido para crear el tema? El tema, como no podía ser de otra manera en este trabajo, parte de la guitarra de Coello. La letra, también mía. Hablan de experiencias personales, abismos insondables, traiciones e ilusiones rotas.

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El bajo y la guitarra que dan inicio al tema Bestia marca el ambiente oscuro de la canción, que con poder y prudente velocidad se adentra al Power del Metal. Una canción que refiere a la amada libertad. ¿Cómo nace la obra? ¿Qué los inspiró para hacer la canción? La letra de esta canción se me ocurrió tras ver un documental sobre La Bestia, ese tren de carga que atraviesa México de sur a norte, y al que se van incorporando polizones en busca de un futuro mejor, alguno de los cuales caen en las garras de las mafias o sufren accidentes con fatales consecuencias para ellos. La historia me impresionó bastante, así que escribí metiéndome en la piel de un padre que tiene que dejar atrás a su mujer y a sus hijos, y lucha por ofrecerles un futuro mejor, o sim-

plemente un futuro. La música, como siempre, corre a cargo del enorme Miguel Coello. “Hay algo oculto rugiendo en la oscuridad” comienza el verso en Los Olvidados, potente track que transmite coraje y valentía para los que nos identificamos con los textos, con una virtualidad en la interpretación de la guitarra y otros instrumentos, donde se sienten orgánicos riffs que transmiten energía de resistencia. ¿Qué los hizo crear la canción? ¿Alguna anécdota referente al tema? La letra de esta canción se me ocurrió a raíz de nuestra participación en el Festival In Union We Stand, el cual tuvo lugar hace algo más de un año aquí, en la capital española, y fue una cita muy especial para nosotros. Está dedicada también a ciertos Festivales

masivos que, año tras año, ignoran a ciertas bandas que practicamos un estilo y tenemos una actitud muy concreta dentro del Heavy Metal, menos infantil y menos comercial que otros tantos. Conocen de nuestra existencia, porque oyen el rugido, pero deciden actuar como si no existiéramos. La música la desarrolló, como siempre, Miguel Coello, y las líneas vocales las hicimos de manera conjunta. Embaucador es un tema dedicado a los que generan confusión, manteniendo el ritmoquecaracteriza a Agresiva, un Power Metal que brilla por su melodía y armonía. ¿Cómo nace la canción? ¿A quiénes se la dedican? La mecánica ha sido exactamente similar a la descrita anteriormente, Miguel Coello música, yo mismo en las líneas vocales y letra, y va dedicada a ciertos personajes que se nos LaCarne Magazine

acercan a las bandas cuando logramos cierto renombre. Te prometen el oro y el moro por un puñado de euros, y, finalmente, te dejan sin lo uno ni lo otro, actuando con descaro, sin rubor, y con un oficio por su parte inquietante. “Ningún enemigo te detendrá…defiendes tu sueño hasta morir” dicen en Ganar o Perder, otro tema alentador y motivador, preciso para estos tiempos. Potente y melódico, con sus contrastes rítmicos demarcan el potente Metal que forma parte de su personalidad, ¿qué los ha inspirado para crear la temática de la canción? Me inspiré en la libertad, en la auténtica y genuina libertad, no la de boquilla que nos venden por la televisión. En el luchador que no tiene miedo a perderlo todo, porque pelea por lo que cree y está dispuesto a pagar con su vida por ello, cueste lo que cueste. Al mismo tiempo que la escribía, terminaba de leer El Quijote, y quise que se viera en la canción también ese lado del que nunca se habla: el lado heroico del personaje, ese aspecto que le hacer ser el único cuerdo en un mundo de locos. Lo habitual es hacer una canción infantil en el que se hable de él como un desequilibrado, y yo quería abordar el otro aspecto. “Despierta ya…. El mañana está aquí” cierran los versos del tema Entierra el Pasado (una de mis canciones preferidas del álbum), que inspira a la evolución, el crecimiento o desarrollo de uno mismo, con alucinante estructura musical y firme energía que caracteriza a la banda. ¿Cómo nace la canción? ¿Alguna anécdota en su grabación? Muchísimas gracias. La canción nace de la misma manera que las anteriores, y nos habla de mirar adelante, soltar el lastre que arrastramos por el paso de los años, dejar atrás el dolor, el odio, el remordimiento, y, en definitiva, todo aquello que no nos deja avanzar. A veces es fácil de decir o cantar, pero hacerlo es algo más complejo. Contradicción tiene una temática donde se nos entrega esa eterna reflexión sobre la dua-

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lidad en esta dimensión, el desarrollo espiritual -tal vez-, y, con un sampler provocativo o sugestivo al medio del tema, que nos plantea ese eterno cuestionarte dentro del libre albedrío que tenemos para obrar. ¿Qué los ha inspirado para crear la canción? Como bien señalas, la inspiración es la dualidad, la eterna contradicción existente en lo más profundo del alma humana del ser humano, por la que a veces actuamos contra la razón, por instinto o viceversa. El décimo tema, Injusto y Legal, una canción que motiva a una toma de consciencia ante el “Reinado de la Sin Razón”, para los dormidos del planeta. ¿Qué los ha motivado para crear la obra? La canción está inspirada en una situación muy complicada por la que está pasando uno de los miembros de la banda, el cual, como otra mucha gente en este país, está siendo víctima de una ley discriminatoria, injusta,y, por otro lado, legal. Un disparate que espero que sea enmendado en el futuro. La música, como siempre, ha corrido a cargo de nuestro genial guitarrista. El último tema – La Fuga – es una metáfora de

cos en momentos como los que atravesamos? La música, como todo el arte, desempeña un papel muy importante para la humanidad. Si existe la magia en el mundo, ésa es la inspiración que alimenta el alma de los artistas. Por otro lado, es una vía de escape del mundanal ruido, y demás banalidades con las que tratan de invadir nuestra vida privada de manera constante desde el poder establecido. Tenemos muchas ganas de volver a la carretera, ya que se nos ha quedado la espina clavada de no poder haber presentado este trabajo en directo. Su lanzamiento coincidió prácticamente con el estallido de la pandemia, por lo que todos nuestros planes se torcieron. Si todo va bien, volveremos pronto presentando dos discos en vez de uno, lo que hace que aún tengamos más ganas, si cabe.

“La Gira” (algo fundamental en la carrera de los músicos), con un sugestivo sampler introductorio nos enmarcamos en la pieza -instrumental despedida- que da paso al epílogo del disco, donde escuchamos a capella: “Éste es nuestro lugar…no podrás hacernos cambiar… siempre en pie hasta el final…lo imposible es nuestro rival”, un hermoso manifiesto por parte de Agresiva. ¿Cómo le fue al cierre de la producción? ¿Alguna anécdota que nos quieran acotar de la producción? La Fuga es el primer tema totalmente instrumental grabado por Agresiva, y, sinceramente, en mi opinión me encanta como ha quedado, ya que, junto al epílogo a capella, inspirado directamente en King Crimson, hace de contrapunto perfecto, cerrando este trabajo de forma perfecta. Pude disfrutar de verlos en Live In Madrid (filmado y grabado en el Festival de Thrash Metal In Union We Stand Fest) -septiembre de 2019-. Posiblemente una de sus últimas presentaciones antes del COVID-19. Recientemente postearon en sus redes sociales que “Cuando todo esto haya pasado volveremos a la carretera”. ¿Qué papel juega la música en nuestra humanidad? ¿Qué hacemos los músi-

Nosotros, como músicos, hemos dedicado todo este tiempo a seguir componiendo y arreglando. Nos hemos adaptado. Hemos hecho todo lo posible por no parar, para no dejar que pase el tiempo sin hacer nada, y como resultado de ello este año grabaremos la continuación de El Fin de la Razón. Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa, desde la trinchera del arte uno tiene que adaptarse. ¿Cómo se han sentido en estos nuevos tiempos de transformación? Creo que es un poco pronto para valorar, ya que seguimos con cuarentenas, limitaciones o privaciones de movilidad y demás medidas restrictivas. Veremos en qué queda todo esto. Nosotros, en nuestro caso particular, nos hemos ido adaptando sin dejar de trabajar para la banda, de una manera u otra. En los años recorridos y la trayectoria acumulada de Agresiva, ¿con qué bandas han tenido el gusto de compartir escenarios y trabajar codo a codo? ¿Qué conciertos o eventos han marcado su carrera? Hemos tenido la fortuna de tocar con grandes bandas, tanto de fuera de España (como Evile, Death Angel, Ross The Boss, Acid Reing o Razor), como de nuestro país (Omission, Rancor o los desaparecidos Steel Horse), por LaCarne Magazine

poner los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza. También hemos tocado en Festivales muy relevantes para nuestra escena, como pueden ser el Heavy Metal Maniacs de Países Bajos o el Pounding Metal Fest en Madrid. Hemos salido con frecuencia fuera de España para tocar, por ejemplo, en varias ocasiones al Reino Unido, actuando junto leyendas de la NWOBHM, a República Checa o a Portugal mismo. Todo ello ha ido forjando a la banda como tal. ¿Cómo ven la evolución musical de la banda?¿Qué géneros musicales han experimentado con Agresiva? Agresiva tiene grandes influencias de estilos ajenos al Heavy Metal, aunque en un primer momento puede no ser fácil de percibir. Por ejemplo, el Rock Progresivo de los años setenta, con bandas como Jethro Tull o Supertramp son ejemplos de bandas de cabecera tanto de Miguel Coello como mías, y están muy presentes en nuestra manera de concebir la música. Uno pasa de ser “joven-metalero” a “adultometalero” (si vale el término). En Madrid, ¿qué es ser metalero por convicción y como estilo de vida? ¿Cómo pueden sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuál es su actividad paralela a la música? Se puede llevar bien con coherencia, como todo en la vida. Para mí no hay nada más ridículo que ver a un pavo de cierta edad que se sigue comportando como si fuera un veinteañero. Eso no tiene nada que ver con el Rock ni con el Heavy Metal, sino con una actitud infantil frente a la vida. Pero cada uno es muy libre de hacer lo quiera, claro. En mi caso particular, soy funcionario del Estado, lo cual me da tiempo libre y cierta flexibilidad para compaginar mi vida laboral con la actividad de la banda. ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en la música?

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Si la música es su pasión, que luchen por ello. Que no se rindan. Eso sí, es un camino duro y todos te juzgan, por lo que hay que ser fuerte. Mucho ánimo. ¿Cuál es su frase o lema para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida? La verdad es que no tengo ningún lema en concreto, pero sí un ideal de lucha por la libertad y de pelear por lo que me apasiona, que es la música. Seguramente hay muchos lemas que describen bien este concepto, pero prefiero quedarme con la idea en sí. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad durante la Nueva Era, ¿qué proyectos se vienen para el 2021 para Agresiva? En Semana Santa entraremos en los Estudios Cadillac Blood -de nuevo- para registrar la batería de nuestro próximo trabajo. El resto de la banda grabaremos, seguramente, en agosto de este mismo año. Por lo que, pese a todo lo que está aconteciendo a nivel global, la banda se encuentra muy concentrada ya en el próximo lanzamiento. Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material, y, cuando pueda, se irá a los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Agresiva. Muchísimas gracias por la apasionante entrevista. Me ha gustado mucho responder a tus preguntas. Gracias también a nuestros hinchas habituales, que nos apoyan y se mantienen fieles a la banda, trabajo tras trabajo, bolo tras bolo. Y dar la bienvenida a los nuevos seguidores y animarles a que se adentren y conozcan a la banda, que vengan a vernos a los bolos, cuando se reanuden, y darles las gracias por anticipado por el apoyo. Un saludo a todos.

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Mixolidia

desde las entrañas y corazones de La Paz

s un privilegio para los amantes de la música con alma, vida, y corazón poder conversar con ustedes. Gracias por la confianza, y el lindo proyecto musical que han emprendido, Jhocelyne Lema, Ximena Matos, Gastón Arispe, Mauricio Copa, Ever López y Lucía Martínez, quienes conforman Mixolidia, la banda paceña con aires vanguardistas en su propuesta musical. Para LaCarne Magazine en exclusiva se ha reunido el grupo -en su totalidad-, y así conversar sobre la apasionante vida hecha música.

Mixolidia, desde las entrañas y corazones de La Paz Luego de tantos meses de encierros, cuaren-

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tenas, nuevas reglas, etc., personal y musicalmente hablando, ¿cómo está actualmente Mixolidia? Jhocelyne Lema (JL): Mixolidia por el momento nos encontramos planificando cosas que se puedan hacer sin correr mucho riesgo. La pandemia nos afectó un poco más de lo pensado, pero seguimos con la esperanza de saber que un día todo esto acaba, y para ese día estaremos juntos, más fuertes y listos para lo que se venga. ¿Quiénes integran Mixolidia? ¿Qué instrumentos interpretan? Ximena Matos (XM): Actualmente la banda cuenta con seis integrantes: Lucía Martínez, también conocida como Lucky, en la voz; Mauricio Copa en la primera guitarra; Ximena Matos en la segunda guitarra; Ever López en el teclado y sintetizadores; Jhocelyne Lema en el bajo; y Gastón Arispe en la batería y percusión. ¿Cómo nace Mixolidia? Toman el nombre de una escala, tal vez por la excelencia y capa-

Mauricio Copa (MC): Tengo como base la influencia de la música folclórica boliviana de los años 60’s, 70’s y 80’s, y la música latinoamericana. Siguiendo la tendencia musical de grupos y solistas como Los Jairas, Los Yuras, Grupo Coca, Alfredo Domínguez, Rumillajta, Luz del Ande, Los Panchos y Café Tacuba. (XM): Bueno, yo fui enseñada en la música con guitarra clásica; por ende, algunas influencias las consigo de ahí, pero en cuanto al escuchar música me encanta el Metal, Rock y sus distintas variaciones. También me encanta escuchar Música Oriental o música de diferentes países, e intento plasmarlas en mi instrumento. (JL): Personalmente mis influencias musicales más fuertes son el Reggae, y luego viene el Jazz, Salsa, Rock Alternativo, Indie, Blues.

z cidad interpretativa de la banda. ¿Por qué del nombre Mixolidia? (JL): El grupo nace en la Universidad, gracias a la materia de “Ensambles”, y por las ganas de querer hacer crecer esta banda. Lucía Martínez (LM): El nombre de la banda surge de la combinación de dos palabras: “Mix” y “Melodía”, que hace referencia al estilo musical de la banda, además que Mixolidia es una escala musical que para nosotros suena épica y refrescante, también gracias a eso es que surge el logo de la banda. Gastón Arispe (GA): Además que el nombre Mixolidia suena bien al oído. ¿Qué influencias musicales tienen los integrantes de Mixolidia? (LM): Tengo influencias musicales de bandas musicales de Rock y Metal como Ángeles del Infierno, Mago de Oz, Saurom, Nightwish y Khy. También me influenció mucho la música de Mónica Naranjo, Palito Ortega y Leo Jiménez.

Ever López (EL): Los integrantes tenemos distintas influencias musicales, y la verdad es muy genial compartir música entre nosotros, ya que todos agregamos nuestro gusto o influencia musical al momento de hacer los arreglos o las composiciones, pero en lo personal tengo la influencia de Efecto Mandarina. (GA): Llevo una gran parte de mi vida escuchando Rock y Metal; no obstante, dejé de lado estas influencias, utilizando sonoridades provenientes de la Música Latina (Salsa, Songo, Guaguancó, Cumbia, Zamba y Bolero), también el Jazz, Folklore Boliviano, BossaNova, Hip-Hop, Indie y el Reggae Roots. Los artistas más importantes para mi aporte a la banda serían Mi Amigo Invencible (Argentina), Prana Reggae (Bolivia), Aniceto Molina (Colombia), Caifanes (México), Ismael Rivera (Puerto Rico) y Julio Jaramillo (Ecuador). Logré apreciar en su canal YouTube cuatro singles que me han cautivado en lo profundo del corazón, material que promociona a su esperado EP debut. ¿Qué titulará el disco? (JL): Mixolidia estamos trabajando en nuestro primer EP, y esperamos poder lanzarlo en físico este año. Teníamos pensado llamarlo LaCarne Magazine

“Equilibrio”, ya que todas las canciones tienen emociones distintas, y hablan de puntos importantes para una persona. Pasemos a platicar de las nuevas canciones del EP Equilibrio, que envuelven al oyente en un magnetismo que lo deja completamente hipnotizado con su Mixolidia. Su primera composición, «Brisa» (una de las realizaciones ganadoras del 1er Concurso de Videoclips “Elabora Tu Video en Cuarentena”), una canción que encierra y captura esa energía de los momentos que atravesamos el 2020 por consecuencia del COVID-19, un importante tema que quedará en la historia sonora-musical de nuestros tiempos. ¿Qué nos pueden contar al respecto? ¿Cómo nace la canción? ¿Cómo les fue con el concurso? ¿Quién escribe la letra y la música? Los arreglos y la grabación ¿son en directo? (LM): Brisa nació a raíz de la cuarentena que se vive en nuestro país y en el mundo. A consecuencia de esto la contaminación bajó, esto le dio un respiro al planeta, una brisa. La letra habla desde el punto de vista de dos perspectivas, una es la de la Tierra, específicamente en la parte que dice: “Brisa que mese el final, brisa que cura mi mal”, y la otra perspectiva, que es la del ser humano: “te mientes crees saberlo todo”. Brisa es una crítica al ser humano que contamina por su egoísmo personal.

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También fue hecha para crear conciencia sobre nuestros actos. (MC): Como nuestra primera experiencia, nos sorprendió el resultado final, ya que gracias a éste ganamos el primer lugar en el concurso “Elabora Tu Video en Cuarentena”. Gracias a esto se nos presentó la oportunidad de poder tener nuestro primer concierto, que se realizó en el Cine Teatro 6 de Agosto. (XM): La letra está escrita por nuestra vocalista Lucía Martínez. (JL): Las grabaciones las hicimos con lo que teníamos. Yo utilicé la grabadora de mi celular para grabar el bajo, y todos hicimos eso. Luego mandamos los audios a Mauri, y él se encargó de hacer la producción. “Aun no cierra la herida… recuerdos que están en mi mente…” claman los versos en Miel, un tema que nos sube y baja en esas emociones plenas del corazón. La producción cuenta con un simpático video lírico, quese encarga de adornarnos los textos y las melodías luminosas. ¿Quién inspiró estos versos? ¿Alguna anécdota de la producción? ¿Dónde la grabaron y editaron la canción? En letra y música, ¿quiénes se encuentran? (EL): Con la canción Miel intentamos repre-

tra y música? ¿Cómo se grabó y editó la canción? En la producción audiovisual, ¿quién se encuentra en la dirección? ¿Alguna anécdota de la canción? (LM): La letra de la canción la escribí a raíz de que queríamos tener otro tipo de canción, una que muestre el otro lado de la pandemia. Ya habíamos lanzado canciones como Brisa y Miel (que eran de protesta y de dolor). Aprovechando que yo estaba pasando un momento muy especial en mi vida, decidí escribir sobre el amor, ese sentimiento que endulza y da color a lo cotidiano de la vida. Nunca antes había escrito sobre el amor, así que me pareció buena idea empezar ahora.

sentar el dolor que sintieron las personas en la cuarentena al perder a sus seres queridos. (XM): En lo personal, este tema salió justo cuando falleció uno de mis familiares. La verdad que representa a aquellos que ya dejaron este planeta, y están ahora en un mundo espiritual. (LM): La canción fue grabada -aparte- en casa de cada uno de los integrantes, con los medios que tenían, muchos con el micrófono del celular, ya que no todos contábamos todos con interfaz para grabar. (JL): Ever fue el que estructuró los acordes, poco a poco fuimos poniendo más cositas, y así salió Miel y su vídeo. (MC): La letra fue escrita por Lucky, inspirada en la secuencia de acordes y el hecho de ponerse en los zapatos de una persona que pierde a un ser querido. “Y como lluvia en el desierto, llegaste a mi vida despejando el dolor…” inician los versos del tema Tú (Mi Sueño, Mi Suerte y Mi Destino), que junto al vídeo oficial llegan a marcar el estilo que encamina la banda, canciones dedicadas del pleno corazón y llenas de amor. ¿Cómo nace el tema? ¿Quién lo escribe en le-

En la producción audiovisual me encargué yo, tanto la grabación como la edición del vídeo fue un proceso y una experiencia muy bonita. Cada vez que editaba la parte del vídeo donde salen las parejas, siempre se me salía una sonrisa y un “awww” – jajaja-. Fue la primera vez que pudimos grabarnos todos en un ambiente, y ya no desde casa, como se hizo en Brisa, que era algo más casero, pero igual el vídeo se grabó con puros celulares. (JL): Esta canción también la hicieron Lucky y Mauricio. Al principio era con ukelele, y ya lo convertimos en lo que es ahora. Todo lo produjo Mauricio, tiene toques también de toda la banda. La producción audiovisual quisimos que abarcara todo lo que es el amor para nosotros, el amor sin fronteras, y sin miedo. Algo divertido de esta canción es que, siempre que la tocamos, todos nos sentimos muy cursis y melosos – jajaja-, llena el ambiente de amor. (XM): Bueno, la verdad, cuando Mauricio, que es mi compañero en las guitarras, me pasó un tanto de la maqueta, yo sentí que faltaba algo para que la magia surgiera en la canción, algo clave. Ahí en vez de confiar en mi adorada guitarra, le agregué un ukulele. La verdad, sentía que le daría ese ambiente tan hermoso que merece esa canción, que hace que las emociones de uno llegue hasta las nubes. En lo personal, es mi favorita. (MC): En esta ocasión ya todos contábamos con los recursos para poder grabarnos en maLaCarne Magazine

yor calidad desde casa. La producción de la canción fue realizada por mi persona. (LM): Como anécdota puedo contar que la letra se escribió en un día – jejeje-… una mañana mientras pasaba clases. En cuanto la terminé, me grabé un pequeño audio cantando y de inmediato se lo mandé a Mauricio y a Ever para que me dijeran qué les parecía. A esta canción la describo como “ternura pura”, sin duda la letra más “camote” (enamorada) que escribí hasta ahora – jajaja-. “El Tiempo desvanece el recuerdo del ayer… el ver más allá te ha hecho especial, único ser” dicen los versos enTúnel, una canción con su contraluz exquisito, y que es su más reciente single que fue realizado con video music – para el 01 de diciembre 2020-. ¿Qué nos pueden comentar de la canción? ¿Dónde se grabó? ¿Quiénes se encuentran en la composición? En el visual, ¿quién produce? ¿Qué anécdotas guardan de la realización? (JL): Túnel, una de mis composiciones favoritas de Mixolidia. La que tuvo la idea de esta canción fue Lucky. Ella tenía que presentar este tema para una tarea, y al final fue un 10 de puntuación, y el nacimiento de una canción oscura y profunda. En el vídeo que hicimos nos encontramos todos, lo grabamos en una tarde, paseando por la ciudad. Ese día estuvo muy divertido. (GA): Lucía partió con la idea de esta canción, la cual también era parte de una materia de la U. Al comienzo era un Reggae que de manera progresiva fue emigrando al Blues y al Rock, con elementos importantes de cada estilo. (LM): Túnel es hasta ahora la canción más oscura. Es una canción que refleja lo que muchos en algún momento de nuestra vida sentimos, es ese sentimiento de que uno está atascado, que está en un túnel sin poder ver luz, un momento triste y sombrío, donde te das cuenta que todo lo que no hiciste te cobra factura. El vídeo tiene luz opaca que trata de conceptualizar la oscuridad y negatividad de la letra. Como dato curioso, todo el vídeo se grabó y

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editó en un fin de semana, se grabó un sábado, y el domingo comencé la edición. Logrando terminarlo, y lanzándolo un lunes en la tarde. Fueron días duros de trabajo, pero valió la pena. (XM): La verdad, en lo personal yo consideraría a Túnel una de nuestras canciones místicas. (MC): Una anécdota en cuanto a producción, fue el hecho de grabar la batería con dos micrófonos, y para la producción fue un poco complicado al momento de mezclar la canción, por lo cual reforcé con MIDI (bombo y caja). Mixolidia se presentó en el ciclo “El Municipal en tu Casa” (aproximadamente el octubre 10 del 2020), y en la Feria del Arte Libre (en diciembre 2020). ¿Cómo están viviendo estos tiempos de cambio y transformación planetaria (llamadas cuarentenas) desde la trinchera del arte y la música? ¿Cuál fue su actual

experiencia entre los streamings y los shows presenciales? (XM): Bueno, yo creo la verdad que la cuarentena no pudo detenernos. Encontramos diferentes maneras de poder unirnos. Estas experiencias nos sirvieron bastante para crecer como músicos, y también como personas. Para mí, los streamings fueron algo bastante nuevo (en especial sin público, sólo éramos nosotros tocando en un escenario junto a los productores), fue algo extraño, pero no hay nada mejor que traer música a las personas.

ganas de seguir creciendo como banda.

(JL): Por el momento estamos siendo bastantes positivos y perseverantes, pues no sabemos cuándo volveremos a los escenarios y a tener conciertos. Sí, es un poco triste para nosotros porque desde que comenzamos tuvimos un par de presentaciones, y claro que nos gustaría tener muchas más, pero paciencia y buen humor que pronto estaremos bailando y cantando con nuestros seguidores. Al menos ahora nos tenemos a nosotros, la música, y

¿Qué le pueden aconsejar a la nueva generación de seres humanos que quieren encaminar el sendero de la música y el arte para poder conectarse, y expresarse? (EL): Que siempre confíen en sus habilidades, y que no se dejen llevar por la negatividad.

(GA): Fue una linda experiencia. Nuestro primer concierto tuvo que ser virtual debido a la pandemia del COVID-19. Aun así, seguimos reuniéndonos mediante Zoom para coordinar aspectos de la banda. (EL): En nuestro caso, todo lo llevamos súper bien. Siempre tratamos de seguir adelante con la música y el arte, y, ante todo, no dejarnos caer por la pandemia.

(XM): Bueno, lo que puedo decir es que, si quieren encaminarse a esto, no será todo color de rosa. Será bastante difícil, ya que te to-

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parás con bastantes obstáculos, pero lo bueno de los obstáculos es que puedes encontrar maneras de cómo rodearlos, y lograr cumplir tus sueños, metas u objetivos, y atravesarlos. La clave para esto es la perseverancia. Yo aconsejaría que tengan que superarse asimismos, no intenten ser como nadie más, sean ustedes mismos. (LM): Siente, y vive el presente, que te vas a arrepentir más de no haberlo intentado. Sueña mucho y trabaja duro, que sueños sin acciones es igual a vivir dormido. (MC): Que no desaprovechen las oportunidades, ya que ahora es más fácil poder obtener y mostrarse en todos los medios virtuales, y no tenemos que atravesar lo que nuestros padres pasaron. (JL): El mejor consejo que les puedo dar es que sean muy perseverantes. El camino del arte es largo, pesado, pero nunca aburrido, siempre hay algo para aprender, mejorar, y cada vez que vayas escalando, sentirás orgullo, emoción y mucha pasión para seguir. Con el arte, los colores nunca se acabarán. (GA): Háganlo por amor a la música y al arte, siempre con el objetivo de mejorar y triunfar. mixolidia ¿Qué verso, lema, palabras, etc., on sus preferidos a la hora de tomar acción, subir a escena y marcar el sonido, ritmo y la música? ¿Qué textos los inspiran en el juego en la vida? (EL): En muchos casos yo noté que usamos la frase: “la logramos”. (XM): Uno de mis lemas personales favoritos es: “los límites te los pones tú”. Antes de subir a un escenario me pongo nerviosa (por el hecho de que puede estar algún músico experto, crítico o algo por el estilo entre la audiencia, o que puede estar escuchando nuestra música), y este lema -la verdad- me ayuda a superarme a mí misma, porque a veces para mí el mundo de la música es algo difícil, ya que muchas personas prefieren mirar mi discapacidad (que es la discapacidad visual) antes de ver lo que puedo hacer en la música.

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(LM): Me acuerdo de una frase de la canción de Mago de Oz (Hoy Te Toca Ser Feliz), porque para mí el momento en el que me siento más libre es el escenario. (JL): Hay un verso de la canción de Cultura Profética llamada Un Deseo, dice: “Todo Miedo Esconde un Deseo”. Este verso me inspira a seguir por más miedo o dificultad tenga, porque al final el sentimiento después de tocar y componer le gana a todo. Y sé que vine al mundo a compartir mi música y mi forma de pensar. (MC): En lo personal, “déjate llevar” y “buen augurio”, “¡mucha mierda!”. (GA): “La Angustia es el Vértigo de la Libertad” (Søren Kierkegaard). Antes de subir al escenario los nervios estarán ahí, sólo hay que ver cómo utilizarlos a tu favor. Mixolidia, ¿en qué proyectos se encuentran

trabajando para el 2021? (EL): Tenemos la meta de poder grabar un disco en un Estudio profesional. Nosotros ya estamos trabajando con la elaboración de nuevos temas. (GA): Lanzar el EP, planeamos tener pequeñas presentaciones en diferentes lugares a lo largo de este 2021. (MC): Ver alternativas de viajar y poder dar conciertos. Sus palabras de despedida, un mensaje para la gente que los sigue por las redes sociales, y para los nuevos admiradores de Mixolidia. (LM): Muchas gracias por la increíble entrevista, y mandar un saludo a todas las personas que nos siguen y que recién nos están conociendo. Nosotros somos Mixolidia. (XM): Bueno, nuevamente agradecerte por la entrevista y por tomarnos en cuenta. Y a nuestros seguidores, mil gracias por apoyarnos y

no se olviden seguirnos en todas nuestras redes sociales -incluyendo- Facebook, YouTube e Instagram. (JL): En primer lugar, agradecer a LaCarne Magazine por el espacio y esta entrevista tan linda y acogedora. Siempre muy agradecida con el apoyo de nuestros seguidores, sin ellos muchas cosas no serían posibles. Les mando las mejores vibras a todos, cuídense mucho y nunca dejen de soñar. (MC): No dejen de seguirnos, que pronto estaremos con más sorpresas. (EL): Gracias por seguirnos, por apoyarnos y les mandamos un abrazo psicológico a todos. (GA): Adiós. Vuelva pronto.

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