LaCarne Magazine N106 by LaCarne Magazine

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europa y latinoamérica

Nº106 - ABR 2021 - AÑO 10

SUMARIO

N106 aÑo 10 abr 2021

experiencias 42 Vero Pérez, riqueza poética y musical 06 “Ultratumba” de trajedesaliva, ese escalofrío... 52 Pusher, Metal Tribal latinoamericano 10 La “no música” en tiempos de pandemia 58 Acephaly, Death Metal en el corazón de Sudamérica

investigación 14 jo, se ha muerto Chick Corea

64 Ktulu, grandes del Metal español 70 Scoria, la banda del pueblo y el gran poder latino

80 Lebasstrek, soñando en grande entrevistas 30 Feminismo y Música desde Extre- 86 Koala Contreras, con La Fuerza madura

y el Rap del Otro

20 Rass

un volcán en el género urbano

jefa de redacción y contenidos S. Plata

Diseño, maquetación y edición Pedro Gallardo

https://lacarnemagazine.com www.facebook.com/lacarnemag www.twitter.com/lacarnemagazine

Colaboradores

jorge ares, la chica boom, alfonseka, eva maría aroca, omar vega, ángela sumy, rafa dorado, sako

* No nos responsabilizamos de las opiniones de nuestros colaboradores

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EXPERIENCIAS

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“Ultratumba” de

trajedesaliva ese escalofrío… LEER MÁS

ay dos características que definen la trayectoria de trajedesaliva, este dúo vigués integrado por Mon Ninguén (música) y Una Vena (voz, textos y concepto visual). La primera es que no han hecho dos discos iguales en su vida. La segunda, que son una turbulencia, una maravillosa anomalía entre las propuestas musicales actuales. Antagonistas por naturaleza también y algunas cosas más, pero dije que sólo me iba a centrar en dos de sus singularidades. Los conozco y admiro desde su primer mini CD El Cuerpo y la Ciudad (Free Records) de

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1999, una suerte de synth ambient gótico que se diferenciaba claramente de otras propuestas similares de la época. Después vino Mima (Free Records, 2000), que ahondaba en ese similar universo, aunque con una mayor perfección técnica y narrativa. Recuerdo una conversación con ellos tras su concierto en una de las primeras ediciones del Festival Revoltallo de Vigo, tras la presentación de este disco, donde haciendo alarde de mi contrastada capacidad como oráculo (entiéndase la ironía), les auguraba que terminarían en las periferias del rock de cámara. En 2003 llegó Mima Blanca (margen Records), que ya tanteaba esos horizontes, y posteriormente un Split CD titulado Ciertos animales de costumbres discretas (Caustic Records, 2006), donde, de alguna manera, se cumplían mis expectativas.

“El inteligente uso de delays aporta masas armónicas que entrechocan y se transmutan en orquestaciones fantasmagóricas, o extrañas polirritmias que rebotan y se retroalimentan. Cualquier término aplicado aquí pierde su significado [...]” En la forma es un trabajo concebido a mayor gloria de la síntesis setentera, un disco tocado a mano, de forma artesanal, como los de antes, sin “plugins” ni sucedáneos MIDI, con profusión de sintetizadores monofónicos, algunos autoconstruidos. Ese soplo de vida analógica palpita a lo largo de los 40 minutos de este magnífico trabajo. De esto nos hablará Mon Ninguén en primera persona en un próximo artículo, o más bien masterclass, porque el proceso de composición, grabación y diseño sonoro de este álbum merece un capítulo aparte.

Con un proyecto musical normal sería fácil esperar lo que depararía Ultratumba, su reciente obra. Pero trajedesaliva no son un proyecto normal, así que el oráculo, o sea yo, no podía estar más equivocado. También es verdad que 15 años de parón desde su anterior trabajo quizá hayan tenido algo que ver en este nuevo rumbo. En cualquier caso, cuando ya los teníamos arrinconados y habíamos hecho hueco en nuestras estanterías para colocar Ultratumba al lado de discos de Univers Zero o Art Zoyd, se descuelgan con algo insólito. Hay que comentar Ultratumba a dos niveles, el puramente musical y el formal, que por supuesto acaban por conformar un universo propio y perfectamente ligado, pero que no por ello deberíamos dejar de diferenciar.

Y digo bien, “diseño sonoro”, porque la música es principalmente sonido, timbre, puede parecer una perogrullada, pero reconozcamos que muchas carencias de la música actual provienen de ahí, discos admirables composicionalmente hablando, pero clónicos en cuanto a sonido, sin alma. Ultratumba la tiene, un alma torturada que insufla un trabajo singular de puro sonido electrónico analógico como hace mucho que no escuchábamos, de tímbricas esplendorosas que tienden a lo oscuro, pero también a lo emocional. Un diseño sonoro que funciona como reverberación estética de la acción dramática que se está contando. Y aunque estamos hablando de sintetismo, y a medida que avanzas por sus vericuetos tengas la tentación de enmarcarlo en el dark ambient, el spoken word o el ruidismo post industrial, que nadie se espere un disco de género porque esto lo trasciende LaCarne Magazine

todo, y trajedesaliva no suelen responder a etiquetajes. Esa forma sólo es un camino para un destino perfectamente premeditado, el de herir la sensibilidad del oyente y devastarlo emocionalmente. El inteligente uso de delays aporta masas armónicas que entrechocan y se transmutan en orquestaciones fantasmagóricas, o extrañas polirritmias que rebotan y se retroalimentan. Cualquier término aplicado aquí pierde su significado en aras de una nueva forma de entender el sonido que es retro en el concepto, pero absolutamente novedoso en los resultados. Pero, y ahora viene lo bueno, podría deducirse de lo anterior que estamos ante una obra fría, de “sonido” más que de “música”. En absoluto, Ultratumba, y ahí entramos en el aspecto puramente musical, es un trabajo delicado en su agreste arquitectura, pletórico de sensibilidad y belleza, una belleza sórdida que te atraviesa sin caer nunca en la extravagancia, es más, «respetando» conceptos armónicos, rítmicos y melódicos muchas veces denostados por ciertas facciones del vanguardismo y la experimentación mal entendida. No descartes que alguna lágrima asome a lo largo de esta experiencia, o el vacío existencial que experimentarás al terminar. La brillante utilización de la materia sonora y su posterior modelaje, como el de un escultor sónico, de una belleza expresionista sin paragón y también de una singular atmósfera y una exagerada, pero brillante utilización de armonía vs disonancia, convierten a Ultratumba en un clásico instantáneo de las músicas creativas. Y en eso es también un disco de su tiempo, de un encanto desolador, y un nihilismo que deja espacio para cierto reencuentro con la infancia con sus terrores e ilusiones. Siguen fieles a esa economía de medios que es pura marca registrada, no hay largos desarrollos melódicos, más bien elipsis e insinuaciones que te lo dicen todo y llevan implícitas todo un discurso. Pero ese aparentemente

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sencillo conjunto se vuelve proteico a medida que la obra se desliza hacia su realidad alterada, y amplifica la emoción y el poder de evocación. Los textos siguen siendo lacerantes, quizá más que nunca, y cobran una dimensión trágica, no sólo en el transcurrir de la historia, sino en la maravillosa interpretación de unavena, con una voz a veces rota y gastada, susurrante otras o simplemente cautiva de su propia irrealidad, transmitiendo una paz desasosegante, casi como si se tratara de una liturgia profana, o simplemente transformándose en una narradora que te arrulla con un cuento terrible (en realidad qué cuento infantil no lo es), y ayudando a asentar la narrativa del disco que nos habla del abismo existencial de la maternidad, de la infancia perdida, la ausencia, o de la familia como lugar asfixiante a la vez que cálido e imprescindible. Textos y voz golpean el alma, incomodan y hieren a lo largo de esta historia desoladora y poliédrica de la que a buen seguro cada oyente sacará conclusiones muy diferentes. Asimismo, las brillantes creaciones visuales de la artista francesa Emilie Lagarde enmarcan la obra, y la sellan como un sarcófago lacrado (pleonasmo más que intencionado). Porque no es Ultratumba un disco de canciones, sino una obra conceptual en la que cada fase instrumental, cada pausa, cada suspiro, tiene una función y forma parte de un todo. Es por eso que no me atrevo a desvirtuar esta obra desgranando tema a tema su contenido. Ese placer te lo reservo a ti, querido lector. Sólo así podrás experimentar en carne y mente ese escalofrío… Ultratumba de trajedesaliva ya está disponible en CD y en descarga digital en una coproducción tripartita entre GH Records, Ferror Records y áMARXE Música.

Bandcamp trajedesaliva Bandcamp áMARXE

MÁS INFO LaCarne Magazine

La “no música” en tiempos de pandemia

cha todo, fruto de una sociedad desgraciadamente pasiva, que se alimenta de todo tipo de trivialidades sin cuestionar su valor. LEER MÁS

o me es para nada extraño que el sector musical sea el gran olvidado en los tiempos que corren. John Blacking decía que somos seres musicales por naturaleza. Somos y necesitamos música, pero: ¿para qué? Necesitamos música para no escucharla. Simplemente que esté ahí, para casi nada. Llevo toda mi vida dedicado a la música, y en mi tierra, Extremadura, la música sirve para bien poco. La “maría” del sistema educativo y el espectáculo que sirve de entretenimiento a las masas. Sólo cuando la música produce algún tipo de beneficio económico, o sirve de escaparate “extramuros”, tiene alguna importancia. Pero eso no es cultura. La cultura es otra cosa. Ahí reside un interés gubernamental que lo man-

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Cuando en lo que hacemos hay un interés individual y no colectivo, no hay cultura; ni a eso se le puede llamar arte. Lo que aquí se piensa, es que a los músicos se les hace un flaco favor por tocar, y nos hemos acostumbrado a eso. Un pensamiento que se ha convertido, hoy en día, en algo deliberadamente cultural. La apuesta por la música es ofrecer pequeñas migajas, que los músicos toman arrodillados como una gran oportunidad para mostrar sus dotes artísticas. Dotes que el público ignora, pues no le interesa. La creatividad no está al servicio de la economía capitalista; y por ello, el músico se busca la vida, se reinventa hacia el pasado, se acomoda, y le ofrece a sus seguidores sonidos de toda la vida, para que beban y bailen al son de una música que no les pertenece.

No situar la música en el contexto que verdaderamente le corresponde, ha traído las consecuencias nefastas que ahora sufrimos. La música no es solo el mero divertimento de la plebe, es un hecho holístico, complejo y funcional, y que, como un mero lapsus, hemos pasado por alto. Convirtiendo la música en negocio, y no en parte indisoluble de la vida, hasta transformarla en el nuevo mainstream.

tampoco hay música, o no toda la que nos gustaría. ¿Y nos extraña? Hemos situado a la música en el lugar equivocado. En los “no lugares”, como diría Marc Augé. En un lugar de tránsito, en el espacio del anonimato. Por eso ahora, la música es la no música.

Hay, en definitiva, una profunda falta de conocimiento, producto de la escasa educación artística de nuestra sociedad.

Más que oírla, la música debería pensarse, y por ello se ha convertido en el hazmerreir de la esfera artística, el pasatiempo de una sociedad dormida, y los músicos, cómplices de su muerte en vida.

Y así, los músicos se han acostumbrado a estar a mil cosas, que es como no estar a ninguna, simplemente para ganarse el pan. Y así, los músicos ya no son músicos, sino intérpretes. Y así, hemos acostumbrado al público a consumir, que no a escuchar. Por eso, la música se ha convertido en el telón de fondo de fiestas, de grandes concentraciones de borracheras y festivales, y, como a consecuencia de la pandemia ahora no hay nada de eso,

Solo hay un camino: o reinventamos la forma en la que nos relacionamos con la música y nos repensamos como músicos, o estaremos destinados a vagar sin rumbo por una tercera dimensión. Sin darnos cuenta que, hasta ahora, somos prescindibles. Estaremos constantemente mendigando dignidad por una profesión que aporta más que sentido a la vida, y que necesita de la más alta cualificación humana para existir de verdad. LaCarne Magazine

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investigación

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Jazz, creció muy influenciado por estos sonidos, hasta tal punto que con 4 años ya estaba tocando el piano. LEER MÁS

o, se ha muerto Chick Corea…, y con su muerte, el número de míticos músicos de Jazz vivos se reduce a casi dos.

Jo, se ha muerto Chick Corea… Cómo me fastidia, yo que perdí justo hace un año la posibilidad de verle tocar en directo, y ya, nunca más. Jo, se ha muerto Chick Corea… Vamos a homenajearlo de la única manera que sabemos en este espacio, contando su historia y teniendo presente su increíble legado musical.

Jo, se ha muerto Chick Corea…

Armando Anthony Corea nació en Chelsea, Massachusetts, un 12 de junio de 1941. Nacido en una familia donde la música estaba muy presente, pues su padre era trompetista de

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Con 8 años ya recibía clases del pianista Salvatore Sullo, quien le introdujo en la música clásica (una de sus principales pasiones), y también le acercó a las figuras de Horace Silver y Bud Powell, las principales fuentes de inspiración de Chick. Estudió brevemente en Columbia y Julliard, pero pronto dejó la escuela para curtirse como músico profesional. Durante estos primeros 60 pasará como músico a sueldo por las bandas de artistas como Sonny Stitt, Mongo Santamaría, Herbie Mann, Sarah Vaughan, o Stan Getz. La primera grabación ya como líder es de 1966, y se trata del tema Tones For Joan’s Bones. En 1968 realizó su primer álbum, en trío junto a Miroslav Vitous y Roy Haynes: Now He Sings, Now He Sobs. Este mismo año entró a formar parte de la

Jo, se ha muerto

Chick Corea

banda de Miles Davis, sustituyendo a Herbie Hancock. Ya deberíais saber que por esta época Miles Davis había hecho dos o tres revoluciones musicales en el Jazz, y en otra de éstas estaba… Decisiva para ambos será esta época, pues si bien Miles daba alas a sus jóvenes músicos para que experimentaran (le convenció para que empezara a tocar el piano eléctrico), sus jóvenes músicos le daban a Miles una visión que ya nada tenía que ver con los antiguos Bopers y su idea del Jazz. Estuvieron 2 años trabajando juntos, y como resultado salieron discos tan importantes como Filles Of Kilimanjaroy In A Silent Way, entre otros. Para Chick Corea, el gran músico por excelencia siempre fue Miles Davis, principalmente por esa capacidad de innovar, crear, investigar, y dejarse llevar por la fusión (algo impensable años atrás en el estricto y pureta mundo del Jazz). Cuando dejó la banda de Miles Davis, se metió de lleno en Jazz de vanguardia. Podemos

decir sin ningún tipo de tapujos que Chick Corea es una figura imprescindible en la modernización del Jazz. Pero, ¿cómo se consigue esto? Pues Chick lo hizo a partir de un grupo que no tenía nada que ver con el Jazz más convencional, Circle. El grupo estuvo activo de 1970 a 1971, y se caracterizaba por la experimentación pura a partir de sonidos Jazz. Os lo advierto, si no estáis acostumbrados puede resultar un tanto inquietante. Después de Circle, volvió a sonidos más clásicos, tocando para otras bandas. Sin embargo, el cambio grande estaba a la vuelta de la esquina, con la creación del grupo Return To Forever, el grupo de Jazz fusión por antonomasia, convirtiéndose en referencia del estilo a partir de una utilización muy enérgica de la fusión y un tanto adictiva. El grupo tenía fuerte inspiración rockera a la que se unían improvisaciones jazzísticas, y todo ello bañado con música electrónica. Una LaCarne Magazine

locura, vamos. No esperéis que la música de Chick os recuerde al Jazz de Louis Armstrong o incluso Charlie Parker, porque no. Debéis tener la mente abierta, porque, de primeras, estos sonidos suelen costar un poco, y más con la idea que tenemos del Jazz en la cabeza. El grupo desaparecerá a finales de los 70 habiendo marcado el camino del Jazz fusión. Los 80 supusieron una vuelta a los orígenes, pues se dedicó a profundizar en el piano jazz más clásico, haciendo giras con artistas pues de corte más clásico, como Roy Haynes, Thelonius Monk o Michael Brecker. También realizó alguna composición de música clásica tradicional. Hasta 1985, cuando creó The Electric Band, que, como intuiréis por el nombre, muy clásica no era. Era un músico inquieto, y mientras experimentaba con The Electric Band, no paraba de formar cuartetos con los artistas del momento. Así iba alternando diferentes tipos de actuaciones con diferentes bandas. A finales de los 80 conoció a Paco de Lucía, nuestro gran Paco. De esa unión no podía salir nada malo… Se influyeron mutuamente (hasta ahora no se había utilizado en Jazz la percusión del Flamenco), y además se hicieron eternos amiguis (menudo fiestón tiene que haber montado en el cielo de los músicos, madre mía). La influencia de Paco en el disco de Chick Zyryab es indiscutible. Las colaboraciones entre ambos son pura magia. Como podéis comprobar, era pura pasión musical nuestro Chick. Siempre incansable, en la década de los 90 formó un quinteto espectacular llamado Origin, donde tocaba versiones actualizadas de compositores más clásicos, como Bud Powell o Thelonius Monk. En este grupo se encontraba un joven y prometedor Avishai Cohen (que os debería sonar). No se cansaba. Con la entrada del nuevo siglo formó Chick Corea New Trio, de nuevo junto a Cohen y Jeff Ballard. Juntos lanzaron el álbum Past, Present & Future. Es curioso este

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disco, pues de las 11 canciones que tiene, tan sólo una es un estándar, el resto son todo canciones originales de Chick Corea. Durante la última época de su amplia carrera, volverá a su antigua pasión, la música clásica. Compuso su primer concierto para piano, que consiguió interpretar junto a la London Philarmonic Orchestra, y en 2004 compuso su primer trabajo sin teclados: String Quarter Nº1. Continuó grabando discos de Jazz fusión, hasta que en 2008 vuelve a reunir a Return To Forever, haciendo una gira mundial. Pero no contento con eso, ese mismo año formó un nuevo grupo, Five Peace Band, con el que también se embarcó en una gira mundial. Eran Chick, John McLaughlin, Kenny Garrett y Christian McBrie. En 2011 se celebró una retrospectiva del inmenso alcance de toda su música en el Lincoln Center, donde tocó junto a la Lincoln Center Orchestra. Además, presentó una nueva banda: Chick Corea & The Vigil. En 2015 dio un histórico concierto con Paco de Lucía en el Festival de Jazz de Vitoria. Madre mía, echadle un ojo de verdad, porque

la experiencia toca lo extrasensorial. Chick tenía una relación muy especial con la música española (y sus festivales), la cual siempre estuvo presente en casi todas sus composiciones. En 2016 celebró su 75 cumpleaños en el Blue Note, tocando con más de 20 grupos. Fue un hito musical sin parangón. En 2019 creó la Spanish Heart Band, junto a Jorge Pardo (músico de Paco de Lucía) y otros. En 2020 sacó su último disco, Plays. El 8 de marzo de 2020 dio su último concierto en España… jo. Como veis, la etiqueta de leyenda se le queda corta a nuestro Chick, ya que fue uno de los responsables de la entrada del Jazz en la Modernidad, así como de la consolidación del mismo como lenguaje musical, ya completamente contemporáneo. Además, fue protagonista indiscutible del desarrolo del Jazz fusión. Creó varios estándares universales: Spain, Windows o La Fiesta. En su última etapa se empleó a fondo en apoyar a las voces del Jazz, como el ya mencio-

nado Avishai Cohen o Lionel Loueke. Creó una plataforma divulgativa, chickcoreamusicworkshops.com, donde compartía experiencias y conocimientos. Sin duda fue unos de los pianistas más influyentes y decisivos del Jazz moderno, junto a Herbie Hancock y Keith Jarrett, pues dominó todos los estilos musicales que quiso, y siempre con maestría, y fue el pionero del piano eléctrico. Ha participado en una friolera de 95 álbumes, de los cuales 82 son suyos (cuenta con 23 Grammys). Seis décadas de permanente desafío musical. No me digáis que no es un prodigio, joder. Pero el 9 de febrero su vida se apagó. Tan entregado a la música, días antes de su muerte colgó este mensaje para todos sus fans, y no encuentro otra manera de cerrar este homenaje que con sus propias palabras, aparte de agradecerle eternamente su legado. «Quiero agradecer a todos quienes a lo largo de mi camino han ayudado a que los fuegos de la música sigan ardiendo fuerte». Gracias a ti, Chick. Gracias a ti. LaCarne Magazine

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entrevistas

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rass

un volcán en el género urbano

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onocemos a Rass desde el principio de los tiempos, cuando iniciaba su carrera con otro nombre, y acompañado de otras artistas. Siempre ha tenido claro el objetivo que quería conseguir, y lleva años perfeccionando su música y aprendiendo de los más grandes. Sus primeros trabajos en solitario (Polifonía – 2011, Blessed – 2015, y Sie7e – 2017) ya mostraban una pasión inusual, y un fuego que recorría tu cuerpo cada vez que escuchabas cualquiera de sus temas. Hace unos días Rass publicó Meraki, y fue un auténtico bombazo en el panorama de la música urbana internacional, un volcán de ritmos que acababa de estallar y se iba extendiendo país a país. Meraki está en formato Ep, y compuesto por tres temas cargados de ritmos potentes, combinados con letras contundentes y mensajes más explícitos que nunca, sin perder la esencia y personalidad que siempre han acompañado al artista. Navidad en Jamaica es el ejemplo perfecto de buen trabajo, y la confirmación de que Rass está preparado para todo. Pudimos hablar con él de Meraki, su nuevo disco, de sus inicios, y de sus planes futuros. Acompáñanos en esta completa entrevista repleta de fuego y música úrbana con Rass. por Pedro Gallardo

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Rass, un volcán en el género urbano Texto por S. Plata

eníamos muchas ganas de que llegara este momento para poder hablar contigo, Rass. Tienes muchas cosas que contarnos, pero, antes de entrar en materia, nos gustaría que nuestros lectores te conocieran un poco más, así que empecemos por el principio. ¿Cuándo y cómo empieza tu aventura en la música? En la adolescencia, concretamente a los trece años, comencé a escribir algunas frases sueltas intentando hacer que rimaran. Poco más tarde un compañero de clase me presentó a unos chicos que estaban bastante metidos en la cultura urbana. Bailaban break dance, pintaban graffiti, algunos también rapeaban. Empezamos a escribir canciones por la mañana en los cuadernos de la escuela, y por las tardes nos reuníamos en un parque a leerlas. Al principio ni siquiera las cantábamos, nos las pasábamos unos a otros e íbamos revisándolas y valorando. Con el tiempo empezamos a meterle flow y a rapear sobre ritmos que poníamos en un casete. Sobre beatbox o acapella, daba igual, lo importante era sentirlo. Ahí fue cuando me di cuenta que éste era mi camino, y aquí estoy veinte años después. Cuando empezaste en esto de la música, ¿recuerdas qué artistas o grupos escuchabas? ¿Quiénes eran tus referentes en aquella época? Desde muy pequeño tuve gran influencia musical en mi familia. Recuerdo ir de viaje con mis padres con unos cinco o seis años escuchando Bob Marley, Police, UB40, Michael Jackson… Alucinar escuchando a mi tío haciendo beat box, mi primo tocando el cajón… Pero cuando realmente empecé a desarrollar un gusto musical propio fue a los once o doce años. Empezaron a rular por el barrio un par de cintas de casete de Cypress Hill, Krs

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ONE, Cpv... Nos íbamos pasando unos a otros la música que íbamos consiguiendo, y era todo un regalo que alguien te pasase algo nuevo que escuchar. Has pasado por varias formaciones musicales como Nt, Ganjah Stars, o Grinders Band, y esas experiencias suelen hacerte crecer como artista. ¿Qué aprendiste en tu paso por estas bandas? ¿Qué mejores momentos destacarías? He aprendido muchísimo a nivel artístico y humano. Siempre intento absorber lo positivo que tiene que ofrecernos cualquier persona. En NT sentí lo que era hacer música por primera vez, mis primeras letras, algo que nunca había sentido. Ganjah Stars me ayudó a descubrir el estilo que quería llevar, y empezó a definir el sentido que quería dar a mi música. La formación Grinders band me mostró el camino, la tecnicidad combinada con el sentimiento más puro, el trabajo, el sacrificio. Estar rodeado de músicos tan increíbles me hizo evolucionar muchísimo. Tras tu paso por estas bandas decides volar y comenzar un nuevo proyecto en solitario como Ras Ganjah. ¿En qué momento ves claro que ése es el camino que quieres seguir? ¿Fue una decisión meditada previamente? Siempre sentí esa llama, algo dentro que me decía que algún día llegaría el momento de volar solo. Así fue, me lancé a buscar mi propio sonido y así crear mi proyecto personal. Fue una decisión meditada, y a la vez creo que impulsada por las ganas de experimentar con todo lo que había aprendido y evolucionado. Han pasado ya algunos años de Polifonía (2011), tu primer trabajo como Ras Ganjah. ¿Cómo lo hiciste entonces para componerlo, y con quién contaste? ¿Has vuelto a escucharlo? Si la respuesta es sí, danos tus impresioLaCarne Magazine

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nes después de los años. En realidad, no fue algo muy meditado. En mi barrio empezaron a moverse algunos audios míos cantando en el garaje de un amigo. Sin darme cuenta, y en poco tiempo, gente que ni conocía los llevaba en su teléfono. Esto hizo que me llamaran para cantar en un par de sitios, y ahí fue cuando conocí a Pulpo Selektah, fundador del colectivo Extremareggae. Él me consiguió algunas fechas en varias salas, y entonces nos dimos cuenta de que si alguien quería escucharme solo podía hacerlo en directo, no tenía temas grabados. Ahí fue cuando decidimos, con el respaldo de H22, grabar algunos temas y sacar una maqueta. Sin más, muchas ganas y poca experiencia. (jajajajajaja) Con este trabajo comenzaste a definir tu estilo hacia un sonido más dancehall, más urbano, y en tus siguientes discos, Blessed (2015) y Sie7e (2017), hemos visto cómo has ido evolucionando dentro de este género. Háblanos de cada uno de ellos, ¿qué han significado para ti? ¿Cómo ves ahora estos trabajos desde la distancia? He ido evolucionando y haciendo lo que sentía en cada momento, siempre ha influido de alguna manera el productor con el que he trabajado en cada uno de ellos. Blessed es un trabajo que recuerdo con especial cariño, realmente fue mi primer trabajo serio en solitario. Estuve creándolo y grabándolo en Madrid con mi hermano del alma, el eterno Mystic Selektah. Fue increíble cómo dejamos que todo fluyera durante varios meses en los que estuvimos centrados al cien por cien en crear, sin muchas pausas, pero con gran dedicación y sentimiento. Con SIE7E fue diferente. Trabajé con Fred en las instrumentales a la vez que iba comLaCarne Magazine

poniendo las letras de forma muy pautada y definida. Sabíamos el sonido que queríamos y trabajamos día y noche durante apenas dos meses. Fue brutal el ritmo con el que lo desarrollamos. Ahora cuando los escucho me doy cuenta de la evolución, evidentemente, pero sobre todo me doy cuenta de que sigo teniendo el mismo hambre e ilusión. En tu carrera como Ras Ganjah, a pesar de ser una carrera en solitario, no has trabajado solo porque has contado con varias colaboraciones y productores para tus trabajos. Háblanos de ellos, de quiénes te has ido rodeando durante estos años para hacer que tu música suene. Como bien decís, siempre he intentado rodearme de un buen equipo de trabajo y colaboradores.

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He estado involucrado en proyectos con artistas y dj’s de varios estilos musicales como Daddy H, Mayes, Lorkan, Dj 121, Rmd… Con alguno de ellos también he tenido la suerte de compartir escenarios. También he colaborado con multitud de productores y beatmakers de todo el mundo, como Kaloncha sound, Layer beats, Sh Prods, Justchill beats… Cada uno de ellos ha aportado una parte importante a mi trayectoria, y han facilitado el camino para que todo siga su curso. En estos momentos has cerrado una etapa como Ras Ganjah, y comienzas una nueva andadura bajo el nombre de Rass. Háblanos de esta evolución y del porqué de esta trans-

formación. ¿Qué hay de nuevo y antiguo en Rass? Digamos que todo ha cambiado, pero se mantiene la esencia. Es algo meditado a conciencia. Poco después de lanzar SIE7E, me di cuenta de que necesitaba hacer una pausa, viajar, aprender, reencontrarme, silencio entre tanto ruido. Han pasado casi cuatro años sin publicar ningún trabajo, exceptuando un par de singles con Kaloncha sound y Layer Beats. He estado trabajando duro en la sombra para volver con más luz que nunca, ahora tengo el sonido que quiero mostrar, y un equipazo detrás que iréis conociendo poco a poco a lo largo de estos meses.

En resumen, Rass es la luz que nació en la oscuridad, y renace con el estilo más incendiario que nunca. Acabas de estrenar nuevo material, un Ep con tres temas fantásticos bajo el nombre de Meraki. Antes de profundizar un poco más en ellos, dinos cómo ha sido el trabajo de composición. ¿Cuánto tiempo te ha llevado tener los temas para entrar a grabar? La verdad es que llevo casi un año trabajando en este sonido, en esta manera de expresar, en este concepto. He ido grabando demos que iba enviando a Jorge (SH Prods), y llegó un momento en que dijimos: ¨Esto tenemos que enseñarlo al mundo¨.

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se erice, y desconectes de todo lo que te rodea? Cuando no hay nada más que tú y ese instante, cuando creas algo de la nada, da igual si es música, un cuadro, una poesía…, y notas ese sentimiento. ESO ES MERAKI. No solemos hacerlo, pero tenemos que decirte que Navidad en Jamaica ha revolucionado la Redacción. Nos ha encantado. Háblanos de la letra. ¿Tiene un significado oculto? (jajajajaja) ¡Grandes! La verdad es que sí, tiene mucho significado. Fue el primer tema que compuse para el EP. Expresa un viaje por diferentes etapas. Tanto los flows como el ritmo cambian constantemente, mostrando cómo es necesario adaptarse a cada situación y aprovechar ese poder para cruzar cualquier meta. Hace poco alguien me dijo: “Bro! flow líquido”. Pues eso, fluyamos. Sabemos que no has estado solo, y que en este nuevo trabajo has contado con SH Prods en la producción. ¿Ya habíais coincidido antes? ¿Cómo ha sido trabajar con él? ¿Cuál ha sido su mayor aportación a este trabajo? SH Prods. ha sido una parte imprescindible en este trabajo. No sólo se ha encargado de la mezcla, sino que ha estado involucrado en la creación de todo el proyecto. Nos conocemos desde niños. De hecho, empezamos en esto juntos como vocalistas en Ganjah Stars. Él, aunque hoy en día me sigue mandando algún tema que graba e ideas de letras que compone, decidió hace años volcarse en la rama de la producción y el trabajo de estudio. Hoy en día es una pieza fundamental en mi proyecto musical.

El título llama bastante la atención, y su significado nos ha encantado. ¿Podrías explicarnos tu visión propia de este potente concepto universal? ¿Sabes ese sentimiento que hace que tu vello

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Sabemos que Meraki se encuentra en muchas plataformas digitales por todo el mundo, y queremos felicitarte por ello. ¿Qué puedes adelantarnos de este nuevo material sonoro? Cuéntales a los lectores qué trae Rass con su música en esta nueva etapa y en este nuevo trabajo.

Creo que como su nombre indica es un EP lleno de alma, letras llenas de verdad con ritmos contundentes, y un pequeño tour por diferentes estilos de la música urbana. Si os gusta el fuego, aquí encontrareis un auténtico volcán de emociones. ¿Habrá algún videoclip de alguno de estos temas? ¿Tienes previsto sacar más material, ya sea sonoro o audiovisual? ¿Qué puedes adelantarnos? En breve lanzaremos el videoclip del tema ¨Navidad en Jamaica”. Estamos en pleno rodaje, y puedo adelantaros que vais a alucinar. También sacaremos material visual del resto de temas, y además tenemos preparadas un montón de sorpresas que aún no voy a desvelaros, pero os aseguro que vienen unos meses cargados de novedades que iremos anunciando, por lo tanto tenéis que permanecer muy atentos a mis redes sociales. Actualmente la situación no nos permite disfrutar de presentaciones en directo como las de antes, y es complicado cerrar fechas para actuaciones en directo, e imaginamos que echarás de menos subirte a un escenario. ¿Cómo te estás adaptando como artista a esta nueva situación? ¿Cuál es tu plan para presentar este trabajo al mundo? No es nada nuevo, y, como todos sabemos, la situación es complicada, no solo para los artistas sino para la gran mayoría de la gente. Estoy trabajando duro con el equipo para planificar varias presentaciones en diferentes plataformas y redes sociales como alternativa a nuestras añoradas actuaciones en vivo.

Pongamos que la pandemia del Covid-19 nunca hubiera existido, ¿te plantearías hacer gira Internacional? ¿Qué países te gustaría visitar para presentar tu sonido? Probablemente estudiaría la posibilidad con el equipo, programaríamos varias presentaciones en España, y, si surgiese la oportunidad, nos lanzaríamos, por supuesto. Me gustaría ir a cualquier parte del mundo a presentar mi sonido. De hecho, me gustaría que mi sonido llegase a todas las partes del mundo. Guardo especial cariño a Francia por la experiencia vivida allí hace unos años, aunque quisiera presentar mi show en Sudamérica. Creo que mi música allí tendría buena acogida. Ojalá esta situación mejore lo antes posible, y que muy pronto podamos volver a verte sobre los escenarios de aquí o de cualquier parte del mundo. Te deseamos de verdad muchísima suerte y éxito en esta nueva etapa. Estamos preparados para el cambio, la respuesta está en cada uno de nosotros. Sólo debemos aprender a escuchar. Vamos a vernos muy pronto, estoy seguro. Mil gracias a LACARNE MAGAZINE por estar siempre y desde siempre. LOVE.

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ste año más que nunca, el activismo por la igualdad de género deberá demostrarse durante el 8M a través de las redes y otras plataformas virtuales o tecnológicas más que a pie de calle a causa de la pandemia del Covid 19. El 8M es la conmemoración de activismo y lucha que se realiza a diario, es una manera de ser, de comportarse, de respetar, de vivir…, forma parte de nuestras vidas. La sororidad la vemos representada en el arte, en el trabajo, en la educación en todos los ámbitos cotidianos, de manera que las nuevas generaciones tendrán la igualdad como algo intrínseco que no necesitará su reivindicación. En el 2021 contamos con 3 nuevas invitadas que, desde diferentes ámbitos como la educación, la música, o el periodismo radiofónico, y desde su perspectiva como mujeres, nos aceptan el reto (y esperemos que el placer de participar de nuestro cuestionario) tras una presentación previa de cada una de ellas. ¿Estáis preparados?

Feminismo y Música: Soledad Segura, Rocío Gomato y Elia Maqueda Soledad Segura

Sole (la confianza nos permite llamarla de esta manera más personal) es una activista de diferentes causas. Para ella, la música es casi un modo de vida. Desde hace muchos, muchos años empezó su andadura en las ondas radiofónicas como comunicadora, realizando programas de música donde daba a conocer

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a todo tipo de artistas y grupos, no sólo nacionales e internacionales, sino también extremeños. Si no nos equivocamos, su recorrido empezó en Onda Verde, luego Onda Campus con Alternative Nation Radio Station, y ahora en la actualidad en Canal Extremadura Radio tras haber realizado anteriormente otro programa llamado “Sólo soy feliz cuando llueve”. También está comprometida con la naturaleza y el medioambiente, siendo directora de Cocina con Armonía. Su andadura le ha llevado a Alemania, donde realizó prácticas en Radio Jazz Berlín, y por circunstancias de la vida regresó a Extremadura, donde la seguimos disfrutando. Es hora de que hablemos con ella.

Soledad Segura

¿Qué es para ti el feminismo? Igualdad y Sororidad. Estos conceptos han de reivindicarse hasta que existan, funcionen, y sean la tónica general de la sociedad. Una igualdad de derechos real, en todo el mundo, desde niñas a ancianas. Especialmente ante la ley, la educación, la sanidad, que elimine la pobreza, y sin peso de las religiones o tradiciones. Evidentemente, esto no es nada nuevo, ya desde niña me he cuestionado todo. Desde pequeña me llamaba negativamente la atención que se marcaran comportamientos o acciones diferente a la de los niños. Recuerdo aún ciertos hechos de forma nítida.

En mi mente no cabían las razones esgrimidas que se me daban, e incluso las mismas cosas que observaba… Algo que siempre me “chirrió” era el que debía comportarme de forma “adecuada” a mi sexo, roles que se mostraban desde todos los ámbitos, muchas acciones, gestos, comentarios, injusticias… Calificarme o auto-calificarme entonces como feminista, ha sido el resultado o la reacción natural y lógica a este cúmulo de vivencias. Así pues, tendré que serlo… Por tanto, el feminismo es esa herramienta de concienciación para aquellas mentes de ambos sexos que aún no se han dado cuenta que las funciones reproductoras y las genitales no deben marcar nuestra vida más allá de su iniLaCarne Magazine

cial razón o sentido. ¿Se está avanzando actualmente? Depende del lugar en el que viva la mujer. En mi caso personal, no encuentro en mi círculo masculino actual, inmediato y cercano, ningún trato contrario a la igualdad, ni siquiera de lo que llaman “micro-machismo”. Siempre he sido una igual, no me he planteado que tenga que ser diferente. Ahora bien, a mi alrededor observo que tanto a nivel conciliación familiar (que directamente no existe), ni a nivel salarios, a nivel sexismo, trato discriminatorio, supuestos roles, a nivel libertad, seguridad e integridad sexual y física, a nivel estético, no observo igualdad, y ser mujer se convierte en un inconveniente, y de verdad es que no lo entiendo, no tiene lógica ninguna, pero así de mal están las cosas. Añade color de piel, orientación sexual, religión, ideología, nivel de estudios, situación económica…, y tenemos el peor para todo. En definitiva, si eres Hombre, anglosajón, blanco, heterosexual, rico y protestante, no habrá nada que se te ponga por delante jeje… Dentro de veinte años os pregunto por vuestras hijas y sobrinas, a ver qué tal. ¿Es la música un medio para reivindicarlo? Depende de qué estilos o movimientos. Si hablamos de trap y reggeton, estamos en poco más que el medievo. Encima, para más inri, es lo más escuchado y lo que está de moda, así que ni me molesto en calificarlo, ya que lo considero un atentado en todos los sentidos. Entremos en materia, el underground (definido como movimiento contestatario, crítico o experimental, y está al margen de los circuitos comerciales habituales) es mi pilar cultural, de por sí minoritario y, para más inri, no hay muchas mujeres siguiéndolo o perteneciendo al mismo. Un medio minoritario de reivindicación es el Riot grrrl en el mundo underground, que generó un importante y necesario sentimiento de

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comunidad, y poco más conozco. Por otro lado, admito que la práctica totalidad de música que he digerido e interiorizado a lo largo de mi vida, desde los cinco años, que era bien pequeña, ha sido y es interpretada por hombres, y la razón es que suelo centrarme en el sonido que me aporta y punto, no en quién la compone o interpreta. Eso es así. Sin embargo, dejé de escuchar Hip Hop por el sexismo y la violencia, cuando, en los videoclips, las letras y las portadas de los discos a la mujer se reducía literamente a un “Cacho de carne” a merced de las necesidades del hombre. Ésa fue la razón. Esas imagenes explotadas hasta la saciedad de estereotipos dañinos, como pueden ser las de niña “tonta” o “delicada”, o de “voces añiñadas”, las “pavisosas”, “femme fatale”, “color rosa”, y un largo etc., que seguro a las personas que están leyendo esto le viene a la cabeza, no ayudan para nada. Cuando una mujer no tenga que salir desnuda a cantar para provocar sexualmente con el objetivo de destacar o vender discos, y en las letras aparezca continuamente como “zorra (no como la hembra del zorro)” “puta” y demás calificativos, estaremos consiguiendo avanzar. No es feminista el prototipo de Beyoncé ni el de las Spice Girls, ni nada de eso, la verdad…

La voz de The Duke Spirit, Liela Moss, me flipa. Son muchas, pero esta mujer me gusta especialmente. Admiro y soy súper fan de las L7, 7 Year Bitch, The Organ (desaparecidas), y Electrelane, ejemplos potentes de bandas formadas enteramente por mujeres, y añado aquí a Babes in Toyland, que engloboen el estilo grunge de las dos primeras bandas antes citadas, con Kat Bjelland como lideresa, Lori Barbero y Michelle Leon, sustituida por Maureen Herman, y Courtney Love, que tocó en un periodo muy breve, ya que fue expulsada.

¿Hay trabajo por hacer en Extremadura? Mucho, mucho, mucho jajaja De hecho, somos minoría en los estilos alternativos más allá del mal llamado Indy o el pop. Reivindico a la parte importante femenina de Acetre, a Mili Vizcaíno (amiga desde COU), y a Susan Santos. ¿Tienes algún referente musical y feminista? He devorado de casi todo, y en determinadas etapas seguía y disfrutaba a unas más que otras. Soy como PJ Harvey, una evolución a la madurez en mi sonido elegido jejeje. Admiro a PJ, es toda una figura musical para mí. Aunque he de admitir que cada vez me encuentro más “punk”, más Riot Girl, más como ese himno de Bikini Kill “Rebel Girl”. Muy grande Kathleen Hanna. Las que más me emocionan y son inmortales en mis escuchas por su voz son Lisa Gerrard, de DEAD CAN DANCE, y Beth Gibbons de Portishead; Shara Nelson, intérprete del tema Unfinished Sympathy, del primer disco de Massive Attack; Kazu Makino y Maki Takahashi de Blonde ReadHead. Lo fue intensamente Grace Slick de Jefferson Airplane, o la mismísima Janis Joplin, que me marcaron en su día como Joan Baez y ese concierto que dedicó a todos los presos políticos de latinoamerica.

Extrapolando personalidades, comportamientos y demás “etcs”, la adoro en únicamente sus dos primeros discos, imprescindibles en mi discografía también. Aquí hilo con las Bajistas, muchas en mi vida y en la música, grandes todas, como Melissa Auf Der Maur, que sustituyó a la desaparecida Kristen Pfaff en Hole (muerta por sobredosis poco después del suicidio de Kurk Cobain), y remplazó porsteriormente a D’arcy Wretzky en The Smashing Pumpkins. Las de mayor importancia y admiración para mí por tratarse de bandas de culto que son referentes: Kim Gordon de Sonic Youth, o Kim Deal de los Pixies, y vuelvo a aprovechar la ocasión para destacar a las Breeders, donde toca con su hermana y otras instrumentistas como Josephine Wiggs. Sumo a mi lista a Paz lenchantin, la bajista argentina que ha tocado en A Perfect Circle, Zwan, Queens of the Stone Age y en Pixies para cerrar otro círculo. No olvido a Sean Yseult, la que fuera bajista de White Zombie durante 11 años. Especial mención por importancia, tienen las bajistas en el movimiento Dark Wave, Post Punk, New Wave, e incluso Rock Gótico que tanto me gusta, figuras como la genuina Tina Weymouth de Talking Heads, cuya línea de bajo en Psycho killer es inmortal, y Patricia Morrison, que tocó en bandas como The Gun LaCarne Magazine

Club, Sisters of Mercy y The Dammed. La lista es casi infinita en cuanto a mujeres bajistas influyentes se refiere, y dentro de ese sonido oscuro de líneas de bajo, como las que Patricia nos dejó, aparecen grandespersonalidades, las más “dark”y profundas como Alison Shaw de Cranes, Lydia Lunch (Teenage Jesus and the Jerks), Anja Huwe de X-Mal Deutchland, que adoro. Reconozco que me encantan las alemanas como Anja, ya que son súper combativas, auténticas y originales. Sendos ejemplos son Bettina köster, que es música saxofonista, cantante, compositora y productora, y que, junto a Gudrun Gut (música electrónica, Dj, presentadora, productora musical y fundadora de Monika Enterprise), formaron y crearon la banda ¡Malaria!. Damas oscuras y mágicas son para mí Mónica Richards, de Faith and the Muse, Eva O, vocalista de Christian Death y Shadow Project, Larissa Iceglass, mitad de Lebanon Hanover, Siouxie Sioux, Ari Up (fallecida ya) de The Slits, Anka Wolbert de Clan of Xymox. No olvido a Low, donde la batería y la voz es de la gran Mimi Parker, cuyo estilo se mueve entre slowcore y dream pop. Baterista y cantante buenísima, y una auténtica debilidad, es Carla Azar de Autolux, y aprovecho otra vez la oportunidad para hacer una especial mención a la primera baterista “alternativa” siempre en la sombra, Maureen Tucker, de la Velvet uderground, que entre otras cosas fue eclipsada por el protagonismo de Nico. Me gustan las personalidades fuertes, creativas hasta la excentricidad, originales en definitiva, como Björk, que descubrí de pequeña con los Sugarcubes. Carácter y figura la que posee también Elizabeth Fraser “de y en” Cocteau Twins, This Mortal Coil y Massive Attack. No podía faltar Annie Lennox de Eurythmics, o Hope Sandoval con esa voz hipnótica, me-

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lancólica y dulce, que me sirve para nombrar a otra enorme dentro de mis referentes: Laetitia Sadier, que, junto la otra componente trágicamente fallecida, Mary Hansen, formaban parte de una de mis bandas fetiche: Stereolab. En el shoegaze destacan muchas mujeres multiinstrumentistas, letristas y compositoras, como Rachel Goswell de Slowdive, grupos de culto como My Bloody Valentine con Bilinda Butcher y Debbie Googe (también en Primal Scream). En Throwing Muses, Belly y en Breeders: Tanya Donelly.… Otra mención especial a Galaxy 500 con Naomi Yang, una bandaque posteriormente se transformó en Luna (imprescindible para mí), donde toca el bajo y canta Britta Phillips. En rock Alternativo, Lush con Miki Berenyi y Emma Anderson. En New Wave, dance-rock, pop rock destaco a Kate Pierson y Cindy Wilson, son de B’52, Joanne Catherall y Susan Ann Sulley de la liga humana… Son muchas las músicas de diferentes instrumentos que tocan en muchas bandas, para que luego te vendan a cuatro, o la gente no vaya más allá. Otro día hablamos, que estoy aburriendo ya jejej Termino en nuestro país, destaco a Ana Curra y a Paloma Chamorro por su gran trabajo en la edad de oro, y como referente en la comunicación cultural. En fin, esto es un no parar. Me dejo en el tintero a muchas más. Lo que está claro es que les suele costar el doble ser reconocidas, al igual que “llegar a”. ¿Se puede desde el ámbito laboral educar en la igualdad? Cómo que se puede jeje. ¡Se debe! Por supuesto, en el hogar y la escuela todo se enseña. ¿Festivales, radios, salas, pubs…, cumplen con la paridad? Jajaja NO. De todas formas, la paridad responde a otros criterios. La oportunidad es de

acceso a la cultura, a estudios, ésa es la clave de que a las mujeres les cueste el doble llegar como actualmente. Creo que, cumplido este objetivo, el que haya más mujeres tocando se rige más por estilos de música o por el tipo de público. Todo esto basado en mi experiencia y conocimiento, pues he estado en salas trabajando, y en multitud de conciertos y festivales. Me explico, a nivel instrumentista como en asistentes a salas, pubs o festivales, he visto más mujeres dentro del indipop o música latina que en el underground o el post rock, por citar ejemplos, o más hombres en el metal o el stoner que en un concierto de triunfitos, o consagrados hitos de seguidoras féminas como Alejandro Sanz, Sergio Dalma, Ricki Martin, Pablo Alborán, o cualquiera de similar a este tipo de música. Pensad, haced memoria. ¡Está lleno de chicas! ¿Razón o explicación? Tengo varias… En la radio es otra cosa. Llevo desde 1996, y si me centro en el aspecto formativo del periodismo o la comunicación, las plazas universitarias son mayoritarias de mujeres, como ocurre en las redacciones de los medios, pero tanto en la dirección como en la presidencia encontramos gestionando a hombres. No creo, al menos para mí es evidente, que se trate de un problema de formación, si no de igualdad de oportunidades al acceso. No nos engañemos, por desgracia ocurre en todos los campos y profesiones, no solo en éste. El techo de cristal no es una invención, es una muy mala realidad. ¿Qué le dirías a las mujeres/hombres que no se han sumado todavía al movimiento? No soy nadie para decir lo que la gente debe hacer, decir, pensar o sentir, pero esta reivindicación es justa, natural como la vida misma, y no pretende nada más que el reconocimiento de esa igualdad, y terminarán por verlo así y aceptarlo, ya que todo caerá por su propio peso.

La observación social es importante para darse cuenta porque, a pesar de la misoginia, los insoportables y atroces asesinatos, el maltrato de todo tipo y demás atrocidades históricas que se han empleado para someter y controlar a la mujer, las nuevas generaciones de hombres y mujeres vienen con otra mentalidad. No se puede ni se debe permitir más la desigualdad en cualquier ámbito si se quiere una sociedad sana, equitativa, justa, y feliz. Se trata, en realidad, de un despertar de la conciencia, y quien no lo respete, tendrá que someterse a la ley en la que estamos trabajando todos los días para que sea justa. Como mujer, como ser vivo, como persona, amo lo femenino, lo masculino, a las demás personas, y amo en general, y de eso se trata en definitiva, pensar en amor. El amor no permite nada más, y la desigualdad es otra manifestación de su falta. Así nos va a a la humanidad. Creo que debemos unirnos como especie para los desafíos que nos están llegando como especie, y sólo así lo conseguiremos. Si dejamos a la mitad de la población fuera, no somos ni seremos, no tendremos futuro. ¿Debieron realizarse las manifestaciones del 8M en 2020? Aquí prefiero no opinar, porque los datos que manejaba ya me hacían presagiar lo que se avecinaba un poco antes, y no se debieron hacer muchas cosas más. Llegamos tarde, y todo se comprobó…

Rocío Gomato

En anteriores artículos sobre música y feminismo, nunca habíamos entrevistado a un profesional del ámbito educativo especializado en la música. Maestra de educación primaria, es la responsable de uno de los proyectos educativos, creativos y musicales más interesantes de la educación extremeña: La Cacharrería Musical. Además, ha realizado colaboraciones con LaCarne Magazine

maestros como el pianista sinfónico Pedro Monty, y tiene su propio canal de youtube, donde podemos ver cómo se elaboran numerosos instrumentos musicales a partir de materiales reciclados. Ahora que ya conocemos a Rocío, charlemos con ella: ¿Qué es para ti el feminismo? Para mí es la igualdad de oportunidades entre mujeres y hombres en todos los ámbitos: político, social, laboral, emocional y económico. Las mujeres no somos el “sexo débil”, ni la “propiedad” de nadie. Poseemos las mismas capacidades, y no de-

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beríamos tener que esforzarnos el doble para demostrar nada a nadie. ¿Se está avanzando actualmente? Poco. Pienso que la educación es muy importante, pero también lo es (y mucho) el ámbito familiar, y si seguimos normalizando ciertos estereotipos y ciertas actitudes, no avanzaremos en la consecución de esta igualdad de derechos de todos los niveles de los que hablaba antes. Yo no puedo contar a mis alumnas y alumnos en clase que no son diferentes, si al llegar a casa sus padres siguen “obligando” a las hijas a “ayudar a sus madres”, mientras los hijos se sientan con él a ver la televisión, o se van

das como “excelentes”. Esto pasó por ejemplo con Anna María Mozart, con Clara Schumann, y muchas mujeres compositoras más. Cuando empiezo a explicar los autores de un periodo musical, de siempre les hablo de las mujeres que destacaron en él. Deben conocerlas en la misma medida. Sin embargo, a veces es muy difícil encontrar información sobre las mujeres-músico referentes de un periodo histórico-musical. En cada clase les hago cerrar los ojos y escuchar las audiciones de las mujeres y hombres más importantes del mismo. Siempre les digo: “¿podríais averiguar si lo ha compuesto un hombre o una mujer?”. “No, seño”, contestan todos. “Podría ser de cualquier persona”. Y ahí está la clave. Está bien compuesto, me gusta cómo suena, me provoca ciertos sentimientos y/o sensaciones… ¿Por qué va a ser peor si pertenece a una mujer?

Rocío Gomato juntos al bar. ¿Es la música un medio para reivindicarlo? Evidentemente, creo que es uno más. Las mujeres debemos alzar nuestras voces a través de la música, de la consecución de nuestros objetivos, depende muchísimo de nuestras actitudes. No podemos quedarnos calladas. En mis clases, cuando enseño “Historia de la música”, les explico lo difícil que ha sido siempre para las mujeres en este ámbito artístico. Desde el inicio, han sido muchas las composiciones musicales de mujeres que han sido atribuidas a hombres para que fueran acepta-

La música clásica ha silenciado desde siempre a las mujeres, anulándolas por completo. ¿Acaso nos parece normal, por ejemplo, que aún ninguna mujer haya dirigido el concierto de Año Nuevo? Conocemos a virtuosas instrumentistas de todas las épocas, ni rastro de las mujeres. Directoras, cantantes, pedagogos musicales…, todas están relegadas a “vivir en la sombra”. ¿Hay trabajo por hacer en Extremadura? Muchísimo. Son necesarias más políticas que defiendan la igualdad de derechos y oportunidades de las mujeres, que no sigamos siendo tratadas como meras “reproductoras”, madres y esposas. Nosotros estamos aquí para algo mucho más grande. Necesitamos compartir responsabilidades en casa, en la crianza de nuestros hijos, etc. LaCarne Magazine

En Extremadura la mujer necesita emprender más que en ningún otro sitio, necesita ser tratada del mismo modo que el hombre. No queremos que nos pongan tantas trabas. ¿Tienes algún referente musical y feminista? Las normas no escritas de la sociedad durante muchísimos años han dado por supuesto que hombres y mujeres tienen que hacer según qué cosas según cual sea su sexo. Hay quienes concibieron esto como algo absurdo, y levantaron su voz y su puño, convirtiéndose en referentes, como por ejemplo Nina Simone o Patti Smith. Tengo muchas mujeres músicos referentes que son feministas. Además de estas dos que acabo de citar, como Janis Joplin, Madonna, Tina Turner, Bárbara Streisand…, pero por encima de todas ellas siempre estarán Aretha Franklin y Billie Holliday. Aretha fue toda una luchadora, y una de las más influyentes a nivel musical en géneros que llegaron posteriormente. Luchó mucho por los derechos raciales y por la liberación femenina. Y cómo olvidar a Billie Holiday, otra mujer que cantó a la opresión sistemática del racismo y del sexismo. ¿Se puede desde el ámbito laboral educar en igualdad? Se puede, y se debe. El feminismo debe estar presente en todos los ámbitos. Solamente así lograremos que la sociedad trate por igual tanto a hombres como a mujeres. ¿Festivales, radios, escuelas, salas, pubs…, cumplen con la paridad? No, para nada. Pero es que eso de la paridad no debería existir, bajo mi punto de vista. Si realmente se mirara de igual modo a hombres y mujeres, si nos fijásemos en sus capacidades, actitudes, y en la consecución de sus objetivos, no necesitaríamos tener que estar pendientes de ese dato.

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Yo no entiendo como algo feminista eso de que, en una lista electoral, por ejemplo, la número dos “tenga” que ser una mujer, aunque no lo merezca, o aunque haya hombres que sean más capaces de desarrollar ese trabajo en ese puesto. Solo por cumplir con la paridad. No es justo ni para hombres ni para mujeres. Y a nosotras, creo que nos hace un flaco favor. Sin embargo, aún no hemos llegado hasta ese nivel de igualdad, y todavía necesitamos “forzar” que las empresas, los partidos políticos, los servicios públicos…, incluyan a las mujeres en sus listas y en sus consejos de dirección como altos cargos. Y el único medio que tenemos para conseguirlo es mediante esta ley. Hay que recordar que La Ley de Igualdad, cuyo título verdadero es Ley Orgánica 3/2007, de 22 de marzo, para la igualdad efectiva de mujeres y hombres, fue aprobada por las Cor-

tes Generales de España, y publicada en el BOE n.º 71 de 23 de marzo de 2007. Después de su entrada en vigor, esta Ley fue recurrida ante el Tribunal Constitucional el 20 de junio de 2007 por parte del Partido Popular, principalmente el articulado que afecta a las condiciones de paridad exigida en las listas de las candidaturas a las diferentes elecciones que se producen en España. ¿Qué le dirías a las mujeres/hombres que no se han sumado todavía al movimiento? Que nunca es tarde. Que nos escuchen y traten de entender todo lo que queremos explicarles. Que deben mirar desde el presente hacia el futuro, y dejar de anclarse en el pasado con la absurda idea de que cualquier tiempo fue mejor. Si creen en una sociedad más justa, más equilibrada, y mejor para todos, deben favorecer el feminismo por encima de todo.

¿Debieron realizarse las manifestaciones del 8M en 2020? No entiendo por qué no. Yo asistí, como cada año, acompañada de mi marido y mis dos hijos. Hubo muchos actos de distintos ámbitos durante este fin de semana, no solamente las manifestaciones del 8 de marzo. Hubo competiciones deportivas, corridas de toros…, todas con lleno absoluto. En España, en ese momento, no había ninguna restricción, así que no sé qué pretenden conseguir culpabilizando a las mujeres también de los datos de los contagios. Entre otras cosas, me parece algo irrisorio. Claramente, creo que es otra forma más del machismo que seguimos sufriendo a diario.

Elia Maqueda

Traductora profesional, y una de las voces folk

Elia Maqueda LaCarne Magazine

más importantes de Extremadura, y la mitad de uno de los proyectos musicales más interesantes que ha generado nuestra tierra, Ruiseñora. Pero, además de eso, es activista del movimiento feminista, perteneció al extinto colectivo Sisterhood. Sisterhood formaba parte del tejido asociativo cultural madrileño, donde desarrollaron fanzines, numerosas fiestas, y conciertos dentro del activismo de género. ¿Qué es para ti el Feminismo? El feminismo es un movimiento político y social que viene de largo (va ya por la ¿cuarta ola?), y nace por la necesidad histórica de alcanzar la igualdad de derechos entre géneros. Hace tiempo que ya no es el feminismo, sino los feminismos, algo que antes era, creo, positivo, y ahora ya no tanto, porque la cruda realidad es que nos encontramos en un momento en el que las brechas en el seno del propio movimiento están a la vista y son profundas. No debemos perder de vista las razones de ser del feminismo: se trata de un movimiento que, desde la lucha, aspira a la equidad entre géneros, y al fin del patriarcado como herramienta de opresión y manipulación. Para mí, además, debe ser un movimiento transversal, interseccional y diverso, que contemple todas las identidades que pueden (y deben) convivir bajo su paraguas. Porque, a modo de paraguas, tiene que proteger, y en estos tiempos en los que hay tanto que nos resta, el feminismo debería sumar. Sea como sea, es imprescindible y deberíamos tenerlo absolutamente integrado en la sociedad. ¿Se está avanzando actualmente? Ahora mismo hay, como decía, una fractura muy honda marcada por la transfobia en las filas del feminismo, y a mí personalmente me horroriza la sola idea de que podamos pensar que las personas trans han venido a quitarnos algo a las mujeres cis. El discurso tránsfobo me parece absolutamente intolerable, además de peligroso, y no

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alcanzo a entrever ni de lejos los valores de lo que entiendo como feminismo en ese mal llamado feminismo radical. En respuesta a tu pregunta, sí, se estaba avanzando, pero ahora desde dentro nos fagocitamos y vamos para atrás. Es una pena, porque se estaban consiguiendo muchas cosas, y no hay nada que venga a amenazarlas, así que deberíamos seguir en la lucha y mirar hacia adelante. ¿Es la música un medio para reivindicarlo? A mí no me parece que un grupo tenga que triunfar “por ser” de chicas, sino que debería hacerlo por cualquier otra razón, sin ser nicho de nada. Pero sí creo que deberíamos reivindicar y exigir que las mujeres ocupen más espacios en la música entendida como industria, sobre todo en puestos técnicos, directivos (en festis o sellos), en agencias de management y booking, etc. Desgraciadamente, aún es un mundo muy dominado por las formas machistas, y en el que falta una visión desde los cuidados. ¿Hay trabajo por hacer en Extremadura? Supongo que como en todas partes. No creo que la diferencia con otros sitios sea abismal. El feminismo es un movimiento autogestionado, de grupos pequeños, de tribus, de fanzi-

cernos valer y reclamar visibilidad que a los hombres. Es clave, y es un feminismo distinto, pero es muy necesario. ¿Festivales, radios, escuelas, salas, pubs…, cumplen con la paridad? Yo creo que el tema de la paridad es absurdo si solo lo vemos como un cupo que cumplir y luego “se pasa la moda”. Tenía sentido si calaba, si de verdad se empezaba a ver a mujeres en todos los ámbitos de la música. El otro día leí un artículo infame sobre “las bandas de chicas”, como si fuese algo nuevo, y que eso sea noticia, aunque sea para unos pocos “señoros”, demuestra que no hemos peleado lo suficiente. nes. Solo hacen falta mujeres que abran los ojos, y tengan entusiasmo y ganas de trabajar. El germen puede estar en cualquier parte, igual que también se agota y otras toman el relevo. Pero puede llegar a cualquier parte. ¿Tienes algún referente musical y feminista? Me gustaría pensar que todos mis referentes musicales son feministas, pero soy realista y sé que no es así, y que en todas partes cuecen habas. Siempre ha habido músicas políticamente significadas, claro, como Bikini Kill, Sleater Kinney o Le Tigre, o aquí Hello Cuca o Las Vulpes. De ahora te diría Ajuar, La Otra, la propia Lidia Damunt, Las Odio, y seguro que muchas más. Pero vamos, si me preguntas así referentes de ayer, hoy y siempre, te diría que Marisol. ¿Se puede desde el ámbito laboral educar en la igualdad? Se puede y se debe. Creo que esta parte del feminismo es la más fácil, la más institucional si quieres, y debería ser imprescindible. Más mujeres en puestos altos, menos discriminación por cuestiones de conciliación, equiparación de sueldos en el trabajo por cuenta ajena, y de tarifas en el mundo profesional freelance, donde a veces nos cuesta más ha-

¿Qué le dirías a las mujeres/hombres que no se han sumado todavía al movimiento? Que no sé a qué esperan. ¿Debieron realizarse las manifestaciones del 8M en 2020? Quizá peque de ingenua, pero dudo muchísimo que nadie fuera consciente de la magnitud de lo que se nos venía encima, así que plantearse si se debía o no hacer manifestaciones es como preguntarse si se debían o no hacer tantas otras cosas que se hicieron esos días. Yo estuve en la manifestación de Madrid y no me contagié. Tampoco sabía que corría ese riesgo, y cómo echo de menos esa sensación de no sentir riesgo ni culpabilidad con cada cosa que hago. Desgraciadamente, nuestra vida antes se vertebraba alrededor de conciertos, carnavales, procesiones, ferias, verbenas, festivales, y tantos otros actos multitudinarios. Y seguro que los echamos de menos. Así que, más que preguntarnos si debieron de realizarse o no, pensemos mejor en si se volverán a celebrar. Yo espero que sí. Será distinto, pero que sea, por favor, que volvamos a tener otros cuerpos alrededor gritando consignas, cantando canciones, bailando y rozándonos. Porque si no, vaya rollo.

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Vero Pérez

riqueza poética y musical

En esto la música ha jugado un papel sumamente importante. En este tiempo la música ha sido mi cable a tierra, me ha dado ánimo y esperanza.

strenando en diciembre 2020 el disco Cadáver Exquisito, nos conectamos con la artista Vero Pérez para conversar en exclusiva para LaCarne Magazine sobre su carrera musical y sus proyectos venideros.

¿Cómo nace Vero Pérez a la música? Nací con ella, siempre ha estado presente en mi vida, nunca me he imaginado separada de la música. Creo que desde que tengo uso de razón, cantar ha sido mi manera de decir las cosas (muchas o todas).

Vero Pérez, la voz y el canto en su máxima riqueza poética y musical

Antes menos consciente del poder de la música, pero ahora completamente segura de que no hay mejor manera de generar empatía. Canto desde los 7 años, y profesionalmente desde los 17 (ahora tengo 32).

Personal y musicalmente hablando, Vero Pérez, ¿cómo estás actualmente? Me siento tranquila, creo que fuera del dolor que trae saber de tantas pérdidas de amigos y personas conocidas, es un momento que nos lleva a reflexionar muchas cosas, darle nuevo valor a nuestras vidas, y a cómo las vivimos.

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¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en Vero Pérez? ¿Puedes mencionarnos algunas bandas o grupos de tu preferencia?

Pérez, ¿qué proyectos integraste en tus comienzos? Mi primera banda se llamaba Mala Praxis (era en el cole), con ellos hicimos el primer tributo a Pink Floyd, yo tenía 17. Luego empecé a cantar con DJ’s (Marcelo Guerrero, Lucas Wende), posteriormente a Efecto Mandarina, Jorge Villanueva, canté con Llegas, Taki Ongoy, Wara, entre varios proyectos que iban surgiendo en esos años para el Festijazz (donde canté desde el 2009). Integras el grupo Efecto Mandarina, ¿cuál es su discografía a la fecha? Soy vocalista de Efecto Mandarina, y tenemos 5 discos hasta hoy. El primero, que fue grabado en “Vivo” en el Teatro El Desnivel (2011), el segundo – En Vivo en el Festijazz – del 2011, luego tenemos el tercer disco – Al Final – de 2013, el cuarto álbum es Ningún Vals (2014) y nuestro último trabajo titula Frenesí del 2016.

Esto siempre es difícil de contestar porque -como te digo- nací cantando, y creo que absolutamente todo lo que he escuchado a lo largo de mi vida ha ido creando mi manera de ver la música (que es total). No la veo por géneros, la veo por emociones, y, desde los Boleros que escuchaba mi mamá, las Zambas que escuchaba mi papá, el Rock Progresivo que escuchaban mis hermanos, el Pop (que escuchaba yo), han marcado en cada aspecto de mi manera de escribir, ver, oír y vivir la música. Podría decirte desde Jordi, los BSB, Luis Miguel, Daniel Toro, Mercedes Sosa, Edith Piaf, Jeff Buckley, Led Zeppelin, Amy Winehouse, Stevie Wonder, Frank Zappa, Charly García, Soda Stereo, James Blake, ¿ves? Es demasiado diverso. Cuéntanos algo de tus inicios en escena, Vero

Estuviste un tiempo en la banda de Rodrigo “Grillo” Villegas, y también con la agrupación Wara. ¿Qué nos puedes comentar de dichas experiencias? Con Llegas grabamos el álbum Bipolar, con Wara grabamos el Wara Sinfónico, y nos fuimos de gira por Europa (fue una linda experiencia). Son gente buena, sencilla, y que ama la música que hace. Vero Pérez, cuál es tu experiencia dentro del Movimiento Cultural de la Música Contemporánea de Bolivia, ¿cómo te fue hasta ahora? Creo que si me ha ido bien es porque nunca he estado muy metida en ningún Movimiento específicamente. Considero a todos los músicos mis amigos y colegas, pero no creo que haya un Movimiento “real” de Música Contemporánea. Hay grupos de amigos y amigas, pero como sector aún no logramos establecernos. Es difícil en un país donde no existe realmente una cultura del artista. Sin embargo, cada quien trabaja por su proLaCarne Magazine

yecto, y mientras más avancemos individualmente (todos avanzamos), va creciendo, se va estructurando, pero falta mucho todavía. El trabajo con Jorge Villanueva también ha marcado época con su estilo particular. Escuché algunos temas en francés, aparte de la reedición del clásico paceño Collita. ¿Qué nos puedes resumir del proyecto musical? Con Jorge hemos tenido una gran conexión que nos ha llevado a viajar por muchos países y exportar la música, el hecho de cantar en otros idiomas nos abrió puertas. Collita ha sido un gran logro que honestamente no esperábamos. Esa canción hizo que la gente conociera mucho más nuestra música. Sectores que de pronto no escucharían Jazz, le dieron la oportunidad, y es gracias a Collita que ahora nuestra música está en una serie de Netflix. Yo le debo muchísimo a esa canción. ¿Qué título tiene la serie? La serie se llama 100 Días Para Enamorados, y salen 5 temas con Efecto Mandarina y 5 con Jorge Villanueva. Acabas de estrenar Cadáver Exquisito, el tan esperado álbum solista de Vero Pérez. ¿Cómo nace la obra? ¿Quién está en la producción musical? ¿Dónde lo grabaste? ¿Quién te produjo el disco? Cadáver Exquisito es un disco solista que nació en la pandemia. Mi otro disco solista lo sigo preparando (el 2019 firmé un contrato con un Sello Independiente en USA, y debía grabarlo allá), pero se estancó todo por la cuarentena, y estos meses me dediqué a componer otras cosas, de ahí salieron las canciones basadas en poesía. Ya había musicalizado algunos poemas, y decidí continuar en esa línea. Amigos me animaron a grabarlo, primero salió como concierto en Instagram, y decidí hacer un par de canciones más y que fuera un álbum. Gracias al apoyo de Gigio Diaz de Fuerte Audio, que me dio su Estudio con mucho desprendimiento, y con el talento de So Myung

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Jung como Ingeniero de Sonido y Productor, lo grabamos en 2 meses. Luego se fueron sumando personas para el arte, como Alejandra Alarcón (que hizo todas las ilustraciones) y Alejandro Loayza (que hizo el armado del diseño del disco). Con poemas musicalizados de Roberto Echazú, Matilde Casazola, Jaime Sáenz, Paola Senseve, Julio Barriga y Valeria Canelas, pasemos a desglosar la obra con el tema homónimo del disco Cadáver Exquisito. Acompañada de la guitarra, te expandes en una melodía plena de belleza acústica y finura en la armo-

Un día pedí a la gente -que me sigue en Instagram – que me dieran palabras, y que yo armaría una canción con todo eso, y así nació. Tenía que ser para el otro disco, pero tenía mucho sentido ponerla en este disco. De hecho, ya estaba haciendo otra canción, pero dije no, esto es un Cadáver Exquisito, tiene que entrar aquí. Y así fue que todo cobró sentido en el concepto del disco. Habla del tiempo, del amor, del hogar, de la simpleza de la vida. Tuve el honor y placer de invitar a un buen amigo (Andrés Rotmistovsky) en el bajo. Cuando la escuché terminada me di cuenta de que le faltaba peso. Para mí esa canción es como un reloj de arena, y sentía que la arena no estaba bajando, así que le mandé la canción y le puso el peso que le faltaba. Poema Curita, otra sencilla y hermosa canción donde te adentras con versos metafóricos y surrealistas, espléndidos y alocados. ¿Cómo se compone la canción? ¿Qué nos puedes contar de ella? Poema Curita es uno de mis poemas favoritos desde que soy muy chica. El 2003 me compré el libro de la Jessy Freudenthal en una Feria del Libro, y lo amé. Definitivamente cuando me nació hacer canciones, este poema fue sin dudar uno de los primeros en ser musicalizados.

nía. Vero Pérez, ¿cuál es tu experiencia en cuanto a producción de la canción? Realmente no sé cómo fue que todas estas melodías empezaron a nacer (ha sido muy natural). Me sentaba a leer el poema o a tocar guitarra, e iba creando partes que me decían las palabras. Yo no soy guitarrista, pero las cuerdas me decían para dónde ir, muchas veces ni sabía qué acordes estaba tocando, pero me dejaba llevar. Las melodías siempre han sido algo que me ha llenado de vida, y creo que fui soltándolas con las palabras. Sin embargo, Cadáver Exquisito ya la tenía hace un año atrás.

Las metáforas que tiene son maravillosas: un poema como curita, un corazón de carne molida, una lengua de alfiletero. Es puro dolor, pero un dolor dulce, totalmente del amor inconsciente, y por tanto quería decir todas estas cosas de la manera más dulce posible. Así se convirtió en una melodía tan relajada que decía al mismo tiempo: “Yo podría volarte la cabeza”. Me vino a la mente esa frase de Tom Waits que dice: “me gustan las bellas melodías diciendo cosas terribles”. En la punta de una espina yo siempre habitaré, dice en el tema En la punta, que es uno de mis preferidos del álbum. ¿Cómo nace la canción? ¿Quién te acompaña en la percusión LaCarne Magazine

e instrumentación? Matilde Casazola para mí es la madre de la poesía en Bolivia. Su poesía es tan orgánica y amorosa que tenía que encontrarle el equilibrio, por eso es una canción un poco más oscura.

Las percusiones del final las grabé yo, y en el violín invité a un gran amigo (Andrei Matorin) con quien yo vivía en Nueva York. Tiene un talento impresionante para improvisar, y necesitaba un aire oriental en la canción, él se lo puso.

Ella maneja mucho claroscuro en sus poemas, y hace mucho tenía esa melodía en mi cabeza, todo lo que pasa después en la canción ha sido improvisación llevada al extremo. En todo el disco grabé todos los instrumentos, las trompetas que se escuchan al final son mi voz, y la otra un kazoo.

Luminar es un bello tema de amor y luz, Vero Pérez, ¿quiénes te acompañan en la instrumentación? ¿Alguna anécdota del tema? ¿Qué te ha motivado para escribir la canción? Recuerdo en mi adolescencia ver y escuchar el video en YouTube de Blanca Wiethuchter recitando Luminar en Colombia, con un público casi en lágrimas escuchando toda esa luz y amor que venía de una voz tan pacífica y relajada.

¿Qué es la música y poesía para Vero Pérez? Son hermanas. Muchos artistas y músicos coinciden que sus discos son como sus hijos. La portada del álbum es digna de mención, ¿quién la hace? ¿Cómo se produce la obra? Me gusta muchísimo el arte de Alejandra Alarcón, es exactamente lo que necesitaba para el disco. Ella tanto como yo en la música manejamos mucho esa dulzura oscura, por tanto, no había manera de que alguien más entendiera el concepto tanto como ella. Tuve la libertad de decirle que me quería en la portada, y decirle los elementos que quería para cada canción, y que ella tenía la libertad de interpretarlos como yo había hecho con los poemas. Salió perfecto, exactamente lo que esperaba. En el tema La Noche te acompañan músicos interpretando -por ejemplo- el violín y las percusiones para darle un aire musical adecuado a su estilo. ¿Quiénes acompañan en la obra? ¿Qué te inspiró -en el infinito de la noche- para hacer la canción? Julio Barriga para mí es un “poeta maldito”. Amo toda su obra, y creo que toda su oscuridad me hizo escoger su poema La Noche. Eran días de pandemia, no se podía salir, pero La Noche te abre infinitos caminos, es una melodía y canción igual de oscuras, pero con una luz casi de discoteca que me hizo armar el tema así.

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Así que Luminar se merecía una melodía igual de amorosa. Desde la ventana de mi casa puedo ver la Muela del Diablo, y esos cerros siempre me han enamorado. Al leer Luminar y la frase de “Por qué cerro por qué ladera por qué montaña has bajado…” me hizo hacerle una melodía. En este caso -igual que en el resto de las canciones- yo toco la guitarra, y le pedí a Agustín Uriburu que me grabe el cello. Sentía que era el color perfecto para acompañar la canción y toda su luz. Nacer Hombre es tal vez el tema más social dentro del álbum. ¿Qué nos puedes contar de la canción? Nacer Hombre la hice en esos meses de pandemia, justamente porque realicé un trabajo de musicalización para “El Día del Voto de la Mujer en USA”. Me pidieron que interpretara algunas canciones americanas de la época, y pues yo decidí hacer una nuestra con el poema de Adela Zamudio. Quedé impresionada -al darme cuenta- de lo que escribió por 1880, y que las cosas siguen igual. Por ende es una canción repetitiva con pequeñas salidas oscuras y cuestionadoras. Como hablar de la luz es otra de las canciones más preciosas que me tocó apreciar dentro del álbum, con un mensaje positivo y lleno de

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brillo. ¿Cómo nace la canción? ¿Quiénes te acompañan en la interpretación de los instrumentos para la grabación? El 2018 la BBB me pidió musicalizar un poema de Roberto Echazú, y definitivamente Cómo Hablar de la Luz me tocó de una manera muy natural, y decidí re-grabarlo y hacerlo parte de este disco. Justamente se habla de un amor orgánico lleno de luz, campestre natural, amor cosechado. Por eso al hacer la canción me imaginaba

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un escenario muy rural, muchos tambores, y de hecho es una chacarera acelerada. Aquí So Myung Jung me apoyó en la guitarra, y yo grabé los demás instrumentos (bajo y percusión). La Partida es otra de las piezas que me hizo parar los pelos de punta por la hermosura del tarareo melódico al inicio de la canción. ¿Cómo nace y se hace el tema? ¿Qué poeta está en los versos? ¿Quiénes te acompañan en la interpretación musical?

Jaime Sáenz siempre ha sido parte de mi vida. En diferentes momentos lo he vuelto a encontrar y cada vez tiene un significado diferente, a veces es vida y a veces es muerte. La Partida es un poema que me persigue desde la adolescencia, amaba tanto a Sáenz que iba al Cementerio General a verlo (su poesía me ha marcado), es tanto amor al duelo que hace entender la muerte de otra manera. La Partida nació siendo casi una improvisación. Generalmente para componer uso un loop pedal y voy armando armonías vocales, y le añado los instrumentos con la voz. En este caso decidí que se quedara así (vocal), sin embargo invité a Andrés Proaño a que le pusiera un sintetizador (igual que en La Noche), dándole ese aire místico y misterioso que necesitaba. «La verdad es solo un vicio para aprender a maltratarnos, el miedo fue mi primera versión de anatomía…”, hermosos versos que rezan en “Trama”. ¿A quién le corresponden los textos? ¿Qué ritmos exploras en la canción? ¿Quién interpreta la música? Valeria Canelas es la poeta que escribió Trama. Da la hermosa casualidad de que es mi prima (nuestras madres son hermanas), y ella no vive hace muchísimo tiempo en Bolivia. La última vez que nos vimos, ella leyó un poco de su poesía en el Centro Cultural de España, y me enamoré de su poesía tan familiar, y sobre todo de este libro que se llama Maquinería, donde todos los poemas son partes de la maquinería de un teatro, y éste, Trama, es mi favorito. Justamente la primera frase te parte el corazón de entrada, creo que por eso lo escogí. Ella me había dedicado su libro con un: “ojalá estos poemas te inspiren melodías”, quién diría que años después pasaría. Nuevamente como pasa con Poema Curita, necesitaba una melodía dulce que equilibre el dolor de las palabras, por eso decidí invitar a Agustin Uriburu en el cello, que le da un color maravilloso a la canción. Cancioncita es el tema con el que cierras el

álbum de 10 canciones, que nos transporta a un tren con arreglos vocales alucinantes. ¿De quién son los versos? Paola Senseve es la autora de Cancioncita, mi mejor amiga, una mujer que con un aire sereno te puede despedazar, tanto así que el poema que escogí lo saqué de un libro que ella misma despedazó. Luego de ganar el Premio Nacional de Poesía con su libro Soy Dios, Paola decidió destrozar toda su obra, comprar sus libros y cortarlos, refrigerarlos, re-editarlos, y hacer una nueva obra que expuso en la Fundación Cultural del Banco Central el 2019. Esta canción es la más dulce de todas, la convierto en una Paola Naif para sacarle el jugo a uno de los poemas más luminosos que tiene, es una Paola niña que no quiere ser niña, y con mi canción la obligué. Por eso me encanta el resultado, es un juego, es un viaje, es infancia y es ligera. Las nuevas épocas han cambiado al planeta, y ahora la industria musical apunta a digitalizar el material discográfico, y muchos artistas distribuyen ya su música por las plataformas digitales. Vero Pérez, ¿cómo trabajas en este sentido? Vas a editar la obra en formato físico (CD) para los coleccionistas, más allá de colocar el material en las plataformas digitales de distribución musical. ¿Qué nos puedes comentar? De hecho, las nuevas tecnologías traen nuevas condiciones. Decidí sacar primero un concierto digital que grabamos con So Myung Jung, para luego lanzar el disco en plataformas digitales, y ahora sacaré el disco físico que de hecho será maravilloso con el arte de Ale Alarcón y Ale Loayza. Hay cosas buenas de la tecnología, es más fácil llegar a otros países, pero lo que se remunera de la escucha es muy poco, así que para el artista lo que más vale es el concierto (por ahora estamos en un momento muy difícil). Hay plataformas que venden los discos digitales, pero si tienes la opción de escucharlo gratis, obviamente la gente prefiere no pagarLaCarne Magazine

lo. Es muy duro lo que estamos viviendo al no poder dar conciertos. Vero Pérez, artista independiente, mujer musical que durante las cuarentenas ha canalizado su canto en un álbum magnífico lleno de brillo, ¿cómo te has desenvuelto dentro de estos tiempos de transformación planetaria que atravesamos? Yo creo que definitivamente era necesario ponerle pausa al mundo. No era necesario sufrirlo tanto así, hay mucha gente que estamos perdiendo en este proceso. Creo que es sumamente necesario volver a preguntarnos, ¿qué hacemos aquí y para qué hemos venido? Nada es casualidad, nada es porque sí, por más mínima que sea tu misión en este mundo, tienes que encontrarla, y eso requiere de mucha introspección (que de otra manera no habría sido posible). Vivimos mucho para afuera, y es importante también entender el adentro. Las nuevas tecnologías dan la facilidad para que el artista pueda lograr su obra a gusto, conforme sus deseos, Vero Pérez, ¿qué nos puedes comentar del uso de ésta para hacer el trabajo musical? Creo que las posibilidades son infinitas, pero hay que saber usarlas. Todo está ahí, pero sin consciencia puede caer en algo vacío. De eso también veo mucho actualmente en las redes, la banalización de la música, su contenido y su cometido. Eres de la nueva generación de artistas, quienes trabajan comprometidos y auto-gestionando su propio arte, ¿cómo puedes sobrellevar esta pasión con tanto esmero y dedicación? ¿Cuál es tu método y disciplina en este apasionante mundo de la música y del arte? Vivo de la música, vivo de crear y trabajar en música, doy clases de canto, tengo poca disciplina, pero creo en lo que hago, y eso es suficiente para ponerle toda la pasión a cada cosa que hago. En la medida de las posibilidades, dependiendo del panorama mundial y la contingencia sanitaria llamada “pandemia” y sus cuarente-

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nas, ¿qué proyectos tiene Vero Pérez para el presente 2021? Hacer los 10 videoclips y una presentación oficial del disco, y viajar a grabar el siguiente. Ahora preparamos videoclips con directores amigos, entre ellos Ale Loayza, Juan Pablo Richter, Rodrigo Bellot, Gatto Pino, Camila Molina, Yashira Jordan, Sergio Bastani, Alvaro Manzano, Ian Pons y Natalia Loayza. Con Efecto Mandarina igual empezamos a componer, pero decidimos parar los ensayos para cuidarnos. Luego de los años de experiencia y trayecto, has convertido a Vero Pérez en un personaje paceño dentro y fuera de la escena musical, ¿qué les dirías a las personas que quieren incursionar en la Cultura y la música en especial? Que cada persona tiene que preguntarse, ¿por qué hace lo que hace y por qué quiere hacer arte? Si es un llamado o si es un momento. En ambos casos es totalmente válido, pero el arte tiene que ser serio. Es el motor del mundo, para mí el arte es motor de sociedades, y crea humanidad al crear empatía. Hay que saber que no se trata de dinero, ni fama, ni fiesta. Todo eso es relativo y efímero, lo que queda es el trabajo, así que hazlo bien y con honestidad. Rodéate de gente que ama el arte tanto como tú, eso motiva, inspira y ayuda a crear más y mejor. Vero Pérez, ¿cuál es tu frase, lema, verso o dicho (ése que te anima, alienta, levanta y enfoca) para seguir en el juego de la vida musical? “Be water my friend” (Bruce Lee). Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, para los nuevos admiradores y seguidores de Vero Pérez. Gratitud infinita con la gente que vibra con lo que hago, como yo.

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Pusher

Metal Tribal latinoamericano vitación. Pusher se inicia en 1997 ensayando en el garaje del baterista Omar Rivera. LEER MÁS

entroamérica es una región donde siempre me sorprendo encontrando bandas de trayectoria, y que han marcado su escena. Pusher es una banda de Guatemala con años en este ámbito musical. Por medio de su vocalista, Chris Vandenberg, conoceremos sobre la trayectoria de esta agrupación.

Pusher, expandiendo el Metal latinoamericano

¿Qué tal, amigo? Bienvenido a LaCarne Magazine. Para comenzar nos gustaría que nos comentaras cómo y cuándo surgió la banda. Gracias a todos Uds. Mi nombre es Christian, soy el vocalista de la banda. Gracias por la in-

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Como muchas bandas, Pusher nace de una idea de guitarras afinadas en A, y batería de doble pedal de bombo. Con amplificadores, batería y micrófonos listos, tuvimos esa dicha de tener todos los elementos esenciales para poder iniciar y desarrollar la principal idea: habiendo química, todos siendo amigos, y apoyándonos entre nosotros. El primer tema compuesto se llama Violencia No. 1. Abiertamente te expreso que ya veníamos tratando de formar bandas desde el año 1992. Se podría decir que formamos una mejor banda unificando miembros de nuestras antiguas bandas. Esos elementos claves de pasadas experiencias, bandas como Euforia y Son de Rabia (1997), Lupus in fabula, Mundano (nueva alineación desde 2017-2019 hasta la actualidad).

En lo personal, mis influencias son de la música Metal Latinoamérica. Y disfruto mucho saber que tenemos agresividad en la música. También me gusta mucho el metal de las tierras anglosajonas, y mucho del Metal de Escandinavia. Me identifico mucho con la música que expresa un sentido de territorialidad, que abraza lo esencial de sus orígenes y creencias. En la actualidad existen bandas como Meshuggah, Skinlab, Entombed A.D, Darkthrone, Iron Maiden, Sepultura. Bandas de Latinoamérica que han sentado ya bases. En Bolivia, I.N.D.I.O; en Cuba, Escape; en Argentina, Jesus Martyr, A.N.I.M.A.L; en Puerto Rico, Puya; en Alemania, Varg; en Finlandia, Borknagar. La lista es muy extensa. El Salvador, Indesoquixtia, Aborigenes; de Honduras, Ixkal; de Guatemala, Mano de Mono; de Estados Unidos, Brujería, Soulfly, Fear Factory; de México, Thell Barrio; de Hungría, Ektomorf.

El nombre de la banda Pusher nace de algo bien sencillo. Creemos que sí, que empujamos lo suficientemente fuerte a las personas a identificarse con las bandas y también a hacer música original, y a sentir pertenencia en su escena local. Cada uno de los integrantes está siendo un “pusher” en realidad. También sabemos que la música incita al “mosh”, a empujar el uno al otro, a sacudir la melena. También es el que vende drogas y te invita a viajar más alto. Pero cuando es hora de bajar, te empuja para poner los pies en la tierra. Y porque somos oriundos de la tierra de los Mayas. Es donde nacimos, en Guatemala, y a eso hay que apuntar, a nuestras raíces, y expandirlas y crecer. Posiblemente fuimos músicos en una vida pasada. En cuanto a sus influencias, ¿qué nos puedes decir? ¿Qué bandas os han influenciado más?

Nosotros seguimos viajando por nuestro propio canal, buscando un sonido original. Usando guitarras de 7 u 8 cuerdas, lo cual implica un sonido bastante diferente. Sin olvidar mencionar los proyectos alternativos que realizamos con otros ritmos trillados y fusionados. Pero nuestra raíz es el Metal pesado. Escucha nuestra música gratis en línea en Bandcamp. Ustedes han catalogado su propuesta musical como Metal Tribal. ¿Por qué llamar así su propuesta? ¿De qué tendencias del Metal se nutren? Le llamaré tribal porque durante este viaje, sus señales, el trayecto, el sudor, deja huellas en la tierra. El horizonte nos indica que debemos entender la pureza de las diferentes tribus de indígenas y nativos en Guatemala y el mundo. Los sonidos tienen un sentido más puro y definido. Abandona la pelea constante de estar en contra de los dioses. Hacer de la vida una introspección constante. Te puede dar más años de vida. Lo cual me ha mostrado un camino más espiritual. LaCarne Magazine

Llevando nuestros propósitos musicales a otro pensamiento más ordenado en vez de vivir a la defensiva. Es mejor centrarse en elevar la flama de satisfacción gracias a lo que nos regala la naturaleza. Por ejemplo, en Guatemala el legado de los Mayas, su naturaleza, el temporal y la numerología astral, todos los elementos naturales en conjunción, el lodo, el sol, las tormentas tropicales, el aire, les han dado sentido a los instrumentos autóctonos de nuestra región. Y es por eso que exploramos lo tribal primero. Muchas bandas en el pasado y en la actualidad tienen problemas con el cambio continuo de integrantes. ¿Cómo manejan ustedes esa situación? Cuéntanos quiénes integran Pusher. Lo manejamos muy bien. Hemos encontrado una buena química con la alineación actual. Los nuevos integrantes son conocidos músicos de la ciudad donde vivo. Somos casi que una familia de amigos cercanos. Cada decisión se discute pasivamente. Cualquier cosa que pueda repercutir negativamente se pone sobre la mesa. En la actualidad, con la tecnología es mucho más fácil llegar a un acuerdo grupal. Nos reunimos cada semana para ensayar o grabar ideas nuevas. En cuanto a la genialidad musical, pues cada uno aporta su esencia a cada canción. La mercadería y diseños se le transfieren las ideas a diseñadores expertos que trabajan con nosotros. Igual el proceso de grabación y máster. Actualmente, Girón está en la batería, Linares está en el bajo, Cosenza en la guitarra, y yo, Vandenberg, en las voces y líricas. Vivimos en la actualidad donde la violencia y la corrupción están muy presente. ¿En su propuesta lírica tratan de denunciar estos males que acontecen? ¿Cuál es la temática de las letras de Pusher? Desde los inicios de la banda hemos señalado con las dos manos a los que abusan de poder, a los que se aprovechan del pueblo. Usamos la música para amotinar todos esos sentimien-

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tos que nos repugnan, de los que nos quieren oprimir a diario. Tratamos de ser lo más directos posibles. ¿Qué es 696 La Nueva Rebelión? Hay diferentes teorías de por qué somos la nueva rebelión. La mía es que desde que somos la antítesis de otras personas que son muy conservadoras, todo lo que gira alrededor de nuestra música, ya sea farra, gritos, volúmenes altos, son en son de rebelión. Y cada día es una nueva rebelión. El número 696 es algo que se implementó durante un evento que organicé en 1998. Estábamos en el escenario, y con el bajista Manuel Salazar fuimos invitados a disfrutar del momento, y mientras nosotros gritábamos 6, 9, 6 por el micrófono, la gente respondía a todo pulmón ¡La nueva rebelión! Lo hicimos para crear un ambiente dinámico, y para gritarle al público algo con lo que se pudieran identificar. La gente Metal subterráneo de Guatemala siempre ha buscado de una identidad, y ese día estaban sedientos de participación en

nuestro evento. Y así quedó grabado el 696 para siempre, como algo que retroalimentará a la gente con la banda. Con el tiempo nos convertimos en parte de la escena, e invitamos a muchas bandas a experimentar con afinaciones bajas y lírica con gritos. Desde el primer día nos imaginamos organizando eventos. Y así fue cada viernes durante casi 2 años consecutivos en las afueras de la Universidad de San Carlos del lado del periférico. Ustedes crearon hace ya algunos años atrás un festival, donde han podido presentarse bandas de su país Guatemala, y de la región centroamericana. Coméntame sobre este evento. Sí, es nuestro evento. Lo celebramos una, dos o tres veces al año. Este año fue clandestina la reunión. Le hemos bautizado METAL ABUSO. Este año se celebró la vigésimo segunda edición. El movimiento sigue en pie. Es un festival que cita a todos los géneros del metal en un mismo escenario. Con participación de bandas de

Guatemala y de la región centroamericana. Hace dos años llevamos el festival a Honduras, y hace tres años a El Salvador. Y esperamos poder llevarlo a otros escenarios como Nicaragua y Cuba. En el currículum de la banda está el haber compartido escenario con grandes bandas como Avulsed (España), Raíces Torcidas (El Salvador), Mantra (Costa Rica), Brujería (USA)… ¿Podrías hablarnos acerca de esas experiencias? Siempre es un honor tener este tipo de oportunidades. Telonear a bandas de alto calibre nos enseña otras perspectivas de perseverancia y disciplina. Manteniendo siempre la visión de seguir ofreciéndole al público material de alto nivel de ejecución. Luego de Demos a finales de los 90’s, su primer álbum fue el LP del 2002 La Nueva Rebelión. ¿Este material estaba en la misma línea que el actual concepto de la banda? El concepto de la banda es el mismo, y se irá a la tumba siendo metal pesado. Últimamente por la pandemia hemos estado trabajando en línea con otros artistas del país. LaCarne Magazine

Reconozco que el proyecto alterno fusionando a Pusher con otros estilos musicales llamado Metal-Step Allstar Collabs Vol. 1, es lo más actual en nuestro sitio web. Inclusive llegó al #1 de un top #5 del programa Transgresor de una radio FM. Pues la producción quedó súper fina. Como te digo, reconozco que hicimos algo distinto, y la gente aprecia eso, pero nuestra línea de composición siempre es y será estridente, y nos llevará por el camino de lo recio. En el 2017 sacan el EP Pelando Cables. ¿Cómo fue la aceptación de este material? ¿Salió como una manera de anticipar lo que vendría en su próximo álbum? Sí, el EP fue para llevar un material más reciente. Pues estuve sin grabar canciones nuevas por el cambio de integrantes durante varios años. También lo grabamos para comenzar a trabajar en fusionar samples del DJ Wizard Monster, quien luego, unos años después, trabajaría con nosotros el LP Metal-Step Allstar Collabs Vol 1. Cruzando Cables fue el LP del 2017, y sería bueno nos comentaras de este trabajo. ¿Cómo han percibido la respuesta del público y de la prensa hacia este trabajo? El público escucha el Cruzando Cables cada vez que tocamos en vivo, pues en esta producción está lo más reciente y más pesado de la banda. No hay evento que no lleve este material incluido. Pronto tendré más material para tocar en vivo. Adicional a Pusher, ¿alguno de los integrantes tiene proyectos musicales alternos a la banda? De ser así, ¿qué nos pueden comentar sobre estos? ¿Cómo logran complementar su tiempo con el trabajo que hacen en Pusher? El tiempo es bien limitado. El baterista Pablo Girón toca en otra banda llamada Aphylon. Todos los demás estamos dedicados a Pusher solamente. Su nuevo álbum, titulado Metástasis, me ima-

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gino esté próximo a salir, si es que no ha salido ya. ¿Cuál es el concepto general del álbum? Sí, es el nuevo LP, el cual estaremos grabando durante los próximos días. Como el título lo dice, es transmutar de un lugar a otro. A manera de verlo, este material es mejor que lo anterior. El pasado dejó excelentes experiencias y muy brutales canciones, pero tenemos que lograr aún una más elaborada producción con la nueva alineación. Bueno, en estos tiempos difíciles debido a la pandemia de Covid-19, me imagino que en

todo este tiempo de paralización no se han detenido. ¿Qué han hecho para mantenerse activos? Créeme que es cuando más hemos trabajado. Terminamos de lanzar a finales del 2020 un LP, Metal-Step Allstar Collabs Vol 1, donde, fusionando con otros estilos musicales, llegamos a conocer a muchos artistas de Guatemala y de la región. Hemos estado trabajando en nuevas canciones desde hace unos meses en Guatemala, de las cuales se demuestra que la nueva producción tendrá potencial. Me refiero por supuesto a Metástasis, que está proyectado

salir a la luz en unos días. Aún no tengo una fecha exacta. Y una sorpresa con los miembros originales que radican en Alemania llamada 888. Esto último, trabajado a distancia y también próximo a tronar tímpano. En la actualidad, la escena del rock y el metal en Guatemala cuenta con muchas bandas. Desde su punto de vista, ¿qué nos pueden comentar sobre la actual escena guatemalteca? Sí, hay registro de al menos 99 bandas de metal pesado, y muchísimas de rock. La escena está siendo afectada por distintos grupos y sectores, que han de sucumbir ante las autoridades municipales que tratan de limitar los pocos espacios disponibles en nuestro país, pero seguro seguiremos tocando e invitando a empujar más fuerte para llevar el metal a más rincones del interior del país, y a más cabezas de las ciudades más modernizadas de la región. ¿Qué se viene próximamente para la banda? ¿Festivales, conciertos, giras…? Claro, en la agenda post pandemia está por el momento METAL ABUSO #23, es seguro; el estreno del nuevo LP Metal-Step Allstar Collabs Vol 2; el LP Metástasis y 888; y un cortometraje de La Danta Films, donde musicalizamos el material llamado “Como una Piedra Rodante”, el cual será exhibido en festivales de cine a nivel mundial. Muchas gracias por tu tiempo, y mucha suerte para Pusher. ¿Algo que quieras agregar para terminar esta entrevista? De nuevo, gracias por la oportunidad. Visiten nuestras redes sin compromiso alguno. LARGA VIDA AL METAL EN ESPAÑOL.

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Acephaly

Death Metal en el corazón de Sudamérica I.N.D.I.O. Ahora nos adentramos en su proyecto Acephaly, hablaremos del Metal extremo hecho en las alturas de La Paz. LEER MÁS

onocí a Keru Von Borries aproximadamente en el primer semestre de 1999, gracias a la amistad que se iniciaba junto a su primo Jaime Delgadillo (quien grababa las baterías y percusiones como invitado del grupo The Way en el disco Nos Nos Van A Callar, del cual mi persona formaba parte). Han pasado dos décadas -aproximadamente-, y él ha logrado emprender bastantes proyectos musicales entre los que recuerdo a Pandegoreium (su banda cuando realizamos una entrevista a fines del 2010 para la televisión local y el programa Triburbana Boliviana), y actualmente apoyando en el bajo al grupo

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Acephaly, brutal Slamming Death Metal que nace en el corazón de Sudamérica

Saludos cordiales y gracias por la confianza, ¿cómo nace Keru a la música? Allá por el ‘95, después de asistir a muchos conciertos de Metal en el mítico Hotel Milton, influenciados por las bandas que existían y se presentaban, así como con el Movimiento latente. Con mi bro (Jimmy Zambrana) comenzamos a agarrar los instrumentos, él tomó la viola y yo el bajo, y comenzar a practicar. Después de estar en los EE.UU. (allá con los hermanos Delgadillo -mis primos-), los horizontes mu-

En sí, he comenzado escuchando Hard Rock, Heavy Metal y Glam Rock, las bandas clásicas desde Sabbath, Gun’s, Poison, Kiss, Maiden, The Police. De ahí comencé con el Punk y Hardcore como Ramones, Misfits, Agnostic Front, Exploited, SOD. Escuché Subvertor de La Paz, y comencé a consumir el Death Metal, lo que sería mi género primordial en la vida, y tuve un interesante paso por el Hip Hop, es algo que también me ha marcado, como Cypress Hill, Wu-Tang Clan o N.W.A. Últimamente escucho bastante Slam, como Kraanium, Devourment, Syphilectomy. Esta mezcla ecléctica, por decirla así, ha definido mi vida. Keru tiene el corazón de metal, como diría Accept. ¿Qué es ser un metalero de por vida o como estilo de vida? Cuando el Metal te elige -como yo pienso que lo hace-, te abre la mente, genera en ti una percepción objetiva de los diferentes temas que existen en el mundo y el universo, desde política, filias, diversión, depresión, etc.

sicales se fueron ampliando, viendo que era más factible poder hacer banda con composiciones propias y propuestas nuevas (simplemente con presenciar los ensayos del grupo Cikatriz, además de las bandas locales del Sur de la Florida). Al volver a Bolivia, van naciendo varios proyectos musicales como Anal Invaders, Sadomasochrist (entre otros), donde finalmente nacería mi primera banda formal (junto con Jimmy Delgadillo), que fue Undead a principios del 2000. Creo que ése es el origen de Keru como músico. ¿Qué influencias artísticas has recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en ti? ¿Puedes mencionarnos algunas bandas o grupos de preferencia?

Los hace parte tuya, y es así como tu corazón y alma crecen y se fusionan con el Metal y la temática que eliges. Esto no puede cambiarse jamás, por eso es algo de por vida, y que te sigue, seas quien seas, y te dediques a lo que te dediques. ¿Cómo fueron los inicios en la escena? ¿Qué bandas integraste? ¿Cómo naces a la vida metalera hecha en la hoyada paceña? Como te comentaba, ya son varios proyectos en distintos estilos en los que estuve como partícipe, por citarte algunos: Skorbutto, Anal Invaders, Sadomasochrist, Undead, I.N.D.I.O., JD Fantasma, Awake and Hopeless, Effigy Of Gods, Fuerte!, Rock Soldiers, Worship The Pestilence, Andy Pacheco Band. Nací a la vida musical, creo que oficialmente sobre escenarios de “verdad” con Undead, haciendo Death Metal principalmente. Fui haciendo música desde Death Metal pasando por Hip Hop, Indie, Hardcore, Slam y demás, lo que me ayudó a definir mi forma de tocar, LaCarne Magazine

así como la técnica y ampliación de mis horizontes a nuevos sonidos. Con el proyecto musical Pandegoreium, recuerdo haberles hecho una entrevista televisiva. Presentaban su material, y exponiendo con orgullo el Metal boliviano a nivel internacional. ¿Qué rememoras de aquella etapa musical? Fue una gran época (hace más de 10 años), hicimos un EP, un Live y un álbum (Wisdom Of Brutality), mismo que -como satisfacción personal- fue editado en el exterior, elegido el 2010 como uno de los mejores álbumes Underground del mundo por varios Zines a nivel mundial, así como ser distribuido en diferentes continentes. Fue un disco que mezclaba diferentes estilos, todos enmarcados en el Brutal Metal, pero se hizo una gran cosa con ese álbum. Hace un par de años, Catafila Recs (un sello nacional) lo sacó en cassette, otra belleza también. ¿Cuál es tu discografía a la fecha? Los más recordados y que se quedan en el corazón serían: Undead / Insane Religion, Pandegoreium / Wisdom of Brutality, I.N.D.I.O. / Instinto Natural De Interminable Odio, Acephaly / Annihilation of Senseless Existence (entre otros lanzamientos Under). Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa. Desde la trinchera del arte, ¿cómo te has adaptado? Obviamente, el cambio se siente, principalmente en que las tocadas con amigos en los boliches ya no existen, y fueron cambiadas por transmisiones o grabaciones. Esto obviamente le quita mucho de espontaneidad al performance, ya que mucho hace el feedback del público ante el show, para que se multipliquen las energías. Esto no hace que sea malo ver un show así, pero eso sí, nunca será lo mismo que estar ante 10 o 100 personas, el show “vivo” siempre será mejor. Lo que sí, ahora debemos aprender a movernos de esta forma, ya que la vida y salud de todos está en juego, así que debemos estar

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abiertos al cambio y acomodarnos a las normas que se definan. Te iniciaste en el Movimiento Metalero de Bolivia en tu ciudad natal -La Paz-. Ahora que han pasado más de 20 años de movidas, escenas, tocadas, etc., ¿cómo ves y vives la Cultura luego de la experiencia sembrada en el campo de juego? Todos los que estamos firmes al “pie del cañón” estas últimas 2 a 3 décadas, sabemos que la semilla fue plantada. Ahora estamos recibiendo los frutos, que se traducen en bandas nuevas, festivales con sonido profesional, eventos de calidad, producciones que no tienen nada que envidiar al extranjero, tanto en sonido, como en producción física. Así que es algo importante y llena el alma ver que cada vez hay más Movimiento y gente

Nos conocimos el 2016 en una de las presentaciones del Illimani Metal en la Plaza Camacho, presentados por Jorge Velarde de Worship The Pestilence. Creo que ahí es donde nace la verdadera imagen y vivencia de la banda, ya que coincidimos en muchos puntos de vista y definiciones de lo que queremos que suene en una banda de Slam boliviana. Yo personalmente soy el segundo más antiguo (ya que la banda tenía otros miembros). A esta altura, tanto Adrián como yo somos los que seguimos con la antorcha de Acephaly. Si mal no recuerdo, el EP fue editado de manera física y original (en su producción) por un sello disquero. El disco debut Annhilation of Senseless Existence del 2017 ha generado una buena apertura para la banda. ¿Qué nos pueden rememorar del material? ¿Dónde lo produjeron? ¿Cómo y quién lo editó? ¿Qué experiencias han recabado luego de su lanzamiento y difusión? Fue grabado el 2017 en el Estudio Powersound, propiedad de nuestro hermano Pedro Ascarrunz (Lilith, Black Candles), donde el mismo Pedro trabajó con la grabación, mezcla y masterización, así como con toques en la misma producción. que se mete -desde su realidad- a apoyar la movida metalera paceña y boliviana. Nos centremos en el actual proyecto que encaminas, Acephaly. ¿Quiénes lo integran y qué interpretan? A la fecha, Acephaly son Adrián en las guitarras, Grid en el bajo, Tincho en la batería y Keru en las voces. ¿Cuándo y cómo nace Acephaly? Nacemos como banda el 2014, bajo la iniciativa de Adrián Llano, por ende, somos unos de los pioneros del Brutal Slamming Death Metal en Bolivia, a través del demo Piles Of Mechanized Dead (2015). Adrián la formó con la idea de hacer una propuesta nueva en el país, cargada de brutalidad sónica y ningún respeto por el oyente. Es decir, la forma más pura del Slam.

Todos -como banda- nos sentimos totalmente a gusto en el Estudio, y personalmente me encantó, ya que Pedro me hizo sentir como en casa, que hasta pude llevar a mis dos changos a los procesos de grabación de las voces, una experiencia total. La edición física del álbum en formato profesional fue por parte de Jorge Velarde y su sello Catafila Producciones, mismo que hizo un increíble trabajo tanto en la producción como en resultado final, así como la distribución, llegando a públicos que nunca pensamos llegar, y estar disponible en sellos que nunca pensé estar y sólo conocía porque mis bandas favoritas están ahí. Esa parte es, creo, la más significativa y gratificante del disco, además que la parte sonora me encanta. “Brutal Death Metal” de La Paz – Bolivia. ¿Cómo se han catalogado? ¿Qué géneros LaCarne Magazine

musicales experimentan con Acephaly? En sí estamos catalogados como Brutal Slamming Death Metal, obviamente por la estructura musical base de nuestras canciones, aunque se ha explorado mucho con el Grindcore, Black, Noise y hasta algo de Groove. Eso es lo que hace de la banda una experiencia diferente en el ámbito de la brutalidad. Las nuevas tecnologías dan la facilidad para que el artista pueda lograr su obra a gusto, conforme sus deseos. ¿Dónde y cómo se produce Metal “musicalmente” hablando? La tecnología está ayudando a los músicos de gran manera en esta época, ya puedes hasta grabar un álbum completo en tu casa, puedes emular amplificadores, sonidos y demás, por una módica suma puedes tener el sonido que te daba un Estudio por miles de dólares.

el sonido y comenzamos a trabajar con los bajos y las voces. Obviamente, y, como te dije, la gente que graba y arma todo esto debe tener un oído formado, y amplitud de criterio musical para dar al músico lo que quiere y que tenga un producto de calidad. Uno pasa de ser joven metalero a papá metalero, si vale el término. En Bolivia, ¿qué es ser Metalero por convicción y como estilo de vida? ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuál es tu actividad paralela a la música? Creo que hay que dividir esto en dos partes: la convicción y estilo de vida es una, pero la forma de ganarse la vida puede generar una diferencia abismal entre ambos.

Obviamente hay que saber también usar esa tecnología, y ahí va el valor de los ingenieros que con su computadora hacen maravillas. Nosotros tuvimos gratas experiencias. Primeramente, en la computadora de Adrián, donde nace la magia, es decir, las violas y las baterías.

Esto se basa en que el Metal, obviamente, nos da un criterio personal, lo que hace y forma nuestro estilo de vida y forma de convivir e interactuar con el mundo, pero, por otro lado, en este país y en muchos otros, el Metal y cualquier otro estilo, peor si es Underground, no te genera un centavo para vivir, por lo que automáticamente debes buscar la forma de generar dinero, más aún si tienes familia.

Eso lo llevamos al Estudio, donde mejoramos

Es por eso que todos los días, por al menos 8

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horas, soy oficinista en una compañía de seguros, siendo la música el escape que genera la recarga de energías necesarias para continuar la vida de responsabilidades y compromisos que tenemos diariamente. Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero. ¿Cuáles son tus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirías a las personas que quieren incursionar en el Movimiento? El Under, sea el estilo que hagas: Metal, Hip Hop, Electrónico, Folklórico…, necesita de gente que apoye este Movimiento. Si quieres formar parte, armas una banda, armas un sello para producir bandas, distribuyes material, armas un Estudio de grabación o sala de ensayos, haces arte digital para las bandas, haces mercadería, organizas conciertos, haces audiovisual, o simplemente asistes a los eventos y consumes a la banda. Siempre hay una forma y un lugar para ti, hagas lo que hagas, y ése es el apoyo que todos le debemos poner al Under y para que pueda subsistir y lo siga haciendo hasta que ya no

existan más cultores de estos Movimientos (es decir, que nunca morirá mientras estemos ahí nosotros, las anteriores, y las futuras generaciones). ¿Cuál es tu frase, lema, verso o dicho? Ése que te anima, alienta, levanta, enfoca, etc. Para seguir en la batalla musical y del juego de la vida. ¡Fuerte!!! Ésa es la palabra, significa la fuerza, el empeño y la calidad que se tiene y le pones a la vida, y todo lo que te rodea. Siempre hay algo o alguien por quien luchar, así que adelante con “fuerza”, que la vida no termina hasta que te mueres. ¿En qué proyecto actual se encuentra la banda? Ya tenemos maqueteado lo que será el nuevo disco de Acephaly para este 2021. Para el segundo trimestre de este año ya comenzaremos con su pre-producción, esperamos tener hasta octubre el tan esperado nuevo disco. Si ingresan a YouTube y buscan Acephaly, encontraran varias nuevas canciones nuestras, mismas que formaran parte de este material. Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material y, cuando pueda, se irá a los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Acephaly. Gracias, querido Alfonseka. Un gusto recordar y afianzar la amistad que tantos años vamos cultivando. Gracias también a los fans de la banda que están siempre apoyando y compartiendo nuestra música. Sigan a Acephaly en Facebook, Soundcloud, Instagram, YouTube (principalmente), ya que estamos siempre subiendo información, memes y música, que es lo principal. Y para la gente nueva, pues denle una chance a Acephaly (si están interesados en escuchar música brutal, sin compromisos y poco digerible). Saludos a todos, y manténganse Under. Cambio y Fuerteeeeeee.

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Ktulu

grandes del Metal español Quédate con nosotros, y pasarás un buen rato conociendo las anécdotas que Willy ha vivido junto a Ktulu.

uy buenas a todos! Como siempre, espero que todos estéis bien. En esta ocasión os traigo una mega entrevista a Willy Espejo, fundador, compositor y vocalista de Ktulu, una de las bandas que considero de las más grandes del Metal español, porque han marcado la diferencia con su música.

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Espero que os guste conocer un poco más sobre ellos, y que la disfrutes tanto como yo, ya que para mí, personalmente, ha sido una auténtica pasada tener la oportunidad de hacer esta entrevista.

Ktulu, grandes del Metal español

Estamos en España, y aquí sois más que conocidos, pero LaCarne Magazine es una re-

Foto por Jaume Estrada

Metallica, Judas Priest o Iron Maiden. Durante varios años el grupo hizo sus directos, y grabó con «Momentos Thrashicos» su primer disco en vinilo (Involución, en 1991), y solo con este Lp el grupo ya creó una legión de seguidores. En el segundo Lp (Orden Genético en 1994) creamos un Metal mezclado con samples y teclados, con el que el grupo ganó más fervientes seguidores. Hasta que Ktulu fue elegido, junto al grupo de Rap Metal Def Con Dos, para la banda sonora de Alex De la Iglesia, gracias a la cual Ktulu conquistó un contrato con Warner, y de ahí en adelante, ya que sumamos 9 Lp´s en nuestra carrera metalera. Como dices, son nueve álbumes los que tenéis en vuestra trayectoria. ¿Cómo ha evolucionado la música de Ktulu desde vuestro primer álbum en 1991? Claramente ha evolucionado a un metal más pesado, con muchos más detalles en las líneas de guitarras, bajo, baterías, voces, y programaciones. Somos ahora mucho más limpios en la grabación, nuestras letras y nuestros mensajes siguen siendo fieles a la primera formación del año 86, de la que únicamente sigue Willy Espejo (Vocalista- compositor), el primer vocalista. Somos conscientes de que Ktulu es un grupo de culto, y los músicos que entran en él saben perfectamente que evolucionamos, pero no nos perdemos. Solemos ir bastante directos al «gen» del tema que estamos trabajando.

vista digital en expansión por Latinoamérica y Europa. ¿Nos puedes hacer una breve presentación para aquellos que os están viendo por primera vez? Sí, claro. Ante todo, gracias por vuestro interés en el grupo. El grupo se formó en noviembre de 1986, en Hospitalet de Llobregat, una ciudad al sur de Barcelona, pero dos años antes ya había reuniones en los pubs heavies de la ciudad en los que varios chavales que éramos, nos volvíamos locos por formar una banda similar a

¿Qué ventajas y desventajas encuentras en el sector de la música actualmente? Bueno, es claro. Antes, para que nos conociesen, íbamos dejando nuestras primeras maquetas en todos los bares, pubs, discotecas, radios, y alguna televisión que emitían programas musicales. Que te conociese el público que estaba en esos medios era un curro duro, firmabas tu contrato discográfico, tu gira, e ibas a por el siguiente disco. Ahora todo es una inmensa jungla de ceros y unos, donde lo tienes prácticamente todo, LaCarne Magazine

Foto por Sito García

pero realmente no tienes absolutamente nada, a una calidad baja y por lo que los grupos no cobran más que las migajas que las grandes corporaciones escupen. Las ventajas son claramente que cualquiera que pase por alguna plataforma donde estés, pinche en tu enlace y le guste, pero no seguirá a la banda con toda probabilidad porque la oferta es inmensa, y creemos que sin criterio alguno. ¿Cuáles son los planes de futuro de Ktulu? ¿Tendremos novedades pronto? Sí, claro, por supuesto. Siempre estamos con proyectos en la cabeza, arriba y abajo. Somos de culo inquieto, (risas). No siempre nuestros proyectos se plasman, pero siempre están ahí. Es más, las peores etapas que ha pasado el grupo han sido cuando se ha estancado o se ha acomodado. No queremos volver a revivir esos momentos más adelante. Concretamente estamos preparando un doble CD con nuestro nuevo trabajo y otro trabajo que llevamos un año y algo preparando, que se llamará El alma de las bestias, con temas regrabados de Lp´s como Orden Genético o Confrontación, en los que colabora Brigi (Koma, Vikingo Ex Narco, Ángelus Apátrida, Brutal Thin…). Es un gran trabajo que lleva-

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mos un año y medio deseando mucho sacar al mercado. En ello estamos. ¿Cuáles son las influencias (en general, no solo musicales) para crear vuestra música? Pues los grandes «musicazos» que tenemos, como Obús, Barón Rojo, Rosendo, etc. De la Bay Area de los 70s, 80s, 90s, etc., absolutamente todo. Soy un gran fan de esta etapa, grupos experimentales como Atheist, la música clásica por supuesto. El metal inglés o alemán, y hasta australiano. Tuve suerte con unos familiares que venían a casa con una gran colección de discos, singles, de temas inmensos que no conocía, y los iban poniendo mientras comíamos o hablábamos los días de fiesta tranquilamente. Supongo, como todos un poco, que los gustos musicales de nuestros hermanos mayores nos causan curiosidad. En cuanto a las letras, hemos tenido épocas, sobre películas de terror, de guerra, sobre temática Manga, sobre noticias o grandes conversaciones que hemos tenido con otras personas y nos inspiran. Al final, solemos componer sobre temas que nos inquietan, es como una liberación.

¿Qué música has estado escuchando últimamente? Pues ahora concretamente Hardwired…to Self-Destruct (METALLICA), The Serenity of Suffering (KORN), Makinal (Ktulu), y Power Up (AC/DC). ¿Cómo os van surgiendo las ideas, la inspiración que luego da forma a vuestros temas? ¿Tenéis alguna costumbre a la hora de componer? El proceso de composición de cada uno suele guiarse por como esté de estado anímico: cabreado o en plan místico, o gamberro, etc. Por lo que hemos visto estos años de creación metalera, cuanto más arraigado estés con el tema a componer, más llega a quienes lo escuchan. Normalmente he sido el creador de casi la totalidad de las letras de Ktulu, pero temas como Pura Vida, o Stereotipo de Jorge Cabrera (guitarrista en el LP de Ktulu de 1999), no desmerecen la calidad de nuestro trabajo para nada. La costumbre en las guitarras suele ser grabar la batería con un gran Groove «guapo», y seguirlo como si fuese un timón. Los baterías tararean mentalmente o hacen grabar a los guitarras sus ideas. Yo suelo pensar en una letra, y a partir de esa letra le damos una expresión con acordes y tralla. Cuando todo cuadra, es la re-hostia, y te dices: “Buas, otro gran tema, ¡¡¡cañaaaa!!!!». Solemos ser aleatorios en nuestra manera de componer, no tenemos un método. Algo que os caracteriza es la solidez de vuestro sonido. Es la fuerza de vuestra música lo que a mí personalmente me engancha a vuestras canciones, que son potentes. ¿Qué quieres transmitir con vuestra música? ¿Eres consciente del impacto que tiene vuestra música en el oyente? Bueno, no hay grandes lindezas ni misterios ocultos. Lo que queremos transmitir es la adrenalina, la fuerza y el mensaje. A nosotros también nos gusta cuando escuchamos algún tema, venirnos arriba, y dejar la tristeza o la

nostalgia para otros momentos si estamos algo jodidos por algún rollo. Sí, somos conscientes. Concretamente en la web corre un vídeo de un festival llamado Doctor Music Festival, concretamente en el tema Apocalipsis 25D. Ésa es la respuesta que esperábamos del público: fiesta y metal, sin concesiones. ¿Alguna vez te has «cortado» al expresar algo en concreto en algún tema? ¿Has suavizado o filtrado un poco la letra? Sí, claro, pero normalmente no es el creador de las letras el que suaviza o filtra como nos comentas, sino que pasas la letra por todo el grupo y por la gente cercana que conoces, y comentan: «Hostia!, esta frase no pega o me chirria». Si ves que son varias personas que lo piensan, le das una vuelta diferente y lo expresas de forma más cercana para su comprensión, pero en ningún momento para cortarnos. Es lo contrario que pensamos que tiene que hacer un creador de letras de Metal, tener miedo de lo que se dice. ES LO ÚLTIMO. Supongo que tenéis ganas de volver a pisar los escenarios… Claramente, claramente. Por supuesto que querríamos habernos subido ya en las tablas el año pasado, en el Leyendas del Rock, junto a TESTAMENT y ANTHRAX. Ktulu estaba deseando tocar en ese concierto, pero, bueno, gracias a los organizadores se ha pospuesto para el año siguiente con el mismo cartel. Llevamos alrededor de unos seiscientos y pico de conciertos, y no queremos dejar de contar producciones para nada, a pesar de los años que llevamos de giras. Nuestro objetivo este año, o el que viene, es por supuesto hacer algunas producciones en América, ya que el público de este continente nunca nos ha visto en vivo. En tantos años como banda habrás vivido muchas anécdotas. ¿Alguna que nos puedas contar? LaCarne Magazine

Pues hay muchísimas. Algunas veces cuando nos preguntáis repetimos, pero os aseguramos que hay para dar y tomar (risas).

a la luz un doble para Diciembre (Lp nuevo y CD recopilatorio):

Pues estábamos tocando por la noche en un festival conocido del Sur, y la gente estaba totalmente embrutecida, bebiendo, saltando, y gritando con el tema “Delirium Tremens”, que, por cierto, por entonces era el último tema que tocábamos. Era verano.

re)

Me cogió el micro un tipo gigante de las primeras filas, y en las últimas estrofas se puso a cantar (risas) ¡¡¡parecía el Yeti!! Pues vi que perdía el micro y le pegué un tirón con mucha fuerza para no perderlo, con tan mala suerte que el hombre soltó el micro en ese momento, viendo que yo lo quería recuperar, y me di con toda la bola del micro en los dientes (risas). Ya ves, el chaval pidiendo disculpas, y yo casi desmayado del dolor. Vamos, lo que es un concierto Metal!!! Pero mellado (más y más risas). ¿Cuáles son tus canciones favoritas para tocar en concierto? ¿Alguna de la que tengas un recuerdo especial de ese momento? La verdad es que le hemos dado vueltas a esta respuesta, pero no tenemos ninguna en especial. Decimos una, pero luego nos gusta mucho más otra, o la parte concreta de otra. Los verdaderos hits, como «Delirium tremens» o «Apocalipsis 25D» para el público. No tenemos ninguna en especial, por ahora disfrutamos con todas. Sí, claro, en algunos momentos cuando estás reventado de ensayar, de viajar, kilómetros y kilómetros, de casi no dormir…, cuando oyes los primeros riffs del primer tema, y al público ovacionar o cantar, es para vivirlo. Es demasiado, demasiado. Cualquier tema que abra el concierto es muy, muy intenso, de verdad. Y para finalizar, ¿algún dato adicional que quieras añadir o lanzar algún mensaje al mundo? Pues sí, claro, que ésta es nuestra discografía, y que estamos a la espera de poder sacar

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- LP (disco) Involución del 1991 (Semapho-

- LP (CD) Orden Genético (1995, reeditado en el 1996) (Dro/Warner East West) - LP (CD) Confrontación, (1997) (Dro/Warner East West) - EP (CD) El latido Del Miedo, (1997) (Dro/ Warner East West) - LP (CD) Ktulu, (1999) (Dro/Warner East West) - EP (CD) 2078´´, (2001) (Dro/Warner East West) - LP (CD) Show Canibal (2008) (Maldito Records) - LP (CD) Visión en la casa del Canibal, (directo 2010) (Maldito Records) - LP (CD) Makinal (2012) (Avispa Music Spain) - LP (CD) ….?: 2021 para Diciembre Y la participación en múltiples recopilatorios que hay disponibles en la red. Una vez más, muchísimas gracias por dedicarme tu tiempo para esta entrevista, cuídate. De parte de todo el grupo, gracias a vosotros. Y ya sabéis que ahora más que nunca hay que apoyar a nuestros artistas, así que, si os ha gustado, podéis seguir a Ktulu en sus redes sociales y plataformas digitales. También quiero agradecer a los amigos de SIX FORCE MANAGEMENT por hacer posible esta entrevista.

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Scoria

la banda del pueblo y el gran poder latino música hecha con el alma).

ientras escucho el tema Esclavo del disco Inmortal (2018), y busco información de la banda, me encuentro con joyas musicales como el primer cassette (Yo No Soy Ninguno de Arriba) editado en 1997. Conocí la música de Scoria con el disco AntiBolivia, cuando laburaba en Radio Graffiti (allá por el 2000). Hicimos amistad con el grupo, y compartimos en alguna ocasión el escenario. Los años pasan volando, es en serio. Gracias por la firmeza y el buen Metal, también por tomarse su tiempo para conversar sobre lo que más nos apasiona (la potente

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Scoria, la banda del pueblo y el gran poder latino

Personal y musicalmente hablando, ¿cómo está Scoria actualmente? Personalmente, cada quien tiene un camino muy distinto al otro, cada uno por su lado, con el trabajo, familia e hijos (en la mayoría de los casos). Musicalmente, hemos tenido un año de mierda (como todos), la última vez que tocamos en vivo fue en diciembre del 2019 (en El Alto). El 2018 salió Inmortal, un disco que nos costó mucho sacar. Desde el 2004 (que salió Resistencia) hasta al 2018 cambiaron muchas cosas, tanto en el ámbito personal de cada uno de nosotros, como en el país.

decir que hemos ordenado un poco las cosas en casa, y estamos listos para una siguiente etapa en la banda. Por ejemplo, a finales del 2019 filmamos el primer vídeo oficial de la banda (Buitres), que fue lanzado en el confinamiento (4 junio 2020). Cumpliendo 28 pirulos nos subimos al tren del streaming de música digital (un poco tarde). Paralelamente, otros amigos han estado haciendo cosas (versiones de Scoria y un documental), que son iniciativas que con mucho agradecimiento y humildad estamos colaborando de primera mano. Con esto del confinamiento y los conciertos en línea, en diciembre del 2020 (tarde de nuevo) dimos el paso de hacer algo parecido -pero con el tiempo y la calma que traemos por la edad-, se fue transformando en un proyecto diferente (del cual ya se estarán enterando). Y finalmente, hace unas semanas, nos sentamos nuevamente a componer, proceso que tuvo que ser interrumpido por esta segunda ola de la pandemia, pero que retomaremos pronto.

Conforme pasaron los años, y por diferentes motivos, nuestra presencia en escenarios fue bajando (de tocar casi todos los fines de semana, a un par de conciertos por semestre), y con el pasar del tiempo se hizo cada vez más difícil coincidir entre nosotros, incluso en la misma ciudad. Pero finalmente Inmortal salió gracias a un gran esfuerzo de todos en la banda, y de varios amigos que apostaron por Scoria y nos ayudaron a impulsar esto. Luego la historia la conocemos todos (el 2019 y 2020 han sido años complicados), pero creemos y entendemos que hacemos esto por amor puro a la banda (llevamos 28 años), y no planeamos irnos por iniciativa propia. Scoria nos saca de nuestra realidad y al mismo tiempo nos ayuda a afrontarla, pero ahora nos tomamos las cosas con más calma.

Hay Scoria para rato, acá estamos por puro amor al arte y a la camiseta. El 2022 cumplimos 30 años, así que nos gustaría que venga con otro disco. Veremos qué pasa. ¿Cómo nace Scoria? ¿Cómo nacen a la vida metalera? ¿Cuál es su breve historia hasta el presente? Bueno, Scoria nace en la ciudad de El Alto en 1992, junto a Ernesto Durán, los hermanos Guachalla, el Polilla, Sergio Mendieta, y varios amigos más, con la idea de hacer música que represente la realidad de la gente que nos rodea. En ese momento había muy poca movida Punk, así que era un poco raro o extraño porque no había conciertos diferenciados por géneros, y eso era bueno. Entonces escuchabas desde Black Metal con Sabathan, pasando por los Heavys, Thrashers, y varios estilos en un sólo concierto, hasta Scoria.

Así que desde que salió Inmortal, se puede LaCarne Magazine

La formación inicial grabó un demo cassette llamado Justicia Criminal (que hoy en día es difícil de conseguir), luego hubo muchos cambios con el pasar del tiempo, y la banda tuvo sus épocas, hasta que Elías Alconz se une y se graba el demo Corruptocracia -que al igual que el anterior-, también es una rareza.

metal, Rata Blanca, etc.

Ya a estas alturas Scoria tiene bastante apoyo (el bajista Luis Guachalla había dejado la banda, dando paso a Sergio Mendieta), luego de meses y cuando habían invitado a Edgar Mendieta a unirse como segunda guitarra, Daniel Guachalla también se aleja. Scoria queda con Ernesto “Rufo” Durán en batería, Sergio Mendieta en bajo, Edgar Mendieta en guitarra, y Elias Alconz en la voz.

Scoria había pasado de grabar en un PortaEstudio de 8 pistas a grabar en uno de los mejores Estudios (Pro-Audio) de la ciudad de La Paz, y fue bueno, el sonido mejoró bastante, y el disco suena bastante bien. La primera edición se agotó y fue necesaria una segunda edición, inmediatamente -seguida- de la firma de un contrato para grabar otro disco.

Con esta formación se graba la primera producción oficial, Yo No Soy Ninguno de Arriba (material que se distribuye a nivel nacional e internacional), y nos permite recorrer distintos escenarios. Luego de unos años -dos quizás-, Elías parte a Europa por motivos de estudio -y por razones de la vida ya no regresa-, por lo cual nos vemos obligados a continuar como un trío. Scoria grabamos el Anti-Bolivia en el año 2000 -una de las primeras producciones digitales en el país- que nos permite crecer bastante como banda, y pasar del circuito subterráneo a hacer shows multitudinarios y compartir con artistas de gran nivel y de todo tipo, como Aterciopelados, A77aque, Kjarkas, Trans-

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Hubo un Mix de todo en esa época, (fruto de ese auge) nos ofrecen ser parte de un Sello Conjunto que se llamó Wayna Audio. Ahí grabamos en el 2002 el álbum Sol junto al gran Ricardo Sasaki.

Por la presión que había en esos meses, nos deja Ernesto Durán e ingresa Sergio Larrazabal a la batería, con quien grabamos el álbum Resistencia (bajo el mismo Sello y en el mismo Estudio). Con este disco se nota un cambio o quizás una evolución, sin dejar de lado la identidad que ya es característica de Scoria. Luego vinieron viajes, shows…, se adhiere a la banda Diego Calderón (luego de una larga búsqueda de un guitarrista). La idea era grabar otro disco, pero se retrasó bastante, hubo muchos cambios personales durante esa época. En ese intermedio grabamos con Pro-Audio un EP parte de su colección Vibra Mi Patria.

Éste se llama “Pesadillas del Pasado”, y ya en 2018 sale el álbum Inmortal, hacemos un vídeo y ahora estamos trabajando en un proyecto bastante interesante. Y bueno, ése sería un súper resumen -del resumen- de la historia de la banda. ¿Quiénes integran en la actualidad Scoria y qué interpretan? Edgar Mendieta en guitarra y voz, Diego Calderón en guitarra, Sergio Mendieta en bajo, y Pelu Larrazabal en batería ¿Qué influencias artísticas han recibido? ¿Qué estilos musicales han influenciado en la banda? ¿Pueden mencionar algunas bandas o grupos de su preferencia? Como en la vida, cada quien jala para su lado, y eso es algo que últimamente contribuye mucho en nuestra composición. A mí (Edgar) me gusta de todo un poco, aprendí a tocar con Deep Purple y cosas así, pero hay un sin fin de bandas que no dejan de sorprendernos. A Diego, el Rock y Metal Progresivo (Rush, Dream Theater, Iron Maiden). A Sergio, de todo (quizás es el más Punk de la banda) escucha en gustos musicales. Al Pelu, más Thrash, Death Metal, mucho Rock Clásico y Pantera por encima de todo. Luego de casi 30 años de trayectoria, ¿qué es ser metalero de por vida? Para nosotros el Metal, la música y el arte se llevan en el corazón, por eso seguimos acá, es un tema de convicción. El metalero no deja simplemente de ser metalero, eso no existe. Tampoco se trata de llevar la greña larga y andar en botas todo el día, eso seguramente ha tenido su tiempo y es parte de la vida, pero no te hace metalero, y con la edad llevar greña se pone complicado, se cae, a veces no hay ni pelo, etc. Las personas cambian, eso es seguro, pero el Metal vive a través de las generaciones. Para nosotros esto es como el amor a los hijos

(eterno). Todos hemos tenido ese momento en la vida, cuando hemos escuchado esa banda, ésa que nos volaba la cabeza, entonces comenzabas a buscarla, y, conocías muchas más. Con los medios de antes (obviamente sin internet), las revistas, el intercambio, las tapas de cassette hechas a mano con los logos dibujados, los ahorros para comprarte el disco, conseguir la versión “americana” o “europea” con el librito completo, era una experiencia que hoy ya no se vive de la misma manera. Seguramente con todos los medios que existen ahora, ese proceso es diferente, queremos pensar que es así (porque de lo contrario se pierde mucho de la experiencia). Entonces el ser metalero probablemente no sea un estilo de vida, sino un tema de convicción, algo que simplemente esté en ti, el amor al arte, y la experiencia del viaje. Mas allá de que en una tocada “x” te hayas dormido y hayas perdido los zapatos, no creo que nadie pueda tener una mala experiencia con el Metal y su hermandad. Cuando entiendes todo eso y lo tienes claro, bueno, ahí eres un metalero. En resumen, te pueden pasar muchas cosas en la vida, pero el Metal es como parte de tu ADN y va a estar ahí para siempre, dispuesto a salir a flote en cualquier momento. El disco Anti Bolivia, con temas como Cada Día -entre otros que me gustan-, me conectó con esa nueva ola de música a inicios del 2000 y finales de los 90’s. ¿Cómo fueron esos tiempos en la escena? Recuerdo que representaban a la ciudad de El Alto ya desde sus comienzos. ¿Qué recuerdan de aquellas memorables épocas? La historia de Cada Dia es algo graciosa. Yo (Edgar) la había compuesto en 1992 y grabado en una cinta cuando aún no era parte de Scoria. Pero un día Rufo la encontró y dijo: ¡qué clase de héroes del silencio es esto! Era un buen tema, y decidimos incluirlo en ese disco, con la participación del maestro Freddy LaCarne Magazine

“Say No More” Mendizábal. Como te dije, en un inicio los conciertos eran uno sólo de todos los estilos, no había discriminación de ningún tipo, y es lo bueno del Movimiento en el que estamos. Un concierto une a generaciones, a estratos sociales y todo lo que te puedas imaginar, ya que puedes estar saltando al lado de alguien que apenas juntó el kivo (dinero) para su entrada, y al otro lado, a alguien que tiene todas las comodidades. No importa quién seas, ni de dónde vengas, el Metal a nivel global es una hermandad, y acá tenemos lugares épicos para recordar, como el Hotel Milton, la Rockerón, el Equi (en los años 2000 que daba fechas al Metal en viernes y sábado), o las tocadas en los locales de la plaza Juana Azurduy en El Alto. Luego vinieron los Rocksticios, y fueron sin duda “matanzas” inolvidables. En algún momento fuimos la banda alteña de ese estilo más representativa -a mucho orgullo-, luego nos tocó llevar el nombre del país para convertirnos en lo que ahora dicen: “la banda del pueblo”. Junto con Scoria, recuerdo haber visto el inicio del Movimiento Hardcore en Bolivia. ¿Qué rememoran de aquella etapa musical? ¿Cómo ven / viven la Escena y Movida actualmente? Pues al inicio no fue tan fácil. Los contactos eran por correo, y Rufo tenía mucha correspondencia (con bandas y colectivos de todo el mundo). Es así como se lograban los intercambios de material, tanto musicales como literarios, o sea, los fanzines. En algún momento él hizo uno -y varios amigos en La Paz también los hacían-. Esto fue bueno porque era la única forma de hacer conocer la música y el Movimiento de tu ciudad o de tu país. La movida actual (hoy en día) la vemos un poco desde afuera. Antes estábamos bien metidos, organizábamos conciertos con bandas amigas -locales y de afuera-, hicimos cosas con Transmetal, Pirexia, Anton, The Orange Man Theory, No Rest, etc. Acá -en la movida local- tocamos con todo el que te puedas imaginar, sin importar el género musical.

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Los años pasan y las cosas cambian. Ahora se puede decir que ya no estamos en el ruedo intenso (pero seguimos, y apoyamos siempre las iniciativas y bandas locales). Cuando podemos cuadrar todos, vamos a tocar. Para muchos músicos, los discos son como sus wawas, uno diferente al otro (en fecha de edición y sonido son únicos). ¿Cuál es su discografía a la fecha, y qué años se editaron los discos? ¿Algunas anécdotas de estas producciones? ¿Algún material marcó época en especial para la banda? La discografía oficial es: Justicia Criminal (Demo 1992), Corruptocracia (Demo 1996), Yo No Soy Ninguno de Arriba (Cassette 1997), Anti-Bolivia (CD 2000), Sol (CD 2002), Resistencia (CD 2004), Pesadillas del Pasado (CD 2014), Inmortal (CD 2018). Todos en su momento marcaron una época para cada uno, y las anécdotas son muchas para contarlas, pero algunas personas formaron parte de esos momentos, y pusieron algo en los discos, como la grabación de voces

de nuestra mamá (Sergio y Edgar) en “Hasta Siempre” en el Anti-Bolivia. Oscar García y Ricardo Sasaki grabaron algunas partes en el disco Sol, y en Resistencia nos acompañaron Juan Pablo Delgadillo de Pantano y Aline Rodríguez de No Rest. Durante las cuarentenas y la pandemia, la vida del planeta ha cambiado de manera plena y completa. Desde la trinchera del arte uno tiene que adaptarse. ¿Cómo se han sentido en estos nuevos tiempos de transformación? Consideramos que es una etapa bastante dura, y el mundo va a sufrir muchos cambios más, es muy difícil para todos. Creemos que muchas personas van a necesitar ayuda después de todo (quedarse sin trabajo y ver que las oportunidades se agotan, todas somos víctimas de esta pandemia). Los políticos que sólo buscan un interés personal, y sus seguidores que aplauden como focas por las miserias que reciben, en fin, es el comienzo de una gran transformación. Cuando salgas (y quieras ver todo como antes), y te des cuenta que mucha gente que conocías ya

no está, va a ser duro obviamente. Mientras, sólo queda reinventarnos y tratar de sobrevivir, los músicos tenemos ese escape (que nos da la oportunidad de escribir o expresarnos a través del arte), y eso hace que quizás podamos ser más estables en estos momentos. Acaban de estrenar el video del tema Buitres, dirigido por Miguel Valverde, una excelente producción. ¿Cómo les ha ido con la realización y filmación? ¿Qué anécdotas nos pueden rememorar? Bueno, no hay mucho que decir. El trabajo del Mizkicho es excelente. El día de la filmación nos falló el actor, así que el hijo de Edgar se ofreció obligatoriamente, y la vestimenta la hicimos ese cacho. Las motos, que eran dos, nos fallaron días antes, pero los amigos de Vikingos MC nos dieron una mano y vinieron un montón (salió mejor de lo que esperábamos). Un cuate nos prestó el drone, y fue a operarlo, ayudó muchísimo. LaCarne Magazine

Ahí aprendimos que las cosas como se fabricaban antes, eran realmente de calidad. Al final del video se ve cómo rompemos una tele antigua -bueno-, de eso hubo como 5 o 6 tomas porque no importaba cuánto la botábamos (nunca se rompía), las teles de ahora les das un topecito y chau pantalla. Están en el Movimiento Metalero de Bolivia con más de 25 años de movidas, escenas, tocadas, etc. ¿Cómo ven y viven la Cultura luego de la experiencia sembrada en el campo de juego? ¿Qué podrían resumir de su amplio trayecto dentro de la escena Underground e Independiente? Sí, hemos visto pasar generaciones -se podría decir-, muchas bandas aparecieron y desaparecieron sin dejar rastro, es una pena, porque hay bastante talento. Ahora más que antes tienes la oportunidad de grabar tus producciones, antes te costaba 40 o 50 dólares la hora en un Estudio, y era casi imposible pensar en grabar algo cómodamente -como ahora-. En cuanto a nuestro trayecto, en un inicio tratamos de recuperar la identidad cultural, el álbum Anti-Bolivia tiene canciones en aymará, y la actitud fue bien recibida. Con el tiempo aparecieron más bandas que revaloraban eso (también el Movimiento Wayna Rap -entre otros), y, bueno, la juventud levantó la cabeza. Lastimosamente los políticos usan esto a su conveniencia, pero están totalmente equivocados y en cualquier momento se les dará vuelta la tortilla. En resumen, plasmar tu producción y hacer tus canciones es bastante importante. Vimos muchos talentos desaparecer sin dejar huella, y eso está mal. De aquí a unos años nadie se acordará de ese virtuoso, y dirá: “mira… ahí está el que hacía tributo a Kiss”, pero los discos y los mensajes quedan y son parte de la historia. Hoy en día la producción se ha incrementado, y hay que apoyar lo más que se pueda. ¿Cuándo sale Inmortal? ¿Anécdotas de la producción? ¿Qué nos pueden rememorar del material? ¿Dónde lo produjeron? ¿Cómo y

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quién lo editó? ¿Qué experiencia han recabado luego de su lanzamiento y difusión? Inmortal sale el 26 de junio de 2018. El 2017 fuimos a hablar con el Gigio Diaz para poderlo grabar en Fuerte Audio (ahí nos dice que la producción, mezcla y masterización la haría So Myung Jung). Cerramos el trato muy rápidamente y comenzamos. El trabajo de So Myung cumplió todas nuestras expectativas. En algún momento So Myung nos empujó bastante a acabarlo. Ya con una mezcla final, fuimos a tocar algunas puertas -todo cuesta “un ojo” pues-, y un día nos encontramos con el Keru Von Borries de I.N.D.I.O. -y nos recomienda hablar con Raúl en No Wasted Records-. Arreglamos la cita y fuimos muy humildemente a ver si podíamos conseguir algún tipo de apoyo (pero Raúl nos abrió las puertas de par en par, un crack el jefe, un tipazo). Hoy en día ya somos varios que formamos parte de la familia de No Wasted Records, que tiene un apoyo alucinante a la producción nacional. No Wasted Records editó el disco, las poleras se acabaron en 2 días. Por ahí casi tuvimos un problemón: el cuate que hizo el arte nos entregó primero el diseño del CD (ya que tenía que irse a fabricación al Perú y se necesitaba antes), y de repente desapareció… No había arte para el booklet (pero el CD ya estaba listo y en Bolivia). Por suerte, luego de algunas semanas apareció, tuvo un tema de salud del cual salió (afortunadamente). El disco físico está para los melómanos (los músicos y los metaleros somos así), nos gusta ir al baño con el booklet pues, y leerlo enterito, escuchar el disco con el booklet en mano no tiene precio. Pero hoy en día la música se distribuye de otra forma, con calmita el 2020 comenzamos con esto también (con la distribución digital). Así que vamos a darle fuerza a esto también, pero siempre habrá el disco físico, simplemente no podemos renunciar a eso. Centrémonos en el actual proyecto que encamina Scoria, el álbum Inmortal, que salió edi-

tado por No Wasted Records. Mientras defienden el álbum, vi que preparan algo en Fuerte Audio ¿Qué se está por producir? Bueno, Inmortal es un disco diferente, posiblemente sea el primer disco de Scoria en el que todos han contribuido con algo. En una gran mayoría de los casos, llegaba Edgar a los ensayos con música y letras ya hechas, nos indicaba un poco, se hacían algunos cambios, arreglos, etc., pero la base ya estaba. Con Inmortal ha sido al revés, cada quien venía con una idea, un pedacito de algo, y así poco a poco hemos ido armando todo, entre todos. Estamos contentos con el resultado, un disco es algo bien personal, lleva todo lo que tienes dentro (lo bueno y las cagadas también), y este disco lleva un poco de todos nosotros. Este 2021 -como has podido ver- estuvimos en Fuerte Audio (en este momento produciendo algo). Pronto daremos más noticias. Scoria es un referente a nivel latinoamericano de Metal, y un orgullo de Bolivia en cuanto a música se refiere. Recuerdo su clásico Amukim entre otros temas que se han convertido en himnos para su gente que los sigue en toda Bolivia, y el planeta entero. ¿Qué canciones los identifican según ustedes? Eso es algo bien personal. Evidentemente hay temas por los que nos reconocen en varios escenarios y lugares, como El Trompo, Amukim, Nunca Más, Seremos Millones, Nexos, etc. Pero también hay otras canciones que nos las piden mucho, y por alguna razón que desconocemos no las hemos tocado mucho en vivo (Pachamama, Amanéceme, Exclavo, Malditos). Cada tema tiene un lugar para alguien, y un momento también. Creo que la pregunta va más para todos los amigos que nos han acompañado durante todos estos años. Para nosotros, hay temas que guardan también un lugar especial, por ejemplo Cada Día, Mi Ente, Días de Furia (depende a quién le preguntes).

Recuerdo verlos abrir el show a la banda argentina A.N.I.M.A.L. (si mi memoria no me falla y engaña), y tener una fuerte actividad realizando eventos para traer bandas como Transmetal de México en el 2000. ¿Qué nos pueden comentar al respecto? ¿Con qué bandas han tenido el gusto de compartir escenarios y trabajar codo a codo? ¿Qué conciertos o eventos han marcado su carrera? Hay una infinidad de bandas con las que compartimos escenario. Lo de A.N.I.M.A.L. es una anécdota aparte (por el apoyo del público hacia nosotros). Tocamos también al poco tiempo con Carajo, que es la banda de Corbata (ex bajista de A.N.I.M.A.L.), abrimos para A77aque. Sí, en un tiempo éramos como un referente, entonces las bandas se contactaban con nosotros y organizábamos una tocada (armábamos todo), y apoyábamos para que continúen ciudad tras ciudad. Bandas de Uruguay, Argentina, Brasil, etc. Quizás los conciertos que marcaron fueron los de Derechos Humanos (el primero), porque éramos una banda chica y nos pusieron a cerrar el show. Había nervios y miedo porque la plaza estaba llena. Antes de nosotros tocaron artistas de renombre, y -pues- nosotros éramos sólo Scoria (sin videos en televisión ni nada), pero nos subiLaCarne Magazine

mos e hicimos lo nuestro. Más de 10 mil personas saltando (desde el escenario se veían 4 o 5 remolinos de gente haciendo Mosh), y fue ése el momento en el que nos dimos cuenta que estábamos en el camino correcto. Al año siguiente se repitió la historia, pero ya no fuimos los de la cola, y mientras tocaba se veía al costado del escenario a una flaca enorme saltando. Cuando terminé, me abrazó (a Edgar) y me metió a su camerino. Había sido Andrea Echeverri de Aterciopelados, quienes nos felicitaron por la energía en el show y demás. Bueno, son cosas que uno podría ir contando por horas. Desde el disco Anti Bolivia, pasando por Sol, y llegando al Inmortal, ¿cómo ven la evolución musical de la banda?¿Qué géneros musicales han experimentado con Scoria? Scoria nace como una banda Punk, y en el fondo todos tenemos ese Espíritu, pero la evolución musical es otra cosa. Ese Espíritu es el que no nos deja encasillarnos y dejar fluir lo que queremos tocar, nunca pensamos en hacer un disco de tal o cual estilo. Las canciones nacen de acuerdo al tiempo y al estado

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de ánimo, o de acuerdo a lo que esté pasando históricamente en ese momento. A partir del Resistencia, empezamos a componer canciones para dos guitarras, y eso le da otra cara a la banda, pero nunca dejó de sonar a Scoria. Evolucionar está bien, refresca el sonido, pero no cambia la esencia. Te mentiría si te digo que hacemos un estilo en particular, ahora estamos haciendo canciones, pero siguen siendo Scoria y así será hasta el final. El cassette debut es algo histórico, como banda independiente y auto-gestionada, en la actual época tecnológica, con su reciente ingreso a plataformas digitales como Spotify (como muchas bandas). ¿Qué rememoran de esta experiencia vivida? ¿Del análogo al digital? ¿Cambia la forma, pero se mantiene el fondo del material físico al virtual? Es realmente algo nuevo, seguimos acostumbrándonos. En ese sentido somos bien vieja escuela, nos gusta el disco, el casetito, soñamos con tener un vinilo nuestro algún día. Tener un disco nuevo es una experiencia maravillosa, quitarle el plastiquito, ver que no se

arruine el sticker de afuera, volver a pegarlo, el booklet es algo bien importante, leerlo de cabo a rabo es como tener una conexión con el artista. Esas cosas no deberían perderse. En resumen, el disco virtual es una bosta, pero ahí está, tiene que estar, es así como se mueve el mundo hoy en día. No podemos hacer nada al respecto. Uno pasa de ser joven metalero a papá metalero, si vale el término. En Bolivia, ¿qué es ser Metalero por convicción y como estilo de vida? ¿Cómo puedes sobrellevar esta pasión? Si es que existe, ¿cuál es su actividad paralela a la música? Tres de cuatro tenemos hijos (son lo más importante en nuestras vidas). Edgar trabaja en el ambiente de espectáculo como luminotécnico, Diego trabaja en una empresa de ingeniería y da clases en la Universidad, Sergio y Pelu trabajan juntos en una empresa de construcción. A pesar de todo, llevamos la música siempre con nosotros, y a todo lado. No hay manera de separarse de ella. Un mensaje para los nuevos y viejos miembros de la Cultura alrededor del planeta entero. ¿Cuáles son sus palabras de experiencia a la gente, luego de los años recorridos? Unos mensajes de ánimo para las generaciones venideras. ¿Qué les dirían a las personas que quieren incursionar en el Movimiento? Tener una banda es como una familia (y no también), nosotros somos bien ajenos uno del otro (pero no al mismo tiempo). Hay bandas que van hasta al baño juntas (y ahí están), y las hemos visto nacer y morir en poco tiempo. Eran buenas bandas, pero están un tiempo y luego de un par de años ya no pueden verse ni las caras. Hay que encontrar un equilibrio, y darle el tiempo que se merece a la banda (pero también darse tiempo para uno mismo). Las relaciones interpersonales son jodidas, no puedes esperar estar siempre de acuerdo con todo y todos. Todo parte del respeto mutuo, creo que ésa es una de las razones por las que seguimos acá después de tantos años.

La formación actual ya tiene 13 años sin cambios (no nos vemos y todo bien), pero estamos al tanto y en contacto siempre. Cuando nos vemos, las cosas son como en un principio. Así jodido, nunca nos hemos peleado, nada que no se resuelva hablando, siempre basado en el respeto a los demás. ¿Cuál es su frase, lema, verso o dicho? Ése que los anima, alienta, levanta, enfoca, etc. Para seguir en la batalla musical y en el juego de la vida. En otros tiempos seria “gratis changooooo” (jajaja, solo para entendidos). Pero ya seriamente, no hay una frase que resuma ese ímpetu por salir adelante. Cada caída impulsa y hay que saber aprovechar cada segundo y cada latido. Ves a los lados, y cuando menos sentido tiene la vida, hay personas que te han seguido -y te están siguiendo-. Eso te impulsa, todos somos parte de esto. Adecuándonos a los nuevos tiempos y sus medidas de seguridad durante la Nueva Era dentro de la Madre Tierra, ¿qué proyectos se vienen en el 2021 para Scoria? Este 2021 se viene algo que esperamos lanzar muy pronto (ya les estaremos contando o simplemente madrugando). El 2022 quisiéramos festejar los 30 años con un disco. Veamos qué pasa. Un mensaje de despedida para la gente que disfruta de su música y la sigue en las redes sociales, se compra el material y, cuando puede, se va a los conciertos, también para los nuevos admiradores y seguidores de Scoria. Pues… agradecimientos infinitos a ti, a la gente que continúa con nosotros, y a la gente que se une en el camino. Apoyen a las bandas, y a las bandas nuevas: compongan, graben y produzcan. Sólo así vamos a crecer.

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Lebasstrek soñando en grande

dre, decide dar el paso decisivo para ingresar en el mundo de la música electrónica:

uan Manuel Soto, conocido por su nombre artístico Lebasstrek, es un DJ/productor de 22 años proveniente de la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, quien empezó su incursión en la música electrónica a muy temprana edad, influenciado por la música de los DJ’s de aquel entonces:

Lebasstrek, soñando en grande

“Bueno, yo incursiono en la música electrónica el año 2013, cuando tenía 14 años. Recuerdo que un amigo me muestra por primera vez a DJ Afrojack, entonces fue ahí donde despertó mi curiosidad de querer hacer música electrónica, y donde yo empecé a buscar programas, cursos…, pero eran muy carentes en esa época”, refiere. Es de esa forma que, con el apoyo de su pa-

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“En 2014 yo me inscribo a unas clases de DJ en ‘Outsider Studios`, y fue ahí donde me explicaron un poco mejor cómo era la movida de un DJ, las bases para ser productor. Es en ese momento donde yo empiezo con las bases para hacer música electrónica”, comenta Y es que, para empezar su carrera de DJ/productor, lo primero en lo que tenía que pensar este joven DJ era en un nombre que lo represente. Fue de esa manera que nace Lebasstrek: “El nombre Lebasstrek no tiene un significado tan literal, sino uno más sentimental. Cuando yo estaba en colegio, recuerdo que soñaba mucho con tocar en los escenarios más grandes del mundo, ser un DJ reconocido, y sabía que para ello tenía que tener un alias, un nombre que sea original, y pues en esa época yo no tenía mucho conocimiento de

mejor de cada género, y, como productor, mi labor también es aprender y entender la esencia de cada subgénero”, relata. Es por ello que, desde el comienzo de su carrera musical, nunca quiso enfocarse únicamente en un estilo o género específico y cerrarse en él, sino que tuvo una constante evolución y experimentación en distintos géneros de la música electrónica: “A lo largo de mi carrera como artista he llegado a trabajar con todo tipo de subgéneros de la música electrónica, y géneros de la música en general. Como artista inicié primero con el EDM. Tuve un proyecto alternativo que era Lost Cartel, con el que hacíamos Future House, y últimamente estuve más entrado con la escena underground con estilos como el House, Minimal Deep Tech y Techno. Trato de no enfocarme en un estilo específico, sino ir evolucionando en mi sonido, tratando de expresar lo que realmente a mí me gusta”. marketing, no sabía que un nombre tenía que ser fácil de recordar, que tenía que ser corto. Entonces empecé a unir sílabas, palabras, hasta que surgió el nombre Lebasstrek, y me gustó mucho, y fue con ese nombre que he obtenido muchos logros, y empecé a trabajar en mi carrera como artista”, explica.

Del EDM al House: entre dos polos opuestos

Desde adolescente, los gustos musicales de Juan, Lebasstrek, han sido variados, lo que ha logrado marcar su apertura musical a la hora de producir: “Mis gustos musicales son muy variados. Me gusta el rock, la música electrónica en todos sus subgéneros, la música ochentera, la música de los 60, los boleros, la samba brasilera… La verdad que mis gustos son muy variados, incluso me gusta la cumbia, el reggaetón, y a la hora de hacer música trato de rescatar lo

Empezó su carrera musical con producciones enfocadas al EDM y sus subgéneros. Temas como Underground, Pump it Up, Together y Soar, entre varios más, son clara muestra del excelente trabajo realizado por este DJ en este género, tanto de manera individual como en colaboración con productores bolivianos, e incluso productores y cantantes extranjeros. Sin embargo, con el paso de los años, este artista fue buscando nuevos sonidos y realizando canciones enmarcadas en subgéneros distintos al EDM. Fue de esa forma que Lebasstrek incursionó en el House, con un poco de miedo al principio debido a la diferencia “abismal” entre ambos géneros, y el público receptor de los mismos. De forma gradual, Lebasstrek fue realizando colaboraciones enfocadas al House y sus subgéneros. Una muestra de dicho cambio son tracks como “Turning me On”, enfocado al Future House, que además cuenta con un excepcional vídeo realizado en la ciudad de Santa Cruz; o “Latin Lover”, realizado en conLaCarne Magazine

junto con Gavero, con un estilo más enfocado al House. Ambas producciones tuvieron una gran aceptación de parte de su público, mostrando así el alto nivel de este artista.

“Camba”: Una producción con esencia cruceña

Sin embargo, una de las producciones más interesantes de Lebasstrek, y que de alguna forma rescata tanto la nueva esencia de este artista, así como del lugar que lo vio nacer, es “Camba”, una reedición (realizada en conjunto con el también productor cruceño Joseir) del famoso e icónico tema “Niña Camba”, escrito por el compositor orureño César Espada en el año 1969. Es así, de la mano del sello boliviano Subliminal Senses y con todo el “groove” del Tech House, esta canción ve la luz justamente el 24 de septiembre de 2020, como una forma de homenajear a la ciudad de Santa Cruz de la Sierra en su aniversario: “Yo siempre he sido amante y fan de la música nacional, ya que mi padre me ha inculcado ese amor, y para mí la canción ‘Niña Camba’ es una de las más grandes genialidades que se ha podido hacer en este país, y siempre he querido realizarle una reedición, un remix, y la

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oportunidad se dio el año pasado. He tratado de combinar el estilo Tech House con el Taquirari cruceño, y lo empecé en marzo de 2020 para que como proyección pueda salir el 24 de septiembre para el aniversario de Santa Cruz, y tuvo muy buena aceptación pese al miedo, porque yo antes hacía EDM, y el público EDM no es muy compatible con el público ‘underground’. A pesar de eso, tuvo muy buena llegada. Mis objetivos con esa canción fueron que pueda llegar a los oídos internacionales, para que puedan conocer la canción Niña Camba a través de lo que ofrece el Tech House”. Pero el pasar de un estilo a otro totalmente distinto ha sido una decisión difícil para Juan, quien admite que, de no haber sido por la pandemia del COVID-19, quizá consolidarse en este estilo hubiera tardado un poco más: “La pandemia ha sido muy importante para mí, porque ha sido un tiempo en el que he podido conocerme a mí mismo, replantear los objetivos que yo tenía, enfocarme nuevamente en mis metas. Yo estaba en la disyuntiva de si hacer EDM o hacer Underground, y ese conocimiento pro-

pio que me dio la pandemia, esa sabiduría permitió que yo diera una nueva rienda a mi carrera”, relata. Y es que la inspiración para la creación de cada una de sus producciones, es un proceso que merece mucha dedicación y planificación para este artista: “Las inspiraciones que yo tomo a la hora de hacer música principalmente están basadas en el sueño. Es decir, en la planificación que yo tengo de lograr firmar con los mejores sellos del mundo, lograr con cada paso crecer como artista, llegar a tocar en los mejores escenarios del mundo, y otra inspiración que igual tengo es escuchar mi música, me inspira mucho los logros que he tenido y pues me baso en eso. Trato de no copiar ningún estilo especifico, lo cual ha sido un problema también, porque, al tratar de buscar mi propio sonido y la originalidad, es mucho más complicado y difícil poder sacar algo. Cuando trabajo una canción trato de darlo todo y lo mejor de mí, para que el público pueda disfrutar, es por eso que yo tardo mucho en hacer un track. Tengo muchos proyectos que todavía no han salido porque siempre me ha gustado presentar lo mejor que ha salido de mis manos, algo que me gusta a mí y que le pueda gustar también al público”, explica.

Entre metas y sueños cumplidos

A sus 22 años, Lebasstrek tiene en su recorrido el haber tocado en importantes eventos en Bolivia, habiendo compartido escenario incluso con DJ’s internacionales de gran renombre como Yves V y Fedde Le Grand. Pero consolidarse en el sitio donde se encuentra ahora no ha sido fácil para Lebasstrek, pues uno de los mayores retos ha sido demostrar a su propio entorno que sus sueños sí podían hacerse realidad con trabajo duro: “Uno de los principales obstáculos ha sido que en el principio de mi carrera no tenía mucho apoyo de mi entorno personal.

Mi familia y mis amigos no creían que yo debía dedicarme a esto porque era un sueño difícil de lograr, pero poco a poco obtuve ese apoyo mostrando los resultados a mi familia, y con el tiempo ellos ya veían que yo lograba firmar con sellos discográficos, que tenía entrevistas en radio, lograba tocar en eventos grandes, y así fui ganándome la confianza y ese apoyo de mi entorno para seguir mi carrera artística sin sentir ningún tipo de vergüenza o responsabilidad que yo tengo con los míos”. Sin embargo, las recompensas que este artista ha recibido por su esfuerzo y perseverancia son las que realmente hacen de su carrera artística una destacable. De entre todos sus logros, Lebasstrek destaca cuatro en particular: “Uno de los más grandes logros que he tenido en mi carrera como artista fue mi primer lanzamiento en el sello Quartzo Records, que es uno de los sellos más importantes de la época para el EDM. Esa canción salió en un compilado para el ADE (Amsterdam Dance Event) Sampler 2017, lo cual logró que mi canción ‘Decode’ fuera tocada por Blasterjaxx en su programa ‘Maxximize on Air’. Y para mí, que unos DJ’s ‘tops’ lograran tocar mi música fue unas de las mejores cosas que me ha podido pasar. El segundo logro que tuve fue en abril de 2018, cuando la revista DJ MAG Alemania publicó mi canción ‘Together’, junto al paceño Donhowe, como una de las mejores canciones de Electro House de la semana. Otro evento importante en mi carrera artística fue lograr ganar el Life In Color Dj Contest 2018 en Cochabamba, y para mí lograr tocar en ese escenario fue una de las cosas más gratificantes de mi vida, porque ha sido un concierto en el que yo he asistido en todas sus versiones. El buen desempeño que yo tuve en ese concierto me dio la oportunidad de tocar al año siguiente en ‘Non Stop the Madness’ Cochabamba, que fue el público más grande que yo LaCarne Magazine

he logrado tener, aproximadamente 10.000 personas estuvieron ahí escuchando mi música”, afirma emocionado.

Además, Lebasstrek admite que el apoyo de personas importantes para él ha sido un pilar fundamental para seguir adelante:

Más allá de tener todos estos logros en su carrera, Lebasstrek desarrolla a la par otros proyectos personales que lo ayudan a seguir creciendo artísticamente:

“La persona más importante en mi carrera ha sido mi padre, el cual me ha apoyado incondicionalmente desde los inicios de mi carrera. Me ha apoyado económicamente, moralmente, y eso ha sido muy importante para seguir en mi carrera.

“Actualmente cuento con dos proyectos personales: uno es ‘Paralelo 22’, que es un espacio para artistas bolivianos y de la región para que puedan expresar su música propia a través de videos bien producidos, como lo hace la marca ‘Cercle’, pero aplicado a nuestro entorno, a nuestra región. La verdad que ha prosperado bastante bien estos meses, y proyectamos llevar la música de nuestros artistas a otro nivel. Otro proyecto personal que tengo junto a mi equipo de trabajo es ‘Iguana Studios’, en el que tratamos de construir artistas, producir artistas y manejar artistas del medio boliviano para que puedan surgir con un sonido profesional al exterior”, comenta.

DJ/productor: Una carrera multifacética

Y si hay algo de lo que este joven artista está seguro, es de haber elegido la carrera correcta, lo cual refiere que no es algo fácil, ya que ser un DJ/productor implica conocimiento en varias áreas de aprendizaje: “Para mi ser DJ/productor es uno de los trabajos más hermosos que puede haber y a la vez uno de los más complicados, porque necesitas tener conocimiento de todas las ramas del saber. Necesitas conocer marketing, edición de videos, edición de fotos, ilustraciones…, todo esto para poder resaltar en un mercado tan competitivo como el de la música electrónica, que es uno de los más bellos porque puedes expresar tu música y conectar con la gente. La conexión en un escenario es una de las cosas más increíbles, y en la que tú eres protagonista de la historia cuando eres DJ/productor”.

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Otro apoyo grande que tuve es el de Eduardo Hurtado, que es mi manager actualmente, y que me ha dado una visión diferente de esta carrera. Me ayudó a ampliar mis objetivos y me ha ayudado en el tema económico, en tema logístico, el formar un equipo de trabajo en el que yo pueda desenvolver mi trabajo de la mejor manera, en cuestión de fotos, videos, ‘management’, y conseguir tocadas”, afirma.

El éxito, fruto de la perseverancia

Si hay algo que caracteriza a este artista es la perseverancia que tiene para conseguir sus metas, ya que, si bien Lebasstrek no deja de soñar, él sabe trazar el plan necesario para alcanzar todo lo que se propone con mucho esfuerzo y voluntad propia: “A corto plazo yo me proyecto lanzando mi música en los mejores sellos de música electrónica. A largo plazo, tocar en escenarios de distintas partes del mundo, y pues actualmente me encuentro trabajando en ello y tengo un plan para lograrlo, y no me voy a rendir hasta conseguirlo”, finaliza. Es por ello que, pese a su corta edad, el esfuerzo que Juan Manuel Lebasstrek le pone a su carrera ya está dando frutos. Él ha logrado un importante y destacado lugar en la escena electrónica cruceña y boliviana, marcando huella con sus producciones que incluso traspasan fronteras y convierten a Lebasstrek en un referente de la música electrónica hecha en Bolivia.

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Koala Contreras con La Fuerza y el Rap del Otro

amabilidad y disponibilidad.

racias al contacto especial de la amiga y colega Nalini Galdamez, aka La Derretida, logré conversar con el cantante -de Rap Alternativo- Enzo Miranda aka Koala Contreras, integrante de bandas referentes (en la historia de la música contemporánea chilena) como son Fe por un Destino Anunciado (FDA), y Cómo Asesinar a Felipes (CAF), y que actualmente integra el colectivo La Fuerza. Nos contactamos fraternalmente -como si nos conociéramos de tiempos pasados- y, entablando una confianza mágica e innata, procedimos a coordinar la presente entrevista. Muchas gracias a Koala Contreras por su

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Koala Contreras, con La Fuerza & el Rap del Otro

¿Cómo nace a la vida musical de Koala Contreras? Nací una vez que conocí el Rap y sus formas de expresión. Ahí encontré el refugio necesario para hacer, sentir, y decir. ¿Cuáles fueron sus influencias artísticas y musicales? El primer grupo -del cual fui fanático- fue Guns and Roses, que me dio el empujón entre los 10 y 13 años para luego quedarme en el Rap. Son muchos los raperos que influenciaron el desarrollo propio, músicos y músicas (bandas gringas, latinas y europeas). El estilo, la letra, los beats, el arte en general…

gún beat por ahí o por allá. Así resultaba, así que todo era más simple y con esfuerzo, para poder estar presente. Cuando se unió el colega Foex con el beat, empezó a crecer la idea de hacer. Así FDA se transformó con el tiempo en un referente de Rap, un Colectivo que se mantiene activo en distintos rumbos. Todos los que fuimos parte estamos en actividad musical en nuestros diferentes mundos sonoros. Cómo Asesinar a Felipes y un repaso a su discografía. Koala Contreras, cuéntanos, ¿cuál es la experiencia sembrada y editada desde el primer álbum hasta la fecha? Las distintas experiencias de vida y aprendizajes han sido plasmadas en los discos de CAF (en las letras), así como también en todo el proceso de creación, en relación al contexto y a los procesos personales de cada músico de la banda.

También me gusta la música de otros géneros (Rock Progresivo, Jazz, Punk, el ruido…), y desde esta tierra (Víctor Jara y Violeta Parra). Es muy diverso y amplio, pero todo se conecta en el sentir. Los y las colegas con los que me ha tocado compartir, o simplemente estar en la época correcta, también son influencia importante. Enzo Miranda aka Sr. Miranda aka Koala Contreras, ahora ya un personaje dentro de la escena cultural, según lo que pude leer y escuchar, en 1997 integraste Fe por un Destino Anunciado. ¿Cómo fueron los inicios junto a FDA? Primero, no había internet ni celulares (de manera masiva como pasa hoy), tampoco la tecnología ni el acceso a ella. Había uno que otro computador. El que podía sampleaba, a puro cassette, por puras ganas o consiguiendo al-

Acabo de ver por el YouTube (Showcase IMESUR 2020) a Cómo Asesinar a Felipes con los temas “Caen” & “Ha vuelto a Pasar”, una excelente performance que demuestra los años de experiencia de la banda. ¿Qué géneros musicales han experimentado con CAF? Los géneros van desde su base Rap y Jazz, luego pasa por muchas formas de hacer música y por distintos géneros. Tiene algo de Punk, de Psicodelia Electrónica de los 70, Rock Progresivo, algo de Metal, Soul, Trip Hop, Música Clásica, Folclore, etc. Lo llamativo también es no ocupar guitarra como parte de la base instrumental. Disparan (Fill the skies) feat. Chino Moreno es una de las obras magistrales para la historia de la música contemporánea americana en general. Koala Contreras, ¿cómo surge la conexión con el vocalista del emblemático grupo Deftones? ¿Qué anécdotas puedes comentarnos del tema? Nosotros (Como Asesinar a Felipes) somos parte de Koolarow Records, sello propiedad de Billy Gould, bajista de Faith No More. Él nos contactó con Chino Moreno (y a través de LaCarne Magazine

mail coordinamos las letras y maquetas) para realizar la canción para “Naturaleza Muerta”. Justo ese tiempo coincidió con una gira de Deftones pasando por Chile, ahí nos juntamos para charlar y conocernos un poco. Luego cada parte hizo lo suyo y se logró la canción. Koala Contreras editó en 2009 el álbum “Los Animales Deben Estar Locos”. ¿Cómo le fue al disco? ¿Qué recuerdas de aquella etapa? “Los Animales Deben Estar Locos” fue el resultado de querer hacer Rap y más Rap. Después de FDA era el camino natural, un disco solo, pero no tanto porque cuenta con el trabajo de Foex y Dj Espacio. Es la primera muestra de trabajar las letras como ideas conceptuales, y cómplices unas de otras en distintas canciones o apariciones de personajes para darle vida narrativa. Koala Contreras, cuentas con una larga carrera de colaboraciones, como por ejemplo, en el tema “Penumbra” junto al grupo Tortuganónima, o en “Escalafón” junto a M5D & Los Samples, ¿qué nos puedes comentar de las invitaciones que has aceptado realizar? ¿Qué canciones marcaron en ti? He tenido varias colaboraciones además de las nombradas desde mis inicios con FDA en adelante. Esto es algo común en el Rap. Soy herramienta dispuesta. He participado en otras bandas como Mugrovich Ensamble, Colectivo Ensamble, Speed Race Banana, y con otros colegas chilenos y extranjeros como Matiah Chinaski, Mente Sabia, Demencia Local, Mustafa Yoda, etc. De todo siempre queda una enseñanza. Si bien antes pensaba que la amistad y tener algo en común era un requisito único para crear, hoy pienso que es más abierto y son otros factores los que también hacen posible la creación a partir de las ganas de hacer. Dentro de la música Rap existen un sin fin de géneros o subgéneros que van desde el Hardcore hasta el Rap Cristiano. ¿En qué consiste el “Rap del Otro”? ¿Qué lo caracteriza?

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El Rap del Otro es un concepto que surge con FDA, y es una búsqueda a través de la palabra y las metáforas (en conjunto con el sonido), que se desmarca de lo clásico, transformándose en una alternativa experimental dentro del género. ¿Cómo han encarado la situación mundial del COVID – 19, las cuarentenas, y la etiquetada “pandemia” desde la trinchera del arte musical?

en ambos colectivos. En la actualidad, con ambas bandas estamos preparando cosas. La presente entrevista se quiere centrar en el proyecto musical que Koala Contreras conforma en la actualidad, La Fuerza. ¿Quiénes lo integran? Coméntanos de tus compañeros y sus trayectorias artísticas, ¿cómo surge el colectivo? La Fuerza surge cuando conocí a Cami Cuesta (actriz, marionetista), MC en La Fuerza, y empezamos a armar un primer tema. Luego le presentamos el proyecto a Felipe Denegro, a quien conozco desde fines de los 90´por su grupo Demencia Local, y con quien trabajé mis primeros temas como solista, siendo el origen de lo que fue el disco “Los Animales deben estar Locos”, que luego se concretó con Foex y Dj Espacio. Así nos pusimos a trabajar los 3 juntos (Cami, Denegro y yo) en el primer EP “La Unión”, y posteriormente en los otros trabajos.

Afortunadamente, justo durante este proceso, con La Fuerza estuvimos en actividad constante, creando 4 EP´s durante el 2020. Ésa fue una de las cosas positivas del encierro, tener más tiempo para crear. Antes por razones laborales no se daba tan fácilmente. Con Como Asesinar a Felipes alcanzamos a grabar el disco MMXX antes de que comenzara la cuarentena, así que tuvimos algo nuevo para mostrar durante el año

Han editado en el 2020 cuatro EP’s (“La Unión”, “F-2020”, “Movimiento” y “U-2020”), a parte de 3 singles (“Sapos y Drones”, “Puliendo el Filo”, “Ven Conmigo”), con nuevos aires musicales y melódicos que se combinan con el rapeo tenaz y punzante que lo caracteriza. ¿Qué nos puedes comentar al respecto de las producciones realizadas? Hemos editado 4 EP´s hasta la fecha. Comenzamos con la idea de realizar una trilogía conceptual compuesta por 3 EP´s: “Unión”, “Movimiento” y “Energía”. Dos de ellos, ya fueron lanzados en 2020: “La Unión” (con el single “Sapos y Drones”) y “Movimiento” (con los singles “Siempre hay algo que decir” y “Caminos”), ambos con sus respectivos videoclips disponibles en YouTube). Actualmente estamos preparando el EP “Energía” para 2021. Por otro lado, durante la cuarentena nos surgió la idea de realizar otra secuencia de EP´s, cuya característica principal es la colaboración con otros MC´s y Dj´s. Estos serán 6 en total, y cada uno está titulado con una letra de la paLaCarne Magazine

labra F-U-E-R-Z-A. Hasta la fecha ya hemos lanzado los dos primeros, F2020 y U2020. En estos trabajos contamos con la colaboración de Dúo Ql, Dj Shinoe, Dj See All, David Vidal, Antioch, Dj Dacel, Jenry Cancura, Mgs, Munn (Ecuador), Púas Pulsan, y Dj Gaudeamus. Existe un público ávido de coleccionar material discográfico de manera física, aun en pie de apoyo a las propuestas artísticas. En 2020, de los EP’s que han editado, salió “La Unión” en formato cassette (tape), algo magistral y lleno de vida (a diferencia de la vorágine virtual y sus plataformas). ¿Cómo se han organizado para focalizar este producto? ¿Cómo ven los nuevos tiempos de distribución musical? Somos una banda Independiente, por lo tanto, al momento de invertir en la producción de un formato físico, apuntamos a la nostalgia de la cinta y la radio cassette, tan icónica en los 90, sobre todo para el Rap. Hicimos copias de los EP´s (La Unión y Movimiento), teniendo conciencia de que debían ser ediciones limitadas, con pocos ejemplares disponibles, entendiendo que no hay un mercado para esto. En cuanto a la distribución digital, estamos en la mayoría de las plataformas digitales, y en búsqueda de alternativas más justas, que nos permitan recibir remuneración digna como trabajadores de la cultura. Los tiempos han cambiado para siempre en muchos sentidos literales. Uno de ellos es la forma de presentar y distribuir el material discográfico. ¿Por qué no editaron un sólo disco en lugar de 4 EP’s? Netamente por una razón económica. La realización de EP´S nos permite reducir los plazos de producción, y nos permite tener material en rotación continua con un costo de inversión no tan alto como lo sería un disco. De hecho, muchos trabajan produciendo sólo singles, por ser una alternativa más rentable y veloz.

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“Si un mal sueño nos quita el descanso pleno, despertaremos escribiendo para el canto extremo”, dice el estribillo en el tema “Siempre hay algo que decir”, con un excelente videoclip que demuestra el concepto y sonido de La Fuerza ft. Dj See All. ¿Qué nos puedes comentar de la producción y realización? Estábamos en cuarentena, por lo que el vídeo fue realizado en nuestra casa con los elementos mínimos, poniendo a prueba la técnica y la creatividad al máximo. Cami estaba encargada del guión y el arte, junto a Tomás Reyes en la dirección, otro pilar fundamental para esta realización. “En tiempos de Cambio” (el videoclip) nos muestra el compromiso -musicalmente hablando- con su país y las protestas sociales de reivindicación por parte del pueblo. ¿Cómo

van las energías líricas y creativas a la hora de conectar con la “realidad” contemporánea? La energía y las herramientas están disponibles para relatar o ser el reflejo (social, político y cultural) de nuestra existencia en esta época (refiriéndome al arte como herramienta y recurso). Cuando somos testigos, reflexivos, inquietos, cuestionadores, sensibles y activos, no hay otra consecuencia que estar conectado con la realidad, aunque pienso que es una palabra muy amplia y diferente según la condición que te tocó afrontar. Desde el tema “Orden y Patria” hasta “Mala Hierba” hay una clara resistencia ante el conocido “Estado Profundo”, quienes últimamente han sacado (durante la “plandemia”) sus garras al acecho de la libertad (en todo sentido),

quitándose las máscaras casi como en tiempos de las dictaduras. ¿Cuál es su compromiso para con la vida, la humanidad y su existencia en la Madre Tierra? El compromiso creo que se va manifestando a través de los años. El desarrollo como individuo es algo de toda la vida, lo entiendo como un propósito, con objetivo determinado el hecho de existir. Hay decisiones y consecuencias, hay todo un micro y macro mundo moviéndose para que las piezas encajen, y uno va conociendo, descubriendo su camino. Nosotros vamos por el aporte al sentido común, comunicando y expresando con la música, mostrándola como ejemplo para el crecimiento espiritual y terrenal de una persona -entendiendo que estamos conectados con

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todo-. Somos y afectamos al entorno, la diferencia es equilibrio, pero cuando no hay respeto a la vida, no sirve la idea solamente. En sus letras se ve reflejada una visión socio cultural del Chile que nos hacen conocer. La Fuerza es grabada y mezclada por Felipe Denegro en Dojo Estudio. ¿Cómo se mantiene el Arte Independiente y Autogestionado? ¿Cuál es la fórmula para continuar en la batalla musical? Primero grabamos en Estudio La Salitrera con Tomas Pérez el EP “La Unión”, durante los últimos días de octubre del año 2019 (días después del estallido social acá en Chile, presente hasta hoy en día en plena pandemia). Luego (en marzo del 2020) comenzaron las cuarentenas y el encierro obligado por el COVID. Entonces surgió la idea de hacer una seguidilla de EP´s que formaran la palabra “Fuerza”. Así nació el F2020, montando el Dojo Estudio en casa. Después nos armamos con nuestras cosas para dar vida a “Grabaciones Rap del Otro – Home Estudio”, que fuimos ocupando para todos los trabajos posteriores. Parte del “Movimiento”, por ejemplo Una vez grabadas las voces en casa, son derivadas al Dojo Estudio para que Denegro haga la edición y mezcla (dependiendo del trabajo que sea), y luego se manda a nuestro actual cómplice (Feñita Gaudeamus) para masterizar. Cami Cuesta también ha grabado algunas cosas para algunos colegas, y canciones como solista (como por ejemplo: “La Mantis” o “Alerta”), todo con el mismo método de autogestión y producción. La fórmula más clara es hacer y no detenerse, es la única forma de persistir y mantenerse activo. Cuando la música no es comercial, con mayor razón y como es inevitable en los trabajos, sin duda hay reflejo de la actualidad que nos toca testificar y ser parte. El Rap Latinoamericano ha ido evolucionan-

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do a pasos de gigante desde mediados de los 90’s, y a la fecha es un género tan sólido en sus naciones como para sus expositores o cultores -portavoces-. Koala Contreras, ¿cómo se encuentra, en tu opinión, el Movimiento Hip Hop en Chile? Es tan grande que hay de todo. Algunas personas lo ven como una herramienta, otras como entretención, otras como ejercicio, otras como forma de vida, otras simplemente les gusta. Lo importante es que se ha mantenido vigente, uniendo y comunicando a la gente, que muchas veces lo entienden como una herramienta artística, cultural, política y social.

Se viene “La Energía” (fin de la trilogía), el EP E2020 (EP’s de la palabra “Fuerza”), un disco colaborativo con el Dúo Ql (violín, bajo y batería), que son colaboradores también en nuestras canciones “Sapos y Drones”, “Caminos” y “Puliendo el Filo”. Con CAF estamos trabajando en maquetas nuevas para sacar algo este 2021. Debiera aparecer una re-edición remasterizada de mi álbum “Los Animales Deben Estar Locos”, con Foex y Dj Spa. Sin duda será de creación el futuro mientras estemos vivos en este plano. El mundo y su matrix de un modelo “capitalista y consumista” -en el que hemos vivido- han cambiado para siempre desde la llegada de las cuarentenas. ¿Cuál es su mensaje para la gente que los sigue y escucha? Que se mantengan cuestionadores y empecemos a eliminar los patrones de conducta para mejorar en todo ámbito: en nuestra cabeza, corazón y educación (sobre todo a los hombres que tanto nos falta).

También existe la dualidad entre los más clásicos y puristas, y los más experimentales y diversos (que ocupan el género y lo degeneran, como CAF) – jajaja-. Pero esa presencia no sólo es musical, también hay baile, pintura y tornamesismo, entonces es algo muy fuerte que no se detiene. Como KRS One dijo: “Rap es algo que haces. Hip Hop algo que vives”. ¿Qué proyectos tienen para adelante ya sea como Koala Contreras o con otros proyectos? Seguir haciendo y buscando herramientas para lograr estar tranquilos y tranquila. De alguna forma entendiendo que el estar en contacto con alguna rama del arte nos tranquiliza.

Koala Contreras, ¿cuál es la frase, lema, verso o palabras que le ayudan a seguir adelante en el día a día de la vida? A mí -por lo menos- siempre me ha servido: “La primera idea es la que no tiene que morir”, y “Cuando la palabra no cumple el objetivo, muere”. Imagino que Cami Cuesta, Denegro y mis colegas tendrán las suyas (o la de otros u otras también). La despedida para la gente que disfruta su música y para los nuevos seguidores de Koala Contreras y La Fuerza. ¿Qué nos puedes decir? Que nos escuchen en las plataformas digitales y que lo reciban, que se dejen lo que sirve, y lo que no, que pase de largo. Así somos, así vamos.

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